Pennywise / It – La cosa / It – Eso / It

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Título original: It

Año: 1990 (Estados Unidos)

Director: Tommy Lee Wallace

Productores ejecutivos: Allen S. Epstein, Jim Green

Guionistas: Lawrence D. Cohen, Tommy Lee Wallace, según la novela de Stephen King

Fotografía: Richard Leiterman

Música: Richard Bellis

Intérpretes: Tim Curry (It/Pennywise), Richard Thomas (Bill Denbrough), Jonathan Brandis (Bill Denbrough a los 12 años), John Ritter (Ben Hanscom), Brandon Crane (Ben Hanscom a los 12 años), Annette O’Toole (Beverly “Bev” Marsh), Emily Perkins (Beverly “Bev” Marsh a los 12 años), Dennis Christopher (Eddie Kaspbrak), Adam Faraizl (Eddie Kaspbrak a los 12 años), Harry Anderson (Richie Tozier), Seth Green (Richie Tozier a los 12 años), Tim Reid (Mike Hanlon), Marlon Taylor (Mike Hanlon a los 12 años), Richard Masur (Stan Uris), Ben Heller (Stan Uris a los 12 años), Michael Cole (Henry Bowers), Jarred Blancard (Henry Bowers a 14 años), Drum Garrett (Belch Huggins), Gabe Khouth (Patrick Hocksetter), Tony Dakota (George “Georgie” Elmer Denbrough), Olivia Hussey (Audra Phillips Denbrough), Ryan Michael (Tom Rogan), Frank C. Turner (Al Marsh), Steven Hilton (Zack Denbrough), Sheelah Megill (Sharon Denbrough), Claire Brown (Arlene Hanscom), Steve Makaj (Hanscom), Sheila Moore (Kaspbrak), Donna Peerless (Douglas), Tom Heaton (Norbert Keene), Caitlin Hicks (Patti Uris), Florence Paterson (Kersh), Bill Croft (Koontz), Chelan Simmons (Laurie Anne Winterbarger), Merrilyn Gann (Winterbarger)…

Sinopsis: Cuando tenían doce años fueron un grupo de siete grandes amigos que se enfrentaron a un horror primigenio. Ahora, ya de adultos y viviendo en distintas partes del mundo, reciben una llamada telefónica del único de sus integrantes que se quedó en su localidad natal de Derry para informarles de que eso ha vuelto…

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Adaptar una novela tan extensa como It de Stephen King[1] es algo muy complicado. Cuando la cadena de televisión norteamericana ABC compró los derechos de la obra contrató para escribir el guion a Lawrence D. Cohen[2], quien con anterioridad había redactado el de Carrie (Carrie, 1976). Stephen King poco o nada tuvo que ver con la adaptación, que en los primeros estadios de su desarrollo iba a ser dirigida por George A. Romero. En ese momento la idea era hacer una serie de ocho o diez horas de duración, repartidas en cuatro bloques de dos horas (con anuncios, imagino). Finalmente, Romero abandonó para trabajar en el remake de La noche de los muertos vivientes. La ABC redujo entonces el proyecto original a una serie en tres partes, y contrató como director a Tommy Lee Wallace, tras lo cual la cadena finalmente optó por resumirla en dos partes de dos horas (con anuncios). Cohen se queja de lo mucho que tuvo que amputar de la novela, y también del mucho miedo que tenía la cadena al material, por ser de carácter terrorífico. La condensación en dos sesiones pareció calmarles, pero no del todo. Gran parte del reparto de los actores adultos fue elegido por Wallace y Cohen, quienes por lo general buscaron intérpretes que hubieran trabajado juntos, para jugar con la familiaridad establecida entre ellos. Así, Annette O’Toole fue contratada a sugerencia de John Ritter, quien había trabajado con ella en el telefilm El soñador de Oz (The Dreamer of Oz: The L. Frank Baum Story, 1990) [3]. Cohen, por cierto, sería despedido del proyecto antes de su finalización por parte de la cadena.

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El rodaje tuvo lugar en la localidad de Vancouver, en Canadá, a lo largo de tres meses, con un presupuesto de doce millones de dólares. Pese a que actores jóvenes y adultos no coincidían en ninguna escena, y aún con el coste que ello produjo, decidieron juntar a los niños con sus contrapartidas de mayores para que hubiera una interacción entre ellos. Originalmente, el maquillaje de Pennywise había de ser más elaborado, pero Tim Curry no se sentía a gusto oculto bajo tanto aplique, sobre todo porque eso ya la pasó mientras rodaba Legend (Legend, 1985). Finalmente, Wallace optó por simplificarlo. El coordinador de los efectos especiales, Bart Mixon, refiere que para el rostro de Pennywise se inspiró en la caracterización de Lon Chaney para El fantasma de la ópera (Phantom of the Opera, 1925).

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El director elegido finalmente, como ya se ha referido, fue Tommy Lee Wallace, un hombre vinculado al equipo de John Carpenter: como actor interpretó a Michael Myers en la original La noche de Halloween (Halloween, 1978) y a uno de los espectros de La niebla (The Fog, 1980), e hizo igualmente el diseño de producción y montaje de ambos filmes. También fue asociado del director artístico de Dark Star [tv/vd: Estrella Oscura – Aluniza como puedas, 1974], trabajó en Asalto a la comisaría del distrito 13 (Assault on Precinct 13, 1976) confeccionando los efectos de sonido, la dirección artística y el tema musical principal, que también interpretó vocalmente, y fue director de segunda unidad de Golpe en la pequeña China (Big Trouble in Little China, 1986). Como director debutó con la simpática Halloween III: Season of the Witch [vd/tv: Halloween III: El día de la bruja, 1982], cuyo guion también escribió (al lado de John Carpenter y Nigel Kneale, estos sin acreditar[4]). También dirigió en cine Noche de miedo II (Fright Night Part 2, 1988) o Vampiros: Los muertos (Vampires: Los Muertos, 2002) y en televisión infinidad de telefilmes, como Nacida libre 2: Una nueva aventura (Born Free: A New Adventure, 1996), con Jonathan Brandis, o Justicia final (Final Justice, 1998), con Annette O’Toole.

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Como puede comprobarse, como director Tommy Lee Wallace no está especialmente dotado, y ese es el principal hándicap de la mini-serie. Cierto es que el guion de Cohen resume en exceso el libro, siendo lo más sangrante, tal vez, el escaso cometido que tiene el personaje de Henry Bowers de adulto, que es aparecer y morir, prácticamente. Pero el guionista conserva, como es lógico, los puntos fundamentales[5], y la obra destila el espíritu de Stephen King sin lugar a dudas. Sin embargo, el principal defecto de la cinta es su concepción misma, sus limitaciones narrativas, al estar supeditada a la constante estructural de este tipo de productos, donde también tenemos los anti-climáticos fundidos a negro para introducir la publicidad requerida. Y, como se ha dicho, Tommy Lee Wallace carece de la capacidad de profundizar en el material que tiene entre manos, y eso que se le percibe esforzado, y desarrolla ideas visuales más trabajadas de lo que es norma en producciones de esta categoría. Y, pese a la feroz censura que se aplica sobre el producto, está más liberado de lo que cabría esperar, siendo la primera producción televisiva norteamericana que permitió exhibir sangre en la profusión que aquí aparece.

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Lo mejor, como de hecho acontece en la novela, es toda la parte centrada en los niños, a lo cual ayuda un reparto muy bien conseguido, destacando principalmente Jonathan Brandis, Seth Green y, en especial, Adam Faraizl como Eddie. La frescura y viveza con la que encarnan sus cometidos es lo que confiere especial potencia a los resultados. Suelen disponer de poco crédito, por tratarse de actores genuinamente televisivos, pero el reparto de actores adultos también funciona a buen nivel. Destaquemos el excelente Richard Thomas, un actor con muy mala suerte y que hubiera merecido mayor relieve profesional[6], Annette O’Toole y, sobre todo, Dennis Christopher, como Eddie igualmente. Y también resulta mejor, más fluida y con más densidad, la primera parte y, en la segunda, todo lo que acontece en el restaurante chino, para después sufrir un bajón de tono. Así, de las tres horas que dura montada la serie de un tirón, las dos primeras resultan bastante agradables de ver, siendo la última hora más desmayada y formularia. En todo caso, para tratarse de una producción televisiva de aquella época, tampoco está tan mal…

Carlos Díaz Maroto

[1] 1.502 páginas en, por ejemplo, la edición It (Eso); por Stephen King; traducción de Edith Zilli. Barcelona: Debolsillo, 2003. Colección: Bestseller; 102/13 – Biblioteca de Stephen King; 13. Edición original: It (1986).

[2] No confundirle, como sucede en determinadas fuentes, con Larry Cohen, el famoso director y guionista, responsable de, por ejemplo, Estoy vivo (It’s Alive!, 1974). Este otro Cohen, amén de lo referido, escribió los guiones de Historia macabra (Ghost Story, 1981), basado en la novela de Peter Straub, y el de la mini-serie Los Tommyknockers (The Tommyknockers, 1993), también según Stephen King, entre otros.

[3] Con guion de Richard Matheson, curiosamente, una de las grandes influencias de Stephen King.

