Del 25 al 31 de agosto “Peor… ¡imposible!”

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Se acercan los últimos días de agosto y con ellos una nueva encarnación de “Peor… ¡imposible!”. Del 25 al 31 de agosto el Centro de Cultura Antiguo Instituto, sito en la calle Jovellanos nº 21 de Gijón, acogerá la celebración de este ciclo cinematográfico dirigido por Jesús Parrado.

En total serán más de una veintena de títulos los que se proyectaran a lo largo de una semana que, bajo el subtítulo “Hecho en Europa”, pondrá su foco de atención en la producción genérica realizada en el Viejo Continente entre la década de los 60 y el principio de los 80, coincidiendo con la época en la que Europa tomó el relevo del cine popular estadounidense. Acorde a estos planteamientos, algunos de los títulos programados para esta decimosexta edición son la ossoriana Serpiente de mar, Los 3 Superman en Tokio, La noche de Walpurgis, Kung Fu contra los siete vampiros de oro, El anticristo, El asesino de muñecas o Escalofrío, estas dos últimas, además, acompañadas por la presencia de dos de sus actores protagonistas: David Rocha y Sandra Alberti, respectivamente.

Como es costumbre, tampoco faltarán las sesiones sorpresas ni las mesas redondas en las que diversos especialistas debatirán de diferentes aspectos relacionados con el cine de género europeo. Todo ello sin olvidar la presentación que nuestros compañeros de “Exhumed Movies” llevarán a cabo dentro del marco del certamen en un acto que tendrá lugar la tarde del sábado 30.

A continuación os dejamos con la programación completa (pinchar la imagen para verla a mayor tamaño):

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Published in: on agosto 20, 2014 at 6:05 am  Dejar un comentario  

Sharknado 2

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Título original: Sharknado 2: The Second One

Año: 2014 (Estados Unidos)

Director: Anthony C. Ferrante

Productor: David Michael Latt

Guionista: Thunder Levin

Fotografía: Ben Demaree

Música: Christopher Cano & Chris Ridenhour

Intérpretes: Ian Ziering (Fin Shepard), Tara Reid (April Wexler), Vivica A. Fox (Skye), Marcos McGrath (Martin Brody), Kari Wuhrer (Ellen Brody), Courtney Baxter (Mora Brody), Dante Palminteri (Vaughn Brody), Judd Hirsch (Ben), Stephanie Abrams, Kurt Angle (Jefe de Bomberos), Benjy Bronk (Mendigo), Downtown Julie Brown (Enfermera Fletcher), Juan Castano (Bombero), Don Castro (Policía de tráfico), Lyman Chen, Billy Ray Cyrus (Médico Quint), Sandra ‘Pepa’ Denton (Polly), Andy Dick (Funcionario Doyle), DC Douglas (Bud), Michael Dugan (MTA Trabajador), Nathan Fast (Radio DJ), Jared Fogle (Jared), Judah Friedlander (Bryan), David L. Garber (Amigo de Jared), Nimo Gandhi (Ingeniero), Robert Hays (Capitán Bob Wilson), Perez Hilton (Pasajero impaciente), Melanie Hinkle (Paramédico), Daymond John (Hombre de Wall Street),  Richard Kind (Harland ‘The Blaster’ McGuinness), Robert Klein (Alcalde), David Lambo (Víctima Metro), Matt Lauer, Biz Markie (Vinnie), Raphael Miranda, Alexis Molnar (Trabajadora pizzeria), Kelly Osbourne (Auxiliar de vuelo), Kelly Oxford, Austin Priester (Policía de vuelo), Kelly Ripa, Timothy Roberts (Rob Ford), Al Roker, Tiffany Shepis (Chrissie), Michael Strahan, Allee Stone (Nikki), Avalon Stone (May), Spencer Stone (Jimmy), Rachel True (Primer Oficial Jonni Valentine), Thomas P. Vitale, Antoinette Vitale, Giovanna T. Vitale, Ava Lauren Vitale, Cararose P. Vitale, Joan L. Vitale, Patrick J. Vitale, Cat Wallace, Kiki Weiss (Sherry), Gerald Webb (Técnico), Raymond T. Williams (Maxx), Anthony C. Ferrante (Guitarrista), Petunia, Karla Koenig-Arnold, Mitch O’Brien, Mark Rosenblum, Melanie Avalon (Asistente de vuelo), Steven Della Salla, Carl Ducena (Oficial de policía de Nueva York), Anne Wheaton, Wil Wheaton (Pasajeros de avión), Mike Gencarelli, Lyle Gold, Michael Leavy, Ryan Mitchelle, Robert Sciglimpaglia, Justin Smith, Carla Ulbrich…

Sinopsis: Tras sobrevivir al tornado de tiburones que asoló Los Ángeles, Fin y April vuelan hasta Nueva York para participar en un programa televisivo en el que van a contar su experiencia. Sin embargo, durante el viaje el avión que los transporta se ve envuelto de lleno en un sharknado. Tras lograr aterrizar con no pocas dificultades, Fin y April deberán enfrentarse nuevamente a una lluvia de tiburones, esta vez en la Gran Manzana.

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La llegada de una secuela que prolongara la repercusión obtenida por Sharknado era algo que se veía venir desde lejos, y no solo porque sus propios responsables se apresuraran en anunciar su realización casi nada más estrenarse su predecesora. Teniendo en cuenta los antecedentes de su productora, la temible Asylum, conocida principalmente por su fabricación de mockbusters, apelativo utilizado para denominar a sus descaradas fotocopias de los blockbusters hollywoodienses del momento, entraba dentro de lo lógico que la creadora de I Am Omega no dejara pasar la oportunidad de sacar el máximo rendimiento posible al único e inesperado éxito propio que ha conocido hasta la fecha. Para ello, y como no podía ser de otra forma, la estrategia a seguir se ha centrado en potenciar aquellos aspectos que convirtieron a Sharknado en todo un fenómeno a escala mundial.

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Conscientes de que su popularidad se cimentó en el impacto obtenido en las redes sociales, toda la campaña publicitaria de Sharknado 2: The Second One se ha encaminado a repetir la jugada, con el claro objetivo de igualar y, a ser posible, superar la repercusión mediática suscitada un año antes. Algo de lo que hemos sido testigos en nuestro propio país, donde, con motivo de su estreno, el canal encargado de su emisión ha realizado un despliegue de medios sin ningún tipo de precedentes para un producto de estas características. Programada de forma simultánea a su première mundial en los Estados Unidos, su pase estuvo precedido por una publicitada maratón compuesta por otras cintas de similar pelaje protagonizadas por escualos, a la que se añadiría un día más tarde una sesión exclusiva en una veraniega pantalla gigante del centro de Madrid, en un evento que tuvo más de reunión social que de un acontecimiento cinematográfico propiamente dicho. A tenor de las actitudes exhibidas por buena parte de los asistentes, era fácil percibir que la razón principal de su presencia estaba motivada por su deseo de seguir la moda del momento y poder así participar vertiendo su opinión en los canales habilitados a tal efecto, antes que por un verdadero interés personal por el título proyectado. Un ejemplo de cómo a estas alturas, y salvo honrosas excepciones, las películas han dejado de pasar de ser obras de arte o, en su defecto, productos de entretenimiento, para transformarse en estudiadísimas campañas de marketing en las que, paradójicamente, lo que menos importa es la propia película.

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Aunque en diferentes términos, dicha circunstancia también se refleja en el contenido de Sharknado 2. A lo largo de su metraje son innumerables las celebridades (en su mayoría televisivas y, por tanto, desconocidas por estos lares) que han querido apuntarse al carro de un éxito más que asegurado, apareciendo delante de las cámaras para desempeñar pequeños cameos. Es el caso de Kelly Osbourne, hija del mítico líder de “Black Sabath”, el veterano Judo Hirsch, el alférez de la “Enterprise-D” Wil Wheaton[1] o Mark McGrath, vocalista del grupo de rock alternativo “Sugar Ray”, y quien encarna uno de los roles protagónicos. Tanto es el énfasis puesto en este apartado que diríase uno de los principales baluartes con los que se ha diseñado un conjunto al que hay que reconocerle una factura técnica algo superior a la acostumbrada en esta clase de cintas, consecuencia de una mayor holgura productiva. El mimo puesto en su confección se deja sentir en una puesta en escena y planificación más rica dentro de sus limitaciones, así como por unos efectos especiales infográficos con un mejor acabado formal, lo que, empero, no ha sido óbice para que la Asylum muestre su cara más ventajista al reaprovechar varios diseños procedentes de anteriores títulos suyos, singularizados en el concurso de aviones y cocodrilos.

