“Los resucitados” verá la luz veinte años después

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Veinte años después de terminar su rodaje, iniciado en 1995, la película de Arturo de Bobadilla Los resucitados verá la luz el próximo otoño de la mano del sello RedRum de Tema Distribuciones.

Considerada por unos como una leyenda urbana y por otros como la película “más maldita y de culto del fantástico español”, el título que Arturo de Bobadilla comenzó a filmar con Paul Naschy y Santiago Segura, mientras este se encontraba inmerso en la producción de El día de la bestia de Álex de la Iglesia, ha despertado siempre la curiosidad de los aficionados al fantástico.

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Manuel Tallafé, Luciano Barriatúa, Santiago Segura, y Paul Naschy durante el rodaje de “Los resucitados”.

Bobadilla consiguió en su momento reunir a grandes nombres del fantaterror, como el propio Naschy o Antonio Mayans, junto con algunas jóvenes promesas de la época, caso de Santiago Segura, Manuel Tallafé o Zoe Berriatúa, en una barroca historia sobre un soldado de los Tercios de Flandes que es poseído por el demonio, con muertos vivientes incluidos. El mismo Segura la ha definido como “demencial” en los medios, encantado con que Arturo de Bobadilla haya perseguido su sueño.

Hace escasas fechas, Los resucitados acaba de terminar su nuevo doblaje con las voces de algunos de los actores originales como Segura, Mayans o Toni Fuentes, quienes se han reencontrado dos décadas después. La nueva sonorización ha contado también con otras ilustres colaboradoras en las personas de las actrices Lone Fleming y Sandra Alberti, dos clásicas del fantástico español que también han prestado su voz a este título. Por su parte, para poner voz al fallecido Naschy se ha contado con el veterano Héctor Cantolla, actor que ha doblado a Marlon Brando o Arnold Schwarzenegger entre otros, y quien habitualmente ponía voz a Naschy en películas como El retorno del hombre lobo El carnaval de las bestias.

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Arturo de Bobadilla y Santiago Segura durante el doblaje de “Los resucitados”.

Los resucitados comienza con la siguiente leyenda que resume el tortuoso proceso del proyecto: “Madrid, año 1994. Comienza el rodaje del largometraje Los resucitados de Arturo de Bobadilla inspirado en leyendas de Gustavo Adolfo Bécquer, un proyecto plagado de misterios. La película se rueda en varios formatos. Tras un proceso tortuoso, en 1997 la película se edita, pero poco tiempo después la primera copia desaparece y los materiales originales parecen inencontrables, como por arte de magia. Décadas después, el material de rodaje, mudo, vuelve a aparecer también como por arte de magia, y a pesar del deterioro sufrido se decide volver a editar y postproducir en base al guión original, con el fin de que la película exista. Veinte años después, que diría Alexandre Dumas. Cosas de brujas y otros misterios”. Sin duda nos encontramos ante una auténtica rareza que no dejará indiferente a nadie.

Published in: on junio 27, 2017 at 7:50 pm  Dejar un comentario  

Abierta la inscripción de piezas de realidad virtual para Samsung Sitges Cocoon

La realidad virtual será uno de los ejes del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya en su cincuentava edición, que se celebrará del 5 al 15 de octubre. En consonancia con ello, Sitges 2017 tendrá el privilegio de ser escenario de algunas de las producciones más innovadoras en realidad virtual. Samsung Sitges Cocoon es fruto del nuevo acuerdo de colaboración entre la multinacional tecnológica y el Festival y, de este modo, la realidad virtual triplicará su presencia en el certamen. Después de la exitosa primera experiencia del año pasado, Samsung apuesta por Sitges para trasladar las últimas tecnologías en el ámbito de los contenidos inmersivos y de 360º.

La plataforma Festhome es el único sistema aceptado para subir la pieza inscrita. El Festival contactará con las empresas titulares de las películas seleccionadas por el Comité de Programación, las cuales recibirán un formulario adicional para formalizar su participación en el certamen. Los trabajos incluidos en la sección competitiva optarán al premio a la mejor película Samsung Sitges Cocoon, la sección oficial competitiva, hecho este inédito en el panorama europeo de festivales.

Más información para formalizar las inscripciones aquí.

Published in: on junio 27, 2017 at 5:36 am  Dejar un comentario  
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El festival CutreCon llega a Barcelona el 1 de julio con una selección de sus filmes más emblemáticos

CutreCon, el Festival Internacional de Cine Cutre de Madrid, hace las maletas este verano para irse de gira por Barcelona, en un evento bautizado como “CutreCon On Tour”, que tendrá lugar el próximo 1 de julio en el emblemático Cinema Maldà —Carrer del Pi, 5—, donde se proyectarán algunas de las películas más exitosas proyectadas en el festival a lo largo de sus seis ediciones.

“Desde la primera edición siempre quisimos acercar CutreCon a Barcelona de alguna manera” comenta Carlos Palencia, director del festival. “Es una gran oportunidad para que aquellos que no han podido venir a Madrid vivan un pedacito de CutreCon sin salir de su ciudad, y para nosotros es una buena ocasión para darnos a conocer entre el público catalán”.

Para la ocasión, la organización del festival ha escogido algunos de los títulos más infames y disparatados que se pudieron ver en pasadas ediciones. Películas seleccionadas “para dar una visión global de lo que es CutreCon y, por supuesto, para dejar con ganas de más a todo el que venga” apostilla Palencia, quien se trasladará a Barcelona para presentar cada uno de los filmes.

La maratón comenzará a las 16:30 con La isla de los pigmeos sangrientos, todo un descalabro de la serie Z con efectos especiales de saldo que, sin embargo, contará con el aliciente de ser comentada en directo por el grupo cómico Cinemasacre, especialistas en desgranar y mofarse de este tipo de cintas, a modo de comentario del director del DVD, pero en modo gamberro.

Tras los chicos de Cinemasacre y sus pigmeos sangrientos, llega Robotrix, la versión hongkonesa de Terminator, toda una desfachatez plagada de sexo y violencia gratuitos que ofenderá y deleitará a partes iguales a todo aquel valiente que se atreva a verla. Un film inédito en Madrid que CutreCon estrena en exclusiva para el público de Barcelona.

A continuación, llega uno de los títulos más queridos por el público del festival, Kárate contra mafia, Ramón Saldías, galardonado con el honorífico Premio Jess Franco que otorga CutreCon en 2014. Una obra de culto no solo por sus disparatadas escenas, sino por ser la primera película de artes marciales rodada en Europa. Todo un clásico que el año pasado triunfó ante dos mil enfervorecidos espectadores en la sala Le Grand Rex de París.

Por último, el cierre a la maratón lo pondrá la que probablemente fue la película estrella de la sexta edición de CutreCon celebrada el pasado mes de enero, BCN Knockout. Se trata de una cinta hindú de artes marciales rodada íntegramente en Barcelona —los espectadores reconocerán algunos de los lugares más icónicos de la Ciudad Condal—, que combina acción, comedia, números musicales y mucho surrealismo. Un canto de amor a la capital catalana en la que incluso se puede escuchar una versión india de un mítico tema de Peret.

Las entradas para “CutreCon On Tour” en Barcelona ya están disponibles a través de Entradium, Fever y Atrapalo.com. El público podrá adquirir el bono que incluye las cuatro películas por 18 euros o comprar las entradas de cada film por separado al precio de 5 euros.

Published in: on junio 26, 2017 at 5:10 am  Dejar un comentario  

Entrevista a Fernando Esteso

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A sus setenta y dos años, Fernando Esteso puede presumir de ser un auténtico icono viviente de nuestro cine. La sola mención de su nombre retrotrae en el imaginario popular a un tipo de comedia muy característica de un tiempo y una sociedad muy determinada. Al igual que en los sesenta lo hicieran las películas de pícaros protagonizadas por Tony Leblanc, y en los setenta el denominado “landismo”, su recordada asociación profesional con Andrés Pajares y Mariano Ozores marcaría una época dentro de nuestra cinematografía, logrando un éxito que elevaría a su pareja protagonista a la categoría de fenómeno sociológico.

Al igual que en los ejemplos referidos, gran parte del éxito obtenido por estas películas estaría estrechamente relacionado con su capacidad para conectar con el inconsciente colectivo de la audiencia de la época, al retratar en sus imágenes no pocos aspectos de la sociedad en que fueron realizadas. Aunque el tópico alude a su adscripción al fenómeno del destape que inundó buena parte de la producción nacional tras la derogación de las leyes de censura, no menos cierto es que tras su fachada de inocuas comedias picantonas muchos de estos films daban buena cuenta de los cambios en los usos y costumbres que se venían experimentando en España coincidiendo con el final de la dictadura, plasmando los anhelos, miedos e inquietudes del españolito medio ante los nuevos aires y libertades que traía consigo la llegada de la democracia.

Transcurridas más de tres décadas desde aquel periodo, en los últimos años el actor aragonés ha relanzado su carrera a través de una serie de trabajos en los que predominan los films low-cost rodados a las órdenes de jóvenes cineastas, en los que, en su mayoría, explora otros registros interpretativos diferentes a aquellos por los que es conocido. En paralelo, se encuentra inmerso en una gira teatral junto con Félix el gato de la obra Dos hombres y un vespino, un espectáculo que el propio Esteso define como “todo diversión y humor blanco”, y del que promete que “va a haber música, pero sobre todo humor”.