[4] Nigel Kneale, creador del doctor Quatermass, retiró su nombre de los créditos después de la gran cantidad de cambios efectuados a su trabajo; otras fuentes indican que retiró su nombre a causa del resultado violento del film.

[5] Se elimina, evidentemente por razones presupuestarias, la aparición del pájaro gigante, pero un guiño de ello se percibe en la escena del restaurante chino, donde las galletas de la fortuna ofrecen simbolizados los objetos de pánico de cada uno de los personajes; en este caso, el feto de un pájaro.

[6] No puedo dejar de evitar citar una muy interesante película de terror que protagonizó en su día, hoy totalmente olvidada, Pesadilla en la nieve (You’ll Like My Mother, 1972, Lamont Johnson).

Published in: on septiembre 16, 2019 at 5:58 am  Dejar un comentario  
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El terror italiano será protagonista en Brigadoon 2019

Tradicionalmente el cine italiano ha gozado de un peso específico en la propuesta de Brigadoon. No obstante, este año se erige en la gran protagonista de la programación de la sección alternativa y gratuita del Festival de Sitges. Buena muestra de ello se encuentra en que uno de sus estrenos más destacados de largometrajes sea el de Everybloody’s End, una pieza de terror trasalpino de manual que supone el regreso de Claudio Lattanzi al cine de ficción más de treinta años después de su apócrifa quinta entrega de la franquicia Zombie, Killing Birds: Raptors. Cambiando de coordenadas geográficas, pero sin irnos demasiado lejos, tampoco puede pasarse por alto el estreno del slasher esloveno The Curse of Valburga, de Tomaz Gorkic, una brutal mezcla de violencia y humor que sorprenderá a todos los asistentes. Everybloody’s End y The Curse of Valburga se añaden a las ya anunciadas Mirada de cristal, giallo argentino dirigido por Ezequiel Endelman y Leandro Montejano, la cinta de terror cubana dirigida por Rudy Riverón Sánchez, ¿Eres tú, papá? y el debut en el largometraje del portugués Fernado Alle con el film apocalíptico Mutant Bast.

Frightfest

Esta predominancia del cine italiano también se dejará sentir dentro de Sitges Documenta con That’s La Morte: Italian Cult Cinema and the Years of Lead, en el que Xavier Mendik retrata la industria del cine trasalpino de género durante los años setenta y  la mirada a la vida y obra de Lucio Fulci ofrecida en Fulci for Fake de Simone Scafidi. El tercer título desvelado de esta sección es FrightFest: Beneath the Dark Heart of Cinema, de Chris Collier, una pieza que hace un repaso exhaustivo de los veinte años de historia del certamen inglés. Estos tres documentales se suman a los otros tres que ya se habían anunciadon hace unas semanas: George Hilton – The World Belongs to the Daring, de Daniel Camargo, centrado en el mítico actor George Hilton; Blood & Flesh: The Reel Life & Ghastly Death of Al Adamson, de David Gregory, que repasa la vida y la obra de uno de los realizadores más reconocidos del cine exploitation norteamericano de las décadas de los sesenta y setenta, Al Adamson; y Deodato Holocaust, en el que se explica la historia del cineasta italiano Ruggero Deodato, convertido en “maestro del horror” gracias a su obra Holocausto caníbal (1980), calificada como el primer found footage de la historia del cine.

Pupi Avati

Pupi Avati

Y es que la especial atención prestada por la sección a la cinematografía italiana se hace también extensible al escogido por la sección para otorgarle su honorífico Premio Nosferatu, que como anunció ya el mes de julio servirá para rendir tributo al director de cine, productor y guionista italiano Pupi Avati. Aunque a lo largo de su trayectoria ha combinado con gran éxito diversos géneros, como la comedia o el cine de aventuras, Avati ha destacado en el terror, con títulos como La casa dalle finestre che ridono (1976) o L’arcano incantatore (1996), que se recuperan en Brigadoon. Además, en sesión especial –fuera de esta sección– se podrá ver su nueva película dentro del género, Il signor diavolo.

Pero Avati no será el único homenajeado por Brigadoon 2019. También recordará a dos figuras españolas fundamentales para entender el cine de género europeo que nos han dejado hace poco; el guionista y director madrileño José Luis Merino y el realizador catalán Jordi Grau. De Merino se proyectará La rebelión de los bucaneros (1972) y Tarzán en las minas del rey Salomón (1973), dos clásicos de su extensa filmografía compuesta por más de treinta títulos, mientras que de Jordi Grau, quien nos dejó a finales del año pasado a los 88 años, se proyectará Ceremonia sangrienta (1973) y el documental Back to the Morgue (David Gregory, 2008).

Otra figura cinematográfica recientemente fallecida que será recordada en Brigadoon será la actriz argentina Isabel Sarli, todo un mito erótico en su país, de la que se podrán ver sus películas Fuego (1972), Fiebre (1972) o La tentación desnuda (1966), entre otras. Y siguiendo con las retrospectivas, Brigadoon dedicará una Sesión Especial al realizador vasco Pedro Olea que contará con su presencia, y en la que podrán verse su ópera prima en el formato largo, el film musical En un mundo diferente (1970), y los cortometrajes Zonbi eguna (El día del zombi) (2016)Anabel (1964) y El parque de juegos (1963), estos dos correspondientes a sus prácticas en la Escuela de Cine.

Por otra parte, y siguiendo con el que podemos considerar el leitmotiv de la sección de este año, la retrospectiva Apocalypse domani recogerá títulos clave de la exploitation italiana de ciencia ficción desarrollada a finales de los años setenta como SHE (Avi Nesher, 1983), Los invasores del abismo (Ruggero Deodato, 1983), Robowar (Bruno Mattei, 1988) y Rats, notte di terrore (Bruno Mattei, 1984), entre otras. El fenómeno de este género italiano nace como consecuencia del éxito de títulos norteamericanos como Star WarsAlien o 1997: Rescate en Nueva York, pero sobretodo de las dos primeras entregas de Mad Max. Fueron productos pensados para el mercado internacional, que en algunos territorios como España consiguieron un enorme éxito comercial, de la mano de veteranos del cine italiano como Enzo G. Castellari (1990, Los guerreros del BronxLos nuevos bárbaros), Joe D’Amato (Bronx, lucha final), Sergio Martino (2019, tras la caída de Nueva York), Lucio Fulci (Roma año 2072: Los gladiadores) o Luigi Cozzi (Contaminación: Alien invade la Tierra).

Apocalypse domani

La retrospectiva se complementará con la edición de Apocalypse domani. La década dorada de la exploitation italiana de ciencia-ficción (1977-1990), el libro oficial del Sitges 2019, que analiza el fenómeno desde la perspectiva del género de la ciencia ficción, repasando sus precedentes, sus contenidos y el impacto que suscitaron este tipo de producciones, en un recorrido didáctico a través de sus películas más representativas y que hoy en día aún cuentan con miles de fans por todo el mundo. Bajo la coordinación de Ángel Sala y firmas de críticos de cine y especialistas en el material como Manlio Gomarasca, Diego López, Jesús Palacios, Domingo López, Xavi Sánchez Pons, Lluís Rueda, Mònica Garcia i Massagué, Desirée de Fez, el lector encontrará el análisis de títulos centrados en ciudades distópicas, apocalipsis y cine de bandas; un mundo de fantasía que, durante una década, intentó dar al cine italiano su versión más desinhibida. Y comprometida con el fantástico.

Por último, la tradicional Sitges Zombie Walk volverá a ser punto de encuentro para que zombis de todo el mundo puedan recorrer las calles de Sitges. Este año tendrá lugar este año el primer sábado del Festival, el 5 de octubre, y el disparo de salida irá a cargo el director y productor norteamericano de terror, Charles Band, uno de los productores más prolíficos de la Serie B de Hollywood durante los años 80 y 90, quien recibirá un premio Máquina del Tiempo a su trayectoria y al que se dedicará un ciclo retrospectivo sobre su obra como productor y director.

Más información: www.sitgesfilmfestival.com

Published in: on septiembre 15, 2019 at 8:41 am  Dejar un comentario  
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Avance de títulos de la XXX Semana de Cine Fantástico de Donosti que inaugurará “El hoyo” y contará con la visita de Hideo Nakata que presentará la nueva película de la saga “The Ring”

La organización de la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián ha anunciado un adelanto de los títulos que conformarán su trigésima edición, la cual será inaugurada el sábado 26 de octubre por El hoyo (2019). Se trata del primer largometraje dirigido por el director bilbaíno Galder Gaztelu-Urrutia, responsable de los cortometrajes 913 (2004) y La casa del lago (2014). El guion ha sido escrito por David Desola y Pedro Rivero según una idea del primero y su elenco está encabezado por Iván Massagué, Antonia San Juan, Zorion Eguileor, Emilio Buale y Alexandra Masangkay.

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Hideo Nakata

Aunque quizás la revelación más mediática se encuentra en la visita al certamen del cineasta japonés Hideo Nakata, quien acudirá por primera vez a la capital guipuzcoana para presentar su nueva película, Sadako, con la que actualiza la saga de The Ring. Como es sabido, Nakata es uno de los directores nipones más importantes del género de terror desde que dirigió en 1998 la fundacional The Ring, siendo responsable de, entre otras muchas, Dark Water (2002), Kaidan (2007), The Complex (2013) o Ghost Theater (2015).

