Repaso a la programación de CutreCon VI

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En la mañana de ayer el Cine de la Prensa situado en la Gran Vía madrileña acogió la presentación a los medios de la sexta edición de CutreCon, el Festival Internacional de Cine Cutre de Madrid. En el acto, el director del certamen, Carlos Palencia, desgranó los contenidos de una edición que dará el pistoletazo de salida el próximo 25 de enero y que a lo largo de cinco intensos días acercará a los espectadores que se acerquen hasta las distintas sedes del festival (el propio Cine de la Prensa, Auditorio del Centro Cultural de la Casa del Reloj y la sala Artistic Metropol) una selección de los peores musicales de la historia del cine junto a otros títulos de referencia como Troll 2, la considerada peor/mejor película de la historia del cine, que contará con la presencia de su director, Claudio Fragasso, durante la proyección.

En total, CutreCon VI ofrecerá 19 películas de todo tipo de géneros pero con uno de ellos como protagonista absoluto: el musical. Un género hoy más en boga que nunca gracias al reciente estreno de La La Land (La ciudad de las estrellas en España), film que ha obtenido recientemente siete Globos de Oro y se ha convertido en la indiscutible favorita para los Oscars. “Pero que nadie espere ver algo remotamente parecido a La La Land en CutreCon VI”, advirtió el director del festival. “Los musicales que vamos a proyectar sólo han obtenido un premio: el de mayor vergüenza ajena”. No obstante, Palencia propone a los espectadores un simpático juego: “Que vayan a ver La La Land estos días y luego se pasen a CutreCon VI a comparar. El contraste puede ser mortal…”.

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No obstante, en CutreCon VI no todo van a ser películas donde se canta (mal) y se baila (peor), sino que también hay hueco para propuestas como CineBasura: La Peli, que será la encargada de inaugurar esta sexta edición del festival el próximo miércoles 25 de enero a las 21:30 horas en el Cine de la Prensa. Dirigida por Paco Fox y Miguel Ángel Viruete, se trata del primer film español que homenajea al cine cutre, toda una “carta de amor” por la serie Z que sus creadores han convertido en una disparatada comedia. Y es que un argumento en el que dos videobloggers se meten por accidente en una mala película, y al salir se traen consigo todos los clichés que acompañan a ésta (micrófonos que aparecen de repente, fallos de raccord, monstruos de saldo y cromas de baratillo), no puede ser una película precisamente seria.

Proyectada en la pasada edición del Festival de Sitges, CineBasura: La Peli tenía que estar “obligatoriamente” en CutreCon VI, como afirma Carlos Palencia. “Que una película haga un homenaje al cine que se proyecta en este festival es como un sueño. Evidentemente, no la podíamos deja escapar”. La proyección contará con la presencia de su equipo artístico y técnico, donde destacan sus dos actores protagonistas junto al propio Paco Fox: Miguel Ángel Aijón y Natalia Álvarez-Bilbao. El film cuenta también con la presencia del cómico Agustín Jiménez y la estrella de cine porno Amarna Miller, entre otros rostros conocidos que la audiencia a buen seguro reconocerá en la pantalla. Y seguro que también por los altavoces, porque la inconfundible voz del famoso youtuber Zorman sonará en la que es la canción oficial del film, compuesta por él mismo.

CLAUDIO FRAGASSO, PREMIO ESLANG JESS FRANCO 2017

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Si alguien ha dirigido a lo largo de su carrera casi treinta películas, merece un respeto. Si ese alguien además s el responsable de la que para muchos es la considerada peor/mejor película de todos los tiempos, merece un premio. Y ese alguien es Claudio Fragasso, cineasta italiano cuya prolífica y variada filmografía abarca desde el terror de bajo presupuesto como Zombi 3, o westerns como Apache Kid, hasta filmes dedicados a la mafia italiana como Camino sin retorno o La banda. Pero si una película destaca entre todas ellas es Troll 2, un título de culto venerado en todo el mundo por los fanáticos del cine cutre, cuya fiebre por esta película tuvo su culmen en Best Worst Movie, documental que profundiza en el rodaje de la cinta y en las hordas de fanáticos que ha generado.

Con semejantes credenciales, los responsables de CutreCon VI tenían muy claro que este año el Premio ESLANG Jess Franco 2017 sería para Fragasso, quien vendrá a recoger su premio y a charlar con los espectadores el jueves 26 de enero a las 21:00 en el Cine de la Prensa, en la sesión doble dedicada al cineasta en la que se proyectará, claro, Troll 2 y Apocalipsis caníbal. Fragasso vendrá a Madrid acompañado de su esposa, Rossella Drudi, quien además es su pareja profesional, pues es guionista de casi todos sus títulos.

AUDITORIO DEL CENTRO CULTURAL DE LA CASA DEL RELOJ

El epicentro de CutreCon VI, al igual que en las pasadas cinco ediciones, será esta emblemática sede situada en el Matadero de Madrid (Paseo de la Chopera, 10). El Auditorio, que vio nacer al festival allá por 2011, será el encargado de ofrecer el grueso de la programación de CutreCon VI, proyectando hasta ocho películas en sesiones gratuitas.

El viernes 27 de enero será la tarde de los zombis en CutreCon Vi, pues a las 17:00 horas abre la jornada Nudist Colony of the Dead, un divertido musical donde hay muchos muertos vivientes y casi ningún desnudo. Su engañoso título ya debería justificar su visionado, pero es que además sus números musicales y sus pegadizas canciones levantarán al público de sus asientos.

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Y por si una buena ración de zombis bailarines no fuera suficiente, ahí está el programa #CineBasura de Movistar+ Xtra para saciar el apetito de los espectadores. El espacio, conducido por Paco Fox y Carlos Palencia, diseccionará en directo a las 20:30 horas, junto al mencionado youtuber Zorman, nada menos que el “clásico” House of the Dead, del controvertido director alemán Uwe Boll, quien recientemente ha anunciado, para alivio del séptimo arte y desgracia del público de CutreCon, su retirada del cine. House of the Dead es probablemente la peor adaptación de un videojuego de la historia (y ya es mucho decir), donde se combinan actores mediocres, un guion inexistente y una dirección tan demencial que se aconseja ver la película acompañado de una caja de Biodramina. Un título de culto que acompañado de los comentarios del trío Fox/Palencia/Zorman promete pasar a la historia de CutreCon como una de sus sesiones más divertidas y memorables.

El sábado 28 llega el día grande en CutreCon VI, pues a las 10:45 horas comienza el maratón de películas con la ya clásica sesión doble de cine infantil, donde los espectadores más madrugadores podrán descubrir dos “joyas” como La leyenda de los dinosaurios, todo un hito de la cinematografía, pues estamos ante la que es, sin ninguna duda, la peor película de dinosaurios jamás filmada; y Caperucita y Pulgarcito contra los monstruos, film mexicano en el que estos dos entrañables personajes de cuento cantan y bailan mientras se enfrentan a seres con disfraces ridículos y robots de cartulina.

A las 13:15, Zipi y Zape, los personajes del tebeo más queridos por varias generaciones de españoles (con permiso de Mortadelo y Filemón), toman la pantalla con su adaptación más demencial y descacharrante en Las aventuras de Zipi y Zape. Un musical cuyo visionado sí que supone toda una aventura, pues sus canciones, diálogos y puesta en escena supondrán todo un castigo para el público, que se verá recompensado con el glorioso clímax final de la película.

Tras un pequeño descanso para comer, llega a las 16:30 horas Hard Rock Zombies, el musical zombi definitivo en el que un grupo de heavy metal resucita de entre los muertos para triunfar con su atronadora música en un pueblo de mala muerte de Estados Unidos. Rock duro y mucha desvergüenza, aunque no tanta como la que propone La isla de los pigmeos  sangrientos, que a las 18:15 hará desfilar por la pantalla del Auditorio toda una serie de aberraciones que pretenden dar miedo, pero que provocarán un ataque de risa con sus efectos especiales caseros.

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Y como colofón de la tarde, llega a las 20:25 horas una de las propuestas más exóticas y surrealistas que jamás se haya proyectado en CutreCon: BCN Knockout. Este film de artes marciales indio, con escenas de lucha coreografiadas por los responsables de la saga Ong Bak, tiene la particularidad de haber sido rodado íntegramente en Barcelona, con lo que no sólo podremos distinguir algunos de los monumentos más emblemáticos de la ciudad condal, sino que escucharemos como banda sonora algunos clásicos de la rumba catalana.

SESIONES GOLFAS

Por si pasar todo un día viendo las peores películas que existen no fuera suficiente, CutreCon VI ofrecerá a los espectadores más valientes sendas sesiones golfas al terminar las jornadas del viernes 27 y el sábado 28 respectivamente, a las 23:30 horas en el Cine de la Prensa.

La primera de ellas, el viernes 27, es el show ‘Cine para Chicas y maricas’, el espacio en el que Julián Almazán (TeenageThunder.com) y Jimina Sabadú (guionista de Faraday), rinden un sincero homenaje al cine dedicado al público femenino y homosexual con el que creció la generación de los 70 y los 80. Para celebrar la unión del espectáculo con CutreCon VI, Almazán y Sabadú han elegido el mítico musical The Apple, una horterada llena de melenas, cardados, vestuario chillón y mucha caspa, todo ello acompañado de números musicales ridículamente divertidos.

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Pero sin duda, la propuesta más loca, desenfrenada, bizarra y absurda de CutreCon VI es Action Jackson, que culminará la jornada del sábado. Este film de Bollywood, rodado con un presupuesto multimillonario, está protagonizado por Ajay Devgn, el conocido como “Chuck Norris indio”, toda una estrella de acción del país asiático. Tiroteos, persecuciones, acción delirante rodada con un sinfín de cámaras, artes marciales… junto a escenas de amor que hacen que un culebrón de sobremesa parezca escrito por Shakespeare. Y cómo no, entre patada y patada, una buena escena en la que los protagonistas cantan y bailan. Su tráiler no deja lugar a dudas: estamos ante un clásico instantáneo del cine, que CutreCon VI trae a Madrid gracias a la colaboración del Festival Nits de Cinema Oriental de Vic.

DOCUMENTRASH Y CASIOTÓN

La guinda de CutreCon VI la ponen en la jornada de clausura dos propuestas tan dispares como divertidas. Por un lado, tenemos “Documentrash”, sesión dedicada al cine documental en torno al cine cutre que tan buena acogida tuvo la pasada edición. Este año, llega a la sala Artistic Metropol (Calle de las Cigarreras, 6) a partir de las 11:30 con una sesión doble que los más cinéfilos no deben perderse.

