Norberto Ramos del Val por Regia Films

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Norberto Ramos del Val, el principal y más reconocido cultivador de cine low-cost de nuestra cinematografía, es el protagonista de varias de las novedades lanzadas durante las últimas semanas al mercado por Regia Films. De este modo Faraday, su último largometraje hasta la fecha, ha sido objeto de una monumental edición en Dvd compuesta por dos discos y acompañada por un libreto de dieciséis páginas a todo color con comentarios de la crítica, el director y los protagonistas. Además de la película, la cual se ofrece en su formato original anamórfico con audio castellano en pista 5.1 y subtítulos en inglés, se incluyen casi tres horas de contenidos extras, entre los que se encuentra el making of de Faraday, Pepón es guay (El documental entre paréntesis) o la serie web completa OBI.

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Coincidiendo con la salida de Faraday, Regia Films recupera, además, dos de los trabajos previos del cineasta cántabro que, aunque editados anteriormente en DVD, apenas habían circulado de forma limitada. Se trata de El último fin de semana y Summertime, situada por el crítico Tonio L. Alarcón “entre el descaro de un Roger Corman y la autoconciencia de un Charlie Kaufman, mientras que otros como Gerard A. Cassadó la han definido más tajantemente como “una puta y maravillosa locura”. Consideraciones al margen, en ambos casos los films son presentados respetando su aspect ratio original en formato anamórfico, con audio en versión original, subtítulos en inglés y abundante contenido extra.

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Dentro ya de “Cinema Giallo”, otro de los lanzamientos del sello catalán es el protagonizado por La muerte acaricia a medianoche del recientemente fallecido Luciano Ercoli, última entrega de su trilogía giallesca de la que ya apareciera dentro de esta colección la previa La muerte camina con tacón alto. Protagonizado por la esposa de Ercoli en la vida real, la española Nieves Navarro, más conocida internacionalmente por el seudónimo de Susan Scott, la cinta se sumerge en una intriga pesadillesca en la que se entremezcla la realidad con las alucinaciones que sufre su personaje principal, una modelo bajo los efectos de una nueva droga experimental. Como es habitual dentro de las integrantes “Cinema Giallo”, la edición de La muerte acaricia a medianoche incluye la película en su formato original anamórfico, audios en italiano y castellano y subtítulo en este último idioma. Como extra se incluye una escena de la versión española descartada del montaje italiano, del cual parte el master empleado, aparte de la consabida carátula resversible marca de la colección. 588835751197

Por si no fuera bastante, a todo lo ya comentado hay que añadir las nuevas referencias aparecidas en “Videohits”. Dos son los nuevos títulos aparecidos bajo este subsello de Regia Films  centrada en títulos inéditos en DVD en España hasta la fecha, junto a alguna reedición de títulos con cierto interés que se encuentren descatalogados y que no fueron editados en su momento correctamente, con especial predilección por aquellos producidos entre las décadas de los 70 y los 90. En esta ocasión los elegidos son  el neo western de Stuart Rosenberg Los indeseables, con Paul Newman y Lee Marvin en sus papeles principales, y Hanoi Hilton,  drama carcelario de 1987 ambientado durante la Guerra del Vietnam. Tanto uno como otro son ofrecidos en formato anamórfico, pistas en versión original y castellano, y subtítulos en este mismo idioma.

Más información en: http://www.regiafilms.com/

Published in: on septiembre 3, 2015 at 5:17 am  Dejar un comentario  

Entrevista a Javier Reyes, co-director de “Delirium”

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Tal y como apuntamos en la reseña publicada hace unos días de Delirium, hoy damos paso a la entrevista que tuvimos el placer de hacer a uno de sus artífices: Javier Reyes, que nos cuenta algo más acerca de su arduo rodaje y de la nula carrera comercial que obtuvo esta humilde aunque fascinante película. Tal y como comprobarán a continuación, pese a las vicisitudes vividas durante su gestación, la versión de Reyes sobre los funestos acontecimientos que vivieron es algo más orgullosa y optimista que la de Antonio Navarro (co-director de Delirium) – http://psychotronickultvideo.blogspot.com.es/2009/09/entrevista-con-antonio-navarro.html-, dejándonos a los admiradores de esta obra ya casi olvidada una confortable sensación concordia.

Delirium, film que escribió y dirigió junto a Antonio Navarro, Luis Albors y Raúl García, se ha convertido en una especie de película maldita de la que prácticamente apenas existe información. ¿A qué cree que se ha debido? ¿Qué factores han influido para propiciar esta situación?

Confluyeron varias circunstancias. Una de ellas, sin duda fue que éramos jóvenes apasionados por el séptimo arte, inexpertos y confiados, por lo que  caímos en manos de un productor sin escrúpulos que ni siquiera cumplió la normativa que obligaba a depositar una copia en la Filmoteca Nacional. Por eso, Delirium no puede ser proyectada, más allá de las copias en DVD[1] o VHS que existen y no puede participar en algunos ciclos en los que sin duda hubiese tenido cabida. Todo ello condujo, además,  a una distribución sin sentido, mal planificada y sin interés.

¿Y qué le parece que algunas webs especializadas o fanzines la rescaten y reivindiquen?

Un  gran honor. La película es una producción no low cost sino hiper-low-cost, en la que el talento y la pasión de muchos de los que participaron en ella aflora en muchos planos y secuencias.  Sólo puedo estar muy agradecido por el rescate del que hablas y por la reivindicación de la obra.

La película se desarrolla a base de historias independientes con un nexo de unión. ¿Por qué se decidieron por esta estructura?

La verdad es que el futuro de El regador regado, la productora en la que estábamos Antonio, Raúl, Luis y José Manuel se jugó y dirimió en varias reuniones  internas que mantuvimos en nuestra oficina-domicilio, donde trabajábamos y vivíamos. Se planteó un interesante debate que pudo haber cambiado nuestra historia. En aquellos tiempos acababa de estrenarse Opera prima, la película de Trueba. Manteníamos algunas reuniones con Trueba y su equipo en la famosa cafetería Yucatán sita en la glorieta de Bilbao, la que dio nombre a la escuela de Yucatán. El debate que surgió en nuestra productora antes de comenzar el rodaje de Delirium se centraba en si no sería mejor rodar una película mesa de camilla como se llamaban aquellas películas tipo Tigres de papel o la misma Opera prima, comedias con la estructura chica-conoce-chico,  con pocos decorados y personajes (de ahí lo de mesa camilla, en la que personajes hablan y hablan alrededor de una mesa). Como digo, el debate se produjo entre nosotros sobre la conveniencia de producir una comedia con esas características o abordar Delirium, en las antípodas en cuanto a contenidos y estructura. Lo que si tengo claro es que si hubiésemos hecho una comedia, con el talento de todos, el rumbo de nuestra productora hubiese sido otro. Por tanto decidimos rodar Delirium y dirigir cada uno una de las cuatro historias, con Jose Manuel Martí como nexo de unión entre todas ellas.

Las historias de “El río y el molino” y la de “Sara” que se corresponden, respectivamente, con las dirigidas por Antonio Navarro y usted, son las que más se extienden en el metraje. ¿Fue por algún motivo en especial?

