“La casa de los horrores de Tobe Hooper” se presentará el próximo jueves 30 de enero en Filmoteca Española

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El próximo  jueves día 30 de enero, a partir de las 21 horas el cine Doré, sede de proyecciones de Filmoteca Española, acogerá la presentación en Madrid de La casa de los horrores de Tobe Hooper, en un acto que contará con la asistencia de varios de los autores de este volumen monográfico coordinado por Carlos Díaz Maroto y un servidor, José Luis Salvador Estébenez, quienes también estaremos presentes.

Recientemente publicado por la editorial Vial of Delicatessens, La casa de los horrores de Tobe Hooper ofrece un recorrido pormenorizado por la trayectoria del finado cineasta, responsable de hitos del cine de terror moderno del calibre de La matanza de Texas, Poltergeist o la miniserie El misterio de Salem’s Lot, entre otros. Para ello, a lo largo del volumen son repasados tanto sus títulos para la gran pantalla como sus trabajos para el medio catódico, sin olvidar sus proyectos nonatos. Como complemento, el libro se remata con diferentes artículos dedicados a analizar diversos aspectos relacionados con la obra de Hooper, del que también se ofrece una entrevista.

Tras pasar los últimos años de su vida sumido en el ostracismo profesional y mediático, el fallecimiento de Tobe Hooper el verano del pasado 2017 trajo su figura de vuelta a la primera plana de la actualidad. Curiosamente, las numerosas notas necrológicas aparecidas coincidían en señalar que se trataba del director de La matanza de Texas, corriendo en cambio un tupido velo sobre el resto de su trayectoria, dejando así entrever su teórica irrelevancia. Y es que el impacto cosechado por el citado título, aún vigente casi medio siglo después de su estreno y nunca superado por su realizador, ha provocado la falsa imagen de que el resto de su obra carece del menor interés. Nada más lejos. La deriva que fue apoderándose de su trayectoria con el transcurrir de los años no invalida los diversos e innegables aciertos acumulados a lo largo de sus primeras obras, y que convirtieron a Hooper en una de las voces principales con las que contó el cine de terror durante las décadas de los setenta y ochenta.

Partiendo de esta base, La casa de los horrores de Tobe Hooper nace con el propósito de evaluar en su justa medida la obra del cineasta estadounidense, empleando para ello un análisis que aúne rigor crítico y ecuanimidad, pero sin huir de la subjetividad propia que una obra coral siempre conlleva. Para tal fin el presente libro cuenta con la participación de Ignacio Carrero, Jorge Loser, Juan Andrés Pedrero Santos, Juan Pedro Rodríguez Lazo y Fernando Rodríguez Tapia, así como de los citados coordinadores de la obra Carlos Díaz Maroto y José Luis Salvador Estébenez. Además, el volumen está prologado por Paco Cabezas, uno de nuestros cineastas más internacionales, quien actualmente se encuentra en los Estados Unidos trabajando en series de la popularidad de Into de Badlands, Penny Dreadful o El alienista, y fan confeso de la obra de Hooper.

Agotada recientemente la primera edición, se ha puesto a disposición de los lectores una segunda tirada que ya se puede adquirir en la página web de la editorial (http://vialofdelicatessens.blogspot.com/). El acto de presentación del libro en la Filmoteca Nacional estará seguido por la proyección de la película de Hooper La casa de los horrores, como no podía ser menos. Os esperamos.

Published in: on enero 17, 2020 at 7:19 am  Dejar un comentario  

A la venta el número 32 de “El buque maldito”, dedicado casi en su totalidad a la pasada edición del Festival de Sitges

El Buque Maldito #32

Desde ayer se encuentra ya disponible el número 32 del longevo fanzine especializado en género fantástico “El buque maldito”. Un nuevo número que, como es costumbre en estas fechas, concentra gran parte de su contenido en repasar los que dio de sí la reciente edición número cincuenta y dos del SITGES – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya.

De este modo, el reportaje dedicado a SITGES 2019 se compone de una pormenorizada crónica, la cual es acompañada a varios de los protagonistas de esta edición. Más concretamente, a los realizadores Michele Soavi (La befana vien di notte,Aquarius, El engendro del diablo), Juan Diego Escobar (Luz), Rudy Riverón Sánchez (¿Eres tú, papá?), Orçun Behram (The Antenna) y David Gregory (Blood & Flesh: The Reel Life & Ghastly Death of Al Adamson).

Dentro de este apartado dedicado a la pasada edición de Sitges se inscribe la colaboración de un servidor, José Luis Salvador Estébenez, en este número. Más concretamente, con una entrevista a Pupi Avati en la que repasamos la vertiente fantástica de la filmografía del Premi Nosferatu de este año, , responsable dentro del género de títulos del calibre de La casa dalle finestre che ridono, Zeder, L’arcano incantatore, Il nascondiglio o la reciente Il signor Diavolo.

Dejando ya Sitges a un lado, también se ofrece una extensa y exclusiva entrevista con Enzo G. Castellari realizada con motivo de su presencia en Isla Calavera 2018 – Festival de Cine Fantástico de Canarias, donde el mítico cineasta italiano recibió el Premio Isla Calavera de Honor. Los artículos “Demonios bajo túnicas de frailes”, centrado en el film portugués O construtor de anjos (1978) de Luís Noronha da Costa, y “Juan José Plans, la voz del miedo”, repaso-fantástico a la figura del escritor y guionista asturiano Juan José Plans, cierran los contenidos de este número. En total, 43 páginas ya a la venta a un p.v.p. de 4€.

Más información y pedidos en:

elbuquemaldito_zine@hotmail.com
http://elbuquemaldito.blogspot.com/

Published in: on enero 16, 2020 at 7:16 am  Dejar un comentario  

El castigo

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Título original: La punition/La punizione

Año: 1973 (Francia, Italia)

Director: Pierre-Alain Jolivet

Productores: Jean Bolvary, Raymond Danon, Roland Girard

Guionistas: Richard Bohringer, Pierre-Alain Jolivet, según una novella de Xavière

Fotografía: Bernard Daillencourt

Música: Bookie Binkley

Intérpretes: Karin Schubert (Britt), Georges Géret (Manuel), Amidou (Raymond), Claudie Lange (Françoise), [Marcel] Dalio (el libanés), Anne Jolivet (Gloria), François Leccia (el sacerdote), Jean Lescot (el ingeniero), François Maistre (el promotor)…

Sinopsis: Britt, prostituta de lujo, es castigada por el dueño de un burdel por no dejar del todo satisfecho a un cliente. La chica es encerrada en una sucia habitación de un apartado hotel, y a partir de entonces deberá obedecer los deseos de los clientes más crueles.

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“Aunque parezca mentira la cosa va a peor. Una de perversiones sádicas en las carnes de un putón desorejado y unos mafiosos fuera de sí. Muy fuerte”. Esa era la crítica no de La Razón ni de El Mundo, sino del diario El País cuando Tele 5 emitió El castigo (La punition/La punizione, 1973) la madrugada del sábado cinco al domingo seis de junio de 1993 en su espacio “Erotissimo”[1]. Leyendo esto uno no podía sino interesarse por el film, más aún cuando la protagonista era la germana Karin Schubert.

