Entrevista a Joe Begos, director y guionista de “Casi humanos”

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Antes de realizar Casi humanos (Almost Human, 2013), ¿habías dirigido con anterioridad alguna otra película, o el cortometraje Bad Moon Rising (2011) es tu primera incursión tras la cámara?

Llevo haciendo cortometrajes y videos musicales desde aproximadamente el año 2000, entonces tenía 13 años. Antes de Bad Moon Rising hice alrededor de una docena de cortos, pero éste ha sido el único que he realizado con un equipo profesional de verdad y el primero en ser aceptado en algún festival.

¿Qué nos puedes contar de Bad Moon Rising? ¿Está también dentro del género fantástico?

Es una historia muy turbia y violenta sobre un hombre lobo y donde gran parte de la acción se concentra en un apartamento. Tenía muy claro que quería hacer una película de un hombre lobo, pero como no tenía presupuesto ni acceso a buenas localizaciones decidí hacerla a muy pequeña escala.

Según he deducido estás detrás de Channel 83 Films, una de las productoras de Casi humanos. Al margen de dicho título, ¿habéis producido algún otro trabajo o tu película ha sido el primer proyecto?

He producido cada uno de mis cortos y espero poder continuar produciendo mis largos. Nunca he producido el trabajo de otros, pero es algo que me gustaría hacer en un futuro.

He leído que trabajaste como director de escena en Re-Animator: The Musical, ¿qué tal dicha experiencia?

¡Increíble! Toda la producción tenía un presupuesto realmente bajo. Y el equipo lo formábamos, únicamente, los actores, el director, un asistente y yo. Oficialmente yo era el director de escena, pero también me dediqué a preparar decorados, hacer efectos, bombear sangre, organizar el catering… lo que hiciese falta. Lo mejor de todo el proyecto fue poder ver a un genio como Stuart Gordon enfrentado ante éste reto y dirigiendo al equipo. Absorbí todo como una esponja.

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Entrando ya en la notable Casi humanos, en la película se refleja tu pasión por la ciencia ficción, e incluso por el survival debido a las situaciones a las que deben enfrentarse los protagonistas y las localizaciones en las que desarrollas el film, donde predominan las zonas boscosas…

Me encanta la ciencia ficción y para mí la mejor ciencia ficción es la sucia, la mugrienta, pero últimamente este género va relacionado directamente con grandes presupuestos y toneladas de CGI. Al hacer una historia sencilla, y apostar por cosas personales, pude descargar la tensión de los tres personajes principales, e intentar generar un suspense decente como para crear la sensación de que en cualquier momento se podía morir alguien.

Es evidente la influencia de La invasión de los ladrones de cuerpos, en especial la de la versión dirigida por Philip Kaufman en 1978, y también se pueden detectar algunas dosis de From Beyond (Stuart Gordon, 1986). ¿Había otras influencias en tu mente a la hora de escribir el guión?

Una de las mayores influencias fue Terminator. Es una película de ciencia ficción, pero además quería añadir elementos de terror ya que es mi género favorito, especialmente las películas de la década de los ochenta; me parecía importante incluir dichos destellos a la hora de hacer que la película destacase. También es una historia de supervivencia, donde una extraña fuerza intenta seguir a alguien y la única persona que puede pararlo es un ser humano. Es simple, pero a partir de ahí se crea y se construye la historia, y eso me encanta. En definitiva, una historia cool repleta de efectos caóticos.

Joe Begos junto a Josh Ethier, Vanessa Leigh y Graham Skipper en la prémiere de "Casi humanos" en el TIFF 2013.

Joe Begos junto a Josh Ethier, Vanessa Leigh y Graham Skipper en la prémiere de “Casi humanos” en el TIFF 2013.

El actor Josh Ethier, al margen del campo de la interpretación, veo que también es asistente de montador de diversas películas y series para la televisión, siendo muy fugaz en sus apariciones delante de la cámara. ¿Qué viste en él para otorgarle uno de los papeles principales?

Escribí el papel para él por nuestra larga trayectoria conjunta. Hemos colaborado en diversas películas ya que mientras crecíamos ha sido el protagonista de muchos de mis cortometrajes, y esa relación ha continuado a medida que nos hemos introducido ya de forma más seria en el mundo del cine y la dirección. Tiene una muy buena presencia en pantalla y conocía sus capacidades; por no hablar de la afinidad que tenemos y el bajo presupuesto de la película. Fue muy fácil para mí poner a Josh en uno de los papeles principales.

En cuanto al resto del reparto, formado por el actor Graham Skipper y la actriz Vanessa Leigh, ¿cómo llegan a la película? ¿También habían trabajado contigo anteriormente en alguno de tus cortometrajes?

Graham y yo habíamos trabajado juntos en la adaptación musical de Re-Animator. Él hacía el papel de Herbert West. Me pareció que era un actor increíble y escribí el personaje de Seth pensando en él y, afortunadamente para mí, aceptó el papel. Vanessa apareció durante el casting, y fue una de las últimas personas que vimos entre un total de más de doscientas. Faltaba menos de una semana para empezar a rodar y fue una locura como apareció, ¡nos impactó! No sólo era perfecta para el papel, si no que también tenía un buen físico para realizar todas las cosas escritas en el guión.

¿Por qué la apuesta de trabajar con algo del más allá que nunca acabamos de ver con claridad y que siempre permanece fuera de campo? ¿Quizás temas presupuestarios o bien por otorgar a la cinta cierto punto enigmático?

Fue sin duda una opción presupuestaria. Así que decidimos crear todas esas atmósferas, como bien pudimos, a través del rodaje, el montaje y el sonido.

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Tratándose de una producción independiente, y la verdad que muy bien resuelta en todos sus aspectos, ¿cuánto tiempo te llevó poner en marcha el film y cuantas semanas habéis empleado para su rodaje?

Rodamos en dieciocho días durante tres semanas. El resto del proceso de postproducción nos llevó unos siete u ocho meses hasta que conseguimos el corte final. Me sorprendo incluso yo mismo de lo rápido que fuimos capaces de tener la película acabada con tan poco presupuesto y un equipo humano tan pequeño…

¿Y tras Casi humanos que planes de futuro tienes como realizador? ¿Ya estás inmerso en algún nuevo proyecto?

Tengo unos cuantos proyectos rondando por mi cabeza y el primero que espero poder realizar es una película de venganza a través de la telequinesia. Con un tono entre Scanners y El justiciero de la ciudad. ¡Espero poder rodar muy pronto!

Diego L

Published in: on septiembre 3, 2014 at 6:33 am  Dejar un comentario  
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Este viernes se estrena “Casi humanos”

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Siguiendo su apuesta por el cine fantástico independiente más actual, este próximo viernes 5 de septiembre “La aventura audiovisual” estrenará en salas españolas Casi humanos, título tras el que se esconde la norteamericana Almost Human. Escrita, dirigida, (co)producida y fotografiada por el debutante Joe Begos, Casi humanos (Almost Human) supone un sincero homenaje al cine fantástico de los años 70 y, sobre todo, 80, en una operación que abraza el género desde una óptica respetuosa y de autoasumida modestia. Argumentalmente encuadrada en la temática de abducciones extraterrestres, en ella se dan ecos de clásicos como La invasión de los ladrones de cuerpos, la filmografía de John Carpenter, Terminator o La matanza de Texas, dentro de una coctelera argumental que combina con total desparpajo ciencia-ficción, terror, gore y slasher.

Sinopsis: En la pequeña localidad de Patten (Maine), Mark Fisher desaparece de su casa en medio de un cegador haz de luz. Su amigo Seth fue la última persona en verlo vivo, y en él recayeron todas las sospechas acerca de la desaparición. Pero Seth fue absuelto por falta de pruebas. Dos años después, una serie de espantosos asesinatos vuelven a sacudir la tranquilidad del pueblo. Seth está convencido de que Mark ha vuelto, pero convertido en algo distinto, extraño, maligno. Sus peores sospechas se convierten en realidad, y Seth deberá luchar contra algo que está más allá de lo que haya visto cualquier ser humano.

Con motivo de la llegada a salas comerciales españolas de esta interesante propuesta, el próximo miércoles os ofreceremos una entrevista con su director, Joe Begos, y el viernes, coincidiendo con su estreno, una reseña analítica de la película.