En mi caso, “Sara” fue un verdadero problema. Se dieron cita varios factores que agravaron la situación. Antonio se basaba en un cuento de Par Lagerkvist, premio Nobel y Luis en uno de Borges. Yo había escrito la parte de Raúl que abre el film y además tenía que escribir “Sara” que cerraba la historia. Además tenía que hacer que el conjunto tuviese sentido y no fuesen cuatro cortos sin ningún nexo de unión narrativo. Para que el problema se hiciese mayor, yo abría el rodaje, por lo que tenía que definir muy bien aquella estructura que me tocó en suerte. Me recuerdo días antes del rodaje sentado en unas escaleras del Palacio de Oriente, concentrado en desarrollar la estructura de “Sara” (mezcla de teatralidad, presente en las cuatro historias, el más allá, con mi personaje muerto en la primeras secuencias del film, una historia de amor y un solo personaje en un caserón). Todo ello condujo a lo que es Sara y su inevitable duración. Me siento muy orgulloso del resultado final, ya que desde mi particular punto de vista cumple los objetivos que señalaba anteriormente. Y no fue nada fácil.

Recorte de prensa cogido de la web Pashychotronik Kult Video.

Recorte de prensa cogido de la web Pashychotronik Kult Video.

Una de las cosas que más llama la atención de Delirium es  que, gracias a esa estructura de cinta moëbius, apenas se intuye que detrás de ella se encuentren cuatro directores diferentes. ¿Cómo consiguieron esa homogeneidad narrativa y visual entre las diferentes historias?

Bueno estábamos unidos, éramos compañeros y amigos, perseguíamos un objetivo común y amábamos nuestra vocación-profesión. Nos ayudamos mucho unos a otros, más allá de las lógicas peleas entre colegas. Lo trabajamos mucho, lo hablamos mucho, lo sufrimos mucho y lo disfrutamos mucho también.

En Delirium existen bastantes alusiones a Shakespeare, como por ejemplo El rey Lear y Romeo y Julieta

La teatralidad de la que hablaba antes está presente en cada secuencia. Sara es una adaptación muy libre de Romeo y Julieta, con un Romeo en el espacio off.

En Delirium el espíritu de un hombre se pasea por cuatro historias diferentes hasta encontrarse con su amante también fallecida. ¿Se podría considerar a Delirium como una película de fantasmas de “arte y ensayo”?

Sin duda es una película de arte y ensayo, entendido como un ensayo, ejercicio, variación, sobre un tema.  Pero Delirium es una historia de amor básicamente entre dos seres que habitan dimensiones distintas o universos paralelos, ahora tan de moda. Tanto el hombre como Sara viven, están vivos, cada uno en un plano distinto de la realidad. El amor les conduce a encontrarse en el punto de unión, sus sombras-espíritus se une en la escalera con la que se cierra el film.

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Además de la muerte, otro elemento esencial en la película es el arte. ¿A qué se debe esa combinación?

El arte es parte de la teatralidad de la que hablaba. Tanto en la parte de Antonio como en  la mía, que ofrecen más posibilidades al respecto, verás que la composición del encuadre tiene una clara vocación que trata de relacionarse con el arte y la pintura. Y en general las cuatro historias tienen un desarrollo y  estructura muy trabajada, basada en las obras maestras de los grandes  de la música contemporánea. Este creo, en mi modesta opinión, es uno de los aciertos de Delirium.

El reparto se compone de actores bastante desconocidos. Sólo Ana Gracia ha desarrollado posteriormente una carrera regular y tampoco demasiado relevante. ¿Qué me puede contar de ellos? ¿De dónde salieron?

Es una de las razones de trabajar con un presupuesto muy ajustado. En todo caso, aunque no hubiese sido así y hubiésemos contado con mayores recursos, José Manuel  hubiese sido el protagonista. Estoy muy satisfecho del trabajo de ambos, creo que tanto Ana como José Manuel están a una gran altura. Hay momentos de Ana en “Sara” magníficos, y el trabajo de José Manuel en su personaje es igualmente muy destacable.

En su momento, Delirium participó en certámenes cinematográficos del prestigio de la Seminci de Valladolid o la Mostra de cine Mediterrani de Valencia. ¿Qué tal fue acogida en su paso por estos festivales?

En un escenario de cine español recién salido del franquismo, con películas pseudo-políticas o comedias, Delirium era toda una provocación-revolución.  En la Mostra su acogida fue tibia y en Valladolid fue convulsa con reacciones en los dos sentidos.

Extraído del blog de Antonio Navarro http://notsogreatexpectations.blogspot.com

Extraído del blog de Antonio Navarro http://notsogreatexpectations.blogspot.com

Dos años antes de Delirium dirigió junto a Antonio Navarro el mediometraje Nostalgia de comedia muda con Verónica Forqué, Luis G. Berlanga y José Luis López Vázquez. ¿Qué nos puede explicar de este proyecto?

Era un proyecto mío, que yo anteriormente había dirigido en súper 8 con actores desconocidos. Cedí la codirección a Antonio por amistad y compañerismo y en pos de crear una fuerte relación profesional entre todos nosotros. En la película están presentes Luis como productor y Raúl como actor. Fue una maravillosa experiencia. Es paradójico ver como hoy en día que se han puesto de moda películas en blanco y negro, mudas, que reivindican el cine mudo, como The Artist o Blancanieves, cuando nosotros en el año 1980 hicimos Nostalgia de Comedia Muda. Nos fue muy bien con la película que fue seleccionada en el festival de San Sebastián del año 80, la Mostra, Bilbao, Huelva, etc. Además de distribuirse por toda España y durante todo el año.

¿Piensa que en la actualidad, gracias a Internet, una película como Delirium tendría mejor recepción por parte del público?

Estoy seguro que sí. Además las nuevas tecnologías y el cine digital nos hubiesen brindado mejores soluciones en el rodaje y postproducción. La película no tendría los defectos que se advierten debidos al exiguo presupuesto.

En el caso de Antonio Navarro o Raúl García, ambos se han encaminado hacía el terreno de la animación. En cambio usted se ha decantado por el mundo de la televisión…

Tuvimos que buscarnos la vida… pero estoy seguro que ninguno de nosotros ha olvidado su pasión por el cine. Somos cineastas de nacimiento y moriremos cineastas.

¿Tuvo algo que ver las dificultades vividas con Delirium para que no volviera a intentar probar suerte en el cine?

Hice dos cortometrajes-largos después: Aquel par de botas y Mundo secreto,  y obtuve posteriormente una subvención de Ministerio de Cultura para rodar una adaptación de la novela El Jarama de Rafael Sánchez Ferlosio, la cual estuve a punto de llevar al cine y que finalmente no se produjo por no poder completar el presupuesto final. Luego las circunstancias de la vida me empujaron al mundo de la televisión. Pero Delirium fue una gran experiencia que se hace más grande e importante a medida que pasa el tiempo.

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¿Qué piensa del actual estado del cine español?

Sin comentarios.

Muchas gracias por su atención, si quiere añadir algo más…

Muchas gracias por reivindicar y revisar nuestra obra. Delirium sigue viva gracias a gente como vosotros. También quiero mandar un abrazo a todos aquellos que hicieron posible con su talento trabajo y esfuerzo que finalmente Delirium fuese una realidad.

Juan Pedro Rodríguez Lazo

[1] Basta decir que se refiere a DVDs que contienen una copia pasada desde el VHS de la película y que guardan algunos coleccionistas, no a ninguna edición oficial que se haya puesto a la venta en la actualidad.

