Avanzada una parte importante de la programación de Sitges 2018, una edición que contará con la presencia de Nicolas Cage, Ed Harris y John Carpenter

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Una de las estrellas más carismáticas del cine contemporáneo estará en Sitges 2018. Nicolas Cage aterrizará en el Festival para recibir uno de los Gran Premio Honoríficos que otorgará el certamen este año y presentar Mandy (2018), el thriller de Panos Cosmatos que protagoniza. El actor californiano, que inició su carrera a principios de los 80, ha protagonizado éxitos de todos los géneros, con una notable predilección por la acción y el thriller. Besos de vampiro (Robert Bierman, 1989), Corazón salvaje (David Lynch, 1990), Leaving Las Vegas (Mike Figgis, 1995), La roca (Michael Bay, 1996), Con Air (Simon West, 1997), Cara a cara (John Woo, 1997), Wicker Man (Neil LaBute, 2006), Kick-Ass (Matthew Vaughn, 2010) o las más recientes Dog Eat Dog (Paul Schrader, 2016), Mom and Dad (Brian Taylor, 2017) o la citada Mandy, son solo algunos de los títulos que han marcado su trayectoria .

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El actor, productor y director estadounidense Ed Harris también recibirá el máximo reconocimiento del Festival, el Gran Premio Honorífico, al igual que el director Peter Weir, como ya se anunció anteriormente. La carrera de Harris, que empezó a finales de los años 70, está llena de éxitos y grandes interpretaciones en el fantástico, entre las que destacan Abyss (James Cameron, 1989), Apolo 13 (Ron Howard, 1995), La roca (Michael Bay, 1996), El show de Truman (Peter Weir, 1998), Una historia de violencia (David Cronenberg, 2005), o las más recientes Snowpiercer (Bong Joon-ho, 2013), la serie Westworld (Jonathan Nolan y Lisa Joy, 2016) o Madre! (Darren Aronofsky, 2017).

Una de las figuras esenciales del cine de fantástico de las últimas décadas, John Carpenter, será otro de los invitados estelares de Sitges 2018, donde exhibirá su talento como compositor de bandas sonoras. Las partituras de La noche de Halloween, La niebla, 1997: Rescate en Nueva York, La cosa, Christine, El príncipe de las tinieblas y muchos otros títulos sumergirán a los fans en el universo único de Carpenter. Con este concierto, que ha sido posible gracias a la colaboración de Last Tour y se celebrará el sábado 13 de octubre en el Auditori Meliá Sitges, el Festival se abre a nuevas propuestas en el campo del fantástico. La venta de entradas está disponible a partir de hoy, a las 12.30h, a través de la web del Festival. Para acceder al concierto, de aforo limitado, no serán válidas las acreditaciones del Festival.

Sección Oficial

Junto a la presencia de estas auténticas leyendas, Sitges 2018 volverá a ofrecer el mejor cine de género actual de todo el mundo. El Festival ya había anunciado las últimas películas de Gaspar Noé, Lars Von Trier, David Robert Mitchell, Alice Rohrwacher o Pascal Laugier, entre otros, a los que ahora se suman una notable lista de títulos que harán las delicias de los fans. Sin ir más lejos, la producción catalana El año de la plaga –adaptación de la novela de Marc Pastor L’any de la plaga– dirigida por Carlos Martín Ferrera, se presentará en la Sección Oficial de Sitges 2018. Coproducida por Televisió de Catalunya, la cinta está protagonizada por Ivan Massagué, Ana Serradilla, Miriam Giovanelli, Sílvia Abril y Juanra Bonet.

Muere, monstruo, muere

Las cinematografías iberoamericanas pisan con fuerza en la Sección Oficial de Sitges 2018. Los films Animal, de Armando Bo II, y Muere, monstruo, muere, de Alejandro Fadel, encabezan las novedades provenientes de Argentina. La colombiana Siete cabezas, de Jaime Osorio Márquez, y la portuguesa Diamantino, de Gabriel Abrantes y Daniel Schmidt, confirman el buen momento del género en estos territorios.

Rapurasu no majo (2018) - Laplace's Witch (2018)

De Japón llegan Inuyashiki, de Shinsuke Sato, adaptación del manga de ciencia ficción Hiroya Oku; Laplace’s Witch, la nueva incursión en el thriller de Takashi Miike, y Maquia: When the Promised Flower Blooms, el anime dirigido a cuatro manos por el realizador Toshiya Shinohara y la guionista Mari Okada, que debuta en la dirección.

ElizabethHarvest

El cine norteamericano de factura más independiente tendrá un peso destacado en la Sección Oficial con títulos como Elizabeth Harvest, de Sebastian Gutiérrez; Clara, de Akash Sherman; I Think We’re Alone Now, de Reed Morano, con Peter Dinklage y Elle Fanning; Nancy, de Christina Choe, con Steve Buscemi; Prospect, de Christopher Caldwell y Zeek Earl, y The Man Who Killed Hitler and then The Bigfoot, de Robert D. Krzykowski.

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Sitges 2018 también servirá para confirmar el talento de directores que han pasado por el certamen en otras ediciones, acogiendo sus nuevas producciones. Es el caso del norteamericano Jim Hoskins, que sorprendió en el 2016 con The Greasy Strangler y vuelve ahora con An Evening with Beverly Luff Linn; el francés Quentin Dupiex, director de títulos como Réalité, Wrong Cops o Rubber, que presentará Au Poste!; la polaca Agnieszka Smoczynska, directora de The Lure, con Fugue; el iraní Mani Haghighi con Pig, y el canadiense Colin Minihan con What Keeps You Alive.

Òrbita

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La sección dedicada al thriller, la acción y la aventura se abrirá con Asher, de Michael Caton-Jones, protagonizada por Ron Perlman, que estará en Sitges para presentar la película y recibir un premio honorífico. También se presentarán Arctic, de Joe Penna, con Mads Mikkelsen; Galveston, de Mélanie Laurent, con Elle Fanning; Operation Red Sea, uno de los mayores éxitos de la historia del cine chino, dirigido por Dante Lam, y The Spy Gone North, de Yun Jong-bin.

Anima’t

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Las sección dedicada al cine de animación del Festival estará compuesta por films como Chuck Steel: Night of the Trampires, de Michael Mort, una sátira del cine de terror; el film ruso realizado por stop motion Hoffmaniada, de Stanislav Sokolov; el anime Liz and the Blue Bird, de Naoko Yamada, o la brasileña Tito e os pássaros, de Gustavo Steinberg, Gabriel Bitar y André Catoto.

Noves Visions

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La sección Noves Visions presentarán una selección de títulos que exploran nuevas vías narrativas, con una destacada presencia europea, como es el caso de Domestique, de Adam Sedlák; Ederlezi Rising, de Lazar Bodroza; Involution, de Pavel Khvaleev; Luz, de Tilman Singer, o The Invocation of Enver Simaku, del alicantino Marco Lledó Escartín. De Brasil llega O clube dos canibais, de Guto Parente. Asia también juega un papel destacado en la sección con films como el japonés One Cut of the Dead, de Shinichiro Ueda; el filipino Season of the Devil, de Lav Diaz y la coproducción entre Tailandia, Hong Kong y Japón, Ten Years Thailand, dirigida de forma conjunta por Apichatpong Weerasethakul, Aditya Assarat, Wisit Sasanatieng y Chulayarnnon Siriphol.

Panorama Fantàstic

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Con un marcado carácter independiente, Panorama Fantàstic llevará un año más a Sitges el terror más arriesgado. Uno de los films destacados de la selección es St. Agatha, de Darren Lynn Bousman, director de las entregas II, III y IV de la saga Saw y de títulos que han pasado por Sitges, como Mother’s Day, 11-11-11 o Abattoir. Otro conocido del Festival, el mexicano Isaac Ezban (El incidente, Los parecidos) presentará Parallel. Otras producciones destacadas que se podrán ver en esta sección son A Rough Draft, de Sergey Mokritsky; Cam, de Daniel Goldhaber; Incredible Violence, de G. Patrick Condon; The Dark, de Justin P. Lange; The Liquidator, de Xu Jizhou o The Ranger, de Jenn Wexler, muchas de ellas operas primas.

Brigadoon y Sitges Zombie Walk 2018

el vendedor de ilusiones

Por su parte, la sección Brigadoon continuará con su apuesta por el formato documental con Navajeros, censores y nuevos realizadores, de R. Robles Rafatal, centrado en el nacimiento y desarrollo del cine quinqui; Director Z, el vendedor de ilusiones, de Oskar Teixidor, sobre el cineasta vasco José María Zabalza; Goodbye Ringo, de Pere Marzo Font, sobre los míticos estudios de Esplugues City, escenario de multitud de spaghetti western, y La venganza de Jairo, de Simon Hernández, centrado en el realizador colombiano Jairo Pinilla, que visitó Sitges en la edición 2013.

