La huérfana

Título original: Orphan

Año: 2009 (Estados Unidos)

Director: Jaume Collet- Serra

Productores: Leonardo DiCaprio, Susan Downey, Jennifer Davisson Killoran, Joel Silver.

Guionistas: Alex Mace (historia), David Johnson.

Fotografía: Jeff Cutter

Música: John Ottman

Intérpretes: Vera Farmiga (Kate), Peter Sarsgaard (John), Isabelle Fuhrman (Esther), CCH Pounder (Hermana Abigail), Jimmy Bennet (Daniel), Aryana Engineer (Max)…

Sinopsis: Kate y John, un joven matrimonio con dos hijos en su haber, pierden a un tercero de forma prematura. Para poder superarlo acuden a un orfanato, donde conocen a Esther, una niña que desde un primer momento les llama la atención por su inteligencia. La pareja acogerá a la huérfana, pero pronto vendrán los problemas, y es que a Esther le pasa algo.

Dark Castle Entertainment es una productora nacida en el año 1999 fundada por Robert Zemeckis, Joel Silver y Gilbert Adler para crear, en un principio, y tal como su nombre indica, remakes de películas del realizador William Castle. Tras dos versiones de éste, House on Haunted Hill (House on Haunted Hill , 1999) y 13 fantasmas (Thir13en Ghosts, 2001) , Dark Castle siguió por otros derroteros, siempre dentro del cine de género, hasta que llegó RocknRolla (RocknRolla, 2008) de Guy Ritchie. Sin embargo, su última cinta estrenada en nuestro país es La huérfana, también ubicada dentro del terror, dirigida por el catalán afincado en Estados Unidos Jaume Collet- Serra, que debutó en la productora con la notable La casa de cera (2005) y cuyo próximo proyecto, Unknown White Male, se encuentra igualmente ubicado bajo las órdenes de la misma.

En La huérfana se recoge el drama de una familia afectada por la pérdida de su bebé, y que para paliar dicha falta adoptan a una niña de nueve años de origen ruso que resulta ser toda una psicópata en potencia, que pondrá sus vidas y las de sus hijos en peligro. Para tal fin Collet-Serra utiliza el ya famoso esquema muy en boga en la década de los noventa, en filmes harto conocidos como La mano que mece la cuna (The Hand That Rocks the Craddle, 1992) -que también tuvo su versión castiza con Trastorno de Fernando Cámara (2006)-, tema también muy recurrente en telefilmes, como Las dos caras de Julia (Stranger in Our House, 1978) o incluso en la buñueliana Susana (Demonio y carne, 1951), en el que un personaje maligno se cuela en un entorno familiar para realizar todo tipo de fechorías mientras intenta salir indemne, culpando incluso para ello a un miembro del grupo que deberá demostrar su inocencia.

A partir de este planteamiento, narrado en tono de thriller y en el que el espectador es partícipe en todo momento de las salvajadas que va cometiendo la dulce niña, apoyado por el testigo mudo de la tierna Max y contando con las sospechas de la matriarca, Kate, cuyo alcohólico pasado pondrán en juego su credibilidad, el filme utiliza todos los clichés habidos y por haber del género –con una crueldad ya del todo desbordante-: desde los típicos sustos, hasta un planteamiento y una resolución con  falsos finales y unos diálogos mil veces vistos.

Únicamente el secreto de Esther -que nos es desvelado en el último tramo de la cinta- presenta alguna novedad a tan prototípico esquema, pero incluso éste resulta demasiado falso para un producto de tales características y presupuesto, y más apropiado para una cinta de serie B o zeta que seguramente hubiera sacado más jugo a tal entramado.

Es por ello que la película, sí, consigue mantener el suspense y la expectación por ver qué fechoría comete cada vez la demoníaca niña, aunque a veces pueda resultar de un excesivo y total descaro -las flores, las pinturas fluorescentes, el freno de mano- y terminar saliendo indemne debido a la protección de un padre más pánfilo de lo habitual, pero es tal la evidencia de haber copiado prácticamente al pie de la letra esta vertiente del género que no deja lugar apenas para siquiera un mínimo interrogante.

No obstante, eso sí, a pesar de todo hay que prestar notable atención a la interpretación del lado femenino del casting -quedando patente en su siniestro y simétrico cartel-, haciendo hincapié en los personajes infantiles, en donde una malévola Isabelle Fuhrman, manejando un complicadísimo papel, y una robaplanos llamada Aryana Enginer, que consigue decirlo todo a través de la expresión corporal -no en vano es sordomuda de nacimiento-, y hacerse así con el mando de la cinta, dejando de lado la obviedad de su planteamiento.

Jesús Palop

Programación del 7º Festival de Cine Gore de Alicante

Ya se conoce la programación del próximo 7º Festival de Cine Gore de Alicante, más conocido como Navidades sangrientas, que bajo el título “La Weekend Horror Party” se celebrará en la ciudad valenciana del 10 al 13 de diciembre de forma gratuita.

Entre los actos más destacados figura la inauguración el jueves 10 en Clan Cabaret a las 18 horas, a la cual asistirá Pepe de las Heras para hablar de su película Mucha sangre. Seguidamente dará comienzo la proyección de la selección oficial de cortos, con la presencia de alguno de sus directores.

Al día siguiente, a partir de las 17 horas, en Eutopía se llevará a cabo una selección de diversos cortometrajes que optarán al “Premio Horribilis al corto más tremendo”. Ya a las 19 horas de ese mismo día uno de los platos fuertes de esta edición: un encuentro con el director de ultragore alemán Andreas Schnaas, quien además de responder a las preguntas de los asistentes presentará su último trabajo titulado Goblet of Gore.

