Entrevista a Jamie Bamber, coprotagonista de “Money”

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Junto con su director, Martín Rosete, el actor Jamie Bamber visitaría la pasada edición del Festival de Cine Fantástico de Bilbao – FANT acompañando la proyección del film Money dentro de la sección paralela “Panorama”. Nacido en el distrito londinense de Hammersmith en 1973, Bamber es conocido principalmente por los aficionados al fantástico por su encarnación del capitán Apollo Adama en la nueva versión de la serie Galáctica, papel por el que conseguiría una nominación al mejor actor de reparto de televisión en el prestigioso premio Saturn, dentro de una trayectoria en la pequeña pantalla en la que figuran apariciones regulares en series de la relevancia y popularidad de Hermanos de sangre, Londres: distrito criminal, El cuerpo del delito o Navy: Investigación criminal, entre otras. En Money da vida a John, un misterioso personaje cuya visita en medio de la noche a dos parejas que se encuentran disfrutando de una velada en compañía servirá de detonante para el desarrollo de la historia.

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¿Cómo llegas a Money?

Recibí el guion a través de mi manager junto a un link para ver Voice Over, el último cortometraje que había dirigido Martín. Así que vi ese corto, que visualmente me pareció sorprendente, con un gran ritmo y muy arriesgado, cambiando de localizaciones cinco o seis veces y contando cinco historias diferentes que confluyen al final. Había algo que delataba mucha inteligencia en la estructura y el ritmo de la historia. Y luego me enamoré del guion rápidamente, porque me encantan los thrillers psicológicos potentes que atrapan al espectador, con mucho suspense. Este guion además creo que dará a los espectadores algo sobre lo que debatir al final de la película acerca de cuál es el mensaje. Así que fue una mezcla del guion, de ver Voice Over y el poder trabajar con los hermanos Rosete en su primera película. Para mí es muy emocionante, admiro su talento y su potencial. Siempre es apasionante embarcarse en un proyecto de cineastas jóvenes y llenos de ideas.

¿Qué te llamó la atención de tu personaje?

La ambigüedad del personaje. El personaje se llama John, que es como se llama a las personas sin nombre[1]. John es el nombre más común en los países de habla inglesa. Así que no revela mucho sobre él. Cuando llama a la puerta nadie sabe quién es y, sin embargo, él conoce todo sobre todos los demás. En un momento preciso él decide demostrar el poder que tiene sobre los demás sentándose en esa mesa. Me gustó el aspecto teatral de interpretar a alguien que sabe cómo jugar sus bazas y que mueve todos los hilos. Incluso cuando pierde el control es capaz, a través de mucha disciplina, de conocer las debilidades de los demás y usarlas en su contra. Es divertido interpretar a un personaje así. Lo más difícil fue desarrollar física y verbalmente la manera de presentar este personaje que siempre parece controlarlo todo y que no tiene miedo, usando la tranquilidad y observando todo el caos y el pánico que hay a su alrededor para usarlo a su favor.

¿Cuál piensas que ha sido tu aportación a John?

Tengo que ser sincero y decir que el personaje estaba definido en el guion. Josep ha escrito un personaje que es culto, que ha viajado y conoce el mundo, que se conoce a sí mismo y entiende a los  demás. ¿Que qué aporté yo? No lo sé, no estoy seguro de haber contribuido con nada, aparte de confiar ciegamente en la situación que Josep había escrito e intentar potenciar al máximo toda la fuerza puesta en los diálogos. Quizá algo de humor. Me gustar usar el humor irónico… pero todo eso estaba ya en el guion. Así que no creo haber aportado gran cosa al personaje aparte de mi 1,75 m de altura y mi 42 de pie.

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Jamie junto al director de “Money”, Martín Rosete, durante la rueda de prensa de la película durante el pasado FANT.

La interpretación que haces de John personalmente me ha recordado a James Bond, tanto por lo cínico que es como por la forma que tiene de comportarse, además de por su elegante forma de vestir. ¿Era un poco la referencia que manejabas?

Sí, efectivamente. Para esa parte cínica que tiene el personaje me basé en James Bond, absolutamente. Y es un personaje que, como James Bond, tiene poder porque, mientras que de él no saben nada, del resto conoce lo suficiente como para poder destruirlos. Entonces, como James Bond, John está cómodo por tener esta información y por las oportunidades que se le presentan a partir de ello. Sin menoscabo de esto, yo interpreto a John en un sentido más amplio. John aparece como un stranger, ese forastero que ha sido tratado en tantas películas dentro del western. Sobre todo es un rol que tiene un poder y que no necesita ni siquiera demostrarlo. Hace saber que tiene ese poder sobre los demás y crea ese ambiente.

Es curioso cuando John empieza a cometer errores y pierde un poco el control, cómo se echa para atrás y deja que ese miedo y esa incertidumbre se apoderen de él, de la misma manera que se apodera del resto de personajes y la situación poco a poco va dando totalmente la vuelta. Entonces, a través del humor empieza a gestionar ese miedo que tiene en las conversaciones que mantiene con los otros personajes y va fracturando la confianza que existe entre las dos parejas. Es un personaje que me ha parecido interesante desde el principio por cómo cuantifica las relaciones y cómo demuestra que vivimos en una sociedad totalmente materialista, donde John consigue modificar estas relaciones por dinero, demostrando lo superficiales que son.

Otra similitud que me parece que existe entre mi personaje y James Bond es que tiene siempre mejores conversaciones con las mujeres que con los hombres, lo que por otra parte es lo habitual. Él ve cómo las mujeres están siendo un poco utilizadas por sus parejas y es por ello que yo interpreto a John como un ángel emancipador de estas mujeres que, finalmente, acaban llevándose el dinero, mientras los hombres se llevan los golpes y terminan destruidos totalmente. Así que John es, digamos, un agente que cambia cosas y que deja a las mujeres en una mejor posición en la que estaban en un principio y les otorga un plus de autoconocimiento.

