Entrevista a Juan Tébar

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Articulista, crítico tanto literario como cinematográfico, director de espacios radiofónicos, guionista, responsable de varias colecciones literarias, ensayista, profesor, novelista, tertuliano del programa televisivo ¡Qué grande es el cine! y derivados, autor de relatos… Abordar en su totalidad la trayectoria de quien por derecho propio supone toda una institución en el campo cultural español de los últimos cincuenta años como Juan Tébar se antoja una tarea difícil de ser llevada a cabo. Ante tal imposibilidad, surgida la posibilidad de poder entrevistarle, decidimos centrarnos en una de sus muchas facetas: la de guionista televisivo y cinematográfico; más concretamente, su labor perteneciente al ámbito del género fantástico y/o terrorífico, donde destaca su participación en títulos tan emblemáticos (y dispares) de nuestro cine de terror como La residencia, Ceremonia sangrienta o La saga de los Drácula. Una proposición que Juan aceptó de buen agrado, demostrando una cercanía, amabilidad y disposición dignas de ser destacadas desde estas líneas.

El cine ha tenido una trascendental importancia en tu educación, como reflejaste en tus seudo memorias de juventud La huella en los ojos. ¿Cuándo decides dedicarte profesionalmente al mundo del cine?

Difícil de contestar. Seguramente cuando ingresé en la antigua escuela (Escuela Oficial de Cinematografía), la única posibilidad académica de hacer realidad profesional lo que hasta entonces habían sido ilusiones. Pero no podría decirte la fecha exacta. Sin embargo creo que siempre, desde muy joven, tuve claro que me dedicaría a escribir. Para el cine o fuera del cine, como he hecho.

Como dices, cursaste estudios de dirección cinematográfica en la E.O.C. No obstante, el grueso de tu trayectoria dentro de la industria cinematográfica lo has realizado como guionista. ¿Obedeció a una decisión personal?

Como te decía, mi vocación siempre fue de escritor. Y el guion es el lugar de ese oficio dentro del cine. Consideré más lógico, y más acorde con mis posibilidades, escribir para el cine antes, o en lugar de, dirigir. Que, entre otras cosas, siempre consideré mucho más difícil. Y para lo que, sinceramente, estoy menos dotado, como he comprobado en algunos intentos. Escribir fue y es lo mío. La pregunta debería haber sido –en vez de “¿por qué te pasaste al guion?”- “¿Por qué elegiste antes la dirección?”. Y es que ser director tenía más glamour, sigue teniéndolo, y algunos nos dejábamos cautivar por ese reclamo.

Dada esta aludida formación como director, ¿tus guiones suelen contener muchas indicaciones técnicas referente a la puesta en escena?

Ninguna, incluso se lo recalco muchísimo a mis alumnos de Guion. Un buen guionista debe pensar en imágenes pero sin indicar cómo se realizan. Describiéndolas como si se vieran, que ya es mucho inventar. No soporto esos guiones que dicen “La cámara se acerca a…Un travelling circular… P. Plano del rostro, etc…” No me canso de corregirlo en clase.

Las indicaciones técnicas son de los técnicos de realización. Solo en el guion de alguien que va a ser luego el director aparecen lógicamente esas cosas.

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Tu primer crédito como guionista para la gran pantalla se produce en 1968 con Cerco de terror. ¿Cómo se fraguó este proyecto?

Ni me acuerdo. Me llamó un productor, supongo que por alguna cosa mía que habría visto en televisión. Miguel Tudela era ese productor.

En los créditos repartes funciones con el director del film, Luis Marquina. ¿En qué consistió tu participación?

Era corriente que el director firmase al lado del guionista (todavía se hace algunas veces), pero en ese caso no recuerdo que Marquina escribiese ni una línea.

En el contenido de Cerco de terror puede percibirse la huella de un director por el que no has escondido tu admiración como es Alfred Hitchcock, y más en concreto de Vértigo, film con el que comparte varios puntos en común a nivel argumental, como puede ser la aparición con vida del amante supuestamente muerto de la protagonista, que sirve de motor a la intriga. ¿Era una influencia asumida por tu parte?

Supongo que sí, pero no lo recordaba. Hitchcock en el cine, Dickens en la literatura… Son influencias, entre otras, que me han acompañado siempre.

Aunque sea de forma tangencial, Cerco de terror también se inscribe dentro del terror y el fantástico, géneros de los que eres un declarado admirador, habiendo incluso orquestado la publicación de colecciones literarias dedicadas a estas temáticas. ¿De dónde viene tu fascinación por estos géneros y qué es lo que te llama la atención de ellos?

Desde niño me gustaba asustarme y asustar. Pasé fácilmente de los cuentos infantiles a Edgar Allan Poe, y a las películas de miedo. Hay quienes se defienden de esa atracción, otros parece que lo adoptamos como oficio. En los primeros tiempos no sentía ninguna afición por el realismo. Luego he acabado por ser mucho más ecléctico. Me gustan todos los géneros, y todos los estilos, con fantasía o sin ella. Incluso hubo una época en que me llegó a molestar el encasillamiento y abandoné el terror. Aunque nunca de todo.

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Siguiendo con tu carrera cinematográfica, tu siguiente crédito se produce en uno de los títulos emblemáticos del cine de terror español como es La residencia, la ópera prima de Chicho Ibáñez Serrador. Ni qué decir tiene que el origen del proyecto estuvo ligado con tu labor como guionista en la mítica serie de este Historias para no dormir

Sí, ese argumento iba a ser uno de los episodios televisivos, pero a Ibáñez Serrador le gustó lo suficiente como para aprovecharlo para su primera película. Yo entonces hacía guiones para su programa y durante un tiempo fui ayudante de realización suyo.

En este caso, tu labor se limitó a ser autor de la historia que posteriormente fue guionizada por Chicho bajo su habitual seudónimo de Luis Peñafiel. ¿Llegaste a participar de algún modo en la redacción del libreto?

No, salvo opiniones después de leerlo, charlas, etc. Pero el guion lo escribió solamente Chicho.

Y como autor, ¿qué te pareció la adaptación que hizo Chicho de tu relato? ¿Hubo muchas modificaciones respecto a tu original?

Fue una buena recreación, aprovechando el tema, los personajes principales, la atmósfera, pero con muchísimas aportaciones suyas. La historia central está exactamente como en el relato. Pero mi cuento era breve y se centraba fundamentalmente en el final de la historia, con referencias al pasado. Chicho reconstruyó toda la historia a partir de ahí, Yo, hoy, la hubiera hecho menos “clásica”, pero es fácil opinar a posteriori.

La residencia contó con varios encontronazos con la Censura. ¿Cómo llevabais los guionistas de entonces estos temas? ¿Era algo con lo que ya contabais y motivaba que de algún modo os autocensurarais?

La residencia mostraba sugerencias sexuales que no eran nada corrientes en aquella época. Pero en el género se permitían más licencias. Y por eso se situó en otra época y otro país. Jugadas de “despiste” que eran muy habituales entonces para sortear la censura. Y sí, claro que nos autocensurábamos ya desde el principio. No había otro remedio.

Ya en 1973 intervienes en el guion Ceremonia sangrienta, coescrita junto al italiano Sandro Continenza y el director del film, Jorge Grau. ¿Cómo os repartisteis las funciones?