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Desde finales de los sesenta y sobre todo durante los setenta, ante la progresiva relajación de la censura en los diferentes países y con la pornografía tratando de salir de la marginalidad, se dio por medio mundo un boom en la producción y distribución de cine erótico. En Francia, concretamente, triunfa Emmanuelle (Emmanuelle, 1974), del esteta Just Jaeckin, con un erotismo refinado y supuestamente feminista que gustó incluso a las mujeres, consiguiendo un éxito internacional con esta adaptación del libro de Emmanuelle Arsan (Marayat Rollet-Andriane). El mismo Jaeckin daría en el clavo al trasladar al año siguiente a la pantalla “Historia de O” de Dominique Aury (Pauline Réage), convirtiendo de paso a su protagonista, Corinne Cléry, en una sex symbol al igual que había hecho con Sylvia Kristel en Emmanuelle[2].

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En el país vecino -al igual que en buena parte de Europa, léase Alemania, Italia…- se dio una inclinación por el lado más perverso del eros. No en vano contaba en la tradición literaria con los dos pilares fundamentales que conforman De Sade y Von Masoch. Así, desde tierras gabachas llegaron a los patios de butacas títulos turbulentos como Maîtresse (Amante, querida, p…) (Maîtresse, 1975) de Barbet Schroeder, Mais ne nous délivrez pas du mal (1971) de Jöel Séria, los delirios fílmicos del escritor Alain Robbe-Grillet, el particular erotismo del polaco Valerian Borowicz, o las sadianas propuestas de un exiliado Jesús Franco. Igualmente, Francia anduvo metida en coproducciones -las más de las veces con Italia- en títulos tan provocadores y amargos como Tamaño natural/Grandeur nature/Leife Size (Grandezza naturale) (1974) de Luis García Berlanga –en este caso también con participación española-, La gran comilona (La grande bouffé/La grande abbuffata, 1973) de Marco Ferreri, o Saló y los 120 días de Sodoma (Salò o los 120 giornate di Sodoma/Salo ou les 120 journées de Sodome, 1975) de Pier Paolo Pasolini. También en régimen de coproducción entre estos dos países se llevó a cabo la cinta que aquí nos interesa, El castigo, cuarto y penúltimo trabajo para el celuloide del poco prolífico realizador Pierre-Alain Jolivet, recordado principalmente por su adaptación en 1969 de la obra de Fernando Arrabal El gran ceremonial (Le grand cérémonial, 1963), donde el que fuera miembro del grupo Pánico interpretara un pequeño papel.

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A pesar de ser una coproducción entre Francia e Italia, el peso del país galo es muy superior, predominando ese estilo de erotismo lánguido y afrancesado tan propio de aquellos años. Basada en la autobiografía de una prostituta a la que le hicieron los cambios pertinentes, como su dramático final, el film se mueve entre el thriller erótico y el drama, entre la pura explotación y el cine de autor. Rodado principalmente en interiores, el director hace uso de colores agresivos y brillantes, sobre todo en la escena inicial de la fiesta, a la que regresaremos después de un largo flashback. La protagonista es una chica consentida que, al no satisfacer a un cliente, será encerrada en la habitación de un viejo hotel en las afueras de la ciudad y sometida a todo tipo de vejaciones por parte de unos hombres tan retorcidos como poderosos e influyentes en la sociedad. Ello le servirá a Britt de escarmiento a la par que de iniciación en el reverso más duro del sexo[3]. Humillada desde que es recluida, la fémina es despojada de sus ropas, desnuda al igual que el cuarto/prisión en el que la encierran, donde tan sólo hay un armario -con los utensilios sexuales para los clientes- y una vieja cama asimismo desnuda, sin ni siquiera un colchón para que la chica pueda descansar sus maltrechos huesos. Hojas secas se expanden por todo el suelo. La situación es aún más agobiante debido a los continuos gritos de terror y desesperación de la muchacha de la estancia contigua.

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El de Britt fue uno de los pocos papeles principales que encarnó Karin Schubert, generalmente relegada a roles secundarios, cuando no de reparto, eso sí, a menudo bastante ligerita de ropa. Llama la atención que, dentro de su filmografía, la cinta que nos ocupa se encuentra entre dos comedias ligeras como la decamerónica La pícara y ardiente Ubalda (Quel gran pezzo della Ubalda tutta nuda e tutta calda, 1972), de Mariano Laurenti, y el film del oeste Todos para uno, golpes para todos/Tutti per uno botte per tutti/Alle für einen – Prügel für alle (1973), de Bruno Corbucci[4]. Tras una extensa carrera en el cine de género, se dice que su frívolo way of life junto a una maltrecha situación económica hizo que aceptara en 1985, ya siendo madurita, aparecer en la producción porno Morbosamente vostra, de Andrea Bianchi, iniciando con este título una nueva etapa que se prolongaría hasta mediados de los noventa. Algo mayor pero aún hermosa, a partir de entonces se abrió paso en el mundillo del cine para adultos, principalmente en Alemania e Italia. Ya retirada totalmente de las pantallas y agobiada por los problemas con las drogas de su hijo, la actriz trató de suicidarse por entonces en un par de ocasiones, para después pasar al olvido.

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Junto con la teutona, otro de los roles principales del film que nos ocupa es el de Raymond, el despótico “dueño” de las chicas, papel que recae en el marroquí Amidou, cuya extensa carrera cinematográfica se desarrollaría mayormente en Francia, aunque sin olvidar su participación en conocidos títulos norteamericanos. Visto en producciones de éxito como Ronin (Ronin, 1998) de John Frankenheimer, Reglas de compromiso (Rules of Engagement, 2000) de William Friedkin, o Juego de espías (Spy Game, 2001) de Tony Scott, destaca sin embargo entre sus trabajos para los USA su intervención en Carga maldita (Sorcerer, 1977), remake a cargo del citado Friedkin de, precisamente, un film galo, el magnífico El salario del miedo (Le salaire de la peur, 1953), del maestro Clouzot.

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El castigo, al igual que la mayoría de los títulos con contenido erótico citados más arriba, aterrizaría en las carteleras españolas de forma tardía -se estrenaría en Madrid en enero de 1981- y amparada bajo la clasificación “S”, conllevando el ninguneo por parte de la crítica cinematográfica. Diferente situación con respecto a la de las distintas producciones que desde Francia nos han ido llegando de un tiempo a esta parte y que combinan cine de autor con provocación -como cabría aquí citar Romance X (Romance, 1999), de Catherine Breillat, Irreversible (Irréversible, 2002) de Gaspar Noé, Joven y bonita (Young & Beautiful, 2013) de François Ozon, o El desconocido del lago (L’inconnu du lac, 2013) de Alain Guiraudie-, que se proyectan en salas de versión original y cuentan con (al menos buena parte de) los críticos apoyándolas.

Alfonso & Miguel Romero

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[1] La misma emisora volvería a programar esta película poco más de un año después, en la madrugada del viernes cinco al sábado seis de agosto de 1994, a horas aún más intempestivas. El País declararía en esta ocasión: “Una película erótica realmente dolorosa, es una interminable sesión de sadomasoquismo. Un bodrio”.

[2] Kristel y Jaeckin coincidirían de nuevo en 1981, esta vez en una traslación a la pantalla de la famosa novela de D.H. Lawrence “El amante de Lady Chatterley”, con la Cannon de por medio.