El sábado día 12 empezará para los más madrugadores con la proyección de Mucha sangre a partir de las 12 de la mañana en Eutopía, con la presencia de Pepe de las Heras. A las 15 horas Julián Lara presidirá el pase de su último trabajo, Killing Twice. Por último, a las 19 horas está previsto el especial 20º aniversario 2000 maníacos, en la que departirán el director de este veterano fanzine, Manolo Valencia, el mentado Julián Lara, así como Pedro Temboury y Manuel Romo. Como complemento, se proyectarán diversos cortos tanto de Lara como de Romo.

El domingo el festival echará el cierre con la Expoterror, a celebrar en el Pub Core a partir de las 12 horas. Además de proyecciones en Super-8 y video y exposición de carteles de cine de terror, habrá un mercadillo.

Para más información: http://navidadessangrientas.blogspot.com/

Alien. La sinfonía biomecánica

Título: Alien. La sinfonía biomecánica

Autor: VV. AA.

Editorial: Calamar Ediciones y Fimucité en colaboración con la Filmoteca Canaria

Datos técnicos: 128 páginas (2009)

Uno de los “problemas” del cine se encuentra en que, en tanto que es un arte que supone de la participación de otras artes, éstas últimas corren el riesgo de verse marginadas y relegadas a un segundo puesto en favor del famoso director o de la gran estrella, pareciendo por momentos que sólo son apreciados por gente maniática, rara o con mucho tiempo libre. La música de cine sufre de ese mal. Y es que, si bien muchos no dudan en subirse al carro para alabar y presumir de conocimiento de las bandas sonoras más exitosas, no hay tantos que hagan lo propio con otros trabajos.

En los últimos años, España, entre otros países, ha decidido dar reconocimiento a los compositores de bandas sonoras de una forma más que digna y por momentos impresionante, como sucedió en el verano de 2007, donde coincidieron en un corto periodo de tiempo los festivales de música de cine de Úbeda, Soncinemad (tristemente desaparecido) y Fimucité.

Es en el contexto del tercer año de este último festival donde, como homenaje a la saga Alien, se tocó en concierto “La sinfonía biomecánica”, que reúne temas de las películas principales de la saga. Y para completar este homenaje por el 30 aniversario de una de las mejores películas de ciencia ficción de la historia, el festival no dudó en lanzar Alien. La sinfonía biomecánica, un breve pero interesantísimo repaso por la truculenta historia de la música de la saga.

Con compositores tan distinguidos como Jerry Goldsmith, James Horner, Elliot Goldenthal o incluso John Frizzell (que goza de menos fama de la que se merece), la saga Alien nunca ha sido particularmente recordada por su banda sonora, lo que no quiere decir que esta estuviera exenta de interés. Muy al contrario.

La sinfonía biomecánica hace un recorrido cronológico por la música de la saga, no sólo desde el amor a la música y al cine, sino también desde el profundo conocimiento de los hechos. Alejándose de un análisis excesivamente profundo (lo cual no es malo), el libro se decanta por una visión menos concienzuda, pero igualmente interesante y, sobre todo, enormemente accesible para gente laica en estos menesteres.

Y es que la saga Alien no sólo da material para expertos del tema, sino que incluye todo un trasfondo de diferentes problemas sufridos durante la composición de la música (de la clase que suele obviarse, quizás por infravalorados, en documentales), desde la regrabación de temas, hasta la inclusión de música de otras obras.

Y si he dicho que existe amor al cine en este libro es precisamente porque sus autores buscan una contextualización de la música tanto en el cine de ciencia ficción, como en las propias películas, siendo, por otro lado, este elemento el que no le permite ser tan redondo como podría, pues la perspectiva dada a las cuatro películas principales es complementaria, centrándose en unos casos en la composición, en otros en las dificultades del rodaje, y en otros en la propia película. Y aunque todos los artículos saben captar el interés del lector, uno echa de menos que no todas las películas tengan, por ejemplo, un análisis tan concienzudo como el realizado a Alien3.

Pero si algo cabe elogiar de La sinfonía biomecánica es su capacidad de sintetizar para dar una información complementaria a la propia música de la saga (cuyas ediciones en disco están perfectamente detalladas en el libro), y que constituye un bonus ideal para todos aquellos que disfruten con estos maravillosos trabajos musicales.

Fran Abril

“NO-DO” en dvd

DeAPlaneta lanza hoy al mercado una de las más jugosas propuestas que ha dado el cine fantástico español durante la última temporada. Nos estamos refiriendo a NO-DO (2008), tercer largometraje como director del canario Elio Quiroga.

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NO-DO viene a ser el otro lado de la moneda de la supravalorada El orfanato, y no solo por la falta de concordancia entre su repercusión y sus valores cinematográficos. Partiendo de similares premisas que la película de Bayona – también aquí tenemos el traslado de una familia a una gigantesca mansión en la que se encontrarán con lo sobrenatural, siendo la madre la receptora de unos fenómenos paranormales relacionados con sus hijos -, NO-DO plantea una historia de terror pura y dura sin cortapisas pretendidamente dramáticas de por medio, en la que se entremezclan con peculiar tino la historia reciente de nuestro país y la Iglesia católica con entidades primigenias lovecraftianas. Todo ello sin olvidar la actuación de la siempre solvente Ana Torrent, al frente de un reparto en el que también hay que destacar el trabajo de un actor del recorrido del argentino Héctor Colomé.

