Cryptshow Festival anuncia los primeros detalles de su próxima edición

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La organización de Cryptshow Festival ha desvelado las primeras novedades de lo que será una duodécima edición en la que el certámen incrementará en dos fines de semana su programación. De este modo, este año el Cryptshow pasará a celebrarse los días 29 y 30 de junio y el 6, 7 y 8 de julio.

Como ya se informó en la clausura del festival el 2017, esta edición estará tendrá como leitmotiv el Purgatorio. En 2011, el Papa confirmaba que el Purgatorio no es un lugar, desplazando así una parte importante de la literatura europea al terreno de la fantasía y la ciencia ficción. El Purgatorio se ha convertido así, de manera oficial, en un elemento fantástico como lo son el País de Nunca Jamás de Peter Pan o El Dorado. Cryptshow Festival dedicará así su duodécima edición a este espacio destinado a la purificación final de los elegidos, un lugar que es un monte para Dante, una comisaría para Tornatore, y, para Tyukanov, la guerra.

Los referentes al Purgatorio en las diferentes artes son muy diversos, pero los organizadores han elegido un cartel más sintético que toma como temática la fiesta de la muerte en la cultura mexicana, una Catrina que es símbolo principal del Día de Muertos, una fiesta de la vida y la muerte. A la vez, el cartel, obra del ilustrador Toni Benages, hace referencia al momento de empoderamiento que vive la mujer ante la censura y falta de libertades que vivimos en la actualidad.

En cuanto a la programación de esta duodécima edición, estará dividida en tres partes: Antepurgatorium, que centrará todas las actividades previas al festival; Purgatorium, los días 29 y 30 de junio, donde la música toma protagonismo; y Paradisus Terrenus, el 6, 7 y 8 de Julio, donde se concentrarán todas las sesiones relacionadas con el cine y la literatura.

De momento, Crypstshow Festival ha recibido 309 cortometrajes para participar en el XII Premio Sierra Circular, de los que sólo 40 formarán parte de la Sección Oficial. Tras el cambio de formato del certamen las sesiones se repartirán entre los días 6, 7 y 8 de julio, es decir, el segundo fin de semana del festival. Serán siete horas de producciones de pequeño formato donde encontramos obras seleccionadas en festivales internacionales, algunas de ellas premiadas. Durante los tres días de cortometrajes se podrán ver producciones que han participado en Fant-Asia International Film Festival, Brussels International Festival of Fantasy Film, Atlanta Horror Film Festival, Mórbido Film Festival o el South African Horror Fest.

Esta duodécima edición se han inscrito cortometrajes de 45 países de todo el mundo, sobre todo de España, Francia, Estados Unidos, Canadá y el Reino Unido, pero en Cryptshow Festival participarán, también, cortos de Irán, Rusia o la República Checa y Colombia. Todos los cortos de la Sección Oficial puedes consultarse aquí .

Como está pasando desde el año 2013, en esta Sección Oficial, Cryptshow Festival ofrece una sesión juvenil gratuita en colaboración con las entidades Eduvic y Fedaia. La proyección será precedida por una sesión de maquillaje de efectos especiales a cargo de Your Make up Studio y está presentada por Jan Garrido del grupo Xiula. La sesión es gratis y está patrocinadas por EDUVIC, una cooperativa de iniciativa social y sin ánimo de lucro que trabaja con la infancia, la adolescencia y la juventud, en general y en riesgo social.

Por otra parte, Simon Boswell es la personalidad escogida para recibir el premio honorífico de esta edición. La organización de Cryptshow Festival ha sustanciado su decisión por la labor del compositor inglés en películas de género de terror, y en especial, dentro del giallo italiano. Aunque ha producido a artistas de la talla deElton John, Dolly Parton, Marianne Faithful, The Kills, Orbital, Andrea Boccelli y muchos otros, fue Dario Argento quien cambió su carrera cuando le ofreció componer, junto a Goblin, la banda sonora de Phenomena. Desde entonces, Boswell ha participado en la banda sonora de films como El señor de las ilusiones de Clive Barker, con pequeñas incursiones; Perdita Durango de Álex de la Iglesia o Hardware y Dust Devil, ambas de Richard Stanley. Precisamente, esta última película será proyectada como parte del homenaje durante el festival.

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Aparte de la proyección, Simon Boswell ofrecerá una charla para los amantes de su música y un concierto con su actual banda “The And”. Nacida en 2014, con The And Boswell interpreta la música que ha compuesto para diferentes películas acompañada de un audiovisual, inmersivo y psicodélico, del videoartista David Sagberg, y que podrá disfrutarse en el escenario del teatro El Círcol la noche del sábado 30 de junio.

Más información: http://cryptshow.blogspot.com.es/

Published in: on mayo 24, 2018 at 5:27 am  Dejar un comentario  

“Vial Books” lanza el ensayo “Screwballs, 101 comedias sexuales” y el poemario “Grávido y mortal”

“Vial Books” lanza al mercado dos nuevas referencias. Se tratan del ensayo sobre las sex comedies Screwballs, 101 comedias sexuales de Víctor Olid, y el poemario Grávido y mortal (Antología 2000-2017), en este caso escrito por Ángel Codón Ramos.

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Las sex comedies abarcan todos esos filmes en los que el humor está motivado —o precedido— por situaciones sexuales. Puede haber romance, sí, pero el principal móvil es el sexo. En definitiva, la principal premisa de la que habla en Screwballs, 101 comedias sexuales son las películas de tetas y culos. Así, y degenerando la sex comedy en infinidad de estilos (estudiantes, fraternidades, juergas salvajes, despedidas de soltero, campamentos de verano…), Víctor Olid, autor de El descacharrante cine de Pajares y Esteso y co-autor de Malas pero divertidas, da un repaso a las que quizás podrían ser las 101 películas más representativas del subgénero en unos textos llenos de datos, batallitas, anécdotas, tratado todo con humor y desde la más absoluta irreverencia. Porky’s, Polo de Limón, Despedida de soltero, American Pie, La revancha de los novatos, El último Americano virgen, Resacón en Las Vegas, todos sus fakes, sus exploitations, sus imitaciones… Todas (o casi) tratadas en profundidad en este tochazo de casi seiscientas cincuenta páginas.