Sandro Continenza es una justificación para la coproducción, no creo que escribiera mucho, si es que escribió algo. Yo ni le conocí ni le conozco. En cuanto a Jordi Grau y yo, escribí primero un guion completo yo solo, y luego él –que sí era un director que realmente escribía– le dio las pasadas que consideró oportunas.

Por cierto, algunas fuentes también incluyen como guionista a José Luis Garci, quien habría intervenido de forma no acreditada. ¿Es cierto?

No sé de dónde puede haber salido eso. Garci no tuvo nada que ver –que yo recuerde– con esa película. Salvo que José María González Sinde, el productor, le pasara alguna versión –eran compañeros y amigos– y él aportara algo. No me consta.

Centrándonos en el contenido de la película, se trata de una especie de biopic de la tristemente célebre condesa Bathory. El que te basaras en un personaje real ¿cambió algo en tu forma de trabajar?

Mucha documentación, tanto sobre la condesa como sobre la época y sobre el mundo de los vampiros, superstición, procesos, etc…

Un par de años antes de Ceremonia sangrienta, la Hammer ya había dado su visión de Elizabeth Bathory en la película aquí titulada como La condesa Drácula. ¿Llegasteis a ver esta versión mientras preparabais la vuestra?

No, al menos yo.

Tras Ceremonia sangrienta volverías a trabajar de nuevo con Jorge Grau al año siguiente en Pena de muerte, una adaptación de Guy de Maupassant que, pese a que en principio se aleje de tales coordenadas, tiene cierto regusto fantastique en alguno de sus ingredientes…

Sí, era una adaptación tan libre que casi no lo era. Al ser casi una historia original, puede que el aire fantasmal me viniera dado, “de fábrica”. Y la referencia a Maupassant –cultivador también del género–me lo permitía, pero su relato no tenía nada de fantástico.

Tu último trabajo dentro del género para la gran pantalla es el peculiar acercamiento al personaje creado por Bram Stoker con La saga de los Drácula. ¿Cómo se gestó este proyecto?

Una productora especializada en películas más o menos de consumo quería hacer terrores de serie B. Emilio Martínez Lázaro y yo fuimos contratados para algunos, pero ahora creo que solo se rodó ese, al menos de los varios que escribimos juntos. Uno de ellos, claramente recuerdo que se lo cargó entero la censura. Eran tiempos de cierta aparente apertura, pero solo para pequeñas cosas, y muchos proyectos cayeron en la trampa…

¿De qué trataba ese guion que la censura os echó para atrás?

No recuerdo mucho de aquel guion, salvo que a mí, al menos, me gustaba incluso más que otros vendidos a Profilmes. Pero sí puedo decirte que se llamaba Donde florecen las rosas, que era estilo comedia negra a lo británico, y que a la censura no le gustó nada que dulces abuelitas e incluso niños fueran perversos.

Volviendo a La saga de los Drácula, para firmar la autoría de su guion, Emilio Martínez Lázaro y tú optasteis por el sobrenombre de Lazarus Kaplan. ¿A qué se debió la utilización de un seudónimo y por qué elegisteis precisamente este?

Lo del seudónimo quizá fue porque de alguna manera mirábamos con cierta arrogancia ese tipo de cine –me refiero a la producción, no al género–. Y el nombre venía de Lázaro, apellido de Emilio, y Kaplan, personaje –inexistente–de Hitchcock en Con la muerte en los talones. Otra vez Hitchcock, como advierto ahora.

Junto a su naturaleza de película terrorífica, La saga de los Drácula efectúa también una clara disquisición en torno a la familia, elemento este, el de la presencia de un subtexto, que en menor o mayor medida se da en todas tus películas del género. ¿A qué obedece?

¿En mi caso o en el género? Supongo que el género alberga, disimula, arropa, varios temas sustanciales: ideológicos, vitales, y la familia es un núcleo esencial, al que se solía tratar con mucho respeto y reverencia. Ganas de transgredir, supongo.

La existencia de La saga de los Drácula se encuadra dentro del coetáneo fenómeno del fantaterror español, también conocido como “terror de pipas”, bien sea por su director, León Klimovsky, o por la productora de la película, la especializada Profilmes. ¿Qué opinión te merece aquel movimiento?

Me proporcionó trabajo. Y lo agradezco. Ya he llamado “arrogante” a nuestra posible mirada de superioridad respecto a él. Hoy, sin embargo, en estudios, tesis doctorales y ensayos de especialistas, ese “subgénero” ha sido considerado como más importante de lo que nunca pudieron soñar sus responsables[1].

Y dada tu atracción por la temática, ¿cómo fue que no trabajaste más durante esta eclosión del género terrorífico dentro de nuestra cinematografía?

Me dediqué mucho más a la televisión que al cine. Y seguramente fantaseaba con hacer otras cosas más supuestamente “serias”. O personales, como algún guion que hice con Armiñán, por ejemplo.

Ya dije que no quería encasillarme, y aquí estoy, a estas alturas, hablando de fantasía y terror. Y escribiendo relatos de ese género, por otra parte.

En cualquier caso, tras estos trabajos no volviste a trabajar dentro del género con destino a la gran pantalla. ¿Por qué?

Por lo dicho antes, o porque no me llamaron para ningún proyecto interesante, o porque yo andaba en otras cosas… No lo sé.

Sí que lo hiciste en cambio para el medio catódico, donde, por ejemplo, interviniste en el guion de Blancaflor, la hija del diablo, entrega dirigida por Jesús García Dueñas para la serie internacional coproducida por TVE Cuentos mágicos. ¿Por qué escogisteis precisamente este cuento popular?

Hice muchas otras cosas en la televisión: Series como Ficciones, la Hora Once, adaptaciones literarias para Novela o Estudio Uno. Y mucha radio.

No hemos citado una serie original televisiva que se llamó Doce cuentos y una pesadilla, y en la que volqué, seguramente, muchas ideas fantásticas que no había usado en el cine.

La serie en donde se enmarca Blancaflor era de cuentos populares europeos. Elegí eso, o me lo eligieron, porque nos gustó. Y seguramente porque las historias con el diablo siempre me parecieron atractivas.

Es curioso remarcar que, libres ya de gran parte de la censura en España, nos topamos con la censura comunista, y fueron los checos –coproductores– quienes nos obligaron a modificar cosas de Blancaflor, por motivos ideológicos.

La mencionada serie Ficciones solía tender bastante a adaptar cuentos clásicos de terror, como haría después El quinto jinete. Para ella escribiste, al menos, una adaptación del “William Wilson” de Poe. ¿Qué nos puedes contar de tu participación en esta serie?

Adapté muchos más relatos. “William Wilson” preferiría no recordarlo: el realizador cambió tan radicalmente la historia (no solo la mía, la del propio Poe) que el resultado fue un disparate.

Volviste a Poe con un episodio entre biográfico y ficticio con “Poe o la atracción del abismo”, para el programa Los libros. Es indudable que tienes una gran atracción por el escritor…

Sin duda, y en este caso estoy muy satisfecho de aquella producción, una de las primeras cosas que dirigió Emilio Martínez Lázaro, precisamente.

Por aquellas fechas TVE parecía algo propensa al género fantástico en este tipo de programas. Por tu experiencia, ¿cómo encaraba nuestra televisión ese género, por aquel entonces tan denostado?

El género que provenía de fuentes clásicas literarias no era tan denostado. Y se cultivaba mucho, porque ayudaba a disimular muchas cosas que no hubieran sorteado la censura en otros estilos y en diferentes campos.