Además de la película en su formato original 2.35:1 anamórfico con audio en versión original 5.1, la edición que pone hoy a la venta DeAPlaneta incluye un buen número de extras con los que conocer mejor los entresijos que se esconden tras esta obra. Entre ellos son de destacar sendos making ofs tanto de la película como de su banda sonora, si bien también hubiera sido deseable la inclusión de un pista sonora con un audiocomentario de su director, práctica esta por desgracia poco habitual en las ediciones videográficas de las películas españolas.

Adiós a José Luis López Vázquez

Ayer, 2 de noviembre, abandonó este mundo José Luis López Vázquez, tras una larga y penosa enfermedad. Uno de los actores más polifacéticos de nuestro cine, alcanzó gran popularidad con sus comedias costumbristas, aunque a partir de finales de los 60 se dio a conocer también como un grandioso actor dramático.

Nacido en Madrid el 11 de marzo de 1922, a los 18 años debuta en teatro, y de 1946 es su primera película, María Fernanda, la jerezana (1946), de Enrique Herreros. Poco a poco comienza a ascender en cometidos secundarios, destacando por sus personajes vivaces, hasta lograr su primer gran papel quizas con El pisito (1959), a las órdenes de Marco Ferreri.

Seguirán papeles destacados en infinidad de títulos, entre los que cabe destacar Plácido (1961), Atraco a las tres (1962), La gran familia (1962) y sus secuelas, El verdugo (1963), Un vampiro para dos (1965), Historias de la televisión (1965), Un millón en la basura (1967)…

En 1967 Carlos Saura le ofrece su primer papel dramático en Peppermint Frappé, y desde entonces abrirá una nueva línea de interpretaciones en este carácter. Ahí podemos destacar El jardín de las delicias (1970), La última señora Anderson (1971), un giallo donde encarna a un inspector, El bosque del lobo (1971), donde da vida al buhonero y lobisome Benito Freire, Cartas de amor de un asesino (1972), Mi querida señorita (1972), donde hace una increíble interpretación de un transexual, lamentablemente doblado cuando hace de mujer, el telefilm La cabina (1972)…

Su carrera es ingente, abarcando más de doscientos cincuenta títulos entre películas y apariciones televisivas, y a lo largo de su vida fue galardonado con una veintena de premios cinematográficos. Su última interpretación fue en 2007 para Antonio Mercero en ¿Y tú quién eres?

Descanse en paz este grandioso actor, que ha otorgado al cine español uno de sus grandes nombres.

The Ghost Busters

Con la edición en DVD de la serie completa de Cazafantasmas Live Action (The Ghost Busters: Live Action) en España aprovechamos para examinar su creación y andadura.

The Ghost Busters, más tarde editada en vídeo como The Original Ghostbusters, es una serie de imagen real (existe una versión animada, emitida entre 1975 y 1976) sobre un equipo de investigadores de lo paranormal centrados en casos de apariciones fantasmales. Los protagonista eran el magnífico Forrest Tucker (Kong) y Larry Storch (Spencer), y otro miembro del grupo era Tracy el gorila, que era interpretado por el actor Bob Burns, siendo acreditado como “el entrenador de Tracy”. También está el jefe, Zero, al que nunca se ve aunque sí se oye su voz, siendo el productor Lou Scheimer el doblador.

Cada episodio comenzaba con Spencer y Tracy escuchando una cinta que les explicaba su siguiente misión, en una evidente parodia de la serie Misión: imposible (Mission: Impossible; 1966-1973). Al finalizar el mensaje decía: “Este mensaje se autodestruirá en cinco segundos” y explotaba delante de la cara del gorila. El humor físico y el slapstick eran las bases de la serie, centrándose en las torpezas de los personajes. También había referencias al cine clásico, a pesar de que los niños (la serie era por completo infantil) no podrían captarlas. Un buen ejemplo era la referencia al actor Spencer Tracy con los nombres de dos de los personajes.

La serie, por supuesto, no está relacionada con la película de 1984 Los cazafantasmas (Ghostbusters), aunque aquélla fue emitida por la CBS (Columbia Broadcasting System), cuya propiedad fue de Columbia Pictures y Coca-Cola desde 1941 hasta 1995, casualmente los productores de la película. Filmation demandó a la Columbia en 1985, y como parte del trato extrajudicial la serie animada que se preparaba, adaptando la película, no podría llamarse sólo Ghostbusters, así que se dispuso que el título sería The Real Ghostbusters, para diferenciase de la de Filmation. Por su parte, la productora preparó una serie animada, secuela de la de imagen real, que título Ghostbusters, auque hoy se conoce como Filmation’s Ghostbusters; la edición en DVD española de Thunder Media lleva el título de Cazafantasmas de Filmation.

La edición en DVD en Estados Unidos por parte BCI Eclipse/Ink & Paint presenta interesantes extras para los aficionados: un documental de más de veinte minutos sobre la producción de la serie a cargo del productor Lou Scheimer y Bob Burns; un episodio de la serie animada I’ll Be a Son of a Ghostbuster; escenas nunca vistas, varias galerías de fotos y también huevos de pascua; y un DVD-ROM con los guiones de los quince episodios. Como siempre, se incluye allí el doblaje hispano de la serie. No hace falta mencionar las condiciones en que sale aquí, ¿verdad?