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En cuanto a Grávido y mortal se trata de una selección de poemas (los cuales podrían ser denominados poemas de juventud) de Ángel Codón Ramos, con el que este cronista pop, guionista, diseñador de videojuegos, crítico de cine, locutor de radio y podcaster cambia por completo de registro para enfrentarse a su obra lírica, a modo de exorcismo y pase de página. El resultado es una obra atípica, extraña, a veces inconexa, en ocasiones tranquila, siempre tajante. En este libro, una obra de cambio de siglo que llega 20 años tarde, el tono del dolor por el paso del tiempo es constante. Un eterno tempus fugit salpicado de carpe diem, beatus ille y, sobre todo, ubi sunt. La propuesta no es sutil: la portada de esta edición, una modificación del grabado nº XXXI de Holbein para su obra Danza macabra, presenta a un caballero luchando con la muerte. El autor bien podría ser ese caballero, llevando a cabo una lucha que, puede extenderse, pero que no puede ganarse…

Screwballs, 101 comedias sexuales se presenta a un P.V.P de 26,99 €, envío certificado incluido, mientras que Grávido y mortal lo hace con un P.V.P de 12,99 €, gastos de envío incluidos, y ambos se encuentran a la venta exclusivamente a través de la web de “Vial of Delicatessens”: http://vialofdelicatessens.blogspot.com.es/

Published in: on mayo 23, 2018 at 5:36 am  Dejar un comentario  

Presentación del número 1 del fanzine “Spasmo” en Alcobendas

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El próximo viernes 1 de junio a las 19:30 en la mediateca del Centro de Arte Alcobendas (C/ Mariano Sebastián Izuel 9) tendrá lugar la presentación del primer número del fanzine “Spasmo”. Una charla en la que estarán presentes algunos de los autores y en la que se hablará de cine, del proyecto, de publicaciones sobre cine fantástico y de terror, y de lo que surja.

“Spasmo”es un fanzine sobre cine desconocido y de culto. Cada número será un monográfico sobre una temática concreta, y en este primer número se ha optado por películas sobre serial killers.

Para más información:
http://spasmoblog.wordpress.com
https://www.facebook.com/spasmozine/
@spasmozine
#SpasmoFanzine

Pedidos en: spasmozine@gmail.com

Published in: on mayo 22, 2018 at 5:18 am  Dejar un comentario  

Se anuncia una nueva versión de la mítica serie de televisión “El pulpo negro”

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En el marco de la 71 edición del Festival de Cannes se ha anunciado la realización de una nueva versión de El pulpo negro, la miniserie de suspenso que protagonizara el “Maestro del Terror” Narciso Ibáñez Menta en la década de los 80 y que rompiera todos los récords de audiencia en su emisión en Argentina.

Elpulponegro2De izquierda a derecha: Ralph Haiek (Presidente del INCAA), Nicolas Onetti (Director), Luis Murillo Arias (Guionista), Ángel Sala (Director Festival de Sitges) y Javier Fernández Cuarto (Blood Window) durante la presentación del proyecto en el Festival de Cannes.

El proyecto es una co-producción entre Argentina, España y Nueva Zelanda que prevé una versión en largometraje cinematográfico y otra en formato de serie. El guion será escrito por los españoles Luis Murillo, autor original de El pulpo negro, y su hijo Luis Murillo Arias (guionista de El internado, la exitosa serie de Antena 3), quienes mantendrán el espíritu de la legendaria serie original actualizándola a los tiempos actuales.

En palabras de Luis Murillo: “La nueva versión, que estamos escribiendo mi hijo Luis Murillo Arias y yo, entroncará con la de 1985. Es decir, habrá misterio, golpes de terror, giros inesperados y, por supuesto, un cerebro criminal privilegiado como era el personaje del gran Ibáñez Menta. De momento no podemos adelantar nada más, pero habrá numerosas sorpresas.”

El pulpo negro será dirigido por los hermanos Luciano y Nicolás Onetti (Los olvidados, Francesca), quienes en el pasado SITGES – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya recibieron el premio “Best Promising Directors” y han sido denominados por la prensa internacional como los nuevos “wonder boys” del cine de terror argentino.

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El proyecto será producido por 16:9 Cine y Black Mandala, contando en esta área con Hernán Moyano (Sudor frío, Penumbra), uno de los principales referentes del cine de género latinoamericano, junto a Roberta Sanchez, quienes también llevan adelante la inminente Bajo tus piés, coproducida por Warner Bros., Haddock Films y Tornasol Films.

El pulpo negro contará con el apoyo de SITGES – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, el festival de cine fantástico y de terror más importante del mundo, y de Blood Window, la plataforma de promoción de talentos Latinoamericanos especializados en cine de género fantástico.

Para más información: www.facebook.com/elpulponegrocine

Published in: on mayo 21, 2018 at 5:52 am  Dejar un comentario  

Entrevista a Maurice Haeems, director de “Chimera”

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Entre los diferentes films que vivieron su premier nacional durante la pasada edición de FANT, uno de los exponentes más exóticos fue, sin duda, Chimera (2018), a causa de su naturaleza de coproducción a tres bandas entre India, Emiratos Árabes y Estados Unidos. Ejemplo paradigmático de la capacidad especulativa del género de ciencia ficción, la película toma como punto de partida los últimos descubrimientos en el campo de la biotecnología para reflexionar sobre los cuestionamientos éticos y morales derivados de estos avances científicos. La inmortalidad o el amor paterno son solo algunos de los temas que plantea una cinta que, en más de un sentido, recoge el testigo de Frankenstein justo cuando se cumplen dos siglos de su publicación y que ha supuesto el debut como director y guionista de Maurice Haeems, un licenciado en ingeniería mecánica, banca de inversión y emprendimiento de software que, superada la cincuentena de edad, ha dado el salto al séptimo arte como medio con el que dar salida a sus inquietudes narrativas.

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Eres ingeniero mecánico y de finanzas. ¿Qué te lleva a dar el salto al cine y dirigir una película?