Published in: on septiembre 1, 2014 at 5:28 am  Comments (1)  

Zombie Massacre

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Título original: Zombie Massacre

Año: 2013 (Italia, Estados Unidos, Alemania, Canadá)

Directores: Luca Boni, Marco Ristori

Productores: Uwe Boll, Benjamin Krotin

Guionistas: Luca Boni, Marco Ristori

Fotografía: Mirco Sgarzi

Música: Andrea Pasqualetti, Giuseppe Froio (música adicional)

Intérpretes: Christian Boeving  (Jack Stone), Mike Mitchell (John ‘Mad Dog’ McKellen), Tara Cardinal (Eden Shizuka), Ivy Corbin (Sam Neumann), Carl Wharton (General Carter), Jon Campling (Doug Mulligan), Daniel Vivian (Dragan Ilic), Gerry Shanahan (Doctor Neumann), Nathalia Henao (Claire Howard), David White (Ministro de Defensa), Uwe Boll (Presidente de los EE.UU.), Michael Segal (Primera víctima / Criatura final), Lee Baughn, Garth Lughton, Carlo Diamantini (Soldados), Federico Caddeo, Marissa Chang, Anelita Di Carlo, Guglielmo Favilla, Alex Lucchesi, Claudio Marmugi, Cristiana Raggi, Veronica Spagnuolo…

Sinopsis: Un fallido experimento del gobierno de los Estados Unidos libera una sustancia radiactiva que convierte a los habitantes de una pequeña ciudad de Rumanía en infectados hambrientos de sangre. Para controlar la situación, el ejército norteamericano envía al lugar a un grupo de mercenarios con la misión de que detonen una cabeza nuclear en la población.

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El pasado 2011 la pareja de directores formada por los italianos Marco Boni y Luca Ristori hacían su debut en el formato largo con Eaters, una modesta producción equiparable en medios a los de cualquier fanfilm realizado por aficionados. El buen sabor de boca dejado por esta cinta, que en más de un sentido recogía y actualizaba el legado de las míticas películas trasalpinas sobre zombis de los años ochenta, propició que fuéramos muchos los que depositáramos nuestras esperanzas en lo que nos podía deparar el devenir de estos dos jóvenes cineastas. Entraba pues dentro de lo lógico que la aparición de Zombie Massacre[1], su segundo film, estuviera rodeado de cierta expectación. Producida por Uwe Boll, quien ya con anterioridad se había encargado de distribuir la previa, la base del proyecto se encuentra en la adaptación de un homónimo videojuego de acción en primera persona de finales de los noventa, traído de nuevo a la actualidad gracias al lanzamiento de una nueva versión destinada a una conocida plataforma. Para llevar a cabo su tarea, Boni y Ristori han contado con una cantidad aproximada de un millón de dólares, cifra bastante escueta comparada con lo que viene siendo habitual dentro del panorama cinematográfico de hoy, pero que, sin embargo, duplica por diez el presupuesto estimado que dispusieran para dar forma a su ópera prima.

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La mayor capacidad productiva, unida a las innegables semejanzas argumentales existentes entre ambas, hacía prever que los resultados de esta Zombie Massacre fueran netamente superiores a los de su predecesora. O, al menos, eso es lo que dictaba la teoría, ya que a la hora de la verdad la segunda película de Marco y Luca ha revelado ser la cara adversa de Eaters[2]; mientras aquella encarnaba los mejores valores del cine explotaition italiano, el título que nos ocupa personifica sus peores aspectos. Todos los defectos y limitaciones que Eaters sabía bordear a base de oficio, imaginación y talento, Zombie Massacre es incapaz de superar en todo momento. Tanto es así que la constante confluencia de momentos disparatados, forzados y exageradamente ridículos en su enfatización, dispuestos a través de un esquema itinerante que lleva a los protagonistas a superar diferentes dificultades hasta llegar al enemigo final, hace recordar, y mucho, las incursiones en la temática de Bruno Mattei, aunque con un mejor acabado formal, a pesar de la proliferación de primeros planos y planos cortos con los que sus realizadores intentan disimular las carencias presupuestarias, dentro de un conjunto en el que solo destaca en el lado positivo los maquillajes empleados para dar vida a las huestes de no muertos.

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Echando mano una vez más de un juicio a priori, podría deducirse que parte de lo ya señalado, como, por ejemplo, su estructura narrativa, es consecuencia de las propias características de la fuente originaria en la que se basa. Nada más lejos de la realidad. Sin dejar de ser del todo incierta, esta suposición es rebatida por diversos factores. En primer lugar, a causa de los numerosos lugares comunes que atesora la película durante su reccorrido. Prácticamente, puede decirse que no falta ninguno de los clichés acuñados en los últimos años por el subgénero zombi a lo largo de su metraje, desde el integrante del grupo principal que es infectado y pide a uno de sus compañeros que acabe con su vida antes de que llegue a transformarse, hasta a aquel otro que decidirá sacrificarse enfrentándose en solitario a un grupo de zombis para facilitar así la huida de sus camaradas. Pero, sobre todo, por los evidentes y, en última instancia, infructuosos intentos de sus máximos responsables por dotar al film del que fuera el principal acierto de su anterior película: el desarrollo de caracteres y la relación existente entre los mismos, algo que aquí se queda en una retahíla de diálogos insustanciales en la mayoría de los casos de índole sexual, que poco hacen por otorgar una mayor profundidad a unos personajes estereotipados tanto en su configuración como en sus motivaciones, cuya evolución dramática se produce de una forma sumamente impostada, solo porque así se indica en el guion y no porque resulte lo más lógico a tenor de lo acontecido en pantalla.

Zombie Massacre

La película se salda así como un producto impersonal, aburrido y terriblemente predecible, que en nada se diferencia de la multitud de cintas de similares características lindantes con la serie Z que se vienen produciendo como churros durante los últimos años. En vista pues de la mediocridad reinante, cabe barajar dos opciones. O bien Zombie Massacre supone un puntual resbalón en la carrera de Boni y Ristori o, por el contrario, el buen nivel exhibido por Eaters se debió a esa suerte que se dice tienen los principiantes. Sea como fuere, para poder salir de dudas y sacar conclusiones habrá que esperar al estreno de su siguiente trabajo, Morning Star, una película de acción con elementos sobrenaturales ambientada en la Edad Media, según puede leerse en su página oficial en Facebook[3], y que se encuentra actualmente en fase de rodaje de nuevo bajo padrinazgo del temible Boll. Veremos entonces si aún existen motivos con los que seguir alimentando la esperanza.

José Luis Salvador Estébenez

[1] Para su desembarco en determinados mercados, la cinta ha sido retitulada con el nombre de Apocalypse Z, en un claro intento de aprovechar en su beneficio el éxito obtenido por otra adaptación, Guerra mundial Z, en este caso de la novela de idéntico título escrita por Max Brooks.

[2] Una comparación que es potenciada por el cameo en la última escena de Guglielmo Favilla y Alex Lucchesi, es decir, los dos protagonistas de Eaters, que a su manera vincula implícitamente los dos films, convirtiendo la presente en una suerte de precuela de lo narrado por su precedesora.

Novedades Cameo para septiembre

Con la intención de que se haga más llevadero el final del verano, Cameo ha preparado una serie de atractivas novedades para este próximo mes de septiembre, entre los que se encuentran títulos tan esperados como las nacionales Carmina y amén o Stella candente. Como siempre, a continuación os ofrecemos una selección de las más interesantes según los criterios de esta Abadía.

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El día 3 abrirá el telón la futurista cinta británica de ciencia ficción The Machine, comparada con títulos capitales de la historia del género como Metrópolis, Frankenstein o Blade Runner Participante dentro de la Sección Oficial en la pasada edición del Festival de Sitges, el film dirigido por Caradog W. James se ambienta en un futuro cercano inmerso en una nueva Guerra Fría. En este contexto, el Ministerio de Defensa Británico busca una nueva arma que le permita ganar la batalla: la creación de un soldado androide. La edición en Dvd anunciada incluye dos pistas de sonido 5.1 en versión original y castellano, doblaje en este último idioma e imagen en 2.35:1 anamórfica. Como extras, aparte de las consabidas fichas técnicas y artísticas, se ofrece el trailer y el making of de la película.

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Dos semanas más tarde tomará el relevo la cuarta temporada de The Walking Dead. Lo hará en tres formatos diferentes: Dvd (5 discos), Bluray (4 discos) y una edición limitada coleccionista con figura exclusiva en Bluray (4 discos). En todos los casos se incluyen audio en versión original y castellano, subtítulos en castellano y portugués, así como una numerosa serie de extras pendientes de confirmar, entre los que no falta el making of de esta serie de la HBO.

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Ese mismo día también saldrá a la venta The Informant, thriller francés basado en hechos reales. En él se narra la historia de Marc Duval, un agente del Servicio de Aduanas de Francia destinado en Gibraltar. Allí, se infiltrará en una organización criminal dedicada al tráfico de drogas, ganándose la confianza de uno de sus dirigentes. Editada en formato Dvd, el disco incluye audio en castellano y francés, subtítulos en castellano e imagen en 2.35:1 anamórfica.