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En la premiere europea de Doomed! descubriremos los secretos del rodaje de Los 4 Fantásticos de Roger Corman. Basada en el cómic de Marvel, esta adaptación chapucera y filmada a toda velocidad sin ton ni son para que la productora no perdiera los derechos de la historieta, jamás fue estrenada en un cine. Algo que sabían que ocurriría sus máximos responsables (incluido Corman), pero desconocían tanto el reparto como el equipo técnico de la película.

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A las 14:30 horas, llega Remake, Remix, Rip-Off, que bucea en la industria del cine turco, que durante la década de los 70 y 80 del siglo pasado se dedicó a copiar sin escrúpulos (y sin derechos, claro), los grandes éxitos de Hollywood. Así, personajes como E.T., Rocky, Superman o la niña de El exorcista tienen su alter ego turco, bastante más lamentable, pero mucho más divertido. El documental profundiza en este fenómeno, que en la actualidad cuenta con millones de adeptos que se reúnen a lo largo de todo el planeta para mofarse de estas versiones de saldo, cuyo culmen es Dunyayi Kurtaran Adam, la conocida como “el Star Wars turco”, un film en el que se roban por la cara planos de la película original de George Lucas, mientras suena la banda sonora compuesta por John Williams… para Indiana Jones.

Cerrará CutreCon VI la maratón final de cuatro películas, que como viene siendo habitual se desarrolla íntegramente en la sala Artistic Metropol. En esta sexta edición, el nombre que los responsables de CutreCon le han dado no podría ser más apropiado: Casiotón. Y es que los cuatro títulos que se van a proyectar tienen mucho Casiotone, el mítico teclado electrónico que hizo furor en la década de los 80 y del que el cine de serie Z es deudor.

Abrirá la Casiotón el estreno europeo de El hombre excedente interplanetario y las mujeres amazonas del espacio exterior, el homenaje al cine de bajo presupuesto que Sam Firstenberg (Premio Jess Franco 2016), realizó a comienzos del siglo XXI para reivindicar un tipo de cine que ya no va a volver. Y la propuesta no podía haberle salido mejor, pues es todo un homenaje… y un despropósito. A ésta le sigue Cenicienta 2000, adaptación (demasiado) libre del clásico cuento, en lo que es un musical erótico que combina ciencia-ficción y escenas picantes, a cada cual más hilarante.

Pero sin duda, la estrella de la Casiotón es Golimar: The Movie, film indio que, por primera vez, podrá verse en cine gracias a Trash-O-Rama Distribución, que ha proporcionado el remontaje internacional hasta ahora inédito en nuestro país. Golimar, protagonizada por Megastar Chiranjeevi, una de las mayores estrellas del cine indio, contiene la versión hindú del archiconocido videoclip Thriller de Michael Jackson, cuyas visitas en Youtube se cuentan por millones.

Por último, el Premio ESLANG Jess Franco 2017, Claudio Fragasso, pone el broche final de CutreCon VI con Monster Dog, una coproducción entre Estados Unidos y España rodada en Madrid y protagonizada por la estrella de rock Alice Cooper, al que veremos enfrentarse a sanguinarios hombres lobo, acompañado de mitos del cine fantástico patrio como Victoria Vera y Emilio Linder.

ENTRADAS YA A LA VENTA

Las entradas para las distintas películas, maratones y sesiones de CutreCon ya están disponibles en los enlaces habilitados de la web oficial del festival, Cutrecon.com. Asimismo, las invitaciones para las proyecciones del Centro Cultural de la Casa del Reloj sólo podrán ser retiradas el mismo día en el propio recinto, tal y como se explica en cutrecon.com/entradas.

Published in: on enero 19, 2017 at 7:33 am  Dejar un comentario  
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…Y Dios dijo a Caín

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Título original: E Dio disse a Caino… / Satan der Rache

Año: 1970 (Italia, República Federal Alemana)

Director: Antonio Margheriti

Productores: Giovanni Addessi, Peter Carsten

Guionistas: Antonio Margheriti, Giovanni Addessi

Fotografía: Riccardo Pallottini, Luciano Trasatti

Música: Carlo Savina

Reparto: Klaus Kinski (Gary Hamilton), Peter Carsten (Acombar), Marcella Michelangeli (Maria), Antonio Cantafora [acreditado como Michael Coby] (Dick Acombar), Giulianno Raffaelli (Dr. Jonathan), Guido Lollobrigida [acreditado como Lee Burton] (Miguel Santamaria), Luciano Pigozzi [acreditado como Alan Collins] (Francesco Santamaria), Lucio De Santis (Jim), María Luisa Sala (Rosy), Joaquín Blanco (Frank), Marco Morelli (Sacerdote), Giacomo Furia (Juanito), Furio Meniconi (Mike), Luigi [Gigi] Bonos (Joë), Franco Gulà, Ettore Arena, Paul Costello, Alberigo Donadeo, Pedro Mendiconi, Osiride Pevarello, Renzo Pevarello, Amerigo Santarelli…

Sinopsis: Después de una condena de diez años de trabajos forzados por un crimen que no cometió, Gary Hamilton es liberado gracias a una amnistía gubernamental. El hombre que lo acusó injustamente, Acombar, se ha convertido en ese tiempo en un tirano local que cuenta con un ejército de hombres para protegerlo. Hamilton espera a que anochezca y llegue a la ciudad un tornado para llevar a cabo su venganza contra Acombar. Éste a su vez, y conocedor gracias a su hijo Dick de la llegada de Gary, ordena a su ejército de pistoleros que acaben con él.

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A comienzos de la misma década en la que nos regalara cócteles genéricos tan sugestivos como pudieran ser los casos de El kárate, el colt, y el impostor (divertida e imposible mezcla entre spaghetti western, el por entonces emergente kung fú y la comedia picante), y Por la senda más dura (mixtura esta vez de blaxploitation y western all’italiana, también con su toque de cine de artes marciales), Antonio Margheriti realizaría esta Y Dios dijo a Caín, que justamente representaría el polo opuesto, tanto en el fondo como en la forma, de las películas de la exitosa saga de Trinidad protagonizadas por Bud Spencer y Terence Hill, variante cómica del spaghetti que, ese mismo año 1970, se consolidaba como la más popular y novedosa formula a través de la cual poder seguir exprimiendo el ya por entonces maltrecho, y necesitado de nuevas ideas para su renovación, subgénero.

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Protagonizada por un Klaus Kinski que, alejándose de manera significativa de los roles que habitualmente acostumbraba a interpretar dentro del género (sádicos cazarrecompensas, revolucionarios místicos, rencorosos jorobados…), encarnaba en esta ocasión lo más cercano a un hierático (anti)héroe que un actor de su fisonomía y temperamento pudo alguna vez llegar a soñar. Y aunque quizás el hecho de poner al frente del reparto a un actor tan asociado al rol de villano como lo era Kinski puede llegar a parecer una elección inadecuada, en realidad no lo es tanto si tenemos en consideración la naturaleza última del proyecto. En esta ocasión Margheriti, y más que abordar la variante crepuscular que por aquellos años ya iba exigiendo el obvio agotamiento del subgénero (como, por ejemplo, lo harían las posteriores Keoma y Los cuatro del apocalipsis), se hace patente sin embargo en Y Dios dijo a Caín su intención de ofrecernos un western de claras reminiscencias góticas, llevando tanto narrativa como estéticamente a los paisajes de la frontera los logros que ya alcanzara en la década de los 60 con obras como Danza macabra, I lunghi capelli della morte o El justiciero rojo, logrando así dejar su inconfundible impronta en el cine del Oeste allí donde otros directores con mucho más talento habían fracasado en cambio de manera evidente, como pudiera ser por ejemplo el caso de Mario Bava con su impersonal y decepcionante Roy Colt y Winchester Jack.

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De todas formas, fue la logística de la producción la que transformó en última instancia a este film en un western de horror gótico. …Y Dios dijo a Caín se filmó en Roma en los mismos escenarios y al mismo tiempo que otra película de Sergio Corbucci (El especialista). De esta manera, mientras que la película del director de Django se rodaba durante el día, Margheriti y su equipo sólo podían trabajar por las noches, por lo que se vieron obligados a reescribir el guión con el fin de adecuarlo a la nueva coyuntura. Debido a esta peculiar circunstancia el director romano consigue dotar de una serie de inesperados y distintivos valores a un film construido por otra parte alrededor del arquetípico relato de venganza mil veces contemplado dentro del spaghetti, y esto lo consigue tanto inflamando a su máximo potencial las características más trágico-melodramáticas que pudieran derivarse de su tan simple como efectivo libreto, así como rodeando a sus personajes de la iconografía inconfundible y consustancial a la variante gótica del cine de género italiano.

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Así las cosas, y gracias a la condición de terrateniente del villano incorporado por Peter Carsten, el director se encuentra con la excusa perfecta a la hora de decorar los interiores de su mansión a base de espejos, candelabros, lujosos cortinajes y hasta un piano de cola, a la vez que incide aún más si cabe en esta imaginería tenebrista en lo referente a la ambientación de las húmedas catacumbas, pasadizos secretos y minas abandonadas por las que se va moviendo el personaje de Kinski, con el objeto de ir dando buena cuenta de las tres decenas de hombres que conforman el ejército personal de Acombar.

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Curiosamente, en el año 1971 el mismo equipo de esta …Y Dios dijo a Caín (Margheriti a la dirección, Giovanni Addessi como productor y guionista, y Klaus Kinski y Peter Carsten entre sus intérpretes) afrontaría la realización de una suerte de remake de Danza macabra titulada La horrible noche del baile de los muertos, film ya perteneciente al cien por cien al género gótico-terrorífico en el que Kinski encarnaba nada menos que a Edgar Allan Poe.

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En la práctica nos encontramos por lo tanto ante un western de marcados rasgos fantasmagóricos, incluso se podría decir que abstractos si tenemos en cuenta su minimalismo y simpleza estructural, tomando su director la sorprendente decisión de traspasar la obsesión de vendetta del protagonista al ritmo de la reiterativa, machacona pero fascinante narración del propio film, a través de una historia que – y para añadir aún más peculiaridades a la lista – se desarrolla durante sus últimos sesenta minutos en horario nocturno, en tiempo real y con la presencia omnipresente del ataque de un tornado, así como del desquiciante tañido de la campana de la iglesia del pueblo. Elementos estos que, combinados, logran dotar a las imágenes de una atmósfera única, a medio camino entre lo apocalíptico y lo espectral, a lo que también habría que sumar la índole casi sobrenatural que el grupo de pistoleros (así como el propio Margheriti) otorgan al personaje de Kinski: un sujeto que, si bien se termina revelando de carne y hueso, no se puede negar que en algunos momentos, y gracias a eso tan poco preciso que se ha dado en llamar “la magia del cine”, logra desafiar claramente las más básicas leyes de la física.