Published in: on septiembre 1, 2015 at 7:22 am  Dejar un comentario  
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Presentado el cartel oficial de la Semana de Donosti 2015

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El pasado viernes la organización de la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián dio a conocer los primeros detalles de lo que será su vigésimo sexta edición, a celebrar entre el 31 de octubre y el 6 de noviembre en la capital guipuzcoana.

Vinila von Bismark posando junto al cartel de la próxima edición de la Semana que ella misma protagoniza.

Vinila von Bismark posando junto al cartel de la próxima edición de la Semana que ella misma protagoniza.

La rueda de prensa tuvo como protagonista principal la presentación del que será el cartel oficial del certamen, que este año tiene como protagonista a la actriz y cantante Vinila von Bismark. Ambientada en un futuro posindustrial y posapocalíptico, la imagen del cartel se inscribe en la estética de filmes como la saga Mad Max o Kamikaze 1999; películas que muestran un planeta Tierra en un futuro no demasiado lejano destruido por guerras o epidemias, donde la supervivencia es lo único que cuenta. También pretende rendir homenaje a las heroínas del cine fantástico y de acción. La fotografía ilustra el cartel ha sido realizada por José Luis López de Zubiria, responsable de gran cantidad de carteles de la Semana. Del mismo modo, el diseño es del estudio Ytantos, y el arma ha sido diseñada por Gorka Aguirre. Nerea Torrijos se ha encargado del vestuario y Koro Ramón del maquillaje y la peluqueria. El making of es obra de Aritz Moreno.

Además, la organización anunció que el ciclo retrospectivo de este año llevará por título “¡Sigue grabando!” y estará dedicado al falso documental, metraje encontrado y tele-realidad en el cine de horror. La Semana se acerca así uno de los géneros más en boga en el mundo del terror en los últimos tiempos, utilizado por cineastas de todo el planeta. A raíz del éxito de El proyecto de la bruja de Blair y [REC], los falsos documentales (o mockumentarys) y filmes de metraje encontrado (found footage) de todo tipo comenzaron a aparecer en las pantallas del mundo entero, multiplicándose su presencia año tras año. Películas de vocación más o menos realista, rodadas con cámara en mano, una estética cercana a los programas televisivos de calle, sensación de inmediatez…

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El ciclo mostrará algunos de los títulos más importantes del género de los últimos años, pero con algunos guiños al pasado, como la proyección de la mítica película noruega La brujería a través de los tiempos (Haxan, 1922), dirigida por Benjamin Christensen, un falso documental que se adelantará varias décadas a su tiempo. “¡Sigue grabando!” estará organizado en colaboración con el Festival Internacional de Cine de Gijón. La Semana colaborará en un libro que lo acompaña, coordinado por Jesús Palacios, padre espiritual del proyecto, que será editado por Gijón y que se presentará también en San Sebastián.

Vinila junto a Carlos Plaza en un momento de la rueda de prensa.

Vinila junto a Carlos Plaza en un momento de la rueda de prensa.

Por último, también se desveló la identidad de una de las habituales exposiciones que conforman la programación de actividades paralelas del festival. Se trata de “Iberia FX. Oficio y artificio en el cine español”, la cual recoge la evolución de los efectos especiales en la historia del cine español, homenajeando a grandísimos profesionales que son los verdaderos protagonistas de esta muestra, que estará abierta entre el 31 de octubre y el 19 de diciembre en el C. C. Okendo.

Bebé mutante fabricado por Colin Arthur para "La grieta".

Bebé mutante fabricado por Colin Arthur para “La grieta”.

Maquetas de submarinos y bizarras naves espaciales, monstruos prehistóricos, imposibles bebés mutantes o momificados templarios se dan cita en esta exposición única, creados por atrezistas, decoradores, maquilladores, directores de arte, técnicos en efectos especiales… Todos ellos presentes en los numerosos paneles informativos que detallan sus biofilmografías, acercando al visitante a los principales trucos y técnicas de FX, desde los inicios del siglo XX hasta los más recientes hallazgos digitales. Se mostrarán igualmente valiosos objetos originales, muchos de ellos inéditos hasta el momento: atrezo de época, carteles, diseños, bocetos, preciados documentos y toda clase de memorabilia, maquetas rescatadas de rodajes de inolvidables filmes… Retazos de grandes obras de culto para los admiradores y seguidores de un cine en muchas ocasiones de verdadera Serie B o de superproducciones internacionales rodadas en España.

Más información: http://www.donostiakultura.com/terror/2015/

Fotografías rueda de prensa: Juan Mari Ripalda

Delirium

Delirium

Título original: Delirium

Año: 1983 (España)

Directores: Antonio Navarro, Luis Albors, Raúl García, Javier Reyes

Productor: Joaquín Domínguez

Guionistas: Antonio Navarro, Luis Albors, Raúl García, Javier Reyes

Fotografía: Federico Ribes

Intérpretes: José Manuel Martí, Ana Gracia (Sara), Jaime Bordera, Matías Mas, Montse G. Romeu…

Sinopsis: Un escritor descubre que su novia Sara ha muerto el mismo día de la presentación de su nueva obra. Impotente por la pérdida, el hombre entra en un mundo pesadillesco en el que se convertirá sucesivamente en un judío que está a punto de ser fusilado por los nazis; un caballero medieval que va a parar a un molino en el cual vive un extraño señor junto a su mujer; y por último se comunicará a través de un magnetófono con Sara, quien ahora “vive” en una dimensión diferente.

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Delirium es una de esas películas malditas que tuvieron una nula vida comercial en el momento de su estreno. Su paso por diversos festivales como la Seminci de Valladolid, donde fue recibida con cierto desinterés por parte de crítica y público, tampoco ayudó demasiado a colocarla en el lugar que se merecía. De este modo, y al igual que otros muchos títulos, Delirium ha logrado sobrevivir gracias al esfuerzo e interés de coleccionistas y auténticos arqueólogos de nuestro cine[1], que con sus fanzines y foros han rescatado a estas películas de un olvido más que probable y absoluto.

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Delirium nació como una práctica más de cinco amigos recién salidos de la facultad de imagen, formado por Antonio Navarro, Raúl García, Luis Albors, Javier Reyes y el actor José Manuel Martí que, con muy poco dinero pero con un inmenso talento, quisieron dar aires nuevos al cine español. Para tal fin concibieron una productora a la que denominaron “El regador regado”, con la que previamente realizaron el corto Nostalgia de comedia muda, en el cual intervinieron como actores personalidades de la talla de Luis G. Berlanga, José Luis López Vázquez o Verónica Forqué, ni más ni menos. Aunque en este caso concreto la labor de los implicados estuvo más o menos repartida – pues aunque la dirección del corto esté compartida entre Antonio y Javier, también encontramos a Raúl y Luis en funciones de actor y productor, respectivamente-, para su salto al formato largo decidieron vertebrar la historia en cuatro partes que fueron escritas y dirigidas por cada uno de ellos y protagonizada por Martí. Curiosamente, la película consigue una homogeneidad sorprendente y termina siendo una cinta moëbius[2] experimental que se sirve de varias obras literarias para inspirarse a la hora de dar forma a sus diferentes segmentos.