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Por lo demás, el resto de la propuesta se desarrolla siguiendo los cauces de lo previsible. Las situaciones grotescas y ridículas que fueran la base de la popularidad de su progenitora son multiplicadas ad nauseam adaptando para ello un intermitente tono auto-paródico y cómplice para con los aficionados al fantástico. Sin embargo, y en contra de lo que cabría esperar, la apuesta no se salda con los resultados deseados. Las barrabasadas recogidas en el libreto de Thunder Levin quedan lejos de ser tan chistosas como pretenden, y la plana y funcional realización de Anthony C. Ferrante se muestra incapaz en todo momento de extraer algo de partido del material que tiene entre manos, más allá de lo evidente. Eso, por no hablar de que el hecho de que todo sea premeditado hace que la cosa pierda buena parte de su gracia. Tanto es así que el único momento destacable de todo el conjunto es aquel en el que el piloto del avión que transporta a los protagonistas, interpretado por Robert Hays, recordado principalmente por ser el protagonista de la saga Aterriza como puedas, comente “el haberse visto en otras situaciones peores” ante los primeros síntomas del sharknado producidos en pleno vuelo.

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Acorde a este planteamiento, su argumento se limita a repetir punto por punto el de la primera parte sin excesivas variaciones. De nuevo, la trama pivota en torno a los esfuerzos del personaje de Ian Ziering por reencontrarse con su familia con el tornado de tiburones como telón de fondo, cambiando el marco de acción de Los Ángeles a Nueva York. Una circunstancia que es aprovechada para realizar un reportaje turístico de la Gran Manzana en el que no falta siquiera una visita a la emblemática Estatua de la Libertad[2], coronado por un patriotero llamamiento a la fuerza de la unidad de los ciudadanos neoyorkinos frente a las adversidades, en una clara referencia a los luctuosos atentados del 11-S.

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Pero si bien sus teóricas cualidades artísticas son, cuanto menos, discutibles, de lo que no hay duda es que Sharknado 2 ha cumplido con creces los objetivos con los que fue concebida. Con una audiencia de 3.9 millones de espectadores en su estreno, ha aumentado en un 189% el share de la primera entrega, mientras que los seiscientos millones de mensajes registrados en el hastag #Sharknado2TheSecondOne duplican el número de comentarios obtenidos por aquélla. Eso solo en los Estados Unidos, claro. En España, por su parte, consiguió copar los diez trending topics durante la noche de su estreno, convirtiéndose “en la película más tuiteada de la historia del país”, según la información aparecida en diversos medios. Con estos registros, no es de extrañar que la Asylum se encuentre ya trabajando en una tercera parte con vistas a estrenarla en julio del próximo año. Y así continuará sucediendo cíclicamente mientras que la gente no se aburra del invento, lo cual, visto lo visto, no parece cercano. Por el contrario, puede decirse que esto sólo acaba de empezar.

José Luis Salvador Estébenez

[1] No es esta la única conexión con Star Trek, aunque sea de un modo indirecto. Durante los primeros compases hay un homenaje explícito a Nightmare At 20,000 Feet, el famoso episodio de la serie The Twilight Zone protagonizado por William Shatner, el capitán Kirk de la serie original.

[2] El concurso de la Estatua de la Libertad no solo se limita al simplemente decorativo, participando activamente en la acción en un doble guiño a En busca del arca perdida y 1997: Rescate en Nueva York o, más concretamente, a cierto detalle engañoso de su cartel original.

Published in: on agosto 18, 2014 at 5:25 am  Comments (1)  

Entrevista a Diego López y David Pizarro, autores de “Silencios de pánico. Historia del cine fantástico y de terror español, 1897-2010″

Presentación del libro en Sitges

Hace poco menos de un año veía la luz en librerías Silencios de pánico, un extenso y completo recorrido por la historia del cine fantástico y de terror español orquestado por dos buenos amigos de esta abadía: Diego López y David Pizarro. A pesar del tiempo transcurrido desde su aparición, escaso en cualquiera de los casos, Silencios de pánico se encuentra en estos días de plena actualidad. Al lanzamiento en fechas recientes de una segunda edición corregida y ampliada, y a su próxima edición en tierras italianas, se le une su candidatura dentro de la categoría de “Ensayo” a los prestigiosos premios Ignotus que organiza la Asociación Española de Fantasía, Ciencia Ficción y Terror y que este año entregará en la próxima “Hispacón”, a celebrar entre el 6 y8 de diciembre en la localidad catalana de Montcada i Reixac. Momento pues de lo más oportuno para que sus dos autores nos comenten con mayor detalle tan fantástica creación.

Silencios de pánico supone vuestra segunda obra conjunta tras el documental Los perversos rostros de Víctor Israel, recientemente aparecido en DVD de la mano de “Vial of Delicatessen”. ¿Cómo surge vuestra colaboración?

Diego: David y yo nos conocíamos con anterioridad al documental Los perversos rostros de Víctor Israel; sin ir más lejos, él ya había colaborado en El Buque Maldito. Debido a nuestra amistad, fue una de las primeras personas que vio en mi casa un previo que había confeccionado a modo de video homenaje al actor Víctor Israel a finales del año 2009 destinado a su proyección en el festival catalán Horrorvision. Una pieza de unos diez minutos de duración donde se intercalaban declaraciones de realizadores que habían trabajado con Víctor junto a secuencias de algunas de sus películas dentro del cine fantástico y de terror. David, tras ver aquel video, me comentó la idea de llevar a cabo un documental donde mostrar su trabajo en el cine tocando todos los géneros donde intervino: terror, comedia, erótico, western… Y así nació el documental.

Aunque aparecido en España editado por Tyranosaurus Books, lo cierto es que el libro nace por sugerencia directa de Luigi Cozzi con vistas a publicarlo bajo su sello Profondo Rosso. Contadme un poco cómo fue toda la historia de su gestación y si se ha llegado a publicar ya en Italia.

David: Durante la edición del Festival de Sitges del 2011 Luigi Cozzi, quien asistió al mismo, hizo buenas migas con Diego y le planteó la posibilidad de escribir un libro sobre la historia del cine fantástico español, pues en Italia apenas existían trabajos dedicados a la temática, con excepción de uno dedicado a Jesús Franco y otro a Paul Naschy. A nosotros nos pareció una idea estupenda, pues queríamos proseguir nuestra colaboración tras el documental Los perversos rostros de Víctor Israel que tan buenos resultados nos había dado. A partir de ahí, decidimos plantearnos un trabajo que se diferenciara de los ya existentes hasta la fecha; queríamos profundizar en el fantástico como tal, pero a la vez proponer “nuevas” directrices o caminos a los que pudiera derivar el género que no estuvieran tan trillados. Asimismo, pensamos que un punto diferencial sería la inclusión de entrevistas a distintos realizadores que sintetizaran con sus propias palabras la historia del fantástico español. Este planteamiento le encantó a Luigi, quien tras leer los primeros capítulos se mostró entusiasmado con el trabajo y, tras una ardua traducción, finalmente verá la luz en Italia en septiembre.

¿Y cómo entra en escena Tyranosaurus Books, y con ello la posibilidad de publicar vuestro trabajo en España?

Diego: Con Marc Gras y José Rodríguez tengo amistad desde hace algunos años. Además, con Marc había trabajado en el verano del 2009 en la confección de los extras del DVD de La orgía de los muertos (José Luis Merino, 1973) para su edición en EE.UU. A José, para ser exactos, le había hablado en alguna ocasión del libro que David y yo estábamos escribiendo y desde aquella primera conversación siempre se mostró interesado en nuestro trabajo. Llegado marzo del 2013 y, con el libro ya muy avanzado, mantuvimos una reunión con ellos y empezamos a cerrar los flecos para su edición en España en octubre del año pasado.