En Sesión Especial podrá verse el capítulo El hombre que vendió su risa, integrado en la serie Mañana puede ser verdad y dirigido por Narciso Ibáñez Serrador en 1962 para la televisión argentina. También objeto de una proyección especial será el clásico de Iván Zulueta, Arrebato, que se pasará en una nueva copia restaurada que se editará comercialmente en fechas próximas.

Dentro de sus ciclos retrospectivos, Brigadoon homenajeará al director italiano Umberto Lenzi –desaparecido el pasado mes de octubre– que en 2008 recibió el Premio Nosferatu. Entre las películas que se podrán ver, se encuentran La guerra del hierro (1983), Una droga llamada Helen (1970) y La invasión de los zombies atómicos (1980). El Premio Nosferatu, como ya se anunció, recae en esta edición en la actriz alemana Helga Liné, motivo por el que podrán verse Horror (1963), de Alberto de Martino, y una sesión especial de El espanto surge de la tumba (Carlos Aured, 1972).

La tradicional Sitges Zombie Walk tendrá lugar este año el primer sábado del Festival, que será el 6 de octubre, y volverá a ser una llamada para que los zombis de todo el mundo puedan recorrer las calles de la ciudad.

Sitges Industry Hub

Por segundo año consecutivo, el Festival contará con la Sitges Industry Area gracias al apoyo del Àrea de Mercats Internacional de l’Institut Català de les Empreses Culturals (ICEC) y de Catalan Films & TV. Se trata de un espacio de acogida y promoción de actividades dirigidas al sector audiovisual profesional, y un punto de encuentro entre los profesionales presentes en el certamen. Entre sus actividades hay mesas redondas, presentaciones, mastersclass y programas de promoción de otras disciplinas con tradición dentro del fantástico como la literatura o los videojuegos.

La Blood Red Carpet, una iniciativa focalizada en la promoción internacional del talento actoral dentro de la producción audiovisual nacional e iberoamericana, llegará por su parte a su cuarta edición. El programa presentará tres actores, tres actrices y tres directores noveles seleccionados de acuerdo con su prometedora trayectoria. Laia Costa, Alejo Sauras, Miki Esparbé o Bruna Cusí son algunos de los actores y actrices que han participado en las pasadas ediciones.

El programa Sitges Taboo’ks, que cuenta con el apoyo de la Federación del Gremio de Editores de España y el Salón Liber, se presenta como un paraguas que acoge diferentes acciones entre la literatura y el cine. En la edición del 2018 se presentarán cuatro obras susceptibles de ser adaptadas al cine y un proyecto en vías de adaptación. En esta segunda convocatoria, se suma la entrega del premio de ciencia ficción de la UPC y la presentación de un study case de la mano de Planeta.

Por otro lado, la Universitat Oberta de Catalunya (UOC) repetirá el curso de máster Cine fantástico y ficción contemporánea que estrenara el pasado año en colaboración con el Festival, para el que ya ha abierto la matrícula de cara a esta segunda edición que se celebrará en octubre.

Libro oficial

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En esta edición, el libro oficial de Sitges estará dedicado al director italiano Michele Soavi, siendo el primer ensayo en castellano sobre la figura de este cineasta inconformista y siempre innovador. Editado por la Editorial Hermenaute y bajo el título Michele Soavi. Cineasta de lo macabro, la publicación repasa la carrera de uno de los realizadores más influyentes del cine italiano de terror reciente desde sus inicios como ayudante y aprendiz de Dario Argento y Joe D’Amato. Para muchos, Soavi es el último gran talento del cine italiano, concentrando las virtudes de maestros como Mario Bava, Sergio Martino, Umberto Lenzi, Antonio Margheriti o Lucio Fulci.

El libro, elaborado por Gerard Casau, Manlio Gomarasca, Mike Hostench, Diego López, Lluís Rueda y Ángel Sala –con prólogo de Luigi Cozzi– incluye un estudio de sus films más emblemáticos (Aquarius, La secta, El engendro del diablo, Mi novia es un zombi, etc.) e incide en su etapa más desconocida como realizador en los márgenes del fantástico; los thrillers policiacos y melodramas que nutren su etapa posterior como director televisivo.

Abonos, packs y maratones a la venta

La venta de abonos, packs y maratones para Sitges 2018 está ya disponible a través de la web del Festival, al igual que las entradas para el concierto de John Carpenter del sábado 13 de octubre, con aforo limitado, y para el que no serán válidas las acreditaciones del certamen.

El Festival activará la venta a través de criptomonedas en septiembre, con la plataforma digital de Slate Entertainment Group (SEG), Slatix, basada en el blockchain. La iniciativa es pionera en la industria y ha sido posible gracias a la asociación establecida con SEG, que también es impulsor de la nueva plataforma Bringe, con contenidos de ficción audiovisual y cinematográficos, que utiliza por primera vez la tecnología blockchain.

Más información: www.sitgesfilmfestival.com

Published in: on julio 23, 2018 at 5:34 am  Dejar un comentario  
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Entrevista a Karl R. Hearne, director de “Touched”

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Dentro de su Sección Oficial, la pasada edición del Festival de Cine Fantástico de Bilbao – FANT acogió la premier nacional de Touched, película que ha supuesto la ópera prima en el formato largo de Karl R. Hearne. En su debut, el director canadiense, que se desplazó hasta la capital vizcaína para acompañar la participación de su película, se descuelga con un film de corte minimalista y contornos indies a medio camino entre el drama psicológico, la historia de fantasmas y el thriller de investigación, en el que sigue las evoluciones de Gabriel, el maduro y solitario encargado de un edificio de apartamentos. Tras que una de sus inquilinas desaparezca sin dejar rastro, Gabriel comenzará a tener visiones en dicho apartamento de una niña con la que establecerá una particular relación, al tiempo que comienza a desentrañar el misterio de  la suerte corrida por su alquilada.

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Touched supone tu debut en el formato largo tras haber rodado varios cortometrajes. ¿Cómo se originó tu ópera prima?

Touched no nace solo de una imagen y de un lugar. Tiene que ver con la niña y con la relación que establece con el personaje de Gabriel. Ahí es donde verdaderamente se originó la idea. Si tuviera que referirme a una idea concreta, tal vez sería la de la escena final. La historia trata sobre una relación que en realidad no ha existido, lo que le acerca a una historia de fantasmas. Pero en este caso quería centrarme más en la tristeza que puede provocar una relación que en realidad no ha existido. Hay elementos de mi propia vida, cosas de las que he sido testigo y otras imaginarias.

Con todo esto escribí el guion y ganó un premio de guiones, lo que me ayudó de cara a levantar la película. Después fui a Telefilm Canada[1], normalmente esa es la labor de un productor, pero lo hice yo mismo y tuve la suerte de que lo aceptaran y me dijeran que me ayudarían a hacer el filme, pero no me dieron el dinero suficiente. El resto es dinero privado y yo mismo puse dinero también. En Estados Unidos un productor o un productor ejecutivo es aquel que trae el dinero para hacer la película. En Canadá un productor es el que coge esos proyectos y luego hace solicitudes al gobierno, así que para eso necesitas al productor, pero luego no te dan el dinero, no lo tienen, solo hacen las solicitudes. Así que yo me quise saltar ese paso y contar mi proyecto directamente, pero no es la forma habitual de hacerlo. Tuve suerte y lo aceptaron. También te puedo decir que producir tu propia película es una pesadilla.

La propuesta de Touched se enmarca, al menos en un principio, dentro de la proliferación de películas de fantasmas que se viene produciendo en los últimos años. ¿A qué crees que se debe el auge que está teniendo esta temática dentro del cine actual y qué es lo que te atraía personalmente de ella para utilizarla como punto de partida de tu película?

La verdad es que no sabía que hubiera tantas películas de fantasmas en estos años. No las he visto. Sí he oído cosas muy buenas de una de ellas, quizá sea una a la que te refieres: A Ghost Story. No la he visto aun, pero tengo ganas. Así que creo que no soy la persona idónea para contestarte a esta pregunta porque no conozco tantos ejemplos como tú. Me encantan las películas de fantasmas, pero no partí con esa idea en mente al hacer esta película, al menos en el sentido estricto. Para mí una película de fantasmas se puede definir de manera sencilla: alguien más tiene que ver al fantasma, cosa que no pasa en mi película, ya que podría estar simplemente en la imaginación del personaje que le ve. La película está hecha con la intención de que el espectador pueda decidir si realmente es una fantasma lo que se ve o una alucinación. Cuando he hablado con la gente tras los pases he notado que creen firmemente en cualquiera de las dos posibilidades, tanto que es una historia de fantasmas o un drama psicológico. Una vez hecha, está fuera de mi alcance y es la gente la que tiene que decidirlo, pero me parece interesante ver opiniones tan encontradas.