Y echando la vista atrás, ¿qué valoración haces de esta etapa de tu carrera?

Prefiero no hacer ninguna valoración de ninguna etapa de mi carrera. Pero casi todo lo que me has hecho recordar me ha despertado cariño. No debería valorarla mal, supongo.

José Luis Salvador Estébenez

[1] Precisamente hace pocos días, el 7 de septiembre, se presentó en la Universidad Rey Juan Carlos de Madrid la tesis El vampiro en el cine español, obra de Andrés Peláez Paz, y que logró la máxima calificación. En ella, la presente película se analiza a fondo. (Nota del Editor).

Fotografía cabecera: Jesús de la Vega

Published in: on octubre 20, 2017 at 5:28 am  Comments (1)  

El Festival Isla Calavera proyectará “Depredador” en su treinta aniversario

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El Festival de Cine Fantástico de Canarias – Isla Calavera proyectará el clásico de ciencia ficción y acción Depredador, con motivo de su treinta aniversario. El 12 de junio de 1987 llegaba a las salas estadounidenses el film de John McTiernan protagonizado por Arnold Schwarzenegger, sobre un grupo de mercenarios de élite que durante una misión de rescate en la selva centroamericana se ve acechado por un cazador de naturaleza extraterrestre. La película logró una nominación al Oscar a los Mejores Efectos Especiales por el extraordinario trabajo del equipo liderado por Stan Winston.

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Producida por Joel Silver, Lawrence Gordon y John Davis con un presupuesto de quince millones de dólares, Depredador superó los noventa y ocho millones de recaudación. Su éxito dio origen a una franquicia cinematográfica compuesta por Depredador 2 (1990), Alien vs. Depredador (2004), Alien vs. Depredador 2 (2007) y Predators (2010), alcanzando otros formatos como los cómics, las novelas o los videojuegos. En la actualidad se prepara una nueva entrega de la franquicia, The Predator, con dirección a cargo de Shane Black (Iron Man 3), que llegará a las salas comerciales el 3 de agosto del próximo año.

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Depredador se proyectará el sábado 18 de noviembre, a partir de las 23.00 horas, en la sede del festival, los Multicines Tenerife (C. C. Alcampo, La Laguna), y al término de la película se ofrecerá un coloquio sobre el film. La proyección (en formato de máxima calidad digital DCP) será en versión original con subtítulos en castellano.

Cabe recordar que el Festival de Cine Fantástico de Canarias – Isla Calavera, celebrará su primera edición entre el 15 y el 19 de noviembre de 2017 con el patrocinio de la Universidad de La Laguna, el Cabildo Insular de Tenerife y la Fundación Cine+cómics. La inauguración del Festival contará con la première en Canarias del reconocido thriller psicológico El ataúd de cristal (2016), de Haritz Zubillaga, con la presencia de su protagonista, la actriz tinerfeña Paola Bontempi. Otros destacados invitados con los que contará el certamen son el legendario actor estadounidense Jack Taylor  (La novena puerta, Conan, el bárbaro, Los fantasmas de Goya), el maestro de los efectos especiales Colin Arthur (La historia interminable, 2001: Una odisea en el espacio, El resplandor) y el cineasta madrileño Víctor Matellano (Wax, Parada en el infierno), entre otros.

Más información: http://www.festivalislacalavera.com/

Published in: on octubre 19, 2017 at 5:55 am  Dejar un comentario  

Ya a la venta el libro “Cinezoico. El dinosaurio a través de la historia del cine”

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Desde hace unos días ya se encuentra disponible en librerías especializadas y grandes superficies Cinezoico. El dinosaurio a través de la historia del cine, el segundo libro de Octavio López Sanjuán, publicado por Ediciones Rosetta. Tras publicar hace un par de años ¿A quién vas a llamar? De Tracy el gorila a Peter Venkman, la historia de los cazafantasmas, el autor alicantino fija ahora su mirada en el modo en el que los dinosaurios han sido mostrados a lo largo de la historia del cine.

Con esta premisa, Octavio López repasa las películas de dinosaurios más representativas, desde la misma prehistoria del séptimo arte hasta el monstruosamente realista cine contemporáneo, mostrando cómo los cineastas han sido capaces de llevar a la vida a estas criaturas legendarias a lo largo de más de un siglo. No sólo eso, pues también descubre qué especies del Mesozoico han poblado cada filme en detalle, y cuánta fidelidad con la realidad fueron capaces de representar en pantalla los técnicos de efectos visuales. Supervisado por el prestigioso paleontólogo José Luís Sanz, quien también firma el prólogo, Cinezoico. El dinosaurio a través de la historia del cine ofrece, en definitiva, un recorrido por la vida del cine de dinosaurios que deviene en un educativo e iluminador escaparate de la resurrección en celuloide de estos fascinantes animales desaparecidos.

Más información y venta: http://www.edicionesrosetta.es/tienda/editorial/cinezoico-el-dinosaurio-a-traves-de-la-historia-del-cine/

 

Published in: on octubre 18, 2017 at 5:58 am  Dejar un comentario  

La primera temporada de “Westworld” disponible en Blu-ray y DVD el 7 de noviembre

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El próximo 7 de noviembre de 2017 Warner Bros. Home Entertainment lanzará al mercado la primera temporada de la exitosa serie de HBO Westworld en formato Blu-ray y DVD, a un precio recomendado de 34.95€ y 44.95€, respectivamente. Además de los diez episodios que componen la primera temporada de la serie, las respectivas ediciones incluirán extras inmersivos nunca antes vistos, como tres nuevas piezas especiales y tomas falsas.

¿Qué sucede en un mundo sin reglas, límites y consecuencias? Basada en la homónima película escrita por el autor superventas Michael Crichton y conocida en nuestro país con el título Almas de metal, Westworld propone un oscuro viaje a los orígenes de la conciencia artificial y la evolución del pecado. Situada en una intersección entre un futuro cercano y un pasado reimaginado, la serie explora un mundo en el que cualquier deseo humano, sin importar lo noble o depravado que sea, puede satisfacerse.

Creada por por Jonathan Nolan (Interstellar, El Caballero Oscuro) y Lisa Joy (Burn Notice, Pushing Daisies), y producida por Bad Robot Productions de J.J. Abrams (y Kilter Films, la primera temporada de Westworld cuenta con un reparto plagado de estrellas encabezado por el ganador del Oscar Sir Anthony Hopkins, el ganador del Globo de Oro Ed Harris, la nominada al Globo de Oro y Emmy Evan Rachel Wood y la también nominada al Globo de Oro Thandie Newton.

Cabe destacar, por último, que la edición en Blu-ray incluirá las pistas de audio en Dolby Atmos especialmente remezcladas para entornos de cine en casa, situando así el audio en cualquier parte de la habitación, incluyendo la parte superior. Para experimentar el Dolby Atmos, se necesita un receptor AV Dolby Atmos y altavoces adicionales, o una barra de sonido Dolby.

Published in: on octubre 17, 2017 at 5:43 am  Dejar un comentario  

“Piratas del Caribe: La venganza de Salazar” ya a la venta en DVD y alta definición

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Piratas del Caribe: La venganza de Salazar, la quinta película de la popular saga cinematográfica, ya se encuentra a la venta en España tanto en formato DVD como en Blu-ray desde el pasado 6 de octubre.

