Cine-bis – Cine de género alrededor del mundo – nº3

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Título: Cine-bis – Cine de género alrededor del mundo – nº3

Autores: Javier G. Romero, Adrián Sánchez, Davide Pulici, Anita Haas, Carlos Aguilar, Juan Andrés Pedrero Santos, Ramón Freixas, Joan Bassa

Editorial: Quatermass

Datos técnicos: 120 páginas (Bilbao, noviembre 2014)

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Disponible desde finales del pasado mes de noviembre (y ya camino de su 2ª edición), esta tercera entrega de la ya imprescindible cabecera dirigida, diseñada y maquetada por el todoterreno Javier G. Romero confirma con absoluta rotundidad lo que viene siendo de hecho una incuestionable realidad desde su primer número: tanto por la insuperable nómina de colaboradores con la que su director ha sabido rodearse, como por la originalidad en la selección de temas y figuras tratadas, Cine-bis puede enorgullecerse no sólo de ser la mejor, si no, también, una de las más singulares revistas consagradas al medio cinematográfico en nuestro país, al combinar con una efectividad pasmosa – y prácticamente inédita por estos lares – la audacia en los contenidos y la libertad de acción propias de un fanzine con el impecable acabado formal característico de publicaciones más “profesionales” y consolidadas; aunque viniendo de la mano de los experimentados y talentosos creadores de la merecidamente legendaria Quatermass tampoco es que los señalados atributos deban sorprendernos tanto.

Obviamente, todas estas cualidades servirían de muy poco si se hallaran  destinadas exclusivamente a la ocultación de las carencias de unos textos que no estuvieran a la altura de tan brillante envoltorio: de este modo, y por fortuna, aparte de la elevadísima calidad de todos y cada uno de sus artículos y/o entrevistas (calidad que a estas alturas ya se les presupone, sobre todo si tenemos en cuenta los distinguidos nombres que forman parte de la rotatoria plantilla de autores), quizás lo más sorprendente del hecho de aproximarse por vez primera a Cine-bis sea constatar como, y a pesar de la disparidad de criterios y maneras de afrontar la crítica de cada uno de sus colaboradores, se ha logrado desde el comienzo de su aún breve singladura editorial erigir y mantener una admirable solidez en su estilo, gracias a una serie de elementos unificadores que son los que realmente han conseguido que esta publicación sea, ya desde su nacimiento, un producto con una personalidad propia, atractiva y, sobre todo, tremendamente compacta y coherente.

Logro éste más meritorio si cabe si además tenemos presente la brutal diversidad en lo que respecta a géneros, épocas y situación geográfica de los films sometidos a análisis hasta la fecha; de este modo, y ya vengan firmados por el agudo Adrián Esbilla, por el primordial y siempre impecable Carlos Aguilar, o por los barrocamente geniales Joan Bassa y Ramón Freixas – por citar tan sólo a algunos –, todos y cada uno de los trabajos presentes en Cine-bis, sin excepción, cuentan con el denominador común de la rigurosidad y la amenidad, sin verse en ningún caso contaminados por la pretenciosidad o la insustancialidad (cuando no directamente la falta de información) tan conocidas – y sufridas – por el estoico lector cinéfilo de este país, y desgraciadamente mucho más comunes de lo que cabria desear en gran parte de los fanzines, revistas y libros que se ocupan de la materia en España.

Centrándonos en los contenidos de este extraordinario tercer número, y haciendo una vez más honor a su lema cine de género alrededor del mundo(con especial inclinación hacia el manufacturado en las décadas de los 50, 60 y 70), podemos encontrarnos con un sumario tan variado y apetecible como ya comienza a ser gozosa costumbre. Si en los anteriores números se daba preponderancia ya desde su portada a la blaxploitation o al western crepúscular, en esta ocasión le toca el turno al thriller coreano, en la primera parte de un bastante extenso ensayo escrito por Adrián Esbilla en el que, con la habitual precisión de cirujano del autor de La historia del cine australiano, se detallan con una acertada mezcla de crítica y cronología histórica las constantes y principales características, así como los títulos más destacados, relativos al cine negro realizado en el país oriental desde el nacimiento de su cinematografía hasta el boom de los 2000, y que de igual modo tendrá continuidad hasta nuestros días en la segunda parte del estudio que se publicará en el siguiente número.

De Corea pasamos a Italia con otro excelente artículo que repasa los pormenores de los films (ya sean estos oficiales o no) que conformaron la mítica saga Emanuele negra, inmortalizados delante y detrás de las cámaras, respectivamente, por Laura Gemser y Joe D’Amato. De la mano del especialista transalpino Davide Pulici, fundador y una de las principales cabezas pensantes de la prestigiosa cabecera Nocturno Cinema, dedicada al cine de género realizado en Italia, se demuestra que toda película es susceptible de convertirse en objeto de estudio siempre y cuando éste se enfoque desde una óptica objetiva e informativa, alejándose por fortuna de anodinos y vacíos frikismos, tanto en su minuciosidad a la hora de ofrecer una gran variedad de datos contrastados como por el ameno relato de anécdotas con fundamento, primando el aspecto informativo por encima de fútiles reivindicaciones o absurdas sobrevaloraciones, a las que tan acostumbrados estamos cuando leemos sobre este tipo de cine en publicaciones menos rigurosas y más inclinadas al exabrupto y el chascarrillo fácil.

Nuevo cambio de tercio para el que es, en mi opinión y sin desmerecer en absoluto al resto, el plato principal de este tercer número: nada menos que una entrevista de dieciocho páginas (incluyendo filmografía completa) consagrada al recientemente fallecido Eli Wallach por parte de la escritora canadiense Anita Haas, autora asimismo del volumen Eli Wallach. Vitalidad y picardía, editado en 2006 por el Instituto de Estudios Almerienses, dentro del marco del festival Almería en corto. A lo largo de sus páginas podemos tomar buena nota tanto de jugosas anécdotas relacionadas con algunos de sus compañeros de reparto (verdaderamente impagables en este sentido son los comentarios referidos a Franco Nero), así como del lado más personal, vitalista y humano de un intérprete que sorprendentemente aún continúa siendo un gran desconocido para el gran público, a pesar de recibir en sus años postreros un Oscar honorífico o de haber encarnado a alguno de los más célebres y carismáticos personajes de la historia del cine, como pudiera ser su ya inmortal Tuco de El bueno, el feo y el malo.

