Entrevista a Aaron Moorhead & Justin Benson

03 Rueda de prensa

Sin perder en ningún momento la amabilidad ni la simpatía, Aaron Moorhead y Justin Benson regresaron a la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián dos años después de conseguir la puntuación más baja de la historia del certamen con su ópera prima, Resolution. Lo hicieron acompañando a V/H/S Viral, tercera entrega de la popular franquicia de películas de episodios en formato found footage en la que han participado con el segmento titulado Bonestorm, en el que un grupo de skaters tienen que verse las caras con unas extrañas entidades aztecas. Gracias a la disponibilidad y facilidades que desde un primer momento nos brindó la organización capitaneada por Josemi Beltrán, aprovechamos su estancia en la capital guipuzcoana para mantener con ellos una charla. En ella, además de su trabajo para V/H/S Viral y de sus futuros proyectos, también hubo tiempo para hablar del que ha sido su segundo largometraje, Spring, una fábula romántico-fantástica que, por derecho propio, se erige en una de las más agradables sorpresas que nos ha deparado el pasado año dentro del género.

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– Hace dos años hacíais vuestro debut en el formato largo con Resolution, al que ahora le ha seguido Spring, en mi opinión, un trabajo mucho más maduro y, en cierto sentido, bastante distinto, tanto desde el punto de vista productivo al formal. Mientras vuestra debut era un film sensorial y atmosférico, un poco en la onda de David Lynch, Spring se mueve en unos terrenos mucho más ortodoxos en términos narrativos. ¿Cómo ha sido la transición de una a otra película?

Desde que empezamos nuestra carrera siempre hemos intentado imprimir nuestra propia voz, aunque al principio lo hicimos a un nivel mucho más pequeño y personal. Ahora seguimos centrados en hacer películas que sean muy, muy personales, pero al mismo tiempo también queremos que lleguen a un público mucho más amplio. Nosotros crecimos viendo películas pequeñitas y personales junto a grandes blockbusters y éxitos de taquilla, por lo que nuestra idea es estar un poco en el medio de ambos lados. No queremos rodar solamente películas de arte y ensayo para unos cuantos; queremos hacer películas que también quieran ver nuestros padres, por ponerte un caso. Es decir, que sean películas accesibles, en donde las relaciones y los personajes sigan siendo importantes, pero que estén abiertas a todo tipo de público.

– Pese a sus diferencias, Spring retoma una serie de elementos que ya estaban presentes en Resolution, como puede ser el caso de que la historia se desarrolle en torno a unos jóvenes que intentan dar un vuelco a sus vidas, la importancia dramática que gozan las relaciones existentes entre los protagonistas o la aparición de conversaciones metafísicas. ¿Es algo consciente o inconsciente? ¿De dónde vienen esta serie de inquietudes?

Buena pregunta. Con nuestras películas lo que intentamos es encontrar formas y métodos a través de los cuales los personajes puedan expresar esos temas importantes que acabas de decir, como el amor, la vida o la muerte; que sean capaces de expresarlo, pero de una forma que no sea la que habitualmente se emplea en el cine. Eso es lo que intentamos. Esas emociones sí que son los temas que nos importan, pero como cineastas, como realizadores, nuestro objetivo es otorgarles realidad a través de formas de expresión distintas.

En cualquier caso, en nuestras películas tampoco queremos contar o centrarnos en verdades absolutas. Queremos retomar esos temas, pero yendo a cosas muy concretas y específicas con las que cada persona dentro del público pueda sentirse identificada o ver reflejada alguna parte de su vivencia personal. Por ejemplo, en Spring en un momento determinado uno de los protagonistas le pregunta al otro si alguna vez ha perdido a una persona a la que quisiese o de la que estuviese enamorada. No se trata pues de cuestionar verdades absolutas, sino de intentar utilizar esos sentimientos de tal forma que tengan resonancia en el espectador.

–   Al hilo de lo que comentáis, otro nexo en común entre vuestras dos películas es que los elementos fantásticos y/o terroríficos permanecen en un segundo plano dentro del corpus dramático de sus respectivas historias. A tenor de ello podría decirse que utilizáis el género un poco como excusa para dar rienda suelta a vuestro verdadero discurso. ¿Estáis de acuerdo?