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Por otra parte, como parte de su asociación con Tema Distribuciones, el día 3 Cameo pondrá en las tiendas Sexy Sisters, una nueva entrega de la colección “Inéditos Jesús Franco” que viene repasando la filmografía realizada por el director madrileño en asociación con el productor Edwin C. Dietrich. Esta vez la película escogida se ofrece con audio en alemán 5.1 y su correspondiente doblaje al castellano, en este caso en stéreo, subtítulos en castellano e imagen en 1:78.1 anamórfica. Como es habitual en las ediciones de “Jesús Franco Inéditos”, dentro del material extra se encuentran el trailer de la película junto al de otros films integrantes de la colección.

Más información: http://www.cameo.es/

 

Published in: on agosto 27, 2014 at 6:06 am  Comments (2)  

30 días de oscuridad: Tinieblas

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Título original: 30 Days of Night: Dark Days

Año: 2010 (Estados Unidos)

Director: Ben Ketai

Productor: Robert G. Tapert

Guionistas: Steve Niles, Ben Ketai, basado en el cómic creado por Steve Niles y Ben Templesmith
Fotografía: Eric Maddison

Música: Andres Boulton

Intérpretes: Kiele Sanchez (Stella), Rhys Coiro (Paul), Diora Baird (Amber), Harold Perrineau (Todd), Mia Kirshner (Lilith), Troy Ruptash (agente Norris), Ben Cotton (Dane), Katie Keating (Jennifer), Katharine Isabelle (Stacey), James Pizzinato (Clyde), Peter Hall (capitán del barco), Stephen Huszar (Eben), Marco Soriano, Jackson Berlin, John DeSantis, Evguenia Ivanova, Stacey Roy, Jody Thompson, Aaron Harrison, Sarah-Jane Redmond, Richard Stroh, Donovan Cerminara, Scott Patey, Karen Elizabeth Austin…

Sinopsis: Tras lo acontecido en el film anterior, Stella se dedica a vagar por Estados Unidos dando conferencias para advertir a la gente del peligro de los vampiros. Eso llama la atención de un grupo de tres personas que sufrió un percance similar, y que ahora se dedica a cazar vampiros. También llama la atención de los propios vampiros…

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30 días de oscuridad (30 Days of Night, 2007) fue una grata sorpresa para los aficionados al cine de terror. Basada en un cómic de Steve Niles y Ben Templesmith, ofrecía una aproximación al mito vampírico lejos de la visión edulcorada para seguidoras de Candy Candy que últimamente se había puesto de moda, y ofrecía a unos no muertos salvajes, nada atractivos y convertidos, en fin, en crueles depredadores que veían al ser humano como una mera pieza de caza. La puesta en escena de David Slade, después, irónicamente, responsable de La saga Crepúsculo: Eclipse (The Twilight Saga: Eclipse, 2010), además, otorgaba al conjunto una atmósfera opresiva, feroz, incómoda e inquietante.

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A la hora de realizar una secuela, ¿qué opción se podía tomar? Si se seguía titulando “30 días de oscuridad”, había que partir de idéntica premisa, y se haría repetitiva; si se cambiaba la óptica para otorgar variedad, traicionaría el concepto del propio título. Al final, se ha hecho esta continuación que recupera el personaje de Stella (esposa de Eben, y protagonistas ambos en el anterior film), se la ofrece en el prólogo ante la tumba de su marido, y luego se sigue su vida por Estados Unidos. Al menos, podrían haber hecho una pequeña mención a su cuñado…

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Como típica secuela de un producto cinematográfico, y ahora destinada directamente al mercado del DVD doméstico, esta 30 días de oscuridad 2: Tinieblas (30 Days of Night: Dark Days, 2010) ofrece una factura técnica algo superior a lo habitual en este tipo de producciones. Además, la comparecencia en el guion de Steve Niles, creador del cómic original, hacía esperar un resultado sólido. Sin embargo, el film falla en aquello que su predecesor logró superar: la rutina.

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En efecto, todo es convencional, formulario y repetitivo en la presente cinta. Si bien en un inicio resulta simpática la idea de ese grupo de cazadores de vampiros, todo se precipita por el perfil tópico y convencional de los personajes que lo integran, vacíos de una psicología que permita apreciarlos como entidades complejas, en especial el personaje de la chica, que es una borde y una tonta simplemente porque sí. Otros personajes, como el agente del FBI  o Dane (un vampiro “a medio hacer”) ofrecían mayor interés apriorístico; sin embargo, la mediocridad del guion una vez más impide sacarles las posibilidades que mostraban.

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Así, el mayor “hallazgo” del film es el personaje de Lilith. El Alfabeto de ben Sirach es un escrito talmúdico que se supone se escribió entre el siglo VIII y X, en el cual se plantea que Lilith fue la primera esposa de Adán, anterior a Eva; la leyenda de este personaje prosiguió en otros textos, y así se presupone que Lilith no quiso someterse como inferior a Adán, abandonándolo y después tomando como pareja al arcángel Samael. Hoy en día, Lilith es un icono del feminismo, pero también ha sido empleada en la literatura sobrenatural, a partir de su condición de demonio mesopotámico femenino: ya en el Fausto (Faust, 1808) de Goethe tiene aparición, y destaca también Lilith (Lilith, 1895), de George MacDonald. Ha sido equiparada a una lamia, a un súcubo y también se la ha identificado como el ser primigenio que dio origen a todos los vampiros.

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Nada de ello se refiere en la película, y como único elemento “exótico” se nos muestra tomando un baño de sangre humana (¿de virgen?), evidente alusión a la condesa Elizabeth Báthory de Ecsed (1560-1614), de infausta fama. Poco más se nos desvela de ella, salvo que le gusta la música de los años veinte del pasado siglo. Aquí es la líder de todos los vampiros, que “no hacen nada sin que ella lo ordene”. Se la define como la “abeja reina”, y semeja una copia de la reina borg de Star Trek. Es una lástima que se desarrolle tan poco el personaje, aunado a lo cual tenemos la mediocridad de la actriz que la encarna, Mia Kirsher -Isobel en The Vampire Diaries-, que la hace aparentar una insulsa gótica sin más.

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Amén de todo eso, tenemos como director a Ben Ketai, responsable también de unos ignotos websodios de la franquicia, 30 Days of Night: Blood Trails (2007) y 30 Days of Night: Dust to Dust (2008) (la primera sólo como guionista); también ha trabajado como guionista en las series Devil’s Trade (2007) y en Chosen (2013), y actualmente prepara el libreto de The Lost World, que no parece ser una adaptación de la novela de Arthur Conan Doyle. Viendo sus modales profesionales en el presente film, la mejor palabra que lo define es “rutinario”, y la atmósfera inquietante del original aquí está ausente por completo; además, el aura extraño y animal que tenían los vampiros en aquélla aquí ha desaparecido también. Por tanto, todo es soso, convencional, previsible y torpe. Si en el arranque puede acaparar cierto interés ver cómo se las apañan los cazadores de vampiros, a mitad del film, cuando el grupo se interna en los túneles, el desinterés ya se apropia del espectador, y cuando surge la premisa del barco ya parece una improvisación de última hora para otorgar de variedad escenográfica a la película.

A todo ello se suman unas interpretaciones muy propias de una serie de televisión. Al menos, la actriz que encarna a Stella, Kiele Sanchez, tiene un parecido aceptable con Melissa George. Algo es algo.

Carlos Díaz Maroto

Published in: on agosto 25, 2014 at 6:07 am  Dejar un comentario  
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Il grande silenzio / Le grand silence [dvd: El gran silencio]

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Título original: Il grande silenzio/ Le grand silence

Año: 1968 (Italia, Francia)

Director: Sergio Corbucci

Productor: Alberto Marras

Guionistas: Mario Armendola, Bruno Corbucci, Sergio Corbucci, Vittoriano Petrilli

Fotografía: Silvano Ippoliti

Música: Ennio Morricone

Intérpretes: Jean-Louis Trintignant (Silencio), Klaus Kinski (Tigrero/Loco), Frank Wolff (Sheriff Burnett), Luigi Pistilli (Pollicut), Vonetta McGee (Pauline), Mario Brega (Martin), Carlo D’Angelo (Gobernador)…

Sinopsis: Una mujer cuyo marido ha sido asesinado por un despiadado cazador de recompensas busca venganza contratando a un pistolero mudo, llamado Silencio.

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Sin ánimo de entrar en el espinoso terreno de las siempre absurdas comparaciones, o de realizar clasificaciones que – si bien pudieran resultar curiosas – no acaban llevando a ninguna parte, cabría preguntarse sin embargo si una figura de tanto peso dentro del eurowestern como Sergio Corbucci no está a día de hoy injustamente minusvalorada, o al menos algo ensombrecida, a causa de Sergio Leone y la imbatible difusión de su magnífico y deslumbrante corpus cinematográfico.

