Nace B-Retina, el Festival de Cinema de Serie B de Cornellà

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Los próximos 10 y 11 de julio tendrá lugar la primera edición de B-Retina, el Festival de Cinema de Serie B de Cornellà, el cual se llevará a cabo en la Biblioteca de San Ildefonso de esta localidad barcelonesa. El festival nace con la intención de potenciar el cine de Serie B, apoyar, dar visibilidad y facilitar el surgimiento de nuevos talentos, y crear sinergias entre las diferentes vertientes de la autoría de género, como literatura, fanzines, webzines, cómics, cine, etc. Para ello, se organizarán diferentes secciones, como concurso de cortos, proyección de largos, mesas redondas o Masterclass de Serie B, con las que alcanzar los objetivos marcado.

Más información en la web oficial www.bretina.cat, o a través de sus canales en las redes sociales:

– Facebook: https://www.facebook.com/pages/B-Retina/1438975593060683?fref=ts

– Twitter: www.twitter.com/bretina2015

Published in: on mayo 29, 2015 at 8:02 am  Dejar un comentario  

Entrevista a Víctor Matellano sobre su nueva versión del clásico de José Ramón Larraz “Vampyres”

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Coincidiendo con el estreno mundial de Vampyres, la nueva revisión del clásico de José Ramón Larraz, entrevistamos a su director Víctor Matellano (Wax, Zarpazos) para que nos hable de este nuevo trabajo y del libro conmemorativo que le acompaña. Vampyres podrá verse dentro de la tercera edición de Nocturna este viernes 29 de mayo a las 21:45 en los cines Palafox de Madrid. Ese mismo día, por la mañana, y dentro de las actividades paralelas organizadas por el festival, la FNAC Callo acogerá a partir de las doce de la mañana la presentación de la película y el libro, en un acto que contará con la presencia del propio Víctor y otros integrantes del proyecto.

¿Por qué volver de nuevo a Vampyres? ¿Cómo surge la idea?

La idea de volver a los personajes y ambientes de Vampyres fue del propio José Ramón Larraz. Hacía tiempo que nos planteamos trabajar juntos y al final tras sopesar diferentes opciones nos decidimos por esta. Era la opción que yo también sugería y que más me gustaba, pero fue él quien finalmente la eligió.

¿Qué es lo que te fascinó de Las hijas de Drácula para querer llevar a cabo este proyecto?

En realidad no hace tanto tiempo que yo veo por vez primera Las hijas de Drácula, quizá hace unos cuatro años. Aunque sí que había leído mucho sobre la peli e incluso tenía material publicitario entre mi colección de cine. También había visto ya otras de las películas de Larraz, incluso trabajé con él en una de niño haciendo figuración. Me pareció que tenía mucha fuerza la historia de Las hijas de Drácula para volver de nuevo sobre ella. Y eso se unía a las ganas de José Ramón.

¿Hasta qué punto estuvo Larraz involucrado en ella?

Como he comentado antes, la idea de volver a Vampyres es de José Ramón Larraz. Una vez que nos decidimos en Artistic Films, Angel Mora y yo, a intentan levantar el proyecto, Larraz plantea una serie de reflexiones a partir de Las hijas de Drácula, lo que le gustaba de aquella película y lo que no, se elabora un nuevo argumento y una primera versión del guion con él. La idea era al principio que Larraz y yo codirigiésemos. Después, al ir él enfermando, que al menos pudiese venir al rodaje y acompañarnos. Cosa que como sabéis se trunca al fallecer. Larraz tenía mucho interés en que la historia tuviese relación con los cuentos de brujas y fantasmas, y con su universo referencial, de Vampyr a los cuentos de Owen, aunque el concepto de este autor respecto al vampirismo era más elegante y no tan crudo, que aquí es más canibalismo. A eso se añade mi interés por películas de José Ramón como Whirlpool, por las primeras novelas de vampiros de la historia de la literatura, por el mito de la Condesa Báthory, y por un nuevo desarrollo de la historia, con personajes nuevos y otros que ya estaban, transformándolos o dándoles diferente presencia. También damos mucha importancia a la ambientación, a las localizaciones y al tempo de la narración, para crear un marco muy en la línea de la tradición inglesa del horror tale.

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¿Qué diferencia Vampyres de Las hijas de Drácula?

El punto de partida conceptual es el mismo que en su día le pidieron a José Ramón, “A lot of blood and a lot of sex“. Respecto a las diferencias. A nivel narrativo, sobre todo el tercer acto de la película, los nuevos personajes y las nuevas situaciones. Pero el punto de partida sigue siendo la atmósfera de perversión y el tratamiento clásico. Siempre lo hemos visto como un cuento de brujas. Personajes como Hansel y Gretel que se pierden en el bosque y encuentran la casa de la bruja. Ciertamente es otro estilo visual que aquel de Larraz, ahí entra el estilo personal por el que hemos optado y mi forma de mirar por la cámara, pero sigue predominando aquel concepto del esteticismo, la carne y la sangre, y la referencia al cómic, como los de la casa EC y The Vault of Horror, por ejemplo. A pesar de ser muy innovadora para su época, Las hijas de Drácula era deudora de la Hammer, Amicus y cine de terror inglés de finales de los sesenta y principios de los setenta. Vampyres, tiene un estilo pretendidamente retro, pero refiere más al cine de finales de los setenta y principios de los ochenta, que tanto a Ángel como a mí nos marcó. La idea es que una vez que los personajes se internan en el boque y en el caserón, el espectador se olvide de que estamos en una época más o menos actual.

Háblanos un poco de los actores que aparecen en la película…

Estamos muy contentos con el trabajo de los actores y actrices. Vampyres es una película de personajes. Tiene ese concepto de slasher que aparecía en la versión de los años setenta, pero potenciamos el conocer a las personas que circulan por nuestro particular universo, muy coral por cierto. Por un lado están las dos mujeres que regentan el hotel rural, interpretadas por Caroline Munro y Lone Fleming, dos auténticos iconos. Esos dos personajes conocen la clave de lo que ocurre en el territorio del mal. Por otro, Christian Stamm interpreta el personaje principal masculino, que busca el enigma de las desapariciones. Christian ha hecho un trabajo muy contenido, muy interesante. Luego están los acampados en el bosque, unos artistillas jóvenes que caen en las redes de las asesinas. Al respecto, hemos quedado muy satisfechos con el trabajo de los tres actores, Víctor Vidal, Anthony Rotsa, y sobre todo, Verónica Polo Bacorn, que es un hallazgo impresionante. El personaje de Christian sería algo así como el cazador en los cuentos, y los acampados y resto de gente captada en el bosque serían, digamos, nuestros Hansel y Gretel. Y las brujas de la fábula, las “vampiras”, son interpretadas por Marta Flich y Almudena León. Ambas tienen una fuerza tremenda, y ofrecen personajes poderosos, de mucho magnetismo. Además hay un elenco de colaboraciones ilustres como Fele Martínez, Luis Hacha, y de clásicos como Antonio Mayans, May Heatherly o Conrado San Martín. Y volviendo a la Munro, qué decir, una delicia. Además, contar con ella es una forma de entroncar con la Hammer y los films de vampiros más atrevidos en la cuestión sexual, que son los que se hicieron al tiempo que Las hijas de Drácula.

Víctor posa junto a Caroline Munro en una pausa del rodaje.

Víctor posa junto a Caroline Munro en una pausa del rodaje.

De nuevo has confiado en Colin Arthur para los efectos especiales.¿Qué te aporta él que no te aporten otros?

Varias razones. Colin estuvo en Las hijas de Drácula. Me parecía muy divertido que volviese a cumplir el mismo cometido cuarenta años después. Ahora Colin es un técnico más experimentado que entonces, aunque ya tenía ese talento innato. Ha tenido que hacer mucho más trabajo en esta ocasión, mucha sangre de la misma fórmula que utilizó para El resplandor, mordiscos, cortes, amputaciones… Colin, aparte de un icono de impresionante curriculum, es perfecto para un proyecto de estas características porque aporta un toque muy artesanal. Y es que esta película es bastante artesanal. Aún utilizando las nuevas técnicas, la hemos rodado en un estilo parecido a como si la hubiésemos rodado ocho o diez años después de la primera, con un estilo muy de finales de los setenta y principios de los ochenta. Hemos hecho muy pocos efectos digitales, casi todo es látex y efectos físicos.

Las hijas de Drácula, aunque en España no goce de la misma popularidad, es considerada una película de culto del Euro Horror a nivel mundial. ¿Cómo esperas que reaccionen sus grandes defensores ante esta revisión?

Espero que bien. De todas formas nosotros no sólo nos dirigimos a los fans de Las hijas de Drácula, si no también a nuevas generaciones de espectadores. Es común que alguien quiera volver sobre su obra y Larraz así lo quiso. Es algo que han hecho a nivel de producción Carpenter o Ridley Scott, muy común. ¿Porqué nosotros no? Creo que es una forma de acercar las historias a las nuevas generaciones. Es curioso que hables con los adolescentes de ahora, les preguntes por algún título de hace treinta años y te digan “esa peli es vieja”, y resulta que es del 85, por ejemplo, y eso les echa para atrás para verla. Si se presenta como un nuevo producto, podrá suscitar interés. Así es como se lo plantean los americanos, sólo hay que ver la cartelera actual: Mad Max, Poltergeist… Se vuelve a lugares comunes. Eso lo lleva haciendo el cine desde que es cine. No le dio miedo a Herzog con Nosferatu y tampoco nos da miedo a nosotros.

¿Qué planes tenéis para Vampyres tras su premiére mundial? ¿Será distribuida en cines, va a hacer el circuito de festivales, la vais a editar directamente en DVD…?

Respecto a festivales, el rodaje de la película se presentó en su día en el Festival de Sitges y ahora la película se estrena mundialmente en el de Madrid, Nocturna. Tendrá todas las ventanas posibles, cine, televisión, Dvd, internet… Y siempre con vocación internacional.

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Además de la película habéis editado un libro conmemorativo. ¿Qué escritores participan en él? ¿Qué información o material contiene?

La verdad es que es un lujo poder contar con una publicación complementaria a la película. Los textos son bilingües en inglés y español. Hay artículos tanto para recordar el concepto y contexto de Las hijas de Drácula como la elaboración de las dos películas. Contiene textos de Carlos Díaz Maroto, Ángel Agudo, Ángel Mora, Lone Fleming, Colin Arthur, del propio Larraz y de un servidor. Prólogo de Caroline Munro, abundante material gráfico y el guión inédito de Las hijas de Drácula estrenada en 1974.

¿Se podrá adquirir en librerías?

Librerías, grandes superficies, internet, para que se compre dentro y fuera de España.

¿Cuáles son tus próximos proyectos dentro del campo de la realización? ¿Continuarás con el terror o cambiarás de género?

Pues la idea es seguir con cine de género, pero también de ir probando otros géneros. Y sobre todo, la idea es continuar con proyectos.

¿Y en el terreno literario?