No. Los elementos de terror y fantasía tienen exactamente la misma importancia que la construcción de los personajes. Los dos ingredientes nos parecen igual de interesantes. Incluso, cuando comenzamos a concebir una historia, primero nos ocupamos de toda la parte de la fantasía y es una vez que tenemos esto cuando buscamos a los personajes. Lo que sí que somos conscientes es que la fantasía funciona si somos capaces de crear personajes que resulten creíbles dentro de ella. Sin ir más lejos, en Spring seguramente los dos protagonistas no se hubieran encontrado si Louise, la chica, no fuese un monstruo.

Junto a Josemi Beltrán durante la rueda de prensa celebrada como motivo del pase de V/H/S Viral.

Junto a Josemi Beltrán durante la rueda de prensa celebrada como motivo del pase de V/H/S Viral.

– Ya que habéis sacado a colación la construcción del guion, me gustaría que me explicarais cómo es el proceso de escritura. ¿Se encarga en solitario Justin como se indica en los créditos, o Aaron participa también de algún modo en esta fase del proyecto?

Justin: Aaron es finalmente el guardián de todo. Él es el que va tomando las notas de producción, es el productor principal y no se hace nada sin que dé su aprobación a todo cuanto esté escrito.

Aaron: Sí, claro, pero el que está delante del teclado escribiendo, y el que tiene todas esas ideas increíbles es Justin, mientras yo me estoy haciendo la cena. (Risas)

– Y una vez en el rodaje, ¿cómo os repartís las funciones?

Antes de llegar al set intentamos llevar las cosas lo suficientemente preparadas y habladas entre los dos para que en ese momento solo pueda haber espacio para lo que nosotros llamamos random magic (magia aleatoria). Pero si no, procuramos tener previamente acordadas todas las decisiones importantes.

– Centrándonos ya en Spring, el grueso de su acción se desarrolla en una localidad turística italiana. ¿Por qué os decantasteis, precisamente, por este país para ambientar la historia?

Desde el primer momento en el que estábamos trabajando en el guion ya pensamos en Italia. También por términos económicos y de producción intentamos que fuera en Italia. Es un país bellísimo que conocemos y que tiene muchas imágenes que forman parte del imaginario colectivo de mucha gente en términos de religión y de mitos. Para la historia que contamos esto era algo muy importante, ya que no habría funcionado igual de haberla ambientado en otro lugar como Colombia o Montenegro, precisamente por no tener el mismo arraigo que tiene Italia en ciertos aspectos dentro del imaginario colectivo.

– Dicha elección os permite contraponer la mentalidad y forma de vida anglosajona con la mediterránea. ¿Era algo que ya figuraba en el libreto o surgió una vez os encontrabais rodando en Italia? Visto desde este punto, el argumento puede incluso interpretarse desde términos geopolíticos…

A partir del momento en que decides colocar a alguien de los Estados Unidos en un pequeño pueblo de la costa italiana es inevitable que se produzca un choque entre ambos puntos de vista. En este sentido, Louise es la única que igual, pese a ser romana y haga cosas típicamente mediterráneas, no responda a estos estereotipos de conducta al acumular una vivencia de dos mil años.

– Derivado de este tema, en la película ofrecéis una mirada nada complaciente hacia cierta visión estereotipada del turista estadounidense, como alguien que solo parece estar de juerga. ¿Os preocupa la imagen que se tiene de vuestros compatriotas puertas afuera?

Pues no. Si hemos mostrado a algunos de nuestros compatriotas así ha sido simplemente para burlarnos de ellos, para divertirnos, para bromear y, en última instancia, para reírnos de nosotros mismos. Sí que pensamos que puede haber norteamericanos así, de la misma forma que en la película también aparece algún italiano que tampoco sale demasiado bien parado. Pero no, no queríamos hacer ningún tipo de declaración en este sentido. También hay estadounidenses estupendos como Evan, el protagonista. Solo queríamos hacer un guiño. Pero sí que es verdad que, como Louise en un momento determinado tenía que matar a alguien, decidimos que fuera precisamente ese turista que intenta violarla, pero sin más.