Sí, tienes razón en que he tenido tres carreras bastante exitosas hasta ahora: ingeniero, banquero y empresario. Sin embargo, me sentía insatisfecho, incompleto, como si me hubiera perdido algo importante. Afortunadamente, no necesitaba terapia para comprenderme a mí mismo; solo era necesario hacer un poco de introspección. Y la respuesta fue clara: necesitaba realizar mi cuarta carrera y mi primer amor: el cine y la narración de historias.

Esto sucedió cuando estaba cerca de celebrar mi cuarenta y siete cumpleaños. Ese año hice algo que nunca había hecho: me compré un regalo de cumpleaños, una clase de escritura de ocho semanas. Yo era, de lejos, el estudiante más viejo de la clase. Creo que los otros estudiantes tenían menos de treinta años (la mayoría tenían entre veinte y treinta años) pero nos llevábamos muy bien. Parecían medianamente divertidos de tener a este extraño hombre canoso en su clase, pero pronto me aceptaron como un estudiante más. Me mantuve enfocado en mi objetivo: escribir el primer borrador del guion de Chimera y completarlo en esas ocho semanas.

Inicialmente, había considerado escribir esta historia como una novela, pero creo que eso habría llevado demasiado tiempo para que mi historia hubiera salido. Además, tenía estas imágenes en mi cabeza que necesitaban ser realizadas. Entonces, ese año para Navidad me compré otro regalo. Esta vez fue una clase de cine, y realmente despertó mi interés en la dirección.

Me dices que en las clases que recibiste de guion ya comenzaste a trabajar en Chimera. ¿Cómo surgió el proyecto?

Visto desde todos los ángulos tradicionales, un proyecto como Chimera no debería existir. Era un escritor novel y también quería dirigir y producir. Estas son tres profesiones muy serias y difíciles y no tenía experiencia o conocimientos en ninguna de ellas. Nunca había hecho un corto. De hecho, nunca había pisado un set de rodaje en ninguna oportunidad.

Entonces, ¿por qué un inversor debía confiar en mí? ¿Qué podría convencer a un actor para participar en mi proyecto? ¿Cómo podría un miembro de la tripulación creer que sabía lo que estaba haciendo? No puedo responder estas preguntas. Pero lo hicieron, y estoy agradecido por ello.

Así que Chimera comenzó como una quimera que se transformó en una ambición audaz y, finalmente, se convirtió en una obsesión compulsiva antes de que pudiera realizarse como el producto final tangible que ves.

¿Cambió mucho la idea de Chimera desde su guion original hasta la versión que finalmente rodaste?

La historia que ahora puede verse en pantalla es completamente diferente del guion original que escribí en aquella clase de ocho semanas. Comencé escribiendo muy contenido un estudio psicológico de bajo presupuesto en la línea de la ópera prima de Darren Aronofsky, Pi, fe en el caos (Pi: Faith in Chaos, 1998), pero mi sensibilidad me empujó a seguir avanzando y al final me alegro de haber escrito y realizado la película que tenía dentro.

Sin embargo, algunas cosas se mantuvieron inalterables: siempre supe que mi película se abriría con la escena del protagonista cortándose el dedo y que en el último plano, mientras se ejecuta su sentencia de muerte, veríamos que su dedo ha vuelto a crecer. Pensé que sería una buena ironía. También sabía que la historia trataría sobre un hombre que está obsesionado con salvar a sus hijos decodificando el ADN de las medusas para descubrir el secreto de la inmortalidad. Pensé que sería divertido escribir una historia donde el protagonista lograra descubrir el secreto de la inmortalidad, que sería el descubrimiento científico más transformador en la historia de la raza humana, pero luego, debido a los defectos inherentes de la humanidad (desconfianza, avaricia, celos, egoísmo, etc.), ese secreto se perdería para siempre.

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Maurice junto a Justo Ezenarro, director de FANT, durante la presentación previa a la proyección de “Chimera” en el certamen bilbaíno.

Antes ya lo has comentado un poco, pero ¿el ser un cineasta novel te supuso un hándicap a la hora de levantar el proyecto?

Como cualquier profesión, el cine también es una comunidad cerrada. Existen puntos de entrada bien establecidos en la industria y pistas profesionales bien definidas dentro del negocio. Lo que Jay[1] y yo estábamos intentando era lanzarnos en paracaídas desde el exterior y pasar por alto los modelos tradicionales del negocio, comenzando directamente como escritor / director / productor. Entonces, sí, nos encontramos con mucha reticencia, resistencia, burla y rechazo.

Pero, con el tiempo, si intentas algo con el suficiente empeño, finalmente sueles encontrar a alguien que te dé una oportunidad. Es posible que recibas miles de rechazos antes de que eso ocurra, pero no importa, porque si obtienes una sola aceptación, cada rechazo se convierte en irrelevante. Para avanzar, y para contrarrestar los miles de rechazos, todo lo que necesitas es una respuesta positiva, una aceptación. Lo que importa es lo que haces con esa aceptación: ¿puedes aprovecharla para producir algo único y especial? Creo que es ahí donde mi edad, madurez y experiencia empresarial se convirtieron en una ventaja.

Chimera toca en clave de ciencia ficción temas como la inmortalidad o el amor paterno, pero también los límites morales y éticos derivados de los avances científicos. Puede decirse que en tu caso la ciencia ficción no es solo un medio con el que hablar de lo que realmente te interesa, sino que forma parte de tus propias inquietudes. ¿No es así?

Amo la ciencia ficción porque la veo en todas partes en nuestras vidas. Algunas personas consideran que las historias de ciencia ficción son frías y desalmadas y que no están conectadas con la realidad. Pero creo que esta gente no aprecia la realidad sobre los humanos, que intuitivamente aceptamos los avances tecnológicos en nuestras vidas sin ni siquiera pensarlo dos veces porque estamos ocupados con nuestros asuntos cotidianos.

Imagina a alguien de una aldea aislada que traiga a un ser querido a un hospital con una afección potencialmente fatal. Ahora imagina que a esa persona se le ofrece una alternativa que le salva la vida: un nuevo tratamiento innovador pero arriesgado (tal vez incluso uno que involucre células madre o edición de genes). Lo más probable es que esa persona opte por el tratamiento y eso simplemente es ciencia ficción en acción en la vida real.