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Karl y Juste Ezenarro, director de FANT, durante la rueda de prensa de “Touched” en el festival bilbaíno.

Como dices, la historia también es un drama psicológico e incluso puede verse como un thriller. ¿Tú cómo la definirías?

No creo que tenga un ritmo tan ágil para denominarlo thiller (risas). Nunca diría que es un thriller, ya que para mí tendría que tener más tensión y más sustos. Nunca quise que lo tuviera. Para mí es un filme pausado. Lo describiría como un misterio con fantasma que va de menos a más. Algo a medio camino entre un drama psicológico y una historia de fantasmas. Para definirlo diría que no es exactamente ninguna de las dos cosas, pero sí algo entre medias. Es complicado, porque a la gente que le gusta el cine de terror o el cine fantástico pueden sentir que es lenta o que no tienen un ritmo adecuado a su gusto, pero a otras personas que les gusta más el “cine arte”[2] pueden rechazarla precisamente, porque no suelen admitir los elementos fantásticos, ya que los consideran comerciales. Esto es algo que hice de manera consciente; si funciona o no lo tendréis que decidir vosotros. Yo he tratado de estar moviéndome en medio de estas dos ideas.

Aunque no sea una película de fantasmas propiamente dicha, lo cierto es que juegas un poco con la estructura típica de este tipo de historias. Mientras que lo habitual es que haya que descubrir el motivo por el que se aparece el fantasma, en Touched queda claro el por qué se aparece Caitlyn y cómo su presencia es solo fruto de la mente de Gabriel…

No estoy seguro de que sea como todos lo perciban, porque hay quien la ve realmente como un fantasma. Sin embargo, coincido contigo en lo de la estructura de las historias clásicas de este género. Creo que lo que descubres en este caso, y creo que eres más experto que yo en la materia, es que ves el fantasma pero no sabes qué ha pasado o por qué está allí. El protagonista trata de descubrir si es real o está en su mente. En una historia clásica tú tendrías un fantasma y descubrirías cómo fue su muerte… y entonces debe ser vengado. Yo creo que de alguna manera sigo ese esquema justo hasta el final. Cuando el fantasma es vengado, es liberado y la chica es libre… y en este caso podrías decir que también le libera a él en cierto modo.

Pero si lo ves como un drama psicológico, lo puedes interpretar como que el protagonista ve esa aparición, se convierte en una detective para entender qué ha pasado y entonces trata de hacer lo correcto yendo a la policía… y al ver que no toman medidas, se toma la justicia por su mano. Pero en este punto de la historia no sabemos cuánto de lo que vemos es verdad; por lo que sabemos puede que haya matado a un hombre inocente, aunque tengamos la sensación de que en realidad no lo era.

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Cambiando de tema, dadas las características de la película, cimentada sobre un par de personajes, el proceso de casting se antoja fundamental…

A mí me encantan los castings, aunque siempre son dificilísimos. Especialmente en este, ya que como teníamos un presupuesto tan bajo nos limitaba muchísimo. Por ejemplo, para el personaje de Caitlyn comenzamos con un casting local, pero al no encontrar a ninguna actriz que nos convenciera para el papel nos vimos obligados a ampliar el círculo. Por suerte encontramos a Lola Flanery, que es una actriz maravillosa. Es alucinante. Cuando hicimos la película, aunque solo tenía unos once años, fue súper seria, venía con todo el texto estudiado e hizo sus propios ajustes al personaje. Hacía cosas que parecían imposibles para tener esa edad. Ahora ya tiene doce o trece años ya ha estado en muchas películas de Hollywood y series de televisión. Me atrevería a decir que dentro de quince o dieciséis años puede a llegar a ser una primera estrella mundial. La verdad es que estoy muy contento con el cast que he tenido. Ha sido genial trabajar con todos ellos.

¿Y cómo fue el trabajo con Hugh Thompson, sobre el que recae todo el peso de la historia con el personaje de Gabriel?

Es un tío muy interesante. Era boxeador profesional. Al parecer noqueó a Lennox Lewis, que ganó una medalla de oro en las olimpiadas en la categoría de peso pesado. Fue cuando los dos tenían en torno a dieciocho años, le noqueó en una pelea amateur. Puedes ver que tiene la nariz rota, se la han roto varias veces. Tiene unas manos enormes, los brazos le llegan a las rodillas, como un gorila, y suele decir que no encuentra camisas que le queden bien. Así que él viene de un pasado bastante duro, pero tiene bastante sensibilidad, como la de un artista. De primeras no sabía qué esperar de él, porque es bastante intenso y cuando alguna vez se enfadó conmigo tuve la sensación de que iba a pegarme (risas). No fue porque tuviéramos una discusión, sino más bien por la frustración de una escena que tuvimos que repetir una y otra vez. En realidad fue culpa mía, ya que trataba de encontrar la manera de que esa escena en concreto funcionase y en un momento sentí que iba a golpearme, pero en lugar de eso se marchó de la habitación. Fue un momento de bastante tensión, pero podemos decir que fue la excepción. Estuvo increíble. Un miembro del equipo de sonido que ha trabajado en más de cien películas le definió de una manera que me gustó, dijo de él que era “increíblemente preciso” y eso es algo que no todos los actores pueden hacer, usar la expresión exacta en el momento exacto.

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Me gustaría que me hablaras del estilo visual de la película, en especial por el uso predominante de tonos azules cielo y amarillos claros en determinadas secuencias…

Me lo han preguntado algunas veces. La gente asume que con esta película íbamos a hacer algo muy oscuro y también que la chica iría haraposa y encadenada, como si hubiese sido maltratada. Parte de los tonos elegidos vienen de la concepción que tendría el protagonista de una niña, para mí  sería algo como el Cielo o un lugar donde no te pueden hacer daño,  algo que él imaginaría así. Hay algunas transiciones en la película, por ejemplo… Gabriel cambia en pequeñas cosas. Al comienzo, cuando le vemos en su rutina diaria, lleva unas camisas azules y al final tiene camisas más coloridas, como si fuese una mariposa saliendo del capullo. De modo similar, la paleta de colores de la película cambia de azul a amarillo. El azul es su color y el amarillo el de los dos juntos. Hay más razones. Para mí la concepción que él tendría de la habitación de una niña es dulce, pero a la vez no tiene mucho sentido, ese amarillo brillante y chillón… Si este fuese un drama psicológico y lo que él ve está creado por su mente, me gusta la idea de que esa sea la imaginación de alguien que nunca ha tenido un hijo y que no tiene ni idea de lo que eso significa. Así que eso sería lo que él se imagina que debe ser un cuarto de un niño, con color amarillo brillante y algunos juguetes. Pero eso también va cambiando a lo largo de la película según se van acercando los dos personajes. Además, como dije antes, va en contra de lo que la gente puede esperarse. Es más original que si fuese exactamente igual que en las otras películas de fantasmas.

Además de dirigir  y escribir el guion, también te has encargado de la producción y el montaje. ¿Este polifacetismo se debe a las estrecheces presupuestarias que has comentado o es una decisión plenamente consciente y buscada por tu parte para mantener el control sobre la película?

Es una buena pregunta, pero sencilla: fue el presupuesto. Por ello he tenido que desempeñar muchos trabajos en esta película: director, guionista, productor, montador e, incluso, hice escenas de especialista, simplemente porque no teníamos dinero para contratar a gente en esos puestos. Por ejemplo, me hubiese gustado contratar a un montador, pero no nos lo pudimos permitir. En resumidas cuentas, no fue decisión mía ni fue para tener más control… pero fue la manera más rápida para conseguir la financiación y, desde luego, no la más sencilla. Diría que ese fue el motivo. Si de mí dependiera, solo sería guionista y director… Quizás co-productor, pero no volvería a ser productor.

José Luis Salvador Estébenez

[1] Telefilm Canada es una empresa dependiente del gobierno canadiense que promueve la realización y financiación en el país norteamericano a través de sus diversos fondos y programas. La función de Telefilm es fomentar el éxito comercial, cultural e industrial de las producciones canadienses y estimular la demanda de esas producciones tanto en el hogar como en el extranjero. (Extraído de Wikipedia).

