Palmarés de la quinta edición del Festival de Cine Fantástico y de Terror de Alcobendas “La mano”

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Este pasado sábado concluía la quinta edición del Festival de Cine Fantástico y de Terror de Alcobendas “La mano” que se ha celebrado desde el pasado jueves en la localidad madrileña. Lo hacía con una divertida gala de clausura en la que dio a conocer a los diferentes ganadores de los concursos en liza. Así, el premio a la mejor película de la Sección Oficial fue para la producción israelí The Golem (2018) de los hermanos Paz, merecido reconocimiento para el que sin duda fue el título más sobresaliente de una selección, no obstante, que ofreció una media docena de films de los más variados y con un nivel en la mayoría de los casos bastante interesante. En cuanto al formato corto, el galardón fue para el británico Once Bitten (2018), comedia de temática vampírica procedente de Gran Bretaña que consiguió el difícil mérito de aunar el favor del jurado, dado la gran calidad que por regla general ofrecieron la práctica totalidad de los cortometrajes proyectados. Fuera del apartado audiovisual el palmarés se completa con los dos premios dedicados al campo literario, en el que Almudena García se llevó el premio al mejor relato por “Curiosa receta”, mientras que Pablo Ibáñez Durán hizo lo propio en el destinado al mejor audiorelato por “Efecto Tyndall”

Más información: www.lamanofest.com/

Published in: on noviembre 12, 2018 at 10:33 am  Dejar un comentario  
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Balance de la XXIX Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián

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La organización de la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián ha dado a conocer el balance de lo que ha sido en datos la vigésimo novena edición del certamen que el pasado sábado día 2 de noviembre finalizaba, al menos en lo que a las proyecciones oficiales se refiere. En total, 22.571 espectadores han disfrutado del total de actividades de la Semana hasta el pasado 4 de noviembre. El número de personas que ha asistido a las proyecciones cinematográficas en los teatros Principal y Victoria Eugenia ha sido de 10.533, mientras que 12.038 han participado en el resto de actividades: inauguración de calle, talleres, proyecciones paralelas en otros espacios…

No obstante, aunque la Semana ha finalizado, a día de hoy cinco de las exposiciones organizadas del certamen continúan abiertas. Se trata de “Mary Shelley: La muerte del monstruo” de Raquel Lagartos & Julio César Iglesias, la cual se podrá visitar en Centro Carlos Santamaría – UPV/EHU (Campus de Gipuzkoa) hasta el día 15; “Euskadi Fantastikoa XIV – Musgo (Patri de Blas & Álvaro Corcín)”, expuesta en la Biblioteca Central (Alderdi Eder) hasta el 17 de noviembre y posteriormente en CBA Irún del 20 noviembre al 11 diciembre; “Munstro Maite” de Lucía Fermín en Kutxa Kultur Plaza (Tabakalera – 4ª planta) hasta el 25 de noviembre; “Alicia a través del espejo” de Fernando Vicente en FNAC Donosti hasta el 30 de noviembre”, y “Superheroiak” dedicada a la obra del dibujante de cómic David Aja que estará en el Centro Cultural Okendo hasta el 8 de diciembre. Además, durante este mes de noviembre todavía están programados algunos actos derivados del festival. Así se celebrarán proyecciones en Oiartzun el 23 y el 25 de noviembre, protagonizados por la película Errementari y una sesión de los cortometrajes premiados respectivamente, mientras que el Centro Cultural Okendo acogerá el día 20 una mesa redonda con el título “Dibujando para el comic book USA”

Más información: www.sansebastianhorrorfestival.eus/2018/

Entrevista a Sir Christopher Frayling

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Uno de los testimonios convocados por el documental Desenterrando Sad Hill es el de Sir Christopher Frayling. Nombrado caballero del imperio británico en 2001 por sus “servicios a la educación en arte y diseño”, su obra se ha especializado en el estudio de la cultura popular. Dentro de este apartado destaca su papel de biógrafo de Sergio Leone, labor que cristalizaría en el imprescindible volumen Sergio Leone: algo que ver con la muerte. Nadie pues más indicado para hablar del cine del italiano y explicar los motivos por los que, más de medio siglo después de su estreno, estas películas continúan más vivas que nunca, despertando un fervor casi religioso entre sus espectadores. Eso es lo que hicimos en la siguiente charla que pudimos mantener con él aprovechando su presencia en la pasada edición del Festival de Sitges, donde Sir Christopher Frayling estuvo acompañando la presentación de Desenterrando Sad Hill.

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¿Cómo le llega la noticia de que hay un grupo de gente que está desenterrando el mítico cementerio de Sad Hill y cuál es su reacción al conocerla?

Cuando Guillermo, el director de Desenterrando Sad Hill, se puso en contacto conmigo y me explicó el proyecto con fotografías de cómo se estaba restaurando el cementerio —esto sería en 2014 o 2015—, me dejó totalmente intrigado. La idea de que los fans estuviese haciendo suya la película, que hubiera gente tan apasionada por El bueno, el feo y el malo que cincuenta años más tarde estuviese interesada en pasar sus fines de semana para excavar con sus propias manos y poder recuperar el decorado original de la escena final de la película, me pareció muy conmovedora. Creo que es un ejemplo muy ilustrativo de cómo el público quiere formar parte de la historia de las películas y de cómo en estos tiempos, gracias al impacto de las redes sociales, los fans y los espectadores tienen la oportunidad de convertirse en parte de las películas e, incluso, pueden interactuar con ellas, lo cual me parece muy importante.

Originalmente Desenterrando Sad Hill estaba pensado para ser un cortometraje documental de veinte minutos sobre la restauración del cementerio de Sad Hill, pero más adelante pensamos que sería una buena idea añadir el enfoque del making of de cómo se hizo El bueno, el feo y el malo. Así que el documental habla de cómo se hizo la película de Leone hace cincuenta años, los efectos que sigue causado en los espectadores en la época actual, de lo que se decía de ella en su momento de estreno y de lo que se dice hoy. También se incluyen imágenes de conciertos del grupo de heavy metal Metallica, que desde sus inicios utiliza el tema de la banda sonora de la película “The Ecstasy of Gold” para abrir sus conciertos. Es un documental que reúne muchísimas ideas y que, de algún modo, explica cincuenta años de la relación de amor que muchos espectadores tenemos con El bueno, el feo y el malo y de los secretos que esconde la propia película.

