A la venta nº 5 de “Klowns Horror Fanzine”, especial “found footage”/”mockumentary”

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Desde el pasado 1 de julio se encuentra a la venta el número cinco de “Klowns Horror Fanzine”, publicación temática editada por KlownsAsesinos.com, que en ésta ocasión centra sus páginas en exclusiva a los found footage, falsos documentales y películas rodadas cámara en mano. Distintos Subgéneros que llevan años dividiendo a público y crítica, abriendo debates y controversias sobre su calidad, su efectismo, y sobre el fenómeno que se crea entorno a éstas producciones. Para ello, se tratan más de cuarenta títulos representativos de la corriente, haciendo un especial hincapié en aquellas cintas que sentaron sus bases y crearon un formato a explorar, como Holocausto Canibal (Ruggero Deodato, 1980) o El proyecto de la bruja de Blair (Eduardo Sánchez & Daniel Myrick, 1999), sin olvidar otros tantos títulos que trataron de imitar la fórmula o reinventar estos estilos cinematográficos.

CONTENIDOS

Artículos:

  • ‘Fotogramas para una historia’. Introducción a la temática y repaso a más de noventa películas por orden cronológico.
  • ‘Menú del día: Holocausto caníbal’. Extenso análisis a la película de Ruggero Deodato. Curiosidades sobre el rodaje, anécdotas, polémicas, y toda la información sobre la obra que abrió el subgénero.
  • ‘Zombificar el propio cine’. Repaso sobre lo que supuso [REC] de Jaume Balagueró y Paco Plaza en el cine de género, abordando sus secuelas y el remake
  • ‘Éxito paranormal’, sobre el fenómeno de Paranormal Activity y su rentabilidad en taquilla.
  • ‘El susto final del found footage‘. Artículo que trata dos de las películas más recientes del subgénero: Eliminado y La horca.

Entrevistas:

  • Daniel Myrick habla sobre lo que supuso el fenómeno de The Blair Witch Project, el rodaje y la repercusión que tuvo en las producciones de terror.
  • Con el realizador mexicano Fernando Barreda, director de Atrocious.
  • Charla con Alfredo Montero sobre La cueva.
  • El director norteamericano Bobby Roe habla de la atmosférica y terrorífica The Houses October Built.
  • A la directora Kit Wong, responsable del metraje The Black Door, uno de los títulos imprescindibles del subgénero.

Críticas:

Completan este número especial más de treinta críticas sobre interesantes títulos que han aportado diferentes enfoques y temáticas. Ocurrió cerca de su casa, Behind the Mask: The Rise of Leslie Vernon, Noroi: The Curse, The Poughkeespie Tapes, Cloverfield, Lake Mungo, Apollo 18, Megan is MissingV/H/S, The Sacrament o The Visit, entre otros muchos. También se incluyen los dos relatos ganadores del concurso temático “20/07/69” y “En busca del realismo perdido”.

En total ciento ocho páginas en formato Din A5 con portada a color e interior en blanco y negro, ya a la venta a un precio de 4,50€ a través de klownshorrorfanzine@gmail.com, además de en las tiendas físicas barcelonesas “Freaks” y “Arkahm Comics”.

Published in: on agosto 29, 2016 at 5:53 am  Dejar un comentario  

Experimenter: La historia de Stanley Milgram

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Título original: Experimenter

Año: 2015 (Estados Unidos)

Director: Michael Almereyda

Productores: Danny A. Abeckaser, Fabio Golombek

Guionista: Michael Almereyda

Fotografía: Ryan Samul

Música: Bryan Senti

Intérpretes: Peter Sarsgaard (Stanley Milgram), Winona Ryder (Sasha Menkin Milgram), Anton Yelchin (Rensaleer), Kellan Lutz (William Shatner), Taryn Manning (Mrs. Lowe), John Leguizamo (Taylor)…

Sinopsis: En 1961, el psicólogo Stanley Milgram llevó a cabo en la Universidad de Yale una serie de experimentos sobre la obediencia. La investigación, planteada a raíz del juicio a Adolf Eichmann, pretendía dilucidar la relación de las personas con la autoridad. Pronto el doctor empieza a comprobar ciertos aspectos del comportamiento humano que no habían sido descubiertos, lo que va a provocar una de las polémicas más impactantes del siglo XX.

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Más que una biografía de Stanley Milgram, Experimenter: La historia de Stanley Milgram es una especie de falso “falso documental”, una exploración de la vida de un científico real que estudió las relaciones sociales y que fue conocido principalmente por el experimento “maestro – alumno”, iniciado en 1961. La base principal de su obra se nos muestra sin ninguna épica, y sin ninguna relevancia especial a priori, salvo que las importantísimas consecuencias de su estudio van tomando relevancia a medida que pasan los años. Vamos, más o menos la estrategia opuesta a la adaptación de la vida de Alan Turing en The Imitation Game (2014). El famoso experimento en cuestión era sencillo: dos sujetos se colocan en habitaciones separadas y uno se le da la consigna de cómo debe ser la administración por escala de descargas eléctricas según las respuestas incorrectas. El truco es que el “alumno” es un señuelo que en realidad no está recibiendo las descargas ya que el fin es comprobar hasta que punto la gente está dispuesta a hacer daño otro ser humano, simplemente porque alguien con autoridad les dice que lo hagan. Las atrocidades de la Segunda Guerra Mundial todavía estaban frescas en la mente de todo el mundo – el final del experimento coincide con la ejecución de Adolf Eichmann –  y junto a este, hubo un movimiento de experimentos sobre el comportamiento humano que trataban de entender la naturaleza social de ciertos actos psicopáticos. Los resultados mostraban que la mayoría de la gente permite someterse a la autoridad, y bajo su influencia son capaces de infligir daño a otras personas, pero Milgram se hizo más famoso por engañar a los sujetos del experimento más que por las verdades sobre el ser humano que reveló, incluso a pesar del resto de experimentos que hizo, algunos si cabe más interesantes y valiosos que el “Maestro-alumno”.

