Crónica de la XI Muestra Syfy de Cine Fantástico

No fueron pocos los viandantes que paseaban por la zona comercial de Preciados entre los pasados 6 y 9 de marzo que mostraban su extrañeza ante la ingente cantidad de personas que se agolpaban en las inmediaciones del Cine Callao. Máxime, al comprobar que no solo se trataban de manifestantes contra la complicada situación política actual que vive en Venezuela, sino que la mayoría tenían la intención de acceder al interior del recinto cinematográfico. Su sorpresa era comprensible. En un momento en el que las salas de cine españolas se encuentran inmersas en una profunda crisis de público, el observar una larga cola de espectadores que esperaban pacientemente su turno para ocupar su localidad frente a la pantalla debía de parecer cosa de otro mundo. “¿Para qué es esto?” o “¿Qué regalan?” fueron algunas de las preguntas que de forma insistente repitieron los más curiosos en su intento por averiguar el porqué de aquel extraño paisanaje que formaba en fila.

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Esta es, sin lugar a dudas, la principal conclusión que cabe extraer de la undécima edición de la Muestra Syfy de Cine Fantástico. A pesar de la crisis, un año más los espectadores madrileños acudieron en masa a su llamada, llenando la platea de la sala 1 del Callao en una edición en la que quedó puesto de relieve la apuesta de los organizadores por fomentar la interacción del certamen con sus seguidores. Para ello, potenció la presencia de invitados, por más que su concurso quedara a la hora de la verdad en poco menos que un pintoresco elemento decorativo, como se encargó de demostrar el conato de coloquio organizado tras el pase de Faraday, y prosiguió mediante la realización de diferentes concursos en las redes sociales con sus correspondientes regalos, que en este caso solo contribuyeron a hacer aún más tediosas las interminables y caóticas presentaciones de Leticia Dolera, aunque al menos sirvieran para colmar las ansias de protagonismo de ciertos estratos de espectadores que, en algunos casos, no contentos siguieron haciéndose notar durante el visionado de las películas, comentando y riendo sus ocurrencias a voz en grito como si estuvieran en el salón de su casa, en una irrespetuosa actitud que alcanzaría su punto culminante en la sesión de clausura, a tal punto de despertar el enfado del resto del respetable que quería disfrutar tranquilamente La bella y la bestia en la nueva versión de Christophe Gans.

Pero mejor será que nos dejemos de preámbulos y entremos ya a comentar en orden cronológico lo que dio de sí esta undécima edición de la Muestra Syfy de Cine Fantástico.

JUEVES 6: LA INAUGURACIÓN

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Fiel a su particular fisonomía, la Muestra Syfy 2014 se abría con una sesión inaugural que tenía su plato fuerte en la proyección de un blockbuster hollywoodiense próximo a desembarcar en nuestras carteleras, por tercera vez consecutiva en formato tridimensional. Si en anteriores ocasiones tal papel había recaído en films tan mediáticos como Watchmen, John Carter u Oz, un mundo de fantasía, este año recaería en la no menos esperada 300: el origen de un imperio, continuación de la revolucionaria película dirigida por Zack Snyder en el pasado 2007. Aunque siguiendo con el protocolo, antes de que eso sucediera tocaba asistir a los actos protocolarios que tenían como objetivo presentar en sociedad la Muestra. Primero Leticia Dolera, en su papel de maestra de ceremonias, y después uno de los miembros de la organización, repasaron las que iban a ser las líneas maestras de la edición, haciendo un especial hincapié en los aspectos más novedosos.

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Luego de visionar por primera vez los anuncios promocionales del canal Syfy que iban a acompañar a todas y cada una de las proyecciones, y después del corto Aningaaq, un chiste perteneciente al universo de la premiada Gravity y dirigido por Jonás Cuarón, hermano de Alfonso, llegaba el turno de  300: el origen de un imperio. Teniendo en cuenta la influencia ejercida por la adaptación de la novela homónima de Frank Miller en el lenguaje audiovisual desde su estreno, parecía claro que solo era cuestión de tiempo la aparición de una nueva película que prolongara la franquicia. Al parecer, problemas de agenda han impedido a Zack Snyder volverse a hacerse cargo de la dirección, pasando el testigo al prácticamente desconocido cineasta de origen israelí Noam Murro. Sin embargo, y en contra de lo que cabría de esperar, el cambio de realizador apenas ha incidido en el producto resultante.

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En líneas generales, 300: el origen de un imperio se limita a ofrecer aquello que el público mayoritario pudiera esperar de ella en su condición de secuela; es decir, más de lo mismo. Básicamente, su apuesta se centra en emular el estilo visual de su antecesora, pero sin que quede rastro de su carga épica, por muy escueta que esta fuera. En este sentido, la principal novedad se encuentra en el cambio de escenario, trasladando los combates cuerpo a cuerpo del angosto paso de las Termópilas a las batallas navales en mitad del mar Egeo. Por lo demás, el guion coescrito por el propio Snyder, a la sazón productor de la cinta, no parece tener más ambición que la de propiciar el mayor número de increíbles y poco verosímiles escenas repletas de acción embarullada y pirotecnia, que acaban por convertir al conjunto en una oda al ralentí, el croma, los efectos digitales y la exageración más absoluta. Eso por no hablar de la pueril y bastante evidente pretensión de extrapolar los hechos narrados al contexto de la situación geopolítica actual, incluyendo proclamas del tipo “prefiero morir de pie que vivir de rodillas”. Al menos, hay que reconocer que su discurrir es entretenido, y ver a la morbosa Eva Green pasada de vueltas haciendo de mala malísima y luciendo su bien dotado palmito supone un atractivo difícil de rechazar… Pero, aparte de eso, poco más.

VIERNES 6: JORNADA 2

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La primera jornada propiamente dicha de esta undécima edición de la Muestra comenzaba a eso de las cuatro y cuarto de la tarde de la mano de uno de los títulos más potentes de toda la programación. Dos años después de su estreno mundial, el certamen organizado de forma conjunta por NBC Universal y Versus Entertainment recuperaba para el público madrileño el reciente remake de Maniac. A juzgar por los condicionantes, la idea de plantear a estas alturas una revisitación del clásico de culto dirigido en 1980 por William Lustig pudiera parecer una empresa condenada al fracaso, por mucho que viniera apadrinada por el propio Lustig y Alexandre Aja, convertido en un especialista en tales lides, como atestigua su trabajo consecutivo en las nuevas Las colinas tienen ojos, Mirrors y Piraña. Por un lado, uno de los principales atributos del original se encontraba en su atmósfera sucia y enfermiza derivada de una producción de bajo coste, mientras que la elección de Elijah Wood y su cara aniñada no parecía casar con el aspecto alucinado que Joe Spinelli otorgara al primer psicópata.

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Pero en lugar de tratar de equipararse, como por desgracia suele ser moneda común en esta clase de propuestas, Maniac 2012 opta muy inteligentemente de apartarse lo suficiente de la obra de la que parte como para adquirir una entidad autónoma, aunque sin traicionar su esencia. De este modo, el libreto escrito por Aja junto a su inseparable Grégory Levasseur aboga por expandir el material de base, potenciando las implicaciones psicológicas que anidan en la conducta de su protagonista. El por qué por encima del cómo. Una idea que es representada a nivel formal por la elección de la puesta en escena del titular Franck Khalfoun de desarrollar el grueso de la narración desde el punto de vista subjetivo de un asesino que adquiere así un aura trágica, al hacer al espectador cómplice de sus crímenes, pero también de sus circunstancias y pensamientos. El saldo positivo arrojado por el conjunto se ve acompañado, además, por la espectacular interpretación de Wood, quien valiéndose prácticamente solo de su voz logra la nada fácil tarea de soportar todo el peso dramático de la historia.

 

Sin abandonar la narración en primera persona, aunque esta vez bajo el formato de falso documental, la segunda sesión estaba protagonizada por Frankenstein’s Army, acreedora en el último Festival de Sitges de una mención especial dentro de la sección “Panorama”. Ambientada durante los últimos días de la Segunda Guerra Mundial, la ópera prima como director del holandés Richard Raaphorst sigue la estela de títulos recientes como Outpost, Iron Sky o Dead Snow,  entremezclando los desquiciados experimentos llevados a cabo por el régimen nazi con la figura del icónico doctor Frankenstein. A pesar del atractivo de su premisa, el resultado es el de un título irregular y, ¿por qué no decirlo?, bastante contradictorio en lo concerniente a su enfoque. Y es que su demencial argumento de inconfundible sabor pulp contrasta con la solemnidad con la que es desarrollada su trama, más allá de algunos agradecidos apuntes irónicos.

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En el lado positivo cabe destacar su excelente diseño visual y artístico, sobre todo viniendo de una producción que se antoja bastante modesta, destacando por encima de todo el diseño de aires steampunk de los engendros que engrosan las filas del ejército de Frankenstein. Paradójicamente, ahí es donde radica uno de los principales inconvenientes. En bastantes momentos da la sensación de que Raaphorst, artista conceptual de films como Dagon, la secta del mar, Beyond Re-Animator o, saliéndonos del fantástico, El libro negro, parece tan ensimismado en mostrar el mayor número de criaturas por él diseñadas que se olvida de ocuparse de las necesidades dramáticas de la historia. La narración queda así abandonada a su suerte a manos de una puesta en escena que se debate entre movimientos de cámara rápidos y confusos, largas escenas  gore y momentos que, en la forma y en el fondo, retrotraen a videojuegos del estilo de Doom y similares. Lástima, porque su planteamiento de base poseía atributos suficientes como para dar algo más que una simpática rareza.

La tercera sesión de la tarde continuaba tal cual había comenzado la jornada con un nuevo remake. En este caso se trataba de la esperada We Are What We Are, adaptación estadounidense de la cinta mexicana del pasado 2010 Somos lo que hay dirigida por Jorge Michel Grau, y que ha supuesto el nuevo trabajo de Jim Mickle. Tras el buen sabor de boca dejado por su anterior Stake Land en su visita a la Muestra hace un par de ediciones, había ganas de comprobar qué nos podía ofrecer con su nueva propuesta. Por fortuna, puede afirmarse que las expectativas no se vieron defraudadas. En muchos sentidos,  We Are What We Are se erige en una consecuente prolongación de lo expuesto por el cineasta en su antecesora. No solo por su apuesta por un desarrollo contenido y un tono melancólico, bien apoyado en la fotografía en colores apagados de Ryan Samil, sino también por la recuperación de una serie de temas y elementos que, visto lo visto, configuran el personal discurso de Mickle.