Top Line [vd: Top Line]

Título original: Top Line

 

Año: 1988 (Italia)

Director: Nello Rossati

Productoras: Dania Film, Filmes International, National Cinematografica

Guionistas: Roberto Gianviti, Nello Rossati

Fotografía: Guglielmo Mancori

Música: Maurizio Dami

Intérpretes: Franco Nero (Ted Angelo), Deborah Moore [acreditada como Deborah Barrymore] (June), Mary Stavin (Maureen De Havilland), William Berger (Alonso Quintero), Shirley Hernández (Juanita), Larry Dolgin, Robert Redcross, Rodrigo Obregón (José / Robot), Steven Luotto, George Kennedy (Heinrich Holzmann)…

Sinopsis: Ted Angelo es un alcoholizado escritor que se encuentra en Colombia preparando un libro sobre los pueblos precolombinos. Por medio de su amante conoce el descubrimiento de un importante tesoro azteca que modificaría la Historia tal y como la conocemos. Pero los servicios de inteligencia de las grandes potencias no están dispuestos a que tan revolucionario hallazgo salga a la luz pública, por lo que uno a uno van eliminando a todos aquellos que conocen su existencia. Ahora es el turno de Ted.

Tras perpetrar el año anterior El regreso de un héroe (Django 2 – Il grande ritorno, 1987), peculiar secuela de la magistral Django (Django, 1967) de Sergio Corbucci, Nello Rossati y Franco Nero volvían a reunirse en Colombia para dar forma a un nuevo film. El fruto sería esta Top Line [vd: Top Line, 1988], producto concebido desde parámetros claramente exploit que toma como referentes sagas contemporáneas como Indiana Jones, Terminator o James Bond, intención esta última potenciada por el concurso en su reparto de Deborah Moore, hija de Roger, y la sueca Mary Stavin, vista en sendas entregas de la franquicia como Octopussy y Panorama para matar.

De este modo, la primera parte de la cinta trata de evocar lo visto en la spielbergiana En busca del arca perdida (Raiders of the Lost Ark, 1981), minimizando su hálito aventurero  y potenciando el tratamiento de cine de acción que en aquella se daba, lo que, junto a la presencia en su trama de espías de diferentes servicios de inteligencia, acercan su tono a lo visto en los diferentes films protagonizados por el agente secreto más popular del mundo. Más adelante, una vez es planteada la idea sobre la que se sustenta la película, ésta abandona el sesgo arqueológico para convertirse en un thriller trufado de elementos fantásticos, en el que abundan las persecuciones y (los) tiroteos.

Pero pese a lo sugerente que se nos pudiera antojar este singular crossover genérico entre cine de aventuras, thriller y ciencia ficción que, dicho sea de paso, se emparenta con Contaminación: Alien invade la Tierra (Contamination / Astaron – Brut des Schreckens, 1980) de Luigi Cozzi, sus resultados se muestran totalmente desiguales a tenor de lo descompensadas que se revelan las dos mitades en que se divide su metraje. Y es que, a una primera parte muy aceptable, en la que se encuentra alguna secuencia tan conseguida como la de la persecución a la que es sometido el descalzo protagonista a través de un campo de cactus, le sigue un desvaído segundo tramo que acusa tanto la torpe realización de Rossati, encabezada por su poco cuidada puesta en escena y sus innecesarios y repetitivos subrayados por medio de flash-backs rememorativos de planos ya vistos, como un guión que va encadenando disparate tras disparate y en el que no faltan los habituales detalles bizarros tan característicos en esta clase de films, representados por el momento en que su émulo del exterminador T-800 se las tiene que ver con un toro.

Sin embargo, dentro de su mediocridad y sus patentes limitaciones presupuestarias, algo que se deja notar en la pobreza de sus efectos especiales – salvedad hecha para la escena del descubrimiento de la calavera, la cual, además, posee un agradable sentido de la maravilla -, Top Line presenta ciertas particularidades que le hacen un título de lo más curioso, más allá de su referida mezcolanza de géneros. Por un lado por su sugerente trama conspiranoica, muy similar tanto en la forma como en el fondo a la ofrecida aquel mismo año por John Carpenter en ¡Están vivos! (They Live!, 1988), y que a su manera remite a las, por entonces, dos versiones cinematográficas existentes de la novela de Jack Finney Los ladrones de cuerpos (The Body Snatchers). Y por otro, por la capacidad de anticipación que ofrece su argumento. Y es que su historia ambientada en plena Guerra Fría sobre un tesoro arqueológico precolombino de conexiones ufológicas, ofrece, a groso modo, curiosas sincronías con el de la  nueva entrega de una de sus influencias, la reciente y olvidable Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal (Indiana Jones and the Kingdom of the Cristal Skull, 2008), algo que en última instancia viene a reafirmar lo que muchos ya hemos dicho: que la cuarta película de la creación de Lucas, Ford y Spielberg más parece una de sus muchas imitaciones que una aventura original de la saga.

 

José Luis Salvador Estébenez

Programación de la Filmoteca española para noviembre

Como es habitual en esta abadía, a continuación repasamos lo más interesante a nuestro juicio de la programación prevista para este mes de noviembre por la Filmoteca Española. Durante este mes continúa el ciclo dedicado a los candiatos a los premios Goya, y concluyen las retrospectivas dedicadas a Richard Brooks así como al Bicentenario de Edgar Allan Poe. Por su parte, se inicia un nuevo ciclo de sumo interés: “La comedia cinematográfica española”.

Así, mañana martes 3 abre el fuego a las 17.30 horas en la sala 1 el clásico de animación de Walt Disney Dumbo (Dumbo, 1941) de Ben Sharpsteen, en una sesión que será gratuita para todos aquellos que sean menores de 14 años (segunda proyección día 7). A las 19 horas y en idéntica sala tendrá lugar la presentación del libro “Cómo escribir diálogos para cine y televisión”, con la presencia de su autor, Francisco Javier Rodríguez Fonseca, y de los guionistas Ignacio del Moral y Alberto Macías. Como complemento a esta sesión se proyectará Los profesionales (The Professionals, 1966) de Richard Brooks, muestra paradigmática de un buen guión. Ya como colofón del día, a las 22.15 horas también en la sala 1 podrá degustarse La palabra (Ordet, 1954), uno de los films más emblemáticos de Carl Th. Dreyer.

