Entrevista a Frank Muñoz y Pedro José Tena, responsables de “Cannon Films: la generación del videoclub vol.1″

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Puesto a la venta hace apenas un par de meses, Cannon Films: la generación del videoclub vol.1 ha demostrado con su promoción y venta mayoritaria a través de las redes sociales como pequeñas sociedades creadas para la ocasión pueden ser capaces de publicar y difundir con éxito estudios sobre determinados films que, aunque extremedamente populares, pareciera que las editoriales más importantes aún tienen miedo de tratar como es debido. Y es que el enorme y renovado interés demostrado por parte del aficionado hacia las cintas examinadas en el presente volumen (ya sea para recordar tiempos pasados o para descubrir títulos que le son desconocidos, según la edad de cada lector), pone de manifiesto hasta qué punto hay cabida para todo tipo de cine en el panorama bibliográfico patrio, inclusive para aquel protagonizado por figuras usualmente tan denostadas (cuando no directamente ignoradas) por la crítica más circunspecta como son las de Chuck Norris, Charles Bronson & cía. A continuación dejamos que los dos principales responsables del proyecto nos hablen de la génesis y el desarrollo de tan interesante iniciativa.

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Con el presente volumen se inaugura la andadura de Applehead Team Creaciones en el mundo editorial, viéndoos de alguna manera “forzados” a crear sello propio para sacar adelante proyectos sobre los que os interesaba escribir. ¿Significa esto que ya habíais intentado mover previamente éste libro sobre la Cannon entre las editoriales más asentadas?

Frank Muñoz: No. Desde un principio se pensó así, ya que dentro de la aventura de crear estos libros estaba editarlos nosotros mismos. El germen estaba en el fanzine “El club de los monstruos”, cuyo primer número iba a ser dedicado a la Cannon, aunque finalmente se convirtió en un homenaje a Jess Franco. Cuando retomé la idea, pensé que habría material suficiente para hacer un libro, así que dejé a un lado la idea del fanzine y opté por algo más ambicioso, con la ayuda de Emilio y su equipo de Corazón Literario, que han sido los editores del libro junto con Nafra Colección, mi tienda de coleccionismo. En el momento en el que se estaba formando el equipo de colaboradores, apareció Pedro y lo de Applehead Team Creaciones surgió de manera casi espontánea, después de hablar sobre varios libros que nos gustaría hacer en el futuro. Para ello, sentimos la necesidad de crear un sello propio.

Pedro José Tena: Tal y como está el mercado editorial, nos podríamos haber tirado meses, si no años, enviando un manuscrito a unas y otras editoriales grandes sin recibir ninguna respuesta o, como mucho, teniendo que aceptar condiciones muy tristes. Y en cuanto a las editoriales más pequeñas, merecen nuestro máximo respeto y, de hecho, nos servían para creer que algo así se puede hacer desde la independencia y no tener que depender de nadie. Así que, ¿por qué no intentarlo? La impresión digital y el sistema de preventas permite correr menos riesgos y tener el máximo control sobre tus propios libros. Es verdad que existe el peligro de volverte invisible si no tienes una gran editorial detrás que te promocione, que te consiga presentaciones y coloque tu producto en librerías y grandes superficies. Pero también tiene su punto atractivo y aventurero, como dice Frank, lo de autoeditarse y luego buscarte la vida para que el libro llegue a la gente. Gracias a Internet esto resulta más fácil de lo que nunca ha sido.

¿Afrontasteis el proyecto con algún tipo de ánimo reivindicativo hacia estas películas, o simplemente os movió la nostalgia hacia una época totalmente diferente en lo que respecta a cómo se consume el cine hoy en día?

FM: Un poco de todo. Creo que nada sería igual en el mundo del cine sin estas películas, ya que marcaron mucho un estilo muy característico en su época de concebir el cine de entretenimiento. Y no se hace nada igual hoy en día, no de esa forma. Además, marcaron las vidas de millones de personas… si no, no se hablaría todavía hoy de una productora que hace más de veinte años que dejó de existir.

PJT: Obviamente, nos mueve mucho el factor nostálgico. De algún modo, muchos de los que participamos en el libro seguimos algo estancados en una época que ya pasó, en la que todavía éramos impresionables y todo parecía más sencillo. Supongo que les pasa a todas las generaciones, claro. Pero si hablamos de cine, nosotros fuimos los primeros en poder tenerlo en casa a través de los aparatos de vídeo. Ya no dependíamos de que nuestros padres nos llevaran al cine o que pusieran nuestras películas favoritas en la tele. A partir de la década de los 80 nosotros decidíamos qué películas queríamos ver y en qué momento, dentro de una amplia gama de títulos que iban de lo más selecto a lo más chapucero, pero en la que no podíamos hacer todavía demasiadas distinciones por falta de conocimiento y porque nos dejábamos arrastrar por unas carátulas engañosas pero que, a día de hoy, nos siguen pareciendo maravillosas. Y no sólo eso, sino que además podíamos repetir el visionado las veces que quisiéramos. Esto tuvo una consecuencia muy clara: que algunas películas se nos quedaran alojadas en el cerebro para siempre. Así que el elemento nostalgia está muy presente en el libro, porque no podemos evitarlo. Pero también, aparte de esto y de reivindicar algunos títulos que creemos que merecen una segunda (o tercera) oportunidad, hemos querido ser críticos con la producción de Golan y Globus. Es decir, no queríamos quedarnos sólo en el “cómo molaba esto” o “qué pasada poder ver ahora Fuerza vital en HD”, convertirnos en la versión VHS del Abuelo Cebolleta, sino también explorar esas películas desde una perspectiva analítica e intentar averiguar si, más allá de la nostalgia, realmente podrían aportar algo al espectador de hoy, que está de vuelta de todo o que no vivió aquella época y va a descubrir estas pelis por televisión o la Red.

Frank Muñoz oculta su rostro tras la portada de "Cannon Films".

Frank Muñoz oculta su rostro tras la portada de “Cannon Films”.

Desde su misma existencia, este libro lo que sí me parece es una reivindicación de cierto tipo de cine de acción, muy vilipendiado cuando no directamente ignorado por la mayoría de la crítica. ¿Por qué creéis que hay tan pocos estudios dedicados al tema en este país? Por falta de interés no creo que sea…

PJT: Sí que hay interés por parte del aficionado, pero no tanto por los que escriben libros de cine. Como todos sabemos, suele ocurrir que las manifestaciones artísticas más comerciales son atacadas por la crítica, con esa postura algo esnob según la cual todo lo que le guste a la masa es basura y no merece ningún análisis. Por suerte, esto cambió durante los 90, cuando sí que aparecieron libros como Made in Hong Kong de Domingo López, John Woo y el cine de acción de Hong Kong de Pedro Berruezo (John Tones) o Yo soy la ley: Videoguía de justicieros urbanos, de Jordi Sánchez Navarro, libros (y autores) que son referentes para mí. Pero con la proliferación de páginas webs y blogs y la consiguiente caída de ventas de estos libros tan específicos, se dejaron de publicar estudios sobre el cine de acción, apareciendo únicamente muy de vez en cuando trabajos como Las 100 mejores películas de artes marciales de Miguel Juan Payán o, muy especialmente, Los brazos fuertes del cine de acción de los 80 y 90, de Diego Arjona, en el que tuve el honor de colaborar. Creo que, hasta la llegada del nuestro sobre la Cannon, el libro de Arjona había sido el que mejor ha capturado esa pulsión entusiasta del fan que se crió entre el cine de barrio y el videoclub de la esquina, dejando a un lado reflexiones demasiado sesudas para llegar a todo tipo de lectores y público. Es un libro que funcionó bien, pero que debería haber tenido más repercusión y si no la tuvo fue porque, en este país, parece que a la gente no le gusta ver que alguien pueda dedicarse a varias cosas a la vez. Y creo que a Diego le perjudicó el hecho de ser conocido por su faceta de humorista y que muchos lectores potenciales no le dieron una oportunidad al libro debido a que pensaban que se trataba de una obra satírica o falta de criterio. Algo totalmente alejado de la realidad. En cualquier caso, ese libro no contó con el apoyo de la crítica, ya que apenas fue reseñado en revistas de cine o páginas web. Sin embargo, nosotros insistimos en la idea de que sí hay un mercado para los estudios sobre este género, aunque no pueda ser tan potente como el que hay para los ensayos sobre el cine de terror o fantástico, con una afición mucho más entregada al coleccionismo y al completismo y que, por tanto, compra más libros y fanzines (entre ellos el maravilloso y flamante “Cine-Bis”, de Javier G. Romero, que es de los pocos que sí trata al cine de acción con respeto). Supongo que la cuestión ahora es encontrar el equilibrio y hacer algo que pueda ser disfrutado tanto por los fans como por unos lectores menos afines al género, pero que quieran acercarse a él con curiosidad. Y para ello debemos rebajar un poco esa dosis de entusiasmo, o al menos no dejarnos arrastrar ciegamente por ella, y volvernos también críticos con aquello a lo que amamos, que es lo que hemos intentado con el libro de la Cannon.

