Entrevista a Adrián Sánchez, autor de “La historia del cine australiano”

Fotografía de F. Carlos Campillos.

Fotografía de F. Carlos Campillos.

Una de las acepciones que el Diccionario de la Llingua Asturiana otorga al vocablo “esbilla” es la acción de deshojar el maíz. Así las cosas, no parece casualidad que el gijonés Adrián Sánchez escogiera, precisamente, este término como seudónimo y nombre con el que bautizar su rincón en el ciberespacio. Y es que eso, separar el grano de la paja, es a lo que se ha dedicado desde sus inicios con sus escritos de materia cinematográfica, en su mayoría consagrados al cine de género. Una labor de desbroza que no ha pasado desapercibida para aficionados y especialistas, convirtiéndole con todo merecimiento en una de las más importantes voces surgidas de la red dentro de la crítica cinematográfica española. La calidad de sus textos, cimentada en su buen hacer, conocimiento de la materia, junto a su capacidad de análisis y reflexión, han hecho que poco a poco su presencia haya sido requerida por diferentes proyectos que le han permitido codearse con la crème de la crème del gremio, al tiempo que granjearse una sólida reputación como autor.

Siguiendo esta línea ascendente en su trayectoria, solo era cuestión de tiempo que se produjera un nuevo paso adelante con la publicación de un libro en el que poder desarrollar a conciencia todo el potencial que atesora. Algo que se cumplía hace escasos meses con la salida de la mano de T&B Editores de La historia del cine australiano,  un exhaustivo, documentado y apasionante volumen que repasa el desarrollo de la cinematografía de nuestras antípodas, desde sus primeros pasos en los albores del siglo XX hasta la aparente bonanza que atraviesa en la actualidad, pasando por su definitiva eclosión durante la década de los setenta. Aprovechando su cercanía con esta abadía, con la que no en vano en el pasado colaboró con algunas críticas, mantuvimos con él la siguiente charla en la que, además de cine australiano, hablamos de sus inicios, de la gestación del estudio y de sus futuros proyectos. Una entrevista en definitiva que supone la primera mitad de un dossier que se completará el próximo viernes con la publicación de una reseña analítica de la obra referida. Mientras tanto, es momento de dejar al autor para que nos cuente los pormenores de su obra:

Antes de entrar en materia me gustaría que rememoraras qué te impulsó a comenzar a escribir sobre cine y cómo fueron tus inicios…

Supongo que no encontraba a nadie que dijese lo que quería oír. Escribir es una actividad totalmente egocéntrica. Lo haces para convencer a otros de que tú tienes razón. Alan Moore dice algo por el estilo, sobre como intentamos sustituir la mirada de los otros sobre el mundo por la nuestra propia.

En otro sentido, más prosaico, tuvo que ver con la facilidad de las herramientas. Internet es un cosa silvestre donde todos podemos pastar una parcela, solo cuesta un poco de esfuerzo, relativo, y bastante constancia.

En tu caso particular, la labor que has desarrollado en la red, y muy especialmente con tu imprescindible blog “Esbilla cinematográfica popular”, te ha abierto las puertas a participar en distintas publicaciones profesionales, por utilizar el eufemismo, editadas en papel. ¿Cómo ha sido el salto? ¿Cuáles son las diferencias, virtudes y defectos que en tu opinión existen entre el formato digital y el impreso?

Pertenezco a esa generación de escritores que, sin Internet, no existiría. O nos hubiese costado mucho más… Lo cual si lo piensas con crueldad tal vez no hubiese estado tan mal. La criba es diferente, ahora en serio. Seleccionar y encontrar voces en ese entorno tan ruidoso de la red a veces es complicado. He tenido la suerte de que otros han sintonizado donde yo emitía y hasta se han quedado a escuchar. Más allá, me han dado otros espacios en sus propios sitios, tanto en Internet como en papel, y nunca me han dicho lo que tenía que hacer.

La red, pienso, es más favorable a la experimentación, a la variedad de formatos y acercamientos, al ensayo/error. Hay algo efímero que me gusta mucho…, pero paradójicamente en ese éter de la información las cosas duran para siempre. El papel sigue teniendo una mística especial, tal vez porque el lector es menos abstracto y va con el dinero por delante. Cuando pagan una entrada por verte la responsabilidad cambia: hay que compensar la inversión.

No obstante, este salto no ha significado el que hayas seguido simultaneando tus textos en ambos formatos, lo que te aparta de cierta tónica que al menos personalmente me ha parecido percibir de gente que solo utiliza la facilidad que da la red como una suerte de trampolín con el que darse a conocer para conseguir medrar hasta publicaciones, llamémosles, “serias”…

Para mí son formatos complementarios. Haciendo mío lo que Hernán Casciari  decía hace un tiempo en un estupendo artículo, yo no soy un blogger, yo soy uno que escribe en un blog. Para mí un blog y un hoja de papel (de Word, vamos) en blanco son lo mismo y significan lo mismo. Lo serio, o lo significativo, como quieras, lo pones encima de eso, con las letras que seas capaz de juntar.  Lo que escriba ahora, bueno o malo, es producto de una evolución donde el papel y el internet se mezclan y contaminan. Una mezcla también de diferentes cosas a las que me he acercado, desde la formación como historiador, a la crítica, el ensayo o el periodismo, y de las cosas sobre las que he escrito… Y en ese sentido no haberme ceñido al cine ha sido para mí fundamental. Escribir solo sobre películas es un auténtico coñazo. Puedes terminar por tener una visión unívoca, muy cerrada. Primero escribo…, luego escribo sobre un tema o sobre un objeto. Y eso puedo hacerlo gracias a Internet y, de nuevo, a la gente que me presta sus sitios.

Barry McKenzie Holds His Own

Consecuencia de esta evolución en tu trayectoria a la que aludíamos antes es la aparición hace unos meses de La historia del cine australiano, el cual ha supuesto tu primer libro publicado en solitario. ¿Su nacimiento ha sido algo buscado, o surgió de una forma un tanto fortuita?

Muy buscado. Escribir libros es algo que quiero hacer…, y escribir este libro era algo que necesitaba hacer.

¿Y qué es lo que te interesaba o llamaba la atención del cine australiano para que le dedicaras este trabajo?

Es fascinante, por un lado, y asumible en solitario por otro. También es una obsesión muy privada, y cuando te metes en algo que va a consumir más de un año… tiene que ser algo privado y obsesivo. Desde chaval, y yo pertenezco a esa generación que se educó a salto de mata entre videoclubes y pases televisivos, las películas australianas tenían algo distintivo. Un algo salvaje, una pureza demente. Poco a poco y tirando de Mad Max o de Peter Weir fui descubriendo lo que allí había. Me atraía ese fantástico tan singular, pero también la estética de la fealdad de La boda de Muriel o Sweetie, que era otro universo, muy agresivo. Pero aquello estaba lleno de agujeros, las pelis parecían islas, pequeños periodos agrupados, insulares otra vez, y luego… pues ese desierto. Llegas a Walkabout y te pones a mirar hacia atrás en el tiempo y parece que haya un horizonte sin fin. Yo quería saber qué había allí, entre el horizonte y 1970. Quería rellenar los huecos, saber qué se hacía en Australia de verdad, no solo lo que pasaba los filtros comerciales o festivaleros.

Body Melt

En la introducción del libro comentas que la génesis del proyecto se encuentra en cierto artículo tuyo sobre la producción fantástica australiana aparecido en la especializada revista Scifiworld. ¿Quiere esto decir que en un principio tu intención era limitarte al alcance de esta temática?

No. Aquel artículo fue producto de la oportunidad y los recursos. Yo había escrito sobre varias pelis de ese periodo de los 70/80, y cuando Scifiworld me preguntó si me apetecía colaborar con un dossier pensé que era una buena ocasión para ordenar aquello. Pero ya allí trataba temáticas laterales, como el thriller o el cine de época. En cierto modo era un esqueleto del Revival, que es la parte central del libro, si bien leído desde el fantástico.

¿Hasta qué punto el que te ocuparas de un cine tan poco estudiado y relativamente desconocido en nuestro país supuso un inconveniente a la hora de buscar una editorial dispuesta a publicar tu estudio?