[2] Nota del traductor: El cine arte (también denominado cine art house) es un tipo de cine realizado por compañías, con frecuencia pequeñas, cuya línea de producción contrasta con las que tienen como objetivo la taquilla y el consumo masivo. El cine arte cuenta con una mayor libertad creativa que el cine convencional, y suele mostrar temas controvertidos o dramáticos o utilizar recursos narrativos o cinematográficos poco habituales e incluso de difícil comprensión. Con frecuencia, el término se utiliza como sinónimo de cine de autor, debido a que las películas se identifican por el sello que su director imprime en ellas. (Wikipedia).

Traducción: Tarik Amarouch García

Fotografías: Juan Mari Ripalda

Presentado el cartel oficial de Nocturna 2018, en la que se homenajeará a Dan Mancini, creador de “Muñeco diabólico”

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En la mañana de ayer, la organización del Festival Internacional de Cine Fantástico Nocturna dio a conocer a través de redes sociales dos de los primeros detalles de su próxima edición, la sexta, la cual tendrá lugar entre los próximos 23 y 27 de octubre. Por un lado, el que será su cartel oficial que podéis ver encabezando esta entrada, inspirado en los famosos blisters de muñecos que se popularizaran en los años ochenta con el que han pretendido homenajear a su público, según han manifestado.

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El otro anuncio ha sido la identidad del homenajeado con el premio “Maestro del Fantástico”. En esta sexta edición, dicho galardón recaerá en el guionista y director estadounidense Don Mancini, creador de Muñeco diabólico, coincidiendo con el treinta aniversario de la primera entrega de la saga. Por este motivo, el cineasta visitará al certamen en el que se conmemorará el aniversario de su creación con la proyección de Muñeco diabólico (Child´s Play, Tom Holland, 1988).

Más información: nocturnamadrid.com/es

Published in: on julio 19, 2018 at 6:21 am  Dejar un comentario  
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FIMUCITÉ acogerá el primer concierto oficial del programa de RTVE ‘Cine de Barrio”

El Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife (FIMUCITÉ) ha presentado la programación de conciertos que se sumarán a los eventos sinfónicos ya anunciados para su duodécima edición, a celebrar entre el 21 y el 29 de septiembre de este año con el patrocinio del Cabildo Insular de Tenerife, el Gobierno de Canarias y el Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife. Dentro de la variada propuesta destaca el espectáculo oficial “Cine de barrio en concierto”, que cuenta con la colaboración de Radiotelevisión Española.

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El compositor, orquestador y concertista Jean-Michel Bernard se encargará de abrir el viernes 21 de septiembre la programación de FIMUCITÉ 12 en el Teatro Leal de San Cristóbal de La Laguna con un recital de piano acompañado de la solista japonesa Kimiko Ono. El concierto, bautizado como “Tócala otra vez, Jean-Michel”, será un viaje a través de su personal interpretación de grandes clásicos de bandas sonoras históricas (La pantera rosa, Forrest Gump, La lista de Schindler o Taxi Driver, entre otras), junto a algunas piezas de su autoría que forman parte de películas como La ciencia del sueño o Human Nature, de Michel Gondry. Las entradas para el concierto de apertura ya se encuentran a la venta en la taquilla del Teatro Leal y en la plataforma Entrees.es. Este recital se repetirá en el Teatro Guiniguada de la capital grancanaria el domingo 23 de septiembre, de modo que en esta ocasión y por vez primera, FIMUCITÉ programa en las islas de Tenerife y Gran Canaria de forma paralela.

© Aarón S. Ramos

© Aarón S. Ramos

El sábado 22 de septiembre, regresa al Teatro Guimerá la Pop Culture Band con una nueva y atractiva propuesta. Se trata del concierto “Addicted to Love”, dedicado a las mejores canciones del cine romántico, bajo la dirección musical de Gonzalo de Araoz.

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Una selección de piezas populares de clásicos del cine español que contaron con el talento musical de compositores nacionales de la talla de Antón García Abril o Augusto Algueró, así como de cantantes del nivel de Raphael, Imperio Argentina, Karina, Marisol o Manolo Escobar, sonarán en el Teatro Guimerá el domingo 23 de septiembre, bajo el título ‘Cine de barrio en concierto’. Se trata del concierto oficial dedicado a los títulos protagonistas del popular programa de Radiotelevisión Española, que contará con el pianista David Quevedo como director musical y Esther Ovejero y Fran León como vocalistas principales. RTVE ratifica su acuerdo de colaboración con FIMUCITÉ y grabará para su posterior emisión a nivel regional, nacional e internacional, no solo los conciertos sinfónicos programados -como en años anteriores-, sino también este evento exclusivo.

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El jueves 27 de septiembre será el turno de los “Colosos de la gran pantalla”, en un concierto en el Teatro Guiméra que será interpretado por la Joven Orquesta FIMUCITÉ, formada por jóvenes músicos estudiantes del Conservatorio Profesional de Tenerife y el Conservatorio Superior de Música de Canarias, dirigida por tercer año consecutivo por el maestro José Antonio Cubas. El programa de este año recorrerá la música de películas sobre algunas de las bestias míticas del Séptimo arte, desde King Kong a Godzilla, pasando por los dinosaurios de Parque jurásico y El valle de Gwangi, sin olvidar varias producciones rodadas en Canarias, como, por ejemplo, Furia de titanes, Moby Dick, Cuando los dinosaurios dominaban la Tierra o Hace un millón de años; obras de grandes compositores como John Barry, John Williams, Mario Nascimbene, Ramin Djawadi o Jerome Moross. Este concierto contará con una función matinal dirigida al público escolar y otra para el público general a partir de las 20:00 horas (entradas a la venta en la taquilla del Teatro Guimerá y en TomaTicket.es).

Como marca la tradición, el Auditorio de Tenerife acogerá los dos grandes conciertos que pondrán broche final a una semana en la que la isla se convertirá en el foco internacional de la música para cine. Así, el viernes 28 de septiembre tendrá lugar la première europea de un espectacular concierto live to picture dedicado al film de Steven Spielberg Encuentros en la tercera fase. El director artístico de FIMUCITÉ, el reconocido compositor y director de orquesta Diego Navarro se pondrá al frente de la Orquesta Sinfónica de Tenerife y el Tenerife Film Choir en la interpretación íntegra de la legendaria partitura de John Williams mientras se proyecta la película.

El sábado 29 de septiembre el Auditorio de Tenerife ofrecerá la Gala de Clausura de FIMUCITÉ 12, que contará con Ben Foster como director invitado en el concierto “La verdad está ahí fuera”, un completo recorrido a través de las partituras más representativas del subgénero de ciencia ficción dedicado a los avistamientos de ovnis e invasiones extraterrestres a nuestro planeta. Formarán parte del repertorio bandas sonoras de películas como Mars Attacks (con música compuesta por Danny Elfman), Contact (Alan Silvestri), Abyss (Alan Silvestri), Starman (Jack Nietzche), La cosa (Ennio Morricone) o Thunderbirds are go, la nueva serie de los populares personajes actualmente en emisión con partituras escritas por Foster y su hermano Nick, por las que fueron nominados en la edición televisiva de los Premios BAFTA.

Las entradas para los conciertos sinfónicos se pueden adquirir a través de Internet enwww.auditoriodetenerife.com y en taquilla del propio auditorio.

Published in: on julio 18, 2018 at 5:50 am  Dejar un comentario  

Abierta la convocario de “Sitges Pitchbox 2018” que contará con la participación de Ron Perlman

La plataforma Filmarket Hub ha abierto la convocatoria de proyectos de género para la nueva edición de “Sitges Pitchbox”, el evento internacional de pitching que organiza junto al Festival de Sitges. Esta nueva edición contará con una charla inicial del actor estadounidense Ron Perlman, que coge el relevo de Guillermo Del Toro, invitado especial de la edición 2017. Perlman será el invitado especial de esta edición de “Sitges Pitchbox” y recibirá un premio honorífico de manos del Festival. Ganador del Globo de Oro en 1989, Perlman ha destacado por sus interpretaciones en películas de género como Hellboy o en series como Hijos de la anarquía.

Entre todos los proyectos presentados para esta edición de “Sitges Pitchbox”, siete serán seleccionados para presentarse el 5 de octubre en el marco del Festival. Primero tendrá lugar la sesión de pitching frente a productores, agentes de ventas, distribuidores y demás empresas del sector audiovisual. Posteriormente el jardín del Hotel Meliá acogerá el cóctel de networking y la ceremonia de premios, donde todos los participantes podrán compartir impresiones y contactos.