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En un biopic al uso, la mayoría de los guionistas intentarían encontrar alguna manera para que el experimento se convierta, de alguna manera, en una metáfora de la vida de Milgram, y en cierto modo Almereyda está tratando de dar la vuelta a esa tendencia. La mayoría de tiempo se centra en sus trabajos, detallando algunas de sus pruebas más allá de su proyecto más conocido, y hace bastante hincapié en dejar claro que el personaje debería de ser recordado por la calidad y los resultados de su trabajo y no por las tibias polémicas que inspiró entre las personas que, en realidad, ni habían estudiado sus conclusiones. De este modo, las secuencias más intrigantes se encuentran en la segunda etapa de la película, en la que Almereyda muestra algunos de esos otros trabajos como la carta perdida y los seis grados de separación. Ese enfoque, que consigue un tono aséptico y bastante plano, resulta un esfuerzo paradójico al despojar de herramientas de evaluación de la vida personal del personaje, y el resultado a veces carece de la nitidez necesaria para huir de esas ideas preconcebidas en los biopic.

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Una de los detalles más sorprendentes es la facilidad con la que Almereyda hace que parezca natural el gran número de herramientas que pone a su disposición y la forma inteligente en la que las utiliza. Detalles que van desde lo Dogma, como las escenas rodadas con fondos planos, en blanco y negro o los exagerados cromas retro en el coche a otros que directamente utiliza a un elefante en la habitación (una metáfora literal a cuando hay que hablar de algo peliagudo). La primera vez que Milgram rompe la cuarta pared, por el contrario, es casi sin llamar la atención, para aclarar un punto menor, pero el uso del recurso va creciendo hasta llegar al punto en el que Milgram no sólo parece bastante consciente de que es un personaje de ficción, sino que incluso después de muerto, es como si todavía estuviera tratando de recuperar el control de la narración desde el más allá. Puede que descrito suene demasiado referencial, o un tanto experimental, pero nunca se superpone a la idea principal que trata de transmitir la obra y sencillamente funciona como un elemento de ruptura divertido y no demasiado invasivo.

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Un algo desmejorado, o sencillamente muy delgado, Peter Sarsgaard conduce su actuación por el lado más silencioso, una contención que da la correcta impresión de que la persona que habla es una persona sumamente inteligente. Su visión congestionada de un Milgram seco es la percha en la que se sujeta sin peligro la película. Su frialdad inicial va dando un paso hacia una ironía que fluye del conocimiento preciso que el personaje posee de ciertos aspectos de la conducta humana, mientras que su figura, mitificada por su trabajo y la fama que le rodea, encuentra algunos puntos de bisagra con los que dar algunas pistas de que es más emocional que lo que deja ver. Un constante tira y afloja que consigue que el espectador simpatice con su orgullo herido mientras resulta ligeramente irritante por tener demasiado.

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Experimenter es un recital de Sarsgaard y Milgram, pero hay un reparto lleno de sorpresas en papeles menores y otros que están a su lado en todo momento. Winona Ryder es la que más tiempo aparece como su novia, y después esposa, Sasha. Un papel extraño, un contrapunto que refleja la curiosidad del espectador, la dedicación, y a veces la exasperación se escapa a lo que se pudiera esperar. Hay un montón de caras conocidas entre los secundarios, Jim Gaffigan como uno de los primeros colaboradores, John Leguizamo, el difunto Antón Yelchin o Lori Singer como sujetos experimentales, Dennis Haysbert y Kellan Lutz como los actores protagonistas en una película para la televisión  inspirada en el trabajo de Milgram. El metajuego con esa película demuestra que Almereyda se divierte guiñando hacia el público y mantiene una apariencia consistente cuando pasa desde la década de 1960 a la horterada de la década de 1970. A pesar de que su prosa estéril la aleje un poco la implicación con lo que se cuenta, no se puede negar que es un trabajo discreto, pero siempre elegante.

Jorge Loser

Published in: on agosto 26, 2016 at 6:11 am  Dejar un comentario  
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La Aventura estrena este viernes en España “Experimenter: La verdadera historia de Stanley Milgram”

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El próximo viernes 26 de agosto La Aventura Audiovisual estrenará en salas españolas la película basada en hechos reales Experimenter: La historia de Stanley Milgram de Michael Almereyda. El director de Nadja y Hamlet, se sumerge en el que fuera uno de los experimentos psico-sociológicos más interesantes de la historia: el conocido como “Experimento de Milgram”, cuyo objetivo era medir la capacidad de disposición de un individuo a obedecer órdenes autoritarias a pesar de estar éstas enfrentadas a su propia conciencia. Un gran Peter Sarsgaard interpreta al ideólogo de estos experimentos, el psicólogo Stanley Milgram, mientras que Winona Ryder es la encargada de dar vida a su mujer, dentro de un reparto que incluye los nombres de Anthony Edwards, John Leguizamo, Taryn Manning o el recientemente fallecido Anton Yelchin.

