Luigi Cozzi edita en DVD su película “Blood On Melies’ Moon”

Fenomenal noticia para los seguidores del cine fantástico italiano. Hace escasas fechas Luigi Cozzi ha editado en formato DVD a través de su sello Profondo Rosso Blood on Melies’ Moon, film que ha supuesto su regreso como director al largometraje de ficción, tras veinticinco años alejado del formato, y que pudo verse en la pasada edición del Festival de Sitges dentro de la sección “Brigadoon”.

Sinopsis: Francia, 1890. El inventor Louis Le Prince, después de patentar una máquina para fotografiar imágenes en movimiento y proyectarlas, ha desaparecido en extrañas circunstancias. Desde entonces no se ha vuelto a saber nada de él ni de su invento. Cinco años más tarde, los hermanos Lumière de Lyon han patentado una máquina muy similar a la de Le Prince llamada “Cinematógrafo”. Desde ese momento, 1895 es universalmente considerada la fecha oficial del nacimiento del cine. Sin embargo, sigue siendo un misterio qué pasó con Louis Le Prince y su invención. Este misterio (absolutamente auténtico) seguía sin resolverse hasta que de repente, en el 2016, en Roma, se abre “La puerta a los mundos” y con él un universo paralelo donde se encuentra la respuesta a este enigma.

Rodado con la libertad creativa que le brinda el haber sido financiado de su propio bolsillo, el director de Star Crash, choque de galaxias brinda con Blood on Melies’ Moon uno de sus mejores y más estimulantes trabajos y, sin duda, el más personal de todos ellos; un auténtico compendio y resumen de su persona y su obra, en el que aglutina referentes, filias y obsesiones. Su pasión por la literatura fantástica, su faceta de historiador cinematográfico, su querencia por los efectos especiales de estética kitsch, el giallo, la ciencia ficción y toneladas de cinefilia conviven en un irónico y cómplice artefacto metaficcional con reminiscencias experimentales, protagonizado por el propio cineasta y que tiene como hilo conductor la invención del cinematógrafo.

La edición en DVD de Blood on Melies’ Moon ofrece la película en su versión original italiana en una pista 5.1 con subtítulos en castellano, inglés y francés, e imagen con un aspect ratio de 1.66:1 con mejora anamórfica. Como extras, se incluyen dos piezas tituladas “FX Making Of” y “Backstage”.

Más información y pedidos en: http://www.profondorossostore.com/es/home/328-blood-on-melies-moon-la-porta-sui-mondi-un-film-di-luigi-cozzi.html

Published in: on julio 27, 2017 at 5:44 am  Dejar un comentario  

A la venta el número 6 de “Klowns Horror Fanzine”

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Desde comienzos de mes se encuentra a la venta el número 6 de “Klowns Horror Fanzine”. En esta ocasión, la revista temática publicada por KlownsAsesinos.com dedica sus páginas a las películas sobre paradojas y viajes a través del tiempo, un subgénero enmarcado principalmente en los terrenos de la ciencia ficción que desde hace muchas décadas ha alimentado con sus historias el deseo perseguido por el hombre de poder algún día viajar en el tiempo. Para ello, se comentan más de cincuenta títulos representativos de manera cronológica en un total de cien páginas, a través de críticas, artículos e interesantes análisis; desde El tiempo en sus manos o El planeta de los simios, pasando por la saga Terminator, la trilogía de Regreso al futuro o 12 monos hasta cintas más actuales como Looper, Interstellar o La llegada, entre otros títulos que nos sumergen en sugerentes viajes temporales.

Más información y pedidos en: klownshorrorfanzine@gmail.com

Published in: on julio 26, 2017 at 5:55 am  Dejar un comentario  

“Sharknado 5” se estrenará el próximo 11 de agosto

Fiel a su cita anual, la nueva entrega de la saga Sharknado llegará este verano el próximo 11 de agosto. Syfy y Asylum ya han revelado el que será el título internacional, Sharkando 5: Global Swarming. El estreno de la última entrega de la exitosa franquicia en nuestro país se emitirá a través de Syfy España el 11 de agosto a las 22 horas.

Sharkando 5: Global Swarming y el tagline oficial de la película “Make America Bait Again!”, son el resultado de una iniciativa en redes sociales con fans que fue lanzada este pasado abril. Haciendo una llamada general a los fans para que aportaran sus ideas, Syfy invitó a sus seguidores de Facebook a enviar sus ideas más creativas y estrafalarias con un bot interactivo.

En cuanto al argumento de la película, en Sharknado 5, Fin Shephard (Ian Ziering) y su mujer biónica April (Tara Reid) se toman esta nueva misión como algo personal cuando el más joven de sus hijos queda atrapado en un “viajenado” y es transportado por todo el mundo. De Londres a Rio de Janeiro, Tokio, Roma, Amsterdam y más allá, nuestros héroes trotamundos necesitarán la ayuda de un grupo altamente cualificado: gente de la realeza, estudiosos y deportistas olímpicos; junto con caras conocidas del mundo de la comunicación, el entretenimiento y los deportes en su batalla más épica hasta la fecha.

De momento, entre los cameos anunciados se encuentran:

Fabio (Modelo) como el Papa.
Tony Hawk (Skater profesional) como un maestro estratega.
Clay Aiken (Cantante) como Llewelyn, un genio de la tecnología.
Olivia Newton-John (Cantante y actriz) y su hija Chloe Lattanzi como Orion y Electra,  dos científicas brillantes que ayudarán la defensa de Australia del inminente Sharknado.
Bret Michaels (Cantante) como un artista que queda atrapado en la tormenta.
Margaret Cho (Cómica) como una novia cuya luna de miel se ve interrumpida por los tiburones.
Charo (Cantante, Cómica) como la Reina de Inglaterra.
Gilbert Gottfried (Cómico) como un Ronald McDonald caza-tormentas.
Los presentadores del programa “Today” Al Roker, Kathie Lee Gifford y Hoda Kotb como ellos mismos.
Los medallistas olímpicos Greg Louganis como Zico, un ladrón de obras de arte, y Tom Daley como él mismo.
El medallista olímpico de esquí Gus Kenworthy y el corresponsal de NBC News Jeff Rossen como ellos mismos.
Porsha Williams (The Real Housewives of Atlanta) como Andrómeda, una arqueóloga y miembro de la élite “Hermandad Sharknado”.
Tiffany “New York” Pollard (Flavor of Love) como Vega, una comerciante del mercado negro.
Chris Catan (Saturday Night Live) como el Primer Ministro de Reino Unido.
Cat Greenleaf (Talk Stoop), Dan Fogler (Animales fantásticos) como ellos mismos.
Ross Mullan (Juego de tronos – Caminante Blanco) como el Dr. Wobbegon, un científico que ha hecho grandes avances en estudios meteorológicos para rastrear los sharknados.