FM: También pasa que incluso dentro de los fans del cine de acción, existe a veces cierta pereza (o no sé si llamarla directamente cobardía) a la hora de afrontar estudios más elaborados sobre el cine de acción. Normalmente no van más allá de una reseña breve en un blog o un foro, quizá porque ellos mismos no quieren reconocer que esto les gusta tanto como para dedicarle más tiempo y esfuerzo. Y por eso algunos mantienen la pose de que las pelis de hostias y explosiones les parecen chorraditas que no merecen mucho tiempo de análisis, cuando en realidad son las que ven una y otra vez. Luego están muchos otros aficionados que son verdaderos expertos, coleccionistas, que dedican horas y horas a buscar cintas que ya están descatalogadas y comparten sus montajes con los internautas. Pero a lo mejor no les gusta escribir y simplemente no se meten en berenjenales de estos, por mucho que sus conocimientos sobrepasen muchas veces a los de otros que van de gurús por la Red.

A pesar del predominio de los títulos de acción dentro de la productora, finalmente os ha quedado un tomo bastante variado en cuanto a contenidos. ¿Teníais claro ya de antemano con esta diversificación de temas cuál sería el target del posible comprador/lector del libro?

FM: No. Creo que cuando mejor salen las cosas es cuando tienes claro lo que quieres hacer, pero no cómo los vas a hacer, y dejas que todo salga natural. Así que no seguimos un plan demasiado estudiado, la verdad, no pensamos “tenemos que meter tantas reseñas de acción, tantas fantásticas, etc”. Simplemente consideramos qué títulos nos parecían más representativos de la Cannon y se repartieron entre los colaboradores. Estos, a su vez, tuvieron libertad para reseñar algunos títulos que les gustaran especialmente y que no habíamos contemplado en un principio.

PJT: De todos modos, somos conscientes de que hay una parte de la producción de la Cannon que hemos tocado un poco más de soslayo: sus películas más dramáticas, de las que hablo en el capítulo de la historia de la productora pero que luego tiene poco reflejo en la sección ce críticas. Esto se debe a algo tan sencillo como que los que hemos escrito esas reseñas nos hemos dejado llevar por nuestras filias y, por lo general, lo que más nos va es el fantástico y el cine de acción. Pero, afortunadamente, son pocos los lectores que se han quejado de ello, jajaja.

Pedro José Tena posando con un ejemplar del libro.

Pedro José Tena posando con un ejemplar del libro.

¿Qué criterio habéis seguido para seleccionar a los distintos colaboradores?

FM: Gente apasionada por el cine de esa época. Por muy bien que escribieran, necesitábamos a gente que tuviera esa pasión sobre el tema del que iba a hablar. No puede escribir igual sobre este cine alguien que sólo vea cintas actuales y de vez en cuando vea una película de los 80. Tenía que ser gente que llevara este cine en la sangre.

PJT: Estamos muy orgullosos del grupo de autores que hemos reunido. Tirando de amigos y contactos, Frank convocó a unos cuantos escritores y yo a otros tantos cuando me sumé al libro. Tenemos que agradecer que todos ellos hayan aceptado participar desinteresadamente, aportando su talento y su pasión a un proyecto que se debería haber hecho antes, a tenor de la buena recepción que ha tenido, pero que nadie se había tomado en serio hasta ahora. Ese es el lema de Applehead Team Creaciones: “Los libros que siempre has querido leer, pero nadie se ha atrevido a publicar”. Hasta que han llegado al panorama unos inconscientes como nosotros…

Debido al éxito de la pre-venta por correo se tuvo que ampliar la tirada prevista en un principio. ¿Cómo han ido las ventas a posteriori? ¿Habéis estudiado lanzar más ediciones?

FM: Tanto la pre-venta como la venta posterior han funcionado mejor de lo esperado. De hecho, tuvimos que sacar más copias de las inicialmente previstas. Pero sabemos que las ventas entran en letargo durante el verano, así que nos vamos a esperar hasta septiembre para sacar la segunda edición. Y no solo eso: también habrá segunda parte.

PJT: Eso es. Hay muchas películas que nos dejamos en el tintero, para no sobrecargar demasiado el libro. Así que vamos a publicar un segundo volumen con alrededor de cincuenta reseñas más, entre ellas algunas de géneros que no tratamos en la primera parte, como he dicho antes, con tal de ofrecer un estudio todavía más amplio sobre la productora. Además, habrá un capítulo en el que repasaremos las biografías de las figuras más representativas de la Cannon: Charles Bronson, Chuck Norris, Michael Dudikoff…. Sabemos que los títulos más conocidos ya fueron tratados en el anterior libro, así que es un poco arriesgado sacar una segunda parte que va a funcionar, sobre todo, como complemento. Pero también estamos seguros de que gustará a los que disfrutaron del primero, porque todavía queda mucha tela que cortar: completar la filmografía de Michael Dudikoff, de Bronson, las aventuras de Allan Quatermain, algunas más de artes marciales que nos dejamos fuera, etc.., y también algunos dramas, thrillers y musicales. Aparte, gracias al capítulo de las biografías y alguna que otra idea que todavía está en el aire, será un libro con entidad propia.

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A la vista de vuestros próximos proyectos (un volumen dedicado a la Full Moon y otro al cine de ninjas de la Filmark), está claro que seguiréis insistiendo en esta línea ochentera y videoclubera, ¿tenéis en mente abordar otros temas o épocas?

FM: Todos y más. Como reza nuestro lema, la intención es editar todo lo que nos hubiera gustado leer pero que nadie editó, por lo menos en este país.

PJT: Ahí tenéis por ejemplo el caso del libro de Charles Band que han publicado hace poco en Reino Unido. Para evitar cualquier confusión, tenemos que aclarar que el nuestro no será una traducción, sino que se trata de textos totalmente originales escritos por el equipo del blog “Ultramundo” (aunque yo aportaré también una decena de reseñas). Además, llegaremos más lejos de lo que ha llegado ese libro: personalmente me parece una joya por la cantidad de material inédito que lleva y por las entrevistas que incluye, también porque sirve para aclarar muchos detalles sobre la filmografía de Charles Band que se me escapaban, pero es cierto que las reseñas que incluye no son ni la mitad de profundas que las que tendremos en nuestro trabajo. Y, por si eso fuera poco, lo dividiremos en dos volúmenes: uno sobre la etapa Empire y otro a partir de la creación de Full Moon. Pero, aparte de esa línea ochentera y videoclubera que dices, sí que tenemos en mente acercarnos a otras épocas y estilos de cine. De hecho, hay un libro que ya está en marcha sobre el que de momento no quiero hablar y que no puede estar más alejado de lo que hemos hecho hasta ahora. Pero que, sin duda, resultará de lo más atractivo para muchos lectores. Por otro lado, y aunque esto esté todavía verde, tenemos planes también para editar ficción. Así que, ya sabéis, chicos, ¡comprad nuestros libros, que tenemos mucho que aportar a vuestras bibliotecas personales!

José Manuel Romero Moreno

Arranca Cryptshow Online

Cryptshow Festival y la plataforma FestatHome unen esfuerzos para llevar la selección de cine de este festival de Badalona a cualquier espectador del mundo que tenga un ordenador, tablet o móvil. De esta manera, nace Cryptshow Online con la intención de mostrar las novedades del cine de género de terror y fantástico en cualquier punto del mundo convirtiéndose así en un certamen multiplataforma. De esta manera los amantes del cine podrán disfrutar de las propuestas de gran nivel de directores independientes internacionales.

En las sesiones de la sala El Círcol, sede habitual de Cryptshow Festival que este año se ha celebrado del 2 al 6 de Julio, se les suma el visionado online que tendrá lugar del 14 de julio al 31 de agosto, y donde se podrá ver la Sección Oficial internacional de cortos del festival. Ha sido posible gracias a la plataforma web FestatHome desarrollada por Festhome LTD que en la actualidad da servicio a más de trescientos cincuenta festivales y miles de cineastas de todos los continentes uniendo películas y espectadores en cualquier lugar.

Los cortos que participan en Cryptshow Online compiten por el Premio Sierra Circular Online del Público que otorgarán los espectadores que desde su casa voten a través de la plataforma FestatHome; y el Premio Sierra Circular Online, otorgado por el Jurado Internacional Cryptshow Online. Este jurado estará formado por tres personalidades vinculadas al mundo del cine y de prestigiosa fama internacional. Diego López, responsable de la sección Brigadoon del Festival Internacional de Cine Fantástico de Cataluña-Sitges y editor del fanzine “El Buque Maldito”; Chris Alexander, editor de “Fangoria Fanzine” y “Gorezone Fanzine”; y el director y productor de cine Brian Yuzna

Cryptshow Online tendrá dos modalidades de visionado, y por tanto de pago, por parte del público:

- Bono Festival Que dará acceso a todo el contenido de Cryptshow Online
- Bono Sesión Que dará acceso a una sesión de Cryptshow Online

Más información: www.festathome.com

Published in: on julio 24, 2014 at 6:15 am  Dejar un comentario  
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Cannon Films – La generación del videoclub vol. 1

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Título: Cannon Films – La generación del videoclub Vol. 1

Autores: Pedro José Tena, Paco Fox, Serena Iniesta, José Viruete, John Tones, Jorge Serna, Álvaro Gil, Álex Oliveres, Jesús Pérez Molina, Kiko Vega, Luís Martínez, Ricardo Herbosa, Diego Arjona.