En total, son doce los largometrajes que conforman este primer avance de la programación de la XXX Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, once correspondientes a su Sección Oficial, más la comentada película inaugural, El hoyo, que lo hará fuera de concurso. Estos son los títulos y sus trailers:

El hoyo (España, 2019) de Galder Gaztelu-Urrutia

Dos personas por nivel. Un número desconocido de niveles. Una plataforma con comida para todos ellos. ¿Eres de los que piensan demasiado cuando están arriba? ¿O de los que no tienen agallas cuando están abajo? Si lo descubres demasiado tarde, no saldrás vivo del hoyo.

Amigo (España, 2019) de Óscar Martín

Tras un grave accidente, David decide acoger y cuidar en su casa a su mejor amigo, Javi. Sin embargo, las rencillas entre ambos no tardarán en aflorar, poniendo en evidencia una relación envenenada y homicida, más cercana a la locura que a la amistad que aparentan mantener. Javier Botet y David Pareja (coautores también del guion de la película junto a Óscar Martín) protagonizan este duelo interpretativo que tiene lugar en una casa aislada en el campo.

Bliss (EEUU, 2019) de Joe Begos

La joven pintora Dezzy Donahue, conocida por su trabajo oscuro y macabro, está bloqueada, incapaz de acabar su nueva obra. Todas las noches va con su amiga Courtney a los lugares de moda, donde toma todas las drogas que le ofrecen. Pero un día le dan a probar una sustancia nueva y todo cambia: comienza a desarrollar una perturbadora adicción a la sangre, al tiempo que vuelve a pintar. Cada mañana se despierta cubierta de sangre, sin recordar nada de lo que pasó la noche anterior, al tiempo que el cuadro se va completando.

Bullets of Justice (Kazajistán-Bulgaria, 2019) de Valeri Milev

La película más delirante del año llega desde Kazajistán. Durante la Tercera Guerra Mundial, el Gobierno estadounidense inicia un proyecto secreto llamado Army Bacon para crear un súpersoldado cruzando seres humanos con cerdos. 25 años después, los muzzles, resultado de aquella unión, han ocupado la parte superior de la cadena alimenticia, criando y devorando humanos. Rob Justice es un antiguo cazarrecompensas que ahora trabaja para la resistencia, los últimos supervivientes de la raza que antaño dominaba el planeta.

Darlin’ (EEUU, 2019) de Pollyanna McIntosh

La actriz escocesa Pollyanna McIntosh debuta en la dirección en esta continuación de The Woman, película de Lucky McKee que protagonizó en 2011 y cuyo personaje recupera. Una adolescente desnuda aparece en un hospital. Criada en el bosque, no habla y su comportamiento es el de un animal salvaje. La envían a un hogar de acogida bajo la supervisión del siniestro obispo y sus monjas para que la conviertan en una buena cristiana.

It Comes / Kuru (Japón, 2019) de Tetsuya Nakashima

Todo marcha bien en la joven pareja que forman Hideki y Kana hasta que un día a Hideki le avisan en su oficina de que una visita le espera en recepción. Cuando llega no encuentra a nadie, pero un compañero de trabajo le dice que la persona dijo que se llamaba Chisa, lo que impacta mucho a Hideki, porque ese es el nombre que le van a poner a su hija y nadie más sabe que Kana está embarazada. La extraña muerte de la persona que vio a Chisa es el inicio de una serie de extraños sucesos que marcarán la vida de la pareja desde ese momento y para siempre.

Little Monsters (Australia, 2019) de Abe Forsythe

Lupita Nyong’o protagoniza esta divertida comedia de zombis australiana. Ella es la señorita Caroline, profesora de un grupo de niñas y niñas a los que lleva de excursión a un parque temático acompañada por un músico fracasado, tío de uno de sus alumnos. Allí se encuentran con la estrella de un programa infantil de la televisión… y con un grupo de hambrientos zombis a los que deberán enfrentarse con todas sus armas para sobrevivir.

The Pool (Tailandia, 2018) de Ping Lumphapleng

Day es un inseguro y mal pagado director artístico que acaba de finalizar el rodaje de un anuncio en una piscina olímpica abandonada. Encargado de limpiar y vaciar la piscina, de seis metros de altura, decide darse un respiro antes y se tumba sobre una colchoneta que flota en el agua. Lo que no sabe es que un colega suyo ya ha comenzado el vaciado. Cuando Day despierta se encuentra en mitad de la piscina y no puede salir. Además, la única criatura viva que aparece es un cocodrilo.

Rabid (Canadá, 2019) de Jen & Sylvia Soska

Las hermanas Soska –American Mary (2012), Vendetta (2015)– dirigen este remake del clásico homónimo de 1977 de David Cronenberg. Rose es una diseñadora de moda que aspira a ser reconocida por su trabajo. Un día sufre un grave accidente de coche y queda prácticamente irreconocible. Desesperada por recuperar su aspecto, acepta someterse a un tratamiento experimental con células madre que la convierte en una mujer de gran belleza. Comienza a triunfar en la vida y las cosas parecen irle muy bien, pero pronto descubrirá que todo tiene su precio…

The Room (Francia-Bélgica-Luxemburgo, 2019) de Christian Volckman

Kate y Matt forman una pareja “casi” feliz. Él es un ilustrador de cómics en paro y ella está cansada de su trabajo como abogada. En su búsqueda de una vida más plena y auténtica deciden dejar la ciudad y mudarse a una vieja casa en el campo. Pronto descubren una habitación, oculta tras un tabique, que tiene el poder de materializar aquello que deseen. Se pasan días enteros recibiendo todo aquello que solicitan, hasta que finalmente piden el hijo que siempre habían querido… Sus deseos pueden convertirse en sus peores pesadillas.

Sadako (Japón, 2019) de Hideo Nakata

Veinte años después del estreno de The Ring (1998), film que alumbró un nuevo género, el llamado J-Horror, que sigue dando frutos, el director de la película original y de varias de sus secuelas, Hideo Nakata, y el novelista Kôji Suzuki vuelven a cruzar sus caminos en este film que actualiza el personaje de Sadako. La nueva historia la protagoniza la joven Mayu, psicóloga en un hospital, cuyo hermano desaparece sin dejar rastro. En su busca llega a una isla donde conocerá la verdadera historia de Sadako y su familia.

Vivarium (Bélgica-Irlanda-Dinamarca, 2019) de Lorcan Finnegan

Gemma y Tom quieren comprar una casa para comenzar una vida en común. Visitan a un extraño agente inmobiliario, Martin, que les habla de un nuevo complejo residencial llamado Yonder, que les propone visitar juntos. Cuando llegan, descubren que las casas son todas exactamente iguales y que el lugar parece deshabitado. Martin les enseña la casa número nueve y desaparece. Gemma y Tom tratan de salir de Yonder, pero se pierden en cada intento. Siempre vuelven a la casa número nueve.

Por otra parte, la organización también ha informado que los abonos para el Teatro Principal de esta edición se pondrán a la venta el viernes 18 de octubre, entre las 16 y 20 horas en la taquilla del Teatro Principal y su precio será de 82 € con el libro Folk Horror – Lo ancestral y el cine fantástico y de 77 € sin libro. Por su parte, los abonos para el Victoria Eugenia se podrán adquirir a partir del lunes 21 de octubre a las 16:00 en la taquilla del propio teatro y tendrán un precio de 16,50 €. Ese mismo día y a la misma hora comenzarán a venderse también las entradas sueltas a 7,50 € la unidad para los dos teatros, que podrán adquirirse en ambas taquillas y a través de la web: www.donostiakultura.eus/entradas.

Presentada la programación completa de Sitges 2019

En la mañana de ayer el madrileño Cine Doré, sede de Filmoteca Española, acogió una rueda de prensa en la que Ángel Sala, director del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, presentó la programación completa de la quincuagésimo segunda edición del certamen que, como es sabido, tendrá lugar entre los próximos 3 y 13 de octubre, y en el que Asia Argento recibirá el Premio Méliès, que otorga la Federación Europea de Festivales de Cine Fantástico. Con esta programación, punta de lanza del cine de género mundial, Sitges 2019 desplegará las mil caras del fantástico, a través de una propuesta atrevida, dinámica y amplia de miras que incorpora las últimas tendencias y las combina con los realizadores consolidados, ofreciendo un mapa completo del fantástico en su presente, pasado y futuro.

The Lighthouse

Entre los nuevos títulos desvelados, uno de los más destacados es, sin duda, el nuevo trabajo del director de The Witch, Robert Eggers, la aclamada The Lighthouse, que formará parte de la Sección Oficial Fantàstic (fuera de competición). Eggers, que revolucionó el género con su primer largometraje, nos transporta en esta ocasión hasta una pequeña isla en alta mar –en Maine, a principios del siglo XX– donde los dos únicos protagonistas, un veterano farero (Willem Dafoe) y un joven ayudante (Robert Pattinson) deben convivir durante cuatro semanas, con todo lo que esto conlleva. También en la Sección Oficial y fuera de competición se encuadra el regreso de Gaspar Noé al Festival tan solo un año después de ganar el premio a la mejor película con Climax. Lo hace con el mediometraje de cincuenta minutos protagonizado por Béatrice Dalle y Charlotte Gainsbourg Lux Aeterna, en el que el cineasta francés articula una película ensayo sobre el respeto de las creencias, el trabajo de actor y el arte de la dirección con un final, como siempre, sorprendente.