Un nuevo libro sobre uno de los clásicos de todos los tiempos, una película americana memorable….

Elena Anele

Published in: on mayo 27, 2015 at 7:32 am  Comments (1)  
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Memoria del dibujo español entre los lanzamientos de Cameo para junio

Entre los lanzamientos previstos para el próximo mes de junio por Cameo destaca la salida el día 24 de dos trabajos que, bajo formato documental, repasan ciertos aspectos historiográficos del dibujo español.

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Comencemos por Sólo para supervivientes (La historia de “El Víbora”), que, como su propio nombre indica, recorre la existencia de esta mítica revista de cómic para adultos desde su nacimiento en la Barcelona de 1979, hasta su cese de 2003. Conocida por su desagradable sentido del humor, su alto contenido en drogas, sexo y violencia y por ser máxima representante de la llamada “línea chunga”, fue la plataforma de salida para muchos de los más importantes dibujantes e ilustradores del país como Nazario, Max, Mariscal, Gallardo, Mauro Entrialgo o Miguel Ángel Martín, entre otros, quienes a través de sus viñetas mostraron las historias que se vivían en la calle en los días de la Transición y sus años posteriores. La combinación de underground americano de finales de los 60 con la tradición más costumbrista del tebeo español, hizo llegar el cómic adulto a un público masivo ávido de libertad. Editado en Dvd, el documental se ofrece con audio en versión original, subtítulos en inglés y castellano para aquellas partes habladas en catalán e imagen anamórfica. Como extras se incluyen entrevistas con los fundadores de “El Víbora”, el cortometraje El coito te nubla de Guillermo A. Chaia, así como un libreto de veinte páginas con prólogo de Onliyú y biografías de los entrevistados.

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El otro título en cuestión es Del trazo al píxel, un recorrido del mejor cine animado español compuesto por tres DVDs: el primero ofrece medio centenar de cortometrajes, el segundo una selección de anuncios de los míticos Estudios Moro y el tercero contiene el primer largometraje español animado para adultos, Historias de amor y masacre, restaurado para la ocasión. A través de estos tres DVDs no sólo queda reflejada la diversidad de técnicas que hace de la animación un arte sin límites, sino que se recorre la evolución estética de un país que ha conocido tiempos de carencias y aislamiento hasta convertirse en una de las canteras creativas más ricas del panorama internacional. Una edición de referencia que se completa con un libro de 160 páginas con información de cada título incluido.

Más información: http://www.cameo.es/

Published in: on mayo 26, 2015 at 6:40 am  Dejar un comentario  

Hantik Films pone a la venta el thriller de horror alemán “Dead Past”

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Hantik Films vuelve a la carga. Tras unos meses de inactividad, el sello francés responsable de la celebrada “The Scare-ific Collection” anuncia la salida para el próximo 5 de junio de una nueva referencia. Se trata de la producción alemana del pasado 2010 Dead Past, thriller de horror dirigido por Daniel Flügger.

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Protagonizada por la estrella televisiva Simon Gosejohann, y con la voz como narrador del doblador germano de Samuel L. Jackson, Helmuth Krauss, Dead Past narra el descenso a los infiernos de David, cuando decide regresar a la casa de campo en la que fuera asesinada su esposa en busca de respuestas que aclaren lo sucedido. Allí descubre que en algún momento el asesino retornará al lugar del crimen, por lo que decide pasar el invierno esperándole. Lo que no sospecha es que a lo que se enfrenta es, en realidad, a una maldición…

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Hantik Films lanza la película en una edición en Dvd en versión original con subtítulos en castellano y francés, que ya puede reservarse a través del siguiente enlace:

http://www.sinart.asso.fr/en/dead-past-35405

Published in: on mayo 25, 2015 at 7:32 am  Dejar un comentario  

Crónica de la XII Muestra Syfy de Cine Fantástico de Madrid

Un año más, y ya van cuatro, el Callao City Lights vistió sus mejores galas para acoger la celebración de la duodécima Muestra Syfy de Cine Fantástico de Madrid. Del 5 al 8 de marzo, el evento organizado por Versus Entertainment en colaboración con Universal Networks International volvió a acercar a la capital un corolario de títulos pendientes por el momento de distribución comercial en nuestro país con el que coger el pulso a la producción anual de género fantástico. Una iniciativa que, una vez más, contó con el respaldo del público madrileño, que acudió en masa a la llamada, tal y como pudieron comprobar en primera persona los viandantes que paseaban por la zona comercial de Preciados a decir de las enormes colas de gente que antes de cada sesión se desplegaban alrededor de la Plaza del Callao.

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Como es costumbre, la selección realizada presentaba sobre el papel de todo y para todos los gustos; desde exponentes puramente genéricos como la belga Cub, hasta propuestas autorales como la de A Girl Walks Home Alone At Night, pasando por experimentos inclasificables como el realizado por Jonathan Glazer en Under the Skin. Es cierto que se echaba a faltar una mayor presencia de trabajos correspondientes a nombres propios del fantástico, apartado que a duras penas era cubierto con la nueva película de Neill Blokamp, el regreso detrás de las cámaras de un Joe Dante en horas bajas, o la última locura del japonés Sion Sono, decantándose en su lugar la organización por una nutrida representación de títulos premiados en la pasada edición del Festival de Sitges, en la mayoría de los casos dentro de apartados menores. Una apuesta a caballo ganador que, paradójicamente, se dejaría sentir en el bajo nivel cualitativo ofrecido por la programación en términos generales.

Pero mejor dejemos las reflexiones para el final y comencemos esta crónica por donde toca; esto es, el principio:

JUEVES 5: ROBOTS HUMANOS

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Siguiendo con el desarrollo habitual de la Muestra Syfy, esta duodécima edición arrancaba con una primera jornada consagrada a una sesión inaugural que debía de servir de carta de presentación del certamen de cara a su público, y que tenía como plato fuerte de la noche el preestreno de un blockbuster hollywoodiense próximo a ser estrenado comercialmente en nuestras salas. Fiel a lo esperado, y con media hora de retraso sobre el horario previsto, aparecía sobre el escenario de la sala 1 del Cine Callao la maestra de ceremonias de la Muestra, Leticia Dolera. En un clima totalmente distendido, la actriz y realizadora repasaría a su particular y caótica manera la programación de este año, mostrándose más interesada en caldear los ánimos de los más exaltados por medio de supuestas gracias como el ya tradicional chiste hecho a costa de la rima con Canino. Todo un ejemplo de lo más significativo de los derroteros por los que parece que sus responsables quieren llevar a la Muestra, potenciando a toda costa el ambiente supuestamente festivo por encima mismo del visionado de las propias películas. Al menos hay que reconocer que, por fortuna, los peores augurios que estos primeros compases presagiaban no se cumplieron, y en líneas generales, y salvo momentos puntuales, las sesiones se desarrollaron dentro de una relativa tranquilidad, sin que se llegaran a repetir episodios tan irritantes y bochornosos como los vividos el año pasado durante el pase de la versión del francés Christophe Gans de La bella y la bestia, en la que las gracietas, por llamarlo de algún modo, y gritos constantes de ciertos elementos indeseables del público hicieron que la proyección fuera un auténtico suplicio. Algo es algo.

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Terminada su intervención, la presentadora cedería el testigo al director del certamen, quien tras los oportunos agradecimientos de rigor daría paso a su vez a la principal protagonista de la velada. Casualidad o no, el caso es que el título escogido para dar el pistoletazo de salida a esta Muestra 2015 guardaría no pocos puntos en común, tanto en la forma como en el fondo, con el cartel oficial de esta duodécima edición, comenzando por el hecho de que ambos versaran sobre el concepto de la inteligencia artificial. Se trataría de Chappie, tercer largo del sudafricano Neill Blokamp donde, siguiendo el modelo empleado en sus dos incursiones previas, se vale de una ambientación futurista para llevar a cabo una parábola social de corte humanista. Basada en un corte previo de su autor, al igual que ocurría en su aclamado debut Distrito 9, y con ciertas semejanzas con el clásico ochentero Cortocircuito, el film utiliza la historia de un robot que toma conciencia de su existencia para articular una reflexión sobre la propia condición humana bajo una envoltura de espectáculo para todos los públicos, lo que conlleva la asunción de ciertas concesiones comerciales. Una circunstancia que limita el calado de su discurso y la adopción de un tono que por momentos puede parecer algo ñoño, pero que en ningún momento invalida una propuesta que sobresale por derecho propio del actual panorama copado por aparatosas producciones fantásticas de usar y tirar. Con ella, Blokamp vuelve a reafirmarse como uno de los cineastas más interesantes del momento, si bien se haga urgente un cambio de rumbo en su carrera antes de que los síntomas de repetición y estancamiento que comienza a acusar su trabajo se hagan más evidentes. Quizás esa secuela-remake de la saga Alien en la que se encuentra trabajando en estos momentos sea el mejor escaparate para ello.

VIERNES 6: COMEDIAS FANTÁSTICAS

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A una hora bastante más temprana que en anteriores ocasiones, el segundo día de esta duodécima Muestra echaba a andar a eso de las tres y media de la tarde. Por delante quedaban cinco sesiones que tendrían en la comedia su principal denominador común. Y es que, no se sabe si de forma premeditada o no, el caso es que la distribución de la programación de este año agruparía las películas dependiendo de su afinidad genérica, tal y como pudo comprobarse con el discurrir de los días. La encargada de abrir el talón sería la neozelandesa Housebound, la primera de la nutrida representación de películas participantes en el pasado Festival de Sitges que se pudieron ver a lo largo del certamen. Escrita y dirigida por Gerard Johnstone, el film en cuestión se inscribe en un subgénero tan transitado en los últimos tiempos como es el de las casas encantadas, si bien lo hace de forma harto particular. El arresto domiciliario de la protagonista en el hogar materno, donde tienen lugar fenómenos en principio sobrenaturales, es el punto de partida de una narración que entremezcla comedia, terror y thriller, sin cargar las tintas en ninguna de las vertientes, y haciendo un inteligente uso de los resortes característicos de este tipo de relatos, hasta desembocar en un último tramo plagado de giros de guion a cada cual más sorprendente. Esta manifiesta capacidad para reinventar continuamente su metraje sobre la marcha y, con ello, las expectativas creadas por el espectador, es a la vez uno de los mayores logros y la principal pega de un conjunto cuya falta de definición genérica acaba por quedarse un poco en tierra de nadie, sin que resulte tan hilarante como se propone ni tan terrorífica como debiera. Con todo, se trata de un trabajo hasta cierto punto simpático, aunque solo sea por las excelentes prestaciones de su elenco interpretativo. Por cierto, que antes de su pase Leticia Dolera aprovecharía la consabida presentación de la película para arremeter con simpatía y no cierta ironía contra nuestro compañero y buen amigo Oscar Atxein de “La mansión del terror” por las críticas vertidas en su crónica de la inauguración de la consabida potenciación de ciertas conductas más propias de un patio de colegio que de una celebración cinematográfica a las que aludíamos antes.