Editorial: Applehead Team Creaciones

Datos técnicos: 410 páginas (2014)

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Dentro del adocenado (cada vez menos, por fortuna) panorama bibliográfico-cinéfilo patrio, resulta curioso comprobar cómo ciertos géneros, directores o épocas concretas de la historia del cine, por muy populares que éstas fueran o incluso sean actualmente (o quizás precisamente por ello), son sistemáticamente ignorados por los responsables editoriales, no se sabe si a causa de cierto injustificado prejuicio cultural o, simple y llanamente, por la dificultad de hallar autores que estudien y traten en su justa medida, sin ridículos ambages y baratas coartadas sociológicas y/o psicológicas, géneros por lo común tan denostados por las elites críticas como suelen ser el terror, la comedia o, sobre todo, la acción.

Sólo a través de esta cortedad de miras puede explicarse que existan en nuestro país volúmenes consagrados a conceptos tan absurdos como “Periodistas de cine”, “Cien abogados en el cine de ayer y hoy” o “Putas de película”… (raro es que todavía no haya aparecido uno titulado “Proctólogos en la gran pantalla”, por ejemplo), mientras que no sólo realizadores tan influyentes de los 70 u 80 como Wes Craven, William Friedkin, Tobe Hooper o Walter Hill carecen de estudio propio, si no que incluso el mismísimo James Cameron (director de las dos películas más taquilleras de la historia… pero director de género a fin de cuentas) está aún esperando, y nosotros con él, que se publique en España un monográfico como es debido sobre su obra.

Como decíamos al principio, afortunadamente el lento pero constante surgimiento de iniciativas empresariales independientes y/o especializadas sin grandes ataduras mercantiles está trayendo como gozosa consecuencia que salgan a la luz volúmenes que no tienen reparos en abordar temas, películas y figuras que las editoriales más importantes, por lo general también más circunspectas y ceñudas, no se atreverían ni a considerar publicar.

Y si ya el pasado año Scifiworld nos sorprendía con un estudio sobre Lucio Fulci, desde hace un par de meses tenemos a nuestra disposición de la mano de Applehead Team Creaciones otro título de inconfundible sabor ochentero: Cannon Films – La generación del videoclub Vol. 1, de mastodónticas dimensiones (más de 400 páginas) pero de ágil lectura, el cual nos ofrece de la mano de su ecléctico equipo de autores una mirada divertida y poliédrica sobre la mítica productora, propiedad de los israelíes emigrados a Hollywood (y primos para más señas) Menahem Golam y Yoram Globus.

Comenzando por un detallado recorrido por su historia, combinando sabiamente los hechos cronológicos con las diferentes corrientes o modas que explotaron, ayudaron a popularizar o en las que fracasaron miserablemente: entre otras muchas cuestiones, aquí podremos leer sobre ninjas de colores, musicales breakdance, el lanzamiento de Van Damme como gran estrella o anécdotas sobre sus delirantes colaboraciones con auteurs como Jean-Luc Godard, Cassavetes o Barbet Schroeder.

Es en la parte central (la más extensa de todo el libro) donde se detallan con mayor profundidad alrededor de cuarenta de los films más populares, curiosos o simplemente cutres que salieron del seno de la Cannon; sección bastante heterogénea ésta, en la que nos encontraremos cintas tan dispares como las integrantes de las diferentes sagas que protagonizaron mitos videocluberos de la década como Chuck Norris o Charles Bronson, películas con nominaciones al Óscar como El tren del infierno, un Aladino con Bud Spencer haciendo de genio, la segunda entrega de La matanza de Texas o la cuarta de Superman, predominando en número de reseñas sobre cualquier otro género la especialidad de la casa: el cine de acción.

Y aunque el tema y los films a tratar sean objetivo propicio para el ensañamiento friki más descerebrado, es de agradecer en esta ocasión que (aunque siempre en un tono distendido) se deje de lado la tentación paródica o el ánimo de chanza a la hora de examinarlas, sin que ello signifique por supuesto dejar de señalar los defectos y flaquezas de unos títulos a pesar de todo entrañables, con los que también se hubiera podido caer fácilmente en la tentación de mitificarlos en exceso por esa falta de objetividad que comúnmente nos brinda la nostalgia.

El volumen concluye con una muy completa y extensa entrevista a Menahem Golam, sendos artículos dedicados a los videojuegos, cómics, juguetes y demás memorabilia derivada de los films, además de una curiosísima coda final donde se nos detallan los más alocados proyectos que, por una u otra razón, jamás llegaron a materializarse: desde un remake de Gunga Din protagonizado por Sean Connery y Roger Moore, pasando por una adaptación futurista de Pinocho dirigida por Tobe Hooper (¿¡!?) o una versión contemporánea del mito del golem, en el que el legendario monstruo se hubiera enfrentado nada más y nada menos que a Charles Bronson (¿¿!¡??).

En conclusión, Cannon Films – La generación del videoclub Vol. 1 es un libro que ofrece simple y llanamente lo que se espera de él y, por lo tanto, resulta bastante satisfactorio: de fácil y amena lectura gracias a su total y absoluta falta de pretensiones (teniendo en cuenta las películas a tratar, hubiera sido ridículo enfocarlo de otra manera) y en el que quizás la mayor irregularidad a señalar sea que alguno de sus colaboradores demuestra mayor pasión y entusiasmo escribiendo que verdadera capacidad de análisis o talento a la hora de plasmar ideas interesantes sobre el papel.

Destacar en el aspecto positivo la encomiable labor de Pedro José Tena, que además de escribirse él solito gran parte del libro, es uno de los pocos críticos que pueden presumir de saber explicar bien el cine de acción, de forma razonada y  entretenida, sin caer en irritantes obviedades ni en toscos garrulismos de taberna.

                                                                                                                                                                                                                   José Manuel Romero Moreno

Sitges 2014 calienta motores con cortos al aire libre

El Festival de Sitges ha programado dos noches de cortometrajes durante este próximo mes de agosto, para calentar motores de cara a la próxima edición que comenzará el 3 de octubre. El Port de Sitges – Aiguadolç y la Piscina Municipal acogerán dos mini-maratones los días 2 y 8 de agosto, respectivamente, constituyendo un prólogo veraniego del Festival.

Las dos sesiones incluyen ocho y siete cortos y tendrán una duración global de hora y media cada una. En ambos casos, contarán con la asistencia de alguno de los realizadores, que presentarán sus piezas. Las dos sesiones son de entrada gratuita.

Sábado 2 de agosto. Auditori del Mar (Port de Sitges – Aiguadolç). 23 h

Curvas, de David Galán. Un hombre conduce su coche por una carretera solitaria. 6 minutos.

El último onvre bibo, de Daniel Aguirre & Luna Martín. Epopeya minimalista que narra las aventuras de andar por casa del último ser vivo sobre la faz de la tierra. 9 minutos.

La sed animal, de Rafa Dengrá. Marina y Rafa investigan una filmación de un extraño exorcismo ritual de 1956. 13 minutos.

Elixir, de Javier Lozano. Un humilde sastre y su mujer reciben un duro golpe al perder al bebé que esperaban. La visita de un hombre con una extraña y milagrosa poción marcará inevitablemente el destino del sastre. 12 minutos.

Timothy, de Marc Martínez. Simón es un niño que debe soportar el incordio constante de Sonia, su niñera. Una noche, Simón recibirá una visita inesperada… 10 minutos.

El martillo de las brujas, de Sol Charlotte. Nina es una chica que ha crecido escuchando los consejos de sus padres y abuelos para no caer víctima de la brujería… 6 minutos.

Sinnside, de Miguel Ángel Font. Un cuento macabro protagonizado por siete chicos cuyas almas serán el plato principal para un grupo de adultos dentro de un extraño restaurante. 13 minutos.

Sequence, de Carles Torrens. ¿Qué pasas si te despiertas un día y te das cuenta de que todo el mundo ha soñado contigo? 20 minutos.

Duración total: 89 minutos

Viernes 8 de agosto. Piscina Municipal (Camí de la Fita s/n). 22 h

¿Qué significan los símbolos?, de Manuel Bartual ¡Bienvenido a nuestra agencia de viajes en el tiempo! Acompaña a Carlos durante la visita guiada a nuestras instalaciones. 8 minutos.

Hambre, de Efraín Parrilla. Claudio se ha quedado en paro y pasa los días con su mujer Margarita viendo la televisión. Especialmente, programas de corazón. 5 minutos.

Un día especial, de Daniel Padró. Es el día más feliz en la vida de David; se está a punto de casar con Cristina, la mujer de su vida. 12 minutos.

Candyhearts, de Joan Martín. Un corto de terror que aúna espectáculos de feria, siniestros vendedores ambulantes y niños. Una combinación casi perfecta. 15 minutos.