Si en  Stake Land utilizaba su formato de road movie junto con la ambientación post-apocalíptica para articular una parábola acerca de la situación social generada en los Estados Unidos a consecuencia de los terribles atentados del 11 de septiembre, en esta oportunidad traslada la acción hasta una indeterminada localidad de la América profunda para lanzar una mirada nada complaciente hacia el mitificado pasado de un país cimentado sobre la violencia y la muerte, expuesta mediante las vivencias de esa familia de ritos antropófagos que centra su relato. La exploración de los vínculos afectivos existentes entre sus personajes, la indefensión de la juventud frente al mundo adulto, o los peligros de los fanatismos religiosos, son algunos de los ingredientes que vuelven a asomar en un conjunto beneficiado por el trabajo de un elenco actoral en estado de gracia. Con todo, no es un título para todos los gustos, como pudo comprobarse por los berridos con los que los de siempre exteriorizaban su aburrimiento por el lento discurrir de la cinta. Si tanto les disgustaba, lo más lógico hubiera sido que salieran a la calle a tomar un poco el fresco, en lugar de molestar a aquellos interesados en lo que mostraba la pantalla, ¿o no?

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Echando mano una vez más de los paralelismos, al igual que había sucedido veinticuatro horas antes, la sesión estrella del viernes estaba protagonizada por una película que hundía sus orígenes en el mundo del cómic. Ocho años después de su aclamada (y supravalorada) The Host, Bong Joon-Ho regresa a la senda del fantástico con Snowpiercer (Rompenieves), adaptación de la novela gráfica francesa Le Trasperceneige de Jean-Marie Rochette, Jacques Loeb y Benjamin Legrand, cuyo estreno se ha visto envuelto por las disputas con los temibles hermanos Weinstein a cuenta de la duración del montaje internacional. Planteado como el proyecto más ambicioso hasta el momento de su carrera, para tal fin Joon-Ho ha contado con el presupuesto más alto de la historia del cine surcoreano, estimado en unos cuarenta millones de dólares, y un reparto internacional en el que su actor fetiche Song Kang-Ho comparte protagonismo coral con gente de la talla de Chris Evans, Jamie Bell, Ed Harris, el ubicuo John Hurt o una espléndida Tilda Swinton.

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La acción nos traslada hasta un futuro cercano en el que un fallido intento por frenar el calentamiento global ha sumido a nuestro planeta en una nueva edad de hielo. Los pocos sobrevivientes al holocausto viajan en el interior de un gigantesco tren itinerante en continuo movimiento, condenado a vagar alrededor de la Tierra sin alcanzar destino alguno. Con esta sucinta premisa, la película plantea una parábola tan sencilla como efectiva sobre la podredumbre de la sociedad capitalista en la que vivimos. El camino de sus protagonistas a través del interior del convoy para alcanzar la sala de máquinas se convierte así en un simbólico recorrido por las miserias y desigualdades de nuestra sociedad, al tiempo que su revuelta adquiere los tintes de una aguda reflexión sobre la lucha de clases. Un material sensible que es servido por  Joon-Ho sin cargar las tintas ni elevar el tono, dejando que la historia respire por sí sola y con el equilibrio necesario para que el fondo no se imponga sobre la forma. Su buen hacer a nivel técnico queda puesto de relieve por el modo en el que su puesta en escena elude las lógicas restricciones espaciales inherentes a su único emplazamiento, orquestando espectaculares escenas de acción y convirtiendo a cada vagón en un escenario completamente distinto al resto, gracias a una inventiva visual fuera de toda duda, pero también a un competente diseño de producción. Tan solo un último acto plegado a los servilismos del melodrama más caduco empañan los logros de un conjunto hasta ese momento brillante. En él estriba la diferencia entre una obra maestra y un film notable.

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Si los pases de  We Are What We Are y Snowpiercer (Rompenieves) habían sido prologados respectivamente con los cortometrajes Droga perfecta, un bizarro y psicodélico delirio visual firmado por Toon Aerts, e Insectopía, quizás el exponente más valioso de la jornada a pesar de su excesivo metraje, la sesión golfa del viernes era la elegida para la escenificación de una sorpresa anunciada con la proyección fuera de programa de Habitantes, el último trabajo detrás de las cámaras de Leticia Dolera. Siguiendo los postulados del que fuera su debut en tales lides, Lo siento, te quiero, visto también en la séptima edición de este mismo certamen, la presentadora de la Muestra ofreció un pretencioso intento mal digerido de asimilar el universo personal de David Lynch que, al menos, dejó para la posteridad la aparición de ese hombre con cabeza de pollo que fue empleado por los espectadores como arma arrojadiza contra su responsable.

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A Habitantes le seguiría Fresh Meat, cinta neozelandesa del pasado 2012 que en su condición de comedia gore debía servir para cerrar la velada en un ambiente distendido y desenfadado. Nada de ello se consiguió, a pesar de que durante sus primeros compases diera la sensación de que iba a cumplir con su cometido. Pero el invento solo funciona el tiempo que tarda en presentar a su galería de personajes, estrafalarios, por supuesto, y divididos entre una pandilla de criminales y la familia de aborígenes de hábitos caníbales a los que secuestran durante su huida. A partir de aquí, y una vez es planteada la previsible situación de cazador cazado bajo la que se articula el esqueleto argumental, la película se queda literalmente falta de ideas, perdiéndose en una interminable sucesión de gags humorísticos, la mayoría de ellos no demasiado efectivos. En esta tesitura no es de extrañar que con el transcurso de los minutos muchos de los presentes se entregaran en su butaca a los brazos de Morfeo, cuando no adelantando la hora de regreso a casa con el objeto de reponer fuerzas de cara a la maratoniana jornada del sábado que se avecinaba.

SÁBADO 7: JORNADA 3

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Bajo la nueva denominación de “Syfy Kids”, el tercer día de la Muestra se despertaba con la celebración de la tradicional matinal destinada a los más pequeños de la casa. A imagen y semejanza de lo ocurrido el año pasado, cuando el título proyectado fue El mago de Oz coincidiendo con la presencia en la programación del certamen de su supuesta precuela Oz, un mundo de fantasía, el film escogido en esta ocasión fue el clásico de la Disney La bella y la bestia en su nueva versión en formato tridimensional. El tiempo transcurrido desde su estreno propició que fueran mayoría los nostálgicos espectadores que habían crecido ante sus imágenes que acudieron a la sala 1 del cine Callao acompañados de sus hijos con la intención de descubrirles la magia de la película que tanto les emocionara de pequeños.

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Ya por la tarde, la británica In Fear retomaba de nuevo las hostilidades con su terror de corte minimalista. Dos personajes en un coche perdidos en medio de la campiña irlandesa conforman la base del debut en la gran pantalla de Jeremy Lovering, realizador habitual del medio televisivo inglés, que en su ópera prima plantea una variante automovilística del transitado subgénero de asaltantes del hogar. O al menos en teoría, ya que en la práctica todo su posible afán de innovación para con estas pautas argumentales quedan reducidas a la vuelta de tuerca que supone el traslado de ambientación de la violación de la intimidad de sus personajes principales desde la seguridad da la casa propia a un reducido habitáculo rodeado de un entorno extraño. De este modo, lo que debería haber derivado en un ejercicio de estilo por parte del novel cineasta no llega a descollar en ningún momento a causa de la falta de verosimilitud que van tomando los acontecimientos en su desesperado intento por sorprender al espectador a cualquier precio. Claro que, antes de que ocurra eso, la idea de la que parte hace tiempo que se ha agotado, como refleja la exagerada dilatación narrativa que exhibe el producto. Y así ocurre: para cuando por fin se concreta la amenaza que se cierne sobre los protagonistas el espectador está ya más que aburrido de sus idas y venidas por el bosque.

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En las antípodas del fallido experimento propuesto por  In Fear se situaría Almost Human, producción independiente a la que no se la puede acusar de andarse por las ramas o tratar de aparentar lo que no es. Por el contrario, si algo la caracteriza es la humildad y consecuencia con la que asume su naturaleza y, por tanto, sus modestas pretensiones. Consciente de las limitaciones presupuestarias del proyecto, su director y guionista, el novato Joe Begos, se las ingenia para armar una película tremendamente sencilla, directa y honesta, que destaca por la efectividad con la que están resueltos todos y cada uno de sus apartados. Una duración ajustada, un argumento funcional y un ritmo constante es todo lo que necesita este entretenido ejemplar de cine actual con regusto a la Serie B de toda la vida, hecho por y para los aficionados.

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En algo tendrá que ver el que su objetivo nada disimulado sea el de reivindicar las bondades del cine fantástico realizado durante los años ochenta al que homenajea a muy diferentes niveles. No es solo que su historia se ubique temporalmente en aquella década, sino que también su acabado formal emula su estética visual y sonora. Pero, sobre todo, el mejor ejemplo está en la afinidad de guiños y citas cinéfilas desperdigadas a lo largo de su metraje y que abarcan desde La invasión de los ladrones de cuerpos a La matanza de Texas, pasando por Terminator, La noche de Halloween o La cosa, dentro de una coctelera argumental que combina con total desparpajo ciencia ficción, terror, gore y slasher. Todo ello en conjunto fue mérito suficiente para que Almost Human se colgara para muchos el cartel de pequeño descubrimiento de esta Muestra. Su secreto: dar al espectador desde una óptica cómplice aquello que pudiera buscar en una cinta de sus características, sin ampararse en ambages ni cortapisas.

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De un homenaje saltábamos a otro con la hongkonesa Rigor Mortis. Después de asistir a las respectivas óperas primas de Jeremy Lovering y Joe Begos, la tercera sesión de la tarde nos traía el debut tras las cámaras de Juno Mak, al parecer un conocido cantante en el continente asiático en palabras de Leticia Dolera. En su intervención, la actriz catalana también informó que la película había sido proyectada por la pop star con el ánimo de rendir su particular tributo al cine chino de vampiros con el que había crecido durante los años ochenta. Algo de ello hay, no cabe duda, aunque su contenido difiera bastante con la forma y el tono al estilo acuñado por sagas como Una historia china de fantasmas o Mr. Vampire, de la que recupera a Sin-Hou Chin, uno de sus intérpretes más característicos. En realidad, se trata de un drama costumbrista ambientado en un decadente bloque de apartamentos, donde las entremezcladas historias de sus inquilinos dan pie para la aparición del elemento fantástico, articulando a través de un repleto muestrario de la mitología sobrenatural china. Sobre el papel, un planteamiento sumamente atractivo, pero que su puesta en imágenes no consigue llevar a buen puerto.

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Técnicamente apabullante, en especial por su facilidad para crear estampas visualmente bellas, la película naufraga por culpa de la incapacidad que su inexperto director evidencia a la hora de lidiar con un material demasiado sensible, y ello a pesar de contar con la supervisión del japonés Takashi Shimizu, creador de la exitosa franquicia de La maldición, entre otras. Su falta de tablas y las debilidades de un guion superpoblado de subtramas dan como resultado una narración lenta, inconexa y aburrida, lo que unido a su preciosismo estético hacen del producto resultante lo más parecido a un videoclip musical en verdad interminable. Mención aparte merece el epílogo que en forma de vuelta de tuerca final cierra la cinta, tan absurdo e innecesario que sobrevuela la sensación de encontrarse ante una auténtica tomadura de pelo. Mejor sabor de boca había dejado en cambio El juego del inconsciente, cortometraje proyectado previamente a Rigor Mortis. Los esfuerzos de un hombre para recordar el nombre de un viejo amigo con el que se ha reencontrado de forma casual es el pretexto que utiliza este original trabajo de corte surrealista y naturaleza cómica, rico en formatos, técnicas, texturas y concursos de cultura popular.