Más novedades sobre #Sharknado5 en Facebook, Twitter & Instagram y en www.syfy.es & www.syfy.com/sharknado5

Published in: on julio 25, 2017 at 5:38 am  Dejar un comentario  

Ya a la venta el número 27 de “El buque maldito”

El Buque Maldito #27

Tras ser presentado durante la última edición del Cryptshow Festival, ya se encuentra disponible a la venta el nuevo número de “El buque maldito” a un precio de 3,50 €. Entre los contenidos de este número 27 del fanzine dirigido por Diego López, destaca la entrevista que se ofrece con Jesús Yagüe a propósito de su film maldito Los escondites (1969), película de la que también se ofrece un texto bajo el título “Los escondites, fabula atípica”. Siguiendo con las entrevistas, son también de destacar las protagonizadas por el icono del cine quinqui Bernard Saray, en la que repasa buena parte de su filmografía, o la realizada durante su visita a la pasada edición del Festival de Cinema de Terror de Sabadell al cineasta estadounidense Gary Sherman, responsable de films como Sub-Humanos (1972), Muertos y enterrados (1981) o Poltergeist III (1988); una entrevista que, al igual que la de Jesús Yagüe es completada con el análisis de uno de sus títulos, en este caso el citado Muertos y enterrados.

La fórmula entrevista y artículo se repite de nuevo con Lone Fleming, una de las actrices más características de nuestro fantaterror que habla en una extensa interviú de su trabajo en el cine desde el inicio de la década de los setenta hasta la actualidad, y que se acompaña con la reseña de su film Sexy Cat (1972), adaptación de un bolsilibro de Curtis Garland que supusiera la ópera prima como director de Julio Pérez Tabernero, siendo dicho texto la contribución de un servidor, José Luis Salvador Estébenez, al presente número. Siguiendo con el recorrido a las treinta páginas que lo componen, tampoco podemos olvidarnos del artículo sobre Flor de santidad (1973), toda una rara avis del cine español, dirigida por el ya fallecido actor Adolfo Marsillach, que unifica fábula fantástica y conflicto civil.

Más información y pedidos en: www.elbuquemaldito.com

Published in: on julio 24, 2017 at 5:55 am  Dejar un comentario  

Ikarie XB-1

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Título original: Ikarie XB-1

Año: 1963 (Checoslovaquia)

Director: Jindrich Polák

Productor ejecutivo: Rudolf Wolf

Guionistas: Pavel Jurácek, Jindrich Polák, basándose en la novela La nube de Magallanes de Stanislaw Lem

Fotografía: Jan Kalis, Sasa Rasilov

Música: Zdenek Liska

Intérpretes: Zdenek Stepánek (Capitan Vladimir Abajev), Frantisek Smolík (Anthony Hopkins, el matemático), Dana Medrická (Nina Kirova, la socióloga), Irena Kacírková (Brigitta), Radovan Lukavský (Comandante MacDonald), Otto Lackovic (Michal), Miroslav Machácek (Marcel Bernard), Jirí Vrstála (Erik Svenson, piloto), Rudolf Deyl (Ervin Herold, piloto), Jaroslav Mares (Milek Wertbowsky), Martin Tapák (Petr Kubes, biólogo), Marcela Martínková (Steffa, la esposa de Wertbowsky), Jozef Adamovic (Zdenek Lorenc), Jaroslav Rozsíval (Doctor), Ruzena Urbanova (Eva, la historiadora), Svatava Hubenáková (Rena, esposa de MacDonald), Jan Cmíral, Vjaceslav Irmanov, Miroslav Abrahám, Nadesda Blazickova, Zdenek Jelínek, Bohumil Klika, Jan S. Kolár, Vera Kresadlová, Alena Martinovská, Ladislav Mrkvicka, Vladimír Navrátil, Olga Navrátilová, Marie Popelková, Hana Prazanová, Olga Schoberová, Gustav Vobornik…

Sinopsis: En el año 2163, la nave espacial Ikarie XB-1 se dirige hacia la constelación Alfa Centauri para buscar en ella una nueva forma de vida extraterrestre. Aunque para los astronautas el viaje dura veintiocho meses, cuando la misión llegue a su destino, en la Tierra habrán pasado quince años. Durante el viaje, cuarenta científicos de todos los países aprenden a vivir juntos y afrontan varias peripecias, entre ellas el encuentro con un aparato espacial del siglo XX, la inestabilidad mental de uno de los pasajeros y la aparición de síntomas de radioactividad.

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A más de medio siglo vista desde su realización, existen al menos dos formas de acercarse al contenido de Ikarie XB-1. La más sencilla es aludir a la influencia que sus imágenes han ejercido en renombrados y trascendentales exponentes del cine de ciencia ficción posterior. Entre ellos destacan Star Trek, de la que anticipa la idea de una misión multicultural destinada a explorar los confines del universo así como su visión optimista del futuro; Alien, el octavo pasajero, con la que comparte el costumbrismo con el que muestra el día a día de su tripulación, el encuentro con una vieja nave abandonada o un tramo pesadillesco en el que uno de sus tripulantes recorre los interminables pasillos de la embarcación huyendo de una amenaza cuya naturaleza desconoce; o, sobre todo y ante todo, 2001: una odisea en el espacio, de la que adelanta motivos argumentales, discursivos, escénicos y visuales, con encuadres idénticos, que ponen bien a las claras lo mucho que Stanley Kubrick tuvo presente Ikarie XB-1 a la hora de dar forma a su película. Pero, por encima mismo de su carácter precursor en el devenir del género, se encuentran los valores propios como obra cinematográfica de un film que durante décadas fue conocido en Occidente por la versión adulterada que comercializara la AIP bajo el título de Voyage to the End of the Universe, en la que, al igual que hiciera con otros ejemplares de ciencia ficción procedentes del otro lado del telón de acero, remontaba, modificaba y, en última instancia, desnaturalizaba la versión original, aligerada en al menos diez minutos de metraje[1].