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Como colofón a su western de connotaciones más lúgubres, y para evidenciar aún más si cabe su voluntad de estilo, Margheriti nuevamente insiste en la canónica representación de la imaginería gótica a través de un clímax a lo La caída de la casa Usher, escenario a su vez del memorable duelo entre los dos antagonistas, situado en una estancia llena de espejos y equivalente por lo tanto de la célebre escena homóloga de La dama de Shanghai, a la vez que antecede en su juego de confusión y falsas apariencias el magnífico showdown final del mítico film de Bruce Lee Operación Dragón. Film pues infinitamente más atmosférico que narrativo, sin más subterfugios, adornos o subtramas en su historia que la pura y dura venganza que su obcecado protagonista ejerce de manera implacable durante buena parte de su metraje, …Y Dios dijo a Caín es un título que, de forma tan incomprensible como injusta, raramente se suele citar a la hora de confeccionar las listas de los más destacados representantes del (sub)género, cuando lo cierto es que es una de las más atractivas, compactas e insólitas piezas que nos legó el fenómeno del western mediterráneo en sus más decadentes y postreros años.

José Manuel Romero Moreno

Desvelada la programación completa de la 1ª edición de “Paura”

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Paura, el nuevo Festival Internacional de Cine de Terror de Valencia, ya ha desvelado la identidad de los once largometrajes que conformarán la Sección Oficial en este apartado de su primera edición que, como es sabido, se celebrará entre los próximos 20 y 28 de enero. Así, a los ya conocidos Capture Kill Release, Presagio y La fosa, se le unen My Little Sister, Nialang, Vampyres, el remake del clásico de José Ramón Larraz Las hijas de Drácula dirigido por Víctor Matellano, Condado Macabro, She’s Furious, Le Scaphandrier, Carbon Copy y Huldra, Lady On the Forest, film protagonista de la gala de inaugural de este viernes 20.

MY LITTLE SISTER (2016, Italia), dirigida por Maurizio Del Piccolo y Roberto Del Piccolo.

Cuando Igor era joven, perdió a su padre debido a su pequeña hermana. Él crecerá tratando de encontrar su propia manera de dar una nueva cara a su pasado.

NIALANG (2015, Filipinas), dirigida por Pedring López.

El agente de la división de crímenes especiales de la NBI, Tony, se encuentra con una entidad malvada que está empeñada en matar y torturar a mujeres hermosas. Se piensa que el espíritu, que ha matado a mucha gente en Japón, está apuntando a mujeres de un cierto clan de samurai. En Manila, Miyuki se encarga del negocio familiar mientras su hermana menor está cuidando a su padre envejecido. Miyuki se verá obligada a ayudar en la investigación sobre estos terroríficos asesinatos.

CAPTURE KILL RELEASE (2016, Canadá), dirigida por Nick McAnulty y Brian Allan Stewart.

Una pareja se pone de acuerdo para asesinar a un desconocido al azar  simplemente por la emoción del momento. Las cosas se ponen feas cuando uno de ellos decide cambiar de opinión.

VAMPYRES (2015, España), dirigida por Victor Matellano.

Un grupo de jóvenes artistas acampan en un bosque junto a un lago. Hasta la zona llega también un hombre joven con un oscuro pasado. Es una zona en la que está desapareciendo gente. La clave estará en un misterioso caserón cercano, en el que habitan dos extrañas mujeres…

Ganadora a Mejor Película y Mejor Fotografía, a cargo de Daniel Salas Alberola en el Festival Horrorant de Atenas.

CONDADO MACABRO ( 2015, Brasil), dirigida por Marcos De Brito y André de Campos Mello

Un payaso cubierto de sangre se sostiene con las manos esposadas dentro de una celda en una comisaría de policía. El sospechoso está siendo interrogado sobre el horrible crimen que tuvo lugar en una mansión aislada. La casa, alquilada por un grupo de jóvenes amigos que buscaban algo de diversión durante el largo fin de semana, ha sido escenario de una masacre. Mientras tanto, un sádico granjero recorre el campo vecino buscando carne fresca para alimentar a sus animales… Inspirado en las películas del slasher de los años 80 Condado macabro es un film de humor oscuro y suspense.

PRESAGIO (2015, Argentina), dirigida por Matías Salinas.

Un joven escritor traumatizado por la muerte de su esposa y su hijo, describe sus inquietantes experiencias a un psiquiatra cuando un misterioso hombre, que se esconde bajo un paraguas, lo obliga a terminar su dolorosamente autobiografía sin importar el costo de sus consecuencias.

Premio Mejor Película Fantástica Latinoamericana en el Nocturna, Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid.

LA FOSA (2016, España), dirigida por David González Rudiez.

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Durante seis noches, durante casi dos años, acompañamos a un hombre que cada determinado tiempo tiene la necesidad de matar. No sabremos nada de él entre cada noche. Un simple corte a negro separa cada muerte. Se trata pues, del retrato fragmentario de un asesino en serie.

SHE´S FURIOUS (2016, Canadá), dirigida por Juan José Cea.

Nathalie tiene 26 años de edad y su vida es un tanto monótona. ¡Un día, como regalo, su abuelo le da la bicicleta más moderna del año! Por desgracia, no la podrá disfrutar por mucho tiempo. Es entonces cuandoNathalie decide vengarse. Cuchillo en mano se convertirá en un brutal anti-héroe sin piedad. Ella se convertirá en NATH FURIOUS.

Ha sido premiada con el premio a Mejor Actriz y Mejor Director de Fotografía en Euro Film Marbella de España.

LE SCAPHANDRIER (2015, Canadá), dirigida por Alain Vezina.

Un barco ha sido encontrado a la deriva con su equipo masacrado en la costa de Gaspé… Al intentar averiguar lo ocurrido, un ambicioso periodista y un joven bibliotecario, descubren que un coleccionista de objetos marítimos con dudosas intenciones puede estar vinculado a esta terrible historia.

CARBON COPY (2016, Canadá), dirigida por Michael Dragnea.

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Un descontento guardia de un parque de Michigan se ve involucrado en una historia de terror, tras de descubrir y activar accidentalmente una máquina militar misteriosa… una máquina con el poder de crear clones. Sólo hay un problema. Estos clones sólo saben cómo matar, y Ben, nuestro solitario guardia, debe hacer frente a sus demonios más oscuros para escapar, trayendo una fría y solemne verdad : Puedes correr, pero no te puedes esconder de ti mismo.

HULDRA. LADY OF THE FOREST (2016, Suecia), dirigida por Ove Valeskog.

Nanna vive una vida solitaria en Berlín. Su vida pega un giro cuando recibe una llamada de su amor de pasado, Martin, quien le recuerda su despreocupada infancia. Éste quiere que se una en una caminata por el desierto con algunos de sus amigos de infancia. Uno de ellos, Peter, ha sido informado de una extraña sociedad hermética peligrosa instalada en el bosque. A medida que se adentran más y más en él, los misteriosos acontecimientos comienzan a desestabilizar la dinámica del grupo.

Junto con los integrantes de su Selección Oficial de largos, la organización de Paura también ha dado a conocer cual será su programación, destacando la sesión que tendrá lugar el sábado 21 a partir de las 22 horas con la proyección especial del clásico de culto Escalofrío (1978), junto al documental de Luis Esquinas Satan’s Blood. Recuerdos de escalofrío que rememora a través de los testimonios de varios de sus protagonistas los pormenores de la realización y el impacto del film dirigido por Carlos Puerto. El programa íntegro puede consultarse pinchando en el siguiente enlace: http://paurafilmfestival.com/#programa

Published in: on enero 16, 2017 at 6:50 am  Dejar un comentario  

Entrevista a David Pizarro y Diego López, directores del documental “Herederos de la bestia”

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A estas alturas no cabe duda de la importancia como punto de inflexión que El día de la bestia ha ejercido en el devenir del cine fantástico patrio de las últimas tres décadas. Su estreno en 1995 oficializaría de algún modo la recuperación a nivel industrial y popular del género tras años de marginación y desprecio por parte de los estamentos oficiales. No solo eso, sino que, tras el ensayo general que había supuesto en este sentido su ópera prima, Acción mutante, con ella Álex de la Iglesia mostraba el camino a seguir a las nuevas generaciones de cineastas a la hora de abordar el género, dando el pistoletazo de salida a la que, con todo derecho, ha sido la edad dorada del cine fantástico español, con permiso de la primera mitad de los años setenta.

De su impacto y de lo que en su momento supuso la aparición de El día de la bestia se ocupa Herederos de la bestia, el nuevo trabajo de David Pizarro y Diego López. A través de los testimonios de varios de sus protagonistas el documental reconstruye cuál fue la gestación del proyecto y todo lo que lo rodeó, al tiempo que calibra el porqué de su importancia histórica y explica los motivos que lo hacen un film tan especial de la mano de críticos y cineastas. Tras su puesta de largo a escala mundial durante la última edición del Festival de Sitges, Herederos de la bestia se encuentra actualmente iniciando su recorrido por el circuito de festivales, previo a su ya cerrado estreno en salas comerciales.

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Herederos de la bestia supone vuestro tercer trabajo conjunto tras el también documental Los perversos rostros de Víctor Israel y el libro Silencios de pánico, todos ellos hermanados por poner su foco de atención en mayor o menor medida sobre la historiografía del cine fantástico español. ¿A qué se debe esta especialización? ¿Es algo premeditado?

Diego López: Cero premeditación, y hablo por los dos. Tanto David como yo siempre hemos sido seguidores del cine fantástico y de terror español desde muy jóvenes. Nuestros fanzines, y los trabajos que citas, nacen de la pasión, pero con un alto grado de reivindicación hacia un cine vilipendiado durante muchísimos años. Sus películas, directores, actores y actrices no se merecen lo que a veces, desde su propio país, se ha dicho o escrito acerca de ellos.

David Pizarro: Aunque también nos gusta otro tipo de cine, nuestra pasión es el fantástico español y estos trabajos que comentas suponen nuestro granito de arena a esa reivindicación hacia este cine tan desprestigiado y/u olvidado por algunos sectores.

