Bergman, su gran año

bergman su gran año

Titulo original: Bergman – ett år, ett liv

Año: 2018 (Suecia, Noruega)

Director: Jane Magnusson

Productores: Fredrik Heinig, Cecilia Nessen, Mattias Nohrborg.

Fotografía: Emil Klang

Música: Jonas Beckman, Lars Kumlin

Intérpretes: Jane Magnusson (narradora, solo voz), Ingmar Bergman (material de archivo), Lena Endre, Thorsten Flinck, Elliott Gould, Barbra Streisand, Liv Ullmann, Lars von Trier, Dag Bergman, Gösta Ekman, Gunnel Lindblom

Sinopsis: Es en 1957 cuando Ingmar Bergman realiza dos de sus más míticas películas, El séptimo sello y Fresas salvajes. También hace un telefilm y dirige cuatro obras teatrales. Jane Magnusson dirige este documental explorando, por medio de entrevistas de archivo y actuales efectuadas ex profeso, ese glorioso año.

bergman su gran año1

Jane Magnusson, documentalista y directora, ya ha tratado al gran director Ingmar Bergman en otras ocasiones: en 2012 realizó para la televisión, junto a Hynek Pallas, ambos guionistas también, la mini-serie documental Bergmans video, donde destacados cineastas como Woody Allen, Martin Scorsese, Wes Craven, Francis Ford Coppola, Wes Anderson o Agnieszka Holland, por mencionar a unos pocos, hablaban sobre él. En 2013 incidió en el personaje, de nuevo con Pallas, con Descubriendo a Bergman (Trespassing Bergman, 2013), donde esta vez, en la casa del propio Bergman, se habla sobre su legado, repitiendo algunos nombres arriba citados y otros como los directores Ang Lee, John Landis, Michael Haneke, Claire Denis o Alejandro González Iñárritu, y también hay declaraciones de actrices que trabajaron con Bergman, como Harriet Andersson, protagonista de Un verano con Mónica (Sommaren med Monika, 1953), o Pernilla August, que apareció en Fanny y Alexander (Fanny och Alexander, 1982) y en Las mejores intenciones (Den goda viajan, 1992), con guion de Ingmar Bergman y dirigida por Bille August, su esposo por aquel entonces. La tercera vez es esta, Bergman, su gran año, focalizado en 1957, un año muy importante en la filmografía del gran realizador.

bergman su gran año3

En verdad, ese año es la excusa para hablar de Bergman en un amplio espectro, desde la creación de las memorables películas que vieron la luz en esa época, El séptimo sello (Det sjunde inseglet) y Fresas salvajes (Smultronstället), además del trabajo en la televisión y el teatro, como en su vida personal, con su padre y hermano, sus influencias, tanto artísticas como vitales o cómo le veían los demás.

bergman su gran año4

A pesar de ser un documental donde se van intercalando imágenes reales del director, los familiares o amigos con otras donde se ven a personas, directores, actores o conocidos, además de escenas de sus películas, contando la historia de Bergman, la directora sabe montar todo esto con soltura y ritmo, lo cual hace que te interese la cinta no solo por el contenido, sino por la forma de narrar. El espectador descubre cómo era el director, pero también cómo era la persona, con sus luces y sombras; hay momentos que Bergman no queda bien parado, pero aún así puedes ver al genio cinematográfico y teatral que fue. Ves que todo su legado dentro de la cultura permanece.

bergman su gran año2

Bergman, su gran año es un documental que debería tener la mayor difusión posible; no solo entretiene y nos muestra a un gran realizador tal como era, sino que nos enseña que hubo un tiempo en el que hacer cine era maravilloso y que tal vez no esté del todo perdido.

Luis Alboreca

Published in: on noviembre 16, 2018 at 7:00 am  Dejar un comentario  
Tags: ,

Presentada la selección de largometrajes y cortometrajes a concurso del Festival Isla Calavera 2018

Poster Isla Calavera 2018

En los últimos días el Festival de Cine Fantástico de Canarias – Isla Calavera ha presentado la selección de títulos tanto del formato largo como del formato corto que compondrán las respectivas selecciones oficiales de su segunda edición que tendrá lugar en Tenerife entre los próximos 19 y 25 de noviembre. Comenzando por los cortometrajes, el Comité de Selección, con los codirectores del Festival Isla Calavera Daniel Fumero y Ramón González Trujillo al frente, ha destacado la extraordinaria calidad de los trabajos inscritos, enmarcados en los diversos subgéneros del fantástico. La Sección Oficial de Cortometrajes a concurso estará así compuesta por un total de trece producciones seleccionadas entre los más de trescientos títulos recibidos, procedentes de veintiocho países. La mayoría de los cortos inscritos corresponden a producciones realizadas en España, Francia, Argentina, México, Brasil, Colombia y China.

unnamed (2)

Los títulos seleccionados son: Besoin Dead (Aurélien Digard, Francia), Carga (Yad Deen, Reino Unido), El duelo (Aritzeder Arregui, España), Gotas (Sergio Morcillo, España), Invaders (Daniel Prince, Reino Unido), La noche de las sombras (Aritz Et, España), La proeza (Isaac Berrocal, España), L’Hypothèse de la Reine Rouge (Florian Thomas, Francia), Máscara de cordura (Fran Casanova, España), Sputnik (Vicente Bonet, España), Le Blizzard (Alvaro Rodriguez Areny, Andorra), Villa Offline (Sergi Páez, España) y Widdershins (Simon P Biggs, Reino Unido). Los cortometrajes a competición podrán verse en distintas sesiones programadas en Multicines Tenerife durante la semana de programación del Festival y competirán por el Premio del Jurado al Mejor Cortometraje y por el Premio del Público al Mejor Cortometraje, galardón que decidirán los espectadores asistentes.

Keep the Gaslight Burning

Además, el Festival Isla Calavera ofrecerá la proyección fuera de concurso de dos cortometrajes destacados en el marco de las dos galas que celebrará el certamen. En la Gala Inaugural, que tendrá lugar el miércoles 21 de noviembre, se podrá ver Keep the Gaslight Burning (2018), de Dave y Lou Elsey, quienes atesoran una impresionante trayectoria en los departamentos de efectos especiales con créditos en Star Wars: Episodio III – La venganza de los Sith, X-Men: Primera generación o El hombre lobo, con cuyo maquillaje Dave Elsey logró el Premio Oscar al Mejor Maquillaje en 2010 (compartido con Rick Baker, quien precisamente protagoniza como actor este cortometraje). De atmósfera clásica y estética victoriana, este premiado cuento de fantasmas narra la historia de una mujer que vive encerrada en su dormitorio, a la luz de su lámpara de gas, y bajo los tormentos aparentemente sin explicación de un espíritu.

Hotel

El sábado 24 de noviembre, la Gala de Clausura cerrará la ceremonia de entrega de premios a los mejores cortos y largometrajes participantes en esta edición con el sorprendente cortometraje Hotel (2012), de José Luis Alemán, director, guionista y productor de La herencia Valdemar y La sombra prohibida, quien asistirá al Festival para presentar su reconocido trabajo. Inspirado en una de las historias del cómic sueco “Cinema Panopticum”, de Thomas Ott, en Hotel un hombre exhausto camina por el desierto. Apenas puede andar, agotado, hambriento y sediento. Derrotado, cae al suelo. En el horizonte, a lo lejos, distingue un hotel. Sus esperanzas se renuevan y en un último esfuerzo se tambalea hacia la entrada. Al llamar al timbre en busca de ayuda, el timbre cae al suelo. Es de papel.