El argumento de la película nos presenta a Jack Sparrow con la mala suerte pisándole los talones, cuando la tripulación de piratas fantasmas liderados por el terrorífico Capitán Salazar (Javier Bardem), escapan del Triángulo del Diablo empeñados en acabar con todos los piratas que se encuentren en el mar, especialmente Sparrow.

De las distintas ediciones comercializadas de Piratas del Caribe: La venganza de Salazar, sólo las de alta definición (Blu-ray, Blu-ray 3D y steelbook) cuentan con numerosos extras, de los que destacan “Los muertos cuentan más cuentos: Cómo se hizo una nueva aventura”, varias escenas eliminadas, las “Tomas falsas del Caribe” y “El matador y el toro: Los secretos de Salazar y La Silenciosa Mary”, entre otros.

Por otra parte, el mismo día del lanzamiento en formato doméstico de la última aventura del Capitán Jack Sparrow, se ha puesto a la venta en ambos formatos el denominado “Pack Piratas del Caribe: Colección cinco películas” que, como su propio nombre indica, incluye las cinco entregas que hasta ahora componen la saga: Piratas del Caribe: La maldición de la perla negra, Piratas del Caribe: El cofre del hombre muerto, Piratas del Caribe: En el fin del mundo, Pirata del Caribe: En mareas misteriosas y la susodicha Piratas del Caribe: La venganza de Salazar.  El pack en Blu-ray ofrece diversos extras, caso de audiocomentarios, escenas eliminadas, contenidos ocultos y “Cómo se hizo Piratas del Caribe”, entre otros.

 

Published in: on octubre 16, 2017 at 8:46 am  Dejar un comentario  

La fábula fantástica “Jupiter’s Moon” gana Sitges 2017

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La 50a edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya terminó oficialmente ayer con un palmarés que premia al cine europeo. El húngaro Kornél Mundruczó –director que siempre ha introducido el elemento fantástico de manera inteligente en sus películas– ha conseguido el premio a la Mejor Película con Jupiter’s Moon, una fábula fantástica que cuenta con un deslumbrante diseño de producción. Jupiter’s Moon también se ha hecho con el premio a los mejores efectos visuales. El premio a la Mejor Dirección ha recaído en la francesa Coralie Fargeat que con una violenta cinta que contiene guiños a los clásicos de los años 70, ha firmado una brillante ópera prima: Revenge. El palmarés de Sitges 2017 ilustra un Festival que ha conseguido cifras de récord, con un aumento del diez por ciento en la venta de entradas.

Jupiter’s Moon ha deslumbrado y su director Kornél Mundruczó –autor de la extraordinaria White God– ha paseado complicidad por Sitges y ha reclamado conciencia social sobre uno de los grandes dramas de nuestro tiempo como es la inmigración. La lista de premios de Sitges 2017 reconoce también los papeles de Marsha Timothy en Marlina the Murderer in Four Acts y de Rafe Spall en The Ritual. También han sido premiados los realizadores catalanes Pintó & Caye, que han recibido el premio al mejor cortometraje con R.I.P y el premio del público por Matar a Dios. El Premio de la Crítica José Luis Guarner ha resultado ex aquo para dos películas que llegaban a Sitges avaladas por los premios cosechados en los festivales de Austin y Locarno, la brasileña As boas maneiras; y el de mejor guion en el Festival de Cannes, la película del griego Yorgo Lantinos The Killing of a Sacred Deer.

PALMARÈS SITGES 2017

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Mejor película: JUPITER’S MOON, de Kornél Mundruczó

Premio especial de Jurado: THELMA, de Joachim Trier

Mejor dirección: Coralie Fargeat, por REVENGE

Mejor interpretación femenina: Marsha Timothy, por MARLINA THE MURDERER IN FOUR ACTS

Mejor interpretación masculina: Rafe Spall, por THE RITUAL

Mejor guion: Joachim Trier y Eskil Vogt, por THELMA

Mejores efectos especiales: Ferenc Deák, por JUPITER’S MOON

Mejor fotografía: Andrew Droz Palermo, por A GHOST STORY

Gran premio del público: MATAR A DIOS, de Albert Pintó & Caye Casas

Mejor cortometraje: R.I.P, de Pintó & Caye

Focus Àsia

A SPECIAL LADY, de Lee An-kyu

Mención especial: MARLINA THE MURDERER IN FOUR ACTS, de Mouly Surya

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Mejor película: THE BATTLESHIP ISLAND: DIRECTOR’S CUT, de Ryoo Seung-wan

Panorama Fantàstic

Mejor película: CREEP 2, de Patrick Brice

Panorama Documenta

Mejor película documental: 78/52, de Alexandre O. Philippe

Anima’t

Mejor película: TEHRAN TABOO, de Ali Soozandeh

Mejor cortometraje: HYBRIDS, de Florian Brauch, Matthieu Pujol, Kim Tailhades, Yohan Thireau y Romain Thirion

Noves Visions One

DAVE MADE A MAZE, de Bill Watterson

Mención especial: KUSO, de Flying Lotus 

Noves Visions Plus

Mejor película: DAWSON CITY: FROZEN TIME, de Bill Morrison

Noves Visions Petit Format

Mejor cortometraje: HOISSURU, de Armand Rovira

Jurado de la crítica

Premio de la crítica – José Luis Guarner

Ex aequo

AS BOAS MANEIRAS, de Juliana Rojas y Marco Dutra

THE KILLING OF A SACRED DEER, de Yorgos Lanthimos

Premio Citizen Kane a la mejor dirección novel

Coralie Fargeat, por REVENGE

Mejor película Discovery

BRIGSBY BEAR, de Dave McCary

Jurado Carnet Jove

Mejor película: A GHOST STORY, de David Lowery

Mejor película Midnight X-Treme: ANNA AND THE APOCALYPSE, de John McPhail

Premio Brigadoon Paul Naschy

CUERNO DE HUESO, de Adrián López

Samsung Sitges Cocoon

Mejor película en realidad virtual: KNIVES, de Adam Cosco

Mención especial: RAY, de Rafael Pavón

Premio del público a la mejor película: ALTERATION, de Jérôme Blanquet

Méliès

Meliés de plata a la mejor película: THELMA, de Joachim Trier

Meliés de plata al mejor cortometraje: EXPIRE, de Magalí Magistry

Blood Window

MADRAZA, de Hernan Aguilar

Mención especial a la mejor actriz: Isabél Zuaa, por AS BOAS MANEIRAS

Premios SGAE Nova Autoria

Mejor cortometraje: CELEBRACIÓ, de Pau Cruanyes y Gerard Vidal

Mejor guion: Anna Agulló, por UNA CAJA CERRADA

Mejor música original: Joan Masats, por SESGO, UNA HISTORIA DE PREJUICIOS Y GOLOSINAS

Mención especial: LA FUGA DE LOS 45, por Cristina Caamaño

Más información: http://sitgesfilmfestival.com/

Published in: on octubre 15, 2017 at 8:44 am  Dejar un comentario  
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Empire of the Sharks

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Título original: Empire of the Sharks

Año: 2017 (Estados Unidos)