Dos son esta vez las valiosas aportaciones de Carlos Aguilar (también gran amigo de Wallach, por cierto) a tan heterogéneo menú. Por una parte, y tras las inestimables conversaciones previas con figuras de la talla de Giuliano Gemma, Antonio Margheritti o Fernando Di Leo, esta vez se ocupa de otro desaparecido representante del fecundo cinema-bis italiano, el actor de carácter Federico Boido, que aunque quizás no fuera tan (re)conocido como los anteriormente citados, contó con una carrera que se extiende a lo largo de más de 30 años de actividad profesional, además de convertirse en una presencia omnipresente del spaguetti western en los años dorados del subgénero – en los que se puso a las órdenes de Sollima, Castellari, Giulio Petroni o, incluso, Mario Bava-, así como simbolizar en su persona una manera de entender el cine (la de la eclosión a partir de los años 60 del cine de género en Europa) de la que Aguilar al parecer aún no da muestras de fatiga a la hora de escribir sobre ella… o al menos eso esperamos sus seguidores.

La otra contribución del autor de Cine y jazz, y siguiendo con la tónica de su anterior estudio dedicado al realizador americano Curtis Harrington (publicado en el anterior número de Cine-bis), es un apasionante recorrido por la obra del polivalente y trotamundos director argentino Hugo Fregonese, en el que desmenuza – siempre con el exclusivo estilo de Aguilar – su filmografía completa, prestando especial atención (y mostrando más predilección) por aquellos films rodados en el seno del sistema de estudios de Hollywood (entre ellos los westerns Soplo salvaje, Untamed Frontier o Fugitivos rebeldes, sin lugar a dudas uno de sus títulos más destacados), al tiempo que pormenorizando los inciertos derroteros que, debido a su carácter independiente, tomaría la carrera del gaucho en sus últimos años, incluyendo el rodaje en Yugoslavia de La última batalla de los apaches (perteneciente a la exitosa serie de westerns germánicos protagonizados por los personajes de Winnetou y Old Shatterhand) o cómo incluso acabó recalando en nuestro país para dirigir a Paul Naschy, Michael Rennie y Craig Hill en la problemática Los monstruos del terror.

En un número tan marcado por el cine del oeste podemos encontrarnos igualmente con la segunda y última parte del estudio que Javier G. Romero dedica al western americano en su vertiente más crepuscular – elaborado en su mayor parte en la década de los 70 -, analizando con gran acierto las distinciones temáticas de esta corriente y señalando asimismo en el aspecto visual su innegable deuda con el western mediterráneo, así como conectando las constantes de tan fronterizo género (violencia, racismo, desencanto vital…) con la situación social y política de los EEUU de la época. Por su parte, Ramón Freixas y Joan Bassa se ocupan de desglosar el film de culto Incubus, dirigido y guionizado en 1965 por Leslie Stevens, creador de la mítica serie de t.v. The Outer Limits; aunque esta película cuente de entrada con más de una curiosidad en su haber (filmada en blanco y negro, hablada en esperanto y con el inefable William Shatner al frente de su reparto),  la pareja de críticos catalanes nos descubren que la historia detrás de su rodaje es, si cabe, aún más curiosa que la que podemos ver en pantalla, a la par que nos precisan con brillantez todas las referencias alegóricas y visuales de una cinta que por sus connotaciones satánicas, además de por la trágica suerte de más de un miembro de su equipo,  puede ostentar con todo derecho la etiqueta de “film maldito”.

Por otra parte, y en su aproximación al cine de aventuras de aliento más clásico, Juan A. Pedrero Santos nos acerca a la historia real del barco HMS Bounty y a los infames acontecimientos que desencadenaron, a finales del siglo XVIII, su tristemente célebre motín, a la vez que confronta las singularidades de las tres versiones cinematográficas más conocidas basadas en el popular suceso: La tragedia de la Bounty (1935), Rebelión a bordo (1962) y Motín a bordo (1984), protagonizadas, respectivamente, por Clark Gable, Marlon Brando y Mel Gibson. Como inmejorable broche final a este número, se continua con la excelente costumbre de dar voz a los principales faneditores del país, a través de una entrevista por parte de Javier G. Romero a nuestro compañero Diego López en la que, y a pesar de estar centrada en su ya longeva y encomiable labor al frente de El buque maldito, tampoco se pierde ocasión de tratar otras cuestiones como el rodaje del documental Los perversos rostros de Víctor Israel o la génesis del libro sobre la historia del cine de terror español, co-escrito con David Pizarro, Silencios de pánico.

Así las cosas, y ya sobradamente demostrada con este último número la extrema profesionalidad y eficiencia tanto de Romero como de su equipo a la hora de abordar una gran pluralidad de temas, tan sólo nos queda aguardar qué asuntos nos deparará en futuros números esta verdadera biblia por entregas destinada a (… y realizada por) los cinéfilos más exigentes.

José Manuel Romero Moreno

Published in: on marzo 27, 2015 at 6:12 am  Dejar un comentario  
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“John Cabrera. Localizando el Hollywood español”, nuevo lanzamiento de Pigmalión

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John Cabrera. Localizando el Hollywood español es el título de un nuevo libro cinematográfico editado por Pigmalión y patrocinado por “Colmenar Viejo, Tierra de Cine”, el Ayuntamiento de Denia, y otras entidades de la ciudad alicantina como el Cine-Club Pessic. Su origen se remonta a una exposición celebrada en Denia el pasado 2013 compuesta por una serie de fotografías inéditas de localizaciones de películas en las que había intervenido John Cabrera, director de fotografía y miembro de la British Society of Cinematographers (B.S.C), donde el veterano operador cinematográfico expuso una serie de fotografías inéditas de sus localizaciones para películas en las que intervino y que ahora han sido recopiladas en el presente volumen.

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Hijo de padres dianenses, John Cabrera Puig nació en Liverpool (Reino Unido) en 1925, dando sus primeros pasos en la profesión de la mano de directores de la talla de John Huston o Alfred Hitchcock. Tras ser contratado como técnico de Technicolor en producciones extranjeras rodadas en España como Ricardo III, Cabrera se convertiría en uno de los hombres de confianza de Samuel Bronston, al que ayudaría a crear su particular imperio cinematográfico, participando como jefe de localizaciones de la productora en El Cid o 55 días en Pekin. Ya en calidad de director de fotografía, se encargaría del aspecto visual de películas tan memorables como La batalla de las Árdenas, Caza humana o Cónan, el bárbaro, a bordo de su segunda unidad.