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Quizás por aquello de no romper con la tónica reinante, la sesión de las diez y media de la noche estaría reservada nuevamente a otra ópera prima. A la entrada a la sala, la entrega de gafas para visión en tres dimensiones sembraría la duda entre los asistentes. Si la película anunciada no era en relieve, ¿a que venía todo aquello? Finalmente se descubriría que el motivo estaba en el pase en primicia de un adelanto de cinco minutos de Capitán América. El soldado de invierno, que servía como aperitivo para lo que realmente nos había reunido. Coherence aterrizaba en Madrid rodeada de una serie de dudas e interrogantes. Por un lado, el galardón al mejor guion con el que había sido recompensada en su paso por el Festival de Sitges parecía suficiente aval de garantía en cuanto a su calidad. Pero, por otra parte, el escaso revuelo mediático que la había precedido durante todo este tiempo y su pertenencia a esa veta fantástica que en los últimos años viene floreciendo dentro de los márgenes del cine indie estadounidense hacía que muchos la aguardáramos con reservas. Unos temores que, a fin de cuentas, se revelarían del todo infundados, ya que con todo merecimiento Coherence se alzaría como la gran triunfadora de esta undécima Muestra.

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La irrupción de un cuerpo celeste en las cercanías de nuestra órbita, al igual que ocurría en Melancolía, 4:44 Last Day on Earth u Otra Tierra, representantes todas ellas de ese fantástico-indie al que antes aludíamos, es el punto de partida de este modélico ejemplar de ciencia ficción doméstica que elude la aparatosidad que parece estar asociada al género. Amparándose en una puesta en escena funcional y sencilla, en la que la cámara en mano deviene en figura de estilo y la proliferación de, en principio, molestos fundidos en negro adquieren un papel dramático, Coherence demuestra cómo para hacer una buena película solo es necesario tener buenas ideas y saber cómo plasmarlas. Algo que su director y coguionista, James Ward Byrkit, consigue con nota gracias a un libreto muy estudiado y al entregado trabajo de un reducido elenco compuesto por apenas ocho actores. Con un manejo de la tensión impropio de un principiante, Byrkit sumerge al espectador en un cautivante relato a caballo entre la meta-ficción y las paradojas cuánticas, que nos habla de la trascendencia de nuestras decisiones y de cómo el azar puede interferir en nuestras vidas a un nivel que ni sospechamos. Temas complejos y profundos que son expuestos con una facilidad pasmosa y sin que la historia caiga nunca en terrenos farragosos. Por el contrario, su narración se las ingenia para arrastrarnos poco a poco y sin que nos demos cuenta en una tela de araña con forma de rompecabezas, cada vez más y más adictivo, que en sus últimos compases tiene el valor añadido de no tirar por el camino fácil y tratar de dejar todo cerrado, sino que lleva sus planteamientos hasta sus últimas consecuencias, que no son otras que las de dejar la puerta abierta a nuevas posibilidades.

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Aún noqueados por el impacto emocional e intelectual provocado por  Coherence, encarábamos la última sesión del día que como primer plato tenía a Sequence, el retorno al cortometraje de Carles Torrens tras su debut en el formato largo con el más bien olvidable found footage Emergo. Rodado en los Estados Unidos, país donde el catalán tiene fijada su residencia, Sequence aúna una historia a la par original y sencilla con unas hechuras propias de un largometraje, destino al que parece encaminarse a juzgar por las declaraciones de su director en la entrevista que nos concedió hace ya unos meses. A continuación, la gamberra Piranha 3 DD aportó las consabidas dosis de cachondeo y desparrame que el personal requería después de algo más de ocho horas de proyecciones prácticamente ininterrumpidas. Lo consiguió gracias a su desprejuiciado sentido del humor y, muy especialmente, por lo poco que se toman en serio a sí misma.

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Todo parece valer para esta secuela del remake que en el pasado 2010 realizara Alexandre Aja del clásico dirigido en 1978 por Joe Dante, con formas de telefilm made in Asylum. Totalmente consciente del proyecto que tiene entre manos, el director escogido, John Gulager, acompañado del equipo de guionistas con el que diera forma a su celebrada trilogía de Fear, concentra todos sus esfuerzos en potenciar el tono ya de por sí auto-paródico que presidiera la propuesta de su predecesora. Chicas ligeras de ropa, sangre a borbotones y ramalazos gore en el que destaca el evidente empleo de efectos por CGI son la base de una receta que se completa con el concurso de diferentes cameos que van desde Christopher Lloyd, retomando su papel de científico loco en la saga Regreso al futuro, hasta un David Hasselhoff de vuelta de todo, quien no muestra el más mínimo inconveniente en burlarse de su imagen y su persona, protagonizando con ello alguno de los instantes más hilarantes de todo el conjunto. Así lo entendió la mayoría del público, que rio y ovacionó cada una de sus intervenciones, haciendo del pase una auténtica fiesta, que al fin y al cabo era de lo que se trataba.

DOMINGO 8: JORNADA 4

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Las dos en punto de la tarde era la hora fijada para el arranque de la cuarta y última jornada de esta undécima edición de la Muestra Syfy de Cine Fantástico. Lo hacía de celebración con el pase en 3D de El día del Doctor, el capítulo especial con el que la mítica serie de la BBC Doctor Who ha festejado su cincuenta aniversario. El carácter gratuito de la sesión previa retirada de entrada en las taquillas no evitó que las butacas de la sala 1 del cine Callao presentaran más huecos libres de lo que había sido habitual en los tres días precedentes, debido, en gran medida, a lo intempestivo del horario. Una circunstancia que sería conjugada en parte por los fans de la serie, que acudieron pertrechados a la cita como algunos de sus personajes preferidos. Además de aportar unas agradecidas pinceladas de colorido, su presencia también se dejaría sentir en la apasionada forma en la que se vivieron los aproximadamente ochenta minutos que duró el evento.

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Lo cierto es que el cóctel de ciencia ficción, humor y ciertos apuntes dramáticos propuesto por el telefilm conmemorativo funcionó de maravilla entre la audiencia convocada. No solo en aquel segmento ya entregado de antemano formado por los seguidores de la serie y que en su gran mayoría ya conocía el material que iba a visionar; también los profanos en la materia disfrutamos de lo lindo, sin que la multitud de guiños y referencias desperdigadas por sus responsables a lo largo del metraje supusieran un contratiempo en la correcta comprensión del argumento. En cuanto al apartado técnico, cabe resaltar la impecable factura que luce el conjunto, efectos especiales incluidos, más propios de una superproducción hollywoodiense que de un producto televisivo, destacando el buen partido obtenido del formato estereoscópico. En definitiva, puede decirse que, a pesar de la escasa afluencia de público, el acto promocional organizado por Syfy -canal que, no se olvide, emite la serie en España- cumplió con su doble cometido de satisfacer a los incondicionales de la serie, al tiempo que captar posibles nuevos adeptos interesados en unirse a la causa.

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Con la sala para entonces ya llena hasta los topes, la Muestra recibía la tercera visita en otras tantas ediciones de la experiencia “Phenomena” acompañada de su máximo responsable, Nacho Cerdá, quien curiosamente ejerció en solitario el papel de presentador. Acorde al modelo patentado en anteriores ocasiones, la oferta consistía en un programa doble compuesto por sendos clásicos de la ciencia ficción, hermanados en esta oportunidad por estar producidos durante los años ochenta, aunque con un carácter radicalmente opuesto. Superada la primera ración de trailers añejos, más menguada de lo habitual, dicho sea de paso, abría el fuego la segunda traslación al medio del relato homónimo del escritor franco-británico George Langelaan, La mosca. Vista a casi tres décadas de su estreno, la película que diera a conocer al gran público a David Cronenberg y su discurso sobre la nueva carne continúa manteniendo intactos los atributos de la obra maestra que sin duda es, sin que el paso del tiempo haya afectado en lo más mínimo a ninguno de sus apartados, ni siquiera a los efectos especiales de Chris Walas, tan espectaculares como el primer día. No se puede decir lo mismo en cambio a su compañera de programa, Depredador, a la que el transcurrir de los años no ha hecho sino que aflorar aún más algunos de sus evidentes defectos, caso de su tono proto-fascista o sus problemas de ritmo. Pese a todo, el ver a Schwarzenegger en plan Rambo enfrentándose a un letal cazador llegado desde otro mundo posee el reclamo suficiente como para que el film se haga llevadero, pero insuficiente para justificar el aura mítica que le rodea. Aún a sabiendas de repetir lo ya escrito en crónicas precedentes, la experiencia de disfrutar de tan emblemáticos títulos en pantalla grande y en perfectas copias de 35 mm. volvió a contar con el favor del público, por más que diera la sensación de que su comportamiento era bastante más frío que en anteriores ediciones.

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Acompañada por una nutrida representación de su equipo, tanto sobre las tablas del escenario como entre las butacas del público, donde compartían espacio con amigos y familiares, la penúltima sesión de la Muestra presentaba la única película española de todas las programadas a lo largo del certamen. Faraday se inscribe dentro de la oleada de producciones lo-fi realizadas al margen de los canales oficiales que tanta aceptación está cosechando de un tiempo a esta parte, de la que su director, Norberto Ramos del Val, se erige en uno de sus más distinguidos representantes. En su quinto largometraje, el cineasta santanderino se interna por los recovecos de un registro tan característico de nuestro cine como es la comedia de costumbres para retratar la exagerada importancia que las nuevas tecnologías ejercen en la forma de relacionarse de buena parte de la sociedad actual. El inicio de la vida en común de una joven pareja formada por un calamitoso aficionado de lo paranormal y su video-bloguera novia en un piso en el que habita el fantasma de su antigua inquilina es el punto de partida que la película utiliza para arremeter contra esa caterva de popes de la modernidad que han encontrado en la red de redes la plataforma perfecta para darse a conocer al mundo.

Una loable iniciativa a la que es imposible no adherirse, pero que no llega a cuajar del modo en que debiera a causa de la falta de profundidad con la que es formulado un discurso que, por otra parte, se contradice con la tendencia al famoseo y al amiguismo que muestran sus responsables a la hora de insertar cameos de personajes populares. Despojado pues de sus pretensiones, lo que queda es una cinta moderadamente divertida y hasta cierto punto simpática, pero mucho menos inteligente de lo que ella misma se cree. Con todo, contiene algún hallazgo interesante singularizado en la celebración de esa fiesta que es retransmitida vía internet y sobre cuyas imágenes aparecen sobreimpresionados los comentarios chateados en tiempo real por espectadores y participantes, que tanto por ejecución como por intenciones dan la medida de lo que debiera haber dado de sí todo el conjunto. Cumpliendo con lo expuesto durante la presentación, tras la proyección los principales responsables de la película volverían al escenario junto con Leticia Dolera para participar en un coloquio que, tal y como decíamos al principio, solo quedó en intento debido a la nula participación del escaso público que prefirió quedarse en la sala en lugar de salir a la calle a hacer cola a riesgo de perder una buena ubicación para la siguiente sesión. Y es que, en efecto, un año más la organización tuvo a bien mantener la costumbre de no numerar las entradas.

