Entrevista a Kôji Shiraishi, director de “Sadako Vs Kayako”

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Coincidiendo con el cambio de milenio, el cine de fantasmas japonés vivió una auténtica eclosión. Durante aquellos años, las carteleras cinematográficas se llenaron de espectros de pálido aspecto y largos cabellos que poblaron las pesadillas de espectadores de todo el mundo. El éxito de estas películas propiciaría la aparición de numerosas secuelas e imitaciones, así como de varios remakes a cargo de la todopoderosa industria hollywoodiense de sus títulos más emblemáticos, proyectando incluso su influencia en otras cinematografías. Pero aunque la fiebre por el denominado J-Horror ya mitigó en Occidente hace tiempo, en su Japón natal la producción de este tipo de films ha seguido manteniéndose hasta nuestros días.

Uno de sus últimos y más significativos exponentes es Sadako vs Kayako (2016), un intento por seguir exprimiendo lo que aún pueda dar de sí el cada vez más moribundo filón mediante la unión de las que quizás sean dos de las sagas más importantes y prolíficas de la corriente: The Ring y La maldición. Nacido a raíz de un video viral lanzado como una broma, el encargado de dar forma a este proyecto ha sido Kôji Shiraishi, cineasta afín al género entre cuya filmografía destaca Grotesque / Gurotesuku (2009), film que en su momento levantaría cierta polémica debido a la explicitud y sadismo de sus imágenes, siendo prohibido en varios países europeos, entre ellos el Reino Unido. Hace unas semanas, Shiraishi visitaría España con motivo del pase de Sadako vs Kayako dentro de la Sección Oficial a Concurso de la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián.

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Cuentas en tu haber con varias películas sobre espíritus, pudiéndosete considerar un especialista en la temática. ¿Obedece esta dedicación a un interés personal?

En general se trata de encargos que yo he aceptado. Hace unos años la mayoría de los productores japoneses, que son personas no demasiado inteligentes, vieron que La maldición (Ju-On, 2000) funcionó en taquilla y comenzaron a hacer películas iguales con poco presupuesto que dieran dinero. Pero debo decir que hay algunos aspectos del J-Horror que no terminan de convencerme. Por eso en mis películas trato de apartarme un poco de esa línea y tiendo a mostrar la lucha de personas que van ellas mismas a buscar al fantasma para vencerlo y exorcizarlo de alguna forma. Este es uno de los motivos por el que me interesaba mucho hacer una película como Kayako Vs Sadako, que enfrenta a dos criaturas sobrenaturales.

¿Cómo llegas al proyecto?

La productora Kadakawa y la Universal japonesa son las propietarias de los derechos de la serie de The Ring, por una parte, y de La maldición por otra, y decidieron hacer esta unión de ambas sagas. Una vez que se decidió el proyecto fue cuando me lo encargaron a mí. Al principio solo me comentaron que tenían un proyecto que podría interesarme. Me citaron para una reunión y cuando me entregaron el dossier y vi que en la portada aparecía el título de Kayako Vs Sadako pegué un bote de alegría. No podía imaginarme que iba a dirigir una película que iba a enfrentar a los dos principales iconos del cine de fantasmas japonés de los últimos años. Estaba que no cabía en mí de felicidad, entre otras cosas por el hecho de que pensaran que yo era la persona adecuada para sacar adelante un proyecto de estas características, que reúne a dos personajes que no son sólo famosos en Japón, sino en todo el mundo. Así que el proyecto me entusiasmó desde el primer momento.

¿Sabes qué hizo que los productores se decantaran por ti para confiarte el proyecto? 

Quizás fuera por una serie que hice de videos malditos, que se llamaba Honto Ni Atta Noroi No Video (2003), donde pedíamos a un montón de gente que nos enviara sus videos e imágenes. Tal vez por la cercanía conceptual que este proyecto guarda con la idea de Sadako en The Ring (Ringu, 1998) fue por lo que me ofrecieron dirigir la película.

¿Es Sadako Vs Kayako tu film más ambicioso hasta el momento en términos industriales?

No. Creo que mi película más ambiciosa y con la que he contado con un mayor presupuesto ha sido Noroi (2005). Pero, indudablemente, Sadako Vs Kayako es la más mediática de todas.

Koji Shiraishi flanqueado por Daniel Aguilar y Josemi Beltrán durante la rueda de prensa de "Sadako Vs Kayako" en la Semana de Cine Fantástico y de Terror de Donosti.

Koji Shiraishi flanqueado por Daniel Aguilar y Josemi Beltrán durante la rueda de prensa de “Sadako Vs Kayako” en la Semana de Cine Fantástico y de Terror de Donosti.

Aparte de dirigir la película, también te has encargado del guion. ¿Fue muy difícil combinar ambas mitologías de forma homogénea y sin que los fans de las dos franquicias se sintieran decepcionados?

A mí me gustan ambas series, por lo que he intentado equilibrarlas de manera que gustara a los fans de cada una de ellas. Para ello he procurado incluir todos los rasgos principales de ambos espectros, sobre todo en la primera mitad de la película. La segunda parte, en cambio, en la que ocurre el enfrentamiento entre los dos fantasmas, la he hecho más libremente. En cualquier caso es inevitable que, al final, a los seguidores de una u otra serie haya algunas cosas que no les gusten.

En este sentido, por su propia naturaleza es una película que está especialmente dirigida hacia los seguidores de las dos sagas. ¿Era ese el enfoque principal que manejaste?

Mi primer objetivo, aunque pueda parecer un poco sorprendente, era hacer una película que gustara a los niños. Este ha sido el primero de mis planteamientos. El segundo es, por supuesto, contentar a los fans de ambas sagas y, por extensión, del género. Aún así, he pretendido no quedarme solamente en eso, sino hacer una película que pudiera llegar a un espectro de público más amplio.

Personalmente, ¿qué aspecto te interesaba de cada una de las franquicias?

De la serie The Ring me interesaba sobre todo lo que mostraba la primera película. Creo que tiene cinco ideas muy buenas: el que la maldición tenga un límite temporal; el hecho de utilizar una cinta de video como transmisor de la maldición; el aspecto del fantasma, todo vestido de blanco y con el pelo tan largo que nunca se le ve la cara; los planos en los que solo se muestra un ojo; y toda la utilización que se hace de la pantalla de televisión. Estos cinco aspectos de la serie The Ring eran lo que más me interesaba a la hora de hacer Sadako Vs Kayako. Y aunque a día de hoy las cintas de video estén pasadas de moda, yo tengo un gran cariño por las cintas de VHS, por lo que pensaba que de alguna manera había que incluir la presencia de la cinta de video en la película.

En cuanto a la serie de La maldición, por más que no sea principalmente la primera entrega la que más me interesaba, me parece muy atractiva la idea de que en la misma casa se encuentren los fantasmas de la mujer y el niño. Y me gusta sobre todo la representación visual de Kayako bajando las escaleras. Es por eso que en la primera parte de mi película he intentado recrear un poco este aspecto.

Un simpático momento de la peculiar presentación que Kôji Shiraishi hizo sobre las tablas del Teatro Principal donostiarra antes de la proyección de "Sadako Vs Kayako".

Un simpático momento de la peculiar presentación que Kôji Shiraishi hizo sobre las tablas del Teatro Principal donostiarra antes de la proyección de “Sadako Vs Kayako”.

Has comentado que muchos productores japoneses se dedican a hacer películas clónicas repitiendo los mismos esquemas. Al basarte en dos franquicias tan asentadas, ¿cuánta libertad has tenido a la hora de dar forma a la película?

Desde el momento en que comencé a escribir el guion he tenido bastante libertad para hacerla. Lo único que no me dejaron hacer los productores fue el final que yo quería, que era mucho más apocalíptico que el que finalmente se ha incluido. En él, se hacía una especie de mezcla de los dos espectros con el pozo de la que surgía una criatura gigantesca, todo ello envuelto en niebla, un poco como en la película La niebla (The Mist, 2007). Sin embargo, me dijeron que eso era llevar las cosas demasiado lejos.

Dentro de tu aportación al material en que te basas, uno de los aspectos que me ha llamado la atención es la carga cómica que poseen algunos personajes y pasajes que hace que, por momentos, dé la sensación de encontrarnos ante una parodia…

El tono de la película es más o menos el mismo que he empleado en el resto de mi filmografía. Soy una persona que a la hora de hacer cine de terror busco que el espectador que quiera pasar realmente miedo lo consiga, y pueda ver el film de una forma seria. Los personajes en ningún momento pretenden ser cómicos; lo que pasa es que, por otra parte, aquel que quiera hacer, digamos, una mirada diagonal a la película encuentra siempre ciertos puntos de humor. El efecto combinado de todo esto es que cuando termina la película mucha gente dice que ha pasado verdaderamente miedo y, en cambio, otros espectadores dicen que se han reído mucho. Pero yo no busco que ninguna vertiente predomine sobre la otra, sino que, como decía, las personas que quieran pasar miedo lo hagan, y aquellas otras que quieran divertirse también se puedan divertir.

Sin lugar a dudas, uno de los puntos culminantes y esperados es el anunciado enfrentamiento entre Sadako y Kayako, pero sobre el que, sorprendentemente, pasas muy por encima, dedicándole apenas tiempo. ¿Por qué optaste por este enfoque?

El principal motivo es que si haces demasiadas secuencias de enfrentamiento entre los espectros significa que tienes que gastar mucho dinero. Pero dado que el planteamiento de partida era el que era, la escena del enfrentamiento debía de existir en la película en algún momento.

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Durante la fase de producción hubo rumores de que la intérprete original de Kayako, Takako Fuji, iba a retomar el papel, llegando al punto de que la actriz tuvo que desmentir su vinculación con el film. ¿Hubo realmente contactos para que formara parte del reparto?

En ningún momento nos llegamos a plantear la participación de Takako Fuji. Fueron solo rumores de Internet.

En un primer momento también se anunció que iban a celebrarse proyecciones en 4D de la película. ¿Han llegado a llevarse a cabo?

Sí. En Japón ha habido algunas salas en las que se ha proyectado en 4DX.

Si no me equivoco, Sadako Vs Kayako ha sido estrenada en Japón el pasado mes de junio. ¿Qué tal ha sido recibida?

Por la información que tengo, ha funcionado bien en taquilla.

En vista de ello, ¿sabes si existen ya planes para la esperable secuela?

La verdad es que personalmente preferiría que mi película pusiera ya un punto final a ambos personajes. No sé si lo conseguirá, pero me gustaría que lo hiciera para que el cine de terror japonés comenzara a transitar por otros caminos. Aunque esto es solo un deseo y lo más probable es que los productores vuelvan a encargarle a alguien una nueva película. En el caso de que me lo pidieran a mí, intentaría al menos que resultara innovadora.

En cualquier caso, conociendo la fertilidad de tu carrera, en la que abundan las temporadas en que facturas más de una película por año, imagino que no será por proyectos…

En efecto. Hace apenas unos días que acabé de rodar un nuevo film que entrará ahora en la fase de montaje. Y a corto y medio plazo tengo previsto filmar otra película para el próximo mayo y antes de finales de 2017 otra más.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías: Juan Mari Ripalda

Regia Films lanza el film de Nicolas Roeg “Walkabout” en Bluray

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Walkabout es el film escogido por Regia Films para su tercera edición en alta definición y formato Bluray. Se trata de uno de los títulos más importantes exponentes de la cinematografía australiana de los años setenta, como así lo demuestra su nominación a la Palma de Oro en el prestigioso Festival de Cannes de 1971, derivando con el transcurrir de los años en un auténtico título de culto. Dirigido y fotografiado por Nicolas Roeg, cuenta entre sus atributos, además, con una magnífica banda sonora a cargo de John Barry, y el protagonismo de una sensual y jovencísima Jenny Agutter en uno de sus primeros papeles para la gran pantalla.

Basada en la novela homónima de James Vance Marshall, su trama sigue los pasos de dos hermanos ingleses que, tras el suicidio de su padre, vagan perdidos por el desierto australiano. En su deambular por tan inhóspito territorio, contarán con la compañía de un joven aborigen adolescente junto al que iniciarán un viaje iniciático hacia la madurez. Partiendo de este punto, la película plantea una historia fuera de lo convencional en la que se evidencia el contraste entre el modo de vida del mundo desarrollado y el natural modo de vida de los aborígenes australianos en perfecta armonía con la naturaleza.

Como viene ocurriendo en los lanzamientos en Bluray de Regia Films, Walkabout es lanzada en una tirada limitada y numerada de mil ejemplares. La edición se presenta con estuche de cartón que reproduce parcialmente la carátula, la cual está ilustrada interiormente, y contiene la película con dos pistas de sonido en DTS HD 2.o con su versión original y doblaje al castellano, respectivamente, subtítulos en este último idioma e imagen en 1.78:1 en calidad 1080p. Se incluye además un libreto de veinte páginas ilustrado a todo color escrito por Carlos Díaz Maroto en el que nuestro colaborador analiza el film a la vez que comenta diversos datos relacionados con su realización.

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Pero Walkabout no ha sido la única novedad publicada por Regia Films en las últimas semanas. Junto con ella, el sello barcelonés ha editado dos nuevas referencias en DVD que se enmarcan dentro de la activa corriente de cine low cost que se viene haciendo en España durante los últimos años. Por un lado tenemos Amor tóxico, la más reciente película estrenada a día de hoy de Norberto Ramos del Val, de quien Regia ya había comercializado previamente sus anteriores El último fin de semana, Summertime y Faraday.

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Considerada por Tonio L. Alarcón como “una de las comedias románticas más perturbadas y más incómodas que se han hecho nuestro país”, Amor tóxico narra la cita entre dos jóvenes que deriva en una conversación bizantina sobre el amor y el sexo, dentro de una batalla dialéctica en la que el desconcierto acecha tras cada esquina. Regia Films presenta la película en estuche amaray transparente ilustrado interiormente, que contiene un Dvd de doble capa en el que se incluye el film en su versión original en castellano con subtítulos en inglés e imagen en 2.40:1 con mejora anamórfica. Como contenidos extras tenemos el tráiler de Amor tóxico y el videoclip “Starless” de Caballero Reynaldo.

