Entrevista a Alberto Marini, director de “Summer Camp”

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Como puede comprobarse echando un vistazo a su filmografía, Alberto Marini es toda una institución dentro del cine fantástico realizado en nuestro país durante los últimos años. Guionista de Romasanta: la caza de la bestia, Mientras duermes y Extinction, ha intervenido también desempeñando labores de producción en las tres primeras entregas de la saga [REC] o el film de los hermanos Pastor Los últimos días. Con todo este bagaje a sus espaldas, a finales del año pasado este italiano nacido en Turín en 1972 firmaba su ópera prima como director con Summer Camp bajo la producción de Jaume Balagueró. Ambientada en el norte de España, la película ofrece un novedoso enfoque al manido tema de los infectados, de espíritu festivo y ritmo trepidante, que destaca por su capacidad para sorprender y descolocar al espectador en todo momento.

Después de ser estrenada en diferentes países como México o los Estados Unidos, a la sazón coproductor de la cinta, Summer Camp aterriza este fin de semana en salas españolas. Lo hace tras realizar un dilatado y exitoso recorrido por certámenes cinematográficos de todo el mundo. Su última parada antes de su estreno comercial en España se produciría durante la pasada edición del Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid-NOCTURNA, donde Summer Camp participaría formando parte de la Sección Oficial.

Summer Camp supone tu ópera prima como director tras una larga carrera como productor y guionista. ¿Qué te lleva a dar este salto?

Era algo que siempre había perseguido. Desde niño mi ilusión era convertirme en director de cine. Todo surgió cuando con aproximadamente diez años vi Rojo oscuro de Dario Argento, que está rodada en Turín, la ciudad en la que nací. La vi a trozos, porque me daba mucho miedo, pero se convirtió en una cuestión de orgullo el poder acabar la película. Lo pasé mal, pero cuando la acabé me sentía fascinado por lo que había vivido. Así que les dije a mis padres que ya no quería ser veterinario, que lo que quería era ser director de películas de miedo. Y desde entonces fue algo que se fue quedando ahí.

Aunque me licencié como abogado, empecé a trabajar en el cine como consultor de guiones, guionista y en producción. Eran trabajos que me gustaban mucho, por lo que se puede decir que estaba en paz conmigo mismo, pero todo cambió cuando se presentó la posibilidad de poder rodar una película que era Mientras duermes, y que por distintas razones la acabó dirigiendo Jaume Balagueró, afortunadamente. Pero esto terminó por despertarme el gusanillo y coincidiendo con un momento en el que no tenía encargos de escritura ni producciones, tras haber acabado Los últimos días, decidí dedicarme a buscar un proyecto que pudiera dirigir.

En la película fusionas dos temáticas que ya habías tratado en algunos de los trabajos previos en los que habías participado como los zombis y la licantropía…

Soy un poco tiquismiquis, y a mí, en realidad, no me gustan los zombis; lo que me gustan son los infectados. Los zombis juegan con el miedo a la muerte y a mí lo que me da miedo es la gente, las personas que pierden el control o los sociópatas que no se inhiben. Es por eso que me gustan los infectados, porque de algún modo representan este concepto. Partiendo de estos miedos que más terror me provocan trabajé junto a mi coguionista Danielle Schleif una mitología que resultara original. Entonces mezclamos la figura de los infectados con la de los hombres lobo para crear ese juego de la desinhibición de los instintos y posterior recuperación de la humanidad. La idea de la película era llegar a un momento en que todos los personajes hiciesen salvajadas estuviesen o no infectados, ya que soy de la idea de que los seres humanos somos malvados por naturaleza y solo inhibiendo nuestros instintos logramos ser sociables, aunque en realidad sea porque nos estamos reprimiendo.

Alberto junto a Luis Rosales, director de NOCTURNA, durante la rueda de prensa de "Summer Camp" en el festival madrileño.

Alberto junto a Luis Rosales, director de NOCTURNA, durante la rueda de prensa de “Summer Camp” en el festival madrileño.

En otras entrevistas has reivindicado el buen nombre del que goza el cine fantástico español más allá de nuestras fronteras. ¿Es algo que de algún modo te ha influenciado en la configuración de la película, ambientada en España pero protagonizada por personajes extranjeros?

Sí, claro. Para mí es un plus el hecho de que yo viva en España y esté asociado al género español. No reniego de mis raíces italianas, ni mucho menos, pero el nombre que tiene el cine español fuera te diría que es único en Europa. Por eso nuestra intención era que la película se rodara en inglés de cara al mercado internacional, pero que al tiempo fuera evidente su condición de película de género española. De ahí el tener un productor como Jaume y el rodar en España con técnicos españoles asociados al género que tienen un nombre en sí mismos como Pablo Rosso, director de fotografía de la saga [REC], entre otras, o Marc Bech, que ha trabajado con Guillermo del Toro. En resumidas cuentas, mi planteamiento era que la película tuviera un empaque norteamericano, pero que se supiera que se trataba de cine de terror español.