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Rodada en los míticos estudios Barrandov de Praga, la existencia de Ikarie XB-1 se encuadra en un principio dentro de la guerra propagandística emprendida por el bloque comunista y los Estados Unidos. Con la idea de festejar los primeros éxitos conseguidos por la Unión Soviética en la incipiente carrera espacial, la película es concebida por el Partido Comunista checoslovaco en unos términos de lo más ambiciosos, productiva y artísticamente. Para dar forma a su argumento, se decide acometer la adaptación de la novela Obłok Magellana (1955) del polaco Stanislaw Lem, autor de la base literaria de otros de los clásicos del cine de ciencia ficción de Europa del Este durante el periodo comunista, Solaris de Andrei Tarkovskii. Para su realización se invierten alrededor de seis millones de coronas, cantidad que duplicaba ampliamente el presupuesto habitual de los largometrajes checoslovacos de la época, destinándose seis meses a su pre-producción. Durante este tiempo, sus responsables se reunirían con integrantes del programa espacial soviético con el fin de que les asesoraran a la hora de recrear toda la tecnología espacial que la historia demandaba. Pese a ello, “al carecer de verdaderos referentes en materia de películas de ciencia ficción”[2] (por más que la influencia de la norteamericana Planeta prohibido sea notoria, en especial por el robot que el más veterano de los integrantes de la tripulación tiene como compañero, cuyo diseño es sospechosamente similar al del popular Robby), “los autores del guion deben inventarlo todo partiendo desde cero”[3], con la máxima impuesta por su director, Jindrich Polák, de que todo lo que apareciera en pantalla y “fuera fruto de la imaginación de su equipo deberá tener una base real científica y una función lógica”[4].

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No por casualidad, en este apartado reside uno de los principales baluartes del conjunto. La aludida falta de referencias al respecto, unido a su enconada búsqueda de verosimilitud en la forma de representarlo, hace que la visión que ofrece de ese entorno espacial en el que transcurre su historia resultara de lo más revolucionaria en su momento, marcando la pauta a seguir por numerosos films a partir de entonces, mientras que el mimo y empeño puesto en su confección cristaliza en un imponente diseño de producción, singularizado por los cuidados interiores de la nave que da título al film, sin olvidar el acabado de unos efectos especiales que, a pesar del tiempo transcurrido, mantienen su eficacia. Todo ello redunda en el atractivo look visual que luce la película, a lo que no es ajena ni su magnífica fotografía en blanco y negro y formato cinemascope, en la que destaca su manejo de las luces y las sombras en determinadas escenas, ni la realización de Polák. Acreedor de una filmografía superior a la veintena de títulos que le revelan como un cineasta todoterreno, Polák articula su puesta en escena mediante la fluidez que le aportan sus movimientos de cámara y los juegos que establece con los ángulos de tiro para expresar el cada vez más confuso estado de ánimo que se apodera de la tripulación del Ikarie a medida que transcurre el viaje, demostrando buena mano para la creación de atmósferas opresivas en los dos capítulos que conforman la segunda parte del metraje, en los que también evidencia un extraordinario manejo de la tensión y el suspense. Dentro de su inspirado trabajo resalta la sutileza de detalles, como ese perro que adopta uno de los astronautas siendo un cachorro y, mediante cuyo progresivo crecimiento, se evidencia de forma implícita el paso de los meses en el desarrollo de la misión.

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A pesar de sus orígenes de producto propagandístico, lo cierto es que la carga política de Ikarie XB-1 es bastante tenue, máxime si se la compara con otros congéneres soviéticos y estadounidenses realizados en idéntico contexto. Por el contrario, sus responsables se cuidan mucho de cargar las tintas en este aspecto, y mucho menos de caer en lo panfletario. Dejando a un lado el concepto de esa tripulación internacional que trabaja en fraternidad y armonía en busca de vida extraterrestre, más otros pequeños apuntes desperdigados aquí y allá, el componente político se concentra en uno de los puntos culminantes del film: el encuentro de la Ikarie con una nave terrícola botada en el siglo XX que flota a la deriva. Alertado por su presencia, el capitán envía a dos de sus hombres en misión de reconocimiento. Cuando arriban a la nave, los astronautas descubren que su tripulación murió mientras jugaba a los dados vestidos de etiqueta a causa de un gas venenoso liberado por dos militares de alta graduación, cuando el nivel de oxigeno comenzó a menguar, y que acabaron disparándose entre sí. Siguiendo con las pesquisas, también comprueban que la nave está repleta de bombas nucleares, activando por accidente una de ellas, que detona antes de que escapen. La alegoría que se pretende establecer es obvia. La vieja nave, de procedencia occidental como atestiguan sus letreros en inglés, supone una representación de los peligros del sistema capitalista –resulta bien simbólico que lo primero que los astronautas encuentren al acceder al interior de la nave sea una mano sosteniendo un billete-, de su insolidaria individualidad y de su irresponsable uso de la energía nuclear como armamento.

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No obstante, este capítulo es también empleado para lanzar una reflexión sobre las grandezas y miserias del ser humano del siglo XX; el responsable de horrores indescriptibles como “Auschwitz, Oradour e Hiroshima”, como recuerda uno de los personajes, pero también el creador de obras de la sensibilidad de las melodías de Honeger, como le responde su interlocutor. Un componente este que entronca con el tono humanista que preside la propuesta. Y es que, en consonancia con el estilo de ciencia ficción practicado en la Europa comunista, Ikarie XB-1 centra su atención en el componente humano de la historia antes que en la aventura espacial y los aspectos derivados de ella, como solía ser habitual en su variante estadounidense. De este modo, su desarrollo se basa en una trama episódica compuesta en su primera mitad por pequeños fragmentos que ilustran la cotidianidad de la nave, adaptando para ello un estilo contemplativo mediante el que sumergirnos en la vida diaria de los cosmonautas[5]. Sentimientos tan humanos como el amor, el humor, la curiosidad o el compañerismo, pero también los celos, la añoranza por los seres queridos a causa del tiempo y la distancia o la incertidumbre por el futuro, desfilan a través de estos segmentos que según avanza el metraje plasman la evolución psicológica a la que conduce a los protagonistas el largo periodo de encierro en el interior de la nave y la monotonía que acarrea. Ello no quita para que en el desenlace se imponga el optimismo, y tras la tempestad se abra una puerta a la esperanza. Superados los problemas, la Ikarie alumbra el nacimiento de un bebé justo en el momento en que la misión alcanza su objetivo, al encontrar un planeta habitado. Un espíritu que es sintetizado por uno de los comentarios del capitán durante los últimos compases: “Fuimos a la búsqueda de vida y la vida nos ha encontrado”.