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Usted ha basado gran parte de su carrera en investigar sobre Sergio Leone y su obra, algo que entronca en parte con lo que habla el documental. ¿Qué tiene el cine del director italiano para despertar este fervor casi religioso entre los espectadores?

Creo que en primer lugar tiene que ver el hecho de que Leone fuera un italiano que hablaba de un género tan propio de los Estados Unidos como el western y que lo hiciera desde un punto de vista europeo. Esto era muy válido para la gente que amaba la cultura de los Estados Unidos pero que necesariamente no tenía por qué amar los valores que esta cultura representaba, y aquí me parece importante que hay que hacer una diferenciación entre estos dos conceptos.

En segundo lugar, los films de Leone crearon el concepto del héroe de acción moderno, que no se centra tanto en la batalla, en la lucha, en el duelo, sino en el estilo. En este sentido, Leone utilizaba la música como años después lo ha hecho Tarantino, que coge una canción que es un éxito de una banda de rock y hace una película que gira alrededor de esta canción. Esto es exactamente lo que Leone hizo con la música que Morricone componía para sus películas.

Y en tercer lugar también está el que el cine de Leone sea, en realidad, un cine sobre el cine. No habla sobre la vida real, sino que se basa en películas italianas y españolas que emulaban a películas de los Estados Unidos, y no a la vida real. Es decir, Leone es un director vanguardista, pero que al mismo tiempo es querido por el público. Y eso es muy, muy raro y muy exclusivo, porque normalmente el público va a ver películas de los directores de vanguardia, como por ejemplo pueden ser las de Godard, pero después se desvincula. Sin embargo, en el caso de Leone la gente se siente muy ligada tanto a él como artista como a sus películas.

Por todos estos motivos a mí siempre me ha encantado el trabajo de Leone y por eso me enfrasqué en estudiar su obra. Incluso, en una ocasión el propio Leone me dijo que me fijase en que tenía que haber sido un inglés el que convenciera a los italianos para que le gustasen sus películas, lo que es muy extraño.

¿Y cómo se explica que haya sido esta versión externa del western la que se haya impuesto como canon dentro del género? Es un hecho que los westerns norteamericanos modernos beben más de las películas de Leone que de las de Nicholas Ray, John Ford o Henry Hathaway…

Cuando las películas de Sergio Leone aparecieron, entre 1964 y 1968, había un contexto político en Estados Unidos muy difícil, y el ambiente estaba muy crispado. Había un sentimiento muy crítico con la Guerra del Vietnam, lo cual se reflejó en el mundo de la cultura, como pueden ser las canciones protesta de Bob Dylan. Y las películas de Leone surgieron en este contexto, tratando además un género tan representativo de la identidad estadounidense como son las películas del Oeste, que por lo general habían representado los valores más tradicionales de la sociedad estadounidense. Y lo que consiguieron fue que todas las personas que amaban a los Estados Unidos pero no estaban de acuerdo con los valores que representaba pudieran verse identificadas en aquellos films, que no obstante bebían de toda esa tradición de las películas del Oeste. Se considera que incluso Leone devolvió al pueblo de los Estados Unidos con sus películas esa especie de cuento de hadas que habían perdido. Sus películas fueron un éxito rotundo en los Estados Unidos y de ello han bebido posteriores personalidades cinematográficas hollywoodienses, no solo dentro del western, sino también en el cine de acción y de otros géneros. El caso más evidente sería el de Sam Peckinpah, pero tampoco nos podemos olvidar que las personalidades cinematográficas de Charles Bronson, Sylvester Stallone o Arnold Schwarzenegger han bebido de forma clara del personaje que Clint Eastwood interpretara para Leone en la Trilogía del Dólar. Se podría decir que Leone es la mayor influencia en la historia de un cineasta europeo en el cine de los Estados Unidos.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías: Juan Mari Ripalda

Published in: on noviembre 9, 2018 at 9:09 am  Dejar un comentario  
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Programación de las Jornadas de Fantasía, Ciencia Ficción y Terror de Castellón FANTASTI’CS 2018

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Coincidiendo con la noche de Halloween, el pasado 31 de octubre arrancaban la  VIII edición de las Jornadas de Fantasía, Cuencia Ficción y Terror de Castellón FANTASTI’CS. Como novedad, este año las jornadas se repartirán en tres sedes: el Espai cultural Menador (Plaza de Huertos Sogueros  nº 4), la librería Argot (Calle San Vicente nº 16) y el Aula de fotografía Lledó (Avenida Rey D. Jaime nº 104). Entre las actividades programadas habrá exposiciones, mesas redondas, proyecciones, presentaciones de libros de cine, cómics, fanzines y proyectos audiovisuales.

Será en el marco de FANTASTI’CS donde Carlos Díaz Maroto y yo estaremos presentando un primer avance de La casa de los horrores de Tobe Hooper, un libro que hemos coordinado entre ambos en torno a la figura del recientemente fallecido cineasta estadounidense con un plantel de excelentes colaboradores formado por Jorge Casanueva Sanchez, Juan Andrés Pedrero Santos, Juan P. Rodriguez,Nacho Carrero y Fernando Rodríguez Tapia, además del propio Carlos y yo mismo, y que saldrá a la venta en próximas semanas de la mano de la editorial Vial of Books.

Precisamente, el propio Carlos será uno de los galardonados en los premios FANTASTIC’S 2018 como reconocimiento a su trayectoria. El resto de los premiados son David Saelices con el correspondiente al mejor fanzine por su trabajo en “Retrocine”; nuestro amigo Luis Esquinas, en su condición de responsable de El pionero, acreedor del galardón del mejor documental; Gerard Miquel, autor de “Yo fui guía en el infierno”, ganador del premio al mejor cómic; Pedro Porcel por su trabajo en el imprescindible “Cine de Terror 1930-1939. Un mundo en sombras”, premio al mejor libro de cine; y Alberto Añón, director y presentador del premio al mejor programa de radio FANTASTI’CS 18, “El cine, su música y tú”. Todos ellos recogerán sus respectivos reconocimientos en la gala que tendrá lugar el sábado 24 a partir de las 20 horas.