[3] La iniciación en el sexo como ritual, con preferencia por la sumisión y el sadomasoquismo, se encuentra en las grandes obras de la literatura erótica, sobre todo francesas. El cine de los setenta, desde muy diferentes países y culturas, nos brindó incontables ejemplos, ya fueran softcores o desde el naciente -y mejor- porno. En Francia el tema no desaparecería, baste recordar el hit del triple X de 1994, dirigido por Marc Dorcel, Le parfum de Mathilde [vd/dvd: El perfume de Mathilde] -con la colaboración sin acreditar de Jean Rollin-, que se alzaría con no pocos premios por los distintos festivales en los que se presentó.

[4] Spaghetti-western cómico, en la estela iniciada por la saga de Trinidad, que viene a ser una versión libérrima de Los tres mosqueteros de Alejandro Dumas, aprovechando incluso la moda de las artes marciales. La Schubert aparece bañándose desnuda, escena censurada en su día en las copias españolas y recuperada en los últimos pases televisivos.

Published in: on enero 15, 2020 at 7:19 am  Dejar un comentario  
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Dark Places [vd: Tinieblas de la mente / La escalera de la locura / Lugares tenebrosos; dvd/tv: Lugares tenebrosos]

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Título original: Dark Places

Año: 1973 (Gran Bretaña)

Director: Don Sharp

Productor: James Hannah Jr.

Guionistas: Ed Brennan, Joseph Van Winkle, según adaptación de James Hannah Jr., Don Sharp

Fotografía: Ernest Steward

Música: Wilfred Josephs

Intérpretes: Christopher Lee (Dr. Ian Mandeville), Joan Collins (Sarah Mandeville), Herbert Lom (Prescott), Jane Birkin (Alta), Robert Hardy (Edward Foster / Andrew Marr), Jean Marsh (Victoria), Carleton Hobbs (Marr anciano), Roy Evans, Martin Boddey, John Glyn-Jones, John Levene, Jennifer Thanisch, Michael McVey, Barry Linehan, Linda Gray, Lysandre De La Haye, Earl Rhodes

Sinopsis: Edward Foster consigue hacerse con un caserón en cuyo interior se oculta una gran suma de dinero. La mansión también parece tener fama de estar hechizada por los espíritus de los hijos del anterior propietario, que acaba de morir en un manicomio…

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Tras el éxito de la Hammer con sus producciones terroríficas, en el Reino Unido aparecieron otras compañías que buscaban acogerse a esa estela. La más famosa de ellas fue la Amicus, pero hubo muchas más que también se sumaron al carro, como Charlemagne –fundada por Christopher Lee–, Tigon, Planet, Titan, Tyburn… Dark Places (1973) es una producción entre Glenbergh y Sedgled, dos pequeñas empresas fundadas con el fin de llevar a efecto la presente película, y que no tuvo continuidad. Dado el reparto y alguna otra característica, su intención parece ser la de asemejarse a un producto de la Amicus.

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El film es una intriga de suspense con elementos sobrenaturales, todo ello concebido alrededor de una mansión (a la que la realización de Don Sharp no logra conferir el hálito tenebroso requerido) por la cual diversos personajes muestran una inusitada avaricia debido a cierta suma de dinero que parecen ocultar sus muros. Paralelamente a ello, se va desenvolviendo una intriga respecto a su pasado, muy bien insertada por medio de flash-backs que irrumpen cuando el auténtico protagonista del film, Edward Foster (Robert Hardy), es poseído por el antiguo propietario de la mansión, con el cual guarda un parecido asombroso. Además de todo ello, los espíritus de dos niños muertos y malignos parecen encantar el lugar.

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El guion escrito por Ed Brennan y Joseph Van Winkle[1] desarrolla una trama bastante interesante, por medio de unos pésimos diálogos, embrollando algo el cotarro y destacando por encima de todo unas relaciones que siguen un tanto los moldes del melodrama: la presencia de Joan Collins, por entonces bastante activa dentro del cine de terror, hace rememorar esas horrendas series televisivas que después protagonizaría; además, su papel es la de una devora-hombres muy característico de los que la popularizarían más tarde, y durante un instante hay un pequeño coqueteo incestuoso con su hermano, a quien da vida Christopher Lee.

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La puesta en escena de Don Sharp es algo desangelada y televisiva, y solo parece tomar cierto envite en la escena del paseo entre Robert Hardy, Christopher Lee y Herbert Lom, cuando el primero es poseído una vez más; en unos pocos planos Sharp busca recrear el estado de turbación del personaje por medio del uso del gran angular y encuadres en contrapicado que resaltan con la austeridad del resto del metraje. Por suerte, el nivel del reparto es tan alto que encubre en parte las limitaciones de guion y dirección, y hace aparentar mayor riqueza conceptual a los resultados. La profesionalidad y talento de los intérpretes sobrellevan la simpleza de los diálogos y algunas situaciones, y consiguen que la trama se siga con interés. El resultado es una peliculita menor, dentro de la oleada de terror británico de la época, pero que merece ser vista por el aficionado debido a determinados elementos dramáticos y, sobre todo, su excelente plantel actoral.

Carlos Díaz Maroto

[1] El primero parece carecer de más créditos fílmicos. El segundo escribió cinco guiones, de los cuales el presente es el segundo y el único del género. También ha dirigido dos de esos guiones, Mafia on the Bounty (1980), una comedia, y The Woman Inside (1981), un drama sobre identidad sexual.

Published in: on enero 14, 2020 at 6:58 am  Dejar un comentario  

Este viernes “Mujeres fantásticas” en la Biblioteca Eugenio Trías, un encuentro que contará con la presencia de las actrices Lone Fleming, Analía Ivars, María Kosty y Marian Salgado

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Este viernes 17 de enero comienza el ciclo de encuentros culturales “Buenas tardes, buenas artes… en El Retiro”, organizado por Flash-Back Producciones y que se celebrará mensualmente en la Biblioteca Pública Municipal Eugenio Trías – Antigua Casa de Fieras de El Retiro, sita en el Paseo Fernán Núñez nº 24 de Madrid. Se iniciará con “Mujeres fantásticas”, que contará con la presencia de cuatro inolvidables estrellas de nuestro cine, cuatro actrices todoterreno que, aunque han trabajado en cine, teatro o televisión, están vinculadas al género fantástico y de terror desde las últimas décadas del siglo XX.

Se trata de Lone Fleming, Analía Ivars, María Kosty y Marian Salgado, quienes hablarán de su trayectoria personal y profesional en la que figuran films como La noche del terror ciego, Los blues del vampiro, Exorcismo,  La endemoniadaUna vela para el diablo, Juego sucio en Casablanca”, “La saga de los Drácula”, o ¿Quién puede matar a un niño?, entre otras. Habiendo pisado igualmente los escenarios con obras de -entre otros muchísimos autores- Jardiel Poncela, Fernán-Gómez, Arniches, Alonso Millán, Calderón de la Barca o Molière, en la chara también se repasarán sus apariciones en programas televisivos que abarcan desde los años sesenta hasta la actualidad, en títulos como Hora once, Serie negra o los míticos Estudio 1 de TVE.

El encuentro, que comenzará a las 18,30 horas, estará presentado y moderado por Viky Rodríguez y Antonio Busquets, responsables de Flash-Back Producciones, y será de entrada libre hasta completar aforo. Próximamente se anunciarán nuevas fechas, invitados y temáticas de este ciclo de encuentros con nombres del mundo de las artes, que nace con el propósito de convertirse en una cita esperada de la agenda cultural madrileña.