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El otro film en cuestión es Anabel, segundo largometraje como director del crítico Antonio Trashorras. Protagonizada por Ana de Armas, Enrique Villén y Rocío León, se trata de “un homenaje extramadamente claustrofóbico al cine de terror de los setenta”, en palabras de John Tones. En ella, dos compañeras de piso buscan alguien más con quien compartir el piso en el que viven tras la marcha de su anterior compañera, Anabel, en circunstancias poco claras. El elegido es un señor mayor que pronto logra ganarse su confianza, pero que poco a poco se descubrirá como una presencia extraña e inquietante.

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Ganadora de varios reconocimientos durante su recorrido por festivales, entre los que destacan el galardón Noves Visions Plus en el Festival de Sitges 2015 y el premio Abycine Indie 2015, Anabel es comercializado por Regia Films en su versión original en castellano con subtítulos en inglés e imagen en 2,85:1 con mejora anamórfica. El disco es presentado en estuche amaray transparente con carátula reversible en dos tonalidades distintas: roja y amarillo anaranjado. La edición se completa con una entrevista a Antonio Trashorras de doce minutos, así como el propio tráiler de la película que, a modo de curiosidad, está fotografiada combinando el blanco y negro y el color.

Más información y venta online: http://www.regiafilms.com/

* Todas las imágenes de las películas que aparecen en esta entrada son capturas de las ediciones comentadas.

Published in: on diciembre 7, 2016 at 7:38 am  Dejar un comentario  

¡Oh, Capitán, mi Capitán!

 “Nuestras misiones son pacíficas, no de conquista.

 Cuando entramos en combate

es solo porque no tenemos otra opción”.

(James Tiberius Kirk)

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Antes de adentrarnos en el fascinante universo trekkie, vaya por delante mi orgullo por ser, desde prácticamente mi infancia, fan declarado de la serie original y la mayoría de las franquicias y películas. Aunque no sea un freakie trekkie[1] versado en la lengua klingon, ni conozca al detalle cada momento del universo creado por Roddenberry. No me he perdido entre comics y libros o juegos interactivos buscando conexiones, o errores. Pero he leído muchas de esas novelas y comics. Algunas hasta las conservo entre mis tesoros literarios, al igual que el material filmográfico. Pensaba titular este capítulo, en un juego cinéfilo, o broma personal, “capitanes intrépidos”. Pero, en realidad, el intrépido voy a ser yo.

Toda nave necesita un buen piloto, pero también un buen capitán. En el mundo trekkie, dentro de algunos siglos, varias serán las naves y varios los capitanes. Pero el protagonismo recae en la Enterprise, y sus diversas variantes o modelos a lo largo de los años. El brillo de las estrellas empalidece ante el valor del brillo de los galones de sus diferentes capitanes.

***

El año es el 2151. El nombre: JONATHAN ARCHER. La nave: ENTERPRISE NX-01

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Archer es el primer capitán de una Enterprise[2]. Debutó en la serie Enterprise, que a partir de la tercera temporada pasó a llamarse Star Trek: Enterprise. Cronológicamente es la primera historia televisiva del universo trekkie, pues sus historias se desarrollan entre los acontecimientos desarrollados parcialmente en la octava película de la saga y la primera serie original. Técnicamente es la quinta serie producida, tras ST: TOS, ST: TNG, ST: DS9 y ST: VOY, y casi quince años después del estreno de la segunda serie oficial. Durante dieciocho años consecutivos hubo ración de Star Trek televisiva. Ahora son los fans los que se han dedicado a completar las misiones iniciales en Phase II o alargar el universo en plan crowdfunding por parte de viejas glorias de las primeras series (Renegados).

La serie Enterprise se canceló en la cuarta temporada. Fue la única que sufrió tal descalabro. Estuvo en antena desde el 2001 hasta el 2005 y constó de noventa y ocho episodios. En España, en diferentes cadenas temáticas, como Calle 13, que la estrenó casi tres años después de su puesta de largo norteamericana, o Sci Fi, pudimos disfrutar toda la saga desde 2004 hasta 2007.

Nombre real: Jonathan Archer Jackson

Estado civil: Soltero[3]

Parientes conocidos: Henry Archer[4] (padre, fallecido), Sally Archer (madre, fallecida), Karyn Archer[5] (bisnieta en una línea temporal alternativa)

Grupo de afiliación: Flota Estelar

Base de operaciones: La USS Enterprise NX-01

Altura: 1’80 cm.

Peso: 77 kg.

Ojos: Marrones

Cabello: Castaño

Año de nacimiento: 2112

Lugar de nacimiento: New York

Historial: Alto, ligeramente musculado, muy capacitado para entrar en combate cuerpo a cuerpo. Una buena formación académica que no evita que de vez en cuando su curiosidad le haga meter, literalmente, las narices donde no le llaman (lo que le hace creerse responsable y habilitado para resolver los problemas de todos los mundos habitados). Posee un gran talante democrático para la diplomacia y una capacidad de liderazgo innata. Su facilidad empática le hace ser justo, equilibrado, humilde y generoso, y conecta fácilmente con la gente de su alrededor. Por influjo familiar lleva en la sangre dotes de explorador y siempre deseó ser capitán de una nave espacial.

El mar y los deportes acuáticos (el waterpolo es su favorito) son su otra gran afición. Los viajes por mar con su padre le han hecho amar la vela y contar con una colección de modelos de barcos de vela en su oficina. Aunque tiene un fuerte sentido del deber y se preocupa por el bienestar de todos, a veces su forma directa de enfocar los riesgos, de una forma muy aventurera, puede ser imprudente. A pesar de su talante militar no duda en cuestionar una orden si cree que tiene razón (algo también bastante común entre los capitanes de las Enterprise). Resulta difícil airarlo. Tiene un animal de compañía al que adora, un perro beagle al que llama Porthos (lo que da idea de su concepción aventurera de la vida).

Creció con una gran desconfianza hacia los vulcanos, ya que los consideraba en gran parte responsables del entorpecimiento de los trabajos de su padre tras su conocimiento de los humanos después del primer vuelo de Zefram Cochrane y la invención del primer motor warp en 2063. De ahí que su relación con su oficial científico T’Pol resulte tensa al principio, aunque con el tiempo evolucione a terrenos casi sentimentales.

Carrera: Comenzó trabajando en la Flota Estelar como piloto de pruebas en el programa warp NX. Fue capitán de su nave interestelar desde 2151 a 2161. Diversos conflictos bélicos le llevaron a aliarse con distintas razas para construir lo que sería el germen de la futura Federación Unida de Planetas, de la que llegó a ser Presidente.

Fallecimiento: Pasó gran parte de sus últimos años en San Francisco, falleciendo en el 2245, un día antes de la botadura del nuevo Enterprise.

El actor: Scott Bakula. Nació en San Luis, Missouri, en 1954. Su carrera actoral es básicamente televisiva, con alguna incursión en el cine. En la pantalla grande es recordado por El Señor de las ilusiones de Clive Barker, y en la pantalla catódica ha estado vinculado a tres hitos de la ciencia-ficción: Quatum Leap/A través del tiempo, un intento de relanzar Los invasores[6], y, por supuesto, Enterprise.

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El siguiente capitán de una nave Entreprise, la NCC-1701, sería Robert Timothy April. Nacido en 2194, en Coventry, Inglaterra, fue el responsable de la supervisión de los componentes para una nave de la clase Constitution, en los astilleros navales de San Francisco. Esta nave interestelar sería más conocida como la USS Enterprise que todos conocemos. Fue su primer mando desde 2245 hasta el 2250. Su esposa, Sarah Poole, sería su jefe médico. Tras estos cinco años se convirtió en embajador de la Federación de Planetas Unidos durante veinte años. Después fue forzado a retirarse, pero tras unos eventos en los que tuvo que intervenir se reconsideró la orden y se le permitió continuar en su carrera. Sus aventuras han sido descritas en distintas novelas y cómics de la saga, pero sobre todo conocemos gran parte de su historia debido a la serie de animación de los años setenta.

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A éste le seguiría Christopher Pike. En la serie original es interpretado por el actor Jeffrey Hunter y aparece en el primer episodio piloto que fue rechazado. Pike sería así el segundo capitán del USS Enterprise (NCC-1701), y predecesor del capitán James T. Kirk. Llevó a cabo dos misiones de exploración de cinco años cada una. Durante nueve de esos diez años el señor Spock estuvo a sus órdenes.

En el argumento de dicho episodio, respondiendo a una llamada de auxilio, la Enterprise llega al planeta Talos IV, donde una raza de telépatas pretende mantener cautivo a Pike distrayéndolo con ilusiones mentales que toman la forma de una atractiva y hermosa joven de nombre Vina. Finalmente, Pike logra escapar, pero Vina decide quedarse en Talos IV, ya que su juventud y belleza eran también una ilusión creada por los talosianos. La Flota Estelar declara el planeta en cuarentena permanente. El episodio, titulado “La jaula” (“The Cage”), fue producido en 1964 pero sólo se exhibió completo en 1988[7].

Más tarde, en otro episodio llamado “La colección de fieras” (“The Menagerie”), ya formando parte de la serie regular, y dividido en dos entregas, se nos narra la siguiente historia: Pike sufre un grave accidente que lo deja totalmente desfigurado y paralizado, y Spock, ahora bajo el mando de Kirk, decide arriesgar su carrera secuestrando la Enterprise para llevar a Pike de vuelta a Talos IV, donde puede vivir dignamente el resto de su vida en compañía de Vina, gracias, por supuesto, a la ilusión mental creada por los talosianos, de la cual también se aprovechará el vulcano para perpetrar la farsa. Fue el pretexto adecuado para usar el metraje del episodio piloto, en forma de flash-backs que justificaban los actos de Spock.

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Años después, con el relanzamiento de la franquicia, el personaje fue vuelto a utilizar en Star Trek (Star Trek, 2009), siendo interpretado por Bruce Greenwood. En dicha historia Pike es el primer capitán de la Enterprise y es quien inspira y convence al joven James T. Kirk para alistarse en la Flota[8]. En la primera misión de la Enterprise, Pike es capturado por el villano Nero, un romulano renegado que busca destruir la Federación. Kirk ocupa su lugar y con la ayuda de Spock salva a la Tierra, detiene a Nero y rescata a Pike, quien al final de la película será ascendido a almirante. Reaparecerá en Star Trek: en la oscuridad (Star Trek Into the Darkness, 2013).

El actor: Jeffrey Hunter (de auténtico nombre Henry Herman “Hank” McKinnies) nació en Nueva Orleans en 1926. Debe gran parte de su popularidad a dos films, Centauros del desierto (The Searchers, 1956) y Rey de reyes (King of Kings, 1961), donde daba vida a Jesús de Nazareth. Hunter se convirtió en estrella juvenil durante los años cincuenta, al igual que Robert Wagner o James Dean. Tuvo la suerte de formar parte del grupo de actores habituales de John Ford, y gracias a esto intervino en grandes películas en los comienzos de su carrera. La crisis generalizada del cine que comenzó en esta década, con la caída del emporio de los grandes estudios y el auge de la televisión, le hizo participar en películas cada vez de menor calidad, hasta acabar trabajando en eurowesterns y otras cintas de similares características. De esta última etapa de su vida destaca su interpretación en el ya analizado episodio piloto de Star Trek.

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Mientras rodaba en España el film gansteril ¡Viva América! (dirigido en 1969 por Javier Setó), Hunter fue herido en una explosión en el set de rodaje, sufriendo daños en la cara. Poco después, un viejo amigo especialista le propinó sin querer un golpe en una de las escenas de acción. Jeffrey no pudo defenderse a tiempo y cayó golpeándose la cabeza. Durante el regreso a su país tras la finalización del accidentado rodaje, su brazo derecho quedó repentinamente semiparalizado y perdió el habla. Al aterrizar, fue llevado urgentemente a un hospital y se dictaminó que había sufrido una hemorragia cerebral. Consiguió recuperarse y fue dado de alta al cabo de un par de semanas. Ya en su casa, en California, continuó quejándose de fuertes dolores de cabeza y mareos. Poco después sufría otra hemorragia cayendo al suelo y fracturándose el cráneo. Murió en la mesa de operaciones.

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James Tiberius Kirk sería, pues, el tercer capitán de la nave estelar USS Enterprise NCC-1701, así como el principal protagonista de la serie original y los siete primeros films, siempre interpretado por el canadiense William Shatner, si bien tras el reboot del universo paralelo trekkie de la mano de Abrams, Kirk sería encarnado por Chis Pine. Debutó en el segundo piloto de la serie original y el primero en ser aceptado. Se transmitió como el tercero de la primera temporada en 1966, con lo que, teóricamente, la primera aparición pública del personaje fue en “The Man Trap” (“La trampa humana”).

Nombre real: James Tiberius Kirk (James T. Kirk)[9]

Estado civil: Viudo

Parientes conocidos: George Samuel Kirk (padre, fallecido), Winona Kirk (madre, fallecida), George Samuel “Sam” Kirk Jr. (hermano mayor, fallecido), Aurelan Kirk (cuñada, fallecida), Peter Kirk[10] (sobrino)[11],Carol Marcus (compañera sentimental), David Marcus (hijo, fallecido), Miramanee (esposa, fallecida), hijo no nato.

Grupo de afiliación: Flota Estelar

Base de operaciones: La USS Enterprise (NCC-1701), principalmente (más adelante veremos las otras astronaves).

Altura: 1’78 cm.

Peso: 77 kg.

Ojos: Verde avellana

Cabello: Castaño

Año de nacimiento: 2233[12]

Lugar de nacimiento: Riverside, Iowa

Historial: Curiosamente, sobre compartir, en un inicio, la característica clásica de cualquier capitán de navío de estar casado con su nave, Kirk ha tenido más carrera romántica que los otros. En muchos episodios se deja adivinar la existencia de un romance del pasado. Así, tenemos “Las maniobras de la corbomita”, episodio décimo en ser transmitido y el segundo en ser producido de la primera temporada de Star Trek: La serie original, fue transmitido por primera vez el 10 de noviembre de 1966; es el primer episodio regular en ser producido después de los dos pilotos, aunque fue transmitido mucho más tarde. Hacia el final del episodio Kirk se queja en un irónico diálogo[13]: “¿Cuándo tendré en mis manos al genio del Cuartel General que me asignó un suboficial femenino?”. Ello, ante la solicitud casi maternal en servirle y cuidarle de su asistente Janice Rand[14] (recordemos que le lleva una comida de estricta dieta mandada por McCoy). “¿Qué pasa Jim, no confía en sí mismo?”, responde el sarcástico Bones. “Ya tengo una mujer por quién preocuparme. Se llama Enterprise”, sentencia Kirk. Eso será hasta que conozca a Miramanee.

