Comanche Station [tv/dvd: Estación Comanche]

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Título original: Comanche Station

Año: 1960 (Estados Unidos)

Director: Budd Boetticher

Productores: Budd Boetticher, Randolph Scott

Guionista: Burt Kennedy

Fotografía: Charles Lawton Jr.

Música: Mischa Bakaleinikoff, y temas de stock de Gerard Carbonara, George Duning, George Greeley, Leigh Harline, Heinz Roemheld, Paul Sawtell, Max Steiner

Intérpretes: Randolph Scott (Jefferson Cody), Nancy Gates (Nancy Lowe), Claude Akins (Ben Lane), Skip Homeier (Frank), Richard Rust (Dobie), Rand Brooks (hombre de la estación), Dyke Johnson (John Lowe), P. Holland (muchacho), Foster Hood (comanche con la lanza), Joe Molina (jefe comanche), Vince St. Cyr (guerrero)

Sinopsis: Cody se dedica a rescatar mujeres blancas que averigua están en posesión de los comanches, a las que intercambia por rifles. Acaba de rescatar a Nancy Lowe y se dirige a Lordsburg con ella cuando han de detenerse en Estación Comanche, una parada de postas donde confluyen repentinamente tres hombres perseguidos por los indios.

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Comanche Station [tv/dvd: Estación Comanche, 1960] fue la última entrega del ciclo de westerns protagonizados por Randolph Scott y dirigidos por Budd Boetticher, e integrada en su totalidad por Seven Men from Now [dvd: Tras la pista de los asesinos, 1956], The Tall T [tv/dvd: Los cautivos, 1957], Decision at Sundown [tv/dvd: Cita en Sundown, 1957], Buchanan Rides Alone [tv: Buchanan cabalga solo; tv/dvd: Buchanan cabalga de nuevo, 1958], Westbound [tv/dvd: Nacida en el Oeste, 1959) y Ride Lonesome [tv: Cabalgando en el desierto; tv/dvd: Cabalgar en solitario, 1959]. Todas ellas comparten esas dos características (actor y director) en común, pues luego algunas no coinciden en la producción ejecutiva del mítico Harry Joe Brown con destino a la productora Ranown de la cual eran propietarios él y Randolph Scott, por lo cual el ciclo –dejando a un margen Westbound, producida por la Warner– también es conocido con el apelativo Ranown.

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En cierta manera, Estación Comanche comparte determinados elementos en común con The Tall T. Vuelve a contar en los créditos con el estupendo guionista Burt Kennedy, y la estructura es similar a la de aquélla. Aquí tenemos a Jefferson Cody (Randolph Scott), un personaje que podría definirse como una versión algo humanizada del Ethan Edwards encarnado por John Wayne en la excepcional Centauros del desierto (The Searchers, 1956), de John Ford. Cody se dedica a rescatar mujeres blancas que averigua están en posesión de los comanches, a las que intercambia por rifles. Acaba de rescatar a Nancy Lowe (Nancy Gates) y se dirige a Lordsburg con ella cuando han de detenerse en Estación Comanche, una parada de postas donde confluyen repentinamente tres hombres perseguidos por los indios. Uno de ellos es el líder, el adusto Ben Lane (magnífico Claude Akins), a quien Cody conoció en el ejército y expulsó, por regodearse en el asesinato de indios inocentes. Lo acompañan dos jóvenes pistoleros, Frank (encarnado por Skip Homeier, que ya aparecía en Los cautivos) y Dobie (Richard Rust); ambos se dedican a delinquir con el fin de no esforzarse en trabajar, y son algo limitados intelectualmente, aunque sus diálogos ofrecen auténticas perlas para el espectador; de hecho, en ese sentido el guion de Kennedy está sembrado.

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Así pues, estos cinco personajes habrán de atravesar territorio comanche, con estos en pie de guerra, para llegar a Lordsburg. El grupo de Lane se desvelará como dedicado a rescatar mujeres secuestradas por los indios con el fin de conseguir la recompensa que por ellas den; por Nancy Lowe, de hecho, su marido ofrece cinco mil dólares, y Lane pretende arrebatárselo a Cody del modo que fuera. El personaje del marido, por cierto, semeja afín al que aparecía en The Tall T, despreocupado por su esposa a tal punto que ofrece una recompensa en lugar de ir él mismo a rescatarla; al final, sin embargo, el guion ofrecerá un espléndido golpe de efecto en ese sentido.

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Rodado en doce días, y con prácticamente solo esos personajes sosteniendo un metraje de 72 minutos, el film expone un itinerario físico que hace evolucionar los personajes, mostrando sus contradicciones, sus pesares y un pasado tortuoso que arrostran. El personaje de Randolph Scott es, probablemente, el más complejo de los que encarnó, y vamos viendo cómo de un modo paulatino adquiere rasgos que lo van humanizando. Y los forajidos exhiben la riqueza habitual de los guiones de Kennedy, con un cruel y pletórico Atkins, que busca el momento de acabar con su compañero, pero que lo salva de los indios: “No disfrutaría de los cinco mil dólares eliminándote de ese modo”.

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Boetticher vuelve a dar muestras de austeridad narrativa, si bien en esta ocasión añade travellings de aproximación a los personajes con el fin de potenciar su individualidad. El reparto funciona excelentemente, y la magnífica fotografía de Charles Lawton Jr. (que ya se encargó de Los cautivos, pero también retrató otros westerns de Randolph Scott, así como títulos de la calidad de Los últimos comanches, Tres horas para vivir, Jubal, El tren de las 3:10, Cowboy, El salario de la violencia o Dos cabalgan juntos, este último con ciertos puntos de contacto con el presente), toda ella rodada en exteriores, aporta al paisaje la dimensión de un personaje más.

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Tras la presente película, Randolph Scott abandonó el cine, pero decidió regresar excepcionalmente a requerimiento de Sam Peckinpah para interpretar la primordial Duelo en la Alta Sierra (Ride the High Country, 1962), director este que sin lugar a dudas debe mucho a Budd Boetticher, así como a otro grande, John Ford. El estremecedor final de Estación Comanche representa una alegoría sobre la propia particularidad del western, donde Randolph Scott simboliza el personaje nómada, desarraigado, que durante unos instantes creyó capturar una esencia de esa civilización a la que ya no pertenece, y cuyo destino es cabalgar de nuevo en solitario, más allá del horizonte.

Carlos Díaz Maroto

Cameo pone a la venta el próximo 20 de febrero en Dvd y Bluray el thriller argentino basado en hechos reales “El ángel”

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El próximo 20 de febrero Cameo pone a la venta en formato Dvd y Bluray el film argentino El ángel (2018) de Luis Ortega, sin duda una de las grandes sensaciones de la pasada temporada del circuito de los festivales. Seleccionada por Argentina para representar al país suramericano en los Oscar dentro de la categoría a Mejor Película de Lengua No Inglesa, está también nominada a la Mejor película Iberoamericana en la próxima edición de los Goya.

Inspirada en la historia real del criminal más famoso de Argentina, El ángel nos traslada al Buenos Aires de comienzos de los setenta para narrarnos la historia de Carlitos,  (impresionante Lorenzo Ferro), un joven de rostro angelical, rizos dorados y cara de niño. Cuando llega a la adolescencia descubre su verdadera vocación: ser un ladrón. En la escuela conoce a Ramón (Chino Darín), hijo de una familia de delincuentes y preparan juntos su próximo golpe. Ahí dará comienzo una vida llena de pasión, robos, mentiras y asesinatos que convertirán a “El Ángel” en el mayor asesino de la historia de Argentina.

Denominada “brutalmente sarcástica” por “ABC” y comparada con Tarantino y Scorsese por “Fotogramas”, la edición en Dvd y Bluray de El ángel comercializada por Cameo incluye la película en su versión original con subtítulos en castellano e inglés, e imagen en su aspect ratio original de 2.39:1 con mejora anamórfica. Se acompañan como extras quince minutos de contenidos, entre los que destaca un making of con entrevistas.

Más información: cameo.es

Published in: on enero 20, 2019 at 8:53 am  Dejar un comentario  

Entrevista a Downey Jordan y Kevin Stewart, responsables de la película de fantasía heroica y terror “The Head”

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Una de las diferentes premieres mundiales que acogió la quincuagésimo primera edición del Festival de Sitges fue el de la película estadounidense The Head (2018). Tras darse a conocer con el díptico de comedias terroríficas ThanksKilling, sobre las andanzas de un pavo asesino llamado Turkie que se dedica a asesinar a incautos durante la festividad de acción de gracias, convertidas en todo un fenómeno de culto en su país de procedencia, el tándem formado por el director y guionista Jordan Downey y el también guionista y operador de fotografía Kevin Stewart regresan con un trabajo radicalmente distinto en planteamiento e intenciones. De concepción minimalista, se trata de un oscuro y tenebroso exponente de espada y brujería, un tanto en la línea de Robert E. Howard, habitado por un único personaje y sin prácticamente diálogos que narra la venganza de un guerrero contra el monstruo que asesinó a su hija.

Horas antes de la puesta de largo de The Head en el cine El Retiro dentro de la sección “Panorama Fantàstic”, tuvimos la oportunidad de charlar con Jordan y Kevin en una entrevista que también contó con la presencia del productor del film, Ricky Fosheim.

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De izda. a dcha.: Ricky Fosheim (productor), Kevin Stewart (director de fotografía y co-guionista) y Jordan Downey (director y co-guionista)

Tras la saga de comedias terroríficas Thankskilling, en The Head cambiáis radicalmente de registro. ¿Cómo surge el proyecto?

Jordan: ¿Por qué el cambio? ¿Por qué cambiar a un tipo de película completamente diferente? Bueno, para ser honesto, Thankskilling es un tipo diferente de película, y The Head se acerca más a lo que siempre quisimos hacer; de lo que yo quería hacer y de lo que Kevin siempre quería hacer. The Head es mucho más, mucho más propia, y es lo que queríamos hacer ahora. Thankskilling (2008) la rodamos cuando teníamos veintiún años y estábamos en la universidad. Era solo una broma, una especie de película de universidad divertida. No hubo nada que provocara que nos alejáramos de lo que siempre habíamos sentido que éramos nosotros. Thankskilling era la anomalía y The Head nos representa más.

¿Ha cambiado mucho la forma de trabajar en The Head con respecto a como lo habías hecho en las dos Thankskilling, que, como dices, estaban hechas entre amigos sin más pretensión que divertiros?

