Título original: La chispa de la vida

Año: 2011 (España)

Director: Álex de la Iglesia

Productores: Andrés Vicente Gómez, Ximo Pérez

Guionista: Randy Feldman

Fotografía: Kiko dela Rica

Música: Joan Valent

Intérpretes: José Mota (Roberto Gómez), Salma Hayek (Luisa), Blanca Portillo (Mercedes), Juan Luis Galiardo (alcalde), Fernando Tejero (Johnnie), Manuel Tallafé  (Claudio), Antonio Garrido (doctor Velasco), Carolina Bang (Pilar Álvarez), Eduardo Casanova (Lorenzo), Nerea Camacho (Bárbara), Santiago Segura (David Solar), Juanjo Puigcorbé (Alvaro Caprile), Antonio de la Torre (Kiko Segura), Joaquín Climent (Javier Gandara), José Manuel Cervino (presidente), Nacho Vigalondo (Martín), Concha García Campoy, Josto Maffeo, Javier Gutiérrez…

Sinopsis: Roberto es un publicista en paro que no encuentra trabajo en ninguna agencia. Fue el creador del archiconocido slogan “la chispa de la vida” de Coca-Cola, aunque ahora su situación es desperada. Cuando sufre un accidente que le hace debatirse entre la vida y la muerte, cree haber encontrado la forma de sacar dinero de esta absurda situación…

Álex de la Iglesiaes un director reconocido que goza de cierto culto en este país, aunque eso no le ha salvado de algunos fracasos de taquilla. Después de Balada triste de trompeta nos llega su última película, La chispa de la vida, aunque por desgracia otras se han quedado por el camino, como La marca amarilla, adaptación del tebeo La marca amarilla (La marque jaune)[1] de Edgar P. Jacobs, con los personajes de Blake y Mortimer, que fue abandonada definitivamente por el realizador.

Con guion de Randy Feldman, autor de libretos como Tango y Cash (Tango & Cash, 1989) y El negociador (Metro, 1993), que se ha acomodado al contexto español, el film nos presenta el drama de un publicista en paro que sufre un desgraciado accidente y cómo intenta sacar tajada del hecho, argumento que recuerda mucho a El gran carnaval (Ace in the Hole, 1951) del gran Billy Wilder, aunque con la diferencia de que aquí es la víctima y no el periodista el que quiere aprovecharse de la situación. Así, el título de la presente hace referencia al famoso eslogan de Coca-Cola “La chispa de la vida”, que en la cinta fue inventada por un español.

El guion lo debe haber acondicionado el propio de la Iglesia, ya que vemos mucho del cine del director en el film; existen muchos elementos comunes con otros trabajos del realizador, sobre todo con el último, Balada triste de trompeta, con la crítica mordaz  y negra haciala España de pandereta que disfruta con las desgracias ajenas. Y también sufre las debilidades de Álex dela Iglesia, que es la sobreexplotación de sucesos que vive el personaje principal; para que el espectador comprenda y asimile lo mal que lo pasa el pobre, no solo le humilla su antiguo jefe o las secretarias de la gran compañía publicitaria, o sus amigos lo ignoran, sino que un pedigüeño se atreve a golpearle e insultarle, a él, que es un pobre y desperado parado. Y el accidente es muy aparatoso, casi tanto como la escena enla Cruz de los Caídos de la anterior película, con utilización de grúa y todo. Los personajes estrafalarios y/o extraños son marca de la casa y la aceptación del espectador depende de los gustos de cada cual, así que poco se puede decir de ellos, aunque poco aporten a la trama. Un ejemplo claro es la aparición de Santiago Segura y Nacho Vigalondo, más por ser amigos de Álex que por mostrar unos personajes influyentes en el devenir de la acción.

Como realizador no se le puede achacar nada a Álex dela Iglesia. Lacinta está muy bien filmada, con una sólida puesta en escena y con unos decorados grandiosos, el teatro romano de Cartagena, pero como director de actores falla bastante, y es un problema inherente en el cine español: casi todos los intérpretes parecen tener un solo papel y lo repiten constantemente. José Mota, un showman muy bueno, aquí está poco controlado, en momentos recuerda mucho a cómo interpreta sus parodias, sobre todo cuando suelta sus arengas contra los cabrones del mundo, y en otras parece muy cohibido, sin saber muy bien qué hacer. Salma Hayek se muestra voluntariosa, pero se nota una sensación de no creerse del todo la película. Otros actores, como Eduardo Casanova y Nerea Camacho, como por ejemplo, apenas tienen un personaje que interpretar, son meros comparsas de los personajes principales.

La chispa de la vida es una película fallida con elementos muy buenos y una estupenda dirección, que no encajan con una historia demasiado inclinada al esperpento y la crítica mordaz, pero poco trabajada en el desarrollo de personajes y en crear una trama que conecte con el espectador; muestra una sucesión de acciones que ilustran lo que ocurre, pero no da tiempo a que sea asimilada por el público. Hubiese sido preferible menos espectáculo y más contenido, más el personaje que el entorno, así el espectador se implicaría más en las desgracias de éste y no se distraería con los vacuos y excesivos subrayados. Ya sabemos que las adversidades venden, y si hay morbo más, pero no necesitamos que nos lo repitan una y otra vez, hemos cogido el mensaje a la primera. Aunque, sinceramente, mucha crítica hacia el mundo publicitario, y la película está sobrecargada de publicidad poco encubierta.

Luis Alboreca

[1] Serializado en Journal de Tintin en 1953 y editado en formato álbum en 1956.

Cinefania es una de las mejores páginas dedicada a lo fantástico que existen en la red. Procedente de Argentina, desde hace años ofrece información sobre el género, y también desde hace menos años, cada temporada nos ofrece en descarga gratuita una colección de espléndidos libros, redactados por infinidad de colaboradores, y centrados en diversas tendencias temáticas afines. El volumen correspondiente a este año está dedicado a la ciencia ficción. De especial interés para el lector español supondrán las aproximaciones a la ciencia ficción argentina en diversas artes, y casi totalmente inaccesibles por estos lares.

Podéis descargaros el libro en este link. ¡Que lo disfrutéis!

El veterano e inquieto cineasta, periodista e investigador de temáticas paranormales Sebastián D’Arbó, al que hace escasos meses tuviéramos la oportunidad de entrevistar en esta misma abadía, se encuentra ultimando los preparativos de una nueva iniciativa. Se trata del “Festival D’Arbó de Cine Parapsicológico”, que tendrá lugar durante el sábado 3 y domingo 4 de marzo en los Cines Girona de Barcelona, quedando pendiente de publicar los horarios en los que se llevarán a cabo los pases.

En esta primera edición, el “Festival D’Arbó de Cine Parapsicológico” se centrará en la Trilogíaparanormal que su organizador realizara a comienzos de los ochenta, formada por Viaje al más allá (1980), El ser (1982) y Más allá de la muerte (1986). Además de estas tres cintas, también se pasarán otros dos trabajos dirigidos por el catalán: el film Acosada. El hombre que regresó de la muerte (1984) y El misterio de Fassman (2011), reciente documental de suspense que pudo verse durante el pasado Festival de Sitges dentro de la sección “Brigadoon”.

Junto a la proyección de las películas, está previsto que todas las sesiones sean completadas por mesas redondas y debates abiertos al público asistente, para los que se contará con la participación de expertos especialistas, entre ellos el propio D’Arbó, quien explicará a los asistentes los casos reales en los que se basan los argumentos de los films, así como los pormenores de sus rodajes.

Más información en: darbo@darbo.org

Versus Entertainment ha aplicado un esfuerzo increíble en editar en dvd una semi-ignota joya del cine fantástico español, La Torre de los Siete Jorobados (1944), de Edgar Neville. La importancia intrínseca de este título dentro de nuestra cinematografía, así como la valiosísima labor de recuperación efectuada por la editora nos obliga a ofrecer este artículo especial.

LA PELÍCULA

La Torre de los Siete Jorobados (1944) es un film tan atípico dentro del cine español como lo es su propio realizador, el madrileño Edgar Neville Romrée, conde de Berlanga Duero (28 de diciembre de 1899-23 de abril de 1967). Fue Neville un hombre a caballo entre dos mundos, diríase; nacido y muerto en Madrid, su casticismo está siempre presente en su obra (escrita y/o filmada), pero también fue un hombre de amplia cultura, que visitó Hollywood y aprendió de los artistas que allí conoció. Neville no sería el Neville que hoy conocemos sin la cultura popular madrileña, pero también sin Chaplin, sin Laurel y Hardy, sin esos directores que admiraría como Lubitsch, von Sternberg, Stahl o Feyder. Si se mira atentamente su filmografía, aparte del tipismo castizo es identificable la huella de esos cineastas.

La Torre de los Siete Jorobados, además, se inscribe en una tradición muy atípica dentro del panorama artístico español de la época, y desde su propia concepción literaria. Tal como cita Jesús Palacios[1]: “La torre… empezó a publicarse en forma de folletín en el periódico La Nación, en 1918, donde quedaría inconclusa. Carrère utilizaría estos capítulos, así como partes de otras novelitas, relatos y episodios publicados en distintas revistas, para confeccionar lo que sería después su novela más conocida y popular [publicada en 1920]; pero que habría de completar como “negro” el citado Jesús de Aragón -conocido como el Julio Verne español, a veces bajo el pintoresco seudónimo de “Capitán Sirius”-, ordenando los materiales dispersos, rellenando huecos (utilizando para este fin otros textos de Carrère), y añadiendo algunos capítulos de mano propia”.