THE HOUSE THAT JACK BUILT

En cuanto a la Sección Oficial a Competición de Largometrajes estará compuesta por un total de quince títulos que ofrecerán un gran escaparate del nuevo cine de género fantástico. A los títulos ya anunciados, La casa de Jack, la última película del siempre controvertido Lars Von Trier, y Nightmare Cinema, antología de terror protagonizada por Mickey Rourke que cuenta con la producción y dirección de Mick Garris, quien recogerá en Tenerife el Premio Isla Calavera de Honor 2018, se han sumado diferentes producciones nacionales e internacionales muy esperadas por los aficionados al género. Es el caso de los largometrajes canadienses Summer of 84, una terrorífica historia de adolescentes ambientada en los años 80 dirigida por los responsables de Turbo Kid, François Simard y Anouk Whissell, Yoann-Karl Whissell; la magnífica Ghostland, de Pascal Laugier, sin duda uno de los grandes nombres propios del terror europeo; o el thriller de terror What Keeps You Alive, de Colin Miniham, en la que una pareja que pretende celebrar su primer aniversario de boda en un entorno idílico descubre que una de ellas no es quien parecía.

The night sitter_Cartel

Desde Estados Unidos, llegará la producción independiente Piercing, de Nicolas Pesce, una macabra historia basada en la novela de Ryû Murakami y con la actriz catalana Laia Costa en el reparto, junto a Mia Wasikowska y Christopher Abbott; la inédita en Europa Mimesis Nosferatu, homenaje del director Douglas Schultze a la icónica película de 1922 de F. W. Murnau; y The Night Sitter, de Abiel Bruhn y John Rocco, una sorprendente comedia de terror sobre ocultismo y brujas protagonizada por Elyse Dufour (The Walking Dead). También desde el continente americano, la Sección Oficial de Largometrajes contará con dos películas de producción iberoamericana: el thriller sobrenatural Aterrados, escrito, musicalizado y dirigido por Demián Rugna, uno de los mejores exponentes del género del terror de producción argentina o Vuelven (Tigers Are Not Afraid), de la escritora, productora y directora mexicana Issa López, un terrorífico cuento de hadas que ha arrasado con todos los premios en festivales especializados internacionales y logrado críticas fabulosas, entre ellas las del oscarizado Guillermo del Toro y Stephen King.

Framed-poster

También competirá la película de animación japonesa Mirai, mi pequeña hermana, la última joya de Mamoru Hosoda y el estudio Chizu, una hermosa historia que se estrenó en la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes, y que fue la primera película animada de la historia en participar a competición y celebrar su première mundial en el prestigioso certamen francés.La invasión zombi estará presente a través de tres películas. Procedente de China, se proyectará el salvaje largometraje de acción Lost in Apocalypse, del director Sky Wang; la ópera prima del director francés Dominique Rocher La nuit a dévoré le monde; y la inclasificable producción de factura canaria Apocalipsis Voodoo, de Vasni Ramos, una divertida combinación de kung-fu, lucha libre mexicana, vudú y música funk. Protagonizada por José Ramallo, Víctor Hubara, Sergio G. Ramos, Jorge Galván, Conrado Flores, José Luis de Madariaga y Carla Boricó, entre otros, su proyección en el Festival Isla Calavera se verá arropada por gran parte del equipo técnico y artístico. La otra representante nacional dentro de la sección será Framed, primer largometraje en solitario del director catalán Marc Martínez Jordán, una terrorífica reflexión sobre las redes sociales, la adicción a las nuevas tecnologías y el peligro de la viralidad de los contenidos.

Programación:

Lunes 19 de noviembre

18:00 Darkman (Ciclo San Raimi)

20:00 What Keeps You Alive (Sección Oficial de Largometrajes)

21:45 Tigers Are Not Afraid (Sección Oficial de Largometrajes)

Martes 20 de noviembre

16:30 Lost in Apocalypse (Sección Oficial de Largometrajes)

16:30 Sesión de cortometrajes 1 (Sección Oficial de Cortometrajes)

18:15 Framed (Sección Oficial de Largometrajes)

19:45 Aterrados (Sección Oficial de Largometrajes)

21:30 Apocalipsis Voodoo (Sección Oficial de Largometrajes)

Miércoles 21 de noviembre

16:30 Mimesis Nosferatu (Sección Oficial de Largometrajes)

16:30 Sesión de cortometrajes 2 (Sección Oficial de Cortometrajes)

18:30 Summer of 84 (Sección Oficial de Largometrajes)

20:30 Gala de Apertura Oficial, homenaje a Mick Garris y cortometraje Keep the Gaslight Burning

22:00 Ghostland (Sección Oficial de Largometrajes)

Jueves 22 de noviembre

17:30 Mirai, mi hermana pequeña (Sección Oficial de Largometrajes)

19:15 Mi vecino Totoro (Sección Clásicos)

21:00 The House that Jack Built (Sección Oficial de Largometrajes)

Viernes 23 de noviembre

16:30 Piercing (Sección Oficial de Largometrajes)

18:15 El viaje fantástico de Simbad, entrega Premio Isla Calavera de Honor a Caroline Munro y charla con la actriz (Sección Clásicos)

21:00 Nightmare Cinema y charla con el director Mick Garris (Sección Oficial de Largometrajes)

00:00 Posesión infernal y Charla (Ciclo Sam Raimi)

Sábado 24 de noviembre

11:00 Mesa redonda “La posibilidad de una isla”, con Paco Cabezas, Elio Quiroga, Eduardo Zaramella y Víctor Matellano

12:30 Sesión documentales (Sección Documental)

15:00 The Night Sitter (Sección Oficial de Largometrajes)

17:00 The Night Eats the World (Sección Oficial de Largometrajes)

17:00 Sesión de cortometrajes 1 (Sección Oficial de Cortometrajes)

18:45 1990: Los guerreros del Bronx, entrega Premio Isla Calavera de Honor a Enzo G. Castellari y charla con el director (Sección Clásicos)

19:15 Sesión de cortometrajes 2

21:30 Gala de Clausura y cortometraje Hotel

23:00 El ejército de las tinieblas y charla (Ciclo Sam Raimi)

Domingo 25 de noviembre

16:30 Noctem

18:30 El último truco (Sección Documentales)

20:30 Días extraños (Sección Clásicos)

Published in: on noviembre 15, 2018 at 7:13 am  Dejar un comentario  

Entrevista a Oskar Tejedor y Gurutz Albisu, director y guionista de “Director Z. El vendedor de ilusiones”

Director Z 05

El pasado 2011 Gurutz Albisu publicaba José María Zabalza. Cine, bohemia y supervivencia, una completa y reveladora obra que servía para arrojar luz sobre la figura y la personalidad del cineasta irunés, responsable de films como Entierro de un funcionario en primavera (1958), La furia del hombre lobo (1970) o Al oeste de Río Grande (1983). Siete años después de este primer acercamiento ha visto la luz Director Z. El vendedor de ilusiones (2018), documental que de algún modo completa lo ya expuesto por José María Zabalza. Cine, bohemia y supervivencia, aunque desde una perspectiva diferente. Sin despreciar la exhaustividad de Albisu, no por casualidad guionista del documental, Director Z. Vendedor de ilusiones se centra en resaltar la faceta humana del realizador guipuzcoano, contando para ello con el testimonio de familiares, amigos y profesionales del medio que trabajaron en algún momento de su carrera a las órdenes de Zabalza.

Dirigido por Oskar Tejedor, tras su preestreno en la Irún natal de Zabalza el pasado 20 de abril, Director Z. Vendedor de ilusiones pudo verse durante la 51 edición del Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya – Sitges, dentro de la programación del espacio “Brigadoon”, antes de su reciente estreno en salas comerciales. Aprovechando su presencia en Sitges, donde estuvieron acompañando su proyección, no perdimos la oportunidad de conversar con Oskar Tejedor y Gurutz Albisu acerca de los pormenores del documental y las vicisitudes de su rodaje.

