Ya a la venta los abonos y packs de entradas para Sitges 2016

Ya se ha iniciado la venta de los abonos para la próxima edición del Sitges – Festival Internacional de Cine Fantástico de Catalunya. El Festival vuelve a poner a disposición del público los pases habituales que mantienen los mismos precios que en la edición anterior. Es el caso del Abono Matinée (99 euros) válido para acceder a todas las sesiones del Auditori de la mañana hasta las 15 horas, el Abono Butaca VIP Auditori (350 euros) y el Abono Butaca VIP Retiro (275 euros), que dan acceso a todas las sesiones en el Auditori o en el Retiro, respectivamente, con asiento reservado en la mejor zona.

El Abono Auditori Completo (250 euros) renueva las condiciones de anteriores ediciones, con acceso a todas las sesiones del Auditori durante el Festival y presenta nuevas opciones. Este año se han creado los nuevos abonos Auditori Parte I (160 euros) y Auditori Parte II (130 euros), que permiten acceder a todas las sesiones del Auditori del 7 al 12 de octubre y del 12 al 16 de octubre, respectivamente.

Todos los abonos dan acceso al periodo de preventa, se pueden adquirir hasta el 2 de octubre y no incluyen las Maratones del 16 de octubre ni las sesiones de inauguración y de clausura (a excepción de los abonos Butaca VIP). Como novedad, las entradas para las galas de inauguración y clausura también se pueden adquirir “a ciegas” el mismo día 21 de julio.

Como novedades, esta edición presenta el nuevo Ticket Extra (9 euros), y versiones mucho más flexibles de los packs de entradas de años anteriores como el Pack Fan 10 (85 euros), el Pack Súper Fan 20 (150 euros) y el Pack de Culto 30 (215 euros). Estos pases permiten canjear entradas a escoger entre las sesiones de tarifa regular, Despertador, Sitges Classics, sesiones de cortos, 3D, maratones y programas dobles, y también dan acceso a la preventa.

Además de estas opciones, el Festival vuelve a poner a la venta el Pack Anima’t, que da derecho a cuatro sesiones diferentes de la sección Anima’t, incluidas las sesiones Anima’t Curts y 3D.

Más información aquí.

Published in: on julio 25, 2016 at 7:57 am  Dejar un comentario  
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Hasta que llegó su hora

Título original: C’era una volta il West / Once Upon a Time in the West

Año: 1968 (Italia, Estados Unidos)

Director: Sergio Leone

Productores: Bruno Cicogna, Fulvio Morsella

Guionistas: Sergio Leone, Sergio Donati a partir de una historia de Dario Argento, Bernardo Bertolucci, Sergio Leone

Fotografía: Tonino Delli Colli

Música: Ennio Morricone

Intérpretes: Henry Fonda (Frank), Claudia Cardinale (Jill McBain), Jason Robards (Cheyenne), Charles Bronson (Harmónica), Gabriele Ferzetti (Morton), Frank Wolff (Brett McBain), Paolo Stoppa (Sam), Woody Strode (Stony), Jack Elam (Snaky), Keenan Wynn (Sheriff), Lionel Stander (Barman), Frank Braña, Saturno Cerra, Robert Hossein, Antonio Molino Rojo, Al Molock, Ricardo Palacios, Lorenzo Robledo, Aldo Sambrell, Conrado San Martín, Fabio Testi…

Sinopsis: Un misterioso forastero, que tiene por costumbre tocar siempre una armónica, une fuerzas con un bandido fugado de la justicia para proteger a una joven y hermosa viuda que es acosada por un despiadado asesino que trabaja para el ferrocarril. Además, un secreto del pasado une a varios de estos personajes, existiendo sólo una forma de desvelarlo: con la muerte de (al menos) uno de ellos.

El penúltimo de los westerns dirigidos por Sergio Leone empieza enseñando sus cartas ya desde el comienzo: casi se podría decir que sus diez primeros minutos son una especie de desafío para el espectador más impaciente, como una especie de obstáculo que sólo los cinéfilos más entregados tendrán la habilidad de sortear. Es este el tiempo que el director dedica en contemplar como tres matones (Jack Elam, Woody Strode y Al Mulock) están esperando a alguien (o algo) en una destartalada estación de tren: para hacer más amena la espera, cada uno de ellos se dedicará a pasatiempos de lo más mundanos (espantar moscas, crujirse los nudillos o ponerse debajo de la gotera de una cuba para ir llenándose lentamente el ala del sombrero de agua), hasta que el silbato de un tren que se aproxima les hará parar y centrarse en la misión por la que se han desplazado hasta allí.

Sergio Leone bromeando durante un descanso del rodaje.