Programación de la VIII edición de las Jornadas de Fantasía, Ciencia Ficción y Terror de Castellón FANTASTI’CS confirmada a día de hoy:

Jueves día 8 de noviembre. Librería Argot. 17.30 horas

ilustradores

Encuentro de ilustradores. Con Javier Pauner, Joel de la Rocha, Neilabbott y Rodrigo García

Miércoles día 21 de noviembre. El Menador. 20 horas

Proyección del documental El pionero. El cine parapsicológico de Sebastián D’Arbó (Luis Esquinas, 2018)

Jueves día 22 de noviembre. El Menador. 20 horas

Proyección del documental Culto al terror (Gustavo Leonel Mendoza, 2017)

Sábado día 24 de noviembre. Librería Argot

Stargate

10.00 Presentación de las novelas “Stargate” de la editorial Watashi, presentado por César Asensio

10.30 Presentación de la revista FANTASTI’CS 18, con Elena Sabidó, Jorge Juan Adsuara, Miguel Ángel Plana y Carlos Díaz Maroto

el cine de ciencia ficcion una retrospectiva delirante

11.00 “El cine de ciencia-ficción: una retrospectiva delirante”, libro presentado por Iván Palmarola

Star Crash Tribute

11.30 Star Crash Tribute,film presentado por su director, Jose S. Navarro, y equipo artístico

Abecedario del horror

12.30 “Abecedario del horror”, libro presentado por Carlos Díaz Maroto y Miguel Ángel Plana

La huella de Drácula

13.00 “La huella de Drácula. Antología de relatos”, presentado por Miguel Ángel Plana y Carlos Díaz Maroto

ZonaCine

13.30 “Zona Cine” n° 1, fanzine presentado por David Salesices y Jonhy Carrasco

Neutrón8

14.00 “Fantastic Films Neutrón” n° 8, fanzine presentado por José Manuel Villena, Carlos Díaz Maroto y Miguel Ángel Plana

17.00 “Juan Piquer Simón. Mago de la serie B” (edición revisada y ampliada), libro presentado por Jorge Juan Adsuara, Miguel Ángel Plana, Javier Cano y José Luis Salvador Estébenez

17.30 “La casa de los horrores de Tobe Hooper”, adelanto del libro presentado por José Luis Salvador Estébenez y Carlos Díaz Maroto

American Odyssey

18.00 “George Lucas. American Odyssey”, libro presentado por Ramón Alfonso

Yo fui guía en el infierno

18.30 “Yo fui guía en el infierno”, cómic presentado por Gerard Miquel y Pablo Herranz

Cine de terror 1930 UDL

19.00 “Cine de Terror 1930-1939. Un mundo en sombras”, libro presentado por Pedro Porcel y Pablo Herranz

20.00 Entrega de los Premios FANTASTI’CS 18

Más información: fantcast.blogspot.com

Published in: on noviembre 8, 2018 at 7:00 am  Dejar un comentario  

Entrevista a Guillermo de Oliveira, director de “Desenterrando Sad Hill”

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Ganadora del premio a la mejor película en la sección Noves Visions del pasado Festival de Sitges, Desenterrando Sad Hill supone el debut en el formato largo del realizador vigués Guillermo de Oliveira. Nacido de forma un tanto accidental, el documental surge a raíz de la exhumación y restauración por parte de un grupo de fervorosos aficionados llegados a Burgos desde todas partes del mundo de los restos del decorado del cementerio de Sad Hill donde se ambienta el desenlace de El bueno, el feo y el malo. Con este punto de partida, Desenterrando Sad Hill radiografía a través de los testimonios de los propios protagonistas de esta historia el impacto que la película de Sergio Leone ha provocado en varias generaciones de espectadores, al tiempo que rememora los pormenores de la realización de tan emblemático film de la mano de sus participantes aún vivos, caso de Ennio Morricone, el montador Eugenio Alabiso o el mismísimo Clint Eastwood. Emocionante y emotivo, el resultado es un trabajo excepcional y único que trasciende su propia naturaleza documental para erigirse en una atinada reflexión sobre la magia del cine y nuestra búsqueda como espectadores por interactuar y, de algún modo, formar parte de las películas que amamos. De ello y de las circunstancias en las que se fraguó el film hablamos con su director en la siguiente entrevista.

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Según parece, Desenterrando Sad Hill nace de forma un poco casual, ya que en un principio no tenías pensado realizar este documental…

Ni este documental ni ningún documental. Yo no pensaba hacer ningún documental jamás. A mí me gusta hacer ficción, que es lo que disfruto. Pero esta historia se me cruzó. Yo soy muy fan de las localizaciones de cine, y en mi tiempo libre, cuando viajo me gusta ir a los sitios con fotogramas de las películas que se han rodado en aquel lugar y colocarme en los sitios, buscar el encuadre, ver qué trampas se hicieron, a qué altura estaba el trípode…  Cosas de esas. Y un amigo que sabe que soy muy mitómano de las localizaciones escuchó en la radio que el cementerio de Sad Hill de la mítica escena de El bueno, el feo y el malo seguía existiendo, lo que pasa que cubierto bajo veinte centímetros de manto vegetal y que había una asociación de fans de la película en Burgos que querían desenterrarlo. A mí eso me pareció una idea muy poética y una historia fascinante. Creo que había algo que contar ahí, aunque todavía no podía imaginar el qué.

Fui a ver el cementerio —estamos hablando de finales de 2014— y me puse en contacto con la asociación. Les seguí la pista durante meses, hasta que en septiembre de 2015, nueve meses después, les dieron permiso la Junta de Castilla y León y Medioambiente para desenterrarlo; un trámite burocrático que les llevó mucho tiempo. Entonces fui a grabar el cementerio antes de que empezara la intervención y luego, en los sucesivos fines de semana, les fui acompañando en ese proceso. Al principio, como era algo único y no había nadie más grabando, pensé que debía de documentar todo eso con la idea de que tal vez con ese material podía hacerse un interesante reportaje para YouTube. Pero enseguida las cosas vinieron rodadas y mi idea fue cambiando. Si los trabajos de desentierro comenzaron en octubre, en noviembre me fui a Londres a entrevistar a Sir Christopher Frayling. Y a Frayling no le podía meter en un reportaje para YouTube.