Para tal fin, habéis contado con la participación de Lionsgate, hoy por hoy una de las productoras más importantes dentro de la industria estadounidense. ¿Cómo conseguisteis implicarles en el proyecto y qué tal ha resultado la experiencia?

Cuando decidimos hacer Summer Camp y vimos que tenía que ser una película para el mercado internacional, lo que quisimos desde un primer momento fue tener una respuesta del mercado norteamericano. Entonces, nuestra intención era trabajar con productores estadounidenses, fueran o no un estudio. Gracias a Jaume Balagueró nos reunimos con distintas personas, y una de ellas resultó ser Peter Safran que, entre otras cosas, es el productor de Expediente Warren, y que ha sido el padrino de Summer Camp en los Estados Unidos. A través de él entró en el proyecto Lionsgate por medio de Pantelion Films, que es una filial especializada en hacer películas tanto en castellano como en inglés para el público latino.

En cuanto a la experiencia, bien. No era la primera vez que trabajábamos con americanos, por lo que ya conocíamos cuál es su dinámica. El único problema que tuvimos fue el baile de ejecutivos que hubo en Pantelion, ya que la persona con la que hablamos en un principio abandonó la empresa y no nombraron a nadie que lo reemplazara directamente, sino que teníamos que ponernos en contacto con el responsable de México y el de Los Ángeles, lo que complicó el flujo de comunicación. Pero más allá de eso, el estudio ha apoyado para que consiguiéramos hacer el film que queríamos.

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Pasando a hablar de la película propiamente dicha, parece obvio que Summer Camp busca la complicidad del espectador para jugar con él. En vista de ello, ¿puede decirse que está especialmente dirigida a los fans del cine de terror?

Te diría que sí. Es una película que, por lo que hemos visto en muchos de los festivales en los que ha sido seleccionada, genera más emoción, más simpatía y más fascinación entre los fans del género al jugar con las convenciones y los clichés del estilo, además de plantear escenas clásicas vistas en otras muchas películas y reinterpretarlas de forma distinta. Todo ello hace que el espectador que entra en este juego la disfrute muchísimo más.

El leitmotiv que subyace bajo el argumento es la confianza en los demás. ¿Qué es lo que querías transmitir al adoptarlo?

Como te he dicho antes, soy bastante escéptico con la naturaleza humana. Y todas estas pruebas sobre la confianza que ahora están de moda para crear vínculos, como las que suelen hacerse en los campamentos de verano o esas excursiones de fin de semana que organizan muchas empresas para fomentar y potenciar la sinergia entre sus empleados, las veo con mucha distancia. Por ello, me apetecía meterme con esta tendencia.

La confianza es algo que es difícil de ganar y, por otra parte, creo que es muy difícil conocer de verdad a una persona. A veces llamamos con mucha facilidad amigos a gente que no lo son y que, en realidad, son auténticos desconocidos. La prueba de ello la tienes en Facebook. Y en el momento en que las cosas se tuercen o la premisa cambia ves la verdadera naturaleza de cada uno y compruebas quién es tu amigo y quién no. A partir de este razonamiento nos vino la idea de poner a cuatro personajes distintos, supuestamente amigos al haber superado las pruebas de confianza, y enfrentarlos a una situación problemática para comprobar si esa confianza que habían logrado era real o no. Y no…

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En mi opinión, una de las principales cualidades con las que cuenta el film es su extraordinaria capacidad para poner patas arriba lo que está sucediendo en pantalla cada cinco minutos. ¿Fue esa la idea con la que nació?

La idea era que fuera una especie de montaña rusa con cambios de roles continuos. Aunque no sabíamos si iba a funcionar bien o no, nuestra apuesta era hacer una película donde los personajes positivos y negativos intercambiaran sus papeles de manera bastante repentina, de modo que la empatía del público fuera pasando de uno a otro.

¿Y cómo te las ingeniaste para que ese concepto que funcionaba en el papel lo hiciera también una vez traducido a imágenes?

A nivel de guion nos marcamos un ritmo en el que no hubiera demasiados momentos de tranquilidad, y a la hora de rodar les avisé a los actores que iba a ser una película adrenalínica. Por ello en el casting, aparte de pruebas de interpretación, también hicimos pruebas físicas y ensayamos muchísimo con los especialistas las secuencias de acción. En cuanto a la planificación, sabíamos que no podíamos tener la cámara demasiado parada. En definitiva, el ritmo es una de las claves de esta película.

¿En la consecución de ese ritmo tuvo mucho que ver el trabajo en la sala de montaje o, por el contrario, estaba ya todo más o menos marcado en el material rodado?

La película fue rodada para que tuviera ritmo y después en el montaje se acabó de perfilar. Es verdad que la rodamos en muy poco tiempo, cinco semanas, pero contamos con dos o tres cámaras de forma simultánea, por lo que contábamos con bastante variedad de planos. Ya en el montaje, tanto Álex de Molina como Nacho Ruiz han podido sacar cosas y mejorar lo que había.