El miércoles 4 se presenta cargado de terror. Por un lado a las 17.30 horas en la sala 1 se proyectará la parodia vampírica El baile de los vampiros (The Fearless Vampire Killer, 1966) del mediático Roman Polanski. A las 20 horas y en la sala 2, una sesión de lo más especial dedicada a la figura de Edgar Allan Poe, formada por el pase del cortometraje La barrica del amontillado (2005) de Julián Franco (quien se encontrará presente en la sala), y el clásico La máscara de la muerte roja (The Masque of the Red Death, 1964) de Roger Corman – reseña de la abadía: http://cerebrin.wordpress.com/2009/01/27/la-mascara-de-la-muerte-roja/ -  (segunda proyección día 5). Para terminar el día lejos ya de los terrenos del fantástico, tenemos A sangre fría (In Cold Blood, 1967) de Richard Brooks, película basada en un libro original de Truman Capote, a su vez basado en un espeluznante hecho real (segunda proyección día 14).

Tras varios días en los que se repondrán películas que ya pudieron ser vistas durante el mes pasado, el martes 10 encontramos dos títulos de interés, dirigidos ambos por Richard Brooks. Por un lado, a las 19.30 horas, en la sala 1, Muerde la bala (Bite the Bullet, 1975), western ambientado a inicios del siglo XX en torno a una carrera de caballos (segunda proyección día 14). Y por otro, a las 22 horas en la misma sala será el turno de Dólares (Dollars, 1971), una comedia de intriga articulada sobre una historia de robos perfectos (primera proyección día 7).

Ya el miércoles 18 a las 19.30 dará inicio el ciclo dedicado a la comedia cinematográfica española con el pase de Los novios de mi mujer (1972) de Ramón Fernández. En este pase será presentado el libro “La comedia cinematográfica española”, que dará paso a una mesa redonda formada por su autor, Álvaro del Amo, la directora editorial de Alianza Valeria Ciompi, el soberbio actor Emilio Gutiérrez Caba, y el escritor y cineasta Javier Maqua. Los amantes de un cine más comprometido artísticamente también tendrán motivos para dejarse caer por el cine Doré este día. De este modo podrán ver a las 17.30 horas en la sala 1 Persona (Persona, 1966) de Ingmar Bergman (segunda proyección día 28) y Stromboli (Stromboli, 1949) de Roberto Rossellini (segunda proyección día 20), cuya proyección se efectuará a las 22.15 también en la sala 1.

Al día siguiente, tres películas de muy distinto pelaje. Por un lado, dentro del ciclo dedicado a la comedia cinematográfica española tenemos la reciente A mi madre le gustan las mujeres (2000) de Inés París y Daniela Fejerman, que se pasará a las 17.30 horas en la sala 1. Dos horas más tarde y en la misma sala se proyectará Esplendor en la yerba (Splendor in the Grass, 1961), una de las películas más populares del controvertido cineasta de origen griego Elia Kazan (segunda proyección día 22). Por último, también en la sala 1 pero a las 22 horas será el turno de la operística Senso (Senso, 1954) de Luchino Visconti.

El viernes 20 nos traerá la oportunidad de recuperar en pantalla grande un clásico del cine bélico un tanto olvidado. Nos referimos a Amarga victoria (Bitter Victory, 1957) de Nicholas Ray, película basada en una novela de René Hardy y protagonizada por dos actores de la talla de Richard Burton y, sobre todo, el alemán Curd Jürgens. A modo de curiosidad, señalar que en un pequeño papel podemos encontrar a un joven Christopher Lee antes de convertirse en una leyenda de la pantalla gracias a su trabajo en las películas de la Hammer Films (segunda proyección día 26).

Dos películas proyectadas desde muy distintos planteamientos serán las que podremos ver el sábado día 20. Así, a las 20 horas en la sala 2 podremos disfrutar de la simpática No firmes más letras, cielo (1972), comedia dirigida por el infravalorado director catalán Pedro Lazaga. En ella se narran las peripecias que tiene que sufrir un modesto contable, interpretado por Alfredo Landa, para poder hacer frente a las estrecheces económicas derivadas de la sociedad de consumo. Ya a las 22 horas, y en la sala 1, nos espera uno de los films más emblemáticos de la historia del cine, responsable de que Ciudadano Kane no se alzara con el Oscar destinado a mejor película en 1941. Nos estamos refiriendo a ¡Qué verde era mi valle! (How Green Was My Valley, 1941), traslación de una novela de Richard Llewellyn a cargo del irrepetible talento de John Ford, demostrando que lo suyo no solo era el western (segunda proyección día 24).

El domingo 22 continuamos con la mezcla de comedia hispana y cine clásico hollywoodiense. A las 17.30 horas en la sala 1 se proyectará Los peores años de nuestra vida (1993) de Emilio Martínez-Lázaro, uno de los títulos más logrados del cine español de la década de los noventa, cuya historia gira alrededor de un singular triángulo amoroso conformado por Gabino Diego, Ariadna Gil y Jorge Sanz. A las 22 horas en la sala 1, turno para uno de los grandes de la historia del cine con Solo los ángeles tienen alas (Only Angels Have Wings, 1939), película de Howard Hawks basada en una vivencia propia ocurrida cuando el cineasta se encontraba buscando localizaciones para ¡Viva Villa! (segunda proyección día 25), y ambientado en el mundo de la aviación comercial.