De este modo, John Cabrera y su cámara recorrerían todo el territorio español buscando los mejores escenarios naturales para el cine, localizando eso que se ha venido a denominar el Hollywood Español. Si Cabrera facilitó el rodaje en Denia de la primera producción Bronston, El capitán Jones en 1958, no menos importante fue su vinculación a Colmenar Viejo, donde llegó a rodar una decena de películas desde 1955 con Alejandro Magno en la Dehesa de Navalvillar, hasta 1988 con Hot Blood, pasando por Villa cabalga, o las mentadas Cónan, el bárbaro y El Cid en la Ermita de Nuestra Señora de los Remedios. Las imágenes del libro dan fe del trabajo de Cabrera, y esa relación de España con Hollywood, en imágenes tomadas en las provincias de Madrid, Alicante, Almería, Granada, Segovia o La Mancha.

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Coordinado por Romualdo Soler y Víctor Matellano, John Cabrera. Localizando el Hollywood español cuenta con la participación de autores como el escritor Miguel Losada, el investigador Antoni Reig o el propio Matellano, además de un consabida álbum de fotografías inéditas de John Cabrera, así como prólogo del cineasta italiano Enzo G. Castellari, famoso por dirigir el film Aquel maldito tren blindado que sirviera de inspiración a Quentin Tarantino para sus Malditos bastardos. En cuanto al tratamiento fotográfico de las imágenes corre a cargo de Román Rodríguez.

Más información: http://pigmalionedypro.blogspot.com.es/

Published in: on marzo 26, 2015 at 6:30 am  Dejar un comentario  

Nace “Artistic Residual”

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“Artistic Residual” es el nombre de un nuevo proyecto surgido de la asociación entre el podcast de cine trash “Butaca residual” y la sala madrileña Artistic Metropol. La idea consiste en organizar proyecciones de películas de culto que no están editadas en DVD ni ripeadas para su descarga, con el objetivo de recuperarlas y que sean disfrutadas por el público.

Con este propósito, “Artistic Residual” echará a andar este próximo sábado 28 de marzo con una primera proyección que comenzará a partir de las 18 horas. A cambio de abonar los 7 euros que cuesta la entrada, los asistentes podrán visionar una sesión doble compuesta por Qualen y la ignota El espíritu del zombie, dos películas que fueron editadas en España únicamente durante la época del boom del video. La primera, dirigida por el británico Michael J. Murphy bajo el seudónimo de Michael Melsack, narra una historia de herencias y mansiones malditas brindando un “coctel zetoso de amores rancios, zombies fantasmales, traiciones y karatecas de saldo”, según reza en la nota de prensa difundida. Por su parte, El espíritu del zombie es una obra amateur compuesta por tres historias cortas que tienen como hilo conductor los sermones de un predicador, que parece ser solamente fue distribuida comercialmente en nuestro país.

Más información y venta de entradas: https://www.ticketea.com/artistic-residual-programa-doble-z/

Published in: on marzo 25, 2015 at 2:12 pm  Comments (2)  

Lanzamientos de TEMA Distribuciones para marzo

Siguiendo con la tónica reinante durante los últimos meses, TEMA Distribuciones ha continuado en marzo con su lanzamientos de las denominadas ediciones de coleccionistas de clásicos del cine de género en su versión coloreada, acompañada, eso sí, de la original en blanco y negro, en ambos casos “restauradas a partir del negativo original en 35 mm.”, según puede leerse en la carátula.

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Cuatro son los títulos que han aparecido de la mano del sello catalán en los últimos días, todos los cuales habían conocido ediciones previas en DVD. Por un lado tenemos el título de culto El carnaval de las almas (Carnival of Souls, 1962), al que acompañan dos tardíos representante de la ciencia ficción norteamericana de los años cincuenta: el film de Roger Corman El monstruo del mar encantado (Creature From the Haunted Sea, 1961) y El planeta fantasma (The Phantom Planet, 1961), considerados por ciertos círculos como dos de las cimas del cine trash de todos los tiempos. El cuarteto se completa con El caso de los dedos cortados (The Woman in Green, 1945), de Roy William Neill, la entrega mensual de la colección que TEMA viene desarrollando desde hace tiempo de las encarnaciones cinematográficas de Sherlock Holmes de Basil Rathbone.

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El precio de venta recomendado de estas ediciones es de 11,95 € en los tres primeros casos, y de 9,95 € en el de la aventura del personaje de Conan Doyle. Tanto El carnaval de las almas como El caso de los dedos cortados incluyen audio en inglés y castellano y subtítulos en esta misma lengua, mientras que El monstruo del mar encantado y El planeta fantasma lo hacen en su versión original subtitulada. En cuanto al formato de imagen, todas las películas se anuncian con un aspect ratio de 1:33.1 fullscreen, a excepción de la dirigida por Roger Corman, la cual parece ser que está editada en formato anamórfico.

Más información: http://www.temadistribuciones.com/

Published in: on marzo 25, 2015 at 6:16 am  Dejar un comentario  

Lamberto Bava, segundo “Maestro del fantástico” de Nocturna 2015

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En la mañana de ayer, la organización del Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid, Nocturna, dio a conocer la identidad de otra personalidad a la que hará entrega durante su próxima edición del galardón “Maestros del fantástico”. Tras el primer anuncio de Robert Englund, esta vez el siguiente nombre desvelado ha sido el del cineasta italiano Lamberto Bava, quien viajará hasta la capital de España para celebrar con sus fans de este lado del mediterráneo el treinta aniversario de su film más célebre, Demons, el cual será proyectado dentro del homenaje que Nocturna dedicará al hijo del mítico Mario Bava.

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Acompañada por la mítica frase publicitaria “harán de los cementerios sus catedrales y de las ciudades vuestras tumbas”, Demons fue, posiblemente, el último gran fenómeno legado hasta la fecha por el cine de terror italiano. Tanto es así que debido al éxito mundial cosechado en su estreno, conocería una secuela directa, también dirigida por el propio Lamberto, y un sinfín de continuaciones apócrifas. En ella, se narra la historia de una joven estudiante que acude al pre-estreno de una película en el cine Metropol, donde el terror no solo se desatará en la gran pantalla, sino también entre la butaca de la sala debido a una extraña epidemia zombi, ofreciendo “un puro y duro disfrute, un entretenimiento trash, desmesurado, rocambolesco y pasado de vueltas”, en palabras de José Luis Goas.