Solo hay que mirar la velocidad con la que adoptamos cambios de paradigma tecnológico como la industrialización, los viajes aéreos, los circuitos integrados, las computadoras, Internet, los teléfonos móviles, etc. Pronto, los automóviles y camiones sin conductor serán una realidad, y eso también se convertirá fácilmente en parte de nuestra realidad. Lógicamente, los aviones sin piloto deberían ser los siguientes.

El tema es que, con cada avance tecnológico, la humanidad se altera para siempre. Todos los que vivimos en 2018 somos marcadamente diferentes de las personas que vivieron en 1918. La diferencia no es (mucho) en la constitución de nuestros cuerpos (que cambia lentamente), sino en el funcionamiento de nuestra mente (que cambia con rapidez, y eso es lo que nos define).

El ritmo de este cambio solo se acelerará. Esto no es negativo ni positivo, simplemente ocurre de facto. Creo que es muy interesante examinar las historias humanas en el contexto del cambio tecnológico y la mejor manera de hacerlo es extrapolar la investigación científica y especular sobre lo que puede deparar el futuro. Esto nos dará una idea de quiénes somos y en qué nos estamos convirtiendo.

Personalmente, cierta parte del discurso de tu película me ha recordado a Frankenstein. ¿Se encontraba la novela de Mary Shelley entre tus referentes?

Como escritor / cineasta de ciencia ficción y amante de la literatura en general, me da vergüenza admitir que nunca he leído Frankenstein. Por supuesto, conozco el esbozo general de la historia, y soy muy consciente de su condición de obra seminal dentro del género de terror y ciencia ficción. Lo cierto es que me han hecho esta pregunta algunas veces, y ahora, después de este cuestionario, he decidido finalmente dedicar algo de tiempo para investigarlo.

En realidad, las dos novelas que más influyeron a la hora de dar forma a Chimera fueron Otra vuelta de tuerca (The Turn of the Screw, 1898) de Henry James y El sentido de un final (The Sense of an Ending, 2011) de Julian Barnes. La primera me impresionó con su uso innovador y subversivo del “narrador poco confiable” y la última me impresionó con su exploración sutil y sensible de la naturaleza de la memoria.

En cuanto a las películas que más influenciaron en Chimera están La posesión (Possession, 1981), La mosca (The Fly, 1986) y Gattaca (Gattaca, 1997). Como mencioné anteriormente, Pi, fe en el caos, fue con lo que comencé, así que hasta cierto punto también se puede considerar una influencia.

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En el reparto de Chimera has contado con la participación de dos actores populares como Henry Ian Cusick y la nominada al Oscar Kathleen Quinlan. ¿Cómo conseguiste involucrarles en el proyecto?

Todo el mérito de conseguir a estos increíbles actores es de nuestro director de casting, Mark Tillman. La mayoría de los directores de casting no estaban dispuestos a entrar en nuestro proyecto y, después de ser rechazados por casi todos en Los Ángeles y Nueva York, nos emocionamos cuando finalmente Mark me envió un correo electrónico para decirme que había leído el guion y que estaba dispuesto a hablar con nosotros. Obviamente, él sabía que éramos nuevos en el cine, pero mostró una gran determinación y compromiso. Mirando ahora en perspectiva veo y aprecio el gran riesgo que asumió al confiar en nosotros.

No obstante, en ese momento Mark había subestimado lo difícil que iba a ser convencer a los agentes y managers de que incluso leyeran el guion, y mucho menos que presentaran el proyecto a sus clientes. Durante meses, Mark lo intentó y se chocó contra muros de piedra. Finalmente, gracias a su obstinación y tenacidad, Mark pudo llevar el guion al manager de Ian y, a través de él, al propio Ian. Afortunadamente, Ian se enamoró del guion y aceptó tener una conversación por Skype conmigo. Ambos conectamos muy bien, ya que nuestras sensibilidades y gustos en cine y literatura son muy similares, por lo que teníamos mucho en común, e Ian me dio una oportunidad. Y debo decir que no puedo estar más contento de que aceptara ser parte de Chimera: transformó y elevó por completo nuestro proyecto.

A pesar de tener a Mark e Ian a bordo, tuvimos problemas para encontrar a una actriz que pudiera encarnar la combinación correcta de diversión y crueldad que demandaba la interpretación de Masterson. Aunque teníamos muchas buenas candidatas, incluso dos semanas antes del rodaje, todavía no teníamos a “la elegida”. Sin embargo, casi simultáneamente, Mark e Ian propusieron el nombre de Kathleen Quinlan. De alguna manera, Mark pudo enviarle el guion (a través de su agente y manager). Durante la llamada telefónica, Kathleen hizo muchas preguntas sobre el personaje y sus motivaciones, algunas de las cuales no me había preguntado nunca a mí mismo. Esto me obligó a sumergirme más en profundidad en la psique del personaje y desarrollarla aún más. En ese momento supe que Kathleen era absolutamente la opción correcta para interpretar a Masterson.

En este sentido, el hecho de que la película esté protagonizada en sus personajes principales por actores anglosajones y se haya rodado en inglés denota el hecho de que Chimera esté orientada principalmente hacia el mercado internacional…

Creo que el mundo se ha abierto lo suficiente como para que la etnicidad de los actores no sea importante en comparación con la calidad de sus actuaciones y los méritos de la película. Así que nos acercamos al casting de Chimera sin ninguna noción preconcebida de identidad racial, nacional o étnica para ninguno de los personajes, excepto los de los niños, que habíamos decidido que serían los propios hijos de Jay y el mío, por lo que sabíamos que uno de sus padres en la ficción tendría que ser indio. Una vez que Ian (que es peruano-escocés) subió a bordo, la única forma de explicar la etnia de los niños (Raviv y Kaavya) era encontrar una actriz de origen indio que interpretara a su madre, Jessie. Esta fue la única vez que tuvimos un requisito étnico para el casting. Sin embargo, las actrices que Mark audicionó y propusieron fueron una mezcla de etnias, incluidas algunas de Oriente Medio y otras de origen sudamericano. Encontramos un sorprendente número de actrices de origen indio con mucho talento en Los Ángeles, aunque debo decir que solo necesitaba una reunión con Karishma Ahluwalia para saber que iba a ser Jessie.