En los seis años transcurridos desde que rodasteis Los perversos rostros de Víctor Israel hasta este Herederos de la bestia el formato documental consagrado a la temática ha experimentado en nuestro país un auge considerable, siendo cada vez mayor el número de trabajos realizados, lo que contrasta con la paupérrima situación que se vivía hace no mucho tiempo. Vosotros, que de algún modo habéis vivido esta evolución desde dentro, ¿cuáles pensáis que son las causas que han motivado este cambio?

D.L.: Como decía en mi anterior respuesta, creo que hemos entrado en una fase de reivindicación de un género repleto de grandes films y una cinematografía con nombres ilustres, que fuera de nuestras fronteras se ha tratado con mucho cariño y aquí, diversas voces a lo largo de los años se han centrado en destruir en vez de estudiar y valorar. Pienso que podría ser una de las razones de mayor peso. Como ejemplo, la figura de Álex de la Iglesia, una parte importante de Herederos de la bestia, que en España se le sigue viendo como un freak pero fuera es considerado un autor, ¡que lo es!, donde con algunas de sus películas ha llegado a ganar incluso festivales tan importantes como el de Venecia, como fue el caso de Balada triste de trompeta en la edición del 2010.

D.P.: El interés del público es el que marca las tendencias. Durante los últimos años se ha experimentado una demanda de este tipo de productos. El espectador anhela descubrir ciertos aspectos ocultos de algunos films emblemáticos, realizadores de culto o géneros subterráneos.

Entrando ya a hablar de lleno de Herederos de la bestia, ¿qué os ha llevado a decantaros por El día de la bestia para dar forma a vuestro nuevo documental?

D.L: Sin duda, nuestra admiración hacia la película de Álex; y el significado que ha tenido para diversas generaciones, siendo la piedra angular del fantástico contemporáneo de nuestro país. Una visión que está muy presente en el documental, gracias a las voces de muchos realizadores que ven en Álex y en su cine una nueva vía de realizar género en España tras el declive que había sufrido en los años ochenta.

D.P.: Tras realizar Los perversos rostros de Víctor Israel, mantuvimos diversas charlas para plantearnos realizar un nuevo documental. Entre distintas propuestas que surgieron, hablamos de hacer uno sobre el cine de terror español contemporáneo, lo cual cayó por su propio peso al ser algo difícil de condensar en noventa minutos. Siempre que hablábamos del proyecto nos venía una película a la mente como punto de partida de toda esa hornada de realizadores que se adentraron en el fantástico en los últimos años. Ese film en concreto es El día de la bestia, el cual puso de manifiesto que en nuestro país el cine fantástico y la comercialidad no estaban reñidos, además de dar el pistoletazo de salida para una nueva manera de entender el cine de terror. La lógica nos llevó a centrar el documental en el film de Álex.

El equipo de "Herederos de la bestia" posando junto a Álex de la Iglesia en un descanso del rodaje del documental.

El equipo de “Herederos de la bestia” posando junto a Álex de la Iglesia en un descanso del rodaje del documental.

Ya desde su título, uno de los aspectos que pone de relieve Herederos de la bestia es la importancia que su objeto de estudio ha tenido en el devenir del último cine fantástico español. ¿Cómo la tasáis, y cuál pensáis que ha sido su influencia en los films fantásticos españoles que han venido después?

D.L.: Pienso que la fuerza de El día de la bestia reside más en la capacidad de la cinta y de su autor, ¡ahí está la influencia de la película! Pero no en films posteriores que surgen a raíz del citado título… Me atrevería a decir que Acción mutante, la opera prima de Álex, dejó más poso en nuestro país, ya que a partir de ahí surgen films como Atolladero o Supernova.

El día de la bestia traza un camino, una nueva línea a seguir, donde la industria y los espectadores se reencuentran con el fantástico, avalan la segunda y determinante película de Álex, y una nueva generación de realizadores ve una puerta abierta hacia el género.

D.P.: Más que una influencia directa por tratamiento, El día de la bestia fue el punto de mira de la generación coetánea y posterior a Álex, quien allanó el camino para que esa nueva hornada de realizadores se convenciera de que sus sueños de plasmar fantasía y terror en el celuloide no era una quimera.

Para ilustrar esta aludida influencia ejercida por El día de la bestia en generaciones posteriores, aparte del equipo de la película y gente de su entorno, habéis contado con la presencia de cineastas como Jaume Balagueró o Paco Plaza. ¿Qué criterios seguisteis a la hora de buscar estas voces externas?

D.L.: Justamente esa generación de los noventa, donde también podríamos incluir a Nacho Cerdà, que el cine y la figura de Álex les empuja a debutar en el largometraje y coger el testigo. El ejemplo lo tenemos en Balagueró, que hacia finales de los noventa debuta con Los sin nombre con un enorme éxito, dando una clara muestra de que el terror podía volver a situarse en lo más alto. Posteriormente llegaría J. A. Bayona, Nacho Vigalondo, Eugenio Mira… que con sus propuestas continuarían con la labor de expandir el fantástico a nivel mundial.

D.P.: Deseábamos plasmar esa influencia con las voces más importantes del momento. Balagueró, Cerdà y Plaza son pesos pesados de nuestro fantástico contemporáneo, pero para ser sinceros, sí que nos hubiese gustado contar con alguna voz más, como Alejandro Amenábar o Daniel Monzón, con quienes llegamos a contactar y se interesaron bastante en participar en el proyecto, pero por problemas de agenda fue del todo imposible.

En este sentido, Herederos de la bestia no se queda únicamente en el típico documental sobre los pormenores de la realización de la película, sino que también os ocupáis de calibrarla desde un punto de vista crítico e historiográfico. Ni qué decir tienen que en esta visión tiene que ver, y mucho, vuestros orígenes como escritores cinematográficos…

D.L.: Teníamos muy claro, tanto David como yo, que debíamos entrar en la película a todas sus áreas. Desmenuzar la cinta con sus protagonistas; indagar en sus entrañas; buscar opiniones de gente externa a la producción; y situar la cinta en su lugar.

D.P.: Efectivamente, ya que el documental se centraba en el film de Álex, teníamos claro que debíamos indagar en todos sus aspectos. La visión crítica que nos aportan Ángel Sala o Quim Casas resulta imprescindible para entender tanto la situación caótica que vivía nuestro país en lo referente al cine fantástico antes de la irrupción de El día de la bestia, como todos los referentes de los que bebe el film.

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Siguiendo con lo comentado, antes de entrar a hablar de El día de la bestia hacéis un recorrido por la carrera previa de Álex de la Iglesia a fin de poner a los espectadores en antecedentes. ¿Se os pasó en algún momento por la cabeza cambiar el enfoque de vuestro trabajo y ocuparos de toda la filmografía del cineasta bilbaíno?

D.L.: Nunca pensamos en hacer un documental sobre la vida y obra de Álex, ¡algo que me encantaría poder ver algún día! Pero trazar durante el inicio del documental cómo llega Álex a El día de la  bestia nos parecía esencial. Sobre todo para poner al espectador en situación. Y ahí tuvimos la suerte de contar con dos maravillosas personas como son los realizadores Enrique Urbizu y Pablo Berger. Parte de esa comitiva euskaldun que aterriza en Madrid para realizar cine.

D.P.: No se nos pasó por la cabeza, pero no estaría de más ver un documental así. Nosotros queríamos hacer otra cosa diferente a un documental sobre la filmografía del cineasta bilbaíno.

Desde un punto de vista formal, Herederos de la bestia es un documental muy clásico, lo que resulta un tanto singular en estos tiempos en los que este tipo de títulos recurren a otras herramientas como el juego ficcional, por poner un ejemplo…

D.P.: Es posible que a primera vista sea un documental clásico, de “bustos parlantes”; es cierto que, a medida que avanzaba el proyecto, nos fuimos planteando utilizar otros recursos, como la recreación o el juego ficcional; incluso planteé rodar un cortometraje que iríamos injertando en el documental simulando las escenas que Álex y compañía no llegaron a rodar, pero finalmente, por diferentes motivos, fuimos descartando estas opciones. Aunque si profundizas un poco más en nuestro trabajo, advertirás que hay una serie de elementos que no son fruto de la casualidad y que otorgan un sutil toque de “modernidad”. Por ejemplo: El día de la bestia se promocionó como “una comedia de acción satánica”. Nosotros quisimos incluir estos tres elementos definitorios en nuestro documental. Así, es evidente que hay muchos momentos de humor con las anécdotas descacharrantes que nos explican Santiago Segura, Armando de Razza…; la acción la encontramos en el trepidante ritmo que hemos querido imponer y, por último, la banda y efectos sonoros, con esos “pasos demoníacos” que son un recurso cíclico, junto con la atmósfera aportan ese toque de “horror” necesario.

D.L.: También añadiría su look, donde buscábamos ese tono oscuro que tiene El día de la bestia y que, gracias al trabajo de Albert Calveres, director de fotografía, hemos logrado materializar en el documental.

A propósito, ambos procedéis del mundo del fandom, por lo que en principio no ocurre como en otros casos de parejas de directores en los que los roles parecen estar más definidos y uno se ocupa de la parte historiográfica y otro de la técnica. ¿Cómo os repartís las funciones?

D.L.: Ambos hemos realizado de todo: contactar con los entrevistados, confeccionar las entrevistas, clasificar los materiales que necesitábamos, visionar una y otra vez el documental… pero todo de forma natural, tal y como iba llegando el trabajo se iba desarrollando. Digamos que no ha habido ningún tipo de jerarquía o repartición  a la hora de trabajar.

D.P.: Aunque no ha habido jerarquías, como es natural en estos casos que cuatro manos hacen un trabajo, en algunos momentos discrepamos con alguna idea del uno o del otro, pero todo llegó a buen puerto. Diego y yo nos conocemos hace años y nos entendemos muy bien.

Entre los testimonios que se dan cita en el documental se encuentra el del lider de Def Con Dos, César Strawberry, grupo responsable del tema principal de la banda sonora de "El día de la bestia".

Entre los testimonios que se dan cita en el documental se encuentra el del lider de Def Con Dos, César Strawberry, grupo responsable del tema principal de la banda sonora de “El día de la bestia”.

Dados los muchos entrevistados con los que cuenta el documental, supongo que la labor de edición ha debido de ser una tarea ardua y compleja…

D.L.: Aquí tendría que contestar Albert Calveres, también montador del documental. A partir de nuestras indicaciones y visiones acerca del documental que David y yo teníamos en la cabeza, Alberto iba dando forma a la pieza, aportando, lógicamente, su experiencia e ideas. Y finalmente nos encontramos con un documental muy sólido e interesante.