“El síndrome del paraíso” o “Síndrome del paraíso” es el tercer episodio de la tercera temporada de Star Trek: La serie original. Los tripulantes de nuestra nave favorita terminan en el planeta Amerindia. Miramanee es la sacerdotisa de la tribu de nativos del planeta (evidentemente, como los americanos originales). Un dispositivo borra la memoria del capitán Kirk, y él comienza una nueva vida junto con los habitantes indígenas de ese planeta. Kirk, ahora Kirok, resucita a un niño del pueblo, aparentemente ahogado, y Miramanee cree que es un dios y lo nombra el hombre medicina oficial de la tribu. Se enamoran y se casan, y Miramanee queda embarazada. Sin embargo, más tarde ella y Kirk son apedreados por la tribu por no haber sido capaces de evitar que un asteroide golpee al planeta, algo que posteriormente se consigue con la ayuda de la tecnología futurista. Kirk sobrevive a la lapidación gracias a la ayuda del Dr. McCoy, pero Miramanee sufre graves lesiones internas, falleciendo.

Carol Marcus, por su parte, era una brillante científica que en su juventud mantuvo relaciones con Kirk. De las mismas nació un niño, David, cuya existencia desconocía su padre. Marcus se embarcó en la Enterprise durante el conflicto con Kahn para dirigir el ambicioso Proyecto Génesis[15]. David resultó asesinado por los klingon durante la misión. En el reboot, con la aparición del Kahn de ese universo paralelo, vuelve a salir una nueva Carol Marcus y un nuevo Proyecto Génesis (Star Trek: en la oscuridad). Pero, inexplicablemente, el personaje ha desaparecido en la reciente Star Trek: Más allá (Star Trek Beyond, 2016).

En muy buena forma física, a Kirk le gusta mantenerse en el gimnasio de la nave. Sobre todo en la lucha cuerpo a cuerpo, su especialidad. Sus antepasados fueron de los pioneros colonizadores del nuevo continente, y ese carácter genético le lleva a adentrarse en lo desconocido llegando a lugares hasta donde nadie lo había hecho antes. Un fuerte carisma y una gran capacidad de liderazgo son sus señas de identidad. Fiel a sus amigos, en especial Spock y McCoy, y posee una habilidad innata para resolver problemas, por muy complejos que sean. De ahí que rivalice con Spock en el ajedrez 3D. Es legendaria la manera sorprendente en la que, cuando era cadete, superó la mítica prueba del Kobayashi Maru, siendo el único hasta aquella fecha[16].

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Desde 2004 comenzó a emitirse Star Trek: Phase II (anteriormente Star Trek: New Voyages), que fue una producción distribuida por internet y desarrollada por fans de la saga. La historia continúa la inconclusa serie original, ya que el viaje de cinco años se quedó en tres, y esta serie pretende continuar con los dos años de exploración pendientes. Aunque no participan actores profesionales, en la misma colaboran miembros del equipo técnico y artístico de la serie original.

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La producción de nuevos episodios se detuvo en el año 2016, cuando el creador y productor James Cawley, primer Kirk de este nuevo enfoque, dijo en julio de este año que ya no tenía intención de rodar más. A partir del episodio noveno le sustituyó Brian Gross. La serie, en principio, ha constado de diez episodios, un piloto y tres cortos.

Kirk comenzó en la Flota como cadete, hacia la fecha estelar 2250. Cuando todavía era estudiante de la Academia, fue ascendido a alférez y un puesto para continuar sus estudios a bordo de la USS Republic en el año 2251. Fue ascendido nuevamente a subteniente dos años después y regresó a la Academia como instructor. En esa época comienza a ganarse su reputación de hombre de amplios conocimientos y capacidad de mando. Es ascendido a teniente y sirve en la USS Farragut NCC-1647, donde adquiere una gran experiencia en el mando. Se gradúa en 2254, y en algún momento entre 2260 y 2263 es nombrado comandante y asignado como oficial para el reacondicionamiento de la Enterprise, después de que la nave pasara diez años a cargo del capitán Pike. Estas tareas forjan en Kirk la idea de ser el próximo comandante de la Enterprise, reforzadas por su ascenso a capitán en 2263, a la vez que Pike se retira de la Flota.

Will Decker, el sustituto de Kirk al mando de la Enterprise.

Will Decker, el sustituto de Kirk al mando de la Enterprise.

Kirk comandó la Enterprise en su histórica misión de cinco años, desde 2264 a 2269. Al completarla le ascendieron a almirante y fue asignado como Jefe de Operaciones de la Flota, mientras la Enterprise estuvo durante un período de dos años y medio en reacondicionamiento. Kirk recomendó al joven Willard Decker (hijo de Matt Decker, personaje de la serie original) para el mando. Pero en 2273 surge la crisis con V’Ger (Star Trek, la película), y el almirante Kirk tomó el mando temporal de la Enterprise, relevando al capitán Willard Decker. Tras la desaparición de Decker, aparentemente Kirk, en un gesto de añoranza, se sometió a una degradación voluntaria para volver a estar al mando de la nave. Alrededor de 2282 Kirk abandonó la Flota Estelar (visto en Star Trek VII: La próxima generación) y regresó a ella de nuevo, como vice-almirante, en 2284. Para esa fecha, Kirk se encontraba al mando del departamento de entrenamiento de la Academia de la Flota Estelar y volvió de nuevo a tomar el mando de la Enterprise (para entonces comandada por Spock) con intención de vencer a su viejo enemigo Khan (Star Trek II: la ira de Kahn). Mantuvo el mando de la nave tras el fallecimiento de Spock. Secuestrar la Enterprise y sabotear la USS Excelsior NX-2000 en el 2285 para resucitar a Spock (Star Trek III: en busca de Spock), hizo que fuese degradado de nuevo a capitán. Posteriormente, y a raíz de haber salvado a la Tierra de la destrucción total (Star Trek IV: Misión: salvar la tierra) a Kirk se le entregó el mando de una nueva USS Enterprise, la NCC-1701-A, que capitaneó hasta cerca de 2293. Tras el asesinato de su hijo David por parte de los klingon es sospechoso de haber eliminado a un canciller de esa especie, siendo capturado y enjuiciado por una corte klingon que le condena a cadena perpetua. Sus compañeros lo rescatan y demuestran su inocencia.

En 2294, en proceso de jubilación, desapareció (dándosele por muerto) cuando la USS Enterprise NCC-1701-B, en un viaje inaugural de prueba, resultó dañada al entrar dentro del Nexus, en una misión de rescate. En el plano de existencia dentro del Nexus conoció al capitán Picard, quien le rogó que regresara con él al planeta Veridian III en el año 2371 del universo real para parar a Tolian Soran en su intento de vuelta al Nexus y evitar así la muerte de los habitantes de Veridian IV. En esta última batalla contra Soran, Kirk se sacrificó para detener el plan, y sus restos fueron enterrados en este planeta por Picard (Star Trek VII: la próxima generación).

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El actor: Nacido en Montreal, William Shatner comenzó su carrera en el cine durante los años cincuenta interpretando roles secundarios para realizadores de cierto prestigio. Pero fue su posterior carrera, desde los años sesenta hasta prácticamente la actualidad, la que le dio merecida fama y popularidad. Tras el personaje de Kirk, su creación de Denny Crane (en la serie El abogado de David E. Kelley), fue el que generó, gracias a su interpretación, Boston Legal, centrada en su personaje, el otro rol que mayores éxitos le ha reportado, varios Emmy incluidos. Durante mucho tiempo, y aún en la actualidad, Star Trek le ha reportado muchos beneficios en actividades paralelas como libros y discos (aunque, francamente, no está especialmente dotado para la canción). Durante la filmación de las películas de la saga trekkie fue tomando anotaciones e ideas que terminarían generando diversas novelas, evidentemente no escritas por él, comics y una serie televisiva de corte cyberpunk, TekWar.

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Ya llevaba muchísimos años con el universo trekkie olvidado cuando las cadenas autonómicas de mi ciudad comenzaron a emitir La nueva generación, de la que había leído algo vagamente en revistas especializadas extranjeras. Me volví a enganchar. Patrick Stewart me había gustado como el Lenin de La caída de las águilas (Fall of Eagles, 1974), una muy interesante serie televisiva británica sobre la primera guerra mundial y su origen.

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Nombre real: Jean-Luc Picard

Estado civil: Soltero

Parientes conocidos: Maurice e Yvette Gessard Picard (padres, fallecidos), Robert Picard (hermano, fallecido), Marie Picard (cuñada), René Picard (sobrino, fallecido), Jason Vigo (supuesto hijo)[17]

Grupo de afiliación: Flota Estelar

Base de operaciones: La USS Enterprise NCC-1701-D y la USS Enterprise NCC-1701-E

Altura: 1’73 cm.

Peso: 73 kg.

Ojos: azules

Cabello: calvo, blanco

Fecha de nacimiento: 2305

Lugar de nacimiento: París

Historial: Delgado, de penetrante mirada y perfil aguileño, irradia una fuerte presencia que comunica confianza a la vez que determinación. Cuando no está de servicio viste de manera informal, sin dejar de lado su profesión en el carácter. Pero cuando está en una misión puede ser autoritario a la vez que ecuánime. Como sus anteriores compañeros de fatigas, no vacilará, si lo cree justificado, en violar las órdenes establecidas, y también pondrá énfasis en la diplomacia. Valora por encima de todo la lealtad y el honor.

Picard considera a su tripulación como su familia (llegando a crear casi vínculos románticos similares a un matrimonio con hijos con la doctora Crusher y el alférez Wesley Crusher, viuda y huérfano de uno de sus grandes amigos[18]). Él nunca encontró tiempo para formar una familia propia, y se sintió aliviado al ver a su hermano continuar la línea de una familia tan importante como la suya. Por ese motivo, al morir su hermano y su sobrino, Picard quedó roto y poco a poco consiguió reestablecerse con la ayuda de su otra familia, aunque desde aquel instante decidió no formar familia definitivamente ni tener hijos.

Sus intereses culturales son muy amplios, es como un hombre del Renacimiento: le gusta el arte y la historia, y es un arqueólogo más que competente, siendo muy conocido en el ámbito por sus descubrimientos xenoarqueológicos. También toca el piano fluidamente desde muy joven.

A pesar de tener una edad más avanzada que las de sus predecesores, posee diversas aficiones deportivas y es un excelente corredor, piloto, jinete y tirador. Aficionado al cine negro del pasado, por su naturaleza curiosa es un detective experto y funciona muy bien en trabajos de infiltración y encubierto[19]. Dixon Hill es su alter ego, y el programa holográfico recrea estupendamente, en el episodio doce de la primera temporada, el ambiente de las historias de Chandler y Hammett (“El gran adiós”).

Picard pertenece a un linaje en el que se encuentran científicos célebres, soldados y exploradores. Uno de sus antepasados luchó en la batalla de Trafalgar, otro Picard ganó un Nobel de Química, y otros se hallaron entre los primeros colonizadores de Marte. Todo ello le hace ser bastante famoso. Su padre fue un humilde viticultor muy tradicional y las aspiraciones de su hijo, que se pasaba todo el día haciendo maquetas de naves espaciales para introducirlas en las botellas de vino, le causaba bastante malestar, aunque, al final, tuvo que ceder.

Jean-Luc Picard quiso pertenecer a la Flota Estelar desde niño. Fracasó en su primer intento de ingreso, lo que no consiguió hasta tener dieciocho años. Poco después de graduarse, en un incidente con un miembro de otra raza galáctica[20], fue apuñalado en el corazón, dejándole el órgano irreparable, debiendo de ser reemplazado con un implante artificial cada cierto tiempo.

Su primer destino importante fue servir como primer oficial a bordo del USS Stargazer. Durante ese período de tiempo desarrolló una táctica de ataque nueva a alta velocidad (más rápido que la luz y creando la ilusión óptica de que la nave está en dos sitios a la vez). Esa maniobra se conocería como la Maniobra Picard[21]. Tras servir con distinción durante varios años, el ya teniente Picard tomó el mando de emergencia de la USS Stargazer después de que su capitán muriese. Sus actos durante ese incidente le valieron el ascenso al mando en un programa de veintidós años de exploración. Su primer oficial, y amigo, Jack Crusher, pereció durante una de esas misiones. El programa de exploración terminó cuando el Stargazer casi fue destruido por los ferengis. Picard consiguió salvar a la tripulación mediante el desarrollo de su famosa táctica (puesta en práctica aquí por primera vez). Destruyó a sus atacantes, pero la nave quedó tan dañada que hubo que abandonarla. La tripulación flotó a la deriva en un transbordador durante varias semanas hasta que fueron rescatados. Picard fue sometido a un consejo de guerra en el que fue exonerado. En el 2363 toma el mando de la nueva nave insignia de la Federación: el USS Enterprise-D.

Locutus de Borg

Locutus de Borg

En el 2366, Picard fue capturado por los Borg (un grupo de humanoides cibernéticamente mejorados), siendo asimilado en su colectivo, transformando su genética y pasando a ser Locutus de Borg. Como tal, dirigió un ataque de trágicas consecuencias[22] para ayudar en la asimilación de la totalidad de la Federación. Su tripulación consiguió rescatarlo, y durante el proceso de liberación y reversión descubrieron el modo de derrotarlos. El capitán tardó mucho en recuperarse del trauma[23] y hasta consideró la renuncia de la Flota.

Cuando intenta evitar la destrucción del sistema estelar en el que se halla el planeta Veridian III, por parte del Dr. Soran[24], la USS Enterprise-D es destruida. Allí es donde conocerá a Kirk y será testigo de su muerte.

Asume el mando de la nueva USS Enterprise-E en el 2373, cuando se les encomienda vigilar la Zona Neutral romulana, pero ante el ataque de los Borg en el sector 001, Picard desobedece esas órdenes y entabla batalla con sus enemigos, destruyendo la nave Borg pero sin detener a la reina Borg, que escapa al pasado de la Tierra[25]. También por aquellos años se vio envuelto en el conflicto contra el Dominio (poder político que aúna a diferentes razas)[26].