Lo cierto es que los únicos actores realmente anglosajones son Kathleen y Jenna Harrison. Para el papel de Charlie estuvimos haciendo castings en Los Ángeles y vimos actrices de todas las etnias. De alguna manera, Jenna, que vive en Londres, se enteró del proyecto, su agente se puso en contacto con nosotros y ella envió varias cintas que nos dejaron alucinados.

Como empresarios, el objetivo siempre fue posicionar a Chimera en el mayor mercado posible, que es el mercado internacional. Creo que los temas de la historia son universales y la película tiene elementos que atraerán a los amantes del cine en general, aunque desde el punto de vista comercial puede tener sentido resaltar los aspectos de terror y ciencia ficción.

En Occidente tendemos a identificar al cine indio con Bollywood. ¿Cuál es la situación del cine fantástico en tu país y qué tipo de distribución tiene allí una película como Chimera?

Sería tonto por mi parte pintar toda la producción cinematográfica de una nación o cultura de un solo brochazo. Al igual que cualquier otra nación / cultura que produzca entretenimiento filmado, la India también produce algunas películas que amo y con las que me conecto, y otras que no me atraen.

Creo que el público indio, como el público de otros países del mundo, tiene gustos amplios y variados, y hay un mercado de cine bien hecho, inteligente, estimulante y entretenido que incluye productos clasificados como de terror y/o ciencia ficción. El desafío para nosotros, no solo en la India, sino en todos los países del mundo, es encontrar distribuidores que sepan cómo llegar a esta audiencia y que también crean en Chimera. No es fácil, pero como todo lo demás, vamos a intentarlo lo mejor posible.

Me encantaría que Chimera obtuviera un gran lanzamiento en la India, al igual que en cualquier otro país. Creo que Chimera será bien acogida por los aficionados al terror / ciencia ficción… que están en todas partes. La suya es una fraternidad que trasciende las fronteras nacionales y se extiende por el mundo.

Según creo, te encuentras ya trabajando en tu segunda película, The Archetype. ¿Qué puedes adelantar de ella?

Continúo cautivado por los avances en biotecnología, el aumento de la esperanza de la vida humana y la ciencia/ficción sobre la inmortalidad y el transhumanismo. Por lo tanto, esos temas vuelven a tener su lugar en The Archetype.

En los últimos años los científicos han realizado grandes avances en la edición de genes (especialmente CRISPR / Cas-9 y las técnicas de nucleasas con dedos de zinc), y casi todos los días surgen noticias que informan sobre la modificación de genes que podrían servir para combatir las enfermedades. Creo que a medida que estas tecnologías se refinen y desarrollen en los próximos veinticinco – cincuenta años, mejorarán drásticamente nuestras vidas y alterarán para siempre la experiencia humana.

También estoy intrigado con la idea de cargar mentalmente y reproducir la conciencia humana dentro de una máquina. Una vez que se crea esa conciencia, se convierte en una entidad independiente que se separa de la contribución humana. ¿Cómo entendería y reaccionaría esta nueva máquina-conciencia-entidad a conceptos humanos como el amor, las relaciones, la emoción, etc.? ¿Cuáles serían sus objetivos de vida, qué actividades le traerían felicidad, cómo vería, interactuaría y coexistiría con nosotros? ¿Aceptarían construcciones humanas como la familia, la sociedad, la jerarquía, el gobierno, etc., u operaría fuera de estos constreñimientos? Me parece que es algo muy interesante.

Ya completé el guion y comencé a desarrollar esta segunda película, The Archetype, que explorará más a fondo estos temas y su impacto en las relaciones humanas. Espero poder hacerla.

José Luis Salvador Estébenez

[1] Se refiere a Jay Sitaram, productor y compañero de Heems desde el origen del proyecto.

  • El autor quiere expresar su agradecimiento a Inge Goikoetxea por todas las gestiones y molestias que se ha tomado para que la presente entrevista pudiera llevarse a cabo.
Published in: on mayo 18, 2018 at 6:15 am  Dejar un comentario  
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Lo peor del cine español el próximo domingo 20 de mayo en Madrid en el show “Cinecutre en vivo”

Poster Cinecutre Spanish Edition

El espectáculo de humor “Cinecutre en vivo” vuelve a Madrid este domingo 20 de mayo con una entrega especial dedicada al cine español, donde se repasarán algunas de las peores producciones fílmicas de la historia de nuestro país. La cita será a partir de las 20 horas en el local El Chico Feo (C/ Covarrubias, 21) y los conductores del montaje serán, como es costumbre, Carlos “Oso” Palencia, director del festival Cutrecon y colaborador habitual del programa “Hoy empieza todo” de Radio 3, y Vera Montessori, cómica profesional y guionista de televisión en programas como “LocoMundo” del canal #0 de Movistar +.

“Cinecutre en vivo” es un show multiformato único en Madrid que combina monólogos de humor, sketches en directo y extractos de películas, para recorrer en clave de comedia lo peor del cine de serie B/Z. Sus responsables, veteranos de la web de cine y humor Cinecutre.com, lo definen como “un viaje a las profundidades abisales del celuloide”, donde se dan a conocer algunas de las películas “más delirantes, ignotas y chapuceras de todos los tiempos”.

Una de las principales características que definen a “Cinecutre en vivo” es la cercanía con el espectador, ya que durante el espectáculo se permite al público interaccionar con los presentadores y hacer preguntas, como si de una clase se tratara. Con más de quince años de existencia, Cinecutre.com ha acumulado durante ese tiempo gran información sobre cine marginal y a sus responsables se les puede considerar verdaderos expertos en la materia, por lo que aquellos que estén interesados en ampliar sus conocimientos sobre cine y no le hagan ascos a ningún tipo de películas, tienen con “Cinecutre en vivo” una “gran oportunidad de divertirse y aprender al mismo tiempo”, señala Palencia.

Las entradas para el próximo especial cine español de “Cinecutre en vivo” se encuentran ya a la venta por 8 euros con consumición incluida en las webs de Atrapalo y Entradium.

Published in: on mayo 17, 2018 at 5:20 am  Dejar un comentario  

FANT cierra su vigésimo cuarta edición con un aumento del 6% de público

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El Festival de Cine Fantástico de Bilbao – FANT ha cerrado su vigésimo cuarta edición con un total de 10.593 asistentes, lo que supone un 6% de incremento con respecto a 2017, año que ya supuso la mayor afluencia en la historia del festival que organiza el Ayuntamiento de Bilbao, y que encadena siete años consecutivos de crecimiento, tanto en horas de cine programadas, como en público que asiste a las salas.