D.P.: La edición fue una tarea larga y compleja. Al tener las entrevistas, fuimos rescatando las declaraciones que nos interesaban a partir de la idea y del guion que hicimos, haciendo como un puzle, donde cada pieza debía encajar a la perfección. A partir de ahí, nuestras indicaciones fueron seguidas por Albert, quien se pegó la currada del siglo montando (y aportando también ideas durante la marcha) para que todo encajara a la perfección.

¿Los testimonios recogidos hicieron que variarais la idea que teníais inicialmente prevista?

D.L.: No. Justamente los testimonios que aparecen en el documental fueron seleccionados por nosotros, así que todo siguió la pauta marcada por ambos.

D.P.: Ten en cuenta que antes de ponernos a entrevistar a nadie, hicimos una ardua labor de investigación para empaparnos del film y conocer todos sus pormenores, y así encaminar las entrevistas hacía donde queríamos. Por ejemplo: las anécdotas del vértigo de Armando de Razza o la opción de querer contratar a Javier Bardem en lugar de Santiago Segura ya lo conocíamos. Todo era cuestión de formular las preguntas adecuadas a cada entrevistado.

Diego y David flanqueando a Terele Pavéz durante la presentación de "Herederos de la bestia" en el Festival de Sitges.

Diego y David flanqueando a Terele Pavéz durante la presentación de “Herederos de la bestia” en el Festival de Sitges.

Herederos de la bestia tuvo su premier mundial durante el pasado Festival de Sitges. ¿Cómo fue la experiencia?

D.L.: ¡Maravillosa! Poder estrenar el documental en el marco del SITGES 2016, y además junto a una de sus protagonistas, la actriz Terele Pávez, fue inolvidable. Y al acabar, ver que a todo el mundo le había encantado, ¡todavía mejoró mucho más la velada!

D.P.: Fue una experiencia increíble. Aparte de contar con la presencia de Terele, a la gran mayoría de asistentes les encantó. Recuerdo que al finalizar la proyección unos chicos se me acercaron para felicitarnos y dijeron que habían venido expresamente desde el País Vasco para ver el documental y les había valido la pena. Lógicamente, que te digan una cosa así te llena de orgullo. Hacer feliz a la gente, sacarles una sonrisa o un aplauso espontáneo durante los ochenta minutos que dura este humilde documental, merece la pena todo el esfuerzo y el tiempo dedicado.

Recientemente, también habéis estado presentando el documental en el Ventana Sur de Buenos Aires. ¿Cómo ha sido tomada vuestra propuesta por el público argentino?

D.L.: Correcto. Hasta Buenos Aires he viajado yo solo, ya que también se ha juntado con temas de trabajo del SITGES 2017 dentro del mercado de Ventana Sur. La experiencia ha sido estupenda y la acogida también. En Argentina hay mucha pasión hacia El día de la bestia y el cine de Álex de la Iglesia. Justamente, en el cine Gaumont, donde se proyectó el documental, Álex había estado años atrás presentando 800 balas. Estreno que recordaban muy bien en Buenos Aires debido al acontecimiento en que se convirtió la proyección debido a la visita de Álex a la ciudad.

Circuito de festivales a un lado, ¿cuál va a ser su distribución comercial? ¿Veis factible un hipotético estreno en salas?

D.L.: De inicio, a lo largo del 2017 tendrá un estreno limitado en salas. Aunque estamos todavía en conversaciones con la distribuidora y faltan por cerrar algunos flecos.

D.P.: La idea es que siga el recorrido habitual de cualquier trabajo videográfico. Como es lógico, los productores quieren recuperar la inversión para poder financiarnos otro documental…

Ya que sacas el tema… Mirando hacia el futuro, ¿qué próximos proyectos tenéis entre manos, ya sea juntos o por separado?

D.L.: Pues en conjunto seguir disfrutando de Herederos de la bestia, ¡su viaje acaba de empezar! Y en solitario, continuar con el fanzine El Buque Maldito, futuras ediciones en DVD, y el trabajo que nos espera en SITGES con el motivo del 50 aniversario del certamen; de por medio hay otros proyectos, pero veré cómo avanza todo y qué puedo abarcar.

D.P.: Proyectos para un futuro próximo hay varios. Todo depende de cómo se desarrollen las cosas… Pero, emulando a Ángel Sala, me queda por decir que a quienes no les haya gustado Herederos de la bestia, de antemano les avisamos que volveremos; y a quienes sí les haya gustado, pues lo mismo, también volveremos. ¡Mala hierba nunca muere!

José Luis Salvador Estébenez

Published in: on enero 13, 2017 at 6:56 am  Dejar un comentario  
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Nace Paura, Festival Internacional de Cine de Terror de Valencia

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Paura, Festival Internacional de Cine de Terror de Valencia es el nombre de un nuevo certamen cinematográfico dedicado al género fantástico que vivirá su primera edición entre los próximos 20 y 28 de enero. El evento surge de la iniciativa de los críticos e historiadores cinematográficos Ramón Alfonso y Joaquín Vallet, que han creído en la necesidad de dar cabida en su ciudad a un género como el fantástico ante la falta de oferta. La idea con la que nace Paura es clara y sencilla: servir de escaparate para cualquier tipo de expresión cinematográfica adscrita al género. Todas ellas tienen cabida en un festival que, más allá de su carácter competitivo, aboga por la proyección de las piezas más arriesgadas e independientes del actual panorama de cine de terror.

Paura toma su nombre del film de Mario Bava Operazione Paura. En consonancia con este homenaje al cine italiano de terror, el cartel de esta primera edición, realizado por el artista valenciano Fernando Ivorra, se ilustra con una imagen perteneciente a Toby Dammit, el aterrador mediometraje que Federico Fellini dirigió para el tríptico Historias extraordinarias junto a Roger Vadim y Louis Malle. Tan inquietante visualmente como fascinante a nivel conceptual, ésta pequeña maravilla materializa un universo de irrealidad decadente, turbador y sempiternamente amenazante, donde un extraordinario Terence Stamp encuentra su propio infierno personal.

El multicine Aragó Cinema será la sede central de esta edición que también contará con proyecciones en el café-pub “El volander”. El precio de las entradas será de 3,5 € según se ha informado. Aunque de momento no se ha hecho pública la programación oficial, sus responsables ya han trascendido que este primer año Paura programará un total de once largometrajes de ficción, cincuenta cortometrajes, veinte piezas de animación, veinticinco de experimental y ocho documentales. De ellas, ya se ha dado a conocer la composición de todas las secciones salvo la de largometrajes, de la que, no obstante, se han anunciado la presencia de los films Presagio, del argentino Matías Salinas, con el que ya habláramos sobre su película a raíz de obtener el premio Blood Window a la Mejor Película Latinoamericana en la segunda edición de Pre-Nocturna, el canadiense Capture Kill Release de Nick McAnulty y Brian Allan Stewart. La representación nacional viene por cuenta de La fosa, de David González Rudiez.

Los trabajos seleccionados en el resto de secciones son los siguientes:

Amateur (las proyecciones serán en el Café-Pub El Volander)

LIABILITY de William R Coughlan (EUA)

A ALDEIA de Luis Bruno Ribeiro (Portugal)

AO LADO de Vinícius José dos Santos (Brasil)

BELLEZA de Gabriel Almaguer (México)

CASI NOVIEMBRE de Enrique R. Montoya (México)

CLOSE ENCOUNTERS de Andrea Busco (Italia)

CLOSING TIME de Hans Lietz (Alemania)

DESAYUNO de Gabriel Muelle (Colombia)

DESPIERTA de Sinhué F. Benavides y Grecia Castellanos (México)

DIRECTOR’S CUT de Pol Diggler (España)

DOMINGOS de Jota Bosco (Brasil)

DOUBLE TROUBLE de Fer Zaragoza (España)

EL DÍA DE LOS ESPÍRITUS ASESINOS de Juan Bodí (España)

EL HUÉSPED de Aitor Marín Correcher (España)

GRROAARRGGLL!! de Vincent David (Francia)

ICONS OF FEAR de Alejandro Hernández (España)

INCUBO PER UNA MOSCA BIANCA de Lidia Papotto (Italia)

INSIDE de Haktan Kaan İçel (Turquía)

INSTRUCCIONES PARA JUAN DÍAZ de Fabio Vallarelli (Argentina)

 

Animación (las proyecciones serán en los Aragó Cinema)

LA DIABLADA de Thomas Lemoine (Francia)

NOCTURNAL BUTTERFLY de Annika Dahisten (Finlandia)

ROVING AROUND de Mariela Schöffmann (Austria)

DATAMINE de Tim Tracey (Canadá)

GRAVEYARD SHIFT de Carlos Schvepper (Canadá)

MISOPHONIA de Eloise White (Reino Unido)

THE WINDOW de Vincenzo Bisceglie (Italia)

THOUGHT de Sina Ashrafipour (Iran)

COPYCAT CLUB- GANZ BERLIN de Riccardo Torresi (Italia)

OUIJA de Juliano Ferreira  (Brasil)

KREATURY de Tessa Moult-Milewska (Polonia)

REVERGE OF THE CORKS de Lukas Paio (Brasil)

PLAY DEAD de Joe Davies (Irlanda)

COSMICO de CJLazaretti (Reino Unido)

GALLOWS SONG de Stefano Bessoni (Italia)

MUNCHIES de Sinead Stoddart (Reino Unido)

SCARY STORY de Joe Paone (EUA)

GLOOMY SUNDAY de Julian Grant (EUA)

JEKYLL&HYDE de Jonny Lazarus (Reino Unido)

THE MILL AT CALDER´S END de Kevin McTurk (EUA)

 

Documental (las proyecciones serán en los Aragó Cinema)

FANTASTICOZZI de Felipe M. Guerra (Brasil)

SATAN´S BLOOD. RECUERDOS DE “ESCALOFRÍO” de Luis Esquinas Chanes (España)

GEMELOS de Pablo Radice (Argentina)

LA SONRISA DEL LOBO de Javier Perea (España)

CHASING REWIND de Turner Stewart y Dionne Copland (Canadá)

HEREDEROS DE LA BESTIA de David Pizarro y Diego López (España)

BELA LUGOSI de Santiago Struch (España)

THE OTHER MAGIC de Leandro Bartoletti (Argentina)

OLIVIER DE SAGAZAN- THE SHIP OF FOOLS de Alexander Degardin (Francia)

 

Experimental (las proyecciones serán en los Aragó Cinema)