09 SYFY 2014 Leticia con Eduardo Noriega

Sin solución de continuidad, a las diez y cuarto de la noche la undécima edición de la Muestra Syfy entraba en su recta final con la celebración de una gala de clausura que comenzaba del mismo modo que había acabado la sesión anterior. Los actores Macarena Gómez, Eduardo Casanova y Fele Martínez, junto a su director, Diego Latorre, comparecían ante la audiencia para presentar Blink, un pretencioso cortometraje de supuesto mensaje profundo y estética de anuncio de colonias que arrancó sonoras carcajadas entre los asistentes en un adelanto de lo que estaba por llegar. En vista del jolgorio reinante, Eduardo Noriega no dudó en manifestar su decisión de abandonar la sala por lo que pudiera pasar en cuanto concluyera su intervención en calidad de representante de La bella y la bestia, producción franco-germana encargada de echar el cierre al certamen y en la que da vida al villano de la historia. Bien que hizo, pues redundando en lo ya apuntado, un grupúsculo de elementos indeseables convirtieron con sus burlas y comentarios en un auténtico suplicio la proyección de la que ha supuesto la reentré detrás de las cámaras de Christophe Gans.

Ocho años después de su anterior Silent Hill, el director de El pacto de los lobos regresa con un trabajo perteneciente a la moda actual en la que se encuentra inmerso el medio audiovisual por reinterpretar los cuentos clásicos, pero sin perder de vista las dos traslaciones más populares de la pieza adaptada: la de imagen real dirigida por Jean Cocteau en 1946 y la de animación producida por Walt Disney en 1991 y que, como ya hemos comentado, pudo verse en la matinal del sábado. De la primera intenta recuperar su aliento poético y  sentido estético, mientras que la segunda se encuentra presente en las concesiones realizadas de cara al público infantil, representadas por la presencia propia de dibujos animados de esos perros encantados de grandes ojos y orejas que habitan en la mansión de la bestia. La indecisión tonal que se deduce de estos elementos es potenciada por la incorporación de nuevos elementos ajenos al material original que en su intento por innovar o hacerlo más complejo lo único que consiguen es desvirtuarlo, y lo que debiera ser un espectáculo emocionante y dramático acaba por derivar en algo totalmente insípido cuyo todo posible alcance queda diluido en la belleza de postal hueca e impostada de unas imágenes sobresaturadas de efectos digitales. Era como si los astros se hubieran confabulado para que la Muestra echara el telón tal cual había comenzado apenas tres días antes: con un título visualmente deslumbrante, pero carente de verdadera sustancia.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías: Luis Miguel González

Published in: on abril 16, 2014 at 5:26 am  Dejar un comentario  
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La hermandad

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Título original: La hermandad

Año: 2013 (España)

Director: Julio Martí Zahonero

Productores: Gema García, Pepón Sigler

Guionista: Julio Martí Zahonero

Fotografía: Miguel Llorens

Música: Arnau Bataller

Intérpretes: Lydia Bosch (Sara), Manuel Tallafé (Hermano Abelardo), Alejandro Jornet (Hermano Nicolás), Borja Elgea (Hermano Pablo) , José Luis de Madariaga (Hermano Alessandro), Tony Isbert (Hermano Darío), Joan Vidal (César)…

Sinopsis: Sara es una novelista de éxito que se pierde con su coche al ir al encuentro de su agente. Tras tener un accidente, se despierta en una habitación desconocida, y descubre que unos monjes la han rescatado y curado sus heridas. Ahora se encuentra alejada de la civilización, en un misterioso lugar en el que de noche escucha llantos de niños.

Lydia Bosch

Tras posponerse mes tras mes su estreno, calculado inicialmente para el año 2013, ha sido en este 2014 cuando por fin ha conseguido ver la luz La hermandad, el debut cinematográfico del valenciano Julio Martí Zahonero (1), realizador que ya contaba con el precedente del premiado corto de terror gótico La victoria de Úrsula, codirigido junto a Nacho Ruipérez, subvencionado a través de crowfunding y cuyo reparto incluía a actores de renombre de la talla de Jack Taylor o Terele Pávez. Sin embargo, esta circunstancia no ha influido para que su ópera prima haya contado con el respaldo ni de la crítica, ni del público.

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En su puesta de largo, Zahonero, esta vez en solitario, reincide en el género, partiendo de un guion que llevaba diez años pasando de productora en productora, cuya acción se desarrolla en un misterioso monasterio de monjes al que irá a parar una conocida escritora de novelas interpretada por Lydia Bosch en el que ha supuesto su regreso al cine, catorce años después de ser nominada al premio Goya por su trabajo en You’re the one (Una historia de entonces); con todo, cabe recordar que no se trata de su primera experiencia dentro del género fantástico, como atestigua su protagonismo en La luna negra de Imanol Uribe en el año 1989, película perteneciente a la serie televisiva Sabbath, aunque estrenada previamente en salas. La elección de dicha actriz –en lugar de la inicialmente propuesta Maribel Verdú- plantea, por tanto, ya de primeras, el espíritu de serie B que respira la cinta, confirmado por la presencia de un habitual del género como Tony Isbert -de hecho, también presente en la mencionada La luna negra-, aquí francamente desaprovechado y relegado a un papel secundario, error imperdonable, ya que su personaje apenas tiene una frase, cuando en realidad debería haber encabezado el grupo de los monjes que curarán las heridas de la novelista ocasionadas en su fatal accidente y que harán todo lo posible para que ésta no descubra lo que encierran las paredes del misterioso lugar.

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Buena factura para esta producción valenciana, con una buena puesta en escena -realizada en decorados retocados de forma digital y exteriores rodados en La Cartuja de El Puig y el Monasterio de Santes Creus de Tarragona-, y música de calidad compuesta por otro habitual del género como es el también valenciano Arnau Bataller (2), que, además de crear una conseguida atmósfera, aporta tensión y sirve de apoyo para ofrecer los sustos característicos del género. No obstante, a pesar de contar con un más que aceptable presupuesto de 3,9 millones de euros (3), da la sensación de que algo se ha quedado corto en La hermandad. Porque a pesar del buen inicio, la acertada planificación de la secuencia del accidente en el coche, centrándose en el rostro de la protagonista reflejado en el móvil o en el retrovisor, el planteamiento inicial, los primeros y efectivos picos de tensión o las salidas a escondidas de la habitación por parte de la escritora, el guion empieza a flaquear y volverse rutinario: una forzada Lydia Bosch que deambula por las estancias del monasterio para indagar en el misterio que le hace escuchar risas infantiles y ver a un grupo de extraños niños, algo que es negado por todos los monjes, y que a ella le hace sospechar lo peor.

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La acción, que además contiene elementos del género que nos pueden recordar directamente desde Poltergeist (el baño entre cadáveres) a El orfanato (los niños, el muñeco hecho de botones y tela), entre otras, discurre de forma lineal, con alguna pincelada dramática introducida con calzador, hasta desembocar en un decepcionante final sorpresa, que hace que el film se termine desinflando por completo, porque su argumento es tan simple y su guion tiene tan pocas aristas, que bien hubiera bastando la mitad de tiempo para contar lo mismo. Y es que, más que el presupuesto, lo que aquí se queda corta es la historia.

Jesús Palop

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(1) Título por cierto coincidente con una serie de películas de género fantástico homoerótico del prolífico David DeCoteau.

(2) Interpretada por primera vez para un filme por la gran orquesta del Liceu de Barcelona.

(3) Parte de ellos fueron por su venta a la Ràdio Televisió Valenciana (RTVV), actualmente desaparecida.

Published in: on abril 14, 2014 at 5:25 am  Comentarios (2)  
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Seguridad no garantizada

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Título original: Safety Not Guaranteed

Año: 2012 (Estados Unidos)

Director: Colin Trevorrow

Productores: Marc Turtletaub, Peter Saraf, Stephanie Langhoff, Derek Connolly, Colin Trevorrow

Guionista: Derek Connolly

Fotografía: Benjamin Kasulke

Música: Ryan Miller

Intérpretes: Aubrey Plaza (Darius), Jake Johnson (Jeff), Karan Soni (Arnau), Mark Duplass (Kenneth), Jeff Garlin (Sr. Britt), William Hall, Jr. (Shannon), Jenica Bergere (Liz), Kristen Bell (Belinda)…

Sinopsis: Un inusual anuncio clasificado que se refiere a los viajes en el tiempo inspira a tres cínicos periodistas de Seattle a buscar la noticia que hay detrás. Así, dan con el misterioso y excéntrico Kenneth, un agradable a la par que paranoico empleado de supermercado, que cree haber resuelto el enigma de viajar en el tiempo y tiene la intención de partir pronto de nuevo hacia el pasado junto a algún acompañante atrevido.

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El debutante Colin Trevorrow se pone tras las cámaras con esta suerte de romcom de ciencia ficción que mira de reojo a la comedia de aventuras ochentera con Donner, Hughes, Reiner y Zemeckis a la cabeza. De hecho, no es ningún secreto que la comedia estadounidense está teniendo una nueva edad de oro, y en parte se debe al talento de distintos cineastas que han crecido viendo este tipo de cine tan añorado por muchos hoy en día, llegando incluso a interactuar con él, obteniendo un enorme éxito y/o calidad; sirva de ejemplo la excelente Rumores y mentiras de Will Gluck[1] o la inclasificable Detention[2] de Joseph Khan (por cierto, estrenada por estos lares en DVD como Castigo sangriento). Por no hablar además de la reciente noticia de la oleada de remakes y secuelas de algunos clásicos ochentenos que pronto podrían materializarse[3].

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Sin embargo, no hay que llevarse a engaño. A pesar de estar ante una premisa de lo más delirante[4] –que, recordemos, trataba sobre un grupo de periodistas que parten en busca del autor de un misterioso anuncio aparecido en un periódico en el que se busca un acompañante para viajar en el tiempo-, el caso que nos ocupa parece quererse alejar del estereotipo de “nueva comedia estadounidense” para adentrarse más bien en el terreno del cine indie, algo que le sienta muy bien al conjunto y, sobre todo, a esos personajes tan freaks y solitarios que habitan la película. Trevorrow avanza impregnándole cierta melancolía a esta historia en la que lo último importante es el viaje en el tiempo en sí. En lugar de eso, el tándem formado por Trevorrow y su guionista, el también debutante Derek Connolly[5], prefiere profundizar en la historia de amor que surge entre sus dos personajes principales Darius (Aubrey Plaza) y Kenneth (Mark Duplass), a los que, pese a su condición de bichos raros, mima con devoción, tejiendo a su alrededor una intriga que gira en torno a lo que ellos ocultan o parecen ocultar al otro: durante el film no sabemos hasta qué punto Kenneth podría ser sincero, estar loco o incluso haber publicado ese anuncio como una estrafalaria pantomima para atraer a chicas (extrañas, eso sí); mientras que Darius oculta a Kenneth su verdadera intención de escribir un artículo sobre él, haciéndole creer que quiere acompañarle en su viaje en el tiempo.