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Mucho más ortodoxa se mostraría en la introducción a la segunda película de la tarde, Tokyo Tribe, en la que con un par de anécdotas pondría en antecedentes a los profanos acerca de la peculiar personalidad de su director, Sion Sono, cuya huella es plenamente visible en su cine. No en vano, su particular forma de concebir el hecho cinematográfico le ha hecho merecedor de la etiqueta de enfant térrible del cine japonés, lo que tratándose de una filmografía tan tendente a lo bizarro y la psicotronía como la nipona no es decir poco. Por si hubiera alguna duda, en Tokyo Tribe demuestra el porqué de este calificativo, con un trabajo que en más de un sentido prolonga lo expuesto en su anterior Why Don’t You Play in Hell? Tanto es así que, si en aquella ofrecía su personal homenaje al séptimo arte, esta vez es la cultura hip-hop la que centra este alucinado cruce de caminos entre The Warriors y West Side Story, basado en un manga de Santa Inoue. El partir de un material ajeno no es impedimento para que Sono se lo lleve a su terreno, dando forma a un musical de dos horas de duración sobre una guerra de bandas callejeras a ritmo de rap, rodado según los cánones estéticos y narrativos de la serie Z del país del Sol Naciente, pero con una factura visual, un apabullante dominio de la técnica y, en fin, un nivel productivo que para si quisieran este tipo de cintas. El resultado es tan excesivo como se podría antojar en un principio, siendo uno de esos ejemplares incapaz de dejar indiferente a nadie: o se le ama o se le odia, así de simple. Por desgracia, en el caso que nos ocupa fueron mayoría los que no comulgaron con sus formas, pasando por alto las muchas virtudes que atesora uno de los títulos más interesantes, atrevidos y transgresores de esta Muestra. Sirva como ejemplo la forma en que sintetiza la mentalidad de cierto tipo de rap al hacer que el desencadenante de toda la trama sea el ego por ser el que la tiene más grande.

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Tras la fría acogida dispensada a Tokyo Tribe era turno de ver lo que daba de sí Burying the Ex, el último trabajo de un director con cuyas imágenes había crecido buena parte de los presentes: Joe Dante. Cinco años después de su anterior Miedos 3D, el autor de la mítica Gremlins se vuelve a poner detrás de las cámaras con esta comedia romántica de terror con la que, sin traicionar sus raíces, intenta rejuvenecer su cine acorde a los nuevos tiempos. Pero ni la adopción de un argumento centrado en los devenires de un triángulo amoroso formado por veinteañeros, ni la participación de varias promesas del Hollywood actual como Anton Yelchin, Ashley Green o Alexandra Daddario sirven por sí solos para aportar savia nueva a una propuesta que suena a ya vista, y que, lo peor de todo, tampoco es que haga nada por ocultarlo. Por el contrario, su responsable parece estar más preocupado por trufar cada plano de guiños cinematográficos, con especial predilección en los dedicados al cine de terror italiano –cf. la ex-novia que regresa de entre los muertos para complicar la vida del protagonista se llama Evelyn, en clara referencia al film de Emilio Miraglia La noche que Evelyn salió de la tumba-, en lugar de intentar apartarse de caminos demasiado trillados a estas alturas. No quiere decirse con ello que se trate de un mal film. Es más bien una cuestión de expectativas. Y que, viniendo de alguien que entre finales de los setenta y principios de los ochenta legaría gemas indiscutibles del fantástico como Pirañas, Aullidos o la mencionada Gremlins, por solo citar las más célebres, uno esperaba algo más que un trabajo tan insustancial como el presente, cuyo único valor reside, precisamente, en evidenciar las dificultades de su veterano director para conectar con los gustos del público actual.

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Con la sala repleta y cierto retraso sobre el horario previsto, sobre las diez y media de la noche daba comienzo la que a priori estaba diseñada como la sesión estrella de la jornada. Obviando el momento chorra de costumbre cortesía de Leticia Dolera, la sesión se iniciaba con nuestro antiguo colaborador Paco Fox sobre las tablas del escenario presentando el crowfunding para financiar su proyecto-homenaje al cine de serie Z Cine Basura: la película, que tras haber recaudado el dinero necesario se encuentra en estos momentos en plena fase de rodaje. Terminados los momentos publicitarios, el productor de Safari presentaba ante el público el que iba a ser el primero de los representantes de la selección de cortos programados por la Muestra en colaboración con Canal + por segundo año consecutivo. Tomando como base un tema por desgracia tan actual como el acoso escolar y las matanzas cometidas por alumnos en recintos estudiantiles, el zamorano de nacimiento y asturiano de adopción Gerardo Herrero –no confundir con el veterano cineasta y productor de idéntico nombre- da buena muestra de sus dotes como realizador con un trabajo de hechuras cinematográficas que destaca por la ingeniosa forma con la que, por medio de la fragmentación narrativa, logra dotar de un acentuado sentido del suspense a un hilo argumental en realidad mínimo. No debe pues extrañar los muchos reconocimientos recibidos desde su estreno en la Semaine de la Critique de Cannes, entre los que destaca su reciente nominación al mejor cortometraje de ficción en los Goya, y el SITGES CINE 365 FILM entregado por el certamen catalán en colaboración con la productora Apaches Entertainment y Cine 365, cuyo premio consiste en la financiación de un largometraje.

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A continuación, era momento entonces para el plato fuerte de la noche. Nos referimos, claro está, a Lo que hacemos en las sombras, segundo título del día procedente de Nueva Zelanda y que aterrizaba en la Muestra con el aval que suponía el haberse alzado con los premios del público del Festival de Sitges y la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián. Con evidentes puntos en común con el belga Vampires de Vincent Lannoo, otro falso documental de hace un par de temporadas, la cinta coescrita y codirigida por Taika Waiti y Jemaine Clement, intérpretes también de dos de los papeles principales, se sumerge en el día a día de un grupo de vampiros que comparten piso en la Nueva Zelanda de hoy. El contraste entre la cotidianidad del modo de vida de la juventud actual pasado por la singular mitología de su grupo protagonista, a través de los cuales Waiti y Clement satirizan algunas de las encarnaciones vampíricas más extendidas dentro de la cultura popular, conforman la base de la propuesta. Un planteamiento interesante, sin duda, pero que no daba para un largometraje, lo que provoca que, transcurrido el ecuador del metraje, empiecen a flaquear las ideas y su discurrir acabe pecando de reiterativo, perdiendo así gran parte de la chispa y brillantez que poseía hasta el momento. No obstante, estas pegas no quitarían para que su pase resultara todo un éxito, como quedaría demostrado por las sonoras carcajadas que arrancarían sus ocurrencias entre gran parte de los asistentes, quienes no dudarían en ovacionarla en señal de aprobación una vez los títulos de crédito asomaron en la pantalla.

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Por si aún el apetito del personal aún no había quedado saciado, la sesión de madrugada tenía reservada a los más valientes una nueva comedia terrorífica, Hunger Z, cuyo supuesto gamberrismo debía de servir para poner la guinda a esta segunda jornada. Procedente del lejano Oriente, se trataba de un prototípico representante de la psicotrónica Serie Z japonesa a la que nos referíamos al hablar de Tokyo Tribe, un poco en la onda trash del cine de Noboru Iguchi, de quien no por casualidad pudimos ver hace un par de años en este mismo marco y con idéntico horario su Dead Sushi. En el caso de Hunger Z, también conocida internacionalmente como Hunger of the Dead, se encuadra en el sobresaturado subgénero sobre muertos vivientes por medio de una premisa sorprendentemente atractiva: en un futuro cercano dominado por los zombis, los humanos no infectados son confinados en granjas donde son obligados a reproducirse para procurar así alimento a sus amos. A pesar de las jugosas posibilidades a las que se presentaba semejante punto de partida, ni qué decir tiene que su desarrollo se desplaza desde el primer momento por los terrenos de la comedia gore. Nada raro, por otra parte, en vista de sus antecedentes. Lo preocupante está en la forma en que lo hace. Plana, sin gracia, interminable, pese a su ajustada duración de hora y cuarto, carente del más mínimo sentido del delirio y acreedora, además, de un look visual entre amateur y cutre, sus resultados no cumplen siquiera las funciones básicas que habría que pedirle a un producto de sus características. Buena muestra del nivel por el que se mueve la cinta está en la sobresaturación de planos recursos protagonizados por muñecas de porcelana, en lo que queda la duda de si es un intento por crear una broma a base de su exagerada repetición, o simplemente consecuencia de las escasas aptitudes de su debutante director, el ignoto Naoto Tsukiashi.

SÁBADO 7: CINE DE GÉNERO

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Las altas horas a las que concluiría el pase de Hunger Z no impidieron que la jornada del sábado comenzara bien temprano. Lógico, al tratarse de la más numerosa del festival, con la proyección de media docena de películas y dos cortos repartidos en seis sesiones. De este modo, a las doce del mediodía tenía lugar el “Syfy Kids”, el espacio dedicado por la Muestra a los más pequeños de la casa. En esta ocasión el título seleccionado para tal menester sería una de las obras maestras de Hayao Miyazaki, Mi vecino Totoro, nombrada por la revista británica Time Out como “la mejor película de animación de la historia”, según figura en la Wikipedia. Con el fin de acercarla aún más al público al que iba dirigida la propuesta, la película sería proyectada en su versión doblada al castellano, lo que no evitaría sin embargo que la sesión se saldara con una afluencia inferior que en anteriores ocasiones, presentando la sala 1 del Callao City Lights alrededor de media entrada.

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Dos horas de parón más tarde y ya con su público habitual, la Muestra regresaba tal cual lo había dejado. No solo porque lo hiciera nuevamente con una película de dibujos animados, que también, sino por la semejanza que el título en cuestión arrojaría con el cine del mentado Miyazaki. Debut en solitario del irlandés Tomm Moore, tras codirigir en el 2008 junto a Nora Twomey El secreto del libro de Kells, Song of Sea se presenta como una fábula sobre la necesidad de afrontar la pérdida y los sentimientos que ello conlleva, articulada mediante el iniciático viaje emprendido por sus dos hermanos protagonistas. Su nominación a los Oscar de este año dentro de su categoría hablan bien a las claras de la calidad de esta coproducción europea de corte clásico en sus formas y narrativa, que a un servidor le recordó en más de un sentido a esa desconocida joya de nuestra animación que es El mago de los sueños de Francisco Macián. Dentro de sus innumerables aciertos, conviene no pasar por alto su excelente uso de la mitología irlandesa como base de su recorrido argumental, lo cual es ratificado por el acompañamiento sonoro de melodías celtas que pueblan su banda sonora y arropan la belleza plástica de sus imágenes, si bien en su contra quepa recriminarle el que su carga metafórica resulte demasiado evidente y predecible, mientras que su tono demasiado infantil y sensiblero no pegaba demasiado con el estilo habitual de la Muestra.