Jordan: Ha sido lo mismo, si te soy honesto. Han cambiado cosas, como la manera en que situábamos las cámaras para hacer los planos, pero la manera de abordarla ha sido la misma. De hecho, creo que en realidad en Thankskilling contamos con más gente en el equipo que en The Head, que ha sido una película muy pequeña. Pero el enfoque es el mismo. La diferencia es que ahora tenemos más oficio, nos hemos vuelto más hábiles y sabemos lo que estamos haciendo un poco más y mejor. Pero por lo demás se trata de lo mismo: hacer la película con nuestras propias manos. Nada ha cambiado.

Al hilo de lo que comentas, The Head es una película construida por medio de su minimalismo, empezando por el hecho de que solo tenga un personaje en pantalla y prácticamente carezca de diálogos. El que optarais por este enfoque ¿se debió a cuestiones presupuestarias o era el estilo que os pedía el modo en el que queríais contar la historia?

Kevin: Es un poco de las dos cosas. El tema del bajo presupuesto era algo que contemplamos desde el principio, y por eso a la hora de plantear la película tuvimos en cuenta ciertas cosas que podíamos utilizar, como el lugar de Portugal del que soy, que fue donde localizamos el rodaje. Pero también nos gustaba mucho la idea de una película con un único personaje y cómo este personaje solitario emprende un viaje de venganza. Realmente nos gustaba enfocarnos en este personaje. Así que fue un poco consecuencia de ambas cosas; por un lado por el presupuesto, pero también porque queríamos enfocarnos en este planteamiento.

Jordan: Había algo en lo que estábamos realmente interesados. Todos fuimos a la escuela juntos y una de las primeras cosas que no enseñaron es que, si haces las películas sin sonido, puedes enfocarte en el lado visual y narrar una historia con imágenes solamente. Y esto ha sido algo con lo que hemos experimentado mucho en nuestros últimos dos cortometrajes, en los que no hemos utilizado apenas sonido, y queríamos probarlo en un formato de largometraje. Así que además del presupuesto limitado también queríamos experimentar con la idea de una película eminentemente visual de este tipo que, además, se puede exportar al resto del mundo. No tiene barreras idiomáticas, por lo que todo el mundo puede entenderla. Cualquier persona puede ver la película y disfrutarla.

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Kevin respondiendo una pregunta del público durante el coloquio que tuvo lugar en el Cine Retiro tras la premiere de “The Head”

Dado que todo el peso de la historia recae en un único personaje, la elección del  actor que lo interpreta se antoja algo fundamental. ¿Cómo llegasteis hasta Christopher Rygh y cómo fue la forma de trabajar con él, teniendo en cuenta que no tiene nadie con el que interactuar a lo largo de la película?

Jordan: Kevin fue el que lo encontró.

Kevin: En realidad fue un trabajo en equipo. Cuando escribimos el guion con este único personaje nos dimos cuenta de que el actor que lo interpretara debía de ser increíble, ya que tenía que llevar todo el peso de la película él solo.

A la hora de hacer el casting comenzamos a rastrear por Internet a través de Google buscando plataformas de actores. Empezamos mirando en diferentes países: Noruega, España… Lo que teníamos claro es que queríamos que el personaje tuviera el aspecto propio de un nórdico, como un vikingo. Comenzamos en Noruega, y la primera imagen que vimos de Chris nos pareció increíble con esa barba. Le enviamos un mensaje de Facebook y le dijimos que íbamos a hacer una película pequeña en Portugal y que queríamos que fuera él la estrella. Anteriormente Chris no había hecho mucha cosa. Había participado en videos musicales y cosas así, pero esta era su primera película. Así que cuando nos contestó, nos dijo que la propuesta le sonaba interesante, por lo que nos pidió que le contáramos un poco más. Le enviamos el guion, le gustó y decidió lanzarse y venir a rodar a Portugal, aunque no nos conocíamos personalmente, ya que, como decimos, el casting lo hicimos a través de un sitio web con una foto. Sin embargo, no hemos podido hacer una mejor elección; su actuación en la película es increíble y lleva todo el peso de la narración muy bien.

Jordan: Hay una historia muy graciosa referente al sitio web donde lo localizamos. Resulta que él estaba cansado de pagar una tarifa mensual a esa plataforma de actores. Estaba harto y había pensado cancelarlo. Tanto es así que cuando lo encontramos fue unas pocas semanas antes de que lo cancelara.

Kevin: Ahora mismo está haciendo una película de temática medieval con Michel Caine y Ben Foster[1]. En adelante va desempeñar papeles bastante buenos. Por ejemplo, va a estar en la nueva temporada de The Last Kingdom (The Last Kingdom; 2015-…). Ves que está subiendo en la profesión y parece increíble que comenzara con nosotros en The Head.

Imagino que el hecho de contar con solo un personaje sería un desafío a la hora de conseguir que la película resultara dinámica…

Jordan: Bueno, más que un desafío nos daba miedo, ya que, si no funcionaba, la película iba a resultar la más aburrida de la historia. Pero una vez que empezamos a ver trabajar a Chris los primeros días de rodaje supimos que iba a ser capaz de llevar toda la película sobre sus espaldas. Teníamos un buen presentimiento.

Recuerdo que la idea era que, al haber un solo un personaje, teníamos que ralentizar todo un poco. Por ejemplo, si nuestro personaje se levantaba del suelo, en una película convencional simplemente se levantaría y cruzaría la habitación… pero en nuestra película debía que tener más historia asociada a cada cosa que hace. Todo movimiento tenía que parecer que dolía y que era más lento de lo habitual. Si tenía que ir del punto A al punto B, tenían que pasar pequeñas cosas entre medias. Un film más grande simplemente lo pasaría por alto y es lo que lo hace interesante la nuestra: es una película con solo un personaje y eso te permite ver aspectos que no salen en otro tipo de películas más tradicionales hechas con más actores. Pero sí, fue un gran desafío.

Al igual que en las dos anteriores películas habéis escrito el guion entre ambos. ¿Os repartís de alguna forma el trabajo a la hora de escribir?

 

Jordan: El proceso empezó exactamente como estamos ahora: sentados y tomando café en una mesa de madera. Y a partir de ahí simplemente fuimos hablando de diferentes ideas, hasta que se  nos ocurrió la idea de este vikingo que tiene un saco con una cabeza dentro, y que hay un elixir mágico que le ayuda a curar sus heridas y que de forma accidental cae en el saco haciendo que la cabeza reviva. Una vez tuvimos la idea central básica de la película, continuamos manteniendo conversaciones de ida y vuelta. Realmente, Ricky tuvo gran influencia en todo este proceso, ya que organizó un taller de escritura, lo que nos ayudó a escribir la mayor parte del guion en una semana, más o menos.

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Kevin, Jordan y Rickie durante la entrevista

Kevin: El guion tenía cuarenta páginas, lo que nos daba bastante miedo,  porque, por lo general, una página de giuon equivale a un minuto en pantalla. Así que cuarenta páginas suponían cuarenta minutos de metraje, y todos sabemos que eso iba a ser bastante corto para un largometraje. No obstante, todo era descripción, no había diálogos, por lo que era bastante denso. Y al final ha terminado funcionando, convirtiéndose en una película de setenta y dos minutos, que es lo que queríamos.

También surgió la idea de que mi madre y mi bisabuela crecieron en un pequeño pueblo de Portugal en el que ahora solo viven tres personas. Creo que solo mi abuela y un par de primos. Mi madre ahora vive en la ciudad, pero es un lugar al que yo solía ir todos los veranos y que me encanta, aunque hacía mucho tiempo que no iba desde que me mudé a los Estados Unidos. Así que les dije a Jordan y Ricky que teníamos que ir a hacer una película allí, ya que es una localización muy hermosa y nos iba a resultar un gran valor de producción, independientemente de lo que hiciéramos. Así que surgió la idea de cómo usar esta ubicación y comenzamos a discutirlo. Lo hablamos mucho de antemano hasta que pudimos amoldarlo a la idea que teníamos y después nos sentamos y acabamos de escribir el guion en el ordenador. Así que lo hicimos juntos, pero no en términos de que cada uno se encargó del cincuenta por ciento.

Jordan: Se me ocurrió la idea un día que vinieron a mi casa, apagamos todas las luces, encendimos un fuego, se sentaron frente a él y allí hice un pitch de la historia. En ese momento vi que todos los que estaban en la habitación sintieron que era algo especial y único.

Kevin: De esto hace ahora como dos años. Era como la manera de contar historias en los viejos tiempos medievales.

Uno de los aspectos que más sobresalen de The Head a juzgar por las imágenes que he podido ver es su atmósfera y sentido estético. ¿Cuáles fueron los principales referentes que manejabais y cómo os las apañasteis para darle un acabado que se antoja muy por encima del que cabría esperar de una película de bajo presupuesto?

Jordan: Quizás la principal referencia que teníamos era En busca del fuego (La guerre du feu, 1981), la película francesa sobre el hombre de las cavernas, porque teníamos muchos puntos en común. También en ella hay muy poco diálogo, todas las escenas utilizan luz natural, y el tipo de fotografía es muy similar. Otra película que tuvimos muy presente fue, por supuesto, La matanza de Texas (The Texas Chain Saw Massacre, 1974) por el lado terrorífico de la película. Aunque el telón de fondo sea de fantasía medieval, era importante que se sintiera como una película de terror. En lo que nunca pensamos fue en que fuera como Juego de tronos (Game of Thrones, 2011-2019) o El señor de los anillos. Necesitábamos sentir que daba miedo. Algo un poco en la línea de Twin Peaks, en el sentido de que es algo surrealista. La historia que narramos no tiene por qué suceder necesariamente en nuestro mundo. No es forzosamente una historia que en verdad existió en la época medieval. Podría haber tenido lugar en otro planeta, incluso en otro momento, o en algún tipo de vórtice temporal. Pero, volviendo a tu pregunta, las películas que te he citado son las principales influencias que tuvimos, que son películas que hemos visto muchas veces, porque siempre estamos viendo muchas películas. Y algo de eso se queda en el subconsciente.