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Según creo, tus primeros pasos en el mundo de la interpretación se producen siendo aún un niño con tan solo dos años y medio en la compañía ambulante de tus padres. ¿Cómo recuerdas aquellos tiempos?

Pues muy bonitos. Para mí era como un juego muy bonito y muy importante; los aplausos, las risas, el público… Era el juego más bonito que había para mí.

¿Desde ese temprano contacto ya decides dedicarte al mundo del espectáculo?

La verdad es que sí. Como quería ser artista, desde pequeñito siempre trataba de estar pendiente y mirar qué hacían los demás artistas. Luego, en Zaragoza, había compañías infantiles y allí trabajábamos una vez al mes en el teatro Principal haciendo todo tipo de personajes, cómicos, payasos, también tenías que cantar canción española, canción ligera, bailar… Como digo, hacíamos de todo.

En los años setenta te conviertes en uno de los cómicos más populares del país gracias a tus intervenciones en TVE, fruto de lo cual en 1974 protagonizas la primera de tus películas, Onofre. ¿Cómo te surgió esta oportunidad?

Bueno, era una cosa normal en esa época. Cuando tenías cierta popularidad enseguida pensaban en ti para más cosas. Para entonces yo ya había hecho teatro, había grabado discos y me faltaba el cine, aunque ya había aparecido en una película, que era Celos, amor y mercado común. Entonces surgió esta película que por mor de la censura se quedó con la mitad del título, ya que el original era Onofre, de signo virgo, y parece ser que aquello de “de signo virgo” les parecía muy escandaloso, por lo que se quedó en simplemente Onofre.

Onofre fue dirigida por Luis María Delgado, un cineasta con el que colaboraste en varias ocasiones. ¿Cómo era tu relación con él?

Muy buena. Como dices, después de Onofre hicimos Pepito Piscinas y ya en los ochenta un par de producciones para video[1], y en todos los casos trabajamos muy a gusto y nos entendimos muy bien.

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Tras unas pocas películas más, en 1979 se inicia tu recordada unión con Andrés Pajares y Mariano Ozores con Los bingueros. ¿Cómo nació esta asociación artística?

Eso lo pensó José María Reyzabal de Ízaro Films. Este productor tenía la historia de Los bingueros y consideró que podíamos hacerla Andrés y yo. Como creía que teníamos una mala relación entre nosotros, no quiso ser él quien se llevara una respuesta negativa a su oferta. Así que se lo encomendó a José Luis Bermúdez de Castro, que trabajaba de ayudante de producción para él y que había hecho todas las películas de Parchís, y fue éste quien hizo de mediador. Tiempo después el propio Bermúdez de Castro se convertiría en productor de algunas de nuestras películas, como Los energéticos y alguna más.

En un espacio de tiempo relativamente corto, tanto juntos como por separado, Andrés y tú rodasteis un importante número de films a las órdenes de Mariano Ozores. ¿Cómo era el modo en que trabajabais para poder mantener este ritmo de producción?

Eran rodajes de tres semanas y media o cuatro semanas, más una semana para el doblaje[2], por lo que en un par de meses teníamos lista la película para estrenar. Nos ayudaba mucho el ambiente que habíamos creado, ya que el equipo de rodaje formábamos una familia y lo pasábamos muy bien trabajando juntos, por lo que todo era más fácil.

A la hora de rodar, ¿cuánta libertad os daba Mariano a la hora de variar lo que él había escrito en el guion?

Siempre metíamos cosas cuando teníamos el guion en las manos, hasta el punto de que Mariano incluso nos llegó a poner como colaboradores en algún caso.

En este sentido, ¿es cierto que durante el doblaje añadíais morcillas a lo rodado que en principio no figuraban en el guion?

Sí, sí, porque Antonio Ozores y Juanito Navarro solían quedarse durante el rodaje de determinadas escenas en un segundo plano moviendo la boca y a la hora del montaje siempre había alguien que preguntaba “¿Pero qué están diciendo?” “Nada, no están diciendo nada. Solo están moviendo la boca”. Y, claro, había que inventarse algo para esas partes.

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Ya que lo mencionas, junto a la pareja que formabais Andrés y tú, otro baluarte de aquellas películas era la presencia de Antonio Ozores. Mientras que Mariano al menos ha tenido un mínimo reconocimiento con la entrega del Goya honorífico, ¿piensas que la figura de Antonio aún está pendiente de ser reivindicada como merece?

La verdad es que sí, aunque solo fuera por la cantidad de películas que protagonizó y la historia cinematográfica que tiene detrás. Esto no quita para que tenga un reconocimiento a nivel profesional y por parte del público.

En las películas protagonizadas por Andrés y tú hay mucha complicidad entre ambos. ¿Cómo era vuestra forma de trabajar para que consiguierais transmitir esa química en la pantalla?

Simple: nos llevamos muy bien. Tanto es así que sabíamos más o menos lo que iba a hacer el otro sin haberlo ensayado.

El éxito que tuvieron vuestros films en su momento os convirtieron en poco menos que un fenómeno sociológico. ¿Cómo lo vivisteis?

Pues muy bien. La verdad es que estábamos encantados de trabajar juntos y del éxito que teníamos con la gente, así que, en general, lo pasábamos de maravilla.

¿Y a qué crees que se debe que, más de tres décadas después desde su realización, estas películas continúen teniendo un considerable tirón, incluso entre gente que en la época en la que fueron realizadas ni siquiera había nacido o era muy pequeña en aquella época?

Bueno, porque eran películas que se hacían para divertirse. Tenían historias sencillas y sobre todo un lenguaje muy fresco. Aparte del destape y todo esto, eran películas que no eran violentas, sino que la risa predominaba en todo momento. Y eso es algo que ha pasado de generación en generación y que con el tiempo nos ha convertido en unos cómicos que resultamos familiares.

¿Puede que en ello también tenga que ver que muchos de los temas que tocabais entonces sigan hoy de plena vigencia? Se me ocurre el caso de Los energéticos y su ataque a cómo los poderosos van a hacer siempre la puñeta al débil…

Es que la historia se repite, igual que la moda.

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Resulta curioso en este sentido que en su momento la crítica tachara a vuestras películas de conservadoras y que ahora muchos de sus mensajes puedan parecer de lo más progres…

(risas) Esa era la moralina.

En 2006 hubo un rumor de que Andrés y tú ibais a volver a protagonizar una nueva película llamada El código Aparinci. ¿Qué ocurrió con aquel proyecto?

Los productores eran constructores. Entonces vino la burbuja del ladrillo y se jorobó todo.

¿Después de aquello no ha habido ninguna oferta para que os reunierais?

No, no ha habido ninguna oportunidad.

Al contrario que Andrés, que tras el final de vuestra asociación se labró una carrera como actor dramático, tú continuaste desempeñándote en registros cómicos durante los años siguientes. ¿Fue una decisión personal o no tuviste oportunidades para desmarcarte de la imagen que el público tenía de ti?

No me ofrecían trabajos dramáticos. Me los están ofreciendo ahora.

Eso te iba a decir. En los últimos años sí que estás explotando tu vena dramática en algunos de los trabajos que has realizado, caso del corto DVD o las películas Blockbuster o Incierta gloria. Con la salvedad del dirigido por Agustí Villaronga, la mayoría de estos films están dirigidos por jóvenes cineastas. ¿Cómo te encuentras con ellos?

Muy bien. Me entiendo muy bien con ellos y ellos conmigo.

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Fernando y Luis Varela en una escena de “Blockbuster”.

A nivel técnico, ¿qué cambios has detectado entre la forma en que se hacía cine en los setenta y los ochenta a como se hace ahora?

El mayor cambio que veo son los medios. Por ejemplo, el que no tengas que estar pendiente de la película que gastas supone una tranquilidad increíble para todo el equipo que antes no teníamos.

Y ya para terminar, ¿cuál de todas tus películas es tu preferida?

Pues hombre, El hijo del cura. Y de las que hice con Andrés, Los bingueros, sobre todo por todo lo que supuso en su momento y todo lo que vino después.

José Luis Salvador Estébenez

[1] Nota del entrevistador: Las dos producciones videográficas a las que se refiere son Las locas historias de… Fernando Esteso y ¡Viva la risa!

[2] N. del e.: En aquella época, el cine español se hacía sin sonido directo, doblándose después en estudio.