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Y es que aunque no cabe duda de que el director de Por un puñado de dólares dio el pistoletazo de salida en lo que se refiere a la popularización del género a nivel global, con la consiguiente explotación de las reconocibles características que diferenciaron y proporcionaron colosal éxito al título protagonizado por Clint Eastwood, también se olvida demasiado fácilmente que Corbucci empezó cultivando el western ya antes de este citado boom (quedando de esta manera en un terreno intermedio entre los pioneros continentales, como Joaquín L. Romero Marchent en España o Harald Reinl en Alemania, y la pléyade de directores italianos que se apuntaron al carro más tarde), y que además su inclinación, referencias y conocimientos del salvaje Oeste, tal y como era representado en el Hollywood clásico, parecen poseer más fundamento y ser más de primera mano que los del propio Leone.

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Y es que si bien éste último halló su particular estilo gracias a la transposición del tempo y rituales del cine oriental a las constantes, temáticas y personajes del western – mezclado todo ello con cierto sentido de la picaresca mediterránea –, el director de Salario para matar por su parte bebe directamente de estas fuentes tradicionales anteriormente citadas siempre con ánimo actualizador (sobre todo en lo referente al uso de la violencia y a un estilo más enérgico a la hora de rodar las secuencias de acción que sus predecesores), pero jamás con intenciones posmodernas, revisionistas y/o paródicas… al menos no en esta su primera etapa.

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Sin ir más lejos, en Minnesota Clay (rodada el mismo año que Por un puñado de dólares) Corbucci demuestra estar más cerca tanto dramática, narrativa y formalmente de realizadores americanos que desarrollaron el grueso de su filmografía a lo largo de la década anterior, como pudieran ser los casos de Budd Boetticher, Anthony Mann o Delmer Daves, que de lo que filmaban sus compatriotas por aquellas mismas fechas; y si bien apenas un par de años más tarde se vio obligado a “claudicar” y seguir la senda iniciada por Leone con la realización de su ya mítica Django (revisitación en clave casi gótica de Por un puñado de dólares), no sólo consiguió a continuación redefinir y revitalizar el marco del género, tanto o más que el otro Sergio en su momento, si no que paradójicamente su éxito no tuvo como consecuencia directa que sus siguientes aproximaciones al universo del Oeste – las soberbias Navajo Joe (1966) y Los despiadados (1967)- perdieran un ápice de este inconfundible aliento clásico.

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Cineasta como vemos capacitado tanto para la briosa reformulación de los códigos del clasicismo como para estimular el desarrollo de esa estética impuesta por sus compañeros de generación, su profundo entendimiento de las reglas del género daría como fruto seguidamente la que es su obra más personal, El gran silencio: corrosivo resumen de todo lo que había dado de sí el subgénero hasta el momento a la vez que meláncolica desmitificación y renovación de unos contenidos que, a tan sólo 4 años del boom, resultaban ya excesivamente trillados.

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Por un lado, Corbucci se sirve de una serie de elementos inconfundibles y cosustanciales al spaghetti (la música de Morricone, la subtrama vengativa, el humor negro, los flashbacks, así como el empleo de intérpretes característicos como Kinski, Wolff, Pistilli o Brega) con la clara intención de asentar un territorio firme y reconocible sobre el que después poder experimentar libremente. Por otro lado, y con el firme propósito de salirse de toda norma, se introducen el suficiente número de elementos discordantes como para, a partir  de su mismo comienzo, percatarnos de la férrea voluntad del director romano de ofrecernos un producto diferente y original.

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Desde la extrañeza de encontrarnos de entrada con unos paisajes cubiertos de nieve (elección de la que el film se beneficia tanto estética como argumentalmente, al ser este fenómeno meteorológico de vital importancia dentro de la trama), no se tienen reparos en ir sembrando el metraje de detalles que desafían, cuando no directamente atacan, los tópicos con los que se habían ido manejando “esa panda de hijos de puta”, como tan tajantemente calificó Leone a aquellos que se habían aprovechado del éxito de su primer western.

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Ya desde la elección tipológica del protagonista, un pistolero al que le han cortado las cuerdas vocales (a su vez cazador de cazadores de recompensas, para mayor retorcimiento del arquetipo) y que es incapaz por lo tanto de articular palabra, rasgo distintivo que aunque se le atribuye a Jean-Louis Trintignant (corre el rumor de que impuso esta característica a su personaje para ahorrarse la tarea de tener que aprender diálogo alguno), tiene más lógica que simplemente respondiera a una pulla de su director y guionista hacia el antihéroe lacónico inmortalizado por Eastwood & cía., llevando su parquedad de palabra hasta el extremo puramente físico; lo que no por casualidad, por cierto, entronca este film con el Cameron Mitchell de Minnesota Clay: pistolero también incapacitado, esta vez con graves problemas de visión.

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En lo que respecta a Silencio, y aunque la interpretación del siempre impecable Trintignant es más que correcta, si acaso se le pueda achacar algo de desgana o desinterés en la manera en como afronta su personaje y, desde esta perspectiva, no es de extrañar que ésta fuera la única intervención del intérprete francés dentro del género, forzada quizás más por la participación de Francia en la producción (como ocurriría al año siguiente con el caso de Johnny Hallyday y El especialista), que por un interés real de Corbucci por contar con el astro galo en su film. De todas maneras, y teniendo en cuenta el handicap que supone encarnar a un mudo, el personaje del vengador silente funciona estupendamente – eso sí – más como perfecto catalizador del resto de (mejor desarrollados y más humanos) caracteres que como una entidad con personalidad propia en sí misma.

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En cuanto al apunte racial representado por el principal personaje femenino, Corbucci ya había dado anteriormente muestras de querer desmarcarse del resto en este sentido, otorgando el absoluto protagonismo a un personaje indio en Navajo Joe, lamentablemente interpretado por un bastante primerizo e inexperto Burt Reynolds: quizás por la poca posibilidad de poder disponer de actores o extras de color en Italia y España se optó desde el principio, y salvo excepciones, por ofrecer a la audiencia una visión del oeste fronteriza y mexicanizada, dada la mayor facilidad a la hora de poder hallar entre nuestro paisanaje a personalidades que se ajustaran a los rasgos chicanos; sin ir más lejos Fernando Sancho, el intérprete por excelencia al que más tocó cargar con el rol de charro en estas producciones, era originario de Zaragoza; por otra parte, y cuando Woody Strode se mudó a Europa a finales de los sesenta, los italianos no dudaron ni un momento en introducir personajes negros en sus films para aprovechar tal coyuntura.

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En El gran silencio, a la cuestión racial se le suma la importancia que se le otorga en esta ocasión a la mujer, algo inusitado en el spaghetti donde esta figura ha sido ignorada, cuando no directamente maltratada, casi por costumbre. El interés amoroso del protagonista es la bella Vonetta McGee, actriz de color que, a pesar de contar con una escueta filmografía, llegó a convertirse en uno de los iconos más importantes de la blaxploitation durante la siguiente década. Relación ésta que no carece de ambigüedad desde el preciso momento en que no queda demasiado claro si el cariño que le dispensa a Silencio está movido en un principio por la soledad, el miedo y/o la búsqueda de protección a la que le han conducido la viudez, o existen razones más oscuras y/o retorcidas como pudiera ser el pago (en especie, por supuesto) de los servicios por los que el hábil pistolero ha sido contratado.

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Centrándonos en el resto de personajes, cabría destacar también el tratamiento que se le da a la figura del sheriff, interpretado aquí por un magnífico Frank Wolff: personalidad esta, la del representante de la ley, habitualmente relegada dentro del western mediterráneo a apariciones esporádicas o meramente circunstanciales (después de una pelea en el saloon o un tiroteo, éstos aparecen tan pronto como desaparecen), en el oeste gélidamente crepúscular de El gran silencio, donde los cazarrecompensas cada vez están peor vistos y los “civiles” sólo pueden utilizar el revolver en defensa propia, se hace necesaria la figura del defensor de la ley que, aunque cómico en la forma y torpe en sus acciones tal y como lo encarna Wolff, acaba resultando un personaje fundamental, positivo e incluso observado con cierto cariño.

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En cuanto al soberbio Kinski, villano absoluto de la función en su encarnación del frío y profesional cazador de recompensas Trigero, seguramente nos brinde aquí su actuación más brillante y moderada dentro de sus incontables y variadas intervenciones en el spaghetti, precisamente por el inesperado uso de la contención que hace de sus acostumbrados aspavientos, con el fin de llevar al mejor puerto posible la misión de hacernos creíble este personaje ya de por sí exagerado, demasiado bigger than life para interpretarlo de otra forma: alguien tan terroríficamente racional que es capaz de ir sembrando los caminos de cadáveres para más tarde ir recolectándolos tranquilamente en diligencia (“no hay problema”, dice en un momento dado, “la nieve los mantiene frescos”) o de no enfrentarse con Silencio en primera instancia, a pesar de que es consciente de que su vida corre un alto riesgo, si con su muerte no va a obtener beneficio económico alguno.