Director Z

Imagino que el origen de Director Z. El vendedor de ilusiones se remonta al libro que escribiera Gurutz sobre José María Zabalza hace unos años. En tu caso, Oskar, ¿qué te atrajo de la figura de Zabalza para embarcarte en la realización del documental?

Oskar: La esencia del documental parte de una foto donde se ve a Zabalza junto a Truffaut, vestidos ambos de esmoquin blanco en el Festival de Cine de San Sebastián. Esa foto refleja muy bien las dos caras del cine; siempre se habla de los triunfadores, pero nunca de los fracasados o de aquellos que nunca han llegado a conseguir el éxito con su trabajo pero que en realidad forman parte de nuestra historia.

Al investigar sobre el tema, me pareció que muchos realizadores y cineastas actuales nos podíamos identificar con el personaje “Zabalza”. Personalmente siempre me ha interesado rescatar del olvido a gente anónima que me hace reflexionar, y la historia de Zabalza me parecía que se acercaba mucho a esta línea editorial que desde hace mucho tiempo vengo explorando en mis trabajos. De Zabalza me gusta esa pasión por el cine, ese desenfreno de decir “Me apunto a lo que sea porque mi vida es contar historias, aunque esto me arrastre en lo personal”. Todo esto fue un poco lo que más me motivó.

A pesar de las raíces literarias, lo cierto es que el documental es muy cinematográfico. A este respecto me ha gustado mucho la idea de interrelacionar los testimonios de los entrevistados sobre la personalidad y la vida de Zabalza con extractos de sus películas que vienen a confirmarlos, lo que revela una laboriosa tarea de edición…

Oskar: Exactamente. Ha sido un arduo y laborioso trabajo de investigación el hecho de buscar analogías entre la vida de Zabalza y lo que cuenta en sus películas. Ese trabajo se ve recompensado cuando encuentras esas relaciones entre lo personal y lo imaginado, y entonces te dices “lo tengo”.

Era necesario verse las veintiuna películas y sus cortometrajes para entender la evolución emocional del personaje. Al ver las películas me surgían nuevas pistas que explorar y, de alguna manera, me permitía identificar el discurso de las personas que había entrevistado y el momento que vivieron con él.

En realidad el trabajo de un creador revela mucho de la persona y, de alguna manera, lo que contamos los cineastas la mayoría de las veces forma parte de nuestra vida personal. Aunque retratemos vidas diferentes a las nuestras, siempre acabamos reflejándonos en ellas. Luego fue muy interesante analizar sus películas en función del estadio en el que se encontraba en su vida personal.

Gurutz: ¿Al final qué es lo que ocurre? Que no teníamos a Zabalza en carne y hueso, pero le teníamos actuando en sus películas. Decidimos aprovechar esas imágenes para mostrarlo a través de sus filmes. Lo increíble fue comprobar cómo siguiendo cronológicamente sus diferentes apariciones ante la cámara, se hacía patente su propia deriva personal.

En este sentido, ¿cambió mucho el enfoque que teníais previsto originalmente a medida que ibais entrevistando a gente que le había tratado tanto personal como profesionalmente?

Oskar: Hombre, primeramente el hecho de que Gurutz haya escrito un libro y se haya pasado tanto tiempo investigando a mí me ha facilitado el trabajo de una forma increíble. Es verdad también que del libro a la película hay mucha diferencia, porque él tenía mucha información escrita, pero el problema era encontrar las personas que nos contaran esa información en el documental. La mayoría de la gente que vivió aquellos acontecimientos ya había desaparecido o los que estaban, su cabeza ya no la tienen para poder acordarse. En ese sentido, la búsqueda de testimonios ha sido realmente dificultosa.

Y sí, la idea original fue evolucionando y retroalimentándose. A medida que iba encontrando gente, me iban dando pistas para construir mi relato. Fue una verdadera lástima que la familia directa, sus hijas, no quisieran participar, pero pese a la insistencia que tuvimos, tanto Gurutz al principio como yo después, nos fue imposible convencerles para que estuvieran en el documental. De hecho se habla de ello en el filme. Tan solo su sobrina aparece, aportando las piezas necesarias para entender la relación de los dos hermanos y reconstruir el universo Zabalza.

Gurutz: Hemos conseguido contactar con sus hijas. Yo en el libro ya apunté que por informaciones que me habían dado sabía que tuvo tres hijas. Finalmente contactamos con una de ellas que vive en Luxemburgo, pero no ha querido saber nada. Fue curioso cómo dimos con ella, porque fue un poco como en Searching for Sugar Man. Hemos buscado a través de la SGAE, quien cobraba los derechos. Vimos que había una persona que los percibía, pero no nos daban ni su nombre, ni su dirección, ni su teléfono. No obstante, nos propusieron que les diéramos nuestro correo electrónico para que ellos se lo hicieran llegar. Y fue entonces cuando una de las hijas nos contactó. Le propusimos participar en el documental, pero fue un muro, negándose en todo momento a cualquier colaboración. Por otra parte, nos llamó la atención que, a pesar de las difíciles situaciones que les hizo pasar, el recuerdo que conservan del padre es muy bueno. Pero la familia se muestra muy dolida con el mundo del cine, por cómo ha tratado a su padre, al que sienten que no le ha hecho justicia. Por ejemplo, cuando falleció solo tres personas acudieron al funeral; nadie de la gente del cine se acordó de él.

Oskar: En cualquier caso, poquito a poquito, hemos encontrado joyas. De hecho, cuando tenía el proyecto bastante avanzado encontramos a gente muy interesante, pero desgraciadamente debido a la falta de tiempo para acabar la película tuvimos que declinar la presencia de estos personajes.

Director Z 01

Oskar Tejedor

He de confesaros que me ha gustado mucho el enfoque que le habéis dado al documental, ya que en otras manos lo más probable, dados los antecedentes del personaje, es que se hubiera hecho una cosa que se centrara más en destacar los aspectos más sensacionalistas. Sin embargo, vosotros os centráis más en la persona que en el personaje…

Oskar: Exactamente. En realidad, la historia de Zabalza se ha construido por medio de piezas, como si fuera un puzle. Partiendo de una línea principal de trabajo, fui alimentando mis hipótesis a medida que iba avanzando en la investigación. Yo tenía muy claro que, con un personaje como éste, denostado por la crítica y olvidado por la prensa, mi intención tenía que ser otra y contar la historia desde su lado humano. De alguna manera quería hacer héroe al antihéroe. Me interesaba conocer qué había detrás del cineasta locuelo y precipitado.

Por otro lado, era consciente que tenía que ensalzar los hitos más importantes logrados por este hombre que le diferencian de los demás a través de la gente que estuvo en ese momento con él. Por eso, he intentado subrayar el hecho de que rodara una película en un día, filmara tres películas a la vez, etcétera, etcétera. Es decir, remarcar aquellas peculiaridades que le hacían único en el panorama cinematográfico del momento.

Por cierto, Oskar, en las entrevistas te colocas compartiendo plano con los entrevistados. ¿Era una forma de dar a esos momentos de un poco de intimidad?

Oskar: En primer lugar quería que el artificio fuera evidente para hacerlo más cercano y humano. Carece de mi voz en off, porque no quería que mi presencia eclipsara al verdadero protagonista, pero sí que consideraba necesario ese acercamiento a los personajes, que sintiera el público que yo estoy viviendo las experiencias de ellos, que las estoy compartiendo. De hecho, se ve muchas veces al equipo técnico y se hace palpable que estamos grabando, queriendo convertir el artificio en algo natural. Me apetecía que fuera un documental muy de colegas charlando.