El guionista José Santugini había realizado una entrevista a Carrère donde el autor refería a La Torre… como el más cinematográfico de sus textos[2]. Es en 1944 cuando convence a los productores para que se hagan con los derechos de la novela, y el 9 de marzo de ese año Germán López Prieto firma el contrato de cesión. A la hora de traducir ese texto a lenguaje fílmico, Santugini elimina la mayor parte de los elementos fantásticos y de satanismo presentes en el libro, dejando, por supuesto, lo que es preciso para la evolución de la trama; más adelante, se incorpora Neville al proyecto y termina de ajustar el conjunto a términos cinematográficos.

Gran parte del cine de Neville ha tenido a Madrid como eje vertebrador, y La Torre de los Siete Jorobados, por supuesto, no habría de ser una excepción. Pero, tal como se dijo al principio, la dualidad artística de Neville tendrá su traslación al propio film dividiendo este en dos mundos, dos universos yuxtapuestos que se complementan y que, en realidad, son tres. Así tenemos el mundo de la superficie, el Madrid castizo de los Austrias, donde un tarambana, Basilio, intenta conseguir el dinero suficiente para poder invitar a cenar a la chica que le gusta, una cupletista llamada La Bella Medusa, a la que siempre se le une una voluminosa y pantagruélica madre[3]; pero sin embargo hay otros mundos que están en este. Por un lado, el sobrenatural, de donde procede el espectro de Don Robinsón de Mantua, y que accede a nuestra realidad a través de los espejos; y por otro lado, el torvo y misterioso, una ciudad oculta en los subsuelos de Madrid, construida otrora por los judíos cuando fueron expulsados. Allí moran un grupo de jorobados que se dedican a fabricar dinero falso. Esos tres mundos se fusionarán en un todo estrambótico, maravilloso, irreal y al tiempo plausible, dentro de los cánones narrativos.

El protagonista, como se dijo, es Basilio, interpretado por Antonio Casal, a quienes muchos, muy atinadamente, definieron como “el Cary Grant español”, y que en esta película pasa de lo real a lo irreal impulsado por las circunstancias, sin entenderlo pero aceptándolo, empujado por las situaciones. Como gran malvado de la historia tenemos al maquiavélico doctor Sabatino, encarnado por un tremendo Guillermo Marín que aplica un talante lugosiano a su interpretación, donde la potencia de su mirada (esos primerísimos planos, que parecen remitir a La legión de los hombres sin alma / White Zombie) tiene poderes hipnóticos para con la bella Inés (tal como en la película de Victor Halperin).

Elegante y chusca a un tiempo, realista y mágica de un modo simultáneo, siempre fascinante, La Torre de los Siete Jorobados es una de las joyas ignotas del cine fantástico español, un misterioso desvío dentro del discurrir de nuestra cinematografía que merece la atención del espectador amante del Séptimo Arte.

LA EDICIÓN

La edición de Versus se presenta en una caja de cartón con una excelente portada original realizada ex profeso para la ocasión por el dibujante y músico Víctor “Coyote” Aparicio. La caja contiene una típica amaray con dos discos. El primero comprende la película en dos copias distintas: un telecinado en HD del dup-negativo combinado en 35 mm obtenido por Filmoteca Española, como elemento en preservación en 1982, y una versión restaurada digitalmente a partir del nuevo telecine realizada en 2011.

No se conserva el negativo original de la película, que se preservó en su día a partir de una copia de distribución -con sus lógicos desperfectos ocasionados por el uso- obteniendo un internegativo. Aquí, lo que se ha hecho es realizar un telecine para obtener un fichero de datos con calidad HD. Antes de someterlo al proceso de telecinado se ha limpiado, eliminado el polvo y demás adherencias que luego percibimos como motitas blancas o negras. El telecinado implica tomar algunas decisiones de etalonaje -cambios de luz- y de fijación de la estabilidad del cuadro. Ambos procesos son semiautomáticos: se fijan unos parámetros y la máquina va corrigiendo fotograma a fotograma para la obtención del master. El contraste, crítico en la copia sin filtrar, se ha acentuado para obtener más densidad en los negros en la copia corregida, de ahí que aparente mayor definición -es un defecto de nuestro ojo- pero pierde detalle en las luces bajas. Cada cual, pues, elegirá la versión que prefiera. Yo, personalmente, comencé a ver el telecine de 2011, y a los cinco minutos cambié al de 1982, quedando más complacido con este.

El disco 2 está dedicado a los extras. Por un lado se ofrece el cautivante documental Edgar Neville: emparedado entre comillas (2002), producido por Canal + como complemento a un amplio ciclo que dedicó al director, dirigido por Carlos Rodríguez y con guion de Santiago Aguilar. Con una duración de 42 minutos, Aguilar transmite sus enormes conocimientos sobre el cine español con el tono que le caracteriza, ilustrado con imágenes del cine de este estupendo director que merece un mayor rescate (insinuación a Versus: un pack con otros títulos de Neville); el documento efectúa un recorrido por la biografía de Neville y su relación con los miembros de la, en palabras de Aguilar, “otra generación del 27″: Mihura, Jardiel, Tono, López Rubio… Amén de este documental, se ofrece también un video-ensayo titulado El toque Neville, y realizado para la ocasión por parte de Virginia García de Lucas y Javier Sales Heredia. Aquí se hace un nuevo recorrido biográfico-analítico sobre la figura del director y la película que nos ocupa. Este ensayo, centrado en las huellas de Mabuse que podemos encontrar en La Torre… y del humor y el casticismo en la filmografía del director, tiene un muy interesante apartado dedicado a las coincidencias entre Renoir y Neville, y se cierra sobre imágenes de la maravillosa El último caballo (1950), con una duración total de 31 minutos.

No se vayan, amigos, que aún hay más. Acompaña a todo ello un espléndido libro (pues libreto no cabe calificarlo) de 188 páginas, ilustrado a todo color, conformado por una diversidad de artículos que ofrecen una perspectiva amplia sobre el autor y la obra. Tras una breve introducción sobre la edición en sí del film ofrece diversos apartados. “Acerca de Edgar Neville”, con un artículo de José Lozano, una entrevista a Neville realizada en 1943 y un texto del propio director. “Acerca de la adaptación”, con un artículo de Jesús Palacios ampliando su magistral prólogo a la edición de la novela por parte de Valdemar, un extracto a una entrevista a Carrère, un cuento del propio escritor, “Brujerías”, otra entrevista al escritor, un texto sobre el guionista por parte de Santiago Aguilar, y una fascinante aproximación a una “secuela” en forma de cómic para Roberto Alcázar y Pedrín.

Seguimos con “Acerca de la película”, con un reportaje realizado en la época del rodaje, y otro actual obra de Aguilar. Sigue un texto de Miguel Company, un fascinante documento sobre el parte de censura del film, un artículo centrado en el reparto por parte de Juan Carlos Alquézar, dos sobre los decorados, uno de 1944 y otro actual de Asier Aranzubía Cob, y por último uno sobre la música a cargo de Roberto Cueto. Finalmente, tenemos unos textos críticos de la época del estreno, así como ficha técnica y artística del film, filmografía de Edgar Neville y biografía de los colaboradores. Todo este monumental y fascinante libro ha estado coordinado por Santiago Aguilar y Gonzalo del Pozo Vega.

En definitiva, nos hallamos ante una edición que podría catalogarse como la mejor aparecida en formato dvd en España a lo largo del ya agonizante 2011, y que merece la atención de todo cinéfilo que se precie de ser llamado como tal.

Carlos Díaz Maroto

Agradecimientos a

Ferrán Herranz y Santiago Aguilar.

Y a los amigos de mundodvd

por las capturas facilitadas.

[1] En “Emilio Carrère: el señor de la Torre de los Siete Jorobados”, dentro del libro que acompaña a la edición del film en dvd por parte de Versus; pág. 52.

[2] Incluida en el citado libro, pág. 73.

[3] Este trío parece casi un precedente al cómic Rigoberto Picaporte, solterón de mucho porte, creado por Roberto Segura y que se comenzó a publicar en la revista Pulgarcito en 1957. Ahí Rigoberto trata de agasajar a la rica heredera Curruquita Cencérrez y, de paso, a su rolliza mamá, doña Abelarda.

FICHA TÉCNICA

Título original: La Torre de los Siete Jorobados

Año: 1944 (España)

Director: Edgar Neville

Productores: Luis Judez, Germán López Prieto

Guionistas: José Santugini, Edgar Neville, basado en la novela homónima de Emilio Carrère [y Luis de Aragón]

Música: José Ruiz de Azagra

Fotografía: Enrique Barreyre [Henri Barreyre], Andrés Pérez Cubero

Intérpretes: Antonio Casal (Basilio Beltrán), Isabel de Pomés (Inés), Guillermo Marín (doctor Sabatino), Félix de Pomés (Don Robinsón de Mantua), Julia Lajos (madre de la ‘Bella Medusa’), Julia Pachelo (Braulia), Manolita Morán (La ‘Bella Medusa’), Antonio Riquelme (Don Zacarías), José Franco (espectro de Napoleón), Manuel Miranda, Emilio Barta, Antonio L. Estrada, Luis Ballester, Luis Latorre, Rosario Royo, Julián García, Francisco Zabala, Natalia Daina, Carmen García, José Arias, Antonio Zaballos…

Sinopsis: Madrid, finales del XIX. Basilio asiste a una casa de juego y recibe la ayuda de un misterioso tuerto, que le hace ganar una pequeña fortuna. El tuerto después le informa de que es Don Robinsón de Mantua, que está muerto, y que precisa de él para ayudar a su bella sobrina Inés, que corre un gran peligro. En medio de toda la trama están involucrados una serie de jorobados, así como un sitio denominado la Torre de los Siete Jorobados.