Bueno… Contactar con cualquier editorial siempre es complejo. Un reto de paciencia. Pero una vez que hice el contacto con T&B (gracias, Ramón Alfonso) no hubo problema. Para mi sorpresa he de decir. La propuesta iba enmascarada entre otras, algunas abiertamente comerciales. Eran monografías sobre directores y otras temáticas. Me dijeron que preferían alguna de las temáticas y, claro, yo dije que esta. Era la que quería hacer y al que pensaba que nadie más haría.

Por cierto, y siguiendo con temas editoriales, al contrario de lo que parece haberse convertido en una norma en las obras de otros colegas, no has contado con la colaboración de alguna celebridad que pusiera su nombre en la firma del prólogo, sirviéndote así como gancho comercial. Dado que imagino que por posibilidades no ha sido, ¿a qué se ha debido esta ausencia?

Hubo ofrecimientos muy amables, y que agradezco mucho, en ese sentido, pero no soy un fan de los prólogos en los libros de este tipo; bien al contrario en antologías de relatos, novelas o tebeos, que los encuentro muy pertinentes y algunos brillantes, incluso. En un momento pensé en hacer yo mismo un prólogo, que explicase cómo se gestó el libro y que resumiese el asunto, las líneas maestras del cine australiano… Pero, al final es eso, como si fuese un resumen. Preferí empezar el libro de un empujón, caída libre hacia finales del XIX. Me preocupaba que se convirtiese en un manual, un libro de texto, en lugar de algo que te apeteciese seguir leyendo, como una novela, como una historia…, que es lo que es, una historia.  Para llevar la contraria, además, hice un epílogo.

Mad Dog Morgan

Pasando al contenido del estudio propiamente dicho, a lo largo de sus páginas queda puesta de relieve la concienzuda labor de documentación que has llevado a cabo para su redacción. Un rasgo que es especialmente detectable durante el primer bloque de los tres en los que se divide el libro, y en el que abordas los primeros pasos del séptimo arte en el país oceánico, lo que te obliga a hablar de “oídas” de ciertos films perdidos o de difícil acceso, en el mejor de los casos. ¿Cuán de procelosa fue toda esta labor?

Buscar las fuentes, seleccionarlas, criticarlas, compararlas… es un trabajo de intendencia, agradecido cuando sacas la información que necesitabas, pero peligroso si te pierdes en ella, y más si como era mi intención el libro no iba solo sobre películas, sino sobre un país cultural, política y sociológicamente.  Mi formación como historiador, que es académica aunque muy mal aprovechada, me ayudó mucho en eso. Sé hacerlo, por así decirlo. Los años del silente no fueron los más complicados, tampoco los del sonoro y la primera mitad del XX. Hay buenos libros, los historiadores australianos se han preocupado de ello y las autoridades han puesto recursos para preservar las pelis que se conservan, o sus restos. Las aportaciones de productoras extranjeras, caso de la Ealing, están bien documentadas, y las obras básicas, y algunas de las otras, se pueden ver o enteras o al menos fragmentos significativos. Es decir, la cronología histórico-cinematográfica se puede trazar con relativa sencillez una vez se tiene claro qué se busca y qué se quiere contar.

Los medios, claro, ayudan mucho. No puedo dejar de admirar a los autores de Fantípodas en 2002 o los de los libros sobre Australia y Nueva Zelanda que editó la SEMINCI en el 96 y el 97. Tiempos pre-Internet. Ahora, la biblio-filmoteca tan tremebunda facilita el trabajo. Encima, si tienes colegas expertos en el buceo por la red…, pues al final te haces con un material de trabajo respetable.

Lo más complejo resultó ser el lapso de los 60. El primer cine post-colonial. Australia parece el páramo de Mad Max. Se llega al extremo de años sin producción de cine de ficción. Meterse en el cine underground y experimental fue complicado pero fascinante. De pronto no solo resultaba que aquella imagen de vacío era falsa, sino que allí se gestó, en unas pocas escenas equiparables a las musicales, la eclosión de los 70. El barrio bohemio de Carlton, en Melbourne, los laboratorios de creación universitarios, la figura capital de Giorgio Mangiamele, un inmigrante italiano que profundiza en la problemática de la identidad, o la de Tim Burstall, que es el tío que se inventa el Revival, están todas allí, interactuando. Encima, la investigación y escritura de esta fase coincidió con los últimos meses de gestación y el nacimiento de mi hija.

No obstante, tu investigación no solo se ha ceñido a la información cinematográfica, sino que también has buceado en la historia y la propia idiosincrasia como pueblo de Australia, algo que parece de cajón pero que, por desgracia, muchas veces es pasado por alto en este tipo de trabajos…

Para mí es básico. No entiendo el texto, ni mucho menos el subtexto, sin el contexto. Además me fascina la idea de contar la gran historia desde los márgenes. Australia está en sus películas, y sus películas, y sus imágenes, explican Australia como continuo histórico, político, pop…

En este sentido, me parece encomiable el esfuerzo que has realizado por empaparte de la mentalidad australiana para tratar de explicar ciertas cosas desde su punto de vista…

Muchas gracias. Quería tratar de entenderlos… y luego intentar explicarlos. Intentaba escapar de la mirada paisajística, de la fascinación por lo exótico. También es cierto que hay muchas cosas que encuentro muy cercanas: desde los procesos de descolonización a la búsqueda de la identidad, hasta el humor bruto, el tratamiento de los géneros o la visión mágica de la existencia y el lenguaje de los aborígenes.

The Last Wave

Una de las ideas en las que más haces hincapié durante el texto es la de que, a pesar de que se trate de un país joven, de su pasado británico y de la herencia cultural que ello conlleva, existe una especificidad de cine típicamente australiano, presente incluso en algunos exponentes filmados por realizadores foráneos. ¿En qué consiste y cuáles son esos rasgos característicos?

Volvemos al carácter postcolonial del país, y de su cine. La historia de Australia es la de la búsqueda de la identidad; una tensión entre complacer a la metrópoli, impresionarla y emanciparse respecto a ella. Eso alumbra una mixtura singular de individualismo y gregarismo, de inocencia y derrotismo, de salvajismo y civilización: lo rural y lo urbano en el sentido del espacio abierto, salvaje, y el ordenado, es decir, civilizado.  Todo dentro de una cultura y un ambiente viril, masculino en su mismo origen como penal y donde persiste el sistema de clases (y el clasismo) británico. Y luego está el paisaje claro, telúrico, mesmerizante.

Ya cinematográficamente, creo que se dividiría entre lo fantástico, que puede carecer de tales elementos fantásticos, y que irradia de la tierra misma, de ese paisaje y la estética de la fealdad que decía antes, derivada en parte del Free Cinema y la herencia documentalista  y luego personalizada. Otra vez los contrarios, o los contrastes: lo sublime y lo kitsch, lo hermoso y lo grotesco, el miedo y la comedia.

¿Podemos hablar entonces de una “australiana”, en equivalencia a la “americana” de los Estados Unidos?

Podría ser, sí. Cosas como Sunday Too Far Away, un título estupendo de Ken Hannam que sacudió Cannes el mismo año de Picnic en Hanging Rock entraría de lleno en esa definición. Te la robo.

Wake In Fright

Junto a títulos tan reputados como puede ser el caso de la mentada Picnic en Hanging Rock, en tu obra descubres un buen número de títulos desconocidos por estos lares a los que atribuyes no pocos méritos. ¿Cuáles de ellos pueden considerarse esa joya oculta que todo buen cinéfilo que se precie debiera conocer y por qué?

Wake in Frigh está ya semioculta, así que la descartaría. Pero es una obra maestra que deja patidifuso a cualquiera que la vea. Creo que Bruce Beresford, como cineasta, puede ser el gran reivindicado del libro. Su obra australiana tiene una solidez, audacia y variedad insólitas, incluidas dos obras maestras como Asalto al furgón blindado y Breaker Morant. Era un cineasta que parecía capaz de hace cualquier cosa y ejemplifica cómo la emigración hacia Hollywood de la generación del Revival destruyó tanto el tejido del cine y la industria en Australia como la carrera de un puñado de cineastas tremendos. Lo mismo para John Duigan, que venía del underground y evoluciona de maravilla, es un cineasta capital del cambio de década entre los 70 y 80, un gran retratista de la adolescencia y también de los treinteañeros perdidos.