Pensé entonces en hacer un cortometraje documental, que tampoco es que sea un género que tenga demasiada distribución, pero que al menos en festivales se podía mover algo. Esa fue mi idea hasta que fui consiguiendo más entrevistas y más entrevistas. Al mismo tiempo yo veía una historia bonita en que quisieran desenterrar el cementerio, pero no me podía imaginar que fueran a conseguirlo. Y al final esta historia ha acabado convirtiéndose en mi primera película.

Teniendo en cuenta esta génesis, parece claro que fuiste dando forma al documental según ibas avanzando…

Claro. Fui cambiando hasta la forma de grabar. Al principio utilizaba un Slayer, que es un travelling pequeñito. Estaban los voluntarios cavando y grababa un plano de cinco segundos con el Slayer. Para una pieza corta de cinco minutos, que era lo que pensaba hacer, era perfecto, porque solo necesitaba un recursito. Pero, claro, luego pensé: “Dejemos la cámara ahí quieta y detengámonos a escuchar lo que están diciendo”. Por supuesto, también fui mejorando, cambiando la cámara con la que grababa. Empecé con una 5B y cuando vi que lo mismo aquello quizás podía acabar viéndose en cines terminé grabando en 4K. Así que de algún modo sí que tuve que ir adaptando. Y aprendí un huevo en todo este proceso.

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Aunque la base principal sea la labor arqueológica de recuperar el cementerio de Sad Hill, en el documental cuentas con el testimonio de varios participantes de El bueno, el feo y el malo, como puede ser Clint Eastwood, Ennio Morricone y varios técnicos del film, así como personalidades externas, caso del vocalista de Metallica, James Hetfield, Álex de la Iglesia o Joe Dante. ¿Qué pautas seguiste a la hora de escoger a los entrevistados que dan esa visión externa de lo que supone la película de Leone?

Yo identifiqué a cuatro megacelebrities que tenían una conexión muy fuerte con El bueno, el feo y el malo que sería la leche tener en el documental: Clint Eastwood y Ennio Morricone porque participaron en la película directamente. Otro era James Hetfield, cantante de Metallica que desde hace treinta años antes de sus conciertos utilizan el “The Ecstasy of Gold” y proyectan la escena del cementerio, y el otro era Quentin Tarantino, al que perseguí durante muchísimo tiempo. Tanto es así que estaba el documental editado y yo seguía intentando conseguir a Tarantino. Pero no le conseguimos. Pero no fue porque Tarantino no nos quisiera dar una entrevista, sino por las barreras que hay y que hacen que no consigas llegar a él. Si nos costó nueve meses con Eastwood y ocho meses con Morricone, con Tarantino quizás habría necesitado diez años.

Aparte, yo quería alguien que, desde un punto de vista racional, analizara todo este fenómeno irracional que hacía que alguien desde Italia recorriera mil doscientos kilómetros en coche para cavar un fin de semana. Y esa visión racional me la podía aportar Sir Christopher Frayling, que es biógrafo de Leone y uno de los grandes divulgadores de la cultura popular del siglo XX; Joe Dante, que es otro fanático de la película; y Álex de la Iglesia, que como había hecho 800 balas y estaba tan puesto en el tema pensaba que iba a ser un gran fan de Leone y aunque resultó no serlo sí que nos dio una visión muy interesante de cómo interpretaba este fenómeno. Él mismo lo dice en la entrevista: “Yo iría a cavar a Sad Hill”.

Al hilo de lo que comentas, los testimonios de estas personalidades que aportan la visión externa hacen mucho hincapié en el poder que ejerce el cine en la gente. ¿Fue algo buscado por ti o surgió de forma espontánea en las declaraciones de los participantes?

Yo tenía, entre comillas, mi tesis cuando empezaba a hacer el documental. Incluso en la primera entrevista que hice, que fue la de Frayling, le pregunté por la religiosidad que hay en el hecho de que la gente peregrine a localizaciones cinematográficas. Es decir, a mí lo que más me interesaba era explicar esta parte del fenómeno. Y no hay una única respuesta y creo que es lo que dice el documental; cada uno tiene sus motivaciones para ir allí.

Y tú que lo has vivido con ellos desde dentro, ¿qué tiene El bueno, el feo y el malo para levantar semejantes pasiones entre los espectadores?

Por un lado, El bueno, el feo y el malo lo que tiene es que es una película perfecta. Cuando dentro de quinientos años se vean contadísimas películas del siglo XX, porque la mayoría están destinadas a caer en el olvido como pasa hoy con la mayoría de obras de arte y de música realizada en siglos anteriores, El bueno, el feo y el malo será una de ellas. Y lo será por un director en estado de gracia que es Sergio Leone, por la música de Morricone y por ese trío de actores formado por Clint Eastwood, Eli Wallach y Lee Van Cleef que con su sola presencia llenan la pantalla.

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Junto a las entrevistas, otro de los valores que atesora el documental es el impresionante material visual que tiene como apoyo, con imágenes muy poco vistas. ¿Cómo accediste a él?

La verdad es que comparado con otras cosas no fue muy complicado. Nos fue de mucha ayuda el libro de Peter J. Hanley, que sale además entrevistado en el documental. Peter es un biólogo de la Universidad de Münster, con lo que te quiero decir que es una persona muy científica, muy cuadriculada. Y Peter se estuvo quince años escribiendo ese libro. No porque fuera despacio, sino porque él estudiaba todo hasta las últimas consecuencias y se metió a fondo en todos los archivos italianos, como la Cineteca de Bolonia, la Cineteca Nacional de Roma o Reporters Associati, y encontró joyas fotográficas. Así que todo ese trabajo de investigación no los adelantó él, por así decirlo. A la hora de elegir fotografías para el documental era tan sencillo como llamarle y preguntarle si esa imagen era de Reporters Associati o de la Cineteca Nacional e iba haciendo como mi carta a los Reyes Magos. Sí que hubo algunas fotografías como, por ejemplo, de la Cineteca Nacional, que no pudimos comprar porque se les fue la cabeza con el precio que pusieron. Nos pedían mil euros por foto. Una cosa totalmente fuera de mercado, cuando las demás agencias nos estaban pidiendo cincuenta euros o hasta setenta y cinco, dependiendo de los usos.