Más información sobre el Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid, NOCTURNA a través de su página web: http://www.nocturnafilmfestival.com o bien en sus redes sociales:

Published in: on marzo 24, 2015 at 6:05 am  Dejar un comentario  
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Tom Savini busca financiación a través de crowfunding para dirigir el remake de La invasión de los zombies atómicos de Umberto Lenzi

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Tom Savini, el polifacético maquillador y eficiente artesano de efectos especiales, actor, productor y hasta realizador de cine en alguna eventual ocasión, nos ha sorprendido con esta noticia de impacto. Nos hemos despertado con la inesperada nueva de que pretende filmar un remake de la casposidad ochentera La invasión de los zombies atómicos (1980) de Umberto Lenzi. Cabe recordar que Savini fue el artífice de la magnífica puesta al día de La noche de Los muertos vivientes, allá por el 1990. A causa de este precedente, el proyecto promete y mucho…

Son tiempos difíciles para la economía del cine independiente, motivo por el cual Savini ha decidido buscar financiación a través de la página web Indiegogo. Su objetivo es el de tratar de recaudar 200.000 dólares para sufragar los diferentes gastos extras del rodaje. (A fecha de hoy lleva 12.223 dólares).

Esta nueva versión cuenta con el apoyo del propio Umberto Lenzi, quien a sus 83 castañas ha consentido que más de tres décadas después del estreno de su película se realice ahora un tardío remake, formando parte incluso del set de producción, además de ser consejero, y alma patter de la nueva película. Nightmare City (a.k.a. en los Estados Unidos) tiene previsto estrenarse a partir de la finalización del crowdfunding allá por marzo del 2016.

Los datos que tenemos acerca de este remake se van acrecentando según pasan los días. Se sabe que Savini se encargará de dirigirlo, y que aparte de esto colaborará en la tarea de supervisar los maquillajes y los efectos especiales que eso sí, en esta ocasión no correrán de su cuenta. Hecha por fans para los fans del cine de género por el rey del splatter y el gore”, según reza en el cartel promocional, contará como director de fotografía con Dean Cundey, un tipo solvente que ha trabajado en varias ocasiones para John Carpenter

Un aspecto que resulta alentador es que los productores han decidido hacer esta nueva versión a su manera, de forma totalmente independiente. Es decir, sin intervenciones del exterior, evitando censuras impuestas por las grandes productoras (que le pregunten por esto a George Romero) y garantizando que volvamos a recrearnos en asistir a un gratuito festival de sangre e higadillos a cargo de unos cochambrosos y casposos zombies como los de antaño.

Cabe recordar que la original La invasión de los zombies atómicos fue una co-producción italo-hispana-mexicana rodada en Madrid y sus alrededores.  Un título legendario protagonizado por un elenco artístico disparatado e impuesto desde sus variopintos lugares de procedencia,  encabezado por el mexicano Hugo Stiglitz, Laura Trotter, Maria Rosaria Omaggio, el murciano Francisco Rabal, Manuel Zarzo y Mel Ferrer como estrella invitada al delirio cafre.

Esta era la sinopsis del divertido esperpento fílmico del 1980: Los pasajeros de un avión junto a un importante científico nuclear, son sometidos a una radiación que les convierte en muertos vivientes sedientos de sangre humana… Tras la irrupción de los zombis atómicos en el aeropuerto, nadie estará a salvo en la ciudad mientras no se detenga la pesadilla.

Llegados a este punto hay que destacar que para Quentin Tarantino la cinta de Lenzi fue una innovadora apuesta por el “zombie infectado” en su día. Y que la saga 28 días o la mismísima serie The Walking Dead recogen parte de su legado en el presente.

Alimaña

Fuente:

https://www.indiegogo.com/projects/tom-savini-umberto-lenzi-present-nightmare-city

Published in: on marzo 23, 2015 at 6:11 am  Comments (3)  
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Jigoku de naze warui [dvd: Why Don’t You Play in Hell?]

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Título original: Jigoku de naze warui

Año: 2013 (Japón)

Director: Shion Sono

Productores: Takuyuki Matsuno y Tsuyoshi Suzuki.

Guionista: Shion Sono

Fotografía: Hideo Yamamoto

Música: Shion Sono

Intérpretes: Jun Kunimura (Muto), Fumi Nikaido (Michiko), Shinichi Tsutsumi (Ikegami), Hiroki Hasegawa (Director Hirata), Gen Hoshino (Koji Hashimoto), Tomochika (Shizue), Itsuji Itao (Masuda), Hiroyuki Onoue (Dtective Tanaka), Tetsu Watanabe (Detective Kimura), Tak Sakaguchi (Sasaki), Megumi Kagurazaka (Junko)…

Sinopsis: Kegami es un gángster que guarda rencor hacia un viejo rival llamado Muto, de cuya hija Himizu siempre ha estado enamorado. Hirata, un director de cine, y un hombre llamado Kouji también se ven involucrados en este enredo.

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El nombre de Shion Sono ya se quedó grabado en la retina de muchos cinéfagos cuando en 2001 se estrenó Suicide Club, para muchos su obra maestra. Aunque para este humilde plumilla lo mejor de Sono – un director que comenzó su carrera en el cine amateur a finales de los 80 – estaba aún por llegar. Estamos ante uno de los realizadores más deslumbrantes, talentosos y particulares del país nipón; una auténtica bomba de relojería capaz de rodar una épica comedia romántica de cuatro horas (Love Exposure), una cinta de terror con unas extensiones capilares malditas como instigadoras del mal (Hair Extensions), o un thriller basado en un escabroso hecho real ocurrido en Japón (Cold Fish). Sin embargo, sobre todo para los no conocedores de la obra de Sono, no se debe hacer demasiado caso a los géneros y poner un triple entrecomillado gigante como una catedral haya dónde anteriormente he puesto comedia romántica, cinta de terror o thriller basado en hechos reales, pues tal y como comprobarán si de disponen a ello, una vez dentro de una película de Sono nada volverá a ser igual.