De las más de cincuenta proyecciones programadas, colgaron el cartel de completo el largometraje de Sección Oficial, November de Rainer Samet, y la proyección especial de Errementari, ópera prima del premio FANTROBIA 2018, Paul Urkijo. Además tuvieron cerca de un 90% de entrada la proyección de The Endless y Matar a Dios, ambas pertenecientes a la Sección Oficial, así como la sesión de cortometrajes internacionales.

Merece la pena destacar también la buena acogida de la gala inaugural en el Teatro Campos y la proyección de cortometrajes vascos a concurso. Además, un total de 920 personas asistieron a las proyecciones de Pre-FANT durante la semana previa al inicio del festival, y 1.520 escolares asistieron a las sesiones de FANTEskola.

Por otra parte, por primera vez en la historia del certamen en esta edición se falló el Premio del Público, recayendo en el largometraje Tigers are not Afraid de Issa López, que obtuvo una nota de un 4,46 (sobre 5). Por último, la sala 2 de acceso gratuito, por la que han pasado 1.200 personas, ha tenido un notable nivel medio de ocupación llegando al 65% con los clásicos proyectados en homenaje a Tobe Hooper y George A. Romero. La asistencia a las proyecciones de la Sección Panorama Fantástico también ha crecido en esta edición con una entrada media cercana al 60%.

CINEASTAS

Un año más las y los aficionados del género han tenido ocasión de acercarse a los cineastas y comentar con ellos sus trabajos. De las películas a competición proyectadas dentro de la Sección Oficial Issa López, Albert Pintó y Caye Casas, Justin Benson y Aaron Moorhead, Karl R. Hearne, Marc Martínez, Maurice Haeems y Lucio A. Rojas acompañaron con su presencia a sus respectivos films, además de varios realizadores de Panorama del Fantástico, como Andrés Goteira, Norberto Ramos, o Marcelo Schapces.

En la jornada inaugural, FANT 24 recibió la visita del realizador norteamericano, Joe Dante, galardonado con la Estrella del FANTástico 2018. Como ya es habitual, pasaron también por el festival las y los realizadores vascos presentes en esta edición, tanto en FANT en Corto, como en proyecciones paralelas.

Published in: on mayo 16, 2018 at 5:38 am  Dejar un comentario  
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Mosquito

Título original: Mosquito

Año: 1995 (Estados Unidos)

Director: Gary Jones

Productores: Eric Pascarelli, David Thiry

Guionistas: Tom Chaney, Steve Hodge, Gary Jones, según argumento de Gary Jones

Fotografía: Tom Chaney

Música: Allen Lynch, Randall Lynch

Intérpretes: Gunnar Hansen (Earl), Ron Asheton (Hendricks), Steve Dixon (Parks), Rachel Loiselle (Megan), Tim Lovelace (Ray), Mike Hard (Junior), Kenny Mugwump (Rex), Josh Becker (Steve), Margaret Gomoll (Mary), John Reneaud, Joel Hale, Guy Sanville, Patrick Butler, Patricia Kay Jones, Howard Brusseau Jr., Steve Hodge, Ken Laplace, Bryan Jones

Sinopsis: Una nave extraterrestre se estrella en la Tierra, en un pantano de Norteamérica, y un mosquito se alimenta del cadáver de uno de los tripulantes. Un tiempo después, la zona estará infestada por mosquitos gigantes que atacarán a los seres humanos que recorren el lugar.

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La presente película integra la temática de lo que Juan Antonio Molina Foix denominó “animales en rebeldía”, así como otra de gran tradición como es la de los animales gigantes, variedad insectos. Aquí, tenemos mosquitos del tamaño de un perro de los grandes, que atacarán a un grupo de personajes, así, una pareja de excursionistas, un científico que anda tras la caída de un presunto meteorito (la nave espacial de la sinopsis), unos atracadores y un ayudante de sheriff, único superviviente de un ataque masivo (y que no veremos, solo sus resultados).

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La primera mitad de la cinta es lo peor de la misma, y cuesta bastante soportarla, pues está saturada de un humor cretino, muy característico de estas producciones baratas que, acaso conscientes de sus limitaciones, intentan impregnar el conjunto de un cierto tipo de “ironía” para justificar su falta de trascendencia, coherencia e, inclusive, solidez. Este tipo de humor, por supuesto, está lejos del de cualquier comedia de nivel, y suele ser burdo, facilón e insoportable. Ello es servido, además, por unos actores que rozan el nivel de amateurismo, además encarnando a unos personajes basados en el trazo grueso y la estupidez.

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Después, no es que la cosa mejore, pero al menos comienzan a suceder acontecimientos, los mosquitos atacan masivamente, y se crea un ejercicio de supervivencia burdo, pero que al menos aporta lo que una cinta de estas características promete. El responsable de todo el cotarro es Gary Jones, antiguo ayudante de dirección en Xena, la princesa guerrera. Este es su debut como realizador, al que seguiría unos episodios en la referida serie y otras, así como en películas del género como Spiders (2000) y Crocodile 2: Death Swamp (2002), los telefilmes Planet Raptor (2007), Xenophobia y Ghouls, de 2008, y el direct-to-dvd Boogeyman 3, del mismo año. Amén de ello, también ha trabajado en el campo de los efectos especiales, así la presente o algunas de las citadas, u otros títulos de mayor peso en el fantástico como Terroríficamente muertos o El ejército de las tinieblas. Su capacidad como director es muy limitada, y se confina a hilvanar las escenas una tras otra, sin esforzarse demasiado en que los actores saquen registros digamos realistas.

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La trama es tan convencional como es norma en estos productos, y hacia el final, cuando los protagonistas se refugian en una granja, se aprovecha y se homenajea a La noche de los muertos vivientes, así como al Tiburón de Spielberg en la escena de las confesiones antes del ataque final.

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Al menos, los efectos especiales son convincentes, con un buen diseño de los mosquitos y su efecto de vuelo, salvo algunas transparencias demasiado evidentes donde, además, las proporciones y la perspectiva están mal resueltas. Tampoco están demasiado logrados algunos de los muñecos que simulan las víctimas humanas de los mosquitos, y que rozan el terreno de la parodia.