Has comentado que hubo otros apartados que fueron más difíciles de gestionar. Me imagino que te refieres al tema de los derechos de las películas y de la música…

Eso fue… Porque llegas a pensar: “Coge mi dinero. Quiero pagarte, pero no me marees” (risas). Solo para que te contesten, para que te hagan caso, te tiras seis meses llamando por teléfono, dejando mensajes en contestadores, enviando un fax, además de correos electrónicos. Y cuando por fin te contestan te dicen: “Ah, sí, yo tengo los derechos, pero solo para Uganda, Malta y Bielorrusia”. Fue muy duro y nos chupó mucha energía todo este proceso. En el futuro no quiero hacer otro documental que implique todo esto en la vida (risas).

Por cierto, ¿no has intentado contar con la familia de Leone?

Sí contactamos con la familia de Leone. De hecho, los derechos de la película para Italia la tienen ellos y por esa parte les contactamos. Lo que pasa es que la única persona que estuvo viva en el rodaje de El bueno, el feo y el malo y que nos podía interesar de cara a una entrevista era su mujer, Carla Leone, quien falleció hace año y medio o dos años. La intentamos contactar, pero para entonces ya no debía de estar muy bien y nunca nos contestaron a este respecto. Pero nosotros intentamos contactar con todos los que participaron en la película y seguían vivos cincuenta años después, que cada vez son menos. Solo en el proceso del documental se nos han ido unos cuantos.

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Aparte de la documentación del desentierro de los restos del escenario del triello de El bueno, el feo y el malo y de las personas que lo llevaron a cabo, o de lo que ha supuesto la película de Leone para muchos espectadores, Desenterrando Sad Hill habla sobre todo de la magia del cine y de la búsqueda de los espectadores por lograr que esa magia se haga tangible y de algún modo pueda formar parte de ella…

Eso fue lo que me indujo a pensar que aquí había una historia, y la historia era esa. Making of de El bueno, el feo y el malo hay un montón y a mí no me interesaba ese enfoque. Y el hecho de que la gente fuera a cavar, hay gente que cava en obras todos los días. Esto, sin embargo, conjuntaba las dos cosas. Ya desde el principio la tesis tiraba hacia eso: ¿Qué motiva a una persona a hacer mil doscientos kilómetros en coche para tirarse cavando todo el fin de semana?, como te comentaba antes. Puedes decir que te gustan las localizaciones de cine y visitarlas, como hago yo. Pero una cosa es visitarlas y tirarte una foto y otra pasarte los fines de semana cavando para desenterrarlas.

Desenterrando Sad Hill ha podido verse en varios festivales extranjeros y, dado que toca un tema bastante global, ¿va a contar con distribución comercial fuera de España?

Nosotros pensábamos que íbamos a estrenarla en España en un festival, luego a cines y después nos lanzaríamos a recorrer el mundo. Pero nos ha sucedido justo al revés. Nuestro primer festival de cine fue hace un año en Tokio, después estuvimos en Santa Barbara en Estados Unidos, en Argentina, en Colombia y, ahora por fin, nos han querido aquí. Lo bueno es que nos quieren en Sitges y en el Almería Western Film Festival y después ya vamos a cines. Así que por ese lado muy bien.

En cuanto a la distribución internacional es muy complicado porque cuesta mucho ir abriendo cada mercado y no tenemos la capacidad de hacerlo al ser un proyecto tan pequeño. Así que probablemente acabe en VOD. Eso es todo cuanto puedo contarte en este sentido, al menos en estos momentos.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías: Juan Mari Ripalda

Published in: on noviembre 6, 2018 at 7:14 am  Dejar un comentario  
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Programación de La Mano Fest 2018

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La organización del Festival de Cine Fantástico y de Terror La Mano de Alcobendas ha presentado el que será el programa oficial de su inminente nueva edición. En total serán seis largometrajes y más de una docena de cortometrajes nacionales e internacionales los que iluminarán desde este jueves 8 de noviembre y hasta el sábado la pantalla del auditorio Paco de Lucía en el Centro de Arte de Alcobendas para llenar de terror y ciencia ficción sus butacas. Conferencias, mesas redondas con los creadores de las obras seleccionadas, tertulias y más actividades completarán un cartel de miedo para esta quinta edición,  en al que el público podrá gritar a gusto en el concurso de gritos.

Las entradas de los largometrajes será de 1’5 euros, mientras que el resto de actividades serán gratuitas. Pueden hacerse reservas de los pases de proyecciones desde su página web o escribiendo a entradas@lamanofest.com y disfrutar de los descuentos que el festival dispone para menores de 18 y parados, entre otros. El festival también cuenta con un abono a todas las sesiones para los que no quieran perderse ninguno de los pases a un precio de 5 euros.

Programación:

Jueves 8 de noviembre

17:00 Conferencia – ¿Spasmo? ¿Un fanzine en la era digital? por Rubén Íñiguez

18:00 Polterheist de David Gilbank – Largometraje Sección Oficial

20:00 Presentación del libro – Expediente Ananda de Nacho López Llandres

21:00 Extremity de Anthony DiBlasi – Largometraje Sección Oficial

Viernes 9 de noviembre

17:00 Tertulia con Apocalipsis Friki – Buffy Cazavampiros (Podcast en vivo)

18:00 Lasso de Evan Cecil – Largometraje Sección Oficial

20:00 Rueda de prensa – Presentación de F.U.B.A.R.