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Sin abandonar las relaciones familiares, y ya con Leticia Dolera en la sala, quien había estado ausente en las dos proyecciones previas, la segunda sesión de la tarde nos traía a Goodnight Mommy, título internacional de la austriaca Ich seh, Ich seh, la cual ha supuesto el primer largo de ficción del tándem formado por Severin Fiala y Veronika Franz, quienes a su vez firman también el libreto. Ganadora del Premio de la crítica y del “Méliès d’Argent” al mejor largometraje en la pasada edición del Festival de Sitges, la ópera prima de Fiala y Franz entremezcla el clásico setentero El otro con la asepsia estética y perversidad discursiva de su paisano Michael Haneke, adaptando para ello determinado estilo muy característico de cierto cine europeo de pretensiones autorales. No por casualidad, la exagerada influencia que a nivel argumental y de puesta en escena ejerce el citado film de Robert Mulligan, hasta el punto de antojarse una suerte de remake encubierto, junto a su frialdad expositiva, provoca que su discurrir narrativo resulte en todo momento tedioso y previsible, tan solo animado por la sequedad con la que es mostrada la violencia y vejaciones que los dos infantes protagonistas someten a la que ellos no reconocen como su madre y que ocupa el último tercio de metraje.

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Quizás por aquello de las sincronías, o tal vez por la abundancia de ellas en la programación, de una galardonada de Sitges pasaríamos a otra con Spring, merecedora de una mención especial en el certamen catalán, y curiosamente también dirigida por una pareja de directores al igual que la previa. Dos años después de su presentación en sociedad con la atmosférica y sensorial Resolution, los estadounidenses Aaron Moorhead y Justin Benson dan un gigantesco paso adelante en su evolución como cineastas con una obra mucho más ortodoxa, a pesar de compartir ciertos elementos comunes, que evidencia la extraordinaria madurez alcanzada por el dúo en tan corto espacio de tiempo. El que su argumento funcione independientemente tanto como una cinta de género al uso como una fábula romántico-fantástica ejemplifica la riqueza de matices que posee una película repleta de lecturas y plena de sugerencias, basada en el desarrollo de sus personajes. La contraposición entre la mentalidad mediterránea y anglosajona aprovechando su ambientación en Italia es solo uno de los muchos diálogos interesantes de un conjunto que reflexiona sobre el amor, la muerte y la vida. Temas profundos y complejos, pero que son tratados con una total sencillez y naturalidad, sin caer en ningún momento en la pretenciosidad que podría esperarse en un principio. Sin lugar a dudas uno de los títulos más redondos vistos a lo largo de la Muestra, al que puestos a buscarle peros solo cabe reprocharle la excesiva dilatación de su último acto.

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Como quiera que no hay dos sin tres, antes del pase de Spring se proyectaría el corto Sangre y unicornio, otra nueva pieza protagonizada por un par de hermanos, con la particularidad de tratarse de dos osos de peluche a la caza de unicornios. Tan delirante punto de partida, en cuyo desarrollo adquiere resonancias bíblicas, es plasmado con una animación minimalista por Alberto Vázquez, al que durante su presentación nuestra simpar maestra de ceremonias confundiría con el responsable de los video-montajes del programa El intermedio de La Sexta. Le tocó rectificar en la siguiente sesión de dar paso a otro corto animado de tono surrealista titulado 365, cuya supuesta gracia consiste en estar compuesto por trescientos sesenta y cinco cuadros correspondientes a los días de un año, sirviendo así como resumen. Este sería el aperitivo de Cub, producción belga que, siguiendo con la tónica reinante, venía de formar parte del palmarés del último Festival de Sitges merced al reconocimiento conseguido por su novel director Jonas Govaerts.

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A caballo entre el survival y el slasher, el que a la postre se revelaría como el representante con una naturaleza más genuinamente genérica de toda la programación, se enmarca dentro de la oleada de títulos aparecidos en los últimos años que vienen reivindicando las bondades del cine fantástico realizado durante los años ochenta. En este sentido, la escena con la que se abre la cinta no puede ser más clarificadora al respecto. En ella se muestra a una chica corriendo por un bosque mientras trata de escapar de lo que a primera vista parece una criatura monstruosa, pero que más tarde descubrirá ser un niño asilvestrado con una máscara de un ser cornudo; de fondo, unos acordes a base de sintetizadores de indudables ecos carpenterianos suenan como banda sonora. Toda una declaración de principios de cómo, sin inventar nada nuevo, Cub da una ingeniosa vuelta de tuerca a este tipo de historias, ofreciéndolas desde un novedoso punto de vista. Para ello, la habitual pandilla de jóvenes ávidos de juerga, sexo y alcohol en algún remoto paraje son sustituidos por un grupo de boy scouts dispuestos a pasar un fin de semana en contacto con la naturaleza. Semejante cambio repercute en que durante su primera parte la mayoría de los mecanismos y lugares comunes acuñados por esta clase de cintas sean omitidos en favor a una mayor atención al desarrollo de los personajes y las relaciones existentes entre ellos, por más que no dejen de ser los mismos estereotipos de siempre. Para cuando una vez se inicie la cacería, y con ella la llegada de tropos más familiares, la película se desenvuelve con una precisión y eficacia dignas de elogio, destacando en el cómputo global del conjunto las ingeniosas trampas empleadas por el matarife de turno con el fin de atrapar a sus víctimas.

Leticia Dolera y Chris Orchard, responsable de los efectos visuales de "Crazy Bitches".

Leticia Dolera y Chris Orchard, responsable de los efectos visuales de “Crazy Bitches”.

Similares patrones narrativos, pero con muy distintos resultados, serían manejados por Crazy Bitches, la escogida para echar el cierre a la jornada en la sesión golfa y que estaría acompañada con la presencia en el escenario directamente llegado de Fantasporto de Chris Orchard, responsable de los efectos visuales de la película. Por más que haya que agradecer a la organización el tomarse la molestia de traer como invitados a miembros de los films proyectados, haciendo así que la Muestra no se limite a un simple encadenado de proyecciones, lo cierto es que a la hora de la verdad poco aportaría la intervención de Orchard. La culpa la tendría una vez más nuestra Leticia Dolera, que en lugar de hablar de Crazy Bitches como tocaba, se dedicó a preguntarle tonterías varias, como si le gustaba [REC 3] y cosas por el estilo. En fin… En cuanto a la cinta en cuestión, a juzgar por su título quien más quien menos esperaba que ofreciera grandes dosis de locura y desparrame. Unas apreciaciones que no podían estar más equivocadas, ya que, en realidad, nos encontraríamos ante lo más parecido a un capítulo de Sexo en Nueva York ambientado en un rancho. Y eso que, sobre el papel, su idea inicial parecía interesante, al proponer un slasher visto bajo la óptica de una mujer de cuarenta años, tomando como base la reunión de unas viejas amigas de la Universidad para celebrar el cumpleaños de una de ellas durante un fin de semana en el que saldrán a relucir toda clase de trapos sucios a la misma velocidad que el grupo va siendo diezmado por un misterioso asesino. Claro que todo el posible potencial que pudiera poseer se queda aquí, ya que Jane Clark, su directora y guionista, se descuelga con un trabajo plano y aburrido, montado a base de fundidos en negro, unas escenas de muerte de lo más flojas y, lo que es peor, todo ello pésimamente narrado. En resumidas cuentas, un bodrio de un nivel similar al visto en la misma sesión veinticuatro horas antes.

DOMINGO 8: ARTE Y ENSAYO

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Siguiendo con la división por temáticas practicada este año, si al viernes le había correspondido las películas cómicas y al sábado los ejemplares con raíces más genuinamente genéricas, la jornada del domingo estaría reservada para aquellos exponentes con pretensiones más autorales. Comenzaba a las tres y veinte de la tarde con la sueca L.F.O., cinta que debido a la falta de referencias acerca de su contenido hacía que lo que pudiera deparar su visionado resultara una auténtica incógnita, a pesar de acumular diferentes distinciones a su paso por el circuito de festivales. Finalmente se revelaría como un drama psicológico bajo las formas de una cinta de ciencia ficción minimalista que sigue los avances de un hombrecillo que durante sus investigaciones descubre el poder que la oscilación de las frecuencias bajas de sonido ejercen sobre la voluntad de las personas, lo que aprovechará para jugar a ser Dios con sus dos vecinos, mientras las apariciones de su difunta esposa le cuestionan la moralidad de sus actos. La gravedad que se podría extraer de semejante punto de partida es suavizada por el empleo de un humor negro particularísimo, que junto a las interpretaciones de sus tres actores principales, en especial la encarnación de Patrick Karlson como el huraño protagonista, y un guion inteligente y bien construido, se convierten en las mejores bazas de este film de ritmo pausado al que el temprano horario en el que fue proyectado, cuando la mayoría aún estábamos con la comida en la boca, no le beneficiaría en absoluto.

Mayor lentitud expositiva exhibiría en cualquier caso Jaime Marks is Dead, enésimo de los títulos programados tras alzarse con un galardón en el pasado Festival de Sitges. En este caso sería el logrado por su operador Darren Lew, cuya apagada fotografía en ocasiones cercana al blanco y negro plasma a la perfección la atmósfera melancólica e intimista que pretende transmitir esta singular historia de fantasmas morales y espirituales. Perteneciente a esa veta fantástica del cine indie norteamericano que tan activa se encuentra en los últimos años, supone el más reciente trabajo de Carter Smith, cineasta al que algunos recordarán por ser el responsable hace unos años de la cinta de terror Las ruinas, por más que se trate de la excepción que confirma la regla dentro  de una obra caracterizada por el tratamiento de temáticas homosexuales bajo un envoltorio fantástico. Por si hubiera alguna duda, Jaime Marks is Dead prosigue esta senda. La relación de amistad más allá de la muerte surgida entre el espíritu de un estudiante fallecido y uno de sus compañeros de clase, no carente de cierta pulsión sexual, es la excusa empleada por Smith para hablar del mobbing escolar o el rechazo al diferente, en esta mirada a los conflictos propios de una edad de desorientación y cambios como es la adolescencia. Excesivas pretensiones para un conjunto que, una vez presentada su premisa, se dedica a girar de forma machacona sobre sí mismo, posiblemente al no tener otra cosa que decir, a pesar de la impostada trascendencia con la que se trata de envolver al relato y que contrasta con la puerilidad de sus metáforas. De entre ellas, la más evidente y risible se encuentra en que la puerta de entrada interdimensional del homosexual espectro se encuentre en el interior de los armarios.