FICHA LITERARIA

Título: La torre de los siete jorobados

Autor: Emilio Carrère [y Luis de Aragón]

Editorial: Valdemar. Colección: El Club Diógenes; nº 90

Datos técnicos: 288 páginas (Madrid, 2004), prólogo/epílogo de Jesús Palacios

* Todas las imágenes de la película que acompañan al artículo corresponden a capturas de las ediciones reseñadas.

Título original: Juan de los Muertos

Año: 2011 (Cuba, España)

Director: Alejandro Brugués

Productores ejecutivo: Claudia Calviño, Inti Herrera, Gervasio Iglesias

Guionista: Alejandro Brugués

Fotografía: Carles Gusi

Música: Julio de la Rosa

Intérpretes: Alexis Díaz de Villegas (Juan), Andrea Duro (Camila), Jorge Molina (Lázaro), Andros Perugorría (Vladi California), Jazz Vilá (La China), Blanca Rosa Blanco (Sara), Elsa Camp (Yiya), Luis Alberto García (padre), Susana Pous (Lucía), Eliecer Ramírez (El Primo),……

Sinopsis: Cincuenta años después dela Revolución Cubana, otra nueva Revolución llega aLa Habana. Una misteriosa infección está convirtiendo a sus habitantes en muertos vivientes sedientos de carne humana. Juan, como buen cubano, decide montar un negocio para sacar partido de la situación: “Juan de los Muertos, matamos a sus seres queridos”. Eliminando a los infectados, Juan y sus amigos comienzan a hacer fortuna. Sin embargo la situación se complica cada vez más. Nadie sabe de dónde proviene la infección ni mucho menos cómo acabar con ella, mientras el gobierno cubano insiste en que son disidentes pagados por los Estados Unidos para acabar conla Revolución. Muy a su pesar, Juan se va a convertir en un nuevo héroe.

Desde que Danny Boyle resucitara el género zombi (o de “infectados” para los más puestos en el tema), con 28 días después (28 Days Later, 2002), se podría decir que los no muertos han invadido literalmente las salas de cine y, aún más si cabe, el formato doméstico. Este subgénero, al que diera carta de naturaleza de forma casi accidental George A. Romero con la seminal La noche de los muertos vivientes (The Night of the Living Dead, 1968), tiene en nuestros días un boom equiparable, o quizás aún mayor, al vivido a finales de los setenta y principios de los ochenta, gracias de nuevo a Romero y su Zombi (Dawn of the Dead, 1978). No es pues de extrañar que fuera el libre pero muy acertado remake que sobre ésta realizara Zack Snyder –Amanecer de los muertos (Dawn of the Dead, 2004)-, el que volviera a poner de moda definitivamente a los muertos vivientes. Desde entonces hemos visto zombis de todas las formas y categorías posibles: los hay que hablan, que corren, e incluso los que han sido domesticados.

Sin embargo, el auge vivido por la temática en los primeros compases del nuevo milenio (el cual, además de al denominado séptimo arte, ha tendido también sus redes a otros campos adyacentes como la literatura, la televisión y los comics), no solo se ha limitado a las muy diferentes ópticas con las que han sido abordadas tan putrefactas criaturas. Otra muestra de tal circunstancia se encuentra en el surgimiento de un sinfín de ejemplares procedentes de cinematografías que, hasta el momento, contaban con poca o ninguna tradición dentro del ámbito fantástico. La noruega Zombis nazis (Død snø, 2009) de Tommy Wirkola, la pakistaní Zibahkhana (2007) de Omar Khan o la producción de mayoría Serbia Zone of the Dead (2009), dirigida por el tándem formado por Milan Konjevic y Milan Todorovic, son solo tres de los títulos que componen un listado al que ahora se une Juan de los Muertos (2011), segunda película del cubano Alejandro Brugués.

En este sentido, no deja de ser significativo el que el grueso de la, por otra parte, sorprendentemente masiva campaña publicitaria que ha precedido al desembarco en salas españolas de Juan de los Muertos haya incidido en su condición de “primera película cubana sobre zombis” de la historia. Máxime cuando, precisamente, es en dicha particularidad donde reside su mayor atractivo. No tanto por el exotismo que su procedencia pudiera ejercer a ojos del espectador medio, obviamente, sino por el modo en el que su nacionalidad se deja sentir en su metraje. Y es que, si algo hay de destacable dentro de esta irregular aunque estimable obra, es su alegórica representación de la situación social que se vive en la isla del Caribe.

Con una mirada irónica, pero también plena de ternura y nostalgia, la película retrata el desalentador panorama con el que millones de cubanos tienen que enfrentarse en su día a día para sobrevivir. Todos ellos, en mayor o menor medida, son representados por Juan, su protagonista, un pícaro de poca monta que al mando de un variopinto grupo de desharrapados como él, combatirá y sacará provecho de la extraña epidemia que azota las calles deLa Habana, provocando que los muertos vuelvan a la vida. Superviviente por necesidad y convicción, tal y como él mismo recordará en diversos momentos en los que alude a algunos de los periodos más delicados de la dictadura castrista, Juan verá en la invasión zombi una oportunidad para ganarse la vida, al igual que antes lo hacía timando a los turistas que se cruzaban en su camino. A través de sus peripecias son puestas de manifiesto distintas caras de la realidad cubana. Temas como la emigración en busca de horizontes mejores, la paranoia de la invasión imperialista, la utilización de Cuba como prostíbulo para occidentales (y, más concretamente, españoles), o los fuertes lazos de solidaridad existentes entre los habitantes de la isla, van desfilando a lo largo de una historia que, en última instancia, aboga por la necesidad de un cambio en la mentalidad inmovilista del cubano, como paso ineludible para que se produzca un vuelco en la cada vez más asfixiante situación en la que se encuentra sumido el país.

Pero si en este retrato costumbrista del pueblo cubano se encierra lo más interesante del conjunto, menos conseguida, en cambio, resulta su parte de comedia, en la que intenta equiparse sin conseguirlo a ciertos referentes anglosajones, con Zombies Party (Shaun of the Dead, 2004) a la cabeza –no parece casualidad la parecida sonoridad que su título internacional, “Juan of the Dead”, guarda con el original del film de Edgar Wright, Shaun of the Dead-, haciendo gala de un humor zafio y facilón, que solo consigue descollar en muy contados momentos; véase a este respecto la (indecente) proposición que, a la luz de las estrellas, le hace Lázaro a su inseparable amigo Juan una vez sepa que va a transformarse en zombi. De este modo, lo que podría haber deparado un buen y contundente cortometraje, se agranda con un entramado central falto de ideas, formado por una continua sucesión de gags humorísticos que nada aportan al desarrollo de la historia. Lo mismo ocurre con la tortuosa relación mantenida entre Juan y su hija, emigrada años atrás junto a su madre a España, planteada en unos términos tan torpes y estereotipados que más parece propia de un culebrón latinoamericano o, sin ir más lejos, de Física o química, serie que sirviera de trampolín a la actriz española encargada de encarnar al personaje, Andrea Duro.

No obstante, por encima mismo de sus posibles virtudes y defectos, el auténtico valor que atesora Juan de los Muertos es el que su propia existencia venga a demostrar que algo, ni que sea mínimo, está cambiando en Cuba. Su estreno con total normalidad en aquellas tierras ya valdría para justificar por sí mismo esta sentencia, habida cuenta de las muchas puyas que de forma más o menos subrepticia son lanzadas hacia un régimen para el que cualquier conato de crítica es símbolo de disidencia. Pero quizás sea aún más importante por cuanto significa el que se trate de la primera producción independiente autorizada por el gobierno en más de medio siglo de dictadura. En efecto, da la sensación de que algo está cambiando en Cuba.

José Luis Salvador Estébenez & Juan Pedro Rodríguez Lazo

En los últimos años las instituciones almerienses parecen haber caído en el enorme potencial que guarda la larga presencia cinematográfica en la zona. Fruto de este interés por resaltar los atractivos turísticos que guarda este legado ha sido la celebración de diversas iniciativas que han contado con el cine como eje vertebrador, lo que ha acabado por repercutir en la construcción de una nutrida bibliografía destinada a estudiar las conexiones existentes entre la provincia andaluza y el denominado séptimo arte. En este movimiento es en el que se inscribe el décimo volumen de la colección promovida por el Instituto de Estudios Almerienses (IEA), “Guías de Almería. Territorio, cultura y arte”, el cual fue presentado el pasado 8 de diciembre en el marco del festival “Almería en corto”, en un acto que contó con la presencia del mítico actor Eduardo Fajardo, autor a su vez del prólogo del texto.

Con el descriptivo título de “Cine”, y coordinado por el experto en la materia Juan Gabriel García, autor de los libros El Habichuela: una vida de cine en Almería, Amarilla: el futbolista que quiso ser actor y Los españoles del western, la presente guía nace con el firme propósito de convertirse en una útil herramienta para todos aquellos interesados en acercarse a la historia del cine en Almería. Como es lógico, gran parte de sus más de doscientas páginas, profusamente ilustradas y exquisitamente maquetadas por Gregorio Pérez Santander, se centran en destacar el importante papel que los parajes almerienses jugaron durante décadas como escenario natural para el rodaje de numerosas producciones internacionales. Para tal fin, la obra desgrana títulos, paisajes y paisanajes que hicieron posible que durante más de treinta años Almería se convirtiera en el equivalente europeo de la Meca del cine hollywoodiense, al tiempo que analiza el modo en el que tal circunstancia repercutiría en el desarrollo de la economía local y en la difusión del nombre de la provincia por todo el mundo.