Siguiendo con el ciclo dedicado a la comedia cinematográfica española, el martes 24 se proyectarán dos títulos emblemáticos de otras tantas corrientes autóctonas del género. Como representante de la comedia madrileña de finales de los 70 se proyectará Tigres de papel (1977), ópera prima como director de Fernando Colomo y protagonizada por una jovencísima Carmen Maura pre-Almodóvar. Y como representante del landismo tardofranquista, Jenaro el de los 14 (1974) de Mariano Ozores, película sobre las desventuras de un paleto tras acertar una quiniela de muchos millones que se pasará a las 20 horas en la sala 2. En otro estilo radicalmente opuesto, a las 22 horas en la sala 1 será el turno de Amanecer (Sunrise: A Song of Two Humans, 1927) de Friedrich Wilhelm Murnau, título capital de la historia del cine en general, y del cine silente en particular (segunda proyección día 29).

El miércoles 25 comenzamos la tarde con la sesión prevista para las 20 horas en la sala 2 con La insólita y gloriosa hazaña del cipote de Archidona (1979) de Ramón Fernández, comedia basada en la obra homónima del premio Nobel Camilo José Cela, quien también interviene en la película interpretándose a sí mismo. A las 22 horas en la sala 1, de nuevo cambio de tercio con la obra maestra El manantial (The Fountainhead, 1949) de King Vidor (segunda proyección día 27).

El jueves 26 otro menú con platos para todos los gustos. A las 17.30 horas en la sala 1 Piso de soltero (1964) de Alfonso Balcázar, con Cassen y Alberto Closas de protagonistas. Y a las 22 horas en esa misma sala Marnie, la ladrona (Marnie, 1964) del genio del suspense Alfred Hitchcock, con Tippi Hedren y Sean Connery (segunda proyección día 28).

Lo mismo que en la anterior entrada podemos decir para la programación del viernes día 27. A las 17.30 horas en la sala 1 Casablanca (Casablanca, 1942) de Michael Curtiz (segunda proyección día 29), y a las 20 horas en la sala 2 la comedia catalana La orgía (1978) de Francesc Bellmunt.

Dentro del ciclo “Cine para todos”, el sábado 28 se proyectará El ladrón de bicicletas (Ladri di biciclette, 1948) de Vittorio de Sica, una de las obras fundamentales del neorrealismo italiano, cuya entrada será libre para los menores de 14 años.

El domingo 29 concluimos nuestro repaso a la programación con una doble sesión netamente española. A las 17.30 horas en la sala 1 se podrá ver la novísima [REC]2 – reseña de la abadía: http://cerebrin.wordpress.com/2009/10/05/rec%C2%B2/ -, dentro del ciclo dedicado a las películas nominadas a los Goya de este año. Y a las 20 horas en la sala 2, dentro del ciclo de la comedia cinematográfica patria, Un paraguas para tres (1991) de Felipe Vega.

Don’t Open Till Christmas [vd/tv: No abrir hasta Navidad]

Título original: Don’t Open Till Christmas

Año: 1984 (Reino Unido)

Directores: Edmund Purdom, Alan Birkinshaw [acreditado como Al McGoohan], Derek Ford [sin acreditar], Ray Selfe [sin acreditar]

Productores: Dick Randall, Stephen Minasian

Guionistas: Derek Ford, Alan Birkinshaw [acreditado como Al McGoohan]

Fotografía: Alan Pudney

Música: Des Dolan

Intérpretes: Edmund Purdom (Inspector Harris), Alan Lake (Giles), Belinda Mayne (Kate), Mark Jones (Sargento Powell), Gerry Sundquist (Cliff Boyd), Kevin Lloyd (Gerry), Wendy Danvers (Ama de llaves), Pat Astley (Sharon), Laurence Harrington (Padre de Kate), Kelly Baker, Caroline Munro…

Sinopsis: Es Navidad y un asesino anda suelto por las calles de Londres con un solo objetivo: asesinar a todo aquél que vaya disfrazado de “Papá Noel”. El psicópata lleva a cabo sus sangrientos crímenes en grandes almacenes e incluso en fiestas familiares. ¿Quién está detrás de estos brutales asesinatos? ¿Qué motivos le inducen a cometer tales actos? Scotland Yard va tras sus pasos pero cada vez que encuentra una nueva pista, ésta le lleva a una dirección errónea.

El terror de temática navideña ha aportado más bien poco a la historia del género. Destaca la lejana Black Christmas [vd: Navidades negras, 1974] de Bob Clark, película importante para la corriente slasher. También funcionaba el fragmento “And All Through the House” en Condenados de ultratumba (Tales from the Crypt, 1972) de Freddie Francis, con un psicópata vestido de Santa Claus que no sé si es el primero, pero sí el que ha servido de modelo a films posteriores. Les sigue de lejos la menor pero entrañable Noche silenciosa, noche sangrienta (Silent Night, Bloody Night, 1974) de Theodore Gershuny. Lo que ha venido luego:  un delirio para echar unas risas como Christmas Evil / You Better Watch Out [vd: Navidades infernales, 1980] de Lewis Jackson (1), o la saga iniciada por la exitosa y muy limitadita Noche de paz, noche de muerte (Silent Night, Deadly Night, 1984) de Charles E. Sellier Jr., cuyas entregas a partir de la tercera parte fueron dirigidas por gente tan dispar como Monte Hellman o Brian Yuzna, y que poco tenían que ver con los parámetros slasher que habían dado popularidad al primer film. Alguna aportación más gamberreta, como Santa Claws (1996) de John A. Russo o Santa’s Slay (2005) de David Steiman, la independiente Marcus (2006) de Bob Hardison y Rich Robinson, o la nueva versión de la mencionada película de Bob Clark a cargo de Glen Morgan (Negra Navidad [Black Christmas], 2006), tampoco han salvado los muebles del subgénero. En España tenemos una honrosa excepción, Cuento de Navidad (2005), aportación de Paco Plaza a las Películas para no dormir de Chicho Ibáñez Serrador. Y los yanquis llevan años hablando de un próximo remake de Noche de paz, noche de muerte, veremos en qué queda.