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Estamos ante un realizador con mucho sentido del humor (un humor muy destroyer, eso sí), incapaz de dejar indiferente a nadie y que no escatima en realizar algunos guiños al cine pop de los setenta (véanse los dedicados a la Meiko Kaji de Scorpio en la nombrada Love Exposure o ya puestos, al Bruce Lee de Operación Dragón en la propia Why Don’t You Play in Hell?[1]), para después aderezarlo con las toneladas de sangre que levantó en la archiconocida escena inicial del tren de Suicide Club y que todavía fluyen por cada una de sus películas sean del género que sean (de ahí el entrecomillado gigante que decía antes).

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Como decíamos, Sono viene del cine amateur o low cost (o como quieran llamarlo), por lo que esta Why Don’t You Play in Hell? le sirve para echar la vista atrás y realizar un particular homenaje a este tipo de cine tan gallardo y desvergonzado. Un tipo de cine que sólo se puede materializar con la ilusión, la visión y, sobre todo, la inocencia de un realizador primerizo. No es de extrañar que el mismo año que se presentó Why Don’t You Play in Hell? en el Festival de Sitges, también se pudiera ver la que el propio certamen denominó como la piedra Rosetta de su filmografía: Bad Film, una delirante cinta que el cineasta rodó junto al Tokyo Gagaga (el colectivo artístico con el que colaboraba en los noventa) y que terminó dando forma en 2012. Por lo tanto, quizás no erremos demasiado si decimos que existen bastantes paralelismos entre el pasado low cost de Sono y la película que traemos a colación, pues, ¿qué son los Fuck Bombers (el grupo de amigos que se dedican a hacer películas amateurs en Why Don’t You Play in Hell?) si no el revés ficticio y desmadrado del colectivo con el que llevó a cabo sus primeros trabajos? Aquí estos jóvenes apasionados al séptimo arte que “juegan” a hacer cine se mezclan en una historia imposible en la que no falta un idilio amoroso un tanto especial, dos clanes yakuza enfrentados, un anuncio infantil de pasta de dientes y, cómo no, un desfasado sentido del humor salpicado de hemoglobina que llega a su máxima en la vibrante y adrenalítica parte final de la película.

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Puede que no estemos ante su mejor obra, pues Shion Sono es un realizador acostumbrado al metraje extenso (que no excesivo) y a dar rienda suelta a laberínticas y estrafalarias historias que se cruzan entre sí, pero Why Don’t You Play in Hell? tiene tantos aciertos y tantas escenas para el recuerdo que resulta difícil apartar la vista de la pantalla. Sono consigue convertir la candidez de aquellos primeros pasos en el cine que dio (y puede que los de muchos otros aficionados que también se puedan ver reflejados en estos jóvenes llamados Fuck Bombers) en un delirante cóctel de acción y humor, con un reparto en estado de forma y en el que destacan los siempre eficientes Jun Kunimura (Black Rain, Kill Bill, Audition), Shinichi Tsutsumi (Monday, Llamada perdida) y Tetsu Watanabe (Sonatine, Gozu). Aunque la guinda del pastel la pone la bellísima Fumi Nikaido, actriz que ya venía de colaborar con Sono en Himizu y que, esperemos, siga realizando papeles tan sexys y de armas tomar como el que desempeña en esta película.

Juan Pedro Rodríguez Lazo

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[1] En Kill Bill de Quentin Tarantino – otro gran nostálgico multi homenajeador -, se hizo idéntico tributo a la película protagonizada por el maltrecho Bruce Lee, al enfundar a Uma Thurman el emblemático chándal de color amarillo. Y tampoco está demás apuntar que Meiko Kaji fue la protagonista de Lady Snowblood, cinta que también fue objeto de homenaje en el film de Tarantino.

Sitges presenta su cartel y avanza algunos títulos de la 48ª edición

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Esta mañana se ha llevado a cabo en la Ciudad Condal una rueda de prensa en la que su director, Ángel Sala, ha dado a conocer los primeros detalles de lo que será la cuadragésimo octava edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, el cual tendrá lugar en esta localidad barcelonesa entre los próximos 9 y 18 de octubre.

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De entre los elementos desvelados, sin dudas el más mediático ha sido el diseño del cartel oficial de este año. Elaborado un año más por la agencia CHINA, se trata de un homenaje a Seven, cuyo veinte aniversario será festejado en esta edición del Festival. Recordando el impactante final de la película de David Fincher, está protagonizado por un trozo de cartón sanguinolento. “El cartel de este año es, en el fondo, una pista. Un elemento en el que intuyes muchas cosas, pero que abre aún más interrogantes. Una pequeña ayuda para entender cómo encajan las piezas del puzzle. Porque lo único que hacemos es coger un elemento central deSeven, como es la caja, y descontextualizarlo”, ha explicado Rafa Antón, director ejecutivo de CHINA.

Hablando de homenajes, la 48ª edición del Festival concederá el premio Màquina del Temps al director, guionista y productor danés Nicolas Winding Refn como reconocimiento a su trayectoria. Considerado uno de los principales innovadores del cine europeo e internacional, creador de historias perturbadoras de suma violencia con un estilo visual muy personal y con unas bandas sonoras que no pasan desapercibidas, el director de Only God Forgives, Drive o Valhalla Rising –títulos proyectados en las ediciones 2009, 2011 y 2013, respectivamente–,visitará Sitges 2015 para recibir este reconocimiento y, al mismo tiempo, presentar un libro sobre su carrera, The Act of Seeing, escrito por él mismo y por el prestigioso crítico de cine británico Alan Jones.

Nicolás López y Eli Roth durante la presentación de "Aftershock" en el Cine Prado.

Nicolás López y Eli Roth durante la presentación de “Aftershock” en el Cine Prado el pasado 2012.

Del mismo modo, Salá también ha desvelado la identidad de los primeros títulos confirmados para esta próxima edición. Uno de ellos es Knock Knock, la película que han dirigido y producido el tándem formado por Eli Roth y Nicolás López, quienes después de Aftershock y The Green Inferno volverán a estar en Sitges. Protagonizado por Keanu Reeves, Ana de Armas y Lorenza Izzo como protagonistas, Knock Knock es un thriller donde dos chicas jóvenes irrumpen en casa de un hombre casado para convertir su vida perfecta en un infierno. Cabe recordar que el pasado año el film dirigido por López The Stranger inauguró el palmarés del sello de cine iberoamericano Blood Window.