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Poco a poco, comprobaremos cómo esta pareja de losers que no encajan en la sociedad se erigen como los únicos capaces de arrojar cierta cordura a un mundo carente de afecto y más solitario de lo que sospechábamos a priori. Ambos parecen tener claras sus intenciones, y no temen ir hasta las últimas consecuencias de sus impulsos. Todo lo contrario ocurre con Jeff (Jake Johnson), el arrogante y superficial jefe de Darius, que descubre demasiado tarde que su oportunidad se le había escapado. Es por ese motivo que, más que una película sobre viajes en el tiempo, Seguridad no garantizada pueda verse como una reflexión sobre el modo en que el amor puede salvarnos de los errores del pasado y convertirse en el catalizador que cure todos nuestros males.

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Otro de los aspectos que favorecen al resultado final de la película es el estupendo trabajo de los actores, entre los que destaca, y de qué manera, el realizado por Aubrey Plaza. No por menos, dicho papel, según apunta su guionista, fue escrito expresamente para ella, permitiéndole incluso durante el rodaje espacio a la improvisación con tal de obtener una interpretación más fresca. En este sentido, es una pena que el personaje de Kenneth (llevado a cabo por al también productor de la cinta y a su vez co-director de films como Jeff y los suyos, Mark Duplass), no tenga un peso mucho más específico en la trama y que, como consecuencia de ello, no se haya profundizado algo más en él; sobre todo teniendo en cuenta que este pequeño mal se podría haber subsanado, por ejemplo, dilatando esos fragmentos semi-documentales que tan bien funcionan y que vemos brevemente durante el film[6].

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Continuando con lo que decíamos al inicio, el cine actual en general, ya no solo la comedia, mira de reojo a su pasado inmediato. Distintas  películas homenajean, reformulan y referencian a ese cine tan característico que surgió a raíz del nacimiento del “nuevo Hollywood”. Seguridad no garantizada es una de ellas, a tal punto que resulta imposible no ver sus paralelismos con el Regreso al futuro de Zemeckis: en ambos casos utilizan los viajes en el tiempo como una excusa argumental para que sus personajes superen sus traumas y complejos. No es de extrañar, por consiguiente, que el rey Midas de Hollywood, Steven Spielberg –no en vano artífice de muchos de estos títulos de culto de los ochenta a través de la productora de su propiedad Amblin, entre los que se encuentra, claro está, la trilogía de Regreso al futuro-, haya reclutado a Trevorrow y Connolly para llevar a cabo la que sería la cuarta entrega de una de las cintas más famosas de su filmografía, Parque Jurásico, que para la ocasión llevará el título de Jurassic World. Viendo lo que Trevorrow/Connolly han conseguido crear con esta peculiar película, no podemos sentir cuanto menos curiosidad por lo que podría dar de sí un film como el que ahora tienen en sus manos.

Juan Pedro Rodríguez Lazo

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 [1] En ésta, el personaje interpretado por una deliciosa Emma Stone decía amar las películas de John Hughes, lo que da pie para que Gluck tome prestados algunos elementos y hasta planos de ellas durante el film.

[2] Alocada comedia dirigida por el realizador de videoclips Joseph Khan, en la que los personajes dicen ser unos fanáticos de los ochenta y su cultura, y en la que, por no faltar, no faltan los viajes en el tiempo.

[3] Además de la tan ansiada tercera parte de Los cazafantasmas que parece no terminar nunca de formalizarse, se deberían añadir las próximas nuevas versiones de films tan emblemáticos y queridos por muchos como La loca academia de policía, Los Goonies, o Exploradores y Gremlins, ambas de Joe Dante.

[4] Aunque basada en hechos reales. La idea de Seguridad no garantizada surge de un anuncio real publicado en la revista de supervivencia Home Backwoods a mediados de los noventa y redescubierto en 2007 vía Twitter, convirtiéndose en uno de los virales del momento.

[5] Ganador en Sundance y el Independent Spirit Award al mejor libreto, siendo en el último de ellos dentro de la categoría de guionista novel.

[6] Colin Trevorrow ya había hecho sus pinitos anteriormente en el terreno del documental con Reality Show, sobre un excéntrico multimillonario que organizó un reality para reunir a un buen plantel de mujeres y cumplir una de sus fantasías eróticas, llegando incluso a violar a tres de ellas.

Estreno en salas comerciales de “Seguridad no garantizada”

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Mañana viernes 11 de abril “La aventura” estrenará en salas Seguridad no garantizada (Safety Not Guaranteed, 2012), ópera prima como realizador de Colin Trevorrow, quien a partir de este trabajo ha sido contratado por el propio Spielberg para hacerse cargo de la nueva entrega de la saga de Parque Jurásico. Ganadora de los premios al mejor guion en el prestigioso Festival de Sundance, y al mejor guion novel en el Independent Spirit Awards, la película nace a raíz de un misterioso anuncio real publicado en la revista de supervivencia “Home Backwoods” a mediados de los noventa. El anuncio fue redescubierto y publicado online, convirtiéndose en una verdadera sensación en Internet. En 2007 este boom llegó a oídos del escritor Derek Connolly, quien inmediatamente imaginó a los personajes, la trama y también el propio título para una película. Incluso la historia se conforma con la imagen de una de las protagonistas, Aubrey Plaza, esperando que pudiera interesarse en la historia.

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Sinopsis: Un inusual anuncio clasificado que se refiere a los viajes en el tiempo inspira a tres cínicos periodistas de Seattle a buscar la noticia que hay detrás. Así dan con el misterioso y excéntrico Kenneth, un agradable a la par que paranoico empleado de supermercado, que cree haber resuelto el enigma de los viajes en el tiempo y tiene la intención de partir pronto de nuevo. Juntos se embarcan en un hilarante e inesperadamente sincero viaje que revela hasta dónde puede llevarnos un acto de fe.

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LA CRÍTICA INTERNACIONAL HA DICHO DE ELLA:

Safety Not Guaranteed es vibrante y vital hasta el extremo, en la forma en que sus personajes interactúan entre sí a la espera de que algo suceda”.

(Washington Post)

“En ocasiones, una película sale de la nada y te gana por completo. Safety Not Guaranteed es ese tipo de regalo inesperado”.

(Rolling Stone)

Coincidiendo con su estreno en salas comerciales españolas, mañana os ofreceremos una reseña analítica de la película a cargo de nuestro colaborador Juan Pedro Rodríguez Lazo.

Published in: on abril 10, 2014 at 5:37 am  Dejar un comentario  

Caroline Munro rueda en España “Vampyres”

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Durante los pasados días la mítica actriz británica Caroline Munro ha visitado España con motivo de su participación en la película de Víctor Matellano Vampyres, que actualmente se rueda en localizaciones ubicadas en las sierras de Segovia y Madrid, en lugares como Colmenar Viejo o Talamanca de Jarama.

Caroline Munro posa junto al director de "Vampyres", Víctor Matellano.

Caroline Munro posa junto al director de “Vampyres”, Víctor Matellano.

 Caroline Munro fue chica Bond en La espía que me amó y uno de los rostros más populares del cine de género de los años 70 y 80, con títulos como Capitán Kronos: Cazador de vampiros, El viaje fantástico de Simbad, En el corazón de la Tierra, Star Crash, choque de galaxias, Maniac o El aullido del diablo de Paul Naschy, entre muchas otras.

De izda. a dcha.: Caroline Munro, Víctor Matellano, Oscar Atxein de "La mansión del terror" (Eléctrico) y Colin Arthur (maquillaje y efectos).

De izda. a dcha.: Caroline Munro, Víctor Matellano, Oscar Arias “Atxein” de “La mansión del terror” (Eléctrico) y Colin Arthur (maquillaje y efectos).

 La bellísima actriz interpreta un nuevo papel protagonista, que no aparecía en el film original y que sirve para dar las claves para solucionar los misterios que plantea la película y que en Las hijas de Drácula quedaban sin resolver. Se trata de una pintora, dueña de un hotel rural, que parece conocer todos los peligros que encierra el bosque donde sucede la acción.

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Caroline Munro comparte cartel con Christian Stamm, Luis Hacha, Marta Flich, Anthony Rotsa, Víctor Vidal y Almudena León, entre otros. Se da la coincidencia de que tanto Caroline como Colin Arthur, responsable de maquillaje y efectos especiales, se encuentran rodando en el mismo entorno donde coincidieron hace algo más de cuarenta años filmando en El viaje fantástico de Simbad.

Published in: on abril 9, 2014 at 5:45 am  Dejar un comentario  

Vuelve “Neutrón” con un monográfico sobre “El planeta de los simios”

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Cuatro décadas después de la aparición de su segundo número regresa el fanzine Neutrón de la mano de su creador, Txema Gil. Lo hace con un monográfico dedicado a El planeta de los simios, en el que se analiza el universo simiesco en toda su extensión. De hecho, el material ha llegado a tal espesor que su editor ha optado por dividirlo en dos volúmenes; así pues, el próximo nº 4 ofrecerá la segunda parte de este especial. En cuanto al presente, cabe apuntar que ofrece una portada especial y a todo color dibujada por el mítico López Espi, quien se encargó de esta tarea en muchas publicaciones de la entrañable editorial Vértice, con su edición de El planeta de los monos en cabeza.

El contenido de la revista ofrece artículos centrados en “John Chambers, artífice de los simios”, la banda sonora de la saga, los actores más destacados de la misma, la saga cinematográfica, hasta el nuevo reboot aparecido recientemente (la secuela que ahora se está rodando se deja para el volumen 2), y además incluye comentarios sobre el autor Pierre Boulle y su obra, la serie de televisión en imagen real y la de animación, junto a más contenidos hasta alcanzar una extensión de 124 páginas en formato DIN-A4. Todo ello, escrito por el propio Txema junto a un equipo formado por Jorge Aguirre Pérez, Paco Mancera Romero, y nuestros dos colaboradores Carlos Díaz Maroto y Luis Alboreca.

Para hacerse con él escribe a klandestine666@hotmail.es, y recibirás además un glorioso póster a todo color en formato DIN-A3. Conviene darse prisa, pues se trata de una tirada limitada de 150 ejemplares.  El precio es de 9 € más gastos de envío: 2 € correo normal, y 4,35 € por correo certificado.

Published in: on abril 8, 2014 at 5:42 am  Dejar un comentario  

Presentado el cartel oficial de la segunda edición de “Nocturna”

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A finales de la semana pasada, el Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid, NOCTURNA 2014, presentó oficialmente el que será el cartel oficial de su segunda edición. En él, su creador, el artista Manuel Bejarano, ofrece un doble juego entre la imagen del festival y el rostro de Cthulhu, el mítico dios primordial creado por el escritor H.P. Lovecraft y uno de los iconos del certamen madrileño, que se funden en una imagen que refleja con exactitud el espíritu de festival.

