Sharknado 5: Aletamiento global

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Título original: Sharknado 5: Global Swarming

Año: 2017 (Estados Unidos)

Director: Anthony C. Ferrante

Productor: David Michael Latt

Guionista: Scotty Mullen basado en los personajes creados por Thunder Levin

Fotografía: Ryan Broomberg

Música: Christopher Cano, Chris Ridenhour

Intérpretes: Ian Ziering (Fin), Tara Reid (April), Cassandra Scerbo (Nova), Billy Barratt (Gil), Yanet Garcia (Chara), Porsha Williams (Andromeda), Chris Kattan (primer ministro), Doug Censor Martin (Jack, piloto de hélicoptero), Clay Aiken (Llewelyn), Samantha Fox (Sra. Moore), Jeff Rossen, Kate Garraway, Charlotte Hawkins, Laura Tobin, Louie Spence (Calvin), Katie Price (Connery), Bret Michaels, Tom Daley, Charo (la reina de Inglaterra), Shel Rasten (Prince), David Naughton (embajador Kessler), Lucy Pinder (embajadora de Suecia), Jena Sims (celegada de la OTAN Lee), Ross Mullan (Dr. Wobbegon), Nichelle Nichols (secretario general Starr), Casey Batchelor (Lady Anne), Luisa Zissman (duquesa), India Thain (Dottie), Noush Skaugen (Helga), Abby Lee Miller (Dr. Bramble), Geraldo Rivera (Dr. Angel), Sasha Cohen (patinadora de hielo), Liliana Nova (Svetlanda), Gus Kenworthy (Skier), Cody Linley (Matt), Russell Hodgkinson (Steven), Anthony C. Ferrante (Dundee), Karl Stefanovic, Lisa Wilkinson, Claudia Jordan (Ursa), Olivia Newton-John (Orion), Chloe Lattanzi (Electra), Masiela Lusha (Géminis), Spencer Matthews (marinero Dan), Caprice Bourret (Polaris), Tony Hawk, John Hennigan (Rodolfo), LaChelle Hunt (Piscis), Greg Louganis (Zico), Victor Lamoglia (Bernard), Tiffany Pollard (Vega), Nathalie Odzierejko (Nicola), Marc Jarousseau (Claude), Downtown Julie Brown (Consejero), Fabio (Papa), Margaret Cho (Simone), Jai Rodríguez (Peter), Audrey Latt, Brady Latt, Moise Latt, Shin Kinoshita, Cat Greenleaf, Dan Fogler, Kathie Lee Gifford, Al Roker, Hoda Kotb, Benjy Bronk (Howard Beale), Yoshie Morino (Jasmine), Bai Ling (Mira), Gilbert Gottfried (Ron Mcdonald), Edward Grimes (Cameron), John Grimes (Mick), Oliver Kalkofe, Peter Rütten, Olli Schulz, Jan Delay, Stefan Sandrock, Linda Zervakis, Dietmar Wischmeyer, Sarah Knappik, Bela B., Joko Winterscheidt, Klaas Heufer-Umlauf, Oliver Welke, Tim Mälzer, Rob Vegas, Markus Lanz, Ingrid Van Bergen, Dieter Nuhr, Thomas Koschwitz, Julia Gámez Martin, Simone Panteleit, Sascha Vollmer, Dolph Lundgren (Gil adulto), Ana Florit, Andi Royer, Caroline Dillon, Courtney Quod, Diana Latt, Jennifer Quod, Jess Park, Kendall Anlian, Lisa Pirro, Madyson Hayes, Maeve Harris, Maria Cardoza, Michael Hardman, Sandy Latt, Sara Ann Fox, Sheila Goldfinger, Susee Villasenor, Tammy Klein, Veronica Palominos (hermanas del Sharknado), Kevin Matadeen, Raj Awasti, Des Barron, Benny Bereal, Kishore Bhatt, Barbara Cunningham, Daniel Eghan, James Heron, Paul O’Kelly, Jag Patel, Anthony Rogers, Elena Valdameri…         

Sinopsis: Con gran parte de Estados Unidos en ruinas, el resto del mundo espera un sharknado global. Durante su visita a Londres, Fin Shephard y su familia se ven envueltos en uno de estos sharknados, en el que el más joven de sus hijos queda atrapado en un “viajenado”. Junto con su mujer biónica April, Fin recorrerá todo el mundo para rescatar a su pequeño.

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A cinco años vista desde su sorpresiva irrupción, resulta incuestionable el alcance mediático que a estas alturas disfruta la saga Sharknado. Lo que en un principio se antojaba una moda pasajera fruto de la más simple casualidad, ha conseguido mantenerse en el tiempo hasta lograr la categoría de fenómeno, en gran parte gracias a las calculadas campañas de marketing con las que sus responsables han sabido capitalizar su tirón popular y rodear el lanzamiento de cada nueva secuela. De este modo, el estreno de cada nueva entrega, siempre coincidiendo con la época veraniega, se ha convertido en poco menos que una cita obligatoria que es esperada con curiosidad, cuando no expectación, por un nutrido grupo de espectadores para comprobar qué nuevas barrabasadas van a deparar las aventuras vividas por los Shepard en su lucha contra los sharknados. Y eso que, a decir verdad, cada secuela de la franquicia viene a ser más de lo mismo, como en principio demuestra su quinta parte, Sharkanado 5: Aletamiento global, estrenada el pasado 6 de agosto en los Estados Unidos.

SHARKNADO 5 -- Pictured: (l-r) -- (Photo by: Yana Blajeva/Syfy)

Dirigida una vez más por Anthony C. Ferrante, realizador de las cuatro anteriores entregas, sobre el papel su contenido se ajusta a lo ya esperado. A grandes rasgos se trata de repetir la fórmula acuñada por la saga a lo largo de este tiempo, consistente en una itinerante trama que sigue los esfuerzos del matrimonio formado en la ficción por Ian Ziering y Tara Reid por reencontrarse con alguno de sus familiares, mientras hacen frente a los efectos del huracán de tiburones asesinos, y que les lleva de localización emblemática a localización emblemática, dentro de una concepción espacial poco menos que de reportaje turístico. Si en anteriores ocasiones el sharknado azotó Los Ángeles, Nueva York, Washington, la Costa Oeste o, incluso, el espacio, esta vez su argumento recorre medio mundo, desde Londres a Tokio, pasando por Río, Suiza o Roma.