Carlos Díaz Maroto

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Palmarés completo de la vigésimo cuarta edición de FANT


En la tarde-noche de ayer tuvo lugar la entrega entrega premios dentro de la ceremonia de clausura de la vigésimo cuarta edición del Festival de Cine Fantástico de Bilbao – FANT 24, en el que el Jurado de la Sección Oficial, integrado por el escritor y guionista, Joanes Urkixo; el realizador donostiarra Koldo Almandoz, y la periodista especializada en cine Janire Zurbano, ha otorgado el Premio FANT 2018 a la Mejor Película, al largometraje Mayhem del cineasta Joe Lynch.

El jurado de FANT se ha decantado por este film “por su incorrección política, por saber revisar el género de los zombis de una forma original y por su escenificación dentro de un espacio cerrado que lleva a una crítica salvaje del capitalismo”. El protagonista es Derek Cho, quien después de ser despedido injustamente de su trabajo, descubre que el edificio del bufete está en cuarentena por un misterioso y peligroso virus. El caos irrumpe en la oficina cuando las víctimas de la enfermedad comienzan a actuar siguiendo sus impulsos más salvajes.

En el apartado de cortometrajes, el jurado ha concedido el premio al Mejor Cortometraje al trabajo Bailaora España, 2018) de Rubin Stein. El tribunal se ha decantado por este trabajo de ficción por “su apuesta visual única y su sorprendente, original e hipnótica mezcla de géneros”.


El galardón al Mejor Cortometraje Vasco, según el criterio del jurado, ha sido para el trabajo de ficción Ziren (España, 2017) de Aitzol Saratxaga, por “su ritmo pausado a pesar de ser una propuesta de género y arriesgarse a reflexionar sobre la existencia del alma”.


Como novedad, esta edición la Unión De Actores Vascos – Euskal Aktoreen Batasuna ha fallado un premio a la Mejor interpretación de cortometrajes vascos. El galardón se ha concedido por unanimidad a Fernando Albizu por su papel en Aprieta pero raramente ahoga (España, 2017) de David Pérez Sañudo, “por defender un personaje complejo y ofrecer una mezcla de humor-ternura-terror manteniendo el objetivo del personaje claro sin caer en la caricatura y manteniendo una aparente cotidianidad que resulta creíble dentro de la atmósfera en la que se mueve”.

Por su parte, el público de la presente edición del Festival de Cine Fantástico de Bilbao – FANT 24 ha votado como Mejor Cortometraje a RIP (España, 2017) de Albert Pintó y Caye Casas. El premio del Público a la Mejor Película de Sección Oficial ha sido para Tigers are not Afraid de Issa López.

Por su parte, el jurado de Panorama, integrado en esta edición por el cineasta Daniel Romero, la directora de videoclips, cortos y documentales, Mentxu Sesar, y la directora del Festival Internacional de Cine Documental y Cortometraje de Bilbao – ZINEBI, Vanesa Fernández Guerra. El premio al Mejor Largometraje de Panorama ha sido para Dhogs de Andrés Goteira (España, 2017), “por ser una película poderosamente visual, cruda y muy directa, y sobre todo, por la invitación a la reflexión que nos hace sobre el consumo de violencia”, según ha explicado el jurado.

En el apartado de cortometrajes el premio ha sido para À Chacun Sa Malédiction (Bélgica, 2017) de Lorène Yavo, “por la creación de un universo especial y único, para hablar a través del fantástico de algo tan cotidiano como cercano”. El jurado ha concedido además una mención especial al corto Bye Bye Baby (España, 2017) de Pablo S. Pastor por la impecable dirección y el uso de la estética a favor de una historia muy cinéfaga.


PALMARÉS COMPLETO FANT 2018

PELÍCULA GANADORA FANT 24: Mayhem, (EE.UU, 2017) de Joe Lynch

Premio del Público FANT 24 al Mejor Largometraje: Tigers are not Afraid (México, 2017), de Issa López

PREMIOS FANT EN CORTO

Premio del Jurado Mejor Cortometraje: Bailaora (España, 2018) de Rubin Stein

Premio del Jurado Mejor Cortometraje Vasco: Ziren (España, 2017) de Aitzol Saratxaga

Premio del Público al Mejor Cortometraje: RIP (España, 2017), de Albert Pintó y Caye Casas

PREMIO MEJOR GUIÓN DE SECCIÓN OFICIAL CONCEDIDO POR LA ASOCIACIÓN DE GUIONISTAS VASCOS): Tigers are not Afraid (México, 2017), de Issa López.

PREMIO A LA DIRECCIÓN MÁS INNOVADORA DE LA SECCIÓN OFICIAL (CONCEDIDO POR EL CINE CLUB FAS): November (Estonia / Países Bajos / Polonia, 2017) de Rainer Sarnet

PREMIO A LA MEJOR INTERPRETACIÓN DE CORTOMETRAJES VASCOS (CONCEDIDO POR UNIÓN DE ACTORES VASCOS – EUSKAL AKTOREEN BATASUNA): Fernando Albizu por Aprieta pero raramente ahoga (España, 2017) de David Pérez Sañudo

PREMIO FANTROBIA 2018: Paul Urkijo

ESTRELLA DEL FANTÁSTICO 2018: Joe Dante

PREMIO AL MEJOR LARGOMETRAJE DE LA SECCIÓN PANORAMA: Dhogs (España, 2017) de Andrés Goteira.

PREMIO AL MEJOR CORTOMETRAJE DE LA SECCIÓN PANORAMA: À Chacun Sa Malédiction (Bélgica, 2017) de Lorène Yavo.