Bien entrada la tarde, la Muestra encaraba la penúltima sesión de este año. Lo hacía en primer lugar con el cortometraje Splintertime, una historia onírica entre la vida y la muerte de atractiva inventiva visual, firmada por el artista gráfico holandés Rosto. Perfecto complemento, pues, dadas sus características, para acompañar a A Girl Walks Home Along At Night, una de las propuestas más singulares de esta temporada, debido al origen persa de su directora y guionista, la debutante Ana Lily Amirpour, y su condición de neowestern vampírico rodado en riguroso blanco y negro. No obstante, el atractivo de la ópera prima de Amirpour no se limita a la exótica conjunción de tan pintorescos ingredientes, sino que se encuentra plagada de múltiples aciertos, especialmente en lo referente a su acabado formal. Por un lado, gracias a una depurada estética más propia de una novela gráfica, derivada de la extraordinaria mano de su realizadora para la composición de planos en combinación con la contrastada fotografía de Lyle Vincent, pero también de la audaz idea de trasladar los usos y costumbres de la sociedad iraní a un entorno más propio del American Way of Life de los años cincuenta. Fruto de ello son estampas tan poderosas como las apariciones en medio de la noche de su protagonista por las solitarias calles de un típico barrio residencial de los Estados Unidos, ataviada con el tradicional chador en lugar de la habitual capa vampírica, en lo que supone una ingeniosa analogía. Esta idea de mezclar dos culturas tan distintas como la árabe y la occidental y que en buena parte resume la razón de ser de un film producido en los Estados Unidos en lengua persa con actores originarios de aquellas latitudes, es también trasladada a su banda sonora, formada a base de una interesante mezcla de ritmos tradicionales y canciones pop iraníes, junto a otros temas anglosajones. Pero si visual y sonoramente A Girl Walks Home Along At Night resulta un film de una riqueza extraordinaria, en materia narrativa no lo es tanto. Los ropajes indies y fantásticos no logran ocultar el parecido que su rutinaria historia sobre seres marginales que consumen su vida con la noche como testigos guarda con la de esos dramas iraníes que tanto triunfan en según qué tipo de festivales cinematográficos. Con ellos también comparte una languidez narrativa que mediado el metraje desemboca en pura deriva, sin que el preciosismo de sus imágenes consiga hacer nada para espantar el tedio al que conduce.

Pasadas ya las diez de la noche, la duodécima edición de la Muestra entraba ya en sus últimos compases con el inicio de la gala de clausura. En consecuencia, Leticia Dolera hacía su última aparición ante el público a modo de despedida, no sin antes aprovechar para arremeter una vez más contra el webmaster de “La mansión del terror” por sus ya comentadas críticas contra los modos de la presentadora. Terminados los prolegómenos, le seguía el pase de Ghost Train, sencillo relato de terror de formas clásicas y excelente factura técnica que encierra en sí mismo una pequeña película. En dura pugna con Safari, se trataría del mejor y más cinematográfico de la selección de cortos vistos a lo largo del certamen. Menos entusiasmo despertaría en cambio Under the Skin, encargada de la siempre mediática misión de echar el cierre a la Muestra. Una elección solo entendible por el protagonismo de una Scarlett Johansson que a lo largo de la película da numerosas oportunidades a los espectadores de deleitarse observando su bien dotada anatomía en paños menores o directamente desnuda. Y es que, si obviamos este punto, la apuesta formal sobre la que se sustenta la nueva película de Jonathan Glazer va dirigida a un tipo de público muy específico y pretendidamente elitista, totalmente ajeno a los gustos de las grandes audiencias. Más al contrario, las andanzas de una alienígena por Escocia que acabará por  tomar conciencia de la naturaleza humana se apunta al carro, salvando las distancias, del cine practicado por Shane Carruth en su premiada Upstream Color, pongo por caso: ciencia ficción hermética de tono experimental y tendente a la abstracción, más preocupada de crear imágenes visualmente poderosas que de otorgar de algo de coherencia a un relato cuyo sentido último queda en mano de las pretendidamente sesudas interpretaciones que quieran darle sus consumidores.

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Las aireadas reacciones de los asistentes durante y después de su pase, incendiando literalmente las redes sociales con sus comentarios, dan buena muestra de la equivocada selección de títulos escogidos este año, lo que innegablemente terminó por reflejarse en el flojo nivel exhibido por esta Muestra 2015 en términos cualitativos. Pocos fueron los títulos verdaderamente memorables y sí muchos los fallidos. La idea de sus responsables de tirar por el camino fácil y apostar sobre seguro, formando el grueso de la programación en base de las ganadoras del pasado Festival de Sitges no pudo ser más desacertada, aunque peor se saldaron las que podríamos denominar como sus apuestas personales, principalmente singularizadas en las olvidables integrantes de las dos sesiones golfas de este año. Es de esperar que este pequeño borrón represente algo transitorio y que, de cara al año que viene, el comité seleccionador recupere la inspiración y vuelva a ofrecer una selección acorde a lo que se espera de un certamen que a lo largo de sus doce años de vida ha conseguido la nada fácil tarea de convertirse en cita ineludible para los amantes del cine fantástico madrileños. Es lo menos que la Muestra se merece.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografía: Juan Mari Ripalda

Published in: on mayo 22, 2015 at 5:08 am  Dejar un comentario  
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Entrevista a Nando Torres, protagonista de la última película de Martín Garrido “El hijo bastardo de Dios”

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Recientemente asistimos al estreno en España de El hijo bastardo de Dios, la nueva película escrita y dirigida por Martín Garrido Ramis, conocido por ser el responsable de cintas como Mordiendo la vida (1986), con Paul Naschy, o Héroes de cartón (2001), protagonizada por Antonio Mayans.  A excepción de algún cortometraje (Manolito, de 2005, por ejemplo), Garrido no había dirigido ningún proyecto desde hacía casi quince años, y ahora, en 2015, regresa con un filme sobre un hombre completamente amargado en busca de la felicidad, en un cóctel con elementos de denuncia social y thriller ultra-violento.

Para hablar de la película entrevistamos a su protagonista, el actor mallorquín Nando Torres, quien tuvo el reto de interpretar hasta cinco registros diferentes durante el rodaje.

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  • Antes de centrarnos en El hijo bastardo de Dios hablemos un poco de ti, de tus inicios como actor. ¿Cómo fueron?

A los 13 años inicié mis clases de Teatro en la escuela de Manel Barceló, a partir de ahí, fui pasando por varias escuelas hasta que por motivos personales lo dejé. Años más tarde decidí que era el momento de luchar por mi pasión y retomé el tema. El último curso que realicé fue uno de “preparación a un casting” impartido por el cineasta  Santiago Zannou, hace menos de un mes en Madrid.

  • Has trabajado en teatro, publicidad, cine… ¿en qué medio te sientes más cómodo?

Lo cierto es que es difícil esa elección, ya que me siento muy cómodo en todos. El teatro es mágico, pero el cine y la televisión tienen algo especial que te permiten vivir la interpretación de una forma muy diferente, quizás con menos adrenalina, pero también de un modo intenso. Personalmente trato de trabajar de la misma forma, sobre todo en cuanto a la preparación de los personajes.

  • Pasemos a tu nueva película ¿En que momento te llegó el guión de El hijo bastardo de Dios?

Puede que en el momento justo. Hacía tiempo que esperaba la oportunidad de volver a rodar y tenía todas las ganas del mundo. Así que no dudé en aceptar, más aún después de leer el guión.

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  • ¿Qué te pereció la historia tras su primera lectura, sobre todo al descubrir que tenías que interpretar cinco personajes diferentes?

Creo que es un todo un reto para cualquier actor/actriz. Evidentemente no lo dudé, supe que iba a ser una gran oportunidad para mí. Arriesgada, pero muy valiosa. Por mi parte he tratado de darle a cada personaje su propia personalidad, intentando destacar la enorme diferencia que hay entre ellos, respetando siempre los límites marcados por el director.

  • La película es una combinación de diferentes géneros que van del thriller, al drama social, con momentos eróticos y otros directamente cómicos. ¿Tú cómo la definirías?

Aciertas de pleno en los adjetivos; es un intento de reflejar algunos de los problemas de la realidad actual, por lo tanto, como en la vida, hay un poco de todo. Las diferentes situaciones están muy marcadas por un método de montaje y de interpretación muy directo y visceral. Creo que debe ser el público quien la defina, ya que a algunas personas les marcará más una historia que otra. Todo dependerá de eso.

  • Como hemos dicho, interpretas cinco personajes en la película. Estos individuos son muy diferentes entre ellos: un pobre lisiado maltratado por la sociedad, un asesino en serie, un productor de televisión agresivo… ¿Cómo fue el proceso de preparación de cada personaje?

Está claro que no fue fácil para mí, sobre todo si tenemos en cuenta los perfiles tan dispares de los personajes. En mi caso no intento parecerme al personaje, intento ser el personaje. Con alguno sufrí más que con otros…pero gracias al trabajo de todos (el equipo de rodaje), creo que conseguimos darle su propia personalidad a cada uno de ellos.

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  • ¿Cómo fue el método de dirección de Martín Garrido Ramis? ¿Te dejaba crear los personajes libremente o marcaba mucho la dirección, con ensayos previos, etc.?

Es un director que tiene muy claro lo que quiere. Eso te deja poco margen para la improvisación pero, al mismo tiempo, si está dentro del perfil marcado por él, te permite adaptar el personaje a tu idea del mismo. Fue toda una experiencia para mí. Una oportunidad única para seguir creciendo e intentar aprender.

  • ¿Cómo elaboró el equipo de dirección el plan de rodaje? ¿En base a cada uno de los personajes que interpretas (filmándose primero, por ejemplo, todas tus secuencias como asesino) o más bien pensando en otros elementos como las localizaciones, iluminación, etc.?

Debido a mis cambios físicos no hubo otra opción que adaptar el plan de rodaje a mis personajes. Así que los rodamos uno tras otro hasta llegar al personaje principal, ya que cambié mi corte de pelo, mi peso, etc.

  • ¿A qué público crees que va dirigida la película?

A cualquier espectador al que le guste el cine de autor, independiente y/o cine denuncia. Es evidente que no es una película “comercial”, y tampoco está hecha con ese propósito. De lo que se trata es que el espectador acabe sintiéndose reflejado con alguna de las historias que aparecen en la película.

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  • No es la primera vez que trabajas con Garrido. En 2012 ejerciste de secundario en Mediterranean Blue un thriller inédito en España escrito por Garrido Ramis y dirigido por su hijo Martín Garrido Barón (responsable de H6: diario de un asesino de 2005). En aquella compartías cartel con actores como Tony Isbert, Tony Tarantino o Juan Fernández. ¿Qué tal fue la experiencia?

La experiencia fue única. Siempre agradeceré a Martín Garrido (hijo) la oportunidad que me dio. Poder trabajar junto a ese gran reparto es un lujo y algo muy poco probable para un actor/actriz en Baleares. Está claro que Mediterranean Blue fue un punto de inflexión en este inicio de mi carrera. Afortunadamente, he tenido la suerte de poder trabajar con Garrido Ramis y Garrido Barón, y lo cierto es que cada uno de ellos tiene una forma distinta de dirigir, y eso es algo que también te ayuda a crecer como actor.

  • ¿Conocías y/o habías visto las películas previas dirigidas por Martín Garrido Ramis?