Justin y Aaron en un momento de la entrevista.

Justin y Aaron en un momento de la entrevista.

– Uno de los principales alicientes del film es la novedosa formulación de su criatura protagonista. ¿En qué os inspirasteis para darle forma a ella y su mitología? Personalmente, me recuerda mucho al mito teutón de la sirena Lorelai…

Desde el principio nuestra intención era la de crear una criatura nueva; quisimos inventar nuestro propio monstruo. Intentamos relacionarlo sobre todo con el mito vampírico, tal y como ha llegado a nuestros tiempos a través de la mitología, pero también como se ha visto reflejado en Drácula y sus distintas variantes. Pero, al mismo tiempo, pretendimos alejarnos de esa imagen del vampiro como un personaje torturado por su propia existencia y enfrentado a la idea de Dios. Por el contrario, nuestra Louise no está absolutamente torturada por su existencia. Simplemente es alguien que vive y al que tampoco le crea un conflicto especial Dios, ya que, al haber vivido tantos años, Dios solo es un ente inventado por los hombres después de que ella misma existiese.

– Sin lugar a dudas, otro descubrimiento es el de la actriz encargada de dar vida a tan peculiar monstruo, la alemana Nadia Hilker. ¿Cómo llegasteis a ella?

Cuando nos dieron luz verde para empezar a preparar la película queríamos comenzar el rodaje en el plazo de un mes y medio, pero no teníamos actriz. Era un grave problema, ya que sobre la elegida tenía que reposar todo el peso de la película. Así que escribimos un correo electrónico a todos los productores y gente de la profesión que conocíamos en Europa en el que les indicábamos las características que tenían que reunir las chicas que optaran al papel: tenían que ser actrices que interpretaran de una forma muy natural, que fueran inteligentes y capaces de dar al personaje el acento adecuado, entre otros requisitos. Curiosamente, bastante gente de la que nos respondió nos recomendaba a Nadia Hilker. Así que nos pusimos contacto con ella por Skype, le hicimos una prueba y desde ese mismo momento supimos que era la elección adecuada.

– Siguiendo con el reparto, en él nos encontramos con Jeremy Gardner, actor, director, productor y guionista de otros de los films destacados dentro del panorama indie fantástico del pasado año como fue The Battery. ¿Cuál es vuestra relación con él?

Le conocimos en Amsterdam, pero en aquel momento ni nosotros habíamos visto su película, ni él la nuestra. Tiempo después volvimos a coincidir en un festival de cine fantástico en Brasil y fue allí donde nos dimos cuenta de que teníamos gustos muy parecidos, aunque él tenga un sentido del humor excelente, mucho mejor que el nuestro. Al rodar Spring enseguida pensamos en Jeremy porque era una persona que podía aportar ese elemento de naturalismo del que hablábamos antes, y al mismo tiempo un toque de comedia que nos parecía muy importante. Es una persona muy, muy, muy singular, a la que queremos mucho, y teníamos claro que debía de estar en la película.

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– Pasemos ahora a vuestra participación en la cinta de episodios V/H/S Viral. ¿Cómo entráis en el proyecto?

Cuando vinimos a presentar Resolution a la Semana conocimos a Brad Miska, uno de los productores de V/H/S, y quien tuvo la idea de crear la franquicia, el cual se encontraba presentando la segunda entrega de la saga. Hablamos y nos preguntó si estábamos interesados en participar en el próximo V/H/S en el caso de que se hiciera. Por supuesto, le dijimos que sí. A partir de ese momento, pasamos por un proceso en el que le mostramos sucesivamente diferentes ideas para nuestra pieza, pero Brad las iba rechazando aludiendo que no le gustaba el proyecto. No fue hasta que finalmente en julio de 2013, que le presentamos Bonestrom, que nos dio luz verde para que lo hiciéramos.

– Y, una vez dentro, ¿cómo es el modo de funcionar dentro de la franquicia a la hora de dar forma a vuestro segmento? ¿Os dan unos parámetros a seguir, algún tipo de indicación, u os dejan ir por libres?