La tripulación original de la Enterprise, comandada por Picard, fue poco a poco abandonando el nido, pero Jean-Luc siguió al mando y sigue siendo un valioso miembro de la Flota Estelar.

xavier

El actor: De una sólida formación teatral, Patrick Stewart es un actor británico de setenta y seis años, nombrado Sir en 2001. Desde muy joven tuvo muy claro cuál era la profesión a la que se quería dedicar. Ha interpretado multitud de personajes en las tablas, la televisión y el cine, y es de exquisita formación shakespeariana. Pero posiblemente su gran popularidad se la deba a esta creación y, en los últimos años, por haber encarnado al mítico Profesor Charles Xavier en los films sobre La Patrulla X (X-Men) de Marvel.

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sisko

Nombre real: Benjamin Lafayette Sisko

Estado civil: Casado

Parientes conocidos: Joseph Sisko (padre), Sarah Sisko (madre), seis hermanastros y una hermanastra (posiblemente el otro miembro de su familia más conocido, y de nombre Judith), Jennifer Sisko (primera esposa, fallecida), Jake Sisko (hijo de Ben y Jennifer), Kasidy Yates (segunda esposa), Rebecca Jae (hija de Ben y Kasidy).

Grupo de afiliación: Flota Estelar

Base de operaciones: Estación espacial Deep Space 9

Altura: 1’85 cm.

Peso: 86 kg.

Ojos: castaños

Cabello: cabeza rapada y cabello negro

Año de nacimiento: 2332

Lugar de nacimiento: Nueva Orleans

Historial: Alto, de presencia imponente, que conjuga con un carácter un poco esquivo. Sonríe cuando debe, pero también se irrita, y entonces no es fácil estar cerca de él. Sus hombros anchos, su perilla recortada y su cabeza afeitada le dotan aún más de esa aura de poder. Cuando era más joven solía ser más impulsivo. Es un buen estratega.

Es hijo de un prestigioso chef de cocina criolla[27]. Su madre fue una mujer llamada Sarah, que fue poseída por uno de los Profetas bajoranos[28] que manipuló al matrimonio para conseguir que tuvieran a su hijo. Sarah y Joseph estuvieron felizmente casados hasta que Sarah desapareció dos días después del primer aniversario de Ben, cuando otro Profeta poseyó su cuerpo. Murió en un accidente varios años más tarde.

Benjamin tiene una debilidad bastante acusada: cuando pierde a alguien muy querido y allegado, familiar o amigo, la desesperación que siente le hace muy vulnerable. Tras la muerte de su primera esposa se hundió tanto que le costó aceptar su nuevo destino como comandante de la estación espacial DS9. Antes había ocupado numerosos cargos diplomáticos y ejercido diversos servicios en distintas naves espaciales, como la USS Okinawa y la USS Saratoga (donde pereció su esposa Jennifer). También estuvo en Utopia Planitia[29], los astilleros que la Flota Estelar construyó sobre el sector 1 del planeta Marte[30].

Al mismo tiempo se muestra ambicioso con su carrera y su máximo deseo es llegar a ser almirante. Practica con frecuencia varias actividades deportivas como la lucha o el béisbol para mantener su excelente forma física. Es respetado por los bajoranos al haberse convertido, por intervención materna, en un defensor de su fe y emisario de los Profetas, lo que ayudó enormemente con el mando de la estación espacial y las relaciones diplomáticas un tanto conflictivas con los mismos y en sucesivos eventos que podrían afectar a humanos y alienígenas.

Entró en la Academia de la Flota a los dieciocho años y poco después de su graduación conoció a su esposa Jennifer. Durante los episodios bélicos con el Dominio fue seleccionado como Jefe de Seguridad de la Tierra por la Federación de Planetas Unidos, volviendo después a DS9 como capitán, aunque hasta el término del conflicto todavía ejerció el mando de alguna nave. Hacia 2371 o 2372, su hijo Jake le sirve de nexo para conocer a Kasidy Yates, con la que se casará en 2375. Poco después, hacia 2376, será llevado por los Profetas bajoranos a su Templo Celestial. Son las mismas fechas en las que la USS Voyager comienza sus primeras misiones.

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Imagen promocional de la serie “Spenser, detective privado”.

El actor: Avery Brooks Franklin (nacido en 1948, en Evansville, Indiana) es un actor, director y cantante ocasional. Posee una profunda voz de barítono y toda su familia está, de una manera o de otra, vinculada a la música. Es muy conocido, a nivel televisivo, por su papel de Benjamin Sisko en Star Trek: Espacio Profundo 9, pero antes, en los ochenta, fue el ayudante de Robert Urich, alias Spenser, en la serie Spenser, detective privado, según las novelas y el personaje creado por Robert B. Parker. Su personaje, Hawk, se hizo tan popular que pronto reclamó serie propia (Un hombre llamado Halcón). También se ha dedicado a la enseñanza y al doblaje en cintas de animación.

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Si el tema del racismo quedaba, más o menos, resuelto con nuestro capitán anterior, el machismo se quedaba obsoleto con la siguiente al mando.

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Nombre real: Katryn Janeway[31]

Estado civil: Soltera.

Parientes conocidos: Edward Janeway, Gretchen Janeway (padres), una hermana, y un antiguo novio, ¿hijos?

Grupo de afiliación: Flota Estelar

Base de operaciones: USS Voyager NCC-74656

Altura: 1’65 cm.

Peso: 56 kg.

Ojos: azules

Cabello: marrón claro

Año de nacimiento: Las fechas son engañosas, pues si en algunas fuentes se cita 2344, lo más probable es que lo hiciera hacia 2336, aproximadamente. De aceptar la primera fecha, hubiese comenzado sus misiones en la Voyager con tan solo veintisiete años, algo poco probable.

Lugar de nacimiento: Bloomington, Indiana.

Historial: De casta le viene al galgo. El padre de Katryn era vicealmirante en la Flota Estelar, y su madre una prestigiosa matemática. Muy inquieta desde pequeña, al criarse en una granja las maravillas de la naturaleza siempre le atrajeron. Desde muy pequeña tomó clases de ballet (en alguna ocasión ha manifestado sus dotes frente a su tripulación), y también practicó con excelentes resultados el tenis y la natación. Está especialmente dotada para la comunicación, y domina la cromolingüística, el lenguaje de signos y alguna lengua alienígena que siga los mismos principios. Como sus anteriores compañeros, comenzó muy joven en la Flota Estelar, y ya de cadete tuvo su primer romance serio.

Su primera asignación fue a bordo de la USS Al-Batani sirviendo como oficial científico. Como teniente participó en las guerras cardasianas. Más tarde fue designada como comandante a la USS Billings. Es en 2371 cuando la ya capitana Janeway toma el mando de la nave de clase Intrepid USS Voyager. Su primera misión consiste en localizar una nave Maquis perdida que había sido vista por última vez en las Tierras Baldías.

Los Maquis trekkies son un movimiento rebelde paramilitar. Han aparecido en DS9, ST-TNG y ST-VOY. Al terminar las hostilidades entre la Federación y la Unión Cardasiana se firma un tratado en el año 2370. Con ese tratado se crea una zona desmilitarizada y se le ceden planetas a Cardasia. Algunos de los habitantes de los mismos se niegan a entregar sus hogares a los cardasianos y forman un grupo de resistencia. Así nacen estos maquis intergalácticos.

Por otro lado, las “Tierras Baldías” son la región del espacio que se encuentra en la frontera entre la Federación y la dicha Unión Cardasiana, y es una zona evitada por sus anomalías. Aquí desaparece en el año 2371 la nave Maquis Val Jean, comandada por Chakotay, y entre los cuales se encuentra infiltrado el Jefe de Seguridad de la USS Voyager, el comandante Tuvok. Debido a las dificultades, la capitana Janeway propone al almirante Patterson[32] la rehabilitación de un ex-maquis a cambio de su ayuda para encontrar la nave. Allí son arrastrados por una fuerza desconocida a setenta mil años luz de distancia en el Cuadrante Delta[33], encontrando la nave buscada. Pronto descubren que han sido atraídos allí por el Guardián, un ser que busca una forma de reproducirse, ya que está muriéndose y debe seguir cumpliendo una misión autoimpuesta, que es la de proteger a los Ocampas, pues destruyó, por accidente, su mundo natal. Después de la muerte del Guardián, Janeway toma la decisión de destruir las instalaciones del alienígena para evitar que una raza rival, los Kazon, las puedan usar contra los Ocampas. Luego emprende la tarea de llevar a la tripulación de vuelta a casa, un viaje que puede llevarles toda la vida.

voyager

En el año 2378, Janeway consigue por fin volver a la Tierra con la ayuda de una Kathryn Janeway de un futuro alternativo[34]. Tras el regreso al Cuadrante Alfa, Janeway fue ascendida al rango de vicealmirante y se le dio un puesto en el mando de la Flota Estelar. En 2379 da instrucciones al USS Enterprise-E para ir a Rómulo, a petición del nuevo prétor romulano, Shinzon (Star Trek X: Nemesis).

En el aspecto romántico o sentimental ha tenido numerosos romances. Cuando a Katryn le dieron el mando de la Voyager estaba comprometida. Su novio creyó que Kathryn había muerto junto con el resto de la tripulación en la primera misión y se casó con otra mujer. Janeway también tuvo un pequeño romance con Chakotay cuando estaban perdidos en un planeta con una enfermedad incurable. Sin embargo, después de encontrar la cura decidió enterrar sus sentimientos debido al rango. Al igual que a Picard, también le gustan los programas holográficos de ocio. En dos de ellos ha tenido relaciones sentimentales con los personajes. En otros nos mostró sus talentos artísticos.

Kathryn Janeway es adicta al café, y se niega a empezar la jornada sin una taza; lo prefiere solo, sin leche ni azúcar. Durante un tiempo, también dedicó sus esfuerzos a la enseñanza en la Academia de la Flota. Tiene una forma de ser un poco compleja al compaginar su actitud militar con su educación científica. Es, al mismo tiempo, disciplinada y metódica. Al ser mujer, tiene una faceta maternal y protectora hacia su tripulación. Durante su estancia en el Cuadrante Delta también prolongó su contacto con el Continuum Q (los Q, vistos por primera vez en ST-TNG[35]).

Thomas Eugene Paris, convicto que ayudó en la misión Maquis de Janeway, y fue posteriormente nombrado teniente piloto de la Voyager, gracias a la tecnología borg que después les ayudará en el retorno realiza un primer viaje por su cuenta que le hace evolucionar hasta una especie parecida a un reptil. En su locura, secuestrará a la capitana y la hará evolucionar con él en un segundo viaje. Se unieron y procrearon tres crías de una especie de salamandras hiper evolucionadas mutantes. El Doctor (el holograma médico, y gran amigo de Janeway, de la Voyager) logró encontrarlos, rescatarlos y volverlos a su forma humana. De algún modo, son los hijos de Janeway.

kate

La actriz: De verdadero nombre Katherine Kiernan Maria Mulgrew, Kate Mulgrew nació en Iowa, y actualmente colabora distintos proyectos de lucha contra el Alzheimer, enfermedad de la que falleció su madre. Estudió interpretación con la gran Stella Adler, y casi toda su carrera se ha enfocado a la televisión, donde encarnó a la esposa del teniente Colombo en una breve serie.

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excelsior

Otros insignes capitanes de naves han sido el mismísimo Hikaru Sulu. El actor George Takei, que le dio vida en la serie original, es un reconocido activista de los derechos de los homosexuales, y ha elaborado diversos programas en youtube del día a día con su esposo. Sulu obtuvo el mando de la USS Excelsior NCC-2000, con la que llevó a cabo varias exploraciones en el cuadrante Beta. En una de esas misiones, la Excelsior fue afectada por un evento que llevaría a la firma de la alianza entre el Imperio Klingon y la Federación (Star Trek VI: Aquel país desconocido).

Como un guiño a Takei, en Star Trek: Más allá, se muestra con naturalidad cómo mantiene una relación de pareja con otro hombre, y tienen una hija pequeña.

harriman

También tenemos a John Harriman. Fue éste el primer capitán de la nave estelar USS Enterprise-NCC-1701-B. Cuentan que de pequeño se destetó con las hazañas de Kirk y su tripulación. Leyendo todo lo que caía en sus manos sobre ellos, pronto supo cuál iba a ser su futuro. Su primera nave, de la clase Excelsior, fue lanzada en 2293 después de la retirada de la USS Enterprise-NCC-1701-A. En su viaje inaugural tuvo que ser dirigido para salvar a la SS Lakul que transportaba a pasajeros El-Aurianos que buscaban asilo en la Tierra después que su mundo fuera asimilado por los Borg. Como ya hemos visto, fue la última misión de James T. Kirk, ya que “murió” salvando a la nueva Enterprise después de que éste quedase atrapado en la corriente de energía que destruyó la nave de pasajeros.

Tuvok.

Tuvok.

Los personajes de Harriman y Tuvok[36] son importantes en los nuevos, aunque fallidos caminos, que pretendió tomar la saga, tras el boom fandom de Phase II[37]. Oficialmente estos trabajos no son reconocidos por los titulares de los derechos de la franquicia. Primero fue el intento de miniserie en tres partes iniciada con Star Trek: of Gods and Men (2008), que terminó distribuyéndose directamente en el mercado doméstico como una tv movie más. Después, también con el mismo espíritu independiente, surgió la inconclusa serie, hasta la fecha, Star Trek: Renegades (2015).

Diez años después del retorno de la nave Voyager, la Federación se encuentra en una crisis. Los grandes proveedores de cristales de dilitio[38] de la Federación están desapareciendo y el espacio-tiempo parece estar causando malas jugadas en algunos entornos. El almirante Pavel Chekov, ahora jefe de Inteligencia de la Flota, designa al comandante Tuvok para la tarea. Tuvok es el actual jefe de la recién reorganizada Sección 31, un grupo de inteligencia y defensa autónoma de la Flota Estelar, que debe armar una nueva tripulación encubierta, compuesta básicamente por renegados y criminales, y parar todo eso.