Has dicho, Oskar, que no hay narración en off tuya, pero sí que se incluye una voz que hace de Zabalza. ¿Los textos que lee pertenecen realmente al propio Zabalza?

Gurutz: En toda labor de documentación que hice para escribir el libro, y que me llevó diez años prácticamente, tuve la suerte de encontrar una revista local que se llama El Bidasoa, en la que Zabalza escribió durante varios años, a comienzos de los sesenta. Y la mayoría de estos textos que aparecen proceden de allí.

Oskar: Entonces, cuando Gurutz me enseñó estos documentos escritos por el propio Zabalza, enseguida vi que eran una joya, pero tenía la duda de cómo incorporarlos en la narrativa del documental sin que quedaran falsos. Me parecía que esos textos narraban muy bien algunos momentos importantes en su vida.

Para dar voz a estos textos buscamos un actor que tuviera una voz que se asemejara a la de Zabalza, para entrar así en su intimidad. A lo largo del documental su voz permitía que estuviera presente y pudiéramos conocer sus reflexiones de cada momento de su trayectoria. Por ejemplo, en la parte del documental cuando se habla de la censura es la propia voz de Zabalza dentro de una de sus películas, que dentro del metraje se entremezcla con la voz del actor que hace de él leyendo uno de sus textos. Es una broma muy para cinéfilos, que, no obstante, quizás a mucha gente le pase desapercibida.

Director Z 06

Gurutz Albisu

Ya que hablamos de la labor de documentación, me ha supuesto una grata sorpresa la inclusión dentro del documental de escenas descartadas de la que fuera la ópera prima de Zabalza, También hay cielo sobre el mar. ¿Cómo conseguisteis acceder a este material?

Oskar: Pues la verdad es que no fue fácil para Gurutz, y a mí, aun teniendo todo el trabajo ya hecho por Gurutz, tampoco me fue fácil. Hemos trabajado mucho con Filmoteca Española de Madrid, donde nos han facilitado mucha información y de hecho nos permitieron rodar en la misma Filmoteca.

Desgraciadamente no se ha conservado mucho material auténtico en la Filmoteca Vasca, salvo el que aportó en su día Gurutz y la primera película rodada en Pasajes. Sin embargo, un buen día investigando en la Filmoteca, una maravillosa técnica de la Filmoteca Vasca me comentó que habían encontrado bobinas con descartes que no se utilizaron en la película primera película de Zabalza, También hay cielo sobre el mar. No me lo podía creer. Realmente eran pocos cortes, pero fue un hallazgo increíble. Con su ayuda, telecineamos ese material, y aprovechamos esos cortes para poder incluirlos en el documental. Era un poco lo que te decía antes: al final las piezas del puzle fueron encajando a medida que las iba encontrando.

Desde que se anunció la puesta en marcha del documental hasta que finalmente ha visto la luz han pasado varios años. ¿A qué se ha debido esta producción tan dilatada?

Gurutz: Bueno, originalmente el documental lo iba a dirigir Javier Barajas, pero pasado un tiempo tenía otros proyectos y lo dejó. Y al tiempo entró Oskar.

Oskar: Cuando la productora me propuso el documental y me enseñaron el material que habían construido con el anterior director no me interesó demasiado la visión denostada que se hacía del personaje.

Gurutz: En ese momento, la idea tiraba más de hacer paralelismos con Ed Wood y Jess Franco. Pero mientras que Ed Wood era una especie de visionario, Zabalza había estudiado cine en la segunda promoción del Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas, por lo que disponía de una formación de la que Wood carecía. Y también era muy diferente a Jess Franco. Franco tenía detrás diversas productoras y distribuidoras, elementos de los que Zabalza apenas disfrutó. Él se tiraba al ruedo con la única intención de hacer una película y no pensaba ni en la distribución.

Oskar: Estudiando a los personajes, no tenían nada que ver. Así que la única condición para ponerme al frente del documental era que primero tenía que empaparme del personaje y ver cómo lo sentía para encontrar mi mirada personal y ser fiel a mí mismo.

Obviamente, al tener claro mi punto de vista, todo el tiempo previo que se había estado entrevistando a gente a mí no me valía, por lo que tuve que empezar de cero, con las consecuentes limitaciones de producción. Así que con tan solo siete días de rodaje tuve que atinar para dar en la diana sin margen de error. Por eso fue fundamental el hecho de jugar con los archivos de sus películas para poder contar la historia que tenía en la cabeza.

Por otro lado, ha sido complicado el tema del montaje, por falta de tiempo y presupuesto. Así que cuando dices que ha sido una producción dilatada, para mí ha sido muy corta. Tanto es así que ha habido gente importante que se ha tenido que quedar fuera de la narración.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías: Juan Mari Ripalda

Published in: on noviembre 13, 2018 at 6:53 am  Dejar un comentario  
Tags: ,

Palmarés de la quinta edición del Festival de Cine Fantástico y de Terror de Alcobendas “La mano”

cartel_lamano_2018

Este pasado sábado concluía la quinta edición del Festival de Cine Fantástico y de Terror de Alcobendas “La mano” que se ha celebrado desde el pasado jueves en la localidad madrileña. Lo hacía con una divertida gala de clausura en la que dio a conocer a los diferentes ganadores de los concursos en liza. Así, el premio a la mejor película de la Sección Oficial fue para la producción israelí The Golem (2018) de los hermanos Paz, merecido reconocimiento para el que sin duda fue el título más sobresaliente de una selección, no obstante, que ofreció una media docena de films de los más variados y con un nivel en la mayoría de los casos bastante interesante. En cuanto al formato corto, el galardón fue para el británico Once Bitten (2018), comedia de temática vampírica procedente de Gran Bretaña que consiguió el difícil mérito de aunar el favor del jurado, dado la gran calidad que por regla general ofrecieron la práctica totalidad de los cortometrajes proyectados. Fuera del apartado audiovisual el palmarés se completa con los dos premios dedicados al campo literario, en el que Almudena García se llevó el premio al mejor relato por “Curiosa receta”, mientras que Pablo Ibáñez Durán hizo lo propio en el destinado al mejor audiorelato por “Efecto Tyndall”

Más información: www.lamanofest.com/

Published in: on noviembre 12, 2018 at 10:33 am  Dejar un comentario  
Tags:

Balance de la XXIX Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián

Terror_2018_A4

La organización de la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián ha dado a conocer el balance de lo que ha sido en datos la vigésimo novena edición del certamen que el pasado sábado día 2 de noviembre finalizaba, al menos en lo que a las proyecciones oficiales se refiere. En total, 22.571 espectadores han disfrutado del total de actividades de la Semana hasta el pasado 4 de noviembre. El número de personas que ha asistido a las proyecciones cinematográficas en los teatros Principal y Victoria Eugenia ha sido de 10.533, mientras que 12.038 han participado en el resto de actividades: inauguración de calle, talleres, proyecciones paralelas en otros espacios…

No obstante, aunque la Semana ha finalizado, a día de hoy cinco de las exposiciones organizadas del certamen continúan abiertas. Se trata de “Mary Shelley: La muerte del monstruo” de Raquel Lagartos & Julio César Iglesias, la cual se podrá visitar en Centro Carlos Santamaría – UPV/EHU (Campus de Gipuzkoa) hasta el día 15; “Euskadi Fantastikoa XIV – Musgo (Patri de Blas & Álvaro Corcín)”, expuesta en la Biblioteca Central (Alderdi Eder) hasta el 17 de noviembre y posteriormente en CBA Irún del 20 noviembre al 11 diciembre; “Munstro Maite” de Lucía Fermín en Kutxa Kultur Plaza (Tabakalera – 4ª planta) hasta el 25 de noviembre; “Alicia a través del espejo” de Fernando Vicente en FNAC Donosti hasta el 30 de noviembre”, y “Superheroiak” dedicada a la obra del dibujante de cómic David Aja que estará en el Centro Cultural Okendo hasta el 8 de diciembre. Además, durante este mes de noviembre todavía están programados algunos actos derivados del festival. Así se celebrarán proyecciones en Oiartzun el 23 y el 25 de noviembre, protagonizados por la película Errementari y una sesión de los cortometrajes premiados respectivamente, mientras que el Centro Cultural Okendo acogerá el día 20 una mesa redonda con el título “Dibujando para el comic book USA”