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En una película tan única como la presente, incluso la banda sonora de Morricone se antoja radicalmente distinta de lo que normalmente estamos habituados a oír en sus legendarios trabajos para el western. La música del maestro se aparta en esta ocasión del dinamismo, vigor y exhuberancia de sus composiciones más célebres para brindarnos una banda sonora especialmente singular que marca el acento en las notas más nostálgicas, sombrías, sobrias e incluso románticas de su repertorio, transitando en perfecta consonancia con la languidez de las imágenes a las que acompaña.

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A pesar de tan notables resultados, ir a contracorriente de manera tan deliberada acabó pasando factura (aunque ésta fuera mínima) a Corbucci, viéndose forzado por el productor a rodar otro final que diera algo de cuartelillo al espectador: final alternativo este que, aunque bien rodado y congruente en lo argumental con todo lo anteriormente expuesto, quizás peque de demasiado convencional y de, lo que es peor, de excesivamente frío en lo emocional. La brutal e implacable conclusión original concebida en un principio por el director, y que afortunadamente es la que ha sobrevivido hasta nuestros días (la otra sólo pudo verse en cines de Asia y el norte de África, así como en la edición italiana en DVD), es más acorde con el tono general de la película: final demoledor, desolador y anticlimático como pocos, con más de una similitud con el de Django (ambos protagonistas acaban con ciertas partes de su anatomía destrozadas), aunque en esta ocasión el director se asegure de que quede meridianamente claro que el sacrificio, ya sea éste personal o colectivo, no sirve para nada más que para crear mártires.

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Colofón pues totalmente coherente, inmejorable y memorable a un film en el que la sombra de la fatalidad campa a sus anchas en todo momento por sus fotogramas; obra maestra pudorosa y poética en la que la mayor diferencia con respecto a sus congéneres es que la violencia y la muerte, aunque representadas en toda su crudeza, rara vez son mostradas para hacer espectáculo de ellas… más bien al contrario.

                                                                                  José Manuel Romero Moreno

 

El gurú de los efectos visuales, Pablo Helman, ofrecerá una masterclass en Sitges 2014

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Pablo Helman, una de las figuras clave del cine fantástico de las últimas décadas, visitará la 47ª edición de Sitges – Festival Internacional de Cine Fantástico de Cataluña para protagonizar una masterclass. Herman, nacido en Buenos Aires en 1959, es el supervisor de efectos visuales de Industrial Light & Magic y ha trabajado codo con codo con Steven Spielberg y George Lucas.

Salvar al soldado RyanEl mundo perdidoLa guerra de los mundosIndiana Jones y el reino de la calavera de cristalLa amenaza fantasma o El ataque de los clones son algunos de los títulos dirigidos por Spielberg y Lucas en los que ha trabajado Pablo Helman. Sus inicios se remontan a principios de los años 80 como autor de músicas para un canal de televisión de Los Ángeles, época en que se iniciaba la revolución digital en el cine, un momento que Helman vivió intensamente.

Pablo Helman junto a George Lucas.

Pablo Helman junto a George Lucas.

A partir de su trabajo en la serie de televisión Star Trek: La nueva generación, fue requerido para trabajar en Digital Domain, la empresa de efectos visuales y animación fundada, entre otros, por el director de cine James Cameron. Helman trabajó en grandes éxitos como Apolo 13 o Independence Day, dirigida por el alemán Roland Emmerich, al que, curiosamente, este año Sitges homenajeará con su Gran Premio Honorífico. Fue en ese momento que la empresa de George Lucas decidió integrarlo en Industrial Light & Magic, trabajando estrechamente con el director de efectos visuales Stan Wilson hasta la muerte de éste.

En la actualidad, sus últimos trabajos los ha realizado en los films Las tortugas Ninja Piratas del Caribe 5. Pablo Helman está considerado como uno de los mejores del mundo en su especialidad y compartirá con el público del Festival sus experiencias y diversos temas de interés como la captura digital de actuación de actores en el set, la relación entre la tecnologia y el arte, la creación de los personajes, o los diversos modelos de producción, así como imágenes inéditas y material de su trabajo como mano derecha de Spielberg y Lucas.

Más información: http://sitgesfilmfestival.com/cas

Published in: on agosto 21, 2014 at 6:01 am  Dejar un comentario  
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Del 25 al 31 de agosto “Peor… ¡imposible!”

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Se acercan los últimos días de agosto y con ellos una nueva encarnación de “Peor… ¡imposible!”. Del 25 al 31 de agosto el Centro de Cultura Antiguo Instituto, sito en la calle Jovellanos nº 21 de Gijón, acogerá la celebración de este ciclo cinematográfico dirigido por Jesús Parrado.

En total serán más de una veintena de títulos los que se proyectaran a lo largo de una semana que, bajo el subtítulo “Hecho en Europa”, pondrá su foco de atención en la producción genérica realizada en el Viejo Continente entre la década de los 60 y el principio de los 80, coincidiendo con la época en la que Europa tomó el relevo del cine popular estadounidense. Acorde a estos planteamientos, algunos de los títulos programados para esta decimosexta edición son la ossoriana Serpiente de mar, Los 3 Superman en Tokio, La noche de Walpurgis, Kung Fu contra los siete vampiros de oro, El anticristo, El asesino de muñecas o Escalofrío, estas dos últimas, además, acompañadas por la presencia de dos de sus actores protagonistas: David Rocha y Sandra Alberti, respectivamente.

Como es costumbre, tampoco faltarán las sesiones sorpresas ni las mesas redondas en las que diversos especialistas debatirán de diferentes aspectos relacionados con el cine de género europeo. Todo ello sin olvidar la presentación que nuestros compañeros de “Exhumed Movies” llevarán a cabo dentro del marco del certamen en un acto que tendrá lugar la tarde del sábado 30.

A continuación os dejamos con la programación completa (pinchar la imagen para verla a mayor tamaño):

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Published in: on agosto 20, 2014 at 6:05 am  Comments (2)  

Sharknado 2

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Título original: Sharknado 2: The Second One

Año: 2014 (Estados Unidos)

Director: Anthony C. Ferrante

Productor: David Michael Latt

Guionista: Thunder Levin

Fotografía: Ben Demaree

Música: Christopher Cano & Chris Ridenhour

Intérpretes: Ian Ziering (Fin Shepard), Tara Reid (April Wexler), Vivica A. Fox (Skye), Marcos McGrath (Martin Brody), Kari Wuhrer (Ellen Brody), Courtney Baxter (Mora Brody), Dante Palminteri (Vaughn Brody), Judd Hirsch (Ben), Stephanie Abrams, Kurt Angle (Jefe de Bomberos), Benjy Bronk (Mendigo), Downtown Julie Brown (Enfermera Fletcher), Juan Castano (Bombero), Don Castro (Policía de tráfico), Lyman Chen, Billy Ray Cyrus (Médico Quint), Sandra ‘Pepa’ Denton (Polly), Andy Dick (Funcionario Doyle), DC Douglas (Bud), Michael Dugan (MTA Trabajador), Nathan Fast (Radio DJ), Jared Fogle (Jared), Judah Friedlander (Bryan), David L. Garber (Amigo de Jared), Nimo Gandhi (Ingeniero), Robert Hays (Capitán Bob Wilson), Perez Hilton (Pasajero impaciente), Melanie Hinkle (Paramédico), Daymond John (Hombre de Wall Street),  Richard Kind (Harland ‘The Blaster’ McGuinness), Robert Klein (Alcalde), David Lambo (Víctima Metro), Matt Lauer, Biz Markie (Vinnie), Raphael Miranda, Alexis Molnar (Trabajadora pizzeria), Kelly Osbourne (Auxiliar de vuelo), Kelly Oxford, Austin Priester (Policía de vuelo), Kelly Ripa, Timothy Roberts (Rob Ford), Al Roker, Tiffany Shepis (Chrissie), Michael Strahan, Allee Stone (Nikki), Avalon Stone (May), Spencer Stone (Jimmy), Rachel True (Primer Oficial Jonni Valentine), Thomas P. Vitale, Antoinette Vitale, Giovanna T. Vitale, Ava Lauren Vitale, Cararose P. Vitale, Joan L. Vitale, Patrick J. Vitale, Cat Wallace, Kiki Weiss (Sherry), Gerald Webb (Técnico), Raymond T. Williams (Maxx), Anthony C. Ferrante (Guitarrista), Petunia, Karla Koenig-Arnold, Mitch O’Brien, Mark Rosenblum, Melanie Avalon (Asistente de vuelo), Steven Della Salla, Carl Ducena (Oficial de policía de Nueva York), Anne Wheaton, Wil Wheaton (Pasajeros de avión), Mike Gencarelli, Lyle Gold, Michael Leavy, Ryan Mitchelle, Robert Sciglimpaglia, Justin Smith, Carla Ulbrich…

Sinopsis: Tras sobrevivir al tornado de tiburones que asoló Los Ángeles, Fin y April vuelan hasta Nueva York para participar en un programa televisivo en el que van a contar su experiencia. Sin embargo, durante el viaje el avión que los transporta se ve envuelto de lleno en un sharknado. Tras lograr aterrizar con no pocas dificultades, Fin y April deberán enfrentarse nuevamente a una lluvia de tiburones, esta vez en la Gran Manzana.