Director: Mark Atkins

Productor: David Michael Latt

Guionista: Mark Atkins

Fotografía: Mark Atkins

Música: Heather Schmidt

Intérpretes: John Savage (Ian Fien), Jack Amstrong (Timor), Thandi Sebe (Sion), Ashley de Lange (Willow), Leandie du Randt (Nimue), Tauriq Jenkins (Edgar), Tapiwa Musvosvi (Toby), Camilla Waldman (Ann Aldrin), Jonathan Pienaar (Mason Scrim), Joe Vaz (Jasper), Sandi Schultz (Sarah), Mélodie Abad (Mara), Royston Stoffels (Zareia), Philip Tan (Thelonious), Neels van Jaarsveld (Theos McFadden), Tshamano Sebe (Tustin Worth), Daniel Barnett (Moffatt), Anwhar Adams (Mack Tyson), Dan Nel (Arno), Quentin Chong (Lu Bu), Dorian Holdren (Drake), Sarah Mocke (joven Willow), Ryan-Wayde Hannival (Creeger), Brandon Auret (capitán Barrick), Anele Rusi (capitán Darsi), Craig Holtzkampf (capitán Bold), Andrew Denison, Anja Van Der Spuy, Aphinda Afaika, Armand Mostert, Caitlin Amendse, Christophe Burg, Clayton Crawford, De Wet Du Toit, Garth Colitz, Hanno Jacobs, Hilnor Hannibal, L.J. Corken, Ises Jeptha, Jan Van Der Netscht, Jason Muller, Joshua Woolward, Kurt Van Rheede, Laila Chilwan, Leonard C. Smit, Lisa Narramore, Moline Zuisinei Kufaza, Monoyane Puding, Paige Hogg, Peter Bennet Kachuma, Rashid Muneel, Roliwilfred Molembou, Rorie Burg, Rudi Washington, Sasha Demas, Sasha Prema Melnichenko, Shamiela Johnstone, Stephen Pankhurst, Tuuleh Ahmed…

Sinopsis: En un futuro lejano donde la práctica de la superficie de la Tierra está bajo el agua, un señor de la guerra siembra el terror ayudado por un ejército de tiburones. Cuando el señor de la guerra secuestra a una joven, sus amigos se asocian con un grupo de proscritos para liberarla.

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Desde sus propios orígenes, una de las máximas perseguidas por cierta Serie B ha sido la de conseguir la máxima rentabilidad con la menor inversión posible. Reaprovechamiento de decorados y vestuario, reciclajes argumentales, rodajes back-to-back, o remontajes con nuevas de escenas para conseguir hacer dos películas con el precio de una, fueron algunos de los usos acostumbrados para conseguirlo. Nombres tan emblemáticos de este tipo de cine como Roger Corman o Jesús Franco harían de estas prácticas parte de su modus vivendi. También los italianos se destacarían en tales lides, dándose ejemplos tan extremos como el representado por Alfonso Brescia, capaz de rodar cinco space operas en un corto espacio de tiempo, valiéndose de prácticamente el mismo atrezzo y acompañado de similar elenco técnico-artístico.

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En su condición de actual heredera del espíritu tradicional de la Serie B, en especial en lo referente a su pragmatismo económico, la norteamericana The Asylum no ha sido ajena a estos usos ventajistas. Algo que, bien mirado, entronca con su conocida especialización en rodar exploitations de populares blockbusters, alguno de los cuales ha llegado incluso a dar origen a una inesperada secuela, a pesar de que su recepción crítica y comercial hubiera sido más bien nula, cuando no directamente negativa. ¿Cómo justificar la existencia de una secuela directa de su adaptación de La guerra de los mundos de H. G. Wells, si no es debido a la calculada reutilización de los elementos productivos de la película originaria, permitiendo así abaratar los costes monetarios, ya de por si paupérrimos?

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Acorde a esta política empresarial, la popular productora ha convertido en uno de sus rasgos más distintivos el reciclaje de los diseños infográficos de las monstruosas criaturas que pueblan sus ficciones de uno a otro título, con el consiguiente ahorro que ello supone. No contentos, también han alentado la realización de nuevos films con los que no solo reutilizar el diseño de producción de alguna de sus producciones anteriores, sino también su propio concepto argumental, en lo que se erige en una muestra notoria de la vagancia intelectual que conforma la principal mácula de la obra de la compañía. Es el caso de Empire of the Sharks (Empire of the Sharks, 2017), telefilm escrito y dirigido por Mark Atkins, que supone una especie de secuela o, más bien, variación de lo ofrecido por idéntico responsable en su anterior trabajo, El planeta de los tiburones (Planet of the Sharks, 2016).

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Rodado en las mismas localizaciones sudafricanas, con él comparte su ambientación en un futuro post-apocalíptico a lo Waterworld, en el que la superficie de la Tierra se ha convertido en un gran océano. La diferencia entre una y otra estriba en que si, haciendo honor a su nombre, El planeta de los tiburones narraba las peripecias de un grupo de supervivientes mientras escapaban de los escualos que habían pasado a dominar el planeta, aquí la trama nos sitúa tras los esfuerzos de su grupo protagonista por rescatar a un grupo de paisanos de las garras de un señor de la guerra que siembra el terror en el lugar por medio de un ejército de tiburones a los que controla por medio de una especie de guanteletes, mediante los que envía impulsos electromagnéticos a los receptores situados en la cabeza de los selacimorfos.

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Con semejante planteamiento, en el que también hay cabida para muchachas con poderes telepáticos y tiburones-bomba, entre otros desvaríos, sería aventurado esperar una película que tenga un humor digno de Lubitsch y una complejidad propia de Dreyer,  claro; pero sí que fuera moderadamente entretenida. No hay caso. Y eso que, a decir verdad, en primera instancia sus resultados ofrecen una mejora cuantitativa con respecto a los arrojados por su predecesora, quizás por estar planteada desde unas mayores aspiraciones. O eso se deduce, al menos, de la presencia en su reparto de un actor de cierto renombre, un John Savage en horas bajas encargado de encarnar al villano de la historia.

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Este supuesto mayor mimo puesto en su confección se traslada a la puesta en escena de Atkins, con una planificación mucho menos abonada al uso y abuso del primer plano como principal herramienta narrativa, atreviéndose incluso con la inserción de imágenes en las que comparecen varios personajes dentro del mismo plano, lo que, conociendo los antecedentes, debe considerarse como todo un logro. Del mismo modo, el diseño de producción, en especial en lo concerniente a la ambientación post-apocalíptica, se antoja bastante más conseguido que la vista en El planeta de los tiburones. Lo mismo ocurre con su esquema argumental, centrado en el reclutamiento del grupo de resistentes y su posterior ataque a la base donde se encuentra el señor de la guerra y sus secuaces, acreedor de un mayor dinamismo del que ofrecía el de la previa.

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Sin embargo, todo lo apuntado no deja de ser un espejismo. A pesar de las mejores perspectivas, según avanzan los minutos acaba por imponerse la cruda realidad de los hechos. Y de un modo aplastante, además. Transcurrido el ecuador del metraje, el ritmo hasta entonces fluido comienza a verse torpedeado por la inclusión de diferentes incidencias cuyo concurso solo parece obedecer a un intento por alargar la anécdota argumental hasta alcanzar la duración fijada. Una circunstancia que no hace más que acentuar los muchos defectos detectados hasta ese momento. Más allá de la pobreza del acabado formal de los efectos especiales infográficos marca de la casa, asoma la torpeza de la puesta en escena de Atkins, con planos que, literalmente, cortan la cabeza de algunos de los secuaces del villano en cuadro, no se sabe si por ineptitud o para poder así repetir la comparecencia de los figurantes implicados dando vida a otro nuevo esbirro sin que chirríe demasiado.