Kevin: Es posible que viendo The Head pueda venir a la mente del espectador Juego de tronos porque es también de ambientación medieval, por supuesto. Además, como director de fotografía que soy de la película, también me influyó en el apartado de la iluminación, como usar antorchas, fuego, etcétera. Nuestra película básicamente usa luz natural o la luz procedente del fuego, y prácticamente no hay nada de luz artificial.  Así que Juego de tronos sí que tuvo influencia en el apartado fotográfico.

Jordan: Realmente no hay muchas películas medievales de terror. Sí que vimos El guerrero número 13 (The 13th Warrior, 1999), que es una película bastante buena. Pero lo hicimos principalmente para asegurarnos de que no estuviéramos copiando nada. Pero, en realidad, hay muy pocas películas de terror medievales en las que poder fijarse.

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Jordan Downey

Vuestras dos anteriores películas fueron distribuidas en Video on Demand. Tras su premier mundial en Sitges, ¿qué camino le espera por delante a The Head?

Jordan: Ahora estamos hablando con una compañía mucho más grande que cualquiera con la que hemos trabajado hasta ahora. Estamos emocionados, especialmente pensando en el mercado internacional, debido al poco diálogo que tiene la película y a que su concepción es muy internacional: nosotros somos de Estados Unidos, ha sido rodada en Portugal, el protagonista es de Noruega, y el equipo es de diferentes partes del mundo. Incluso tenemos una segunda versión de la película en la que el personaje de Chris habla en noruego. Ya veremos qué pasa.

José Luis Salvador Estébenez

Traducción: Tarik Amarouch García

Fotografías: Juan Mari Ripalda

[1] Nota del autor: Se refiere a Medieval, superproducción checa de reparto internacional escrita y dirigida por  Petr Jákl, que aborda la vida del genio militar Jan Zizka, quien en el siglo XIV derrotó a los ejércitos de la Orden de los Caballeros Teutónicos y del Sacro Imperio Romano, siendo todo un símbolo de la identidad nacional de aquel país.

Presentada la programación de la octava edición de CutreCon, que se celebrará entre los próximos 23 y 27 de enero

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En la mañana de ayer, Carlos Palencia, director del certamen, presentó en el Palacio de la Prensa la programación de la octava edición de CutreCon, el Festival Internacional de Cine Cutre de Madrid, que se celebrará entre los próximos 23 y 27 de enero. Este año, el leitmotiv de la edición estará consagrada al “cine más simio”, lo que hará que CutreCon 2018 se llene de cintas protagonizadas por monos, yetis, imitadores de Tarzán, primos deformes de King Kong y otros homínidos, en un descacharrante viaje a los rincones más recónditos de la jungla cinematográfica. “Los monos son sinónimo de diversión, por eso lo tuvimos muy claro a la hora de escoger la temática principal, ya que pretendemos que esta octava edición, la más ambiciosa hasta la fecha, sea la más divertida de la historia de CutreCon”, ha afirmado Palencia.

Durante las cinco jornadas que conforman esta octava edición, Cutrecon proyectará diecinueve películas en sesiones tanto gratuitas como de pago, repartidas en las distintas sedes del festival: el Palacio de la Prensa, la Cineteca de Matadero y el Auditorio del Centro Cultural Casa del Reloj.  Como es típico en el festival, las sesiones permitirán la libre participación y los comentarios del público para no parar de “hacer el mono”. Palencia explica que “CutreCon es una experiencia catártica que cada año gana más seguidores, que saben lo divertido que es disfrutar de una película malísima en compañía”.

Los invitados de esta edición serán Steven E. de Souza, director de Street Fighter: la última batalla; Jeri Barchilon, productora de dicha película; Robert Bronzi, también conocido como el clon húngaro de Charles Bronson; Pedro Temboury, responsable, entre otros, de-Kárate a muerte en Torremolinos, quien recibirá el Premio Jess Franco a toda su carrera; Timon Singh, fundador del Bristol Bad Film Club y autor de Born to be bad, el libro oficial de CutreCon VIII; y Vasni Ramos, director de Apocalipsis Voodoo, película estrella de la pasada edición del festival.

La programación del evento se configura de la siguiente manera:

Miércoles 23

Bronsonfest

CutreCon VIII arrancará el miércoles 23 con “Bronsonfest”, un homenaje a Charles Bronson, el justiciero callejero por antonomasia. Empezará a las 21:30 en el Palacio de la Prensa -Plaza del Callao, 4- con la proyección de Death Wish 3 (1985), estrenada en España como El justiciero de la noche y que está considerada como la mejor y más disparatada entrega de la saga Death Wish. Contará con la asistencia de Robert Bronzi, el clon húngaro de Charles Bronson, quien viene directo de Hollywood para presentar el filme y mostrar algunos avances de sus últimas películas, entre las que destacan Death Kiss (2018), From Hell to the Wild West (2017) o Escape From Death Block 13 (2019), en las que imita a Bronson con exitoso resultado. Las entradas están a la venta en taquilla y en Super8.es por 6 euros.

Jueves 24

street fighter

La inolvidable película protagonizada por Jean Claude Van Damme, Street Fighter: la última batalla, llega a la VIII edición de la CutreCon para conmemorar el veinticinco aniversario de esta adaptación a la gran pantalla del mítico videojuego. Lo hace con la presencia de su director, Steven E. de Souza, y de su productora, Jeri Barchilon. La cinta, protagonizada también por Raul Julia y la estrella del pop Kylie Minogue, recibió pésimas críticas tras su estreno, pero se ha convertido en un título de culto para toda una generación. Tras su pase tendrá lugar un “Videofobia en vivo”, el nuevo nombre del espacio anteriormente como conocido “Cinebasura en directo”, donde Carlos Palencia y Paco Fox, responsables de la webserie Videofobia, comentarán en directo, junto a algunos invitados sorpresa, la película Korean Street Fighter (1993), una desastrosa adaptación animada del famoso videojuego.

Ambas películas se proyectarán en versión original con subtítulos en español en Palacio de la Prensa a partir de las 21 horas y los invitados estarán presentes durante toda la sesión. Asimismo, en el marco de CutreCon, a De Souza, uno de los guionistas imprescindibles del Hollywood de los 80 -suyo es el guión de la legendaria Jungla de cristal (1989)-, se le entregará el premio “Sha-Di-Ah”, galardón que recibirá por su imprescindible aportación al “cine cutre” gracias a Street Fighter: La última batalla.  Entradas disponibles en taquilla y en Super8.es por 10 euros.

Viernes 25

karate a muerte en torremolinos

La jornada del viernes comenzará con una serie de proyecciones gratuitas en el Auditorio del Centro Cultural Casa del Reloj -Paseo de la Chopera 6-10- a partir de las 16:30. Primero se proyectará Carrion Death (1989), uno de los episodios más celebrados de la teleserie Historias de la cripta, escrito y dirigido por Steven E. De Souza. Después, habrá un encuentro “Meet & Greet” con los invitados Steven E. De Souza, Jeri Barchilon, Robert Bronzi, Timon Singh, Pedro Temboury y Vasni Ramos. Le seguirá el estreno español de Death Kiss (2018), con la presencia del actor Robert Bronzi, que imita a Charles Bronson en el filme. Cierra esta sesión de películas gratuitas un homenaje a Pedro Temboury con la proyección de Kárate a muerte en Torremolinos (2003), un título que ensalza sin prejuicios el cine de serie Z, con zombis karatekas, surferos católicos y Jocántaro, un monstruo mitad pulpo, mitad centollo. Las invitaciones para todas estas sesiones se podrán recoger de forma gratuita en el Auditorio del Centro Cultural Casa del Reloj ese mismo día a partir de las 16 horas.

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La jornada culminará con la proyección de America 3000 (1986), un título futurista de la mítica productora Cannon Films, con bárbaras mujeres empoderadas, simios de dos metros y un lenguaje absurdo, que inaugura la recién creada sección “Cutrerion Collection”. Se proyectará en la sesión golfa del Palacio de la Prensa a las 23:59 horas y las entradas se encuentran ya a la venta en taquilla y en Super8.es por 6 euros.

Sábado 26

Como cada año, la habitual maratón de películas “cutres”’ tendrá lugar el sábado. Esta octava edición cuenta con la incorporación de la Cineteca de Matadero Madrid como nueva sede, que se suma al ya tradicional Auditorio del Centro Cultural Casa del Reloj, en un esfuerzo por aumentar el aforo y dar cabida a todas las personas que quieran asistir, tras el éxito de convocatoria de la pasada edición. Se proyectarán seis títulos de forma gratuita, con una programación que va desde las 10:40 horas hasta las 22 horas.

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No faltará la ya típica sesión doble infantil, con la infame copia de Disney La leyenda del Rey León (1994) y la película de ciencia ficción Robot Monster (1953), un conocido fiasco del cine de los años 50, que se proyectará íntegramente en 3D, por lo que se repartirán gafas especiales entre los asistentes para que puedan ver al gorila espacial más famoso del cine en todo su esplendor. En Auditorio del Centro Cultural Casa del Reloj a las 10:40. A las 12:55, también en Casa del Reloj, CutreCon deleitará a los fanáticos de las películas de acción y  serie B/Z de los 80 con Commando Ninja (2018), que llega desde Francia siguiendo la estela de exitosas cintas como Kung Fury (2015) e incluyendo referencias a grandes clásicos del género.

el grandioso hombre de pekín

Ya por la tarde, la maratón se reanudará con la china El grandioso hombre de Pekín (1977), cuya falta de escrúpulos a la hora de copiar la versión de King Kong de 1976,  sus risibles escenas de acción y su vergonzosa historia de amor, harán desternillarse al público (En Casa del Reloj a las 16:30 y en Cineteca a las 14).  Sobra idénticos parámetros se mueve la italiana Yeti, el abominable hombre de las nieves (1977), protagonizada por un histriónico señor melenudo muy metido en el papel, cuyos caretos y aspavientos provocan la risa constante (En Casa del Reloj a las 18:15 y en Cineteca a las 16). Y para culminar la maratón gratuita llega la première española de Suburban Sasquatch (2004), protagonizada por un bigfoot de goma y terciopelo obsesionado con desmembrar a la gente. CutreCon estrena en exclusiva para España esta película, aupada a los altares del cine cutre gracias a los expertos de Red Letter Media y lo hace con el beneplácito de su director, Dave Wascavage (En Casa del Reloj a las 20:10 y en Cineteca a las 18).