Del mismo modo, también confirmó que, al igual que el año pasado, los cines Palafox de Madrid serán la sede de Nocturna 2014 que, recordemos, tendrán lugar entre el 26 de mayo al 1 de junio. Por último y de cara a sus espectadores, dio a conocer los descuentos acordados con RENFE y el Gran Hotel Conde Duque, sede oficial del festival, de cara a sus espectadores, y que pueden ser consultados en los siguientes enlaces:

- Renfe: http://nocturnafilmfestival.com/index.php/es/noticias/385-renfe-ofrece-descuentos-para-asistir-a-nocturna-2014

- Gran Hotel Conde Duque: http://nocturnafilmfestival.com/index.php/es/noticias/384-descuentos-en-el-hotel-oficial-de-nocturna-2014

Para más información sobre el Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid NOCTURNA 2014 entra en su página web oficial:

www.nocturnafilmfestival.com

O si lo prefieres, puedes visitar sus redes sociales:

Twitter: https://twitter.com/Nocturnafest

Facebook: https://www.facebook.com/Nocturnafilmfestival

Published in: on abril 7, 2014 at 5:42 am  Dejar un comentario  
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Agonía y muerte del cine fantástico italiano en dos películas: “Simbad, el rey de los mares” y “Mi novia es un zombie”

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Junto con sus lanzamientos de cara a la campaña navideña, el pasado mes de diciembre “39 Escalones” puso a la venta Simbad, el rey de los mares y Mi novia es un zombie, dos títulos muy representativos, aunque antitéticos en sus significaciones, del contexto en el que se desenvolvió el cine fantástico italiano durante las décadas de los ochenta y noventa. El primero, dirigido oficialmente por Enzo G. Castellari, simboliza en más de un sentido el grado de decadencia alcanzado por una hasta poco tiempo antes floreciente industria que creyó encontrar su tabla de salvación en el estreno de Mi novia es un zombie, película que en su momento supondría la consagración definitiva como nueva esperanza del género de su director, Michele Soavi, cineasta llamado a encabezar una regeneración de la escuela fantástica trasalpina que, veinte años más tarde, aún no ha terminado de concretarse.

LAS PELÍCULAS

A comienzos de los años ochenta la factoría cinematográfica del bel paese dedicada al cultivo de los géneros  se encontraba sumida en una situación bien delicada que se iría agudizando a medida que fuera avanzando la década. Agotados consecutivamente los filones del spaghetti-western, el giallo, los dramas eróticos y las cintas sobre zombis y caníbales, desde finales de los setenta su producción se había decantado por la fabricación en cadena de respuestas a los éxitos de turno llegados desde el otro lado del Atlántico, coincidiendo con un momento en el que la todopoderosa maquinaria hollywoodiense había adoptado un nuevo modelo llamado a cambiar el negocio del cine: el blockbuster. Aunque en un principio la realización de estos subproductos resultaría de lo más lucrativa para los intereses italianos, a la larga tal política se revelaría de lo más desacertada. Mientras que la configuración de sus estilos predominantes desde comienzos de los sesenta se había cimentado en la asimilación y reformulación bajo una óptica eminentemente latina de los rasgos característicos con los que habían sido codificados los géneros clásicos por parte del cine norteamericano, estas nuevas propuestas estaban concebidas con un alto grado de mimetismo para con unos modelos con los que no podían competir a nivel productivo, lo que, con toda lógica, se dejaría sentir en los resultados de estas películas, la mayoría de las veces ridículos, cuando no risibles, perdiendo con ello el favor del público.

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Como no podía ser de otro modo, el cine fantástico fue especialmente sensible a esta tesitura. Salvo honrosas excepciones, personificadas principalmente por Dario Argento y el recién descubierto para la causa Lucio Fulci, su producción se ceñiría a pálidas copias más o menos disimuladas de Tiburón, La guerra de las galaxias, Conan, Mad Max y compañía. Por si no fuera bastante, a tan poco alentador panorama se le unió, además, la retirada de alguno de los principales baluartes con los que había contado el género hasta entonces. Mario Bava había firmado su despedida en 1979 con Shock, mientras que Riccardo Freda realizaba su última incursión en los márgenes del fantástico dos años más tarde con Follia omicidia. Tan solo el todoterreno Antonio Margheriti se mantendría en activo, aunque encuadrado dentro de los márgenes del nuevo sistema. En contra de lo esperado, el vacío dejado por estos directores no encontraría el correspondiente relevo generacional. Únicamente Lamberto Bava, hijo de Mario, destacaría mínimamente entre la nómina de nuevos realizadores, por más que nunca llegara a alcanzar el nivel exhibido por Macabro, su prometedora ópera prima. Así las cosas, el género quedaría en manos de veteranos cineastas como Sergio Martino, Bruno Mattei, Ruggero Deodato o Umberto Lenzi, alguno de ellos competentes artesanos, aunque bien lejos de sus momentos de gloria.

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Poco a poco, todas estas circunstancias contribuirían a que el ritmo de producción se resintiera hasta disminuir de forma alarmante para mediados de la década. La falta de oportunidades llevaría a muchos profesionales a desertar del medio, encontrando cobijo en las seiscientos veinticinco líneas de la caja cuadrada, donde se especializarían en la realización de numerosas miniseries. El cine fantástico italiano languidecía herido de muerte, sin que nadie pareciera poder hacer algo para remediarlo. Sin embargo, no faltó quien trató de sacar tajada de tan dramática situación. La descomposición de esta industria y su vieja obsesión por camuflar sus producciones como si de películas estadounidenses se trataran fueron argumentos suficientes para que algunos sellos de aquel país dedicados a la confección de cine popular inauguraran sendas sucursales en la península itálica, con el objetivo de abaratar sus productos aprovechando para ello los profesionales e infraestructuras existentes, en un momento en el que, paradójicamente, los escasos films italianos de estas características eran realizados en otros países como Filipinas o los propios Estados Unidos.

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Dos serían las compañías que principalmente llevarían a cabo semejante práctica: la Empire Pictures de la familia Band, y la Cannon, por entonces convertida en la más importante firma de Serie B a escala mundial. De entre los diferentes proyectos que la productora dirigida por Yoram Globus y Menahem Golam puso en marcha a través de su filial italiana el más ambicioso sería El desafío de Hércules. Orquestado para el lucimiento de su protagonista, el Mister Universo y Hulk televisivo Lou Ferrigno, su planteamiento subyacente no dejaba de tener su gracia al consistir en recuperar al personaje cuyo triunfo comercial con la fundacional Hércules de Pietro Francisci había alumbrado la eclosión y afianzamiento del cine de género italiano para reinventarlo según los gustos imperantes en el público coetáneo. Ni qué decir tiene que la empresa no se saldaría con el resultado esperado y la película pasaría sin pena ni gloria, a tal punto de obligar a la realización de una secuela confeccionada en su mayoría con descartes a fin de amortizar la inversión efectuada. No obstante, antes de que eso sucediera, su director, Luigi Cozzi, y su principal protagonista se las prometían tan felices que acordarían prolongar su relación por un título más a producir también por la Cannon. Dicho film se enmarcaría en los terrenos de la fantasía arábiga de la mano de uno de sus personajes más populares: el marino Simbad de Las mil y una noches.

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Pese a la existencia de un primer guion escrito por el propio Cozzi a tal efecto, diferentes vicisitudes motivarían que la idea no llegara a plasmarse en los plazos previstos. El proyecto quedaría así aparcado hasta que en 1986 la Cannon se decidiera a resucitarlo, aunque con sustanciosos cambios. Ferrigno se mantenía, pero el previsto largometraje era transformado en una miniserie televisiva de seis horas de duración dividida en cuatro capítulos. En cuanto a su realización, recaía en manos de Enzo G. Castellari, quien junto al guionista Tito Carpi se encargaría de rescribir el libreto existente con el fin de adaptarlo al nuevo formato y, de paso, aprovechar para llevárselo a su terreno. De este modo, las secuencias de efectos especiales planteadas por Cozzi en un principio serían sustituidas por escenas de acción tan características del cine del director de Keoma. Con estos mimbres, la producción echaría a andar hasta que, debido a problemas presupuestarios, el rodaje tuviera que ser cancelado cuando la filmación se encontraba próxima a finalizarse. El material rodado era entonces archivado en un almacén hasta que en 1989 una Cannon al borde de la bancarrota decidía rescatarlo para tratar al menos de recuperar el dinero invertido.

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Con tal intención, sus responsables contactarían con el inicialmente previsto Cozzi para que se encargara de crear una película de hora y media a partir del metraje existente. Para este fin, el director de Contaminación: Alien invade la Tierra rodaría nuevas secuencias con las que dotar de cierta uniformidad y lógica al conjunto, las más importantes de las cuales serían aquellas protagonizadas por Daria Nicolodi y la propia hija del director, Giada, a través de las que convirtió el grueso de la historia en un cuento narrado por una madre a su hija, siguiendo el modelo establecido por la entonces reciente La princesa prometida. A pesar de que en el prólogo de la cinta dicho cuento es presentado como supuestamente basado en el relato corto de Edgar Allan Poe “El cuento de las mil y dos noches de Scheherazade”[1], su argumento es, en realidad, una reinterpretación de la trama de El ladrón de Bagdad presentada bajo un estructura calcada a la utilizada por Cozzi en La furia del coloso,la comentada continuación de su Hércules, y que a su vez remitía a las películas que sobre Simbad realizara Ray Harryhausen, con la búsqueda de una serie de objetos mágicos como eje central de la historia.

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Al igual que ocurriera en la referida La furia del coloso, toda esta relatada serie de contratiempos influirían de un modo evidente en los flojos resultados que arroja la cinta. Por un lado, el remontaje practicado origina algunas incongruencias, como que el grupo protagonista mencione a un personaje del que se supone ignoran su existencia; mientras que, por otro, la exagerada utilización explicativa de la voz en off dota al conjunto de un tono infantiloide, sensación que es subrayada por una puesta en escena con momentos de lo más ridículos –cf. Simbad escapando de su cautiverio gracias a una cuerda formada por serpientes vivas entrelazadas (!)–, y rematada por un acentuado componente cómico. A todo ello hay que añadirle el hecho de que su rodaje se desarrollara sin sonido directo, por lo que, al carecer de guion con el que poder orientarse, sus diálogos tuvieron que ser poco menos que improvisados en el estudio de doblaje, dando pie a un buen número de líneas de diálogos de lo más oligofrénicas y, en ocasiones, incluso machistas.

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Sea como fuera, el ofrecimiento de un producto digno tampoco puede decirse que se encontrara entre los intereses de los gerifaltes de la Cannon a la hora de afrontar el proyecto. Más al contrario, y por si aún no ha quedado lo suficientemente claro, todo se reducía a un mero movimiento comercial sin más ambición que la de embolsarse unos miles de dólares de la forma más rápida posible. Buena muestra del espíritu oportunista con el que se ejecutó la jugada es que, a pesar de figurar como productor y director en los títulos de crédito, Castellari no tendría conocimiento de su existencia hasta que años después se topara por casualidad con una copia del film, mientras exploraba las estanterías de un videoclub. Una lástima, puesto que con su singular y bizarra mezcolanza de ingredientes tan heterogéneos con amazonas, gigantes de roca, caballeros fantasmales, vikingos o enanos, el argumento de esta Simbad, el rey de los mares poseía los suficientes atractivos como para haber deparado, si no una gran película, sí un producto de lo más gozoso para el aficionado de haber sido otros los condicionantes.