Diego entrevistando a Antonio Mayans en un momento del rodaje de

Diego entrevistando a Antonio Mayans en un momento del rodaje de “Los perversos rostros de Víctor Israel”.

El contenido de Silencios de pánico se enmarca dentro de una corriente bastante transitada durante los últimos años en nuestra bibliografía como es aquella dedicada a estudiar el cine fantástico español. Personalmente, ¿qué consideráis que aporta vuestra obra a lo ya escrito?

David: En primer lugar, consideramos el trabajo muy distanciado de la gran mayoría de las obras similares, las cuales afrontaban la materia desde puntos de vista equidistantes. El nuestro, en cambio, es una obra triple; o sea, tres libros condensados en uno solo, en cuya primera parte se disecciona cronológicamente la historia del cine fantástico español, añadiendo datos hasta ahora ninguneados o desconocidos en otros trabajos y, sobre todo, apostando por títulos olvidados o extremadamente extraños –cf. Novelas sangrientas, El espectro de Justine, Alguien mató su inocencia o Los escondites-, los cuales casi siempre se han descartado de las filmografías dedicadas al género. En la segunda quisimos entrevistar a una serie de realizadores esenciales de nuestra cinematografía, para que ellos mismos, con sus propias palabras, nos esbozaran su propia realidad de la temática, confrontando cinco realizadores contemporáneos –cf. Álex de la Iglesia, Alejandro Amenábar, Jaume Balagueró, Paco Plaza y Nacho Cerdà- con otros cinco incunables –en este caso: Carlos Aured, Juan Piquer Simón, Jacinto Molina, Jordi Grau y Eugenio Martín-, para que así pudiéramos entender mejor el desarrollo de nuestra industria, anécdotas de rodaje y múltiples dificultades a las que se vieron abocados antes de realizar sus indispensables y, en algunos casos, legendarias películas. Y, por último, en la tercera parte encontramos una serie de artículos dedicados a unas tendencias cinematográficas colindantes con el fantástico pero que nunca (o casi nunca) se habían incorporado como tales. Es evidente que para los más puristas una película como El fugitivo de Amberes, tangencialmente enmarcada dentro del policíaco barcelonés pueda parecer una auténtica aberración que la incluyamos en el libro, pero a la hora de analizarla fríamente encontramos ciertos aromas fantasmáticos en su atmósfera irreal e ilusoria que hacen que las distancias entre ambos géneros se estrechen. Por otro lado, otro de los puntos más interesantes del libro es que aborda el fantástico desde sus orígenes, en el cine silente, y recorriendo el trayecto hasta nuestros días, poniendo especial énfasis en décadas hasta ahora ninguneadas.

Con respecto a estos antecedentes, puede decirse que vuestra obra sigue la senda de Profanando el sueño de los muertos de Ángel Sala, quien no en vano firma el prólogo, al moverse en un espectro de títulos bastante amplio en el que hay cabida tanto a los ejemplares más puros como a aquellos otros cuya relación con el género no es tan evidente, o al menos a primera vista, tal y como habéis comentado…

David: Sinceramente, no creo que nuestro trabajo siga ninguna senda concreta ya escrita. El libro de Ángel Sala es un maravilloso estudio sobre el género y bien es cierto que lo hemos utilizado a modo de consulta, del mismo modo que otra serie de trabajos de otros tantos críticos y escritores, como Ramón Freixas, Carlos Aguilar, Javier G. Romero, Esteve Riambau, Antonio Busquets, David García… Aunque lo que sí nos llamaba la atención de Profanando el sueño de los muertos es la diversidad de títulos analizados. Muchos de ellos fronterizos y en algunos casos discutibles, pero resultaba interesante ese tono diferenciador que proponía Ángel. Por eso nosotros quisimos abordarlos de una forma diferente, encuadrándolos en un apartado concreto llamado Anotaciones en las fronteras del terror.

Este ánimo completista os ha llevado a añadir a modo de apéndices sendos capítulos dedicados a desgranar corrientes y estilos poco o nada estudiados hasta el momento, y en cualquier caso siempre de forma tangencial, como puede ser el “Spanish Gothic”, el giallo a la española, el cine de animación o, incluso, el porno…

David: Efectivamente, en este apartado quisimos tratar corrientes poco estudiadas pero que nos parecían imprescindibles incorporar dentro del concepto del libro. Hoy en día ya está aceptado por la gran mayoría de aficionados hablar del Spanish Gothic o del giallo español como tendencias colindantes con el fantástico. Por eso nos seducía la idea de profundizar en otras vertientes menos contrastadas, como la animación, el porno o el policíaco que en otras cinematografías sí que se aceptan como afines al género. Un caso evidente es M, el vampiro de Düsseldorf, en esencia un policíaco al uso pero de cuya atmósfera se intuye un acérrimo acercamiento al horror más profundo.

Todo lo expuesto responde a vuestro objetivo confeso de sacar del olvido directores y películas afines al género fantástico desconocidas no ya para el gran público, sino también para el común de los aficionados, lo que en cierto modo continúa la labor que personalmente tú, Diego, vienes haciendo a través de las diferentes encarnaciones de El buque maldito

 Diego: En general todo responde a nuestra afición por el cine fantástico y de terror español, no olvidemos que David, al margen de ser también un gran aficionado, fue el editor del extinto fanzine Diabolik. En mi caso, desde el inicio del fanzine y las proyecciones, hace ya unos cuantos años, y más recientemente las ediciones en DVD de films como Terror caníbal o Morbus (o bon profit), siempre he intentado reivindicar un cine vapuleado en su país de origen y donde fuera de nuestras fronteras ha gozado de mayor respeto y admiración. Tener la oportunidad de escribir dicho libro junto a David y poner toda nuestra pasión y conocimiento en esas páginas, ha sido una especie de catarsis final sobre un cine que llevo admirando desde que era un crío y tuve oportunidad de conocerlo gracias a una enciclopedia de cine llamada Salvat y publicada a finales de los años setenta. En aquel primer libro de la colección había un extenso apartado dedicado al cine de terror español repleto de fotos de los films ¿Quién puede matar a un niño?, El buque maldito, La semana del asesino o El jorobado de la morgue. Todo aquello despertó una pasión que, a día de hoy, continúa…

En contra de lo que se pudiera deducir a tenor de lo expuesto, vuestro recorrido se muestra más atento a los nombres que a los títulos, articulándose, en cierto modo, a través de la evolución de la carrera de sus principales artífices, léase Jesús Franco, Paul Naschy o Juan Piquer Simón, por citar algunos de los más ilustres, tratadas en paralelo y en capítulo aparte al desarrollo del grueso de la filmografía fantástica patria…

Diego: Gracias a esos nombres se construye la historia del cine fantástico y de terror español. De ahí que sirvan de guía en cada capítulo del libro; en cada década donde su trabajo es la base del género. Aunque no acabo de estar de acuerdo en tu apreciación, creo que los títulos tienen también mucha importancia y nos adentramos en cada uno de ellos al igual que en la figura de sus realizadores, incluso de los actores y actrices que van dando forma a nuestro cine.

En este sentido no puede pasarse por alto el que no nos encontremos con un ensayo al uso, sino que el análisis crítico e historiográfico es acompañado por anécdotas, declaraciones y, como ya adelantabais, hasta entrevistas completas en las que algunos de los principales protagonistas del fenómeno desgranan su relación con el género…

David: Por supuesto, ese es otro de los alicientes del trabajo. Desde mi punto de vista el mejor libro sobre cine de la historia es el que escribió Truffaut sobre Hitchcock y nos divertía la idea de jugar a ser por momentos el director francés sacando del tintero entrevistas y declaraciones a distintas personalidades soterradas o arrinconadas durante años. Ofrecer testimonios orales en forma de declaraciones en primera persona de los protagonistas de nuestro fantastique es algo que vitamina la esencia fundamental del conjunto. Asimismo, las anécdotas de rodaje constituyen por sí mismas curiosidades imprescindibles que todo buen aficionado desea conocer y, por lo tanto, las considerábamos necesarias para poner la guinda al pastel. 

Presentación de "Silencios de pánico" en Barcelona. De izda. a dcha.: Diego López, Jaume Balagueró, Ángel Sala, David Pizarro y Marc Carreté.