Sergio Leone bromeando durante un descanso del rodaje.

Es una opinión totalmente subjetiva (y, como tal, seguramente equivocada) pero estos primeros momentos de Hasta que llegó su hora me parecen una de las expresiones de cine puro más impresionantes que he tenido la suerte de ver: Leone retrata a unos pistoleros de tercera, matando el tiempo de la forma más ordinaria posible, con un manejo increíblemente elegante e hipnótico de los diferentes elementos que pueden componer una película. Sin la ayuda de apoyo musical, apenas con el sonido chirriante de un molino de viento, van pasando las parsimoniosas imágenes de los ociosos rostros de estos tipos, en uno de los más gloriosos espectáculos de la nada que se hayan visto jamás en una pantalla: la totalmente pasiva presencia de estos hombres se transforma así en una suerte de coreografía de enorme fuerza física… y todo esto, tengámoslo en cuenta de nuevo, sin oír aún en ningún momento la música de Ennio Morricone. Leone es capaz de conseguir tan admirables resultados manejando elementos de lo más insustanciales: imagináos entonces el nivel de emoción que puede llegar a lograr este hombre cuando dos (o más) hombres se enfrentan, por fin, en duelos a vida o muerte. Si te quedas atrapado por esta primera secuencia, podrás ver el resto sin problemas (parece ser la advertencia del propio autor); si, por el contrario, hace acto de presencia el aburrimiento, más te valdría quitar el DVD y dedicar tu tiempo libre a otros menesteres. Esta inicial toma de contacto con la obra maestra del spaguetti western no miente: la escena de la estación es Hasta que llegó su hora en estado químicamente puro, sólo hay que verla para hacerse una idea totalmente exacta del tipo de ritmo que va a condicionar el resto de su metraje.

Siguiendo el tono que el autor impone, todos los personajes parecen estar esquivando de continuo a la muerte: siempre vigilándose unos a otros, calculando sigilosamente cada uno de los pasos que toman, y con la proximidad fatal de la Parca en todo momento presente en sus acciones, y reflejada en esas caras que Leone sabía filmar como nadie. Si en su anterior trilogía Leone “reinterpretaba” a su manera el western clásico que adoraba desde su niñez, en Hasta que llegó su hora realiza una suma total de los elementos recurrentes del género: por ejemplo, el leitmotiv principal sobre el que gira la película, la llegada del ferrocarril y el fin de la vida en el salvaje oeste como tal, es un tema presente en decenas de films, desde El caballo de hierro hasta La conquista del Oeste; por no hablar de la obsesión de Leone por rodar varios planos en el mismísimo Monument Valley, por puro capricho cinéfilo más que por conveniencia para la propia película, ya que la mayor parte del metraje se rodó entre España y Cinecittá, lo que provoca no poca extrañeza al irse comparando la variedad de paisajes que aparecen a lo largo de la película.

En el apartado de los personajes, más que seres humanos se los puede considerar arquetipos más grandes que la vida, siempre creados a partir de otros títulos míticos: el pistolero que interpreta Fonda es de la misma estirpe de villanos desalmados que el Jack Palance de Raíces profundas o el Henry Silva de Los cautivos; Harmónica, tan magníficamente encarnado por Bronson, es un claro sosias de Johnny Guitar, y el personaje de Claudia Cardinale no desentonaría para nada como resuelta heroína de cualquier película de Howard Hawks… por no mencionar a un Jason Robards que prefigura los caracteres que encarnaría en sus, futuras en el tiempo, colaboraciones con Sam Peckinpah. Sus guionistas resucitan, con gran conocimiento, el western clásico del pasado, redefinen el del presente y se adelantan incluso unos cuantos años al que nos encontraremos en el futuro.

Leone da instrucciones a la bellísima Claudia Cardinale

Leone da instrucciones a la bellísima Claudia Cardinale

A pesar de que esta manera de tratar a los protagonistas pueda parecer simplista, no hay nada más lejos de la realidad: Leone filma a sus actores como si fueran semidioses, plenamente consciente de la carga de significado y pasado que cada uno de ellos acarrea en sí mismos, tratándolos con una delicadeza y admiración a la hora de retratarlos que no creo que ninguno de ellos haya tenido planos más cuidados en ninguna de las otras películas en las que tuvieron la oportunidad de trabajar. El director consigue también una impresionante homogeneidad en todas las interpretaciones de sus actores, a pesar de que cada uno de ellos posee un estilo diferenciado, y además vienen (tanto geográfica como profesionalmente) de lugares distintos: jugando con el estilo clásico de Fonda, el teatral de Robards, el hierático de Bronson o el más expresivo de la Cardinale, se consigue sacar lo mejor de cada uno de ellos, logrando además que intérpretes tan dispares encuentren una sintonía que conecta totalmente con esa frecuencia tan especial que el italiano quería que distinguiera a la película.