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Puede que su carácter marcadamente onírico, en el que el arte y la muerte forman una parte importante de su entramado, no la augurase una productiva carrera comercial, sobre todo si tenemos en cuenta la enorme confusión que reinaba en el cine español de la época, inmerso en unos momentos de profundos cambios que se trasladaba a unos espectadores desorientados por lo que había en aquellos momentos en las salas de cine (en la mayoría productos eróticos) y lo que estaba por venir (la muerte del cine comercial, en pos de uno más artístico que propició la Ley Miró); pero, tal y como descubriremos en la entrevista a Javier Reyes que publicaremos en breve, la mala fortuna acompañó a Delirium desde el inicio, estando herida de muerte desde el mismo momento de su alumbramiento. Según apuntan otro de los responsables del film, Antonio Navarro, en la entrevista realizada por Alfonso y Miguel Romero para “Psychotronik Kult Video”[3], el rodaje de la cinta estuvo lleno de problemas que derivaron en continúas riñas entre sus artífices – sobre todo con el propio Reyes, a quién acusa de haber gastado más de la mitad de la película virgen que tenían para rodar la totalidad de la cinta-, aunque la estocada definitiva vendría por parte de su productor que la desterró para siempre a esa naturaleza maldita de la que hablábamos al inicio, al no depositar una copia de la película en la Filmoteca Nacional.

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Pese a los continuos problemas que tuvieron durante su gestación, sus artífices consiguieron aunar cuatro historias diferentes sin ningún separador que anuncie el principio y el final de cada una, logrando un film bastante sólido que demuestra una inventiva y también una osadía poco frecuente por aquella época. Puede que el único punto que juega en su contra sea la disparidad de duraciones entre los segmentos, siendo los dos últimos los que más se exceden en el metraje y los que entorpecen de algún modo la narración más amena que fluía al inicio de la cinta. Sin embargo tanto el buen hacer de sus responsables, como la excelente interpretación de José Manuel Martí (sobre cuyas espaldas recae gran parte del peso de la película) y el resto del reparto formado mayormente por actores amateurs[4], además de una eficiente fotografía por parte de Federico Ribes, se vieron lastrados por la mala suerte que siempre acompañó al proyecto. Puede que sea por culpa de esa mala fortuna y la escasa repercusión que tuvo esta modesta producción, , que de sus cuatro realizadores, tan solo Raúl García y Antonio Navarro continuaron en el mundo del cine, si bien dentro de la rama de la animación, llegando a colaborar con la Disney en títulos como El Rey León (The Lion King, 1994) de Roger Allers y Rob Minkoff, o Tarzán (Tarzan, 1999) de Chris Buck y Kevin Lima, para después llegar a dirigir con el tiempo sus propios largometrajes: Los tres reyes magos (Antonio Navarro, 2003) y El lince perdido (Raúl García & Manuel Sicilia, 2008). De Luis Albors apenas queda rastro alguno y de Javier Reyes, que continuó su carrera en televisión, daremos cuenta en los próximos días.

Juan Pedro Rodríguez Lazo

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[1] Como José A. Diego, alma mater de la antigua web Psychotronik Kult Video y actualmente uno de los responsables del foro y fanzine Exhumed Movies.

[2] Es decir, una película cuyo principio y final son idénticos. Véase como ejemplo otra cinta moëbius: Carretera perdida (Lost Highway, 1996) de David Lynch.

[4] Aunque en el caso de Ana Gracia, si bien de una manera algo modesta, ha desarrollado una sólida carrera posterior como actriz secundaria, apareciendo en diversas series de televisión como Compañeros o películas como La vaquilla (1985) de Luis G. Berlanga, La ardilla roja (1993) de Julio Medem, o Camino (2008) de Javier Fesser, por mencionar solo los títulos más destacados.

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III Muestra “Lo + prohibido”

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Odiadas por legiones de personas, censuradas e incluso prohibidas. Son las películas de la Muestra “Lo + Prohibido” que, tras dos exitosas entregas, regresa con una tercera edición que arrancará hoy 27 de agosto y se prolongará hasta el próximo domingo día 30 en el cine Artistic Metropol (C/ de las Cigarreras, 6) de Madrid.

Cuatro días en los que el espectador podrá visionar algunos de los filmes más polémicos de la historia del celuloide. Todos ellos desataron controversia bien en festivales o en salas  de cine convencionales, por lo explícito de sus imágenes o por tratar temas siempre sangrantes como el sexismo, la violencia, el racismo o las conspiraciones religiosas y políticas.

En el siguiente cuadro puede consultarse la distribución de la parrilla así como los films a proyectar:

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Las entradas para esta tercera edición de “Lo + Prohibido”, que, en función de la sesión, van de los 4.50 a los 6 euros, ya pueden adquirirse a través de Entradium.com o directamente en la taquilla del cine Artistic Metropol, sin gastos de gestión de ninguna clase. También es posible adquirir por 35 euros un bono para toda la programación completa.

Más información en: https://www.facebook.com/artisticmetropol

Published in: on agosto 27, 2015 at 6:06 am  Dejar un comentario  

“Vial of Delicattesens” inaugura su colección “Etiqueta negra”

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El próximo martes 1 de Septiembre “Vial of Delicatessens” lanzará al mercado el una nueva y económica colección de DVDs denomina Etiqueta negra”, más acorde con el espíritu del cine underground. Se trata de una nueva serie de ediciones más austeras y rudimentarias, más caseras que los lanzamientos habituales del sello, que aglutinarán en cada volumen una selección de cortometrajes de carácter amateur que serán puestas a disposición de los aficionados a un precio imbatible.

Para inaugurar la colección, el primer volumen recogerá una selección de cortos de Víctor Olid. Bajo el nombre de “Gran Selección” encontraremos una suerte de greatest hits del director comprendidos entre 1991 y 2015. Centrándose en un tipo de comedia bizarra y descarada, este DVD nos permitirá disfrutar de la presencia de directores afines  a Olid como puedan ser Naxo Fiol, o el californiano Andy Rodríguez, así como freaks mediáticos del calibre de Luixy Toledo, en un compendio de cortos que van desde la ciencia ficción hasta el found footage, todo ello realizado con presupuestos propios del underground y desde la particular visión de Olid. En total más de cuatro horas de cortometrajes en un DVD que como extra incluye una presentación a cargo del director.

El segundo volumen de la colección “Etiqueta negra” llevará por título “Chortos de Naxo Fiol”. Pero, ¿qué demonios es un Chorto? Pues la (im)perfecta combinación de “corto” y “chorrada”. O eso es lo que se ha sacado de la manga el prolífico e irredento cortometrajista Naxo Fiol cuando se refiere a sus alocadas, transgresoras, anárquicas e improvisadas comedias, paridas en formatos tan variados como vídeo, súper 8 o unos abracadabrantes 35mm caducados. A lo largo del visionado, y dejando de lado descojono y estupor, el espectador se dará de bruces con las tramas más extrañas y los personajes más delirantes y despreciables, muchos de ellos encarnados por seres humanos ilustres -a nivel “cult”- como Juan Carlos Olaria, director de El hombre perseguido por un Ovni, la “Alligator Ladie” Irene Verdú, Elreydespaña, dibujante y punk, el “amazing” Dani Moreno, y otros tantos habituales de las video-gansadas de Fiol. En este caso, la duración del sobrepasa las tres horas de cortometrajes y, al igual que el previo, contiene como extra una presentación del director.