Más información: www.sansebastianhorrorfestival.eus/2018/

Entrevista a Sir Christopher Frayling

Biografo Leone 01

Uno de los testimonios convocados por el documental Desenterrando Sad Hill es el de Sir Christopher Frayling. Nombrado caballero del imperio británico en 2001 por sus “servicios a la educación en arte y diseño”, su obra se ha especializado en el estudio de la cultura popular. Dentro de este apartado destaca su papel de biógrafo de Sergio Leone, labor que cristalizaría en el imprescindible volumen Sergio Leone: algo que ver con la muerte. Nadie pues más indicado para hablar del cine del italiano y explicar los motivos por los que, más de medio siglo después de su estreno, estas películas continúan más vivas que nunca, despertando un fervor casi religioso entre sus espectadores. Eso es lo que hicimos en la siguiente charla que pudimos mantener con él aprovechando su presencia en la pasada edición del Festival de Sitges, donde Sir Christopher Frayling estuvo acompañando la presentación de Desenterrando Sad Hill.

Biografo Leone 02

¿Cómo le llega la noticia de que hay un grupo de gente que está desenterrando el mítico cementerio de Sad Hill y cuál es su reacción al conocerla?

Cuando Guillermo, el director de Desenterrando Sad Hill, se puso en contacto conmigo y me explicó el proyecto con fotografías de cómo se estaba restaurando el cementerio —esto sería en 2014 o 2015—, me dejó totalmente intrigado. La idea de que los fans estuviese haciendo suya la película, que hubiera gente tan apasionada por El bueno, el feo y el malo que cincuenta años más tarde estuviese interesada en pasar sus fines de semana para excavar con sus propias manos y poder recuperar el decorado original de la escena final de la película, me pareció muy conmovedora. Creo que es un ejemplo muy ilustrativo de cómo el público quiere formar parte de la historia de las películas y de cómo en estos tiempos, gracias al impacto de las redes sociales, los fans y los espectadores tienen la oportunidad de convertirse en parte de las películas e, incluso, pueden interactuar con ellas, lo cual me parece muy importante.

Originalmente Desenterrando Sad Hill estaba pensado para ser un cortometraje documental de veinte minutos sobre la restauración del cementerio de Sad Hill, pero más adelante pensamos que sería una buena idea añadir el enfoque del making of de cómo se hizo El bueno, el feo y el malo. Así que el documental habla de cómo se hizo la película de Leone hace cincuenta años, los efectos que sigue causado en los espectadores en la época actual, de lo que se decía de ella en su momento de estreno y de lo que se dice hoy. También se incluyen imágenes de conciertos del grupo de heavy metal Metallica, que desde sus inicios utiliza el tema de la banda sonora de la película “The Ecstasy of Gold” para abrir sus conciertos. Es un documental que reúne muchísimas ideas y que, de algún modo, explica cincuenta años de la relación de amor que muchos espectadores tenemos con El bueno, el feo y el malo y de los secretos que esconde la propia película.

Biografo Leone 03

Usted ha basado gran parte de su carrera en investigar sobre Sergio Leone y su obra, algo que entronca en parte con lo que habla el documental. ¿Qué tiene el cine del director italiano para despertar este fervor casi religioso entre los espectadores?

Creo que en primer lugar tiene que ver el hecho de que Leone fuera un italiano que hablaba de un género tan propio de los Estados Unidos como el western y que lo hiciera desde un punto de vista europeo. Esto era muy válido para la gente que amaba la cultura de los Estados Unidos pero que necesariamente no tenía por qué amar los valores que esta cultura representaba, y aquí me parece importante que hay que hacer una diferenciación entre estos dos conceptos.

En segundo lugar, los films de Leone crearon el concepto del héroe de acción moderno, que no se centra tanto en la batalla, en la lucha, en el duelo, sino en el estilo. En este sentido, Leone utilizaba la música como años después lo ha hecho Tarantino, que coge una canción que es un éxito de una banda de rock y hace una película que gira alrededor de esta canción. Esto es exactamente lo que Leone hizo con la música que Morricone componía para sus películas.

Y en tercer lugar también está el que el cine de Leone sea, en realidad, un cine sobre el cine. No habla sobre la vida real, sino que se basa en películas italianas y españolas que emulaban a películas de los Estados Unidos, y no a la vida real. Es decir, Leone es un director vanguardista, pero que al mismo tiempo es querido por el público. Y eso es muy, muy raro y muy exclusivo, porque normalmente el público va a ver películas de los directores de vanguardia, como por ejemplo pueden ser las de Godard, pero después se desvincula. Sin embargo, en el caso de Leone la gente se siente muy ligada tanto a él como artista como a sus películas.

Por todos estos motivos a mí siempre me ha encantado el trabajo de Leone y por eso me enfrasqué en estudiar su obra. Incluso, en una ocasión el propio Leone me dijo que me fijase en que tenía que haber sido un inglés el que convenciera a los italianos para que le gustasen sus películas, lo que es muy extraño.

¿Y cómo se explica que haya sido esta versión externa del western la que se haya impuesto como canon dentro del género? Es un hecho que los westerns norteamericanos modernos beben más de las películas de Leone que de las de Nicholas Ray, John Ford o Henry Hathaway…

Cuando las películas de Sergio Leone aparecieron, entre 1964 y 1968, había un contexto político en Estados Unidos muy difícil, y el ambiente estaba muy crispado. Había un sentimiento muy crítico con la Guerra del Vietnam, lo cual se reflejó en el mundo de la cultura, como pueden ser las canciones protesta de Bob Dylan. Y las películas de Leone surgieron en este contexto, tratando además un género tan representativo de la identidad estadounidense como son las películas del Oeste, que por lo general habían representado los valores más tradicionales de la sociedad estadounidense. Y lo que consiguieron fue que todas las personas que amaban a los Estados Unidos pero no estaban de acuerdo con los valores que representaba pudieran verse identificadas en aquellos films, que no obstante bebían de toda esa tradición de las películas del Oeste. Se considera que incluso Leone devolvió al pueblo de los Estados Unidos con sus películas esa especie de cuento de hadas que habían perdido. Sus películas fueron un éxito rotundo en los Estados Unidos y de ello han bebido posteriores personalidades cinematográficas hollywoodienses, no solo dentro del western, sino también en el cine de acción y de otros géneros. El caso más evidente sería el de Sam Peckinpah, pero tampoco nos podemos olvidar que las personalidades cinematográficas de Charles Bronson, Sylvester Stallone o Arnold Schwarzenegger han bebido de forma clara del personaje que Clint Eastwood interpretara para Leone en la Trilogía del Dólar. Se podría decir que Leone es la mayor influencia en la historia de un cineasta europeo en el cine de los Estados Unidos.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías: Juan Mari Ripalda

Published in: on noviembre 9, 2018 at 9:09 am  Dejar un comentario  
Tags: ,

Programación de las Jornadas de Fantasía, Ciencia Ficción y Terror de Castellón FANTASTI’CS 2018

FANTASTI'CS 18

Coincidiendo con la noche de Halloween, el pasado 31 de octubre arrancaban la  VIII edición de las Jornadas de Fantasía, Cuencia Ficción y Terror de Castellón FANTASTI’CS. Como novedad, este año las jornadas se repartirán en tres sedes: el Espai cultural Menador (Plaza de Huertos Sogueros  nº 4), la librería Argot (Calle San Vicente nº 16) y el Aula de fotografía Lledó (Avenida Rey D. Jaime nº 104). Entre las actividades programadas habrá exposiciones, mesas redondas, proyecciones, presentaciones de libros de cine, cómics, fanzines y proyectos audiovisuales.