José Luis Salvador Estébenez

[1] Uno de los cambios efectuados en el remontaje se encuentra durante el desenlace, haciendo que en lugar del  desconocido planeta blanco de la original, la nave llega a la Tierra, tal y como es mostrado mediante la inclusión de una imagen de la Estatua de la Libertad semienterrada. Un clímax que, por diferentes motivos, se asemeja al de las posteriores El planeta de los simios y Terror en el espacio, esta última, por cierto, producida por la propia AIP.

[2] Extraído del dossier de prensa distribuido por Capricci con motivo del estreno de Ikarie XB-1 en España.

[3] Op. Nota cita 2

[4] Ibídem

[5] Nótese el paralelismo existente entre las videopantallas desde las que desde el puente de mando observan en numerosas ocasiones las acciones que suceden en distintos puntos de la Ikarie y la relación que se establece entre su público y la pantalla en la que visiona la película.

Published in: on julio 21, 2017 at 8:15 am  Dejar un comentario  

Presentada la programación de la tercera edición de B-Retina

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El pasado viernes 7 de julio del 2017 el Castillo de Cornellá acogió la presentación de la tercera edición del B-Retina: Festival de Cinema Sèrie B de Cornellà en una cita que fue clausurada por un concierto de theremin en vivo a cargo de Víctor Estrada con el acompañamiento de Eva Sánchez al teclado.

Con el leitmotiv “Déjate abducir”, OVNIs, seres de otros mundos y otros tópicos venidos del espacio exterior definirán la temática de esta edición, que tendrá lugar del 15 al 17 de septiembre en el Auditorio del Centro Cultural de Sant Ildefons (Cornellá del Llobregat). En el acto, la organización presentó el cartel de este año, diseñado y pensado por el ilustrador Daniel Miñana (Danuto), además del nuevo logo del certamen, plagado de referentes al mundo del cine, en el que la corneja pasa a ser la protagonista, pero conservando el elemento representativo del festival: el ojo.

Durante la presentación se anunciaron todas las novedades en cuanto a títulos se refiere. Entre ellos destacan de manera especial el estreno europeo en salas de The Barn, un  divertidísimo homenaje al cine de terror de los 80, con un cierto aroma campy que remite a los slashers de la época, y la primera proyección bajo techo en la provincia de Barcelona del fenómeno de culto The Room, considerada como “el Ciudadano Kane del cine malo”. Para cerrar esta edición del B-Retina, el festival dedicará un sentido homenaje a Juan Carlos Olaria, a quien se le entregará un premio honorífico en una sesión en la que se proyectará su mítica El hombre perseguido por un OVNI, considerada por muchos como la primera película española de ciencia-ficción.

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Esta es la programación completa:

VIERNES 15/9

16:00 – The History of Future Folk (Jeremy Kipp Walker y John Mitchell, 2012 – EEUU)

18:00 – The Room (Tommy Wiseau, 2003 – EEUU)

20:00 – Documental 2000 Maníacos: 25 años de Serie B, con la presencia de Manuel Valencia

21:15 – Blood Room (Chico Morera, 2016 – España) con la presencia de Chico Morera y la actriz Sara G

23:15 – Premiere europea: The Barn (Justin M. Seaman, 2016 – EEUU)

SÁBADO 16/9

12:00 – Masterclass con Sabrina Rodríguez

14:30 – Retrospectiva: Plan 9 From Outer Space (Ed Wood, 1959 – EEUU)

16:00 – Premiere catalana: Chronicon Z (Álvaro Martín Palomo, 2016 – España) con la presencia del equipo

18:00 – Concurso de cortometrajes. Proyección de los diez finalistas y entrega de premios

21:15 – Braindead (Peter Jackson, 1991 – Nueva Zelanda). Edición director’s cut

23:30 – Colaboración con el festival Nits de Cinema Oriental

DOMINGO 17/9

12:00 – Sesión familiar gratuita: Exploradores (Joe Dante, 1985 – EEUU)

15:00 – Infección Zombie (Jacint Espuny, 2016 – España) con la presencia de su director

17:00 – Another Yeti A Love Story: Life on the Streets (Adam Deyoe y Eric Gosselin, 2017 – EEUU)

18:30 – El hombre perseguido por un OVNI (Juan Carlos Olaria, 1976 – España) con la presencia de su director

Las entradas y abonos del festival ya se encuentran disponibles en la web del festival www.b-retina.cat, donde se oferta un pack limitado de camiseta, bolsa de tela y abono para los tres días del certamen por solo 20€.

Published in: on julio 20, 2017 at 5:48 am  Dejar un comentario  

“Nocturna Madrid” presenta el cartel oficial de su quinta edición en la que añade la Cineteca de Madrid como sede

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El Festival Internacional de Cine Fantástico Nocturna Madrid ha dado a conocer el que será el cartel oficial de su quinta edición, a celebrar entre los próximos 25 y 29 de octubre. El cartel está diseñado por Daniel Fumero, sobre un concepto del productor y director José Luis Alemán que evoca la quimera del renacimiento de Frankenstein, inspirándose “en las antiguas películas protagonizadas por la criatura salida de la mente de Mary Shelley, donde una palanca vuelve a insuflar vida”. Nocturna Madrid renueva así su imagen para destacar la ciudad de Madrid que la acoge. En palabras de la organización, en el cartel“se enciende en la ciudad un nueva edición de Nocturna Madrid, sin renunciar a su esencia”.

Por otra parte, para su quinta edición el Festival Internacional de Cine Fantástico Nocturna Madrid ha anunciado que contará con el apoyo del Ayuntamiento de Madrid y con la colaboración de Cineteca Madrid que por primera vez se suma como nueva sede del festival. Con el objetivo de dar a conocer e impulsar el potencial de los creadores españoles de género, el festival desembarcará en octubre dispuesto a volver a hacer del cine fantástico una fiesta.En los próximos meses se dará a conocer la programación completa del certamen, que se repartirá entre las dos sedes ya confirmadas como nuevos espacios del festival: los cines Cinesa Proyecciones y las salas de Cineteca Madrid, ubicadas en el Matadero y gestionadas por el propio Ayuntamiento de Madrid.