Dicho claramente, este es un film que impone su característico estilo por encima de cualquier otro elemento: es manierista hasta decir basta, y tiene un concepto de la filmación donde es más importante que el plano quede bonito y no tanto que encaje dentro de una supuesta realidad. Ello provoca no pocas paradojas espacio-temporales en algunos momentos algo confusos; pero ya desde la primera, y fantasmal, aparición de Bronson uno se va haciendo a la idea de que está viendo cualquier cosa menos un western realista. Hasta que llegó su hora pertenece a ese reducido grupo de películas como 2001: Una odisea del espacio, Apocalypse now o El gatopardo, que de cuando en cuando te pones por el simple placer de mirarlas: casi no importan la historia, ni los actores o los diálogos.

Una cosa que posee vital importancia en esta clase de films es la presencia de la música, y en éste que nos ocupa mucho más que en cualquier otro. Dejando aparte el hecho de que, con toda seguridad, sea una de las mejores bandas sonoras compuestas para el cine, aquí la música es un elemento totalmente activo y con un protagonismo y relevancia como pocas veces ha disfrutado: aunque es bastante obvio que Harmónica se comunica sobre todo a través de su instrumento, todos los demás personajes hacen exactamente lo mismo al asignarles Morricone su propio e intransferible tema musical, lo que unido al estilo eminentemente visual de Leone hace que se expresen de manera mucho más elocuente de esta manera que hablando… y aunque los pocos diálogos que hay son bastantes buenos, incluso te llegan a estorbar cuando finalmente te acostumbras a esta forma tan audaz de comunicación con lo que piensan los personajes. Hasta que llegó su hora supone una de esas raras ocasiones en que imagen y música son totalmente inseparables entre sí, formando un todo totalmente uniforme como obra cinematográfica: sin ir más lejos, Stanley Kubrick le confesó al propio Leone lo mucho que le había influido a la hora de rodar su también magnífica Barry Lyndon.

José Manuel Romero Moreno

Nuevo avance de títulos para Sitges 2016

La 49ª edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya sigue sumando títulos. El pasado miércoles en un encuentro organizado con el público en la Fábrica Moritz de Barcelona, el director del certamen, Ángel Sala, anunció algunas nuevas incorporaciones de la programación de Sitges 2016.

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De este modo, el cine asiático seguirá dando alegrías a los amantes del género con las confirmaciones de cuatro films procedentes de Japón, Corea y China. Comencemos por Creepy, un thriller psicológico dirigido por el nipón Kiyoshi Kurosawa, un habitual del Festival con filmes como Journey to the ShoreCure o Seventh Code. Uno de los cómics manga más violentos de la historia, Gantz, tendrá una nueva y esperada adaptación (en este caso, de la historia del arco de Osaka), que se podrá ver en Sitges bajo el título de Gantz: O, dirigida por Yasushi Kawamura utilizando la técnica de la animación por ordenador. Desde Corea del Sur llega The Tunnel, de Kim Seong-Hun, la segunda película del director de A Hard Day, vista también en Sitges. Este drama de catástrofes tiene como protagonista a un hombre que queda atrapado dentro de un túnel derrumbado. En un tono completamente opuesto, el film chino The Mermaid, dirigido por Stephen Chow, es una propuesta llena de humor absurdo y delirante que ha sido récord de taquilla en su país, superando por primera vez el medio billón de dólares de recaudación.

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De Estados Unidos llega la producción de terror independiente Anguish, opera prima de Sonny Mallhi. Un film que ha sido comparado con It Follows, no por su argumento sino por su punto innovador y sofisticado, que abre nuevos caminos en el cine de género. Un drama angustioso que gira alrededor de una adolescente de dieciséis años que padece un trastorno de personalidad múltiple. También norteamericano es Rupture, un thriller de ciencia ficción dirigido por Steven Shainberg y protagonizado por Noomi Rapace, que interpreta a una madre soltera que intenta liberarse de una misteriosa organización que la tiene secuestrada.

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Más terror psicológico con la británica The Autopsy of Jane Doe de André Øvredal, director noruego que presentó Troll Hunter en Sitges 2011. Dos médicos forenses –padre e hijo, interpretados respectivamente por Brian Cox y Emile Hirsch– reciben el cuerpo de una joven que ha sido asesinada en circunstancias desconocidas. Durante la investigación descubrirán indicios cada vez más extraños, que los conducirán a conocer terribles secretos.