Presentación de “Silencios de pánico” en Barcelona. De izda. a dcha.: Diego López, Jaume Balagueró, Ángel Sala, David Pizarro y Marc Carreté.

A lo largo de las páginas del libro queda puesta en evidencia la labor titánica que ha supuesto todo el proceso de documentación, en especial por la circunstancia inherente al fantástico español de que muchos de los títulos comentados son de difícil acceso, ya sea por carecer de ediciones en formatos domésticos o ni siquiera haber sido estrenadas comercialmente, caso de El espectro de Justine de Jordi Gigó. ¿Ha sido este el apartado más laborioso de todo el conjunto?

Diego: Ha sido un apartado laborioso, sí. Llegar a ciertos títulos supuso una labor titánica debido a su nula distribución; y en el caso de la película de Gigó, que nunca tuvo estreno en salas comerciales ni distribución en video, imagínate… Y aquí ha residido un trabajo enorme pero a la vez placentero: la búsqueda, su visionado, y posterior escrito, era un cierre de círculos y, a la vez, un nuevo descubrimiento.

David: Esa serie de piezas prácticamente desconocidas para el aficionado ha resultado una tarea compleja. Ten en cuenta que gran parte de estas películas (no sólo la de Gigó) no se habían comercializado y en algunos casos las referencias que teníamos eran mínimas. Gracias a algunos coleccionistas particulares –cf. José A. Diego y el resto de componentes de Exhumed Movies- y diversos directores, actores y productores, quienes desinteresadamente nos facilitaron parte del material para visionarlo. Sin embargo, otro apartado bastante complejo fue el de los orígenes del cine fantástico, sobre todo el apartado a obras silentes y seriales barceloneses. Apenas se conservan obras de este periodo y resulta muy complejo hacerse una idea de cómo era la cinematografía de esta época objetivamente por evaluaciones de terceros realizadas hace ochenta o noventa años.

Diego: Otro apartado largo y complicado fue poder aportar más información de realizadores, actores y actrices ya desaparecidos donde los datos que había a veces eran confusos o falsos. Tanto David como yo nos obligamos a poner definitivamente un poco de orden, contactando incluso con familiares para tener la información de primera mano o bien tirando de archivos. Un trabajo también muy enriquecedor.

¿Ha habido alguna película que por motivos de imposibilidad material hayáis dejado en el tintero?

David: Sí, ha habido algunas (muy pocas) que hemos descartado por no poder verlas a tiempo, cf. El hombre de neón, la cual he visionado recientemente y me hubiera gustado incorporar por su atmósfera futurista en la línea de Blade Runner, o títulos fronterizos como El misterioso señor Van Eyck, Cara quemada o Cuatro balazos, los cuales quedaban suspendidos en la cuerda floja.

Ya que hablamos de la confección del libro, ¿cómo ha sido el proceso de escritura? ¿Os habéis repartido las funciones de algún modo especial?

Diego: Algunas partes sí que nos las hemos repartido, como pueden ser las entrevistas o los artículos que cierran el libro. Pero el grueso, donde abarcamos la historia del cine fantástico y de terror español, ha estado confeccionado por ambos. Un proceso largo donde David y yo hemos escrito, corregido, añadido, quitado… hasta llegar al texto exacto y adecuado.

Llama la atención que no hayáis optado por aplicar un estilo homogéneo al conjunto, sino que para cualquiera que haya seguido mínimamente vuestra trayectoria es fácil identificar qué partes ha escrito cada uno. ¿Ha sido algo premeditado?

David: Sí, más o menos. Cada uno tiene su estilo diferenciador y su criterio, aunque a veces este no coincida. Son los pequeños inconvenientes que uno debe sortear cuando escribe una obra conjunta.

Una vez terminado, ¿ha cambiado mucho el libro resultante del concepto que teníais en un principio?

Diego: Yo creo que no. Sí que es cierto que sobre la marcha íbamos aportando ideas que algunas están ahí y otras quedaron fuera. Pero la base inicial nunca cambió.

David: A mí, sobre todo, me apetecía apostar por la parte final del libro, donde se sugerían una serie de títulos fronterizos, pues hasta la fecha apenas había estudios dedicados a estas vertientes.

Hace escasas semanas se ha lanzado una segunda edición ampliada del libro. ¿En qué han consistido estos nuevos añadidos?

David: La segunda edición salió principalmente debido al éxito de la primera. En apenas una semana el editor se quedó sin ejemplares y, a partir de entonces, se nos planteó la posibilidad de sacar la segunda edición intentando mejorar los pequeños errores u omisiones que tenía por falta de tiempo, pues debimos terminar el trabajo rápidamente para presentarlo en el Festival de Sitges del 2013. En realidad, los principales cambios entre ambas ediciones son la inclusión de una bibliografía y un índice de películas que resulta muy práctico debido a la magnitud de títulos citados, sobre el millar; aparte, se han sustituido algunas fotografías por otras que considerábamos más acordes y se ha corregido una nota, donde citábamos dos títulos de cine porno erróneos. Espero que con el tiempo y si siguen como van las ventas podamos hacer una nueva edición incluyendo esas películas dejadas en el tintero y ampliando el artículo principal hasta nuestro días.

Tras Silencios de pánico ¿ya tenéis en mente algún nuevo proyecto conjunto?

Diego: Antes de introducirnos en la escritura del libro, David y yo estábamos valorando ideas para un nuevo documental. Quizás el año que viene abordemos alguna de ellas y volvamos a trabajar juntos en una nueva pieza.

Si queréis añadir algo más, este es el momento…

David: Pues nada. Ha sido un enorme placer hacer esta entrevista y queríamos darte las gracias por la atención recibida y también a todos nuestros lectores a quienes esperamos hayan disfrutado devorando Silencios de pánico tal y como nosotros lo hicimos escribiéndolo, y que no se tomen a mal si destripamos algún film concreto, pues son meras opiniones y en la variedad de criterios está el gusto.

Diego: Ha sido un placer contestar la entrevista y espero que los lectores del libro disfruten tanto como nosotros hemos disfrutado con su escritura.

José Luis Salvador Estébenez

 

Published in: on agosto 14, 2014 at 5:24 am  Dejar un comentario  

Abierto plazo de inscripción para el próximo AWFF

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La organización de Almería Western Film Festival (AWFF) 2014 ha publicado las bases del concurso para los films que compondrán la sección Western de su cuarta edición, a celebrar del 10 al 12 de octubre bajo la organización del Ayuntamiento de Tabernas. El plazo de inscripción está abierto desde el pasado 1 de agosto y se cerrará el próximo día 31 del mismo mes. En él solo podrán participar películas que hayan sido finalizadas entre 2012 y 2014, siendo su inscripción es totalmente gratuita. Las bases se pueden consultar en el siguiente enlace http://www.almeriawesternfilmfestival.es/peliculas/concurso.html

Entre todos los films que compitan a concurso, el jurado elegirá el premio ‘Almería Western Film Festival 2014′, mientras que la audiencia otorgará otro premio denominado ‘Público’. Asimismo, el Festival concederá un premio honorífico como tributo a toda la carrera de una reconocida personalidad del ámbito cinematográfico con el premio ‘Tabernas 2014′.

Además, el Festival contará con otras secciones no competitivas; ‘Retrospectiva’, una muestra paralela que reúne films de ficción que se rodaron en Almería en la época de los ‘spaghetti western'; ‘Vídeos’, documentales, trabajos experimentales o musicales relacionados con el género western; y ‘Publicidad y videoclips’, en la que se recoge una muestra de anuncios y spots cuyo escenario es Almería como ‘Tierra de Cine’. Un año más, la localidad almeriense de Tabernas será la sede principal del Almería Western Film Festival, alternando actividades con los poblados del Oeste Mini Hollywood y Fort Bravo.