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En cualquier caso, todo el cúmulo de dificultades relatadas que se dieron cita durante el proceso de gestación de Simbad, el rey de los mares sirve para hacerse una idea muy aproximada de lo mal que pintaban las cosas en los albores de los noventa para el cine de género en su amplitud, y el italiano en particular, inmerso como estaba en una interminable travesía por el desierto. Durante esta época, el cine fantástico trasalpino a duras penas subsistiría entre cintas financieramente sustentadas por los diferentes canales televisivos, cuando no con pequeñas producciones orientadas hacia el mercado doméstico, rodadas en los Estados Unidos y protagonizados por autores autóctonos de segunda fila, cuando no directamente desconocidos. Una variante en la que se mostraría especialmente activa la Filmirage, único vestigio, por muy modesto que este fuera, de algo parecido en su funcionamiento a una industria dedicada a la confección de cine de género (porno incluido) que para entonces aún subsistía en el país con forma de bota. Y precisamente sería la productora propiedad de Joe D’Amato la que brindaría la primera oportunidad de dirigir a quien pronto se convertiría en la gran promesa del cine fantástico italiano.

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En efecto, en 1986 Michele Soavi ofrecía su carta de presentación como director[2] con Aquarius, después de recorrer multitud de puestos intermedios dentro de la profesión. Visto en títulos como Alien 2 sobre la Tierra, Demons o Miedo en la ciudad de los muertos vivientes, desde bien temprano compaginaría su faceta interpretativa con las más diversas labores dentro del apartado técnico, trabajando a las ordenes de directores como Dario Argento, Lucio Fulci, Lamberto Bava, el propio D’Amato e, incluso, Terry Gilliam, para el que dirigiría la segunda unidad de su película Las aventuras del Barón Munchhausen. Todo este bagaje se plasmaría en la madurez y autoconsciencia con la que acometería su ópera prima, un singular giallo desarrollado en un emplazamiento único con el que se proclamaría ganador del Festival de Avoriaz y que muchos especialistas no han dudado en señalar como el último representante de la edad dorada del estilo. Los buenos resultados de su primer trabajo, junto al hecho de haber aprendido el oficio al lado de algunos de los nombres más importantes del género en Italia, harían que no pocas esperanzas fueran depositadas en su persona como continuador del rico legado de esta escuela. Con dicha intención, sería acogido bajo el padrinazgo de Dario Argento, quien produciría sus dos siguientes incursiones detrás de las cámaras: la desigual y por momentos anárquica El engendro del diablo y la mucho más interesante a todos los niveles La secta, dos títulos que, más allá de sus limitaciones, confirmaban las aptitudes apuntadas por el joven director en su debut y, muy especialmente, una fuerza plástica e inventiva visual fuera de toda duda.

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Llegado a este punto, Soavi decidiría dar un nuevo paso hacia adelante dentro de su incipiente carrera e independizarse del que era su protector para afrontar el que era su film más personal y ambicioso en términos artísticos hasta la fecha. Como es bien sabido, su idea inicial era la de trasladar a la gran pantalla a Dylan Dog, pretensión que hubo de ser abandonada ante las desorbitadas exigencias económicas del editor del exitoso cómic, debiéndose de conformar entonces con adaptar la novela Dellamorte, Dellamore,escrita también por Tiziano Sclavi y que, a su manera, había servido de germen al autor para dar forma a su más célebre criatura. Aún y todo, el cambio de planes no evitaría que el fruto resultante conservara diferentes elementos del proyecto originario, el más significativo de los cuales estaría en el protagonismo de Rupert Everett, actor británico que el propio Sclavi ha reconocido en diversas ocasiones le había servido de inspiración a la hora de otorgar la apariencia física a Dylan Dog, tras verle actuar en la película Otro país de Marek Kanievska[3].

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Estrenada comercialmente en España con el inapropiado y más bien ridículo título de Mi novia es un zombie en referencia a cierta canción de “Alaska y Dinarama”, la trama de la cinta nos traslada a una pequeña localidad italiana llamada Buffalora en la que, de forma inexplicable, los muertos vuelven a revivir pasados unos días desde su fallecimiento. Por este motivo, el encargado del cementerio local, Francesco Dellamore, se ve obligado a rematarlos con la ayuda de su obeso y mudo ayudante Gnaghi. Pero lo que en un principio parece estar destinado a derivar en una cinta de zombis al uso dará un vuelco de ciento ochenta grados con la aparición de una atractiva viuda que acude al camposanto a visitar la tumba de su difunto esposo, de la que Francesco quedará instantáneamente prendado. A pesar de su rechazo inicial por respeto a la memoria de su marido, la mujer acabará cediendo a las intenciones de su pretendiente, ante la excitación que le produce el espectacular osario que atesora el recinto.

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A partir de esta premisa, y tal y como es anunciado desde su propio título original, la película divaga sobre la vida, el amor y la muerte, la angustia, la rutina y el aburrimiento, mostrando la imposibilidad de alcanzar el amor idealizado y lo efímero de la felicidad. Todo ello es salpimentado por grandes dosis de humor negro, surrealismo y sátira política, aspecto este de lo más mordaz, teniendo en cuenta que entre los financiadores del film se encontraba nada menos que una de las sociedades de Il cavaliere Silvio Berlusconi. El componente terrorífico queda así reducido a una mera comparsa utilizada para formular una evidente analogía que es subrayada de forma explícita en un momento determinado por Dellamore al manifestar sus dificultades para diferenciar “entre los muertos vivos y los vivos muertos”. Al fin y al cabo, Francesco y Gnaghi son dos seres discriminados por una sociedad que les humilla por el simple hecho de ser distintos; aparte de por su profesión, el uno es contrahecho y del otro se dice que es impotente, cuando no castrado. No parece pues casual, así las cosas, que todos los personajes que interactúen con ellos, a excepción del extraño inspector de policía encargado de investigar los crímenes, acaben tarde o temprano en el barrio de los acostados, como popularmente se dice, y en la mayoría de los casos convertidos en zombis.

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En virtud de estos planteamientos, la puesta en escena de Soavi es prolija en citas, que en el terreno pictórico van desde Los amantes de René Magritte a La isla de los muertos de Bröcklin, como muy acertadamente apunta Ángel Gómez Rivero en su Cine Zombi, dentro de una narración que potencia el aspecto visual por encima del argumental, lo que permite al director lombardo exprimir su poderosa inventiva. Buena muestra de ello es el instante en el que una imponente Parca surge de las cenizas de una guía telefónica quemada, cuyo espectacular acabado se ve beneficiado por la labor del técnico de efectos especiales Sergio Stivaletti[4]. Por otra parte, la aludida referencialidad de la que hace gala el producto evidencia sus raíces específicamente italianas. Y es que, en contraste con su singularidad dentro de los cánones habituales en los que tradicionalmente se movió dicha escuela, Mi novia es un zombie esconde, en realidad, un auténtico compendio de lugares comunes del cine fantástico nacional, comenzando por esa cabeza volante de la hija del alcalde que ataca a su padre, en clara alusión a la secuencia más recordada de la fallida Zombie 3, y continuando con la evocación de una serie de temas tan característicos de aquella cinematografía como la necrofilia, el surrealismo y, sobre todo, esa invisibilidad entre el Eros y el Thanatos que fuera una de sus principales divisas, expresada de forma muy gráfica en la escena en la que Francesco y su amada yacen sobre la tumba del marido de ella, de la que emergerá el revivido cadáver para castigar a su esposa.

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Empero, el innegable interés que alberga la propuesta, sus indudables virtudes y sus aciertos parciales no quitan para que, analizada en su conjunto, la película diste mucho de ser ese logro absoluto que en su momento muchos quisieron ver en ella. El principal problema es que su exceso de discursos (y pretensiones) provoca que la obra resulte dispersa y, por momentos, narrativamente deslavazada, defecto, por si fuera poco, agravado por los forzados cambios de tono que se suceden a lo largo del metraje. Con todo, el entusiasmo con que fue recibida hizo que pareciera que con Mi novia es un zombie se abrían nuevos horizontes para el fantástico trasalpino. De este modo, no fueron pocos los que señalaron a Soavi como el director que debía liderar el resurgir de una cinematografía para entonces moribunda. Una apreciación que, gracias a la perspectiva que nos da el paso del tiempo, no podía revelarse más equivocada. Tras la presente película, Soavi no ha vuelto a incursionar en el género que le diera fama y nombre, reorientando su carrera hacia los terrenos del thriller, fundamentalmente dentro del ámbito televisivo, y esa cacareada recuperación del fantástico italiano no pasaría de una serie de esfuerzos aislados que acabarían por desaparecer con la llegada del nuevo milenio. Y, si bien es cierto que en los últimos años el panorama ha mejorado sustancialmente a nivel cuantitativo con la llegada de una nueva hornada de cineastas que con más ganas que medios han tratado de inyectarle nuevos bríos a través de producciones de bajo presupuesto, aún parece lejano el día en el que la escuela de cine fantástico italiano recupere el esplendor que antaño tuvo.

LAS EDICIONES

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Inédita hasta la fecha en formato digital en España, Simbad, el rey de los mares es presentada en su aspect ratio original de 1.85:1 e imagen anamórfica. Sin disponer de los datos necesarios que nos permitan confirmar nuestras sospechas en este sentido, todo parece indicar que el master empleado coincide con el de la edición comercializada en Z1 por MGM el pasado 2005. A pesar del tiempo transcurrido, la calidad de la copia solo puede ser calificada de excelente, sin que se detecten artefactos, fallos de compresión o cualquier otro tipo de defecto digno de ser reseñado. Lo mismo ocurre con el apartado sonoro, compuesto por dos nítidas pistas en estéreo, una con la versión en inglés y otra con el doblaje en castellano. Como no podía ser de otro modo, para todos aquellos que elijan la primera opción se incluyen los correspondientes subtítulos en nuestro idioma, siendo este el único aspecto en el que se pueda hacer un tímido ademán de crítica, debido a que en no pocas ocasiones el tiempo que aparecen los textos en pantalla suele ser inferior al de los diálogos a los que acompañan.

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En cuanto a Mi novia es un zombie, se trata de la segunda edición que la película disfruta en nuestro mercado. La primera había sido lanzada por “Vellavisión” en los albores del formato con un nivel de calidad bastante pobre, típico por otra parte de la mayoría de ediciones que circularon por aquellos tiempos provenientes de compañías independientes. Como es hasta cierto punto lógico, esta nueva versión de “39 Escalones” mejora ampliamente su contenido, ofreciendo la película con mejora anamórfica y una superior calidad de imagen, mucho más fiel y cercana a la fotografía original de Marco Marchetti. Por otra parte, y a título de curiosidad, cabe comentar que, si en aquella se incluían las pistas de sonido en inglés y castellano, en esta ocasión la lengua de Shakespeare es sustituida por el italiano, perdiendo también por el camino los subtítulos en inglés, aunque no así, lógicamente, los pertinentes en castellano.