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Con todo, la palma se la llevan las muchas incongruencias argumentales en los que incurre el relato. Citemos unos cuantos ejemplos espaciados a lo largo del metraje a modo de muestrario. El primero, la importante avería provocada por el ataque de los tiburones al sumergible que transporta a los protagonistas durante su primera visita a la base del señor de la guerra, hasta el punto de poner en peligro su huida, lo que no quita que, para el siguiente viaje, emprendido apenas unos instantes más tarde, el vehículo se encuentre en perfecto estado. O, más adelante, cuando los rebeldes abordan un barco en el que el cabecilla del grupo se apropia de un prodigioso walkie-talkie, capaz de permitirle escuchar lo que sucede en el entorno de su interlocutor, presione o no este el botón necesario. La mejor de estas incoherencias, no obstante, llega en el desenlace del film, y tiene que ver con el excepcional don de la secuestrada novia del protagonista para modificar el comportamiento de los escualos a través de la telepatía. Y es que si, como se dice, semejante habilidad solo se le había conocido a su difunto padre, no se explica que, llegada la conclusión de la película, el consejo de sabios de su poblado pueda instruir a la ya rescatada joven en el arte de “llamar a los tiburones”.

José Luis Salvador Estébenez

Published in: on octubre 11, 2017 at 6:27 am  Dejar un comentario  

Don Coscarelli será homenajeado en Nocturna 2017

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El Festival Internacional de Cine Fantástico Nocturna Madrid homenajeará a uno de los grandes del Fantástico, Don Coscarelli, por su aportación al género como productor, director, guionista, montador y director de fotografía. Por este motivo, el cineasta norteamericano acudirá en persona a recoger el premio Maestro del Fantástico en un acto en el que se proyectará uno de los títulos imprescindibles de su filmografía: Phantasma, la película de 1979 que inició una de las sagas más influyentes del cine de terror moderno y que casi cuarenta años más tarde se ha convertido en una obra de culto entre los aficionados al cine fantástico. El pase de la copia remasterizada recientemente, se llevará a cabo el próximo sábado 28 de octubre a las 19:15 horas en Cinesa Proyecciones gracias al apoyo y en colaboración con la distribuidora 39 Escalones Films.

Además, Coscarelli protagonizará un encuentro con los fans en el espacio Fórum Fnac Callao, dentro de las actividades paralelas del certamen, donde hablará de su carrera y se presentará el Pack Blu Ray de la saga Phantasma que 39 Escalones editará próximamente con todas las películas de la saga remasterizadas para la ocasión.

Don Coscarelli (Trípoli, Libia, 1954) es conocido mundialmente por el universo creado por la saga de culto Phantasma, de las que ha escrito y dirigido cuatro entregas, dando lugar a una de las sagas más importantes del cine fantástico y creando uno de sus personajes más míticos; el famoso “hombre alto”.

Criado en California, Coscarelli comenzó su carrera en el mundo del cortometraje y nunca fue a una escuela de cine. Sus múltiples reconocimientos hicieron que se convirtiera con diecinueve años en el director más joven en conseguir que un estudio comprara su primer largometraje Jim, el más grande del mundo (1976), drama sobre un adolescente alcohólico que escribió, dirigió y produjo con la ayuda de su gran colaborador, el actor Angus Scrimm, que después interpretaría al “hombre alto” en la saga Phantasma.

Es con esta saga con la que Coscarelli se convierte en 1979 en un nombre reconocido mundialmente por los amantes del género, arrasando en festivales como el Festival de Cine Fantástico de Avoriaz y consiguiendo un éxito de taquilla que dará lugar en los años siguientes a las secuelas Phantasma II: El regreso  (1988), Phantasma III: El pasaje del terror (1994) y Phantasma IV: Apocalipsis (1998).

Realizadas con bajo presupuesto, las películas de Phantasma presentan todo un universo de terror creador por Coscarelli, con cadáveres que desaparecen, enanos y puertas a otras dimensiones, que han hecho merecedor al cineasta norteamericano de la categoría de director de culto del cine fantástico contemporáneo, junto a nombres como los de Wes Craven, Sam Raimi o George A. Romero.

En la filmografía de Coscarelli figuran, además, otros títulos de culto como El señor de las bestias (1982) o Bubba Ho-Tep (2002), la cual le valdría el premio Bram Stoker por su adaptación del relato de Joe R. Lansdale y el reconocimiento de festivales como Toronto, Austin, Florida o Hong Kong.

John muere al final (2012) es su última película como director hasta la fecha, aunque sigue escribiendo y produciendo obras como Phantasma V: Desolación, Applecart o Bubba Nosferatu.

Más información en la web oficial de Nocturna, www.nocturnamadrid.com, así como en sus canales oficiales en redes sociales: Facebook / Twitter / Instagram

Published in: on octubre 10, 2017 at 6:15 am  Dejar un comentario  
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Novedades de Applehead Team para el último trimestre de 2017

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La editorial Applehead Team afronta el último trimestre de 2017 con un cambio de imagen corporativa, pero no de rumbo. Tras unos meses cogiendo fuerzas, acaba de presentar en público los tres libros que se unirán de forma más inmediata a su catálogo. Además, potenciando su apuesta por el ensayo dedicado al cine (algo que ha sido y será el puntal de la editorial, aunque seguirá publicando ocasionalmente obras de ficción), estrena un lema que resume una ideología y unas intenciones: “El cine que siempre has querido leer”.

Estos son, en orden de publicación (con fechas que se irán desvelando en próximos días) los tres referidos volúmenes:

Al caer la noche: Terror catódico americano 1970-1981

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Autor: Tonio L. Alarcón.

Prólogo: Jesús Palacios.

Colección: Cineclub Applehead.

Tonio L. Alarcón propone un ambicioso e innovador estudio sobre la producción televisiva norteamericana de género terrorífico, entre los años 1970 y 1981., con títulos hoy tan míticos como El estrangulador de la noche y La oscura noche del espantapájaros —que en España conocimos en las emisiones de Estrenos Tv-, El diablo sobre ruedasEl misterio de Salem’s Lot… Un viaje que también recupera películas menos populares, pero que, durante los años 80, seguramente disfrutamos en sus pases de fin de semana o incluso en ediciones en vídeo que podíamos encontrar en el videoclub.

Prologado por Jesús Palacios, Al caer la noche: Terror catódico americano 1970-1981, recoge una época fascinante para el cine de terror y para la televisión, examinada por Tonio L. Alarcón con la agilidad y el rigor que lo caracteriza. Por el libro desfilan figuras como Dan Curtis, John Llewellyn Moxey, Steven Spielberg, Richard Matheson, Curtis Harrington, John Badham, Wes Craven, John Carpenter o Tobe Hooper, entre muchas otras, lo que hacen de este volumen una obra necesaria para cualquier aficionado al cine de género.

Bruceploitation: Los clones de Bruce Lee

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Autor: Iván E. Fernández Fojón.

Colección: La Generación del Videoclub.