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Por último, y directa desde la Quincena de Realizadores de Cannes, se confirma Psycho Raman, la cinta india de Anurag Kashyap que sigue la vida del serial killer Ramanna en el Bombay de hoy en día, inspirado por el asesino real de la década de los sesenta, Raman Raghav.

Más información: http://sitgesfilmfestival.com/cas

Published in: on julio 21, 2016 at 5:55 am  Dejar un comentario  
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Sitges Pitchbox 2016 crece y se consolida incorporando premios económicos

Arranca una nueva edición de Sitges Pitchbox, el evento de pitching organizado por la plataforma online Filmarket Hub en colaboración con el Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya. Desde el pasado 6 de julio y hasta el 7 de septiembre aquellos guionistas, directores y productores que tengan un proyecto de género en fase de desarrollo pueden inscribirse.

Entre todos los proyectos inscritos, siete serán seleccionados para realizar un pitch ante productores, distribuidores y empresas del sector cinematográfico el 14 de octubre, dentro del marco del Festival. También se otorgarán diez menciones especiales, que no harán pitch pero podrán asistir al evento y participar en el networking posterior.

Además, esta nueva edición viene cargada de novedades y premios para los proyectos participantes. Gracias a la Diputación de Barcelona se entregarán dos premios económicos a los mejores proyectos por valor de 6.000€ y 4.000€, y un tercer premio al proyecto con más proyección internacional y/o referencias asiáticas que le permitirá viajar a Corea del Sur y ser presentado en el BIFAN (Bucheon International Film Festival).

Por otro lado, los dos mejores proyectos catalanes de la convocatoria serán seleccionados para participar en un segundo evento de pitching en Blood Window, la sección de cine fantástico del mercado Ventana Sur, el más importante de Latinoamérica. Los responsables de los proyectos participarán en la delegación catalana, organizada por Catalan Films & TV, que viajará a Buenos Aires del 29 de noviembre al 3 de diciembre.

Para ser candidato a Sitges Pitchbox hay que inscribir el proyecto en Filmbox, el mercado online de guiones y coproducción de Filmarket Hub. Los proyectos enviados antes del 28 de julio disfrutarán de un 20% de descuento.

Toda la información de la convocatoria y el proceso de inscripción está disponible en la página de Sitges Pitchbox

Published in: on julio 20, 2016 at 5:57 am  Dejar un comentario  
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“Vial of Delicatessens” edita en Dvd los films de culto setenteros “Aquelarre sangriento” y “Carnaval de sangre”

Tras lanzar al mercado hace apenas un par de meses El enterrador y sus colegas, “Vial of Delicatessens” prosigue con su propósito de acercar a los aficionados españoles clásicos ignotos de la serie B y Z terrorífica producida en los Estados Unidos durante las décadas de los 60 y los 70 en las mejores condiciones posibles. Acorde a este propósito, desde mañana 20 de julio estarán disponibles de la mano del sello-fanzine dos nuevos títulos que responden a estas características. Se trata de Aquelarre sangriento (Blood Sabatth, 1972) de Brianne Murphy y Carnaval de sangre (Carnaval of Blood, 1970).

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Título característico del cine de terror comercial de la década de los 70, cuando el culto al diablo en las películas era metáfora de los males de la sociedad americana, Aquelarre sangriento entremezcla terror, brujería satanista y erotismo con el telón de fondo de las heridas abiertas en los Estados Unidos por su participación en la Guerra del Vietnam a través de las andanzas de un excombatiente en el conflicto asiático que a su regreso a casa se ve perseguido por un grupo de mujeres. En su intento de burlar la persecución, cae por un terraplén y pierde el conocimiento. Es despertado por una joven y bella muchacha, de la cual se enamora. Pero lo que ignora es que esa joven es un cuerpo sin alma poseído por una bruja.

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Por su parte, Carnaval de sangre está considerada uno de los precursores del slasher norteamericano que tanto furor causara a finales de esa década a raíz del estreno de la insuperable La noche de Halloween (Halloween, 1978) de John Carpenter. Ópera prima como director de Leonard Kirtman, nombre de referencia en el cine sexploitation americano de los años 70 y plagada de sangrientos crímenes misóginos, la película nos traslada hasta el mundialmente famoso parque de atracciones de Coney Island de Nueva York, para descubrir al responsable de los brutales asesinatos que noche tras noche vienen sucediéndose en el lugar y que tienen como víctimas una mujer decapitada, un cadáver sin ojos, y otra al que han arrancado los intestinos. ¿Quién es el asesino? ¿El extraño y sospechoso Gimpy? ¿El apuesto Dan o la bella Laura?