Más información: http://www.almeriawesternfilmfestival.es

Published in: on agosto 13, 2014 at 5:25 am  Dejar un comentario  

Jugando a matar

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Título original: Dolly Dearest

Año: 1991 (Estados Unidos)

Director: Maria Lease

Productor: Daniel Cady

Guionista: Maria Lease

Fotografía: Eric D. Andersen

Música: Mark Snow

Intérpretes: Denise Crosby (Marilyn Wade), Sam Bottoms (Elliot Wade), Rip Torn (Karl Resnick), Chris Demetral (Jimmy Wade), Candace Hutson (Jessica Wade), Lupe Ontiveros (Camilla), Enrique Renaldo (Estrella), Alma Martínez (Alva),  Will Gotay (Luis)…

Sinopsis: Los Wade se trasladan a México cuando Elliot, el cabeza de familia, compra una antigua fábrica de muñecas ubicada junto a una antigua cripta de una secta legendaria. Cuando ésta es abierta en plena noche por un arqueólogo, unos malignos espíritus se escapan de su interior, sembrando la muerte a su paso.

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“Dolly Dearest” fue portada en la revista “Fangoria”.

No hay duda de que el referente directo que tenía la realizadora novel Maria Lease mientras escribía el guión de Jugando a matar, era el de Muñeco diabólico, la famosa película de Tom Holland que había sido estrenada con éxito en 1988 y que para entonces ya contaba con una secuela- precisamente, el mismo año en que veía la luz la presente, 1991, se estrenaría la tercera entrega de la saga-. Lease ofrecía su versión femenina con Dolly Dearest en su original título, de un modo múltiple, ya que como puede observarse durante la película, un espíritu maligno que es liberado, se introduce ni más ni menos que dentro de los cuerpos de unas muñecas abandonadas en una vieja fábrica, una de las cuales será adoptada por la hija pequeña de la familia que pretende relanzar dicha fábrica, y que poco a poco irá poseyendo la personalidad de la pequeña, sembrando el mal a su alrededor.

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Diferentes carátulas de “Dolly Dearest”.

Por tanto, podemos considerar su argumento, además de cien por cien demencial e inverosímil, bastante manido dentro del cine de terror, hasta el punto en que el espectador podrá ir adelantándose a los sucesos. A pesar de ello el conjunto tiene cierto encanto naif, sobre todo debido a los efectos especiales de Michael Burnett, responsable, entre otros, de los maquillajes de la serie Buffy, cazavampiros, quien a pesar del bajo presupuesto, consigue crear una Dolly Dearest al nivel del Good Guy de las tres primeras partes de la saga de Muñeco diabólico.

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Un acierto de Maria Lease, realizadora que por cierto comenzó su andadura en el medio cinematográfico como actriz de películas de serie Z, es no esperar hasta el clímax final para mostrar a la muñeca en movimiento, algo que sí sucedía en Muñeco diabólico para aumentar el suspense y la expectación del espectador. Aquí lo que realmente resulta encantador es ver a las muñecas en acción, realizando todas sus macabras fechorías -aunque nunca lleguen a alcanzan la genialidad de las Dolls de Stuart Gordon-, quedando como casi el único reclamo del filme.

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En el reparto hay incluso caras conocidas. Denise Crosby, la madre de la familia protagonista, es una habitual del género, vista en El cementerio viviente o Mortuary, de un Tobe Hooper en horas bajas. Sam Bottoms, el patriarca de la familia Wade, hermano de Timothy y fallecido a las edad de 53 años, era conocido por intervenir en grandes producciones como Apocalypse Now. Rip Torn, un rostro más que familiar para el espectador, -sin ir más lejos, es el malo del clásico de Don Coscarelli El señor de las bestias-, interpreta al arqueólogo que descubre el misterio. También tenemos a Lupe Ontiveros,  latina nacida en Texas y fallecida también recientemente, formó parte del elenco de Los Goonies, y cerrando el casting los niños Chris Demetral y Candy Hutson, -pelín sobreactuada, por cierto-, que tienen bastante peso en la trama, quizá demasiado porque, de hecho, la suspicacia del niño y su intromisión durante el desarrollo y cierre del filme nos acercan más a una cinta casi más infantil que de género. El resto del reparto lo completan actores mexicanos ya que, aunque la cinta no se rodó en dicho país por temas presupuestarios (1), sí se desarrolla en el mismo.

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El filme, que iba a ser estrenado directamente para su explotación videográfica, tuvo su estreno en cines aprovechando el anteriormente mencionado éxito de la saga de Chucky, aunque ni su productor, esposo por cierto de la realizadora, ni ella misma, han vuelto a desempeñar estos roles en el medio cinematográfico. Que cada uno saque sus propias conclusiones.

Jesús Palop

(1) Y esto se hace patente al inicio de la cinta, que abre con un cartel que reza: “NO PASE. Por orden del departamento de Arquiología”, todo un gazapo lingüístico que ya nos adelanta los derroteros que va a tomar la película.

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Published in: on agosto 11, 2014 at 5:29 am  Dejar un comentario  
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¡Zarpazos!: un viaje por el Spanish Horror

Con motivo del lanzamiento en DVD del documental de Víctor Matellano Zarpazos: un viaje por el Spanish Horror por parte de Cameo y Tema Distribuciones, abordamos en el siguiente texto un pequeño análisis tanto de la película como de las diversas características y extras que acompañan la edición.

LA PELÍCULA

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Al igual que ocurriera con otros fenómenos cinematográficos alumbrados y acuñados en el viejo continente (como el péplum, el spaghetti western, el giallo o, ya si apuramos, el cine de terror producido por la británica Hammer), el fantaterror español tuvo un periodo de esplendor demasiado corto. Más concretamente, se suele fechar su existencia desde el 1968 con el estreno de La marca del hombre lobo de Enrique L. Eguiluz, hasta 1975, año de la muerte del dictador Francisco Franco. Aún y con esas, pese a su corta vida, el fenómeno fue muy intenso, llegando a cifras de vértigo en el año 1973 en lo que a estrenos se refiere. Esa explosión de cine de terror que se prodigó durante apenas siete años generó su propio star system con Paul Naschy a la cabeza, y en sus centenares de títulos conoció algunos ejemplos de lo más interesantes y singulares, que han influido a las siguientes generaciones de cineastas de todo el mundo. Sin embargo, ocurre algo muy peculiar con esa época dorada, pues son pocos los historiadores y escritores especializados que parecen ponerse de acuerdo a la hora de abordarlo. El fantaterror patrio tuvo nombres tan importantes y carismáticos[1] que realizar una aproximación generalizada a esa etapa haciendo justicia a cada uno de ellos parece una tarea cuanto menos difícil, más no imposible, como se han ocupado de demostrar algunos ensayos recientes como Silencios de pánico[2] de Diego López y David Pizarro, en el que al menos se intenta abarcar de un modo más o menos pormenorizado a todas las figuras que intervinieron en ella.

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Víctor Matellano, en cuyo currículum como director figura el cortometraje Tío Jess[3], la recientemente estrenada en el pasado Nocturna Wax o Vampyres, remake actualmente en fase de post-producción de Las hijas de Drácula de José Ramón Larraz, parece tener muy claro este pequeño gran hándicap y “adapta” su propio libro Spanish Horror[4] de una manera muy particular, repitiendo el modus operandi de otros documentales recientes sobre subgéneros y cine de derribo (véase al respecto Not Quite Hollywood: The Wild, Untold Story of Ozploitation![5] o Machete Maidens Unleashed![6], ambos dirigidos por Mark Hartley), con el conocido objeto de trasladar al espectador hasta la edad de oro del cine de terror español utilizando distintas voces y sin necesidad de utilizar un narrador concreto que sirva de guía. Entre estas voces encontramos nombres capitales del fantaterror: el de los cineastas Jorge Grau, Eugenio Martín o el propio José Ramón Larraz, además de Jack Taylor, Antonio Mayans, Caroline Munro, Lone Flemming o Colin Arthur. Pero también hay cabida para algunos rostros más actuales, como los directores José Luis Alemán o Paco Plaza, además de contar con el testimonio de escritores especializados del calibre de Carlos Aguilar, cuya pluma ha intentado definir las líneas argumentales a seguir de ese periodo, no sin antes levantar cierta polémica[7] entre los amantes del género. Gracias a estos y otros rostros (entre los que podemos destacar a Joe Dante o Jose Luis Galicia, y más especialmente, debido a su protagonismo, a Ángel Agudo[8] y el cortometrajista Manuel M. Velasco, de los que el realizador se sirve para que de algún modo lleven la voz cantante en el desarrollo del documental), Zarpazos conforma un peculiar collage de declaraciones e imágenes de archivo separados por capítulos[9], que a priori nos puede parecer algo atropellado y confuso, pero que rápidamente va tomando forma y dibuja una amena y somera aproximación al cine de terror español y sus diferentes etapas (es decir, sus inicios, su auge, su caída y en la actualidad). Quizás no sea muy errado decir que según avanza el documental se intuye el esfuerzo de Matellano por intentar satisfacer a los amantes del género, mostrando cierta equidad hacia todas esas figuras que formaron el denominado fantaterror, pero sin ocultar, eso sí, la preferencia por Paul Naschy (no por menos, su voz abre y cierra la cinta, además de contar con un capítulo propio), que al menos no se antoja tan desmedida como en algunos estudios literarios recientes (ni obviamente, tan ninguneada como en otros que no nombraremos para no herir susceptibilidades).