Tras el fallecimiento de Bruce Lee, las salas cinematográficas de los años 70 recibieron un aluvión de producciones protagonizadas por “clones” del Pequeño Dragón: actores con nombres como Bruce Li, Bruce Lai, Bruce Le, Bronson Lee y Dragon Lee emulaban los gestos de la estrella desaparecida y llenaban los bolsillos de productores sin escrúpulos. Alguna de estas películas rehacían los argumentos de la filmografía del astro de Hong Kong o bien explotaban su biografía. Otras abrazaban directamente el delirio: en El dragón ataca, por ejemplo, desfilaban Drácula, James Bond, Clint Eastwood, El exorcista, Emmanuelle, Vito Corelone, Laurel y Hardy… Incluso uno de los coreógrafos de Lee, Sammo Hung, se reiría del fenómeno —desde el cariño y la admiración hacia Lee, eso sí— en Le llamaban… Dragón gordo.

Iván E. Fernández Fojón, especialista en cine asiático y de artes marciales y redactor en revistas como Dragonz y Acción Cine-Vídeo, profundiza en esta moda cinematográfica con todo lujo de detalles, consiguiendo un libro pionero en nuestro país, recomendable tanto para los amantes del cine de artes marciales como para los interesados en el exuberante y provocador mundo del cine de explotación, que Applehead Team publica dentro de su colección La Generación del Videoclub (donde ya aparecieron ensayos sobre Cannon Films, la IFD y la Filmark).

Goma-2: El cine explosivo de José Antonio De La Loma

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Autor: Javier Ikaz.

Colección: Made in Spain.

Javier Ikaz, uno de los creadores del fenómeno Yo fui a EGB y autor de Disparate Nacional: El cine de Mariano Ozores, efectúa el primer libro dedicado a la figura de José Antonio de la Loma, uno de los directores españoles más taquilleros de finales de los años 70 y comienzos de los 80. Considerado uno de los padres del cine “quinqui”, de la Loma cultivó el thriller y el cine de acción, trabajó con estrellas internacionales y retrató las miserias de la España posfranquista.

Goma-2: El cine explosivo de José Antonio de la Loma ofrece un acercamiento honesto y emocionante a un cineasta a reivindicar, guionista de diversos filmes –entre los que figuran diversos westerns y cintas de Lucio Fulci o Antonio Margheriti– y autor de treinta películas, algunas tan populares como Yo, “el vaquilla”Goma-2Perros callejeros y Nunca en horas de clase. Todas ellas son reseñadas en un volumen indispensable para los interesados en el cine popular producido en España, publicado por la editorial Applehead Team dentro de su colección Made in Spain.

Published in: on octubre 9, 2017 at 6:05 am  Dejar un comentario  

Asalto a la corona de Inglaterra

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Título original: Come rubare la corona d’Inghilterra

Año: 1967 (Italia)

Director: Sergio Grieco [acreditado como Terence Hathaway]

Productor: Edmondo Amati

Guionistas: Vincenzo Flamini, Dino Verde

Fotografía: Tino Santoni

Música: Piero Umiliani

Intérpretes: Roger Browne (Sir Reginald Hoover / Argoman), Dominique Boschero (Regina Sullivan / Jenabell), Eduardo Fajardo (Shandra), Nadia Marlowa (Samantha), Nino Dal Fabbro [acreditado como Richard Peters] (inspector Lawrence), Edoardo Toniolo [acreditado como Edward Douglas] (inspector Martini), Andrea Bosic (almirante Durand), Tom Felleghy (general Headwood), Frank Richardson (ministro), Lawrence Mills, Dario De Grassi (ayudante del inspector Lawrence), Mirella Pamphili, Mimmo Palmara [acreditado como Dick Palmer] (Kurt, esbirro de Jenabel), Fulvio Mingozzi, Alberto Plebani, Ferruccio Viotti (General)…

Sinopsis: El robo de la corona de San Eduardo, joya conservada en la Torre de Londres, es el inicio de una demostración de poder de la autonombrada “La reina del mundo”, quien exige que se le entregue el Muradoff, un gigantesco diamante de asombrosas propiedades. Para la investigación del caso, Scotland Yard buscará la ayuda de Sir Reginald Hoover, un prestigioso criminólogo tras el que se esconde, en realidad, el superladrón conocido como Argoman.

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Asalto a la corona de Inglaterra supone la primera y única aventura de Argoman, uno de los superhéroes surgidos durante la moda por este tipo de personajes vivida en el cine popular europeo a mediados de los sesenta. Al igual que el resto de sus congéneres creados ex profeso para su desembarco en la gran pantalla, Argoman y la cinta que lo alberga funciona antes por la acumulación de ingredientes tomados de distintos referentes que por cualquier otro rasgo de originalidad. De ellos, el más evidente, al menos a primera vista, son las reminiscencias que su concepto arroja para con las constantes del ciclo de adaptaciones de populares fumetti que acometiera por aquella misma época la industria italiana, en títulos como Satanik, La máscara de Kriminal o Mister X. Con estos comparte el perfil amoral de su enmascarado protagonista, un supercriminal que se vale de sus poderes telequinéticos para llevar a cabo fabulosos robos, si bien en esta oportunidad ponga sus habilidades al servicio de la ley y el orden con el fin de abortar los planes de Jenabell, la autoproclamada “reina del mundo”, una colega (y amante) que amenaza con acabar con la estabilidad económica de Occidente si no son satisfechas sus demandas.

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La presencia de una megalómana villana con planes de dominación mundial pone de relieve la influencia ejercida en el conjunto por el cine de euroespías, algo, por otra parte, bastante común en este tipo de productos y que aquí es determinada desde un primer momento por la elección para el personaje principal de un actor tan recurrente dentro del spionistico como Roger Browne. Quizás por ello Argoman herede de los sosias de James Bond que su intérprete diera vida en Operación Mogador, Supersiete llama al Cairo o El gran dragón, espía invisible, entre otras, su carácter mujeriego, hasta el punto de que su único punto débil resida en sus encuentros íntimos con elementos del sexo contrario, momento tras el que pierde sus poderes por un periodo de seis horas. Así se lo recuerda constantemente su sirviente hindú Shandra, al que presta sus facciones nuestro Eduardo Fajardo, suerte de sosias del fiel Alfred de Bruce Wayne, en uno de los varios puntos en común existentes entre nuestro protagonista y Batman. De este modo, también Argoman en su vida pública es un multimillonario, en su caso un eminente criminólogo llamado Sir Reginald Hoover, que presta su ayuda a Scotland Yard, mientras que la coreografía de las escenas de lucha, en las que los rivales del protagonista salen despedidos al más mínimo contacto con este, remite de forma inequívoca al peculiar estilo acuñado por la coetánea serie televisiva sobre Batman protagonizada por Adam West.

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Además de beber de las fuentes típicas del estilo, la película tampoco pierde la ocasión de emular a algunos de sus más ilustres congéneres, de forma tanto explícita como implícita. Sin ir más lejos, las apariciones de la protagonista femenina, encarnada por la francesa Dominique Boschero, se erige en un auténtico desfile de modas, siguiendo lo visto en Barbarella, similitud que es acentuada por el parecido que el modelito que viste Jenabel durante su primer encuentro sexual con Sir Reginald tiene con uno de los lucidos por Jane Fonda en el film dirigido por su entonces marido, Roger Vadim. Precisamente, en esta misma escena se localiza un plano sospechosamente parecido a una de las imágenes más icónicas del Diabolik de Mario Bava; aquella en la que la pareja formada por Diabolik y Eva Kant (o lo que es lo mismo, John Phillip Law y Marisa Mell) son mostrados en vista cenital abrazados sobre una cama redonda, sustituyendo los billetes de dólares que cubren el cuerpo de los amantes en el plano original emulado por una manta atigrada. Por otra parte, siguiendo el canon impuesto por la interpretación que Louis de Funes hiciera del inspector Juve en la coetánea trilogía sobre Fantomas dirigida por André Hunebelle, no falta el paródico jefe de policía estúpido e inepto que funciona como contrapunto del supercriminal, y que es servido además por partida doble, siendo uno de ellos, para más inri, miembro de la policía francesa.