VENGANCE de Isabelle Noucha (Bélgica)

DEATH WILL BE MUY BRIDE de Ilkami Tung (Turquía)

PLEROMA de Iine Sang Ah (Bélgica)

LA NERA PORTA de Alice Angeletti (Italia)

WALPURGIS NIGHT de Patrick Müller (Alemania)

SILENT SNOW  de Angus Carter (EUA)

BIRTHDAY PARTY de Clara Lezama (Uruguay)

A NEW BORN de Simone Tognarelli (Italia)

DO YOU KNOW ME? de Arthur (Alemania)

DAYBREAK INTERNAL: DEATH, BIRTH de Knut Hybinette (EUA)

17:17 de Suche Laroche (Gran Bretaña)

COMPOSITION de Mitja Mancek (Eslovenia)

NACKED EYE de Pierre Ajavon (Francia)

FEVER de Petra Brnardic (Croacia)

PORTRAIT OF THE INNER MIND de Tomi Kerminen (Finlandia)

S U J E T O de Raul Sanchez (España)

A DREAM OF PAPER FLOWERS de Leira Jarman (EUA)

TACTIC de Reynaud Pictures (Chile)

OSCILLATION de Didac Gimeno España (España)

DOMESTICA de Ates Isildak (EUA)

SLEEP PARALYSIS de Vinicius Santos (Brasil)

IT´S BEEN DRIPPING de Elham Bateni (Irán)

XANA de Razvan Anton (Canadá)

SHE IS THE DARK de Aysan Faeghi (Irán)

PSYCHOSIS de Derek Vaughn (EUA)

Más información: http://paurafilmfestival.com/

Published in: on enero 12, 2017 at 6:54 am  Dejar un comentario  

Desierto

Título original: Desierto

Año: 2015 (México, Francia)

Director: Jonás Cuarón

Productores: Alfonso Cuarón, Carlos Cuarón, Jonás Cuarón, Alex García, Charles Gillibert

Guionistas: Jonás Cuarón, Mateo García

Fotografía: Damián García

Música: Woodkid

Intérpretes: Gael García Bernal (Moisés), Jeffrey Dean Morgan (Sam), Alondra Hidalgo (Adela), Diego Cataño (Mechas), Marco Pérez (Lobo), Óscar Flores (Ramiro), David Lorenzo (Ulises), Lew Temple (agente fronterizo)…

Sinopsis: Un grupo de indocumentados se disponen a cruzar la frontera entre México y Estados Unidos. Cuando el vehículo que les conduce hacia su destino se estropea, su guía se ve obligado a llevarlos a pie a través del desierto. En su camino son descubiertos por Sam, un desquiciado estadounidense que, rifle en mano, y con ayuda de su perro, comienza a darles caza. Desde ese momento, el viaje de los inmigrantes hacia un futuro mejor se convierte en una lucha por sobrevivir.

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En Año uña (2007), el que supusiera su debut como realizador en el formato largo hace casi diez años, Jonás Cuarón narraba el flirteo entre una estadounidense de viaje a México con un adolescente que habita en la casa en la que la joven se aloja durante su estancia en el país azteca. Asimismo, su nominado guion para Gravity (Gravity, 2013), co-escrito junto a su padre Alfonso, se desarrollaba en la inmensidad del espacio, donde una lluvia de basura espacial dejaba a los dos astronautas protagonistas a merced de los elementos, tras impactar con la nave en la que se encontraban. Estos dos ingredientes, el extranjero en tierra extraña y la ambientación en un entorno tan inmenso como yermo e inhóspito, confluyen en Desierto (2015), su segunda película detrás de las cámaras. En lo que supone un intercambio de roles, esta vez es un mexicano el que se interna en los Estados Unidos, mientras que el hábitat en el que transcurre la historia resulta igual de deshumanizada y vasto en su monótona extensión como el espacio: ese desierto que da nombre a una cinta que, según parece, en sus primeros estadios inspiraría la idea original para el referido y oscarizado film de ciencia ficción de Alfonso Cuarón.

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Lo expuesto en el anterior párrafo pone de relieve el modo en el que los componentes de Desierto conectan con la obra previa de su máximo responsable. Sin embargo, a pesar de este teórico grado de autoría, su planteamiento se encuadra en la forma y en el fondo dentro de un subgénero tan codificado como el de los films centrados en la caza del hombre por el hombre, repitiendo a grandes rasgos el patrón argumental y los principales lugares comunes acuñados por el estilo de algún modo canonizado por el clásico El malvado Zaroff (The Most Dangerous Game, 1932). Así las cosas, su mayor grado distintivo reside en seguir los pasos de un grupo de espaldas mojadas que, mientras atraviesan a pie la desértica frontera entre los Estados Unidos y México, son descubiertos por un enloquecido vecino del norte que comienza a darles caza de forma inmisericorde. La alusión de este tema de tan candente actualidad dota al conjunto de un innegable pátina de crítica social, sobre todo al coincidir en el tiempo con la llegada a la presidencia de la principal potencia del mundo de un personaje de la ralea de Donald Trump, cuya campaña se ha basado en gran medida por su fuerte oposición a la inmigración ilegal, ejemplificada en su promesa electoral de construir un muro en la frontera con México con el que frenar la llegada de oleadas de indocumentados; máxime, viniendo de un cineasta mexicano que ha desarrollado parte de su trayectoria en los States.

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Y algo de ello hay, a poco que se analice el contenido de Desierto. En este sentido, no es difícil ver una representación alegórica de esa mayoría silenciosa ultraconservadora que, contra todo pronóstico, ha aupado al poder al polémico magnate inmobiliario en el alcoholizado cazador que sin mayores explicaciones convierte al grupo de inmigrantes en las presas de su particular cacería, al modo de una especie de guardián de la pureza de su país y sus valores tradicionales. No parece pues casual, ni mucho menos, que para bautizarle se escoja el nombre de Sam, el mismo del popular personaje que sirve para personificar dentro del imaginario popular al gobierno de los Estados Unidos, dentro de una carga simbólica que tiene su correspondencia en su némesis, el espalda mojada que le plantará cara y que es llamado Moisés, al igual que el profeta que guió al pueblo hebreo en su éxodo hacia la tierra prometida. Quizás el momento que mejor justifica esta interpretación se encuentra en las palabras pronunciadas por el personaje nada más realizar su primera acometida. Tras acabar desde lo alto de una atalaya con su rifle de mira telescópica con el grueso de ilegales mexicanos como si de conejillos se tratará, en la intimidad de su vehículo y en medio de un evidente subidón de adrenalina, exclama: “Es mi hogar. Ya no se van a meter conmigo, ¿verdad?” Toda una suerte de autojustificación que adquiere el rango de un tan certero como básico resumen de los pensamientos y temores del prototípico votante de Trump, blanco, racista, republicano y firme defensor de la Segunda Enmienda, esa que les asegura el derecho a portar armas y utilizarlas para defenderse en caso de invasión y/o amenaza.

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No obstante, a la hora de la verdad todo el comentario político-social de la película no va más allá de pequeños apuntes como los ya comentados, decantándose en cambio por su vertiente más puramente genérica. Una vez presentada la situación de base, el grueso del metraje se centra en el juego del gato y el ratón que se establece entre el cazador y su(s) presa(s), a través de un desarrollo esquemático y minimalista en lo moral y psicológico, y previsible en su progresión dramática. De este modo, todo el potencial de la propuesta es confiado a la pericia de la realización de su principal responsable. Y es ahí donde, contra todo pronóstico, el film brilla con luz propia. Haciendo gala de un sorprendente oficio teniendo en cuenta su escasa filmografía, el pequeño de los Cuarón se desmarca con un ejercicio de estilo, articulando un thriller extremadamente físico que destaca por el vigor y la intensidad de una puesta en escena en el que el cansancio se palpa, los tiros ensordecen y cada golpe se siente casi como si impactara en la piel propia.

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Visto desde esta perspectiva, pocos peros pueden ponerse a Desierto, erigiéndose en un competente y apreciable exponente genérico. Sin embargo, ello no quita para que la valoración de sus resultados deje un sabor cuanto menos agridulce. Y es que, teniendo en cuenta todo el potencial que sobre el papel poseía el componente político que su premisa le brindaba dada la coyuntura del momento, uno no puede dejar de echar de menos una mayor profundización en este aspecto, en lugar de desdeñar su aparato discursivo en favor de un tratamiento más acomodaticio y formulario, teniendo la sensación de estar ante un producto un tanto desperdiciado. Sobre todo, teniendo en cuenta la repercusión de la que ha sido objeto, siendo incluso nominado para representar a México en la categoría de mejor película de habla no inglesa en la gala de los Óscar, por más que no consiguiera entrar en la selección final de la Academia. Unos reconocimientos, en cualquiera de los casos, muy por encima de los verdaderos valores que atesora como obra cinematográfica, y que, tampoco nos engañemos, difícilmente habría disfrutado si su director no tuviera Cuarón como primer apellido.

José Luis Salvador Estébenez

Published in: on enero 10, 2017 at 6:32 am  Dejar un comentario  

“Vial of Delicatessens” publica un nuevo volumen de William Chesnut y Ribapolla

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Este miércoles día 11 de Enero, “Vial Books” pone en circulación una nueva entrega de las aventuras de William Chesnut y Ribapolla bajo el título “William Chesnut & Ribapolla 2XL”. Se trata del segundo volumen del cómic creado por Patrick Grau y Víctor Olid, dibujante y guionista respectivamente. Un año desde su puesta de largo, Grau, Olid, Chesnut y Ribapolla vuelven a la carga con la incorrección política y el ácido humor irreverente por los que es característica esta publicación underground.

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Nuevos personajes, historias más largas, argumentos más elaborados, dibujo más dinámico, son los principales ingredientes que ofrece este nuevo volumen. Además incluye muchas más páginas que el anterior, muchos más cameos de personalidades del mundo del espectáculo y mucho más humor de contenido sexual. Una digna continuación que supera con creces, en todos los sentidos, al anterior volumen, pero que a su vez complementa a este, y forja los cimientos de lo que será una verdadera saga. Al igual que el primer volumen, el presente se completa con abundante material extra, así como un guión firmado por Mr. Pajarillo como autor invitado.