Por otra parte hay tanto oculto… Casi todo, incluso cosas a plena vista… Tal vez por sintética y totalmente alucinante recomendaría buscar un documental de la Shell, producido en los 50, The Back of Beyond, sobre un camionero-cartero y su ruta por el interior del país. Australia, la australianidad, y la australiana (ves cómo te lo robaba) están allí resumidos y condensados; purísimos.

Tal y como expones, la etapa dorada del cine australiano se ubica durante la década de los setenta, en la que beneficiada por las leyes gubernamentales, la industria cinematográfica australiana eclosiona definitivamente, propiciando la aparición de los Peter Weir, George Miller y compañía. ¿Se dio esa rara circunstancia de confluir los elementos justos en el momento preciso?

Absolutamente. Fue la cuadratura del círculo. Planes muy similares se implementaron por las mismas fechas (más o menos) en Canadá, Sudáfrica o Nueva Zelanda, pero en ninguno de ellos el resultado fue tan rotundo y abrumador. Los cineastas estaban allí, solo hacía falta articularlos. Se puso la estructura, se dio la posibilidad de dedicarse profesionalmente al cine. Encima se sucedieron pelis que iban de frente a por el público, la comedia ocker y la sexploitation, con otras que arrebataban a la crítica. Picnic en Hanging Rock epitomiza esto; fue mucho más de lo que el gobierno podía esperar: era una película que podías pasear por todo el mundo. Era la imagen ideal de un país y de su arte.

Desde su afianzamiento a finales de los setenta, el cine australiano se ha acostumbrado a que, a poco que despunten sus realizadores, estos sean reclamados por la todopoderosa industria hollywoodiense. Sin embargo, no faltan nuevos cineastas prestos a tomar su relevo. ¿De dónde sale esa inagotable cantera de talentos, sobre todo si tenemos en cuenta que la población del país es poco menos que la mitad de la de España?

Es menos inagotable de lo que parece, en realidad. Y muy tóxica para el cine y la industria australiana. Los dos grandes momentos del cine australiano, el Revival en los 70, y el cine de la fealdad (lo voy a institucionalizar) de principios de los 90 fueron saqueados por Hollywood y de sus directores, a excepción de Weir y Luhrmann, nunca más se ha oído hablar. La renovación viene dada por la política de subvenciones, por los planes de formación y porque la estructura se ha mantenido. Hay una producción interna estable, con picos debido a lo exportable de filones como el horror en los 80 o en la segunda mitad de los 2000. Desde entonces, el abaratamiento de los equipos ha favorecido que surjan bastantes productoras independientes, algunas con personalidad y éxito como la Blue Tonge, una cooperativa  que ha rodado cosas como Animal Kingdom o The Rover. Como en España, las películas se mueven entre el presupuesto medio y el low cost. Eso hace sostenible el invento.

The Return of Captain Invincible

Los aficionados al fantástico conocemos de sobra el buen momento que atraviesa la filmografía de aquel país referente al tema, con títulos como Babadook u otros que, si bien en su mayoría ausentes de nuestras carteleras, se pasean por el circuito de festivales acompañados de cierto éxito. ¿A qué se debe esta especial predilección que, al menos a primera vista, parece tener aquella industria por el cine perteneciente a este género? ¿Responde a una razón de exportabilidad, o hay otros motivos?

En cierto modo el cine australiano se refundó en el fantástico. Quiero decir… Walkabout y Wake in Fright no son fantásticas, pero tienen esa vibración, ese sentimiento. Picnic en Hanging Rock lo resume: es una peli de prestigio y es un peli fantástica. Es Henry James. Lo fantástico está ahí. Es, paradójicamente, real.

Y luego, en un sentido mundano, los fantástico, o lo fantaterrorífico, fue un buen de mercado en los 70 y 80. Se vendía rápido y se producía rápido; y había cierto talento para hacerlo; eso y cara dura, que siempre suma en ese mundillo. En los 2000 pasó lo mismo. En aquel momento el gobierno no financiaba pelis de género y rechazaron Saw. Ya sabemos que se hizo en Norteamérica por cuatro chavos y ganó millones. Así que se decidió que eso no le iba a pasar por segunda vez. Wolf Creek surgió de ahí, de un cajón. Y a partir de ella se regresó a la dicotomía clásica: películas identitarias o películas internacionalistas.

Y fantástico aparte, ¿cual es la situación actual que atraviesa el cine australiano en su conjunto?

Precario pero estable, se podría decir. Está en un momento de repunte internacional, lo cual no es sinónimo de estar bien, sino de que seis o siete pelis se ven fuera. El fantástico ha resistido,  y se ha ido regresando al paisaje incluso en obras fuera de género como Tracks, la Blue Tongue sigue firme como ejemplo de independencia viable y Mad Max asoma en el horizonte, tal vez un regreso al apocalipsis, en coherencia con las cosmogonía aborigen del tiempo cíclico: creación y destrucción. El cine aborigen es, precisamente, lo más estimulante. En los 90 comenzaron a hacer sus películas, a levantar su propio Revival y han ido desprendiéndose de los modos de representación blancos, a la búsqueda de algo propio, identitario a su vez. Ahí está metida esa singularidad que es Rolf de Heer, quien se ha desnudado de su ego y se ha puesto al servicio de una comunidad y de una cultura para ser su médium, pero también un grupo de cineastas aborígenes contándose en sus propios términos.

The Man From Hong Kong

Abandonando ya nuestro recorrido por La historia del cine australiano, ¿en qué otros proyectos te encuentras trabajando ahora mismo? ¿Tienes pensada ya alguna idea para un próximo libro, aunque sea a medio plazo?

Ahora estoy terminando mi parte de un libro sobre la saga Terminator. Una idea de Miguel González, de Ultramundo, para Applehead Team. Es un encargo, pero he tenido libertad de acción, así que ha quedado una cosa excéntrica y personal. También participo, muy modestamente, en otro libro de los antedichos sobre la productora Empire. Fuera de eso, estoy envuelto en un par de libros interesantes, uno sobre la obra y figura de Richard Matheson y otro sobre el fantaterror español, en formato de antología crítica, y otro sobre cine y publicidad. Todos colectivos.  Hay alguna cosilla más pero en estado embrionario. Por lo demás, no creo que tarde la segunda parte del estudio sobre el cine surcoreano que hice para Cine-Bis y estoy dando la tabarra con un par de ideas, una fuera del cine. A ver si consigo engañar a otra editorial. Y sigo en Internet claro, casi a diario. Un pesado, vamos.

José Luis Salvador Estébenez

Published in: on marzo 4, 2015 at 4:28 am  Dejar un comentario  

Proyección de “Los sin nombre” este sábado en Barcelona con la presencia de Jaume Balagueró

Proyección Los sin nombre

El próximo sábado 7 de marzo El buque maldito y Phenomena – The Ultimate Cinematic Experience volverán a unir fuerzas. A partir de las 18 horas, la sala cita en la calle Sant Antoni Maria Claret, nº168 de Barcelona acogerá la proyección de Los sin nombre, la cual estará acompañada por la presencia de su director, Jaume Balagueró.

Tras las buenas críticas recibidas por sus dos primeros cortometrajes, Alicia (1994) y Días sin luz (1995), el cineasta catalán firmaría su ópera prima con esta adaptación de la novela de Ramsey Campbell The Nameless, protagonizada por la actriz Emma Vilarasau. Un film construido alrededor del dolor, donde el Mal y lo macabro se apoderan de un relato escalofriante y perverso, teñido de oscuridad y terror, que tiene su punto de partida en la desaparición de una niña.

Dicho título supondría el despegue de la carrera de Balagueró, quien se convertiría así en uno de los abanderados de la recuperación del cine fantástico en nuestro país que se viviría con el cambio de milenio. A Los sin nombre le seguirían Darkness (2002), Frágiles (2005) y el telefilm Para entrar a vivir (2006), perteneciente al formato “Películas para no dormir”. Así hasta llegar a uno de los títulos más importantes del cine de terror de los últimos años a nivel mundial: [REC] (2007), codirigir junto a Paco Plaza e iniciadora de la primera saga numérica dentro del fantástico estatal, compuesta hasta la fecha por tres entregas más: [REC] 2 (Jaume Balagueró & Paco Plaza, 2009), [REC] 3 Génesis (Paco Plaza, 2012) y [REC] 4 (Jaume Balagueró, 2014).