El Camino una película de Breaking Bad

Sitges 2019 también será el escenario del estreno europeo de El Camino: una película de Breaking Bad. Escrita y dirigida por el creador de la serie Breaking Bad, Vince Gilligan, el film es un contenido original de Netflix que sigue las andanzas de un fugitivo Jesse Pinkman (Aaron Paul) mientras huye de sus captores, de la ley y de su pasado, justo después de caer el telón de la serie. Los fans podrán conocer de primera mano todos los detalles de esta flamante película surgida por sorpresa, en el Q&A con Aaron Paul que tendrá lugar después de la proyección. El universo de las series contará también con otra cara bien conocida en Sitges 2019. Nikolaj Coster-Waldau, el popular Jaime Lannister de Juego de Tronos, visitará el Festival para presentar la première mundial de la ya anunciada Suicide Tourist, la nueva película de Jonas Alexander Arnby, director de Cuando despierta la bestia.

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Otro título destacado será The Vigil, una terrorífica propuesta dirigida por el debutante Keith Tomas y ambientada en una comunidad judía ortodoxa en Brooklyn que será la encargada de poner el punto y final a esta edición el sábado 12 de octubre.

El mejor escaparate del fantástico en la Sección Oficial

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La Sección Oficial Fantàstic a competición un año más promete grandes títulos y sorpresas. El equipo de la conmovedora El himno del corazón regresa con una sorprendente historia llena de romance y anhelos juveniles. En Her Blue Skyel director japonés Tatsuyuki Nagai nos habla de reencuentros, viajes en el tiempo y amores. En Corporate Animalsel director de Creep, Patrick Brice, orquesta una comedia negrísima encabezada por una Demi Moore maravillosamente odiable, donde las tensiones laborales derivan, literalmente, en canibalismo. También en After Midnight, de Jeremy Gardner (que también protagoniza y firma el guion) y Christian Stella (responsable a su vez de la fotografía), los códigos de la comedia romántica son dinamitados con gracia en esta cinta de monstruos y rupturas dolorosas sin solucionar.

Samurai Marathon

El thriller y el terror tendrán también un espacio destacado en la sección. Swallow, el film de Carlo Mirabella-Davis construye un oscuro thriller en torno al cuerpo, a partir de un trastorno que conducirá a la protagonista a una transformación difícil de digerir. Inspirada en una carrera que se celebra cada año en Japón, Samurai Marathon, dirigida por Bernard Rose, derrocha acción, épica e intriga, entre samuráis, señores feudales y ninjas infiltrados. Y en Les particules (Particles)la producción franco-suiza dirigida por Blaise Harrison, queda claro que estar en plena adolescencia y a la vez rodeado del mayor acelerador de partículas del mundo no es la mejor opción para atravesar esa edad tan compleja.

The Antenna

Casi una década después de Mirages, Talal Selhami regresa con Achoura, una historia de miedo a caballo entre Francia y el folclore marroquí. El miedo también se podrá oler en la Turquía distópica que presenta Orçun Behram en The Antenna, donde el Gobierno pone en marcha un nuevo sistema de comunicación para tener controlados a todos los habitantes del país. Por su parte, en su segunda película, Pelican Blood, Katrin Gebbe nos traslada a  Alemania, donde la idílica vida de una madre soltera, interpretada sólidamente por Nina Hoss, cambia repentinamente cuando su segunda hija pasa de ser tímida y encantadora a ser peligrosa e incontrolable.

L'angle mort (Blind Spot)

El reverso melancólico y antiespectacular de las cintas de superhéroes también tiene un espacio en la Sección Oficial. En L’angle mort (Blind Spot)de Patrick-Mario Bernard y Pierre Trividic, Dominick tiene el don de volverse invisible, pero eso no hace su vida mejor. Y para cerrar novedades de la Sección Oficial Fantàstic, dos interesantes adaptaciones de cortos a largometraje. Por un lado, The Cleansing Hour, donde el director Damien LeVeck y el co-guionista Aaron Horwitz adaptan su corto original en una pieza de demonios y exorcismos entre milenials y emprendedores. Y fuera de competición se proyectará Code 8, adaptación al largometraje del corto homónimo dirigido por Jeff Chan en 2016.

Acción, thriller y universos propios en Òrbita y Noves Visions

Verotika

Una de las grandes sorpresas de esta edición en Noves Visions será la visita y master class de Glenn Danzig, el mito del punk rock que consuma finalmente su amor por el cine de terror haciendo su debut en la dirección con Verotika, una antología que adapta tres historias que Danzig publicó primero en forma de cómic. Relatos violentos y de alto voltaje erótico, surgidos de la mente de un auténtico apasionado del género. No tan sorpresa pero siempre una buena noticia para el Festival, por tercer año consecutivo, el grupo teatral Gekidan Shinkansen, dirigidos por Takuji Izumi y por Hidenori Inoue en la dirección de escena, presentará en Sitges la adaptación audiovisual de sus espectaculares actualizaciones del kabuki, en este caso con Siren in the ShadowsY otra esperadísima sesión especial, en este caso de la Sección Òrbita, será la protagonizada por The Wild Goose Lakede Diao Yinan, una película de ritmo frenético y de formas estilizadas que en la platea del pasado Festival de Cannes Quentin Tarantino se puso en pie para aplaudir.

The Mute

El cine de acción y el thriller tienen desde hace unos años un peso importante dentro del Festival y la Sección Órbita volverá a dar buena cuenta de ello. A las películas ya anunciadas como Huachicolero (The Gasoline Thieves), Charlie Says o The Gangster, the Cop, the Devil, se añade a la sección oficial la historia de bandas clandestinas que organizan duelos de muerte reales en Guns Akimbode Jason Lei Howden, y el extremo opuesto de The Mutede Bartosz Konopka, donde la violencia y el odio se sitúan en la Edad Media con dos caballeros que viajan hasta unas tierras paganas situadas en las montañas con la intención de cristianizar a su gente.

We Are Little Zombies - Still 4

En el universo propio dentro del fantástico que ha creado Noves Visions, la programación de este año viene cargada de propuestas atrevidas y diferentes. De la mano de los productores de Bullhead y del director de Peaky Blinders, Tim Mielants, llega Patrickun retrato tragicómico de un hombre peculiar que vive con sus padres en un camping naturista. Daniel Hui presenta Demons, una sátira de terror, sobre el poder, el arte y la violencia sistémica que esconde la sociedad. We Are Little Zombies, de Makoto Nagahisa, es la historia (de colorismo alucinado) de cuatro chavales en busca de sus emociones. En Koko-di Koko-dade Johannes Nyholm, tres psicópatas extravagantes dispuestos a terminar con una pareja de novios, una y otra vez, un loop que parece la versión macabra de Atrapado en el tiempo. En Mope, Lucas Hayne, dramatiza en forma de comedia extrema uno de los episodios más sórdidos, delirantes y trágicos de la historia de la pornografía. Jeffrey McHale se adentra con You Don’t Nomi en la intrahistoria de la película de Paul Verhoeven, Showgirls, analizando su culto e icónico poder de fascinación. Bertrand Bonello, por su parte, resucita la poética de Jacques Tourneur en Zombi Child para ahondar en una Francia en la que retumban los fantasmas del pasado colonialista. Con Starfish, A. T. White se presenta como una nueva voz, única y fascinante. Xavier Bröhm presenta un viaje faustiano a través de la noche en O Beautiful Night, y Rob Grant consigue un cruce entre comedia negra con El cuchillo en el agua en su film Harpoon.

Hail Satan

En Sitges Documenta se proyectará We Are Little Zombiesde Penny Lane, una crónica del extraordinario auge de uno de los movimientos religiosos más controvertidos de la historia de los Estados Unidos. Hail Satan? documenta la historia del Templo Satánico, desde sus exiguos inicios en los medios, a la multiplicación de adeptos. Divertida, provocadora y fascinante, la película se adentra en un grupo a menudo incomprendido.

Panorama y Midnight X-Treme: amplitud de miras y mucho terror

THE-BEACH-HOUSE

Más de veinte títulos conforman la Sección Panorama Fantàstic y Panorama Documenta. Magos, magia negra, muertos vivientes, psicópatas, todos estos personajes y muchos más forman parte indispensable del terror más visceral que podrá verse en Sitges 2019. El público de Sitges lo sabe bien: no hay nada peor que una escapada romántica. A los protagonistas de The Beach House, de Jeffrey A. Brown, dos tortolitos universitarios, les hubiese venido de perlas esta información. El viaje de enamorados se convertirá en una carrera para la supervivencia cuando unos invitados inesperados comienzan a mostrar signos de una misteriosa infección. En Antrum, the Deadliest Film Ever Madelos directores Michael Laicini y David Amito vendrán a Sitges a presentar la película más mortal de la historia que, gracias al negativo encontrado, está lista para su reestreno. Y el actor Federico Bal también visitará la Sección Panoràmic Fantàstic para contar cómo en Crímenes imposiblesde Hernán Findling, el trabajo de detective y la investigación de una serie de crímenes que desafían cualquier lógica y que los medios catalogan como imposibles, no es tarea fácil.