        • Mención Especial:

      Bye Bye Baby 

        (España, 2017) de Pablo S. Pastor

 

Published in: on mayo 12, 2018 at 9:23 am  Dejar un comentario  
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Juana la loca… de vez en cuando

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Título original: Juana la loca… de vez en cuando

Año: 1983 (España)

Director: José Ramón Larraz

Productor: José Frade

Guionista: Juan José Alonso Millán

Fotografía: Raúl Artigot

Música: Teddy Bautista

Intérpretes: Lola Flores (Isabel I ‘La Católica’), Beatriz Elorrieta (infanta Juana de Castilla), José Luis López Vázquez (Fernando II ‘El Católico’), Jaime Morey (Felipe ‘El Hermoso’), Manolo Gómez Bur (cardenal Cisneros), Quique Camoiras (fray Tomás de Torquemada), Juanito Navarro (Cristóbal Colón), Manolo Codeso (Pinto Gorgorao), Fernando Fernán Gómez (Sir Henry), Paloma Hurtado (infanta Isabel), Adriana Vega (Zoraida), Ángel de Andrés (duque de Medina Sidonia), Guillermo Montesinos (infante Juan), Roberto Camardiel, Adrián Ortega (conde de Cabra ‘Nalgaloca’), Francisco Cecilio (santo), Manuel de Blas (soldado), Blaki (barbero decapitado), Pepe Ruíz (marqués de Priego), Pat Ondiviela, José Jaime Espinosa (Wilfredo el Roñoso), Fabián Conde (Fray Capullo), Carla Duval (doncella), Víctor Israel (torturador), Laura Pérez, Almudena Serrada, Raquel Daína, José Segura, Consuelo Pascual, Luís Rico, Alberto Solá, Antonio Requena, Alfonso Castizo, Francisco Andrés Valdivia, José María Labernié, José Luis Chinchilla (carcelero), Emilio Linder, Javier Lozano, Antonio Ross, Enrique Menéndez, Pedro Luis Lavilla, Carmen Carrión, Maika Grey, Charly Bravo, José Ramón Pardo, Alfredo Enríquez, Anastasio Fuentes, Rafael Conesa, Katy Parra, Joaquín Solís, Pepa Serrano, Enrique García Santos…

Sinopsis: Los Reyes Católicos se preocupan por la obsesión de Torquemada de procesar a todo el mundo. Cisneros presenta amnesia senil y la infanta Isabel se ha vuelto republicana. Por si fuera poco, tienen que buscarle un marido a su hija Juana, visto su desenfreno sexual. Sin embargo, ninguno de los candidatos convence a la joven, hasta que dan con un joven playboy dedicado al mundo de la canción: Felipe, el Hermoso.

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En 1979 José Ramón Larraz hacía su primera incursión en los terrenos de la comedia con Polvos mágicos / Lady Lucifera, cinta que, aunque no se apartaba demasiado de las constantes de la típica españolada del momento, aportaba la novedad de estar ambientada dentro de un marco terrorífico. Quizás se debiera a este aspecto novedoso, pero lo cierto es que la película gozó de una excelente acogida comercial, lo que hizo que su productor, José Frade, encargara a Mariano Ozores la realización de dos películas cimentadas sobre idénticas coordenadas: El liguero mágico (1980) y Brujas mágicas (1981). No tendrían que pasar muchos años para que una situación muy parecida a ésta se volviera a repetir, pero en esta ocasión con los protagonistas cambiados, ya que sería Larraz, y de nuevo bajo producción de Frade, quien realizara una película, Juana la loca… de vez en cuando (1983), siguiendo los esquemas que había preestablecido poco tiempo antes una cinta del director de Los bingueros, en este caso la exitosa Cristóbal Colón… de oficio descubridor (1982).

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Y es que son tantas las semejanzas entre ambos títulos que casi se podría señalar al film del catalán como una secuela de Cristóbal Colón… de oficio descubridor, ya que, aparte de contar con un equipo técnico similar, lo que acaba por conferirle un aspecto visual muy parecido al de la previa, argumentalmente la película continúa en donde la otra la dejaba, es decir, tras el descubrimiento de América por parte de Colón, repitiéndose de este modo muchos de sus personajes dotados de similares características, e incluso, llegando a ser de nuevo interpretados por los mismos actores, caso de Torquemada y el cardenal Cisneros, encarnados, respectivamente, por Quique Camoiras y Manolo Gómez Bur, dentro de un reparto coral compuesto por varios de los actores más populares del cine español, caso de José Luis López Vázquez, Fernando Fernán Gómez o Lola Flores.

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A todas estas similitudes no es ajeno el hecho de que el guion fuera de nuevo firmado por el dramaturgo Juan José Alonso Millán, repitiendo de este modo la misma fórmula de aquélla: la recreación de hechos históricos entremezclados con una sátira del panorama político del país coetáneo a la producción de la cinta, aderezados con números musicales, una puesta en escena repleta de anacronismos y la exageración de los rasgos más conocidos de los personajes históricos —así, Torquemada es convertido en un nazi, Felipe el Hermoso en un playboy, Fernando el Católico en un calzonazos…—, lo que acaba provocando momentos de cierta hilaridad, como es el caso de aquellos en los que se alude a las costumbres higiénicas de Isabel la Católica —en este caso, fiel a la realidad histórica, exageraciones aparte—.

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Así las cosas, los resultados no se apartan en demasía a los logrados por Cristóbal Colón… de oficio descubridor, pese a que éstos se antojen mínimamente inferiores, en parte por el protagonismo de Beatriz Elorrieta[1], que si bien hace una lograda interpretación del carácter desequilibrado de la reina Juana, no posee la vis cómica de Andrés Pajares y su Cristóbal Colon —personaje este que, por cierto, también aparece en el presente título, aunque encarnado por Juanito Navarro—, en parte porque Larraz carecía del oficio y la buena mano para la comedia de Mariano Ozores. De todos modos, esto no fue óbice para que la cinta consiguiera el suficiente respaldo del público como para que el referido Frade se animara a rodar al año siguiente una tercera película con idéntica fórmula, de nuevo bajo guion de Alonso Millán y con director distinto, en este caso Angelino Fons, con la muy mediocre El Cid Cabreador (1983).

José Luis Salvador Estébenez

[1] Beatriz Elorrieta pertenece a una de las familias con más larga tradición de nuestro cine. Hija del fallecido director, guionista y productor José María Elorrieta, sobrino del mítico Edgar Neville, es hermana del también realizador, guionista, compositor y ocasional actor, Javier Elorrieta, asimismo padre de la actriz Bárbara Elorrieta.

Published in: on mayo 9, 2018 at 7:40 am  Dejar un comentario