 

Published in: on enero 13, 2020 at 7:18 am  Dejar un comentario  

Dario Argento volverá al giallo este año con “Occhiali Neri – Black Glasses”, a protagonizar por su hija Asia

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En los últimos días el especializado portal “Dark Universe: Horror Database” ha desvelado varios detalles relacionados con la que se anuncia el regreso a la gran pantalla de Dario Argento ocho años después del que es su último trabajo hasta la fecha, su adaptación de la inmortal novela de Bram Stoker Drácula 3D/Dracula 3D (2012). No solo eso, sino que la película en cuestión, que actualmente tiene por título Occhiali NeriBlack Glasses, parece ser que significaría el regreso del director de Suspiria al giallo, el género por el que es mundialmente conocido.

El cineasta italiano desvelaba la existencia de este proyecto en una entrevista realizada el pasado año, en el que informaba que la idea es que se rodara durante este recién estrenado 2020. Una información que era ratificada en otra reciente entrevista, en este caso publicada en la  web “Il secolo XIX”  a propósito de la celebración del Festival della Criminologia, en la que Argento confirma que “sí, lo filmaré en la primavera. Hay muchas escenas al aire libre, rodeadas de naturaleza, y en invierno hace demasiado frío para rodar”.

Dicha entrevista también ha servido para que Argento corroborara que la futura película estará protagonizada por su hija Asia Argento. Sobre esta nueva colaboración con Asia, su progenitor comentaba en “Apettacolo Periodico Daily” que “está feliz de poder trabajar conmigo otra vez”. “También estoy muy feliz de trabajar con ella porque hay un entendimiento muy fuerte entre nosotros: ella siempre se las arregla para entender perfectamente lo que necesito, para entenderme. Es por eso que puedo decir que absolutamente nada ha cambiado desde este punto de vista”, añadía.

Junto con lo ya comentado, gracias a la popular base de datos IMDb sabemos que el guion de Occhiali NeriBlack Glasses está co-escrito por Franco Ferrini, habitual colaborador del director en cuyo curriculum figuran títulos como Érase una vez en América, Phenomena, Demons o Terror en la ópera, junto con el propio Argento, rumoreándose también la posible participación de Carlo Lucarelli.

Published in: on enero 12, 2020 at 9:43 am  Dejar un comentario  

A la venta el segundo número de la revista de cómics “Alta tensión”

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Porque no todo el mundo de las viñetas está poblado por superhéroes y hay vida más allá de Marvel y DC, la editorial valenciana Desfiladero Ediciones tiene ya en la calle el segundo número de su revista de cómics “Alta tensión”. Dedicada a un público adulto, con la intención de llevar a las tiendas especializadas una publicación que cubra las historietas de calidad y las nuevas tendencias tanto del panorama nacional como del internacional, este nuevo número cuenta con la participación de firmas como las del madrileño Ertito Montana, el murciano Magius, la valenciana Luna Pan, el francés Léo Quievreux o el cartelista croata Igor Hofbauer. Estos distintos autores reunidos ofrecen una rica y variada amalgama de estilos y tendencias donde cabe el underground, el pop-art, la crítica social o la influencia del cine y la literatura, y donde se dan la mano el clasicismo con la más radical vanguardia.

Tras la buena aceptación de su primera entrega, Desfiladero Ediciones pretende este 2020 que la publicación tenga una periodicidad trimestral con una importante tirada y distribución a nivel nacional. De momento, ya está disponible este segundo número de “Alta tensión” compuesto por 68 páginas, de 210×275 mm, en blanco y negro y color, y a la venta a un precio de 6€, IVA incluido.

Published in: on enero 11, 2020 at 9:32 am  Dejar un comentario  

Crónica de la XXX Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián

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Una panorámica del abarrotado patio de butacas del Teatro Principal donostiarra tomada durante la celebración de la noche de Halloween del pasado año fue la imagen escogida para ilustrar el cartel oficial de la trigésima edición de la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, celebrada entre los pasados 26 de octubre y 1 de noviembre. De esta forma tan gráfica, y nunca mejor dicho, la organización quiso explicitar la importancia que el público detenta en la configuración del certamen. Ese mismo público capaz de hacer casi día y medio de cola en mitad de la calle con tal de conseguir su abono y que a lo largo de estas tres décadas ha sido el responsable de dotar a la Semana de esa especial personalidad que ha hecho de ella un evento incomparable en el espectro de certámenes cinematográficos patrios.

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Detalle de la decoración de la fachada del Teatro Principal, centro neurálgico de la Semana

Dentro de este ADN propio, uno de los rasgos más reconocibles es la tendencia por las comedias terroríficas. Que al personal le tira este tipo de productos lo atestigua un palmarés que, solo en lo últimos años, ha premiado a exponentes como Lobos de Arga, Lo que hacemos en las sombras o One Cut of the Dead, entre otras. En este contexto, no resulta nada extraño que el premio al mejor largometraje de este año otorgado por los votos del público fuera a parar a una película como la irlandesa Extra Ordinary, debut en el formato largo de sus directores y guionistas Enda Loughman y Mike Ahern. Al igual que en los títulos enumerados previamente, la propuesta se enmarca dentro de los márgenes de la sátira genérica, apoyándose en la conocida fórmula de personajes extravagantes sometidos a situaciones fuera de lo común que da lugar a un sentido del humor que bascula entre lo delirante y lo absurdo.

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Un año más el director de la Semana, Josemi Beltrán y la actriz Miriam Cabeza ejercieron de maestros de ceremonias de esta edición

Y aunque en un primer momento la idea funciona, a medida que avanza el metraje su historia de fantasmas cotidianos va perdiendo chispa para transitar por terrenos ya conocidos, echándose en falta un mayor arrojo por parte de sus responsables para escapar de lo manido, más allá del juego con formatos al que dan cabida en diversos momentos, en puridad el único rasgo de originalidad que posee el conjunto. Todo lo contrario se puede decir en cambio con la que, a la postre, ocuparía el segundo lugar en el cómputo global de votos, Why Don’t You Just Die!, producción rusa (su título original es Papa, sdokhni) que había aterrizado en Donosti sin apenas referencias y que sorprendió a propios y extraños entre otras cosas por su capacidad para reinventarse cada pocos minutos mediante desconcertantes giros de guion, a pesar del minimalismo escénico del que hace gala, consistente en poco más que cuatro personajes y una única localización.

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El urado del concurso internacional de cortometrajes de esta edición, formado por Elisa McCausland, Fernando Iwasaki y Itziar Castro, dirigiéndose al público

¿Quiere decirse con esto que la ganadora de la Semana de este año es una mala película? Para nada. En todo caso, si algo hay que reconocerle a Extra Ordinary es el de ser un film correcto y efectivo que hace de su sencillez su mejor virtud. El que, además, se hubiera alzado pocas semanas antes con el galardón a la mejor película de la sección “Panorama Fantàstic” del Festival de Sitges confirma su calidad, al mismo tiempo que, paradójicamente, pone de relieve otra circunstancia que pudo comprobarse en la pasada edición de la Semana: el bajo nivel medio de la última cosecha genérica tras varios años de bonanza, y que se ha cristalizado en la ausencia de títulos realmente destacables en esta hornada. Una realidad que, como decimos, quedó ratificada en la Sección Oficial de esta trigésima edición del certamen, por más que la selección realizada por la organización resultara de lo más atractiva, aglutinando algunos de los estrenos más esperados de la temporada junto con varios de los films triunfadores en el circuito de festivales especializados.