21:00 F.U.B.A.R. de Ben Kent – Largometraje Sección Oficial

Sábado 10 de noviembre

10:00 Presentación de concurso Relatos en vivo

10:30 Juegos de rol

11:00 Ghost mask – SCAR de Takeshi Sone – Largometraje Sección Oficial

12:30 Lectura de concurso Relatos en vivo

13:00 Conferencia – Halloween. Creando el discurso del mal por Erika Tiburcio

17:00 Mesa Redonda – Presentación de cortometrajes a concurso

18:00 Cortometrajes – Sección Oficial

20:00 Conferencia – Historia de las TV Movies por Enrique Agudo

21:00 The Golem de Yoav Paz y Doron Paz – Largometraje Sección Oficial

23:00 Gala de clausura – Entrega de premios

Más información en:
info@lamanofest.com
http://lamanofest.com/
https://www.facebook.com/LaManoFest
@lamanofest

Published in: on noviembre 5, 2018 at 7:00 am  Dejar un comentario  
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A la venta “Los años secretos de Velázquez y el rey” , la primera novela del cineasta Eugenio Martín

Portada Velázquez Eugenio Martín

Desde hace unas semanas se encuentra a la venta la primera novela escrita por el legendario cineasta Eugenio Martín, responsable de clásicos del cine de género europeo como el eurowestern El precio de un hombre o los films de terror Pánico en el Transiberiano y Una vela para el diablo, entre otros. “Los años secretos de Velázquez y el rey” es su título y cuenta con maquetación de Javier G. Romero y portada de Mario Roldán.

“Los años secretos de Velásquez” y el rey es una novela de ficción protagonizada por personajes cuya realidad vital fue ocultada o tergiversada en innumerables libros de Historia. Su historia nos traslada hasta el siglo XVII, cuando se acentúa la ruina del imperio español, y uno de sus últimos soberanos, Felipe IV, fervoroso creyente, jura al ceñir la corona que borrará de Europa a los protestantes, ya que la única religión verdadera es la católica de Roma. Pero la corte palaciega derrocha los últimos recursos del Reino, y los famosos Tercios ya solo conocen derrotas. El rey Felipe entiende que Dios Nuestro Señor no le ayuda a ganar batallas, como castigo a su vida personal. Y es que el soberano, aunque rey por derecho divino y hombre dado a la cultura, es un lascivo pecador obsesionado por el sexo. Éste es uno de los personajes de la novela.

El otro, un hombre de serena mordacidad, era más misterioso. Se llamaba Diego Velázquez y fue un pintor callado y enigmático. Sin embargo, el rey acudía con frecuencia al taller de Diego en el Alcázar, como se acude a la casa de un amigo. Y a veces, hasta tomaba sus pinceles para asomarse a su mundo mágico. En el humillante enfrentamiento entre el pintor y la poderosa nobleza palatina, cuando a Velázquez lo acusan de corrupto y ladrón, y la Hacienda Real requisa sus bienes hasta dejar su casa desierta y vacía, pendiente de juicio, dicen que el rey quiso ayudarlo.

Compuesto por 520 páginas encuadernadas en tapa blanda con solapas, “Los años secretos de Velázquez y el rey” solo se encuentra disponible a la venta por internet, a través del mail quatermass@hotmail.com
Publicidad Velázquez Eugenio Martín

Published in: on noviembre 4, 2018 at 8:56 am  Dejar un comentario  

Palmarés de la XXIX Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián

En una rueda de prensa celebrada esta mañana la organización de la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián ha dado a conocer el palmarés de su vigésimo novena edición que hoy finaliza. La ganadora este año del premio del público al mejor largometraje ha sido la japonesa One Cut of the Dead (2017) de Shinichiro Ueda, película proyectada en la noche de ayer y que se ha alzado sobre la vecina al título inaugural de esta edición, Overlord (2018) de Julius Avery. Curiosamente, la otra galardonada en el formato largo también fue otra película programada ayer. En este caso se trata de la producción nórdica Border / Gräns (2018) de Ali Abbasi, adaptación de un relato corto de de John Ajvide Lindqvist, autor de la novela que sirvió de base a la exitosa Déjame entrar (Låt den rätte komma in, 2008), y que se ha llevado el premio Blogos de Oro al Mejor Largometraje.

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Cuadro con las puntuaciones de los largometrajes a concurso.

En cuanto al formato corto, el gran triunfador ha sido Baghead (2017), producción británica dirigida por el español Alberto Corredor acreedora de los premios del Público y del Jurado y del Jurado Joven al Mejor Cortometraje. Por su parte, El escarabajo al final de la calle (2017), dirigido por el barcelonés Joan Vives i Lozano, un relato de costumbrismo cañí a medio camino entre José Luis Cuerda y Luis García Berlanga, ha sido merecedor del premio del Público al Mejor Cortometraje Español y el concedido por Syfy en idéntico apartado. El apartado se ha completado con el premio del Público al Mejor Cortometraje de Animación para el español La noria (2018) de Carlos Baena, mientras que el “Méliès de Plata” al Mejor Cortometraje Fantástico Europeo ha viajado hasta Finlandia con Helsinki Mansplaining Massacre (2018) de Ilja Rautsi.

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Cuadro con las puntuaciones de la Slección Oficial de los cortometrajes a concurso.

Por último, y fuera ya del audiovisual, el Premio del Público al Mejor Fanzine, patrocinado por la FNAC Donostia, ha recaído en la publicación “La valla”, quien ya se alzara con este galardón la edición pasada.

Más información: www.donostiakultura.com/terror/2018/

Entrevista a Carlos Martín Ferrera, director de “El año de la plaga”

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El pasado 2011, el autor catalán Marc Pastor publicaba su tercer libro, El año de la plaga, convirtiéndose en un inesperado éxito de ventas. Claramente influenciada por las adaptaciones cinematográficas de la novela de Jack Finney The Body Snatchers, su trama se ambientaba en una Barcelona preapocalíptica durante un caluroso mes de agosto. En este entorno, su personaje protagonista, un trabajador social en plena depresión tras ser abandonado por su novia, se percata de una oleada de suicidios de ancianos que guardan un punto en común: en todas las casas de los fallecidos se encontraba una extraña planta con olor dulzón.

Siete años más tarde, la novela de Pastor ha cobrado vida en la gran pantalla de la mano de una coproducción entre España y México. Protagonizada por un reparto coral encabezado por rostros tan populares de la pequeña pantalla como los de Iván Massagué, Silvia Abril o Canco Rodríguez, además de la presencia como los elementos femeninos de la historia de Ana Serradilla y Miriam Giovanelli, El año de la plaga, la película, supone el retorno a la gran pantalla de su director, Carlos Martín Ferrera, quien regresa con un trabajo bien alejado de los thrillers psicológicos que practicara hasta ahora, en títulos como Zulo o Suspicious Minds.