Editadas en formato Dvd con disco prensado, Aquelarre sangriento y Carnaval de sangre son ofrecidas con audio en versión original y doblaje al castellano, subtítulos en este último idioma e imagen en 1.33:1. Como extras, se incluye el trailer de los respectivos films, además de documentales sobre el parque de atracciones de Coney Island en el caso de Carnaval de sangre, pudiendo adquirirse ambas ediciones a un precio unitario de 11,95 €, con gastos de envío incluidos para territorio nacional, a través de la propia web de “Vial of Delicatessens”: http://vialofdelicatessens.blogspot.com/

Published in: on julio 19, 2016 at 5:50 am  Dejar un comentario  

Desveladas las primeras películas del Festival de Molins de Rei 2016

El Festival de cine de Terror de Molins de Rei sigue desvelando los contenidos de la que será su trigésimo quinta edición, a celebrar entre los próximos 11 y 20 de noviembre. Así, ya ha confirmado los dos primeros títulos que formarán parte de su Sección Oficial. Se trata de la norteamericana Darling y de Train to Busan, en este caso procedente de Corea del Sur.

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Escrita y dirigida por Mickey Keating, Darling se encuadra dentro del fructífero nuevo cine de terror independiente norteamericano. De ahí la presencia de toda una institución del estilo como Larry Fessenden, quien también ejerce de productor ejecutivo, dentro de un reparto en el que también participa Sean Young, la inolvidable Rachael de Blade Runner. No obstante, el peso interpretativo de la historia recae sobre los hombros de Lauren Ashley Carter, quien interpreta a una joven que es contratada para hacerse cargo de una misteriosa casa…

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En cuanto a Train to Busan, supone el debut en el cine de imagen real de Yeon Sang-Ho, tras haber dirigido varias películas de animación. Lo hace con un film que ha sido catalogada por aquello que le han visto como “una de las mejores películas de la temporada”. La historia se sitúa en un tren en el que un padre y su hija son testigos del inicio de una epidemia zombi, lo que hará que en el convoy se desate una lucha por la supervivencia.

Por otra parte, la organización ha dado también ha conocer el spot oficial de esta edición. Dirigido por Paco Ruíz y con Dani Andreu como actor, la pieza alude al leitmotiv de las mutaciones que, coincidiendo con el treinta aniversario de La mosca de David Cronenberg, servirá este año de leitmotiv al festival.

Más información: http://www.molinsfilmfestival.com/es

Published in: on julio 18, 2016 at 5:55 am  Dejar un comentario  

Entrevista a Marc Lahore, director de “The Open”

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Aunque sí la más mediática, la gala de clausura de la pasada edición de NOCTURNA protagonizada por el pase de la segunda parte de Expediente Warren no fue la única sesión que tuvo el hándicap de enfrentarse a la final de la Champions League que enfrentaba a los dos principales equipos futbolísticos de la capital. Otras tres películas corrieron también idéntica fortuna. Fue el caso de The Open, cuyo horario de programación coincidía con el inicio del partido, lo que propició que su paso por el certamen madrileño no despertara tanta repercusión como cabría esperar para un título que llegaba con el aval de haber conseguido varios premios en festivales especializados del prestigio de Leeds o Fantasporto.

Una lástima, ya que, sin duda, se trató con diferencia de una de las propuestas más originales de cuantas pudieron verse a lo largo de esta cuarta edición, si no la que más. Solo así puede referirse a un film poblado por tres únicos personajes abandonados en la inmensidad de la naturaleza que entremezcla ciencia ficción post-apocalíptica, tenis y drama intimista. Definida en su publicidad como un cruce entre Tank Girl y Beckett, The Open ha supuesto el debut en el formato largo de su director, Marc Lahore, con quien tuvimos la oportunidad de conversar en el propio cine Palafox, sede del certamen, sobre diferentes aspectos relacionados con tan interesante proyecto.

En The Open entremezclas tenis, drama intimista y ciencia ficción post-apocalíptica. ¿De dónde te viene la idea de utilizar estos elementos en principio tan dispares entre sí?

Tienes razón, pero la película no trata exclusivamente de eso. En realidad, creo que el tema principal de The Open es la fe, la necesidad que tiene el ser humano de creer en algo, en lo que sea, con el fin de sobrevivir… literalmente, ya que de otra manera estaríamos perdidos.

Personalmente soy de la creencia de que logramos soportar el día a día gracias a las historias que nos contamos los unos a los otros, por lo que la mía es, a fin de cuentas, una película que trata sobre la necesidad de creer en la ficción. Pero la ficción es un elemento muy difícil de mostrar en una pantalla de cine, por lo que opté por algo absurdo a la hora de representarla en imágenes. Pienso que si como espectador ves una cosa que no tiene sentido, enseguida lo relacionas con algo ajeno a la realidad, a algo ficticio cinematográficamente hablando.