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Dados tus antecedentes como guionista, estarás acostumbrado a escribir los libretos imaginándote las cosas de una forma y que después el director encargado de convertir esa historia en imágenes lo reinterprete a su manera. ¿Cuánto ha acabado pareciéndose Summer Camp a lo que tenías en la cabeza cuando redactabas su guion?

Pues ha acabado siendo como más o menos yo la veía en el guion, aunque también ha habido elementos que han ido evolucionando, otras que han cambiado y, aparte, está la creatividad que surge en el rodaje. Y esa creatividad es algo que no prevés. Por ejemplo, Danielle Schleif, la coguionista, está muy contenta con cómo ha quedado la película, pero sin embargo la ve distinta a como ella se la imaginaba.

En cualquier caso es algo que va con la profesión y entiendo que es un proceso natural que cuando un director convierte un guion en una película no se dedica a copiar al pie de la letra simplemente. Entre medias hay un proceso creativo muy importante en el que él interpreta el material y en el que el guion va a cambiar y evolucionar necesariamente.

La película ha contado con un amplio recorrido en festivales. ¿Ha sido una forma de hacer ruido al tratarse del trabajo de un director novel?

Para hacer ruido y para testar la película también. El éxito o el fracaso de Summer Camp no solo consiste en la recepción que obtenga de forma doméstica, sino que se mide en el mercado internacional. De momento estamos muy contentos en que la película haya recuperado la inversión y que haya sido estrenada en salas de lugares tan distintos como México, Estados Unidos o Malasia, y que en los próximos meses vaya hacerlo en una veintena de países más. Lógicamente habrá sitios donde funcionará menos y otros en los que lo hará más, pero lo que valoramos es haber conseguido esa distribución internacional.

Por otra parte esto forma parte de una tendencia, no es algo que marquemos nosotros. Desde hace unos años el cine de género realizado en España no está únicamente pensado para ser amortizado con lo que se consiga con su explotación en el país, sino que está dirigido para su consumo en el mercado exterior. Y en el caso de Summer Camp yo estoy convencido de que es una película que seguramente funcionará mucho mejor fuera de lo que lo hará aquí.

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Y tras Summer Camp, ¿qué planes de futuro tienes? ¿Piensas volver a dirigir en breve?

Ahora mismo estoy implicado en varios proyectos como guionista, que es mi ocupación habitual. Uno de ellos es el libreto para la que será la tercera película de Dani de la Torre, a quien ya escribí la que ha sido su ópera prima, El desconocido. También estoy trabajando en Feedback, una película de un director novel, Pedro C. Alonso, y que va a contar con la producción de VACA Films y Ombra, la productora de Jaume Collet-Serra. Aparte, hay también una idea para una película de terror como director. Aunque soy consciente que al final acabaré interviniendo de algún modo en el guion, mi intención es que en esta ocasión esté escrito por otro.

Una curiosidad. Como conocedor que eres del modo de funcionar de la industria, ¿qué ocurre en tu país para que, mientras que en otras naciones tan próximas geográfica y culturalmente como España o Francia exista una producción de cine fantástico más o menos asentada, en Italia no hay manera de que ocurra lo mismo?

No lo sé. Soy muy aficionado al cine fantástico realizado en Italia en los años setenta, en particular el de Dario Argento, pero también del de los Bava, Mario y Lamberto, Fulci o Pupi Avati, sobre todo de su película La casa dalle finestre che ridono, que me parece una obra maestra. Y me da mucha pena que no haya habido una nueva generación de directores capaces de construir un discurso propio sobre esta herencia. Sí que existen algunos directores, pero se limitan a repetir la misma fórmula que ya se utilizaba en los años setenta.

Aparte, en Italia la palabra “horror” siempre ha estado asociada a entrañas y sangre. Es por eso que este tipo de cine siempre ha sido un nicho, incluso con Dario Argento, al contrario de lo que ha pasado en España, donde el terror siempre ha contado con una dignidad de mainstream. Películas como ¿Quién puede matar a un niño? de Chicho Ibáñez Serrador no eran solo para los fans del género, sino que llegaban a un público más amplio. Y después, gracias sobre todo a Álex de la Iglesia, Balagueró, Amenábar y algunos otros, se ha demostrado que es un género que, tratado con calidad, abría las puertas del mainstream y llegaba al exterior.

Y como fan del cine de terror italiano clásico que te declaras, ¿no te has planteado nunca hacer tu propia interpretación de aquel estilo?

La verdad es que no lo he pensado. Me parece curioso el hecho de tener cuarenta años y haber trabajado en películas en castellano, en películas en catalán, en películas en inglés, en una película traducida al japonés, pero nunca lo haya hecho en una en italiano. Y no lo digo solo por el género en sí. Me parece raro y sé que es algo que tengo que suplir de alguna manera. Pero hacer una película de terror en italiano es complicado, porque no creo que haya un público muy predispuesto a ello.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografía: Juan Mari Ripalda

Published in: on junio 10, 2016 at 5:45 am  Dejar un comentario  
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