Porno

En la cada vez más popular Midnight X-Treme, este año prácticamente se duplica el número de películas proyectadas. En total son veintitrés títulos los que componen la sección, entre los que cabe destacar a Scare Packageun vertiginoso viaje por todos los subgéneros del terror, en el que distintos talentos del fantástico más independiente se van pasando la pelota a la caza de gags sanguinolentos, desde mutaciones purulentas hasta toda clase de slashers improbables; Aloneel film de instinto de supervivencia de James Cullen Bressack, con la visita al Festival de su actriz, Yulia Klass; y Pornouna historia de adolescentes que trabajan en el cine de un pequeño pueblo de devotos cristianos y descubren una antigua película en el sótano del local, del joven director Keola Racela, que también acudirá a Sitges para presentar este hilarante e inesperado film.

Charles Band: premio Màquina del Temps y retrospectiva 

Y hablando de visitas, una de las más especiales será, sin duda, la de Charles Band, uno de los productores más prolíficos de la Serie B de Hollywood durante los años 80 y 90, quien recibirá un premio Màquina del Temps a su trayectoria formada por centenares de películas de terror, ciencia ficción, fantasía y comedia. En Brigadoon 2019 se proyectarán algunos de los títulos más importantes de su filmografía, tanto en su faceta de productor como en la de director, gracias a la colaboración de Planet Horror con el Festival. Dentro de su labor como productor se programarán Creepozoids (1987)de David DeCoteau, donde un grupo de sobrevivientes intenta evitar las confrontaciones de la Tercera Guerra Mundial; Demonic Toys (1992), de Peter Manoogian, en la que un demonio posee a los juguetes de un depósito  y los envía a la búsqueda del alma del aún nonato bebé de una mujer; y el clásico dirigido por David Schmoeller, Puppet Master (1989)en el que unos títeres se convierten en unas pequeñas bestias asesinas. En cuanto a su faceta de director se podrán ver dos clásicos de su filmografía: Head Of The Family (1989)un auténtico clan de monstruos al servicio del mal, y The Creeps (Deformed Monsters) (1997), donde unas enfurecidas criaturas que han vuelto a la vida, pero a escala reducida, harán todo lo posible por recuperar su tamaño natural.

Anima’t llega cargada de grandes maestros

Away

Además de las ya anunciadas White SnakeLes Hirondelles de Kaboul y The Wonderland, las producciones de animación japonesas Human Lostde Fuminori Kizaki y Ride Your Wave, de Masaaki Yuasa, se suman a la programación de Anima’t, que también proyectará la cinta de animación minimalista y evocadora realizada completamente en solitario por Gints Zilbalodis Away, ganadora de uno de los principales premios en el pasado festival de Annecy. En sesión especial se proyectará la nueva película de Makoto Shinkai, Weathering With Youdespués del éxito y fenómeno de 2016, Your Name.

Horarios y venta de entradas

La programación completa de Sitges 2019 y sus horarios está ya disponible en la web del Festival, mientras que la venta de entradas se iniciará el próximo miércoles, 18 de septiembre. Los espectadores que hayan adquirido previamente un abono o un pack podrán acceder a la compra el martes, 17 de septiembre.

Más información: www.sitgesfilmfestival.com

Published in: on septiembre 13, 2019 at 6:13 am  Dejar un comentario  
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Maniac Cop 2 [tv/vd/dvd/bd: Maniac Cop 2]

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Título original: Maniac Cop 2

Año: 1990 (Estados Unidos)

Director: William Lustig

Productores: Larry Cohen, John S. Engel

Guionista: Larry Cohen

Fotografía: James Lemo

Música: Jay Chattaway

Intérpretes: Robert Davi (detective Sean McKinney), Claudia Christian (Susan Riley), Michael Lerner (Edward Doyle), Bruce Campbell (Jack Forrest), Laurene Landon (Theresa Mallory), Robert Z’Dar (Matt Cordell), Leo Rossi (Turkell), Lou Bonacki (detective Lovejoy)…

Sinopsis: Matt Cordell ha logrado escapar tras el incidente en el muelle y prosigue su sádica matanza por todo Manhattan. Mientras tanto, Jack y Theresa no consiguen que su superior, el comisario Doyle, tome en serio su relato de lo ocurrido, por lo que les manda a ser reconocidos por la psiquiatra del cuerpo de policía, Susan. Cuando Jack es asesinado por Cordell, la investigación del caso se asigna al detective McKinney, un tipo individualista y de métodos poco ortodoxos que pronto se verá obligado a buscar la ayuda de Susan para detener a Cordell, a la vez que este se alía con Turkell, un asesino de bailarinas de striptease.

Maniac Cop 2-2

En Maniac Cop 2 [tv/vd/dvd/bd: Maniac Cop 2, 1990] Larry Cohen como guionista y productor y William Lustig como director volvieron a unir esfuerzos para realizar una continuación directa de Maniac Cop [tv/vd/dvd/bd: Maniac Cop, 1988] que fuera diferente pero no traicionara el tono de su predecesora. Resuelto ya el misterio de la identidad del policía homicida, la secuela olvida la trama del falso culpable, aunque recoge y amplifica el planteamiento de la original, que como ya se indica desde el propio título consiste en la utilización, esta vez incluso con más ironía y humor negro, de las convenciones de dos géneros muy populares en el momento de su realización: el cine de acción policiaca, variante justicieros urbanos, y el terror, concretamente el slasher.

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Uno de los principales modelos para construir las nuevas andanzas del policía asesino son las secuelas que formaban las interminables sagas terroríficas del momento. Por ejemplo, el que antes de los créditos iniciales se retoma el clímax de Maniac Cop a modo de prólogo[1], o que los supervivientes de la anterior sean las primeras víctimas (o casi las primeras), aunque es cierto que en este caso tienen algo de protagonismo antes de ceder el testigo a los nuevos personajes, de modo que su muerte resulte más inesperada. También existe una nada disimulada intención de convertir a Matt Cordell, el policía que regresó de la tumba para vengar su asesinato y reputación mancillada, en una suerte de villano estrella al modo de los que protagonizaban dichas series, con Freddy Krueger como principal exponente. Para ello se utilizan sin pudor elementos de la saga de Elm Street. Algunos ya se habían visto en Maniac Cop, como el arma personalizada que utiliza Matt Cordell, una porra que sirve como funda de su letal machete, o el tema musical que acompaña a sus apariciones, unos sencillos y siniestros acordes verdaderamente parecidos a los compuestos por Charles Berstein para el clásico de Craven. Ahora se añade una canción infantil, también similar a la que ayudaba a convertir al asesino de niños de Elm Street en una leyenda urbana que subyacía en el inconsciente colectivo. Y la forma de detener la venganza de ultratumba de Cordell, obteniendo la confesión de uno de los policías que le enviaron injustamente a prisión, para reabrir su caso y limpiar su nombre, además de destruir su tumba vacía y dar sepultura a su cuerpo con los honores propios de los agentes muertos en acto de servicio, es una especie de exorcismo, versión moderna de los antiguos métodos para acabar con los monstruos clásicos (estaca, crucifijo, plata…), que remite al desenlace de la exitosa Pesadilla en Elm Street 3: Los gerreros del sueño (A Nightmare on Elm Street 3: Dream Warriors, Chuck Russell, 1987). Incluso en los créditos finales de Maniac Cop 2 suena un rap cómico dedicado al villano de la función, como sucede en Pesadilla en Elm Street 4: El amo del sueño (A Nightmare on Elm Street 4: The Dream Master, Renny Harlin, 1988).

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También se incrementa el factor sobrenatural del personaje, como se puede apreciar en su primera intervención durante el atraco en una tienda de comestibles abierta veinticuatro horas. Su figura se recorta a contraluz, acompañado por una niebla espectral, las balas ya no solo no le hieren, sino que le atraviesan, y aparece y desaparece del escenario como por arte de magia, resultando más un fantasma que un muerto viviente. Esta excelente escena ejemplifica muy bien las intenciones del film aglutinando tanto terror como thriller, siempre desde una mirada irónica. Incluso contiene una referencia a una película tan significativa como Cobra, el brazo fuerte de la ley (Cobra, George P. Cosmatos, 1986): el actor que interpreta al atracador es Marco Rodríguez, que ejercía idéntico papel al principio de la cinta con Stallone; cuando invita, recortada en mano, al dependiente a escapar, este rehúsa asustado como si hubiese visto Cobra, en la que el delincuente disparaba a un rehén por la espalda después de instigarle a huir.

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No se desestiman tampoco las convenciones del cine policíaco, como el estereotipado personaje de McKinney, salido del mismo molde que cualquier justiciero urbano de la era Reagan, o algún apunte de las célebres buddy movies: McKinney deberá aprender a trabajar en equipo con una aliada que en principio desprecia, la psicóloga Susan. En paralelo, el policía maniaco busca la complicidad de un asesino en serie, Turkell, para llevar a cabo su venganza. Este personaje tiene un aspecto similar al de Charles Manson y la personalidad del típico fanfarrón cuyo objetivo es el inevitable alivio cómico del cine estadounidense[2]. La relación entre estos dos personajes da lugar a una escena en la guarida de Turkell que referencia a aquella de La novia de Frankenstein (Bride of Frankenstein, James Whale, 1935), en la que Hermit, el ermitaño ciego, ayudaba al monstruo.