Published in: on junio 23, 2017 at 5:52 am  Comments (1)  

Crónica de FANT 23

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No deja de ser llamativa la escasa repercusión de la que disfruta un evento del calibre del Festival de Cine Fantástico de Bilbao – FANT. Con veintitrés ediciones a sus espaldas, el certamen organizado por el ayuntamiento bilbaíno ha logrado convertirse en los últimos años por derecho propio en uno de las citas más pujantes dentro del panorama patrio de festivales dedicados al género fantástico. Ello ha sido posible gracias al buen hacer de sus responsables, que han conseguido articular una interesante programación encabezada por una Sección Oficial en la que los títulos señeros de la temporada se conjugan con premieres de todo tipo, y que se remata con un nutrido calendario de proyecciones paralelas y actividades complementarias que en cada nueva edición va en aumento. A todo esto hay que añadirle, además, el atractivo que supone la presencia de varios de los equipos de los films a concurso, así como de distinguidas personalidades invitadas a tal efecto, cuya comparecencia ayudan a aportar un mayor colorido. Sobre todo, por la sana costumbre del certamen de celebrar tras las correspondientes proyecciones un turno de preguntas y respuestas entre los responsables de las películas y los espectadores, y que por regla general suelen resultar bastante participativos.

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Fachada del Azkuna Zentroa, sede principal de FANT.

Sin embargo, pese a todos estos alicientes y un nivel organizativo a la altura de cualquier gran evento de su clase, el nombre de FANT apenas es conocido entre los aficionados. Incluso, da la sensación de que el propio público vizcaíno no es consciente de la suerte que tiene por tener en su casa un certamen con un potencial que para sí quisieran otras grandes ciudades. No obstante, parece que, por fortuna, las cosas están cambiando, y poco a poco comienza a valorarse como merece al festival bilbaíno. Así lo atestigua el exponencial aumento en el número de espectadores que, año tras año, viene registrando, y que en este 2017 logró superar la barrera de los diez mil. A ello no fue ajeno el incremento del número de sesiones, lo que pone de relieve el crecimiento que viene experimentado la propuesta y que tuvo su reflejo en otros detalles.

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Quizás la muestra más ilustrativa en este sentido se encuentre en la presencia de una personalidad de la talla de la norteamericana Barbara Crampton, quien acudió a Bilbao para recoger el nuevo galardón “Estrella del FANTástico” con el que el festival le rendía tributo por toda su trayectoria. Derrochando simpatía, amabilidad y proximidad, la actriz norteamericana acompañaría durante su estancia en FANT el pase de dos de sus películas. Por un lado, la mítica Re-Animator, título que iniciara su asociación con el género terrorífico y sobre el que poco se puede decir a estas alturas. Y por otro con la reciente Beyond the Gates, en la que, además de interpretar el personaje de una maestra de ceremonias televisiva tipo Elvira, ha ejercido de productora. Dirigido por el debutante Jackson Stewart, el film se enmarca dentro del revival ochentero tan de moda en cierto tipo de cine de terror actual de raíces independientes, brindando un efectivo trabajo, que tiene en su calculado manejo del gore y la especial atención prestada a la construcción dramática de los personajes dos de sus principales virtudes.

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Si bien la más mediática, Barbara Crampton no fue la única homenajeada en esta edición del FANT. Al igual que ella, Pedro Rivero recibía en la ceremonia de clausura el “FANT de honor” con el que la organización quiso reconocerle el mismo año en el que se ha alzado con el Goya a la mejor película de animación por Psiconautas, los niños olvidados, cinta codirigida junto a Alberto Vázquez. Curiosamente, el otro “FANT de honor” entregado en esta edición fue también  para alguien de origen bilbaíno, en este caso Terele Pávez, quien, debido a otros compromisos, no pudo estar presente en la gala inaugural en la que se escenificaba su entrega, donde se proyectó en su lugar un video en el que la veterana actriz agradecía el premio.

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Imagen de la exposición de carteles “The Vault of Rob Zombie: A Comic Tribute” que pudo visitarse en la Sala Polivalente del Azkuna Zentroa.

Menos lució, en cambio, el cuarto de los homenajeados en discordia, Sean Brosnan, acreedor del galardón “FANTrobia” destinado a un talento emergente. Y es que, aunque en un principio se había anunciado su visita al certamen, llegado el momento el hijo de Pierce Brosnan no haría acto de presencia, sin que se diera una explicación oficial al porqué de su ausencia. Al menos, se pudo disfrutar de su ópera prima, My Father Die, un potente thriller sobre las relaciones paterno-filiales a medio camino entre el cine de Quentin Tarantino y Guy Ritchie, pongo por caso, pero con una personalidad muy marcada, en el que destaca su estilosa realización, en especial por el interesante uso que se da a su pista de sonido. Un trabajo, en resumidas cuentas, que confirmaba lo merecido del premio concedido a su responsable, y que demuestra que en él hay madera de buen director. Habrá que estar muy atentos a sus siguientes pasos, visto lo visto.

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Lectura del palmarés por parte del Jurado celebrado en el Ayuntamiento de Bilbao.

Siguiendo con el palmarés de esta edición, dentro del apartado competitivo la cinta de animación Seoul Station se proclamó ganadora del premio FANT 2017 a la mejor película. En su fallo, el jurado compuesto por Elio Quiroga, Miguel Ángel Vivas y la actriz Melina Matthews sustanciaron su elección del film surcoreano “por salirse de los estereotipos de la animación y hacer totalmente humanos a sus personajes”. Con estas palabras el jurado señalaba los que, a su juicio, son los atributos de este trabajo desarrollado en pleno apocalipsis zombi,  en el que su director, Yeong San-ho, realiza un ensayo general muy aproximado de su posterior y exitosa Train to Busan, sin duda uno de los títulos de la temporada dentro del género fantástico, de la que adelanta una serie de elementos narrativos y argumentales, motivo por el que no pocos la consideran una suerte de precuela de su hermana de imagen real, sobre todo por narrar lo que en aquélla queda en off visual: el origen de la infección. Así las cosas, la principal diferencia entre una y otra, más allá de su distinto nivel cualitativo, se encuentra en el cambio del tono melodramático de Train to Busan por un patente componente de crítica social, mediante el cual se recuperan las connotaciones metafóricas del personaje del zombi/infectado para hablar, entre otros temas, del egoísmo y la individualidad propias de la sociedad moderna, en un planteamiento que es plasmado por el nihilismo que desprende su desenlace.

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Foto con miembros de la organización, el jurado y varios de los premiados en esta edición de FANT.

El listado de largometrajes premiados dentro de la Sección Oficial se completaría con otros dos galardones concedidos por otras tantas entidades locales. Así, el reconocimiento a la dirección más innovadora otorgado por el Cine Club Fas iría para Nicolas Pesce por The Eyes of My Mother, indigesto y poco compacto producto que malgasta algunas buenas ideas y la creación de un clima enfermizo a causa de unas mal digeridas ínfulas autorales, representadas por su uso de una, por otra parte, magnífica fotografía en blanco y negro.

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Por otro lado, la Asociación de Guionistas Vascos resolvió el premio al mejor guion de la Sección Oficial a favor de la notable I Am Not a Serial Killer, adaptación de la novela homónima de Dan Wells. Abandonando los esquemas del cine de género más convencional que había venido certificando hasta la fecha, el irlandés Billy O’Brien firma el que sin duda es su mejor trabajo con esta original aproximación a la figura del asesino en serie que refleja la atracción/repulsión que este tipo de personajes ejercen en la sociedad estadounidense, dentro de un discurso rico en contenidos. Entre sus muchas virtudes, cabe resaltar la rara habilidad en la que se sumerge en la psicología y lucha interna que libra su protagonista, un joven sociópata diagnosticado que, aunque obsesionado por las andanzas de los serial killers, intenta no convertirse en uno de ellos. Conviene destacar el duelo interpretativo que se establece entre sus dos actores principales, con mención especial para un soberbio Christopher Lloyd, o el manejo de distintos registros narrativos, dentro de un desarrollo sobrio y contenido que solo es roto durante el desenlace, por medio de un innecesario giro hacia lo fantástico, en el que se explicita aquello que quedaba mejor en el plano metafórico.

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Varios de los participantes en el apartado de cortometrajes de la Selección Oficial.

Casualmente, las andanzas de un joven solitario y su relación con un anciano conformarían la base de otro de los títulos proyectados dentro de la Sección Oficial. Nos referimos a Sweet, Sweet Lonely Girl, historia de fantasmas cíclica de estética retro que mira al universo lésbico propio de la etapa inglesa de José Ramón Larraz, con el que comparte la creación de un entorno cerrado y poblado por escasos personajes llenos de secretos, el tono intimista y hasta cierto punto melancólico, y una ambientación (neo)gótica, por más que el erotismo mórbido inherente al estilo del catalán sea aquí eludido a favor de una mayor atención al conflicto dramático de los personajes. Las similitudes alcanzan incluso a la tipología física de sus dos actrices principales, y muy especialmente en el caso de Erin Wilhelmi, cuyo parecido con Angela Pleasence, la protagonista de Síntomas, es notorio, y son continuadas por la presencia de varios planos que diríanse sacados del que quizás sea el título más emblemático de Larraz, Las hijas de Drácula. Otra propuesta que acusaría la influencia del cine de décadas pasadas si cabe de forma aún más explícita fue The Void, atmosférico relato terrorífico que podría definirse como un cruce entre John Carpenter, Hellraiser, El más allá de Lucio Fulci y la literatura de H. P. Lovecraft.