Más información en www.nocturnamadrid.com y a través de los canales oficiales del festival en redes sociales: Facebook / Twitter / Instagram

Published in: on julio 19, 2017 at 5:35 am  Dejar un comentario  
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“Vial of Delicatessens” inicia su colección sobre la obra de Ted V. Mikels con el lanzamiento de “La orgía sangrienta de las mujeres demonio” y “Los come-gusanos”

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Tal y como había adelantado hace unas semanas, este mes de julio “Vial of Delicatessens” lanzará los primeros títulos de su colección dedicada al cineasta norteamericano de Serie B-Z Ted V. Mikels. Para ser más exactos, lo hará el próximo día 27 con dos de sus títulos: La orgía sangrienta de las mujeres demonio y Los come-gusanos.

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Nunca estrenada en España, La orgía sangrienta de las mujeres demonio (Blood Orgy of the She-Devils) es una de las películas más representativas del terrorífico estilo del director Ted V. Mikels, y uno de sus mayores éxitos de los años 70, en el que no falta de nada, mezclando brujería, fantasmas, sangre y exorcismos. Considerado por la especializada web “DVD Drive-In” “uno de los mejores títulos de la historia del exploitation” el film narra como Mara, la Reina de la Brujería Negra, siempre secundada por su manada de Vírgenes Voluptuosas, atrapa bajo su hechizo a la pareja formada por Lorraine y Mark. Unos horribles asesinatos arrastrarán a los protagonistas al reino del mismísimo Satán, para vivir torturas que no podían imaginar.

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En cuanto a Los come-gusanos, se trata de una demencial comedia de terror dirigida y protagonizada por Herb Robins y producida por Mikels. Con ella, se vio por primera vez en el cine (y suponemos que última) a gente que come gusanos y se transforma en monstruos desbocados, lo que propició que la película supusiera un pequeño fenómeno en los ‘drive-in’ americanos de los años 70. Robins da vida a Herman, un tipo extraño y solitario que vive en las afueras de una pequeña ciudad californiana, y que es acosado por el ayuntamiento para que abandone la casa de su propiedad, debido a que obstaculiza un plan inmobiliario. Para vengarse, el hombre libera una horda de gusanos en los suministros de agua y comida de la ciudad, lo que provoca que los ciudadanos comiencen a infectarse y a transformarse en horribles criaturas mutantes.

Distribuidas en tiendas físicas por Cameo, ambas películas salen a la venta en formato DVD a un precio recomendado de 11,95 € cada una, y se ofrecen en los dos casos en su versión original con subtítulos en castellano, imagen anamórfica en 1.78:1, así como varios extras, entre los que destacan sendos audiocomentarios a cargo de Ted V. Mikels.

Más información y pedidos en: http://vialofdelicatessens.blogspot.com.es/

Published in: on julio 18, 2017 at 5:54 am  Dejar un comentario  

El clásico de la ciencia ficción checoslovaca “IKARIE XB 1” aterriza por fin en las salas españolas

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Este jueves 20 de julio se producirá el que sin duda va a ser uno de los eventos cinematográficos del año en España dentro del género fantástico. Ese día, la productora independiente Capricci Cine estrenará de forma simultánea en los cines Renoir Princesa de Madrid y Floridablanca de Barcelona IKARIE XB 1 (1963), clásico de la ciencia ficción de Europa del Este que, a pesar de su trascendencia, permanecía aún inédito en salas comerciales de nuestro país. Lo hará además en una nueva copia restaurada digitalmente en 4K por el National Film Archive de Praga, a partir de los negativos de cámara y del sonido original que se habían conservado por el NFA, y que fue presentada en la edición del Festival de Cannes de 2016, dentro de la sección “Cannes Classics”.

Paradigma de la ciencia ficción contemporánea, IKARIE XB 1 es una de las películas más importantes del director checo Jindřich Polák, especialista del género. Adaptación libre de la novela de Stanislaw Lem La nube de Magallanes, escrita en 1955, la película es una de las pocas producciones futuristas del cine checoslovaco comunista. Durante los años de la Guerra Fría, los países del bloque soviético manifestaron un interés particular por el género de la ciencia ficción, vehículo ideal de propaganda para transmitir la nueva utopía comunista. En este contexto, en plena carrera contra los Estados Unidos por la conquista del espacio, nace IKARIE XB 1, una película grandiosa, ambiciosa y costosa, en honor de la supremacía científica soviética. De este modo, para su producción se invirtieron seis millones de coronas en la producción, una suma considerable, muy por encima del presupuesto medio de un largometraje en Checoslovaquia.

Ganadora del Gran Premio (Asteroide de Oro) del Festival del film di fantascienza di Trieste de 1963 (ex‐aequo con La Jetée de Chris Marker), se convierte de inmediato en una película de culto por su espectacular diseño de producción: las maquetas de las naves, los trajes y la “moda” espacial ultramoderna, los interminables pasillos de la nave, junto a los efectos especiales de la película, constituyen una pequeña revolución artística y técnica para la época en que fue rodada. Mezclando con soltura la ciencia ficción con otros géneros como el thriller, la intriga política y el drama romántico, Polák aporta un realismo extraordinario a las secuencias del espacio, sumergiendo al espectador en una narración dinámica y un ritmo trepidante.

Adelantada a su época, IKARIE XB 1 es una de las películas clave de la historia de la ciencia ficción. Anthony Frewin, que fue durante mucho tiempo el ayudante de Stanley Kubrick, confirmó que entre todas las películas que el cineasta utilizó para preparar 2001: una odisea del espacio figuraba IKARIE XB 1. Pero su influencia puede reseguirse en muchos otros clásicos del género: sus imágenes sirvieron de referencia visual a Franklin J. Schaffner para filmar El planeta de los simios; la dimensión psicológica de los personajes inspiró a Andrei Tarkovski en Solaris; y la existencia de una nave abandonada en el espacio anticipó Alien, el octavo pasaje de Ridley Scott.

Published in: on julio 17, 2017 at 5:37 am  Dejar un comentario  

Entrevista a Pedro Olea

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El pasado 10 de junio, el cine fórum “La claqueta” que dirige Jesús de la Vega inauguraba su tercer ciclo de realizadores con la visita de Pedro Olea. El cineasta vasco acudía al CSA La Tabacalera para acompañar el pase de su emblemática El bosque del lobo, en una sesión en la que terminada la proyección de la película se sometería a las preguntas del público asistente. Como quiera que la oportunidad la pintan calva, que reza el dicho, terminada tan especial sesión entrevistamos al cineasta sobre los trabajos en los que se acercó a los terrenos del fantástico; es decir, la mencionada El bosque del lobo, Aquelarre y la televisiva La leyenda del cura de Bargota, una suerte de trilogía unificada por su visión antropológica de episodios supuestamente sobrenaturales basados en hechos reales.

