Entrevista a Joe Penna, director de “Ártico”

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Ártico (Artic, 2018) supone la ópera prima como director de Joe Penna, cineasta de origen brasileño afincado en los Estados Unidos. Tras alcanzar una gran celebridad en YouTube bajo el nombre de MysteryGuitarMan, donde ha sido el responsable de fenómenos virales como el de Guitar: Impossible (2009), un video en stop motion que lleva acumulados más de dieciséis millones de visionados hasta la fecha, además de ser expuesto en el Guggenheim, Penna toma la alternativa en el formato largo con este film de supervivencia de corte minimalista. Las peripecias en las que se ve envuelto su protagonista por los parajes helados del ártico en su incierta y desesperada marcha emprendida para ser rescatado es la base de un film que refleja la lucha del hombre con la naturaleza y la capacidad del ser humano para superarse ante las circunstancias adversas, erigiéndose en un canto a la esperanza ante el infortunio. Entre los atributos que posee la película, destaca por derecho propio la extraordinaria interpretación de Mads Mikkelsen, quien sin apenas diálogos ni más actores con los que interactuar, logra expresar a través de gestos y miradas las muy diferentes emociones y estados de ánimo que atraviesa su personaje a lo largo de su odisea por la nieve. No obstante, el camino no ha sido para nada fácil, como atestigua el hecho de que el propio Mikkelsen no ha dudado en calificar la experiencia como “el rodaje más duro de mi carrera”, debido a las duras condiciones climatológicas a las que tuvo que enfrentarse el equipo durante la filmación en tierras islandesas.

Tras vivir su premiere mundial en el Festival de Cannes de 2018 y participar en la pasada edición del Festival de Sitges formando parte de la sección “Òrbita”, Ártico fue la encargada de protagonizar la gala de inauguración de la vigésimo quinta edición del Festival de Cine Fantástico de Bilbao-FANT, donde estuvo acompañada por Joe Penna.

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Tras convertirte en toda una celebridad en YouTube debido a tus videos, ¿qué te lleva a dirigir cine?

Para mí ha sido una progresión natural. Empecé haciendo videos en YouTube y acabé rodando aproximadamente unos trescientos. Hacía unos dos o tres por semana. De ahí pasé a filmar anuncios comerciales para la televisión de empresas como Disney, Coca-Cola o McDonalds. De los anuncios, la progresión me llevó a los videos musicales y, tras esto, di el paso de hacer cortometrajes, en los que trabajó con gente como Ron Howard u otro con el creador de The Walking Dead[1] con el que participé en el Festival de Tribeca. Fue entonces cuando sentí que estaba listo para realizar un largometraje, especialmente después de realizar un corto de cuarenta minutos de duración llamado Beyond (2015). Busqué y busqué la película adecuada para dar el salto, pero no la encontraba porque nadie confía en un director primerizo. Algunas de las personas con las que contacté querían que hiciese cosas muy similares a las que hacía en mi canal de YouTube, así que decidí hacerlo yo mismo.

Sobre el papel, una película como Ártico puede parecer muy sencilla dado su naturaleza minimalista, pero, sin embargo, si la analizamos detenidamente resulta bastante compleja. ¿Cuáles fueron los principales desafíos que te presentaba la película, sobre todo al ser un director debutante?

El reto más importante fue, sobre todo, lidiar con la climatología. Originalmente teníamos planificado rodar durante treinta días, pero al final solo pudimos hacerlo diecinueve por culpa del tiempo, que no nos permitía salir. En esos casos teníamos que quedarnos sentados en el hotel esperando a que la tormenta pasara. Por tanto, no podíamos planificar horarios ni calendarios de rodaje, porque no sabíamos qué nos iba a deparar el tiempo. Esto motivó que tuviéramos que dejar de rodar partes de escenas por separado y filmar las secuencias completas dependiendo de la meteorología. Así que nos despertábamos y, si veíamos que llovía, por ejemplo, hacíamos las escenas del interior del avión; si, por el contrario, nevaba, hacíamos las escenas que transcurrían en la nieve, y así todo. Por suerte, tuve un equipo y un actor principal muy flexibles. Gracias a ello, a su entusiasmo y su optimismo, pudimos llevar la película adelante. Creo que en esto también influyó el que yo me asegurara de formar un equipo en el que todo el mundo estuviera muy contento todo el tiempo. Aun así, tuve que despedir a mi director de fotografía original, que tiene un Oscar en su haber, dos semanas antes de comenzar el rodaje y contratar en su puesto a un director de fotografía local que solo había hecho dos o tres películas, porque sentí que era una mejor elección para nosotros ya que conocía perfectamente la climatología y siempre tenía una sonrisa en la cara.