Las invitaciones gratuitas para las películas que se proyectarán en el Auditorio del Centro Cultural Casa del Reloj -Paseo de la Chopera, 6-10- podrán recogerse ese mismo día 26 en dicho auditorio a partir de las 10 horas. Por su parte, las invitaciones para las sesiones en Cineteca -Plaza de Legazpi, 8- se podrán retirar ese mismo día y en esa misma sede a partir de las 13 horas.

best f(r)iends

Por último, la sesión golfa del sábado a las 23:59 ofrecerá en el Palacio de la Prensa Best F(r)iends: Volume 1 (2018), en lo que supondrá el estreno español de la nueva película de Tommy Wiseau y Greg Sestero, los protagonistas de una de las peores películas de todos los tiempos, The Room (2003), en la que se inspiró James Franco para rodar The Disaster Artist, film galardonado en 2018 con un Globo de Oro y nominado al Oscar a mejor guión adaptado. Se trata de una surrealista tragicomedia con tintes de misterio basada en hechos reales, que dejará al espectador perplejo y con ganas de más. Las entradas para Best f(r)iends: Volume 1 están a la venta en taquilla del Palacio de la Prensa y en Super8.es por 6 euros.

Domingo 27

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Los documentales vuelven este año a CutreCon con la sesión gratuita “Documentrash”, que empezará a las 10:30 en el Auditorio del Centro Cultural Casa del Reloj con La última película de Jess Franco (2013) de su discípulo Pedro Temboury, y continuará con el estreno europeo de Fuck You All: The Uwe Boll Story (2018) de Sean Patrick Shaul. Las entradas son gratuitas (dos por persona) y podrán retirarse el día 27 en la puerta del auditorio desde las 10 hasta completar aforo.

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Por último, la CutreCon echará el cierre a esta octava edición con la “Kongatón” en la Sala 0 del Palacio de la Prensa, a partir de las 16:00 horas y hasta las 23:45. Se trata de una tronchante maratón compuesta por cuatro películas donde desfilarán más copias de King Kong y los monos menos evolucionados de la historia del cine. Los títulos son: Queen Kong (1976), la versión femenina y feminista del famoso simio; El gorila ataca (1976), apócrifo remake coreano del King Kong de Dino de Laurentiis; La venganza del mono sagrado (2004), una cinta de acción llegada de la India y plagada de efectos especiales dementes: y, por último, El apocalipsis del Planeta de los Simios (1987), un psicotrónico film japonés que no duda en plagiar El planeta de los simios, que en realidad es un remontaje de una serie de televisión bastante chapucera.

Más información:  www.cutrecon.com.

Published in: on enero 17, 2019 at 7:02 am  Dejar un comentario  
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“Distortion”, cortometraje de terror dirigido por Grégory Papinutto

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Distortion es un cortometraje de terror dirigido por Grégory Papinutto. Tras más de diez años realizando películas publicitarias corporativas, este cineasta decidió embarcarse en algunos proyectos personales. Primero, dirigió dos documentales sobre artistas, cuyo éxito en el circuito de festivales le dio la confianza para dirigir Distortion, nacido originalmente como un largometraje. “Este proyecto, aunque ambicioso, es simplemente el cumplimiento de una pasión de toda una vida por el cine de género”, explica Papinutto.

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Sinopsis: En un pueblo pequeño, siete amigos de toda la vida acuden a una fiesta organizada por un tipo en un convento abandonado donde es vigilante nocturno. Cuando Dianne se despierta de la eufórica neblina de la rave, las cosas no están del todo bien. Ahí es cuando todo se sale de control. ¿Tienes lo que se necesita para resistir el alucinante horror de la pesadilla de Dianne?

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“Para crear la atmósfera de Distortion, vi cientos de películas y tomé nota de todas las emociones y sacudidas particulares que impregnan al cine de género de su poder único para cautivar a los espectadores”. Para tal fin tomó la decisión de no utilizar efectos infográficos y hacer maquillajes SFX en la pura tradición de las películas de terror, que le llevaron tres meses de creación y tres horas de maquillaje sobre los actores antes del rodaje. En el mismo sentido, para crear la atmósfera buscada la fotografía buscó la luz de fuentes que vinieran casi todas desde el exterior; con un sesgo de colores brillantes, en contra de la tendencia actual del cine de género, un poco en la tradición del giallo. Y, por último, crear una banda sonora formada por una música que resultara original, moderna y brutal, para lo que contó con uno de los miembros del grupo de música electrónica de vanguardia “Lakker”. Por otra parte, el ingeniero de sonido grabó docenas de sonidos (portazos, chirridos de puertas) durante toda la noche en el plató, que Dara Smith sampleó y mezcló para crear la música.

He aquí el resultado:

Published in: on enero 16, 2019 at 7:11 am  Dejar un comentario  

I frati rossi [tv: La maldición de los templarios]

 

Título original: I frati rossi

Año: 1988 (Italia)

Director: Gianni Martucci

Productor: Pino Buricchi

Guionistas: Pino Buricchi, Gianni Martucci sobre una historia de Luciana Anna Spacca

Fotografía: Sergio Rubini

Música: Paolo Rustichelli

Intérpretes: Gerardo Amato (Robert Gherghi), Lara Wendel (Ramona Icardi), Malisa Longo (Priscilla), Chuck Valenti [acreditado como Richard Brown] (Ben), Claudio Pacifico (Lodorisio, el Lord), Mary Maxwell (Lucille), Gaetano Russo [acreditado como Ronald Russo] (Riccardo Gherghi), Ludovico Della Jojo, Luca Intoppa…

Sinopsis: Una mujer joven contrae matrimonio con un aparentemente encantador hombre y se traslada a vivir con él a su mansión. Allí pronto comienza a alertarse por los secretos que oculta su marido, sus actividades nocturnas y lo que hay en la mazmorra del sótano….

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Hacía finales de los años ochenta, y una vez que el impacto cosechado por sus incursiones en la temática zombi de comienzos de década comenzaba a decaer, Lucio Fulci apadrinó una serie de títulos realizados preferentemente con destino al mercado doméstico, en lo que resultaba una indisimulada maniobra publicitaria. Agrupados bajo el inconfundible epígrafe “Lucio Fulci presentes”, la implicación real del cineasta romano se limitaría en la mayoría de los casos a su acreditación en labores de coproductor o supervisor de efectos especiales. Como contraprestación, y aparte de la consabida compensación económica, el director de El más allá utilizaría poco tiempo después material procedente de estas películas para dar forma al que, en muchos sentidos, significó su testamento cinematográfico: Un gatto nel cervello.

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Siguiendo el carácter exploiter que para aquel entonces se había apoderado del escaso cine de género que aún se confeccionaba en el país con forma de bota, no faltó quien trató de subirse al carro imitando el modus operandi descrito. Fue el caso de I frati rossi, cinta dirigida por Gianni Martucci y distribuida como si de una integrante más de la serie se tratara, lo que provocó que Fulci emprendiera acciones legales contra sus responsables con el objetivo de que su nombre fuera retirado de sus títulos de crédito y demás material propagandístico, alegando su nula implicación en el proyecto. Un extremo confirmado años más tarde por los testimonios de varios de los implicados en la gestación de la cinta en cuestión, caso de su secretaria de montaje, Annamaria Liguori, o de su coprotagonista, Malisa Longo.

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Puestos a aprovechar el nombre de un reputado cineasta trasalpino en su beneficio, quizás lo más consecuente es que, en vista de sus particularidades, los ideólogos de I frati rossi, La maldición de los templarios en su televisivo título español[1], hubieran recurrido a los de Mario Bava, Riccardo Freda o Antonio Margheriti. Y es que, en realidad, el film en cuestión se revela como una anacrónica tentativa de retomar la senda cultivada allá en la primera mitad de los sesenta por la denominada “escuela gótica de terror italiana”. De este modo, su argumento recorre con extrema exhaustividad el catálogo de lugares comunes acuñados por aquel estilo, formando un auténtico compendio en el que se entremezclan castillos depositarios de oscuros secretos, con antiquísimas maldiciones familiares dilatadas a lo largo de los siglos, sacrificios rituales que requieren de la sangre de virgen en combinación con singulares conjunciones astrales, o la presencia de una siniestra ama de llaves.

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No obstante, no es la participación de estos elementos la que otorga por si sola su aludida carta de naturaleza al conjunto. Tal filiación se sustenta en base a la invocación de temas y conceptos tan recurrentes dentro de esta vertiente cinematográfica italiana como la dualidad femenina en su doble representación de transmisora de amor y muerte, la importancia que la sexualidad de sus personajes adquiere con respecto al rol a desempeñar en la historia, o la utilización del escenario como prolongación del alma de los que en él moran, sin olvidar la concurrencia de la prototípica estampa en la que una exuberante joven en vaporoso camisón recorre durante la noche los laberinticos pasillos de una mansión. En este sentido, cabe referir sus similitudes contextuales con dos añejos representantes del estilo, con los que comparte, en primera instancia, el hecho de que sus villanos titulares sean encapuchados vestidos totalmente de rojo: la hoy devenida en cinta de culto Il boia scarlatto de Massimo Pupillo –al igual que en ella, la personalidad de la protagonista es poseída por el espíritu de un anterior habitante del lugar, a lo que hay que añadir la utilización que se hace de las arañas con fines terroríficos-, o la poco conocida La casa della paura de William L. Rose –la presencia de un culto pseudoreligioso consagrado a hacer el mal-, con la que también se hermana por la confusión existente entorno a su auténtica autoría.

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Semejante amalgama de ingredientes es servido a través de un guion confuso, depositario de ingenuidades y contradicciones varias pero, sobre todo, de lo más tramposo en la forma en la que está planteado, y en el que por si fuera poco también hay cabida para cierto ecos giallescos, twist final incluido, que al menos aportan una de las pocas ideas audaces del libreto, al intercambiar durante su desenlace los papeles de víctima y verdugo que parecían asignados desde un principio. Pero mientras que en los films emulados la existencia de estas rémoras eran solventadas por la vía de la estilización, ya fuera visual, narrativa y/o gráfica, tales cualidades brillan aquí por su ausencia, comenzando por un nivel de violencia sorprendentemente bajo para una película, en teoría, avalada por Lucio Fulci, si bien participe de su proverbial misoginia.