Coproducida entre España y los Estados Unidos, mientras que el apartado actoral es de mayoría anglosajona, el técnico ha corrido por cuenta de españoles. ¿Cómo ha sido el desarrollo del rodaje teniendo en cuenta esta mezcla de culturas?

La verdad es que fue muy fácil. Era una coproducción hispano-norteamericana y se desarrolló como tal. Tanto el director como su hermano, el director de fotografía, tienen un inglés excelente y no hubo ningún problema de traducción. Y la historia tiene un carácter universal, por lo que por esa parte tampoco había problemas. En realidad no se notó para nada el que los miembros del equipo tuviéramos distinta procedencia. Incluso el productor norteamericano, Atit Shah, es de origen indio. Pero aunque había tres culturas predominantes, como digo no hubo ningún problema en ese sentido.

José Luis Salvador Estébenez

 

[1] Nota del traductor: En los Estados Unidos, comúnmente se emplea el nombre John Doe en las acciones legales o discusiones legales, en el caso de los hombres, para reemplazar un nombre (para mantener el real anónimo) o porque se desconoce también el nombre real. Los cadáveres o los pacientes de las salas de urgencias cuya identidad se desconoce son conocidos como John Doe. En el caso de las mujeres se utiliza el nombre de Jane Doe. (Extraído de Wikipedia: https://es.wikipedia.org/wiki/Sin_nombre)

Traducción: Tarik Amarouch García

Fotografías: Juan Mari Ripalda

FANT 2017 cierra superando la barrera de los diez mil espectadores

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El Festival de Cine Fantástico de Bilbao – FANT ha cerrado su vigésimo tercera edición con un total de diez mil sesenta y cuatro asistentes, lo que supone un nueve por ciento de incremento con respecto a 2016, año que ya supuso la mayor afluencia en la historia del festival que organiza el Ayuntamiento de Bilbao, y que encadena seis años consecutivos de crecimiento, tanto en horas de cine programadas, como en público que asiste a las salas.

A estos buenos datos habría que añadir otras mil setecientas setenta personas que tomaron parte en actividades paralelas organizadas como complemento al programa de cine, como la sesión Art After Dark con Carlos Bayona, organizada conjuntamente con el Museo Guggenheim –en la que se agotaron las entradas–, la exposición de carteles homenaje a Rob Zombie en Azkuna Zentroa o la sesión Dj con Aránzazu Calleja.

De las más de cincuenta proyecciones programadas, colgaron el cartel de completo la sesión inaugural, en la que se proyectó la película Pieles de Eduardo Casanova, y se agotaron las entradas también del auditorio de Azkuna Zentroa para ver La Noche del Virgen, ópera prima de Roberto San Sebastián, a competición dentro de Sección Oficial y La residencia, el clásico de Chicho Ibáñez Serrador que fue programado dentro de la sección Maestros del FANT.

Además, tuvieron más de un ochenta por ciento de entrada las proyecciones de cortos internacionales, El ataúd de Cristal”, The Void, My Father Die, –de la Sección Oficial–; la película de clausura Pet, la sesión de Falsos Trailers, y algunas películas de Panorama como La sexta alumna, The Wailing o Into the Forest; SPUTNIK en DokuFANT, o clásicos de la sección Maestros del Fantástico, como ¿Quién puede matar a un niño?, El fantasma del paraíso  y La furia.

Merece la pena destacar también la buena acogida de la primera sesión de la tarde, a las 16:15 horas, en la Sala 1 de Golem – Alhóndiga. Por último, destacar que un total de mil ciento catorce personas asistieron a las proyecciones de Pre-FANT durante la semana previa al inicio del festival, lo que supone casi cuatrocientos espectadores más que en 2016, mientras que mil quinientos sesenta y seis escolares asistieron a las sesiones de FANTEskola.

Published in: on mayo 23, 2017 at 6:17 am  Dejar un comentario  
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Lanzamientos de Regia Films para mayo

Hace escasos días Regia Films ponía a la venta a un precio recomendado de 9,95 € sus lanzamientos para este mes de mayo. Tres nuevas referencias pertenecientes a otras tantas de las líneas editoriales que con gran aceptación viene desarrollando el sello barcelonés en los últimos tiempos.

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De este modo, dentro de su colección “Cinema Giallo” ha lanzado Sumario sangriento de la pequeña Estefanía / Mio caro assassino (1972), protagonizada por un espectacular compuesto de habituales del cinema bis europeo como George Hilton, Salvo Randon, Patty Shepard, Marilú Tolo, William Berger, Manuel Zardo y Piero Lulli, entre otros, y dirigida por el recientemente fallecido Tonino Valerii. En la que sería su única incursión en el género, el antiguo ayudante de dirección de Sergio Leone se descuelga con una compleja intriga trufada con todos los ingredientes característicos del género. A título de curiosidad cabe mencionar la banda sonora corre a cargo del mítico Ennio Morricone, siendo dirigida por el no menos grande Bruno Nicolai.

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La edición de Regia ofrece Sumario sangriento de la pequeña Estefanía en su montaje italiano y es acompañada de sus versiones originales tanto española como italiana, subtítulos en castellano y un formato de imagen en 2,35:1 con mejora anamórfica. El Dvd es ofrecido dentro de un estuche amaray transparente con carátula con el diseño característico de la colección, ilustrada, como viene siendo costumbre, con imágenes de carteles foráneos del film, en este caso reproduciendo el poster italiano.

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Otra de las novedades comercializadas es El cielo en el infierno (2016), la más reciente película hasta la fecha de Norberto Ramos del Val, del que Regia ha editado hasta el momento la mayor parte de su filmografía. Traslación a la gran pantalla del montaje teatral Querido imbécil que el propio Norberto dirigiera a partir de una obra escrita por su habitual colaborador Pablo Vázquez, con El cielo en el infierno el cineasta santanderino continua explorando las relaciones de pareja y la guerra de sexos que ya protagonizara su anterior Amor tóxico (2015), con un trabajo arriesgado e inclasificable, que su propio director ha catalogado como su obra más experimental. El resultado es el que quizás sea el mejor film de Ramos del Val hasta la fecha; una película que luce orgullosa su incorrección política para arremeter contra la estupidez de los defensores de lo políticamente correcto.