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Maniac Cop 2 reúne de nuevo a un excelente reparto. Además de repetir sus papeles Bruce Campbell, intérprete que pasará a la posteridad por haber dado vida a Ash en la saga iniciada por Posesión Infernal (The Evil Dead, Sam Raimi, 1981), Laurene Landon, muy ligada al cine de Larry Cohen, Robert Z’Dar, dando no-vida al célebre policía asesino, y Lou Bonacki, como el incompetente detective Lovejoy, se incorporan Robert Davi, recién salido de interpretar al villano Bond en 007: Licencia para matar (Licence to Kill, John Glen, 1989), Claudia Christian, que había tenido un destacado papel en Hidden (Lo oculto) (The Hidden, Jack Sholder, 1987) y que parece ser que se llevó a matar con William Lustig, el prolífico Michael Lerner, que en breve sería nominado al Óscar por Barton Fink (Barton Fink, Joel Coen y Ethan Coen, 1991) y Leo Rossi, que repetía con Lustig tras la reciente Fuera de sí (Relentless, 1989). También hacen breves intervenciones Charles Naiper, Clarence Williams III o Danny Trejo, entre otros. Sam Raimi repitió su cameo, pero esta vez se quedó en la sala de montaje.

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El aumento de presupuesto con respecto a la original se deja notar en todos los aspectos del film, especialmente en una excelente factura[3] y el incremento de las escenas de acción. El tosco maquillaje que apenas se veía unos segundos al final de Maniac Cop, mejora notablemente gracias a la creación del maquillador de efectos especiales Dean Gates, configurando el aspecto definitivo de Cordell, ahora más putrefacto y cadavérico como consecuencia de haber pasado bajo el agua un tiempo indefinido. Por otra parte, la labor de los especialistas, ya muy importante en Maniac Cop, cobra aquí un especial protagonismo con todo tipo de escenas de riesgo que incluyen peleas, accidentes automovilísticos, caídas desde grandes alturas e, incluso, algunas de estas acrobacias con el cuerpo envuelto en llamas. Destacan un par de persecuciones verdaderamente espectaculares, en especial la que involucra a un coche patrulla y un taxi, dos pilares en la imagen de la ciudad de Nueva York. El ataque a la comisaría es una versión corregida y aumentada del que se producía en Maniac Cop, a su vez inspirado por Terminator (The Terminator, James Cameron, 1984). El arranque de dicha secuencia proporciona una emblemática imagen, cuando en una sala de prácticas de tiro Matt Cordell sale de detrás de las siluetas que sirven como diana para acribillar brutalmente a los agentes que entrenaban.

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Como no podía ser de otra manera, el guión del subversivo Larry Cohen aprovecha para arremeter contra cualquiera que se ponga por delante: los policías son reaccionarios, corruptos y/o violentos, los taxistas hoscos y estafadores, los presentadores de televisión sensacionalistas y retrógrados, y los ciudadanos neoyorquinos, en general, insensibles y egoístas. En definitiva, un paisaje humano cuyo principal rasgo es la amoralidad.

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Todo este batiburrillo resulta estar sorprendentemente equilibrado, con una impecable estructura que dosifica las escenas de acción y cada pocos minutos ofrece un nuevo giro, lo que confiere al film un ritmo envidiable que se traduce en un genuino entretenimiento de acción terrorífica, una vibrante continuación de su carismática predecesora, que no se limita proponer una deslavazada repetición, sino que amplía su historia de forma divertida e ingeniosa. Lamentablemente, a pesar de que su calidad lo merecía, la película no consiguió el apoyo de ninguna distribuidora para su difusión en las salas de Estados Unidos, por lo que se estrenó directamente en vídeo, certificando así el cambio de hábitos que se iba a producir en el consumo de la serie B durante los años noventa.

Nacho Carrero

[1] Como sucedía en Sanguinario (Halloween II, Rick Rosenthal, 1981) o en las primeras continuaciones de Viernes 13, entre otras muchas.

[2] Dicha personalidad proporciona un simpático guiño a God Told Me To [tv/vd/dvd/bd: Demon, 1976], de Larry Cohen, cuando Turkell asegura que él no es “de los que suelen oír voces”. Por descontado, el personaje también remite a Maniac [vd/dvd: Maniac,1980] de William Lustig. De hecho se ha dicho que estaba previsto que lo interpretara Joe Spinell, protagonista y principal responsable con Lustig de Maniac, lo que no pudo ser por su repentina muerte en enero de 1989. Maniac Cop 2 está dedicada a su memoria.

[3] Inevitablemente, la académica labor de planificación y fotografía hace que la sordidez e inmediatez de la original sea sustituida por una pulcritud que provoca que parte de su áspero encanto quede por el camino.

 

Presentación de “La casa de los horrores de Tobe Hooper” el próximo 21 de septiembre en Madrid

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El próximo 21 de septiembre a partir de las 19 horas “La mansión del terror”, sita en la calle Alondra nº 44 (Metro Vista Alegre), acogerá la presentación en Madrid de La casa de los horrores de Tobe Hooper, en un acto que contará con la asistencia de varios de los autores de este libro monográfico coordinado por Carlos Díaz Maroto y un servidor, José Luis Salvador Estébenez, quienes también estaremos presentes.

Recientemente publicado por la editorial Vial of Delicatessens, La casa de los horrores de Tobe Hooper ofrece un recorrido pormenorizado por la trayectoria del finado cineasta, responsable de hitos del cine de terror moderno del calibre de La matanza de Texas, Poltergeist o la miniserie El misterio de Salem’s Lot, entre otros. Para ello, a lo largo del volumen son repasados tanto sus títulos para la gran pantalla como sus trabajos para el medio catódico, sin olvidar sus proyectos nonatos. Como complemento, el libro se remata con diferentes artículos dedicados a analizar diversos aspectos relacionados con la obra de Hooper, del que también se ofrece una entrevista.

Tras pasar los últimos años de su vida sumido en el ostracismo profesional y mediático, el fallecimiento de Tobe Hooper el verano del pasado 2017 trajo su figura de vuelta a la primera plana de la actualidad. Curiosamente, las numerosas notas necrológicas aparecidas coincidían en señalar que se trataba del director de La matanza de Texas, corriendo en cambio un tupido velo sobre el resto de su trayectoria, dejando así entrever su teórica irrelevancia. Y es que el impacto cosechado por el citado título, aún vigente casi medio siglo después de su estreno y nunca superado por su realizador, ha provocado la falsa imagen de que el resto de su obra carece del menor interés. Nada más lejos. La deriva que fue apoderándose de su trayectoria con el transcurrir de los años no invalida los diversos e innegables aciertos acumulados a lo largo de sus primeras obras, y que convirtieron a Hooper en una de las voces principales con las que contó el cine de terror durante las décadas de los setenta y ochenta.

Partiendo de esta base, La casa de los horrores de Tobe Hooper nace con el propósito de evaluar en su justa medida la obra del cineasta estadounidense, empleando para ello un análisis que aúne rigor crítico y ecuanimidad, pero sin huir de la subjetividad propia que una obra coral siempre conlleva. Para tal fin el presente libro cuenta con la participación de Ignacio Carrero, Jorge Loser, Juan Andrés Pedrero Santos, Juan Pedro Rodríguez Lazo y Fernando Rodríguez Tapia, así como de los citados coordinadores de la obra Carlos Díaz Maroto y José Luis Salvador Estébenez. Además, el volumen está prologado por Paco Cabezas, uno de nuestros cineastas más internacionales, quien actualmente se encuentra en los Estados Unidos trabajando en series de la popularidad de Into de Badlands, Penny Dreadful o El alienista, y fan confeso de la obra de Hooper.

Published in: on septiembre 11, 2019 at 5:53 am  Dejar un comentario  

La sección “Seven Chances” ofrecerá en Sitges 2019 un año más el fantástico perdido

“Seven Chances”, la sección que Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya programa en colaboración con la Asociación de la Crítica y la Escritura Cinematográfica de Catalunya (ACCEC), vuelve a reivindicar la historia oculta del fantástico. Una línea de programación estrenada con éxito el pasado año que hace valer el compromiso del Festival y de la Asociación con la divulgación y reexamen crítico de obras difíciles de ver y a menudo olvidadas en el canon del cine de género.

En este sentido, la inauguración de “Seven Chances 2019” será toda una declaración de intenciones, acogiendo el estreno en Cataluña de Vaya luna de miel. Se trata de una película rodada por Jesús Franco en 1979 y que quedó inédita, perdida en la desbordante filmografía del cineasta, hasta su recuperación a principios de este año por parte de Filmoteca Española. Protagonizada por Lina Romay, habitual en sus películas, el filme es una adaptación sui generis de “El escarabajo de oro” de Edgar Allan Poe que mezcla sin complejos los mimbres de la comedia romántica y los del cine de aventuras. La sesión estará presentada por Álex Mendíbil, autor de la primera tesis doctoral dedicada a la obra de Jesús Franco cuya investigación condujo al descubrimiento del negativo de la película en los archivos de la Filmoteca.