Sharknado 5: Global Swarming - Season 2017

Esta evidente potenciación a la que es sometida el número de ambientaciones empleadas, según esa máxima imperante dentro de la industria que dice que cada nueva secuela de una franquicia debe multiplicar los rasgos característicos de las anteriores entregas, es continuada por la cantidad de cameos que se dan cita en su metraje, tan numerosos que acaban por erigirse en el principal leitmotiv del desarrollo del film. Es decir, antes que responder a una mínima evolución lógica de los acontecimientos, la evolución narrativa es supeditada en todo momento a facilitar la aparición del mayor número de famosetes como sea posible, aunque en su mayoría resulten desconocidos más allá de los Estados Unidos[1] (o de Alemania, ya que en sintonía con la globalización de la propuesta, en esta ocasión hay también varias apariciones especiales de presentadores de la televisión germana). Lo mismo ocurre con la participación de viejas glorias cinematográficas en horas bajas que inaugurara en la anterior entrega David Hasselhoff dando vida en la ficción al padre de Ian Ziering, y que aquí comprende el concurso de Olivia Newton-John y un Dolph Lundgren en una aparición no publicitada por motivos que no desvelaremos.

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Sin embargo, dentro del perfil eminentemente continuista que maneja la propuesta, encontramos también varias novedades. A ello no es ajeno el que por primera vez en la historia de la franquicia el guion no haya corrido por cuenta de Thunder Levin, cuyo puesto ha sido ocupado por Scotty Mullen. Un cambio que ha servido para aportar savia nueva a esta secuela con respecto a sus predecesoras. Si bien los guiños y referencias a famosos films no era algo inédito en las anteriores entregas, Mullen ha sabido fomentar este componente hasta adquirir entidad propia dentro de la ecuación comentada, lo que por otra parte resulta de lo más consecuente viniendo de una producción de la Asylum, famosa por sus descarados plagios de los principales blockbusters hollywoodienses de cada temporada. En busca del arca perdida o Regreso al futuro son algunos de los títulos emblemáticos visitados y/o parodiados a lo largo de un film que participa así en la nostalgia por el cine ochentero que parece dominar gran parte de la producción fantástica actual.

SHARKNADO 5 -- Pictured: (l-r) -- (Photo by: Simon Mein/Syfy)

No obstante, quizás consciente de los evidentes síntomas de agotamiento y repetición que viene manifestando la fórmula en la que se apoya el invento, la principal aportación de Mullen se encuentra en su intento de crear una mitología propia para la franquicia, con la inclusión de hermandades, piedras mágicas, agujeros de gusano y otros ingredientes por el estilo que, aunque apenas desarrollados, además de potenciar el tono delirante del conjunto abren la puerta a nuevas vías temáticas que permitan la renovación de la saga de cara a futuras secuelas. Modestas mejoras, en cualquier de los casos, incapaces de elevar por sí solas el nivel medio del film -misión casi imposible a la vista de la nulidad de la puesta en escena de Ferrante y el pobre acabado de sus efectos infográficos-, pero que al menos hace que el visionado de este Sharknado 5 sea algo más llevadero que el de sus predecesoras.

José Luis Salvador Estébenez

[1] Buena muestra de ello es la presencia dando vida a la reina de Inglaterra de nuestra compatriota Charo Baeza, ex-mujer de Xavier Cugat y toda una celebrity en los Estados Unidos, a pesar de que en su país de origen sea prácticamente una desconocida.

Published in: on agosto 18, 2017 at 5:52 am  Dejar un comentario  

Yoshihiro Nishimura gana el Premio Sitges Pitchbox del festival coreano BIFAN 2017

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A mediados del pasado mes de julio el director japonés y especialista en efectos especiales y maquillaje Yoshihiro Nishimura se proclamó vencedor de la edición de este año del Sitges Pitchbox Award, celebrada dentro del marco del NAFF (Network of Asian Fantastic Films) del BIFAN – Bucheon International Fantastic Film Festival en Corea del Sur.

El proyecto que le ha valido este reconocimiento es el del thriller The Embalmer. Face of the Dead, producido por Midori Inoue. El premio incluye la visita de Nishimura como invitado en la tercera edición del Sitges Pitchbox, que se celebrará el próximo 6 de octubre, durante el Festival. Nishimura es director de títulos como HelldriverMutant Girls Squad o Ninja War of Torakage, todos ellos presentados en diferentes ediciones del Festival de Sitges.

Cabe recordar que Sitges Pitchbox es el acontecimiento de pitching organizado por la plataforma online Filmarket Hub en colaboración con el Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya. Aquellos guionistas, directores y productores que tengan un proyecto de género en fase de desarrollo pueden inscribirse hasta el 30 de agosto aquí.

Published in: on agosto 17, 2017 at 5:32 am  Dejar un comentario  
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Desvelado el spot oficial del Festival de Cine de Terror de Molins de Rei 2017

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A finales de la semana pasada el Festival de Cine de Terror de Molins de Rei dio a conocer el que será el spot oficial de su trigésimo sexta edición, que como es sabido tendrá lugar entre los próximos 10 y 19 de noviembre. El realizador Paco Ruiz es el responsable de esta pieza  protagonizada por el actor ruso Daniel Horvath y que se inspira en la famosa película Funny Games del realizador austriaco Michael Haneke, leitmotiv del Festival este año.

Aprovechando, cabe informar que el certamen organizará este año un nuevo networking como punto de encuentro entre cineastas emergentes y la industria. Todos aquellos directores con proyecto están invitados a presentarlo en esta cita, a la que también podrán asistir los espectadores que deseen disfrutar del pitch y los workshops.

El Networking se celebrará el jueves 16 de noviembre en la Federación Obrera de Molins de Rei y constará de tres workshops de formación para los cineastas seleccionados y de un pitching final entre estos y empresas del sector durante el cual podrán presentar sus proyectos. En cuanto a los proyectos que deseen participar, pueden estar en desarrollo, pre-producción, producción o postproducción pero no pueden estar acabados. Todos ellos se evaluarán con los mismos criterios de selección en base a un sistema de puntuación que, además del interés cinematográfico y autoral de la obra, tendrá muy en cuenta la adecuación de los materiales recibidos a las bases de la convocatoria. Los proyectos pueden ser tanto de largometrajes como de cortometrajes.

El plazo de presentación de proyectos se encuentra ya abierto y se cerrará el 20 de septiembre. El precio de inscripción será de 18€. En el caso de no ser escogidos, los inscritos tendrán acceso al Networking como espectadores. Para el resto de espectadores, el precio será de 6€.