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Un año más tampoco faltará el espacio en Sitges para el cine autóctono con la polémica e inquietante The Corpse of Anna Fritz, dirigida por Héctor Fernández Vicens e interpretada en sus papeles principales por Alba Ribas, Cristian Valencia, Bernat Saumell y Albert Carbó, la cual formará parte de la Sección Oficial Fantàstic. En ella se narra el descubrimiento del cuerpo inerte de una actriz joven y famosa en la habitación del hotel en que se hospeda. Con la idea de verla desnuda tres chicos conseguirán colarse en el depósito de cadáveres y, fascinados por su belleza, fantasearán con la idea de hacerle el amor por última vez.

En cuanto a la organización, Sitges 2015 continuará con su apuesta por ser un festival de género abierto a todas las dimensiones que se manifiestan en el género fantástico. La Sección Oficial Fantàstic quedará delimitada en tres secciones: Competició, Fora de competició y Sessions especials. De esta manera, Panorama y Órbita se convertirán en secciones independientes, al tiempo que la segunda reforzará su programación de thrillers de alto voltaje, del mismo modo que Anima’t fortalecerá su oferta de películas de animación. En otro orden de cosas Focus Àsia (cine asiático) y Blood Window (cine iberoamericano) pasarán a convertirse en sellos transversales, ya que sus títulos se encontrarán en diferentes secciones. Por lo demás, el resto de secciones del Festival se completará con Noves Visions, Seven Chances, Midnight X-Treme, Brigadoon, Serial Sitges y Phonetastic.

Más información: http://sitgesfilmfestival.com/cas

Published in: on marzo 18, 2015 at 9:17 pm  Dejar un comentario  
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Entrevista a Juan Villafafila y Pako Jeremy, responsables de “Palma también fue Grindhouse”

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“Palma también fue Grindhouse” es el nombre del proyecto llevado a cabo en Mallorca por Juan Villafafila y Pako Jeremy en el que estos dos auténticos cinéfagos rememoran tiempos mejores para los cines como emplazamiento para el visionado de películas. Ambos realizan una tarea realmente admirable como es la de recopilar todos aquellos anuncios de prensa que informaban de los antológicos programas dobles que se programaban en los cines de barrio de Palma de Mallorca hace ya unas décadas, para compartirlos posteriormente con el público a través de su página de Facebook.

Además de continuar con la búsqueda de carteles, Jeremy y Villafafila se encuentran en este momento preparando un libro sobre el tema. Además, tienen un evento preparado para el próximo 19 de marzo, la proyección en los cines CineCiutat  de Palma de la película Demons (1985) de Lamberto Bava. La cita es a las 20:45 horas con un precio por entrada de 3 euros.

Con motivo de dicha proyección, entrevistamos a los artífices del proyecto.

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¿Cómo y por qué nace el proyecto “Palma también fue Grindhouse”?

Juan Villafafila: Nace un poco por casualidad. Ojeando periódicos antiguos en una biblioteca encontré uno de aquellos programas dobles que veíamos de críos y empecé a buscar más. Cuando me di cuenta llevaba casi cuatro mil recopilados. Pako insistió en que ese material no puede quedarse en el disco duro de un ordenador, que las nuevas generaciones deben saber… Y es un tipo muy convincente cuando se lo propone.

Pako Jeremy: Juan me enseñó el material que fue recopilando durante ese tiempo y decidimos que estaría bien mostrar parte de aquella tremenda colección de recortes, que no se perdieran en el olvido. Propusimos a los responsables de la web sobre cultura balear www.40putes.com, en la que escribo de vez en cuando, realizar un pequeño artículo mostrando una pequeña selección de aquellos recortes y explicando qué era un cine de barrio y un programa doble. Les pareció una idea genial y lo publicaron. A raíz de este reportajes se pusieron en contacto con nosotros la gente del colectivo cultural de Manacor “39 Escalons”, y nos invitaron a ir a su pueblo a reconvertir aquel artículo en una charla en la que comentar una serie de aquellos anuncios de prensa. Y de esa manera nació realmente “Palma también fue Grindhouse”, gracias a aquel llamamiento que nos hicieron los amigos de “39 escalons”. Tras esa charla llego la oferta de hacer un libro sobre el tema para la editorial Moixonia, otra conferencia en Llucmajor, etc, etc…

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¿Habéis tenido contacto con distribuidores, actores o cineastas que hayan trabajado en esas películas?

Pako: Para el libro hemos entrevistado a algunas de las personas que mantuvieron vivos a todos aquellos cines de barrio, tanto a espectadores como a trabajadores (proyeccionistas, gerentes, taquilleros…), que son realmente los que disfrutaron y activaron aquellas salas de exhibición.

Juan: Sin duda conocer a todas esas personas está siendo una de las partes más gratificantes del proyecto.

Muchos de los cines que aparecen en los carteles desgraciadamente han ido cerrando con el paso de los años. ¿Lo planteáis también como un homenaje a todas esas salas desaparecidas?  

Pako: De hecho, es realmente lo que buscamos: homenajear a todos esos cines que cayeron en acto de servicio y dejaron paso a eso malditos multicines sin personalidad alguna, en los que hay que aguantar a todo tipo de capullos que no tienen respeto alguno por el séptimo arte.

Juan: Las películas son una coartada perfecta para recordar aquellos palacios del cine y a quienes trabajaron en ellos. A veces parece que el cine empieza y acaba en actores y directores, pero lo cierto es que sin exhibidores, proyeccionistas, taquilleros y acomodadores nada seria posible.

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En aquellos carteles, además de los excelentes dibujos, destacan los tag-lines, aquellas salvajes y divertidas frases publicitarias con las que se avisaba a los espectadores sobre el contenido de los largometrajes programados. ¿Podrías mencionar algunas de vuestras favoritas?

Juan: La verdad es que esas frases son auténticas lecciones de marketing encapsuladas en dos líneas que combinan perfectamente la advertencia con el reclamo más descarado. Una de mis preferidas es: “Nota: Si le impresionan las fotos de la cartelera le garantizamos que lo que verá en la pantalla es mucho más terrorífico. ¡¡Está advertido!!”¿Quien puede resistirse a eso?

Pako: Hay muchas que me encantan, por ejemplo aquellas utilizadas para los pases en el Jaime III Cinema del joyón de Jess Franco Diario intimo de una ninfómana. Atiende: “¡Nunca una pasión había llegado a tales limites! Para descubrir la verdad tuvo que hundirse en los abismos de la perversión y el escándalo“. Impagable. O, por ejemplo, las que se utilizaron cuando se pasó La violencia del sexo en el Cine Fantasio: “La película que dignifica el cine porno- erótico a cimas no alcanzadas hasta ahora“. No me digas que leyendo semejantes frases lapidarias no tienes unas ganas locas da salir zumbando camino del cine como si no hubiera un mañana….