Será en el marco de FANTASTI’CS donde Carlos Díaz Maroto y yo estaremos presentando un primer avance de La casa de los horrores de Tobe Hooper, un libro que hemos coordinado entre ambos en torno a la figura del recientemente fallecido cineasta estadounidense con un plantel de excelentes colaboradores formado por Jorge Casanueva Sanchez, Juan Andrés Pedrero Santos, Juan P. Rodriguez,Nacho Carrero y Fernando Rodríguez Tapia, además del propio Carlos y yo mismo, y que saldrá a la venta en próximas semanas de la mano de la editorial Vial of Books.

Precisamente, el propio Carlos será uno de los galardonados en los premios FANTASTIC’S 2018 como reconocimiento a su trayectoria. El resto de los premiados son David Saelices con el correspondiente al mejor fanzine por su trabajo en “Retrocine”; nuestro amigo Luis Esquinas, en su condición de responsable de El pionero, acreedor del galardón del mejor documental; Gerard Miquel, autor de “Yo fui guía en el infierno”, ganador del premio al mejor cómic; Pedro Porcel por su trabajo en el imprescindible “Cine de Terror 1930-1939. Un mundo en sombras”, premio al mejor libro de cine; y Alberto Añón, director y presentador del premio al mejor programa de radio FANTASTI’CS 18, “El cine, su música y tú”. Todos ellos recogerán sus respectivos reconocimientos en la gala que tendrá lugar el sábado 24 a partir de las 20 horas.

Programación de la VIII edición de las Jornadas de Fantasía, Ciencia Ficción y Terror de Castellón FANTASTI’CS confirmada a día de hoy:

Jueves día 8 de noviembre. Librería Argot. 17.30 horas

ilustradores

Encuentro de ilustradores. Con Javier Pauner, Joel de la Rocha, Neilabbott y Rodrigo García

Miércoles día 21 de noviembre. El Menador. 20 horas

Proyección del documental El pionero. El cine parapsicológico de Sebastián D’Arbó (Luis Esquinas, 2018)

Jueves día 22 de noviembre. El Menador. 20 horas

Proyección del documental Culto al terror (Gustavo Leonel Mendoza, 2017)

Sábado día 24 de noviembre. Librería Argot

Stargate

10.00 Presentación de las novelas “Stargate” de la editorial Watashi, presentado por César Asensio

10.30 Presentación de la revista FANTASTI’CS 18, con Elena Sabidó, Jorge Juan Adsuara, Miguel Ángel Plana y Carlos Díaz Maroto

el cine de ciencia ficcion una retrospectiva delirante

11.00 “El cine de ciencia-ficción: una retrospectiva delirante”, libro presentado por Iván Palmarola

Star Crash Tribute

11.30 Star Crash Tribute,film presentado por su director, Jose S. Navarro, y equipo artístico

Abecedario del horror

12.30 “Abecedario del horror”, libro presentado por Carlos Díaz Maroto y Miguel Ángel Plana

La huella de Drácula

13.00 “La huella de Drácula. Antología de relatos”, presentado por Miguel Ángel Plana y Carlos Díaz Maroto

ZonaCine

13.30 “Zona Cine” n° 1, fanzine presentado por David Salesices y Jonhy Carrasco

Neutrón8

14.00 “Fantastic Films Neutrón” n° 8, fanzine presentado por José Manuel Villena, Carlos Díaz Maroto y Miguel Ángel Plana

17.00 “Juan Piquer Simón. Mago de la serie B” (edición revisada y ampliada), libro presentado por Jorge Juan Adsuara, Miguel Ángel Plana, Javier Cano y José Luis Salvador Estébenez

17.30 “La casa de los horrores de Tobe Hooper”, adelanto del libro presentado por José Luis Salvador Estébenez y Carlos Díaz Maroto

American Odyssey

18.00 “George Lucas. American Odyssey”, libro presentado por Ramón Alfonso

Yo fui guía en el infierno

18.30 “Yo fui guía en el infierno”, cómic presentado por Gerard Miquel y Pablo Herranz

Cine de terror 1930 UDL

19.00 “Cine de Terror 1930-1939. Un mundo en sombras”, libro presentado por Pedro Porcel y Pablo Herranz

20.00 Entrega de los Premios FANTASTI’CS 18

Más información: fantcast.blogspot.com

Published in: on noviembre 8, 2018 at 7:00 am  Dejar un comentario  

Entrevista a Guillermo de Oliveira, director de “Desenterrando Sad Hill”

Sad Hill 01

Ganadora del premio a la mejor película en la sección Noves Visions del pasado Festival de Sitges, Desenterrando Sad Hill supone el debut en el formato largo del realizador vigués Guillermo de Oliveira. Nacido de forma un tanto accidental, el documental surge a raíz de la exhumación y restauración por parte de un grupo de fervorosos aficionados llegados a Burgos desde todas partes del mundo de los restos del decorado del cementerio de Sad Hill donde se ambienta el desenlace de El bueno, el feo y el malo. Con este punto de partida, Desenterrando Sad Hill radiografía a través de los testimonios de los propios protagonistas de esta historia el impacto que la película de Sergio Leone ha provocado en varias generaciones de espectadores, al tiempo que rememora los pormenores de la realización de tan emblemático film de la mano de sus participantes aún vivos, caso de Ennio Morricone, el montador Eugenio Alabiso o el mismísimo Clint Eastwood. Emocionante y emotivo, el resultado es un trabajo excepcional y único que trasciende su propia naturaleza documental para erigirse en una atinada reflexión sobre la magia del cine y nuestra búsqueda como espectadores por interactuar y, de algún modo, formar parte de las películas que amamos. De ello y de las circunstancias en las que se fraguó el film hablamos con su director en la siguiente entrevista.

Sad Hill Unearthed

Según parece, Desenterrando Sad Hill nace de forma un poco casual, ya que en un principio no tenías pensado realizar este documental…

Ni este documental ni ningún documental. Yo no pensaba hacer ningún documental jamás. A mí me gusta hacer ficción, que es lo que disfruto. Pero esta historia se me cruzó. Yo soy muy fan de las localizaciones de cine, y en mi tiempo libre, cuando viajo me gusta ir a los sitios con fotogramas de las películas que se han rodado en aquel lugar y colocarme en los sitios, buscar el encuadre, ver qué trampas se hicieron, a qué altura estaba el trípode…  Cosas de esas. Y un amigo que sabe que soy muy mitómano de las localizaciones escuchó en la radio que el cementerio de Sad Hill de la mítica escena de El bueno, el feo y el malo seguía existiendo, lo que pasa que cubierto bajo veinte centímetros de manto vegetal y que había una asociación de fans de la película en Burgos que querían desenterrarlo. A mí eso me pareció una idea muy poética y una historia fascinante. Creo que había algo que contar ahí, aunque todavía no podía imaginar el qué.

Fui a ver el cementerio —estamos hablando de finales de 2014— y me puse en contacto con la asociación. Les seguí la pista durante meses, hasta que en septiembre de 2015, nueve meses después, les dieron permiso la Junta de Castilla y León y Medioambiente para desenterrarlo; un trámite burocrático que les llevó mucho tiempo. Entonces fui a grabar el cementerio antes de que empezara la intervención y luego, en los sucesivos fines de semana, les fui acompañando en ese proceso. Al principio, como era algo único y no había nadie más grabando, pensé que debía de documentar todo eso con la idea de que tal vez con ese material podía hacerse un interesante reportaje para YouTube. Pero enseguida las cosas vinieron rodadas y mi idea fue cambiando. Si los trabajos de desentierro comenzaron en octubre, en noviembre me fui a Londres a entrevistar a Sir Christopher Frayling. Y a Frayling no le podía meter en un reportaje para YouTube.