Más información: http://www.molinsfilmfestival.com/es/

Published in: on agosto 16, 2017 at 5:30 am  Dejar un comentario  

In memoriam: Entrevista a Terele Pavéz

Como es sabido, el pasado viernes 11 de agosto fallecía Terele Pavéz a los 78 años de edad en Madrid, víctima de un derrame cerebral. Como homenaje, recuperamos en La abadía la entrevista aparecida en el número 26 del fanzine barcelonés “El buque maldito” y realizada durante la pasada edición del Festival de Sitges, en la que Terele fue galardonada con el honorífico Premio Nosferatu como reconocimiento a su trayectoria dentro del género fantástico, vinculación que viene dada, principalmente, por medio de su fecunda colaboración con Álex de la Iglesia, para el que participó en films como Las brujas de Zugarramurdi (2013), por el que consiguió el Goya a la mejor actriz de reparto, o la emblemática El día de la bestia (1995). Precisamente, su presencia en el certamen sería también aprovechada para apoyar la première mundial de Herederos de la bestia (2016), el documental que sobre tan fundamental título en el devenir del nuevo cine fantástico patrio dirigido por Diego López y David Pizarro.

Hermana de las también actrices Emma Penella y Elisa Montés, María Teresa Ruíz, más conocida popularmente por su nombre artístico, Terele Pavéz, sin duda, ha sido una de las damas de la actuación de nuestra escena en los últimos cincuenta años, ya fuera en teatro, cine o televisión. Así lo atestigua su presencia en títulos tan fundamentales en el devenir del cine español como de la premiada Los santos inocentes (1984), Réquiem por un campesino español (1985) o La comunidad (2000), además de la referida El día de la bestia, así como en las míticas series catódicas Cañas y barro (1978), La barraca (1979), Curro Jiménez (1976-1978), La huella del crimen (1985) y El Quijote de Miguel de Cervantes (1991), entre otros créditos que también incluye apariciones en el no menos recordado espacio de teatro televisado de Televisión Española Estudio 1, solo en su faceta audiovisual.

Terele Pavéz flanqueada por Diego López y David Pizarro durante la presentación del documental “Herederos de la bestia” en el Festival de Sitges.

Perteneces a una larga dinastía de artistas. ¿Puede decirse que el que te decantaras por este mundo lo llevabas marcado en los genes?

Algo tiene que ver. Mi abuelo era compositor, mi bisabuelo también, tenía una tía… Luego están también mis hermanas, aunque realmente empezamos las tres al mismo tiempo. Pero, sí, es indudable que estos antecedentes han influido en mi carrera. Tanto es así que no tengo recuerdo de decidir dedicarme a esta profesión, sino que desde siempre he tenido la sensación de pertenecer a ella.

Sin embargo, tu carrera no ha sido fácil, sino que ha estado llena de altibajos, alternando diferentes etapas de grandes éxitos con otras en las que has estado prácticamente desaparecida. ¿A qué se ha debido?

Al destino.

Pasando a repasar tus inicios, tu primer papel en la gran pantalla te llega con el film de Luis García Berlanga Novio a la vista (1954), un trabajo que al parecer te consiguió Jesús Franco, quien años después te brindaría tu primer papel protagonista en su ópera prima Tenemos 18 años (1959). ¿Cómo era tu relación con el prolífico director madrileño?

Con Jesús trabajé en cuatro películas suyas. Mi relación con él era divina. Era muy amigo de mi hermana Elisa, de la que creo que estaba enamorado, y estudiaban juntos música en el conservatorio. Entonces, venía a casa a recogerla, se quedaba a veces a comer… Vamos, era un amigo de la familia. Por su parte, él era muy amigo de Berlanga. Y un día, recuerdo perfectamente que estábamos comiendo en el jardincito que tenía la casa en la que vivíamos, nos contó que Luis García Berlanga se encontraba preparando una película para la que necesitaba una niña y que esa niña era yo. Mi madre le dijo que me llevara para que me conocieran y así lo hizo. Fui con Jesús a una oficina que tenían en la calle Barquillo de Madrid y solo por la cara que puso Berlanga nada más verme supe desde ese momento que el papel iba a ser mío.

Una joven Terele junto a su futuro cuñado Antonio Ozores en una escena de la ópera prima de Jesús Franco, “Tenemos 18 años”.

Tenemos 18 años era una película muy marciana para los estándares acostumbrados en el cine español de la época. ¿Cómo fue acogida?

Totalmente. En su momento se tomó muy regularmente. Fue una película que pasó sin pena ni gloria, por así decirlo. Pero es que Jesús tenía esa cosa de hacer películas genialmente absurdas. Además, su forma de contar era muy especial, aunque la fue consiguiendo con el tiempo. Porque el cine de Jesús ha sido siempre más apreciado por lo que sugiere que por lo que muestra, realmente, Era un hombre muy inteligente, pero le faltaron medios, calma y dinero, por supuesto. Yo he trabajado en películas con él haciendo papelitos en las que luego no te podían pagar a ti, ni a él y luego no podían estrenar. Y Jesús sufrió mucho ese mundo.

Curiosamente, en Tenemos 18 años apareces acreditada simplemente como Terele. ¿Cuándo añadiste el Pávez a tu nombre artístico y por qué elegiste, precisamente, el apellido de una de tus abuelas?

Mis hermanas y yo siempre quisimos diferenciarnos para que no nos pasara como, por ejemplo, con las Gutiérrez Caba que, aunque son unos monstruos de la interpretación, nadie sabe quién es Julia y quien es Irene. Entonces decidimos ponernos cada una un apellido distinto cada una para que no nos confundieran. Con todo, a mí al principio me acreditaban cada vez de una manera distinta, pero en ese tiempo yo no le daba demasiada importancia. No fue hasta que el director de La cuarta ventana (1963), Julio Coll, que es la única película en las que trabajamos las tres hermanas juntas, me preguntó cuál era el apellido con el que quería aparecer. Tras decirle varios de mis apellidos paternos y maternos le gustó el Pávez y así quedó la cosa. Y hasta hoy.

Tras estos primeros trabajos, simultaneas hasta la actualidad el teatro, el cine y la televisión. ¿Qué disciplina te gusta más y qué diferencias encuentras entre ellas a la hora de interpretar?

En el teatro eres la responsable tú, el catalizador tú, la que estudia lo que está sucediendo tú, y tú te quedas con todo, tanto para el éxito como para el fracaso. Después de un trabajo enorme con el director, una vez que te dice que ya lo tienes, eres tú y vas con las armas, la tranquilidad, la seguridad y el resto de cosas que el director te ha dado. Pero a partir de ahí tienes que vivirlo y sufrirlo tú. Yo me muero cada vez que tengo que salir al escenario. Sin embargo, en el momento en el que sales a escena, con toda la tensión que conlleva, y ves que el público conecta, eso es algo que no se puede comparar con nada. Es un lujo.