Forma parte de mi preparación de personajes y, evidentemente, vi todas las que pude.

  • Desde tu posición de actor, ¿cómo ves el panorama actual del cine español?

Afortunadamente parece que el gran público empieza a valorar las producciones nacionales, tanto en cine, televisión y teatro. L@s guionistas español@s tienen una capacidad de creación enorme. Desde hace tiempo se está valorando el trabajo de los directores y cada vez más el de los actores/actrices. Ahora espero que se empiece a valorar de igual forma el de l@s guionistas y que las mujeres crezcan en protagonismo como directoras, productoras, etc. Aunque todo eso no servirá de mucho si las instituciones no ayudan. Espero que l@s políticos se den cuenta de que el valor cultural de una sociedad no se mide en euros ni en dólares y que es una inversión a largo plazo, pero necesaria para cualquier país y sociedad que quiera crecer como tal.

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  • Actualmente ¿estás trabajado en algún nuevo proyecto?

Estoy en varios procesos de casting, pero de eso no se habla hasta que se está grabando (risas).

  • Muchas gracias por tu tiempo Nando. ¿Quieres añadir algo más?

Gracias a ti y a todas las personas que me apoyan en todo esto. Tan sólo intento hacer mi sueño realidad.

Javier Pueyo

Fotografías: Pau Torrens

Published in: on mayo 20, 2015 at 5:13 am  Dejar un comentario  
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“Big Game” clausurará la tercera edición de “Nocturna”

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Big Game, la nueva película de Jalmari Helander, conocido por ser el director de director Rare Exports, es el título elegido para clausurar la tercera edición del Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid, NOCTURNA 2015. Protagonizada por Samuel L Jackson y el joven finlandés Onni Tommila, al que ya vimos en la referida Rare Exports, Big Game es una increíble montaña rusa de entretenimiento que invita a rememorar las mejores películas de acción de los 80.

Cuando el Air Force One es derribado por unos terroristas dejando al presidente de los Estados Unidos varado, tan sólo hay una persona cerca que pueda salvarlo. Un niño de 13 años llamado Oskari descubre al hombre más poderoso del planeta en una cápsula de escape. Con los terroristas cerca, buscando su “gran premio”, este improbable dúo deberá unirse para escapar de sus cazadores y salvar sus vidas.

Además del título escogido para poner el broche de oro a esta tercera edición, la organización de NOCTURNA ha anunciado también la composición de los jurados que deberán de dilucidar las ganadoras de las diferentes secciones a concurso, y que se reparten del siguiente modo:

Jurados Nocturna Oficial Fantástico: Paco Plaza (director), Enrique Lopez Lavigne (productor) y Elena Furiase (actriz).

Jurado Nocturna Dark Visions: Carlos Galán (Subterfuge Records), Carlos Areces (actor y dibujante) y Jimina Sabadu (escritora y guionista).

Jurado Nocturna Madness: Javier Trujillo (dibujante), Aurora Carbonell (actriz) y Paco Manzanedo (actor).

Por último, se ha confirmado los contenidos definitivos del programa de actividades paralelas que tendrán lugar durante las mañanas del Festival y que, por segundo año consecutivo, tendrán a la Fnac Callao como sede.

LUNES 25 DE MAYO

10:45 BIENVENIDOS A NOCTURNA 2015

Con Luis M. Rosales, Sergio Molina y José Luis Alemán

11:15 PRESENTACIÓN DEL RODAJE EL ÚLTIMO GUION

Con su director David García y parte del equipo.

12:00 PRESENTACIÓN DEL LIBRO LOS ALQUIMISTAS DEL 7º ARTE: EFECTOS ESPECIALES EN EL CINE ESPAÑOL

Con sus autores Domingo Lizcano y Antonio Garcinuño

13:00 PRESENTACIÓN DEL LIBRO “CLIPPERTON”

Con la presencia del autor, Pablo Raphael de la Madrid

MARTES 26 DE MAYO

11:00 PRESENTACIÓN DEL LIBRO CARLOS AURED: NOSTALGIA Y PASIÓN

Con la presencia de dos de sus autores, Miguel Ángel Planas y Carlos Benítez

12:00 PRESENTACIÓN DE LA PELÍCULA THE HOUSE ON PINE STREET

Con la presencia de sus directores, Aaron Keeling y Austin Keeling

13:00 ENCUENTRO CON ALEXANDRE AJA

MIÉRCOLES 27 DE MAYO

11:00 PRESENTACIÓN DE LA PELÍCULA FEAR CLINIC

Con la presencia de su guionista Aaron Drane

12:00 MESA REDONDA SOBRE LOS EFECTOS ESPECIALES EN EL CINE.

Moderada por Antonio Busquets y con la participación de Arturo Balseiro (Dharma Estudio) y Tomás Gómez / Juan Ardura (Artefacto Escenografía)

13:00 ENCUENTRO CON ROBERT ENGLUND

JUEVES 28 DE MAYO

11:00 PRESENTACIÓN LIBRO ZOMBIES EN LENINGRADO

Con la presencia de su autor Javier Cosnava

12:00 PRESENTACIÓN DE LA PELÍCULA THE LAST SHOWING

Con la presencia de su director Phil Hawkins

13:00 PRESENTACIÓN DE LA PELÍCULA DON´T SPEAK

Con la presencia de su director Amadeu Artasona y el equipo de la película.

VIERNES 29 DE MAYO

10:45 PRESENTACIÓN DE LA PELÍCULA AFTERDEATH

Con la presencia de sus directores, Gez Medinguer y Robin Schmidt

11:15 PRESENTACIÓN DE LA PELÍCULA BUNNY THE KILLER THING

Con la presencia de su director, Joonas Makkonen

12:00 PRESENTACIÓN DE LA PELÍCULA VAMPYRES Y LIBRO CONMEMORATIVO

Con la presencia de su director Víctor Matellano, el productor Ángel Mora y parte del equipo.

13:00 ENCUENTRO CON LAMBERTO BAVA

SÁBADO 30 DE MAYO

11:00 LECTURA DEL PALMARES DE NOCTURNA 2015

Con la presencia de Luis M. Rosales, José Luis Alemán y Sergio Molina

11:30 – 14:00 MESA REDONDA SOBRE LA SERIE EL MINISTERIO DEL TIEMPO

El ministerio del tiempo ha constituido una revolución en el panorama de las series de ficción televisivas españolas. En Fnac Callao se desvelaran de la mano de parte del equipo de la serie sus entresijos.

Más información a través de la página web del festival: http://www.nocturnafilmfestival.com, o bien en sus redes sociales:

Published in: on mayo 19, 2015 at 5:06 am  Dejar un comentario  
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Novedades Tema Distribuciones para mayo

La lista de lanzamientos para este mes de mayo prevista por TEMA Distribuciones viene cargada de agradables sorpresas para los amantes del cine de género más encallecidos. Echando mano de la frase hecha, puede decirse que hay de todo y para todos los gustos; desde ilustres exponentes de la Serie B clásica norteamericana protagonizados por uno de sus más geniales intérpretes, hasta zetosas sexplotaciones pertenecientes al subgénero WIP, pasando por recientes entregas de famosas franquicias surgidas del ámbito de los videojuegos.

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El próximo viernes 22 de mayo es la fecha marcada para la salida del grueso de lanzamientos. En total, tres son los títulos que llegarán ese día a las tiendas. Comencemos el repaso con el segundo volumen de “Grindhouse Xtreme Sexploitaion” compuesto por un programa doble que en esta ocasión nos trae La isla sin retorno y El infierno de las mujeres, producción italiana protagonizada por la singular pareja formada por Anthony Steffen y Ajita Wilson. Según la información facilitada, las dos películas se ofrecen con audio en castellano e inglés, subtítulos en castellano e imagen anamórfica.

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Otro doblete de títulos, en este caso en formato Bluray, es el que reunirá los films protagonizados por Vincent Price: La mansión de los horrores, dirigida por William Castle, y El último hombre sobre la Tierra, primera adaptación de la novela de Richard Matheson Soy leyenda. La edición incluye ambas películas “restauradas a partir del negativo original en 35 mm.”, según la descripción que figura en la carátula, con dos versiones a elegir: la original en blanco y negro y la coloreada. En cuanto a las características técnicas, audio en castellano e inglés, subtítulos en castellano e imagen fullscreen conforman el contenido.

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Ya en solitario, la triada de lanzamientos se completa con la edición en DVD de la cinta ochentera de ciencia ficción Galaxina, en la que la playmate prematuramente fallecida Dorothy Stratten da vida a un robot con sentimientos integrante de una patrulla de la policía espacial a la que le es encomendada la misión de viajar hasta el lejano planeta de Altar 1 en busca de la “Estrella Azul”, un mineral que posee en su interior la energía de las estrellas. Siguiendo con la tónica, la película se incluye con audio en castellano e inglés, subtítulos en castellano e imagen anamórfica.

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Por último, una semana más tarde será el turno de Street Fighter: Assassin’s Fit, adaptación del famoso videojuego que nos traslada a los primeros años de entrenamiento de dos de sus más icónicos personajes, Ruy y Ken. La película se comercializará tanto en formato DVD como en Bluray, con idénticas características: audio en castellano e inglés, subtítulos en castellano e imagen anamórfica.

Más información: http://www.temadistribuciones.com/

Published in: on mayo 18, 2015 at 5:03 am  Dejar un comentario  

Cautivos

Cartel CAUTIVOS

Título original: The Captive

Año: 2014 (Canadá)

Director: Atom Egoyan

Productores: Atom Egoyan, Patrice Theroux, Jennifer Weiss, Simone Urdl

Guionistas: Atom Egoyan, David Fraser

Fotografía: Paul Sarossy

Música: Mychael Danna

Intérpretes: Ryan Reynolds (Matthew), Mireille Enos (Linda), Rosario Dawson (Nicole), Scott Speedman (Jeffrey), Alexia Fast (Cass), Kevin Durand (Mika)…

Sinopsis: Ocho años después de la desaparición de Cassandra, algunos indicios perturbadores parecen indicar que aún está viva. Sus padres y los policías encargados del caso intentan descubrir el misterio de su desaparición antes de que sea demasiado tarde.

Ryan Reynolds i The Captive

No deja de resultar curiosa la manera en la que la mayoría de cronistas cinematográficos aún se aferra en su holgazanería al cliché de conectar forzadamente, y de forma injustificada en la mayor parte de los casos, los universos creativos de David Cronenberg y Atom Egoyan, basándose casi en exclusiva para tal afirmación en el débil vínculo que supone la coincidencia en la procedencia de sus films. Aun así, y a pesar de esta proximidad geográfica, sus estilos son mucho más distantes de lo que en principio pudiera pensarse, tanto por la distintiva forma de aproximarse al medio que los dos realizadores residentes en Canadá poseen, como – sobre todo – por los caminos casi divergentes que las trayectorias de ambos han ido tomando durante los últimos años, tanto en el aspecto artístico como en el económico.  En este sentido, prácticamente se podría considerar al uno como la antítesis del otro, por mucho que aún exista cierta relación a través de la etiqueta de auteur que ambos comparten, así como también se puedan hallar si se desea similitudes en lo referente al análisis y plasmación en imágenes del comportamiento humano, comúnmente abordada en gran parte de ambos corpus cinematográficos desde una perspectiva aséptica, cerebral y casi entomológica.