Entre el resto de apartados que componen el libro, merece la pena destacar por su didactismo el capítulo titulado “Itinerarios”, en el que José Enrique Martínez Moya establece diferentes recorridos con los que el visitante pueda recorrer los lugares de la tierra del índalo en los que Lawrence de Arabia, Conan el bárbaro, Indiana Jones, “El hombre sin nombre” y tantos otros héroes llevaron a cabo sus aventuras. Y ya que hablamos de los colaboradores que han intervenido en la elaboración del texto, no podemos por menos que mencionar la participación del responsable de esta Abadía, José Luis Salvador Estébenez, quien firma un sucinto texto a propósito del western de Eugenio Martín El precio de un hombre.

Galardonado recientemente por el Gremio de Libreros de Almería con el premio “Libros de Almería” en la categoría de ensayo, Guías de Almería. Territorio, cultura y arte: Cine está distribuido en librerías y tiendas especializadas de toda España por Dogmalibros a un precio recomendado de 15 €. También puede encargarse vía online en las siguientes direcciones: www.dogmalibros.com y
www.librerias-picasso.com

Slasher Films. Violencia carnal, supone el debut en el campo editorial en solitario de Rubén Higueras Flores (Valencia, 1983), quien hasta ahora había colaborado en distintos medios como “L’atalante”, “Scifiworld” o el mítico fanzine “2000 maníacos”, así como en el libro colectivo Juan Piquer, mago de la serie B.

Apadrinado por Quarentena Ediciones, Slasher Films. Violencia carnal pretende trazar un recorrido histórico alrededor del período de gestación del modelo de slasher film durante los años setenta y sus dos etapas de mayor éxito, sin olvidarse de aportar luz acerca de las causas que motivaron su decadencia. Para tal fin, a lo largo de sus 348 páginas el texto recoge análisis de los títulos capitales del genero (La noche de Halloween, Viernes 13, Pesadilla en Elm Street, Scream y sus respectivas sagas), al mismo tiempo que se detiene en ignotos filmes, ofreciendo una amplia mirada al slasher producido en Europa y Asia.

Slasher Films. Violencia carnal se encuentra disponible en librerías y tiendas especializadas desde el pasado mes de diciembre a un precio recomendado de 24 €.

Más información en: http://www.quarentenaediciones.com/html/libros/LIBRO-Slasher_Films.htm

RED STATE (Kevin Smith, 2011)

El jurado de la sección principal “Oficial Fantástic”, formado por los cineastas Juan Antonio Bayona, Richard Stanley, Ryoo Sening-Wan, el crítico Quim Casas y la actriz Lisa Marie, resolvió conceder el premio a la mejor película a Red State, sorprendente cambio de rumbo de Kevin Smith, con el que el norteamericano ha conseguido ofrecer su mejor versión tras unos años un tanto perdido. Dicho reconocimiento, no obstante, levantaría cierta polémica entre los periodistas especializados, que acusaron a la ganadora de falta de coherencia narrativa y profundización en las diferentes críticas enunciadas a lo largo de su metraje. Una queja bastante discutible, ya que, tras estos supuestos defectos se esconden algunos de los aspectos más interesantes que atesora la cinta, si bien haya que reconocer que requiere de un necesario esfuerzo por parte del espectador para entrar en el juego que plantea. Así, esa falta de tono y de profundización en su discurso a la que aluden sus detractores es, en realidad, el fruto de una sorprendente habilidad para la mezcla de géneros, que abarca desde el terror a la sátira, pasando por el policíaco o la comedia, dentro de una narración urgente que, siguiendo el modelo instaurado por Hitchcock en Psicosis, va rotando su protagonismo a medida que avanza la trama; significativamente, cada uno de estos cambios se corresponde con las tres partes en que se divide su historia y que, a su vez, conectan con los otros tantos temas denunciados en esta incisiva radiografía de los traumas de la sociedad estadounidense post 11-S: la manipulación informativa, el fanatismo religioso y el terrorismo de Estado. Además del destinado a la mejor película, Red State también acapararía el galardón al mejor actor, gracias a la sobresaliente interpretación que Michael Parks hace del desquiciado patriarca de la secta de integristas cristianos sobre la que pivota el relato, bien secundado por un, como siempre, inmenso John Goodman.

ATTACK THE BLOCK (Joe Cornish, 2011)

A pesar del reconocimiento a Red State como mejor película de la selección oficial, la gran triunfadora de esta edición fue Attack the Block. Así lo avalarían los premios de la crítica, del público y el especial del jurado, además del de mejor banda sonora, con el que regresaría a su Gran Bretaña natal este film auspiciado por los productores de Zombies party y Arma fatal -no en vano, uno de sus papeles secundarios corre por cuenta de Nick Frost- , y enmarcado dentro de cierta rama del último cine fantástico realizado en aquellas latitudes, encabezada por títulos como Eden Lake, Cherry Tree Lane o, en menor medida, The Children. Con ellos comparte su preocupación por la falta de valores que aqueja a la juventud británica actual, aunque lo haga de muy diferente modo. Frente al posicionamiento crítico de los ejemplos referidos, la cinta del debutante Joe Cornish aboga por una visión optimista, convirtiendo en héroes de su historia a un grupo de pandilleros que decidirán hacer frente a la invasión alienígena que se cierne sobre el bloque residencial en el que viven, situado en los suburbios de Londres. Solo la simpleza y superficialidad con la que es formulado su discurso subyacente, así como la falta de sutileza con la que este es puesto en imágenes -el evidente simbolismo de ese plano del protagonista colgado de la fachada del edificio, sujeto únicamente por una bandera británica que sobresale de uno de los balcones cual mano amiga-, evitan unos resultados aún mas satisfactorios por parte de este entretenidísimo producto de ritmo trepidante, en el que muchos han querido ver un heredero espiritual de la mítica Amblin.

THE YELLOW SEA (Na Hong-jin, 2011)

Siguiendo con la lista de ganadores, el premio al mejor director iría a parar al surcoreano Na Hong-jin por el que ha supuesto su segundo largometraje, The Yellow Sea. Tras su excelente opera prima The Chaser, vista en este mismo marco hace ahora tres años, Na Hong-jin consigue superarse a sí mismo con este espectacular thriller sobre un taxista que decide asesinar a un hombre para conseguir el dinero que le permita cruzar la frontera y buscar a su mujer. Con casi dos horas y media de metraje, esta trepidante cinta de acción se pasa en una sentada, haciendo vibrar con cada uno de sus fotogramas. Con infinidad de persecuciones (las mejores las que se hacen a pie, corriendo), cuchillazos y hachazos, como espectador uno no puede hacer otra cosa que pasárselo en grande con las desventuras de nuestro protagonista y aplaudir con las orejas cada aparición del malo malísimo, Kim Jun-seok, sin lugar a dudas lo mejor de la película. Soberbia.

THE DIVIDE (Xavier Gens, 2011)

Como no podía ser de otro forma, la profusión de cintas de temática apocalíptica tendría su reflejo en el palmarés final de este año. Así, mientras que Brit Marling era considerada la mejor actriz por su trabajo en Another Earth, la alemana Hell se llevaba el galardón destinado a la mejor fotografía. La lista la completaría The Divide, segundo proyecto norteamericano del francés Xavier Gens, si bien en coproducción con Alemania y Canadá, el cual sería recompensado por sus efectos de maquillaje. Con la paranoia post 11-S como telón de fondo, su armazón argumental está construido sobre la arquetípica situación limite por la que un variopinto grupo de desconocidos se ve obligado a cohabitar en un emplazamiento cerrado sin posibilidad de escape, y de cómo la convivencia y las relaciones de poder establecidas entre los diferentes personajes acabarán dinamitando el frágil equilibrio en el que se sustenta el microcosmos formado. En fin, nada que a estas alturas no se haya visto cientos de veces en la gran pantalla, pero que es encarado por el director de Frontiere(s) con convicción y buen pulso narrativo, solo solventado por un final algo dilatado. Mención aparte merece el sacrificado trabajo de su elenco interpretativo, en su loable pretensión de reflejar las progresivas secuelas físicas y mentales que el alargado encierro provoca en los distintos personajes.

THE WOMAN (Lucky McKee, 2011)

La vuelta al género de Lucky McKee tras cinco años alejados del mismo con el alegato feminista o, más bien antimachista, The Woman, se saldó con una de las propuestas más sugestivas de todo el festival. Valiéndose del mito del niño salvaje, McKee articula una especie de cuento perverso que no es sino una brillante metáfora acerca del papel asignado a la mujer en el aún vigente modelo patriarcal y, por extensión, de la hipocresía de la sociedad de las apariencias en la que vivimos y el American Way of Life. Como en toda fábula que se precie, no falta su parte de moraleja con un estallido final de la violencia que servirá como catarsis a siglos de marginación y sometimiento al sexo femenino, en uno de los desenlaces más demoledores y sin concesiones de los últimos tiempos, al que solo cabe reprochar cierto giro de guion un tanto forzado y del todo innecesario. En el reparto encontramos a Angela Bettis, a quien ya habíamos visto en la ópera prima de McKee, la interesante May, pero la que está para morirse es la mujer, la “woman” del título, Pollyanna McIntosh, que sin tener una sola línea de diálogo consigue crear un personaje totalmente rompedor. Una lástima que no consiguiera el premio a la mejor actriz.

GUILTY OF ROMANCE (Sion Sono, 2011)

Que a nadie le quepa la menor duda de que Sion Sono es uno de los directores nipones más estimulantes del panorama actual; ahí están sus dos recientes obras maestras Love Exposure y Cold Fish para atestiguarlo. Es por ello que había ganas de comprobar lo que podía deparar su última película, Guilty of Romance, una especie de thriller erótico narrado a base de flashbacks en torno a unos escabrosos asesinatos, por medio de los que se cuenta la historia de una mujer sumisa, casta y servicial llamada Izumi, que un buen día decide aventurarse en un espiral de sexo degradante y guarro, a la vista de que con su marido – un importante escritor de novela romántica -, a lo único a lo que ha llegado en lo que al sexo se refiere es a tocarle (un poco) el pene. De ese modo, Izumi se adentra en el mundo del cine porno y la prostitución, donde conocerá a un violento personaje y a una estrafalaria prostituta que la conducirán por un terreno peligroso que, como sabemos, desembocará en trágicos acontecimientos. Como siempre, Sion Sono consigue mezclar en una misma película diferentes géneros como el erotismo (enfermizo), el thriller (escabroso), la comedia (negra) y el drama (reflexivo), consiguiendo una de sus películas más personales e inquietantes. Una auténtica virguería que, sin superar sus dos referidos trabajos, supone un paso más allá en la filmografía del director japonés.