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Pero este modo de narración (recordemos, llevado a cabo mediante los diferentes testimonios que intervienen acompañados de diverso material de archivo), también le cobra factura al resultado, pues a lo largo del documental se dan algunos errores/lapsus[10] que, curiosamente, están vertidos por las dos personas más presentes a lo largo del metraje, es decir, Agudo y Velasco. Por otro lado, muchas veces el diferente material de archivo utilizado no guarda demasiada relación con lo que en ese instante se está explicando[11]. Tampoco es comprensible que en el capítulo de los antecedentes al fantaterror figuren filmes como Ella y el miedo de Klimovsky o Hipnosis de Martín (ambos más bien ejemplos de thrillers, aunque en el segundo ejemplo exista algún eco fantástico), o, en todo caso, que no se mencionen otros ejemplos puros como El sónido de la muerte de José Antonio Nieves Conde[12], pongo por caso; igual de incomprensible resulta que no salga a colación una de las obras maestras más populares del cine español de género, ¿Quién puede matar a un niño? de Chicho Ibáñez Serrador, o que no se profundice algo más en este director que aunque no se prodigó mucho en el cine su serie para televisión Historias para no dormir sí que creo que influyó, ni que sea un poquito, en el boom del terror del 68.

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Esta serie de puntillas dan fe de lo que exponíamos al inicio del texto: la dificultad para contentar a los siempre exigentes amantes del cine de terror español. Quizás, antes de rasgarnos las vestiduras tendríamos que tener en cuenta que estamos ante un documental – medio en el que, lamentablemente, no se puede abarcar todo lo que a lo mejor si se podría hacer en una obra escrita -, por lo que es más que entendible la ausencia de no pocas películas o que en algunos casos se pase por ellas a pies juntillas. Así que, anteponiendo que tampoco soy ningún estudioso ni especialista del fantaterror patrio, y pese a los defectos que atesora, démosle la bienvenida a todos los documentales que sean al menos igual de entretenidos y estén hechos con el mismo cariño que Zarpazos.

LA EDICIÓN

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La edición se presenta con imagen anamórfica, audio en versión original y subtítulos en castellano automáticos aunque opcionales para aquellos testimonios recogidos en inglés. Dado lo reciente del documental, la calidad ofrecida tanto de audio como de imagen ofrecida es excelente, viéndose solo mermado el primer apartado por algunos de los insertos procedentes de películas en los que, por lo general, se detecta una falta de remasterización en las fuentes utilizadas, asó como el no respeto de los formatos de pantalla originarios, en la mayoría de los casos. Por último, en lo que respecta a los extras poco se puede decir como, por otra parte, viene siendo desgraciadamente habitual en las ediciones lanzadas de manera conjunta por el tándem formado por Cameo y Tema, limitándose el único complemento extra incluido a un teaser tráiler del documental.

Juan Pedro Rodríguez Lazo

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[1] Jesús Franco, Chicho Ibáñez Serrador, León Klimovsky, Juan Piquer Simón, o Amando de Ossorio, además del referido Paul Naschy/Jacinto Molina, son algunos de ellos.

[2] Editado en España por Tyrannosaurus Books.

[3] Corto co-dirigido junto a Hugo Stuven, candidato al Goya al mejor cortometraje documental del 2013.

[4] Spanish Horror de Victor Matellano, editado por T&B Editores.

[5] Divertido documental sobre el cine de explotación realizado en Australia durante la década de los 70 y 80.

[6] Recorrido por el cine de Serie B filipino surgido en los sesenta y explotado en la década de los setenta.

[7] Por todos es conocida la fobia que siente Aguilar  por la obra en general de Paul Naschy, de la que (injustamente) apenas salva La marca del hombre lobo.

[8] Director del documental El hombre que vio llorar a Frankenstein (2010), centrado en la figura de Paul Naschy.

[9] Titulados: “El miedo”, “Coproducciones y cine de género”, “Antecedentes en el terror”, “El boom español”, “Influencias”, “Algunos directores (León Klimovsky, Amando de Ossorio, Juan Piquer Simón, José Ramón Larraz y Jesús Franco)”, “Paul Naschy”, “Sexo, violencia y sangre”, “El Post-boom”, “Algunos títulos indispensables (No profanar el sueño de los muertos, Pánico en el Transiberiano y La residencia)” y por último ”Legado”.

[10] En el documental se llega a apuntar que Narciso Ibáñez Menta era argentino (¡!) o que La muerte tenía un precio de Sergio Leone, no sabemos según qué criterios, es más española que italiana (¿?).

[11] Para ilustrar de un modo más claro lo que quiero decir, en un momento dado se ve una foto promocional de Empusa (Jacinto Molina, 2010) entre medio de imágenes de películas de más antiguas.

[12] Producción de 1966 que adelanta algunos elementos que posteriormente se utilizarían en la archiconocida Posesión infernal de Sam Raimi.

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FICHA TÉCNICA

Título original: ¡Zarpazos!: un viaje por el Spanish Horror

Año: 2013 (España)

Director: Víctor Matellano

Productor: Andrés Acevedo, Víctor Matellano, José Frade

Guionista: Víctor Matellano

Fotografía: Daniel Jiménez, Hugo Stuven

Música: Sergio Jiménez Lacima

Intervienen: Paul Naschy (voz), Ángel Agudo, Manuel Velasco, Jorge Grau, Eugenio Martín, Joe Dante, Lone Flemming, Jack Taylor, José Luis Alemán, Paco Plaza, José Luis Galicia, José Ramón Larraz, Antonio Mayans, Colin Arthur, Caroline Munro, May Heatherly, Carlos Aguilar…

Sinopsis: Documental que realiza un rápido repaso al cine de terror español, centrándose particularmente en la época dorada del denominado fantaterror.

*Todas las imágenes de la película que ilustran este artículo pertenecen a capturas de la edición comentada.

Pablo Mérida publica “100 diálogos de cine”

Desde hace algunos días se encuentra a la venta el nuevo libro de Pablo Mérida, 100 diálogos de cine. Como viene siendo habitual en los últimos trabajos del escritor madrileño afincado en Barcelona, lo hace en formato digital, estando ya disponible en las principales plataformas especializadas, como Itunes o Amazon.

Tras visitar los desérticos terrenos del western y alrededores en algunas de sus más recientes obras, en 100 diálogos de cine, tal y como su propio nombre indica, Mérida recopila algunos de los diálogos escritos para la gran pantalla que han conseguido causar un profundo impacto en la memoria colectiva,  con el confesado objeto de rendir tributo a aquellos guionistas, directores y actores que nos han emocionado con sus memorables frases.

Para tal fin, 100 diálogos de cine se presenta estructurado en diez capítulos que incluyen otros tantos diálogos destacados de un determinado tema: frases románticas, sentencias melodramáticas, advertencias inquietantes o despedidas inolvidables, son algunos de ellos. Una selección que no aspira a contener los mejores diálogos de la historia del cine, pero sí aquellos que nos hicieron soñar en su día y que hoy, al recordarlos, nos vuelven a transmitir con fuerza toda la magia del séptimo arte.