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Lejos de la capacidad plástica de la que hicieran gala los ejemplos más representativos del subgénero, I frati rossi exhibe una marcada estética televisiva, a la que contribuye de forma decisiva la plana fotografía de Sergio Rubili, incapaz de crear con su trabajo algo parecido a una atmósfera. Lo mismo ocurre con la funcional y rutinaria realización perpetrada por Martucci, en lo que a la postre se convirtió en su despedida del oficio. El predominio que en su planificación encuentran los planos americanos y los encuadres abiertos, tienen su reflejo en la inexistente sensación de claustrofobia que cabría esperar en una historia de estas características. Y eso, a pesar de que apenas existan escenas ambientadas más allá de los muros del emplazamiento principal, y que las pocas que hay, caso de las ambientadas en las desiertas calles de una población cercana, se desarrollen bajo una total ausencia de figuración, lo que más que un intento encaminado a conseguir un clima de irrealidad, incide en el bajo presupuesto del que dispuso una producción pobre de solemnidad en todos los sentidos.

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Carente pues de cualquier tipo de atractivo, lo que queda es un film apático, arrítmico y poco recomendable, que solo destaca por la autoconsciencia con la que apela a la identidad propia de la escuela gótica italiana, al tiempo que asume su glorioso legado, coincidiendo con una época en la que las virtudes de este tipo de cine comenzaban a ser reivindicadas por una nueva generación de cinéfilos, tras años de marginación y desprecio. Dentro de la mediocridad que preside el conjunto, tan solo una escena merece ser valorada por encima del resto. Se trata, además, del prólogo, y lo es por la perfecta síntesis que plantea sobre la indivisibilidad del eros y tanatos que fuera razón de ser del cine de terror mediterráneo. Ambientada cincuenta años más tarde del grueso del relato, en ella se narra la llegada del nuevo propietario al castillo en el que se focaliza la historia. Mientras se encuentra inspeccionando el lugar, el hombre observa la presencia de una fémina que se pasea desnuda por las estancias de su, en principio, abandonada propiedad. Atraído por su escultural figura, comienza una persecución que culmina en los sótanos, donde finalmente la da alcance. Cuando esto ocurre, la misteriosa presencia gira sobre sí misma como movida por un resorte, decapitando al hombre con la enorme espada que porta entre las manos, sin que en ningún momento se muestre cuál es su rostro.

José Luis Salvador Estébenez

[1] La sola mención en su título de la famosa orden de monjes guerreros, trae a la memoria de un modo inconsciente la Tetralogía Templaria que dedicara a idénticos personajes el gallego Amando de Ossorio. Y lo cierto es que existen ciertas conexiones entre unas y otra, representadas principalmente en la análoga inclusión de un flashback ambientado en la Edad Media, destinado a rememorar los orígenes de sus respectivas sectas heréticas. Casualidad o no, el modo en el que es incorporada dicha escena en la presente se asemeja sospechosamente a como ocurría en la fundacional La noche del terror ciego, cuando dos de sus protagonistas acudan a visitar a un estudioso del tema para que los ilustre al respecto. Si a eso le añadimos que la caracterización del personaje en cuestión guarda evidentes similitudes físicas con Paco Sanz, el actor que diera vida a su homólogo en la cinta de Ossorio, cabe preguntarse si de verdad podemos hablar de simple coincidencias.

Published in: on enero 14, 2019 at 7:18 am  Dejar un comentario  

Teaser trailer de “Johnny Z”, una película de artes marciales y zombis

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Johnny Z es una película de acción y terror que promete “cadáveres reanimados”, seres humanos infectados por virus y la emocionante acción de las artes marciales·. Su protagonista es un ser mitad zombi, mitad humano llamado Johnny, cuya sangre cura la epidemia de zombis que asola al planeta. Después de escapar de Nordac, una prisión médica experimental, Johnny estará bajo las órdenes de un gran maestro de las artes marciales llamado Jonray, quien lo protegerá y lo ayudará a encontrar a un doctor desaparecido mientras lucha contra sus demonios personales.

Escrita por Ron Bonk (She Kills, House Shark) y dirigida por Jonathan Straiton (Night of Something Strange), la cinta está protagonizada por Michael Merchant (House Shark, Night of Something Strange) y el maestro de las artes marciales Felix Cortes (Daredevil y la próxima Wonder Woman 84). En cuanto a sus efectos especiales corren a cargo de Marcus Koch (Todavía estamos aquí, American Guinea Pig Series) y está producida por Michael Kraetzer, Nicolás Onetti, Brie Straiton, Brett Janeski y Ryan Felker.

A modo de curiosidad, se trata de una película bilingüe, en la que los principales actores hablan inglés y español, y que ha sido rodada en Virginia Central. La previsión es que su recorrido por el circuito festivales se inicie en la primavera de este 2019. Para su distribución mundial, Hurricane Bridge Entertainment, su productora, se ha asociado a Black Mandala (Inbred, Los olvidados).

Más información: johnnyzmovie.com

Published in: on enero 13, 2019 at 9:24 am  Dejar un comentario  

Entrevista a Claudio Lattanzi

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Aunque no se encontrara físicamente en el certamen, Michele Soavi fue uno de los grandes protagonistas de la pasada quincuagésimo primera edición del Festival de Sitges. Sobre él versó el tradicional libro monográfico editado con motivo del Festival, que bajo el nombre de Michele Soavi – Cineasta de lo macabro y la coordinación de Diego López efectúa un completo recorrido por su trayectoria de la mano de diversos especialistas, con especial atención a sus largometrajes de temática fantástica. Una obra que, en cierto modo, fue complementada por la première mundial dentro de la sección “Brigadoon” de Aquarius Visionarius (2018), un recomendable documental centrado en su cine dirigido por Claudio Lattanzi.

Antiguo ayudante de dirección de Soavi en sus primeras películas, Lattanzi desarrolló los primeros años de su trayectoria en el seno de la Filmirage de Joe D’Amato, para la que dirigió la que hasta hace poco era su única película como realizador, Killing Birds: Raptors [vd: Killing Birds: Los pájaros asesinos, 1987], además de participar en otros proyectos de la productora. No obstante, llegada la década de los noventa abandonaría la profesión sin que desde entonces se supiera qué había sido de él. Un silencio que ha sido ahora roto con su reentré por medio de la mencionada Aquarius Visionarius, y que va a ser continuada por Everybloody’s End, un film de terror “experimental y autoral”, según sus propias palabras, para el que se ha rodeado de una pléyade de nombres característicos del cine fantástico italiano de las décadas de los setenta y ochenta.

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Gran parte de tu trayectoria durante la segunda mitad de los ochenta está vinculada a la Filmirage de Joe D’Amato. ¿Qué recuerdas de tu etapa en la productora de Aristide Massaccesi?

Tengo una sensación de amor-odio con la Filmirage. Es un amor-odio porque se han dicho muchas cosas que no son exactas sobre mí. Me pasa un poco como a Daria Nicolodi. Cuando la quise entrevistar para un libro que estaba preparando me contestó: “No tengo ninguna gana de hablar de un cine de hace cuarenta años”. Y a mí muchas veces también me ocurre que no me gusta hablar de aquel periodo, a pesar de que lleve a la Filmirage en el corazón. Sin la Filmirage Michele Soavi no habría hecho Aquarius (Deliria, 1987) y yo no habría sido su ayudante, si bien anteriormente ya habíamos trabajado juntos en el documental Il mondo dell’orrore di Dario Argento (1985). Ese fue mi debut como ayudante de dirección. Yo estaba obsesionado con los crímenes de las películas de Dario Argento, Michele me llamó y me propuso ser su asistente.

Los años ochenta es una época que ya no existe. Para el cine italiano fue un tiempo irrepetible. Hoy los pocos films de terror italianos que se hacen son pequeñas producciones independientes que prácticamente no acceden a las salas de cine, ya no digamos salir fuera del país. Incluso el mismo Soavi, a pesar de su nombre, tiene incluso dificultades para proponerse para hacer un film de terror. No existen productores ahora muy dispuestos a este tipo de películas. Ahora mismo tengo un guion en un cajón que es realmente bueno, y no lo digo porque lo haya escrito yo. Es un thriller al estilo de Rojo oscuro (Profondo rosso, 1975). Quizás es demasiado años setenta, pero me gusta mucho. Y no encuentro nada, ni un euro para poder financiarlo. “Traeme una comedia”, me dicen los productores cuando les presento el proyecto. Los thrillers de horror ahora no se venden. Y la Filmirage, con todos los peros que tenía, permitía que se hicieran un montón de films. A bajo coste, sí, pero se hacían un montón de films gracias a la Filmirage.

Con Massaccesi hacías de todo. Yo empecé con él de secretario de montaje y poco a poco fui escalando posiciones en el escalafón. Era una escuela que no existe a día de hoy. Por el contrario, actualmente un muchacho de cualquier lugar del mundo coge una cámara, rueda algo con sus amigos, y ya se considera un cineasta. Y no es así. Para ser un verdadero cineasta tienes que tener un entrenamiento, una humildad y conocer de primera mano cómo se trabaja en el set. No dudo de que de cada cien muchachos salga un genio, por supuesto, pero de esta forma lo encuentro que ocurre un poco al azar.

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Precisamente es en el seno de Filmirage donde ruedas tu primera película como director, Killing Birds: Raptors, la cual fue distribuida en algunos países como si de una entrega de la apócrifa saga Zombie se tratara. ¿Cómo te surgió la oportunidad de dar el salto a la silla de director?

Después de terminar Aquarius y despedirme del resto del equipo me pregunté qué iba a hacer ahora. Yo había escrito un guion de unas veinte páginas que se llamaba “The Obsolete Gate”. Así que llamé a Aristide y le dije que lo leyera. Dos días después me telefoneó y me dijo: “He leído esta mierda. Ven a la oficina y lo hablamos”. Así que fui y me reuní con él. Me dijo: “Puedes hacer este film de terror, ¿pero por qué no le metes algo relacionado con pájaros?” Entonces yo escribí un tratamiento cuyo título era “Artigli” [Garras], que era un embrión de lo que acabaría siendo la historia final, aunque en mi opinión mejor. Porque en el momento de escribir el guion, Daniele Stroppa incluyó varias ideas de Aristide. Finalmente, el rodaje se llevó a cabo en Nueva Orleans junto con una película dirigida por Aristide que se llamaba Top Model [vd: Extraña atracción, 1987].

En este sentido, algunas informaciones mantienen que la película fue también dirigida de forma no acreditada por el propio Joe D’Amato. ¿Qué hay de cierto en ello?