Sin duda, uno de tus papeles más recordados para la gran pantalla es la Régula de Los santos inocentes. ¿Esperabais que la película acabara siendo el éxito que acabó siendo?

Muy buena la pregunta, porque la verdad es que en esta película algo nos pasó a todos. Lo hemos hablado entre nosotros a veces. Yo recuerdo que cuando me llegó el guion lo aparté para leerlo con calma. Antes de hacerlo me encontré con unos amigos y les dije: “Voy a hacer la mejor película española que se haya hecho.” Lógicamente me respondieron: “Ole, Terele, sin haber leído el guion.” Sin embargo, yo tenía como un pálpito que también sintió más gente que participó en la película. Por ejemplo, Ágata Lys me comentó que cuando le llegó el guion no pensaba hacer la película porque ella quería ser la protagonista y su papel era muy corto. Pero cuando echó un vistazo al guion le atrapó de tal forma que se lo leyó entero y se metió de cabeza en la película.

Ya en el rodaje, en el que llovió mucho, se filmó todo en silencio, con un absoluto recogimiento. Y los personajes, que estaban ahí, empezaron a tomar otra dimensión. Recuerdo que miraba a ese Azarías bajo la lluvia, y yo no veía a Paco Rabal, sino que para mí ese era realmente Azarías, mi hermano.  Son unos personajes que con el amor y la dureza de unos con otros sacan la grandeza de esta miseria de vida. Y luego está la historia, tan hermosa como cruel, con esa justicia poética que viene de mano del más inocente.

De alguna manera, Régula te especializaría en los personajes de mujeres duras y fuertes por los que sueles ser reconocida por el público. Sin ir más lejos, un año más tarde vuelves a repetir uno de estos papeles para El caso de las envenenadas de Valencia (1985) para la serie La huella del crimen y que personalmente considero uno de tus mejores trabajos. ¿El que te basaras en una persona real cambió tu forma de acercarte al personaje?

Cambia mucho. He pedido perdón a esta mujer todos los días y en su momento me comuniqué con ella interiormente para decirla que, dentro del guion, iba a hacerlo lo más parecido posible a como era. Lo cierto es que me han ocurrido coincidencias muy bonitas relacionadas con ella que me han hecho pensar que estaba bien conmigo. Por ejemplo, encontrarme con el hijo del abogado que tuvo, y también otras cosas espirituales.

Terele en el centro, en una escena de “Las brujas de Zugarramurdi”, por la que ganaría el Goya a la mejor actriz de reparto.

Siguiendo con tu trayectoria, a mediados de los años noventa comienzas tu colaboración con Álex de la Iglesia, con el que desde entonces has trabajado en al menos media docena de películas, entre las que destaca Las brujas de Zugarramurdi, por la que ganaste el Goya a la mejor actriz de reparto. ¿Es Álex el cineasta que mejor te ha dirigido?

Yo creo que sí. Con él se me olvidan todos los peligros. Si me pide que me suba a una tapia yo lo hago sin pensarlo. Y luego me da mucha ternura, aunque por otra parte trata a todo el mundo bien, porque si no, no me gustaría. Pero en cualquier caso nos tenemos mucho respeto y mucho cariño, lo que hace que tengamos una relación tan bonita.

Mirando al futuro, con una carrera tan exitosa y dilatada como la que tienes a tus espaldas, ¿qué personaje te queda por hacer o cuál te gustaría volver a interpretar?

Con mi edad ya hay papeles que no puedo interpretar y no es tan fácil encontrar papeles que se me adecuen. Así que mientras haya personajes habrá trabajo, por lo que me da igual.

José Luis Salvador Estébenez

 

Published in: on agosto 14, 2017 at 6:44 am  Dejar un comentario  

King Kong 2

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Título original: King Kong Lives

Año: 1986 (Estados Unidos)

Director: John Guillermin

Productor: Martha De Laurentiis

Guionistas: Steven Pressfield, Ronald Shusett, según los personajes creados por Merian C. Cooper, Edgar Wallace

Fotografía: Alec Mills, Peter MacDonald [no acreditado]

Música: John Scott

Intérpretes: Peter Elliott (King Kong), George Antoni [acreditado como George Yiasomi] (Lady Kong), Brian Kerwin (Hank Mitchell), Linda Hamilton (Amy Franklin), John Ashton (coronel Nevitt), Peter Michael Goetz (Dr. Andrew Ingersoll), Frank Maraden (Dr. Benson Hughes), Alan Sader, Lou Criscuolo (doctores de la facultad), Richard Rhodes, Larry Souder, Ted Prichard, Jayne Gray, Debbie McLeod, Elizabeth Hayes (reporteros), Marc Clement, Nat Christian, Mac Pirkle, Larry Sprinkle (periodista), Rod Davis (reportero de televisión), David de Vries, Bonnie Johnson [acreditado como Bonnie Cook], J. Michael Hunter (técnicos), Robin Cahall (Mazlansky), Don Law, Jack Maloney, Jimmie Ray Weeks (mayor Peete), Jeff Benninghofen, Jim Grimshaw (sargento), Bernard Addison, Michael McClendon, Jimmy Wiggins, Mary Swafford (novios), Michael Forest (Vance), Leon Rippy, Wallace Merck, Dean Whitworth, Herschel Sparber (cazadores), Dandy Stevenson, Lydia Smith, Hope Nunnery, Margaret Freeman, Winston Hemingway, Tom Parkhill, Jeffrey Buckner Ford, Derek Pearson, Gary Kaikaka, Duke Ernsberger, Mike Starr, Shannon Rowell, Michael Bard Bayer, Jeff Bridges (Jack Prescott), Benjamin Kechley (hijo de Kong), Scott King, Jessica Lange (Dwan), Eddy Schumacher, Matt Totty…

Sinopsis: Tras caer abatido en el World Trade Center, King Kong ha permanecido en coma durante los últimos diez años, gracias a las modernas técnicas de un equipo de científicos de Atlanta, dirigidos por la doctora Amy Franklin. Para salvarle la vida necesitan efectuarle una transfusión, sin que exista un animal que tenga un plasma compatible con el suyo. En Borneo, un aventurero llamado Hank Mitchell caza a un ejemplar de hembra de gorila gigante, trasladándolo a Atlanta. Una vez despierta de la operación, Kong siente la presencia de la gorila, por lo que va a buscarla, huyendo juntos a un bosque cercano. La doctora Franklin y Hank Mitchell salen tras ellos para evitar que las autoridades, alarmadas, puedan destruirlos.