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La llegada de una secuela que prolongara la repercusión obtenida por Sharknado era algo que se veía venir desde lejos, y no solo porque sus propios responsables se apresuraran en anunciar su realización casi nada más estrenarse su predecesora. Teniendo en cuenta los antecedentes de su productora, la temible Asylum, conocida principalmente por su fabricación de mockbusters, apelativo utilizado para denominar a sus descaradas fotocopias de los blockbusters hollywoodienses del momento, entraba dentro de lo lógico que la creadora de I Am Omega no dejara pasar la oportunidad de sacar el máximo rendimiento posible al único e inesperado éxito propio que ha conocido hasta la fecha. Para ello, y como no podía ser de otra forma, la estrategia a seguir se ha centrado en potenciar aquellos aspectos que convirtieron a Sharknado en todo un fenómeno a escala mundial.

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Conscientes de que su popularidad se cimentó en el impacto obtenido en las redes sociales, toda la campaña publicitaria de Sharknado 2: The Second One se ha encaminado a repetir la jugada, con el claro objetivo de igualar y, a ser posible, superar la repercusión mediática suscitada un año antes. Algo de lo que hemos sido testigos en nuestro propio país, donde, con motivo de su estreno, el canal encargado de su emisión ha realizado un despliegue de medios sin ningún tipo de precedentes para un producto de estas características. Programada de forma simultánea a su première mundial en los Estados Unidos, su pase estuvo precedido por una publicitada maratón compuesta por otras cintas de similar pelaje protagonizadas por escualos, a la que se añadiría un día más tarde una sesión exclusiva en una veraniega pantalla gigante del centro de Madrid, en un evento que tuvo más de reunión social que de un acontecimiento cinematográfico propiamente dicho. A tenor de las actitudes exhibidas por buena parte de los asistentes, era fácil percibir que la razón principal de su presencia estaba motivada por su deseo de seguir la moda del momento y poder así participar vertiendo su opinión en los canales habilitados a tal efecto, antes que por un verdadero interés personal por el título proyectado. Un ejemplo de cómo a estas alturas, y salvo honrosas excepciones, las películas han dejado de pasar de ser obras de arte o, en su defecto, productos de entretenimiento, para transformarse en estudiadísimas campañas de marketing en las que, paradójicamente, lo que menos importa es la propia película.

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Aunque en diferentes términos, dicha circunstancia también se refleja en el contenido de Sharknado 2. A lo largo de su metraje son innumerables las celebridades (en su mayoría televisivas y, por tanto, desconocidas por estos lares) que han querido apuntarse al carro de un éxito más que asegurado, apareciendo delante de las cámaras para desempeñar pequeños cameos. Es el caso de Kelly Osbourne, hija del mítico líder de “Black Sabath”, el veterano Judo Hirsch, el alférez de la “Enterprise-D” Wil Wheaton[1] o Mark McGrath, vocalista del grupo de rock alternativo “Sugar Ray”, y quien encarna uno de los roles protagónicos. Tanto es el énfasis puesto en este apartado que diríase uno de los principales baluartes con los que se ha diseñado un conjunto al que hay que reconocerle una factura técnica algo superior a la acostumbrada en esta clase de cintas, consecuencia de una mayor holgura productiva. El mimo puesto en su confección se deja sentir en una puesta en escena y planificación más rica dentro de sus limitaciones, así como por unos efectos especiales infográficos con un mejor acabado formal, lo que, empero, no ha sido óbice para que la Asylum muestre su cara más ventajista al reaprovechar varios diseños procedentes de anteriores títulos suyos, singularizados en el concurso de aviones y cocodrilos.

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Por lo demás, el resto de la propuesta se desarrolla siguiendo los cauces de lo previsible. Las situaciones grotescas y ridículas que fueran la base de la popularidad de su progenitora son multiplicadas ad nauseam adaptando para ello un intermitente tono auto-paródico y cómplice para con los aficionados al fantástico. Sin embargo, y en contra de lo que cabría esperar, la apuesta no se salda con los resultados deseados. Las barrabasadas recogidas en el libreto de Thunder Levin quedan lejos de ser tan chistosas como pretenden, y la plana y funcional realización de Anthony C. Ferrante se muestra incapaz en todo momento de extraer algo de partido del material que tiene entre manos, más allá de lo evidente. Eso, por no hablar de que el hecho de que todo sea premeditado hace que la cosa pierda buena parte de su gracia. Tanto es así que el único momento destacable de todo el conjunto es aquel en el que el piloto del avión que transporta a los protagonistas, interpretado por Robert Hays, recordado principalmente por ser el protagonista de la saga Aterriza como puedas, comente “el haberse visto en otras situaciones peores” ante los primeros síntomas del sharknado producidos en pleno vuelo.

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Acorde a este planteamiento, su argumento se limita a repetir punto por punto el de la primera parte sin excesivas variaciones. De nuevo, la trama pivota en torno a los esfuerzos del personaje de Ian Ziering por reencontrarse con su familia con el tornado de tiburones como telón de fondo, cambiando el marco de acción de Los Ángeles a Nueva York. Una circunstancia que es aprovechada para realizar un reportaje turístico de la Gran Manzana en el que no falta siquiera una visita a la emblemática Estatua de la Libertad[2], coronado por un patriotero llamamiento a la fuerza de la unidad de los ciudadanos neoyorkinos frente a las adversidades, en una clara referencia a los luctuosos atentados del 11-S.

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Pero si bien sus teóricas cualidades artísticas son, cuanto menos, discutibles, de lo que no hay duda es que Sharknado 2 ha cumplido con creces los objetivos con los que fue concebida. Con una audiencia de 3.9 millones de espectadores en su estreno, ha aumentado en un 189% el share de la primera entrega, mientras que los seiscientos millones de mensajes registrados en el hastag #Sharknado2TheSecondOne duplican el número de comentarios obtenidos por aquélla. Eso solo en los Estados Unidos, claro. En España, por su parte, consiguió copar los diez trending topics durante la noche de su estreno, convirtiéndose “en la película más tuiteada de la historia del país”, según la información aparecida en diversos medios. Con estos registros, no es de extrañar que la Asylum se encuentre ya trabajando en una tercera parte con vistas a estrenarla en julio del próximo año. Y así continuará sucediendo cíclicamente mientras que la gente no se aburra del invento, lo cual, visto lo visto, no parece cercano. Por el contrario, puede decirse que esto sólo acaba de empezar.

José Luis Salvador Estébenez

[1] No es esta la única conexión con Star Trek, aunque sea de un modo indirecto. Durante los primeros compases hay un homenaje explícito a Nightmare At 20,000 Feet, el famoso episodio de la serie The Twilight Zone protagonizado por William Shatner, el capitán Kirk de la serie original.

[2] El concurso de la Estatua de la Libertad no solo se limita al simplemente decorativo, participando activamente en la acción en un doble guiño a En busca del arca perdida y 1997: Rescate en Nueva York o, más concretamente, a cierto detalle engañoso de su cartel original.

Published in: on agosto 18, 2014 at 5:25 am  Comments (1)  

Entrevista a Diego López y David Pizarro, autores de “Silencios de pánico. Historia del cine fantástico y de terror español, 1897-2010″

Presentación del libro en Sitges

Hace poco menos de un año veía la luz en librerías Silencios de pánico, un extenso y completo recorrido por la historia del cine fantástico y de terror español orquestado por dos buenos amigos de esta abadía: Diego López y David Pizarro. A pesar del tiempo transcurrido desde su aparición, escaso en cualquiera de los casos, Silencios de pánico se encuentra en estos días de plena actualidad. Al lanzamiento en fechas recientes de una segunda edición corregida y ampliada, y a su próxima edición en tierras italianas, se le une su candidatura dentro de la categoría de “Ensayo” a los prestigiosos premios Ignotus que organiza la Asociación Española de Fantasía, Ciencia Ficción y Terror y que este año entregará en la próxima “Hispacón”, a celebrar entre el 6 y8 de diciembre en la localidad catalana de Montcada i Reixac. Momento pues de lo más oportuno para que sus dos autores nos comenten con mayor detalle tan fantástica creación.