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Sinopsis: En 1961, el psicólogo Stanley Milgram llevó a cabo en la Universidad de Yale una serie de experimentos sobre la obediencia. La investigación, planteada a raíz del juicio al dirigente nazi Adolf Eichmann, pretendía dilucidar la relación de las personas con la autoridad. Pronto el doctor empieza a comprobar ciertos aspectos del comportamiento humano que no habían sido descubiertos, lo que provocará una de las polémicas más impactantes del siglo XX.

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LA CRÍTICA HA DICHO DE ELLA:

“Estilizado y ágil retrato de un tema importante” (The New York Times)

“Extraordinaria, reveladora y llena de audacia” (Newsday)

“Profunda y fascinante” (Washington Post)

Con motivo de la llegada a salas comerciales españolas de esta interesante propuesta, coincidiendo con su estreno el próximo viernes os ofreceremos una reseña analítica de la película a cargo de Jorge Loser en lo que será su debut como colaborador en La abadía.

Published in: on agosto 24, 2016 at 5:55 am  Dejar un comentario  

Fallece Kenny Baker

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Hace apenas unos días nos dejaba, a los 81 años de edad, el actor británico Kenny Baker, conocido principalmente por dar vida a R2-D2 en la saga de Star Wars desde la primera entrega, La guerra de las galaxias (1977) de George Lucas. Baker trabajó en otros títulos importantes, como El hombre elefante (1980) de David Lynch o Amadeus (1984) de Milos Forman, así como en otras producciones de la factoría Lucas –Dentro del laberinto (1986), Willow (1988)-, pero el gran público siempre le relacionará como el partenaire de C-3PO (encarnado por Anthony Daniels) en la odisea galáctica iniciada por Lucas. De este modo, era común ver a Baker en diferentes actos, convenciones o documentales relacionados con Star Wars. Uno de ellos fue I Am Your Father (2015), de Toni Bestard y Marcos Cabotá, cinta nominada al Goya al Mejor Largometraje Documental en su última edición, centrada en la figura del actor David Prowse, encargado de dar vida al icónico Darte Vader en las primeras entregas de la franquicia. Baker era uno de los entrevistados a lo largo del metraje, y por eso hemos decidido contactar con Bestard y Cabotá para que nos den sus impresiones de como fue coincidir con él, y qué creen que supone para la inmortal saga.

Toni Bestard:

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Conocí a Kenny Baker hace tres años en la convención oficial de Star Wars en Essen (Alemania). Tengo que decir que de todos los actores que entrevistamos en el documental I Am Your Father, fue uno de los más atentos y entrañables de los que se sentaron frente a la cámara.

Era un tipo que sabía perfectamente en que negocio se había metido y vivía (como tantos otros actores detrás de una máscara) gracias a los fans, además de por y para los fans (para lo bueno y para lo malo, ya que en algunas ocasiones, el mal humor le acechaba entre tanta convención y firmas). Se le perdona, ya que aunque estuvo en las entrañas del robot más carismático de la historia del cine (con permiso de HAL 9000), él también era un tipo con un carisma desbordante.

D.E.P.

Marcos Cabotá:

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Kenny es eterno. R2-D2 es un droide invencible. Ha sobrevivido batallas imposibles en Yavin, Hoth y Endor. Ha salvado a Luke, a Leia y a Han en incontables ocasiones. ¿Que Kenny Baker ha muerto? Perdona, Kenny Baker no ha muerto. Kenny Baker es R2 y le quedan muchas aventuras por delante. Aun tenemos que ver como ayudará a Rey, Finn y a Poe para vencer al Líder Supremo Snoke. ¡Qué va!, a Kenny le queda mucha tralla por delante. Es lo que tiene ser un droide invencible.

En el momento en que Kenny dio vida a R2-D2 (Arturito, para la familia cercana), bebió del Santo Grial y se le concedió la vida eterna. Por mucho que nos intente convencer Obi-Wan, Kenny SÍ es el droide que buscamos y lo seguiremos haciendo en todas las aventuras de esta Galaxia “muy, muy lejana”.

Así que Kenny, a pesar de lo que puedan decir por ahí, te veo en el Episodio VIII, IX y en todos los que vendrán después, porque sin ti no hay aventura.

Kenny, eres eterno. 

Javier Pueyo

Published in: on agosto 22, 2016 at 6:11 am  Dejar un comentario  
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Réquiem por un empleado

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Título original: Réquiem por un empleado

Año: 1978 (España)

Director: Fernando Merino

Productor ejecutivo: Roberto Pérez Moreno

Guionista: Fernando Merino

Fotografía: Miguel Fernández Mila

Música: Phonorecord

Intérpretes: Pedro Osinaga (Juan Fonseca), Ira von Fürstenberg (Isabel), Rafael Alonso (Don Hermógenes), Alfonso del Real (Don Luis), Silvia Tortosa (Pilar), Mónica Randall (Amiga de Pilar), Manuel Zarzo (Ibáñez), Rafael Hernández (Pedro), Emilio Rodríguez (Contable empresa), Jenny Llada [acreditada como Jenny O’Neil] (Amante de Don Hermógenes), Ramón Lillo [acreditado como Ray Nolan], Julia Caba Alba (Doña Luisa), Jerónimo Meseguer, Isidro Luengo, Juana Jiménez, Luis Agudín, José Abel Navarro, Antonio Ramis, Paco Catalá (Taxista), Raquel de Miguel…

Sinopsis: Juan Fonseca trabaja como administrativo en una fábrica, en la que se empieza a utilizar una nueva máquina que revoluciona la producción. Después de un noviazgo de siete años, se casa y entra de lleno en la sociedad de consumo: casa, coche, televisor… Como su esposa está embarazada y el sueldo no es suficiente, se ve obligado a pluriemplearse, pero la tensión del trabajo y de su vida matrimonial traerá peligrosas consecuencias para su salud.