Más información en: http://pablomerida.wordpress.com/2014/05/12/dialogos-de-cine/

Published in: on agosto 7, 2014 at 5:19 am  Dejar un comentario  

Ultramundo y AppleHead Team presentan “Charles Band: El Imperio de la Luna Llena”

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AppleHead Team se alía con el equipo del blog Ultramundo para dar vida a un jugoso nuevo proyecto. Charles Band: El Imperio de la Luna Llena representa un ambicioso intento por crear una obra que abarque completas reseñas de los trabajos más significativos de Charles Band en todas sus facetas (Director/Productor/Guionista), así como las películas más conocidas de las dos compañías insignia en la trayectoria de Band: la Empire y la Full Moon. Serán reseñadas más de sesenta películas con todo lujo de detalles y declaraciones de los implicados. Una labor colosal con la que aspiramos a realizar el libro más completo jamás hecho sobre la trayectoria de Charles y su Bandálico equipo. En la realización de este libro trabajan Fernando Rodríguez Tapia e Iván Suarez Martínez, coordinados por Miguel Díaz González y con la supervisión de Frank Muñoz y Pedro José Tena. Además, cuenta con las intervenciones de Daniel Rodríguez Sánchez, Adrián Sánchez, Miguel Ángel Muñiz y el propio Tena.

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Por fin, en un sólo libro  estarán presentes completos análisis de sagas que han dejado su impronta en la serie B: Re-AnimatorGhouliesPuppet MasterTrancersDemonic Toys, Subespecies y muchas más. Además, por razones completistas, serán incluidas las secuelas de títulos emblemáticos de la Empire y la Full Moon realizadas fuera de las empresas matrices, como Beyond Re-Animator o Puppet Master Vs. Demonic Toys.

Como nuevo volumen dentro de la colección La Generación del Videoclub, no faltará un capítulo introductorio en el que se repasará la historia de las dos famosas productoras de Charles Band, desde sus orígenes hasta su disolución y bifurcaciones.

Todo ello dará como resultado un libro lleno de rigor, amor, monstruos feos y muñecos asesinos que no te puedes perder. Próximamente a la venta.

Published in: on agosto 6, 2014 at 5:12 am  Comments (6)  

Cine-Bis – Cine de género alrededor del mundo – nº 2

Título: Cine-Bis – Cine de género alrededor del mundo – nº 2

Autores: Javier G. Romero, José Luis Salvador Estébenez, Carlos Aguilar, Fernando Rodríguez Tapia, Pablo Fernández, Juan Carlos Vizcaíno Martínez.

Editorial: Quatermass

Datos técnicos:124 páginas (Bilbao, junio 2014)

Cuando apareció el nº 1 de esta revista todo el mundo lo saludó con entusiasmo. Editada por Javier G. Romero, responsable de la mítica Quatermass, esta nueva publicación, imagino, cubre las apetencias de su editor de extender el análisis hacia otro tipo de cine que no tenía cabida en aquella otra, centrada solo en el fantástico. Aquí tenemos western, cine criminal, incluso comedia y melodrama (y sin duda desconcertando a gran parte del personal en este último caso). Ahora, con un segundo número disponible, las buenas expectativas que Cine-Bis despertó entre aquellos que lo descubrieron se confirma como una de las publicaciones a seguir con fidelidad e interés.

Este número comienza con un editorial de Javier, reflexionando sobre la “magnífica acogida” que tuvo la entrega anterior, y hablando de su intención de proseguir, número a número, con redactores distintos, para ofrecer una muestra lo más variada y amplia posible. Le sigue una selección de declaraciones procedentes de algunos de los más importantes editores y faneditores del país, analizando aquel primer número, seguido de un reportaje sobre la presentación de la revista en la Filmoteca. Y a continuación, diríase, comienza todo…

Así, arrancamos con un más que interesante artículo sobre el western crepuscular, escrito por Javier G. Romero. En la primera parte de un texto dividido en dos (de un tema que daría para un libro), Javier presenta con rapidez las constantes de la temática para entrar en el contexto a continuación de ciertos exponentes previos, si bien personalmente echo de menos una alusión más directa a El hombre que mató a Liberty Valance, título que, para mí, contiene las variables del western clásico y del crepuscular aunadas, exponiendo una sobre las bases de la otra. Pero eso solo es una apreciación personal: la lectura se hace cautivante, y el recorrido por el western crepuscular de la década de los sesenta es ejemplar, coincidiendo en la mayoría de los casos con mi propio parecer (aunque ello no sería necesario). En el siguiente número se centrará en los setenta.

A continuación tenemos un artículo dedicado a la Trilogía de Ilsa, escrito por José Luis Salvador Estébenez. Una vez más, este joven autor da muestras de su enorme capacidad de hacer interesante cualquier cosa sobre la que escriba, y de exprimir a fondo una película, por mala que sea. No solo el análisis es implícito al buen cine, y este artículo es buena muestra de ello, exponiendo a fondo las constantes de esta saga. Amigo lector, puede que no te interese este ciclo, como a mí me sucedía, pero la lectura del artículo no solo se hace cautivante, sino que plantea ideas que aportan algo sólido, sin por ello dejar a las claras la opinión de José Luis sobre la calidad de las cintas.

Le sigue una entrevista con Giuliano Gemma debida a Carlos Aguilar. Fallecido recientemente, el texto supone un homenaje al actor, y no es del todo una entrevista auténtica, si bien tampoco falsa. Se trata de una recapitulación de las diversas charlas que Carlos mantuvo con Gemma a través de sus diferentes encuentros, ordenada de forma cronológica. Un curioso ejercicio periodístico que aporta sustanciosa información, hablando de unos filmes y una época que han forjado toda una forma de narrar, independientemente del género. “Llaneza y honestidad” es el subtítulo del artículo, calificando al actor de esa manera, algo que también sirve al propio texto.

Blaxplotation: pólvora negra en Hollywood” es la segunda parte de un artículo que comenzó en el número anterior, y firmado por Fernando Rodríguez Tapia. Otro tema que daría sin duda para un libro, aquí se centra en las películas de tres temáticas muy características de este tipo de cine, el de terror, el western y las actrices de color. Un recorrido interesante y necesario sobre una clase de películas poco apreciadas, menos aún analizadas, y que expone con inmediatez los títulos más importantes y los más famosos. Este texto también sirve para reflexionar sobre la gran cantidad de cine que sigue ausente en nuestro país en buenas ediciones en DVD.

Tenemos a continuación otra entrevista, también debida a Carlos Aguilar, y esta vez realizada con Antonio Margheriti. De igual modo fallecido recientemente, en esta ocasión se trata de una entrevista “auténtica”, realizada en 1999. Que me perdone el resto de los colaboradores, pero para mí este es el plato fuerte de la revista, sin desmerecer al resto. Una entrevista muy bien enfocada, que recorre la filmografía de uno de los directores más interesantes y menos valorados de la cinematografía italiana, que transita por los diversos aspectos y etapas de su cine. Una joya.

Si los previos artículos se centraban en algo global, ahora tenemos uno dedicado a una única película, la rusa Viy (1967), escrito por Pablo Fernández. Es una lástima para muchos lectores que esta joya del cine del este no se halle disponible en nuestro país, pero aún así recomiendo la lectura del texto, pues no es preciso conocer el film para que el artículo aporte datos interesantes sin por ello destripar nada (alguien hablaba recientemente de la manía actual al spoiler). El texto habla del soberbio original literario de Gogol, de otras versiones previas del film, para después analizar a fondo el título central, y terminar comentando las últimas versiones, entre ellas una muy reciente y decepcionante superproducción. La pieza rara de este número, y que espero que despierte en muchos el interés por localizar esta obra maestra.

Carlos Aguilar repite por tercera vez con otro homenaje a alguien recientemente fallecido, Curtis Harrington. Empero, en esta ocasión no se trata de una entrevista, sino de un artículo recorriendo su filmografía, analizando sus constantes, descubriendo sus intereses. Es una lástima que Carlos pase de largo los telefilmes que dirigió en los setenta, aunque, en todo caso, no cabría valorar lo que no hay, sino lo que hay. El autor refiere que conoció en persona a este singular cineasta, y algunos comentarios de primera mano sirven para efectuar un retrato más completo de un director peculiar, que tuvo muchos inconvenientes a lo largo de su carrera. Quién sabe si, con mejor suerte, sus películas hubieran sido más redondas; aún con todo, un realizador que conviene seguir a fondo.