Silencios de pánico supone vuestra segunda obra conjunta tras el documental Los perversos rostros de Víctor Israel, recientemente aparecido en DVD de la mano de “Vial of Delicatessen”. ¿Cómo surge vuestra colaboración?

Diego: David y yo nos conocíamos con anterioridad al documental Los perversos rostros de Víctor Israel; sin ir más lejos, él ya había colaborado en El Buque Maldito. Debido a nuestra amistad, fue una de las primeras personas que vio en mi casa un previo que había confeccionado a modo de video homenaje al actor Víctor Israel a finales del año 2009 destinado a su proyección en el festival catalán Horrorvision. Una pieza de unos diez minutos de duración donde se intercalaban declaraciones de realizadores que habían trabajado con Víctor junto a secuencias de algunas de sus películas dentro del cine fantástico y de terror. David, tras ver aquel video, me comentó la idea de llevar a cabo un documental donde mostrar su trabajo en el cine tocando todos los géneros donde intervino: terror, comedia, erótico, western… Y así nació el documental.

Aunque aparecido en España editado por Tyranosaurus Books, lo cierto es que el libro nace por sugerencia directa de Luigi Cozzi con vistas a publicarlo bajo su sello Profondo Rosso. Contadme un poco cómo fue toda la historia de su gestación y si se ha llegado a publicar ya en Italia.

David: Durante la edición del Festival de Sitges del 2011 Luigi Cozzi, quien asistió al mismo, hizo buenas migas con Diego y le planteó la posibilidad de escribir un libro sobre la historia del cine fantástico español, pues en Italia apenas existían trabajos dedicados a la temática, con excepción de uno dedicado a Jesús Franco y otro a Paul Naschy. A nosotros nos pareció una idea estupenda, pues queríamos proseguir nuestra colaboración tras el documental Los perversos rostros de Víctor Israel que tan buenos resultados nos había dado. A partir de ahí, decidimos plantearnos un trabajo que se diferenciara de los ya existentes hasta la fecha; queríamos profundizar en el fantástico como tal, pero a la vez proponer “nuevas” directrices o caminos a los que pudiera derivar el género que no estuvieran tan trillados. Asimismo, pensamos que un punto diferencial sería la inclusión de entrevistas a distintos realizadores que sintetizaran con sus propias palabras la historia del fantástico español. Este planteamiento le encantó a Luigi, quien tras leer los primeros capítulos se mostró entusiasmado con el trabajo y, tras una ardua traducción, finalmente verá la luz en Italia en septiembre.

¿Y cómo entra en escena Tyranosaurus Books, y con ello la posibilidad de publicar vuestro trabajo en España?

Diego: Con Marc Gras y José Rodríguez tengo amistad desde hace algunos años. Además, con Marc había trabajado en el verano del 2009 en la confección de los extras del DVD de La orgía de los muertos (José Luis Merino, 1973) para su edición en EE.UU. A José, para ser exactos, le había hablado en alguna ocasión del libro que David y yo estábamos escribiendo y desde aquella primera conversación siempre se mostró interesado en nuestro trabajo. Llegado marzo del 2013 y, con el libro ya muy avanzado, mantuvimos una reunión con ellos y empezamos a cerrar los flecos para su edición en España en octubre del año pasado.

Diego entrevistando a Antonio Mayans en un momento del rodaje de

Diego entrevistando a Antonio Mayans en un momento del rodaje de “Los perversos rostros de Víctor Israel”.

El contenido de Silencios de pánico se enmarca dentro de una corriente bastante transitada durante los últimos años en nuestra bibliografía como es aquella dedicada a estudiar el cine fantástico español. Personalmente, ¿qué consideráis que aporta vuestra obra a lo ya escrito?

David: En primer lugar, consideramos el trabajo muy distanciado de la gran mayoría de las obras similares, las cuales afrontaban la materia desde puntos de vista equidistantes. El nuestro, en cambio, es una obra triple; o sea, tres libros condensados en uno solo, en cuya primera parte se disecciona cronológicamente la historia del cine fantástico español, añadiendo datos hasta ahora ninguneados o desconocidos en otros trabajos y, sobre todo, apostando por títulos olvidados o extremadamente extraños –cf. Novelas sangrientas, El espectro de Justine, Alguien mató su inocencia o Los escondites-, los cuales casi siempre se han descartado de las filmografías dedicadas al género. En la segunda quisimos entrevistar a una serie de realizadores esenciales de nuestra cinematografía, para que ellos mismos, con sus propias palabras, nos esbozaran su propia realidad de la temática, confrontando cinco realizadores contemporáneos –cf. Álex de la Iglesia, Alejandro Amenábar, Jaume Balagueró, Paco Plaza y Nacho Cerdà- con otros cinco incunables –en este caso: Carlos Aured, Juan Piquer Simón, Jacinto Molina, Jordi Grau y Eugenio Martín-, para que así pudiéramos entender mejor el desarrollo de nuestra industria, anécdotas de rodaje y múltiples dificultades a las que se vieron abocados antes de realizar sus indispensables y, en algunos casos, legendarias películas. Y, por último, en la tercera parte encontramos una serie de artículos dedicados a unas tendencias cinematográficas colindantes con el fantástico pero que nunca (o casi nunca) se habían incorporado como tales. Es evidente que para los más puristas una película como El fugitivo de Amberes, tangencialmente enmarcada dentro del policíaco barcelonés pueda parecer una auténtica aberración que la incluyamos en el libro, pero a la hora de analizarla fríamente encontramos ciertos aromas fantasmáticos en su atmósfera irreal e ilusoria que hacen que las distancias entre ambos géneros se estrechen. Por otro lado, otro de los puntos más interesantes del libro es que aborda el fantástico desde sus orígenes, en el cine silente, y recorriendo el trayecto hasta nuestros días, poniendo especial énfasis en décadas hasta ahora ninguneadas.

Con respecto a estos antecedentes, puede decirse que vuestra obra sigue la senda de Profanando el sueño de los muertos de Ángel Sala, quien no en vano firma el prólogo, al moverse en un espectro de títulos bastante amplio en el que hay cabida tanto a los ejemplares más puros como a aquellos otros cuya relación con el género no es tan evidente, o al menos a primera vista, tal y como habéis comentado…

David: Sinceramente, no creo que nuestro trabajo siga ninguna senda concreta ya escrita. El libro de Ángel Sala es un maravilloso estudio sobre el género y bien es cierto que lo hemos utilizado a modo de consulta, del mismo modo que otra serie de trabajos de otros tantos críticos y escritores, como Ramón Freixas, Carlos Aguilar, Javier G. Romero, Esteve Riambau, Antonio Busquets, David García… Aunque lo que sí nos llamaba la atención de Profanando el sueño de los muertos es la diversidad de títulos analizados. Muchos de ellos fronterizos y en algunos casos discutibles, pero resultaba interesante ese tono diferenciador que proponía Ángel. Por eso nosotros quisimos abordarlos de una forma diferente, encuadrándolos en un apartado concreto llamado Anotaciones en las fronteras del terror.

Este ánimo completista os ha llevado a añadir a modo de apéndices sendos capítulos dedicados a desgranar corrientes y estilos poco o nada estudiados hasta el momento, y en cualquier caso siempre de forma tangencial, como puede ser el “Spanish Gothic”, el giallo a la española, el cine de animación o, incluso, el porno…

David: Efectivamente, en este apartado quisimos tratar corrientes poco estudiadas pero que nos parecían imprescindibles incorporar dentro del concepto del libro. Hoy en día ya está aceptado por la gran mayoría de aficionados hablar del Spanish Gothic o del giallo español como tendencias colindantes con el fantástico. Por eso nos seducía la idea de profundizar en otras vertientes menos contrastadas, como la animación, el porno o el policíaco que en otras cinematografías sí que se aceptan como afines al género. Un caso evidente es M, el vampiro de Düsseldorf, en esencia un policíaco al uso pero de cuya atmósfera se intuye un acérrimo acercamiento al horror más profundo.