Al hablar con los productores lo único que nos dijeron es que en nuestro segmento la acción podía ser importante pero que, sobre todo, tenía que fluir narrativamente de un modo muy fácil. Y a nosotros, que en nuestros largometrajes estamos acostumbrados a hacer trabajos emocionalmente muy complejos, nos pareció que podría ser una experiencia muy interesante mezclar el horror con el terror, la comedia y la acción; sobre todo, teníamos la idea de que fuese una acción que fuera creciendo constantemente. Aparte, por supuesto, tenía que estar basado en el formato found footage, es decir, debían de ser imágenes que simularan ser encontradas. Pero aunque sí que hablamos de esto en un principio, luego nos dieron muchísima libertad. No se trataba simplemente de tener que utilizar imágenes que estaban siendo grabadas directamente. Al final primó la libertad y nuestro empeño por que saliera algo que resultara muy divertido.

– ¿Antes o durante la producción tuvisteis algún tipo de contacto con el resto de directores participantes o, en su defecto, algún tipo de información sobre su trabajo?

La verdad es que sí que sabíamos un poco en qué iban a consistir cada uno de los segmentos, pero durante el rodaje no estuvimos demasiado en contacto con el resto de directores. Tanto es así que solo hemos visto el resultado final de su trabajo una vez la película estaba ya terminada. Sí que sabíamos algo más del segmento de Marcel Sarmiento, que es el encargado de servir de hilo conductor de la película, ya que vivimos en la misma ciudad; pero del resto no. Sí que esperábamos que fuera increíble, como así ha sido.

Sobre las tablas del Teatro Principal presentando V/H/S Viral.

Sobre las tablas del Teatro Principal presentando V/H/S Viral.

– Desde su mismo nacimiento, la saga V/H/S se ha nutrido de varios de los nombres más interesantes dentro del panorama del cine de terror independiente actual. ¿Interpretáis vuestra participación en el proyecto como una especie de reconocimiento hacia vuestro trabajo?

Bueno, seguro que no fuimos la primera elección que tuvieron. Está claro que debieron de ser varios los que dijeron que no para que finalmente tuvieran que recurrir a nosotros (risas). Sea como fuese, el caso es que, repasando todos los directores prestigiosos que han trabajado en la franquicia, es un honor el poder figurar en esa lista.

– Como cineastas, ¿cuáles creéis que son las ventajas e inconvenientes de participar en un film de episodios?

Las ventajas e inconvenientes acaban siendo las mismas que te puedes encontrar al hacer un film estándar. La ventaja más evidente es que, al pertenecer V/H/S Viral a una franquicia muy conocida y respetada, nos ofrece la oportunidad de que nuestro trabajo sea visto por una audiencia enorme. Normalmente, cuando haces un cortometraje, el público que va a poder verlo suele ser bastante limitado. Pero en este caso sabíamos que gracias a la reputación de la que goza V/H/S esta vez no iba a ser así. Es decir, que con una inversión relativamente pequeña podíamos contar una historia totalmente alocada como la nuestra y que fuera vista por mucha gente. Y eso es a su vez la mayor desventaja: llegar a un público tan amplio con una obra que es un poco rareza y correr el riesgo de que no funcione. Finalmente hemos hecho una especie de híbrido entre comedia, terror y acción en el que se mezclan cosas tan diferentes entre sí como Mortal Kombat, un video de skate de Tony Hawk y Kids. El hecho de mezclar todo eso ha supuesto también un reto interesante.

– Aunque si no recuerdo mal, en Resolution se empleaba este estilo puntualmente, ¿el que tuvierais que adoptar el formato found footage ha variado mucho vuestra forma de trabajar con respecto a un rodaje convencional?