Ambos volúmenes tienen de un precio reducido de 4, 00 € más gastos de envío la unidad, y pueden adquirirse tanto en la web del sello http://vialofdelicatessens.blogspot.com, https://amazon.es o en tiendas especializadas.

Published in: on agosto 26, 2015 at 6:39 am  Dejar un comentario  

El exorcismo de Isabella

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Título original: Blackwater Valley Exorcism

Año: 2006 (Estados Unidos)

Director: Ethan Wiley

Productores: Mark Burman, Scott Pearlman

Guionista: Ellary Eddy

Fotografía: Roel Reiné

Música: Joseph Bauer

Intérpretes: Cameron Daddo (Jacob), Kristin Erickson (Isabelle), James Russo (el obispo), Jeffrey Combs (Jimmy, el sheriff), Randy Colton (Eli), Madison Taylor (Claire), Don O. Knowlton (McCall), Leslie Fleming-Mitchell (Blanche), Paul Kapellas (Luke), Del Zamora (Miguel), Iris Stobbelaar (chica demonio)…

Sinopsis: Isabelle está poseída. Así pues su madre hace llamar a un sacerdote, antiguo conocido de la familia, para que la exorcice y sane.

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El éxito de El exorcista (The Exorcist) en 1973 condujo a que, aún hoy en día, se sigan haciendo películas sobre el tema de la posesión diabólica, y utilizando muchos de los elementos que William Friedkin impuso partiendo de la novela de William Peter Blatty. Esta producción rodada directamente para DVD es una de ellas.

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Ethan Wiley es un director característico de este tipo de filmes de escasas pretensiones, con la única finalidad de que los fans del género alquilen un título (cualquiera) cuando se acerquen al video-club de la esquina para aprovisionarse de su dosis periódica de droga. Como director debutó con House II, aún más alucinante (House II: The Second Story, 1987) –tras ser uno de los guionistas de la primera entrega–, a la que siguió Los chicos del maíz 5: Campos de terror (Children of the Corn V: Fields of Terror, 1998). Ahora, tras unos años apartado de la dirección y centrado en la producción, está preparando su retorno al campo con Elf-Man (2012), una comedia navideña sobre un elfo abandonado por Santa Claus.

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El guionista de El exorcismo de Isabella es Ellary Eddy en su único cometido en la especialidad hasta el momento, pues trabaja por lo general en el departamento de casting. Entre estos dos caballeretes han montado este engendro fílmico, algo digno de verse para creerse. La trama es inenarrable, a tal punto llegan las majaderías que en ella se convocan, y el resultado está más cercano a un culebrón venezolano que a otra cosa. Se asemeja a ese tipo de productos por su trama, en efecto, pero también en su puesta en escena e incluso en las interpretaciones.

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Así pues, aquí tenemos a un marido que no hace caso de su esposa, pero sospecha que todos se entienden con ella. La hija mayor se lió con el ahora sacerdote exorcista, pero también la menor tuvo que ver con él. El veterinario (que va a todas partes con una inyección de caballo vacía, y la usa tanto con los equinos como con la poseída, o eso pretende) se pasa media película drogado. También hay un empleado mexicano del rancho que en tiempos fue cura y exorcista, y que intervendrá en el cotarro. Y el exorcismo, claro. Nada más empezar la película la chica está poseída (se echó al campo y se dedicó a destripar y devorar conejos y ovejas); el cura llega y dice que debe hacerle un examen pormenorizado para comprobar la posesión: se pasa medio minuto con ella, subiéndole la mano por los muslos, y cuando sale dice que tiene todos los síntomas. “¡Lo sabía! ¡Está poseída!”, exclama la madre.

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Podría pasarme páginas y páginas con las sandeces que se acumulan en este bodrio. Pero mejor compruébenlo por ustedes mismos. Si se atreven, claro. Advertidos están.

Carlos Díaz Maroto

Published in: on agosto 24, 2015 at 6:25 am  Dejar un comentario  
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Entrevista a los responsables de “Don’t Speak”

Encuadrada dentro de la sección competitiva “Dark Visions”, la catalana Don’t Speak sería una de las representantes nacionales dentro de la programación del pasado Nocturna. La que sería la primera participante seleccionada para esta edición, según dio a conocer el director del festival, Luis Rosales, en la rueda de prensa de presentación del film, viviría así su première mundial, significando al mismo tiempo la puesta de largo de una nueva productora: Creandus Films.

Se cerraba de este modo la primera etapa de una aventura iniciada hace ahora más de tres años. Un camino que ha estado plagado de múltiples vicisitudes y contratiempos, tal y como nos comentaron en primera persona su director, productor y coguionista, Amadeu Artasona, y Francesc Prat, productor y director de la segunda unidad, en la entrevista que mantuvimos con ellos la tarde siguiente al pase de la cinta. Además de informar de los pormenores propios de la producción de Don’t Speak y de los planes de futuro de Creandus Films, su testimonio resulta muy interesante por cuanto pone de relieve las diferentes dificultades a las que tienen que hacer frente los primerizos cineastas que se lanzan a la odisea de hacer cine de género en España de forma independiente.

Amadeu Artasona, director de "Don't Speak".

Amadeu Artasona, director de “Don’t Speak”.

Amadeu, ¿de dónde nace tu vocación cinematográfica?

Amadeu: De ver películas y disfrutar con ellas desde pequeño. Poco a poco me fui interesando por el cine, por saber cómo se hacían las películas, y eso me llevó a estudiar cine. Luego vino un pequeño corto, y después una pequeña película a la que ha seguido otra pequeña película que es Don’t Speak. Digamos que he ido poco a poco, picando piedra y tratando de mejorar.

En 2005 firmas tu ópera prima con En la carretera. ¿Qué recuerdas de aquella primera experiencia?

A: Todo comenzó mientras estudiaba en la Escuela de Cine de Barcelona. Otorgaban unos rodajes y a mí no me tocó ninguno. Entonces cogí una cámara y con unos amigos me propuse rodar durante una semana mi primera película. El guion nació un poco improvisado y me basé mucho en los actores. Una vez terminada, la monté, la presenté en la Escuela y como les gustó a los responsables la enviaron a algunos festivales. La verdad es que no era una película en sí, sino una práctica; si con el corto había aprendido cinco cosas, rodando un largo aprendí cien.

¿Se llegó a distribuir comercialmente?

A: No, porque tuvimos problemas de derechos con la música que pusimos. No se acabó de cerrar el asunto y la posible distribución de la película quedó parada.

Desde que realizaste En la carretera hasta llegar a Don´t Speak han transcurrido prácticamente diez años. ¿A qué te has dedicado durante todo este tiempo?

A: A escribir e intentar levantar proyectos, ya fuera vía Ministerio, vía televisiones, etc. Pero es muy complicado, sobre todo cuando eres un director prácticamente novel y sin experiencia. Tuve proyectos que llegaron a estar en las últimas fases pero que, por unas cosas o por otras, fueron cayendo. En vista de que nadie parecía estar dispuesto a financiarme, me puse a buscar gente con la que autofinanciarnos. Ya sabes: si la montaña no va a Mahoma, Mahoma va a la montaña.

Un instante del rodaje de "Don't Speak".

Un instante del rodaje de “Don’t Speak”.