King Kong 2, titulada en su versión original como King Kong Lives, supone la tardía continuación del remake que en 1976 orquestara Dino de Laurentiis del clásico dirigido por Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack. A pesar de que la realización de esta segunda parte estuvo siempre en la mente del productor italiano, dado el óptimo rendimiento monetario conseguido por su mastodóntica visión de la octava maravilla del mundo, la cual, a decir de algunas fuentes, triplicó en taquilla su presupuesto, tuvieron que pasar diez años hasta que finalmente llegó a cristalizar el proyecto. Quizás por ello, la cinta que nos ocupa arranca con un resumen del desenlace de su predecesora, a modo de recordatorio de cara al público de su condición de secuela de aquella exitosa película. No obstante, en contra de lo mostrado por este prólogo, la siguiente escena nos informa que Kong no murió ametrallado en el World Trade Center, sino que ha pasado la última década en estado de coma, a la espera de un donante compatible que permita hacerle una transfusión sanguínea con el fin de transplantarle un nuevo corazón artificial. Tan delirante premisa es solo el primero de los disparates en los que incurre una película mala de solemnidad.

En su descargo habrá que decir que su producción resultó de lo más accidentada. Por un lado, su director, John Guillermin, que ya se había encargado de la primera entrega, no se encontraba en las mejores condiciones tras haber sufrido la pérdida de su hijo durante el rodaje de su anterior película, Sheena, adaptación al medio del homónimo personaje nacido para la viñeta, hasta el punto de que, según parece, en ocasiones abandonaba el set para ir a comer y no regresaba hasta el día siguiente. Para colmo de males, su relación con el resto del equipo, sobre todo el técnico, fue muy tirante, lo que tampoco facilitó el ambiente de trabajo, a lo que se le sumó el cambio del director de fotografía original, Peter MacDonald, por su colega Alec Mills, tras sufrir un ataque de apendicitis. Por otra parte, la película se vio afectada desde un principio por problemas presupuestarios que obligaron a que el planteamiento original tuviera que ser simplificado. El rodaje en localizaciones brasileñas y jamaicanas inicialmente previsto fue cancelado, eliminándose también varias escenas de efectos que requerían de un fuerte desembolso económico.

Qué duda cabe que todos estos condicionantes acabaron por afectar de un modo u otro al producto resultante. Es posible que las aludidas restricciones presupuestarias influyeran en la pobreza que arroja el acabado de los efectos especiales, merecedores de una nominación en los mediáticos Razzies, en especial en lo concerniente a los trajes empleados para dar vida a los simios, a años luz de los que Rick Baker se enfundara diez años antes, incapaces de disimular en pantalla la sensación de que los gigantescos gorilas se tratan, en realidad, de actores disfrazados. Lo mismo puede aplicarse al exagerado uso que se hace del brazo articulado a tamaño natural de Kong construido por Carlo Rambaldi para el film anterior. E, incluso, estos mismos motivos llegarían a explicar el porqué del esquematismo de una trama articulada a partir de las idas y venidas del gran simio y su descubierta congénere femenina mientras huyen del ejército estadounidense, poblada por personajes unidimensionales y cuya evolución obedece en todo momento al capricho de los guionistas y nunca a la lógica marcada por la sucesión de los acontecimientos. Sin embargo, aún siendo benévolos, todos los problemas padecidos durante el rodaje no sirven para justificar por sí mismos los muchos defectos que se agolpan a lo largo de un film cuyo visionado transita entre el estupor y la carcajada.

Más allá de lo apuntado, el principal problema de King Kong 2 reside en la total disonancia que se establece entre el tono de la realización con el buscado por el guion. Escrito al alimón por el entonces debutante Steven Pressfield y Ronald Shusett, en cuyo haber figuran Alien, el octavo pasajero o Desafío total, el libreto parece remitir a un registro ligero, cuando no humorístico, acorde con la concepción familiar que evidencia el producto[1]. Así lo atestigua las desopilantes indicaciones que el villano de la historia, el coronel Nevitt, da a sus hombres sobre el par de primates a los que tienen que capturar: “miden unos quince metros de alto y van como vinieron al mundo.” En cambio, la teórica comicidad que desprenden diálogos como este es pasada por alto por la, ya de por sí, poco inspirada puesta en escena de un Guillermin que apuesta en todo momento por adoptar una óptica seria, lo que no le libra de brindar no pocos instantes que solo pueden ser tachados de ridículos. Entre los muchos ejemplos que podríamos poner en este sentido, destacan por derecho propio las secuencias en la que se muestran los flirteos amorosos entre Kong y su amada, en la que los dos gorilas se comportan como si de dos quinceañeros humanos se tratara, sin olvidar la sonrojante escena del parto del hijo de ambos, que en su intención de ser emotiva acaba por resultar hilarante.

Pero por más que su trabajo en última instancia evidencie las dificultades del veterano realizador inglés para adaptarse al tratamiento intergenérico, con su peculiar mezcla de romance, acción y comedia, que se había impuesto en las superproducciones hollywoodienses a comienzos de los ochenta, a raíz de los éxitos cosechados por Steven Spielberg y George Lucas, sería injusto culpabilizar al director de El coloso en llamas en solitario de los desastrosos resultados que arroja la película. Máxime, cuando ninguno de los principales apartados implicados consiguen salvarse de la quema. Antes al contrario, ni siquiera lo hace la sección interpretativa, comenzando por la falta de química y carisma demostrada por su pareja protagonista, compuesta por una Linda Hamilton recién salida de Terminator, y el habitualmente secundario Brian Kerwin, quien da vida al aventurero que captura en Borneo a la compañera de Kong, personaje este en el que no es difícil percibir la influencia ejercida por Indiana Jones, en uno de esos rasgos exploits tan característicos de las producciones de De Laurentiis. En este sentido se antoja bien indicativo que en los títulos de crédito finales los nombres de las dos supuestas estrellas queden relegados por detrás del de los desconocidos especialistas que dan vida a la pareja de simios.

Como no podía ser de otra forma a la vista de este panorama, King Kong 2 cosecharía un estrepitoso fracaso en taquilla en su momento de estreno. Con un presupuesto estimado que oscila entre los diez y los veinte millones de dólares dependiendo de la fuente consultada, recaudaría menos de cinco durante su estreno en los Estados Unidos, acaecido en las navidades de 1986, permaneciendo inédita en salas comerciales de mercados tan potentes como el Reino Unido. Ni qué decir tiene que semejante rendimiento económico esfumó la idea de rodar una nueva secuela protagonizada por el hijo de Kong que dejaba entrever el desenlace de la cinta, afectando también a algunos de sus principales implicados. Es el caso de John Guillermin que, casualidad o no, a sus sesenta años no volvería a rodar nunca más para la gran pantalla, dirigiendo únicamente a continuación el telefilm Perseguido en Arizona (The Tracker, 1988), un par de años más tarde.