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Este sabor añejo se repetiría en The Evil Within, aunque por motivos radicalmente distintos a los de los dos casos señalados. Lejos de tratarse de una decisión artística, tal circunstancia es consecuencia de la controvertida génesis del film. Rodado hace quince años, se trata del único crédito de su director, un millonario llamado Andrew Rork Getty, que quería plasmar las visiones que tenía bajo los efectos de la droga. Para llevar a cabo la película se estima que invirtió cinco millones de dólares, arruinándose en el empeño. Por si no hubiera bastante, antes de ver terminado el proyecto, Getty moría el pasado 2015 a la edad de cuarenta y siete años a causa de sus adicciones. Es decir, todos los ingredientes para convertirse en un título de culto, consideración que es refrendado por sus propios resultados cinematográficos, erigiéndose para quien esto firma en uno de los más agradables descubrimientos dejadas por este FANT. Cierto es que su peculiar producción se deja sentir en un sonido directo de una calidad bastante mala o una progresión narrativa en la que en ocasiones se echan a faltar secuencias. Por otra parte la carencia de pericia de su novel cineasta se refleja en ciertas torpezas o lo rutinarias que resultan sus escenas de transición. Sin embargo, estas y otras debilidades son compensadas por una personalísima y sugestiva concepción del terror que se refleja en una poderosa inventiva visual de reminiscencias ochenteras, a la que no es ajena la presencia del mítico Michael Berryman como el demonio que acosa al mongoloide protagonista, soberbiamente interpretado por Frederick Koehler.

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Geoff Redknap, director de “The Unseen”.

Sin llegar al nivel de algunos de los títulos comentados, son también dignos de destacar dos films como The Unseen y Prevenge. En la primera, el hasta ahora técnico de efectos especiales Geoff Redknap se aproxima a la figura del hombre invisible por medio de un guion bien construido, unas reseñables interpretaciones y una narración sorprendentemente sobria que, en contra de lo que cabría esperar dados los antecedentes de su responsable, no se pierde en la posible espectacularidad de sus efectos especiales, sino que se centra en la vertiente humana de sus personajes. Por su parte, Prevenge supone el debut en tareas de realización de su también protagonista Alice Lowe. En la línea de su celebrada colaboración con Ben Wheatley en Turistas, Lowe se descuelga con una ácida y negrísima comedia en torno a la maternidad, que funciona mejor en sus momentos satíricos que en aquellos en los que se pone seria.

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Imagen del anuncio promocional de esta edición de FANT.

Bastante peor sabor de boca dejó en comparación It Stains the Sand Red, sobre todo al tratarse de un título que va de más a menos. Y es que la película del anteriormente integrante de los denominados The Vicious Brother, Colin Miniham, padece lo que podríamos denominar “el síndrome del corto alargado”. Partiendo de un planteamiento minimalista, Miniham consigue el difícil reto de despertar el interés del espectador gracias a su humor gamberro por las andanzas de una stripper perseguida por la inmensidad del desierto de Nevada por un zombi. Sin embargo, todo se viene abajo una vez toca desarrollar la narración más allá de esta premisa, y lo que hasta entonces era una propuesta valiente y arriesgada se acaba convirtiendo en un lacrimógeno melodrama con su protagonista transformada en una madre coraje que desemboca en un acto final que se antoja, literalmente, un pegote añadido procedente de otra película distinta. Con todo, hay que reconocer que It Stains the Sand Red no llegaría a las cuotas exhibidas por Lake Bodom e Hipersomnia, dos exponentes hermanados por una progresión argumental que va dando bandazos de un lugar a otro a causa de sendos guiones carentes de la más mínima coherencia.

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Steven DeGennaro, director de “Found Footage 3D”

En el caso de Hipersomnia, la trama de la cinta argentina jugaría con la idea de la disociación de la personalidad de su personaje protagonista, temática ésta presente de diferentes formas en varios de los títulos proyectados, marcando una tendencia que se pudo rastrear entre la selección ofrecida. Eso a nivel temático, claro, ya que a nivel formal destacó la concurrencia de films rodados bajo los rasgos de grabaciones encontradas. De ellas, dos disfrutarían además en Bilbao de diferentes premieres. Acompañada por su debutante director, Steven DeGennaro, Found Footage 3D presentaría de manera oficial en el continente europeo su meta-cinematográfica reflexión sobre los mecanismos y lugares comunes a los que la repetición de la que ha sido objeto en estos últimos años parece haber abocado al estilo, lo que paradójicamente no le quita de caer en esos mismos defectos y previsibilidad que ella misma critica.

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Marcos Cabotá y Adrián Lastra durante el coloquio post-pase de “Noctem”.

La otra premier fue aún más especial si cabe, ya que se trataba de la puesta de largo a nivel mundial de la nueva película de Marcos Cabotá, Noctem, la cual tiene su origen en un video real grabado por el actor Adrián Lastra. Con este punto de partida, el cineasta mallorquín construye un relato conceptualmente muy atractivo, en el que si por un lado tanto Lastra como el resto de sus populares protagonistas se interpretan a sí mismos, otorgando con ello un innegable plus de realismo al relato, por otro acentúa su naturaleza ficcionada, añadiendo música, efectos, montaje y demás recursos propios del lenguaje cinematográfico. Lástima que este interés que sobre el papel ofrece su planteamiento no se reflejen en su trasvase a la pantalla, traduciéndose en un producto rutinario y del todo prescindible.

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Presentación de “El ataúd de cristal” con Paola Bontempi (protagonista), Aitor Eneriz (coguionista) y su director, Haritz Zubillaga.

Noctem formaría parte de la nutrida participación española en la Sección Oficial, que se completaría con las primeras incursiones en el formato largo de dos directores bilbaínos que presentaban así ante sus paisanos sus óperas primas, siendo la primera vez que una película local, en este caso dos, formaban parte de la Sección Oficial de FANT. Roberto San Sebastián lo hacía con La noche del virgen, una comedia esperpéntica definida por su responsable como “American Pie rodada por Cronenberg” y que, salvando las distancias, recuerda al primer Álex de la Iglesia, pero que se ve lastrada por su tendencia a la escatología mal entendida y una duración a todas luces desmedida: nada menos que dos horas. Todo lo contrario puede aplicarse a El ataúd de cristal, en la que, haciendo de la necesidad virtud, Haritz Zubillaga saca partido a los modestos recursos puestos en sus manos, dando forma a una propuesta de corte minimalista focalizada en un único personaje dentro de un solo escenario, el interior de una limusina, mediante el que sitúa a la industria cinematográfica frente al oscuro reflejo de sus propias miserias. El resultado es un prometedor debut en el que su primerizo director da muestras de una poderosa inventiva visual y donde también cabe destacar el tour de force interpretativo realizado por su protagonista, la canaria Paola Bontempi.

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David Pizarro durante la rueda de prensa de “Herederos de la bestia”.

Dejando ya el repaso a la Sección Oficial, la producción española también se dejó sentir en las secciones paralelas acogidas por el festival. Coincidiendo con su estreno en salas comerciales, DokuFANT acogía el pase de Herederos de la bestia, en el que se aborda el impacto que supuso la aparición de El día de la bestia, título determinante en la posterior eclosión del cine fantástico en nuestra cinematografía. Para ello, David Pizarro y Diego López, sus directores, convocan el testimonio de varios de sus protagonistas para componer un completo recorrido por los antecedentes de Álex de la Iglesia, la gestación del proyecto y todo lo que lo rodeó, al tiempo que calibran el porqué de su importancia histórica y explica los motivos que lo hacen un film tan especial de la mano de las declaraciones críticos y cineastas.

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La oferta del apartado dedicado por el festival al formato documental se completaría con Sputnik!, del vizcaíno Asier Baio, un trabajo interesante e informativo, a pesar de que en determinados momentos alargue su metraje de forma innecesaria debido a ciertas divagaciones, en el que se toma el pulso al fenómeno del cine underground catalán a través de la historia de Jacint Espuny, un auténtico enamorado del cine de terror que, supliendo con ilusión y empeño la falta de medios, ha creado en su Amposta (Tarragona) natal la productora de cine gore Kutrefacto y el festival Fangofest, involucrando para ello a decenas de sus vecinos.

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Cola de acceso a las salas del Golem Alhondiga durante una de las sesiones de FANT.

Igualando el número de producciones patrias proyectadas dentro de la Sección Oficial, Panorama Fantástico daría cabida a tres películas españolas que compitieron por un galardón que finalmente fue a parar al esteticista film portugués fotografiado en blanco y negro A Floresta Das Almas Perdidas, de José Pedro Lopes. Dicha sección se desarrollaría de forma íntegra en la sala 2 de los Golem Alhondiga, el espacio gratuito habilitado por FANT cuya programación daría cabida a los ciclos retrospectivos “La Aventura Audiovisual” y “Maestros del FANT”, este último dedicado a Brian De Palma y Chicho Ibáñez Serrador, y que registraría unas entradas que rozarían el lleno en casi todas las sesiones.

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Rueda de prensa de “Money” con Martín Rosete y Jamie Bamber en el centro.