Si En la carretera se trataba de un drama, en Don’t Speak cambias de tercio con una historia enmarcada dentro del cine fantástico y de terror. ¿Qué te interesaba o te llamaba la atención de este género?

A: Siempre me ha interesado este género por su capacidad de provocar diferentes sensaciones en el espectador. Lo que me gusta especialmente es que cuando el público está viendo una película de terror, tú como director puedes llevarle por caminos diferentes. No obstante, he de reconocer que pensaba que sería un género más fácil de hacer de lo que finalmente ha resultado.

¿Cómo nace el proyecto de Don’s Speak y cuál es la sucesión de acontecimientos hasta que finalmente se pone en marcha su realización?

A: Nace en Barcelona junto a aquí mi socio, Francesc Prat, y dos personas más: Luís Galán y Joan Navarro. Aunque ellos dos no tenían ninguna vinculación con el mundo del cine, les gustó el proyecto que les planteamos y nos cedieron el dinero necesario para fundar Creandus Films, nuestra productora. El primer trabajo que hicimos fue un service para una producción extranjera que iban a rodar en Barcelona titulada The Wine of Summer, con Elsa Pataki y Sonia Braga, que pese a que creo que no se ha llegado a estrenar aún, contaba con un presupuesto muy alto. Nosotros lo que hicimos fue rebajarnos mucho los sueldos con el fin de poder coger así experiencia, por lo que les hicimos una oferta muy económica que ellos aceptaron, encargándonos el trabajo. Con ese poco dinero que conseguimos ganar, decidimos invertirlo en hacer una película a dos meses vista. Los otros dos socios sentían que la productora no era lo que ellos creían y querían ver resultados nuestros. Así que escribimos un guion en dos meses, más la preparación, que nos llevó dos semanas, y el rodaje, que duró otras dos semanas más. Es decir, en tres meses hicimos la película.

Imagino entonces que el guion lo escribisteis teniendo en cuenta los condicionantes con los que contabais…

A: Sí, teníamos claras nuestras limitaciones productivas. Es más, para poder poner en pie el proyecto tuvimos que pedir favores a la gente, mientras que el excelente equipo técnico y artístico que tuvimos trabajó de forma participativa.

Amadeu dando instrucciones en un momento del rodaje.

Amadeu dando instrucciones en un momento del rodaje.

Para la escritura del libreto contaste con la ayuda de Jaime Sacristán. ¿Cómo fue el proceso de escritura? ¿Os repartisteis las funciones de alguna forma especial?

A: Todo el proyecto arrancó a partir de una idea que me pareció interesante: utilizar una casa que había visto un día que fuimos a comer con los socios de Creandus y que fue donde finalmente se localizó la película. Le trasladé esa primera idea a Jaime y la desarrollamos. Como la escritura del guion debía de ser rápida, nos repartimos un día él y otro día yo. Luego, aparte, hubo las lógicas correcciones a la historia y algunas aportaciones de Francesc o Jordi Picatoste, aunque la verdad es que es un guion que tiene únicamente dos revisiones, cuando lo normal es que tengan seis o siete.

Francesc: Como ya sabíamos más o menos dónde íbamos a localizar, consideramos que la última revisión del guion debíamos hacerla in situ. Con Amadeu nos fuimos un fin de semana a las propias localizaciones y realmente buena parte del libreto se escribió allí, visualizando lo que marcaba el guion y si era posible de hacer o no. Creo que fue un factor muy positivo de cara a que posteriormente en el rodaje se aceleraran mucho las cosas al tener muy claro cómo se debía de filmar el material, sobre todo teniendo en cuenta el poco tiempo del que disponíamos.

Una de las particularidades de Don’t Speak es que, para ser una película de terror, todo su argumento se desarrolla de día y a pleno sol. ¿Fue una imposición presupuestaria o era una idea que teníais desde el principio?

F: Cuando cuentas con un bajo presupuesto tienes multitud de limitaciones, por lo que debes priorizar y darle importancia a unas cosas por encima de otras. Nosotros teníamos muy claro que, a pesar de que el equipo funcionara como una cooperativa, lo que no les podía faltar era alimento, alojamiento y unas condiciones lo mejor posibles dentro de las circunstancias. Para que ello fuera viable, y éramos muy conscientes, una de las cosas que tuvimos que sacrificar fue la noche, dado el gasto que supone y el tiempo de rodaje que ralentiza el tener que iluminar. En cambio, al filmar de día, con luz natural, es mucho más rápido. Claro que rodar una película de terror de día, cuando el género te marca una serie de factores, resulta un reto. Por eso convinimos con Amadeu que fuera algo que jugara a nuestro favor. Para ello intentamos que con las localizaciones, aun siendo de día, no perdieran el juego que nos brindaban los espacios cerrados. Es decir, que de algún modo el bosque también tuviera un punto de ansiedad y que la película poco a poco se fuera encerrando en los espacios; a falta de noche, hacer que los espacios se fueran haciendo cada vez más claustrofóbicos hasta llegar a la casa y, una vez allí, al sótano, que es la expresión última del encierro y del terror…

Otra singularidad que guarda la película es la inclusión de escenas dibujadas con rotoscopio…

A: La verdad es que hasta llegar al montaje final tuvimos muchísimos problemas hasta que Imanol de Frutos consiguió armarlo. El inconveniente era que la duración resultaba muy corta como para intentar vender la película internacionalmente, por lo que de forma irremediable teníamos que rellenar metraje. Entonces lo que hicimos fue generar quince o veinte minutos más a base de flashbacks. Rodamos nuevas imágenes y un par de estudiantes de Bellas Artes, Marc Fernández y Elisa Ancori, fueron pintando fotograma a fotograma este material, para después darle coherencia con el resto de la historia por medio de una voz en off. Le ha dado a la película un look no muy visto que queda muy bien.

F: De hecho, esto nos vino muy bien. En teoría, un guion debe tener su poso y su reflexión, pero como nosotros no dispusimos de este tiempo, cuando montamos la película nos dimos cuenta que había cosas de la historia que quedaban sin contar. Por eso fue una suerte que el primer montaje se quedara corto, ya que nos dio la oportunidad de narrar cosas que durante el rodaje no nos pudimos permitir ni por tiempo ni por presupuesto, pero que con esta idea brillante de la rotoscopia que se le ocurrió a Amadeu nos daba pie a explicar varios puntos que creíamos que eran muy importantes para comprender la trama y para que el público captara las intenciones de la película. Es algo que nos vino muy de cara.

El equipo de "Don't Speak" posando ante los medios en "Nocturna". De izquierda a derecha: Francesc Prat, las actrices Liliana Cabal y Melina Matthews, y Amadeu Artasona.

El equipo de “Don’t Speak” posando ante los medios en “Nocturna”. De izquierda a derecha: Francesc Prat, las actrices Liliana Cabal y Melina Matthews, y Amadeu Artasona.

La filmación se llevó a cabo en un ajustado programa de apenas dos semanas con dos unidades simultáneas dirigidas por cada uno de vosotros. ¿Cómo fue la forma de trabajar y cómo os organizasteis entre ambos?

A: Fue una suerte contar con Francesc para que me cubriera las espaldas, aparte de que fue él quien planificó todo el guion de rodaje. Aunque yo le marqué el camino a seguir, dispuso de la suficiente libertad para aplicar su punto de vista dentro de su unidad. Había días que rodábamos duplicados y otros no, pero en esos días que había trabajo de segunda unidad tenía la seguridad de que él lo iba a hacer tan bien como yo o mejor.