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Lejos del eclectisimo demostrado por su hermano José Luis, la trayectoria cinematográfica como director de Fernando Merino está estrechamente ligada al terreno de la comedia, a excepción de un par de fugas puntuales localizadas significativamente hacia el final de su carrera. Dicha especialización genérica brindaría al cineasta madrileño la oportunidad de participar de modo activo en varias de las principales corrientes surgidas dentro del seno de la comedia autóctona coetánea. Así, tras debutar en 1966 con la adaptación de la polémica novela homónima de Darío Fernández Flórez Lola, espejo oscuro, pasaría a convertirse en los años siguientes en poco menos que el director oficial de las comedias orquestadas por el productor y guionista José Luis Dibildos, encuadrándose en este periodo los que quizás sean sus mejores y más recordados trabajos[1]. Fuera ya del paraguas de Ágata Films, se arrimaría al ascua del recién nacido landismo, al que contribuiría con títulos tan característicos del fenómeno como Préstame quince días (1971), No desearás la mujer del vecino (1971) o Los días de Cabirio (1971), todas ellas financiadas por el inefable José Frade. Un bagaje, en suma, que le hacen merecedor, por derecho propio, de ser considerado como uno de los principales cultivadores de la denominada españolada, a la altura de un Luís María Delgado o Javier Aguirre, pongo por caso, pero lejos del brillo de los primeros espadas del estilo; es decir, Mariano Ozores, Pedro Lazaga y Ramón “Tito” Fernández, en este orden concreto.

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En virtud de lo expuesto, no es difícil ver en su figura a un realizador de los llamados artesanales, habituado a poner su oficio al servicio del proyecto que le fuera encomendado sin que mediara por su parte mayor compromiso personal que el profesional. Un perfil que tan solo sería roto por Réquiem por un empleado (1978), film que, curiosamente, cerraría su filmografía en la gran pantalla, poco antes de producirse su retirada total de la profesión tras dirigir varios capítulos de la popular serie televisiva Curro Jiménez (1976-1979) en sustitución de Pilar Miró. El porqué de esta apreciación se sustenta en el hecho de ser la única película de Merino escrita por él mismo en solitario, lo que de entrada le otorga un grado de autoría que es confirmado con posterioridad por la naturaleza de su propuesta. Y eso que, a decir verdad, sobre el papel su contenido no se diferencia en demasía de los aludidos exponentes a los que tan habituado estaba su responsable, empezando por la confección un reparto que, encabezado por Pedro Osinaga e Ira de Fürstenberg, se nutre de un plantel de secundarios tan asociados al estilo como Rafael Alonso, Alfonso del Real o Julia Caba Alba, sin olvidar la presencia de Silvia Tortosa y Mónica Randall. Al ya de por sí indicativo concurso de estos intérpretes, hay que añadirle la comparecencia en su trama de varios ingredientes argumentales bien característicos de la españolada tardofranquista como es el protagonismo de un hombre normal y corriente al que una serie de circunstancias acabarán por abocarle a una espiral de peripecias cada vez más delirantes, en las que no faltarán los flirteos sexuales al margen de la pareja.

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Sin embargo, estos ingredientes tan familiares para su director son empleados en esta ocasión con unas pretensiones bien distintas a las acostumbradas; nada menos que las de realizar una reflexión sobre el pernicioso impacto del consumismo en la sociedad española de la época y, más concretamente, sobre la vida laboral y familiar del ciudadano medio, localizada, para más inri, en un contexto histórico muy determinado: en pleno inicio de la apertura democrática experimentada por nuestro país tras cuarenta años de dictadura, ahí es nada. Como el propio cineasta declararía poniendo de relieve su grado de implicación en el proyecto, “como el guion era mío deposité en él todas mis ideas sociopolíticas[2]”, las cuales son articuladas a través de un punto de partida de lo más sencillo. El secretario personal del dueño de una importante industria cárnica es poco menos que obligado por su jefe a adquirir un utilitario ante los continuos retrasos que acumula en su entrada al trabajo por causa del transporte público, sirviéndose para ello del préstamo a “muy bajos intereses” que la propia empresa le facilita. Dicha decisión supondrá el principio del fin para el hombre, que poco a poco tendrá que ir ocupando su tiempo libre con nuevos empleos con los que poder hacer frente a los cada vez más numerosos gastos que le irán surgiendo: multas de tráfico, averías mecánicas del vehículo, la compra de un piso al que mudarse con su novia de toda la vida tras dejarla embarazada y tener que casarse con ella deprisa y corriendo…