Además del pase de Los sin nombre, una vez finalizada la película la sesión se completará con la celebración de un coloquio en el que Jaume Balagueró conversará con los asistentes acerca de su filmografía y la situación del fantástico actual.

Entradas anticipadas ya disponibles en las taquillas del cine y de forma online en:
http://phenomena.admit-one.eu/?p=details&eventCode=17269

Published in: on marzo 3, 2015 at 2:00 pm  Dejar un comentario  

“Exhumed Movies” toma el Artistic Metropol el próximo sábado

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Coincidiendo con la reciente salida al mercado del nuevo número del fanzine, Exhumed Movies regresa una vez más a la capital. Esta vez será Artistic Metropol la sala escogida por sus responsables para organizar una sesión doble irrepetible en la que, bajo el título “Sábado necrófilo”, se podrán ver dos auténticos films malditos de finales de los años setenta. Se trata, ni más ni menos, de Demencia (Buio omega) de Joe D´Amato y la española La sombra de un recuerdo.

Una ocasión única de disfrutar de estas dos joyas en pantalla grande. El precio del pase para este programa doble es de 6 € y las reserva de entradas se puede efectuar a través del mail cinema@artisticfilms.es o el teléfono 915272792. ¿Te lo vas a perder?

Published in: on marzo 3, 2015 at 4:39 am  Dejar un comentario  

Nace el festival itinerante “Sitges Tour A Contracorriente”

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El martes de la pasada semana los madrileños cines Conde Duque-Santa Engracia acogieron la puesta de largo de cine “Sitges Tour A Contracorriente”, una atractiva y aplaudible iniciativa surgida de la asociación del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya y la distribuidora y productora A Contracorriente Films. Se trata de una suerte de festival itinerante que acercará a distintos lugares del país una selección de cuatro películas programadas en la pasada edición del certamen catalán y que de otro modo tendrían muy difícil su acceso a nuestras salas comerciales debido a la complicada situación en la que se encuentra sumida la distribución cinematográfica en España.

Para esta primera edición, el “Sitges Tour A Contracorriente” contará con cuatro títulos que, además de sus cualidades artísticas, representan de un modo inmejorable la que vienen siendo las corrientes más predominantes en el Festival de Sitges; desde la propuesta genérica pura y dura de la notable OculusEl espejo del mal, hasta The Target (El objetivo), representante de la inagotable cantera de exponentes surgidos de último thriller asiático, pasando por el humor cafre y desenfadado de la delirante Zombeavers (Castores zombies), sin olvidar a Lawless (Sin ley), sin duda el título más valioso del cuarteto, al que ni su calidad, ni el estar protagonizada por importantes estrellas hollywoodienses le ha librado de dormir el sueño de los justos por estos lares hasta la fecha durante más de dos años.

Con estos mimbres, la iniciativa echará a andar en Madrid, donde a partir del 6 de marzo los propios cines Conde Duque Santa Engracia proyectarán los films seleccionados durante un tiempo limitado de una semana. En estos cines se podrá adquirir un abono para poder disfrutar de las cuatro películas por 12 euros. Tras su paso por la capital, el Sitges Tour A Contracorriente viajarápor toda España. Aunque la confección final de su recorrido aún no está cerrada, de momento es seguro que visitará Barcelona (Phenomena), Alcalá de Henares (Cine La Dehesa Cuadernillos), Barakaldo (Cinesa Max Ocio), Cornellà de Llobregat (Cines Full HD), Granada (Kinepolis), Lleida (Espai Funàtic), Majadahonda (Cines Zoco), Mairena de Aljarafe (Metromar Cinemas 12 UCC), Oviedo (Cinesa Parque Principado) Santander (Cines Peñacastillo), Valladolid (Cines Broadway / Manhattan), Málaga (Cine Albéniz), Palma de Mallorca (Cineciutat), Pamplona (Golem La Morea), Puerto de Santa María (Multicines Bahía Mar) y Sevilla (Cines Avenida).

Más información: http://www.acontracorrientefilms.com/

Published in: on marzo 2, 2015 at 6:25 am  Dejar un comentario  
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¡Hasta siempre Mister Spock!: fallece Leonard Nimoy

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Malas noticias. Hace escasas horas se hacía público el fallecimiento de Leonard Nimoy, un verdadero icono para muchos de nosotros. Según han publicado a algunos medios, el fatal desenlace se ha producido en la mañana de hoy cuando el actor se encontraba en su casa de Bel Air, debido a una enfermedad obstructiva pulmonar que venía padeciendo desde hace tiempo y que se encontraba en su fase terminal.

Nacido en Boston, Massachussetts en 1931, Nimoy comenzó su carrera como actor a principios de los años 50, principalmente en series de televisión y películas de serie B. Los devoradores de cerebros (1958), Zombis de la estratosfera (1952) o La humanidad en peligro (1954) son algunos de los filmes en los que el joven interprete participó, muchas veces en papeles secundarios, anecdóticos o sin acreditar; en cuanto al medio catódico, Nimoy dio vida a personajes en todo tipo de series, algunas prácticamente olvidadas, y otras tan míticas como Bonanza o The Twilight Zone.

No obstante, su vida cambió al lograr el papel del mítico Comandante Spock en la serie Star Trek, sin duda uno de los programas más importantes y admirados de la historia de la televisión mundial. Con un físico inolvidable debido a su condición de mitad humano-mitad extraterrestre (vulcano para más señas), los guionistas elaboraron con Spock a un excelente personaje que Nimoy interpretó a la perfección. El saludo, la garra o el idioma vulcano han sido reproducidos por millones de fans alrededor del planeta, algo que el actor encajó siempre de maravilla. Del mismo modo, Nimoy prestó su voz a la serie animada y apareció en dos episodios de Star Trek: la nueva generación. Cuando la serie dio el salto a la gran pantalla, Spock/Nimoy aparecería en las seis primeras entregas de la saga con un papel casi protagónico, por supuesto siempre junto al Capitán Kirk (William Shatner, evidentemente). Tal fue su implicación en la serie creada por Gene Roddenberry que Nimoy debutó como director de cine (tras realizar varios proyectos catódicos) encargándose de la tercera entrega de la saga, Star Trek III-En busca de Spock (1984). La operación salió de maravilla, y Nimoy repitió labores en la siguiente película, Star Trek IV: The Voyage Home (1986), titulada en nuestro país simplemente como Misión: Salvar la Tierra. Nunca desligado de su personaje ni del universo trekkie, el bostoniano apareció en decenas de documentales, escribió libros sobre el tema e incluso realizó intervenciones especiales en las nuevas películas que sobre la franquicia dirigiera J. J. Abrams, siendo el único actor que participó en todas las entregas de la saga inspiradas en la tripulación clásica. Es destacable comprobar como el actor supo autoparodiarse sin perder la compostura en programas tan conocidos como Los Simpson o Big Bang Theory, entre otros.

Al margen de la saga que le hizo conocido, Leonard Nimoy apareció en otras producciones importantes, entre las que destacan la versión que en 1978 realizó Philip Kaufman sobre La invasión de los ultracuerpos, el largometraje de animación Transformers: The Movie (1986) o en muchos episodios de las series Misión: Imposible o Fringe (Al límite), esta última producida por J. J. Abrams. Como realizador mostró una postura cuanto menos versátil, realizando comedias populares como Funny Baby de 1990 (al servicio de Gene Wilder) o Tres hombres y un bebé (1987), así como el drama El precio de una pasión (1988).

Descanse en paz.

Javier Pueyo

Published in: on febrero 27, 2015 at 8:52 pm  Dejar un comentario  
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Entrevista a Stan Valen, director de “Lesbo Killer Dolls”

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Hace pocos meses la distribuidora Vial of Delicatessens sacaba al mercado doméstico la edición en Dvd de Lesbo Killer Dolls, una cinta que bebe directamente del estilo creado por Jesús Franco a lo largo de su filmografía. Escrita, producida e interpretada por Salvador Sáinz, se trata de un thriller plagado de erotismo extremo que cuenta la historia de dos asesinas a sueldo escondidas bajo la apariencia de dos sensuales prostitutas, a las que dan vida Lina Servant y Mary Blond. Extraña, por momentos excitante, bizarra al 100%, este autentico delirio visual está dirigido por un joven cineasta que debuta así en el mundo del largometraje, Stan Valen. Conversamos con el realizador para que nos hable de su película y de su carrera en el medio audiovisual.