De este modo, escasos días antes de su desembarco en salas comerciales españolas, “Panorama Fantástico” brindó la oportunidad de visionar Money, el esperado salto al formato largo de Martín Rosete. Coproducido con los Estados Unidos, el primerizo director explora algunos de los males endémicos de cierta parte de la sociedad occidental actual, con la avaricia y el culto al dinero en primer término, en este notable thriller de corte minimalista y estética indie, que tiene sus mejores bazas en su manejo del ritmo, un guion modélicamente construido y el excelente trabajo interpretativo de su reducido reparto, en el que destaca la presencia de actores de la popularidad de Kellan Lutz, Jesse Wiliams o Jamie Bamber, quien se desplazó hasta Bilbao para arropar el pase de la película junto con Martín Rosete.

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Norberto Ramos del Val (centro) y la actriz Belén Riquelme durante el coloquio posterior a la proyección de “El cielo en el infierno”.

Fiel a su cita con FANT, Norberto Ramos del Val presentaría el que es su último trabajo hasta la fecha, El cielo en el infierno, adaptación a la gran pantalla del montaje teatral Querido imbécil que el propio Norberto dirigiera a partir de una obra escrita por su habitual colaborador Pablo Vázquez y que según sus propias palabras supone “su peli más rara”. Al igual que ocurriera en su anterior Amor tóxico, el santanderino incide en la guerra de sexos y relaciones de pareja en este film arriesgado e inclasificable, con el que firma el que quizás sea su mejor título hasta la fecha; una película que luce orgullosa su incorrección política para arremeter contra la estupidez de los defensores de lo políticamente correcto. Un planteamiento no apto para todos los gustos, como pudo comprobarse en las no pocas deserciones entre el público que se registraron durante su pase, o en el cambio de pareceres que Norberto mantuvo durante su coloquio con Borja de la Rosa, director del título proyectado justo antes, la también producción low-cost La sexta alumna. Rodado con un IPhone y con un reparto compuesto por actores amigos, De la Rosa firma su primer largo con esta historia de temática satánica en el que arremete contra el mundo de las escuelas interpretativas basándose en sus propias experiencias personales, según comentó. De desarrollo abrupto, en especial durante su último tercio, con ella su director manifestó su pretensión de rendir tributo al fantaterror español, en especial al cine de Paul Naschy, si bien quien esto suscribe sea incapaz de encontrar los motivos de tal afirmación, dada la escasa relación existente entre La sexta alumna y los objetos de su supuesto homenaje.

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El equipo de “Pieles” presentado la película durante la gala de inauguración.

Por si hubiera aún alguna duda sobre el compromiso del festival con el cine español, las películas elegidas por la organización para la mediática labor de inaugurar y clausurar esta edición también se trataron de producciones nacionales. Pieles, la ópera prima de Eduardo Casanova, más conocido por su papel de Fidel en la teleserie Aida, se encargó de teñir de rosa y deformaciones físicas el pistoletazo de salida de este FANT 23 celebrado el viernes 5 de mayo en el teatro Campos. Una semana más tarde, y esta vez con el marco de la Sala BBK, el regreso al formato largo del catalán Carles Torrent con la coproducción hispano-norteamericana Pet, rebautizada para su estreno comercial en nuestro país con el castellanizado título de Animal de compañía, puso la guinda a una ceremonia de clausura cuya primera parte sirvió para escenificar la clásica entrega de premios, dentro de una sesión que echó el cierre a siete intensos días de cine fantástico.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías: Juan Mari Ripalda

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Published in: on junio 21, 2017 at 5:56 am  Dejar un comentario  
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La exposición ‘El cinema és fantàstic’, que recorre la historia del Festival de Sitges, llega a la Filmoteca de Cataluña

La Filmoteca de Cataluña y el Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya coproducen la exposición “El cinema és fantàstic”, que se podrá ver del 22 de junio al 17 de septiembre en la sede de la Filmoteca catalana situada en el Raval de Barcelona y, que a partir de la primera semana de octubre se exhibirá en Sitges, coincidiendo con el inicio de la edición de este año del certamen.

Comisariada por Diego López, la exposición invita a un recorrido por la historia de los cincuenta años del Festival de Sitges a través de una amplia variedad de películas proyectadas e invitados asistentes, que han hecho que este certamen se haya convertido en un referente, no sólo entre los especialistas de género, sino también en el panorama internacional cinematográfico global.

Conjuntamente con esta muestra, la Filmoteca de Cataluña ha programado una retrospectiva de cincuenta títulos que han formado parte de la historia del festival. El ciclo abrirá con Posesión infernal (Sam Raimi, 1981) e incluirá éxitos como El exorcista (William Friedkin, 1973), remakes como La cosa (John Carpenter, 1982), pasando por musicales como Calles de fuego (Walter Hill, 1984), la violenta y polémica Hostel (Eli Roth, 2005), la intelectualidad experimental de The Pillow Book (Peter Greenaway 1996), el clásico Reservoir Dogs (Quentin Tarantino, 1992), la japonesa Ringu (Hideo Nakata, 1998) y títulos nacionales como Más allá de la pasión (Jesús Garay, 1986 ), El día de la bestia (Álex de la Iglesia, 1995) o REC (Jaume Balagueró y Paco Plaza, 2007) entre otros.

Published in: on junio 20, 2017 at 5:53 am  Dejar un comentario  
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Novedades para junio de 39 Escalones Films

Dos son las novedades que destacan de entre el listado de lanzamientos preparados para este mes de junio por 39 Escalones Films. La primera se enmarca dentro de su línea de recuperación en formato doméstico de series emblemáticas producidas por Televisión Española. En este caso se trata de Historias del otro lado, serie de temática fantástica creada por José Luis Garci. Emitida entre 1991 y 1996, se compone de catorce episodios rodados con un estilo cinematográfico y repleto de historias de ciencia ficción, de fantasía, donde la realidad se aparta por senderos que se bifurcan. La edición en DVD comercializada por 39 Escalones Films presenta la serie completa en cinco discos con audio en versión original stéreo y formato de pantalla 1:33.1, y un libreto de veinticuatro páginas con fotografías e información del film a cargo de Carlos Díaz Maroto.

La segunda de las novedades en cuestión es la salida de la ya anunciada hace unos meses de la denominada “Edición extrema” de Saw III, tanto en DVD como en Bluray, en sendas tiradas limitadas y numeradas a mil cincuenta ejemplares. Aunque ya comercializada en su momento, esta nueva edición de la película a cargo de 39 Escalones Films incluye los dos montajes de la tercera entrega de la popular franquicia creada por James Wan; el de cines, de 107 minutos de duración, y la versión sin censurar, de 114 minutos. Además, se incluye abundante contenido extra. Más concretamente, tres audiocomentarios, escenas eliminadas y una serie de piezas audiovisuales sobre determinados aspectos del film. Todo ello es presentado en un digipack con un libreto de veinticuatro páginas en la que un servidor, José Luis Salvador Estébenez, repaso la historia de la saga Saw desde su nacimiento hasta esta tercera entrega.

Más información: http://39escalones.es/

Published in: on junio 19, 2017 at 5:54 am  Dejar un comentario  

Entrevista a Elio Quiroga

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Este 2017 se cumplen veinte años del estreno de Fotos en la trigésima edición del Festival de Sitges, donde se alzaría con el premio del jurado y el galardón destinado al mejor guion. De esta exitosa forma se presentaba en sociedad Elio Quiroga, sin duda uno de los cineastas más interesantes y polifacéticos de nuestro cine fantástico a lo largo de estos años. Pese a ello, la trayectoria del cineasta canario en la gran pantalla no ha disfrutado de la regularidad que hubiera sido deseable. Por el contrario, a lo largo de estas dos décadas tan solo ha rodado tres películas de ficción, a las que hay que añadir el documental El misterioso rey del cinema, centrado en la figura del cómico de cine mudo Max Linder. Aprovechando su presencia como jurado de la Sección Oficial en la pasada edición del Festival de Cine Fantástico de Bilbao – FANT, mantuvimos con Quiroga la siguiente entrevista en la que repasamos lo que ha dado de sí su trayectoria cinematográfica hasta el momento.

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Elio junto a Melina Matthews, Miguel Ángel Vivas y Justo Ezenarro, director de FANT, posando ante la prensa antes de la lectura en el Ayuntamiento de Bilbao del palmarés de esta edición del certamen.

Estudiaste informática. ¿Cómo acabas haciendo cine?

Mi padre quería que estudiase y empecé informática por hacer una carrera con salida. A mí me gusta el mundo de la ciencia, y tenía el Instituto de Astrofísica en La Laguna, pero como me quedaba muy lejos, terminé haciendo ingeniería informática en la Universidad de Las Palmas.

No obstante, siempre había hecho cortos con la cámara de Super 8 de mi padre. Y como en Canarias estamos tan lejos, cuando llegaban Pilar Miró, Lola Salvador, Joaquín Oristrell o gente de este tipo para dar un curso yo siempre iba. Así que comencé a interesarme por el asunto hasta que surgió la posibilidad de hacer mi primer largo.

Este primer largo es Fotos, un film de lo más singular, sobre todo dentro del contexto del cine español de finales del siglo XX. ¿Te fue un proyecto difícil de levantar?