Todo lo expuesto responde a vuestro objetivo confeso de sacar del olvido directores y películas afines al género fantástico desconocidas no ya para el gran público, sino también para el común de los aficionados, lo que en cierto modo continúa la labor que personalmente tú, Diego, vienes haciendo a través de las diferentes encarnaciones de El buque maldito

 Diego: En general todo responde a nuestra afición por el cine fantástico y de terror español, no olvidemos que David, al margen de ser también un gran aficionado, fue el editor del extinto fanzine Diabolik. En mi caso, desde el inicio del fanzine y las proyecciones, hace ya unos cuantos años, y más recientemente las ediciones en DVD de films como Terror caníbal o Morbus (o bon profit), siempre he intentado reivindicar un cine vapuleado en su país de origen y donde fuera de nuestras fronteras ha gozado de mayor respeto y admiración. Tener la oportunidad de escribir dicho libro junto a David y poner toda nuestra pasión y conocimiento en esas páginas, ha sido una especie de catarsis final sobre un cine que llevo admirando desde que era un crío y tuve oportunidad de conocerlo gracias a una enciclopedia de cine llamada Salvat y publicada a finales de los años setenta. En aquel primer libro de la colección había un extenso apartado dedicado al cine de terror español repleto de fotos de los films ¿Quién puede matar a un niño?, El buque maldito, La semana del asesino o El jorobado de la morgue. Todo aquello despertó una pasión que, a día de hoy, continúa…

En contra de lo que se pudiera deducir a tenor de lo expuesto, vuestro recorrido se muestra más atento a los nombres que a los títulos, articulándose, en cierto modo, a través de la evolución de la carrera de sus principales artífices, léase Jesús Franco, Paul Naschy o Juan Piquer Simón, por citar algunos de los más ilustres, tratadas en paralelo y en capítulo aparte al desarrollo del grueso de la filmografía fantástica patria…

Diego: Gracias a esos nombres se construye la historia del cine fantástico y de terror español. De ahí que sirvan de guía en cada capítulo del libro; en cada década donde su trabajo es la base del género. Aunque no acabo de estar de acuerdo en tu apreciación, creo que los títulos tienen también mucha importancia y nos adentramos en cada uno de ellos al igual que en la figura de sus realizadores, incluso de los actores y actrices que van dando forma a nuestro cine.

En este sentido no puede pasarse por alto el que no nos encontremos con un ensayo al uso, sino que el análisis crítico e historiográfico es acompañado por anécdotas, declaraciones y, como ya adelantabais, hasta entrevistas completas en las que algunos de los principales protagonistas del fenómeno desgranan su relación con el género…

David: Por supuesto, ese es otro de los alicientes del trabajo. Desde mi punto de vista el mejor libro sobre cine de la historia es el que escribió Truffaut sobre Hitchcock y nos divertía la idea de jugar a ser por momentos el director francés sacando del tintero entrevistas y declaraciones a distintas personalidades soterradas o arrinconadas durante años. Ofrecer testimonios orales en forma de declaraciones en primera persona de los protagonistas de nuestro fantastique es algo que vitamina la esencia fundamental del conjunto. Asimismo, las anécdotas de rodaje constituyen por sí mismas curiosidades imprescindibles que todo buen aficionado desea conocer y, por lo tanto, las considerábamos necesarias para poner la guinda al pastel. 

Presentación de "Silencios de pánico" en Barcelona. De izda. a dcha.: Diego López, Jaume Balagueró, Ángel Sala, David Pizarro y Marc Carreté.

Presentación de “Silencios de pánico” en Barcelona. De izda. a dcha.: Diego López, Jaume Balagueró, Ángel Sala, David Pizarro y Marc Carreté.

A lo largo de las páginas del libro queda puesta en evidencia la labor titánica que ha supuesto todo el proceso de documentación, en especial por la circunstancia inherente al fantástico español de que muchos de los títulos comentados son de difícil acceso, ya sea por carecer de ediciones en formatos domésticos o ni siquiera haber sido estrenadas comercialmente, caso de El espectro de Justine de Jordi Gigó. ¿Ha sido este el apartado más laborioso de todo el conjunto?

Diego: Ha sido un apartado laborioso, sí. Llegar a ciertos títulos supuso una labor titánica debido a su nula distribución; y en el caso de la película de Gigó, que nunca tuvo estreno en salas comerciales ni distribución en video, imagínate… Y aquí ha residido un trabajo enorme pero a la vez placentero: la búsqueda, su visionado, y posterior escrito, era un cierre de círculos y, a la vez, un nuevo descubrimiento.

David: Esa serie de piezas prácticamente desconocidas para el aficionado ha resultado una tarea compleja. Ten en cuenta que gran parte de estas películas (no sólo la de Gigó) no se habían comercializado y en algunos casos las referencias que teníamos eran mínimas. Gracias a algunos coleccionistas particulares –cf. José A. Diego y el resto de componentes de Exhumed Movies- y diversos directores, actores y productores, quienes desinteresadamente nos facilitaron parte del material para visionarlo. Sin embargo, otro apartado bastante complejo fue el de los orígenes del cine fantástico, sobre todo el apartado a obras silentes y seriales barceloneses. Apenas se conservan obras de este periodo y resulta muy complejo hacerse una idea de cómo era la cinematografía de esta época objetivamente por evaluaciones de terceros realizadas hace ochenta o noventa años.

Diego: Otro apartado largo y complicado fue poder aportar más información de realizadores, actores y actrices ya desaparecidos donde los datos que había a veces eran confusos o falsos. Tanto David como yo nos obligamos a poner definitivamente un poco de orden, contactando incluso con familiares para tener la información de primera mano o bien tirando de archivos. Un trabajo también muy enriquecedor.

¿Ha habido alguna película que por motivos de imposibilidad material hayáis dejado en el tintero?

David: Sí, ha habido algunas (muy pocas) que hemos descartado por no poder verlas a tiempo, cf. El hombre de neón, la cual he visionado recientemente y me hubiera gustado incorporar por su atmósfera futurista en la línea de Blade Runner, o títulos fronterizos como El misterioso señor Van Eyck, Cara quemada o Cuatro balazos, los cuales quedaban suspendidos en la cuerda floja.

Ya que hablamos de la confección del libro, ¿cómo ha sido el proceso de escritura? ¿Os habéis repartido las funciones de algún modo especial?

Diego: Algunas partes sí que nos las hemos repartido, como pueden ser las entrevistas o los artículos que cierran el libro. Pero el grueso, donde abarcamos la historia del cine fantástico y de terror español, ha estado confeccionado por ambos. Un proceso largo donde David y yo hemos escrito, corregido, añadido, quitado… hasta llegar al texto exacto y adecuado.

Llama la atención que no hayáis optado por aplicar un estilo homogéneo al conjunto, sino que para cualquiera que haya seguido mínimamente vuestra trayectoria es fácil identificar qué partes ha escrito cada uno. ¿Ha sido algo premeditado?

David: Sí, más o menos. Cada uno tiene su estilo diferenciador y su criterio, aunque a veces este no coincida. Son los pequeños inconvenientes que uno debe sortear cuando escribe una obra conjunta.

Una vez terminado, ¿ha cambiado mucho el libro resultante del concepto que teníais en un principio?

Diego: Yo creo que no. Sí que es cierto que sobre la marcha íbamos aportando ideas que algunas están ahí y otras quedaron fuera. Pero la base inicial nunca cambió.

David: A mí, sobre todo, me apetecía apostar por la parte final del libro, donde se sugerían una serie de títulos fronterizos, pues hasta la fecha apenas había estudios dedicados a estas vertientes.

Hace escasas semanas se ha lanzado una segunda edición ampliada del libro. ¿En qué han consistido estos nuevos añadidos?

David: La segunda edición salió principalmente debido al éxito de la primera. En apenas una semana el editor se quedó sin ejemplares y, a partir de entonces, se nos planteó la posibilidad de sacar la segunda edición intentando mejorar los pequeños errores u omisiones que tenía por falta de tiempo, pues debimos terminar el trabajo rápidamente para presentarlo en el Festival de Sitges del 2013. En realidad, los principales cambios entre ambas ediciones son la inclusión de una bibliografía y un índice de películas que resulta muy práctico debido a la magnitud de títulos citados, sobre el millar; aparte, se han sustituido algunas fotografías por otras que considerábamos más acordes y se ha corregido una nota, donde citábamos dos títulos de cine porno erróneos. Espero que con el tiempo y si siguen como van las ventas podamos hacer una nueva edición incluyendo esas películas dejadas en el tintero y ampliando el artículo principal hasta nuestro días.

Tras Silencios de pánico ¿ya tenéis en mente algún nuevo proyecto conjunto?

Diego: Antes de introducirnos en la escritura del libro, David y yo estábamos valorando ideas para un nuevo documental. Quizás el año que viene abordemos alguna de ellas y volvamos a trabajar juntos en una nueva pieza.

Si queréis añadir algo más, este es el momento…

David: Pues nada. Ha sido un enorme placer hacer esta entrevista y queríamos darte las gracias por la atención recibida y también a todos nuestros lectores a quienes esperamos hayan disfrutado devorando Silencios de pánico tal y como nosotros lo hicimos escribiéndolo, y que no se tomen a mal si destripamos algún film concreto, pues son meras opiniones y en la variedad de criterios está el gusto.

Diego: Ha sido un placer contestar la entrevista y espero que los lectores del libro disfruten tanto como nosotros hemos disfrutado con su escritura.

José Luis Salvador Estébenez

 

Published in: on agosto 14, 2014 at 5:24 am  Dejar un comentario  
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