Aprovechando la presencia de Carlos Martín Ferrera en la vigésimo novena edición de la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, donde El año de la plaga ha formado parte de su Selección Oficial, mantuvimos con el cineasta onubense de nacimiento y catalán de adopción la siguiente entrevista a propósito de su nueva película. 

El año de la plaga

¿Cómo te llega el proyecto de El año de la plaga y qué es lo que te atrajo de él?

Fue muy casual lo que me sucedió con El año de la plaga. Hace ocho años fui a una librería a buscar un libro concreto, y paseando por los diferentes pasillos me encontré con la típica mesa con las pilas de las novedades literarias. Entre ellas estaba El año de la plaga. Cogí un ejemplar, leí la sinopsis y pensé que ahí había un material estupendo para hacer una película. Y así se quedó. Con el tiempo, el productor David Matamoros de Zentropa me llamó y me habló de la posibilidad de hacer una adaptación de un libro. Cuando me dijo el título resultó que era El año de la plaga. Me preguntó que si lo conocía, le contesté que claro que lo conocía y le conté lo que me había pasado. Él me comentó que estaba pensando en mí para que dirigiera la adaptación porque le gustaba mi mirada, y me propuso leerme el libro. Me dijo que en el caso de que me gustara me pasaría el guion. Me leí el libro, y me pareció una propuesta muy fresca y muy original que bebía de películas como La invasión de los ultracuerpos. Entonces David me pasó el guion y vi que mantenía el espíritu, aunque en aquel momento quizás alguna parte era un poquito más oscura; después se hicieron otras adaptaciones, quitándole oscuridad y seriedad, y tirándolo más hacia la comedia. Obviamente contesté que me interesaba y a partir de ahí estuvimos trabajando con el desarrollo un tiempo hasta que se pudo financiar y rodar la película.

La novela original en la que se basa la película cuenta con un buen número de seguidores. ¿Sentiste una mayor presión por ello?

Obvio. Para mí fue una presión muy grande, hasta que pensé que no hay muchas adaptaciones en las que los fans de la novela estén al cien por cien satisfechos. Les pasa a los grandes directores que hacen adaptaciones de libros y les ponen a parir, imagínate a un tipo como yo.

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Carlos Martín Ferreara junto a Josemi Beltrán, director de la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, durante la rueda de prensa de “El año de la plaga” en el certamen donostiarra.

En lo que respecta a tu carrera, El año de la plaga rompe con la que había sido la tónica de tus anteriores películas, construidas sobre pocos escenarios y con pocos personajes. ¿Cambió mucho la forma de enfrentarte al rodaje?

Cambió bastante.  Y no solo en la historia y el concepto. Nunca había probado a meterme en el mundo de la comedia, por lo que para mí era también un reto. Aparte que coger el tono ya era complicado. En el libro y en el guion tocan muchas teclas del género y tenías que llevarlo hacia una dirección muy concreta y para mí eso era lo realmente complicado. En este sentido, se alejaba mucho de lo que había hecho hasta ahora. También a nivel productivo. Mis anteriores películas eran más controlables, por así decirlo. Y aquí había muchos actores, muchas localizaciones, una coproducción que te obligaba a rodar una parte en otro país, hacer la postproducción en otro país… Para ello me ayudaron muchos los directores de producción, que me pusieron los pies en el suelo y me fueron ofreciendo las diferentes opciones que tenía. Puede decirse que me llevaron de la mano en todo este camino.

Como has dejado entrever, la película no es solo comedia, sino que también combina melodrama romántico, pinceladas de thriller y ciencia ficción. ¿Cómo fue homogeneizar tan diferentes tonos?

Hoy en día se hacen muchas películas con mezclas de géneros. Para mí es una aventura urbana con toques de comedia, un poquito de ciencia ficción, un poquito de horror y luego está la parte romántica del trío amoroso. Hay mil pelis como esta ya. Para darla forma he bebido mucho de películas más rollo Sundance, donde el tema de los personajes tiene mucho peso y todo lo que ocurre a nivel de ciencia ficción y horror pasa alrededor de ellos y casi no te enteras. Títulos como Seguridad no garantizada, Buscando una amiga para el fin del mundo e, incluso, El incidente de Shyamalan. Son películas que, como digo, se centran mucho en los personajes y todo pasa a su alrededor. Y un poco esto fue la inspiración para coger el tono del film.

En sintonía con estas influencias, El año de la plaga es una película que se basa en los personajes y en los diálogos, como dices, más que en el entorno apocalíptico en el que se ambienta su historia. ¿Cómo fue el trabajo con los actores?

Bueno, la película yo creo que es más preapocalíptica. Luego lo que pasa después del último plano que cada uno imagine lo que quiera. Volviendo a la pregunta, hablamos mucho de los personajes; hablamos muchísimo. Aparte, yo soy muy escrupuloso y muy meticuloso a la hora de trabajar. Así que tenía un Excel con el arco emocional de cada uno de los personajes, donde estaba claramente marcado en cada secuencia cuándo tenía que estar, para que no se me escapase. Como no íbamos a rodar de forma cronológica y había tantos actores, no quería que se me fuera nada. Yo le daba toda esa información a los actores para que la procesaran y, a partir de ahí, construimos los personajes. Pero siempre con una reunión de lectura previa. Además, hicimos muchos skypes con los personajes principales, sobre todo con Iván Massagué, ya que mientras yo me encontraba preparando la película en Barcelona él estaba en Madrid rodando una serie. Fue una labor muy intensa y de mucho trabajo.

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Mientras en la novela el hecho de que la acción transcurra en Barcelona tiene un protagonismo importante, en la película está más matizado. ¿A qué se debió este cambio? ¿Tuvo que ver el que se tratara de una coproducción con México?

Tuvo que ver con la coproducción, sí. El libro se desarrollaba en El Carmel, que es un barrio muy característico y con una personalidad muy marcada de Barcelona. Pero nos encontramos con que en El Carmel no se puede rodar. Es imposible por todo: por logística, por facilidades… Normalmente, en Barcelona es complicado rodar, pero en El Carmel lo es aún más. Aparte, la coproducción con México nos obligaba a rodar parte allí. Y esto también ha sido peligroso. Tener que rodar allí y hacer parecer que era Barcelona fue complicado. Menos mal que Barcelona es una ciudad muy cosmopolita y hay todo tipo de razas y culturas, y gracias a eso creo que la ambientación se mantiene.