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El Dvd editado por Regia Films de El cielo en el infierno presenta la película con su aspect ratio original de 2,40:1 anamórfico, versión original codificada en una pista 5.1 y subtítulos en inglés. Además, como extras se ofrece el tráiler del film y una entrevista a su director. En cuanto a su presentación, el disco es contenido en un amaray transparente con carátula reversible con diferente diseño en cada una de sus caras.

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El tercero de los lanzamientos en discordia se encuadra dentro de “Videohits”, el subsello dedicado por Regia a la recuperación de títulos producidos entre las décadas de los 70 y los 90. Tras publicar varias comedias de similares características, caso de las dos partes del díptico Este muerto está muy vivo, esta vez el título escogido es No le digas a mamá que la canguro ha muerto (Don’t Tell Mom the Babysitter’s Dead, 1991), comedia de enredo escrita y dirigida por Stephen Herek, en cuya filmografía destacan la primera entrega de Critters, Las alucinantes aventuras de Bill y Ted o 101 dálmatas. ¡Más vivos que nunca!, adaptación a imagen real del clásico animado de la Disney. En ella, Christina Applegate, Christopher Pettiet, Danielle Harris, Keith Coogan y Robert Hy Gorman interpretan a cinco hermanos que ocultan la muerte de su canguro a su madre, de vacaciones en Australia. Este hecho será el punto de partida de un montón de situaciones divertidas en las que los jóvenes tendrán que ingeniárselas para poder salir adelante todo el verano sin avisar de lo sucedido a su madre.

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Editada como el resto de las presentes novedades en Dvd, No le digas a mamá que la canguro ha muerto se presenta con audio en versión original y el correspondiente doblaje español, subtítulos en castellano y formato de pantalla 1,85:1 anamórfico. Siguiendo con el estilo habitual de los lanzamientos de “Videohits” la carátula, contenida en un estuche transparente, está ilustrada en su parte interior por una imagen de la película.

Más información y venta: http://www.regiafilms.com/

  • Las imágenes de las películas que ilustran la presente entrada corresponden a capturas de las ediciones comentadas.
Published in: on mayo 22, 2017 at 5:54 am  Dejar un comentario  

Entrevista a Martín Rosete, director de “Money”

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Tras una larga y exitosa trayectoria en el mundo del corto, Martín Rosete ha conseguido dar el salto al largo con el thriller Money. Sin embargo, el camino hasta este ansiado debut no ha sido nada fácil. A pesar de contar con un galardonado currículo a sus espaldas, entre los que destacan el Méliès de Oro al mejor cortometraje europeo y la nominación al Goya de la categoría conseguidos por Voice Over, ha tenido que autofinanciarse a través de su propia compañía para que su ópera prima pudiera materializarse.

Coproducida por los Estados Unidos, país donde tuvo lugar el rodaje, se trata de una propuesta de corte minimalista y estética indie, en la que la inesperada visita de un extraño durante una cena de parejas es la premisa utilizada por Martín Rosete para explorar algunos de los males que acusa cierta parte de la sociedad occidental actual, con la avaricia y el culto al dinero en primer término. Con solo cinco personajes y una sola localización, el novel cineasta logra brindar una película notable que tiene sus mejores bazas en su manejo del ritmo, un guion modélicamente construido y el excelente trabajo interpretativo de su reducido reparto.

Estrenada en salas españolas el pasado viernes 12 de mayo, Money pudo verse un par de días antes dentro de la Sección Panorama del Festival de Cine Fantástico de Bilbao-FANT, donde tuvimos la oportunidad de entrevistar a su director.

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Pese a acumular una exitosa carrera en el mundo del corto, con nominación al Goya incluida, has tenido que ir hasta los Estados Unidos para rodar tu debut en el largo. ¿A qué se debe el que hayas optado por emigrar para realizar tu ópera prima?

Estuvimos como dos años para levantar Money. La idea original era rodarla en España, teníamos ya una localización en Madrid, pero no fuimos capaces de conseguir el presupuesto. Yo vivo desde hace casi diez años en Nueva York, conocí a un productor norteamericano y él me dijo que pensaba que podíamos rodar allí la película de una forma mucho más barata. Además, por el tema de incentivos fiscales, el rodar en el estado de Nueva York nos salía más a cuenta. Así que decidimos hacerla en coproducción entre la productora que tengo en España y su productora norteamericana. La rodamos con muy pocos medios, pero sabíamos que era una película en la que el valor principal eran los intérpretes, y tuvimos la suerte de contar con cinco actores maravillosos.

Money está escrita por Josep Ciutat. ¿Cómo te llegó el guion y qué es lo que te llamó la atención de él?

Después de mi cortometraje Voice Over me sentía listo para dar el salto al largo y empecé a leer guiones. Mi agente me mandaba un montón de guiones desde Los Ángeles, pero no encontraba ninguno que me pareciera ideal para mi primera película. Entonces empecé a recibir libretos de guionistas españoles que aspiraban a hacer proyectos internacionales. Josep me mandó dos guiones que me leí en una tarde. Aunque me encantaron los dos, me pareció lo más lógico comenzar con el que era más contenido.

¿En la elección del guion de Money influyó el que se desarrollara básicamente en un único emplazamiento y con muy pocos personajes, con el consiguiente ahorro en los costes de producción que esto supone?

Por el tema presupuestario, pero también porque para mí era muy importante sentir que era algo que iba a poder abarcar. Mi primer corto, Revolución, era un solo actor en una sala, y aunque esto no es lo mismo, de alguna manera era la misma sensación de decir “vale, esto es algo que es más grande de lo que he hecho hasta ahora, pero voy a intentar que los elementos que haya los pueda controlar”.