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Jesús de la Vega, director del cine-fórum “La claqueta”, escucha a Pedro Olea durante el coloquio que siguió al pase de “El bosque del lobo”.

¿Cuál es tu relación con el género fantástico y de terror?

Desde crío me ha gustado el cine de terror. En esta época, cuando dejábamos el colegio de los hermanos Maristas en verano, iba junto a mis hermanos a un caserío en un monte de Vizcaya de un pariente impedido, que tenía una especie de medias pelotas de goma en las manos y en las rodillas con las que subía las escaleras medio reptando; parecía un personaje de García Márquez. Este primo maravilloso nos contaba historias de terror y asesinatos ocurridos en los alrededores. Y todo esto me condicionó. También tuvieron mucho que ver las historias de brujería que son muy típicas de la zona.

Por otra parte, soy  un enamorado de las películas de la Universal de los años treinta y cuarenta. Me parecen auténticas joyas en las que está todo el cine de terror que después ha servido de inspiración para multitud de películas del género, e incluso a Víctor Erice y su visión de Frankenstein en El espíritu de la colmena. Desde siempre me ha gustado el terror, como te digo. Lo que pasa es que nunca me he atrevido ni he querido hacer una película de este tipo. Siempre me gusta darle la vuelta y buscar el por qué y los orígenes de la maldad.

Al hilo de lo que comentas, en tus películas en las que te has aproximado al terror, predomina la visión antropológica,  además de la curiosa circunstancia de que todas ellas se basan en hechos reales…

Sí, es verdad. A mí me interesaba cómo se forman los mitos del terror. Y mi idea en estas películas era basarme en hechos reales para aproximarse en aquello que me interesa. Y así he podido hacer una película de hombres lobo, otra de brujas y estuve a punto de hacer una de vampiros con un proyecto que al final no conseguí montar monetariamente.

La primera de estas películas es El bosque del lobo, a partir de la novela El bosque de Ancines. ¿Qué te llamaba la atención del original de Carlos Martínez-Barbeito?

Yo venía de hacer mis dos primeras películas, Días de viejo color y Juan y Junior… en un mundo nuevo y veía que como no hiciera algo me iba a acabar encasillando en este tipo de películas musicales pop. Entonces, Juan Antonio Porto, que había sido el guionista de la segunda de estas películas y con el que desde entonces trabajamos juntos en muchísimas ocasiones, me habló de esta novela, que adaptaba la historia del lobisome Manuel Blanco Romasanta. Curiosamente, el bisabuelo o tatarabuelo de Porto había sido el abogado defensor de Romasanta en el juicio.  Leí la novela y la historia me pareció maravillosa. Vi que había un peliculón allí. Además, tenía ese acercamiento a un hombre lobo auténtico que me permitía investigar por mi cuenta qué podía haber de verdad en todo ello, buceando en los orígenes de esta historia sobre un lobisome. Es decir, desarrollar ese morbo infantil que tengo por estos temas y profundizar en él, en este caso a partir de una Copla de Ciego.

¿Cómo fue el proceso de adaptación entre Porto y tú de la novela?

Ya ni me acuerdo. Supongo que fuimos fieles, aunque ahora mismo no me acuerdo si el personaje del cura inglés estaba en la novela o lo metimos nosotros después, ya que es un personaje que realmente existió en la vida real, aunque antes de la época en la que transcurre la historia y con otro nombre. En cualquier caso, lo que sí te puede decir es que con Porto he escrito cinco o seis guiones y siempre nos hemos entendido muy bien. Yo en los guiones me fijo más en el desarrollo de la secuencia, en la distribución, y menos en los diálogos, por lo que necesito mucho un guionista que sepa dialogar, porque a mí me queda todo muy bilbaíno, que no es ni vasco ni castellano, y Porto era muy bueno en esta faceta.

Lo que sí te puedo decir es que la película a punto estuvo de no hacerse por culpa del autor de la novela. Le dimos un dinero en concepto de adelanto, pero pasado el tiempo nos dijo que no le interesaba que la hiciéramos, ya que Bardem se había interesado en adaptar la novela y, mientras que Bardem era Bardem, yo no era nadie. Así que tuve que reunir a toda mi familia, que aunque no es que seamos ricos sí que somos muchos, y con el dinero que me dieron entre todos pude hacer la productora que financió la película e igualarle al novelista la oferta económica que le había hecho Bardem.

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Uno de los aspectos que más llama la atención de la película es su cuidada recreación histórica, ya sea la forma de hablar de los personajes como el retrato de usos y de costumbres de la Galicia de la época. ¿Cómo trabajasteis esta faceta?

Lógicamente nos documentamos. Por otra parte, siendo Porto gallego lo teníamos fácil. Es algo similar a lo que me ocurrió años después en Pim, pam, pum…  ¡fuego! Yo no conocía la posguerra en Madrid, porque yo entonces era un jodido crío que vivía en Bilbao, pero Azcona, que era el coguionista de la película, sí. Entonces, tener a tu lado a alguien que conoce de primera mano lo que estás tratando te ayuda muchísimo, porque  el guionista tiene que hacer la historia que quiere el director, pero escrita muy bien. Y yo he tenido la suerte de tener siempre un equipo maravilloso. Sobre todo, dado que soy de los que piensan que el cine es obra de un equipo; no es un arte de un autor, sino que necesita un equipo de guionistas, de intérpretes, etcétera. Y dependiendo de quién sea el guionista, y de quién el protagonista, el resultado varía. No es lo mismo esta historia con este guion y con López Vázquez, que con José María Prada y con otro guion. Es lo mismo que si en Flor de otoño o Pim, pam, pum…  ¡fuego! no hubiera estado Azcona. Por eso es muy importante el equipo, porque te condiciona totalmente el resultado final de la película.

Al hilo de lo que comentas, la elección de López Vázquez como protagonista puede considerarse arriesgada, al ser un actor que en ese momento estaba más identificado por el público por sus trabajos dentro de la comedia. ¿Fue tu primera opción?

Qué va. Al producir yo la película, mi idea original era que el papel lo hiciera José María Prada y la película estuviera rodada en blanco y negro para que saliera barata. Pero al hablar con los distribuidores me dijeron que así no sería rentable. Si quería que la película se vendiera bien tenía que ser en color y con un actor conocido. Había visto a López Vázquez en Peppermint frappé de Saura, me decidí por él y se portó increíble. Era un genio a la altura de los más grandes, como Alberto Sordi o Jack Lemmon. Es más, ahora no me imagino la película con otro actor haciendo el personaje protagonista que no fuera él. No obstante, la mayoría del público le asociaba a sus papeles cómicos y recuerdo estar en la puerta de un cine donde daban la película y ver a la gente que pasaba y veía el cartel comentando: “Se debe de estar disfrazando de algo para ligar con las suecas”.