Zona de caza, de Jordi O. Romero. Un mal día lleva a María a ahogar sus penas en un bar musical. Allí conoce a Nicolás, que la invita a su casa en medio de la montaña.16 minutos.

Horizonte, de Aitor Uribarri. El mundo conocido acabó, tan solo quedan sus cenizas. En un desesperado intento de volver a reunir a la familia, Ana y su madre emprenden un peligroso viaje. 24 minutos.

Detuned, de Pau Carbó. Una noche al llegar a casa, Álex es atrapado por el poder letal de una red de televisiones y aparatos eléctricos. 7 minutos.

Duración total: 87 minutos

Más información: http://sitgesfilmfestival.com/

Published in: on julio 21, 2014 at 5:13 am  Dejar un comentario  
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Entrevista a Edoardo Margheriti sobre “Haunted”, su nuevo proyecto

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Paradójicamente, mientras que de un tiempo a esta parte el legado de la escuela de cine fantástico italiana está siendo objeto de un necesario proceso de revalorización a lo largo y ancho del planeta, la producción genérica en el país en forma de bota se encuentra bajo mínimos desde hace ya demasiado tiempo. Aunque en todos estos años varios han sido los intentos por recuperar tan rica herencia e insuflar nuevos bríos a tan desangrada industria, ninguna de estas  películas ha conseguido alcanzar el objetivo deseado. Una situación que bien podría ser revertida por una propuesta como Haunted, tanto por su significado implícito, como por los nombres que se la asocian. Ideada por Edoardo Margheriti, hijo de Antonio, su argumento se basa en el de la obra maestra de este, Danza macabra, y entre los participantes confirmados se encuentra gente de la talla de Claudio Simonetti, Sergio Stivaletti o la propia Barbara Stelee, quien medio siglo más tarde volverá a ponerse en la piel de Elizabeth Blackwood, la protagonista de aquélla. Para saber más acerca de tan atractivo proyecto, nos pusimos en contacto vía Internet con Edoardo, el cual muy amablemente nos contó más detalles de este futuro film actualmente en busca de financiación.

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¿Cómo nace Haunted?

Siempre he amado las películas de terror y tengo especial cariño a Danza macabra, probablemente la obra maestra de mi padre. Este año se cumple el cincuenta aniversario de la película y pensé que sería una gran idea hacer un nuevo film inspirada en ella.

¿Qué nos puedes adelantar acerca de su historia?

Al igual que Danza macabra  de 1964, Haunted es sobre todo una historia de amor; una historia de amor sobrenatural que se desarrolla en un castillo embrujado por un demonio maligno y un montón de fantasmas.

¿En qué fase se encuentra actualmente el proyecto?

Seguimos buscando financiación, compradores internacionales y co-productores. Tenemos algunos actores listos y confirmados para la película, como un cameo de Barbara Steele, que hará un papel con el mismo nombre del personaje que interpretó en 1964; y Tomas Arana, famoso por películas como Gladiator o El guardaespaldas.

Tomas Arana y Russell Crowedurante el rodaje de "Gladiator".

Tomas Arana junto a Russell Crowe durante el rodaje de “Gladiator”.

¿Cuáles son los objetivos en materia de producción para que la película se llevara adelante? ¿Hablamos de una producción grande, mediana, pequeña…?

Aunque la película tenga valores implícitos en cuanto a su reparto, sus técnicos y sus localizaciones en Irlanda, el presupuesto es más bien pequeño. De hecho, el film se desarrollará enteramente en este castillo encantado, con tan solo cinco personajes en su reparto.

En la información que has ido facilitando, comentabas que estabais negociando con inversores extranjeros. ¿Entre tus planes se encuentra el que se trate de una coproducción con terceros países?

En Italia no podremos hacer este tipo de películas nunca más. No es como en España, aquí nadie cree en las películas de terror, por lo que me veo forzado a hacer una co-producción internacional o incluso una película no italiana. Puede que encontremos alguna compañía extranjera que la produzca…

En este sentido, supongo que a la hora de buscar financiación has optado por los canales habituales. ¿En algún momento barajaste la oportunidad de de recurrir a otras vías alternativas, como puede ser el crowfunding?

El crowfunding está bien para conseguir algún dinero extra vendiendo material, DVDs, pósters y afiches de la película. Estaría bien tener una inyección adicional de 10.000 a 50.000 dólares, pero antes de eso deberíamos tener asegurada una buena parte de la financiación de los productores e inversores.

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De momento, ya has dado a conocer una serie de nombres que, de llegar a realizarse, participarían en la película, entre los que figuran dos nombres propios del cine fantástico italiano de la talla del músico Claudio Simonetti o del técnico de efectos especiales y ocasional realizador Sergio Stivaletti. ¿Cómo surge su participación?

Son muy amigos míos y nombres que cuentan en el ámbito internacional. Es el secreto para hacer una película como ésta.

En cierto sentido, el que dos nombres tan reputados se involucren en tu proyecto evidencia hasta qué punto los profesionales del cine italiano tenéis ganas de revivir vuestra otrora esplendorosa escuela de cine fantástico…

Me encantaría. Tenemos la capacidad, el gusto artístico, los técnicos y la escuela necesaria para hacer una gran película con poco dinero… Pero los productores italianos están casi muertos…

En cuanto al reparto, ya has adelantado los nombres del estadounidense Tomas Arana y el mucho más significativo de cara a los aficionados de Barbara Steele, quien realizaría un pequeño cameo en lo que supondría su retorno al cine italiano de horror de la que fuera su principal musa…

Sí, Barbara leyó el guion y le gustó mucho. Le volvieron muchos recuerdos de Danza macabra y de mi padre. Estoy seguro de que nos encantará trabajar juntos y que ella estará fantástica en ese papel. Aunque sólo tenga unas pocas escenas, toda la historia empieza y acaba con ella.

Aparte de estos nombres, ¿podrías decirnos qué otras personalidades estarán en el film?

Estoy buscando otros actores americanos e ingleses. La historia de amor será entre una joven chica y un chico de unos veinte años. También buscamos a otra mujer de unos treinta y cinco años. Después hay un montón de fantasmas y terroríficas criaturas arrastrándose en la oscuridad.

Como historiador del cine fantástico italiano que eres, tú mejor que nadie sabes las connotaciones que tiene un proyecto que reúna a Barbara Steele, Claudio Simonetti, Sergio Stivaletti y tú mismo, en una historia inspirada en nada menos que la magistral película de tu padre Danza macabra. ¿Cuánto de homenaje hay en Haunted a todo aquel movimiento? 

Por supuesto. Danza Macabra es la obra maestra de mi padre, una película que forma parte de la historia del cine italiano. Miles de cinéfilos de todo el mundo la adoran, así que mezclaremos el estilo moderno y el clásico con algo de found footage, fantásticos efectos (no solamente generados por ordenador, sino que la mayoría serán tradicionales, muy realistas y terroríficos). Estoy seguro de que esta película le gustará a mucha gente que conoce Danza macabra, pero también será ideal para una audiencia más joven y nueva.

Teniendo en cuenta el precedente de la criticada versión que Lamberto Bava realizara para la televisión en los noventa de la obra maestra de su padre La máscara del demonio, ¿eres consciente del riesgo que tomas al revisar Danza macabra siendo quien eres, lo que sin duda hará que muchos aficionados esperen la película “con el cuchillo entre los dientes”, como solemos decir en España?

No, no me preocupa, porque este no es un remake de Danza macabra, sino una historia moderna inspirada en ella y que tiene algún guiño a la cinta original. No quiero competir con mi padre, sino hacer un tributo a una de mis películas favoritas. La historia no se desarrollará en el siglo XIX, sino en la actualidad, con televisión, videocámaras, monstruos, efectos especiales y una historia de amor. Una mezcla triunfal. No uso el mismo título porque obviamente no se trata de un remake.

Por cierto, si no me equivoco, sorprendentemente en lo que a ti respecta, Haunted supondría tu debut como director dentro del género de terror… 

Exacto, he hecho un montón de películas de acción y giallo/thriller, pero esta es la primera película de terror… Y ya tengo preparadas otras dos que seguirán a este título.

¿Qué nos puedes explicar de esos dos guiones que quieres dirigir después?

Son dos historias de suspense y terror. Abandoned, es un thriller de acción sobre un grupo de concursantes de un reality show que deben luchar entre ellos para sobrevivir; la otra trata sobre un asesino en serie que acecha a una chica que ha sido testigo de uno de sus asesinatos. Son argumentos sencillos pero con un montón de nuevas ideas en su desarrollo.

José Luis Salvador Estébenez

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Paradoxically, while the legacy of Italian fantasy film school is undergoing a necessary revaluation process across the planet, generic production in the boot-shaped country is under minimum last too long. Although in all these years have been several attempts to regain such a rich heritage and breathe new life into this bloodless industry, none of these films has achieved the desired goal. This situation may well be reversed by a proposal like Haunted, both for its implied meaning, such as the names associate. Devised by Edoardo Margheriti, Antonio’s son, his argument is based on the masterpiece of this, Castle of Blood, and among the confirmed participants they are Claudio Simonetti, Sergio Stivaletti or own Barbara Stelee, who is half century later returns to step into the shoes of Elizabeth Blackwood, the star of it. To learn more about this exciting project, we got in contact via Internet with Edoardo, who very kindly told us more about this future film is currently seeking funding.