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Martín Rosete junto a Jamie Bamber durante la rueda de prensa de “Money” en FANT.

Pese a tratarse de una producción de bajo presupuesto, llama la atención que hayas conseguido reunir un reparto repleto de caras conocidas, comenzando por Jesse Wiliams, popular por su papel en la serie Anatomía de Grey, y siguiendo por Kellan Lutz o Jamie Bamber, el capitán Apolo de la versión moderna de Galáctica. ¿Fue difícil implicarles en el proyecto?

En este sentido mi agente ayudó mucho. Estaba representado por la agencia William Morris en ese momento, y él me iba mandando actores que podían encajar en el proyecto y de alguna forma se implicó mucho. Hice mi selección y ellos confiaron mucho en que si yo había hecho los cortos que tenía a mis espaldas podía conducir bien la película. En este sentido, sí que mi agente ayudó mucho a darle la seguridad a los actores de que iban a estar en buenas manos.

Aunque en el apartado actoral la mayoría es norteamericana, para el lado técnico has confiado en españoles para los puestos clave. ¿Cómo fue el rodaje con un equipo tan dispar?

La verdad es que bastante fluido. Muchos de los técnicos españoles vivían en los Estados Unidos, por lo que estaban habituados a trabajar allí, y los que vinieron desde España estaban también muy integrados. El ambiente era muy familiar, porque al final estábamos todo el día juntos, nos alojábamos en la misma casa en la que rodábamos, y de no haber sido así habríamos terminado matándonos.

El punto de partida de la película, con la reunión de un grupo de amigos para cenar, conecta con el de otros títulos recientes como Coherence o La invitación. ¿Por qué crees que existe ahora mismo ese interés en el cine por explorar este tipo de actos sociales como base para sus propuestas?

No sé, pero sí que es cierto que hay algo en ese universo de relaciones sociales de quedadas, cenas y demás que puede hacer saltar la chispa de que algo especial pase. Nos pareció un buen punto de partida para nuestra película y creíamos que podía funcionar.

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Desde su propio título, Money reflexiona sobre el dinero y cómo este afecta y corrompe a la gente. Un tema de candente actualidad en la realidad sociopolítica de nuestro país. ¿De algún modo todo este clima os influyó a la hora de plantear el discurso de la película?

Si no me equivoco cuando se escribió la película fue a principios de 2009 y era cuando la crisis era la palabra que estaba en boca de todo el mundo. Creo que de ahí tiró Josep para un poco ir viendo cómo el dinero nos afecta a todos, por esa búsqueda de siempre querer más, la avaricia y todo este tipo de cosas. Así que sí, pienso que todo ese contexto influyó a la hora de plantear la película.

En este sentido, aunque el tema principal que planteas sea la codicia por el dinero, a lo largo de la película también sale a relucir la hipocresía y la falta de valores de la burguesía. Incluso pones un contrapunto con el personaje del jardinero…

De hecho, en versiones previas del guion ese personaje aceptaba el dinero, hasta que llegamos a una versión en la que vimos que necesitábamos un poco de contraste. Necesitábamos que al menos uno de los personajes no se manchara las manos, que tuviera unos principios y no quisiera entrar en ese juego, y siguiera teniendo la vida tranquila que había tenido hasta ese momento. Es más, en esas versiones anteriores el personaje era mucho más joven, y cuando surgió esta idea de contrastarlo con el resto de personajes vimos que tenía que ser alguien mucho más mayor, con más experiencia, para que se entendiera mejor lo que queríamos mostrar.

Siguiendo con los personajes, el de John, aunque en teoría asume el rol de villano, a la postre funciona como una especie de conciencia del resto, señalándolos sus pecados y sus defectos. ¿Era esta vuestra intención cuando lo diseñasteis?

Sí. Fue algo que hablamos con Jamie cuando estábamos preparando con él el personaje porque, claro, en la película no se sabe ni de dónde viene ni a dónde va; no se sabe nada. Entonces eso le otorgó a Jamie mucha libertad para crear el personaje y, más que enfocarlo desde el punto de vista de un tipo que viene a llevarse el dinero, optamos más bien por verlo como un tipo que llega para solucionar problemas y poner al resto de personajes frente al espejo. Jamie siempre dice que es como si fuera un sicólogo, aunque muy caro, eso sí. Por eso el tema del dinero acaba de ser algo secundario para él, porque al final cuando pierde lo acepta. Al fin y al cabo para John el perder formaba también parte del juego.

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Justo Ezenarro, director de FANT, junto a Martín Rosete en un momento de la rueda de prensa de “Money”.

Antes he mencionado Coherence o La invitación. Estéticamente y tonalmente Money se aproxima a las formas del cine indie norteamericano actual. ¿Era algo buscado?

Sí. Lo hablé con mi hermano, y también sabíamos que íbamos a tener que rodar rapidísimo porque solo disponíamos de quince días. Teníamos muy pocos recursos y entonces decidimos utilizar esas carencias estilísticamente. Planteamos la planificación por medio de la cámara fija y cuatro dollies hasta que John pone sobre la mesa la verdad de todo y el desarrollo toma otro camino. A partir de ese momento todo es cámara en mano hasta que llegamos al desenlace. En este sentido, pensábamos que de este modo íbamos a meter a la película una mayor tensión, al tiempo que iba a ayudarnos a visualizar cómo se tambaleaban todas las relaciones. Pero a la vez fue también una decisión tomada debido a las circunstancias.

Pese a tratarse de una producción independiente, Money ha conseguido ser adquirida por la todopoderosa 20th Century Fox para distribuirla en buena parte del mundo. ¿Cómo surgió esta oportunidad?

En realidad la vieron en un festival que ganamos en Long Beach, en el estado de Nueva York. Nos dijeron que pensaban que la película podía funcionar para distribuirla en todo el mundo y se la mandaron al vicepresidente de la compañía. Vio la película, le gustó y al día siguiente ya teníamos su respuesta con un sí por su parte y un contrato para cerrar el acuerdo. Fue algo relativamente rápido. Mucho más que cualquier otra cosa que hemos intentado por nuestra parte.