INVASION OF ALIEN BIKINI (Oh Young-doo, 2011)

Pocas esperanzas había puestas en esta película que, sin embargo, sorprendió gratamente. Tales precauciones se debían, por qué negarlo, a las connotaciones que guardaba su título, y que hacían presagiar una especie de reactualización en clave gamberra del típico cine de ciencia ficción de serie B que durante los años cincuenta practicaran gente como Roger Corman. Y aunque en el fondo algo de ello hay, su propuesta es totalmente diferente. Invasion of Alien Bikini cuenta la historia de un bigotudo vigilante urbano que se enfrentará con un grupo de maleantes con tal de defender a una bella damisela. Tras salvarla de sus asaltantes, el tipo del bigote, un hombre que ha hecho unos rigurosos votos de castidad, invitará a la muchacha a su casa, donde la cosa se pondrá dura cuando se descubra que la chica en cuestión resulte ser una extraterrestre que necesita quedarse encinta esa misma noche. Lejos de lo que pudiera pensarse en un principio, el resultado es un cóctel bien potente en el que se entremezcla el humor socarrón, el erotismo soft e incluso unas buenas escenas de artes marciales.

MICROLORZE: A LOVE STORY (Yoshimasa Ishibashi, 2011)

Para bien o para mal, Microlorze: a Love Story no dejó indiferente a nadie. Construida a base de historias independientes e inconexas entre sí con el amor como tema principal, este film cuenta con una de las mejores puestas en escena que se recuerden -véase esa épica secuencia en la que un trágico samurai va liquidando a cámara lenta a toda una legión de espadachines-. Para ello, Ishibashi hace gala de un humor de lo más absurdo y de una fotografía estrafalaria y colorista que consigue mantener la atención del espectador. Divertida y extravagante a partes iguales, la única pega de este delirio que, insistimos, atrapa visualmente, es el regusto de vacuidad que deja su visionado.

BELLFLOWER (Evan Glodell, 2011)

Si Jean-Luc Godard realizó con éxito un relato futurista ambientado en un entorno cotidiano en su emblemática Lemmy contra Alphaville, aquí el debutante Evan Glodell escribe, dirige y protagoniza un drama apocalíptico en unos parajes totalmente reconocibles y actuales. La bella fotografía de Joel Hodge consigue hacer creíble esta historia de (des)amor que alcanza el nivel de autodestrucción necesario para una película apocalíptica, sin que por ello tengamos que ver bombas atómicas o batallas entre clanes por conseguir algo de agua o petróleo o lo que sea. Woodrow y Aiden, un par de amigos obsesionados por la saga Mad Max para más señas, se están preparando para el fin del mundo. Por ello deciden construir un lanzallamas y comprarse un coche con la inscripción “Medusa” en el lateral. Por otro lado, Woodrow ha conocido a una muchacha llamada Milly, de la que se ha enamorado perdidamente y con la que pronto inicia una relación. Y ahí, ahí es donde empieza el verdadero Apocalipsis; un Apocalipsis sentimental que acabará afectando por igual a todos los personajes involucrados.

EXTRATERRESTRE (Nacho Vigalondo, 2011)

Con tan solo dos largometrajes en su haber, Nacho Vigalondo no solo ha demostrado ser uno de los mejores directores de España (y del mundo), sino ser también todo un especialista en contar historias mínimas y con pocos recursos. Cinco actores, un apartamento y una invasión extraterrestre como telón de fondo le bastan a Vigalondo para rizar el rizo y perpetrar una de las comedias románticas más divertidas, originales y conmovedoras nunca vista. Michelle Jenner, Carlos Areces, Julián Villagrán y Miguel Noguera están soberbios (aunque, quizás, Areces se limite a hacer un poco lo de siempre), pero el que lo borda es el también “muchachado” Raúl Cimas, encarnando al novio psicótico y tontorrón de la Jenner. Unapequeña obra maestra que nos debería enorgullecer a todos y en la que incluso no falta un guiño final a Los cronocrímenes, en lo que va camino de convertirse, si no al tiempo, en un rasgo de autoría equiparable a “los austrohúngaros” de Berlanga. Esperemos que, al contrario que ocurriera con su predecesora, su estreno en salas comerciales españolas no se haga de rogar.

LIVIDE (Alexandre Bustillo & Julien Maury, 2011)

Sin lugar a dudas, la gran decepción de la edición de este año fue Livide, el esperado segundo trabajo del tándem formado por Julien Maury y Alexandre Bustillo, quienes hace cuatro años sorprendieran a propios y extraños con A l’interieur, su aclamado (y supravalorado) debut en el medio. Volviendo a demostrar su facilidad para la creación de atmósferas, Maury y Bustillo sustituyen en Livide la truculencia gore que les diera fama y nombre por una vena poética que, a decir verdad, no hace más que amplificar los importantes defectos que arrojaba su primera obra, empezando por sus carencias como narradores. De este modo, las muchas licencias argumentales que se daban en su predecesora son transformadas en un libreto sin pies ni cabeza; un batiburrillo de ideas mal digeridas y peor planteadas en las que tan pronto se trata de establecer un discurso sobre las relaciones paternofiliales como se intenta adoptar una visión novedosa del mito vampírico. Todo parece valer para la pareja de directores franceses con tal de conseguir el impacto visual en el espectador, aunque ello implique sacrificar cualquier vestigio de coherencia argumental en su relato. Y es que, a pesar de lo alejados que pudieran parecer sus planteamientos en un principio, en el fondo tanto Livide como A l’interieur son más de lo mismo; en ambos casos, todo se reduce a un vacuo ejercicio estético-efectista, al que en esta ocasión se le une, además, una molesta pátina de pretenciosidad heredada de su impostado tono lírico.

KILL LIST (Ben Wheatley, 2011)

Desconcertante. Quizás sea esa la palabra que mejor definiría a esta producción británica. A pesar de tener un tono enfermizo que va in crescendo, un protagonista que es un excombatiente de la guerra de Irak (un soberbio Neil Maskell), y el acierto de presentarlo como un hombre con problemas para reintegrarse de nuevo en la sociedad, acentuados por la crisis familiar que sufre, el conjunto puede dejar descolocado a más de uno. Una lista, sí, de eso se trata. Aquí nuestro protagonista, junto a un antiguo compañero de batalla – Michael Smiley, otro que está que se lo bebe -, son contratados para matar a una serie de personas entre los que se encuentran un cura y una panda de pedófilos. Después, y he aquí lo desconcertante, o lo bueno del film según se mire, Kill List da un giro de 180º y nos adentra en un auténtico infierno en el que nuestros dos aniquiladores se las tendrán que ver con una extraña secta. La escena de las cloacas en la que la pareja de asesinos a sueldo son perseguidos por unos feligreses suicidas, que parecen recién salidos de El hombre de mimbre o del mismísimo infierno, es realmente angustiosa y pone los pelos de punta, pero te deja algo fuera de lugar. Aún así, lo auténticamente terrorífico de la película se encuentra en la propia casa del protagonista. Una cinta que, sin tener nada que ver con ella, tiene ciertos ecos con la polémica A Serbian Film del año pasado, al focalizar su conflicto de base en la tensión derivada de la difícil conciliación del singular trabajo del protagonista con un entorno familiar tradicional.

THE INNKEEPERS (Ti West, 2011)

Una de las películas que fue injustamente abucheada. Injustamente, sí. Estamos de acuerdo en que le cuesta arrancar y que si lo consideramos un film de miedo o de casas encantadas, se queda a la mitad (o ni siquiera llega al tercio). Sin ir más lejos, en The Inkeepers los sustos, las apariciones, el rollo duro en todo su esplendor, no se dan hasta los últimos quince minutos, mientras que Insidious, una película con la que ha sido comparada, despilfarra estos momentos por doquier con unos resultados cuanto menos superiores. Sin embargo, el gran logro de Ti West es el haber conseguido hacer una gran cinta con apenas unos pocos escenarios y un plantel de actores reducidísimos. Lo importante de The Inkeepers no son los sustos, sino la vibrante, divertida y triste relación que nace entre los encargados del hotel. Sin apenas explicarnos demasiado y contarnos una ñoña historia de amor entre amigos que “se gustan”, West logra tocar los palos necesarios para que todo cobre sentido, mostrando que cosas tan importantes como expresar nuestros sentimientos nos pueden salvar la vida. Insistimos, una pequeña gran película.

NEW KIDS TURBO (Steffen Haars & Flip van der Kuil, 2010)

Incluida dentro de la maratón llamada “La nit + freak”, New Kids Turbo supuso todo una bocanada de aire fresco para el respetable… y de risas, claro. Tirando de mucha mala baba, humor de ese que tildan como políticamente incorrecto y un poco de cultura de “tunning”, esta cinta holandesa fue la fiesta que todo el mundo necesitaba. Con la crisis mundial como telón de fondo, New Kids Turbo nos cuenta la historia de cinco energúmenos que plantan cara al gobierno con un rotundo “ya no pago más”. A raíz de esta decisión el grupo de colgados vivirá un sinfín de situaciones, en las que se meterán en líos con la policía, pedirán dinero prestado a Peter Aerts – luchador de K-1 profesional -, matarán a Jody Bernal, o comprarán armas a un dulce viejecito nazi, entre otras muchas locuras. Al parecer, el origen de la película está en New Kids, una serie del canal Comedy Central de los Países Bajos ideada por las descerebradas mentes de Steffen Haars y Flip van der Kuil, a su vez co-protagonistas de la cinta. Pero es que, además, ya preparan una suculenta secuela llamada New Kids Nitro en la que se podrán ver incluso zombis.