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How borns Haunted?

I always love horror movies and I have a special feeling for Castle of Blood (1964) probably the masterpiece of my father. This year will be the 50th anniversary of that film and I tought that it will be a great idea to make a new film inspired by Castle of Blood.

What do you explain of the story?

Like Castle of Blood of 1964, even Haunted is first of all a love story, a supernatural love story which take place in a Castle haunted by a evil demon and a lot of ghosts.

In what phase is the project now?

We are still seeking for fundings and international buyers and co-producers. I’ve got some actors already attached to the film, like a cameo of Barbara Steele which will play a role with the same name and title of the 1964 film; and Tomas Arana, famous for such films like The Gladiator and Bodyguard.

Tomas Arana and Russell Crowe in "Gladiator".

Tomas Arana and Russell Crowe in “Gladiator”.

What are the objectives in production matter for shooting the movie? Are we talking about a big, middle or a small production?

Even if the film is rich in Cast, technics and locations (Ireland) the budget will be kind of small, due to the fact that the entire film take place inside this spooky castle, and there’s only five characters in the cast.

In the information that you has been facilitating, you saying that you were negotiating with foreign investors. Is in your plans a co-production with third countries?

In Italy we can’t make this kind of films anymore, is not like in Spain, here nobody believe in horror films. I’m force to make an international co-production or even a fully non-italian film. We might find a foreign company which will produce the movie.

At the time of seeking money you’ve chosen the more usual way. In some moment you considered the opportunity to resort to alternative ways of financing, as can be the crowfunding?

Crowdfunding is nice to rise up some extra money selling goods, dvd, posters and artwork of the film. Is nice to rise up additional 10.000 to 50.000 $ but you should have the big money from producers and investors.

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So far, you’ve already released a number of names that come to participate in the making of the film, which include two legendary names of fantastic italian cinema like Claudio Simonetti in the music and Sergio Stivaletti in the fx, ¿how they were involved in the film?

They are all friends of mine and names which count internationally. Thats the secret to make a film like this.

This renowned names involved in your project are the evidence how the italian professionals want to relive the old days of the fantastic cinema…

I really wish that… We have the capacity, the artistic taste, the technics and the school to make huge films with little money… but italian producers are almost dead…

In the cast you’ll have Tomas Arana and Barbara Steele (a very important figure for the aficionado) with a little cameo. It would be the return of the muse of the Italian Horror Cinema…

Yes, Barbara read the script and she enjoy it so much, she had a fond memories of Castle of Blood and of my father… I’m sure that we will love to work together and that she will be amazing it the role… even if she will be only on few scenes, all the story starts from her and finish with her…

Apart of these names, could you tell us other personalities that could be in the film?

I’m looking for other english and american actors. The love story will take place between a young girl and a boy in their 20. There’s also another lady about 35 yo wich we are looking for. Then there’s a lots of ghosts and terrific creatures crawling in the darkness.

As a historian of Italian fantastic movies, you better than anyone know the connotations of a project that brings together Barbara Steele, Claudio Simonetti, Sergio Stivaletti and yourself, in a story inspired in the masterful film that your father did. Is Haunted a tribute to all that movement?

Off course it will be…. Danza Macabra (Castle of Blood) is a masterpiece, a film that is part of history of Italian cinema. Thousands of film lovers all over the world will be delighted by this film which will be a mix of classic and modern style, with some found footage style, amazing effects (not only made with computers graphics, but mostly with traditional effects very scary and realistic.) I’m sure that this film will be loved by all the people who knows Castle of Blood, but also from new audience.

 

With the criticized Lamberto Bava’s tv version in the 90′s of  Black Sunday, the masterpiece of his father, are you aware of the risk you take reviewing Castle of Blood? Are you afraid about how the film could be accepted by the enthusiasts?

No I’m not afraid at all, because this is not a remake of Castle of Blood, but a modern story inspired and with some recall to the original film. I do not want to compete with my father, but give a tribute to my favourite from his film. This film is modern, and non located in the 19th century, there is tv, camcorder, monsters, special effects, and a love story. A winning mix. I did not use the same title to be obviously that is not a remake.

If im not wrong, surprisingly Haunted would be your debut as a director of horror movies…

Yes I’ve made a lot of action films and giallo/thriller, but this is the first horror film… and I already have other two ready to follow this one.

Could you explain something about this two scripts that you want to direct after Haunted?

Yes.. I’ve written other two thriller and horror stories that I want to direct after Haunted; Abandoned, is an action thriller about a group of contestant of a reality show which have to really fight for they own life; and a story about a serial killer who chase a girl witness of one of his murder. A simple plot but with a lot of new ideas in the developement.

José Luis Salvador Estébenez

 

Published in: on julio 18, 2014 at 5:09 am  Dejar un comentario  

Historias de Bruguera

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El pasado 14 de mayo Cameo ponía a la venta en formato Dvd Historias de Bruguera, documental del pasado 2012 dirigido por Carles Prats que repasa la trastienda y el funcionamiento de la que fuera la principal y más importante editorial española dedicada a la cultura popular del pasado siglo XX. En el siguiente texto, nuestro especialista Luis Alboreca nos desgrana su contenido así como las características de la edición comercializada.

LA PELÍCULA

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La editorial Bruguera tiene mucha raigambre en la cultura de España, pues la gran mayoría recuerda a muchos de los personajes salidos de esta factoría del tebeo, como Mortadelo y Filemón, o Zipi y Zape. Ahora vuelve a estar en el candelero con el estreno de la película Zipi y Zape y el club de la canica (2013), dirigida por Oskar Santos, o la reciente sobre el Capitán Trueno, entre otras tantas. 

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Carles Prats, documentalista entre cuyos trabajos previos podemos destacar Llámale Jess (2000), sobre Jesús Franco, o Loquillo. Leyenda urbana (2008), centrado, obvio es, en el cantante Loquillo, es el encargado de contarnos la historia de la editorial Bruguera desde un punto de vista más laboral, con entrevistas a familiares y trabajadores, tanto técnicos industriales como dibujantes y guionistas, donde nos narran los comienzos de la compañía en 1910, fundada por Joan Bruguera Teixidó como “El Gato Negro”, hasta su final en 1986.

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Por parte de la familia escuchamos a Antonia Bruguera -hija del fundador-, Amélia Bruguera -hija de Francisco Bruguera Grane, continuador, junto a su hermano Pantaleón, de la empresa-, Consol Bruguera -hija de Pantaleón Bruguera Grane-, Joan Bruguera o Guillem Molinas, director industrial y esposo de Antonia Bruguera. También se entrevista a autores como Pura Campos, creadora de Esther, Jordi Bernet -hijo de Miguel Bernet “Jorge”, creador de Doña Urraca-, Guillem Cifré -hijo de Guillermo Cifré, creador de El repórter Tribulete-, Jesús Durán, Enrich (Enric de Manuel González) o Carrillo (Antonio Pérez García), así como a varios técnicos editoriales de la casa como Jordi Bayona, Antoni Guiral, editor de la “Línea Laberinto” para Planeta-DeAgostini y autor de 100 años de Bruguera, de El Gato Negro a ediciones B, o Vicent Palomares, también historiador de Bruguera.

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Todos ellos nos narran la vida cotidiana de los trabajadores, autores y dibujantes de la editorial, así como anécdotas y la trastienda de esta gran empresa, como la contratación de muchos artistas que eran represaliados del régimen de Franco o ciertas peripecias desconocidas sobre Corín Tellado y Marcial Lafuente Estefanía, entre otras muchas cosas por las que vale la pena ver este documental. Se habla de tebeos y de bolsilibros (poco de estos últimos, por desgracia, ninguneándose a los autores), aunque más en el contexto industrial, cosa que puede ahuyentar a algunos espectadores, pero lo que se cuenta y la forma de hacerlo es muy interesante, sobre todo por los comentarios de los entrevistados y la forma en que vivieron esa etapa, tanto en el concepto laboral como en el político. Solo tienen una pequeña mácula: la machacona música de Jaime Stinus y esa constante cortinilla…

LA EDICIÓN

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La edición en DVD por parte de Cameo es positiva, con una buena imagen y unos menúes muy simpáticos, con dibujos de algunos personajes de la editorial. El documental es en un 80 % o así hablado en catalán, y el resto en castellano, con los consiguientes subtítulos en castellano para las partes en catalán (opcionales). Los extras presentan elementos muy interesantes como “El cumpleaños del gran Vázquez”, una graciosa anécdota contada por el dibujante Carrillo, o “La crisis de Bruguera”, una versión ampliada sobre este tema, que se podría haber incluido dentro del propio documental, ya que aporta mucha más información sobre un tema fundamental. De hecho, todos los extras podrían muy bien haberse incorporado al propio film, y haberlo editado como “edición ampliada”, pues su interés lo merece.