Al parecer, ya te encuentras preparando tu siguiente película, Remember Me. ¿Qué nos puedes adelantar sobre ella?

Es también una película con el mismo concepto internacional de coproducción entre España y los Estados Unidos. El libreto es de Rafa Russo, que es el guionista de Lluvia en los zapatos, y la verdad es que estamos super ilusionados con la historia, estamos poniendo las piezas ahora y todo apunta a que va a ir muy bien. Es uno de los mejores guiones que he leído en mi vida y estoy muy feliz de poder ser el responsable de convertirlo en película.

Dado que Remember Me también la planteas para ser producida en los Estados Unidos, el que enfoques tu carrera hacia aquel país ¿tiene que ver con la falta de oportunidades que existen en España para los jóvenes cineastas?

Bueno, más que la falta de oportunidades, me gusta mucho lo que está haciendo Bayona. Es decir, plantear producciones que combinan parte española con parte estadounidense, y ese es un poco el modelo que quiero seguir. Aparte de eso, lo que sí tengo claro es que mis proyectos deben de ser en inglés, ya que es algo que, a día de hoy por lo menos, ayuda mucho más a la hora de poder vender la película en todo el mundo. La idea es intentar hacer películas internacionales que comprendan y puedan disfrutar en cualquier parte, y el inglés es una parte fundamental para ello.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías: Juan Mari Ripalda

Published in: on mayo 19, 2017 at 5:54 am  Dejar un comentario  
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El 50º aniversario de Sitges viaja a Cannes

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El mundo del cine se reúne a partir desde ayer en Cannes, que se convertirá un año más en el punto de encuentro de la profesión y la presentación de una larga lista de proyectos y producciones. En el año de su cincuenta aniversario, Sitges estará presente a través de dos actos. El primero será el Fantastic Mixer, un encuentro para directores y programadores de festivales de cine fantástico, que tendrá lugar el domingo, 21 de mayo, dentro del Marché du Film, que acoge el palacio de Congresos de la ciudad francesa. Este año, Sitges co-patrocina el acontecimiento junto con los festivales BIFAN (Corea), Fantasia (Quebec), el laboratorio internacional Frontières y la plataforma de cine latinoamericano Blood Window, entre otros.

El segundo acto convocado por el Festival de Sitges tendrá un cariz más institucional. Se trata de un encuentro con diferentes representantes de organismos, festivales y otros agentes del mundo audiovisual para presentar el cincuenta aniversario del certamen. Este acto se celebrará el lunes, 22 de mayo, con la colaboración de Catalan Films & TV, en su stand de Cannes.

En las próximas semanas, el Festival anunciará los diferentes actos programados con motivo del cincuenta aniversario, que se iniciaron el pasado mes de febrero con la presentación en Los Ángeles. Estas acciones están enmarcadas en la celebración de las cincuenta ediciones de Sitges y suponen su proyección en el contexto internacional.

Más información: www.sitgesfilmfestival.com

Published in: on mayo 18, 2017 at 5:28 am  Dejar un comentario  
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Animayo Gran Canaria 2017 cerró su doceava edición con más de quince mil participantes

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Con un total de catorce master classes de ponentes internacionales, cinco secciones oficiales a concurso que han dado lugar al Palmarés Animayo 2017, especiales de animación japonesa y eslovaca, nueve talleres formativos para distintos segmentos de edad, un foro profesional de inversión y financiación, recruitments y revisiones de portfolios de productoras nacionales, espacios de videojuegos y realidad virtual con torneos en vivo, becas al talento valoradas en más de veinte mil euros, una exposición de fotografía, encuentros con escuelas y actividades y conciertos al aire libre. Los primeros días del mes de mayo, El XII Summit, Conferences and International Film Festival of Animation, Visual Effects and Video Games Animayo, volvió a emerger desde Gran Canaria como enclave a nivel internacional del cine de animación, de los efectos visuales y de los videojuegos.

El gran ganador de esta edición ha sido Cosmos Laundromat de Mathieu Auvray de los Paises Bajos y con técnica 3D que se llevó a casa el Gran Premio del Jurado, además del premio Mejor 3D/CGI, mientras que el ganador del Mejor Cortometraje Español fue Roger de Sonia Cendón, Sara Esteban, Arnau Gòdia, Ingrid Masarnau y Martí Montañola, el cual pasará a directamente a la preselección del Goya del próximo año.

Entre los ganadores en otras categorías encontramos a la china First Bloom de Tingting Liu, Mejor 2D con técnica de Animación por ordenador; My Life I Don’t Want de Nyan Kyal Say, premio Social Awareness; Back Then, cortometraje español dirigido por Diego Porral que se llevó el premio a la Mejor Comedia;  Au Revoir Baltazhar, cortometraje suizo de Rafael Sommerhalder consiguió el premio al Mejor Stop Motion; Scrambled de Bastiaan Schravendeel, trabajo procedente de Holanda que se alzó con el premio al Mejor Talento Emergente; el estadounidense The Last Bastion de Matt Bums, galardonado con el premio a la Mejor Cinemática Videojuegos. En la categoría de Mejor Vídeo Musical el premio fue para Leningrad, de Ilya Naishuller; Tomorrowland – Infected consiguió el premio a Mejor publicidad; Down The Wire de Juan Carlos Mostaza se llevó la Mención especial del festival al mejor cortometraje español – animación con ñ;  El Criptozoólogo obtuvo la Mención al mejor cortometraje para todos los públicos, realizado por Vicente Mallols; Ines Pagniez y Victoria Jardine se llevaron la Mención Especial del Festival al mejor Cortometraje de Humor con 24 días de tortura; la Mención Especial del Festival al mejor Stop Motion fue para Ossa de Dario Imbrogno; Borrowed Time, de  Andrew Coats y Lou Hamou-Lhadj, obtuvo la Mención Especial del Festival al Mejor 3D; The Unlikely Hero consiguió la Mención Especial del Festival a la mejor Publicidad; el neozelandés James Cunningham consiguió con Accidents, Blunders and Calamities la Mención Especial del Festival al mejor corto de Estudiante; Citipati de,  Andreas Feix se llevó la Mención Especial del Festival al mejor VFX; para Poilus realizado por Guillaume Auberval, Léa Dozoul, Simon Gomez, Timothé Hek, Hugo Lagrange, Antoine Laroye y David Lashcari fue la Mención Especial del Festival Social Awareness; y uno de los premios más queridos del festival recayó sobre el cortometraje dirigido por Jordi García Jiménez La muñeca que eligió conducir, Premio del público.