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La multitudinaria representación del equipo de “El hoyo” antes de la proyección de la película en la sesión inaugural

Este último caso es el de la película encargada de protagonizar la siempre mediática sesión inaugural, El hoyo, que llegaba tras arrasar en la pasada edición del Festival de Sitges, donde se hizo con los premios del jurado de la Sección Oficial y el del público a la mejor película. Lo hacía acompañada sobre las tablas del Teatro Principal de una nutrida representación del equipo de la película encabezado por su director, Galder Gaztelu-Urrutia, quien para su debut en el formato largo se descuelga con un discursivo thriller de ciencia ficción anticipativa que reflexiona sobre las desigualdades e insolidaridad de nuestra sociedad, lastrado por la evidente influencia conceptual que ejercen en su contenido films tan reconocibles como Cube, Snowpiercer e incluso la franquicia Saw, por no hablar de cierto cortometraje visto en este mismo marco hace ya algunos años.

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Presentación previa al pase de “Amigo” con Óscar Martín (director), Elena Muñoz (productora) y David Pareja (actor)

Mucho mejor sabor de boca dejó la también española Amigo, la ópera prima de Óscar Martín que la misma noche que arrancaba la Semana se proclamaba la gran triunfadora de la séptima edición de Nocturna Madrid, acaparando los premios a mejor película, mejor director y mejor actor en la persona de David Pareja. Justo reconocimiento para una cinta que, partiendo de planteamientos conocidos, articula mediante un soberbio pulso narrativo una negrísima y claustrofóbica tragicomedia en torno a la amistad, la soledad y el sentimiento de culpa, excelentemente interpretada por el citado Pareja y un Javier Botet en estado de gracia. Pero a sus excelentes resultados cinematográficos hay que añadirle, además, su interesante subtexto. Y es que entre líneas Amigo nos habla también de la forma de ser de la sociedad española; de nuestro cainismo, nuestros prejuicios, nuestra importancia por las apariencias y, en definitiva, de lo poco que hemos cambiados en las últimas décadas, aunque nosotros nos pensemos justo lo contrario.

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Participantes en el tradicional concurso de disfrazes de la noche de Halloween

Pasando a hablar de nombres propios, uno de los que más expectación había despertado era el de Color Out of Space, el esperado regreso como director al formato largo de ficción de Richard Stanley, más de tres décadas después de su controvertida salida de la adaptación de La isla del Dr. Moreau que protagonizaran a comienzos de los noventa Val Kilmer y Marlon Brando. El hecho de que se basara en uno de los relatos más populares de H. P. Lovecraft y estuviera protagonizada por Nicolas Cage disparaba aún más las ganas con las que se esperaba al film en cuestión. Por desgracia, el fruto resultante no se correspondió con las esperanzas depositadas, revelándose como un film fallido que tarda un mundo en arrancar y es incapaz de plasmar convenientemente las buenas ideas que posee. Tampoco le beneficia la interpretación de un Nicolas Cage tan pasado de rosca como acostumbra, por mucho que sus recurrentes salidas de tono fueran aplaudidas e, incluso, jaleadas por parte del respetable.

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Hideo Nakata presentando la proyección de “Sadako” sobre el escenario del Teatro Principal, sede central de la Semana de Terror de San Sebastián

Claro que, si de expectación se trata, ninguna igualó a la despertada por la visita de todo un nombre propio del cine fantástico de los últimos veinticinco años como Hideo Nakata, quien acudió a la Semana para presentar Sadako, título que ha supuesto su regreso al universo The Ring con el que se diera a conocer internacionalmente y que se salda con unos resultados más dignos de lo que cabría esperar en un principio, sobre todo teniendo en cuenta la deriva que el cineasta japonés viene atravesando desde hace ya bastante tiempo.

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Rueda de prensa de “Darlin'” en la Semana. De izda. a drcha.: Lourdes (traductora), su actriz protagonista, Lauryn Canny y Josemi Beltrán

De las que se esperaba más era de dos películas relacionadas con otros tantos films vistos en el certamen en ediciones anteriores. Me refiero a The Room y Darlin’. La primera supone el nuevo trabajo del que fuera vencedor de la Semana del 2006 con la cinta de animación Renaissance, el francés Christian Volckman, cuyo debut en el largo de animación real no logra ocultar su condición de enésima revisión de la formularia historia de “cuidado con lo que deseas” en clave de ciencia ficción, a pesar de sus mal disimuladas pretensiones. Por su parte, Darlin’ es la secuela directa de la magnífica The Woman, cuya actriz protagonista, Pollyanna McIntosh, además de repetir su papel de “la mujer” ejerce aquí también la dirección, firmando así su ópera prima. En este caso, el principal defecto que puede achacarse a la película es la falta de sutileza con la que expone su discurso anticlerical, a tal punto de convertirse en una involuntaria parodia cómica de aquello que teóricamente critica.

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Sea como fuere, The Room por un lado y Darlin’ por otro, simbolizarían los dos grandes ejes temáticos en los que se dividiría la programación oficial de esta semana, reflejando de algún modo el protagonismo que estas dos materias detentan dentro de la producción fantástica actual: la paternidad y el enfoque feminista. Junto con The Room, la paternidad sería parte fundamental de las propuestas de Z, Kure y Vivarium, aunque por lo general con resultados prescindibles. Más allá de algún apunte aislado ciertamente insólito, Z es un convencional exponente a caballo entre las películas de niños malignos y las historias de fantasmas de moroso  ritmo narrativo, defecto también presente a lo largo de las más de dos horas de metraje que componen Kure, en la que la paternidad se entremezcla con el folclore nipón por medio de una narración cíclica aquejada, por si no fuera poco, de una evidente dispersión. Vivarium también acusaría preocupantes problemas narrativos, aunque en su caso se tratara del conocido como “síndrome del corto alargado”, defecto que es agravado por su diseño minimalista. Tanto es así que todo el discurso sobre la vida en pareja y la paternidad que plantea su argumento queda ya sintetizado desde la escena naturalista que sirve de fondo a sus títulos de crédito, dedicándose desde este momento a dar vueltas sobre este concepto sin profundizar en nada, con una alarmante falta de ideas, por si fuera poco.

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El enfoque feminista, por su parte, presidiría el enfoque de, al menos, media docena de títulos, aunque de muy variada forma. Desde The Furies, efectivo splatter de potentes escenas gore donde apuntes como el hecho de que todos los enmascarados asesinos que desfilan por su trama sean hombres y que sus víctimas sean mujeres no pasa de su mero enunciado, hasta Blood Machines, esteticista mediometraje que mira a cierto cómic de ciencia ficción europeo de los ochenta para ofrecer una auténtica gozada visual y sonora, parafraseando las acertadas palabras con las que Josemi Beltrán, director de la Semana, le definió antes de su proyección fuera de concurso. Todo ello sin olvidar ejemplares como Rise of the Machines Girls, revisitación/secuela del film de 2008 de Noboru Iguchi que cumple con creces lo que cabría esperar de él: una espídica frikada repleta de humor bizarro, sangre, tiroteos hiperbólicos, música a todo trapo y primeros planos de la ropa interior de sus cibernéticos protagonistas.