Aunque sea un elemento heredado de la novela, la película también participa de algún modo de la referencialidad a la cultura de los ochenta que parece asolar al cine de género actual…

Marc Pastor, el autor de la novela, es un auténtico friki. Yo creo que todos somos un poco frikis, pero Marc es adorablemente friki. Ha bebido mucho de toda la cultura pop ochentera, tanto de cine, como de música, como de literatura, como de cómics, como de todo. Le apetecía mucho hacer un homenaje al género, en concreto a una película que le marcó mucho como fue La invasión de los ultracuerpos. A partir de ahí él trabajó con la idea de hacer referencia y homenaje a todas esas películas que le gustaban. Yo me encontré todo esto en la novela y lo que hice fue intentar quedarme con una cosa u otra, porque había mucho. En el guion también había mucha referencia. Luego también había a nivel visual, pero finalmente no pudimos incluirlo por temas de derechos. De repente, por poner un póster de Los goonies, por ejemplo, había que pagar una cifra enorme.

Las referencias que aparecen finalmente en la película ¿son todas de Marc o también hay tuyas?

Son de Marc. La película ha sido muy fiel al libro, o al menos se ha intentado. Luego habrá gente que estará de acuerdo o no, pero se ha procurado esa fidelidad. De hecho, en el guion participó Marc, y también hay muchas líneas que no están en el libro y que fueron escritas después por el propio Marc.

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En el personaje de Víctor Negro, el protagonista, hay también mucho de retrato generacional. Como muchos de los que estamos en la franja de los treinta a los cuarenta años, trabaja en algo que no le gusta y se refugia en sus referentes de la cultura pop para superar la grisura de su día a día. ¿Había cierta intención por tu parte en destacar este aspecto?

Bueno, yo creo que todos somos un poco Víctor Negro. Al final todos tenemos un síndrome de Peter Pan constante y sentimos inseguridad ante lo que nos rodea, lo que al final nos conduce a entrar en una burbuja de comodidad y protección donde nos agarramos a nuestras referencias y a lo que nos ha marcado la infancia y que ha sido tan importante para nosotros que aún hoy lo seguimos viendo. Los goonies es una película que hemos visto todos, y tendremos setenta años y seguiremos viéndola. En este sentido, me da mucha pena que hoy en día los niños pequeños no tengan unas referencias claras como las hemos tenido nosotros. Nuestra generación ha vivido su infancia llenos de referencias que nos han marcado, desde Verano azul a Los goonies, pasando por todo Spielberg o la música de la época. Pero ahora no hay algo que les marque como nos ha marcado a nosotros. Incluso dibujos animados o series de televisión. Antes teníamos a Willy Fog o Dartacán y los tres mosqueperros. Sin embargo, tú ves los dibujos de ahora y no aportan nada. Por lo menos en esa época te inculcaban valores y te educaban. En cambio, hoy la mayoría de dibujos animados no te enseñan nada. Y a mí me da mucha pena por esa generación infantil que carece de esos referentes tan claros como nosotros tuvimos.

Dejando ya El año de la plaga a un lado, creo que actualmente estás trabajando en nuevo proyecto. ¿Qué nos puedes adelantar de él?

Sí, he rodado una película independiente. Se trata de un thriller que estoy acabando actualmente, pero aún es pronto para dar más información. Pero estoy en ello. Aparte, estoy ya mirando diferentes guiones para ver por dónde tirar en un futuro.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías: Juan Mari Ripalda

CutreCon VIII se celebrará del 23 al 27 de enero con el peor cine de monos como leitmotiv

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Gorilas de felpa, actores disfrazados de orangután, imitadores de pacotilla de Tarzán y los plagios más descarados de King Kong serán los protagonistas de la octava edición de CutreCon, el Festival Internacional de Cine Cutre de Madrid, que se celebrará del 23 al 27 de enero de 2019, con una selección del peor cine de monos en el Palacio de la Prensa y en el Auditorio de la Casa del Reloj de Matadero.

A lo largo de cinco jornadas, el festival llevará a los espectadores a los rincones más recónditos de la jungla cinematográfica, en un safari de despropósitos compuesto por una veintena de películas que parecen rodadas por un chimpancé. Habrá sesiones tanto gratuitas como de pago y, por supuesto, todas las proyecciones contarán con el sello CutreCon, por lo que habrá una constante interacción con el público, juegos en directo, sorpresas y, como siempre, muchas carcajadas.

Como viene siendo habitual, el festival contará también con invitados internacionales relacionados con el “cine cutre” que serán desvelados a lo largo de las próximas semanas. Asimismo, habrá todo tipo de actividades paralelas, como charlas de distintos artistas, presentaciones de libros y exposiciones, que completarán la experiencia de los asistentes al evento.

“Los monos son los animales más divertidos que existen y, por ello, los hemos escogido como protagonistas absolutos de una edición que pretendemos que sea la más gamberra, entretenida y loca de cuantas hemos celebrado”, señala Carlos Palencia, director de CutreCon, quien añade con satisfacción que “será primer festival del mundo dedicado exclusivamente al cine ‘más simio’”.

De momento, ya se ha dado a conocer el teaser póster de esta edición, obra del artista gráfico Carlos Casas Carpintero, quien ha realizado su particular homenaje al célebre Jolly Chimp, uno de los juguetes más extraños y perturbadores que existen. Fue comercializado entre los años 50 y 70 por la compañía japonesa Daishin C.K. y rápidamente se convirtió en todo un icono de la cultura pop, que ha aparecido en multitud de series de televisión y películas.

Por segunda vez en ocho entregas, la organización del festival ha decidido poner a la venta un número muy reducido de abonos VIP -apodados como “bonobos” VIP- que incluyen todas las sesiones de CutreCon -con asiento preferente en las sesiones gratuitas-, merchandising oficial del festival y cena con los invitados, que ya están disponibles en la web oficial del Palacio de laPrensa, Super8.es. Asimismo, también están disponibles el “Bonobo” General -que da acceso a todas las sesiones de pago- y las entradas de la maratón “Kongatón”.

Más información en la web oficial de CutreCon

Published in: on octubre 30, 2018 at 8:20 am  Dejar un comentario  
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