Durante toda la semana el Centro de Iniciativas Culturales CICCA, el Teatro Guiniguada, y la Alameda de Colón se convirtieron en espacios tecnológicos de expresión artística, formación y  desarrollo económico e industrial dentro de su sector. Las master classes de Animayo Gran Canaria 2017 otorgaron al evento la esencia más formativa, posibilitando al público aprender a hacer un plan de producción cinematográfica, a abrirse paso por primera vez en la Industria, la profesión de VFX, el desarrollo de proyectos concretos como Vaina, Pocoyó o Los Simpsons, el tratamiento de géneros en la animación como el humor, el diseño de personajes, los videojuegos, los VFX, el desarrollo de proyectos tecnológicamente avanzados y las mejores cinemáticas.

Por otro lado, un total de veinticinco especialistas y profesoras acudieron durante esta edición para impartir nueve talleres para adultos y niños en los que los asistentes pudieron aprender el oficio de especialistas de cine, el modelado 3D en Z-brush, el software 3D texturing and painting, la técnica de animación stop motion, el diseño y desarrollo de videojuegos, la impresión 3D, la robótica, los muppets o los consejos de una experta cibernanny.

Las becas al Talento Animayo Gran Canaria 2017, en colaboración con Cesur y U-tad, además de los recruitment, la revisión de portfolios de productoras nacionales colaboradoras, y los créditos universitarios otorgados por la Universidad de Las Palmas de Gran Canaria y la Universidad de La Laguna hicieron de esta edición el regocijo de numerosos estudiantes en busca de un empujón y salidas profesionales.

Aparte de las cinco secciones oficiales, También se programaron doce proyecciones dirigidas a escolares de primaria, secundaria y bachillerato que se fueron desarrollando desde el mes de Abril en el Teatro Guiniguada y en el CICCA, con el apoyo de la Consejería de Educación. Diversos ciclos de cine de animación, tales como el “Especial Humor-Animación Checa hecha por Mujeres”, presentado por Aneta Zabková, el “Ciclo Animación Eslovaca hecha por mujeres”, con la mejor programación de animación de los últimos años realizadas por los nuevos talentos de la escuela artística eslovaca, y “Japón se anima: La mujer como protagonista”, ciclo de cine de animación nipón organizado en colaboración con la Filmoteca Canaria que proyectó Himno del corazón, dirigida por Tatsuyuki Nagai, y Miss Hokusai, de Keiichi Hara. La exposición de Lotte Reineger, y la proyección de sus películas, fue el homenaje especial a esta artista alemana pionera en el cine de animación mundial.

Un año más, Animayo contó con la zona dedicada a los videojuegos, el espacio de Realidad Virtual y Videojuegos Binter Zona Anigogatsu Alexis Carrasco, con cinco torneos en vivo y una sección dedicada exclusivamente a dispositivos de realidad virtual, con hardware y periféricos de las tecnologías más punteras como HTC VIVE, Oculus Rift y Sony VR.

Y como colofón de clausura a una semana repleta de actividades para todas las edades, se celebró un concierto multitudinario en La Alameda de Colón que contó con las cantantes Leire Suarez y Cristina Ramos, acompañadas del Grupo Los Salvapantallas.

Ahora Animayo prepara sus próximas ediciones itinerantes que llevarán su palmarés por medio mundo aparte de en sus sedes fijas en Los Angeles, Madrid, Barcelona, Lanzarote, Lisboa y Bombay, además de su participación puntual con otros festivales internacionales

Published in: on mayo 17, 2017 at 6:18 am  Dejar un comentario  

Novedades de La oscura ceremonia

La oscura ceremonia ha abierto la convocatoria para los trabajos que quieran participar en la novena edición de Horrorvision, el “Spanish Horror-Trash Festival”. Las categorías dispuestas por la organización se dividen en: cortometrajes, videoclips, documentales y largometrajes. Aquellas cintas interesadas en participar pueden hacer llegar sus trabajos a través de la web https://filmfreeway.com/festival/HorrorvisionTrashFilmFestival

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Por otra parte, ya se encuentra a la venta a un precio de 5 € más gastos de envío el número 14 del fanzine “Horrorvision”. Con portada de Adrián Cardona, este nuevo número viene protagonizado por un especial sobre la Empire-Full Mon, en el que destaca una extensa entrevista a Ted Nicolau, responsable de la saga Subspecies. Además de las secciones habituales, entre el resto de contenidos destacan las entrevistas a Mike Mendez, uno de los actuales artesanos de la Serie B más reivindicable, Thomas Hodge “The Dude Designs” con motivo de su libro “VHS Video Cover Art” y al dibujante Matías Gutiérrez de Cafeina Prints quien firma el póster central del vampiro Radu. Más información y pedidos en: laoscuraceremonia@gmail.com yhorrorvisionmagazine@gmail.com

Published in: on mayo 16, 2017 at 6:20 am  Dejar un comentario  

Palmarés de FANT 2017


El Jurado de la XXIII edición del Festival de Cine Fantástico de Bilbao – FANT 23, integrado por la actriz Melina Matthews, el escritor, director y guionista de cine, Elio Quiroga, y el director, guionista y periodista sevillano, Miguel Ángel Vivas, ha dado ha conocer esta mañana su fallo en una rueda de prensa celebrada en el ayuntamiento de la capital vizcaína. El Premio FANT 2017 a la Mejor Película ha recaído en el largometraje de animación Seoul Station, (Corea del Sur, 2016) del cineasta Yeon Sang-ho.