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discovery

Aparentemente, todo volverá al buen cauce en 2017 con Star Trek: Discovery. El responsable de tal evento es Bryan Fuller[39], quien había intervenido como guionista en algunos episodios de ST-VOY y ST-DS9, además series tan dispares como Criando malvas, Tan muertos como yo, Héroes, Hannibal, el intento de resucitar a la familia Monster en Mockingbird Lane o la traslación a imágenes de la maravillosa American Gods del genial Neil Gaiman (que también debutará el próximo año). Las pistas: la serie estará liderada por un personaje femenino, que, por primera vez, no será un capitán de ninguna nave[40], se especula con que pueda ser afroamericana, y también habrá un personaje gay en la tripulación. La nave principal se llamará Shenzhou y estará muy en la línea de diseño de la mítica primera Enterprise (la clásica). La primera temporada constará de trece episodios que narrará una única historia.

Según palabras de su creador: “Hay un incidente, un evento en la historia de Star Trek y en la Flota Estelar del que se ha hablado, pero que nunca se ha llegado a explorar bien. Vamos a contar esa historia a través de un personaje que está en un viaje que le va a enseñar cómo relacionarse con otros en la galaxia”. Y Fuller continúa asegurando que tiene algo que ver con la serie original de los años sesenta, y en cuanto a cronología se situará entre la serie Enterprise y ST-TOS, unos diez años antes, aproximadamente, de la misión de los viajes de Kirk.

Miguel Ángel Plana

Capitanes intrépidos

Capitanes intrépidos

[1] En las últimas décadas ha habido que distinguir, para no ofender a nadie, entre trekkies y trekkers. La diferencia entre unos y otros se puso de manifiesto en los documentales que produjo y realizó Denise Crosby (la actriz que dio vida a Tasha Yar en ST-TNG) alrededor del mundo, recogiendo testimonios del fandom generado por el universo de ficción creado por Roddenberry, en 1997 y 2004. La palabra trekkie fue inventado por el propio Roddenberry. A lo largo de los años, el concepto trekkie se asoció a un grupo de fans muy característicos, más festivo, más infantil tal vez. Otros se consideraban más maduros, más preocupados por las raíces científicas e intelectuales de la saga, diferentes a los otros, a los que consideraban un tanto más alocados. Para no verse confundidos con ellos decidieron llamarse a sí mismos trekkers.

[2]    En su honor, en la no oficial Star Trek: Renegades aparece una nueva nave interestelar con su apellido como modelo.

[3]    Característica bastante común a todos ellos. Después, con Kirk, veremos cuál es su filosofía sobre las relaciones con las mujeres en un diálogo del episodio “Las maniobras de la corbomita”.

[4]    Inventor del motor warp 2, el primero en llegar a warp 5.

[5]    Hibrida de humano y varias especies alienígenas. En esa línea temporal es primera oficial de la USS Enterprise NX-01.

[6]    The New Invaders (Los invasores o El regreso de los invasores) fue una miniserie de dos episodios (en video en nuestro país fue lanzada como una t.v. movie), del año 1995, que retomaba la mítica creación sesentera de Quinn Martin y Larry Cohen. El personaje que interpretaba Bakula hubiera sido el sustituto de Roy Thinnes.

[7] Se puede ver como extra en el pack de los DVD y Blu-Ray de la serie clásica, en concreto en el de la tercera temporada.

[8] Recordemos que la película se ambienta en una realidad alternativa, no la canónica.

[9]    Su nombre completo se menciona en la serie animada. Lo de Tiberius parece que proviene del interés de un abuelo de Kirk, Samuel, en el emperador Tiberio. Aunque en el segundo piloto aparece una lápida para Kirk con la inicial R. después de James.

[10] Supuestamente tiene dos hermanos, pero no se conoce nada más de ellos.

[11] Visto en TOS: ”Operation: Annihilate”, en la fan-serie Star Trek: Phase II/New Voyages, el personaje reaparece en el episodio doble “Blood and Fire”, ya de adulto, y manteniendo una relación gay.

[12] Como anécdota mencionar que la fecha de nacimiento de Kirk se construye a partir de la del propio Shatner.

[13] La ironía forma parte del capitán, y me atrevería a decir que de gran parte de la tripulación, que tiene que lidiar con la lógica impenetrable del vulcano.

[14] Siempre hubo un tira y afloja soterrado entre ambos en aquellos primeros episodios. Después, durante la primera temporada, la actriz Grace Lee Whitney fue despedida con el fin de ahorrar costes, aunque la explicación oficial fue que “su personaje limitaba las posibilidades románticas del capitán”. En su autobiografía Whitney vinculó su despido con sus problemas con el alcohol, así como a una posible violación por parte de un alto ejecutivo durante el rodaje del episodio “Miri”.

[15] Esta es la primera aparición del personaje, en la película Star Trek II: La ira de Khan. Lo que antecede se comenta en el film, pero no se vio a lo largo de la serie.

[16] Ello se menciona por vez primera en ST-II, y es repetido varias veces más. En la película inicial del reboot de Abrams forma parte de la trama.

[17] En 2346 mantuvo una breve relación con una mujer llamada Miranda Vigo.

[18] De hecho, en una línea temporal alternativa llegaron a casarse (y a divorciarse). Picard fue, en realidad, el primer amor de Beverly, pero éste la rechazó por lealtad a su amigo Jack Crusher, que también estaba enamorado de ella.

[19] En la sala de ocio de la nave le hemos vista alguna vez actuando al estilo Humphrey Bogart.

[20] Los nausicaan.

[21] Hay otra “maniobra Picard”, descrita irónicamente: cuando se pone en pie y estira la chaquetilla de su uniforme con un gesto rotundo.

[22] En Wolf 359, donde perecieron alrededor de once mil almas. Fue la mayor derrota de la Federación. La primera esposa de Benjamin Sisko, Jennifer, pereció en el combate. De ahí la animadversión que el capitán de la base estelar Espacio Profundo 9 sintió durante un tiempo hacia Picard.

[23] Véase el soberbio episodio “Familia” [4.2] de TNG, donde intenta recuperarse, y de paso conocemos a su hermano Robert, su cuñada Marie y su sobrino René.

[24] Star Trek: La próxima generación.

[25] Star Trek: Primer contacto.

[26] Y que también implicó a la estación espacial Espacio Profundo 9.

[27] Lo que hizo que la cocina fuese uno de los pocos hobbies de Ben.

[28] La forma de vida que existe en el interior del agujero de gusano próximo a la base estelar.

[29] Destino que ocupó tras la muerte de Jennifer.

[30] Donde se terminó de montar la Enterprise-D.

[31] Al principio el personaje debiera haberse llamado Elizabeth, siendo cambiado más tarde a Nicole. La actriz canadiense Geneviéve Bujold, quien iba a interpretar al personaje en un primer momento, bautizó a la capitana como Katryn, nombre que eligió definitivamente la actriz Kate Mulgrew, ya que Bujold abandonó el proyecto al poco de iniciarse el rodaje del episodio piloto. En los extras del pack de la primera temporada de la serie pueden verse unos pocos planos con ella ejerciendo la labor.

[32]  Su profesor favorito en la Academia y el que le mostró por primera vez su posterior nave, cuyo mando también fue recomendado por éste.

[33] Hay muchas especies inteligentes en el Cuadrante Delta, pero el imperio más importante es el de los Borg. Gracias a su tecnología es por lo que la Voyager consigue regresar a casa.

[34] La Voyager es la nave que más veces ha viajado en el tiempo.

[35] Los Q están dotados de una poderosa mente y un poder inconmensurable, capaz de materializar cualquier cosa. Están muy interesados por la historia de la evolución humana al ser ellos mismos incapaces de cualquier tipo de evolución al ser tan omnipotentes.

[36] Tim Russ, el actor que da vida al primer oficial de la Voyager, fue el responsable directo de la realización de los últimos intentos serios de volver a llevar Star Trek a la televisión.

[37] De hecho, parte del material se rodó en los mismos escenarios y se compartieron actores, además de la colaboración de muchos miembros de los elencos de las series oficiales. El mismísimo James Cawley, que ejerce tareas de producción y dirección de Phase II, además de interpretar a Kirk, aparece como su sobrino Peter en una aparición especial.

[38] Como todo buen trekkie, o trekker, debe saber, el dilitio es el catalizador principal para el combustible utilizado para viajar a velocidad warp.

[39] Aunque tras un inicio, se ha desvinculado de la serie a un primer nivel por sus compromisos con otras franquicias.

[40] El capitán Georgiou, de todas maneras, también será mujer, interpretada por la actriz oriental Michelle Yeoh.

Entrevista a Shinji Higuchi, co-director de “Shin Godzilla”

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Shin Godzilla ha supuesto el relanzamiento por parte de la japonesa Toho de su más emblemática criatura. Doce años más tarde de Godzilla Wars, el icónico rey del kaiju eiga ha vuelto a rugir en un film sorprendentemente político en el que afloran, y de qué forma, las heridas abiertas en la sociedad nipona a raíz del accidente nuclear de Fukushima que tuvo al mundo en vilo durante marzo de 2011. Como no podía ser de otro modo en un año en el que la cinematografía fantástica japonesa ha gozado de un especial protagonismo, Shin Godzilla fue la elegida para inaugurar la vigésimo séptima edición de la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián. Una ocasión para la que estuvo acompañada de uno de sus principales responsables: Shinji Higuchi, codirector y encargado de los efectos especiales, que hacía así la que, al menos de momento, ha sido su única visita a Europa para promocionar la película.

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Para alguien que se declara un ferviente admirador de Godzilla, supongo que el dirigir esta nueva versión de las andanzas del personaje será un sueño hecho realidad…

En efecto. Estoy muy contento de poderla haber dirigido, ya que, como dices, soy fan de Godzilla desde pequeño; es mi monstruo favorito. Hace más de veinte años tuve la ocasión de participar en varias películas de la saga de Gamera, y ya pensaba que no tendría la posibilidad de hacer Gozdilla, por lo que considero que esta oportunidad me ha llegado en el mejor momento.

Shin Godzilla es la primera película de la franquicia original en doce años, lo que ha hecho que su producción haya estado rodeada de una fuerte expectación. ¿Sentiste una especial presión por ello?

No voy a decir que no sintiera esa presión, pero por encima de esta circunstancia ha predominado mi alegría e ilusión por poder hacer la película.

Shinji Higuchi entre Josemi Beltran, director de la Semana (izda.), y Daniel Aguilar (dcha.), durante la rueda de prensa de "Shin Godzilla" en Donosti.

Shinji Higuchi entre Josemi Beltran, director de la Semana (izda.), y Daniel Aguilar (dcha.), durante la rueda de prensa de “Shin Godzilla” en Donosti.

Shin Godzilla está planteada como un reinicio de la saga. ¿Por qué se optó por este enfoque?

Ha sido una coincidencia de intereses. Toho quería hacer un nuevo relanzamiento de la saga y nosotros también. Tienes que tener en cuenta que a lo largo de toda la serie de Godzilla el volver a empezar desde cero es algo que ha sucedido varias veces. Nosotros hemos tenido mucha suerte de que se nos concediera esta oportunidad, porque, si por ejemplo, nos hubieran ofrecido hacer una continuación de la anterior película de la franquicia probablemente no habríamos aceptado.

¿Qué queda en ella de las anteriores versiones y en qué aspectos habéis tratado de innovar o apartaros de lo ya visto?

Pienso que la principal novedad es la de presentar un mundo que todavía no conoce a Godzilla y, por lo tanto, no sabe cuál es la amenaza a la que tiene que hacer frente. Normalmente, hasta ahora todas las películas sobre Godzilla partían de la base de que los personajes ya conocían al monstruo.

Un rasgo que sí habéis recuperado es el carácter alegórico con el que nació la criatura en la seminal Japón bajo el terror del monstruo

Efectivamente. Nuestra idea era recuperar el espíritu de la primera entrega de Godzilla. Ese carácter simbólico que en aquella ocasión aludía a las bombas atómicas que habían estallado diez años antes en Hiroshima y Nagasaki, y que en nuestro caso tiene presente el reciente desastre de Fukushima. Tanto es así que, de alguna manera, podría decirse que si los acontecimientos de Fukushima no se hubieran producido no existiría este nuevo Godzilla.

En este sentido, la película es muy crítica con el exceso de burocracia y falta de reacción de los estamentos gubernamentales a la hora de plantar cara a la amenaza que representa Godzilla. ¿De algún modo es un reflejo del sentir del pueblo japonés ante la forma en la que su gobierno gestionó el desastre de Fukushima?

La película tiene muchas capas de lectura. Esta que me comentas de una crítica a la actitud que tuvo el gobierno japonés durante el desastre de Fukushima es una de ellas, pero me gustaría que la gente no se quedara únicamente con este aspecto, porque el film no es sólo eso.

En cualquier caso, ¿cómo ha sido tomado este enfoque tan político por parte de un público que quizás esperaba una película de corte más escapista?

Inicialmente no estábamos muy seguros de cómo iba a reaccionar el público, pero la verdad es que ha tenido muy buena acogida, cosa que nos ha sorprendido a nosotros mismos.

Shinji Higuchi fue atacado por Godzilla sobre las tablas del Teatro Principal donostiarra durante la presentación de la película.

Shinji Higuchi fue atacado por Godzilla sobre las tablas del Teatro Principal donostiarra durante la presentación de la película.

En su discurso, Shin Godzilla apela a la identidad nacional japonesa. Un aspecto en el que intuyo que incide la elección de los temas que suenan en según qué momentos del metraje…

Los temas que más se aproximan a marchas militares son aquellos que habían sido compuestos para la serie tradicional de Godzilla por Alira Ifukube. Desde el guion ya estaba previsto cuáles de estos temas se iban a usar y en qué momentos específicos. En cuanto al resto, responden a las preferencias de mi compañero, Hideaki Anno.

¿Consideras que esta visión localista puede afectar a su completa comprensión por parte del público no japonés?

Lo cierto es que incluso parte del público japonés tampoco ha terminado de entenderla completamente…

Ya que hablamos del tema, no cabe duda de que Godzilla es uno de los iconos más populares a nivel mundial de la cultura popular japonesa. ¿Cómo se toma en tu país que en los Estados Unidos se hagan películas sobre el personaje?