Cuéntanos un poco, ¿cómo te inicias en el sector audiovisual?

Ante todo un saludo. Pues la verdad es que desde siempre me interesó este sector… Desde bien crío. Pero sobre todo la dirección. Empecé pues como cualquier hijo de vecino que sueña con adentrarse en este mundillo, con cortometrajes. Esos cortos los acabábamos viendo la misma gente que participábamos en ellos y pasándolos en algunos círculos pequeños, como algún taller especial en la propia ciudad. Incluso rodé uno erótico, que me encantaría recuperar… pero ni yo se donde anda ya. Hará cosa de cuatro o cinco años empecé de manera mas profesional, con pequeños trabajos en la televisión local, curros alimenticios y colaborando en cortometrajes ajenos.

Por otro lado, conocía el cine de Jesús Franco, pero no me llegue a interesar tanto en él, hasta que no descubrí su etapa digital por la misma época. Esa libertad para expresar lo que le daba la real gana sin preocuparse por los típicos esquemas y cánones cinematográficos (algo que homenajeo conscientemente en Lesbo Killer Dolls) y aun así creando una historia. Sin duda me fascinó. A pesar de ser películas eróticas, no era el típico erotismo de la era digital, por ejemplo americana, era mucho más; era arte muy personal y muy bizarro. Ahí es cuando supe que quería hacer algo parecido, o al menos intentarlo, y no dejar morir ese género y ese estilo.

Has trabajado en muchas ocasiones con el escritor y cineasta Salvador Sáinz. ¿Cómo comenzó vuestra relación profesional?  

A Salvador le conocí ocasionalmente por Internet hace varios años. Yo buscaba información sobre una actriz que trabajó en varias ocasiones con Jesús Franco, Christie Levin. Me encantaba, me tenía enamorado. Esa mirada y esa sencillez la convertían en una mujer totalmente enigmática. Di con él, uno de sus mejores amigos que, por cierto, no sabía nada de ella hace tiempo, y por fin años después y hace pocos meses, conseguí hablar con ella por teléfono. Salvador siempre me contaba anécdotas interesantes de sus inicios, congeniamos bien. Cuando me encontré trabajando en 2012 en el primer proyecto como director del amigo Ajaj Jethi, actor televisivo afincando en España, decidí llamar a Salvador y tener un primer contacto con él. Me interesaba su faceta como creativo, a parte de la de actor. Fue uno de los cámaras del cortometraje MAY de Ajay Jethi.

En esa época yo realicé algunos cortos, pero decidí decantarme por el mundo del largometraje y en general por un género poco tocado actualmente, pero no por eso muerto, el erotismo. Así, un año después (abril de 2013), inicié el rodaje del mediometraje Los profundos sueños de Jennifer (que espero pueda ver la luz pronto), financiado por mí mismo. Ahí tenía a Salvador de actor, como ente, un ente muy pervertido que tenia aterrorizada a la pobre Jennifer, una fabulosa Carmen del Toro que bordó el papel. Y opino que lo de Salvador realmente es la comedia. Varios meses después de aquella experiencia nacería la idea de rodar Lesbo Killer Dolls

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Lesbo Killer Dolls es tu debut en el campo del largometraje, y se trata precisamente de una película co-escrita, producida e interpretada por Sáinz. ¿Cómo nació el proyecto?

El proyecto nació porque tanto yo como director del proyecto Los profundos sueños de Jennifer, como Salvador, actor y ayudante en el mismo, estábamos encantados con el concepto. Nos gusta el cine erótico y decidimos homenajear a Jess con este largometraje. Salvador reinventó un personaje que ya se le había ocurrido a finales de los años 80 para El aullido del diablo, el Padre Damián. Como has podido observar, se atreve con todo sin tabúes. Quizá es su papel más fuerte y polémico. Pero ahí estaba él, madrugando y siendo el primero en llegar para darnos prisas a los demás y comenzar a trabajar cuanto antes.

La película es un claro homenaje al universo creado por el cineasta Jesús Franco, especialmente en su última etapa como realizador. Incluso le realizas una dedicatoria en los créditos finales del filme ¿Supo Franco, antes de fallecer, que estábais trabajando en este proyecto?

Ojalá. Me hubiera encantado que Franco hubiese visto la película. Sí supo de Los profundos sueños de Jennifer, que empezó a rodarse el mismo mes en que murió. Le hablé del proyecto meses atrás, incluso le pedí consejo. Lo que realmente me jode del asunto, es el hecho de que El caso de la guiri asustada, nunca se pudo llevar a cabo. Fue un proyecto fallido de Jesús antes de adentrarse en la extraña Al Pereira. Yo hubiera trabajado en El caso de la guiri, como cámara, junto a su musa Analía Ivars que llevaba casi catorce años sin trabajar con él.

¿Y cuales son tus películas favoritas de Franco? ¿Hay alguna que consideres un referente claro cara a tu obra?

¡Claro! Y me alegra que me lo preguntes, así puedo explicarte cuales fueron los referentes básicos a la hora de crear mi Lesbo Killer Dolls: por un lado Seda roja y también he de mencionar las denominadas “Flores de Jess”, Flores de la pasión y Flores de perversión. Quería crear una atmósfera narrativa totalmente erótica (un erotismo en su totalidad lésbico), homenajear a Jesús y de paso intentar crear una firma propia dentro del género. Quizás yo me atrevo con un humor más visceral. No considero este tipo de cine ni lento ni aburrido, simplemente diferente. Tiene que existir de todo, para todos. Aunque sea para cuatro gatos, me mola, y mucho, que la disfruten ¡y que me comparen con el maestro! Me encanta la comedia gamberra y creo que esas situaciones delirantes se han convertido en mi firma. De modo que considero un referente a mi obra toda la etapa del maestro Jess entre 1997-2013.

¿El resto del equipo de la película también conocía la obra de Franco?

Pues depende del proyecto y del equipo. Me gusta que conozcan la obra de Franco, o al menos el concepto de cine erótico en general; me encantan también Jean Rollin y Tinto Brass. Pero sí, suelo preguntar si conocen o han oído hablar de Jesús Franco. Por ejemplo Carmen del Toro, protagonista de Los profundos sueños de Jennifer y secundaria en Lesbo Killer Dolls, es fanática de la obra de Jesús. En especial de la gamberra Mari-cookie y la tarántula asesina o el clásico Las vampiras. En una de las últimas películas que he rodado, Vampiras in the Night, varios miembros del reparto sí estaban familiarizados y encantados con el concepto. Jesús es desconocido si hacemos referencia al gran público, pero muy conocido y querido por sus admiradores. 

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¿Cómo confeccionas el casting de la película? ¿Conocías a las actrices previamente?

Necesito conocer a la actriz, sobre todo a LA ACTRIZ. El punto fuerte de mi cine es ella, la mujer. No me vale una cara o un cuerpo bonito… Si no sabe expresarse, gesticular o tener una mirada penetrante que hipnotice al espectador, o al menos a mí, no me interesa. Por ejemplo, Carmen del Toro (vuelvo a mencionarla porque me encanta). Es cierto que no es la más guapa, ni tiene el mejor cuerpo, ni veinte años, pero sus gestos, su mirada y sus performance ante la cámara pueden poner cachondo a cualquiera.

A las protagonistas de Vampiras in the Night las conocí a las tres en un rodaje. Aunque a una ya la conocía vía Facebook hace tiempo a través de un buen amigo, sin demasiado contacto.

¿Cuántos días duró el rodaje?

Si no me equivoco, unos seis días. El montaje final fue de unos 75 minutos. Algunas secuencias eliminadas y una escena de diálogo adicional se encuentran entre los extras del DVD. El montaje original era de 100 minutos exactos… Y me parecía muy pesado.

La película incluye sexo lésbico, ataques a la Iglesia, asesinatos, gore… ¿Tú como la definirías?