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El cómic es para público adulto, no recomendado a menores de 18 años y se presenta bajo un P.V.P de 16,99 €, gastos de envío incluidos, dando también la opción de poder adquirirse en un pack junto al primer volumen bajo un P.V.P de 29, 99 €, también con gastos de envío incluidos, a la venta exclusivamente en el blog de la editorial: http://vialofdelicatessens.blogspot.com

Información y contacto en: vialofdelicatessens@hotmail.com y http://patrickgrau.com

Published in: on enero 9, 2017 at 6:52 am  Dejar un comentario  

Monster Trucks

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Título original: Monster Trucks

Año: 2016 (Estados Unidos)

Director: Chris Wedge

Productores: Mary Parent, Denis L. Stewart

Guionista: Derek Connolly, según una historia de Matthew Robinson, Jonathan Aibel, Glenn Berger

Fotografía: Don Burgess

Música: David Sardy

Intérpretes: Lucas Hill (Tripp), Jane Levy (Meredith), Rob Lowe (Reece Tenneson), Amy Ryan (Cindy), Thomas Lennon (Jim Dowd), Barry Pepper (Sheriff), Danny Glover (Mr. Weathers), Frank Whaley (Wade Coley), Aliyah O’Brien (Científica junior), Daniel Bacon (Técnico), Chelah Horsdal, Holt McCallany (Burke), Samara Weaving (Brianne), Candice Zhao, Jordana Largy, Jedidiah Goodacre (Jake), Chad Willett, Chris Gauthier (Sr. Geldon), Stacey Scowley (Reportero de televisión), Tucker Albrizzi (Sam Geldon), Kathryn Kirkpatrick, Christian Sloan, Giacomo Baessato, Maja Aro, Philip Granger, Devielle Johnson, Scott Patey, Faustino Di Bauda (Roughneck), Jeffrey C.R. Wallace, Howie Lai (Ingeniero), Daniel Boileau, Richard Keats, Simon Chin, Joel Sturrock, Jagen Johnson, Steven Garr, Ian Carter, Ryan Cowie, Emanuel Fappas, Daniel Jacobsen, Arlo Hajdu, Adrian Formosa, Matthew Hoglie, Jeff Kent, Tom MacNeill…

Sinopsis: Tratando de evadirse de la vida y el pueblo en los que se encuentra atrapado desde que nació, Tripp, un estudiante de último curso de instituto, construye un monster truck a partir de piezas y restos de coches de desguace. Después de un accidente en un yacimiento cercano, en el que se estaban realizando perforaciones en busca de petróleo, aparece una extraña criatura subterránea con pasión y habilidad para la velocidad. Así, Tripp descubre que puede haber encontrado la clave para escapar del pueblo… y al más inesperado de los amigos.

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Monster Trucks supone el paso al cine de imagen real de Chris Wedge, si es que así se puede denominar a un film como el presente, en el que la presencia de efectos infográficos juega un papel determinante en el contenido de su propuesta. Tras una dilatada trayectoria en el campo de la animación, donde ha desempeñado labores de productor, realizador e, incluso, doblador, el responsable de Ice Age, Robots y Epic: el mundo secreto debuta en la dirección de actores de carne y hueso con un proyecto que se enmarca dentro de dos tendencias bastante activas en la industria cinematográfica actual. Por un lado, la de las adaptaciones de populares líneas de juguetes, con las franquicias de Transformers y G. I. Joe a la cabeza, por más que en algunas ocasiones, como la presente, carezcan en origen de cualquier tipo de sustancia argumental que permita darles forma. En este caso, cabe recordar que “Monster trucks” es una colección de vehículos tuneados de ruedas gigantescas y suspensión elevada.

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En lo que a su estilo se refiere, la película se encuadra dentro del cansino revival por el cine ochentero que viene asolando en los últimos tiempos el panorama audiovisual. Que duda cabe que en dicha elección influye la carga nostálgica que pudiera ejercer en aquellos adultos que crecieron durante la época aludida jugando con los “camiones monstruosos” y que conforman una parte importante del público potencial de la propuesta. De ahí la presencia en su reparto como villano de Rob Lowe, o el protagonismo que en una determinada escena detenta “Simon”, otro juguete eminentemente ochentero que, al igual que los “Monster trucks, está fabricado por Hasbro. Ahora bien, tampoco puede pasarse por alto la responsabilidad que, en este sentido, pudiera tener la participación al frente del libreto de Derek Connolly, un guionista cuya, por el momento, corta carrera, se ha caracterizado por la enorme influencia recibida del cine fantástico y de aventuras realizado en los años ochenta en general, y por el producido por la Amblin en particular. Así lo demuestran sus dos películas previas, dirigidas de igual modo por su habitual compañero de correrías Colin Trevorrow. Así, la que fuera la ópera prima de ambos en pantalla grande, Seguridad no garantizada, proponía una revisión en clave indie de la saga Regreso al futuro, mientras que la siguiente Jurassic World se situaba a medio camino entre el reboot y el remake de la primera entrega de la popular franquicia creada por Steven Spielberg. Siguiendo estos parámetros, en Monster Trucks Connolly vuelve a mirarse en el espejo de la filmografía del Rey Midas de Hollywood, adaptando una de sus obras mayores.

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Básicamente, el desarrollo argumental y la construcción dramática de Monster Trucks beben de forma directa de la de E.T., el extraterrestre. Salvo por el cambio de su criatura protagonista del alienígena del original por una criatura anfibia procedente del subsuelo terráqueo bautizada con el nombre de Creech, el resto es un calco de la historia escrita por Melissa Mathison, de la que repite sin mayores disimulos sus principales incidencias: la llegada accidental de la criatura al entorno del protagonista humano, llamado Tripp; el primer contacto entre ambos lleno de temor y recelo por una de las partes; el descubrimiento de la particular naturaleza y extraordinarias habilidades del ser desconocido; la progresiva forja de la amistad entre los dos personajes; y la aparición de una organización que pretende capturar al extraño espécimen, en esta oportunidad representada por una poderosa industria petrolera, lo que añade unas pinceladas ecologistas al conjunto. Tal es la similitud existente que también aquí el clímax de la narración es una persecución en la que el objetivo del protagonista es devolver a su hábitat natural a su particular amigo mientras evita que sus perseguidores lo capturen. Para que no haya ninguna duda acerca de las intenciones de Connolly, una vez conseguida la misión con éxito y Creech esté de vuelta junto a los suyos, en un intercambio de papeles Tripp repetirá la misma frase a su peculiar amigo que ET le decía a Elliot durante su emotiva despedida: “Estaré aquí mismo”.

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Dentro pues del asumido perfil imitativo con el que está construido el libreto, en el que también hay cabida para otros elementos tan identificables del cine de la Amblin como la presencia de un conflicto filial o el carácter iniciativo que adquiere la aventura para sus jóvenes personajes y que conllevará para ellos un proceso de maduración, sus novedades más significativas con respecto a la obra en la que se inspira se encuentran en el aumento de edad que experimenta su protagonista, transformándole en un adolescente -lo que facilita el concurso de la consabida historia amorosa con una compañera del instituto por la que, tirando de nuevo de tópicos, en un principio el muchacho tampoco parecerá demostrar demasiado interés-, y un tratamiento mucho menos oscuro y más amable que el del film de Spielberg, acorde, por otra parte, con la pretensión de sus responsables de hacer de la obra resultante eso que se denomina como “un-producto-para-toda-la-familia”. Una decisión que, vista con perspectiva, provoca las principales deficiencias que se pueden achacar a Monster Trucks, dentro de su falta de pretensiones. Se trata de esas detectables concesiones hechas a los más pequeños de la casa por medio del protagonismo que se otorga en la puesta en escena a los gestos y gracietas que ejecuta Creech, y que son secundados por los rasgos paródicos que adquiere el comportamiento de determinados personajes, con los que se rompe el tono algo más adulto, dentro de un orden, con el que se desarrolla el resto del metraje.

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Y eso que, en honor a la verdad, y más allá de detalles como los comentados, hay que reconocer que el trabajo de Wedge brilla a gran altura, sabiendo superar con pericia y oficio las no pocas dificultades que presentaba el material confiado a priori. Partiendo de una premisa de lo más ridícula –el monstruito subterráneo que, colocado bajo el chasis de una vieja furgoneta y gracias al poder de sus tentáculos, hace del vehículo un increíble monster track, capaz de realizar las más alucinantes virguerías- y contando con un argumento que, además de por los motivos ya señalados, resulta fácilmente predecible en su desarrollo para cualquiera que posea un mínimo bagaje cinematográfico, el cineasta se las ingenia para conseguir captar la atención y simpatía del espectador por medio de una eficaz narración de ritmo constante que, si bien no deja ningún poso, se saborea con suma facilidad, logrando con ello brindar un simple e intrascendente producto de consumo capaz de procurar hora y medio de entretenimiento a la audiencia. Cuestión bien distinta es si semejantes resultados serán bagaje suficiente para originar una nueva franquicia, tal y como todo parece indicar que es la pretensión de sus ideólogos a tenor de los antecedentes.

José Luis Salvador Estébenez

Published in: on enero 5, 2017 at 6:56 am  Dejar un comentario  

Animayo llega a Barcelona

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Tras el éxito obtenido en su reciente visita a Madrid, Animayo, la cumbre de animación, efectos visuales y videojuegos, se dirige a Barcelona para comenzar su primera ruta itinerante del 2017. Será en CaixaForum Barcelona los días 13 y 14 de enero.

Animayo Barcelona rendirá un especial tributo a un invitado de honor de lujo, Claudio Biern Boyd, uno de los padres de la animación española y europea. Presidente de BRB Internacional y Screen 21, a él se deben varias series de animación de los años 80 tan míticas como David el Gnomo, D’Artacan y los tres mosqueperros, La vuelta al mundo de Willy Fog, o Ruy el pequeño Cid, entre muchas otras.

Otro de los grandes invitados especiales de esta edición será Carlos Grangel, diseñador de personajes en películas como La novia cadáver, Spirit, El príncipe de Egipto, Hotel Transilvania, Kung Fu Panda, Madagascar o Piratas. De su mano, Animayo repasará los veinticinco años de Grangel Studios trabajando en el diseño y creación de personajes, dando las claves que todo diseñador desearía tener de la mano de este enorme artista, considerado uno de los diez mejores de todo el mundo.

El universo 3D y los efectos visuales estarán presentes a través de las ponencias de los expertos de la escuela oficial del Festival,  FX Animation Barcelona 3D & Film School, como la de Nacho Doctor, head of FX Area & Program Instructor, effects technical director, lighting artist, compositor 2D & director de fotografía (El libro de la selva, Piratas del caribe: la venganza de Salazar, Talking Tom and Friends…), que explicará cómo funcionan los diferentes departamentos de postproducción de un largometraje. Y con Toni Mena, el coordinador del área de postproducción, Palma de Oro en el Festival de Cannes y actualmente en la short list de los Oscars (entre los 10 mejores), se descubrirán los entresijos de una de sus últimas producciones, TimeCode, donde se adentrará en su postproducción y en la incorporación de efectos, como la corrección de color, la gráfica animada, el rastreo, el reemplazo de elementos 2D y 3D, la creación de efectos visuales, las técnicas de recorte y composición de imágenes, etc.