No sé si la mayoría de mis compatriotas estarán de acuerdo conmigo, pero a mí me parece bien que otros países hagan sus propias versiones de Godzilla. Lo que me resulta muy llamativo es que los japoneses, a pesar de que dieron un poco de lado al monstruo, como demuestra el fracaso comercial con el que se saldaron las últimas películas sobre el personaje, se pongan luego a criticar a los estadounidenses porque hacen películas sobre Godzilla. No me parece bien. Lo que hay que hacer es preocuparnos por intentar que las películas japonesas de Godzilla sean mejores, más entretenidas y llamen más al público, en lugar de quejarnos.

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Como ya has mencionado de pasada, compartes los créditos de director junto a Hideaki Anno. ¿Por qué se optó por esta fórmula de realización compartida?

La idea original era que Hideaki Anno se encargara solo del guion. Sin embargo, a medida que se fue involucrando en el proyecto y encantándose con él, decidió que también quería participar como director. Según iban pasando los días su papel fue siendo mayor y finalmente decidimos codirigir la película entre los dos.

Hideaki es muy popular en Japón por la serie de animación Evangelion, y sus fans estaban muy enfadados por que estuviera perdiendo el tiempo, como quien dice, haciendo una película de Godzilla. Decían que se tenía que dejar de Godzilla y centrarse en hacer más películas de Evangelion. Y él cuando oía esto tenía cada vez más ganas de hacer Godzilla.

¿Os habéis repartido las funciones de alguna forma especial?

En realidad, inmediatamente después de terminar el guion hicimos el story-board, y en él ya quedó definida más o menos la manera en que íbamos a dirigir la película. Así que una vez hecho eso era indiferente quién iba a ser luego el que estuviera en el set dando las instrucciones. Lo único que podía cambiarse en el día a día era si subir o bajar la cámara un milímetro, o moverla un poco hacia la derecha o la izquierda; cosas de este tipo. Pero, como digo, la manera en que debían ser los planos ya estaba decidida desde el story-board.

Aparte de codirigir la película, también te has encargado de los efectos especiales. ¿Cómo ha sido el conjugar ambas funciones?

Esta era una película muy complicada de hacer, pese a lo cual solo hemos tenido ocho meses para llevarla a cabo. Entonces, aunque yo también sea el director de efectos especiales, era imposible que me pudiera ocupar de este apartado sin contar con la colaboración y ayuda de alguien más. Y así ha sido. Al no haber tiempo tuvimos otras unidades haciendo parte del trabajo, por lo que, en realidad, Shin Godzilla ha tenido como cinco directores de efectos.

Shin Godzilla ha sido la primera entrega de la saga original donde no se ha utilizado la tradicional técnica tokusatsu de utilizar a un actor disfrazado para dar vida al monstruo. ¿Qué te llevó a tomar esta decisión?

Hay muchos motivos, pero el principal ha sido que los efectos tradicionales del tipo tokusatsu requieren de muchísimo tiempo, por lo que, de haber elegido esta técnica, posiblemente no podríamos haber hecho la película.

Dado el buen recibimiento que ha cosechado la película, ¿existen ya planes de cara a realizar una nueva entrega que continúe sus pasos?

En estos momentos todo depende de lo que decida la Toho, que para algo es la productora.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías: Juan Mari Ripalda

La pirámide

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Título original: The Pyramid

Año: 2014 (Estados Unidos)

Director: Gregory Levasseur

Productores: Alexandre Aja, Mark Canton, Chady Eli Mattar, Scott C. Silver

Guionistas: Daniel Meersand, Nick Simon

Fotografía: Laurent Tangy

Música: Nima Fakhrara

Intérpretes: Ashley Hinshaw (Nora), Denis O’Hare (Holden), James Buckley (Fitzie), Christa Nicola (Sunni), Amir K (Zahir), Faycal Attougui (Cabo Shadid), Philip Shelley, Ait Hamou Amine, Omar Benbrahim (Niño), Joseph Beddelem (Taxista), Chakir El Faaiz, Garsha Arristos, Prince Shah (Trabajadores egipcios)…

Sinopsis: Un equipo de arqueólogos estadounidenses desentierra en el desierto egipcio una antigua pirámide. Su hallazgo promete revolucionar la egiptología, ya que solo tiene tres caras y se cree anterior en el tiempo a las ya conocidas. Sin embargo, el clima de tensión que se vive en el país como consecuencia de la Primavera Árabe hace que el gobierno local obligue a abandonar el yacimiento. Pero antes de marchar, los investigadores deciden explorar la pirámide con el fin de documentar su descubrimiento. Pronto, el  equipo se encontrará perdido en un intrincado laberinto en el que algo les persigue.

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No pueden negarse los muchos alicientes que sobre el papel reúne un film de las singulares características de La pirámide (The Pyramid, 2014). Por un lado, por evocar la fascinación que ejerce en el imaginario colectivo el misterio que envuelve al Antiguo Egipto, con sus construcciones colosales, tradiciones funerarias y toneladas de exotismo. Una atracción que ha sido aprovechada a conciencia en el campo literario y que en el medio cinematográfico ha tenido su principal referente dentro del género terrorífico con las diferentes versiones existentes de La momia, en especial la original dirigida por Karl Freund y protagonizada por Boris Karloff en 1932, y la más palomitera y aventurera debida a Stephen Sommers en 1999. Un legado que, de algún modo, recoge La pirámide, bien sea por su orientación genérica como por basar su argumento en las supuestas maldiciones que esperan a aquellos que osen profanar una tumba egipcia, a través de una premisa argumental harto sugerente y, ¿por qué no decirlo?, de lo más pulp[1], que narra las peripecias de un grupo de arqueólogos perdidos en los laberínticos pasillos de una recién descubierta pirámide donde habita un mal desconocido.

A lo atractivo de este argumento hay que sumarle, además, el tratarse de la ópera prima como realizador de Grégory Levasseur, habitual mano derecha de uno de los nombres propios del cine fantástico actual, Alexandre Aja, quien a su vez se ha hecho cargo de la producción de la película. Colaborador habitual del director de Horns desde que tomara la alternativa en el formato largo con Furia (1999), entre las distintas facetas desempeñadas por Levasseur a lo largo de este tiempo destaca su trabajo como (co)guionista en títulos tan interesantes como Alta tensión (Haute tension, 2003), Parking 2 (P2, 2007) o, sobre todo, Las colinas tienen ojos (The Hill Have Eyes, 2006), Reflejos (Mirrors, 2008) y Maniac (Maniac, 2012), remakes todos ellos cuyos libretos se singularizan por enriquecer el material original del que parten sin por ello traicionar su espíritu. A tenor de estos antecedentes, resulta del todo lógico experimentar cierta expectación por lo que pudiera dar de sí el debut del francés detrás de las cámaras.

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Pero el cine no son matemáticas puras, y la suma de estos factores reunidos queda lejos de arrojar el saldo que cabría esperar en un principio. Mas al contrario, si de algo se puede catalogar a La pirámide es de ser un film fallido en todos los sentidos, en el que nada funciona como debería. No deja de ser significativo a este respecto que alguien como Levasseur, que se ha distinguido profesionalmente hablando como guionista, eligiera para su puesta de largo un material ajeno en lugar de uno propio. Y es que, visto lo visto, uno no puede dejar de preguntarse qué pudo ver para querer llevar a la pantalla el libreto pergeñado por Daniel Meersand y Nick Simon, responsable este último en su faceta de director del que fuera el trabajo póstumo en calidad de productor de Wes Craven, The Girl in the Photographs (2015), otro ejemplo de cinta de atrayente planteamiento desperdiciada por un anodino desarrollo que bordea peligrosamente la frontera del ridículo.

Personajes planos y estereotipados con motivaciones pueriles y conflictos dramáticos nulos, diálogos penosos cuando no risibles, situaciones absurdas, tópicos manidos y disparates varios conforman la base de un guion en el que Meersand y Simon confunden el poder de la sugerencia con el lanzamiento caprichoso de ideas sin ton ni son que, en la mayoría de los casos, no tienen otra función que la meramente decorativa. Una muestra: la historia se ambienta durante las revueltas de la Primavera Árabe egipcia de agosto de 2013. Sin embargo, la invocación de este contexto histórico tan determinado y cercano en el tiempo no busca otorgar un contenido social al conjunto, tal y como ocurría, por ejemplo, en Frontière[s] (2007) con los disturbios parisinos de 2007, sino que es una excusa como otra cualquiera para hacer avanzar la trama en un momento determinado hasta el escenario buscado.

Lo mismo ocurre con los elementos provenientes de la mitología egipcia, totalmente desperdiciados más allá de su mero enunciado. Poco importa que el mal al que deban hacer frente los protagonistas sea nada menos que Anubis, el dios de la muerte del antiguo Egipto. Lo mismo habría sido si en su lugar se hubiera elegido a un monstruo, un alienígena xenomorfo, o una momia, por utilizar un símil egipcio. Todo el desarrollo queda así reducido al de un simple pasacalles con estructura de videojuego, en el que las diferentes escenas funcionan a modo de “pantallas” por las que los personajes deben evolucionar superando las diferentes trampas que salen a su paso hasta alcanzar el inevitable enfrentamiento con el enemigo final. Poco más. Entre medias, se acumulan todos los lugares comunes acuñados a lo largo de los últimos años por el found footage, formato en el que, al menos de forma teórica, se encuadra la propuesta.

Un material que el primerizo Levasseur se muestra incapaz de levantar, haciendo gala de una dirección funcional y rutinaria, además de carente de definición estilística. Como se ha señalado, en principio la película está narrada en primera persona con el pretexto de la presencia entre su grupo protagonista de un equipo televisivo. Pero en la realidad dicha planificación es rota en numerosas ocasiones con la inclusión en el montaje de planos externos filmados de una forma convencional, sin que en ningún momento se dé justificación alguna al porqué de su concurso. Por otra parte, el novel cineasta tampoco acierta a imprimir al relato la sensación de claustrofobia y aislamiento que por sus características necesita, por culpa de una puesta en escena carente de nervio que en contadas ocasiones consigue su propósito de provocar el sobresalto entre la audiencia, a pesar de destinar para ello hasta tres finales sucesivos.

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Para redondear aún más el desastre, añádasele a lo ya comentado unas actuaciones cuyo nivel medio no pasa de mediocre y la pobreza de unos efectos CGI a la altura de cualquier producción de la Asylum, y lo que nos queda es una película intrascendente y prescindible, que si ha logrado cierto recorrido comercial ha sido por el nombre de sus responsables y la factura industrial que luce en consonancia con los medios destinados a su ejecución. Unos resultados que son más dolorosos si se les compara con los obtenidos con sus mismas armas por la, esta sí, apreciable Así en la Tierra como en el infierno (As Above, So Below, 2014) de los hermanos Dowdle, con la que, más allá del cambio de localización de una pirámide de Egipto por las catacumbas de París, comparte sospechosas similitudes, y no solo desde el punto de vista de la elección del lenguaje narrativo escogido, dicho sea de paso.

José Luis Salvador Estébenez

[1] Precisamente, la premisa recuerda un tanto al relato “Encerrado con los faraones” (“Imprisoned with the Pharaohs”, 1924), la historia adjudicada a Harry Houdini pero que en realidad escribió H. P. Lovecraft.

Published in: on noviembre 30, 2016 at 7:32 am  Dejar un comentario  

“Cine Basura: La peli” inaugurará la sexta edición de CutreCon

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Cine Basura: La peli, la primera comedia española que homenajea al cine de serie Z en particular y al cine cutre en general, será la cinta encargada de abrir la sexta edición de CutreCon, el Festival Internacional de Cine Cutre de Madrid. La sesión, que tendrá lugar en el céntrico Cine de la Prensa el miércoles 25 de enero a las 22:00 horas, contará con la presencia del equipo artístico y técnico de la cinta – donde destacan el humorista Agustín Jiménez o la pornstar española Amarna Miller – y tendrá como “padrino” al popular youtuber Zorman, quien ha compuesto una canción para la película.

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¿Qué ocurriría si de repente el mundo fuera invadido por los clichés de las películas malas? ¿Si muertos vivientes que en lugar de dar miedo dan risa se pasean con total impunidad por la calle mientras se suceden inexplicables fallos de raccord, suena una música infame y los edificios que los rodean no son más que un croma de baratillo? Esta es la delirante premisa de Cine Basura: La peli, en la que dos videobloggers se introducen por accidente en una película mala y, al regresar al mundo real, descubren que todos los estereotipos de este tipo de cine  se han venido con ellos, ocasionando un caos tan difícil como divertido de resolver.

“Es la primera vez que un film español rinde de una manera tan clara y disparatada un sincero homenaje al cine que se ve en CutreCon, como es el de serie Z o de bajísimo presupuesto y de nula calidad cinematográfica. Evidentemente, no podíamos dejar pasar la oportunidad de proyectar la película en el festival, que hará las delicias del público como ya hiciera el pasado mes de octubre en el Festival de Sitges” explica Carlos Palencia, director de CutreCon, quien además hace un cameo en el film. “Pero si abre el festival no es por mi presencia” bromea, “sino porque consideramos que entronca 100% con la filosofía CutreCon”.

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Cine Basura: La peli, es el resultado de un sueño compartido por los dos directores de la cinta, Paco Fox y Miguel Ángel Viruete, responsables del videoblog “Videofobia”, en el que, junto a José Viruete en su primera etapa, y ahora con Carlos Palencia, se dedican a desmenuzar y “aniquilar” películas mala. Un “germen” que acabó en una idea más ambiciosa: rodar un film que homenajeara al cine cutre que tanto amaban. Dicho y hecho, Fox y Viruete comenzaron a trabajar en el primer borrador del guion junto a José Viruete; y a partir de esa versión inicial el guionista sevillano Fernando Hugo Rodrigo se encargó de escribir el libreto definitivo.

Terminado el guion, faltaba una parte no menos importante para hacer del proyecto una realidad: la financiación. Lo que hace unos años se hubiera convertido en una sucesión de visitas a productoras de toda índole, súplicas a bancos en busca de un crédito o pedir ayuda a familiares y amigos, lo solucionó una palabra que en pleno siglo XXI forma parte del día a día de los nuevos creadores para sacar adelante sus ideas: el crowdfunding o micromecenazgo. De este modo, Cine Basura: La peli consiguió a través de Verkami 27.500 euros, siendo uno de los proyectos que más recaudó en 2015 en España, demostrando que el cine de serie Z o cine cutre está más en boga que nunca.