No cabe duda de que la excelente interpretación que realiza de Benito Freire es uno de los principales puntales de la película. ¿Hasta qué punto le marcaste la pauta de lo que querías a la hora de que creara su composición del personaje?

Siempre con los actores hablo muchísimo sobre el guion, sobre la novela y sobre los personajes. Después decidimos, y si tienen alguna sugerencia que hacerme, yo las acepto o no. En este caso las cosas que me sugería López Vázquez tenían más que ver con la caracterización. La peluca que lleva, por ejemplo, que era algo que a mí en principio me daba igual. Pero al ver que es algo con lo que el actor se siente más cómodo lo acepto, ya que es fundamental que se encuentre a gusto dentro de la ropa que elija. No le puedes encorsetar, sino que tienes que hacer lo posible para que él pueda vivir el personaje y se sienta parte de él. Y como la industria no te permite que tengas a un actor vistiendo así y saliendo a la calle caracterizado como su personaje durante un mes para que se pueda amoldar lo mejor posible. Además, todas las sugerencias que me hizo fueron estupendas, porque era un actor genial. Eran detalles como los dientes, las uñas… Por cierto, que su hijo me regaló el guion manuscrito por López Vázquez de El bosque del lobo y estaba lleno de notas en las páginas blancas y en los márgenes en las que figuran en varios colores indicaciones muy detalladas sobre su personaje.

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La imagen que da El bosque del lobo de la España en la que se ambienta difiere mucho del lugar idílico que quería vender el régimen. ¿Tuviste problemas con la censura por ello?

Estuvo a punto de ser retirada de cartel por Carrero Blanco, aunque ahí le metí un gol. Alguien le había dicho que la película era pura España negra, y que entremezclaba religión y superstición, por lo que pidió verla. Yo conocía a la persona que le proyectó la película y me contó sus reacciones. Abominó de la película desde el primer momento, con la escena en la que aparece un caballo montando a una yegua. Incluso se dio cuenta de que se sugería que el cura que hace Antonio Casas era en realidad el padre de la niña que interpretaba Inma de Santis, con lo que te quiero decir que no era tonto. Total, que le pareció horrible y quería prohibirla. Entonces alguien le recordó que la película se había pasado con gran éxito en el Festival de Valladolid, lo que hoy es la Seminci, pero que entonces se llamaba Festival Religioso y de Valores Humanos, y además había ganado el premio San Gregorio. Y, claro, ¿cómo iba a prohibir una película que había ganado un premio con nombre de santo en un festival con esa denominación? Por lo que, muy a su pesar, la dejó correr.

Aparte de lo que me comentas, ¿llegó la censura a meter tijera en el montaje o exigió algún cambio en el guion?

Hubo problemas con el guion. Nos dijeron que en los asesinatos no se tenía que ver nada de sangre ni ninguna otra barbaridad. Entonces, lo que hicimos es que en cuanto el lobisome mordía el cuello de una de sus víctimas enfocábamos su mano estrujando la tierra. Ahora no me parece mal, pero en su momento era algo que llevaba muy mal, porque podíamos haber jugado a acentuar las connotaciones del mordisqueo. También en una versión anterior queríamos reflejar la represión sexual del personaje haciendo que viera corriendo desnudas a las mujeres que iba a matar. Lo que no sé es si esta versión la llegamos a presentar  a censura, ya que llegado el momento decidimos que tampoco hacía falta llegar a eso.

Por cierto, una curiosidad. Hace aproximadamente diez años Paco Plaza rodó una nueva versión de la historia de Benito Freire desde una óptica fantástica titulada Romasanta. La caza de la bestia. ¿Has podido verla? ¿Qué te parece?

No me gustó nada. Eso no quita para que me gusten algunas cosas de las que ha hecho Plaza con Balagueró. [REC], por ejemplo, me pareció muy interesante y novedosa. Pero, ¿sabes lo que pasa?  Yo tengo una deformación profesional con el hombre lobo y Julian Sands, el actor inglés que lo interpretaba en esta película, y Elsa Pataky me sacaban de la historia. Además, era como demasiado bonito todo y no daba ni miedo.

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Volviendo a El bosque del lobo, dentro de la narrativa de la película abunda el uso de la cámara en mano y, sobre todo, los planos tomados desde cierta distancia. ¿Obedece a una intención por contar la historia desde el punto de vista de un observador que la está viviendo desde dentro?

En el uso de la cámara en mano y los planos distanciados no me había fijado, pero es verdad. Incluso me ha sorprendido que tuviera tantas cosas rodadas a mano para ser una película de hace cincuenta años. En cuanto a tu interpretación, que me parece estupenda,  puede ser, pero no me acuerdo exactamente si esa era la intención que podía tener en ese momento.

Uno de los temas que en mi opinión subyacen en la película es el de las apariencias. Está el que la gente que le conoce no crea en un principio que Benito Freire pueda ser un asesino porque le consideran una buena persona, ese señorito al que interpreta Alfredo Mayo que vive una doble vida con su mujer y con esa antigua novia a la que le continúa mandando cartas de amor… ¿Era esta vuestra intención?

No me lo había planteado así, pero es algo que está en el film.

Otro tema que se encuentra también muy presente es el enfrentamiento entre la religión y las supersticiones, el cual volverías a tratar de nuevo en Akelarre, en la que hablas de la persecución a las religiones paganas que sometió la Iglesia Católica en Navarra durante el siglo XVI…

Era un poco repetir la fórmula. En este caso, era ver qué había de verdad en esas brujas que aparecen en las pinturas de Goya, en literatura o en el cine de terror, y que en la vida real fueron condenadas por la Inquisición. Y de todo esto nació esta película, que a mí me gusta mucho. No obstante, creo que tenía que haber tenido más concesiones comerciales, ya que es un poco demasiado seria, ideológica y política. Pero bueno, como digo, me parece que está muy bien. Aparte, estuvo en el Festival de Berlín y funcionó bastante bien.

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Precisamente, muchos críticos y comentaristas han señalado la lectura que arroja Akelarre, extrapolando su historia a la situación sociopolítica que se vivía en el País Vasco y Navarra a la fecha del rodaje de la película. ¿Era algo buscado?