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Así las cosas, con Una historia de violencia (A History of Violence, 2005) la trayectoria del director de La mosca experimentó no sólo un drástico cambio de tercio temático si no también un enorme salto cuantitativo en lo que a número de espectadores se refiere: hecho al que tampoco es ajeno tanto su interés por tratar temas y/o géneros más afines al público masivo como su inteligente asociación con actores tan mainstream como Viggo Mortensen o Robert Pattinson. Egoyan, en cambio, y tras alcanzar un punto de inflexión con el masivo reconocimiento de público y crítica (nominación al Oscar al mejor director incluida) que supuso el éxito de la magistral El dulce porvenir (The Sweet Hereafter, 1997), no ha querido, no ha sabido (o, sencillamente, no le ha dado la gana) alejarse en demasía de sus temas recurrentes, ni variar tampoco de manera sustancial sus intransferibles y características concepciones del ritmo y de la puesta en escena cinematográficos.

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De esta manera, el autor de El liquidador se ha mantenido durante este tiempo fiel a sus ideales estéticos aun siendo consciente de que los films de esta etapa tendrán mucho mayor alcance en líneas generales que los anteriores, aunque sólo sea por el simple hecho de estar protagonizados por estrellas más o menos reconocibles por las grandes audiencias, como pudieran ser estos últimos años los casos de sus colaboraciones con figuras de la talla de Liam Neeson,  Julianne Moore o Reese Witherspoon, intérpretes obviamente atraídos por el merecido prestigio del realizador de origen egipcio. Aun así, hace un par de años se produjo con la confección de Condenados (Devil’s Knot, 2013) un intento por abordar al fin (no sabemos si premeditadamente o no) un tipo de cine si no más comercial sí al menos de connotaciones mucho más estándar de las que acostumbraba a ofrecernos el director hasta ese momento. Film judicial sobre crímenes adolescentes concebido a partir de un guion ajeno, y protagonizado por el plomizo Colin Firth, a pesar de exhibir un estilo infinitamente más domesticado en el aspecto formal que el de sus más célebres obras precedentes, desgraciadamente para Egoyan este relativo cambio de dirección se saldó, además de con un estrepitoso fracaso en taquilla, con algunas de las más devastadoras críticas recibidas por su trabajo en tres décadas de trayectoria filmíca.

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Seguramente como respuesta a esta debacle podamos disfrutar en la actualidad de la existencia de Cautivos, retorno plenamente consciente a los asuntos, paisajes e inquietudes consustanciales a sus mejores films de primeros-mediados de los 90, temas y tonos estos con los que Egoyan ha demostrado sobradamente desenvolverse mejor. Enlazando con su anterior y fallido film exclusivamente en lo tocante a la irracional violencia ejercida contra la infancia, en esta vuelta a sus orígenes, protagonizada por el también canadiense Ryan Reynolds, nos podemos encontrar de esta manera tanto con el tema del secuestro que ya se apuntaba en El viaje de Felicia, el sentimiento de culpa por la pérdida de la inocencia que sobrevolaba El dulce porvenir, el vouyerismo de Exótica, así como la posibilidad de controlar las vidas de nuestros seres queridos a través de la tecnología y sus dispositivos, argumento principal de La vida en vídeo.

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Y es que aunque se nos brinda un thriller en toda regla, que además cumple a la perfección con las constantes esenciales del género, se hace evidente en esta ocasión la voluntad de Egoyan por llevar un paso más allá su historia, en lo que a términos autorales se refiere, gracias a una serie de elementos muy concretos. En primer lugar, otorgando a la narración del film una estructura basada en flashbacks y flashforwards que, si bien en un primer momento pudiera considerarse superflua y hasta confusa, se acaba revelando imprescindible para este caso en particular: y ya no tanto a la hora de ocultar y/o revelar secretos de la trama como sí para conseguir reflejar la transformación que el paso del tiempo ha ido provocando en sus torturados protagonistas, así como para dotar de un extra de atractivo y complejidad a su algo simplona historia gracias a esta disposición del relato no estrictamente lineal.

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Asimismo se retuerce de forma bastante sutil el estereotipo a la hora de caracterizar a los personajes, no llegando tan lejos como para empatizar con los villanos de la función pero sí dotándolos en cambio con unas personalidades tan ambiguas como levemente seductoras, así como mostrándolos absolutamente satisfechos, y hasta orgullosos, de su totalmente reprobable estilo de vida. Por otro lado, se introduce la subversiva idea de dibujar tanto a los personajes de los padres como a los integrantes de las fuerzas del orden (con Rosario Dawson a la cabeza) como unos seres carcomidos por la culpa y la obsesión, cuya única vía para liberar el dolor es la insensibilización. Algo que queda meridianamente claro en el caso del personaje del policía encarnado por Scott Speedman, capaz de los métodos más reprobables, e incluso de acercarse demasiado al modus operandi de este tipo de criminales, con tal de tener la más remota posibilidad de meterlos entre rejas.

Mireille Enos i The Captive

Por otra parte, si hay algo que se le puede achacar a Cautivos es el evidente afán de Egoyan por no excederse ni en el sensacionalismo que un tema tan delicado como el de la pederastia pudiera deparar, ni tampoco a la hora de cargar las tintas en los aspectos más melodramáticos que una historia de tamaña carga emocional podría haber procurado. En el mismo sentido, los contados momentos felices son demasiado breves y anticlimáticos como para poder ser considerados como tales, persistiendo de este modo una permanente frialdad a la hora de abordar las relaciones humanas que el director parece haber adquirido de los nevados y desolados paisajes canadienses de los que tanto provecho visual saca en esta oportunidad.

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Quizás Cautivos finalmente peque de escasa originalidad, no sólo con respecto al resto de la filmografía de su director si no también dentro del marco del cine contemporáneo, y posea igualmente demasiadas buenas ideas que nunca llegan a desarrollarse en todo su potencial. Sin embargo, esta última película es la prueba palpable de que Egoyan, aún a costa de imitarse en algunos momentos a sí mismo, todavía es capaz de ofrecer una versión fascinante, depurada y, lo más importante, exquisitamente evolucionada de lo mejor de su propio estilo.

José Manuel Romero Moreno

Published in: on mayo 15, 2015 at 7:16 am  Dejar un comentario  

Luis Rosales nos habla en exclusiva de “Nocturna 2015″

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Ante la inminente celebración de “Nocturna 2015”, volvemos a recabar un año más el testimonio de su director Luis Rosales, tal y como venimos haciendo desde el nacimiento del certamen. A pesar de su apretada agenta, máxime cuando se encuentra ultimando los últimos detalles antes del inicio del festival, el también máximo responsable de la especializada revista Scifiworld encontró un hueco para atendernos y comentar con nosotros diferentes facetas organizativas, además de trasladarnos sus impresiones sobre lo que va a dar de sí esta tercera edición de “Nocturna”, cuando apenas queda poco menos de semana y media para su inicio.

– Antes de pasar a hablar de “Nocturna 2015″, me gustaría que comentaras qué valoración hacéis desde la organización de los dos años de andadura del festival…

Valorarse a uno mismo siempre es muy complicado. Creo que el festival está creciendo, aunque todavía nos falta mejorar muchas cosas y cambiar muchas otras. Pero, desde luego, desde cómo empezó, con aquella primera edición en el 2013, en la que tuvimos la suerte de contar con Expediente Warren: The Conjuring (The Conjuring: Warren Files, 2013), al año pasado, se ha notado una mejoría bastante grande, que espero que continúe en esta nueva edición. De hecho, en espectadores en sala, por ejemplo, el año pasado conseguimos doblar el número de asistentes a las proyecciones, lo que es muy importante. Este año no creo que consigamos duplicarlo, pero espero que la cifra siga creciendo.

– Contando con estos cimientos, ¿cómo se presenta este próximo “Nocturna” y qué objetivos os habéis marcado en rojo para esta edición?

Para este año lo que nos gustaría no es estrictamente consolidar “Nocturna”, dado que en esta época en que vivimos consolidar algo es una utopía, pero sí que se fuera afianzando de alguna manera y empezar a cobrar un peso dentro de lo que es la afición y la industria. Sí que estamos notando que el festival es cada vez más valorado fuera, y que en España también nos estamos haciendo un hueco poco a poco. ¿Cuál es entonces nuestra meta? Seguir mejorando e intentar traer las mejores películas que podamos, ya que muchas veces no son tanto las películas que quieres traer como las que puedes traer. Esto no quita para que, en cualquier caso, esta edición cuente con una selección de títulos bastante amplia y de mucha calidad.

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– Aunque a estas alturas ya habéis desvelado bastantes, ¿cuáles son las principales novedades o cambios que tenéis previstos para “Nocturna 2015” con respecto a lo ofrecido hasta el momento?

Básicamente “Focus”, la nueva sección que hemos creado este año dedicada a la cinematografía de un país, y que en este caso se centrará en México, es quizás la novedad más llamativa. La idea era acompañar la programación con la presencia de un gran invitado de aquel país que no era otro que Guillermo del Toro, pero que, lamentablemente, no va a poder estar por compromisos previos que tenía ya adquiridos. Pese a esta ausencia, creo que ha quedado una iniciativa bastante atractiva en la que van a poder verse diez películas junto a una selección de cortos bastante amplia que van a servir para que el público pueda hacerse una idea muy aproximada del cine que se está haciendo allá. También tenemos el “PreNocturna”, que se ha afianzado como muestra de cine fantástico latinoamericano y que este año pasará a ser competitiva, por lo que los films que participan van a poder optar al premio a la mejor película latinoamericana en colaboración con el mercado de cine fantástico “Blood Window” que se celebra en Buenos Aires (Argentina). Además de un trofeo, el premio consistirá en que la película ganadora sea proyectada en este mercado de género al que asisten multitud de distribuidoras de todo el mundo, con la idea de que sirva de espaldarazo para la venta de la película.

– Con respecto a “Focus”, ¿no habéis pensado en hacer una retrospectiva sobre la cinematografía invitada, que incluso se podría acompañar con un libro monográfico?

Sí, la idea original era hacer una pequeña retrospectiva de cinco títulos, pero al final lo tuvimos que desechar porque era muy complicado. Piensa que somos un festival con un presupuesto modesto, demasiado modesto, diría yo; te puedo decir que contamos con el mismo dinero que el año pasado. Entonces, eso limita mucho nuestro campo de acción, cuando hacer una retrospectiva es algo que resulta muy caro.  El coste que tiene una película nueva con respecto a una de catálogo es mucho menor. Aparte, añádele que con una filmografía como la mexicana, de la que de mucha cosa antigua no hay materiales digitales, te obliga a mover 35 mm., lo que encarece mucho el presupuesto. Los únicos materiales “decentes” que encontrábamos eran el de las películas de Santo, pero era muy difícil encontrar por ejemplo un título tan fundamental como Alucarda en un formato que no fuera 35 mm.