MONSTER BRAWL (Jesse T. Cook, 2011)

Dentro de la misma maratón llegó la segunda decepción del festival. Y es que, dentro de su bizarría, a más de uno nos atraía la idea de un torneo de lucha libre entre los monstruos clásicos del cine de terror. Que si la Cosadel Pantano, que si la “witch bitch” (bruja zorra), que si la vampira, que si el cíclope, que si el monstruo de Frankenstein, el zombi y el hombre lobo… El problema está en el que la propuesta de la película se reduce a básicamente eso, sin que medie mayor hilo argumental, ni haya un ápice del humor y desparpajo que se le supondría por su argumento. Por el contrario, su director, el canadiense Jesse T. Cook se limita a filmar sin demasiado entusiasmo, dicho sea de paso, un programa de pressing catch con monstruos que entretener, lo que se dice entretener, no lo hace demasiado. Para colmo de males, su falta de un desenlace al uso deja la puerta abierta a una segunda parte. Una sensación que parece confirmar el hecho de que no luchen todos los monstruos anunciados y, sobre todo, ese “permanezcan atentos a sus pantallas” con el que finaliza. Esperemos que en el hipotético de que llegue a materializare esta secuela, sus responsables aprendan de sus errores y subsanen los muchos problemas de la presente.

JUAN DE LOS MUERTOS (Alejandro Brugués, 2011)

Juan de los Muertos aterrizaba en Sitges con el cartel de ser la primera película cubana de zombis de la historia. A priori, todo parecía indicar que se trataba de uno de esos casos que suelen darse (y en escenarios como el de Sitges, abundar) en los grandes festivales: el de aquellos films cuya presencia parece estar justificada por el exotismo de su procedencia, en lugar de por las posibles cualidades cinematográficas que pudiera albergar su propuesta y que, por regla general, suelen ser tirando a nulas. Por suerte, la segunda película de Alejandro Brugués escapa de esta máxima, brindando una obra que, aunque irregular en su conjunto, resulta al menos estimable y valiente. Y lo es por la irónica forma, no exenta de ternura, con la que retrata el día a día con el que tienen que enfrentarse para sobrevivir los habitantes de la isla, personificados en su personaje protagonista, Juan, un delincuente de poca monta que combatirá y sacará provecho de una extraña epidemia que provoca que los cadáveres vuelvan a la vida en las calles de La Habana. Menos conseguida, en cambio, se antoja su parte de comedia, en la que intenta equiparse sin éxito a ciertos referentes anglosajones, con Zombies Party a la cabeza, por medio de un humor facilón y de brocha gorda, que solo consigue descollar en muy contados momentos.

DRIVE (Nicolas Winding Ref, 2011)

Un especialista de cine que hace las veces de mecánico y conductor en algunos atracos verá su vida cambiar con la llegada de Irene, una vecina que debe hacerse cargo de su hijo en solitario, ya que su marido permanece encerrado en prisión. Rápidamente la relación entre ambos se va estrechando pero se estropea cuando el esposo es puesto en libertad y pone en peligro la vida de su familia. Nuestro héroe anónimo, pues, se verá forzado a mediar en el asunto y ayudará a sus vecinos a deshacerse de los mafiosos que les persiguen. Detrás de esta breve y, ¿por qué no decirlo?, poco original sinopsis, se encierra una de las películas más sorprendentes y mejor realizadas de la presente edición. El danés Winding Ref, que ya dio muestras de su buen hacer con la excelente y particular Bronson - filme que buscaba encumbrar la figura de uno de los criminales más peligrosos de Gran Bretaña -, nos propone con Drive una vuelta de tuerca al anti-héroe de los filmes de coches de los setenta y ochenta, vistos en títulos como Carretera asfaltada en dos direcciones, Punto límite cero o Driver. De este modo, el protagonista, un individuo sin nombre, tímido y bonachón hasta lo insoportable, es presentado en un principio como el hombre al que toda mujer desearía y la figura paternal de un niño sin padre. Pero tras esa apariencia tan idílica se encierra uno de los (súper) anti-héroes más sensacionales de la historia; y es que, no por menos, Ref consigue asombrarnos con una película que es capaz de colarnos una escena de ultraviolencia después de otra romántica hasta la extenuación.

TROLL HUNTER (André Ovredal, 2010)

En sus últimas ediciones, el Festival de Sitges ha venido siendo testigo de la eclosión del cine fantástico procedente de la fría Escandinavia. La sueca Déjame entrar de Tomas Alfredson en 2008 abriría una senda por la que posteriormente han transitado títulos como la noruega Zombis nazis o la finlandesa Rare Exports, ganadora el año pasado de los premios destinados a Mejor Película, Mejor Director y Mejor Fotografía. A todas ellas se les sumó en esta edición Troll Hunter, la cual, curiosamente, coincide con Rare Exports en la utilización de una figura popular de la mitología escandinava en un entorno realista como base de una propuesta, denunciando del mismo modo mediante su empleo la corrompida forma en que estos elementos del folclore autóctono han pasado a formar parte del imaginario colectivo global – en este sentido resulta de lo más revelador el que los monstruos de Troll Hunter puedan detectar por su olor a los que identifican como sus enemigos naturales, los cristianos, en lo que supone una implícita acusación contra los responsables de la desaparición de una parte muy importante de la cultura pagana de aquellas tierras -. No obstante, todos los posibles parecidos entre una y otra acaban aquí, ya que estilísticamente Troll Hunter apuesta por un formato de falso documental, en el que se nos pone tras la pista del último cazador de troles. Precisamente, lo más destacado del conjunto se encuentra en su novedoso empleo, o al menos, poco visto, de un subgénero a estas alturas tan trillado y sobreexplotado como es el mockumentary (también conocido como found footage), gracias a una hábil combinación de los consabidos momentos de tensión con unos sorprendentes toques de humor negro. Al positivo bagaje final de la cinta, cabe también añadirle el clima de suspense creado por su director, gracias a su apuesta por no mostrar claramente el aspecto de los troles hasta bien avanzado el metraje, limitándose hasta ese momento a planos rápidos y desenfocados de las criaturas, que, en cierta manera, emparentan  su realización con uno de los ejemplos más aplaudidos de su especie, la norteamericana Monstruoso; una decisión que, al contrario de lo que suele ser norma, no tiene nada que ver ni con la posible calidad del diseño de los troles, ni con la de los efectos especiales utilizados para darles vida, pese a contar con un modesto presupuesto de poco más de dos millones y medios de euros.

SAINT (Dick Maas, 2010)

Troll Hunter no sería la única que recordó a la gran triunfadora del año pasado. En la misma situación se encontraría Saint, película que desde su inclusión en la programación fue señalada por muchos como una especie de sucedáneo de aquella. Una comparación que se revelaría aún más oportuna una vez concluida su proyección, al descubrir que no solo compartía con ella un argumento similar, sino que también sus planteamientos cinematográficos eran muy parecidos. Así, si Rare Exports indagaba en la verdadera raíz antropológica de Papá Noel, esta producción holandesa hace lo propio con San Nicolás, su equivalente en la tierra de los tulipanes, si bien sin base histórica alguna. En ambos casos ello se refleja en un relato que bascula entre el cine de terror y el de aventuras, bajo una narración que remite a ciertos títulos ochenteros hoy de culto como Gremlins o Los Goonies. La diferencia está en que mientras que en Rare Exports tal circunstancia era consecuencia directa de la adopción / emulación / reproducción / reinvención de un modelo ajeno, en Saint se antoja como algo más genuino y natural, debido a la identidad de su director, Dick Maas, responsable hace tres décadas de dos mini clásicos del cine de genero europeo de la época: El ascensor y Amsterdamned: misterio en los canales. Ello no quita para que la presente quede muy por debajo de los logros de su ilustre predecesora, algo que, por otra parte, se encuentra en consonancia con sus modestas pretensiones de producto de consumo. Un objetivo que a fe que consigue, aportando de paso hallazgos visuales de la fuerza iconográfica de esa estampa del diabólico San Nicolás rompiendo la fría y neblinosa noche holandesa a lomos de su caballo blanco.

KILLER JOE (William Friedkin, 2011)

Englobada en la última maratón del sábado como “filme sorpresa”, Killer Joe fue otra de esas “mejores películas del festival”. Y es que con una historia negrísima, un humor enfermizo y unas interpretaciones que quitan el hipo, William Friedkin ha vuelto por la puerta grande. Matthew McConaughey, ¿quién nos lo iba a decir?, está inconmensurable como el letal asesino (y policía corrupto) contratado por Emile Hirsch para liquidar a su madre y cobrar el dinero del seguro. El problema está en que el personaje de Hirsch es miembro de una familia de lo más amoral y decadente; una panda de paletos formada por su padre, su madrastra y su hermana pequeña de doce años que servirá de billete de intercambio para pagar los servicios de Joe. Polémica, malsana, negrísima y, cómo no, divertida, Killer Joe está llamada a ser una de las películas del año, ni que sea por la estremecedora felación que Gina Gershon le hace a un muslito de pollo.