José Luis Salvador Estébenez

[1] Lo que no quita para que se muestre al gran simio despedazando humanos. Cabe referir a modo anecdótico que dichos planos serían eliminados para el estreno de King Kong 2 en España.

 

Published in: on agosto 11, 2017 at 6:16 am  Comments (1)  
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A la venta el libro “Winter is coming. El mundo medieval en Juego de tronos” de Carolyne Larrington

La editorial Desperta Ferro Ediciones publica Winter is Coming. El mundo medieval en “Juego de tronos, un riguroso pero desenfadado ensayo con el que Carolyne Larrinton, profesora de literatura inglesa de la Universidad de Oxford, reflexiona sobre el trasfondo histórico en el que se inspira la popular ficción.

El mundo medieval, con sus mitos y sus leyendas, su fanatismo y su violencia, su orden y sus contradicciones, ha sido una indiscutible fuente de inspiración para la literatura popular de todos los géneros y de todas las épocas, desde Walter Scott hasta Ken Follet, pasando, por supuesto, por los grandes autores de literatura fantástica como J. R. R. Tolkien, Robert E. Howard, Michael Moorcock y, por supuesto, George R. R. Martin.

La obra de este último ha trascendido las fronteras tradicionales del género para calar hondo en la cultura popular. Esto la convierte en un vehículo inmejorable para acercar la historia medieval, tan deformada en ocasiones, al público de masas a través de un trabajo como Winter is Coming. El mundo medieval en Juego de tronos, que pretende poner de relieve los fundamentos históricos de que bebe la ficción.

Porque, ¿no nos recuerda la Guerra de los Cinco Reyes que asoló Poniente a la Guerra de las Dos Rosas, que desgarró la Inglaterra bajomedieval? ¿No tiene el Muro reminiscencias del Muro de Adriano, y la Guardia de la Noche rasgos comunes con las órdenes de caballería? ¿Acaso las Islas del Hierro, pobladas por sanguinarios guerreros tan expertos en el saqueo como en la navegación, no tienen paralelismos con la Escandinavia vikinga? ¿No hallamos en Braavos, ciudad comercial por antonomasia, sede del inclemente Banco de Hierro y famosa por sus espadachines, similitudes con la Venecia de los dogos? ¿O es que no corre la sangre de Gengis Khan por las venas de los dothrakis? ¿Historia o ficción?

Eunucos, justas, honor, sexo, ordalías, esclavitud, fanatismo y guerra, todo ello tiene cabida en Winter is Coming. El mundo medieval en Juego de tronos. Y sí, también dragones.

Más información: http://www.despertaferro-ediciones.comhttps://www.despertaferro-ediciones.com/

Published in: on agosto 10, 2017 at 5:57 am  Dejar un comentario  

“Guardianes de la galaxia vol. 2” será lanzada en formato doméstico en España a finales de agosto

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Guardianes de la galaxia vol. 2  llegará a los hogares españoles en formato doméstico el próximo 30 de Agosto en varias versiones disponibles: DVD, Blu-ray, Blu-ray 3D y Steelbook. En compra digital, por su parte, estará disponible a partir del próximo 18 de agosto. Asimismo, el mismo 30 de agosto se lanzará un pack Blu-ray compuesto por las dos películas que componen la saga por el momento.

La edición en formato doméstico de Guardianes de la galaxia vol. 2  se anuncia con más de ochenta minutos de material exclusivo nunca antes visto, con behind-the-scenes, un original video protagonizado por David Hasselhoff y el reparto de la película, tomas falsas, escenas eliminadas, y comentarios del director, James Gunn, entre otros numerosos extras.

Como es sabido, en esta nueva aventura Los Guardianes (Chris Pratt como Peter Quill/Star-Lor, Zoe Saldana como Gamora, Dave Bautista como Drax, Vin Diesel como la voz de Groot, y Bradley Cooper como Rocket) deben luchar para mantener a su nueva familia unida, a la vez que resuelven el  misterio de quién es el verdadero padre de Peter Quill. Los viejos enemigos se convierten en nuevos aliados y los personajes favoritos de los cómics clásicos se convierten en una ayuda fundamental para nuestros héroes, a la par que el universo cinemático de MARVEL sigue creciendo.

Contenido extra de las ediciones en alta definición:

  • Cómo se hizo Guardianes de la Galaxia vol. 2: Una mirada al behind-the-scenessiguiendo el estilo de un álbum de rock clásico. (37min 32seg) (Audio: Inglés) (Subtítulos: Castellano, Portugués, Inglés codificado para sordos)
  • Videoclip de la canción “Guardians inferno”: Únete a David Hasselhoff y a otros invitados especiales para disfrutar de una fiesta retro dance galáctica. (3min 34seg) (Audio: Inglés)
  • Tomas falsas: Ríete con todas las tomas falsas que tuvieron lugar en el set de “Guardianes de la Galaxia Vol.2” con todos Guardianes favoritos. (3min 40seg) (Audio: Inglés) (Subtítulos: Castellano, Portugués, Inglés codificado para sordos)
  • 4 Escenas eliminadas: Disfruta del material que tuvo que ser eliminado de la película, incluyendo dos escenas extendidas y dos escenas eliminadas. (5min 2seg) (Audio: Inglés) (Subtítulos: Castellano, Portugués, Inglés codificado para sordos)
  • Comentarios en audio: Echa un vistazo a la narración especial de la película, realizada por el director, James Gunn, que guía a los fans a través del making ofde la película. (2h 15min 35seg) (Audio: Inglés) (Subtítulos: Castellano, Portugués, Inglés codificado para sordos)
  • Introducción visionaria de James Gunn: El director de la película, James Gunn, explica cómo cree que continuará la historia y las vidas de los personajes de “Guardianes de la Galaxia Vol.2”. (1min 38seg) (Audio: Inglés) (Subtítulos: Castellano, Portugués, Inglés codificado para sordos)
Published in: on agosto 9, 2017 at 6:05 am  Dejar un comentario  

“Trópico de Cáncer” y “Pesadilla en la playa”, nuevos lanzamientos de la colección “Cinema Giallo” de Regia Films

Pese a encontrarnos en pleno periodo estival, Regia Films no ceja en su empeño de acercar a los aficionados españoles diferentes exponentes con los que profundizar en el conocimiento del thriller all’italiana. Con este objetivo, hace escasos días lanzaba al mercado dos nuevas referencias de su colección dedicada al estilo, “Cinema Giallo”. En esta ocasión los films escogidos han sido Trópico de Cáncer (Al tropico del cancro, 1972) y Pesadilla en la playa (Nightmare Beach – La spiaggia del terrore, 1988), dos rarezas que, en muchos sentidos, se apartan del giallo al uso, abrazando en cambio la hibridación genérica con otras corrientes que se encontraban en pleno auge en el momento de su producción.