Luis Alboreca

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FICHA TÉCNICA

Titulo original: Històries de Bruguera / Historias de Bruguera

Año: 2012 (España)

Director: Carles Prats

Productoras: Sinfín, 3tv Televisió de Catalunya

Guionistas: Carles Prats, Jaume Vidal

Fotografía: Pere Ballesteros

Música: Jaime Stinus

Sinopsis: Documental sobre la editorial Bruguera desde el punto de vista industrial, con entrevistas a los trabajadores, tanto a los de las oficinas como a dibujantes y guionistas.

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* Todas las imágenes del documental que acompañan el presente artículo corresponden a capturas de la edición reseñada.

Published in: on julio 16, 2014 at 5:10 am  Comments (1)  
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Primeras noticias sobre las bodas de plata de la Semana de Donosti

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La pasada semana el departamento de cine de Donostia Kultura dio a conocer los primeros detalles de lo que será la próxima Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, a celebrar entre los próximos 25 de octubre y 1 de noviembre. Este año el certamen donostiarra celebrará sus bodas de plata, efeméride que, como no podía ser de otro modo, va a ser festejada por todo lo alto, convirtiéndose en el principal leitmotiv de esta próxima Semana.

Una intención ya anunciada y que queda puesta de relieve en el cartel oficial de este año, protagonizado por una maqueta obra de un viejo conocido del Principal, Jack Mircala, en la que el artista madrileño “rinde un sentido un homenaje tanto al género fantástico como al festival”. Confeccionado con cartulinas, tijeras, pegamento y lápices de colores, en él se puede ver a una nutrida representación de personajes icónicos del género, junto con otros muy significativos de la Semana y los dos directores que ha conocido el festival hasta el momento: el actual Josemi Beltrán y su predecesor José Luis Rebordinos. Siguiendo por esta senda, el habitual ciclo retrospectivo recuperará algunos de los títulos más representativos proyectados en la Semana a lo largo de su historia bajo el nombre “24 semanas después”. Audition, Braindead. Tu madre se ha comido a mi perro, Cube, Ocurrió cerca de su casa o Terroríficamente muertos son algunos de los films seleccionados que permitirán, por un lado, ofrecer una mirada abierta a un género heterodoxo, libre, subversivo e innovador, y por otro, descubrir o recordar auténticas joyas del fantástico y, por supuesto, grandes momentos de la Semana.

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Además, ya se conoce la identidad de una de las exposiciones que tendrá lugar dentro del marco del certamen. Entre el 25 de octubre y el 5 de diciembre el Centro Cultural Okendo de la capital guipuzcoana acogerá “Viaje al centro de Subterfuge”, un recorrido por la historia de esta discográfica pionera que, a través de esta exposición que recoge una amplia selección de material gráfico (cartelería, memorabilia, objetos singulares…), pretende reivindicar una particular forma de entender la independencia y la libertad. Por último, cabe recordar que hasta el próximo 15 de agosto se encuentra abierto el plazo de inscripción de cortometrajes y largometrajes que pretendan participar en la XXV Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián. Más información en: http://www.donostiakultura.com/terror/2014/index.php

“Los perversos rostros de Víctor Israel” en Dvd

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Desde el pasado miércoles 9 de julio se encuentra disponible en Dvd Los perversos rostros de Víctor Israel de la mano de “Vial of Delicatessens”.

Codirigido por Diego López y David Pizarro, dicho documental nos adentra en la trayectoria cinematográfica del actor catalánVíctor Israel; desde sus inicios, en la década de los sesenta, hasta sus últimos trabajos poco antes de fallecer. Un profundo recorrido por los géneros cinematográficos en los que intervino, bien en funciones secundarias, como solía ser habitual en su carrera, o como actor protagonista, todo ello aderezado con los testimonios de personalidades afines a él; gente cómo José Lifante, Germán Monzó, Eduardo Martín, Frank Braña, Antonio Mayans o Jorge Grau, entre otros. Todos ellos no dudan un momento en sacar del pozo del olvido las anécdotas más desconocidas y ensalzar una figura quizás demasiado individualizada y poco explotada, pero aún así, digna de mención. En resumen, un maravilloso homenaje a un actor imprescindible de nuestra cinematografía.

Presentado por primera vez en Dvd tras un fructífero paso por festivales, la presente edición ofrece el documental junto a una entrevista exclusiva a sus directores y slide de fotos. Al igual que el resto del catálogo de “Vial of Delicatessen”, Los perversos rostros de Víctor Israel puede ya adquirirse a un P.V.P de 5,99 € más gastos de envío en la página web del sello (http://www.vialofdelicatessens.blogspot.com), o bien en establecimientos especializados.

Más información: vialofdelicatessens@hotmail.com

 

 

 

Published in: on julio 14, 2014 at 6:10 am  Dejar un comentario  

Entrevista a Tobe Hooper

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Es bien seguro que todos los que asistimos al pasado “Nocturna” recordaremos en el futuro esta segunda edición como aquella que contó con la presencia de Tobe Hooper. La visita del cineasta texano al festival madrileño suscitó una impresionante expectación, sin apenas  parangón entre el resto de invitados. A lo largo de la semana, el director de Lifeforce. Fuerza vital se dio un auténtico baño de multitudes por parte de unos aficionados que en todo momento no dudaron en mostrarle su cariño, respeto y admiración. Algo que el norteamericano correspondió de forma agradecida haciendo gala de una exquisita educación, cercanía e infinitas toneladas de paciencia.

De entre los diferentes actos que protagonizaría, sin duda el más especial y significativo se encontraría en la sesión en la que se escenificaría la entrega del galardón honorífico “Maestros del Fantástico”, el cual recibiría entre sonoros aplausos de manos del mismísimo Leatherface. Terminado el consiguiente pase de su emblemática La matanza de Texas, coincidiendo con el cuadragésimo aniversario de su realización, Hooper se sometería a las preguntas de los asistentes, al igual que había hecho unas horas antes durante la presentación de la guía sobre su más trascendental obra y como, al parecer, volvería a repetir días después en la sesión Phenomena que cerraría el certamen y en la que se proyectaría su remake de Invasores de Marte. Entre medias no faltaron los encuentros con la prensa acreditada. He aquí lo que nos comentó:  

¿Cuál fue su primer contacto con el género terrorífico?

Cuando era muy joven, tan solo un niño pequeño, había oído hablar de Frankenstein,y finalmente vi la película en una sesión de medianoche a la que me llevaron mis padres. Vi Frankenstein, pero también vi a la criatura de Frankenstein físicamente como parte del show que llevaban a cabo antes de la proyección. En todo caso, antes de ver la película ya sabía bastante de ese personaje por las historias que me contaba mi abuela, por lo que supongo que ésa fue realmente mi primera experiencia con el género de terror en general.

¿Podríamos decir entonces que usted eligió al género, o fue el género el que lo eligió a usted?

Creo que fue él quien me eligió, ya que mi primera película era políticamente muy activa, protagonizada por hippies con el pelo largo y sandalias, y con demostraciones acerca de cómo el gobierno nos mentía todo el tiempo acerca de la guerra del Vietnam, el Watergate, etc… Sin embargo, esta película, cuyo título era Eggshells y que creo que va a salir ahora editada en Blu-ray en el Reino Unido, no se vio prácticamente en ninguna parte. Su distribución se limitó a los campus de un par de universidades, pero no hice nada más con ella en aquel momento. O sea, no supuso mi billete de ida desde Austin hasta Los Ángeles o a Hollywood, por lo que tuve que pensar en hacer algo que llamara la atención y que además costara muy poco dinero. Fue por ese motivo que me decidí a rodar un film de terror.

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Esa película de terror  a la que se refiere fue La matanza de Texas (The Texas Chainsaw Massacre), un film rupturista que ha marcado un antes y un después en el género fantástico. ¿Era consciente de la trascendencia que podía tener aquella película cuando la estaba rodando?

No, nunca sabía exactamente lo que estábamos haciendo, y desde luego jamás imaginé que el film aún seguiría interesando casi medio siglo después. Fue cuando estaba montándola cuando quizás fui consciente de lo diferente que era con respecto a todo lo que se había hecho hasta ese momento. Entendí que era una película muy original que no había visto en ningún sitio. Después funcionó muy bien, y fue muy influyente en el cine de terror que se hizo aquellos años; incluso el MoMa[1] la incluyó dentro de su colección permanente. Creo que sigue siendo una buena película, creo que sigue dando mucho miedo, y ahora, con la restauración y vista en  pantalla grande, no parece una película tan vieja en absoluto; parece que se rodó hoy, cuando en realidad tiene cuarenta años.

Como dice, resulta innegable su influencia en el cine de terror posterior. Pero, ¿qué referencias manejaba a la hora de darle forma? ¿Se encontraba entre ellas el film de Jack Hill Spider Baby, con el  que guarda algunas similitudes argumentales?

No he visto Spider Baby hasta hace tres o cuatro años. Lo que si me influenció fueron las películas de terror de la Hammer, que me encantan. Adoro La maldición de Frankenstein y su Drácula, que creo fue el segundo film de la Hammer, y me enamoré inmediatamente de esas películas y de su imaginación. Quizás vistas ahora no sean tan geniales como cuando las veías de niño, pero están hechas con un cariño y una delicadeza que traspasa la pantalla. Me encanta sobre todo la relación entre Peter Cushing y Christopher Lee en estos films.