Acompañando a Paco y Miguel Ángel, el reparto de Cine Basura: La peli está encabezado por Miguel Ángel Aijón –Una de zombies, Isi/Disi: Alto voltaje–, Natalia Álvarez-Bilbao –Gernika, Poveda– y Darío Frías –Mis adorables vecinos, Omnívoro–. A éstos se suman en papeles secundarios el conocido cómico Agustín Jiménez, la estrella porno Amarna Miller y un grupo de humoristas de reconocido prestigio como Kikín Fernández, Richard Salamanca, Mayka Jurado, Ester Gimeno y Fernando Moraño, entre otros.

Y como toda película que se precie necesita una música a la altura de sus imágenes, tanto Paco Fox como Miguel Ángel Viruete sabían que necesitaban a un compositor que captara perfectamente el espíritu de las películas de serie B/Z de los 80 de las que Cine Basura: La peli es deudora, por lo que apostaron fuerte y contactaron con Chuck Cirino, mítico compositor estadounidense conocido por su trabajo en producciones de Roger Corman como Deathstalker 2, Chopping Mall o El regreso de la cosa del pantano. Cirino dio el “sí, quiero”, y el resultado es una partitura que retrotrae a ese cine de pura diversión y escasos medios que triunfó en los videoclubes de la década de los 80.

Las entradas para la sesión de Cine Basura: La peli saldrán a la venta en los próximos días al precio de seis euros y podrán adquirirse en Atrápalo, Reservaentradas y las taquillas del Cine de la Prensa.

Más información: http://cutrecon.com/

Published in: on noviembre 29, 2016 at 6:33 am  Dejar un comentario  
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Los datos de Sitges 2016 confirman su apuesta por el fantástico heterogéneo y la apertura a la industria

La fórmula de Sitges da resultado. La apuesta decidida por el cine fantástico más heterogéneo procedente de diversos mercados, junto a la apertura del Festival como sede y plataforma del sector industrial, la programación de actividades y la llegada de figuras de relieve del panorama cinematográfico confirman los buenos resultados. Los datos de Sitges 2016 mantienen los récords del año pasado en afluencia y entradas vendidas (con un incremento ligero) y la programación ha despertado el entusiasmo generalizado del público y la crítica. Una combinación de éxito que se ha traducido en unos resultados relevantes y que mira ya hacia el futuro con la celebración del cincuenta aniversario el año que viene.

Los datos de venta de entradas de la 49ª edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya mantienen las cifras de récord registradas el año anterior, con un 7% de incremento, sumando un total de 66.859. El Festival ha crecido un 18% en entradas vendidas en los dos últimos años. La venta de abonos, packs y entradas ha consolidado las excelentes cifras del 2015 y la Sala Tramuntana se ha afianzado como cuarta sala. El flujo de asistencia de público no se ha detenido en ningún momento, a pesar de las inclemencias meteorológicas. A estos datos hay que sumar el número de visitantes que ha recibido el Festival y los asistentes a las otras seis pantallas de proyección gratuita. Según los cálculos de la organización, el Festival ha recibido 200.000 asistentes.

Además de la buena acogida de los films presentados, esta edición del Festival ha supuesto un paso adelante en la apuesta por otras dimensiones que también tienen cabida. Las actividades destinadas a la industria, con un total de dios mil acreditados profesionales; la inauguración de la nueva sección de realidad virtual, Samsung Sitges Cocoon, o la Blood Red Carpet –iniciativa creada el año anterior para el impulso de nuevos talentos– han despertado un notable interés. El encuentro Sitges Ptichbox, de presentación de proyectos de género fantástico, ha registrado una elevada participación y, además de los premios económicos, el primer y tercer ganador viajarán a los festivales internacionales de Macao (China) y Busan (Corea del Sur), respectivamente. El Festival también ha conectado con el ámbito académico universitario, acreditando a cuatrocientos veinte estudiantes.

El Festival inicia ya un año de celebraciones por su cincuenta aniversario. El director mejicano Guillermo del Toro, que ha mantenido siempre un vínculo muy estrecho con Sitges, será el padrino de excepción. Del Toro ha visitado el certamen en varias ocasiones. En el año 1993 presentó en el Festival su debut, Cronos; recibió el Premio Màquina del Temps en 2002, y en el 2006 inauguró con El laberinto del fauno.

Más información: www.sitgesfilmfestival.com

Published in: on noviembre 28, 2016 at 6:53 am  Dejar un comentario  
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Entrevista a Brian Yuzna

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No deja de ser curioso que en la misma edición en la que el Festival de Sitges entregaba a Barbara Crampton su honorífica “Màquina del Temps” como reconocimiento a su trayectoria, Brian Yuzna formara parte del jurado de la Sección Oficial. Fuese de forma intencionada o no, el certamen catalán reunía así treinta y un años más tarde a dos de los principales artífices de uno de los títulos clave del cine de terror de los años ochenta, Re-Animator, película cuyo impacto popular determinaría en gran medida la posterior evolución de la trayectoria profesional de ambos. Una circunstancia que se hace especialmente patente en el caso del cineasta de origen filipino, que debutaba con dicho título en el mundo del cine en calidad de productor. No solo por haber dirigido las dos secuelas directas del film, La novia de Re-Animator y Beyond Re-Animator, sino por las numerosas oportunidades en las que ha utilizado una fórmula similar, recurriendo a la literatura de H. P. Lovecraft para dar forma a alguno de sus proyectos. Buena prueba de ello está en la filmografía de la Fantastic Factory, su aventura española con la que recuperaría el género fantástico para nuestra industria y en la que adaptaría la obra del escritor de Providence en tres de las nueve películas oficiales del sello: Dagon, la secta del mar, la referida Beyond Re-Animator y Bajo aguas tranquilas, cinta dirigida por él mismo y con la que se pondría punto y final a la andadura de la Fantastic.

Lo anteriormente comentado apenas es un esbozo de la carrera de quien, por derecho propio, se antoja uno de los nombres fundamentales para entender el cine fantástico realizado durante las últimas cuatro décadas. Un Yuzna que, a sus sesenta y siete años recién cumplidos, aún continúa peleando contra viento y marea por levantar nuevas películas en un panorama tan cambiante e impredecible como el de la industria cinematográfica del siglo XXI.

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Naciste en Filipinas y durante tu infancia viviste en diferentes países de Latinoamérica. ¿Ha influido de algún modo toda esta vivencia para que, una vez convertido en cineasta, hayas sido un auténtico trotamundos?

Sí, creo que tiene que ver con que siempre me haya sentido cómodo trabajando en otros países. Como dices, cuando era niño siempre viví en otros países que no eran el mío hasta los quince años. De ahí que a veces lleve mejor trabajar fuera de mi país que dentro, donde a veces me siento más extranjero que cuando me encuentro en otro país que no es el mío. Por eso me gusta Los Ángeles, porque es una ciudad más cosmopolita. Pero, en general, me siento igual de cómodo trabajando en Indonesia o en España que en los Estados Unidos.

Antes de ingresar profesionalmente dentro de la industria cinematográfica desempeñaste varios trabajos. ¿Cuándo decidiste dedicarte seriamente al mundo del cine?

Siempre me había interesado el arte. Yo pintaba, hacía fotos, y hasta tenía una habitación de revelado. Aparte, cuando era niño había tenido una cámara de 8 mm con la que jugaba con mis amigos rodando cositas. Pero cuando yo era niño nadie pensaba en ser director de cine. Todo el mundo quería ser novelista, porque dirigir cine no era posible.

No fue hasta que me hice con una cámara de 16 mm que me comencé a obsesionar. Eran los años setenta y en aquellos momentos los canales de televisión empezaron a rodar los noticiarios con cámaras de video en lugar de 16 mm, como habían hecho hasta entonces. Para deshacerse de aquellas viejas cámaras casi las regalaban, y con un dinero que tenía ahorrado pude hacerme con una Bolex que no funcionaba a pilas, sino que iba con manivela. Comencé a jugar con ella, me gustó mucho, y con otro dinero que tenía ahorrado decidí hacer una película.

¿Cuál fue tu formación?

Yo nunca me preparé para hacer una carrera en el cine; era totalmente autodidacta. Solo te diré que cuando era niño pensaba que los actores se inventaban el diálogo. Sin embargo, todo cambió al tener mi primer Betamax. Comencé a grabar películas y una de las que tenía era Atraco perfecto, de Kubrick. Aquello era algo muy importante, ya que por primera vez el público tenía la oportunidad de poder controlar la reproducción como quisiera; era increíble: podías ver escenas concretas, a cámara lenta, rápida, detenerte en los detalles… Así que me dediqué a estudiar aquellas películas que tenía grabadas y empecé a entender las secuencias, los planos, cómo se montaba una peli… Con esos conocimientos hice el corto que te comentaba antes. Me gustó tanto la experiencia que pensaba que había hecho una obra maestra. Pero cuando se lo enseñé a mis amigos vi que no era bueno. Puse unos anuncios en el periódico pidiendo ayuda de alguien que supiera hacer cine y encontré a un muchacho que en la Universidad había estudiado imagen, y que me echó una mano.

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¿mo surgió el proyecto de la que sería tu primera película profesionalmente hablando, Re-Animator, en la que ejerciste de productor?

Yo entré en el cine con treinta y cuatro años. Para entonces tenía dos hijos y había hecho muchos negocios y muchos trabajos. Pero como quería hacer cine, que me parecía mucho más divertido, me mudé a Los Ángeles para poder dedicarme a ello profesionalmente. Busqué un director que pudiera encargarse de rodar una película y un amigo mío me recomendó que fuera a Chicago a conocer a un director de teatro que era un fan del terror. Se trataba de Stuart Gordon.

Desde esta primera película te decantaste por el terror al que has sido fiel prácticamente en toda tu carrera. ¿Eras fan del género o en su elección tuvo que ver el que fuera un estilo relativamente comercial?

No, no: yo era fan del género. Pienso que a cualquier chico que tiene doce, trece o catorce años le atrae el terror. A los que llegan a tener veinte, veinticinco, treinta años y siguen siendo fans del terror es porque normalmente cuando eran muy jóvenes una peli les infectó el virus por el género. En mi caso mi afición nació cuando, siendo muy pequeño, con cinco o seis años, vi Creature with the Atom Brain, que no es una buena peli, pero que me marcó mucho. Después, con Simbad y la princesa, con los esqueletos y los monstruos, tuve pesadillas. Y a estas le siguieron House on Haunted Hill, con Vincent Price, los Dráculas de Christopher Lee y Psicosis, hasta que poco a poco me convertí en un loco de estas películas. Y cuando hice Re-Animator el modelo que tenía eran las películas de Corman sobre Poe, en especial El péndulo de la muerte.

Si Corman había adaptado a Poe, tú elegiste a Lovecraft…

No exactamente. El basarnos en Lovecraft fue cosa de Gordon. Yo había leído a Lovecraft con dieciséis, dieciocho años, pero no me gustó mucho. Por aquel entonces leí muchos de los autores y títulos clásicos del estilo. Por ejemplo, tampoco me gustó nada Frankenstein, que me pareció muy pesado y poco divertido; nada que ver con la peli. Todo lo contrario que el Drácula de Bram Stoker, que sí que me gustó. Y en el caso de Lovecraft era un autor muy difícil de leer, aparte de que el protagonista siempre caía en estado de shock y cuando veía el monstruo cortaba la historia.

Sin embargo, cuando Gordon tuvo un primer guion para Re-Animator me volví a leer los relatos de Lovecraft. Y entonces sí que lo entendía y no me parecía tan pesado. Y lo mismo me pasó con Frankenstein, hasta el punto de que en La novia de Re-Animator, además de relatos de Lovecraft que no utilizamos en la primera parte, el leitmotiv está sacado de la novela de Shelley, con el dios que rechaza a su creación, es decir, al monstruo. De ahí esa secuencia en la que West grita “¿Qué dios?”, que es puro Frankenstein.

Tras unas cuantas películas más como productor junto a Stuart Gordon, en 1989 debutas como director con Society. ¿Fue un paso natural en tu evolución profesional?

Pienso que cualquiera que trabaja en el cine llega a un punto en el que quiere dirigir. En el set es el director el que decide todo al noventa y nueve por ciento, y llega un momento en el que tú quieres tener esa posición. Creo que es algo normal. Quizás habrá gente que no quiere dar ese paso, pero a mí era algo que siempre me había atraído.

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Sin abandonar la dirección, a mediados de los noventa produjiste Crying Freeman: los paraísos perdidos, una película bastante más ambiciosa en términos industriales a las que venías haciendo, pero que, sin embargo, no consiguió el éxito esperado. ¿Influyó de algún modo este fracaso en que desde entonces tu carrera discurriera entre films de bajo y medio presupuesto?

No. Hombre, es mejor hacer películas grandes, eso no hay ni que preguntarlo. Pero al final haces lo que puedes. Por supuesto, siempre es más complicado cuanto mayor es el presupuesto y estás trabajando con grandes compañías. Sin embargo, si haces una película más pequeña, tienes mucho más protagonismo y libertad. Pero yo nunca elegí hacer películas de bajo presupuesto. Bueno, siempre quería manejar la producción y eso de algún modo decantó que hiciera películas más pequeñas, pero no fue algo que decidiera; era porque mi tendencia era ser el que mandaba, el que coordinaba y el que supervisaba. En cambio, tener este poder en películas más grandes, como digo, es bastante complicado.

Crying Freeman: los paraísos perdidos estaba dirigida por el francés Christophe Gans en lo que suponía su primer trabajo en solitario en el formato largo, no siendo el único caso a lo largo de tu carrera de director novel al que has dado la oportunidad de debutar. ¿Te consideras un descubridor de talentos?

He trabajado con muchos directores noveles, cierto, pero es porque encontré oportunidades. No era porque buscara este tipo de proyecto, sino que ocurrió. La realidad es que lo llevo bien trabajando con directores nuevos, trato de entender su visión y procuro apoyarles hasta donde puedo.

Con el cambio de milenio llega una de las etapas más recordadas de tu trayectoria, al menos en España. Me refiero a la Fantastic Factory. ¿Cómo nació el sello?