El jurado de FANT se ha decantado por este film “por salirse de los estereotipos de la animación y hacer totalmente humanos a sus personajes”. Yeon Sang-ho firma también el guión de esta película ambientada en la estación central de Seúl, que se convierte durante la noche en un hogar para mendigos. Mientras, una chica rompe con su novio y busca refugio en la terminal, pero ahí solo encuentra una horda de vagabundos convertidos en zombis.

En el apartado de cortometrajes, el jurado ha concedido el premio al Mejor Cortometraje al trabajo La Voce (Canadá, 2016) de David Uloth. El tribunal se ha decantado por este trabajo de ficción por “la forma en la que describe la hipersensibilidad de los protagonistas a través del sonido, la música y la imagen y encuentra la belleza en los lugares más insospechados”.

El galardón al Mejor Cortometraje Vasco, según el criterio del jurado, ha sido para el trabajo de ficción Bestealdetik (2016, España) de Mar González Ruiz de Larramendi, que han justificado en “el riesgo de su propuesta estética y por como con la simple mirada de un actor se puede transmitir algo tan inasible como el final de una vida”.

Por su parte, el público de la presente edición del Festival de Cine Fantástico de Bilbao – FANT 22 ha votado como Mejor Cortometraje The App (España, 2016), una ficción de dieciseis minutos de Julián Merino.

Además esta edición el festival entrega también los premios honoríficos, sin dotación económica, al Mejor Largometraje y Mejor Cortometraje de la sección Panorama Fantástico. El jurado encargado ha estado integrado por el guionista e investigador del cine de género fantástico, Ángel Agudo, la periodista y crítica cinematográfica, Iratxe Fresneda, y el también periodista y crítico de cine fantástico, Javier Donate.    

De esta forma, el premio al Mejor Largometraje de la sección Panorama ha sido para A Floresta Das Almas Perdidas, de Jose Pedro Lopes (Portugal, 2016), y ha recibido una mención especial Therapy de Nathan Ambrosioni (Francia, 2016). En el apartado de cortometrajes el premio ha sido para Einstein Rosen, de Olga Osorio (España, 2016).  

PALMARÉS FANT 2017 COMPLETO

PELÍCULA GANADORA FANT 23

Seoul Station, (Corea del Sur, 2016) de Yeon Sang-ho.

PREMIO FANT EN CORTO

Premio del Jurado Mejor Cortometraje:

La Voce (Canadá, 2016, 20’) de David Uloth

Premio del Jurado Mejor Cortometraje Vasco:

Bestealdetik (2016, 15 min) de Mar González Ruiz de Larramendi

Premio del Público al Mejor Cortometraje:

The App (España, 2016), de Julián Merino.

PREMIO MEJOR GUIÓN DE SECCIÓN OFICIAL

(CONCEDIDO POR LA ASOCIACIÓN DE GUIONISTAS VASCOS)

I Am Not a Serial Killer” (Irlanda / Gran Bretaña, 2016) de Billy O´Brien

PREMIO A LA DIRECCIÓN MÁS INNOVADORA  DE SECCIÓN OFICIAL

(CONCEDIDO POR EL CINE CLUB FAS)

The Eyes of my Mother, (Estados Unidos, 2016) de Nicolas Pesce

PREMIO FANTROBIA 2017

Sean Brosnan

ESTRELLA DEL FANTástico  2017

Barbara Crampton 

FANT DE HONOR 2017

Pedro Rivero 

Terele Pávez

PREMIO AL MEJOR LARGOMETRAJE DE LA SECCIÓN PANORAMA

A Floresta Das Almas Perdidas, (Portugal, 2016) de Jose Pedro Lopes.

  • MENCIÓN ESPECIAL: Therapy (Francia, 2016) de Nathan Ambrosioni.

PREMIO AL MEJOR CORTOMETRAJE DE LA SECCIÓN PANORAMA

Einstein Rosen (España, 2016) de Olga Osorio.  

PREMIO DEL JURADO AL MEJOR  FALSO TRAILER  

Fishface, de José Mellinas

1ER PREMIO DEL PÚBLICO AL MEJOR FALSO TRÁILER

Hugo, de Iker Maguregi

2º PREMIO DEL PÚBLICO AL MEJOR FALSO TRÁILER AUX

Coleccionista, de Angel Holgado

Published in: on mayo 12, 2017 at 12:27 pm  Dejar un comentario  
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The Legend of the Werewolf [tv/vd: La leyenda del hombre lobo; vd: La leyenda de la bestia]

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Título original: The Legend of the Werewolf

Año: 1974 (Gran Bretaña)

Director: Freddie Francis

Productor: Kevin Francis

Guionista: John Elder [Anthony Hinds]

Fotografía: John Wilcox

Música: Harry Robinson [Harry Robertson]

Intérpretes: Peter Cushing (Doctor Paul Cataflanque), Ron Moody (guardián del zoo), Hugh Griffith (Pamponi), David Rintoul (Etoile, el hombre lobo), Lynn Dalby, David Bailie, Stefan Gryff, Renee Houston, Norman Mitchell, Mark Weavers, Marjorie Yates, Roy Castle, Elaine Baillie, John Harvey, Patrick Holt, Hilary Labow, Michael Ripper, Pamela Green

Sinopsis: Los lobos matan a una familia, pero crían al bebé que queda huérfano. Tras ser acogido por un circo itinerante, el muchacho, ya hombre, trabajará en el zoo de París, sintiendo una peculiar afinidad con los lobos encerrados en las jaulas. Y es que cuando sale la luna llena…