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Un planteamiento a priori no exento de interés, pero que es malogrado a causa del tratamiento al que le somete su ideólogo -quien, no obstante, consideraba a la cinta resultante uno de los trabajos que más le gustaban de toda su filmografía[3]-, lo que se traduce en un film totalmente descompensado entre sus dos vertientes – esto es, la cómica y la alegórica-, aunque no del modo que en principio pudiera esperarse a tenor de sus antecedentes. Por el contrario, el director de El padrino y sus ahijadas (1974) pone en todo momento el foco de su atención en el comentario social, quedando la supuesta carga cómica del conjunto supeditada, cuando no desaparecida, en virtud de la consecución del referido discurso. Con esto no quiere decirse que el film se encuentre libre de atributos. Sin ir más lejos, Merino atina a la hora de plasmar diferentes estampas cotidianas con las que ilustrar algunos de los males endémicos que aquejaba aquella sociedad (y que en ciertos casos continúan), caso de la alienación televisiva y publicitaria, la represión sexual, o la preponderancia de unas normas sociales circunscritas, básicamente, a las apariencias, tal y como el padre de su novia confiesa al protagonista para justificar su negativa a que la pareja pase la noche fuera de casa, lo que en última instancia no evitará que su hija acabe quedando en estado de buena esperanza. Algunos de ellos son incluso visualizados con una apreciable inventiva, destacando en este sentido aquella secuencia en la que, tras diferentes planos de paredes ilustradas con pintadas y carteles de carácter político que reflejan la efervescente y convulsa situación que atravesaba el país en aquellos momentos, la cámara recorre una cola que espera pacientemente la llegada del bus en la que todos sus integrantes se encuentran leyendo el diario deportivo.

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El problema es que su bienintencionada denuncia a la manera de funcionar del sistema capitalista no resulta demasiado original y está formulada, además, en unos términos bastantes panfletarios, cuando no pueriles, a pesar de algunos aciertos aislados como los ya comentados. Una muestra muy significativa a este respecto se encuentra en el alegórico paralelismo tan oportuno como manido que se establece entre esa moderna máquina de fabricar salchichas adquirida por la empresa y forzada paulatinamente a aumentar su producción, con el rol principal y la deriva laboral en la que se ve inmerso. Por otra parte, la cinta discurre bajo un forzado e indigesto tono discursivo que es ejemplificado en diálogos tan poco naturales como el mantenido en el comedor de la empresa entre el personaje que encarna Emilio Rodríguez, un contable que funciona como el Pepito Grillo de la historia con sus prudentes consejos al resto de los empleados, y uno de los obreros de la explotación al que interpreta Rafael Hernández. “¿No te acuerdas cuando desarrollo, tecnología, macroindustria, infraestructura, no eran sino palabras que había que buscar en el diccionario? Pero claro, tú y yo trabajábamos para la pequeña industria y nos defendíamos. ¿Que pasa ahora?”, dirá el primero al currela que, con el bocata y el botellín de cerveza a un lado, responderá con la siguiente parrafada sin anestesia previa: “Lo de siempre. Un proceso de espera. Usted me pregunta si no fueron mejores aquellos tiempos. Puede que sí, pero eso no arregla nada. El tiempo es el gran remedio. Recuerde que así como en su hora la pequeña industria engendró por su propia evolución las condiciones de su destrucción, así también hoy la forma de producción capitalista está engendrando las condiciones materiales de su muerte. Después ya veremos”.

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Así las cosas, uno no puede sino recordar y preferir una españolada al uso como ¡No firmes más letras, cielo!  (1972) de Pedro Lazaga, con la que Réquiem por un empleado mantiene innegables similitudes de todo tipo, tanto en la forma como en el fondo. También en ella su protagonista, un tal Sabino Gurupe al que presta sus rasgos Alfredo Landa, se ve empujado a las redes del pluriempleo como medio para poder satisfacer las necesidades económicas a las que le conduce la sociedad de consumo, aunque en su caso no sea tanto por culpa de las circunstancias como por las exigencias que le reclaman su suegra y esposa. Un exponente que, con toda la carga misógina y conservadora que se quiera, demuestra esa reconocida capacidad de la tan denostada comedia popular española practicada desde mediados de los cincuenta hasta principios de los ochenta para, burla burlando, hacerse eco de la coyuntura socio-política que le rodeaba, sin necesidad de acudir para ello a molestos subrayados y carente de cualquier tipo de pretensión que no fuera la de conectar con su audiencia.

José Luis Salvador Estébenez

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[1] A saber, La dinamita está servida (1968) y Los subdesarrollados (1968), ambas adscritas a las tramas corales, protagonizadas en por “pillos”  y hermanadas por contar con un reparto más o menos similar, con Tony Leblanc y Laura Valenzuela como principales figuras.

[2] Extraído de la entrevista a Fernando Merino incluida en El cine español según sus directores (Cátedra, Madrid, 2009)  de Antonio Gregori, página 567.

[3] Op. Cit. Nota 2.

Published in: on agosto 19, 2016 at 5:54 am  Dejar un comentario  

“Inside”, de Miguel Ángel Vivas, inaugurará Sitges 2016

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El Festival de Sitges levantará el telón de su 49ª edición con la première europea de la terrorífica Inside, una cinta dirigida por Miguel Ángel Vivas (SecuestradosExtinction), con guión de Jaume Balagueró y su colaborador habitual Manu Díez, y protagonizada por Rachel Nichols y Laura Harring. Con su elección, el certamen apuesta una vez más por la producción autóctona en su gala de apertura.