Eso salió, pero es cosa del público, que tiene su perfecto derecho a opinar así. En un coloquio que se organizó en Radio Nacional después de su emisión en televisión uno de los oyentes llamó preguntando si la película tenía que ver con ETA. Le respondí que absolutamente no. Pero eso no quita para que yo acepte cualquier tipo de lectura. La película se basa en un caso que recoge un libro llamado La brujería Navarra y sus documentos[1], y es el caso de los crímenes del Valle de Araiz, creo que es, y es exactamente la misma historia. Ahora, que alguien cree que esa historia se parece a lo que ocurría en aquellos años en Euskadi, pues bueno, será que la historia se repite. Pero desde luego yo lo que hice fue contar un caso que realmente existió. Para mí era más importante cómo la película refleja la diferencia de clases entre el señor feudal y la gleba, y cómo este señor feudal se aprovecha de la brujería para seguir siendo el amo de esas tierras que no otro tipo de cuestiones.

También está la lucha entre el patriarcado, representado por la Iglesia Católica, y el matriarcado, que son las brujas…

Efectivamente, la religión católica frente al paganismo. Si te fijas, las brujas llevaban a cabo sus reuniones en el interior de las cuevas, que tienen una forma de útero clarísima, mientras que la Iglesia lleva a cabo sus rituales en iglesias que tienen una de sus señas más reconocibles en sus altos torreones, es decir, en un símbolo fálico.

La tercera entrega de esta, llamémosle, trilogía, es La leyenda del cura de Bargota que, no obstante, formó parte de la serie televisiva Sabbath

Surgió la oportunidad de participar en esta serie, y después de haber hecho Akelarre a mí me apetecía hacer aquello de lo que me habría reprimido en esa película. Y con el pretexto de la tortura de este cura me permitió exponer una serie de barbaridades y cosas relacionadas con la brujería que era lo que realmente a mí me apetecía contar.

¿El hecho de que fuera una producción destinada a la televisión hizo que sufrieras algún tipo de censura con respecto a qué podías mostrar?

Nada, nada. Solo puedo decir que lo pasé muy bien haciéndola. Además, como era una coproducción con muchos países, vinieron de Inglaterra los que habían hecho los efectos especiales de Superman.

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Aunque no sea exactamente temática fantástica, otro de tus acercamientos al género terrorífico se encuentra en Las envenenadas de Valencia, el capítulo que realizaras para la mítica serie La huella del crimen. ¿Escogiste tú este caso o te lo asignaron?

Me dieron a elegir entre varios guiones que tenían y yo elegí este. No obstante, tuve bastantes problemas con Pedro Costa, que era el director de la serie, durante el rodaje, ya que no había dinero. Por ejemplo, yo en una escena quería que apareciese un tranvía, que era algo muy característico de Valencia en la época en la que se desarrollaba la historia, y él me dijo que era muy caro. Sin embargo, lo pude solucionar con un poco de maña. Yo sabía que había una marca muy típica de los años cincuenta que se llamaba “Lejías Alfonso” y que aún existía. Así que me puse en contacto con ellos y, a cambio de comprometerme a que el tranvía apareciera treinta segundos en pantalla con el anuncio de la lejía, corrieron con los gastos del tranvía que había alquilado en un museo del tranvía. Pero más tarde, cuando terminó el rodaje, le pedí a Costa que filmara un plano de uno de los actores mirando por una ventana para incluirlo en el montaje de la última escena y me dijo que no. Entonces le tuve que amenazar con que, si no lo rodaba, iba a ordenar que retiraran mi nombre de los créditos, con lo que acabó transigiendo y rodando el plano. Claro que cuando hizo la segunda temporada de la serie no me volvió a llamar para que repitiera. Con todo, he de decir que es uno de mis trabajos preferidos, sobre todo por las condiciones, dado que se hizo sin un duro y en tres semanas.

Precisamente, la que fuera tu protagonista en aquella ocasión me comentaba hace poco en la entrevista que le realicé a raíz del homenaje que le brindó el Festival de Sitges[2] que era también uno de sus trabajos predilectos…

Pues al principio no querían que la contratara porque tenía fama de conflictiva, no sé por qué. Quizás era porque alguna vez había cobrado alguna vez de más a un productor y era por eso. No sé, ya te digo, porque estas cosas siempre suelen ser así. Por ponerte un caso, a mí en una película un productor me medio impuso a Carmen Sevilla, y la siguiente vez que era yo quien quería contratarla me salió con que era conflictiva. Y te diré que Terele en el rodaje se comportó estupendamente. Es una bestia de la interpretación, como lo era López Vázquez. Podía estar tan tranquila esperando para rodar echándole piropos a un electricista, que cuando llegaba el momento de hacer una toma del momento en que la iban a ejecutar se transformaba por completo y comenzaba a llorar como una desesperada gritando: “Señorita, que me van a matar”.

Tu última incursión hasta la fecha en los terrenos del fantástico se encuentra en el film coral Bilbao-Bizkaia Ext: Día, para el que rodaste un segmento musical protagonizado por zombis…

Esta película está compuesta por varios cortometrajes de directores bilbaínos sobre Bilbao. Están Enrique Urbizu o Imanol Uribe, entre otros. Solo falta Álex de la Iglesia, que no pudo porque estaba involucrado en otro proyecto en aquel momento. Y lo que yo hice para este film se titula Zombie Eguna, con el que me permití el lujazo de sacar bailando y cantando a los zombis de personajes ilustres de la ciudad como Sabino Arana, Miguel de Unamuno, La Pasionaria, Arriaga o el fundador de Bilbao, Diego López de Haro, que lo interpretó una travesti, La Otxoa. Hay también bertsolaris y dura un cuarto de hora. Gustó mucho y en Bilbao fue una sorpresa muy grande. Ahora quisiera hacer la segunda parte, que sería en plan revista, pero no tipo Hollywood como La La Land, sino cutre.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías: Carlos Gil, Jesús de la Vega

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[1] Florencio Idoate (Pamplona: Diputación Foral de Navarra, Institución Príncipe de Viana, Consejo Superior de Investigaciones Científicas, 1978).

[2] Entrevista publicada en el número 26 de “El buque maldito”.

* El autor quiere expresar públicamente su agradecimiento a Jesús De La Vega por su inestimable y desinteresada colaboración en la realización de la presente entrevista.

 

Published in: on julio 14, 2017 at 5:27 am  Dejar un comentario