¡Como una rareza completamente demencial! Muy recomendable para todos los amantes y coleccionistas de lo extraño y bizarro, entre los que me incluyo. Es una bizarrada con situaciones cómicas muy viscerales, que hay que ver para comentar. Más que ataques a la propia Iglesia, es una crítica social abierta y personal hacía la religión y el propio fanatismo que ésta crea. El personaje creado por Salvador Sáinz es justo el concepto negativo del típico cura, es el prototipo de cura cabrón. A este personaje le podréis ver, espero que pronto, en la recién finiquitada Vampiras in the Night, de manera mucho, mucho mas critica y visceral. El personaje creció y mejoró. Es completamente diferente al Damián que vemos en Lesbo Killer Dolls. Quizá en Lesbo Killer Dolls, vemos a un Damián mas sátiro, mas cerdo… En Vampiras veremos a un Damián vengativo, aunque nuevamente muy salido.

El sexo lésbico forma parte de su narrativa. Los asesinatos y el gore narran, junto con el sexo, las andadas de nuestras protagonistas. En definitiva creo que cualquier coleccionista del género tendría que tener su copia de Lesbo Killer Dolls editada por Vial of Delicatessen. ¡Además los extras, son cojonudos!

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Ya hemos dicho que tu película contiene un alto contenido erótico. ¿Cómo planificaste esas secuencias? ¿Había una coreografía o se trata de un trabajo de improvisación por parte de los intérpretes?

Para mi el sexo es algo natural, que puede ser algo bonito, artístico e incluso sucio y salvaje, depende de la situación… Sobre todo si delante de la cámara desfilan actrices tan guapas y naturales como las de Lesbo Killer Dolls. Ellas mismas se encargaban de la coreografía, pues estaba planificado el concepto pero nunca la coreografía. Les dejo trabajar con libertad. Les doy indicaciones, claro, pero todo fluye por si solo. Es muy importante el buen rollo y un buen ambiente en cualquier rodaje, más si se trata de un rodaje en el que los actores se desnudan física y mentalmente. Si estás cómodo, todo fluye, el director esta contento y nos vamos a dormir pensando que ha sido un cojonudo día de trabajo. La improvisación es muy importante en este tipo de películas y creo que por el momento he tenido suerte con todos y cada uno de mis actores.

En la reciente edición en Dvd que distribuye la empresa “Vial of delicatessens” se incluye una entrevista con Salvador Sáinz en la cual asegura que el personaje del Padre Damián ya aparecía en la película dirigida por Jacinto Molina/Paul Naschy El aullido del diablo (1987), algo que ya has comentado anteriormente en esta entrevista. ¿Revisaste la película de Naschy antes de realizar la tuya?  

No, para nada, no soy demasiado admirador de las obras de Naschy. En cualquier caso revisaría una de Franco. En El aullido del diablo, sí, aparece el personaje de Damián, pero no interpretado por Salvador como inicialmente tenia que ser. (n.d.a.: en el filme de Jacinto Molina, Damián aparece interpretado por Fernando Hilbeck). Era una especie de cura sátiro que perseguía a Caroline Munro. Salvador Sáinz se salió del proyecto.

Como decíamos, la película está siendo distribuida en Dvd por “Vial of delicatessens”, y anteriormente fue proyectada en algunos festivales, como el V FANGOFEST de Amposta. ¿Cómo son las reacciones del público?

Me encanta la edición de Vial, y me encanta el trabajo de David Martín Surroca (Mundo Lumpen) con la caratula oficial de la película.

Jacint Espuny, director del Fangofest, me propuso asistir a su festival y promocionar mi película. Las reacciones son muy adversas, sobre todo con esta, que es un claro homenaje “franquiniano”. He llegado a oír comentarios del tipo “si me dices que es de Jess, me lo creo”. Pues ya se sabe, el público de este género no es demasiado extenso, y los admiradores la disfrutan. El publico acostumbrado a productos mas convencionales y no preparado para ver algo tan diferente alucinan…

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Has mencionado que acabas de terminar Vampiras in the Night, de nuevo con guión tuyo y de Salvador Sáinz, aunque en esta ocasión también se añade al equipo de guionistas la actriz Lidia García. ¿Qué nos puedes contar de este nuevo proyecto? Dado que en él aparece de nuevo el Padre Damián, ¿se trata entonces una secuela de Lesbo Killer Dolls?

No, no es una secuela. No tiene nada que ver. Únicamente Sáinz vuelve a ser el padre Damián, pero algo distinto al visto en Lesbo Killer Dolls como ya he dicho. Es diferente, no sólo el concepto, si no la idea en sí. Hay muchas más situaciones, más dialogo, más locura… Menos Jess Franco, aunque sigue siendo indirectamente un homenaje; hay más firma propia. Salvador de nuevo se encarga de su personaje, el Padre Damián. Y en cuanto a Lidia García (o su pseudónimo, Lynn Rose), ha sido cojonudo, cojonudo, trabajar con alguien como ella. Menudas locuras se le ocurrían a mentes perversas como las nuestras, jajaja. Es una cómica cojonuda y actuaba casi improvisando la situación. La puedo comparar con la mismísima Jennifer Tilly. Ella se encargó de darle matices a su personaje y de crear unos espacios del tipo sketching, entre ellos la cocina de Tania, que tendréis que ver, son la hostia. Juntar en las mismas secuencias a Lidia con otro bestia de la comedia como José Antonio Marín Silva, mas conocido como Pancho Marín, fue brutal.

Por lo que he podido leer, en el reparto de Vampiras in the Night aparece Sandra Albertí, mítica actriz vista en filmes como Escalofrío (1978), El transexual (1977) o Historia de “S” (1979), pero que desde hace décadas se encontraba alejada de las cámaras, a excepción de algunos cortometrajes como Pelucas (2014) de José Manuel Serrano Cueto. ¿Cómo has contactado con ella y qué tal ha sido la experiencia de dirigirla?

De hecho conocí a Sandra cuando nos invitaron a ambos (junto a Sáinz) al Fangofest. Antes no la había tratado personalmente, solo vía chat. Fue muy interesante conocerla y mantenemos contacto. Es la narradora oficial. Ojalá fuera actriz de reparto, pero es muy jodido residiendo ella en Madrid. Quizás más adelante… Me encantaría tenerla de mala, le pega y se que lo haría genial. Es una mujer que me impone mucho y que te puede contar mil cosas interesantes durante horas.

Hasta el momento tu carrera se ha enfocado en los terrenos del erotismo y el fantástico. ¿Piensas continuar en ese camino o te gustaría incursionar en otros géneros?

No pretendo incursionar en lo comercial. Al menos no como director. Soy más realista, y el cine es tan jodido… Soy feliz haciendo lo que hago y con esto me basta. Creo que son géneros que se pueden explotar mucho, mucho más. O dar de sí… Tengo mil ideas, mil proyectos… pero este año me voy a conformar con estrenar Vampiras in the Night.

También tengo otro proyecto que rodaré próximamente en francés con estética vintage. Y me gustaría tener la oportunidad de realizar otro largo antes de acabar el año.

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Al margen de tu faceta de director y guionista, me llama la atención que hayas trabajado, algunas veces como actor, en algunas producciones ajenas, concretamente para cineastas bien conocidos por el fandom como Germán Monzó o Jacint Espuny. ¿Estás también interesado en la interpretación o estas incursiones son sencillamente colaboraciones con compañeros?

Me lo pase muy bien con Jacint, es muy profesional y sabe en todo momento lo que quiere y lo que tiene, y a pesar de los pocos medios el resultado es bastante bueno. Recuerdo que en Infección Zombie tenía un par de secuencias y en una me tenia que morir; creo que la repitieron siete u ocho veces… ¡joder como me compliqué la vida para morir!

Con Germán Monzó tengo amistad ya desde hace años, nos presento Salvador, es un gran tío y un gran confidente. Siempre que puedo echarle un cable, con algún corto o teaser promocional ahí me tiene. Está muy ilusionado preparando algo grande hace algún tiempo junto a su novia, la actriz rusa Anastasia Shevchenko; espero que la cosa pueda seguir adelante durante este año porque el proyecto en sí es bastante bueno.