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Cronológicamente hablando, Trópico de Cáncer es el primero de ellos. Atendiendo a sus antecedentes, no es difícil ver en él un producto con el que el actor Anthony Steffen intentaba abrir nuevos caminos para su trayectoria en un momento en el que el que hasta entonces había sido su principal campo de expresión, el spaghetti-western, comenzaba a dar síntomas de una total decadencia, tanto cualitativa como, sobre todo, productiva. Quizás por ello, además de protagonizarlo el brasileño intervendría en la confección del libreto, siendo dirigido por uno de sus realizadores predilectos, Edoardo Mulargia, quien aparece acreditado con su habitual seudónimo Edward G. Muller, compartiendo funciones con Giampaolo Lomi.

Tan peculiar génesis se plasma en una cinta en la que las intrigas criminales y la sucesión de asesinatos brutales tan caros al giallo se fusionan con ingredientes de otras dos corrientes de lo más activas en el cine italiano de la época. Por un lado el denominado “mondo”, por medio de su ambientación en la exótica Haiti y el protagonismo que adquieren los usos y costumbres de los indígenas de la isla, ritos de vudú incluidos. Y por otro lado el cine erótico, ya presente en una trama cuyo leitmotiv en la invención de un poderoso afrodisíaco, y que es servida, especialmente, en las escenas protagonizadas por toda una habitual del género, la nórdica Anita Strindberg, vista en Vicios prohibidos, La cola del escorpión o Una lagartija con piel de mujer, entre otras.

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Datada tres lustros más tarde que su compañera de lanzamiento, Pesadilla en la playa evidencia los cambios experimentados en la industria italiana, en un momento en el que el poco cine de género que aún producía trataba de hacerse pasar por miméticos productos norteamericanos. Por este motivo, su rodaje se llevaría a cabo en suelo estadounidense, nutriéndose su reparto de actores de aquel país, entre los que destacan un viejo conocido del cine bis italiano como John Saxon, el recientemente fallecido Michael Parks, y el inesperado protagonismo de Nicolas De Toth, hijo del mítico André de Toth y en la actualidad encargado del montaje de blockbusters del calibre de X-Men orígenes: Lobezno, La jungla 4.0, o Terminator 3: La rebelión de las máquinas.

Sin menoscabo de otras reminiscencias, caso de los esfuerzos de las autoridades locales para tratar de enmascarar de cara a la opinión pública el reguero de muertes que se suceden en la playa en la que se ambienta la historia, que ni decir tiene retrotraen al Tiburón de Spielberg, el film se arrima al filón del por entonces populoso slasher, no faltando asimismo algunas de sus convenciones más características, caso de la ración de desnudos gratuitos o la reproducción de ciertos aspectos del estilo de vida norteamericano, aquí pasado por el filtro de su ambientación playera. En consonancia con su procedencia, la película evidencia también una patente huella del viejo giallo en algunos de sus componentes, situación a la que, a buen seguro, no es ajena la identidad de su director y coguionista, el todoterreno Umberto Lenzi, responsable dentro del estilo de exponentes tan variopintos como Un lugar ideal para matar, Detrás del silencio, El ojo en la oscuridad, Siete orquídeas manchadas de rojo, o Una droga llamada Helen, estas dos últimas ya aparecidas con anterioridad dentro de la colección de Regia.

Las ediciones en Dvd comercializadas por Regia de ambas películas siguen las pautas habituales. Ambas se presentan en estuche amaray transparente con carátula que sigue el diseño de la colección “Cinema Giallo”; es decir, tonalidad predominante amarilla e ilustración interior con motivos dibujos promocionales del film en cuestión. En cuanto a las características técnicas, Trópico de Cáncer se ofrece en su versión original italiana con doblaje y subtítulos en castellano e imagen en su aspect ratio de 2,35:1 con mejora anamórfica. Pesadilla en la playa, por su parte, incluye tres pistas de audio: italiano, inglés y español, añadiendo subtítulos en castellano para cada uno de los audios foráneos. Por lo demás, el master respeta el formato de pantalla original de la película, en este caso 1,85:1 anamórfico.

Trópico de Cáncer y Pesadilla en la playa se encuentran ya disponibles y pueden adquirirse a través de la propia web de Regia Films, que en estos momentos se encuentra inmersa en plenas rebajas de verano, con lo que cada película se queda a un precio unitario de 6,96 €, ofertándose gastos de envío gratuitos para compras superiores a 10 €.

* Las imágenes de las películas que ilustran el presente texto corresponden a capturas de las ediciones comentadas (pincharlas para agrandarlas).

Published in: on agosto 8, 2017 at 5:39 am  Dejar un comentario  

“La forma del agua”, la nueva película de Guillermo del Toro, inaugurará Sitges 2017

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La forma del agua, el esperado último film del cineasta mexicano Guillermo del Toro, levantará el próximo 5 de octubre el telón del Festival de Sitges en su cincuentava edición. Amante de las criaturas fantásticas y amigo de Sitges, Del Toro inauguró el Festival ya en 2006 con El laberinto del fauno, trece años después de haber visitado el certamen por primera vez en 1993, cuando obtuvo el premio al mejor guion por Cronos, su opera prima. Una relación con Sitges que este año se ha plasmado en el padrinazgo que el mexicano viene ejerciendo con motivo del aniversario del festival.

Ambientada durante la Guerra Fría, la historia de La forma del agua se sitúa en un inquietante laboratorio de alta seguridad donde se produce una conexión insólita entre dos mundos, aparentemente alejados. La vida de la solitaria Elisa, trabajadora del laboratorio, cambia por completo cuando descubre un experimento clasificado como secreto.

Escrita y dirigida por Del Toro, la cinta está protagonizada por Sally Hawkins, Michael Shannon, Richard Jenkins, Doug Jones, Michael Stuhlbarg y Octavia Spencer, y cuenta con una banda sonora creada por Alexandre Desplat. El estreno del  film en España está anunciado para enero del próximo año.