Pensé entonces en hacer un cortometraje documental, que tampoco es que sea un género que tenga demasiada distribución, pero que al menos en festivales se podía mover algo. Esa fue mi idea hasta que fui consiguiendo más entrevistas y más entrevistas. Al mismo tiempo yo veía una historia bonita en que quisieran desenterrar el cementerio, pero no me podía imaginar que fueran a conseguirlo. Y al final esta historia ha acabado convirtiéndose en mi primera película.

Teniendo en cuenta esta génesis, parece claro que fuiste dando forma al documental según ibas avanzando…

Claro. Fui cambiando hasta la forma de grabar. Al principio utilizaba un Slayer, que es un travelling pequeñito. Estaban los voluntarios cavando y grababa un plano de cinco segundos con el Slayer. Para una pieza corta de cinco minutos, que era lo que pensaba hacer, era perfecto, porque solo necesitaba un recursito. Pero, claro, luego pensé: “Dejemos la cámara ahí quieta y detengámonos a escuchar lo que están diciendo”. Por supuesto, también fui mejorando, cambiando la cámara con la que grababa. Empecé con una 5B y cuando vi que lo mismo aquello quizás podía acabar viéndose en cines terminé grabando en 4K. Así que de algún modo sí que tuve que ir adaptando. Y aprendí un huevo en todo este proceso.

Sad Hill 04

Aunque la base principal sea la labor arqueológica de recuperar el cementerio de Sad Hill, en el documental cuentas con el testimonio de varios participantes de El bueno, el feo y el malo, como puede ser Clint Eastwood, Ennio Morricone y varios técnicos del film, así como personalidades externas, caso del vocalista de Metallica, James Hetfield, Álex de la Iglesia o Joe Dante. ¿Qué pautas seguiste a la hora de escoger a los entrevistados que dan esa visión externa de lo que supone la película de Leone?

Yo identifiqué a cuatro megacelebrities que tenían una conexión muy fuerte con El bueno, el feo y el malo que sería la leche tener en el documental: Clint Eastwood y Ennio Morricone porque participaron en la película directamente. Otro era James Hetfield, cantante de Metallica que desde hace treinta años antes de sus conciertos utilizan el “The Ecstasy of Gold” y proyectan la escena del cementerio, y el otro era Quentin Tarantino, al que perseguí durante muchísimo tiempo. Tanto es así que estaba el documental editado y yo seguía intentando conseguir a Tarantino. Pero no le conseguimos. Pero no fue porque Tarantino no nos quisiera dar una entrevista, sino por las barreras que hay y que hacen que no consigas llegar a él. Si nos costó nueve meses con Eastwood y ocho meses con Morricone, con Tarantino quizás habría necesitado diez años.

Aparte, yo quería alguien que, desde un punto de vista racional, analizara todo este fenómeno irracional que hacía que alguien desde Italia recorriera mil doscientos kilómetros en coche para cavar un fin de semana. Y esa visión racional me la podía aportar Sir Christopher Frayling, que es biógrafo de Leone y uno de los grandes divulgadores de la cultura popular del siglo XX; Joe Dante, que es otro fanático de la película; y Álex de la Iglesia, que como había hecho 800 balas y estaba tan puesto en el tema pensaba que iba a ser un gran fan de Leone y aunque resultó no serlo sí que nos dio una visión muy interesante de cómo interpretaba este fenómeno. Él mismo lo dice en la entrevista: “Yo iría a cavar a Sad Hill”.

Al hilo de lo que comentas, los testimonios de estas personalidades que aportan la visión externa hacen mucho hincapié en el poder que ejerce el cine en la gente. ¿Fue algo buscado por ti o surgió de forma espontánea en las declaraciones de los participantes?

Yo tenía, entre comillas, mi tesis cuando empezaba a hacer el documental. Incluso en la primera entrevista que hice, que fue la de Frayling, le pregunté por la religiosidad que hay en el hecho de que la gente peregrine a localizaciones cinematográficas. Es decir, a mí lo que más me interesaba era explicar esta parte del fenómeno. Y no hay una única respuesta y creo que es lo que dice el documental; cada uno tiene sus motivaciones para ir allí.

Y tú que lo has vivido con ellos desde dentro, ¿qué tiene El bueno, el feo y el malo para levantar semejantes pasiones entre los espectadores?

Por un lado, El bueno, el feo y el malo lo que tiene es que es una película perfecta. Cuando dentro de quinientos años se vean contadísimas películas del siglo XX, porque la mayoría están destinadas a caer en el olvido como pasa hoy con la mayoría de obras de arte y de música realizada en siglos anteriores, El bueno, el feo y el malo será una de ellas. Y lo será por un director en estado de gracia que es Sergio Leone, por la música de Morricone y por ese trío de actores formado por Clint Eastwood, Eli Wallach y Lee Van Cleef que con su sola presencia llenan la pantalla.

Sad Hill 02

Junto a las entrevistas, otro de los valores que atesora el documental es el impresionante material visual que tiene como apoyo, con imágenes muy poco vistas. ¿Cómo accediste a él?

La verdad es que comparado con otras cosas no fue muy complicado. Nos fue de mucha ayuda el libro de Peter J. Hanley, que sale además entrevistado en el documental. Peter es un biólogo de la Universidad de Münster, con lo que te quiero decir que es una persona muy científica, muy cuadriculada. Y Peter se estuvo quince años escribiendo ese libro. No porque fuera despacio, sino porque él estudiaba todo hasta las últimas consecuencias y se metió a fondo en todos los archivos italianos, como la Cineteca de Bolonia, la Cineteca Nacional de Roma o Reporters Associati, y encontró joyas fotográficas. Así que todo ese trabajo de investigación no los adelantó él, por así decirlo. A la hora de elegir fotografías para el documental era tan sencillo como llamarle y preguntarle si esa imagen era de Reporters Associati o de la Cineteca Nacional e iba haciendo como mi carta a los Reyes Magos. Sí que hubo algunas fotografías como, por ejemplo, de la Cineteca Nacional, que no pudimos comprar porque se les fue la cabeza con el precio que pusieron. Nos pedían mil euros por foto. Una cosa totalmente fuera de mercado, cuando las demás agencias nos estaban pidiendo cincuenta euros o hasta setenta y cinco, dependiendo de los usos.

Has comentado que hubo otros apartados que fueron más difíciles de gestionar. Me imagino que te refieres al tema de los derechos de las películas y de la música…

Eso fue… Porque llegas a pensar: “Coge mi dinero. Quiero pagarte, pero no me marees” (risas). Solo para que te contesten, para que te hagan caso, te tiras seis meses llamando por teléfono, dejando mensajes en contestadores, enviando un fax, además de correos electrónicos. Y cuando por fin te contestan te dicen: “Ah, sí, yo tengo los derechos, pero solo para Uganda, Malta y Bielorrusia”. Fue muy duro y nos chupó mucha energía todo este proceso. En el futuro no quiero hacer otro documental que implique todo esto en la vida (risas).

Por cierto, ¿no has intentado contar con la familia de Leone?