Cuando años después dirigió La matanza de Texas 2, muchos aficionados le criticaron su tono gamberro y sarcástico en contraste con el realismo documentalista de su predecesora. ¿A qué se debió este cambio de tratamiento que, por otra parte, se haría extensible al resto de sus futuros trabajos?

La película original era un reflejo bastante fiel a mis tiempos en Texas. Yo era un hippie con greñas y sandalias en la Universidad que tenía un compromiso político, y al que gaseaban con gas lacrimógeno en el campus. Y de algún modo en el trasfondo de la película estaba todo aquello. Luego en cambio los ochenta fue una época distinta, mucho más opulenta y de riqueza; hubo un cambio político. Una película como El club de los cinco (Breakfast Club, John Hughes, 1985) no estaba mal, pero me parecía un poco tonta. En la primera no había gore, pero para la segunda conté con Tom Savini y posiblemente sea la película más gore que ha hecho. En los ochenta el cine de terror normalmente contenía mucho gore y ese fue el principal motivo por el que hay más sangre en esta segunda parte. Para mí fue como hacer una declaración de principios sobre lo que eran los ochenta.

Por otro lado, en la primera parte había un poco de todo. Estaba James Siedow, que hacía el papel de chef y que venía de hacer teatro interpretando obras de Shakespeare. También me proveí de actores recién salidos del departamento de teatro de la Universidad, como es el caso de los personajes del autoestopista o de Franklin. En cambio, Henry Faulk era un profesional y amante del cine. Había hecho pequeños papeles en títulos como Lovin’ Molly, un film que Sidney Lumet había filmado en Austin. También estaba Marilyn Burns, que de igual modo salió de la Universidad y a la que se le daba muy bien gritar y hacer la histérica. En general, fue una mezcla de gente amateur y profesional, algunos de los cuales habían participado en mi primera película. Después en la segunda parte, aunque también recurrí a James Siedow, teníamos a actores de la talla de Dennis Hopper, al disponer de mucho más presupuesto.

Instante de la rueda de prensa de presentación de la guía de "La matanza de Texas". A la derecha su autor, Rubén Higueras, y en el otro extremo de la mesa el director de "Nocturna", Luis Rosales.

Instante de la rueda de prensa de presentación de la guía de “La matanza de Texas”. A la derecha su autor, Rubén Higueras, y en el otro extremo de la mesa el director de “Nocturna”, Luis Rosales.

En contra de lo que pudiera parecer en un principio, tras el fulgurante éxito que significó La matanza de Texas, lo cierto es que le costó asentarse en la profesión.  ¿El haber realizado semejante obra maestra en su segunda película pudo de algún modo mediatizar la evolución de su carrera?

Cuando fui a Hollywood me di cuenta de que, si cometes el error de hacer una cosa bien, eso es todo lo que quieren que hagas. En mi caso, hasta 1999 no pude salirme de los márgenes del género hasta que finalmente conseguí hacer una comedia para Showtime titulada Apartamento maldito (The Apartment Complex), lo cual fue muy divertido de realizar para mí. Pero, ya digo, si tienes mucho éxito en un género definido te cuesta mucho apartarte de él… a menos que seas multimillonario. Entonces, puedes hacer lo que te dé la gana, claro.

En este sentido, no es ningún secreto que a lo largo de su carrera ha tenido que abandonar varias películas por diferencias con los productores. ¿Se ha sentido coartado por la industria y de algún modo ha sido esta circunstancia la que le ha llevado progresivamente a trabajar más en la televisión que en el cine?

No tiene nada que ver. Algunas veces ni siquiera llego a trabajar con los productores o tengo un contacto directo con ellos. Por otra parte, cuando hago televisión es porque es la televisión que quiero hacer, o tiene algo especial. Incluso hice un episodio de El ecualizador [n. del a.= Se refiere al capítulo titulado “No Place Like Home”] que fue una de las primeras series en exponer la situación de los sin techo en Estados Unidos, porque de la forma en la que estamos viviendo parece que la clase media está condenada a la desaparición, da la sensación que en el futuro solo habrá súper ricos.

Pero, en fin, la verdad es que, volviendo a los productores, me encanta cuando tengo un gran productor y, ¡Dios mío!, odio cuando alguien solo quiere entrometerse, porque soy tan apasionado en mi forma de trabajar que trato de no hacer siempre las mismas cosas y me gusta ser libre para no hacer siempre lo mismo una, otra y otra vez. Hay muchos directores que si algo les funciona estilísticamente hacen la misma maldita película una y otra vez, y así, si ponemos todas sus películas juntas, toda su obra en realidad parece igual, quizás porque están demasiado enfocados en ser originales o tienen una visión más a largo plazo de lo que será su carrera.

Tobe Hooper dirigiéndose al público instantes antes de recibir el premio "Maestros del fantástico" de manos del director de "Nocturna", Luis Rosales.

Tobe Hooper dirigiéndose al público instantes antes de recibir el premio “Maestros del fantástico” de manos del director de “Nocturna”, Luis Rosales.

A lo largo de su trayectoria ha utilizado de forma frecuente novelas y relatos literarios como base para dar forma a varios de sus films. ¿Cómo es su forma de trabajar en estos casos a la hora de adaptar los originales? ¿Procura ser fiel a la visión del autor?

Bueno, en el caso de El misterio de Salem’s Lot me encantaba el trabajo de Stephen King, y el mayor desafío era que la duración debía ajustarse a dos horas y media, y así no había manera de transformar ese libro en una película de dos horas. El vampiro por sí mismo está muy bien, pero necesitaba que todo lo que rodeaba a Salem’s Lot fuera creíble para que después la llegada de Barlow a la mansión Marsten fuera lo más efectiva posible. Incluso reduciéndola a tres horas y media no pude evitar perder la secuencia de la experiencia de niñez de Ben Myers cuando ve a Marsten colgado en la mansión. Había algo en ese pedazo de tierra, donde la casa fue construida (estoy hablando de mi interpretación, claro está), que es como un imán que atrae todo lo maligno hacia ella. Es casi como una versión negativa del monolito de 2001: una odisea del espacio. Es algo que está presente en todo el trabajo en general de Stephen King, no solo en Salem’s Lot. Puedes sentir que hay algún tipo de fuerza que atrae las tinieblas hacia ella.

En cuanto a Alianza macabra (The Mangler),a la hora de adaptar el guion partíamos de una historia de tan solo doce páginas, así que todo lo que pudimos hacer era usar al personaje del policía y enfrentarlo al Mangler, que es esta especie de demonio-dragón; es decir, me vi en la obligación de expandir el breve relato original.

Para “La cosa maldita” (The Damned Thing), basada de nuevo en una historia bastante corta, esta vez de Ambrose Bierce, contraté a Richard Matheson Jr., quien también se encargó del guion de mi otro capítulo para Masters of Horror, “El baile de los muertos” (Dance of the Dead),basada en un relato de su padre.Intenté hacer “Dance of the Dead” lo más realista posible, y cuando Richard Matheson vino al set y vio the doom room [n. del a.: la habitación de la muerte] exclamó: “Dios mío, ¿qué es lo que he hecho?”. En “The Damned Thing”también  tuve el propósito de que todo pareciera auténtico. Había ese gran monstruo de aceite, que puede interpretarse como una metáfora de algo más, que sale de las entrañas de la tierra y que también es pura maldad.

Otra de estas adaptaciones sería la que llevara a cabo con Lifeforce. Fuerza vital según la novela Los vampiros del espacio, cuyo autor, Colin Wilson, expresó su desacuerdo con la versión final de la película, a pesar de que él mismo había escrito el libreto.¿Qué es lo que sucedió?

Tengo una carta de Wilson en la que me confiesa lo mucho que le había gustado la película, así que quizás cambió de opinión luego, no lo sé. También se quejó de la elección de Mathilda May como protagonista, diciendo que ella no era la elección perfecta. He de decir que vi a un montón de jóvenes actrices por todo el mundo para dar vida a este personaje, y no era capaz de encontrar a la chica, hasta que un agente de París me habló de una bailarina de dieciocho años que debería ver, y así fue como conseguí dar con ella.

Tobe Hooper junto a Luis Rosales durante el coloquio que tuvo lugar tras el pase de "La matanza de Texas".

Tobe Hooper junto a Luis Rosales durante el coloquio que tuvo lugar tras el pase de “La matanza de Texas”.