Como es conocido, Inside se basa en la francesa À l’intérieur, film dirigido por Alexandre Bustillo y Julien Maury que impactó el público en Sitges 2007 y que ha devenido con el paso del tiempo en una cinta de culto. En ella, una joven viuda, embarazada y deprimida, intenta reconstruir su vida después del fatídico accidente de tráfico en el que perdió a su pareja y su oído de manera parcial. Pasado el tiempo y a punto de dar a luz, vive en una casa aislada de un suburbio cuando, una noche de Navidad, recibe la visita inesperada de otra mujer con un objetivo demoledor: arrebatarle el bebé que lleva dentro. Pero la furia de una madre para proteger a su hijo nunca puede ser subestimada. Rachel Nichols (The LoopTokarevCuatro Fantásticos) y Laura Harring (Mulholland DriveInland EmpireEl amor en los tiempos del cóleraThe Punisher) interpretan los dos papeles principales en esta lucha cuerpo a cuerpo, brutal y sangrienta.

Inside está producida por Nostromo Pictures, una compañía con base en Barcelona que ha estado detrás de los films de Rodrigo Cortés Buried y Red LightsGrand Piano, que inauguró el Festival de Sitges en 2013 o el éxito de taquilla Palmeras en la nieve. Entre sus próximos proyectos se encuentran los thrillers El guardián invisible y Contratiempo.

Más información: http://sitgesfilmfestival.com/

Published in: on agosto 18, 2016 at 10:01 am  Dejar un comentario  
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Entrevista a Cristóbal Santana, director de “The Night of the Living Dead 2: Case Zero”, precuela del clásico de Romero

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Con un par de cortos en su trayectoria, el realizador canario Cristóbal Santana debuta en el largo con The Night of the Living Dead 2: Case Zero, autodenominada precuela del clásico de 1968 de George A. Romero. En esta película, una madre y su hija van a pasar el fin de semana a la casa de los abuelos, sin saber que se ha desatado la epidemia zombie. Os dejamos con el director, para que nos cuente los secretos de su película:

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¿Cómo se te ocurrió la idea de rodar una precuela de La noche de los muertos vivientes?

La idea original era hacer una película de terror que se desmarcara un poco de los títulos convencionales. Se me ocurrió la idea que La noche de los muertos vivientes nunca tuvo una segunda parte realmente y por ahí fue donde vi la oportunidad de hacer algo diferente.

La mayor parte de la película sucede dentro de una casa, ¿cómo se desarrolló el rodaje?

El rodaje se desarrolló muy deprisa, teníamos muy poco tiempo. Casi toda la película se realizó en sólo un fin de semana.

La película esta grabada a modo falso documental cámara en mano. Precisamente, tanto The Zombie Diaries y su secuela, como El diario de los muertos del propio Romero son películas de la temática rodadas utilizando este mismo lenguaje. ¿Es un homenaje a ellas? ¿De ese tipo de películas hay alguna más que te haya servido como inspiración?

No es ningún homenaje al cine del falso documental. La idea original de rodarla en ese formato, aunque había muchas de este estilo, surgió tras ver la película La visita.

¿Cómo fue la elección del reparto? ¿Eran conocidos tuyos o hubo proceso de casting? Una cosa que me llamó la atención es que los personajes de madre e hija están interpretadas por dos chicas que tienen aproximadamente la misma edad. ¿Fue  algo premeditado o surgió así con la elección de las actrices?

Si, hubo un proceso de casting donde se eligió a casi todo el reparto. El casting duró sólo una mañana y tenía que tomar la decisión esa misma tarde de quienes iban a interpretar la película. El caso curioso de las protagonistas es que Clara, la actriz que hace de la madre, no venía por el personaje de madre, sino de extra, y justo esa tarde, la actriz elegida para ese papel lo declinó; yo vi que Clara obviamente era joven, pero vi que la actriz que hacía de su madre y ella tenían similitudes, y la otra protagonista que hacía de hija acababa de cumplir los 18 y conectaron desde el primer momento en las pruebas. Y así lo decidí.

En una escena, la abuela le dice a la nieta que el abuelo le traiga “un poco de romero”. ¿Es un guiño al director de Zombi?

Justo esa frase la decidió la propia actriz. Me lo consultó antes de empezar a rodar y quedó bastante bien. Yo sabía que el espectador que viera la película conocería el pequeño guiño.

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Muchas películas españolas de terror de los setenta estaban rodadas en España pero ambientaban sus historias en otros países. ¿Ocurre eso en la tuya?

Esta película transcurre el mismo día de los hechos de la original, pero en un lugar diferente; digamos que si.

El cine de terror en diversas ocasiones también ha pretendido tener una doble lectura sobre algún conflicto político o social, ¿tiene tu film algo de esto o directamente se ciñe únicamente al origen de la epidemia zombie?

Esta película trata sobre un tema diferente a lo que estamos acostumbrados a ver. Se trata de una película de terror con temática familiar. Cuando se filmó La noche de los muertos vivientes era una época distinta, somos diferentes directores y cada uno tiene su forma de ver la historia.

¿La película ha recibido alguna ayuda o la has financiado tú al cien por cien?

Yo la financié íntegramente. Fui el único productor.