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Juanma Bajo Ulloa presentó en la Semana un teaser trailer de su nueva película “Baby”, acompañado de dos de sus actrices protagonistas

Así llegamos a la que, a juicio del abajo firmante, fue la película más valiosa de todas las visionadas a lo largo de esta trigésima edición de la Semana. Dicha consideración cabe atribuírsela a Bliss, en la que su director y guionista, Joe Begos, se confirma como uno de los talentos más destacados del cine fantástico indie estadounidense coetáneo. Para ello abandona, al menos parcialmente, la emulación y referencialidad para con el cine de terror ochentero que caracterizara a sus previas Casi humanos y Poder mental, así como a la carpenteriana VWF, su otro film estrenado en este 2019, creando la que se antoja su obra más personal hasta la fecha; un lisérgico relato vampírico en torno a la creación artística que cobra toda su dimensión durante su segunda mitad, en la que Begos nos hace partícipes del descenso a los infiernos de su personaje protagonista, una pintora adicta a las drogas, por medio de una puesta en escena sucia, colorista y sanguinolenta, excelentemente conjuntada con una banda sonora a base de punk y un trepidante montaje que, literalmente, no da respiro. Todo ello hace de Bliss una experiencia sensorial extrema, cuya fuerza emana de unas imágenes que aturden y noquean. No parece nada extraño, así las cosas, que el film se inicie con un letrero que alerta sobre los posibles riesgos de ataques de epilepsia que puede provocar el contenido de la película.

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Rueda de prensa de “Sesión salvaje” en la Semana con sus directores Julio César Sánchez (izquierda) y Paco Limón (derecha) flanqueando a Fernando Esteso

Otro de los títulos destacados de esta edición de la Semana sería Sesión salvaje, documental que repasa la edad dorada del cine de consumo español. Un recorrido que abarca desde el eurowestern al erótico, pasando por el terror, el cine quinqui o las comedias de Pajares y Esteso, y que es sintetizado con impar tino a través del testimonio de varios supervivientes de tan añorada época de nuestro cine, pero también de varias destacadas personalidades externas, cuyo concurso sirve para reivindicar el legado de aquellas películas, caso de Álex de la Iglesia, Nacho Vigalondo o Enrique López Lavigne. El resultado es un completo trabajo que aúna concisión, información y reflexión, cumpliendo por partida doble su cometido. A saber: recuperar y divulgar esta etapa de nuestra historia, al tiempo de recordar la cantidad de excelentes títulos que aglutina nuestro tan denostado cine de género.

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Presentación del pase de “Ventajas de viajar en tren” en la sesión de clausura por una representación del equipo de la película entre la que se encuentra Massiel (cuarta por la izquierda)

Por cierto que, junto a sus directores Paco Limón y Julio César Sánchez, Sesión salvaje estuvo acompañado en su paso por Donosti por uno de los protagonistas del documental, un Fernando Esteso que se convirtió en inesperado protagonista de la jornada de clausura, interpretando incluso sobre las tablas del Principal su tema “Soy un vividor” ante una entregada audiencia. Aunque, curiosamente, Esteso no fue el único representante de nuestra cultura popular que asistió a la última jornada de la Semana. También lo hizo Massiel como parte del equipo de Ventajas de viajar en tren, ópera prima del cineasta local Aritz Moreno y película encargada de echar el cierre a esta edición del certamen. Adaptación de la novela homónima de Antonio Orejudo, a la puesta de largo de Moreno hay que reconocerle, de entrada, su valentía y riesgo para plantear un film de semejantes características: una montaña rusa de narraciones superpuestas que reivindica el placer de contar historias, ya sean verdaderas o falsas, o incluyan necrofagia, zoofilia o fetichismo. Pero, al mismo tiempo, semejante naturaleza acaba determinándose como su principal hándicap, y la acumulación de narraciones, algunas de considerable duración, así como la variación de tonos empleados, provoca que según avanzan los minutos el espectador acabe desentendiéndose de la propuesta.

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Rueda de prensa de presentación de la expo “Paul Naschy. Una vida en imágenes” con (de izda. a drcha.) sus hijos Bruno y Sergio Molina, su viuda Elvira Primavera, el comisario Antonio Busquets y Josemi Beltrán, director de la Semana

Volviendo a Sesión salvaje, su proyección fuera de concurso conectaría con la atención a la memoria del cine fantástico español que demostró esta Semana y que quedó demostrada por el contenido de dos de las actividades paralelas celebradas dentro del marco del certamen. Quizás el ejemplo más evidente se encuentre en la exposición dedicada a la trayectoria de Jacinto Molina que, bajo el subtítulo de “Una vida en imágenes”, reunió una impresionante muestra de objetos y memorabilia relacionada con las películas de Paul Naschy en el Centro Cultural Okendo desde el 26 de octubre al 14 de diciembre, aunque no se trate del único. En el mismo sentido hay también que señalar el que la película escogida para “El Klasikazo” de este año fuera, precisamente, la película del recientemente fallecido Chicho Ibáñez Serrador ¿Quién puede matar a un niño?, en una sesión que estuvo presentada por Paco Plaza, quien tras el pase mantuvo una interesante charla con los asistentes. A todo ello cabe añadir, aunque sea desde un enfoque internacional, el habitual ciclo retrospectivo que en esta ocasión estuvo dedicado al denominado “Folk Horror”, y que, además de completarse con la publicación del otrora libro monográfico, en esta oportunidad coordinado por Jesús Palacios, ofreció la oportunidad de visionar en la pantalla del Teatro Victoria Eugenia en versión original subtitulada al euskera títulos del calibre de Yo anduve con un zombie, The Wicker Man, La última ola o En compañía de lobos, entre algunos otros.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías: Juan Mari Ripalda

Entrevista a Pollyanna McIntosh sobre “Darlin'”

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El pasado 2011 la actriz y modelo escocesa Pollyanna McIntosh se daba a conocer al gran público en su faceta interpretativa encarnado a “la mujer” de la homónima The Woman [dvd: The Woman], en la que retomaba el personaje al que ya había dado vida previamente en Offspring (2009), película predecesora del film dirigido por Lucky McKee. Su tremenda interpretación de la salvaje y la repercusión obtenida por The Woman propició que en los años siguientes Pollyanna se haya convertido en una habitual dentro del género terrorífico, donde ha protagonizado títulos como la interesante y atmosférica Let Us Prey (2014), Los intrusos (White Settlers, 2014), home invasion que tomaba como punto de partida la tradicional rivalidad territorial entre Inglaterra y Escocia, además de formar parte del reparto estable durante un par temporadas de la popular serie The Walking Dead (The Walking Dead, 2010-…).

Ocho años después, Pollyanna ha dado un nuevo paso en su carrera con su debut como directora en el formato largo con Darlin’, película que también ha escrito. Casualidad o no, lo cierto es que el destino ha querido que su ópera prima haya sido precisamente la tercera entrega de la, hasta ahora, trilogía iniciada por la mencionada Offspring y basada en el original literario de Jack Ketchum, fallecido en enero del pasado año y quien había participado en los guiones de las dos entregas anteriores.