Y ahí es donde entra en escena el tenis. Pero aunque durante toda la película este deporte esté bastante presente, creo que, por encima de todo, The Open trata sobre la influencia que ejerce sobre nosotros la ficción, en general, y el cine, en particular.

En la rueda de prensa mencionaste que la película contó con un ajustado presupuesto de ciento treinta mil euros. ¿De dónde salió la financiación? ¿Habéis contado con ayudas institucionales? 

No tuvimos ningún tipo de ayuda institucional. Toda la película nos pertenece por entero  a mi equipo y a mí. Todo el dinero para financiarla provino de mí. En concreto de mi abuela, que ya falleció. Cuando ella murió mi madre vendió su casa, y yo heredé una considerable cantidad de dinero que me permitió seguir adelante con el proyecto.  Y como, después de eso, la mayor parte de los productores que en un principio tenía apalabrados se desentendieron de aportar su parte, me vi forzado a pagar por mi cuenta la mayoría de los costes de producción. Así que lo cierto es que la mayor parte del dinero para financiarla la puse de mi bolsillo y, por suerte, aún no me he arruinado del todo (risas).

¿En qué modo ha influido que dispusieras de tan poco dinero en el tipo de película que has acabado haciendo?

Desde el comienzo supe que todo el mundo debía cobrar por su trabajo, tanto en pre-producción, como en producción y en post-producción, lo que significaba tener que reducir el equipo técnico a su mínima expresión, así como escribir un guion que implicara contar con el escenario más simple así como con el menor número de personajes posible, que en este caso fueron tres. De esta manera, las limitaciones presupuestarias fueron algo que tuve en mente desde el principio a la hora de planificar el rodaje de la película. Aunque suene a materialista, ese fue mi principal pensamiento, je je.

Además de dirigir la película, también la has escrito, la has montado, y te has ocupado de la fotografía. ¿Ha sido también fruto de las circunstancias, o de haber tenido más presupuesto te habrías encargado igualmente de estas facetas?

Quizás no me hubiera ocupado de la dirección de fotografía, pero sí del resto. Era consciente de que teníamos que rodar lo más rápido posible, por lo que no tenía tiempo para estar discutiendo con el fotógrafo, así que me dije “que le jodan, lo haré todo yo mismo”. Trabajando de esta manera tuvimos la oportunidad de rodar realmente deprisa, pero tengo que decir que esto solo fue posible porque mi equipo creía en mí al cien por cien, ya que, literalmente y en algunos momentos,  no tenían ni idea de lo que estaban haciendo y tenían que confiar casi ciegamente en mi visión personal. Así que solo puedo estar agradecido por haber tenido el más increíble equipo con el que cualquier director de cine haya contado jamás (risas).

Luis Rosales junto a Marc Lahorre en un momento de la rueda de prensa de "The Open" en NOCTURNA.

Luis Rosales junto a Marc Lahorre en un momento de la rueda de prensa de “The Open” en NOCTURNA.

La historia de The Open está poblada únicamente por tres personajes, lo que hace que el proceso de casting se antoje determinante. ¿Cómo afrontaste este apartado?

Bueno, a Maia Levasseur-Costil y Pierre Benoist, los dos actores que interpretan a la chica y al entrenador, Stéphanie y André, ya los conocía, puesto que llevan colaborando en mis proyectos desde hace varios años. Creo que ambos resultaban perfectos para sus respectivos personajes, y por ese motivo pensé en ellos de inmediato.

La única dificultad fue encontrar al tipo inglés. Por suerte uno de los productores es amigo mío y me dijo que este chico, James Northcote, era increíble, que sería perfecto para encarnar al protagonista, e insistió en que tenía que conocerlo. Así que después de tener una charla con él por Skype no tuve más remedio que estar de acuerdo con mi amigo. Dar con él fue una suerte enorme, ya que funciona perfectamente en la película. Me encantó trabajar con él, así que espero poder contar con su participación en futuros proyectos.

A lo largo del metraje son constantes las escenas en la que los protagonistas se encuentran jugando al tenis, con la particularidad de que lo hacen sin pelota. ¿Cómo trabajasteis la coreografía de estas secuencias?

Durante la preproducción tuvimos un entrenador para que enseñara a los actores, ya que aunque jugaran sin pelota tenían que parecer que eran auténticos campeones de tenis, pero luego durante el rodaje mi ayudante de dirección fue el responsable de diseñar las coreografías. En este sentido lo más complicado para los actores fue escenificarlas adecuadamente, porque si juegas sin pelota es muy fácil que te muevas demasiado rápido o demasiado lento, por lo que tuvieron que ensayar mucho con el fin de encontrar el ritmo adecuado. En realidad fue muy parecido a practicar una danza o a ensayar la coreografía para un musical.