Un año más, gracias a la Diputación de Barcelona, los proyectos seleccionados tendrán acceso a una atractiva bolsa de premios. El primer premio son 5.000€ para gastos de desarrollo. También se entregarán dos bolsas de viaje para asistir y presentar el proyecto en el Bucheon International Film Festival (Corea del Sur) y en Blood Window (Argentina), la sección de cine fantástico del mercado Ventana Sur, el más importante de Latinoamérica.

Al mismo tiempo, se otorgarán dos premios paralelos a los que también podrán acceder los proyectos candidatos. El proyecto con más proyección asiática será seleccionado para participar en “The Crouching Tigers Project Lab”, un encuentro de coproducción y cofinanciación dentro de las actividades del International Film Festival & Awards de Macao. Por otro lado, los dos mejores proyectos catalanes de la convocatoria serán seleccionados para asistir a Blood Window junto a la delegación organizada por Catalan Films & TV.

Desde su primera edición en 2015, el evento se ha internacionalizado de forma exponencial. La pasada edición contó con proyectos de países tan diversos como Reino Unido, Suiza, República Checa, Chile o Perú. Entre los casos de éxito surgidos de “Sitges Pitchbox” destaca Sin fin, opera prima de los hermanos Alenda protagonizada por María León y Javier Rey. La película consiguió la Biznaga de Plata al mejor actor en el pasado Festival de Málaga y se estrenará el próximo 19 de octubre de la mano de Filmax.

Toda la información sobre la convocatoria y el proceso de inscripción está disponible en la página de “Sitges Pitchbox 2018”: https://www.filmarkethub.com/calls/sitges-pitchbox-2018

Published in: on julio 17, 2018 at 5:42 am  Dejar un comentario  
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Pase gratuito de “The Room” en L’Hospitalet de Llobregat

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The Room, considerada la mejor peor película de la historia, se proyectará en un pase gratuito al aire libre en L’Hospitalet de Llobregat el próximo 21 de julio. La cita tendrá lugar a las 22 horas en los Jardines de la Biblioteca de Can Sumarro y forma parte de las actividades de “L’Hospitalet Summer Jove 2018”. Su organización corre por cuenta de B-Retina, Festival de Cine de Serie B y Editorial Hermenaute.

Estrenada en el 2003 en Los Ángeles, y dirigida, producida y protagonizada por el entonces desconocido Tommy Wiseau, The Room se ha convertido con los años en una obra de culto en Estados Unidos, donde los fans de la película han elevado su imperfección a la de una obra rara y únicaAdemás, ha inspirado la película The Disaster Artist, de James Franco, ganadora de una Concha de Oro en el pasado Festival de San Sebastián. En parte gracias al éxito de esta película, el fenómeno ha trascendido las fronteras de Estados Unidos y ahora se hacen pases de The Room en todo el mundo.

La proyección estará presentada por Guillermo Triguero, crítico de cine y autor del libro The Room, un desastre fílmico convertido en obra de culto (Editorial Hermenaute). Antes del pase, se repartirá un folleto con instrucciones entre el público para interactuar con la película como lo hacen sus fans: lanzando cucharillas a la pantalla o pasándose un balón de rugby entre ellos, entre otros rituales.

Más información: prensa@hermenaute.com

Published in: on julio 16, 2018 at 5:49 am  Dejar un comentario  

Entrevista a Marc Martínez, dirtector de “Framed”

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Es obvio cómo las redes sociales han modificado nuestra forma de relacionarnos y comunicarnos. La rapidez que brindan para interactuar con gente que se encuentra a kilómetros de distancia y su facilidad para hacer amigos (virtuales) con los que compartir aficiones comunes han influido de forma determinante en el triunfo de este tipo de plataformas. Sin embargo, su proliferación no ha estado exenta de aspectos oscuros. Cada vez son más los adictos que han hecho de su vida virtual la auténtica razón de ser de su existencia, demostrando una auténtica obsesión por conseguir una aprobación social de la que, quizás, carecen en su día a día, y que en algunos casos se ha unido a una evidente búsqueda de notoriedad. La necesidad de tener nuevos contenidos con los que mantener la atención de amigos y/o seguidores ha llegado así a límites difíciles de imaginar hace un tiempo. Uno de los ejemplos más extremos es el protagonizado en abril del año pasado por un individuo que retransmitió en directo cómo asesinaba a un anciano al azar y que saltó a las portadas de los principales medios. Lo preocupante del caso es que no se trata de un hecho aislado.

Esta mirada crítica hacia los extremos a los que puede conducir la obsesión por las redes sociales, unidos a las ansias de popularidad, conforman la base de Framed (2017), película que ha significado un debut por partida doble. Por un lado, de su director, Marc Martínez Jordán, quien, tras acumular galardones con sus cortos Timothy (2013) y Caradecaballo (2015), da el salto al formato largo con esta home invasion plagada de un macabro sentido del humor negro. Por otra parte, al suponer la puesta de largo de “Creatures of the Dark”, una nueva productora independiente ubicada en Barcelona de películas de terror de bajo presupuesto. Tras vivir su première mundial en la inauguración del Festival de Molins de Rei 2017, Framed formó parte de la Sección Oficial de la pasada edición de FANT, donde tuvimos la oportunidad de conversar con su director.

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Framed supone tu ópera prima en el formato largo. ¿Cuál es la evolución del proyecto?

Soy muy amigo de Àlex Maruny, el protagonista, y de Yuse Riera, el director de fotografía. Hablando, vimos que sería interesante una película que tratara este concepto de la viralidad. Pero en ese momento, 2014, no teníamos ni dinero ni nada. Hicimos un pequeño teaser, del que de hecho hay un fragmento en la película cuando se ve un ataque en un parking, pero la cosa se quedó ahí. En mayo de aquel año, en el Transilvania International Film Festival, conocía Marc Carreté, que estaba con su película Asmodexia (2014). Nos caímos bien y nos hicimos amigos. Un año después volví a quedar con él y me comentó que quería producir una película de bajo presupuesto, pero que no tenía ningún proyecto para hacerlo. Le conté mi idea, le envié un mail explicándole el concepto, le pasé un teaser poster que tenía desde hacía tiempo, y al cabo de los diez minutos me llamó y me dije: “Vamos a hacerlo”. Rodamos un teaser tráiler cuando aún no teníamos el guion desarrollado, y a partir de diciembre de 2015 comenzamos a escribir el guion. Y ya en abril de 2016 se desarrolló el rodaje.

Framed habla del mundo de las redes sociales, las ansias de notoriedad a toda costa y el morbo cada vez más presente en los medios. ¿Por qué elegiste precisamente el subgénero de las home invasion para tratar estos temas?

Cuando decidimos hablar de la viralidad nos dimos cuenta de que, por presupuesto y por las propias limitaciones del proyecto, era interesante hacer algo que fuera lo más cerrado posible. Así que, una vez tuvimos claros esos dos conceptos, la limitación del presupuesto y el tema de la viralidad, las home invasion era el mejor subgénero al que podíamos aplicar todo este tema de las redes sociales y demás, ya que, entre otras cosas, solo necesitábamos una sola localización que era una cosa. Fue un poco la forma de encajarlo todo.

El que hables del tema de la viralidad ¿guarda alguna relación con tu experiencia dentro del mundo publicitario?

(Risas) Realmente, no es que tenga una gran experiencia en el mundo publicitario con grandes marcas y demás. Es más, a pesar de mi corta experiencia, si me das a elegir no volvería a hacer publicidad nunca más. Pero sí que es verdad que vivimos en un mundo en el que todo está esponsorizado, a tal punto que a veces vemos marcas y no nos damos cuenta de que nos están intentando vender un producto. Es una locura. Es algo que quizás no se explica mucho en Framed, pero que hoy en día se da bastante. Escuchas una canción, por ejemplo, y te recuerda a un anuncio. Y cada día va a más.

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Mac junto a Justo Ezenarro, director de FANT, durante la rueda de prensa de “Framed” en el festival bilbaíno.

Aunque los asaltantes de una home invasion utilicen máscaras puede verse como un cliché del estilo, en tu caso conecta con tus anteriores cortometrajes, ambos protagonizados por sendos encapuchados. ¿De dónde viene esa obsesión?