Vuestro logo, diseñado por Darkvinia Vilapriu, además de tener la forma de una antigua entrada de cine, nos muestra el rostro de Jacinto Molina/Paul Naschy, entendiéndose como un homenaje a su figura. ¿Cómo reaccionaron Bruno y Sergio, los hijos de Molina, al enterarse de que realizaríais dicho homenaje?

Pako: El logo, un grandioso trabajo de Darkvinia, es un homenaje al logo de los antiguos Multicines Chaplin de Palma, pero cambiando la cara de Charles Chaplin por la de nuestro idolatrado Waldemar Daninsky. Siempre hemos pensado que Paul Naschy fue un defensor acérrimo del cine popular, por y para el divertimento del pueblo, algo con lo que se identifica totalmente nuestro proyecto. Y poder contar con el beneplácito de los hijos del maestro ha sido, posiblemente lo mas bonito que hemos conseguido con “Palma también fue Grindhouse”. Son dos personas maravillosas que nos han dado todo su apoyo desde el primer momento en el que nos pusimos en contacto con ellos.

Juan: Bruno y Sergio son hijos de una auténtica leyenda del cine pero a la vez son tan humildes al respecto como lo fue su propio padre. Se que el logo les encantó y no es para menos. Darkvinia se curró un dibujo espectacular que capta perfectamente la esencia del proyecto.

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Contadme un poco sobre las exposiciones de carteles en diferentes pueblos de Mallorca. ¿Cómo son las reacciones del público asistente?

Pako: Como decíamos al principio, realmente las exposiciones tuvieron lugar en el momento en que hicimos nuestras dos primeras charlas, en las que, por cierto, reabrimos por una sola noche dos cines de pueblo que llevaban cerrados más de una década. En Manacor fue el Cine Goya y en Llucmajor el Cine Recreatiu. En las dos conferencias expusimos un amplio surtido de carteles y foto-cromos de los que se encontraban antaño en las marquesinas de los cines de barrio. Posters de películas como La noche del terror ciego, Mad Max, Curso 1984, Emanuelle negra, Las hijas de Drácula u Holocausto caníbal coronaron aquellas mágicas noches para nosotros. Y la gente flipaba, literalmente, de ver tantas obras de arte juntas en un mismo espacio.

Juan: Siempre digo que una gran ventaja con la que partimos es que tocamos la fibra sensible del espectador, así como la nostalgia y los recuerdos de momentos generalmente buenos. Y esos carteles, auténticas obras de arte en la mayoría de los casos, ayudan a recordar esos buenos momentos. Junto a esos entrañables cines también desaparecieron este tipo de carteles maravillosamente ilustrados, que han sido reemplazados por simples fotos digitalizadas.

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Y ahora, incursionáis en un nuevo terreno, las proyecciones cinematográficas. El próximo 19 de marzo podrá verse Demons de Lamberto Bava en los cines CineCiutat de Palma. ¿Por qué elegisteis precisamente esta película?

Juan: Es la que mejor representa ese momento concreto del cine de entretenimiento: marca el inicio de la decadencia del cine italiano de género, es una película que transcurre dentro de un viejo cine con butacas de madera y con unos efectos especiales muy buenos para el momento en que se realizó. Así mismo creo que a pesar de ser algo cafre es una gamberrada apta para todos los públicos: tiene mucha baba, pero no mala baba.

¿Qué tenéis preparado para esa proyección?

Pako: El pase Demons es la excusa perfecta para llevar a cabo uno de nuestros programas dobles grindhouse por una noche. El 19 de marzo los cines Cineciutat se convertirán en un auténtico cine de barrio, con posters y foto-cromos en sus marquesinas, con un público entregado a dejarse llevar con un programa doble espectacular, en la que nuestra charla “Palma también fue Grindhouse” será como la película principal, y la maravillosa Demons de Lamberto Bava, que en este 2015 cumple la friolera de 30 años, será el complemento, brillante colofón de una festiva velada en la que queremos demostrar nuestro amor por el séptimo arte más denostado por los supuestos entendidos y que a nosotros dos nos vuelve locos.

¿Cómo creéis que reaccionarán los espectadores que acudan al pase de Demons?
 
Juan: Ojalá se diviertan con la película tanto como nosotros organizando todo esto.  

Pako: Yo lo único que puedo decir es que envidio enormemente a tod@s aquell@s que descubran ese día la película, porque hacerlo en pantalla grande no tiene precio…

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Cuando iniciasteis el proyecto de “Palma también fue Grindhouse”, ¿ya teníais pensado organizar exposiciones y proyecciones o ha sido algo que a surgido de imprevisto?

Pako: Ni por asomo. Todo ha surgido gracias al apoyo y el interés mostrado por mucha de la gente que tenemos cerca. Si los colegas de “39 escalons” en Manacor no se hubieran interesado en aquel artículo que publicamos en www.40putes.com, ni Biel de la tienda Popster en Llucmajor no nos hubiera propuesto dar una segunda charla en su cine, ni Margarita Martorell de la editorial Moixonia nos hubiera propuesto hacer un libro recopilando la memoria histórica de aquella época dorada de los cines de barrio, todo hubiera quedado en eso, en un reportaje en una pagina web.

Juan: Las cosas han ido sucediendo casi por casualidad. Inicialmente, no había nada planificado, pero todo ha ido girando alrededor del entusiasmo que ha mostrado la gente, en ocasiones inesperado.

Imagino que si tiene éxito, con el tiempo habrá más proyecciones. ¿Ya tenéis pensada la película  próxima a programar?

Pako: En realidad no es nuestra intención continuar con las proyecciones, pero si la de Demons funciona muy muy bien no descartamos volver al ataque con algunos títulos clave de nuestro majestuoso fantaterror patrio….

Juan: Tanto Pako como yo pensamos que la figura de Paul Naschy merece un homenaje, ya que representa todos y cada uno de los valores de esa forma de entender el cine que reivindicamos.

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Vivimos un momento en que es común ver como otros colectivos organizan proyecciones de filmes clásicos-fantásticos por toda España, y cada vez son más los documentales, libros, webs y fanzines que surgen con la intención de homenajear épocas ya pasadas. ¿A qué creéis que es debido?