Junto con los propios actores, otro elemento que goza de un especial protagonismo son las espectaculares localizaciones en las Highlands escocesas donde se llevó a cabo el rodaje. ¿Fue la primera opción que barajaste?

Sí, pero creo que fue un error rodar allí, porque el clima era una porquería… Aquello era un infierno, horrible, verdaderamente horrible. Los actores sufrieron un montón por culpa del clima. Pero por otro lado el paisaje era increíble, y eso era algo que sabía desde el principio. Desconocía que las condiciones de trabajo iban a ser tan miserables, pero en cambio tenía la seguridad de que los paisajes iban a ser alucinantes, ya que poseen una especie de cualidad romántica de otra época, casi del siglo XIX.

Estás rodeado por todos lados de esa naturaleza salvaje que te apabulla con su belleza, de esos acantilados impresionantes… Así que, como ves, elegir esa localización para rodar fue al mismo tiempo una maldición y una bendición.

Estas dificultades que sufristeis durante el rodaje la has recogido en un blog en el que a modo de diario narras todos los avatares a los que tuvisteis que enfrentaros. ¿De algún modo necesitabas que la gente supiera lo duro que había resultado filmar The Open?

Así es. De hecho, cuando terminamos de hacer la película uno de nuestros productores estaba preocupado porque pensaba que nadie nos iba a creer cuando contáramos que la habíamos rodado en solo tres semanas. Pero la intención al escribir ese blog fue principalmente la de compartir con los futuros cineastas lo duro e intenso que puede suponer embarcarse en una aventura de este tipo.

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El mensaje que puede extraerse del film no puede ser más optimista, al animarnos a cumplir con nuestros sueños por muy adversas que sean las circunstancias. ¿Era esa la idea que querías transmitir?

Puede ser. Tú has visto en la película a estos tipos sufriendo en sus propias carnes y pasando por la experiencia más dura de sus vidas, y el tenis es una manera para ellos de distraerse, algo a lo que aferrarse, algo real con lo que ocupar el tiempo. Y es que, aunque sea esta una película un poco sombría, creo que al final se puede encontrar un mensaje de esperanza para el ser humano. Soy de la creencia de que siempre debes seguir adelante por muy terrible que sea lo que sucede a tu alrededor.

Curiosamente, este mismo mensaje puede también aplicarse a la propia película, dado tu empeño por llevar adelante el proyecto contra viento y marea, a pesar de las referidas condiciones climáticas que vivisteis durante el rodaje…

¡Cierto, absolutamente! Nunca me había parado a pensar en ello, pero el rodaje de la película fue exactamente como la película en sí misma.

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Antes de su visita a NOCTURNA, The Open ha podido verse en otros festivales como Fantasporto, donde logró varios galardones. ¿Esperabas conseguir tan buena acogida?

Estoy sorprendido. Sinceramente, me sorprende el éxito que está teniendo la película hasta el momento. Desde Fantasporto, en estos últimos tres o cuatro meses hemos recibido diez premios más, tanto para los actores como para la película. Es como un sueño hecho realidad, porque cuando acabé de rodarla me preguntaba si alguien entendería lo que había tratado de contar; por eso es tan sorprendente para mí que el público no solo la comprenda, sino que además disfrute con ella.

¿En qué medida estos premios pueden ayudar a la película a la hora de encontrar una distribución comercial?

Eso es un problema, porque por una parte estamos teniendo mucho éxito en los distintos festivales a los que nos estamos presentando, pero por otro lado los distribuidores no están presentes en las salas para comprobar que nuestra película responde muy bien ante el público, por lo que lo más común es que se pregunten “¿a quién diablos le puede interesar esa película francesa?”o “¿De qué va exactamente? ¿Es una película de deportes, un western, es ciencia ficción…?”, y que, en consecuencia, no se atrevan a comprar la película.

Según he leído, entre tus futuros proyectos se encuentra un drama situado en los Pirineos titulado Joe Louis Left Hand. Dada la mención que se hace al legendario púgil afroamericano, ¿vas a hacer algo parecido a The Open pero con boxeo en lugar de tenis?

No, de hecho esta será una película mucho más mainstream, por así decirlo. Será un drama social que trata sobre tres personajes, un campeón de boxeo, un antiguo soldado y un estudiante, que regresan desde París a su pueblo natal en el País Vasco francés. Será una película en la línea de Thomas Vinterberg, el director del Dogma. Tengo la intención de que sea una historia oscura pero, al mismo tiempo, llena de esperanza.