Este es el motivo por el que no me gusta hablar de Killing Birds. Piensa que han pasado muchos años y se ha inflado mucho la historia. Incluso hablando con el especialista Manlio Gomarasca me comentó que había conocido a una persona que decía que el guion de la película era suyo… Volviendo al tema de tu pregunta, Joe D’Amato contaba para entonces con mucha experiencia y estuvo muy presente en el rodaje. Para ser honesto, fue una dirección a cuatro manos. Algunas cosas son directamente mías y en otras D’Amato estuvo muy encima de mí para que no me desviara de lo planeado, ya que el presupuesto era muy bajo. De lo que sí me encargué en solitario fue de la post-producción. No es absolutamente cierto que yo pasara por la Filmirage por casualidad, como se ha llegado a decir. Y es que, como te digo, se ha hinchado mucho la historia, y muchas de las cosas que se han dicho son falsas, lo que ha hecho que me haya hartado de esta historia.

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Sin salirnos de la Filmirage, también se acredita tu participación en varios títulos de la productora. En imdb, por ejemplo, se te cita como ayudante de dirección de Deran Sarafian en Interzone [vd: Interzone, 1987] y de Umberto Lenzi en Ghost House (La casa fantasma) (La casa 3, 1988)…

Yo no estaba en Interzone. No tuve nada que ver en esa película. Sí que recuerdo que estaba Beatrice Ring, que era la mujer de Deran Sarafian. Pero yo no participé en Interzone. Sí que asistí a toda la evolución del proyecto porque estaba en la Filmirage, pero realmente no tuve participación directa. En cuanto a Ghost House de Umberto Lenzi, simplemente hice una consultoría. Me acreditaron como ayudante de dirección, pero no es verdad. Mi participación en realidad fue anecdótica. Estuve quince días de asesoramiento como ayudante de dirección, pero lo hice como un favor.

Lo último que hice fue como ayudante de dirección de Michele fue La secta (La setta, 1991), pero fueron solo diez días porque me peleé con el organizador del film y dejé el set, tras haber estado durante toda la preparación del proyecto. En cualquier caso, mi decepción mayor fue con La casa 4 (Witchcraft) [vd/dvd/bd: Encuentro con la maldad, 1988] para la que escribí el guion y tenía que haberla dirigido yo con Bette Davis como estrella en el papel de la bruja. Sin embargo, ya comenzaba a estar mal, murió poco tiempo después, y al final no pudo contarse con ella. Entonces Daniele Stroppa volvió de nuevo a reescribir mi trabajo, contrataron a una de las protagonistas de Killing Birds y por una serie de cosas acabé saliendo del proyecto. Incluso ni siquiera me llegaron a acreditar como guionista. Pero si por algo me molestó es porque yo rechacé trabajar con Michele para hacer esta película.

Llegada la década de los noventa se te pierde la pista hasta ahora. ¿Qué ocurrió para que abandonaras la profesión durante tan largo periodo de tiempo? ¿Tuvo que ver la desaparición que vivió el cine de terror dentro de la industria italiana por aquellas mismas fechas?

Desaparecí como una pompa de jabón (risas). Pero sí, tuvo que ver con que el cine de terror desapareciera en Italia. Me había hartado de ciertos mecanismos de la industria cinematográfica italiana. En los años noventa el éxito de una película como El último beso (L’ultimo bacio, 2001) de Gabriele Muccino fue una ruina que, en mi opinión, destruyó el cine italiano. Desde entonces solo se hacen films sobre la crisis de los treintañeros, de los cuarentones y de familias que se disgregan. Y el género ha decaído por ello. Esto coincidió con mis ganas de no hacer nada.

Años después volví a empezar y me puse en circulación con algunas producciones en formato televisivo, porque tenía que volver a formarme de algún modo. Cuando yo dejé el cine había moviola y cuando regresé me encontré con que todo se hacía con ordenadores y otros instrumentos distintos a los de mi época. Para mí era un mundo nuevo. Así que me puse a reciclarme. Paralelamente, en 2006 conseguí financiación estatal para rodar un cortometraje, y ahí empecé realmente de nuevo.

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Y ahora presentas Aquarius Visionarius, en el que repasas la trayectoria de Michele Soavi. ¿Qué te empuja a hacer un documental sobre un director con el que has estado tan estrechamente ligado profesionalmente hablando? 

El documental sobre Soavi llevaba queriendo hacerlo desde hace años. Pero Michele siempre se negaba, porque pensaba que si yo hacía un documental sobre él significaba que su carrera estaba muriendo. En otras palabras: se lo tomaba como si fuera un homenaje de final de carrera. Para mí es uno de los autores más completos del cine italiano, porque ha hecho de todo. Ha hecho terror, thrillers, comedias, películas policiacas… Y coincidió que le quería entrevistar para el libro sobre el cine de género que estaba haciendo a base de encuentros y me faltaba la suya. Para entonces, hacía siete u ocho años que no nos veíamos. Le llamé, me citó para la siguiente entrevista y cuando finalmente llegó el momento me concedió una entrevista maravillosa. Entonces le volví a plantear mi idea de hacer un documental sobre él, pero se volvió a negar. Así que nos despedimos hasta la próxima. Sin embargo, esa misma tarde me llamó. Me contó que había estado pensando en mi idea y que había cambiado de opinión. “Haz el documental”, me dijo. Así que hice las entrevistas y busqué una productora que aceptara el proyecto.

Ha sido un trabajo muy duro que me ha llevado dos años, aunque, en realidad, durante un año ha estado completamente parado. En un principio el documental tenía que haberse estrenado en el Festival de Sitges del año pasado. Pero como Michele no podía venir lo dejamos con la idea de presentarlo en la siguiente edición, ya que teníamos una especie de exclusiva para estrenarla en el Festival. Así que, aunque me lo habían pedido de otros certámenes, no lo podía proyectar en otros sitios hasta que no se viera primero en Sitges. Y en todo este tiempo el documental quedó aparcado, si bien para ese momento yo ya tenía una especie de copia. Yo estaba abatido, porque lo que quería era poder estrenarlo ya.

Cuando este año se volvieron a poner en contacto desde el Festival, Michele me dijo que, aunque él tampoco iba a poder ir, quería que lo hiciera yo. Así que pregunté a Diego López, el responsable de “Brigadoon”, de cuánto tiempo disponía para entregarle la copia final del documental y la fecha tope que me puso fue el 24 de septiembre. Aunque estábamos a la mitad de agosto, pensé que podíamos llegar. Llamé entonces al laboratorio, les metí presión, nos pusimos a trabajar varias horas al día y lo conseguimos finalizar para la fecha prevista.

Creo que es el primer y único documental que existe sobre Michele en todo el mundo. No hay ningún otro. Es un poco como lo que ocurrió con Il mondo dell’orrore di Dario Argento, que en su momento fue el primero que existió sobre el cine de Dario, aunque después se hayan hecho otros. En cualquier caso, mi intención es que se convierta en el documental de referencia sobre Soavi. Ha sido un trabajo muy estimulante de hacer. Me ha gustado y espero que se perciba mi amor por el cine de Michele. Además, me ha permitido conocerle a trescientos sesenta grados.

Y dado que lo conoces tan bien, ¿a qué crees que se debe que tras Mi novia es un zombie (Dellamorte Dellamore, 1994) no haya vuelto a dirigir ninguna película de terror? No solo eso, sino que desde entonces la mayoría de su carrera se ha desarrollado casi en exclusiva dentro del medio televisivo…

Ni siquiera lo sé yo. La televisión creo que puede ser un factor; hacer cine es un salto al vacío. Lo único cierto es que tras Mi novia es un zombie estuvo cuatro o cinco años sin hacer nada, y cuando volvió lo hizo trabajando para la televisión. Creo que tiene, no diré que miedo, pero sí una especie de presión que no puedo explicar. No obstante, su último film, La befana vien di notte (2018), sí tiene un toque fantástico. Y, por ejemplo, su anterior Arrivederci amore, ciao (2006), es un film muy bueno, crudo, un noir italiano excelente que, sin embargo, no tuvo éxito. Pero una película de terror propiamente dicho es cierto que no ha hecho. Pienso que también puede tener que ver que hacer una película de terror de un director como él necesita de un presupuesto alto. Necesita rodar con al menos dos millones de euros, ¿y qué productor actual en Italia está dispuesto a invertir ese dinero para hacer un film de terror?

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Volviendo a tu trabajo, creo que te encuentras ultimando la post-producción del que va a significar tu retorno al cine de ficción, más de treinta años después de Killing Birds: Los pájaros asesinos. ¿Qué nos puedes contar de la película?

El título, Everybloody’s End, es un juego de palabras que en italiano quiere decir “La sangre de cada uno finalizará”. Una cosa apocalíptica. He tratado de reunir en ella a un montón de personas relacionadas con el cine fantástico italiano de las décadas de los setenta y ochenta. Para empezar, el guion me lo ha escrito Antonio Tentori, guionista de films como Un gatto nel cervello (1990) o Drácula 3D/Dracula 3D (2012), además de ensayista de películas de género. Y como actores tengo a Giovanni Lombardo Radice y Cintia Monreale, que trabajó en El más allá (L’aldila, 1981) de Lucio Fulci o Demencia (Buio Omega, 1979) de Joe D’Amato. Después, Sergio Stivaletti me ha hecho los efectos especiales y ahora estoy buscando a Claudio Simonetti para que se encargue de la música. ¡Ah, y entre los actores también está Marina Loy! Me mata si no la cito (risas).

Es un film muy experimental. También de autor. Es una película de terror muy extraña. La he rodado en muy poco tiempo, tres semanas y media. Eso ha hecho que fuera un tour de force. Grabábamos desde las ocho y media de la mañana hasta las once de la noche, para que te hagas una idea. En estas condiciones, debo reconocer que los actores han sido muy buenos. Ahora mismo ya está terminada. De momento tengo un premontaje. No es muy larga. Así mejor, porque no da tiempo a que la gente se aburra (risas). Es muy fuerte, aunque paradójicamente no haya mucha sangre. Al principio sí que tenía pensado en hacer algo muy violento, pero según iba avanzando la película vi que no hacía falta. Así que al final ha quedado un film de terror de autor, a pesar de que su historia es la del habitual enfrentamiento entre el bien y el mal. Me gustaría que la trajeran al Festival de Sitges el próximo año.