Juan: Creo que, aparte de los valores que atesora este tipo de cine, que son muchos, también influye el factor nostalgia. Y es que cuando la mayor parte de la producción actual deja mucho que desear, uno tiende a echar la vista atrás. Sobre todo cuando se van cumpliendo años.

Pako: Me da la sensación de que es algo que siempre había interesado, pero mucha gente tenía cierto temor a gritarlo a los cuatro vientos. No se si por miedo a que nos llamaran raros, o no sé… Me parece cojonudo que de repente hayamos salido todos del armario y nos sintamos orgullosos de reivindicar todo este cine, a todos esos directores, a todas esas actrices y actores que tan buenos ratos nos han regalado, y que son tan dignos y buenos, si no más, que los que aparecen en las revistas y están en boca de todos. ¿Por qué decir que eres fan de los giallos, de Jess Franco, de Paul Naschy, de Lucio Fulci, de Soledad Miranda o de Juan Piquer Simón ha de ser malo? Tod@s ell@s me han inculcado mi cultura y bagaje cinematográfico y jamás renegare de ninguno de ell@s… y al que no le guste, ¡que se vaya a tomar por donde amagan los pepinos!

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Mucha suerte con vuestro proyecto y gracias por concedernos esta entrevista. Si queréis añadir algo más…

Juan: Muchas gracias por apoyar proyectos como el nuestro, especialmente en momentos en que padecemos a un gobierno empeñado en exterminar cualquier atisbo de actividad cultural en este país.

Pako: Muchas gracias por el apoyo tanto a La abadía de Berzano como a ti Javier. Y recordad: ¡España también fue grindhouse!

Javier Pueyo

Published in: on marzo 17, 2015 at 6:17 am  Dejar un comentario  
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Anunciados los primeros contenidos de la tercera edición de “Nocturna”

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El pasado jueves los Cines Palafox de Madrid acogió una sesión especial en la que la organización del Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid, Nocturna 2015, presentó un adelanto de los contenidos de la que será su tercera edición.

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De entre los diferentes datos aportados sin duda el más mediático es la anunciada presencia de Robert Englund, el primero de los invitados estrella confirmados para esta edición. El mítico intérprete de Freddy Krueger visitará Nocturna para recibir el premio “Maestro del Fantástico” con el que el festival quiere reconocer su contribución al género, coincidiendo con el treinta aniversario del estreno en nuestro país de su película más emblemática, la icónica Pesadilla en Elm Street, la cual se proyectará como parte de su homenaje. Además, Englund aprovechará su estancia en la capital española para presentar dos de sus últimos trabajos. Así, dentro de la sección Panorama podrá verse The Last Showing (Phil Hawkins, 2014), en la que el actor norteamericano interpreta a un proyeccionista que tras ser despedido decide vengarse convirtiendo a una pareja de espectadores en los involuntarios protagonistas de su película de terror, mientras que en Oficial Madness se integrará Fear Clinic, con Englund da vida a un doctor trata de curar las fobias de sus pacientes con medios muy poco ortodoxos.

Junto a los mencionados Pesadilla en Elm StreetThe Last Showing y Fear Clinic, el equipo dirigido por Luis Rosales dio a conocer ochos títulos más de los que formarán parte de la programación oficial del festival, el cual se celebrará en los Cines Palafox entre los próximos 25 y 31 de mayo. La sección Oficial Fantástico presentará títulos como Infini (Shane Abess, 2015), un film de ciencia ficción en el que un equipo de élite deberá rescatar al único superviviente de un accidente biológico en una estación minera; June ( L Gustavo Cooper, 2015), que nos presentará la historia de una niña huérfana que es poseída por un ente sobrenatural que quiere acabar con la humanidad; o Kill Me Three Times (Kriv Stenders, 2014) en la que el británico Simon Pegg encarna a Charlie Wolfe, un asesino profesional que recibirá un encargo que lo introducirá en una espiral de muerte y venganza.

Por su parte, Dark Visions, la sección mas indie de Nocturna, ofrecerá cintas como la rusa III (Pavel Khvaleev, 2015), en la que una extraña epidemia asola una aldea europea. En este contexto, una mujer tratará de salvar la vida de su hermana a través de una serie de rituales que la llevaran a un nuevo mundo dentro de su mente donde tendrá que erradicar sus miedos más profundos. El otro título anunciado de la sección es Hellmouth (John Geddes, 2014), una nostálgica vuelta a las películas de género de los años 50 por medio de la historia de un enterrador que viajará hasta el infierno para salvar el alma de una bella mujer.

Madness la sección oficial que acoge las emociones mas fuertes de Nocturna, contará con Lost After Dark (Ian Kessner, 2014), todo un homenaje al cine de terror de los 80 en la que un grupo de adolescentes se enfrentan a un sádico asesino caníbal. También se podrá ver Headless (Arthur Culliper, 2015), la película que podía verse en el título presentado el año pasado Found, la cual simulando ser un slasher perdido realizado en 1978 narra las andanzas de un asesino enmascarado inmerso en una espiral de canibalismo, asesinato, y necrofilia.

Por último, junto a la comentada The Last Showing, la sección Panorama nos traerá la australiana Terminus, en la que tras sufrir un accidente su protagonista hará un descubrimiento que determinará la historia de la humanidad, y Monsters: Dark Continent (Tom Green, 2014). Secuela de la celebrada Monsters, la acción transcurre siete años después de los hechos narrados en el film de Gareth Edwards. En este tiempo, las zonas infectadas se han extendido por todo el mundo, mientras la humanidad lucha por su supervivencia.

Para ir abriendo boca, a continuación os ofrecemos los tráileres de los títulos ya confirmados:

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A lo ya comentado cabe añadirle, además, la existencia de dos nuevas secciones que este año se unirán a las ya existentes. Se trata, por un lado, de Blood Window, también presente en el Festival de Sitges y que organizada en colaboración con el festival de cine latinoamericano homónimo entregará un premio a la mejor película, y por otro Focus, nombre bajo el que se desarrollará un ciclo monográfico centrado en la filmografía fantástica de un país determinado.

Más información sobre el Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid, NOCTURNA a través de su página web: http://www.nocturnafilmfestival.com o bien en sus redes sociales:

Published in: on marzo 16, 2015 at 2:06 pm  Dejar un comentario  
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