LOBOS DE ARGA (Juan Martínez Moreno, 2011)

Realizada en el periodo histórico mas fecundo industrialmente hablando que se recuerde del cine fantástico en España, Lobos de Arga se inscribe en el que durante muchos años fuera el principal y prácticamente único bastión con el que contó el género dentro de nuestras fronteras: la comedia terrorífica. Un estilo tradicionalmente sobreexplotado por parodias al estilo de las protagonizadas por Abbott y Costello durante los años cuarenta y puestas al servicio del artista de turno, pero, también, de títulos de la valía de El día de la bestia, o, a un nivel inferior, la reivindicable Un vampiro para dos de Pedro Lazaga. Afortunadamente, la película escrita y dirigida por Juan Martínez Moreno se encuentra más cercana a este último grupo que al primero, pese a su evidente naturaleza de producto de consumo. Y es que, al igual que ocurriera en los dos títulos referidos, gran parte de su mérito reside en formular su propuesta adaptándola a la idiosincrasia española. Así, no es difícil definir su contenido como un cruce de caminos entre Un hombre lobo americano en Londres y Matías, juez de línea, tomando de la norteamericana su conocimiento y respeto por el género fantástico, y de la cinta dirigida por “La Cuadrilla” el protagonismo coral y la ubicación de su marco geográfico en un recóndito pueblo de Galicia (por no hablar de la análoga presencia del gran Manuel Manquiña en un papel con no pocas similitudes), aprovechando de este modo el clima mágico y de superchería que tradicionalmente se ha asociado a la tierra de las meigas, en lo que se antoja como el mayor acierto de todo el conjunto. El buen hacer de su elenco interpretativo, encabezado por los televisivos Gorka Otxoa, Carlos Areces y Secun dela Rosa, y unos efectos especiales artesanales la mar de competentes para lo que suele ser habitual en este tipo de cintas, se bastan y se sobra para cumplir con creces el mínimo exigible, a pesar de lo muy cuesta arriba que en ocasiones se lo pone el desigual libreto de Martínez Moreno. El resultado es un entretenimiento bastante digno que, si bien queda lejos de hacer historia, tiene todos los ingredientes para triunfar en taquilla a poco que sea dirigida al público adecuado. La buena respuesta con la que fue recibida en Sitges y su posterior triunfo enla Semana de Terror y Cine Fantástico de San Sebastián son dos buenas pistas de por dónde van los tiros…

EL CALLEJÓN (Antonio Trashorras, 2011)

Entre los muchos debuts de nuevos realizadores españoles albergados por esta edición de Sitges, uno de los más esperados era el protagonizado por el hasta ahora crítico y guionista Antonio Trashorras con El callejón. En su debut en el medio, el madrileño se descuelga con una historia que, a decir de sus características formales, parece escapada de las míticas Historias para no dormir y, por ende, de tantas otras series televisivas dedicadas al misterio. Cuatro personajes, un solitario emplazamiento y el consabido golpe de efecto final destinado a poner patas arriba todo lo hasta entonces visto conforman los cimientos de una propuesta que, a pesar de los atractivos que sobre el papel pudiera presentar su planteamiento de base -la imposibilidad de una joven de llegar a casa, encerrada en una lavandería situada a escasos metros de su domicilio-, navega entre los cauces del ridículo y el desastre, bien sea por sus poco creíbles giros narrativos, sus modos televisivos, su discutible dirección de actores, o por un look visual que reproduce la estética sixty en su versión más hortera, tal y como ejemplifica la cansina presencia de pantallas partidas a lo largo de su montaje, cuya inclusión, huelga decirlo, obedece antes a un antojo formal que a cualquier tipo de necesidad narrativa. Y ahí es donde radica el principal problema de El callejón; en su poco disimulado intento por dar cabida al mayor número de referencias por él admiradas, Trashorras abandona cualquier atisbo de autocrítica, sacrificando la coherencia y verosimilitud interna de la cinta al forro de sus caprichos. Ni su corta duración, ni los guiños destinados a los seguidores del género, pueden así compensar los muchos defectos que a todos los niveles atesora un trabajo con el que su novel cineasta da claras muestras de lo mucho que aún le queda por aprender dentro del oficio.

ON VAMPYRES AND OTHER SYMPTOMS (Celia Novis, 2011)

Dentro de la atractiva programación ofrecida por Brigadoon, el espacio alternativo y de acceso gratuito de Sitges, destacó su cuidada selección de documentales. El misteri de Fassman, de Sebastián D’Arbó, la completa panorámica al nuevo cine fantástico español ofrecida por The Terror Group de la francesa Joanne Belluco, o Roma fantastica, último trabajo hasta la fecha del Premio Nosferatu de este año, Luigi Cozzi, se contaron entre los ejemplos más interesantes de cuantos se pudiron ver en el edificio Miramar, sede de la sección. Pero si hubo un título que destacara por encima del resto, este fue On Vampyres and other Symptoms, en el que la barcelonesa Celia Novis explora la figura de uno de los cineastas malditos por excelencia de nuestra cinematografía: José Ramón Larraz. Fraguado durante el homenaje que el Festival le tributara a este hace ahora dos años, el documental se aparta del típico biopic al uso para articular una (de)construcción de la personalidad de su protagonista a muy diferentes niveles. Para tal fin, On Vampyres and other Symptoms se vale de los comentarios e ideas que el propio Larraz lanza a cámara, estableciendo un apasionante juego metalingüístico entre el autor y su obra, en el que una a una van siendo desgranadas las claves para entender el cómo y el porqué del catalán y su cine, al tiempo que son relatados algunos de los capítulos que marcarían de un modo más importante el futuro devenir profesional del director de Las hijas de Drácula. Utilizando diferentes lenguajes y texturas, y con una encomiable capacidad de síntesis, impropia de una debutante, Novis no solo consigue captar con éxito la esencia de la controvertida personalidad de Larraz, acercando al público su carácter reflexivo, casi de puro intelectual; en su empeño construye una obra única y cautivante que, tras su aparente sencillez, esconde un trabajo de vertiginosa densidad, abierto a múltiples lecturas y cuidado hasta el mas mínimo detalle. Nada es aleatorio, sino que es el fruto de un concienzudo estudio. Valga como ejemplo de ello un elemento, en principio, tan insignificante, como la combinación en su narración de los idiomas inglés, francés, catalán y castellano, cuya utilización sirve a su directora para establecer un sutil paralelismo con cada una de las etapas que conforman la peripecia vital del protagonista: su infancia en Barcelona, su estancia en Bruselas como dibujante de cómics, su posterior traslado a Gran Bretaña, donde ya convertido en fotógrafo instalaría su residencia y, por último, su vuelta a España a finales de los setenta para proseguir con su carrera de cineasta.

EATERS (Luca Boni & Marco Ristori, 2011)

Documentales aparte, Brigadoon también cedió su cuota de protagonismo al género de ficción, por medio de los consabidos concursos de cortometrajes, y la proyección de distintos largometrajes, repartidos entre títulos clásicos “recuperados” y producciones recientes de corte independiente. Este último apartado permitió la inclusión de Morituri y Eaters, dos ejemplos que constatan la lenta pero inexorable recuperación que viene experimentando en los últimos tiempos la producción de cine fantástico en Italia. Mientras que la primera propone la traslación de ciertos estilemas del American Gothic a un entorno y motivos cien por cien italianos, Eaters por su parte lleva a cabo una actualización mejorada y ampliada del modelo que imperara en el cine de género trasalpino a finales de los setenta y principios de los ochenta, con una historia encuadrada entre dos de las corrientes más mayoritarias de aquel estilo: el cine de muertos vivientes y el de temática post-apocalíptica. Tomando como referente el film de George Romero El día de los muertos, pero sin desdeñar otras influencias como la reciente producción británica Hijos de los hombres o la novela de Richard Matheson Soy leyenda, sus debutantes directores, Marco Boni y Luca Restori, consiguen materializar un producto con personalidad propia, capaz de desembarcar (en formato doméstico) en los principales mercados internacionales, gracias a sus cualidades cinematográficas y a su envidiable empaque visual. Si la cosa funciona es, sobre todo, por centrar su interés en la definición de su historia antes que en la escabrosidad de su puesta en escena como por desgracia viene siendo costumbre, lo que tampoco es óbice para la aparición de los consabidos momentos gore que cualquier película de zombis parece obligada a tener. Consecuencia de tal circunstancia es el que, sin duda, se erige en el mayor activo con el que cuenta la cinta, la relación basada en el contraste de su pareja protagonista, potenciada, además, por la química existente entre sus dos intérpretes, Guglielmo Favilla y el carismático Alex Lucchesi. Todo ello, condimentado con unas agradecidas gotas de humor negro, dan como resultado una cinta bien disfrutable que, sin inventar nada ni pretenderlo, trae al menos un poco de aire fresco al cada vez más moribundo y repetitivo panorama del cine zombi.

José Luis Salvador Estébenez & Juan Pedro Rodríguez Lazo

Título original: Sherlock Holmes: A Game of Shadows

Año: 2011 (Estados Unidos)

Director: Guy Ritchie

Productores: Susan Downey, Dan Lin, Joel Silver, Lionel Wigram

Guionistas: Michele Mulroney, Kieran Mulroney, según los personajes creados por Arthur Conan Doyle

Fotografía: Philippe Rousselot

Música: Hans Zimmer

Intérpretes: Robert Downey Jr. (Sherlock Holmes), Jude Law (Dr. John Watson), Noomi Rapace (Madam Simza Heron), Rachel McAdams (Irene Adler), Jared Harris (profesor James Moriarty), Stephen Fry (Mycroft Holmes), Paul Anderson (coronel Sebastian Moran), Kelly Reilly (Mary Watson), Geraldine James (Mrs. Hudson), Eddie Marsan (inspector Lestrade), William Houston (alguacil Clark), Wolf Kahler (doctor Hoffmanstahl), Clive Russell (capitán Tanner), Iain Mitchell, Jack Laskey, Patricia Slater, Karima Adebibe, Richard Cunningham, Marcus Shakesheff, Mark Sheals, George Taylor, Michael Webber, Mike Grady, Alexandre Carril, Victor Carril, Thorston Manderlay, Affif Ben Badra, Daniel Naprous, Lancelot Weaver, Vladimir ‘Furdo’ Furdik…

Sinopsis: Europa empieza a sufrir una serie de atentados terroristas, y Holmes deduce la sombra de Moriarty detrás de todo. En efecto, el detective se reúne con el profesor, y este le informa de que Watson, pese a su matrimonio y consiguiente desaparición de escena, será su objetivo próximo, así como su esposa. Holmes intentará salvar a su amigo e impedir que la oleada terrorista prosiga.