Don’t Open Till Christmas [vd/tv: No abrir hasta Navidad, 1984] ha sido en toda su polvorienta vida de videoclub algo así como la hermana fea de Noche de paz, noche de muerte. Empezó a rodarse un año antes, pero incontables problemas en la producción hicieron que la película acabara estrenándose un mes después que la de Sellier y fuera comercialmente a remolque de ésta. Nos les salió bien la jugada a los productores Dick Randall y Stephen Minasian, quienes venían de ganar un buen dinero en el mercado estadounidense con Mil gritos tiene la noche (1982) de Juan Piquer Simón. Confiaron la dirección al veterano Edmund Purdom, actor que trabajaba a menudo con ellos y que se pondría tras la cámara por primera y última vez, e invirtieron los papeles en este tipo de producciones (no se trata de un Santa Claus asesino, sino de un psicópata que asesina a cuantos hombres vestidos de Santa Claus se cruzan en su camino). Pero Purdom y el guionista Derek Ford se centraron por encima de todo en una trama detectivesca añeja, con diversos sospechosos, british (en clave pobre) y cuasi telefílmica, que intentaba explorar los vínculos naturales con el giallo por medio del trauma infantil del psicópata (con su obligado flashback) y los brutales asesinatos realizados por una silueta enmascarada y enguantada.

Un proyecto tan descoyuntado desde el principio no podía acabar bien. Edmund Purdom se largó del rodaje antes de tiempo (no sé si lo empujaron o no), aunque su nombre permanece en los créditos. Se hizo cargo entonces el guionista de la película, Derek Ford, aunque también duró un par de días (literalmente). La completaron a cuatro manos el montador, Ray Selfe, y Alan Birkinshaw con el pseudónimo de Al McGoohan, acreditado como “director y guionista de escenas adicionales”. A él se deben la mayor parte de las secuencias de asesinatos. Birkinshaw ya había trabajado para Randall en la pésima Horror Safari (1982), en la que casualmente dirigía a Purdom. ¿Qué queda en la película de lo que rodó Purdom originalmente? Pues toda la parte detectivesca de la trama, que es bastante; dirigida con cierta desgana y rigidez en las calles de Londres y en unas cutreoficinas que simulan ser New Scotland Yard (aunque sí les dejaron rodar el edificio por fuera), Purdom pretende aportar profundidad a su inspector Harris abriéndole diversos frentes: misteriosas visitas a un lugar que tendrá su importancia en la resolución final, los movimientos para dejarlo fracasar en la investigación por parte de su subordinado -que quiere su puesto, instigado por Giles, un periodista con cara de pirado- o un flirteo contenido (y risible) con Kate (Belinda Mayne), la hija de una de las víctimas. Pone la guinda la ridícula relación que mantienen la pareja formada por la mencionada Kate y su novio Cliff (Gerry Sundquist [2]): se ganan la vida tocando la flauta por las calles, ella mira al inspector con ojos de corderito, él le propone posar desnuda (joder, Cliff, que acaban de asesinar a su padre…) y luego la deja tirada para correrse una juerga con una modelo zurrupia… Pero nada, al día siguiente, tan amigos.

La secuencia desarrollada en la Mazmorra de Londres, dirigida por Birkinshaw y que intenta homenajear al terror británico sesentero (no a la Hammer, sino a las respuestas no sobrenaturales a ésta), parece más bien un paseo a correprisa por la atracción, pero diríamos que es de las pocas secuencias de la película con cierta planificación o intento de coherencia. El resto, entre la trama trasnochada que farfulla Purdom y los “asesinatos express” de Birkinshaw en los que varios Santa Claus  acaban acuchillados, atravesados por lanzas, estrangulados, incendiados, tiroteados a bocajarro o incluso castrados, avanza a trompicones intentando sortear el ridículo. Consiguen hilar una historia, qué remedio, pero su unidad de ritmo es cero. Hay momentos psicotrónicos que hacen el tema más llevadero: el sobreactuado flashback en el que descubrimos por qué el asesino odia la Navidad (con un niño impagable, hierático como él solo, al que no podremos seguir la pista porque su nombre no sale en los créditos… ¡qué faena!), el canturreo y baile ochentero que se marca Caroline Munro sin venir a cuento, las pinceladas de forzado erotismo, la secuencia final con el bueno de Purdom con la bata del abuelo, abriendo ese paquete que reza “No abrir hasta Navidad”… Por cierto, quien no adivine quién es el asesino durante la primera media hora de película, tiene un problema.

Pues eso. Nueve Santa Claus asesinados de forma pero que muy cazurra, y unas pocas mujeres por si nos parecía poco. Si un día la repusieran en un festival como el de Donostia, nos reiríamos bastante. Poco más que buscarle la gracia puede hacerse con una película que estaba agonizando ya desde su gestación.

Manuel Campeche

(1) No he tenido la oportunidad de visionar, por contra, To All a Good Night [vd: Feliz Nochebuena, 1980) de David Hess, película bastante oscura que algunas reseñas no dejan mal.