F: Yo cuento con la experiencia de haber sido durante muchos años ayudante de dirección y de haber tenido la suerte, además, de trabajar con los norteamericanos. Y el ABC del cine norteamericano es filmar con dos, tres o hasta cuatro unidades, por lo que acabas teniendo el culo pelado de rodar de esta forma. En una película como Don’t Speak, que cuenta con siete personajes en cinco o seis localizaciones como máximo, es relativamente sencillo de organizar. No obstante, en un principio teníamos previstas menos unidades de las que finalmente terminaron siendo durante el rodaje. ¿Por qué? El segundo o tercer día de rodaje vimos que no cumplíamos con los plazos marcados, por lo que tuvimos que reestructurar sobre la marcha el plan inicial de rodaje, lo que por otra parte es normal. Con todo y con eso seguimos con retraso, por lo que decidimos desdoblarnos definitivamente en dos equipos para poder filmar todo el material previsto. En nuestro beneficio jugó que desde el guion Don’t Speak se prestaba mucho a ello, dada la división de personajes. Por otra parte, desde el principio había estado trabajando codo con codo con Amadeu, así que estaba empapado de su filosofía sobre la película y el look que quería darle. Entonces, aunque claro, siempre aportas tu granito de arena, cuando me iba a rodar con la segunda unidad tenía muy presente cuál era el global de la película y cuáles eran las normas que teníamos marcadas, lógicamente, para que después en el montaje no se notara qué secuencias eran de la segunda unidad y cuáles de la primera.

Dado su rodaje en inglés, ¿la película está concebida con la mirada puesta en el mercado exterior?

A: Desde el primer momento. Y he de decir que hemos tenido mucha suerte, ya que hemos recibido una primera oferta por ella. Como no teníamos mucha idea de cómo funcionaba el mercado, la rechazamos esperando una mayor, y en esas estamos: en recibir esa segunda oferta.

F: En muchos lugares en los que hemos estado presentando la película hemos recibido respuestas muy positivas, sobre todo de compradores de países asiáticos, probablemente por el tema de la niña que le da ese toque oriental y por su look mediterráneo, por ese contraste entre la luz y el color.

En este sentido, ¿pensáis que el buen nombre del que goza la producción reciente de cine fantástico español fuera de nuestras fronteras puede beneficiaros?

A: Evidentemente. Amenábar, Balagueró, Bayona y muchos otros directores han creado escuela, han abierto nuestro cine y son respetados en todo el mundo. Es más, yo creo que se les valora más fuera que lo que se hace aquí, donde cuando haces una película de este tipo poco menos que te ponen la cruz encima.

F: En cualquier caso, y enlazando con la anterior pregunta, la elección del inglés nos brindaba la oportunidad de optar a un mercado más amplio. Es mucho mejor llegar a tres mil millones de personas angloparlantes que a trescientos, si contamos con Sudamérica. Tal vez la contradicción de que seamos una productora española que va a los Estados Unidos a vender una película rodada en inglés puede que sea negativo de cara a su distribución aquí, pero pensamos que si la conseguimos vender fuera ya tendremos un caché y una marca, por lo que se nos verá con mejores ojos; si internacionalmente funciona, seguramente se nos abrirán más puertas y tendremos más facilidades de cara a poder venderla en España. También sabíamos que, por otra parte, al ser una cinta de terror las leyes de mercado dictaban que debía de ser en inglés.

Un momento de la intervención de Melina Matthews durante la rueda de prensa de "Don't Speak" en "Nocturna".

Un momento de la intervención de Melina Matthews durante la rueda de prensa de “Don’t Speak” en “Nocturna”.

¿Este condicionante hizo que fuera más complicado el proceso de casting, al tener que buscar actores angloparlantes?

A: En realidad, se decidió rodar la película en inglés en el último momento, como quien dice. Por ello tuvimos muy poco tiempo para hacer el casting. Además, tampoco conocíamos intérpretes internacionales. Pero un actor nos fue llevando a otro y al final conseguimos reunir a un buen reparto que ha hecho un gran trabajo.

F: Teníamos claro que no solo debían de ser actores angloparlantes, sino también nativos por el tema del acento, como así ha sido, o al menos en la mayoría de ellos. Era algo que nos preocupaba, no fuera a ser que la película resultara un conglomerado de acentos de diferentes lugares. Sin embargo, todos los targets norteamericanos a los que les hemos ofrecido la película nos han dicho que habíamos conseguido un acento neutro perfecto que la hacía pasar por una producción de los Estados Unidos.

Como comentaba Francesc antes, la apariencia de la espectral niña que preside la cinta desde su propio cartel publicitario remite al de las presencias fantasmales de las películas japonesas. ¿Cuáles son los principales referentes que habéis tenido en cuenta para dar forma a Don’t Speak?

A: Toda la serie The Ring y, en general, todo ese ciclo de películas japonesas. Aparte, el producto nacional del que hablábamos antes tipo Los sin nombre, Los otros, etcétera, junto a otros referentes como pueden ser Psicosis o Tiburón; películas que te generan una sensación extraña. Hemos intentado plasmar ese tipo de terror psicológico que juega con lo que no ves y lo que, por este motivo, puedes llegarte a imaginar.

F: Es verdad que en el aspecto de la niña fuimos a lo asiático, en especial por esa idea tan propia de este tipo de cine en la que tras una aparente tranquilidad todo se mueve por dentro, por lo que la amenaza está siempre latente. . .

A: Para la primera propuesta de Creandus hemos querido abrir internacionalmente muchos abanicos para poder llegar así a distintos públicos. No sé si es bueno o malo, pero la idea es que nos sirva de carta de presentación para poder centrarnos en el futuro en un camino concreto.

F: Nos han achacado que la película abre muchas tramas que no se acaban de cerrar e igual sí que pequemos un poco de eso. Pero bueno, de todo se aprende. Es una guía para el camino, como dice Amadeu, y para la siguiente habremos aprendido de ello.

Imagen de la rueda de prensa de "Don't Speak" en "Nocturna" con el equipo de la película y Luis Rosales, director del certamen.

Imagen de la rueda de prensa de “Don’t Speak” en “Nocturna” con el equipo de la película y Luis Rosales, director del certamen.

Aunque su rodaje se desarrolló en 2012, no ha sido hasta ahora que Don´t Speak ha comenzado a circular por festivales. ¿A qué se ha debido tanto retraso en la post-producción?

A: Por diversas circunstancias. Por ejemplo, la caracterización de la niña la hicimos originalmente con maquillaje. Sin embargo, cuando vimos el primer montaje la niña no nos daba el feeling que buscábamos, por lo que teníamos que tirar de efectos digitales para arreglarlo. El problema entonces era que no habíamos planificado para emplear efectos digitales, así que tuvimos que integrar más equipo, gente que confiara en nosotros y fuese capaz de hacer ese trabajo sin tener marcas ni referencias.