Una de las características de su cine sobre la que no se suele hablar son sus referencias a otros films clásicos. Se me ocurren los ejemplos de la propia Lifeforce, cuyo último tramo guarda ciertas similitudes con el de ¿Qué sucedió entonces? (Quatermass and the Pit) o el  final de Combustión espontánea (Spontaneous Combustion), con todos esos cuerpos quemándose y Jon Cypher vestido de negro de forma similar a Vincent Price en Los crímenes del museo de cera (House of Wax),  cuyo director, André De Toth, aparece en la película interpretando un pequeño papel de doctor. Ni qué decir tiene que todas estas similitudes son totalmente premeditadas…

En efecto. Cuando hice Lifeforce estaba haciendo en realidad una película al estilo de Quatermass, ya que la verdadera intención de Colin al escribir la película era hacer una especie de producción Hammer de gran presupuesto. Así que sí, el universo Quatermass fue una gran inspiración para Lifeforce. Ahora bien, pienso que hay una película que podría ir en un programa doble con Lifeforce, y esa es Showgirls. Recuerdo lo quea la gente le sorprendió en su momento que hubiera una mujer desnuda paseándose todo el tiempo por ahí. Creo que sería un buen programa doble.

Como colofón, me gustaría que nos comentara acerca de uno de sus proyectos menos conocidos, ya que, según parece, fue uno de los candidatos barajados para hacerse cargo de Batman antes de que este terminara recayendo en manos de Tim Burton. ¿Cuáles fueron las causas para que finalmente rechazara realizar esta película?

El guion no era bueno. No era el mismo que más tarde rodó Tim Burton. No sé por qué me llegó, pero por esa época me mandaban muchos guiones y recuerdo que éste en concreto tuvo varias versiones. Hubo muchos problemas, cambiaron al guionista… De todas maneras ya digo que era algo bastante diferente a lo que luego fue la exitosa película de Tim Burton. Pero sí, puedo decir que yo tuve en mis manos el primer guion que se escribió para una película de Batman.

Traducción: José Manuel Romero Moreno

Fotografías: Juan Mari Ripalda, Jesús Palop & José Luis Salvador Estébenez

[1] Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Open Windows

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Título original: Open Windows

Año: 2014 (España, Estados Unidos)

Director: Nacho Vigalondo

Productores: Enrique López Lavigne, Belén Atienza, Mercedes Gomero

Guionista: Nacho Vigalondo

Fotografía: Jon D. Dominguez

Música: Jorge Magaz

Intérpretes: Elijah Wood (Nich Chambers), Neil Maskell (Chord), Sasha Grey (Jill Goddard), Nacho Vigalondo (Richi Gabilondo), Iván Gonzalez (Tony), Adam Quintero (Pierre), Daniel Pérez Prada (Triop), Jake Klamburg (Triop#2), Jaime Olías, Rachel Arieff, Raúl Cimas, Carlos Areces, Julián Villagrán, Michelle Jenner, Miguel Noguera…

Sinopsis: Nick Chambers, webmaster de una página dedicada a la sensual Jill Goddard, podrá conocer al fin a su actriz favorita gracias a un concurso que ha ganado. Sin embargo, una vez en la habitación del hotel recibe una misteriosa llamada que le convertirá en la única persona capaz de salvar a Jill Goddar del terrible peligro que corre…

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La última película de Nacho Vigalondo ha levantado bastante polvareda y pasiones de todo tipo. Los hay que enseguida se han apresurado en denominarla como “La ventana indiscreta del siglo XXI” o se han inventado términos como tecnothriller o tecnogiallo para definirla. Sin embargo, hay otros que la ven como una tomadura de pelo sin pies ni cabeza, llena de giros incoherentes y “sacados de la manga”. En la sala en la que la vi, preguntas como “¿pero esto qué es?” acompañaron la proyección formando una extraña banda sonora a lo largo de la película. Efectivamente, estamos ante una obra desconcertante; una locura que se desmadra más y más. Pero aún así, y aunque no lo sepa, ese espectador que se queja en su butaca está formulando la pregunta correcta: “¿PERO ESTO QUÉ ES?”.

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Nacho Vigalondo, gran amante del cine de Hitchcock, ha creado un thriller excesivo muy en la línea de Brian De Palma. Es inevitable que películas como Doble cuerpo o Femme Fatale, ambas dirigidas por el realizador estadounidense, se vengan a la cabeza mientras toda esa vorágine de ventanas se abren frente a uno. En Open Windows,como ocurre en el cine de De Palma e incluso en el giallo (otro género que sale bastante a colación a la hora de hablar de ella), se traza una trama (a menudo débil) que se sujeta sobre giros increíbles e intrigas desorbitadas. Pero Vigalondo no se conforma con ello y se sirve además de la ciencia ficción, el mundo de los videojuegos e, incluso, el del cómic, para realzarla y llevarla aún más al extremo. Y todo ello para hablarnos de los peligros de Internet y la falta de privacidad que existe en sus usuarios a la hora de exponerse en redes sociales y demás. Internet nos ofrece una alternativa más excitante en la que podemos crearnos otra identidad, pero el precio que nos pide a cambio es que abandonemos nuestra propia vida. En este sentido encontramos un punto extra en el hecho de que Chord, el hacker psicópata interpretado por Neil Maskell, aparezca casi toda la película con el rostro cubierto y que otro hacker (“pequeño” SPOILER) simplemente no tenga rostro. Ambos juegan a ser dioses en un mundo que controlan y en el que pueden hacer prácticamente todo lo que quieran gracias a su anonimato y a las herramientas que les proporciona Internet y la tecnología, aunque paradójicamente una vez llegados al desenlace descubrimos que el único personaje que parece “real” es el de la víctima, Jill Goddard (Sasha Grey).

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Pero me estoy desviando un poco de lo que pretendo explicar. Al inicio de este texto decíamos que el espectador confuso (y/o cabreado) de Open Windows se estaba planteando la pregunta correcta y esta era “¿PERO ESTO QUÉ ES?”[1]. Todas las películas tienen distintas capas de lecturas, unas más y otras menos, por supuesto, pero hay algunas que se prestan más a que podamos indagar en ellas. Cuando escuché “¿pero esto qué es?” en la sala yo también lo hice (aunque interiormente, por cierto) y me puse a darle vueltas. Pensé que no era casual que Open Windows arrancase con un ejercicio de metacine, ni que tras ese falso tráiler pasásemos a la presentación de la misma en el Festival de Austin (Texas), dónde Nacho Vigalondo, en un pequeño papel de director (llamado Richi Gabilondo), tiene un rifirrafe con la actriz protagonista de su película, Jill Goddard. También deberíamos tener en cuenta que en un momento de esta presentación Richi Gabilondo dice que no le gusta meter pesadillas en sus películas, pero Open Windows termina siéndolo de algún modo. ¿Casualidad? No lo creo. Como tampoco me lo pareció el hecho de que en el film se den falsas identidades a lo Edgar Wallace o que haya un personaje “amorfo”. Prestemos también atención al tema Ghost Rider de Suicide que se repite hasta en tres ocasiones a lo largo de la cinta, y al hecho de que en dos de ellas es quitada abruptamente por orden del personaje de Maskell, que dice textualmente que es una mierda. Tampoco es del gusto del personaje principal, Nick Chambers (Elijah Wood), así que, ¿qué pinta esta canción en la película?  “¿PERO ESTO QUÉ ES?”, esa es la pregunta. La pista nos la da Vigalondo en un último giro de la trama en la que se desvela el misterio y alguien dice: “Este CD es mío, se llaman Suicide y son la hostia”. Es entonces cuando comprendemos que el que habla no es Nick Chambers, ni Nevada, ni siquiera Elijah Wood… Sino Nacho Vigalondo que, raudo y veloz, corre a salvar a la chica en peligro.

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Open Windows es la fantasía que todo director de cine parece anhelar, y es la de convertirse en el héroe de su función para rescatar a la chica de la película (prototipo de la mujer de sus sueños que no puede conseguir, tal vez) y comenzar quizás una bonita historia de amor con ella. No hace falta irse demasiado lejos para encontrar ejemplos. Ahí tenemos a Alfred Hitchcock y sus amores platónicos (y enfermizos) con Janet Leigh, Tippi Hedren o Grace Kelly. Nacho Vigalondo, al igual que Hitchcock (y muchos otros directores), se vale de su protagonista (en este caso Elijah Wood) para ver cumplida su fantasía[2]. El director, mediante su protagonista, se deja hacer por el malvado de la historia y accede a pasar por todas esas trampas imposibles, para después tomar el control de forma magistral en ese último giro final de la película que decíamos.

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Open Windows es un canto de amor al cine y sobre todo a la figura del director. Su narración se va viciando conforme avanza y se distancia progresivamente de la realidad. Pero no nos equivoquemos, lo hace de un modo premeditado, así que dejémonos llevar por ella del mismo modo que lo hace su protagonista y gocemos del viaje que nos propone. Estamos ante un ejercicio de estilo, de cine puro, y cuanta más realidad le exijamos más lejos estaremos de lograr disfrutarlo. Esa pregunta que emerge en el espectador está ahí por algo, así que busquemos posibles respuestas. Estamos ante una película que gana más y más con cada visionado, así que ¡bienvenida sea! Por desgracia cosas como Open Windows no ocurren todos los días.

Juan Pedro Rodríguez Lazo

[1] Debería aclarar que no siempre se repetía esa misma pregunta durante la proyección y que había variaciones. Algunas hasta mal sonantes.

[2] En sus dos anteriores películas, Los cronocrímenes y Extraterrestre se daban unas relaciones hombre-mujer de lo más frustrantes.

col

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