Imagino que otro de los retos fue hacer que, dado su planteamiento argumental, centrado en las vicisitudes que atraviesa su personaje protagonista a lo largo de su travesía a través del ártico, la película no resultara aburrida y repetitiva…

Lo que hice fue crear lo que yo llamo “misterios”; a veces grandes misterios y, otras, pequeños. Un misterio pequeño puede ser ¿qué es ese apilamiento de piedras? ¿Por qué le importan tanto al protagonista? Y más tarde descubres la respuesta. Otro pequeño misterio ocurre al comienzo de la película: ¿Qué está cavando? Y al poco tiempo te das cuenta de que lo que está haciendo es una señal gigante de S.O.S. Y luego hay misterios grandes, como es de dónde viene el protagonista, cómo se llama, que hacía antes o por qué está en el avión. Me dirán: “Pero ¿por qué no incluir un flashback en el que se clarifiquen todas estas dudas?” No, estos misterios no son los que importan. Lo que importa es lo que pasa durante la acción, durante los noventa y siete minutos que dura la película. No importa lo que haya ocurrido en el pasado, porque es una película que no trata de lo le ha llevado hasta allí, de si se ha peleado con su padre antes de tomar el vuelo y es por eso que se estrelló en el avión, o si fue porque había bebido antes de iniciar el vuelo. No es una historia de redención, al fin y al cabo. No es una historia que mira al pasado, sino que es una historia que se plantea en el presente y pienso que así es más fácil que el espectador pueda ponerse en el lugar del protagonista.

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Joe Penna durante un momento de la rueda de prensa de “Ártico” en FANT.

Teniendo en cuenta estas características, la interpretación de Mads Mikkelsen se erige en uno de los principales activos con los que cuenta el film. ¿Cómo llegaste hasta él?

Para nosotros era importante tener un actor de primera línea mundial. Pero al ser un director principiante era algo muy complicado. Tenía una lista muy pequeñita con algunos nombres de actores que pensaba que podían hacer el papel y el de Mads estaba en lo alto de la lista. Conocí a alguien, que conocía alguien, que conocía a Mads. Pero teníamos el problema añadido de que íbamos contrarreloj, ya que cada vez había menos nieve en Islandia. Así que, si no nos dábamos prisa, tendríamos que esperar un año entero hasta el siguiente invierno para poder rodar la película. Finalmente pude contactar con Mads, hablamos durante tres horas y le gustó mi manera de encarar la película. Lo primero que me preguntó era por qué no sabíamos nada del pasado del personaje, y cuando le conté las mismas razones que te he explicado antes me contestó: “Estoy dentro. ¿Cómo preparamos la logística para poder hacer esta película?”

¿Qué otros nombres eran los que barajabas para el papel junto a Mads?

Sabíamos que Charlize Theron estaba disponible e interesada en hacer una película de estas características. Para mí el género del o de la protagonista no era importante, siempre que la persona a la que fuese a rescatar fuese del género opuesto y que también hablase un idioma diferente al de él o ella. No quería que la persona que le salva fuese alguien que conociese. También se pensó en Gael García Bernal, pero no estaba disponible, o Chris Evans, ya que lo había visto en Snowpiercer. Rompenieves (Snowpiercer, 2013) y sabía que podía hacerlo, aunque en ese caso la película hubiese sido distinta. Pero Mads siempre fue el primero de la lista.

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Otro elemento de vital importancia en el film son los parajes en los que se desarrolla la historia. ¿Cómo fue el trabajo para que se convirtieran en un personaje más, al mismo tiempo que transmitías su inmensidad y la desolación y adversidad que encierra?

Para transmitir la inmensidad y la adversidad de los parajes he confiado en el trabajo de expertos en localizaciones locales muy experimentados que habían nacido y rodado allí y, por lo tanto, conocían muy bien los lugares específicos donde podíamos filmar. Tanto es así que yo les enseñaba una foto de algún sitio que había visto en internet y ellos sabían exactamente dónde se encontraba, cuando yo solo veía hielo. Me decían, por ejemplo: “Ese lugar es complicado para llegar; tardaríamos cinco horas en llegar y otras cinco en volver y solo podrás rodar durante dos horas. ¿Estás seguro?” Entonces, ellos me proponían otra localización similar que estuviera más cerca para rodar esa escena. Por ejemplo, la secuencia de la cueva la quisimos filmar al principio, fuimos hasta la cueva donde íbamos a rodarla y estaba llena de hielo, pero no había solidificado. ¿Qué ocurrió? Que me hundí hasta la cintura en el agua helada y tuvieron que sacarme. Así que nos vimos obligados a buscar otra cueva que estuviera en unas condiciones más propicias para poder rodar. Y gracias a estos expertos locales tuve para elegir una opción A, una B y una C de localizaciones, según quisiera rodar cada secuencia. A nivel de logística el film ha sido una pesadilla, pero tuve un grupo muy talentoso de ayudantes de dirección, buscadores de localizaciones y productores que además conocían bien el país.