Pues no lo sé. Según el coguionista de Framed, es porque soy gay y aún no lo he aceptado. (Risas) Pero no lo sabría decir. Sí que hay un tema en mis cortos anteriores en los que el esconder el rostro es un proceso que puede aportar a un personaje o quitarle. En el caso de Caradecaballo lo que hice fue ponerle una máscara al protagonista porque creía que si la gente no le veía la cara se establecía una conexión empática con el personaje. Es lo que pasa en la animación. Tú ves un dibujo que representa a una persona, pero no es humano. Así que tienes que aportarles rasgos que le humanicen para crear esa conexión empática. Y en el caso de Timothy creo que pasó un poco lo contrario. En el momento en el que despersonalizas a una persona y no puedes ver su cara en ciertos momentos puede funcionar mejor. Juegas con la incógnita, con las expectativas. En este mi primer corto era un conejo que al final era una alucinación, aunque físicamente en el rodaje fuera una persona disfrazada de conejo. Y eso crea un misterio, crea una tensión, crea un interrogante. Y el uso de máscaras juega en estas dos direcciones. Al menos yo lo uso para eso.

A nivel visual, lo cierto es que Framed es bastante explícita en el uso de la violencia y el gore, creando momentos que pueden ser bastante incómodos para según qué espectadores…

Pues fíjate que cuando fuimos a montar la película le dije al director de foto que creía que había muy poca sangre; pensaba que teníamos que haber puesto más. Pero sí que es verdad que, cuando la gente empezó a ver la película, me decía que se nos había ido un poco la olla. Sin embargo, he de decir que era mucho más bestia y más loco, y al final se quedó lo que realmente funcionaba. Por eso me gusta ver la reacción de la gente, porque los del equipo estamos metidos en nuestro mundo, pero cuando ves la reacción del público es cuando te das cuenta de que quizás nos hayamos pasado un poco. Por ejemplo, en la première de la película en Molins de Rei hubo un espectador que se mareó y tuvo que salir de la proyección. En medio de la película alguien preguntó: “¿Hay un médico en la sala?” (risas). Y, claro, tú haces las películas para que las vean los espectadores, evidentemente, y si la gente tiene esas reacciones tan extremas hay que replantearse las cosas un poco. Así que quizás es cierto que haya demasiada violencia y en los siguientes proyectos nos tengamos que censurar un poco.

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Aparte de su comentado discurso, la película tiene un claro componente de metaficción, representado por los momentos en el que el jefe de los asaltantes que interpreta Álex Murany se pone a dar instrucciones a sus víctimas de lo que deben de hacer mientras él les rueda. ¿Era algo buscado por tu parte?

La propia película es un poco el intento de un director de que los actores hagan lo que él quiere; de esa especie de tiranía. Sí que es verdad que, cuando acabamos de montar la película, vi que tenía un poco de este concepto metacinematográfico; es la historia de un tío que quiere dirigir la vida real de unas personas para montar su espectáculo. Es buenísimo, porque al final todo le sale mal, que es el resumen de todas las películas independientes cuando las acaban. Es una muy buena observación, porque la película tiene mucho de ello, aunque sea a través de cosas que han sido puestas un poco de forma inconsciente.

No obstante, pese a este grafismo de su puesta en escena, Framed está recorrida por un negrísimo sentido del humor. ¿Fue muy difícil encontrar un equilibrio entre ambas vertientes?

Es complicado, porque cuando rodábamos muchas de las cosas con las que la gente se ríe, la verdad es que no hacían ni puta gracia. Había momentos que a mí me parecían patéticos, y cuando pasamos la película en Molins de Rei la gente se reía a saco. Yo miraba al director de foto y le decía: “No entiendo al público, ni al cine, ni nada”.

En cuanto al equilibrio, sí que durante la primera media hora la película creo que es muy comedia, y los siguientes cuarenta o cincuenta minutos es muy gore, aunque haya cosas de comedia por en medio. Y conseguir el equilibrio entre esas dos vertientes fue complicado, aunque en el montaje se pudo calibrar un poco. Quitamos cosas que quizás hacían más gracia, pero que resultaban un poco anticlimáticas con la situación que se estaba desarrollando. Cuando escribimos el guion no se calculó muy bien, porque yo quería que fuera una comedia, pero también quería que hubiera terror. Y lo que es el concepto del miedo de una persona por un pasillo en el que de repente le puede saltar alguien no lo quería explotar todo el rato, sino que quería hacer secuencias en habitaciones en las que entra el malo y que el público se preguntara qué iba a pasar ahora. Y al final todo quedó muy loco, aunque lo hemos podido equilibrar bajo esta forma de medio comedia, medio terror y medio slasher que le va bastante bien. Si fuera más seria seguramente la película no funcionaría tanto.

En el mismo sentido, ¿cómo fue el trabajo con los actores, sobre todo teniendo en cuenta la locura general en la que se ven envueltos sus personajes?

Las situaciones eran muy disparatadas, pero como el rodaje era tan disparatado se produjo como un equilibrio perfecto, al punto de que llegó un momento en que resultaba normal que en un rodaje tan loco estuviésemos rodando eso.

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Marc Martínez y el actor Daniel Horvath, que interpreta el papel de Maurice en “Framed”.

En la planificación visual de la película cobra una gran relevancia el uso de primeros planos. ¿Fue consecuencia de las limitaciones propias del rodaje o era una forma de acentuar la situación de encierro que viven los personajes?

Sí que es verdad que la localización que utilizábamos, aunque estaba bien, era muy delimitada, por lo que la utilización del plano cerrado vino un poco por esta restricción. No obstante, una vez que lo usamos nos dimos cuenta de que funcionaba mucho con el acting. Nos dimos cuenta de que era una película que se basaba en caras angustiadas, con Àlex Maruny poniendo caras superlocas, y había mucha cosas fueras de cuadro, por lo que los planos cerrados nos ayudaban. Así que al final decidimos que la película tuviera esa narrativa. Nos hubiera gustado usar encuadres más abiertos, pero al ser una película sobre las redes sociales, tan eléctrica en el sentido del montaje y la luz, también nos iba bien que el encuadre pareciera el de una foto de Instagram.

Aparte de dirigir y coescribir el guion junto a Jaume Cuspinera, te has encargado también del montaje. El que seas tú en primera persona el que se ocupe de este apartado ¿está directamente relacionado con la importancia que otorgas a este apartado dentro del conjunto de la película?

Sí, el montaje es un elemento básico. Parece una estupidez esto que estoy diciendo, pero en un proyecto tan loco como el nuestro, que se rodó en unas circunstancias que fueron complicadas dependiendo del momento, lo que hacía que el material fuera irregular, no por un tema de acting, sino porque a veces fallaban cosas, ya que tú tienes un guion y algo planteado en la cabeza, y a veces cuando colocas la cámara ves que eso no funciona, el montaje tenía que ser muy quirúrgico. Yo no soy el mejor montador del mundo, pero sí que disponía de todo el tiempo del mundo para estar veinticuatro horas al día, siete días a la semana para intentar montar y solucionar todo esos problemas. Por este motivo el montaje llevó bastantes meses, ya que, insisto, teníamos que darle mucha velocidad y mucho frenesí para que se entendiera la película, simular algunos efectos, potenciar otros aspectos, comprobar si ciertas cosas funcionaban o no… Por todo esto, en este proyecto el montaje era súperimportante.

Una curiosidad. El logotipo de Framed, la aplicación de retransmisión en directo que protagoniza la película, recuerda al del popular programa televisivo Gran hermano. ¿Simple coincidencia?

El diseño lo hizo un director de arte que es amigo mío y que me ayudó a hacer aquel primer teaser. Creo que, efectivamente, se inspiró en el concepto del ojo que observa, ya que es muy parecido.

Hablando de referencias, ¿el uso que haces de la Novena sinfonía de Beethoven es un guiño a La naranja mecánica (A Clockwork Orange, 1971), dada la similitud en cuanto al discurso?

Como soy muy flipado, mi idea era hacer una versión viral de La naranja mecánica, aunque luego la realidad sea muy diferente (risas). Sí que es verdad que mi idea era coger la idea de la ultraviolencia y juntarla con el tema de la viralidad. Aparte, a mí me gusta mucho La naranja mecánica en particular, y todo el cine de Kubrick en general, y quería darle como ese toque. Es un guiño que nos podemos permitir, y creo que funciona bastante bien en la secuencia final de la película. Además, me gustó el concepto de hacer un slasher con música clásica de por medio, que era una cosa que podía quedar interesante. No sabía cómo podía reaccionar el público, pero había que probar. También estaba aquello de que si la película iba mal durante el montaje, poniéndola música clásica parecía que se arreglaba (risas).

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Dentro del equipo técnico con el que has contado para darle forma a Framed la mayoría son técnicos procedentes de la ESCAC, al igual que tú. ¿Supone una declaración de principios?