José Luis Salvador Estébenez

Traducción: José Manuel Romero Moreno

Fotografías: Antonio Busquets

39 Escalones reestrena en España “La historia interminable”

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A partir del 22 de julio de 2016, y a lo largo de toda la geografía española ya sea mediante programación regular o eventos bajo demanda, 39 Escalones reestrenará en pantallas cinematográficas la película La historia interminable (Wolfgang Petersen, 1984). Se trata de una oportunidad única para revivir en pantalla grande uno de los grandes fenómenos del cine fantástico/infantil de los 80 y darlo a conocer a las nuevas generaciones. Con un presupuesto de más de cuarenta millones de dólares, tras su estreno en 1984 La historia interminable  se convirtió en un fenómeno mundial marcando con su imaginería a muchas generaciones y mostrándoles valores como el amor por la lectura, la imaginación, la amistad o la valentía.

Basada en el libro de Michael Ende cuenta la historia de Bastian, un muchacho que, escondido en el desván de su colegio devora, durante horas, un enigmático libro llamado “La historia interminable”, en el que se relata la inminente destrucción del Reino de Fantasía. Este es el punto de partida que traslada al espectador a un universo ilimitado de entretenimiento y experimentar el mundo encantado que nace de la imaginación de un joven mientras lo acompañamos en la gran aventura que se despliega ante sus ojos.

Más información en Facebook: es-la.facebook.com/vuelvelahistoriainterminable

Published in: on julio 14, 2016 at 5:52 am  Dejar un comentario  

Curso de verano “Ciencia y científicos en el cine: del laboratorio a la pantalla”

Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya y la Escola Joso, Centro de Cómic y Artes Visuales, organizan conjuntamente el curso de veranoCiencia y científicos en el cine: del laboratorio a la pantalla”, coordinado por el profesor Jordi Ojeda y el director del Festival, Ángel Sala.

La ciencia y los científicos han estado muy presentes en las pantallas de cine y televisión desde el inicio del medio, basándose en obras de teatro, de la literatura, del cómic o con guiones originales. Desde el Dr. Frankenstein, las historias de ficción han provocado la reflexión alrededor del comportamiento humano y social a partir del fenómeno científico. En los últimos años la presencia de la ciencia en el cine fantástico es habitual, tanto desde el ámbito de la genética, como de la bioquímica, de la medicina o de la ingeniería: los acontecimientos tienen un fundamento verosímil para hacer creíble la narración, sea ciencia o ciencia-ficción. Durante el curso se analizará desde la lente de diferentes autores y procedencias cómo el cine ha visto la ciencia y, especialmente, a los científicos, verdaderos protagonistas de muchas de las películas más taquilleras de la historia.

Esta es la tercera edición del curso, que tendrá lugar del 18 al 22 de julio, con los contenidos completamente renovados respecto de las dos ediciones anteriores. Las inscripciones ya están abiertas, con un periodo de precio reducido hasta el 23 de junio. Para más información y matrícula aquí.

Published in: on julio 13, 2016 at 5:56 am  Dejar un comentario  
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Verkami para la publicación de “Guía del Spaghetti-western”

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Desde hace unos días está abierto en Verkami un crowfunding para editar Guía del spaghetti western, un libro que recorre la época dorada del western europeo desde 1962 hasta 1978, y que tiene como objetivo servir de guía de consulta a todo aficionado al género. Para llevar a cabo este proyecto, sus responsables han invertido cerca de tres años restaurado miles de carteles, fotografías, programas de mano, fotogramas, recopilando información sobre spaghetti westerns, contrastando la documentación y traduciendo al castellano numerosos textos.

El resultado es un volumen de cuatrocientos páginas ilustradas a todo color en el que se incluye la historia del western en Europa, recomendaciones de las mejores películas del estila, fichas técnicas de todos los eurowesterns compuesta por posters, fotogramas, fichas técnicas y sinopsis, álbum de fotos inéditas y los testimonios de dos nombres propios del género: el cineasta español Rafael Romero Marchent  y el uruguayo George Hilton, una de las presencias más recurrentes del western europeo.

El objetivo marcado para la publicación del libro es de 6500 € de los que de momento se ha recaudado ya más de la mitad cuando quedan aún veintiocho días para el plazo fijado. Para aquellos mecenas que colaboren económicamente con el proyecto, sus responsables han fijado varias recompensas que van desde la aparición de su nombre en los créditos por 5 €, hasta la denominada “El manco” que por 120 € ofrece un pack compuesto por cinco libros firmados, diez marcapáginas y diez chapas a elegir, y los gastos de envío para territorio nacional incluidos.

Más información: https://www.verkami.com/projects/15268-guia-del-spaghetti-western#

Published in: on julio 12, 2016 at 5:51 am  Dejar un comentario  
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