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Kevin Francis, hijo del gran director de fotografía y discreto realizador Freddie Francis (aunque algunas fuentes lo citan de forma errónea como su hermano) era un gran amante del cine de terror, por lo cual fundó la productora Tyburn para dar origen a esas películas que le interesaban. El éxito fue escaso, y sólo llegó a fabricar dos films, el presente y The Ghoul [tv: El resucitado; vd: Necrófago, 1974], con prácticamente el mismo equipo, constituido por personal procedente de la Hammer, así el productor/guionista Anthony Hinds/John Elder, el director de fotografía John Wilcox (que trabajó gran cantidad de veces con Freddie Francis, tanto en la Hammer como en la Amicus), el inconmensurable Peter Cushing…

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Elder ya había escrito el guion de La maldición del hombre lobo (Curse of the Werewolf, 1960), y para esta nueva aventura licantrópica se basó de forma notable en su previo trabajo, siendo, de hecho, más fiel a la narración de Guy Endore en la cual se cimentaba la obra maestra de Terence Fisher. Amén de desarrollar la trama en París, como en la novela, aplicó la misma estructura de fábula a la narración, además de inspirarse, sin duda, en la magnífica El pequeño salvaje (L’enfant sauvage, 1970), de François Truffaut -aunque el arranque casi parece una versión masculina de la novela de Paul Feval El jorobado (Le bossu, 1857), con el huérfano educado en un circo itinerante-.

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Moderado guionista con imprevistos brotes de algún bosquejo curioso, aquí Elder hace alarde, de nuevo, de esa irregular manifestación de su soplo creador, si bien prepondera, con todo, el acceso rutinario y la sensación de déjà vu en lo narrado. Cabe resaltar, como curiosidad, que el personaje que interpreta Peter Cushing, un médico forense, recuerda de forma extremada en sus actitudes y ademanes de genio a Sherlock Holmes -un decenio después, Kevin Francis volvió a reunir a similar equipo para el telefilm Masks of Death [tv: La máscara de la muerte/Sherlock Holmes y la máscara de la muerte; vd: Llamen a Sherlock Holmes/Máscara de terror, 1984], de Roy Ward Baker-, por lo cual uno aventuraría, de manera tímida, si el proyecto primitivo -que respondía al título Plague of the Werewolves– no sería una aventura del sabueso de Baker Street después transformada en lo que acontece.

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La realización de Francis se apoya en exceso en una escenificación rutinaria subrayada por medio del zoom, con un curioso elemento como suponen los planos subjetivos del hombre lobo con un virado en rojo; en esos momentos hay dos breves flashes de los ojos del licántropo, planos extraídos de la película de Fisher, con un reconocible Oliver Reed frunciendo el ceño. En consonancia con esto, el maquillaje de la criatura remite, una vez más, a la cinta referida, si bien con una pelambrera algo más escasa. El hombre lobo de esta película, en definitiva, aporta curiosas novedades: el niño nace en Nochebuena (sí, otra vez, como en La maldición del hombre lobo) y, tras matar los lobos a sus progenitores, será criado por los animales, en un símil de Rómulo y Remo. Llegada la madurez, la luna llena provocará su transformación, si bien aún conserva algo de raciocinio: se sirve de la red de alcantarillado de París para atacar y huir, ejecuta algunos de los crímenes empujado por los celos y, en los instantes finales, clamará ayuda verbalmente a Peter Cushing. Otro detalle de interés es su acceso de furia tras la ordenanza municipal de matar a todos los lobos de París, acto que él mismo habrá de acometer en el zoológico donde trabaja; comoquiera que la sociedad ha impuesto la matanza de lobos, en respuesta, él, que se siente lobo, replicará efectuando una matanza contra esa misma sociedad.

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El resultado es un film sin brizna de genio, pero un grato entretenimiento, una simpática entrega de serie B afianzada en un reparto de primera, una cinta, en suma, bastante mejor de lo que su mala fama haría creer. Con todo, sin la existencia de la película de Terence Fisher, esta jamás hubiera existido.

Carlos Díaz Maroto

Published in: on mayo 10, 2017 at 6:45 am  Dejar un comentario  
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A la venta la cinta japonesa de temática zombi “I Am a Hero”

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Bajo edición de Winds of Asia y Mediatres, Cameo distribuirá en tiendas este próximo miércoles 10 de mayo la cinta japonesa I Am a Hero, “la mejor película de zombis en muchos años”, a decir de la web Screen Anarchy. Dirigida por Shinsuke Sato, el protagonista de la historia es Hideo, un mediocre dibujante de manga que dedica la mayor parte del tiempo a soñar despierto con una realidad en la que es el héroe que siempre está dibujando. Un día, una epidemia empieza a extenderse por Japón, convirtiendo a los infectados en unos monstruos hambrientos de carne humana, forzando a Hideo a huir de Tokio a toda prisa. Movido por su cobardía y el instinto de supervivencia irá encontrando en su camino a nuevos compañeros que le mostrarán el verdadero rostro del ser humano, obligándole a decidir si de verdad quiere ser el héroe que siempre ha soñado.

I Am a Hero aparecerá en nuestro país en Dvd y Blu-ray, con audios en versión original y castellano en 5.1 o DTS-HD, dependiendo del formato, subtítulos en castellano, y setenta y cinco minutos de contenidos extras, entre los que destaca el making of del film. A todo ello hay que añadirle la inclusión de un libreto con información y análisis sobre I Am a Hero escrito por Mike Hostench, subdirector del Festival de Sitges, certamen donde la película se alzó con el premio del público y el destinado a los mejores efectos especiales en la edición del 2015.

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Otra de las grandes triunfadoras de aquel año, la turca Baskin, también figura entre los títulos que pondrá en circulación Cameo durante este mes de mayo. Cabe recordar, que la película dirigida por Can Evrenol fue lanzada en Dvd y Blu-ray el 7 de octubre del pasado año por “Vial of Delicatessens”, y hasta el momento solo estaba a la venta a través de la web de este sello.

Más información: http://www.cameo.es/

Published in: on mayo 9, 2017 at 7:02 am  Dejar un comentario