F: Todas las etapas de post-producción se dilataron a causa del bajo presupuesto con el que contábamos. Cuando tienes dinero, tú pagas y lo haces. Pero en nuestro caso primero teníamos que buscar y después llorar hasta dar con personas que creyeran en el proyecto y estuvieran dispuestas a acceder a hacer el trabajo que le pedíamos. Lógicamente, en estas circunstancias, todo se dilata muchísimo más, con el añadido de que al no poder pagarles lo hacían cuando podían. Un caso: el empleo de la rotoscopia de la que hablamos antes fueron ocho meses de trabajo. Si esto lo hace la Disney tiene a mil personas dibujando; en cambio, nosotros solo teníamos a dos…

A: Posiblemente podríamos haber tenido la película terminada muchísimo antes, pero no con el nivel de calidad técnica que tiene la copia final. Hemos preferido tener un producto que fuera digno por encima de todo; que quizás pueda tener sus fallos, pero que parezca una película profesional ante todo.

¿Qué tipo de distribución habéis proyectado para la película? ¿Pensáis estrenarla en cines, o estáis más encaminados al formato doméstico?

F: Nosotros esperamos mucho y no esperamos nada. ¿Por qué digo esto? Ante todo somos conscientes del tipo de película que tenemos y de cómo es el mercado. Pero eso no quita para que el listón lo pongamos lo más alto posible. Soñamos llegar lo más lejos que podamos con la película y por eso luchamos. Después siempre habrá tiempo de ir bajando el listón. Sin embargo, si ya de salida tiras por lo bajo estás renunciando a una parte importante de mercado, por más de que seguramente no vayas a acceder finalmente a él.

Y tras Don’t Speak, ¿cuáles son los próximos proyectos de Amadeu como director y Creandus como productora?

A: Como gente que nos gusta el cine intentamos hacer cine, y algún camino nos llevará a ello. De momento, lo que queremos es sentar las bases de una factoría con Don’t Speak. La idea es invertir el dinero que saquemos con ella para, aprovechando el equipazo técnico y artístico que tenemos, rodar una nueva película. Tenemos muchos proyectos en la recámara que puedes ver si visitas nuestra web.

F: Pero para que esto ocurra es imprescindible que Don’t Speak tenga un mínimo rendimiento, porque si no, es muy difícil arrancar esta factoría que pretendemos crear. Sabemos que tenemos que ir pasito a pasito y crecer: ese es nuestro principal objetivo.

A: Es muy difícil, porque no hay mucha ayuda por parte de nadie. Parece que en este país fuera delito hacer cine. En cualquier caso, al menos ahora contamos con una película muy digna para poder enseñar a posibles inversores con la que puedan comprobar el resultado de nuestro trabajo.

F: Es la ley del mercado. Hay que demostrar que podemos hacer una película por tanto dinero y que podemos venderla por una cantidad mayor. Nos guste o no, el cine es una industria y un mercado, y eso hay que respetarlo.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías: Juan Mari Ripalda (salvo las del rodaje)

Published in: on agosto 21, 2015 at 6:54 am  Dejar un comentario  
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Sion Sono recibirá el premio Màquina del Temps en Sitges 2015

Sion-Sono

El cine japonés tiene en Sion Sono uno de sus máximos exponentes actuales. Reconocido y galardonado internacionalmente, el cineasta y poeta visitará la 48ª edición de Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya para recoger el premio Màquina del Temps a su trayectoria y, presentar tres de sus últimos films: Tag, Love & Peace The Virgin Psychics.

Sion Sono, nacido en Toyokawa en 1961, se ha convertido en uno de los nombres imprescindibles del cine asiático moderno; un irreverente director de culto que ha conseguido crear un lenguaje fílmico muy personal a lo largo de su carrera, donde la juventud, la muerte o la religión aparecen como obsesiones recurrentes. Su éxito se inició con la impactante Suicide Club (2002) y se consolidó con la multipremiada Love Exposure (2008), una cinta épica de cuatro horas de duración que supuso una crítica radical a los valores juveniles. En su filmografía también destacan títulos como Why Don’t You Play in Hell? (2013) o Tokyo Tribe (2014). Con una creatividad sin límites y más en forma que nunca, Sion Sono tiene previsto estrenar hasta cinco filmes durante este 2015.

El fascinante director es un habitual del Festival, donde presentó en 2010 Cold Fish, ganadora del Premio Casa Asia, Guilty of Romance y Himizu en 2011 y Bad Film en 2013. Dos de sus últimas locuras, Tag y Love & Peace, recientemente han obtenido el premio a la mejor película y actriz, y el premio del público, respectivamente, en el Festival Fantasía de Montreal.

Tag es una película sangrienta, explosiva y divertida en la que un grupo de colegialas se enfrenta a una amenaza sin forma que las ataca brutalmente. Se trata de una adaptación de la novela Riaru Onigokko, de Yusuke Yamada. Love & Peace, en cambio, enlaza dos tramas que se inician con un gris y aburrido oficinista, aspirante a estrella de la música que, en un arrebato, lanza su mascota, una tortuga, por el inodoro. Y en contraste con el horror psico-sobrenatural de Tag y la fábula socio-fantástica y piro-musical de Love & Peace, llega The Virgin Psychics, comedia erótica y fantasía juvenil sobre una imposible revolución sexual en el corazón de Japón. Tres propuestas con el inimitable sello de Sion Sono que prometen grandes dosis de delirio en Sitges 2015.

Más información: http://sitgesfilmfestival.com/cas

Published in: on agosto 20, 2015 at 6:35 am  Dejar un comentario  
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Paco Ardura homenajeado por la Academia de Cine

Francisco Ardura, más conocido como Paco Ardura, ha recibido recientemente un homenaje en la Academia de Cine Español por su larga trayectoria profesional vinculada a la cinematografía. Ardura, quien lleva más de cincuenta años en la profesión, es un gran desconocido para el público pero no para los profesionales de este sector.

Paco Ardura y el director Enzo Castellari en Fort Bravo en la edición de AWFF 2014.

Paco Ardura y el director Enzo Castellari en Fort Bravo en la edición de AWFF 2014.

“Este profesional es reconocido por sus caballos en EEUU, Francia e Inglaterra. Él es el hombre que ha susurrado a los caballos durante sesenta años”, fueron algunas de las palabras que le dedicó el director de producción, Yousaf Bokhari durante su homenaje. Paco Ardura fue coordinador de semovientes en “la época gloriosa del cine español”, según declaró Alex de la Iglesia. El homenajeado recordó que había trabajado a lo largo de su vida con tres generaciones de cineastas. Terminó su discurso reclamando que “vuelva el trabajo con dignidad para especialistas, caballistas, ramaleros y cocheros”.

Durante su larga trayectoria profesional, Paco Ardura ha trabajado con grandes maestros del cine como David Lean, Sergio Leone o Anthony Mann. Ha participado en producciones de Hollywood así como en numerosas películas del denominado spaghetti western que se rodaron en el Desierto de Tabernas.

En la actualidad, además de ser propietario de poblado Fort Bravo y de la empresa Animales y Carruajes, Ardura es colaborador habitual de Almería Western Film Festival, aportando cada año sus experiencias y conocimientos durante el coloquio con protagonistas de largometrajes que se rodaron en Tabernas. Sin ir más lejos, el pasado año fue el encargado de entregar el Premio Honorífico de AWFF al actor y director italiano Enzo G. Castellari, con el que además mantiene una intensa amistad.

Published in: on agosto 19, 2015 at 6:11 am  Dejar un comentario  
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