¿Y cómo es la escritura de un guion de una película como esta, en la que apenas hay diálogos y la narrativa está centrada casi exclusivamente en el aspecto visual?

En el primer guion teníamos algunas frases en las que el personaje hablaba para sí mismo, en plan: “Tengo frío”, “estoy comiendo” o “tengo mucha hambre”. Realmente, yo estos diálogos no quería incluirlos en la película, pero era la forma más fácil de contar sobre el papel la historia. Un guion no es una cosa visual, por lo que es muy difícil reflejar en él si el personaje tiene hambre, tiene frío o cualquier cosa por el estilo. Así que teníamos muchos diálogos escritos en el guion que yo no tenía intención de grabar. Aún con todo, el guion solo tenía cuarenta y cinco páginas, lo que hacía que los productores estuvieran un poco preocupados, porque necesitábamos que la película durara ochenta y ocho minutos. Pero yo les dije que no se preocuparan; Mads podía comerse un pescado durante quince minutos haciendo que resultara muy interesante.

Por cierto, según tengo entendido, originalmente el guion transcurría en Marte. ¿Por qué cambiaste su ambientación geográfica hasta el ártico?

En efecto, la primera versión del guion se desarrollaba en Marte. Pero cuando mandé el guion a mis agentes me enviaron un link a YouTube del tráiler de Marte (The Martian, 2015) de Ridley Scott, para que me diera cuenta de lo difícil que iba a ser hacer la película, ya que se trataba básicamente de la misma historia. Fue entonces cuando decidimos cambiar la ambientación original y trasladarla hasta el ártico. No obstante, en un primer momento yo no quería cambiar la ambientación al ártico, ya que sabía que iba a ser un rodaje difícil. Yo prefería un desierto o cualquier otro sitio que no fuera el ártico. Pero el coguionista, Ryan Morrison, que es también mi montador desde hace aproximadamente diez años, me enseñó unas fotografías de Islandia para que me lo pensara. Vi lo hermosos y bonitos que son esos parajes y me convenció de que esa ambientación era la idónea para la película.

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Sin entrar en spoilers, el desenlace de la película es un tanto abierto, quedando su interpretación a juicio del espectador. Una decisión arriesgada, en estos tiempos en los que las películas pecan, precisamente, de todo lo contrario…

Había tres formas de enfocar la película. Una era a la manera francesa, en la que el helicóptero no regresa y al final todos mueren, hasta el oso. La otra era la hollywoodiense, donde los tripulantes del helicóptero descienden del aparato, revisan el pulso del personaje y en el último segundo este respira, respira muy hondo. Cortamos y saltamos hasta seis meses después y la mujer está embarazada. Todo el mundo está feliz, porque todo el mundo ha sobrevivido. Pero yo quería hacer un término medio entre ambas opciones, que no fuera ni tan pesimista ni tan facilona. Por eso me decanté por esta, en la que no sabemos exactamente qué es lo que pasa y todo queda a la interpretación del espectador.

Creo que actualmente te encuentras preparando tu siguiente película, un thriller llamado Stowaway que se ambienta durante un viaje espacial, curiosamente, a Marte. ¿Qué nos puedes adelantar de este proyecto?

Estoy muy, muy contento con el elenco de actores que tengo en esta película. La protagonista es Anna Kendrick y también tenemos a Toni Collete. Espero poder anunciar pronto a los otros dos protagonistas. Al contrario que Ártico, es una historia que transcurre íntegramente en interiores. En el interior de una nave espacial que se dirige a Marte, para ser más exactos. Es algo del estilo de la película Náufragos (Lifeboat, 1944) de Alfred Hitchcock. Trata sobre cuatro personajes que viajan dentro de una nave espacial en la que, de repente, se produce un accidente por el que los tripulantes se quedan sin recursos y sin el oxígeno necesario para llegar a Marte, en una travesía que dura seis meses. Entonces el intríngulis de la película es saber quién va a llegar a Marte y cómo lo van a decidir.

José Luis Salvador Estébenez

[1] Nota del autor: Se refiere a Turning Point (2015), corto que fue (co)producido por Robert Kirkman.

Traducción: Tarik Amarouch García

Fotografías: Juan Mari Ripalda

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