¿Tienes pensado distribuirla por festivales? Si es así, ¿por cuales?

Si, claro. La película se está moviendo por varios festivales de género de terror y fantástico tanto de dentro de España como de fuera. En festivales como Buenos Aires Rojo Sangre, el Festival de Cine de Galdar o Sitges se ha visionado la película.

¿The Night of the Living Dead 2: Case Zero tiene ya distribuidora para salas o se proyectará sólo en sesiones concretas?

La película actualmente se distribuye por VOD por la web indihometv.

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Háblanos un poco de tu trayectoria. ¿Es tu primer largometraje? ¿Estabas metido anteriormente en el mundo del corto?

Si, es mi primer largometraje. Venía de producir y dirigir un par de cortos y estar en certámenes en Las Palmas de Gran Canaria; me alejé del mundo del corto para seguir escribiendo mis propios guiones y como quería dar el salto al largo, necesitaba una película que fuera un pequeño trampolín en mi carrera. Tenía claro que si realizaba una secuela o precuela de una película conocida iba a ser un gran reto, porque tienes que mostrar al espectador algo nuevo que no se mostrara antes, por eso, cuando tomé las riendas de esta película, estaba en una encrucijada, porque no sabía qué rumbo debería tomar el proyecto. Escribí dos guiones para esta película, el cual el primero es el que yo quería realizar, pero no se pudo llegar a un acuerdo con la localización. En el segundo guión la historia quedaba más parecida a la película original y sabía que el público se iba a aburrir. Fue entonces cuando viendo una noche la película La visita pensé: ¡La idea es genial! Ya tenía una idea, ahora tocaba de qué forma se iba a rodar: si como película normal o falso documental. Decidí optar por lo segundo porque creo que la historia estaría mejor contada desde un punto de vista en primera persona.

Después de esta película ¿tienes algún nuevo proyecto en mente?

Acabo de terminar los borradores para una serie de televisión. Su nombre es SPRINGWOOD. Se grabará íntegramente en Las Palmas de Gran Canaria y cercanías. Después de eso si tengo en mente volver al cine de terror donde traeré más de una sorpresa para los amantes del género.

De todas las películas clásicas que están libres de derechos ¿te gustaría hacer tu libre versión de alguna más?

Dorian Grey. Es un personaje que me fascina, y si, me gustaría hacer mi propia visión de la película, pero tienes que mostrar más de lo que conocemos de él. Volver a rehacer la misma historia una y otra vez no tiene lógica. Creo que cuando tenga el guión digno la llevaré a la pantalla.

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Hablando de cine, ¿por qué actores y directores sientes especial predilección? ¿Qué películas tienes entre tus favoritas?

De mis actores favoritos la lista es corta y siempre lo he tenido claro: Donald Pleasence se ganó su fama como el psiquiatra que siempre quería capturar a Michael Myers en Halloween; Anthony Perkins se inmortalizó con su personaje de Norman Bates en Psicosis; y el gran Angus Scrimm como el eterno hombre alto de la saga Phantasma. Y de entre mis directores, también la lista es corta y la encabeza David Cronenberg y su película La mosca, que es una de mis favoritas. Clive Barker tiene una visión del cine que es increíble, a pesar de que él viene de la escritura, no era director, pero al igual que yo quería dirigir, y en su corta filmografía tiene auténticas joyas. Y, por último, John Carpenter, que si bien es mundialmente reconocido dentro del género de terror por películas como La noche de Halloween o La cosa, también apostó por el género fantástico en films como Golpe en la pequeña China demostrando ser un gran director.

Para terminar, ¿qué le dirías a la gente que esté leyendo la entrevista para que se animase a ver tu película?

Les diría que si les gustó el clásico original y cuando la vieron era algo nuevo para ellos, esta segunda parte en forma de precuela es algo nuevo también; otra forma de terror y de ver una nueva historia que forma parte del universo original de La noche de los muertos vivientes.

Carlos J. Rodríguez

Published in: on agosto 12, 2016 at 5:54 am  Comments (1)  
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Regia Films recupera en Blu-ray “La frusta e il corpo” de Mario Bava

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Regia Films amplia su apuesta por la alta definición al cine clásico con la salida de su segunda edición en Blu-ray. Un lanzamiento que, por otra parte, entronca con otra de las líneas editoriales que viene desarrollando el sello barcelonés como es la recuperación y difusión de la filmografía del maestro del fantástico italiano Mario Bava. Una labor que en este caso se cumple por partida doble, ya que el título escogido en esta oportunidad ha sido La frusta e il corpo, film protagonizado en 1963 por Christopher Lee y Daliah Lavi que se encontraba hasta el momento inédito en nuestro país comercialmente hablando, debido en gran medida a la temática sadomasoquista que encierra bajo sus ropajes de exponente de cine gótico su argumento, a la que no es ajena la participación en su guion del gran Ernesto Gastaldi, todo un obsesionado en la materia como demuestran algunos de sus trabajos para Sergio Martino como La perversa señora Wardh o Vicios prohibidos, esta última también disponible en formato DVD por parte de Regia.