– Ya que has mencionado el tema del presupuesto, durante la rueda de prensa en la que se dio a conocer el palmarés de la pasada edición comentasteis que, de cara a este año, el festival podría ya reunir los requisitos exigidos desde la administración para recibir subvenciones, lo que en principio iba a permitir que el certamen creciera, permitiendo la organización, por ejemplo, de pases de prensa matinales. ¿Va a contar finalmente “Nocturna 2015″ con financiación pública, o va a seguir dependiendo íntegramente del patrocinio privado?

La subvención ha salido con retraso con respecto a otros años. Salió entre finales del mes pasado y de este, y nosotros la hemos solicitado ayer. El tema es que con estos plazos no vamos a saber si nos la conceden hasta una vez finalizado el festival, lo que nos deja sin margen de maniobra. Ese es el gran problema. Ojalá nos la concedan, aunque está muy difícil, porque este año la subvención tiene una cuantía muy baja a repartir entre los diferentes eventos que optan a ella. No sabemos lo que va a pasar, pero ahí estamos luchando y apostando por el festival.

– En cuanto a la programación, ya se conoce la mayoría de títulos que la conformarán. ¿Qué tal ha sido el nivel que os habéis encontrando el comité seleccionador en comparación con lo visto en anteriores ocasiones?

Hay distribuidoras que apuestan por nosotros y hay otras que les cuesta más. Es siempre muy relativo. Como te decía antes, hay películas que queríamos y que no hemos podido tener porque han preferido irse a otros festivales, o bien no estaban terminadas para las fechas previstas. Es el caso del remake de Cabin Fever, Demonic, que está a punto de terminarse pero que todavía no ha salido, o Wind Walkers, que incluso estuvo seleccionada en un primer momento pero que por temas de postproducción se retrasó y no llegaba. De hecho, el primer pase lo va a tener en el Festival de Cannes, que es justo la semana anterior a la celebración de “Nocturna”, por lo que no nos daría tiempo a tener listo el subtitulado. En cambio, otros títulos como Maggie nos resultaron imposibles de conseguir. Es por ello que hay que agradecer que Universal haya apostado por nosotros con una película como Horns, lo que es una gozada.

Creo que en general tenemos muy buenas películas como Dark was the Night, The Midnight Swim, Liza the Fox-Fairy o Kill Me Three Times. Hay muchísimas y algunas de un gran nivel como puede ser It Follows, que quizás sea la película indie más esperada de este año. En este sentido va a ser como cerrar un círculo con ella. La primera vez que la vi fue en Neuchatel (Suiza) en julio del 2014, donde se llevó el Premio del Jurado de la Crítica del que yo formaba parte, y me la voy a volver a encontrar casi un año después en “Nocturna”, después de arrasar en todos los festivales en los que ha participado. Es curioso.

–  De todos estos títulos, ¿cuáles son tus preferidos y/o aquellos que no deberían perderse los aficionados?

Es complicado esto que me preguntas por una sencilla razón: la mayoría están en sección competitiva. Pero ya que estamos, te diré que Hellmouth es una película interesante, la ya referida The Midnight Swim, Another es muy buena… En general, la sección “Dark Visions”, por la que siempre hemos apostado, está muy fuerte este año. Luego en Sección Oficial a mí me gusta mucho Dark was the Night, que es un film muy basado en los personajes, con unas actuaciones soberbias y muy bien realizada. Otra película que me encanta es Liza the Fox-Fairy, con la que me lo pasé muy bien viéndola, e It Follows, evidentemente. Aparte, están un par de títulos que aún no hemos anunciado, pero que seguro que van a llamar mucho la atención, como es el de clausura y el que se proyectará justo después de él en la sesión golfa del sábado.

Para los que le gusta lo más extremo también hay películas muy buenas, como Headless, sobre todo para los que le gustó Found el año pasado, aunque está claro que no será del gusto de todo el mundo; no solo por la violencia o lo perversa que es, sino por cómo está realizada y demás. También está Bunny the Killer Thing, una película que está pensada para hacer fiesta en la sala. De los clásicos poco queda por decir, como no sea recalcar la oportunidad que supone poder ver en pantalla grande Pesadilla en Elm Street, Demons, El día de la bestia y La noche de Walpurgis, y tampoco me perdería por nada del mundo la inauguración con Horns.

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– Para dar a conocer el primer avance de contenidos de esta próxima edición organizasteis una especie de presentación a mediados de marzo en la que se proyectó El resplandor en conmemoración con su trigésimo quinto aniversario. ¿Cómo funcionó la iniciativa?

Funcionó bien teniendo en cuenta que El resplandor es una película que ha visto todo el mundo y que se había pasado hacía muy poquito en Madrid. Por otra parte, conectaba con la intención que nos marcamos al plantearnos esta edición de dar protagonismo a los aniversarios de films emblemáticos que se cumplían en el 2015. Es cierto que la idea era tener Pesadilla en Elm Street el año pasado. Sin embargo no pudo ser por cuestiones de agendas, así que finalmente este año la tendremos para celebrar el aniversario de su estreno español. Junto con este aniversario también vamos a celebrar el de Demons y El día de la bestia, además de conmemorar el veinticinco aniversario del fallecimiento de Jim Henson con el pase de Dentro del laberinto dentro de la sesión matinal del domingo. En el caso de El resplandor aprovechamos para hacer un acto especial con el que presentar oficialmente “Nocturna 2015” y, de paso, testear si se podían hacer cosas de este tipo durante todo el año con el objeto de desestacionalizar un poco el festival.

– En paralelo a la celebración de este evento fuisteis publicando a través de Facebook y twitter las películas e invitados que iban siendo desvelados en tiempo real. Este dato viene a subrayar la importancia que desde la organización de “Nocturna” estáis dando a las redes sociales como medio para estar en contacto con el público y, al mismo tiempo, recabar su opinión…

Totalmente. Por poner un ejemplo, hemos llegado a pensar ofrecer a la gente a través de estos medios que ellos mismos decidan cuál versión de La noche de Walpurgis quieren que se proyecte, con o sin desnudos. Esto responde a nuestro deseo de tener contacto con el público. Como he dicho muchas veces, somos un festival que intentamos ser muy cercano, ya que al fin y al cabo un festival se debe a su público y en eso el público es soberano; si la gente está contenta, “Nocturna” podrá seguir muchos años, en el caso contrario no vale la pena continuar. También juega una baza importante el presupuesto, que nuevamente nos limita a la hora de llevar a cabo otro tipo de acciones  a la hora de presentar los títulos. No tenemos capacidad monetaria para hacer una gran campaña publicitaria en televisión y en periódicos, por lo que nos la tenemos que ingeniar para, a través de acuerdos, convenios y las redes sociales dar a conocer a la gente nuestro producto e intentar cubrir el mayor aspecto posible.

– A este respecto, ¿estáis satisfechos de la respuesta y el apoyo que estáis recibiendo por parte del público?

Hasta el momento sí. Ojalá siga siendo así y pueda crecer incluso algo más. La verdad es que la gente nos demuestra mucho cariño y muchas ganas. Y quieras que no, eso te da fuerzas para seguir adelante, sobre todo en los muchos momentos duros y complicados que tiene la organización de un festival.

– El año pasado uno de los aspectos que cosechó más éxito fue el apartado dedicado a las actividades paralelas que ayudaron a potenciar el ambiente festivalero, convirtiendo el fórum de la FNAC de Callao en indispensable punto de encuentro gracias a las muchas y variadas propuestas a las que disteis cabida. ¿Cómo se presenta de contenidos esta tercera edición?

Más o menos en la línea de lo ofrecido el año pasado. Tenemos desde presentaciones de libros como Los alquimistas del 7º arte, el de Carlos Aured, el de Vampyres, Zombies en Leningrado, una novela basada en hechos reales que publica Dolmen, hasta la presentación del corto de David García Sariñena El último guion, cuyo rodaje tendrá lugar durante el festival, o al menos una parte muy importante del mismo. Lógicamente, también habrá ruedas de prensas de los equipos que se van a desplazar a presentar sus películas y encuentros con la mayoría de los homenajeados, es decir, Robert Englund, Lamberto Bava y Alexandre Aja que, aunque aún no se haya publicado, te adelanto que tendrá lugar el martes a la una de la tarde. Hay otro evento muy chulo que tendrá lugar el sábado, y de momento no puedo anunciar, ya que queremos hacerlo a bombo y platillo, pero para que te hagas una idea de su magnitud va a durar desde las once y media de la mañana hasta las dos de la tarde, y que seguro que a los fans de las series les va a gustar mucho.

– Entre las futuribles actividades paralelas del certamen se encuentra la idea de crear un apartado centrado en el campo de los efectos especiales y la creación de un mercado destinado a los profesionales del sector. ¿En qué fase se encuentran actualmente estos proyectos?

Estamos dando los primeros pasos en la consecución de ambos proyectos. Por de pronto, una de las mesas redondas que habrá durante las mañanas será una con técnicos de efectos especiales españoles. En cuanto a la creación de un mercado para profesionales, el día 21 en el Centro Cibeles de Cultura y Ciudadanía vamos a organizar un foro para la coproducción entre México y España. Va a haber varias ponencias durante todo el día en las que se hablará cómo es hacer una película en México, qué ayudas hay y un poco establecer un diálogo entre la industria española y la mexicana para favorecer la coproducción. Al igual que “Focus”, este foro se desarrolla con la colaboración del Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE), la Embajada de México en España, la Fundación Santillana y el Instituto de México en España. Es un evento que creo que es muy interesante y que va a dar a conocer al público que se quiera acercar, y que no tiene porqué ser solamente profesionales, que probablemente ignoran con respecto al funcionamiento del mundo del cine.

– Para terminar, otros de los planes largamente acariciados por “Nocturna” desde su nacimiento es la edición de un libro conmemorativo y la organización de una gran exposición temática. ¿Veremos este año hacerse realidad estos sueños?

Desgraciadamente no. Y eso que la exposición ha estado a puntito de realizarse, pero finalmente tuvimos que prescindir de ella. No es tanto una cuestión de presupuesto, como ocurre con el libro, sino de logística. Somos muy pocas personas y necesitamos crecer también en este aspecto. Aunque vamos dando pasos en este sentido, tenemos que ir poco a poco. Sin ir más lejos, el montar un “Focus” sobre México y contar con la colaboración de IMCINE, la Embajada de México o la Fundación Santillana, era algo difícil de pensar el año pasado. Es un primer paso hacia lo que queremos hacer, pero, insisto, hay que ir poco a poco.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías: Juan Mari Ripalda

Published in: on mayo 13, 2015 at 5:04 am  Dejar un comentario  
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