Juan Carlos Vizcaíno se centra en analizar las películas adaptadas a raíz de la novela Imitación de la vida, de Fanny Hurst. Y acaso este artículo chirríe a muchos lectores, e incluso haga que se lo salten, al hablar de melodramas. Harían mal. Cine-Bis es una revista centrada en analizar el cine de género, y el melodrama es uno de los géneros puros por excelencia. Existe una versión mexicana de la novela, Honrarás a tu madre, que Juan Carlos no pone demasiado bien, aunque hace muy apetecible su visionado. La mayor parte del artículo, sin embargo, se centra en analizar las dos versiones por excelencia, las debidas a John M. Stahl y Douglas Sirk, dos formas muy distintas (por época y por personalidad intrínseca) de enfocar el melodrama. Un artículo muy interesante, que sería una buena simiente para hacer otro más largo analizando paralelamente el cine de este género de ambos directores.

Otro de los platos fuertes de la revista, por su rareza, es el artículo que viene a continuación, “Divulgación o pornografía: El cine de educación sexual”, debido de nuevo a Javier G. Romero. El sexo ha estado siempre ligado al cine desde su creación; ya en 1896 The Kiss, de William Heise, supuso el primer escándalo, al mostrar en un plano medio fijo un beso durante 47 segundos. Desde entonces, las distintas ligas de decencia han intentado impedir lo que otras personas pueden y deben ver. El artículo es un cautivante recorrido por el cine que trataba de exponer el sexo a partir de un ángulo educativo, desde la época de cine mudo hasta la muy famosa etapa de los sesenta y setenta en los países nórdicos. Un artículo, en suma, a devorar lúbricamente.

Termina la revista con una sección fija, centrada en entrevistar a los responsables de diversas publicaciones actuales del fandom. En esta ocasión le toca el turno al simpático José Antonio Diego Bogajo, director de la apabullante Exhumed Movies. El entrevistador es Javier G. Romero, que efectúa un recorrido sobre la historia de la revista que aporta muchos datos de interés. Me parece interesantísimo el concepto de esta sección y, sobre todo, la noción de compañerismo que emana, en un ámbito donde las zancadillas y las envidias son moneda común. El apoyo entre todos es esencial.

Sin haber tenido acceso (¡ay!) al número 1, esta segunda entrega de Cine-Bis la sitúa ya mismo como una de las lecturas fundamentales para el aficionado. No solo por la calidad de los textos (innegable para cualquiera), sino porque se centra en muchas ocasiones en aspectos, cinematografías u obras de difícil acceso. Esto nos hace retornar a algo ya planteado más arriba, como es esa inaccesibilidad de gran parte de cine en nuestro país, algo que daría mucho que hablar, pero no es el momento. Romero también maqueta la revista, como es habitual en él, y lo hace con la misma habilidad que hacía con Quatermass (cuyo regreso ansiamos). El formato de esta es más pequeño, dispone de 124 páginas a todo color, encuadernadas al lomo-flex. Los interiores ofrecen la brillantez característica que nos tiene acostumbrados y la hermosísima portada está apoyada en el cartel de la película Dos hombres contra el oeste. Desde ya estoy deseando hacerme con el número tres.

Carlos Díaz Maroto

Published in: on agosto 4, 2014 at 5:23 am  Comments (1)  
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El amanecer del planeta de los simios

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Título original: Dawn of the Planet of the Apes

Año: 2014 (Estados Unidos)

Director: Matt Reeves

Productores: Peter Chernin, Dylan Clark, Rick Jaffa, Amanda Silver

Guionistas: Mark Bomback, Rick Jaffa, Amanda Silver basados en los personajes creados por Rick Jaffa, Amanda Silver

Fotografía: Michael Seresin

Música: Michael Giacchino

Intérpretes: Andy Serkis (Caesar), Jason Clarke (Malcolm), Gary Oldman (Dreyfus), Keri Russell (Ellie), Toby Kebbell (Koba), Kodi Smit-McPhee (Alexander), Kirk Acevedo (Carver), Nick Thurston (Blue Eyes), Terry Notary (Rocket), Karin Konoval (Maurice), Judy Greer (Cornelia), Jon Eyez (Foster), Enrique Murciano (Kemp), Larramie Doc Shaw (Ash), Lee Ross (Grey), Keir O’Donnell (Finney), Kevin Rankin (McVeigh)…

Sinopsis: Han pasado diez años desde que la gripe de los monos comenzó a diezmar la población humana. En ese lapso, César ha creado una civilización simia en el interior del bosque. Todo cambia cuando, de pronto, un humano incursiona entre la floresta…

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Dado el éxito obtenido por El origen del planeta de los simios (Rise of the Planet of the Apes, 2011), de Rupert Wyatt, un reboot ―palabra tan en boga últimamente― de la saga de los simios, era inevitable que se realizase una secuela.

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El director anterior, Wyatt, fue reemplazado por Matt Reeves, realizador con suficientes méritos como para continuar la senda marcada por la primera cinta; su labor en Monstruoso (Cloverfield, 2008) o Déjame entrar (Let Me In, 2010) demuestra que puede encargarse de llevar a cabo semejante propuesta. En realidad la previa dejó muy marcados los parámetros para esta continuación, delimitando por dónde debería ir y presentando la historia de forma lógica, no en vano repiten los guionistas de la anterior.

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Si El origen del planeta de los simios era una versión bastante libérrima de La rebelión de los simios (Conquest of the Planet of the Apes, 1972), de J. Lee Thompson, la presente lo es también de la siguiente entrega de la saga cinematográfica originaria, Battle for the Planet of the Apes [tv: Batalla por el planeta de los simios; vd/dvd/bd: La conquista del planeta de los simios, 1973], también de Thompson, mezclados con las semillas plantadas en la previa, aunque se pueden ver también ciertos elementos sacados de La carretera (The Road, 2009) de John Hillcoat, sobre todo en la fotografía y en la relación de los padres con los hijos, César y Ojos Brillantes por parte de los simios, y Malcolm y Alexander por los humanos, afectuosos pero a la vez distantes, queriéndose pero sin demostrarlo.

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Mucho de lo valioso se debe a los actores, en especial Andy Serkis, que demuestra maestría en su forma de actuar para que su personaje César, a pesar de la captura de movimientos, se muestre real, cosa que no todos los simios consiguen, también debido a que en su mayoría los rasgos parecen más humanos que simiescos. Los intérpretes humanos, tal vez porque en el guion se ha desarrollado más a los simios que a estos últimos, que en muchos casos son muy planos, no consiguen salirse de lo esquemático, aunque hacen esfuerzos para sobresalir, quedando muy en segundo plano debido a ese pequeño fallo del guion.

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Tal vez lo peor de la película sea que el argumento no está del todo bien desarrollado. Existen elementos que no acaban de encajar: en un momento dado los simios hablan de que hace tiempo que no han visto humanos y sus dudas de si han sobrevivido, cuando al instante aparecen de sopetón sin que sean descubiertos. Además, la reacción principal propiciada por uno de los protagonistas contradice el mensaje que presenta el film, que los simios se han “humanizado” y los hombres se han “deshumanizado”. Se intenta que el espectador empatice con los primates y sus problemas, pero a la vez nos quieren decir que no todos los simios son buenos para no parecer maníqueos. Pero el problema estriba en que los humanos no están bien desarrollados y el “malo” más bien parece un idiota, quitando fuerza a las reacciones de los personajes, tanto humanos como simios.

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Matt Reeves consigue llevar con muy buen pulso la cinta, a pesar de alguna sobreabundancia de secuencias de acción, mostrándonos la interactuación de los personajes con fuerza y ritmo, que no decae en ningún momento, haciendo estas secuencias las más interesantes. Así la evolución de los personajes, con César a la cabeza aceptando las consecuencias de sus actos y las de otros, convierte la película en un deleite para los sentidos del espectador, aunque la acción no moleste y sea consecuente con los actos de los personajes.

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El amanecer del planeta de los simios es una digna secuela que agradará a los espectadores, con una dirección firme que mantiene al público atento a los sucesos, narrando con maestría una aventura épica sobre las decisiones que se toman y cómo se deben aceptar las consecuencias. Lección aprendida por los simios pero no por la humanidad… Así nos va.

Luis Alboreca

Published in: on agosto 1, 2014 at 7:00 am  Comments (2)  
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