(2) Ésta resultó ser la última película interpretada por Gerry Sundquist, actor nacido en Manchester en 1955 que acabó suicidándose en 1993, tras una década de depresiones y desempleo que no pudo superar, y que ha acabado gozando de un (mínimo) culto en su país de origen.

Crónica de la SEMINCI (III)

La jornada del sábado se abrió con la película española a concurso Petit indi, de Marc Recha. Coproducción realizada con Francia y rodada en catalán, la película narra la historia de Arnau, un joven atrapado en una vida difícil, cuya única vía de escape se produce mediante los pájaros cantores (jilgueros) a los que entrena. Su madre esta presa y se pasa todo el tiempo con sus hermanos Sole y Sergi y, sobre todo, con su tío Ramón, al que acompaña al canódromo. Está obsesionado en conseguir dinero para pagar a un abogado que ayude a su madre, pero la realidad de la vida le abrirá los ojos. Un filme estimable, lleno de símbolos sobre el paso a la madurez de un chaval necesitado del amor materno que no puede tener. Cuenta con actores de valía que se podrían haber aprovechado mejor (Eduardo Noriega, Sergi López), aunque realmente el protagonista de la historia es el actor Marc Soto interpretando al joven Arnau a base de gestos y miradas. Rodada en un barrio del extrarradio barcelonés poco conocido que aún conservaba el mismo aspecto después de más de cincuenta años, la película gustó bastante al público y está bien situada en la puntuación general.

La segunda película que pudimos ver de la sección oficial fue la francesa Le hérisson, dirigida por Mona Achache en su debut tras las cámaras. Basada en la novela de Muriel Barbery, la acción se desarrolla en el número 7 de la calle Grenelle, en París. En ese viejo edificio habitado por gente acomodada se cruzan las vidas de Paloma, una niña de once años con una gran inteligencia y un plan secreto, suicidarse el día de su cumpleaños, y Renée, la portera, que esconde tras su fachada de mujer arisca e inculta a una persona cultivada. La llegada de un nuevo vecino, un japonés enigmático, viudo y refinado, servirá de estímulo para el cambio que supondrá en la vida de Renée y Paloma. La novel directora francesa adapta la exitosa novela sustituyendo el diario de Paloma por una cámara de video en la que graba la insulsa vida de su aburguesada familia, y ofreciéndonos una especie de cuento de hadas lleno de onirismo y poesía. Toda una grata novedad que a más de uno habrá sorprendido y que pone el listón muy alto para esta directora a la que habrá que irle siguiendo la pista en los próximos años y que esperemos vuelva a la SEMINCI de nuevo con trabajos tan estimulantes como éste. Muchos aplausos por parte del público y mi favorita para llevarse el premio a la mejor película del certamen, aunque el hecho de ser una ópera prima puede ir en su contra.

La última película de la sección oficial del día, Amreeka, la ofreció otra directora debutante, la norteamericana de origen árabe Cherien Dabies. Más conocida por su faceta de directora de cortometrajes y sus trabajos en la televisión como guionista y coproductora, ahora debuta tras las cámaras con una historia muy cercana a su propia experiencia de inmigrante. El filme cuenta la historia de Muna y su hijo adolescente Fadi que huyen de Cisjordania para dirigirse a los Estados Unidos en busca de una oportunidad. Las diferencias culturales y la búsqueda de la aceptación en tierra extraña en el año de la invasión de Iraq por parte de EEUU es el eje por el que se mueve la primera película de esta directora, que ha intentado darle al filme un aspecto de auténtico realismo e intimidad que se queda a medio camino en su implicación entre el drama y la comedia.

En la sección “Punto de Encuentro” se proyectaron Niciji sin, de Arsen A. Ostojic, en la que un veterano croata militar mutilado durante la guerra que asoló su país y cantante de un grupo de rock antes de perder las piernas en el conflicto armado, descubrirá un secreto familiar relacionado con su padre, preso político en la antigua Yugoslavia, que ahora se presenta como candidato al Parlamento de Croacia.

Cristián Galaz y Andrea Ugarte dirigen El regalo, una comedia romántica en la que un viudo ya jubilado recibe un regalo muy especial de sus amigos. Lo invitan a las termas de Chillán en compañía de Lucy, antigua novia de juventud. Los planes no acabarán siendo los previstos y la experiencia estará llena de sorpresas que cambiará sus vidas para siempre.

Maternelle de Philippe Blasband, otra de las joyas de la semana, supuso una grata sorpresa. Una inteligente historia de fantasmas no convencionales en la que se establece un retrato oscuro de las relaciones madre-hija. Viviane es la directora de una guardería que acaba de perder a su madre, pero su espíritu se le aparecerá inesperadamente, lo que supondrá toda una explosión de sentimientos no siempre amables.

El mexicano Humberto Hinojosa dirige su primer trabajo como director en Oveja negra. Una película sobre la sincera amistad y el despertar del primer amor. Dos amigos que cuidan el ganado de un rancho, cansados del trato de sus patrones, pretenden vengarse llevándose los animales para venderlos en la frontera, pero todo se complicará con la llegada del hijo del patrón y la aparición de María a la que pretende éste pero que se interesa por uno de los dos amigos.

Isabelle Adjani vuelve a actuar después de un tiempo en la película de Jean-Paul Lilienfeld, La journée de la jupe. Interpreta a una profesora de instituto que debe vivir día a día con alumnos difíciles. Un día encuentra una pistola en la mochila de un chico y, al coger el arma, se dispara accidentalmente en la pierna del estudiante. Trastornada por el hecho, tomará como rehenes a su propia clase.

Pedro A. Rueda