Resulta obvio que nuestro segmento para V/H/S Viral no hubiera funcionado si no era bajo un estilo found footage. Era obligatorio que así fuese, ya que de lo contrario la historia resultaría demasiado tonta. Una de las principales peculiaridades de adoptar este estilo es que debíamos de jugar con muchísimas cámaras al mismo tiempo. No podíamos rodar simplemente con una única cámara estratégicamente colocada. Esto nos obligó a estar mucho más abiertos, a ser muchísimo más flexibles, y a hacer las cosas de una forma que no era la convencional. En este sentido, Resolution sí que era mucho más tradicional desde el punto de vista del rodaje. También algo que hizo que la experiencia fuera muy, muy diferente, fue el proceso de edición al tener que encajar todas las imágenes que habíamos tomado con nueve cámaras diferentes. En otras ocasiones a la hora del montaje teníamos las ideas muy claras, pero aquí quizás solo un tercio de todo el material rodado sabíamos de antemano cómo iba a encajar, mientras que el resto era toda una incógnita. En cualquier caso ha sido una experiencia muy divertida y algo totalmente nuevo, porque tampoco teníamos ninguna práctica trabajando con tanta acción.

11 Entrevista

– ¿Por qué os decantasteis por la cultura skater para protagonizar vuestro capítulo?

Partiendo de la premisa del found footage, siempre nos pareció interesante desde el principio buscar la motivación de qué tipo de personajes podían estar utilizando cámaras que les estuvieran rodando a medida que ellos iban avanzando en la acción. Entonces se nos ocurrió la idea de utilizar a los skaters que, además, podían imprimir a esa acción un ritmo muy rápido. Por otra parte, nos pareció visualmente algo muy atractivo, especialmente hacia el final del capítulo, cuando comienzan a utilizar sus cámaras como espadas para luchar contra las entidades que se encuentran en su camino. El problema fue que una vez en el rodaje fue dificilísimo llevar a cabo esta idea y casi nos cuesta la vida.

– ¿Cuáles fueron esas dificultades a las que aludís?

Todo ha sido difícil y complicado. Encontrar las localizaciones donde rodar en Los Ángeles debido a la estricta reglamentación que hay que respetar fue difícil, y hacer el casting una complicación, porque está claro que si pones un anuncio en el que pides actores skaters cualquier actor que necesite trabajar va a aprender en un fin de semana cuatro nociones básicas y se va a presentar a la prueba. Así que, para evitar eso, lo que hicimos fue ir a ver a verdaderos skaters y observarlos como si fuéramos policías, para intentar detectar a aquellos que pudieran funcionar como actores. Otro problema que surgió más adelante fue que, al ser todo el segmento de acción, el rodar esas secuencias con la seguridad suficiente e intentando que todo el mundo trabajara a gusto fue complejo, y más con el calor sofocante que tuvimos que soportar durante la filmación. Además, para colmo de males, en pleno rodaje nos encontramos con un cadáver en una de las localizaciones, con el consiguiente despliegue de medios policiales. También el que parte de la película se filmara en Tijuana resultó ser peligroso, en especial para pasearse con los equipos tan costosos que necesitamos para llevar a cabo nuestro trabajo. Por último, y por los motivos que te comentábamos antes, durante la postproducción nos pasamos entre dos y tres meses cortando, editando y montando el material, lo que, comparado con la duración del segmento, significa muchísimo tiempo. En definitiva: fue una tortura.

13 Presentacion Teatro Principal

– Tras Spring y vuestro capítulo para V/H/S Viral, ¿en qué os encontráis trabajando actualmente?

Tenemos pensado empezar a buscar localizaciones inmediatamente para nuestra próxima película, que girará en torno a Aleister Crowley. Por otra parte, estamos también embarcados en una serie de televisión de la que, por el momento, no podemos decir gran cosa. Lo que sí podemos adelantar es que habrá skaters y tendrá lugar en San Diego. Será un proyecto parecido a Resolution, muy centrado en los personajes.

– Me resulta imposible dejaros de preguntar por más detalles de esa película sobre Aleister Crowley…

La historia se centrará en una semana concreta de la vida de Crowley. Más o menos, cuando tenía veinticinco años de edad. Pero aunque nos vamos a centrar solamente en esa semana, a partir de esa premisa intentaremos incorporar distintos eventos que pudieron marcar su trayectoria. Tendrá un arranque un poco al estilo de Pulp Fiction y también habrá mucha sangre. Eso es de momento todo lo que podemos decir de ella.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías: Juan Mari Ripalda

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