Sí me interesa la interpretación. Pero mas de manera ocasional, no vocacional, ¡y si pagan mejor que mejor! Si tuviera que decantarme sólo por una rama dentro del sector audiovisual sería la dirección, pero la verdad es que disfruto con todo. Y si tengo que colaborar con compañeros o echarles un cable, ahí estoy. Como por ejemplo con el director catalán David Hidalgo, un gran profesional que llegara muy lejos.

Gracias por concedernos esta entrevista. Si quieres añadir alguna cosa más…

Muchas gracias por ofrecerme está entrevista y por haber disfrutado mi Lesbo Killer Dolls. Os prometo muchas mas locuras audiovisuales, que mientras pueda seguir rodando no pararé de realizar. Un abrazo muy fuerte al equipo de La abadía de Berzano.

Javier Pueyo

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Published in: on febrero 27, 2015 at 6:13 am  Comments (3)  
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“Wax”, la ópera prima de Víctor Matellano, se estrena este fin de semana en España

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Tras su paso por diferentes certámenes, tanto nacionales como internacionales, dónde ha cosechado numerosos reconocimientos caso de la Mención Especial concedida a Jack Taylor y Geraldine Chaplin en el festival Buenos Aires-Rojo Sangre, y luego de su reciente estreno en los Estados Unidos, Wax, la terrorífica ópera prima de Víctor Matellano, llegará por fin este fin de semana a los cines de nuestro país.

Rodada en los Museos de Cera de Barcelona y Madrid, la película está protagonizada por  el legendario actor del género de terror de Jack Taylor acompañado de Jimmy Shaw, Denis Rafter, Yolanda Font y la participación de la gran Geraldine Chaplin y cuenta, además, con la voz de Paul Naschy que da vida a una siniestra figura de cera.

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El film, un guiño al cine clásico de terror, supone el debut en el largometraje de ficción de Víctor Matellano, alimentando con él un género en auge en nuestro país. La mítica revista especializada en cine de terror “Fangoria” le dedicó las siguientes palabras: “Wax combina la atmósfera gótica tradicional con el contemporáneo found footage, ofreciendo mucha violencia espantosa y sangrienta, y más de un sorpresivo giro argumental. Una carta de amor al horror, diseñada para helar la sangre y dejarte sin dormir”

El estreno oficial de la película se producirá este viernes 28 de febrero dentro de las “Scifiworld Fright Nights”, en programa doble con Zarpazos!, documental sobre el cine fantástico español dirigido también por el propio Matellano. Después tendrá un paso limitado en solitario por la sala madrileña Artistic Metropol y Cinemas Girona de Barcelona, donde se proyectará en su versión original en inglés subtitulada, hasta su desembarco el13 de marzo en diversas plataformas  digitales como Wuaki, Nubeox o Filmin, entre otras, para a partir del 22 de abril ser lanzado para venta directa en formato Blu-ray y Dvd de la mano de Tema Distribuciones.

Os recordamos que aprovechando su premiere mundial en la pasada edición de Nocturna, el Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid, tuvimos la oportunidad de entrevistar a una ilustre y nutrida representación del equipo de la película, compuesta por Víctor Matellano, el mítico técnico de efectos especiales Colin Arthur, y los actores Jack Taylor y Jimmy Shaw, la cual podéis consultar en el siguiente enlace: https://cerebrin.wordpress.com/2014/06/06/entrevista-con-el-equipo-de-wax/

Published in: on febrero 26, 2015 at 6:11 am  Dejar un comentario  

Novedades de Cameo para marzo de 2015

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Gran parte de las novedades para marzo de Cameo tienen la recuperación de títulos estrenados ya hace unos años como denominador común. No en vano, uno de sus lanzamientos estrella para el próximo mes es la edición por primera vez en España en formato Blu-ray de dos títulos del norteamericano Jim Jarmusch: Noche en la Tierra y Down by Law (Bajo el peso de la ley), en ambos casos editados en su versión original en ingles con subtítulos en castellano. El cineasta natural de Ohio también será el protagonista de un pack que, bajo el inequívoco nombre de “Jim Jarmusch”, ofrece en otros tantos discos DVD seis de sus obras más ilustres. Se trata de Permanent Vacation, Stranger than Paradise, las ya comentadas Down by Law y Noche en la Tierra, Mistery Train y Dead Man.

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Otro pack recopilatorio, aunque con un sabor más autóctono, es el que reúne el díptico protagonizado y dirigido por Carlos Iglesias Un franco, 14 pesetas y 2 francos, 40 pesetas, también en DVD. Y ya que de packs recopilatorios hablamos, tampoco pueden ser  pasados por alto los tres que aparecerán con motivo del próximo 18 de marzo, día del padre. Así, “Para padres con mucha acción” se anuncian a las asiáticas Thirst, Outrage y la soberbia Nameless Gangster, mientras que “Para padres que viven al límite” Cameo tiene preparadas Miss Bala, Sin tregua y Carrera infernal. Por último, El club de los suicidas, El mundo es nuestro y la italiana Inmaduros son los títulos que conforman el pack ideado “Para padres con mucha gracia”.

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En cuanto a las novedades propiamente dichas, la más interesante a juicio de los responsables de esta Abadía la supone el lanzamiento en DVD el día 18 de la danesa Cuando despierta la bestia, ganadora del premio Citizen Kane en la última edición del Festival de Sitges. A medio camino entre el terror y el drama intimista, la película de Jonas Alexander Arnby se sitúa en un pequeño pueblo costero para narrar la historia de Marie, una joven de diecinueve años que comienza a experimentar ciertos cambios en su cuerpo que ella cree relacionados con el pasado de su familia. Con audios en castellano y danés y subtítulos en castellano, la película será ofrecida con su aspect ratio original de 2.35:1 e imagen anamórfica, y entre los extras incluidos se encuentra su tráiler, así como las típicas fichas técnicas y artísticas.

Más información: http://www.cameo.es/

Published in: on febrero 25, 2015 at 6:10 am  Dejar un comentario  

Crónica II Muestra de Cine Oscuro, Maldito y de Culto “Exhumed Movies” de Salamanca

La II Muestra de Cine Oscuro, Maldito y de Culto organizada por Ehumed Movies & Miskatonik Videos tuvo lugar los días 5, 6, 7 y 8 de febrero del 2015 en la ciudad de Salamanca. De los dos días de duración que tuvo la primera edición se ha ampliado a cuatro, un dato que solo hace confirmar cómo sus responsables pretenden hacer de la Muestra una parada obligatoria para los aficionados del fantaterror. Otro aspecto muy significativo es el que en esta ocasión la Muestra ha tenido dos sedes: la Filmoteca de Salamanca y el Espacio Alternativo Almargen, a lo que hay que sumarle el contar con un medio oficial, “Tres acordes rock show”, la organización de una exposición a cargo del creador artístico  “Pho” y música en directo a mano de Dj “Boxmaniac”, amén de muchos colaboradores como  “Librería Hydria”, “La mansión del Terror”, “Las farolas bar”, “Shogun comics”, “El otro lado bar”, etc.

Tras estos pequeños apuntes pasamos a destripar lo que han sido estos días de frio y terror.

-JUEVES 5 FEBRERO  (FILMOTECA DE SALAMANCA)

Jose A. Diego, _ y Javier Castellanos presentando el nuevo número de "Exhumed Movies".

Jose A. Diego, el director de la Filmoteca de Salamanca, Alberto Fernández, y Javier Castellanos, presentando el nuevo número de “Exhumed Movies”.

La Filmoteca de Salamanca fue el lugar elegido para presentar en sociedad el número 8 de Exhumed Movies, un especial de 400 páginas para celebrar el III aniversario del fanzine. Dicha presentación vino a cargo de dos de sus directores: José A. Diego y Javier Castellanos, quienes estuvieron acompañados del subdirector de la Filmoteca, Alberto Fernández. Para rematar la jornada, se proyectó en exclusiva La sombra de un recuerdo  (1978) de José Antonio Barrero, una desconocida y maldita cinta que trata el tema de la necrofilia sin tapujos que pudo ser vista gracias a la en Video 2000 cedida amablemente por nuestro amigo asturiano Javier García González, que se sepa la mejor visión existente en el planeta. Tras una serie de preguntas a sus directores, concluía el paso por la Filmoteca, a la vez que se daba el pistoletazo de salida propiamente dicho a la Muestra.