Fue complicado. Surgió por un curso de guion que impartió Joaquim Jordá, que se enamoró del guion y me animó a que lo hiciera como fuera. En este punto, hubo un primer intento con Pere Joan Ventura y Georgina Cisquella, que tenían una productora. Esa opción no salió adelante, y fueron pasando los meses. Al cabo de un año entró Filmax y con ella José Antonio Pérez Giner y una productora canaria. Se volvió a intentar por segunda vez y la cosa prosperó y pudo hacerse la película. No obstante, fue una odisea. Nos quedamos sin dinero a mitad del rodaje y estuvo a punto de no poder terminarse.

A todo esto se le añadía el hándicap de ser una película proyectada desde Canarias, con gente canaria. Imagino que estas circunstancias complicarían aún más las cosas…

Totalmente. La protagonista, Mercedes Ortega, es canaria, gran parte del casting era gente de grupos de teatro muy conocidos en las Islas, pero, obviamente, desconocidos en la Península, y esto también complicó mucho a la hora de buscar financiación. Afortunadamente tuvimos la confianza de Filmax y a partir de ahí pudimos tirar adelante.

En Fotos presentas una serie de temas que después te han acompañado en tus posteriores películas, caso del peso que el pasado ejerce en los personajes o la importancia de las relaciones paterno-filiales. ¿Es algo premeditado o te surge de un modo natural sin que te des cuenta?

Creo que hay mitad y mitad. Hay una gran parte de las que no me doy cuenta que las tengo incluso en las novelas que después he publicado. Al cabo del tiempo, cuando las reviso es cuando me doy cuenta de que están esas manías que tengo. Parece que son cosas que tengo metidas dentro, no sé por qué motivo ni por qué razón, y que de repente salen. Es curioso.

Otro de estos elementos recurrentes en tu filmografía que también aparece es la importancia que das a la imagen registrada dentro de tu puesta en escena, ya sean las fotos que dan título a tu ópera prima, la cámara de video que porta el niño protagonista de La hora fría, las grabaciones prohibidas de No-Do o incluso la propia naturaleza de tu documental El misterio del rey del cinema. ¿De dónde viene esta obsesión?

Tampoco lo sé. Es una forma de narrativa que es cierto que la he aplicado en todas mis películas, incluso en cierta medida en mi documental sobre Max Linder, como indicas. Pienso que otorga ese añadido de verosimilitud, de realidad, que ahora está tan de moda con las películas de metraje encontrado, y el usarlo me ayuda a transmitir esa sensación.

Dada esta repetición de temas en tu obra, ¿te consideras un autor?

No tengo ni idea. (risas)

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Volviendo a Fotos, en su paso por el Festival de Sitges de 1997 consiguió el premio al mejor guion, además del concedido por el Jurado, logrando el apoyo público de Quentin Tarantino. ¿Qué supusieron estos reconocimientos tanto para ti como para la película?

Para la película fue bueno, porque después el estreno funcionó bien dentro de lo que era, una película pequeñita y muy minoritaria, y esto le ayudó a promocionarla. Por otro lado, Tarantino intentó que Miramax la distribuyera en los Estados Unidos. Los responsables de Miramax la vieron y cuando comprobaron que era una película tan rara y tan peculiar, le dijeron a Quentin que, aunque le querían mucho, no estaban tan locos como para correr ese riesgo.

Esto no quita para que también fuera un hándicap. Guillermo del Toro me comentó que era la película marciana mejor rodada que había visto nunca, pero que no dejaba de ser una película marciana. E ir con una película marciana a buscar trabajo a los productores es un problema. El hecho de que puedas demostrar que estás capacitado para llevar adelante un proyecto, que puedes rodarlo en condiciones sin necesidad de segundas unidades con un ayudante de dirección bueno, que puedes hacer la película sin que se salga de presupuesto… todo eso queda borrado porque la película que has hecho antes es rara. Entonces eso te obliga a que te pases el resto de tu carrera demostrando a posibles productores que eres un tío cabal y que puedes rodar cualquier tipo de proyecto sin problemas, solo que tu primera película la escribió un guionista que estaba como una cabra y que eres tú mismo.

Esto que comentas ¿tuvo que ver en que tardaras una década en rodar tu siguiente largo?

Sí. Hubo un conato de hacer una segunda película en esta línea de trabajo, que se titulaba Las manos de Lázaro, y era una especie de revisitación del monstruo de Frankenstein desarrollada durante el carnaval de Las Palmas. No hubo suerte, básicamente porque el Ministerio no vio la propuesta. El productor de Fotos lo intentó durante cuatro años hasta que al final desistió. A partir de ahí me vi en una situación en la que no tenía nada que hacer. Ahí surgió la Fantastic Factory de Filmax, que me ofreció un proyecto que no se pudo producir y que era una suerte de remake de Scream en una universidad, con mucha informática y muchos hackers, y cosas así que yo dominaba, incluso la jerga técnica. El guion se escribió con David Muñoz y Antonio Trashorras, pero al final entró en la línea de producción de Fantastic Factory y a partir de ahí me quedé sin proyecto. Y puesto que nadie me producía, tomé la decisión de hacerlo yo mismo. Produje un corto llamado Golpe de suerte, que dirigió Asier Guerricaechevarría, y poco a poco fui aprendiendo a ser productor con la idea de producirme a mí mismo, y terminado el aprendizaje fue cuando me dispuse a hacer La hora fría.

Durante esta etapa, además de producir dirigiste varios cortometrajes, entre los que destaca Home Delivery debido a sus muchas particularidades. Es de animación, está basado en un relato de Stephen King y cuanta con música de REM…

El relato que adapta el corto lo leí hacía como tropecientos años en una recopilación de cuentos y siempre había pensado en rodarlo. De repente me dije “¿por qué no?”, y escribí un mail a Stephen King. En ese momento yo tenía un agente en Los Ángeles y eso facilitó un poco las cosas a la hora de establecer el contacto. King me pidió leer el guion y se lo enviamos junto con diseños de los personajes y demás, hechos por Javier Rodríguez. Le encantó, nos dijo que adelante y firmamos un contrato que él llama “Dolar Baby” por el que no te cobra nada por la adaptación, siempre y cuando el corto no tenga beneficios económicos. Hicimos el corto y fuimos con él a varios festivales, y en los que ganó y hubo premio económicos lo donamos a diversas fundaciones para que el acuerdo con Stephen King se respetara.

En cuanto a REM, siempre he sido superfan, y pensamos que había una canción de ellos que nos venía muy bien. Les consulté, vieron el corto, nos dieron el permiso y no quisieron cobrar nada. Como King, se portaron muy bien.

En este tiempo también escribiste el libro La materia de los sueños, en el que estableces un recorrido por la historia de los efectos visuales por ordenador…

Parte de este libro era mi tesis de final de carrera. Siempre me ha atraído todo el mundo de los efectos visuales y cómo ha cambiado hasta convertirse en algo imprescindible en el cine de hoy donde todo se hace con ordenadores. Y me interesaba contar esa historia; cómo de la artesanía y lo fotoquímico se ha pasado a los números. Es una historia bonita, interesante, que mezcla historias que van de George Lucas a Steve Jobs.

En vista de este interés por el tema, ¿qué importancia le das a los efectos especiales en tus películas?

Mucha, porque también desde el punto de vista narrativo te ayuda a contar la historia, si están bien hechos, obviamente. Aparte, también añaden vistosidad a las películas, aunque en muchos otros casos puedan tratarse de efectos visuales que son completamente invisibles, como puede ser borrar un micrófono o algún cable que aparece en la imagen, y que te ayudan a solventar un rodaje de un modo un poquito más óptimo económicamente.

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Hablemos ya de tu segundo film, La hora fría, en el que en contraposición con tu ópera prima abrazas un planteamiento de cine de género convencional. En vista de lo que comentabas antes, ¿este enfoque obedeció a una búsqueda de una mayor comercialidad para el proyecto?

En mi recuerdo me veo a mí mismo escribiendo el guion y no había afirmación consciente de hacerlo en ese sentido. Pero sí, supongo que también había algo de eso; hacer un proyecto que, partiendo de un presupuesto raquítico, tuviera una narrativa estándar.

Eso te iba a decir. El hecho de que La hora fría transcurra en un único emplazamiento y con un reducido grupo de personajes obedece a razones presupuestarias…

Claro, aunque es algo que ahora está muy de moda, el hacer películas en espacios cada vez más pequeños, hasta llegar a extremos como los de La trampa del mal o Buried, en la que ya es casi imposible poder hacerlo en un espacio más pequeño que un ataúd. Pero bueno, el caso es que es una óptica que se ha demostrado que puede funcionar.

Al contrario que en el resto de tus películas, La hora fría cuenta con un reparto coral. ¿Te supuso un mayor reto, máxime teniendo en cuenta que dentro del cast también se encontraban actores infantiles?

Curiosamente, tanto en La hora fría como en No-Do he contado con actores infantiles, y han funcionado muy bien, porque son actores natos. En el caso de Omar Muñoz, el protagonista de La hora fría, es un chicho que tenía y tiene ya de mayor un talentazo natural impresionante.

En cuanto a lo que fue la elección del reparto, he de decir que colaboró mucho mi representante de entonces, que era Fernández-Roces, que aportó a Silke, que estaba ya retirada viviendo en Ibiza, y se construyó un equipo de actores bastante potente y competente. En cualquier caso, mi relación con los actores en la inmensa mayoría de los casos ha sido buenísima. Es gente generosa y que intenta siempre estar trabajando a favor de la película. Y en esta oportunidad también fue así, claro.