Los creadores de videojuegos tendrán la oportunidad de conocer el último videojuego de Amanita Design: Chuchel, a través de un análisis y una presentación ofrecida por Václav Blín, animador y artista gráfico. Y tendrán las mejores recomendaciones para plantear la primera experiencia VR y enfrentarse a la Realidad Virtual con Daniel Candil- Studio Art Director de Kerad Games, fundado por el futbolista Gerard Piqué. También habrá un espacio de Realidad Virtual, para disfrutar de numerosas experiencias, organizado por FX Animation.

Ángel Sala, director del Festival Internacional de Cine Fantástico de Cataluña -Sitges, realizará un recorrido desde el origen del anime hasta la actualidad, mientras que Carlos Fernández y Lorena Ares de Moonbite Games presentarán el largometraje de animación 2D Memorias de un hombre en pijama, basado en la obra homónima de Paco Roca. Por su parte, los amantes de la fotografía, la ilustración y el diseño gráfico podrán disfrutar de la master class de Lorenzo Zitta, profesor del Master 3D para Diseño gráfico y Fotografía de FX Animation, experto en retoque fotográfico y CGI (Premio LightWave 2015), donde mostrará las nuevas técnicas en CGI para componer fotografía con 3D y conocer el proceso de producción con de fotografías en HDRI, creación del CGI, texturizado, iluminación/shading, efectos, render y postproducción.

Entre los talleres prácticos, se ofrecerá un taller de diseño de personajes, impartido por Pablo Mendelbaum, coordinador del área de Animación y Diseño de Personajes de FX Animation, para perfeccionarse en seducir, entretener, narrar y expresarse mediante el arte del dibujo, el color, la expresión corporal, la psicología y el volumen. También habrá talleres de stop motion para niños y adultos, en colaboración con La Academia de la animación, y un taller de creación de videojuegos impartido por Juan González y David Corominas,  profesores del área de Videojuegos de FX Animation.

Además, se proyectará el Palmarés Oficial de Animayo 2016, que reunirá los premios Animayo a la animación, los efectos visuales y los videojuegos de esta edición. El programa incluye también el estreno en Barcelona de la película Checa Historias mortales de Jan Bubeníček, y un especial de cine eslovaco hecho por mujeres.

Published in: on enero 4, 2017 at 6:56 am  Dejar un comentario  

The Monster Walks [dvd: El monstruo asesino]

Título original: The Monster Walks

Año: 1932 (Estados Unidos)

Director: Frank R. Strayer

Productor: Cliff P. Broughton

Guionista: Robert Ellis

Fotografía: Jules Cronjager

Música: Charles Dunworth

Intérpretes: Rex Lease (Dr. Ted Clayton), Vera Reynolds (Ruth Earlton), Sheldon Lewis (Robert Earlton), Mischa Auer (Hanns Krug), Martha Mattox (Sra. Emma “Tata” Krug), Sidney Bracey (Herbert Wilkes), Willie Best [acreditado como Sleep n’ Eat] (Exodus)…

Sinopsis: Durante una tormentosa noche Ruth Earlton y su novio, el doctor Ted Carver, llegan a la casa del padre de Ruth, repentinamente fallecido, para asistir a la lectura de su testamento. El difunto señor Earlton lega todo a su hija, pero en caso de que ella muera, las posesiones irán a parar manos de su inválido tío Robert, quien vive en la casa familiar junto con el ama de llaves y el extraño hijo de ésta. Durante la noche, una mano grande y peluda intenta estrangularla desde el cabecero de la cama a Ruth, recayendo las sospechas en el mono que se encuentra enjaulado en el laboratorio de su finado padre.

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Con una filmografía compuesta por noventa títulos condensados a lo largo de veinticinco años, lo que de entrada da una idea muy aproximada de su fecundidad, la trayectoria del cineasta norteamericano Frank R. Strayer suele ser evocada, principalmente, por tres de sus aportaciones al cine de terror y misterio, curiosamente todas ellas datadas durante los albores del sonoro. Hablamos de su considerada obra maestra ¿Vampiros? Sombras trágicas (The Vampire Bat, 1933), Condemned to Live [dvd: Condemned to Live, 1935] y el film que nos ocupa, The Monster Walks (1932), editado en nuestro mercado doméstico con el título de El monstruo asesino, el mismo que recibió en su estreno mexicano, dicho sea de paso. Una fama que, en este caso, parece claro que no responde tanto a sus posibles logros cinematográficos, muy limitados en todos los sentidos, como a cuestiones secundarias del tipo que su estreno en Gran Bretaña no fuera aprobado por las autorizadas censoras de las Islas en su momento, prohibición que no fue abolida hasta casi ochenta años más tarde, durante el pasado 2010.

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Escrita por el otrora actor Robert Ellis, a la sazón esposo por aquel entonces de su actriz protagonista, Vera Reynolds, la propuesta de The Monster Walks se encuadra dentro de las denominadas “Dark House Mysteries”, corriente surgida sobre las tablas escénicas y trasplantada poco después al medio cinematográfico, la cual viviría su particular edad de oro durante la década de los veinte del pasado siglo. A pesar que para su fecha de realización las “Dark House Mysteries” comenzaban a estar de capa caída ante el empuje que había supuesto el inicio del ciclo sobre monstruos clásicos de la Universal, esta modesta producción de la Ralph M. Like Productions, desarrollada en apenas tres escenarios y con poco más de media docena de personajes, repite a pies juntillas el inamovible esquema sobre el que se sustentaba esta clase de propuestas junto a sus principales ingredientes característicos. A saber: una asilada mansión, la lectura de un testamento, y el consiguiente baile de muertes en medio de la tormentosa noche que tienen como víctimas a algunos de los beneficiarios de la fortuna en liza a manos de un misterioso asesino de peculiar apariencia. Poco más. Como puede apreciarse, todo de lo más elemental, consistiendo el principal aliciente de la intriga urdida el descubrimiento de la identidad del autor de los crímenes, haciéndose para ello eco de las formas acuñadas por el más clásico whodunit literario.

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Dentro, pues, de lo formulario de la propuesta, tres son los elementos que dotan de cierta diferenciación a The Monster Walks con respecto al resto de sus congéneres. El principal, aquel que le brinda su primordial rasgo identificativo, es la presencia de un enjaulado chimpancé en los sótanos de la casona, al que en un principio se le creerá causante de los crímenes, en lo que puede verse como una reminiscencia a “Los crímenes de la calle Morgue” (“The Murders in the Rue Morgue”, 1841) de Edgar Allan Poe, y cuyo concurso es empleado para emular una imagen icónica de uno de los más distinguidos exponentes del subgénero, El legado tenebroso (The Cat and the Canary, 1927), mediante la aparición de las peludas manos del supuesto simio emergiendo por detrás del cuello de la desvalida protagonista. Frente al sesgo derivativo que revela este componente, los dos restantes funcionan por oposición a lo que era norma en el estilo, aunque su importancia sea meramente anecdótica. Por un lado, debido al exiguo número de muertes acaecidas durante el relato, tan sólo una, y por otro, por la escasa injerencia de la que goza el alivio cómico de turno, el chofer negro de uno de los personajes[1] que, no obstante, es caracterizado según los estereotipos raciales y racistas con la que eran presentados este tipo de roles durante la época. Sirva de muestra su comentario con el que se cierra la cinta, tras conocer que el anterior dueño de la mansión era seguidor de las teorías evolutivas de Darwin y, por ello, la presencia del mono en su laboratorio: “Yo tenía un abuelo que se le parecía un poco, pero no era tan activo”, dirá refiriéndose al simio.

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Acorde a la tónica reinante, la dirección de Strayer se encuentra sujeta a los convencionalismos del subgénero. No faltan pues las imágenes destinadas a sembrar las sospechas entre la audiencia, en las que se muestran los rostros aviesos del elenco, caracterizados según la tipología habitual y definidos a través de lo que se dice en los diálogos y no de lo que revelan sus acciones. Una práctica que, a la hora de la verdad, da como resultado algún momento un tanto jocoso, representado por la conversación entre el notario y el novio de la heredera momentos después de la lectura del testamento, cuya función en la historia es suministrar al espectador la información necesaria sobre los diferentes personajes que moran en la casa, pero que vista en su contexto hacen parecer al joven una suerte de cazadotes, informándose de los bienes recibidos por su prometida. En lo que a su uso de la técnica se refiere, la puesta en escena de Strayer hace gala de una planificación estática, supeditada a tomas generales fijas tan solo violentada por la puntual inclusión de primeros planos destinados a recoger las ya de por sí gesticulantes reacciones de los personajes, dentro de una dirección de actores más propia del cine mudo que del sonoro. Con todo, cabe reconocer que, dentro de los escasos alicientes que oferta el conjunto, la trama está llevada con buen ritmo, a lo que contribuye que su exceso de verborrea no llegue al exagerado nivel de otras talkies, lo que unido a un componente cómico no tan molesto como en otros exponentes, como ya se ha dicho, y una ajustada duración no superior a los sesenta minutos, hacen que su visionado, si no apasionante, sí que pueda ser seguido con un relativo agrado. Algo es algo.

José Luis Salvador Estébenez

[1] Acreditado con el denigrante seudónimo de Sleep ‘n’ Eat, dicho papel es interpretado por un principiante Willie Best, con los años uno de los actores cinematográficos afroamericanos más populares de su tiempo gracias a pequeños papeles en films como El último refugio (High Sierra, 1941) o El castillo maldito (The Ghost Breakers, 1940). Precisamente, la estrella principal de esta última, Bob Hope, diría de él que era el mejor actor que conocía. Claro que Best no es el único miembro del reparto que alcanzaría posteriormente cierta notoriedad. A este respecto cabe indicar que el personaje del siniestro criado es un, por entonces, desconocido Mischa Auer, cuatro años antes de ser nominado al Oscar al mejor actor de reparto por su trabajo para Al servicio de las damas (My Man Godfrey, 1936), a partir de lo cual se especializaría en los registros cómicos por los que hoy es recordado.

Published in: on enero 2, 2017 at 5:14 am  Dejar un comentario