José Luis Salvador Estébenez

Traducción: Joaquín Torán

Fotografías: Enorm

Published in: on enero 11, 2019 at 9:03 am  Dejar un comentario  
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Bride of the Gorilla [dvd: La novia del gorila]

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Título original: Bride of the Gorilla

Año: 1951 (Estados Unidos)

Director: Curt Siodmak

Productores: Jack Broder, Herman Cohen

Guionista: Curt Siodmak

Fotografía: Charles Van Enger

Música: Raoul Kraushaar, Mort Glickman

Intérpretes: Barbara Payton (Dina Van Gelder), Lon Chaney Jr. (Taro, el comisario), Raymond Burr (Barney Chávez), Tom Conway (doctor Viet), Paul Cavanagh (Klaas Van Gelder), Woody Strode (Nedo, el policía), Gisela Werbisek, Carol Varga, Paul axey, Martín Garrilaga, Felippa Rock, Moyna MacGill, Steve Calvert

Sinopsis: El capataz de una plantación en el interior de la selva del Amazonas mata a su jefe para quedarse con su atractiva esposa. Sin embargo, una anciana nativa es testigo del crimen y le echa una maldición, transformándole por la noche en un gorila…

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Cuando, en 1941, Curt Siodmak escribió el guion de El hombre lobo (The Wolf Man), de George Waggner, ofreció una versión primitiva, de título Destiny, que no mostraba al licántropo, jugándose con la ambigüedad de un desdoblamiento esquizoide, y haciendo uso de la idea de si era real la conversión en lobo o no; sin embargo, la Universal exigió exhibir al monstruo, y el escritor hubo de variar el enfoque. Justo diez años después, Siodmak debuta en la dirección con Bride of the Gorilla, donde también es responsable del guion, y nuevamente adopta aquella fórmula originaria; es decir, aquí es Raymond Burr quien sufrirá la tortura de la conversión, no en un lobo, sino en un gorila. Pero, al igual que en la previa, los productores le instaron a exhibir a la criatura. Sin embargo, en esta ocasión, la traslación a la pantalla está realizada de una forma más ambigua, y durante gran parte del metraje existe la duda de si la conversión es real, motivada por la maldición de la hechicera, o está solo en la mente de su víctima, debilitada física y emocionalmente por medio de los remordimientos y el veneno que aquélla le hace ingerir.

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De hecho, Siodmak utiliza una muy inteligente forma de exhibir al monstruo. Solo lo vemos por medio de reflejos –en el agua, en un espejo– o únicamente sus manos, donde la cámara adopta el punto de vista subjetivo del propietario de las mismas. Es una lástima que esta planificación sea violada en un único plano, el tópico del gorila transportando a la rubia desmayada en brazos. Sin ese plano de tres o cuatro segundos, la película, en su integridad, hubiera sido una muestra de la sugerente ambigüedad del fantástico, y donde lo irreal está en el punto de vista antes que en lo que se narra.

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El resultado es una película simpática y entretenida, con unos diálogos más trabajados de lo normal en este tipo de cine, y con una idea interesante bien plasmada visualmente: véanse los momentos iniciales, con un tratamiento de sombras que retrotrae nada menos que a Perdición (Double Indemnity, 1944), de Billy Wilder), y con buenas interpretaciones, en especial del referido Raymond Burr, que muestra con convicción la tortura interna que sufre su personaje.

Carlos Díaz Maroto

Published in: on enero 10, 2019 at 6:55 am  Dejar un comentario  
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Entrevista a Octavio López sobre su nuevo libro “Las noches de Halloween”

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Muchos conocimos a Octavio López Sanjuán hace ya unos años, cuando publicó su excelente libro A quién vas a llamar (Tyrannosaurus Books, 2015,) un completo estudio de más de seiscientas páginas sobre todo lo relacionado con Los cazafantasmas. Poco después, ya con un nombre hecho en el fandom, demostró que aquello no fue lo que se dice comúnmente flor de un día: su ensayo Cinezoico: el dinosaurio a través de la historia del cine (Rosetta, 2017) era un acertado recorrido por infinidad de cintas protagonizadas por saurios que dejaba claro el talento de su autor.

Ahora, López regresa con un nuevo trabajo, esta vez sobre una de las sagas más importantes y conocidas por los aficionados al cine de terror, Halloween y su carismático protagonista, el asesino en serie Michael Myers. Editado por Applehead Team, y bajo el título de Noches de Halloween, el libro repasa todos los filmes de la franquicia, dejando espacio a otros capítulos como el paso de Myers por cómics y videojuegos, o numerosas entrevistas a personalidades que trabajaron en algunos de los títulos, caso de los realizadores Rick Rosenthal, Dwight H. Little o Tommy Lee Wallace, el músico Alan Howarth, o actores como Tyler Mane o Brad Loree, sin olvidar el prólogo escrito por la intérprete PJ Soles (Lynda en la primera entrega) o una conversación con el mismísimo John Carpenter, alma máter de la saga.

Para conocer más los detalles de la publicación, hemos entrevistado a Octavio López, para que él mismo nos cuente los entresijos de su obra.

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Antes de centrarnos en tu nuevo libro, retrocedamos unos años y hablemos de tus inicios en el campo de la escritura. ¿Qué te llevó a querer realizar ibros sobre cine? ¿Has sido cinéfilo desde niño?

La decisión de escribir sobre cine surgió casi por casualidad, la verdad. Y por dos vías diferentes. En primer lugar, fue Marc Gras quien me propuso escribir un libro sobre Cazafantasmas, cuando le dije que me encantaría comprar un libro sobre esa franquicia. Me comentó que si me atrevía, lo publicarían en Tyrannosaurus Books, la editorial catalana ya desaparecida. Y por otro lado, Luis Miguel Rosales, de Scifiworld, me preguntó si me apetecería escribir un artículo sobre Godzilla (y que luego se convirtió en la sección mensual de “Monsterland”) para publicar en la revista, una vez que le pregunté acerca de enviarle una entrevista a Jonathan Bellés sobre el documental que estaba realizando acerca del monstruo.

Ese fue el comienzo de todo. Comencé a escribir sobre esos temas, y encontré que disfrutaba muchísimo indagando sobre los iconos que siempre me han llamado la atención, contactando con los artistas, preparando y haciendo las entrevistas… En definitiva, expresando en las páginas el entusiasmo que me produce ver en pantalla esos personajes, mundos e historias que desde niño han captado mi interés. El cine siempre me ha llamado la atención, desde bien pequeño como preguntas. La magia, la sinergia que se produce cuando todos los elementos convergen (montaje, música, interpretaciones) me parece sensacional y siempre me ha atrapado.

En tus trabajos has hablado de Cazafantasmas, dinosaurios, has coordinado estudios sobre Godzilla… ¿Qué tiene que tener una película o una saga para que te apetezca dedicarle unos años de tu vida a escribir y compartirlo con los lectores?

Aparte del cariño que les tengo a las correspondientes sagas o películas, un poco de desapego a la realidad. Cuando pienso en un proyecto para llevar a cabo, siempre me digo que va a ser muy fácil y muy rápido. Pienso “esto en unos pocos meses lo tengo listo”. Claro que, cuando me pongo a ello realmente, las cosas empiezan a aflorar como realmente son y el período pensado en inicio se dilata bastante. Los quehaceres de la vida, imprevistos en las entrevistas, o la participación en otras colaboraciones provocan que se expanda el tiempo de meses a años. Ya me he hecho a la idea de ese contraste, pero siempre me engaño a mi mismo al principio pensando que va a ser coser y cantar.

¿Te atreverías a nombrar algunos de tus filmes favoritos, para así conocer un poco más tus gustos cinéfilos?

Mi película favorita es Forrest Gump. Todo me parece fabuloso en esa película. Aunque opino que la mejor película de la historia es 2001: una odisea en el espacio. Me parece pura poesía cinematográfica. Después, creo que Los Cazafantasmas, Regreso al futuro, El golpe, Tiburón, Drive, La soga, La tienda de los horrores, El bueno, el feo y el malo y Cinema Paradiso las escogería como mi núcleo predilecto.

Y si hablamos de ensayos cinematográficos, ¿sientes predilección por algunos títulos concretos?

Hay muchos que me han llamado la atención. Me gustó mucho lo que leí de Joe Dante, en los límites de la realidad (aunque no he terminado de leerlo); Sesión sangrienta de Jason Zinoman me pareció brutal, y los que editó Tyrannosaurus Books sobre los directores Fulci, Jackson y Coscarelli (con el que voy por la mitad) me parecieron geniales. También editó Tyrannosaurus unas duplas sobre Dark Star y El regreso de los muertos vivientes, y sobre La residencia y ¿Quién puede matar a un niño?, que me encantaron. Y los que ha dedicado el escritor australiano Lee Gambin a Aullidos y Cujo son estupendos. Por otro lado, me gustaría adquirir y leer ensayos en castellano sobre Robocop, Noche de miedo o La mosca (las clásicas y las de los ochenta), por citar algunos ejemplos.

Si observamos tus tres libros publicados hasta la fecha, puede detectarse cierto aprecio por tu parte por el cine de fantasía, aventuras, sobrenatural… ¿Pretendes seguir en esta línea?

Aunque guardo un poco de tiempo para algún proyecto no relacionado directamente con el fantástico, esa es mi idea, si. Sin duda el cine fantástico es el que más me motiva e ilusiona, y en esa línea pretendo continuar. De hecho, entre los siguientes proyectos estará otro títulos de la colección “Noche de lobos” versado en la saga de Estoy vivo, los bebés mutantes de Larry Cohen.

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Acabas de publicar Noches de Halloween en el que te centras en las películas protagonizadas por el sanguinario Michael Myers. ¿La saga te ha interesado desde siempre?

Para ser fiel a mi mismo, la primera vez que vi una película de la saga en el cine me dejó un tanto indiferente. Eran los tiempos en que Scream, vigila quien llama se había convertido en un éxito también en nuestro país y llegó de esa manera Halloween: la maldición de Michael Myers. Tendría unos quince años. Puesto que la película es como es, no me enteré de casi nada. Si que recuerdo que me llamó la atención por un lado la fotografía de algunas escenas, y también el personaje de Michael Myers. Creo que muy poco después emitieron la original de John Carpenter en televisión, y fue ahí, al descubrir la semilla de la historia, esa elegante obra maestra de 1978, cuando mi interés por el personaje aumentó, y comencé a buscar las películas de la saga en video clubs y tiendas de venta online.