-VIERNES 6 FEBRERO (ESPACIO ALTERNATIVO ALMARGEN)

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El Espacio alternativo Almargen es un espacio cultural donde se han compaginado cine, música, pintura y cultura dentro de un ambiente underground. El lugar ha estado dividido en dos espacios; por un lado en el ambigú, se encontraba el bar, la exposición del creador “Pho”, más varios stands con libros, fanzines, camisetas, discos, etc. En la otra parte de la nave se encontraba la sala donde se proyectaron los cortos y  películas, y donde también el Dj “Boxmaniac” pincho durante horas en directo.

La inaugura la Muestra llegaría con el corto en exclusiva Plasma de romero, de nuestro amigo Oscar Villalta, presentado por él mismo y sus protagonistas, Marta Villalta y Víctor Romero. El director comparo su trabajo con El demonio de los celos. Es un corto rápido donde se entremezcla la acción, el drama, el gore y el humor. Sabbath de Luis Calderón fue el siguiente cortometraje; trece minutos de satanismo que hicieron las delicias de todos los asistentes. Delirio caldo (1972) de Renato Polselli  abrió el turno de los largos, un giallo demencial que no dejó indiferente a nadie. Tras un pequeño parón para retomar fuerza le tocó el turno a Nueva York bajo el terror de los zombis (Zombi 2, 1979) de Lucio Fulci, cinta de culto donde las haya, que tuvo a todos los allí congregados pegados a la pantalla disfrutando de zombis de verdad, no como las tonterías de  The Waking Dead. Una parada obligatoria para la cena y a la medianoche comenzó el “Especial Sesión noche en memoria…” con la proyección de El monte de las brujas (1972), la maldita ópera prima de Raúl Artigot, director recientemente fallecido al que Exhumed Movies quiso así rendir un merecido homenaje.

-SABADO 7 FEBRERO (ESPACIO ALTERNATIVO ALMARGEN)

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El sábado comenzó con una interesante mesa coloquio moderada por Diego Matos en torno al auge del papel. Entre los invitados tuvimos la suerte de poder contar con Txema Gil (pionero en el mundo del fanzine), Domingo Lizcano, Miguel Borgas,  o Alberto Bellido. Más de una hora de entretenida charla soberbiamente dirigida por uno de los directores del fanzine “Back to the Culture”.

Por petición popular volvió a proyectarse Plasma de romero, a la que le siguió La noche del terror (Masacre Zombie, 1980) de Andrea Bianchi, todo un despropósito elegido por los responsables de la Muestra para poder pasar un buen rato lleno de tripas, vísceras y risas. Tras el obligado parón de diez minutos se dio paso a tres cortometrajes. El primero titulado La segunda cita, de nacionalidad chilena fue presentado por su productor Alberto Bellido, quien dijo sentirse muy orgulloso de un producto al que catalogó como un eje del mal, donde quien menos te esperas es más cruel que tú. Kidslovetoys de los hermanos Prada, un corto de tres minutos de duración a ritmo de música industrial, fue el siguiente y uno de los favoritos del público. El cierre a este mini maratón de cortos lo puso Alejandro Hernández con Icon of Fear, mediometraje donde se entremezcla el documental con el terror psicológico. Con la gamberra y demencial Brain Damage (1988) del director de Basket Case, Frank Henenlotter, se terminó la tarde del sábado entre muchas risas y buen rollo.

De nuevo a la medianoche tuvo lugar la segunda “Sesión de noche en memoria…”. En esta ocasión fue La orgía de los muertos (1973) de José Luis Merino la cinta elegida para rendir homenaje a Paul Naschy, una obra donde el llorado cineasta tiene un papel corto pero intenso, y que a la vez exhumar este título de culto para el público. Todos los asistentes tuvimos la suerte de contar con la presencia de Bruno Molina, quien junto a su maravillosa mujer María José se acercaron desde Madrid para estar a nuestro lado y presentar en exclusiva la película. Bruno se emociono al hablar de la figura de su padre y nos conto varias anécdotas sobre el rodaje, aparte de responder a las preguntas que le hicieron desde el público.

-DOMINGO 8 FEBRERO (ESPACIO ALTERNATIVO ALMARGEN)

Si de por si fue arriesgado hacer sesiones golfas, también lo era hacer una matinal infantil que concluyese con un programa de radio en directo y una actuación de teatro interactiva, pero se consiguió. A las 11 de la mañana dio comienzo Los cazafantasmas (Ghostbusters, 1984) de Ivan Reitman, archiconocida película de comedia y aventuras que celebra sus treinta años de vida. Seguidamente, los chicos del programa “Radioactiva”, encabezados por Diego Matos, Local Hero y Shogun Comics, prepararon tres horas de radio en directo con entrevistas y comentarios sobre el termino culto.

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Esto es, a groso modo, lo que dieron de sí cuatro días de cine oscuro, maldito y de culto. Un largo fin de semana con unas temperaturas siberianas y donde ha tenido lugar la total hermandad de la familia Exhumed, amigos que nos han visitado de Madrid, Valencia, Toledo, Portugal, Zaragoza, Valladolid, y muchos otros lugares. Solo podemos dar las gracias a todos los asistentes, colaboradores y amigos que han hecho de esta muestra algo especial. Ah, y una promesa: el año que viene prometemos hacer la Muestra en primavera. De nuevo, ¡gracias!

Equipo Exhumed Movies

Published in: on febrero 24, 2015 at 6:04 am  Dejar un comentario  

Parrilla de pases de la XII Muestra Syfy de Cine Fantástico

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La organización de la Muestra Syfy de Cine Fantástico de Madrid ya ha hecho pública la que será la parrilla de proyecciones de su doceava edición, que tendrá lugar en el Cine Callao del 5 al 8 del próximo mes. Gracias a ello podemos conocer la identidad de los títulos que aún quedaban por desvelar de los que formarán su programación. En total son cinco que se unen a los once ya conocidos. Se tratan de Burying the Ex, la nueva película de todo un nombre propio del cine fantástico de los últimos treinta y cinco años como es Joe Dante; la neozelandesa Housebound, acercamiento en clave de comedia al subgénero de las casas encantadas; Goodnight Mummy, celebrada cinta austriaca que, no obstante, no deja de ser un remedo poco disimulado de ciertos clásicos del cine de terror norteamericano de los setenta pasados por una estética cercana a Michael Haneke; L.F.O., coproducción nórdica en la que a raíz del descubrimiento de una máquina que hipnotiza a las personas a través de las frecuencias sonoras se cuestiona qué pasa cuando se traspasan los límites morales y cuando la auténtica naturaleza del ser humano aflora; y Jamie Marks is Dead, enésima integrante de esa beta de cine fantástico indie made in Sundance, ganadora en el pasado Festival de Sitges del galardón a la mejor fotografía. Estos son sus tráileres:

BURYING THE EX

HOUSEBOUND

GOODNIGHT MUMMY

L.F.O.

JAMIE MARKS IS DEAD

La distribución de pases y horarios queda así de la siguiente forma:

JUEVES 5

– 21:40 horas: Chappie

VIERNES 6

– 15:30 horas: Housebound

– 17:45 horas: Tokyo Tribe

– 20:10 horas: Burying the Ex

– 22.10 horas: Safari (cortometraje)

Lo que hacemos en las sombras

- 00:25 horas: Hunger of the Dead (Hunger Z)

SÁBADO 7

– 12:0o horas: Mi vecino Totoro (sesión “Syfy Kids”)

– 15:25 horas: Song of the Sea

– 17:30 horas: Goodnight Mummy

– 19:35 horas: Sangre de unicornio (cortometraje)

Spring

– 22.00 horas: 365 (cortometraje)

Cub

- 00:00 horas: Crazy Bitches

DOMINGO 8

– 15:20 horas: L.F.O.

– 17:35 horas: Jamie Marks is Dead

– 19.40 horas: Splintertime (cortometraje)

A Girls Walks Home Along At Night

– 22:10 horas: Under the Skin

Más información en los diferentes canales oficiales de la Muestra: la web www.syfy.es/muestra,  la página de Facebook facebook.com/syfy.es y el twitter @Syfy_Spain con la etiqueta  #MuestraSyfy.

Published in: on febrero 23, 2015 at 6:07 am  Dejar un comentario  
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