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Un par de años después de La hora fría ruedas No-Do, en la que te basas en ciertos rumores existentes en torno al noticiario franquista. ¿Cómo se gestó la película?

De nuevo fue una odisea, porque el guion se escribió en realidad antes que el de La hora fría, aunque esta se hiciera antes. Así que el proyecto tuvo que esperar hasta que se terminó la producción de La hora fría y hubo posibilidad de financiar No-Do.

La idea original era escribir una historia de miedo tranquilamente. Para ello me mudé a casa de Stefan Nicoll, que aparte de amigo era socio, y además es hijo de mi socia de producción de todas mis películas, que es Margarett Nicoll, una de las históricas del cine español de los últimos treinta años, aunque ella sea neozelandesa; ha sido fundadora de Canal Plus, de TV3… Me quedé solo en casa de Stefan durante un mes, aprovechando que se había ido de vacaciones, y empecé a escribir la historia con la premisa que me diera miedo escribirla. Y lo conseguí. Recuerdo estar escribiéndola y estar cagándome de miedo. Así que me dije que si aquello funcionaba conmigo, quizás podía salir una buena película de miedo.

Por otra parte, el tema de las apariciones marianas es algo que siempre me ha fascinado. De hecho, juego con ellas medio en broma en Fotos. Y esta vez me apetecía jugar con ellas desde el otro lado. Uno de los libros que más miedo me ha dado es una biografía de Teresa Neumann, que fue una estigmatizada, que le sangraban las manos, el costado y lloraba lágrimas de sangre. Y cuando lo leí con quince años en casa de mis padres pasé auténtico miedo. Aquello era de verdad y daba mucho peor rollo que lo que podía dar El exorcista. Esa fascinación por las estigmatizadas me ha perseguido durante mucho tiempo y en No-Do vi la oportunidad de plasmar un poco todo esto.

Para protagonizarla elegiste a Ana Torrent, a la cual tenías ya en mente según he leído mientras escribías el guion. ¿Cómo fue trabajar con una actriz de la solidez de ella?

La experiencia fue extraordinaria, porque es una mujer que se focaliza en su personaje desde el principio hasta el final. Está todo el rodaje viviéndolo para el personaje y eso es algo que hay agradecerle muchísimo, porque te demuestra que lo está dando todo. Traté todo lo que pude con ella para apoyar su interpretación, puesto que todo el peso de la película recae en sus hombros, ya que gran parte del tiempo está en plano. Era un asunto complicado, por toda la progresión que tiene su rol desde ser una persona normal hasta convertirse casi en una loca por todas las cosas a las que asiste, pero la verdad es que lo interpretó de una forma excelente y además me permitió aprender muchísimo.

No-Do se estrenó poco tiempo después del que había sido el gran éxito del cine español esa temporada, El orfanato. Dadas las similitudes argumentales existentes entre ambas, no tardaron en surgir comparaciones entre tu película y la ópera prima de J. A. Bayona. ¿De algún modo pudo este hecho llegar a perjudicarte de algún modo, a pesar de que realmente No-Do no tenga mucho que ver con El orfanato en ningún sentido?

Estábamos en la post-producción de No-Do cuando Juanlo Prada, que era el director de producción de la película, me llamó para decirme que me fuera inmediatamente al cine a ver El orfanato. Cuando la vi llame a Juanlo y le dije que, de acuerdo, que era una película de terror protagonizada por una mujer madura, pero más allá de eso no había por qué preocuparse. Sin embargo, él me repetía: “Te la han copiado, te la han copiado”. Y no. Simplemente hay un universo de ideas que en ocasiones coindicen en el tiempo y no pasa nada. Eso no quita para que la peli sea estupenda y yo me lo pasara muy bien viéndola. Son cosas que pasan y no hay que darle más vueltas.

Tu última película hasta la fecha es el ya aludido documental El misterio del rey del cinema. ¿Qué te lleva a dedicar un trabajo de este tipo a la figura de Max Linder?

Fue a través de Margaret Nicoll, mi socia. Estaba preparando un museo de cine y una de las exposiciones que iban a dedicar era a Max Linder, ya que Margaret había conocido a su hija, Maud, que posteriormente fue muy importante para el documental, hasta el punto de que es la verdadera protagonista. Margaret me contó su historia y convenimos que ahí había un documental súper-potente. Decidimos lanzarnos adelante con una pequeña cantidad que yo tenía para invertir y un crédito reembolsable que obtuvimos del gobierno de Canarias, orientado para hacer cine a través de tecnología, ya que la película está realizada con una técnica que desarrollé en mi empresa de post-producción que me hacía falta explotarla y esta era una buenísima oportunidad para utilizarla.

Estuvimos como un par de semanas entrevistando a Maud y nos abrió todos sus archivos. Aparte, buscamos películas de Max Linder por todos los lados y tuvimos la suerte de encontrar material que se creía perdido. Y con todo esto creo que hicimos una película que quedó bastante resultona. Es una historia que creo que es interesante, porque creo que está muy olvidado tanto el personaje como la persona.

Durante los últimos años has enfocado tu trayectoria más hacia la literatura y te has alejado del cine. ¿Piensas volver a dirigir en un futuro próximo?

De hecho estoy preparando para octubre, si todo va bien, un thriller que adapta la novela La estrategia del pequinés del autor canario Alexis Ravelo, con la que ganó el Premio Dashiell Hammett en la Semana Negra de Gijón. El guion, que lo ha escrito David Muñoz, uno de los mejores guionistas que tenemos en el país y con el que llevo trabajando muchos años, ya está listo, y ahora estamos cerrando todos los elementos de la producción. Lo que ocurre es que las cosas van muy lentas. Te pegas tres o cuatro años desde que escribes el guion hasta que vas juntando piececitas y elaboras el puzle que es conseguir hacer la película. Lleva mucho tiempo, como digo, pero es lo que hay.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías: Juan Mari Ripalda

Published in: on junio 16, 2017 at 5:58 am  Dejar un comentario  
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La Semana de Cine Fantástico y de Terror presenta su cartel oficial y un avance de contenidos

La actriz andaluza María José Cantudo es la protagonista del cartel de la 28ª Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, que tendrá lugar entre el 28 de octubre y el 3 de noviembre. En la mañana de ayer, la Sala Club del Teatro Victoria Eugenia de la capital guipuzcoana acogió su presentación, en un acto en el que también se dio un primer avance de algunas de los contenidos de esta edición.

Actriz de teatro, cine y televisión con más de cuarenta años de trayectoria profesional, María José Cantudo ha participado en gran cantidad de obras de teatro y series de televisión y en aldededor de treinta películas, entre las que se encuentran Autopsia (1973), La trastienda (1975), Las delicias de los verdes años (1976), Secuestro (1976) o El amor es un juego extraño (1983). Dentro del cine de terror, realizó una de sus primeras incursiones en el género con la emblemática El espanto surge de la tumba (Carlos Aured, 1973), donde coincidiría por primera vez con Paul Naschy. Posteriormente rodaría la comedia Las alegres vampiras de Vogel (Julio Pérez Tabernero, 1975), para dos años después encabezar junto a Naschy el reparto de uno de los títulos más importantes del cine de terror de la época, El huerto del Francés (1977), también escrita y dirigida por Naschy basándose en un caso real.

El cartel de este año, en el que María José Cantudo aparece como una vampira con dos víctimas masculinas yaciendo a su lado, se sitúa en consonancia con el fuerte acento femenino que va a tener la Semana en esta próxima edición, a decir de los contenidos ya anunciados. Así, el habitual ciclo retrospectivo se hará eco de la pujanza que en los últimos años vienen demostrando las mujeres directoras dentro del cine de terror y que será realizado en colaboración con Zinemakumeak Gara! Muestra de Cine Dirigido por Mujeres de Bilbao, que este año celebra su vigesimosegunda edición. Bajo el nombre “El ataque de las mujeres cineastas”, el ciclo pretende ofrecer una pequeña muestra del cine de terror dirigido por mujeres en las últimas décadas, proyectando algunos títulos recientes no proyectados en la Semana y rescatando del olvido películas emblemáticas del género como el pionero slasher The Slumber Party Massacre (1982), de Amy Jones, Los viajeros de la noche (1987), primer largometraje dirigido en solitario por Kathryn Bigelow, Cementerio viviente (1989), de Mary Lambert según la obra de Stephen King, o Buffy, la cazavampiros (1992), de Fran Rubel Kuzui, que dio origen a la posterior serie de culto.

Por otra parte, entre el 28 de octubre y el 9 de diciembre, el Centro Cultural Okendo acogerá la exposición “Mil gritos en la noche”, una muestra fotográfica comisariada por Pedro Usabiaga que se acerca a las actrices y actores que trabajaron en los años setenta en el cine de terror español. Enlazando con el cartel de este año, la muestra quiere rendir homenaje a un género en una época dorada del mismo a través de una colección de fotografías de rodaje, imágenes promocionales y retratos de la época y posteriores, realizados en los propios sets o en festivales como San Sebastián, presente en varias de las obras. Actrices como Ágata Lys, Soledad Miranda, Ewa Aulin, Inma de Santis, Maria Perschy o la propia María José Cantudo y actores como Chris Mitchum, Renaud Verlay o Espartaco Santoni son los protagonistas de esta exposición de fotografías, muchas de ellas inéditas, provenientes de diversos archivos y coleccionistas europeos.