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Aplaudiendo de entrada el empeño puesto por el sello madrileño por recuperar la película y acercarla al aficionado en las mejores condiciones posibles, no podemos dejar se señalar la presencia de lo que, a priori, y mientras se demuestre lo contrario, se antoja un defecto en la codificación del master utilizado como fuente. Ocurre hacia el minuto treinta de metraje, en la secuencia en la que Gnaghi regresa andando al cementerio visiblemente avergonzado tras vomitar a la hija del alcalde, mientras que Francesco intenta convencerle para que suba al coche. Justo en el momento en el que un plano lateral desde el interior del vehículo muestra cómo el hombrecillo trastabilla y cae al suelo, la imagen produce durante un breve instante de aproximadamente un segundo un extraño efecto de ghosting. Planteada la posibilidad de que pudiera tratarse de una singular y poco entendible elección formal por parte de Soavi, sometimos a comparación este mismo fragmento con la primitiva copia de “Vellavisión” y con la editada en Italia por “Medusa”, obteniendo el siguiente resultado: mientras que en la de “Vellavisión” no se detecta anomalía alguna, en la de “Medusa” se repite el mismo caso. En vista de ello la conclusión es bien sencilla: el fallo existe, y tanto la edición de “39 Escalones” como la de “Medusa” parten del mismo master defectuoso.

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Las comentadas pequeñas taras que presentan una y otra no quitan para que se trate de dos compras cien por cien recomendables, especialmente para los seguidores del cine fantástico italiano. Con todo, es de lamentar la total ausencia de extras que hubieran aportado un valor añadido, máxime en estos tiempos en los que la piratería penaliza este tipo de ediciones sencillas, como, a título personal, que en el caso de Mi novia es un zombie no se haya utilizado algunos de los carteles originales de la película, en lugar del poco atractivo fotomontaje que luce en el frontal de su carátula. Se trata de pequeños detalles que habrían elevado el interés de ambos lanzamientos, pero que, en cualquier caso, no invalidan un más que correcto acabado que supera con creces los mínimos exigibles. Algo que, en vista de cómo sistemáticamente se las gasta el mercado español con este tipo de cine, es para estar contentos y agradecidos.

José Luis Salvador Estébenez

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[1] No sería ésta la única adaptación ficticia que del inmortal escritor bostoniano llevara a cabo Luigi Cozzi a lo largo de su carrera. Sin ir más lejos, aquel mismo año estrenaría Il gatto nero, película más conocida internacionalmente como Edgar Allan Poe’s The Black Cat. En realidad, se trata de una suerte de entrega apócrifa de la por entonces inacabada Trilogía de las Madres de su amigo Dario Argento, respondiendo tal título a una petición expresa de su productor, según ha declarado en diferentes ocasiones el realizador natural de Busto Arsizio.

[2] Quede constancia que previamente había realizado con destino al mercado doméstico el documental Dario Argento’s World of Horror / Il mondo di Dario Argento (1985).

[3] «Cuando fui a abocetar la imagen de Dylan solo me dijeron que era un personaje nuevo, en absoluto me avisaron de que era inglés. Dado que en cuanto a caracteres faciales he hecho de todo un poco, probé una caracterización más agresiva (nariz, pelo) que me gustaba. Hice un personaje de aire españolesco, que no gustó y que en efecto no se ajustaba al modelo a la inglesa que querían (pero que no se habían acordado de especificarme). Después Tiziano me llamó por teléfono y me dijo: ‘Dylan Dog es Rupert Everett, ve al cine a ver Another Country’». Declaraciones del dibujante Claudio Villa, citadas en Codazzi, 2000: 29-30 y extraídas del artículo “Dylan Dog: La combinatoria del horror” de Álex Romero, publicado en Tebeosfera. (http://www.tebeosfera.com/documentos/textos/dylan_dog:_la_combinatoria_del_horror.html)

[4] Poco tiempo después, Stivaletti daría el salto al campo de la realización con la esperanzadora La máscara de cera, a la que seguiría siete años después la que hasta la fecha es su último trabajo en este apartado, I tre volti del terrore, cinta de sketches que tenía su razón de ser en el homenaje al género, aunque en cualquiera de los casos ofreciera un nivel bastante inferior al de su predecesora.

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FICHAS TÉCNICAS

Simbad, el rey de los mares

Título original: Sinbad of the Seven Seas

Año: 1989 (Italia, Estados Unidos)

Directores: Enzo G. Castellari, Luigi Cozzi [no acreditado]

Productores: Enzo G. Castellari, Yoram Globus, Menahem Golan

Guionistas: Tito Carpi, Enzo G. Castellari según una historia de Luigi Cozzi [acreditada como Lewis Coates]

Fotografía: Blasco Giurato

Música: Dov Seltzer

Intérpretes: Lou Ferrigno (Simbad), John Steiner (Jaffar), Roland Wybenga (Príncipe Alì), Ennio Girolami (Vikingo), Hal Yamanouchi (Mercenario chino), Cork Hubbert (Poochie, el enano), Yehuda Efroni (Ahmed), Alessandra Martines (Alina), Teagan Clive (Soukra), Leo Gullotta (Nadir), Stefania Girolami [Goodwin] (Kyra), Donald Hodson (Califa), Melonee Rodgers (Reina Farida), Cork Hubbert (Midget), Romano Puppo (Capitán), Attilio Cesare Lo Pinto (Rey de los muertos vivientes), Armando MacRory (Town Crier), Giada Cozzi (Niña), Daria Nicolodi (Narradora), Massimo Vanni, Ted Rusoff (Guardia de la cámara de torturas)…

Sinopsis: En el reino de Basora todo el mundo vive feliz hasta que un terrible brujo decide robar las piedras sagradas. Desde ese momento el valeroso Simbad iniciará una travesía para salvar a su pueblo de las garras del maligno hechicero.

Mi novia es un zombie

Título original: Dellamorte, Dellamore

Año: 1994 (Italia, Francia)

Director: Michele Soavi

Productores: Heinz Bibo, Tilde Corsi, Giovanni Romoli, Michele Soavi

Guión: Giovanni Romoli, según la novela de Tiziano Sclavi

Fotografía: Mauro Marchetti

Música: Manuel De Sica, Riccardo Biseo

Intérpretes: Rupert Everett (Francesco DellaMorte DellAmore), Anna Falchi (ella), François Hadji-Lazaro (Gnaghi), Stefano Masciarelli (Mayor Scanarotti), Mickey Knox (alguacil Straniero), Fabiana Formica, Clive Riche, Katja Anton, Barbara Cupisti, Anton Alexander, Pietro Genuardi, Patrizia Punzo, Michele Soavi…

Sinopsis: Francesco Dellamorte es el cuidador del cementerio de un pequeño pueblo situado al norte de Italia: Buffalora. A causa de una misteriosa epidemia los muertos enterrados en su cementerio comienzan a revivir. Por este motivo, Dellamorte tendrá que acabar con estos antes de que conquisten el mundo de los vivos…

* Todas las imágenes de la película que acompañan al presente artículo corresponden a capturas de las ediciones reseñadas.

Published in: on abril 3, 2014 at 5:33 am  Dejar un comentario  

“Lentejuelas de sangre” ya en DVD

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El sello-fanzine “Vial of delicatessens” lanzó el pasado 26 de Marzo Lentejuelas de sangre en Dvd. El documental, dirigido por Eduardo Gión, repasa la vida del artista multidisciplinar Pierrot. Una etapa comprendida entre finales de los años sesenta y finales de los setenta, dedicada al mundo del terror, los fanzines, teatro de impacto, “grand guignol” y películas amateurs en Súper 8.

Pierrot es a día de hoy un icono tanto para los incondicionales del cabaret como para los del cine de terror. El director Eduardo Gión ha indagado en su vida para ofrecernos este magnífico documental que incluye importante e inédito material de archivo más las declaraciones de clásicos del cine de género como José Lifante, Sebastián D’Arbó, Ricard Reguant o Salvador Sáinz.

Aparte del documental propiamente dicho, su edición en DVD se complementa con numeroso material extra. Entre ellos destaca un cortometraje en Súper 8 de Pierrot totalmente inédito, un cortometraje del propio Gión, homenajes, coloquios y las colaboraciones de Alaska, Paco Clavel, Naxo Fiol, David Tort, Raúl Hidalgo, Valeria Vegas y Juan Sánchez, entre otros.

Lentejuelas de sangre se encuentra disponible a la venta a un previo de 5,99 € a través de http://vialofdelicatessens.blogspot.com o en puntos de venta especializados a consultar en la misma web.

Published in: on abril 2, 2014 at 5:39 am  Dejar un comentario  

Arranca el rodaje de “Vampyres”

Esta semana da comienzo en diferentes localizaciones de Madrid el rodaje de la película de terror Vampyres, nuevo largometraje de Víctor Matellano. Esta revisión del film de culto de José Ramón Larraz Las hijas de Drácula, cuenta con la participación de la mítica actriz Caroline Munro, dentro de un reparto que cuenta en sus papeles principales con Anthony Rotsa, Veronica Bacorn, Alina Nastase, Luis Hacha, Marta Flich y Almudena León, entre otros. A todos ellos hay que añadirle la colaboración especial de los veteranos Lone Fleming, May Heatherly, Antonio Mayans y Conrado San Martín, estrellas en obras tan memorables de nuestro cine fantástico como La noche del terror ciego, Mil gritos tiene la noche, Último deseo o Gritos en la noche, respectivamente.

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El inicio del rodaje de Vampyres es un sueño largamente acariciado y un homenaje a la memoria de José Ramón, que fue siempre un adelantado a su época y un autor completo. Estoy completamente seguro de que la sintonía que hemos logrado entre el equipo artístico y técnico ha creado la atmósfera necesaria para combinar el absoluto respecto por el film original con la rabiosa innovación con la que pretendemos sorprender”, ha declarado Matellano.

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Ángel Mora, al frente de Artistic Films, es el productor de un película cuyo rodaje, desarrollado en inglés, transcurrirá hasta finales de abril en exteriores y decorados ubicados en Madrid y Castilla y León, que evocan los de la producción de 1974. Siguiendo con este propósito, el maquillaje correrá a cargo de Colin Arthur, quien repetirá cuarenta años después al frente del departamento como ya sucedió en la película original.

En cuanto al guion, es obra del propio director y de José Ramón Larraz, quien fallecía en septiembre de 2013 durante la preproducción de la película. La nueva versión del universo de Vampyres sigue conteniendo sensualidad, truculencia, descaro y una atmósfera malsana, pero en un tono más sofisticado que ofrece más acción, más terror y más gore en consonancia con los tiempos actuales. La historia se centra en dos vampiras que habitan en una oscura mansión donde atraen a hombres a los que les ofrecen orgías de sexo que terminan siendo orgías de sangre. Hasta aquel lugar llegan, unos jóvenes excursionistas con ganas de fiesta, y un hombre joven que esconde un oscuro pasado…

Published in: on abril 1, 2014 at 5:28 am  Dejar un comentario  
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