¿Ya habías visto todos los títulos de la saga antes de iniciar la escritura del libro, o has descubierto algún título durante el camino?

Las versiones cinematográficas las había visto todas, varias veces. He visto por primera vez para el libro los montajes del director de Rob Zombie para sus dos entregas, que me gustaron mucho por su ampliación útil de la historia, y también la versión televisiva de ¡Sanguinario!, un montaje totalmente diferente al estrenado en cines. Por lo demás, para la investigación me ha encantado descubrir una pequeña joya como es El hombre de mimbre o maravillarme de nuevo con Psicosis. Es increíble lo genial que era Hitchcock y lo afinada que está esa película, y lo hábil que fue John Carpenter para rendirle ese homenaje espiritual que es La noche de Halloween.

¿Y qué títulos consideras los mejores? ¿ Y los más errados?

La noche de Halloween original me parece sensacional en su aparente sencillez. Tiene una potencia increíble, y una fotografía de Dean Cundey encomiable, clave para el posterior desarrollo estilístico del cine de los ochenta. Halloween III: el día de la bruja me parece muy interesante por su singularidad, su ritmo hipnótico y el desasosiego general. Halloween 4: el regreso de Michael Myers tiene un aura que siempre me ha encantado, y un final espectacular. Después, las dos entregas de Rob Zombie me parecen muy acertadas a la hora de plasmar una dirección totalmente diferente del personaje de Michael Myers, y mostrar algo nuevo de la franquicia. Llenas de matices ingeniosos, y con una naturaleza malsana incómoda y contagiosa.

En cuanto a las menos destacables, creo que Halloween 5: la venganza de Michael Myers, y especialmente Halloween: Resurrection, ocupan ese lugar. La quinta tiene buenas ideas, pero que hubieran necesitado de un más extenso y mejor desarrollo, y la octava está demasiado desenfocada en mi opinión. No queda claro si es una comedia sobre Michael Myers o un slasher tipo Gran hermano, y su fuerza se evapora por muchos poros. Aunque, como siempre digo, todas tienen elementos de interés, como una fotografía espectacular en el primer caso o un interesante Michael Myers en el segundo.

El libro, editado por Applehead, forma parte de su colección “Noche de Lobos”. Pero, ¿el ensayo es un encargo por parte de la editorial? ¿O por el contrario tu acudiste a sus oficinas con el proyecto y ellos lo han encajado dentro de la colección?

La idea del libro se me ocurrió a mi. Presenté entonces el proyecto a Applehead, y me contestaron que estaban muy interesados en él, y que podría encajar muy bien en una colección que estaban preparando sobre iconos del terror, lo que me pareció fantástico. De hecho, a raíz de eso les comenté también que estaba preparando otro texto sobre la trilogía de los vivos de Larry Cohen, y que tal vez podría formar parte de esa colección, y también les pareció buena idea.

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La franquicia se inició a finales de los años setenta con la obra maestra La noche de Halloween de John Carpenter, a la que le han seguido diferentes secuelas, los reinicios de Rob Zombie y un remake estrenado en 2018. ¿Qué crees que tiene la saga para que siga interesando cuatro décadas después de su nacimiento?

Principalmente creo que es la figura de Michael Myers. Hay mucho magnetismo en su estampa, en su manera de moverse. Cuando en una secuencia lo vemos caminar junto a su tema musical, se produce algo mágico que estimula a los espectadores de todo el mundo. Laurie Strode (Jamie Lee Curtis) y el Dr. Loomis son piezas fundamentales en la ecuación, qué duda cabe, pero creo que por sí mismo el personaje de ese psicópata inquebrantable, que parece una máquina infernal, con su efigie blanquecina e indescifrable, agita algo en nuestro interior. Como Godzilla, James Bond o iconos similares del cine, creo que nunca morirá, y Michael Myers resurgirá una y otra vez, levantándose como en esa famosa escena del filme de 1978.

A título personal, en algunas conversaciones he encontrado gente de unos veinte, veinticinco años, que al acercarse ahora a la primera entrega de Carpenter acaban decepcionados

Creo que puede entenderse si tenemos en cuenta que ha habido una escalada brutal en los últimos cuarenta años en el cine de terror. La elegancia y el ritmo tranquilo del filme de Carpenter quedaron muy rápido atrás con el boom del slasher que se produjo a finales de los setenta y principios de los ochenta. De hecho, la segunda parte, ¡Sanguinario!, ya tuvo que echar mano de recursos más violentos para satisfacer las ansias del público sólo tres años después de la primera película. El propio terror ha ido evolucionando en este sentido.

Además, contando que muchas de las imitadoras tomaron como base el filme de Carpenter para después imitar hasta la saciedad la fórmula, extremando sus características, al acercarse ahora a la película original, puede dar la sensación de no ser tan impactante o tan renovadora. Ha sido utilizada demasiadas veces como papel de celofán, podríamos decir, y sus valores pueden parecer que se han desgastado. En mi opinión, sigo pensando que aún pareciendo que ya no tenga esa fuerza, lo cierto es que cuando la saga se queda sin rumbo, siempre se recurre al filme seminal para continuar avanzando. Así fue con Halloween H20: 20 años después, con el remake o con la última de 2018. Por eso, creo que hay algo inimitable, un código esencial, que sigue habitando en el metraje de esa película.

Y si nos centrásemos en John Carpenter, ¿qué títulos de su filmografía serían los más apreciados por ti?

Complicada pregunta. Creo que Asalto a la comisaría del distrito 13 me gusta mucho por su visceralidad. De 1997: rescate en Nueva York me encanta la atmósfera y el personaje de Plissken. Golpe en la pequeña China me parece un título visionario en cuanto al cine fantástico y de acción, y La cosa me parece perfecta. Y de Están vivos me flipa la historia. Esas serían mis favoritas.

¿Y qué opinas, en general, de esa fijación por parte de Hollywood de recuperar a villanos de décadas pretéritas como Freddy Krueger, Cara de Cuero, Jason o Chucky, realizando nuevas versiones o re-interpretaciones?

Los personajes icónicos del cine de terror tienen mucha fuerza, y también el cariño de los entusiastas del cine de terror. Recuperarlos siempre garantiza cierta asistencia al cine. No estoy en contra de los remakes, secuelas ni nuevas aportaciones a cada universo. Al contrario, me encanta descubrir cómo se las habrán ingeniado los cineastas para darle un nuevo punto de vista a cada nueva entrega. En este sentido, me encanta lo que hizo Zombie con sus dos entregas de Halloween. Pero es muy difícil tener libertad artística en estos tiempos —-eso fue lo que consiguió Carpenter en el primer filme de 1978— y ofrecer relecturas de interés. Por ello, lo habitual suele ser que asistamos a nuevas visiones lánguidas, o lejos de las pretensiones que tenemos para ellas. Así, tenemos la sensación fundada que los buenos tiempos para la mayoría de ellos han pasado.

En cualquier caso, esa corriente no deja de demostrar la fuerza que siguen manteniendo los personajes, aún habiendo pasado décadas de su nacimiento. Y los productores lo saben. Saben que nos encantan esos personajes y volver a sentirnos como espectadores de los ochenta. En resumen, hacer caja gracias a la nostalgia. Repito, a mi no me importa, pero siempre que tengan un mínimo de interés.

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Volviendo a tu nuevo libro, es de destacar el apartado que le has dedicado a las entrevistas, habiendo podido contactar con realizadores, intérpretes, compositores, editores, incluyendo a John Carpenter. Entiendo que ha sido una hazaña complicada

Siempre lo es, y supone una pequeña aventura localizar a los agentes, enviarles la propuesta, que acepten, preparar la entrevista, y luego esperar la contestación. Pero personalmente supone toda una experiencia única poder hablar de las películas que a uno le han entusiasmado con los propios artífices de ellas, recoger sus testimonios y plasmarlos en las páginas de un libro. Creo que cuando se consigue, se borra de un plumazo cualquier eventualidad o dificultad.

En Noches de Halloween, mi idea inicial era entrevistar sólo a los directores de la saga. Pero claro, luego me lío y empiezo a pensar: “Tal vez no tenga otra oportunidad de lanzar un libro sobre Halloween, y estoy seguro que Nick Castle, James Jude Courtney, John Ottman, Michael Jacobs o Glenn Garland —por citar solo unos pocos de los entrevistados— pueden aportar historias atractivas”. Y eso me empuja de cierta manera a liarme la manta a la cabeza y ampliar el abanico de entrevistados. El beneficiado de todo esto, sin duda creo que es el lector de Noches de Halloween, que puede encontrar un calidoscopio brutal sobre la saga gracias a todos estos testimonios.

Y aunque el trabajo es excelente y muy completo, ¿has echado en falta algún nombre? ¿O alguien que por algún motivo no haya podido/querido participar? ¿Quizá Rob Zombie o Jamie Lee Curtis…?

Claro, me hubiera encantado contar con los que no podido entrevistar, como los que citas, o Steve Miner, David Gordon Green o Joe Chappelle, que hubieran completado ese abanico de declaraciones de los directores. Pero uno debe ser realista y comprender que siempre hay un tanto por ciento de personas que, por el motivo que sea, no va a ser posible conseguir su implicación. En mi descargo he de decir que pude hacerles llegar la propuesta a todos ellos.

Y ya finalizando, ¿tienes ya en mente un nuevo libro?

Si, tengo varios. Además de uno sobre Godzilla y su relación con la bomba atómica, que lanzaremos mi amigo Jonathan Bellés y yo, como he comentado dentro de un tiempo saldrá una nueva entrega de “Noche de lobos”, en esta ocasión sobre los bebés mutantes de Larry Cohen. Y más cosillas que tengo en mente que aún están en una fase muy embrionaria…

Muchas gracias por tu tiempo Octavio, si quieres añadir algo más

Añadiría únicamente dos cosas. Si os gusta la saga, no creo que os decepcione Noches de Halloween. Creo que sólo por las manifestaciones de los artistas ya vale la pena. Y en segundo lugar, enhorabuena Javier por la entrevista. Las preguntas me han parecido muy adecuadas, hilvanadas a la perfección, y se percibe la investigación que has llevado a cabo para prepararlas.

Javier Pueyo

Fotografías: Laura Sanjuán

Published in: on enero 8, 2019 at 6:59 am  Dejar un comentario  
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