Por último, desde hoy 15 de junio y hasta el próximo 15 de agosto se encontrará abierto el plazo de inscripción de películas para esta 28ª Semana de Cine Fantástico y de Terror, en la que el certamen continuará haciendo una apuesta especial por el formato del cortometraje, con los premios del jurado (dotado con 1.000 €) y del público (1.000 €) al mejor trabajo y con los galardones al mejor corto de animación (1.000 €) y al mejor corto español (1.000 €), también otorgados por la audiencia. El jurado entregará también el Méliès de Plata al mejor corto europeo y un jurado de jóvenes elegirá también su favorito. Además, por cuarto año consecutivo la cadena televisiva Syfy España otorgará un premio al mejor cortometraje español, en esta edición dotado de nuevo con 3.000 €.

Más información: http://www.sansebastianhorrorfestival.eus/2017/

El universo de Stephen King sonará en la clausura de FIMUCITÉ 11

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El Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife (FIMUCITÉ) contará este año con un broche de oro que entusiasmará a los aficionados a las mejores bandas sonoras y también al cine y la literatura fantástica, con el concierto “Galería Nocturna de Stephen King” (“Stephen King’s Night Gallery”), que se celebrará en el marco de la Gala de Clausura de su undécima edición. La Orquesta Sinfónica de Tenerife interpretará el 30 de septiembre en el Auditorio de Tenerife “Adán Martín” las bandas sonoras de una colección de las mejores adaptaciones cinematográficas de las novelas de King.

Bajo la batuta del director de FIMUCITÉ, Diego Navarro, el repertorio abordará piezas de la música compuesta por Pino Donaggio para Carrie, por Thomas Newman para Cadena perpetua (nominada a los Oscar en 1995) y La milla verde, o por Richard Bellis, autor de la banda sonora de la mini-serie de televisión It, quien visitará el Festival como invitado y presentará el estreno mundial de su obra. Otros estrenos absolutos que sonarán en este concierto son Corazones en la Atlántida, de Mychael Danna, Cementerio de animales de Elliot Goldenthal, y La ventana secreta, de Philip Glass, entre otros. Se tocarán además piezas de las esperadas versiones cinematográficas de It y La torre oscura, de estreno este verano.

Además, el programa de FIMUCITÉ 11, que se celebrará entre el 22 y el 30 de septiembre, incluirá también dos originales propuestas que deleitarán a cinéfilos y melómanos. Las canciones del cine de Quentin Tarantino por un lado, y de Pedro Almodóvar, por otro, centrarán sendos conciertos que se celebrarán los días 23 y 24 de septiembre, respectivamente. Tanto en la filmografía del cineasta estadounidense como en la del español, ambos ganadores de Premios Oscar, la música ha ocupado un papel determinante y la selección de canciones de sus películas definen sus aplaudidos estilos cinematográficos.

El espectáculo “Tarantino Unchained” llegará de la mano de The Pop Culture Band, artífices en entregas anteriores de FIMUCITÉ de las exitosas puestas en escena de “Back to the 80s”, “Back to the 90s” y “That ’70s Show”. El repertorio que prepara la banda canaria liderada por Gonzalo de Araoz incluye piezas de películas como Pulp Fiction, Reservoir Dogs, Jackie Brown, Kill Bill Vol.1 y Vol.2 y Los odiosos ocho, entre otras. Las dos funciones programadas para este concierto tendrán lugar el sábado 23 de septiembre, a las 19:00 y a las 22:00 horas. Las entradas saldrán muy pronto a la venta a un precio único de 15 euros.

La extraordinaria artista canaria Esther Ovejero será quien ponga su voz en el concierto “Todo sobre Almodóvar”, una colección de canciones del cine del director manchego que trasladarán al público al particular universo de sus películas. En esta selección no podrían faltar el tango de Carlos Gardel “Volver”, interpretado por Estrella Morente para la película del mismo título, el bolero “Un año de amor” que cantó Luz Casal para Tacones lejanos, la versión de “Quizás, quizás, quizás” de Sara Montiel que sonó en La mala educación o “La bien pagá”, tema que el propio director entonó en ¿Qué he hecho yo para merecer ésto?, entre otros. El concierto será el domingo 24 de septiembre, a las 19:00 horas, en el Teatro Leal de La Laguna. Las entradas, al precio de 10 euros, saldrán a venta próximamente.

Asimismo, este año FIMUCITÉ consolida la colaboración con el Conservatorio Superior de Música de Canarias (CSMC) y el Conservatorio Profesional de Música de Santa Cruz de Tenerife (CPM), un acuerdo que se materializará en dos emocionantes conciertos que serán interpretados por la cantera de jóvenes músicos del archipiélago en el Teatro Guimerá de la capital tinerfeña.

La Banda Sinfónica del Conservatorio Profesional de Santa Cruz de Tenerife, dirigida por José Toledo y Ramón García i Soler como director invitado, ofrecerá un concierto que estará dedicado a la música compuesta para el cine español y que incluirá arreglos de películas como Bienvenido Mr. Marshall, Capitán Trueno y el Santo Grial o Atrapa la bandera. La cita, que cuenta con la colaboración de Musimagen (Asociación Española de Compositores para el Audiovisual), tendrá lugar el miércoles 27 de septiembre, con una función destinada a escolares en horario de mañana y otra para público general que dará comienzo a las 20:00 horas.

La Joven Orquesta FIMUCITÉ, formada por alumnos del CSMC y el CPM de Santa Cruz ofrecerá el jueves 28 de septiembre, también con función para escolares por la mañana y público general a las 20:00 horas, un concierto con lo mejor de la música del cine épico de Hollywood. Sonarán desde las bandas sonoras de Ben-Hur, El Cid, o Quo Vadis a Gladiator y Braveheart, gracias a la colaboración del prestigioso sello Tadlow Music. Además, este concierto contará con la participación del festival de música de cine FMF de Cracovia en la presentación de obras de autores polacos.

El precio de las entradas de estos conciertos en el Teatro Guimerá será de 10 euros.

FIMUCITÉ FILM SCORING ACADEMY

Entre el abanico de actividades paralelas de FIMUCITÉ 11, cabe destacar la segunda edición de la FIMUCITÉ Film Scoring Academy (Academia Fimucité para Compositores Audiovisuales) dirigida a estudiantes y profesionales interesados en formación especializada. El programa incluye un taller sobre creación musical para vídeojuegos, a cargo de Craig Stuart Garfinkle y Eimear Noone; un Taller de Ingeniería Sonora en sesiones de grabación, que impartirá James Fitzpatrick; y clases magistrales a cargo de Richard Bellis (“Temp Tracks: Resistir o Rendirse) y Matthijs Kieboom (Creando bandas sonoras con pequeños presupuestos).

Las clases, de carácter gratuito, tendrán lugar durante la semana del Festival en la sede del Conservatorio Profesional de Santa Cruz de Tenerife. Este año, además, el Conservatorio Superior de Música de Canarias interviene aportando a la certificación otorgada por la FIMUCITÉ Film Scoring Academy un carácter más oficial de cara a la experiencia curricular de los asistentes a los cursos.

La programación de FIMUCITÉ 11 también acogerá la quinta edición de la sección competitiva del Festival, FIMUCINEMA, donde se premia el apartado musical de las obras audiovisuales y cuya convocatoria está abierta hasta el 31 de julio para la inscripción a concurso de largometrajes y cortometrajes. Hasta la fecha se han presentado a concurso más de seiscientos trabajos, setenta y cuatro largometrajes de ficción, noventa documentales y cuatrocientos cuarenta cortometrajes, procedentes principalmente de Estados Unidos, España, Irán, India, Italia, Brasil, Reino Unido y Francia.

Cabe recordar que el programa de esta undécima edición de FIMUCITÉ incluye otros conciertos ya anunciados como el homenaje al cineasta italiano Lucio Fulci, que acogerá el Auditorio Infanta Leonor de Los Cristianos el día 22 de septiembre, y que consistirá en la proyección del largometraje El más allá mientras tiene lugar la interpretación en directo de la música original del film dirigida por su autor, Fabio Frizzi. Además, el viernes 29 de septiembre tendrá lugar en el Auditorio de Tenerife Adán Martín el concierto sinfónico “Espada y Brujería: Crónicas Sinfónicas de una Era Legendaria”, que contará con la participación de la premiada compositora y directora irlandesa Eimear Noone al frente de la Orquesta Sinfónica de Tenerife. Próximamente se darán a conocer otras propuestas que formarán parte del programa.

Más información en las distintas redes sociales del certamen:

Twitter: @FIMUCITE
Facebook: fimucite
Instagram: fimucite
#FILMMusicKINGdom

Published in: on junio 14, 2017 at 6:25 am  Dejar un comentario