Sí. Lo mejor que hay en la ESCAC es sacar contactos de gente que quiere y está dispuesta a trabajar. Y a nivel técnico la ESCAC saca muy buenos profesionales, así que bienvenidos sean. También hubo gente de otras escuelas de Barcelona en la película, de todos modos. No es que sea un yihadista de la ESCAC, pero, además de la profesionalidad, en un proyecto como el nuestro también necesitaba que la gente le pusiera ganas.

En los últimos años es bastante habitual que las producciones independientes de género terrorífico en nuestro país sean rodadas en lengua inglesa en pos de una mayor proyección internacional. Sin embargo, en vuestro caso no es solo que Framed esté filmada en castellano, sino que además en todo momento recalcáis que la acción transcurre en España…

Nos salió así, básicamente. No me veía rodando en inglés, entre otras cosas porque era un follón muy grande: había que buscar actores que hablaran en inglés, traducir el guion… Es cierto que hay películas españolas que se ruedan en inglés, pero juntan a un actor de Londres, a otro de Australia, a otro estadounidense, y al final se produce una mezcla de acentos imposible. Antes de caer en esa trampa decidimos rodar la película en castellano. Y no nos avergonzamos por ello.

También está el cambio que se ha producido en la industria. Antes el mercado norteamericano era todo y ahora el mercado se ha expandido. Si en Estados Unidos una película no funciona no pasa nada, porque tienes cien países más que seguramente la querrán consumir. Y el tema del idioma se ha demostrado que no importa gracias a plataformas como Netflix, donde puedes ver una película tailandesa, coreana, japonesa o de cualquier otra parte del mundo. Da igual la procedencia. Sí que a los estadounidenses, por su propia cultura, les cuesta ver películas en otro idioma que no sea el inglés, pero creo que acabarán por acostumbrarse, entre otras cosas porque no les queda otra.

Aunque ahora mismo Framed se encuentra realizando el circuito de festivales, ¿cómo está el tema de su distribución comercial?

He de decir que de este tema no tenía ni idea y hasta hace relativamente poco tiempo ni siquiera conocía la figura del agente de ventas. Ahora mismo sí que Framed ha sido adquirida por una agente que nos lleva las ventas internacionales, y lo que es a nivel nacional se encarga el propio Marc Carreté. Tenemos varias propuestas, pero, como él dice, no hay prisa. Creemos que la exposición que nos dan los festivales puede ayudarnos a conseguir mejores condiciones. Hay que tener en cuenta que es un proyecto que sale de la nada, por lo que la gente nos ve como esos locos que han hecho una película en la que salen locos. Y como no tenemos ninguna productora conocida detrás, es un proceso bastante lento. Tenemos que construirnos poco a poco el caché para automáticamente colocarnos donde deberíamos estar.

Framed es la primera producción del nuevo sello “Creatures of the Dark”. Aunque sé que la persona indicada para pedírselo sería Marc Carreté, me gustaría que me explicaras más sobre el proyecto y por dónde pasan sus planes a corto y medio plazo…

La idea de crear una productora indie de terror ubicada en Barcelona nace de Marc Carreté. El objetivo inicial es dar la oportunidad a nuevos realizadores de dirigir su ópera prima dentro del ámbito del género, pero con total libertad creativa, ya que al tratarse de películas de bajo presupuesto el riesgo de que puedan ser un fracaso es mínimo, lo cual es de agradecer, ya que el que alguien te permita hacer una película como a ti te dé la gana es algo muy difícil que se dé en producciones más grandes, por no decir imposible. Y a partir de ahí crear una cantera de directores que cuenten con una película que puedan mostrar a los espectadores y avancen en su carrera. La idea siempre ha sido crear esa especie de rueda de hacer una película y con los beneficios obtenidos por esa rodar la siguiente. Tras Framed Marc ha dirigido la siguiente, After the Lethargy, que se estrena en el FANTASPOA. El objetivo es cada año anunciar al menos un proyecto y llevarlo a cabo, obviamente. Esa es la filosofía. También está que si, por ejemplo, yo ahora ruedo otra película, los condicionantes mejorarán, entendiendo que Framed funcionará, sacará beneficios, hará crecer a la productora y esta podrá invertir en proyectos más ambiciosos, etcétera, etcétera.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías: Juan Mari Ripalda

Published in: on julio 13, 2018 at 5:47 am  Dejar un comentario  
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Los peores monstruos marinos del cine visitan el 15 de julio Madrid con el show “Cinecutre En Vivo”

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El espectáculo de humor “Cinecutre en vivo” vuelve a Madrid este 15 de julio con una entrega veraniega especial dedicada al “peor cine de monstruos marinos”, donde los “tiburones de plástico” y los “calamares de goma” serán los protagonistas. La cita tendrá lugar a las 20 horas en el local “El chico feo”, sito en la calle Covarrubias nº 21.

“Cinecutre en vivo” es un show multiformato único en Madrid, que combina monólogos de humor, sketches en directo y extractos de películas, para recorrer en clave de comedia lo peor del cine de serie B/Z. Sus responsables, veteranos de la web de cine y humor Cinecutre.com, lo definen como “un viaje a las profundidades abisales del celuloide”, donde se dan a conocer algunas de las películas “más delirantes, ignotas y chapuceras de todos los tiempos”. Además, una de las principales características que definen a este show es la cercanía con el espectador, ya que durante la función se permite al público interaccionar con los presentadores y hacer preguntas, como si de una clase se tratara.

Como siempre, los conductores del montaje serán Carlos “Oso” Palencia, director del festival CUTRECON y colaborador habitual de “Hoy empieza todo” en Radio 3, y Vera Montessori, cómica profesional y guionista de televisión en programas como “LocoMundo” del canal #0 de Movistar +. Con más de quince años de existencia, Cinecutre.com ha acumulado durante ese tiempo gran información sobre cine marginal y a sus responsables se les puede considerar verdaderos expertos en la materia, por lo que aquellos que estén interesados en ampliar sus conocimientos sobre cine y no le hagan ascos a ningún tipo de películas, tienen con “Cinecutre en vivo” una “gran oportunidad de divertirse y aprender al mismo tiempo”, señala Palencia.

Las entradas para esta próxima entrega de “Cinecutre en vivo” se encuentran ya a la venta por 8 euros con consumición incluida, y pueden adquirirse en Atrapalo y en Entradium.

Published in: on julio 12, 2018 at 5:37 am  Dejar un comentario  

“Dirigido por…” inicia un dossier sobre el “spaghetti-western” en su número de julio-agosto

Dirigido por spaghetti

Desde mediados de la semana pasada se encuentra a la venta el número correspondiente a los meses de julio y agosto de la revista cinematográfica “Dirigido por…”. Un número 490 en la que la veterana publicación inicia un dossier de dos partes dedicado al spaghetti-western y coordinado por Antonio José Navarro que se completará en el siguiente número.

Este recorrido por el western mediterráneo propuesto por “Dirigido por…” se articula mediante la obra de sus principales realizadores. Así, junto con artículos destinados a dar una visión más global del fenómeno, sin eludir miradas más específicas, caso de los textos “¿Qué fue el spaghetti-western? Panorámica histórica sobre un género europeo” de Joaquín Vallet Rodrigo, “¡Vamos a matar, compañeros! Spaghetti western y política” de Jesús Palacios, esta primera entrega incluye los estudios “Sergio Sollima. Aventura y política” de Antonio José Navarro, “Duccio Tessari. Picaresca y fantasmagoría” de Ramón Alfonso, “Voy, los mato y ruedo: El euro-western atípico de Enzo G. Castellari” de Ángel Sala y “Sergio Leone. El padre de un montón de hijos de puta”, en lo que supone la tercera colaboración de un servidor, José Luis Salvador Estébenez, con tan mítica cabecera.

Por un puñado de dólares

Como su título indica, en mi texto repaso la trayectoria dentro del subgénero del considerado padre del spaghetti-western, prestando especial atención a la evolución de su estilo y su paternidad sobre ciertos estilemas que pronto se convirtieron en canon dentro del western mediterráneo. “Al contrario de lo que había sido norma en la producción europea hasta el momento, en lugar de conformarse con imitar el modelo de las películas estadounidenses, Leone optó por recrear sus principales rasgos desde una óptica propia que al mismo tiempo conectaba con el subconsciente de la audiencia. (…)Fruto de este enfoque evocativo del western, no como un contexto histórico y geográfico determinado de la historia de los Estados Unidos, sino como un espacio cinematográfico propio, son dos de los rasgos más identificativos de la visión del género propuesta por Leone y, en adelante, del spaghetti-western. Uno es la cacareada ausencia de personajes femeninos de peso en sus películas y, con ella, del elemento romántico. (…) La otra está en el nivel de violencia (…). Una violencia que es plasmada de manera hiperbólica en fondo y forma, bien sea por el incontable número de muertes que se acumulan en el metraje, como por los efectos que esta produce en los personajes”.