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Dentro pues del perfil formulario y derivativo que preside la propuesta, su aspecto más novedoso se encuentra en su intento por subirse al carro del cine sobre atracos perfectos que pusiera de moda un par de temporadas antes dentro de la industria italiana el film del antiguo actor Marco Vicario 7 hombres de oro. Una pretensión que tiene su muestra más significativa en el título escogido por sus responsables para bautizar la película, tanto por su alusión a la ejecución de un robo (en la práctica secundario dentro del desarrollo de la trama)[1], por cuanto la omisión en la denominación escogida del nombre de su superhéroe protagonista se aleja de lo que era norma entre el resto de integrantes del estilo. Debido a ello hubo incluso en algunos países, como en la propia Italia o España, en los que se optó por eliminar del cartel publicitario de la película cualquier referencia a la naturaleza superheroica del protagonista, con el evidente objetivo de hacerla pasar por una película de atracos perfectos al uso. Por cierto que, a tenor de lo expuesto, no se puede descartar que el constante cambio de vestuario que el personaje de la Boschero lleva a cabo a cada nueva aparición no se mire tanto en el pase de modelos ejecutado por Jane Fonda en Barbarella como apuntábamos antes, y lo haga, en realidad, en el protagonizado dos años antes por Rossana Podestà en la citada 7 hombres de oro.

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Si en sus aspectos, llamémosles, ornamentales, Asalto a la corona de Inglaterra no resulta demasiado original, lo mismo ocurre con sus modos narrativos. A grandes rasgos, su planteamiento pasa por repetir la receta recurrente en esta clase de productos. Es decir, una fotografía colorista, una estética kitsch, un ingenuo erotismo y un apreciable sentido del delirio, en su caso si cabe más acentuado. Nada nuevo, como cualquier conocedor del estilo podrá apreciar, pero que aquí destaca por la rara eficacia con la que es plasmada en imágenes. A conseguirlo contribuye una apreciable holgura de medios bastante por encima de la media, y que, junto al ya comentado desfile de modas de la Boschero, tiene su mejor reflejo en los trabajados decorados de la guarida de Argoman y su rival y amante. Pero, sobre todo, por la realización del firmante como Terence Hathaway, esto es, Sergio Grieco, uno de los mejores y más dúctiles artesanos con los que contó el cine italiano en el periodo, como atestigua su responsabilidad en cintas tan reivindicables como La regina dei tartari.

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Cierto es que su trabajo no se encuentra libre de defectos. Por ejemplo, es evidente que para ilustrar la supervelocidad de Argoman se recurre a acelerar la imagen, y su desarrollo argumental cae en no pocas incongruencias, de las que sobresalen las contradictorias propiedades que se dan al fantacientífico ingenio de turno que persigue la villana como medio para conquistar el mundo, el Muradoff, un gigantesco diamante que en un primer momento se dice que al proyectar cualquier luz sobre un objeto convierte a este maleable, ya esté compuesto de acero o de cualquier otra aleación, pero que, sin embargo, es empleado por Jenabel para dotar de vida a una legión de autómatas y hacerse con la voluntad de importantes personalidades. Eso por no hablar de la fuerte carga sexista de la que hace gala el conjunto y que, medio siglo más tarde, hará palidecer a los sufridos defensores de lo políticamente correcto –cf. sir Reginald eligiendo en un monitor televisivo entre un catálogo de bellezas con cuál de ellas va a darse un revolcón; la sorpresa que manifiesta al descubrir que es una mujer la que conduce el aerodeslizador que se encuentra frente a su casa; o, en fin, el método que utiliza para despistar al guardia que protege el camión al que pretende subirse, haciendo que su elegida “novia” se pasee semidesnuda frente al hombre–, por más que el concurso de los dos últimos elementos enumerados sean más achacables a la labor de los guionistas que a la realización de Grieco.

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Sea como fuere, tales imperfecciones son compensadas por las virtudes que atesora su realización, singularizadas por la homogeneidad de la que dota al conjunto pese a partir de ingredientes tan variopintos, la plasticidad y gusto que exhibe su composición de encuadres, y el sentido del ritmo que se deriva de la influencia ejercida a diferentes niveles por los viejos seriales, detectable tanto a niveles dramáticos, mediante la articulación de una trama episódica, como escénicos, con la invocación de varios momentos arquetípicos del formato, caso de la secuencia en la que Argoman corre por la parte superior de un tren en marcha, o aquella otra en la que libera a su maniatada novia de las garras de un robot gigante. Tampoco puede olvidarse un agradecido tono ligero y desenfadado que bascula entre lo (auto)irónico y lo sarcástico, patente en muchos de los ejemplos ya comentados, y que, junto a lo apuntado, hacen que el visionado de Asalto a la corona de Inglaterra se siga con simpatía, agrado y divertimento, en parte por el encanto naif que emana de sus imágenes, potenciado por el pegadizo tema principal a base de dabadas típicamente sixties de la banda sonora compuesta por Piero Umiliani.

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A modo de despedida, no podemos ppr menos que terminar llamando la atención sobre un par de singularidades. La primera alude al parecido que el traje de Argoman mantiene con el del marveliano Cíclope, en especial por el análogo visor que cubre sus ojos, circunstancia esta, no obstante, que con los datos en la mano se antoja fruto de la más pura casualidad. Creado por Jack Kirby y Stan Lee, el personaje de cómic haría su primera aparición en el número 1 de (The Uncanny) X-Men, publicado en septiembre de 1963, por lo que, dada la cercanía temporal y la lejanía geográfica, parece bastante improbable que los responsables de la película pudieran tenerlo en cuenta a la hora de diseñar el traje de su superhéroe, sobre todo si tenemos en cuenta que las aventuras de los X-Men no comenzarían a publicarse en Italia hasta comienzos de los años setenta. La otra curiosidad tiene que ver con la existencia de un prólogo en el que se narra un hecho mencionado posteriormente un par de veces durante el relato: el fusilamiento de Argoman a manos del ejército chino. Un fragmento incluido en algunas copias anglosajonas pero, sorprendentemente, ausente del montaje italiano, que es asimismo el que tradicionalmemte se a distribuido comercialmente hablando en nuestro país.

José Luis Salvador Estébenez

[1] A este respecto no se puede pasar por alto el parecido nada casual que su título original tiene con el que recibió en Italia la comedia de robos de William Wyler de un año antes Cómo robar un millón y…, Come rubare un milione di dollari e vivere felici. Una circunstancia que , dicho sea de paso, se dio en al menos otras dos películas italianas de ese mismo 1967, caso de la coproducción con España Cómo robar un quintal de diamantes en Rusia, derivada en Come rubare un quintale di diamanti in Russia, y de Come rubammo la bomba atómica, parodia de Franco Franchi y Ciccio Ingrassia dirigida por Lucio Fulci.