Sí contactamos con la familia de Leone. De hecho, los derechos de la película para Italia la tienen ellos y por esa parte les contactamos. Lo que pasa es que la única persona que estuvo viva en el rodaje de El bueno, el feo y el malo y que nos podía interesar de cara a una entrevista era su mujer, Carla Leone, quien falleció hace año y medio o dos años. La intentamos contactar, pero para entonces ya no debía de estar muy bien y nunca nos contestaron a este respecto. Pero nosotros intentamos contactar con todos los que participaron en la película y seguían vivos cincuenta años después, que cada vez son menos. Solo en el proceso del documental se nos han ido unos cuantos.

Sad Hill 03

Aparte de la documentación del desentierro de los restos del escenario del triello de El bueno, el feo y el malo y de las personas que lo llevaron a cabo, o de lo que ha supuesto la película de Leone para muchos espectadores, Desenterrando Sad Hill habla sobre todo de la magia del cine y de la búsqueda de los espectadores por lograr que esa magia se haga tangible y de algún modo pueda formar parte de ella…

Eso fue lo que me indujo a pensar que aquí había una historia, y la historia era esa. Making of de El bueno, el feo y el malo hay un montón y a mí no me interesaba ese enfoque. Y el hecho de que la gente fuera a cavar, hay gente que cava en obras todos los días. Esto, sin embargo, conjuntaba las dos cosas. Ya desde el principio la tesis tiraba hacia eso: ¿Qué motiva a una persona a hacer mil doscientos kilómetros en coche para tirarse cavando todo el fin de semana?, como te comentaba antes. Puedes decir que te gustan las localizaciones de cine y visitarlas, como hago yo. Pero una cosa es visitarlas y tirarte una foto y otra pasarte los fines de semana cavando para desenterrarlas.

Desenterrando Sad Hill ha podido verse en varios festivales extranjeros y, dado que toca un tema bastante global, ¿va a contar con distribución comercial fuera de España?

Nosotros pensábamos que íbamos a estrenarla en España en un festival, luego a cines y después nos lanzaríamos a recorrer el mundo. Pero nos ha sucedido justo al revés. Nuestro primer festival de cine fue hace un año en Tokio, después estuvimos en Santa Barbara en Estados Unidos, en Argentina, en Colombia y, ahora por fin, nos han querido aquí. Lo bueno es que nos quieren en Sitges y en el Almería Western Film Festival y después ya vamos a cines. Así que por ese lado muy bien.

En cuanto a la distribución internacional es muy complicado porque cuesta mucho ir abriendo cada mercado y no tenemos la capacidad de hacerlo al ser un proyecto tan pequeño. Así que probablemente acabe en VOD. Eso es todo cuanto puedo contarte en este sentido, al menos en estos momentos.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías: Juan Mari Ripalda

Published in: on noviembre 6, 2018 at 7:14 am  Dejar un comentario  
Tags: ,

Programación de La Mano Fest 2018

cartel_lamano_2018

La organización del Festival de Cine Fantástico y de Terror La Mano de Alcobendas ha presentado el que será el programa oficial de su inminente nueva edición. En total serán seis largometrajes y más de una docena de cortometrajes nacionales e internacionales los que iluminarán desde este jueves 8 de noviembre y hasta el sábado la pantalla del auditorio Paco de Lucía en el Centro de Arte de Alcobendas para llenar de terror y ciencia ficción sus butacas. Conferencias, mesas redondas con los creadores de las obras seleccionadas, tertulias y más actividades completarán un cartel de miedo para esta quinta edición,  en al que el público podrá gritar a gusto en el concurso de gritos.

Las entradas de los largometrajes será de 1’5 euros, mientras que el resto de actividades serán gratuitas. Pueden hacerse reservas de los pases de proyecciones desde su página web o escribiendo a entradas@lamanofest.com y disfrutar de los descuentos que el festival dispone para menores de 18 y parados, entre otros. El festival también cuenta con un abono a todas las sesiones para los que no quieran perderse ninguno de los pases a un precio de 5 euros.

Programación:

Jueves 8 de noviembre

17:00 Conferencia – ¿Spasmo? ¿Un fanzine en la era digital? por Rubén Íñiguez

18:00 Polterheist de David Gilbank – Largometraje Sección Oficial

20:00 Presentación del libro – Expediente Ananda de Nacho López Llandres

21:00 Extremity de Anthony DiBlasi – Largometraje Sección Oficial

Viernes 9 de noviembre

17:00 Tertulia con Apocalipsis Friki – Buffy Cazavampiros (Podcast en vivo)

18:00 Lasso de Evan Cecil – Largometraje Sección Oficial

20:00 Rueda de prensa – Presentación de F.U.B.A.R.

21:00 F.U.B.A.R. de Ben Kent – Largometraje Sección Oficial

Sábado 10 de noviembre

10:00 Presentación de concurso Relatos en vivo

10:30 Juegos de rol

11:00 Ghost mask – SCAR de Takeshi Sone – Largometraje Sección Oficial

12:30 Lectura de concurso Relatos en vivo

13:00 Conferencia – Halloween. Creando el discurso del mal por Erika Tiburcio

17:00 Mesa Redonda – Presentación de cortometrajes a concurso

18:00 Cortometrajes – Sección Oficial

20:00 Conferencia – Historia de las TV Movies por Enrique Agudo

21:00 The Golem de Yoav Paz y Doron Paz – Largometraje Sección Oficial

23:00 Gala de clausura – Entrega de premios

Más información en:
info@lamanofest.com
http://lamanofest.com/
https://www.facebook.com/LaManoFest
@lamanofest

Published in: on noviembre 5, 2018 at 7:00 am  Dejar un comentario  
Tags:

A la venta “Los años secretos de Velázquez y el rey” , la primera novela del cineasta Eugenio Martín

Portada Velázquez Eugenio Martín

Desde hace unas semanas se encuentra a la venta la primera novela escrita por el legendario cineasta Eugenio Martín, responsable de clásicos del cine de género europeo como el eurowestern El precio de un hombre o los films de terror Pánico en el Transiberiano y Una vela para el diablo, entre otros. “Los años secretos de Velázquez y el rey” es su título y cuenta con maquetación de Javier G. Romero y portada de Mario Roldán.

“Los años secretos de Velásquez” y el rey es una novela de ficción protagonizada por personajes cuya realidad vital fue ocultada o tergiversada en innumerables libros de Historia. Su historia nos traslada hasta el siglo XVII, cuando se acentúa la ruina del imperio español, y uno de sus últimos soberanos, Felipe IV, fervoroso creyente, jura al ceñir la corona que borrará de Europa a los protestantes, ya que la única religión verdadera es la católica de Roma. Pero la corte palaciega derrocha los últimos recursos del Reino, y los famosos Tercios ya solo conocen derrotas. El rey Felipe entiende que Dios Nuestro Señor no le ayuda a ganar batallas, como castigo a su vida personal. Y es que el soberano, aunque rey por derecho divino y hombre dado a la cultura, es un lascivo pecador obsesionado por el sexo. Éste es uno de los personajes de la novela.

El otro, un hombre de serena mordacidad, era más misterioso. Se llamaba Diego Velázquez y fue un pintor callado y enigmático. Sin embargo, el rey acudía con frecuencia al taller de Diego en el Alcázar, como se acude a la casa de un amigo. Y a veces, hasta tomaba sus pinceles para asomarse a su mundo mágico. En el humillante enfrentamiento entre el pintor y la poderosa nobleza palatina, cuando a Velázquez lo acusan de corrupto y ladrón, y la Hacienda Real requisa sus bienes hasta dejar su casa desierta y vacía, pendiente de juicio, dicen que el rey quiso ayudarlo.

Compuesto por 520 páginas encuadernadas en tapa blanda con solapas, “Los años secretos de Velázquez y el rey” solo se encuentra disponible a la venta por internet, a través del mail quatermass@hotmail.com
Publicidad Velázquez Eugenio Martín

Published in: on noviembre 4, 2018 at 8:56 am  Dejar un comentario