Más información: https://www.dirigidopor.es/

Published in: on julio 11, 2018 at 5:09 am  Dejar un comentario  

Crónica de “Kaiju Weekend 2018”

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No estoy seguro si todos los asistentes al evento que habíamos organizado para el sábado 30 de junio de 2018 eran conscientes, en toda su magnitud, de la categoría de los dos ponentes que se alineaban en la sala para realizar una conferencia sobre la evolución del kaiju eiga. A mi izquierda, se encontraba Ángel Sala, director del Festival Internacional de Cine Fantástico de Sitges, autor de dos libros sobre Godzilla, y responsable de liderar la colección en VHS sobre kaiju eiga que apareció de la mano de Filmax hace veinte años. A mi derecha, se encontraba Jonathan Bellés, doctorado cum laude por la Universidad Politécnica de Valencia con una tesis precisamente fijada en la relación existente entre el terror atómico y la aparición de Godzilla, además de ser el director del documental Los albores del kaiju eiga, enfocado en esa vinculación y para el que viajó a Japón para entrevistar a las máximas figuras de esta corriente cinematográfica. Sin olvidar que es miembro fundador de godzillaencastellano.com, como un servidor.

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De izda. a dcha.: Jonathan Bellés, Octavio López y Ángel Sala.

Pasaban unos pocos minutos de las once de la mañana, y daba comienzo dicha conferencia en una sala con una ornamentación muy cálida, donde yo ejercía de moderador entre ambas bestias del panorama fantástico español. Sirviéndose de unas pocas imágenes que ayudaron a visualizar algunos aspectos de la conferencia, Ángel y Jonathan fueron desgranando desde el contexto histórico en el que nació Godzilla y sus influencias norteamericanas, hasta su retroalimentación precisamente con la nación estadounidense, pasando por la oscilante evolución del kaiju eiga a través de sus más de sesenta años de vida. Asimismo, se hizo hincapié en el panorama actual, y en las distintas vías cinematográficas que se han abierto; esto es, la línea norteamericana liderada por Legendary Pictures, el anunciado universo compartido que Toho ha prometido, y la trilogía de animes que se encuentra actualmente en emisión y preparación. Todo ello transcurrió de forma muy amena, a tenor de los comentarios que recibimos después, y bajo mi punto de vista creo que se encontró el equilibrio perfecto entre densidad de datos y la complicidad del público en algunas materias.

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Para cerrar la conferencia, Jonathan había preparado en exclusiva una selección de veinte minutos de su documental, en el que pudimos ver el esforzado trabajo en el que se ha visto inmerso en estos últimos cuatro años, y cómo figuras de primer orden como Akira Takarada, Shusuke Kaneko, Koichi Kawakitta, Haruo Nakajima, Shinji Higuchi o José Luis Sanz extrapolaban los elementos esenciales de la conexión de Godzilla con su nacimiento nuclear. Jonathan mostró también el nuevo trailer del documental, que según nos dijo iba a ser lanzado en internet al día siguiente.

Por último, Ángel y Jonathan tuvieron a bien comentar las preguntas de los asistentes, relacionadas algunas de ellas con la dificultad de llevar a cabo el documental por parte de Jonathan, o la diferencia/relación existente entre el kaiju eiga y los robots gigantes (“mechas”) que Ángel ilustró.

Al finalizar la conferencia, pudimos mantener algunas palabras con varias personas especializadas en el tema que se habían desplazado hasta el evento. Así, conocimos en persona a Miguel Herrero, director del Festival Internacional de Cine de Sax, experto también en cine japonés con un libro a punto de publicarse, el crítico de cine Antonio Sempere y el periodista y analista cinematográfico Francisco J. Ortiz.

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Con un poco de retraso llegábamos a las 13 horas. La siguiente actividad programada era la grabación en directo del Podcast “Cosas de monstruos”, un programa con dos años de vida donde con periodicidad mensual hemos ido comentando los grandes clásicos del cine monstruoso, a razón de dos películas por programa. Marco Osera, su director, había dispuesto en la sala contigua a la conferencia una alargada mesa con todo lo necesario para que Frank Guerra (Servobot), Josan García y yo recordásemos lo mejor que ha dado el programa en este último año. Por si fuera poco, Jonathan y Ángel decidieron apuntarse a la realización del mismo. Entre todos, en esa estancia blanquecina que otorgó un candor docente al programa, fuimos repasando los mejores momentos de El valle de Gwangi, The Mysterians, Los monstruos invaden la tierra, Mothra, Pacific Rim, Pulgasari, Ghidorah el dragón de tres cabezas ataca la tierra, El hijo de Godzilla o, cómo no, la imperecedera y ya icónica Serpiente de mar. El buen humor y el cariño hacia estas películas se fueron alternando de forma continua, creando una amalgama de diferentes puntos de vistas de las producciones que concluyó con las películas que nos marcaron de forma especial a cada uno de los integrantes de la grabación.

El “Kaiju Weekend” se tomaba un paréntesis para que los asistentes y participantes pudieran comer y descansar de cara a la última actividad, fijada para las seis de la tarde. Pero en ese lapso de tiempo se pudo contemplar la pequeña exposición que habíamos preparado con parte de mi colección personal. En sus estantes había varios VHS, bandas sonoras, figuras y cómics, pero también un fotocromo original del estreno español de King Kong contra Godzilla, las guías de mano originales de esa misma producción y de Gorgo, o el famoso póster español de El hijo de Godzilla. Para desazón de algunos, la primera versión americana de Godzilla, dirigida por Roland Emmerich, también tuvo su zona especial de la exposición, con el álbum de cromos, la banda sonora, una figura controlada por cable, la serie completa de animación o la preciosa caja metálica del blu-ray.

Por último, a las seis de la tarde daba comienzo el pase de la esencial Japón bajo el terror del monstruo, de Ishiro Honda. Nadie mejor que Jonathan Bellés, que ha estudiado la producción fotograma a fotograma para la realización de su tesis universitaria, para ofrecer un coloquio previo a la proyección. Tras su presentación, las secuencias contrastadas del filme de Honda, ese drama apocalíptico que convirtió a un monstruo en un fenómeno social, calcinando las mentes de decenas de generaciones durante el paso de todos estos años, cerraba el “Kaiju Weekend” de 2018.

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A mi juicio, el sustento, apoyo y coordinación de la Universidad de Alicante, su Aula de Cómic, y la gestión de Virginia Carrión, han elevado el nivel del evento, convirtiéndolo a efectos prácticos en un acontecimiento con tintes académicos que me maravilla haya podido ver la luz. Espero de todo corazón que haya servido para incrementar el siempre necesitado interés de la gente por el kaiju eiga. El cine de monstruos gigantes se encuentra en uno de sus momentos más privilegiados a nivel mundial, y poder disfrutar de estas actividades me sigue pareciendo un oasis en medio del desértico panorama nacional.

Para concluir, a nivel personal la realización de este pasado “Kaiju Weekend” es especialmente simbólico, por la siguiente circunstancia: allá por el 2004, Ángel Sala organizó en el marco del festival de Sitges una retrospectiva sobre Godzilla. Jonathan y yo, muy jóvenes por entonces, nos embarcamos en un viaje para asistir a aquel evento. Fue nuestra primera estancia en el Festival, y pudimos conocer a Ángel en ese momento, quien incluso nos concedió una rápida entrevista. Creo que de alguna forma aquel viaje nos marcó mucho tanto a Jonathan como a mí, influenciándonos y empujándonos después de aquello a seguir los senderos monstruosos. Ahora, con la asistencia de Ángel a nuestro “Kaiju Weekend” es como si se cerrase un círculo. Espero de todo corazón que su realización haya servido para que más amantes del kaiju eiga sigan levantando sobre sus hombros esa pasión desbordante, y en un futuro podamos descubrir nuevas formas de celebrar nuestra afición por Godzilla, Gamera, y toda su horda de bestiales acompañantes.

A modo de anécdota final, para que os hagáis una idea del alcance y magnitud del kaiju eiga, todo el globo ha recibido encarecidamente el trailer del documental de Jonathan, siendo promocionado y compartido por algunos de los portales más prestigiosos tanto a nivel nacional como internacional, pero también por alguna figura esencial del cine de monstruos como es Guillermo del Toro.

Octavio López

Fotografías: Miguel Herrero (1ª), Kokhe Saeba Takashi (2ª) y Mariluz Bolorinos (3ª y 4ª)

Published in: on julio 9, 2018 at 5:10 am  Dejar un comentario  
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