Como ha venido siendo moneda común en los anteriores lanzamientos dedicados por Regia Film a la obra del genio de San Remo, se trata de una edición a la altura de las circunstancias que puede catalogarse de única a nivel mundial. Compuesta por dos discos, el primero de ellos presenta la versión internacional de la película en formato Blu-ray a partir del máster HD de “Hollywood Classics”, corrigiendo el virado a azul y el oscurecimiento de la colorista fotografía original que se daba este, incluyendo tres pistas sonoras en italiano, inglés y español neutro, así como dos subtitulados en castellano para cada uno de los doblajes en italiano e inglés. Por su parte, el segundo disco se trata de un Dvd denominado “Extras”, entre el que se encuentra el montaje italiano de La frusta e il corpo con idéntico contenido sonoro al del Blu-ray y también doble subtitulado, además de los trailers italiano, francés y alemán del film, así como los créditos de la copia norteamericana titulada What? Para completar aún más la edición, esta se completa con un libreto totalmente ilustrado de veinte páginas escrito por Carlos Díaz Maroto y Roberto García Ochoa-Peces en las que nuestros dos buenos amigos ponen en antecedentes sobre el cine gótico italiano, informan sobre la producción del film, y lo analizan.

A continuación os dejamos con unas cuantas capturas del blu-ray en las que se puede apreciar la calidad de imagen de la edición (pinchad en las fotos para ampliarlas):

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Limitada a una tirada numerada de mil copias y presentada con funda exterior de cartón y caratula ilustrada interiormente, la edición de La frusta e il corpo comercializada por Regia Films se encuentra ya disponible en el mercado y puede adquirirse a un precio de 17,95 € a través de la propia tienda-web del sello, http://www.regiafilms.com/, la cual, por cierto, se encuentra ahora mismo en plena campaña veraniega que hace que gran parte de su catálogo se encuentre rebajado con un treinta y cinco por ciento de descuento, ofertando además gastos de envíos gratuitos para todos aquellos pedidos con un importe superior a 20 €.

Published in: on agosto 11, 2016 at 5:51 am  Comments (1)  

Entrevista en “El hijo del aprendiz de Satanás”

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Desde ayer ya está disponible para su escucha un nuevo programa número del podcast de “El hijo del aprendiz de Satanás” que realiza Víctor Olid. Un programa de lo más especial para quien esto escribe, ya que está protagonizado por la distendida charla que mantuvimos hace unos días en un ambiente relajado y cómplice Víctor y yo apropósito de mi labor dentro de la escritura cinematográfica. Entre los temas tratados, se encuentra la andadura de La abadía de Berzano, mis colaboraciones en diferentes publicaciones impresas, el nacimiento del nuevo fanzine “Obsesión continua” del cual soy co-fundador, o nuestros diferentes puntos de vista sobre el fantaterror español, entre otros temas.

Para escuchar o descargar el programa, solo hay que pinchar el siguiente enlace:

http://www.ivoox.com/hijo-del-aprendiz-satanas-159-audios-mp3_rf_12469938_1.html

Published in: on agosto 9, 2016 at 5:50 am  Dejar un comentario  

Howard Shore, invitado de honor en FIMUCITÉ 2016

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El compositor canadiense ganador de tres premios de la Academia de Hollywood Howard Shore será uno de los principales invitados de la décima edición del Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife (FIMUCITÉ), que se celebrará entre el 23 de septiembre y 1 de octubre de 2016 con el patrocinio del Cabildo Insular, el Gobierno de Canarias y el Ayuntamiento de Santa Cruz. El aclamado autor de las bandas sonoras de las trilogías de El Señor de los Anillos y El Hobbit recibirá el Premio FIMUCITÉ – Antón García Abril y una selección de su música sonará en la gala de clausura del festival, que se celebrará como cada año en el Auditorio de Tenerife “Adán Martín”, dependiente del Cabildo.

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El programa previsto para el concierto del sábado 1 de octubre ofrecerá una amplia muestra de las grandes colaboraciones de Howard Shore con cineastas de máximo prestigio como David Cronenberg, Martin Scorsese y Peter Jackson, cuyas películas ambientadas en la mitología de la Tierra Media ideada por J. R. R. Tolkien tendrán notable protagonismo. También se incluirán piezas de sus grandiosos trabajos para Ed Wood de Tim Burton, Se7en de David Fincher y El silencio de los corderos de Jonathan Demme, entre otros.

Otro de los galardones FIMUCITÉ – Antón García Abril que se otorgarán en el décimo aniversario del festival ya ha sido anunciado y se otorgará a título póstumo a la compositora Shirley Walker, fallecida en 2006. Ganadora de dos premios Emmy, en el año 1992 se convirtió en la primera mujer compositora en trabajar en una producción de Hollywood, Memorias de un hombre invisible, de John Carpenter.

Las localidades para el concierto que tendrá lugar el viernes 30 de septiembre bajo el título “Space Opera: La música de las estrellas”, en el Auditorio de Tenerife “Adán Martín”, ta se encuentran disponibles en taquilla y en la página web www.auditoriodetenerife.com. Este programa estará dedicado a las bandas sonoras más populares del género de la ciencia ficción, desde Star Wars a Star Trek, pasando por Dune o Battlestar Galactica. Las entradas para la Gala de Clausura se podrán adquirir a partir del jueves 2 de junio, y también saldrán a la venta abonos para disfrutar de los dos conciertos sinfónicos del festival beneficiándose de un descuento de 5 euros sobre el precio total.

Más información: http://fimucite.com/f10/

Published in: on agosto 8, 2016 at 5:53 am  Dejar un comentario  
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