Con motivo de la participación de Darlin’ dentro de la sección “Panorama Fantàstic”, Pollyanna visitó la quincuagésimo segunda edición del Festival de Sitges, donde, en compañía de Halyna Hutchins y Andrew Smetek, directora de fotografía y diseñador de sonido de la película, respectivamente, tuvimos la oportunidad de hablar con ella en la siguiente entrevista que, para nuestra sorpresa, pudimos realizarla prácticamente de forma íntegra en castellano.

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¿Por qué has decidido comenzar a dirigir y por qué has escogido hacerlo, precisamente, con una continuación de Offspring y The Woman?

Anteriormente ya dirigí teatro y también había escrito y dirigido un corto que se llama Perfect de unos treinta y cinco minutos de duración, solamente. Fue como el concepto principal de la película completa que había escrito. Pensaba que esa era la primera película que iba a dirigir, pero el productor de The Woman y Offspring, Andrew van den Houten, me llamó mientras estaba trabajando en una serie titulada Hap y Leonard (Hap and Leonard, 2016-…) y me preguntó: “¿Quieres dirigir la secuela de The Woman?” Le respondí: “Si, ¿cómo no?” Era una oportunidad increíble para mí, pero le pedí que si aún no había guion y no lo iba a hacer Lucky [McKee], me gustaría escribirlo yo misma. Y así fue. No tenía tiempo para hacer otra cosa, así que esta secuela ha sido la primera película que he dirigido. Para mí fue una cosa natural hacer esta historia ambientada en un mundo que está tan cerca de mi corazón y con este personaje que lo está también. Entonces fue “no brainer” [una decisión que no hay que pensar], como se suele decir en inglés.

Darlin’ es la primera película de la trilogía en la que Jack Ketchum no ha participado directamente en su guion. ¿Cómo fue el proceso de escritura?

Sí, supone un cambio, ¿no? Yo quería que él estuviera feliz con mi guion, pero también era consciente de que al ser yo mujer iba a ser diferente. Hablamos sobre ello cuando yo tenía ya el tratamiento, en el que ya había mucho protagonismo de la religión, algo que no era normal para él y fue la única cosa que le causó un shock. “Yo no he escrito nunca nada sobre religión”, me comentó. “Sí, te entiendo”, le contesté, pero le expliqué que para mí es algo que tiene una gran relevancia en la vida moderna y en la situación que actualmente hay en los Estados Unidos, en la que, en lugar de ir para adelante, vamos hacia atrás. Es un problema muy grande para las mujeres y para cualquier persona que no sea un hombre blanco que quiere dominar a todos. Él entendió por qué yo quería escribir sobre religión y me dio su bendición (risas). Posteriormente pudo venir unos días al set cuando estábamos rodando y estuvo muy feliz con la película que estábamos haciendo.

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Junto con su enfoque feminista y su crítica a la religión, Darlin’ también puede verse como una metáfora del modo en el que desde que somos pequeños nos matan nuestro lado salvaje adoctrinándonos mediante la educación. ¿Era esa tu intención?

Sí, porque pienso que son temas de terror real, como los que empleó Jack Ketchum. Para mí todo forma parte de la misma cosa. La vida moderna, la sociedad moderna, creo que no es buena para nadie. Necesitamos cambiar y recordar lo que somos. Somos animales, pero también somos personas, y por eso quise entremezclar esta vertiente con el tema feminista.

Otro tema que está presente en la película es la homosexualidad, no solo por el personaje de Tony, el enfermero que interpreta Cooper Andrews, sino también por Billy, la compañera del internado que se hace amiga de Darlin’ y que en determinados momentos parece sentirse atraída por ella…

¿A ti te lo parece? Para mí no (risas). Es decir, Billy no sabe que Darlin’ está estudiando todo y que puede hablar, y piensa que tiene que demostrarla lo que quiere comunicarle. Es una forma de ver cómo poder hablar juntas de cosas muy difíciles. Y ella usa el humor y los movimientos físicos para que Darlin’ entienda lo que le dice, porque cree que no lo va a hacer. Por eso es una escena que para mí funciona, porque después Darlin’ dice algo muy diferente de lo que Billy está hablando y, al mismo tiempo, es lo mismo. Darlin’ tiene miedo de lo que hay dentro de ella y Billy también lo tiene. Porque otras personas no aceptan lo que es ella y solo quieren usar su cuerpo. Pero en su interior, puesto que ha sufrido un abuso, tiene mucha furia y energía que no puede sacar, y tiene miedo de lo que podría pasar si alguna vez sacara fuera todo eso que tiene reprimido.

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En esta oportunidad el protagonismo de la película recae en la joven actriz irlandesa Lauryn Canny. ¿Cómo fue el trabajo con ella, sobre todo teniendo en cuenta que, de algún modo, el rol que interpreta es el relevo de tu personaje dentro de la historia?

Lauryn Canny es una actriz inmensa. Tiene mucho talento, pero también técnica, que es un talento también, claro. Ella estaba en la cabeza y en el cuerpo de Darlin’ completamente, y si había algún pequeño cambio que quizás era muy difícil y técnico, ella lo hacía rápidamente y con mucha facilidad. Es increíble. Pienso que mucha gente va a descubrir con esta película hasta qué punto es buena actriz.

Y en tu caso, ¿cómo ha sido ponerte por tercera vez en la piel de “la mujer”, con el añadido de ser, además, la directora?

Me encantó. Tiene tanta fuerza… Aunque también quería darla un poco más de humor. La vida es difícil y por eso quería que hubiera un poco más de humor, para que la audiencia pudiera simpatizar con todos los personajes, que les importara más lo que les pasa.

No obstante, tengo la impresión de que en Darlin’ “la mujer” es más salvaje que nunca. Por ejemplo, durante los primeros minutos de la película puede decirse que mata a toda aquella persona con la que se cruza. ¿Es una forma de expresar su rechazo a lo que ha conocido de la sociedad?

La gente que ha visto The Woman sabe lo que ha sufrido y ella no quiere que le pase otra vez. Por eso mata cuando necesita matar. Pero no mata por placer, sino para sobrevivir.

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Aprovechando la presencia de Halyna, me gustaría que me hablarais del aspecto visual de la película, sobre todo el uso de colores pastel, que contrasta mucho con el look de The Woman

Halyna: Sobre el look en general de la película, queríamos realizar un film subjetivo en el que se siguiese a los personajes. Por eso hay movimientos de cámara que se centran en seguir a Darlin’ para que los espectadores pudiesen conectar con ella como personaje.

Pollyanna: Era muy importante para mí que el público pudiera compartir las experiencias y los sentimientos por los que atraviesa Darlin’. Por eso Halyna y yo hablamos mucho sobre cómo íbamos a hacerlo, porque queríamos que fuera algo muy personal e intenso, e incluso los movimientos de cámara están pensados desde la perspectiva no solo de Darlin’, sino también de “la mujer”. Los colores son diferentes…

Halyna: También tenemos una idea visual relacionada con la jaula, como en la que es encerrada Darlin’ por el obispo al comienzo y que es equiparada en uno de los últimos fotogramas de la película, cuando se abre la puerta con barrotes en la iglesia, como si fuese una jaula que se abre.

Pollyanna: En las escenas en el internado y en la iglesia los ángulos de cámara se vuelven más objetivos. Para mí es como si Dios estuviera observando a todos. Por otra parte, como Halyna dice, Darlin’ está atrapada. Por eso, cuando ella se encuentra en escenas que transcurren en la naturaleza usamos planos muy abiertos, pero cuando ella está en el internado, y se encuentra más y más atrapada, los planos son cada vez más cerrados.