El gran logro comercial (olvidemos piadosamente el artístico, por favor) del Sherlock Holmes dirigido por Guy Ritchie en 2009 obligaba, obvio es, a una pronta secuela que siguiera los mismos moldes estilísticos de su predecesora. Dicho y hecho, con una rapidez inusitada se perpetró esta continuación, que diríase prosigue al día siguiente de aquel con que finalizaba la previa, pues el año de acción sigue siendo el mismo, 1891.

En el camino, casi todo el staff de la ficha técnica permanece, siendo el cambio más ostentoso la sustitución de los guionistas originales -Michael Robert Johnson, Anthony Peckham y Simon Kinberg, según un argumento de Lionel Wigram y M. R. Johnson- por otros nuevos, en concreto los hermanos Michele y Kieran Mulroney (el actor Dermot Mulroney es también hermano de ambos). ¿Qué mérito tienen estos? Michele produjo, escribió y protagonizó Sunny & Share Love You (2007), una comedia dirigida por Matthew Buzzell que no tuvimos el honor de disfrutar en España. Después, entre ambos, se hicieron cargo del libreto de Paper Man (2009), que de igual modo dirigieron, y que posiblemente fuese el aval para hacerse cargo de la presente, pues se trataba de una aproximación irónica al mundo del superhéroe, protagonizada por Lisa Kudrow, Jeff Daniels y Ryan Reynolds.

Se dice que el guion de la presente película es una fusión de diversos textos originales de Sir Arthur Conan Doyle, pero creo que es demasiado exagerado afirmar algo así. Diríase que la trama principal, los planes de Moriarty para ser el instigador de lo que devendría en la Primera Guerra Mundial, procede de un sinfín de pastiches escritos a lo largo de muchos años por una gran variedad de autores sherlockianos. Dentro de eso, han integrado (o más bien el mítico asesor Leslie S. Klinger, especialista en el Canon) pequeños guiños procedentes de la obra del autor de La compañía blanca (The White Company, 1891), como pudieran ser rasgos de las novelas El signo de los cuatro y El valle del miedo, así como de los relatos “El intérprete griego”, “La banda de lunares”, “El detective moribundo”, “Los planos del Bruce Partington” y “La segunda mancha”. Eso sí, todo ello embrozado en una versión muy libre del cuento “El problema final”, amén de incorporar al personaje del coronel Sebastian Moran, pieza fundamental de “La casa vacía”, aventura inmediatamente posterior en el aspecto cronológico a “El problema final”.

Por lo demás, los ingredientes que conformaron la idiosincrasia del título previo prosiguen aquí, así el diseño de producción lujoso (que se amplía con la extensión a otras grandes ciudades europeas), la acción desenfrenada, el recurso de las “reflexiones” de Holmes previas a cualquier ataque defensivo, la relación amor-odio entre Holmes y Watson (algo que jamás existió en las historias originales) y, sobre todo, el humor infantil. Solo que en esta ocasión todo, desde el primero hasta el último plano, está magnificado ad nauseam.

Los rasgos más sobresalientes de esta producción, amén de lo referido, es, por un lado, la aparición, al fin, del profesor James Moriarty. Si en la anterior película los escasos momentos en que se percibía su presencia estaban rodados con el misterio como eje vertebrador, sin revelar su rostro y mostrándole (o no mostrándole) como una esencia maligna, casi sobrenatural, aquí, por el contrario, se trivializa su personalidad. Es un mero profesor universitario, con planes criminales, pero alguien carente de cualquier perfil amenazador en sus actos o su presencia. El primer enfrentamiento dialéctico entre este y Holmes se resuelve con una verborrea interminable carente por completo de tensión, y el rasgo que frivoliza al Napoleón del crimen se confirma en las escenas posteriores, en especial aquella en que se pone a canturrear La trucha.

Otra de las grandes apariciones, de cara a todo sherlockiano que se precie, es la del hermano más listo de Sherlock Holmes, Mycroft, interpretado además por el muy adecuado Stephen Fry, caracterizado, como era lógico esperar, con una apariencia que remite a Oscar Wilde. En efecto, el Mycroft de las historias de Conan Doyle (y de sus continuadores) muestra una inteligencia mucho más viva aún que la de su hermano. Sin embargo, aquí, en ese afán de minimizar todo de cara al espectador menos exigente, también se ha optado por conferirle perfiles paródicos, que llegan al súmmum cuando lo convierten en un mero nudista.

En esta ocasión, el cometido de Irene Adler es reducido en gran cantidad, así pues el “gran personaje femenino” del film es representado por Madam Simza Heron, una pitonisa cíngara con sorprendentes aptitudes para la lucha, y que es interpretada desastrosamente por la actriz Noomi Rapace, a tal punto que semeja una debutante sin experiencia alguna. A la escasa participación de Irene Adler se suma la del inspector Lestrade, por cierto, pese a que en los créditos figura inusitadamente alto con respecto a su presencia.

Guy Ritchie narra todo con el piloto automático puesto, fiel a la fórmula de que lo que aquí se presencie ha de ser igual a lo que se ofrecía en el film previo, pero centuplicado. Sin embargo, por encima de todo predomina el humor, que llega ya a un nivel que solo puede ser denominado como una apología al cretinismo. Sorprende cómo, de un film a otro, el director de Barridos por la marea (Swept Away, 2002) no ha aprendido la lección y sigue mostrando ese enorme desequilibrio tonal, donde a una escena que semeja procedente de una comedia de Jim Carrey prosigue otra de una inusitada pomposidad y aires de trascendencia, semejando todo una especie de montaña rusa donde las vagonetas sufrieran constantes tirones, sin avanzar de un modo fluido.

La desidia profesional se contamina a la pareja protagonista, Robert Downey Jr. y Jude Law. Si, dentro de los cánones simplistas de la primera película, ambos actores procuraban encarnar con cierta solvencia sus personajes, en especial Law (qué gran Watson hubiera surgido de ahí con unos postulados más formales), aquí ambos se comportan con total despreocupación por sus cometidos, adoptando una actitud chusca, como si en realidad no estuvieran trabajando sino meramente pasando el rato, llegando la actitud de desidia interpretativa de Downey Jr. al nivel de desvergüenza.

El despropósito de este engendro fílmico llega, finalmente, a tal nivel, que la muy insatisfactoria primera entrega, por comparación, semeja un producto medianamente apañado. Pero no nos engañemos: la prometida tercera entrega puede hacer entonces aparentar la presente como algo no del todo desdeñable. Avisados estamos.

Carlos Díaz Maroto

BASES

1. Puede participar cualquier persona de cualquier país, con textos en lengua castellana.

2. El certamen está dotado con un premio consistente en un lote de libros para cada uno de los tres premiados por cortesía de Calamar Ediciones: Terror cinema, Superhéroes, Ray Harryhausen y La espada mágica, valorado en 120 euros. No habrá primer, segundo y tercer puesto, y los tres premiados se citarán por orden de recepción de su textos.

3. Los textos habrán de ser relatos de temática de terror, fantasía o ciencia ficción, con una extensión no inferior a tres páginas Word y no superior a doce; habrá de presentarse escrito en formato de letra Times New Roman 12 a un espacio, con doble espacio entre párrafos, y en un archivo .doc (no .docx).

4. Los textos habrán de ser inéditos y no haber sido publicados con anterioridad en cualquier medio de difusión.

5. Los relatos habrán de llevar como título el de una película (famosa o no), y que el texto tenga que ver directamente con el título, pero estar totalmente desvinculado del argumento de la película referida. Por ejemplo, el relato se podría titular Lo que la verdad esconde, y ser de ciencia ficción donde el estado controla los pensamientos de la población.

6. Los textos se enviarán por e-mail a concursocriticas@gmail.com como documento adjunto, indicando en el post principal nombre, apellidos y dirección postal del participante.

7. Sólo se admitirá un texto por persona.

8. El plazo de presentación finalizará el 31 de marzo de 2012 a las 24:00 horas.

9. El jurado estará compuesto por un grupo de colaboradores habituales de pasadizo.com, en concreto las siguientes personas:

• Manuel Aguilar
• Luis Alboreca
• Carlos Díaz Maroto
• Ana Morán Infiesta
• Miguel Valle García

10. El fallo del jurado se dará a conocer el día 31 de abril de 2012 en un artículo de portada de pasadizo, con la publicación de los tres relatos ganadores.

11. El fallo del jurado será inapelable, pudiendo quedar los premios desiertos.

12. La entrega de los premios tendrá lugar en breves semanas tras la publicación del fallo, y se enviarán a los premiados por correo o mensajería.

13. Previa autorización del autor se podrá publicar algún otro relato que aún no siendo premiado se considere de interés.

14. Los textos, tanto premiados como no premiados, siguen perteneciendo a sus autores en su integridad, pudiendo hacer con ellos lo que vieran oportuno, como su publicación a posteriori en otras webs o medios.

15. La participación en el concurso supone la aceptación de estas bases, las cuales podrán sufrir modificaciones previo aviso de la organización.