The Juniper Tree

La sección también enmarcará la presentación internacional del nuevo montaje que Alejandro Jodorowsky ha realizado de The Rainbow Thief, la extravagante fábula que realizó en 1990 y que, a pesar de poseer un reparto encabezado por Omar Sharif, Peter O’Toole y Christopher Lee, tuvo una circulación muy limitada, quedando relegada hasta ahora a un lugar maldito en la trayectoria del creador chileno. Igualmente poco vista es The Juniper Tree, de Nietzchka Keene, directora estadounidense que en 1986 se desplazó a Islandia para rodar una adaptación en blanco y negro y sin edulcorantes del cuento de brujas homónimo popularizado por los hermanos Grimm. El filme está protagonizado por una jovencísima Björk, cuya presencia resultaba ya magnética mucho antes de convertirse en estrella del pop de vanguardia.

Cronenberg Crash

La flamante restauración de la versión íntegra de Crash también recalará en Seven Chances. Tras ser presentada con gran polémica en el festival de Cannes en 1996, esta obra fundamental del cine de David Cronenberg vio cómo su distribución se veía afectada por la censura en no pocos países. Supervisada personalmente por su autor, esta nueva copia sin adulterar exhibe en toda su gloria el acero y la carne maltrecha con que el cineasta canadiense llevó a la pantalla la prosa de J.G. Ballard.

Tammy & the T-Rex

Sumergiéndose aún más en las aguas profundas del género, Seven Chances pondrá el foco en dos perlas injustamente ignoradas. Por un lado con The Living Skeleton, de Hiroshi Matsuno, una de las contadas producciones fantásticas emprendidas en la década de los sesenta por la prestigiosa Shochiku, casa de Yasujiro Ozu y otros insignes autores japoneses, que presenta una insólita mezcla de piratas modernos, barcos fantasma, identidades ocultas y necrofilia, en una película que apenas ha circulado fuera de su país de origen. Por el otro, con Tammy & the T-Rex, delirante parodia del cine teen dirigida por Stewart Raffill -responsable de títulos como El experimento Filadelfia y Mi amigo Mac– y protagonizada por Denise Richards como enamorada de un tiranosaurio al cual le han trasplantado el cerebro de Paul Walker. Radicalmente cortada en su fallido estreno en salas para poder acceder a un público juvenil, la versión restaurada que se verá en Seven Chances recupera los gags gore que formaban parte integral de una de las propuestas más inenarrables que se verán en Sitges este año.

Horror-Noire

Por último, la “séptima ocasión” de 2019 representa la vertiente más didáctica de la sección, dando cabida a Horror Noire: A History of Black Horror, reciente documental de Xavier Neal-Burgin que reflexiona sobre la representación de la cultura afroamericana en el cine de terror. Un relato de racismo, blaxploitation y orgullo que arroja luz sobre un tema poco estudiado y que merece más atención.

Todas las películas de Seven Chances se proyectarán en la sala Casino Prado y estarán presentadas por socios y socias de la ACCEC, ofreciendo una ocasión irrepetible para descubrir y debatir sobre los tesoros de la historia perdida del fantástico.

Más información: www.sitgesfilmfestival.com

Published in: on septiembre 10, 2019 at 2:11 pm  Dejar un comentario  
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“SalaZeta”: El peor cine del mundo llega a la SalaEquis de Madrid gracias a los responsables de CutreCon

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CutreCon, el Festival Internacional de Cine Cutre de Madrid, organiza “SalaZeta”, un ciclo cinematográfico donde se proyectarán algunas de las “peores películas del mundo” y que comenzará el 13 de septiembre en la Sala Equis, sita en la calle del Duque de Alba nº 4 de Madrid.

De esta forma, “SalaZeta” programará sesiones golfas “interactivas” con todo tipo de filmes “insólitos, demenciales, catastróficos e involuntariamente desternillantes, que harán las delicias de aquellos cinéfilos abiertos a nuevas experiencias”, según afirman sus responsables. En este sentido, añaden que, “como ya ha demostrado el festival CutreCon en sus ocho años de historia, ver “cine malo” en compañía es muy divertido” y, por ello, en estas proyecciones se permitirá la libre participación y los comentarios del público, para “disfrutar aún más de cada película”.

La primera cinta del ciclo, que se podrá ver el 13 de septiembre a las 23:30 horas, será la producción hongkonesa de acción Thunder Cops (1989), una cinta donde se mezclan zombies, cabezas voladoras -un subgénero del cine de terror muy popular en Asia-, fantasmas, artes marciales y mucho humor. “Es posiblemente la película hongkonesa más bizarra de la historia”, señalan desde Trash-O-Rama Distribución, firma encargada de traer a España los largometrajes escogidos para este ciclo.

La segunda película de “SalaZeta” será Detective Dee and the Road to Hell (2018), donde el famoso detective chino -icono de la cultura popular de su país- se enfrenta a hordas de demonios y zombies, en una cinta que “no tiene absolutamente nada que ver con la saga de Tsui Hark; que nadie se confunda y luego reclame el dinero”, advierten con humor los organizadores.

Detective Dee and the Road to Hell

Las entradas para la proyección de Thunder Cops el 13 de septiembre ya están a la venta de forma anticipada en la taquilla del recinto y también online a través del siguiente enlace, mientras que las de correspondientes al pase de Detective Dee And The Road to Hell del 20 de septiembre se pueden también adquirir ya de forma anticipada en taquilla o en el siguiente enlace.

Published in: on septiembre 10, 2019 at 5:43 am  Dejar un comentario  

La tía Alejandra

La tía Alejandra-poster

Título original: La tía Alejandra

Año: 1979 (México)

Director: Arturo Ripstein

Productora: Estudios Churubusco Azteca S.A.

Guionistas: Delfina Careaga, Sabina Berman según una novela de Delfina Careaga

Fotografía: José Ortiz Ramos

Música: Luis Hernández Bretón

Intérpretes: Isabela Corona (Tía Alejandra), Diana Bracho (Lucía), Manuel Ojeda (Rodolfo), María Rebeca (Martita), Lilian Davis (Malena), Adonay Somoza Jr. (Andrés), Yaco Alva (boticario), Juan José Espinoza, María Barber (recepcionista casa de socorro), Humberto Vilches, Ignacio Retes (doctor), Ana María Hernández (abuela), Cecilia Leger (vecina), Inés Murillo (vendedora de flores), María Antonieta Murillo (vendedora de velas)…

Sinopsis: Tras la muerte de su madre, a la que ha cuidado durante toda su vida, la tía Alejandra llega a la casa de su sobrino, en la que vive junto a su mujer y sus tres hijos. La llegada de la anciana significa la solución a los problemas financieros que arrastra la familia debido a su fortuna heredada. Pero, sin embargo, la presencia de la mujer coincidirá también con el inicio de una serie de inexplicables accidentes que acabarán por cobrarse la vida de varios de los miembros de la casa.

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Arturo Ripstein pasa por ser uno de los directores más reputados e importantes del cine mexicano de los últimos cincuenta años. Alumno de Luis Buñuel, del que fue ayudante en El ángel exterminador (1962), respetado por la crítica y ganador de prestigiosos festivales, es lo que se dice un autor cinematográfico. Es por ello que, en el contexto de una obra poblada por melodramas barrocos y adaptaciones de célebres referentes literarios, la existencia de un film como La tía Alejandra (La tía Alejandra, 1979) supone poco menos que una rara avis. No solo eso, sino que su pertenencia al género terrorífico ha propiciado que su alcance haya sido poco menos que minusvalorado en favor de otros títulos de su artífice más sujetos a  la ortodoxia. Y eso, a pesar de tratarse de uno de los exponentes más interesantes surgidos en el seno del cine fantástico azteca.

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No obstante, la atipicidad de La tía Alejandra no se limita a la filmografía de su responsable, sino que también se hace extensible al cine de terror de la época, por más que su propuesta conecte con los aires renovadores que por aquellas mismas fechas directores como Carlos Enrique Taboada y Juan López Moctezuma venían insuflando a la cinematografía genérica de aquel país. En este sentido, resulta cuanto menos paradójico que a causa de su temática se la haya considerado de forma habitual una suerte de respuesta autóctona a la coetánea oleada de cintas de contenido satanista que encabezara El exorcista (The Exorcist, 1973). Máxime, cuando, frente el efectismo que impusiera como canon la película de William Friedkin, la película de Ripstein basa su potencial en la sobriedad narrativa, erigiéndose en un perfecto exponente de cómo el cine de terror no necesita del concurso de aparatosas secuencias para conseguir su cometido.

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En sintonía con este planteamiento, el director de Profundo carmesí (1996) despoja a sus imágenes de cualquier tipo de adorno o artificio, decantándose para ello por una puesta en escena en teoría funcional y sencilla, en la que proliferan los planos sostenidos de encuadres abiertos, pero rica en detalles y simbolismos. Quizás la mejor muestra de la ingeniosa simpleza de la realización de la que hace gala Ripstein se encuentra en el inteligente uso que hace de la pista de sonido como medio para generar tensión. Es paradigmática a este respecto la secuencia en la que la anciana del título acude a un puesto de un mercado a comprar una serie de extraños productos, entre los que se encuentra el esqueleto de un lagarto. Aunque las imágenes muestran la escena con todo lujo de detalles, el hecho de que el ruido de fondo impida que se escuche la conversación que mantiene Alejandra con la tendera y, con ello, la posible utilidad que pudieran tener semejantes potingues, otorga al momento una inquietud que en otras circunstancias sería imposible de lograr.