Halyna: Sobre los colores empleamos, como dices, tonos pastel suaves, como por ejemplo puede ser el rosa. Usamos también pinturas religiosas como referencias.

Pollyanna: Teníamos muchas referencias bíblicas y religiosas de pinturas. De los cuadros tomamos la idea del uso de colores intensos, pero también otros más suaves para crear la idea de que todo está perfecto. En las pinturas es algo así como mostrar la gloria de Dios, pero para nosotras era como reflejar la inocencia de las niñas. Por eso empleamos muchos tonos pastel, como el rosa, el amarillo o el azul suave. Cuando tenemos momentos de terror o peligrosos, empleamos el rojo muy intenso y muy saturado, mientras que cuando son escenas ambientadas en la naturaleza predomina el verde.

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Pollyanna, Halyna y Andrew durante la presentación de “Darlin'” en el Festival de Sitges celebrada en el cine “Retiro”

¿Con Darlin’ podemos dar ya finalizada la saga o hay planes para prolongarla? Porque lo cierto es que el final de la película deja abierta la puerta a una continuación…

Yo sé con certeza que no quiero dirigir otra película de esta serie. No porque no quiera, pero es una serie que cada película ha sido realizada por un director distinto y cada una es muy diferente entre sí. Así que habrá que ver quién más quiere hacerlo y cómo piensa hacer la cuarta entrega. Lo que sí que es muy importante para mí es que esa hipotética película tenga el espíritu de Ketchum. Yo puedo interpretar otra vez el carácter de “la mujer”, pero solo si el guion es bueno.

Y dejando la saga a un lado, ¿piensas seguir dirigiendo?

Absolutamente. De momento ya he participado en una película de terror formada por varios capítulos que se llama Deathcember (2019) y que, como su título indica, está ambientada en la Navidad. Somos veinticuatro directores y yo dirigido un segmento de unos cinco minutos de duración titulado Getting Away From It All en el que he vuelto a trabajar con Andrew como encargado del diseño de sonido, aunque no sea ninguna casualidad. Ya lo fue antes en Offspring, The Woman y Darlin’.

Por último, una curiosidad. ¿Cómo es que sabes hablar castellano?

Estuve viviendo en Colombia cuando era pequeñita y me gusta practicarlo siempre que puedo.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías: Juan Mari Ripalda

Published in: on enero 9, 2020 at 10:33 am  Dejar un comentario  
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Silvia Superstar, cantante del grupo Killer Barbies, recibirá el Premio APPLEHEAD Jess Franco de la próxima edición de CutreCon

 

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La cantante y actriz Silvia Superstar, líder del mítico grupo punk Killer Barbies y protagonista de títulos del cine de Serie B español como La matanza caníbal de los garrulos lisérgicos (1993) o Killer Barbys (1996), recibirá el Premio Applehead Jess Franco 2020 en el marco de la novena edición de CutreCon, el Festival Internacional de Cine Cutre de Madrid. La ceremonia de entrega se realizará el jueves 30 de enero a las 21 horas en el Palacio de la Prensa de Madrid (Plaza de Callao, 4), y en ella se reconocerá su labor difundiendo las bondades del cine fantástico y de terror de bajo presupuesto, tanto a través de su música como en las películas en las que ha participado.

Un día después, el filme Killer Barbys abrirá la tercera jornada de CutreCon en una sesión gratuita que tendrá lugar a las 16:30 horas en el Centro Cultural de la Casa del Reloj de Matadero Madrid (Paseo de la Chopera, 6-10). Los espectadores que aún no la hayan visto podrán descubrir esta cinta de culto dirigida por Jess Franco, cuya presentación correrá a cargo de la propia Silvia Superstar. “No se puede entender la música indie de los años 90 en nuestro país sin Silvia Superstar, cuya banda Killer Barbies hizo una importante labor promoviendo el cine de serie B, a través de su estética y las letras de sus canciones; como tampoco se puede olvidar su esencial implicación en el resurgimiento de la carrera de Jess Franco, participando en películas como Killer Barbys y su secuela, Killer Barbys contra Drácula”, indica Carlos Palencia, director de CutreCon, quien añade: “Es un honor para nosotros hacerle entrega precisamente de un premio con el nombre de Jess Franco, no podría ser más merecido”.

Nacida en Vigo bajo el nombre de Silvia García Pintos, Silvia Superstar, encaja perfectamente en el término “artista todoterreno”: cantante, compositora, productora, actriz, diseñadora de ropa e interiores, DJ y empresaria. Comenzó su carrera musical a mediados de los 90 como cantante de Aerolíneas federales. Posteriormente, fue la líder y vocalista de la mítica banda Killer Barbies que, con su estilo punk desenfadado, triunfó dentro y fuera del país con su primer álbum “Dressed to Kiss” y el tema “Love Killer”. El grupo fue cabeza de cartel de varios festivales nacionales e internacionales, donde llegó a compartir escenario con Iggy Pop o The Misfits. Al talento musical de Silvia Superstar hay que sumar su particular estilo rock retro-punk, que destacó por sus lentillas y pelucas de colores, su ropa transformada por ella misma y sus barbies customizadas, que le valió el título de reina de la escena indie de los 90.

En el mundo del cine debutó con la inclasificable cinta La matanza caníbal de los garrulos lisérgicos, y trabajó junto al mítico Jesús Franco, con el que rodó Killer Barbys y su secuela, Killer Barbys contra Drácula. En 2006 participó en otra película de inolvidable título, Ellos robaron la picha de Hitler, de Pedro Temboury. Asimismo, fue coprotagonista del filme gallego Naipe de sangre (2010), una revisión gallega de las películas del Salvaje Oeste. También ha trabajado en varias series y programas de televisión como Luar, Alaska y Mario, Levántate All Stars o Ilustres ignorantes. Recientemente la actriz ha aparecido en un capítulo de la aclamada serie de Movistar + Arde Madrid, creada por Paco León y Anna R. Costa.

Actualmente, Silvia Superstar compagina su carrera en solitario, con su faceta de DJ como residente de “El fabuloso Club” en la sala El Sol de Madrid y su trabajo como empresaria.

Las entradas para todas las sesiones de pago del festival están disponibles en la web del Palacio de la Prensa. Asimismo, las entradas para las sesiones gratuitas del Centro Cultural de la Casa del Reloj, podrán recogerse en el auditorio el mismo día de la proyección. Además, CutreCon ha puesto a la venta tres tipos de abonos que cubren todas las sesiones de pago del festival y que pueden adquirirse también en Palacio de la Prensa: el bono VIP (60 €):, que da acceso a las sesiones de pago (un total de doce películas), asiento preferente en todas las sesiones gratuitas, pack de merchandising de CutreCon 9, cena pagada con los invitados del festival tras la jornada de clausura, ofertas exclusivas y descuentos con algunos de los patrocinadores y colaboradores; el bono general (45 €), que incluye todas las sesiones de pago; y el bono fin de semana (35 €), que cubre todas las sesiones de pago celebradas en el Palacio de la Prensa comprendidas entre el viernes 31 de enero y el domingo 2 de febrero.

Más información en: cutrecon.com

Published in: on enero 8, 2020 at 7:12 am  Dejar un comentario  
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