El proyecto empezó aquí en Sitges en el año 1998. Filmax era la distribuidora de El dentista 2 y su dueño, Julio Fernández, me preguntó si podría hacer una película como esa en Barcelona, aprovechando que ellos querían entrar en producción. Le contesté que sí, claro. “¿Por qué no? Yo he hecho películas en Italia, en México, en Canadá (…), así que no sé por qué no voy a poder hacerlas en España.” No obstante, le comenté que mi idea era hacer un sello que contara con una línea de películas. A él le interesó mi propuesta y tres meses más tarde lanzábamos la Fantastic Factory.

En los años siguientes aparecerían nueve películas bajo el sello, hasta que en 2005 la aventura de la Fantastic Factory terminó de forma súbita. ¿Qué ocurrió?

Al principio, cuando todos pensaban que era una tontería, era mucho más fácil, pero cuando empezamos a tener éxito llegó un momento en el que la política entró. Pero bueno, eso es normal…

¿A qué te refieres?

Había el problema que cuando empezó la Fantastic Factory en España los que estaban sirviéndose de las subvenciones vieron peligrar su parte del pastel, por lo que se posicionaron en contra, acusando a Filmax de dar soporte a un proyecto que en realidad era americano, cuando no era nada de eso; Julio era el que pagó, supervisó y desarrolló el proyecto, cuyo objetivo final era hacer películas españolas de género fantástico que funcionaran en todo el mundo. Y creo que se logró.

Aparte de sus resultados, visto con perspectiva parece innegable el papel fundamental que la Fantastic Factory jugó en la reactivación de una industria dedicada al cine fantástico en España, creando infraestructuras y formando profesionales que después han propiciado que el cine fantástico español viviera una edad dorada con sonados éxitos internacionales. ¿Piensas que se le ha reconocido su importancia?

Como tú, también pienso que la Fantastic Factory influyó mucho en el cine fantástico español que surgió después. Sin la Fantastic Factory no hubiera existido, por ejemplo, [REC], que aunque no fuera justamente una producción nuestra, sí que era el tipo de producto al que aspirábamos: hacer una película sin tener que traer actores de fuera, ni tampoco importar la historia, sino que fuera cien por cien autóctono. Y, sin embargo, [REC] es una película totalmente internacional; no es una película española. Hablan en castellano, cierto, pero el público no la ve como una película española. Muchas veces vemos las películas de género atendiendo a su nacionalidad: alemana, italiana, española… Pero [REC] en cambio podría ser una película de Hollywood.

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Terminada tu etapa en España, te trasladas a Indonesia, donde creas una nueva productora. ¿La idea era repetir el modelo de la Fantastic Factory en el país asiático?

Más o menos. Hicimos dos películas, pero antes de que pudiéramos coger un ritmo de producción, en 2009-2010 vino la crisis y toda la financiación del proyecto, que era de Singapur, se cayó. La primera se tituló Takut: Faces of Fear, era en idioma indonesio y estaba formado por seis relatos dirigidos por siete realizadores locales y escritos por seis guionistas de allí. Yo desarrollé este proyecto con la idea de comprobar cuál era el talento que había en Indonesia. Como curiosidad te diré que unos de los directores que se encargaron de uno de los relatos que componían el film, los Mo Brothers, han participado este año en el Festival de Sitges con su película Headshot. En cuanto a la segunda película, se llamó Amphibious y trataba sobre una criatura marina. Sin embargo, en este film ya tuvimos que completar su producción en Europa.

Desde entonces no has vuelto a dirigir. ¿En qué has estado trabajando en todo este tiempo?

Regresé a Los Ángeles, donde he estado desarrollando proyectos y vendiendo películas, ya que soy socio en una empresa de ventas.

¿Y no tienes ningún proyecto actualmente con visos de convertirse en realidad a corto plazo?

Tengo varios proyectos desarrollados para los que estoy buscando financiación. Uno se llama El cirujano plástico, con Corbin Bernsen, que realmente es una variación de El dentista. El otro es The Pope, en la que un hombre se viste como el Papa y se dedica a matar a los curas pedófilos. La futura película estaría coproducida por Magic London, una empresa de Barcelona de la que formé parte durante mi estancia en España una vez que me había desligado de Filmax.

Puede decirse que estoy metido en muchas cosas, pero la financiación del cine independiente ha cambiado mucho; es muy difícil conseguir dinero, lo que está provocando que los presupuestos sean muy bajos. La piratería ha matado a todos los independientes. Por otra parte, actualmente hay tantos medios para visionar películas que ha cambiado mucho la forma de consumir el cine. El DVD está muerto por la piratería y el VOD todavía no paga, mientras que hay tantas películas, ya que ahora cualquiera puede rodar una, que es otro mundo totalmente distinto al que existía hace unos años, y si quieres ganarte la vida dentro del cine, como he hecho yo, resulta muy complicado.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías: Juan Mari Ripalda

Published in: on noviembre 25, 2016 at 6:54 am  Comments (2)  
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Las fábulas mecánicas. Guillermo del Toro

Título: Las fábulas mecánicas. Guillermo del Toro

Autores: Juan A. Pedrero Santos, Tonio L. Alarcón, Rubén Higueras Flores, Carlos Díaz Maroto, Tomás Fernández Valentí, José Luis Salvador Estébenez, Adrián Sánchez, Javier G. Romero, Diego Salgado

Editorial: Calamar Ediciones

Datos técnicos: 250 páginas (Madrid, septiembre de 2016)

“… un crítico, que en teoría ilumina el quehacer del cine,  sí creo que necesita saber un poco de contexto, dónde se sitúa la obra dentro de la filmografía de quien la hace. Necesita todo lo que pueda saber acerca del contexto, y ello le servirá de apoyo y de referencia.” 

Guillermo Del Toro

Dentro de veinticinco, cincuenta ó cien años lo tendrán realmente fácil aquellos estudiosos del medio que quieran conocer el estado de la crítica cinematográfica patria de este 2016 que ya se acaba: no tendrán que perder tiempo ni emplear esfuerzo alguno investigando en polvorientas hemerotecas, o navegar por blogs de cine como éste que además, y para esas fechas, lo más probable es que ya hayan sido borrados de la (inter)faz de internet. Gracias a libros de naturaleza colectiva como el presente, o como otros que tanto proliferan últimamente en el mercado editorial español, el historiador del mañana contará con la posibilidad de tener compilados en un sólo volumen todo un catálogo de reseñas que representarán en su variedad lo bueno, lo malo y lo peor del ejercicio del análisis cinéfilo actual.

Tras un prólogo escrito por Santiago Segura (bastante menos horrible de lo que cabría esperar) y un perfil de Del Toro a cargo de Juan A. Pedrero Santos,  coordinador asimismo de todo el asunto, el primer bloque importante del libro viene compuesto por nueve reseñas que se encargan de examinar con más o menos fortuna, dependiendo siempre del talento con el que esté dotado cada autor, los nueve largometrajes firmados hasta la fecha por el director oriundo de Guadalajara. Se pasa de puntillas por lo tanto por el resto de disciplinas cultivadas por el responsable de Cronos en más de dos décadas consagradas al entretenimiento: esto es, cortometrajes, novelas, televisión o animación.

De esta manera, y en su referida condición de fiel reflejo del panorama de la crítica española contemporánea, trascendiendo incluso por momentos su propia naturaleza de estudio de la obra del mexicano, nos podemos encontrar en las páginas de este Las fábulas mecánicas con varios arquetipos de las tres mayores corrientes que, en mi opinión, se hacen valer más en nuestro país a la hora de acercarse a la práctica del análisis cinematográfico.

Por un lado podemos identificar a aquel espécimen de cronista irritante en su pretenciosidad, ése que por falta de referentes, por pereza, o simplemente por pura petulancia, se coloca por encima del film a analizar, y, en la mayoría de los casos, incluso por encima del propio lector: críticos estos que se caracterizan ante todo por el intento de dotar de legitimidad intelectual a un cine que no lo necesita, siempre a través de una serie de referencias religiosas, filosóficas, políticas, históricas o sociológicas, entre las que, de manera incomprensible, se deja casi siempre de lado el elemento cinematográfico, o cuando menos, se ve reducido a su mínima expresión. Nos encontramos pues ante un modelo que en este caso en concreto revela su ineficacia no tanto por los cuestionables referentes que maneja, si no por las débiles (cuando no nulas) conexiones que se establecen entre éstos y el cine del mexicano.

En el otro lado de la balanza de este discurso particularmente coñazo y estéril, tan denso en la forma como superficial en el fondo, nos topamos asimismo con un par de ejemplos de la igualmente molesta crítica “sinopsis”, aquella variante obvia, apolillada y poco esforzada del género que se limita poco menos que al rutinario comentario de la película de principio a fin, y en donde, por supuesto, brilla por su ausencia tanto el análisis como núcleo central de la propuesta, así como cualquier intento de contextualizar la obra a analizar dentro de la filmografía de su director.

Cuestión de gustos. Supongo que ambas modalidades son perfectamente válidas, pero en mi modesta opinión los colaboradores de este libro dan en la diana única y exclusivamente cuando optan por acercarse a la obra de Del Toro en términos puramente cinematográficos, visuales y/o narrativos; y, por suerte para el sufrido lector, en Las fábulas mecánicas los partidarios de esta última corriente representan una amplia mayoría.

Así las cosas, y si el libro presenta a fin de cuentas una mínima sensación de unidad entre sus diferentes reseñas, ésta viene dada principalmente por el estilo más o menos común desplegado por la mayor parte de las firmas aquí convocadas: un enfoque éste en el que no falta el análisis, pero tampoco la glosa de las circunstancias en las cuales se fraguaron los diferentes films, así como tampoco lo que representan, o representaron, dentro de la trayectoria fílmica de su realizador. Para leer sinopsis ya existen páginas como IMDb o Filmaffinity, gracias.

De este modo, los numerosos aciertos que podamos encontrar a lo largo de la lectura de Las fábulas mecánicas parecen responder más al talento individual que al esfuerzo colectivo, una sospecha que viene reforzada por el hecho de que en esta primera parte del volumen, y dejando de lado los referidos rasgos estilísticos en común, los nueve autores no parecen disponer ni de una meta definida, más allá de escribir sobre la película de Del Toro que les haya tocado en suerte, ni tampoco de una hoja de ruta colectiva con la cual poder dotar de algo de solidez y continuidad formal al volumen.

Tras estas nueve extensas reseñas nos podemos encontrar a continuación con la trascripción, igualmente prolija, de la conversación de tres horas de duración que Juan A. Pedrero Santos mantuvo vía telefónica la pasada primavera con el protagonista de este libro. A lo largo de casi setenta páginas Del Toro desgrana su trayectoria vital y profesional, sus métodos de trabajo y sus gustos cinematográficos y literarios a través de una charla de todo punto interesante, pero a la que le acaba pesando su desmedida extensión así como cierta falta de fluidez debido al absoluto caos cronológico y temático del cuestionario. Por citar tan sólo un ejemplo, una pregunta de carácter técnico sobre la puesta en escena puede venir seguida de una de naturaleza más profunda y existencial sobre la muerte, y así.

El volumen se cierra con una biografía de unas doce páginas del personaje de Lucille Sharp, encarnado por Jessica Chastain en la estupenda La cumbre escarlata, escrita por el propio Del Toro, y que, esta vez sí, representa el ejemplo más revelador y completo contenido en este libro acerca de la tan apasionada como rigurosa manera que tiene el director azteca de enfocar su trabajo.

Ilustrado con un gran número de carteles y fotogramas, así como con dibujos y storyboards proporcionados por el propio Del Toro, Las fábulas mecánicas se beneficia asimismo de una maquetación clara en cuanto al diseño que deviene en una comodísima lectura, la cual, y junto a su impecable empaque visual, disimula en gran medida el que nos encontremos ante un libro que, más allá del hecho de su autoría colectiva, resulta a todas luces imperfecto, cojitranco, incompleto… monstruoso o resultón, según por donde se mire:

un volumen que, a pesar de volar alto la mayor parte del tiempo, resulta demasiado irregular como para poder considerarlo el estudio definitivo publicado en nuestro idioma sobre la obra del director de Hellboy; y es que, y a pesar de sus muchas virtudes, tanto por intenciones como por sus desiguales resultados, Las fábulas mecánicas está algo lejos de serlo.

José Manuel Romero Moreno

Published in: on noviembre 23, 2016 at 6:57 am  Dejar un comentario  
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Balance en datos de la XXVII Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián

Tras la finalización el pasado sábado día 4 de noviembre de las proyecciones oficiales de la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián 2016, la organización he hecho públicos los datos de esta vigésimo séptima edición.

En total, 26.116 espectadores han disfrutado de las actividades de la Semana hasta el pasado 4 de noviembre. El número de personas que ha asistido a las proyecciones cinematográficas ha sido de 11.175, mientras que 14.941 han participado en el resto de actividades.

En este año de Capitalidad Cultural de San Sebastián la organización destaca especialmente la buena acogida de dos eventos: el focus dedicado al cine y la cultura japonesa con presencia de realizadores, publicación y distintas actividades participativas, y “El Faro del Misterio”, proyecto colectivo y autogestionado de mapeo de historias paranormales locales.

En cuanto a la presencia del euskera en la programación de la Semana, en colaboración con el Servicio de Euskera del Ayuntamiento, se han proyectado, por un lado, dos sesiones infantiles y, por otro, en el Teatro Victoria Eugenia y en el Teatro Principal se han exhibido un total de catorce películas y todos los cortometrajes a concurso (14). También se representó en euskera en el Victoria Eugenia la obra de teatro Bihotz salataria. Todo ello se traduce en cifras en que un total de 2.609 espectadores han disfrutado de la Semana en euskera.

Por último, cabe recordar que, aunque la Semana en lo que respecta a proyecciones ha terminado, tres de sus exposiciones permanecen aún abiertas:

Ilustrando la última frontera. Star Trek 50th
C. Okendo (hasta el 10 de diciembre)

Recortando a Poe (Fernando Mircala)
FNAC (azaroaren 30era arte / hasta el 30 de noviembre)

Momotaro (Una historia de Kamishibai). Judas Arrieta – Harkaitz Cano
Kutxa Kultur Plaza (Tabakalera) (hasta el 11 de diciembre)

Más información: http://www.donostiakultura.com/terror/2016/