Más información: http://www.sitgesfilmfestival.com

Published in: on agosto 7, 2017 at 5:56 am  Dejar un comentario  
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El planeta de los tiburones

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Título original: Planet of the Sharks

Año: 2016 (Estados Unidos)

Director: Mark Atkins

Productor: David Michael Latt

Guionistas: Marc Gottlieb, Mark Atkins

Fotografía: Mark Atkins

Música: Kays Al-Atrakchi, Brian Ralston

Intérpretes: Brandon Auret (Dillon Barrick), Stephanie Beran (Dra. Shayne Nichols), Lindsay Sullivan (Dra. Roy Shaw), Lauren Joseph (Beatrice), Daniel Barnett (Moffat), Christia Visser  (Dra. Caroline Munro), John B Swart (Hideo Ishiro), Alex Anlos (Nathan Terry), Angie Teodora Dick (Joanne D’amato), Ryan-Wayde Hannival (Lookout), Zane Westermeyer (Butcher)…

Sinopsis: En un futuro próximo, el derretimiento de los glaciares ha cubierto el noventa y ocho por ciento de la superficie del planeta Tierra. Los tiburones han florecido y ahora dominan el planeta, operando como un sólido banco dirigido por un tiburón alfa mutado.

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No deja de tener su gracia que un telefilm de bajo presupuesto como el que nos ocupa tome como principal referente la ya lejana Waterworld (Waterworld, 1995), película que en su momento fuera la más cara de la historia y cuyo sonoro batacazo se llevara por delante la carrera de un Kevin Costner en el punto más álgido de su trayectoria. No obstante, pese a venir de una firma como la popular Asylum, que ha hecho de sus desvergonzados mockbusters –nombre utilizado para denominar a sus descaradas copias de los blockbusters del momento– una de sus principales divisas, El planeta de los tiburones (Planet of the Sharks, 2016) no representa una explotaition al uso del film dirigido por Kevin Reynolds. Por el contrario, la invocación de un futuro post-apocalíptico en el que la superficie del planeta es básicamente agua, obligando a los escasos supervivientes a habitar en plataformas flotantes, es empleado, únicamente, como una ambientación igual que pudiera serlo cualquier otra, con la que dar un toque de distinción a una propuesta que, en realidad, se enmarca en el filón de los films de/con tiburones, todo un subgénero en sí mismo y que, sobre todo a raíz del revuelo mediático despertado por Sharknado y sus secuelas, se ha convertido en el otro foco principal de la línea productiva de la firma norteamericana.

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De este modo, toda posible relectura que pudiera ofrecer la referida inspiración por parte de un telefilm de bajo presupuesto en uno de los más sonoros fracasos económicos cosechados por la todopoderosa industria hollywoodiense en las últimas tres décadas no va más allá de su mero enunciado; como tampoco lo hace la ocurrencia de bautizar a sus personajes con el nombre o los apellidos de ilustres personalidades de la Serie B clásica, caso de Caroline Munro, Joe D’Amato o Ishirô Honda. Una circunstancia que ilustra de forma prístina el que quizás sea el principal defecto de las producciones de la Asylum, a grandes rasgos.

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Convertida por antonomasia en la fábrica de cine malo actual, sus productos suelen partir de conceptos atractivos y/o sugerentes dentro de sus coordenadas, malgastados indistintamente por la incapacidad de sus responsables para aprovechar sus posibilidades, manufacturando cintas rutinarias e impersonales que, a pesar de su autoconsciencia, quedan lejos de ofertar las dosis de desenfadada diversión que cabría esperar a tenor de sus antecedentes. Frente a la capacidad de delirio, imaginación y falta de complejos de, pongamos por caso, el cine italiano de los años ochenta, con el que no por casualidad mantiene innegables puntos comunes, las películas de la marca norteamericana se limitan a completar el trámite con corrección técnica dentro de sus limitaciones y capacidades, pero sin abandonar la óptica seria, salvo en contadas ocasiones (y las pocas veces que lo ha intentado, verbigracia las secuelas de Sharknado, no ha destacado, precisamente, por la brillantez de su humor, digamos, voluntario), lo que termina por cortocircuitar esa jocosa carga paródica que, al menos en teoría, se erige en su principal aliciente.

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Como decimos, El planeta de los tiburones es una buena muestra de lo comentado. Véase al respecto cómo desaprovecha la pregunta obvia que se desprende de su planteamiento de base, y que no es otra de la de a dónde escapar en un mundo convertido en un inmenso océano ante los ataques de un grupo de tiburones. En lugar de eso, la película se limita a repetir el estilo narrativo acuñado por la Asylum y extensible al resto de la producción actual de telefilms de temática fantástica salvo honrosas excepciones, caracterizado por tramas intercambiables pobladas por personajes estereotipados y desarrolladas por medio de un esquema común que podría resumirse en los esfuerzos de los protagonistas por escapar de la amenaza que se cierne sobre ellos y su entorno, al tiempo que idean un plan con el que acabar con ella. Poco más. Puede que en el caso que nos ocupa la adopción de este tratamiento esté íntimamente ligado con el hecho de que el principal responsable de la propuesta sea Mark Atkins, uno de los más contumaces directores del formato, en especial debido a su activa labor dentro de la Aslyum, para la que ha realizado alrededor de una quincena de títulos en diez años, además de intervenir en otros tantos como director de fotografía, funciones ambas a las que aquí añade la coautoría del guion y el montaje.

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Pese a acumular esta experiencia o, precisamente, debido a ello, la puesta en escena de Atkins destaca por su falta de rigor, comenzando por la poco conseguida ambientación post-apocalíptica que luce la cinta, bien sea por las imágenes aéreas propios de un spot publicitario del moderno yate en el que viajan los protagonistas, sorprendentemente nuevo y reluciente para encontrarse en un ambiente post-apocalíptico, o por las indumentarias de los personajes, en los que los atuendos más o menos peculiares propios del estilo se entremezclan con ropa de calle actual totalmente impoluta.

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Todo el afán del cineasta, así las cosas, parece concentrarse en enfocar tanto tiempo como sea posible la generosa delantera de una de las protagonistas femeninas, dentro de una planificación formularia que, dejando a un lado ciertos instantes propios de un video sobre deportes acuáticos de riesgo, se encuentra supeditada en todo momento a la utilización del primer plano como principal recurso. En un primer momento, el porqué de tal práctica podría justificarse mediante el hecho de disimular las carencias de una escenografía recreada, básicamente, por medio de unos efectos realizados por ordenador bastante poco conseguidos. Sin embargo, tal suposición es pronto desmentida en vista del modo en que Atkins se regodea a la hora de mostrar elementos generados por CGI, algo especialmente patente en el concurso de la horda de tiburones, a los que no duda en mostrar detalladamente en toda su pobreza infográfica, lo que hace que en ningún momento puedan resultar creíbles, además de eliminar con ello cualquier vestigio de verosimilitud que pudiera aún tener la propuesta.

José Luis Salvador Estébenez

Published in: on agosto 4, 2017 at 5:40 am  Dejar un comentario