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Ejemplos como el expuesto dan buena cuenta de cómo con pocos elementos Ripstein va alimentado un clima de extrañeza, cimentado sobre la inquietud, la ambigüedad y el poder de sugerencia de los diálogos, actitudes y gestos —cf. cuando en una de las primeras escenas uno de los niños de la casa le pregunta a Alejandra cuántos años tiene, esta le contesta que su edad es de mil años; una respuesta que en un principio se antoja sarcástica, pero que más adelante se verá que no lo es—, que a la larga se traduce en la creación de un suspense in crescendo. Todo ello es arropado por una atmósfera cerrada, malsana y siniestra, a la que contribuye el que apenas existan secuencias alejadas de las inmediaciones de la casona en la que transcurre el relato. Aunque quizás el principal valor que atesora el conjunto se encuentra en el trabajo de los actores, en particular el de una inmensa Isabela Corona que sabe dotar de los matices necesarios al nada fácil papel protagonista. Véase al respecto los gritos desgarrados y casi inhumanos que profiere cada vez que su personaje es atacado o no se sale con la suya, capaces por sí solos de poner los pelos de punta.

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Pero, con ser efectivo, el alcance de La tía Alejandra va más allá de su primigenia condición de relato terrorífico. Su mezcla de horror y cotidianidad propicia que, tras su fachada argumental, pueda percibirse una atinada y jugosa metáfora en torno a la institución familiar. Al fin y al cabo, no es difícil asimilar a esa, en apariencia, desvalida viejecita acogida por unos familiares que se descubrirá una bruja como una personificación del viejo modelo familiar centrado en el respeto por las tradiciones, las apariencias y, sobre todo, la religión, que trata de perpetuar su legado inculcando sus valores a las nuevas generaciones, representadas en última instancia y de forma significativa por Martita, la hija menor del matrimonio, la cual acabará por convertirse en el objeto del enfrentamiento entre Alejandra y la madre de la niña. No se trata pues de la arquetípica lucha entre el bien y el mal, sino una confrontación entre modernidad y atavismo, como demuestra el hecho de que la primera en recelar sobre la auténtica personalidad de la recién llegada sea la hija mayor, estudiante de química o, lo que es lo mismo, representante de la óptica racionalista, quien no por casualidad viene a significar la némesis científica de las prácticas esotéricas de la tía. Tanto es así que al conocer la naturaleza de sus estudios, la bruja ofrecerá su ayuda a la joven, dejando entrever de este modo sus conocimientos sobre una materia que no le es ajena.

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De este modo, antes que hacer el mal o causar el terror, el verdadero objetivo de la bruja en la historia es la de detentar una posición dominante en su nuevo hogar, ya sea por las buenas o por las malas. Así, si en un primer momento la anciana se vale de su poder económico para asegurarse un lugar de poder en la casa, al aliviar con él los problemas financieros que arrastra la familia, una vez deje de esconder sus extrañas conductas procederá a eliminar uno por uno a todos los miembros del clan que recelen de su presencia, haciendo buena aquella máxima del ojo por ojo y diente por diente. La tía Alejandra supone así una especie de cáncer parasitario que viene a destruir desde dentro a la familia que la ha amparado, idea esta que es plasmada mediante la aparición de esas manchas que se extienden por las desnudas paredes de la casa a medida que la anciana va desplegando sus poderes y que en cierto modo remiten a cierto detalle de “La caída de la casa Usher” de Edgar Allan Poe.

José Luis Salvador Estébenez

Published in: on septiembre 9, 2019 at 5:54 am  Comments (2)  

“Fimucinema” presenta la selección de trabajos a concurso para su próxima edición

FIMUCINEMA 2019

La organización del Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife-FIMUCITÉ que coordina de Manuel Díaz Noda, ha presentado la selección de “Fimucinema”, la sección oficial a concurso del certamen y que estará compuesta por veinticinco cortometrajes, seis documentales y seis largometrajes de ficción seleccionados entre las propuestas inscritas en el marco de su séptima convocatoria, presentados principalmente desde España y Estados Unidos, junto con Francia, Italia, Alemania y Canadá. Este año, el jurado responsable de evaluar estos trabajos estará compuesto por los músicos Osvaldo Montes (en calidad de presidente) y Harry Manfredini, los cineastas canarios Vasni Ramos y Mercedes Afonso y el creador de la web especializada en música de cine SoundTrackFest, Gorka Oteiza. El palmarés se desvelará el domingo 29 de septiembre en el Auditorio de Tenerife Adán Martín, durante el concierto “Campeones de la gran pantalla”.

Los seis seleccionados para el Premio Alex North a Mejor Partitura Original para largometraje de ficción son: Jim Button and Luke the Engine Driver, superproducción alemana basada en una popular novela de Michael Ende con música de Ralf Wengenmayr, quien cuenta con trabajos previos como Los imprevistos del amor o las dos entregas de Vicky el vikingo; In Full Bloom, cinta de producción japonesa ambientada en la Segunda Guerra Mundial entorno al mundo del boxeo, con música de Andrew Kawczynski (The Amazing Spider-Man 2: El poder de Electro); The Bird Catcher, cinta noruega, también ambientada en la Segunda Guerra Mundial, con una partitura de Jim Copperthwaite (con documentales en su haber como When Playboys Ruled the World o Steve McQueen: The Man & Le Mans; La Palma, producción alemana rodada íntegramente en la isla canaria, con música de David Reichelt; Lo que siento por ti, película de República Dominicana sobre familias con niños con discapacidad, cuya banda sonora corre por cuenta de Sergio Jiménez Lacima, ganador del Premio Alex North el año pasado con La isla rota); y Celeste, película australiana protagonizada por Radha Mitchell (El fuego de la venganza, Silent Hill) y con música del compositor Antony Partos (Animal Kingdom, Tanna).

La categoría de documental oscila entre temáticas vinculadas con la naturaleza y el arte. American Mirror. Intimations of Immortality es un acercamiento a la obra del Tigran Tsitoghdzyan, que también reflexiona sobre los patrones de belleza en la era de las redes sociales, en el que juega un papel determinante la música de Mark Petrie (cuyas composiciones hemos podido escuchar en multitud de tráilers como los de Blade Runner 2049 o Vengadores: Endgame). Pinazo. Notas y pensamiento analiza la obra del genial pintor valenciano y cuenta con una partitura de Josué Vergara, quien recibió el Premio a Mejor Canción Original en Fimucinema 2017 por “Sonríe”. Finding Bobbi. A Search for Self traslada el foco del arte a la interpretación, con enfoque LGTBIQ+, a través de la figura de la actriz trans Bobbi-Jean Charlton. La música corre a cargo de John McMillan, quien ejerció de asistente de Brian Tyler en títulos como Los mercenarios 2 o Iron Man 3. The Superpowers of the Bear estudia como los osos pueden ser fundamentales para el futuro de la humanidad. El apartado musical corre a cargo de Olivier Militon, ya seleccionado en Fimucinema en 2016 por su música para el cortometraje The Father. Por su parte, 700 Sharks se sumerge en las aguas de Polinesia en busca de la mayor conjunción de tiburones del planeta a través de la banda sonora de Julien Jouen, un músico con una gran afinidad por la naturaleza. Cierra la categoría de documentales, The Perfect Gangster, cinta en torno a los bajos fondo de la mafia de Nueva York, con partitura de Ryan Stevenson.

En la categoría de cortometrajes que optan también al premio Fimucinema a la Mejor Partitura Original, compositores como Manel Gil-Inglada (seleccionado por Trivial y The Dark), Luis Hernáiz (Premio Fimucinema en el apartado de documental el año pasado por Invierno en Europa y seleccionado este año por Miedos), Ginés Carrión (La tercera parte), Iván Capillas (Confía en mí), Antonio Asiáin (Miserere), el ya mencionado Josué Vergara (con doble presencia en esta categoría por Lobisome y Tiempo de blues) o Jonay Armas (El zoo de papel) son algunos de los seleccionados que ya cuentan con recorrido en estos premios. El francés Mathieu Alvado (presente con Rebirth y Safety) y la alemana Anne-Kathrin Dern (Broken) son reincidentes extranjeros en estos galardones. Alberto Torres (Bicho, Vico Bergman), Joseba Beristain (La noche), Raúl Galván (Las aventuras de Sancho), Kasem Fahmi (Demasiado lejos para escucharlo todo), Pablo Trujillo (Una noche cualquiera), Jonas Lechenmayr (Tariq), Daniel Trujillo (Nana), y Pau Loewe (La guarida), por parte de la producción nacional, y Alexandre Bouvier (L’Age d’Or), Christy Carew (Virtually), Jonathan Galland (The Ribbon) y Yi Liu (HerT), por parte de la extranjera, se unen este año a la familia de seleccionados de Fimucinema.

La programación completa con todos los horarios de las proyecciones está disponible en la web de FIMUCITÉ https://fimucite.com/13/

Published in: on septiembre 8, 2019 at 7:47 am  Dejar un comentario