“Cavernícola” a la venta en DVD y Blu-ray el 20 de junio

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Publicada por Vértice, el próximo 20 de junio Cameo pone a la venta en DVD y Blu-ray la película de animación por stop-motion Cavernícola (Early Man, 2018) de Nick Park. Casi trece años después de su anterior película, el creador de Wallace & Gromit o la oveja Shaun ha vuelto a la gran pantalla con esta película que ha supuesto el séptimo largometraje producido por la especializada casa Aardman Animations y el primero realizado en solitario el propio Park, puesto que sus anteriores trabajos habían sido codirigidos. Una ocasión de lo más especial para la que la compañía no ha reparado en gastos, posibilitando la que han anunciado como “la producción más grande realizada por Aardman en sus más de cuarenta años de historia”, lo cual se deja sentir en el extraordinario acabado técnico que luce su acabado.

El argumento nos pone tras la pista de Dug y Hognob, un cavernícola y un jabalí de una tribu de la Edad de Piedra que se enfrenta a la llegada de unos invasores liderados por el moderno y malvado villano Lord Nooth, que pretende instaurar la Edad de Bronce. Con el objetivo de hacerse un hueco en la historia, competirán de la mejor forma que sus ancestros les enseñaron: con “el juego sagrado”, un ritual sorprendentemente parecido al fútbol actual. Dug y su mascota tendrán que sortear con gracia y astucia múltiples peligros y derrotar al malvado Lord Nooth para no perder su hogar.

La edición de Cavernícola incluye la película en su versión original y los correspondientes doblajes al castellano, catalán y euskera, subtítulos en castellano e imagen en 1.85:1 con mejora anamórfica y codificada en calidad 1080 24p en el caso del Blu-ray. Como extras se incluyen entre otros contenidos el tráiler y making of, hasta alcanzar los diez minutos de material adicional.

Published in: on mayo 31, 2018 at 6:12 am  Dejar un comentario  

“Coco” en DVD, Blu-ray y Blu-ray 3D desde el 4 de abril

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Ganadora del Oscar y el Globo de Oro a la Mejor película animada, aclamada por la crítica y el público en todo el mundo, y acreedora de una recaudación en la taquilla española de más de catorce millones de euros, Coco de Disney•Pixar, llegará a las tiendas españolas en DVD, Blu-ray, Blu-ray 3D y edición coleccionista en formato Steelbook con tres discos (Blu-ray, Blu-ray 3D y un disco extra) desde el 4 de abril. Antes, el 23 de marzo, estará en disponible en plataformas digitales .

En la familia de Coco tienen la enigmática prohibición de estar en contacto con la música. Pero Miguel sueña con convertirse en un músico consumado como su ídolo, Ernesto de la Cruz. Miguel desea con todas sus fuerzas demostrar su talento y acaba en la impresionante y colorida Tierra de los Muertos tras una misteriosa cadena de acontecimientos. A lo largo del camino, conocerá al encantador y tramposo Héctor y juntos emprenderán un viaje extraordinario para desvelar la verdad que subyace en la historia familiar de Miguel.

Con gran material extra e inédito de forma exclusiva en los formatos de alta definición, los aventureros de todas las edades acompañarán a los realizadores mientras se sumergen en el Día de los Muertos en México; explorarán el papel esencial de la música en la película y descubrirán cómo el reparto y el equipo de producción se conectan a nivel personal con el mensaje de la película. También podrán conocer en detalle a la familia de Miguel, el fiel perro xolo llamado Dante y los mundos de los vivos y los muertos. El material adicional también incluye el comentario de los realizadores. Solamente la edición Steelbook ofrece un disco exclusivo de material adicional con escenas eliminadas y mucho más.

Contenido extra en disco Blu-ray 2D:

  • “Bienvenido a la fiesta” (2min 14seg) (Audio: Inglés) (Subtítulos: Castellano, Checo, Inglés codificado para sordos) Una exploración musical de los esqueletos que hacen tan maravillosa e intrigante a la Tierra de los Muertos en Coco.
  • “Mi familia” (9min 45seg) (Audio: Inglés) (Subtítulos: Castellano, Checo, Inglés codificado para sordos) Desarrollar a los Rivera fue una tarea de amor que condujo al elenco y al equipo de producción a un viaje profundo hacia el significado de la familia.
  • “Dante” (6min 14seg) (Audio: Inglés) (Subtítulos: Castellano, Checo, Inglés codificado para sordos) Cómo el equipo de producción se enamoró de la singular raza de perros mexicana xoloitzcuintle (o “xolo”) que inspiró a Dante.
  • “Cómo dibujar un esqueleto” (3min 17seg) (Audio: Inglés) (Subtítulos: Castellano, Checo, Inglés codificado para sordos) El artista de Pixar Daniel Arriaga da una lección sobre la forma más rápida y fácil de dibujar esqueletos usando formas simples.
  • “Comentarios en audio” (1h 44min 53seg) (Audio: Inglés) (Subtítulos: Castellano, Inglés codificado para sordos) Presentado por Lee Unkrich (director), Adrián Molina (codirector) y Darla K. Anderson (productora).

Edición Blu-ray 3D

Incluye 2 discos, el de la edición Blu-ray 2D con los contenidos extras comentados, y el Blu-ray 3D sin material adicional.

Edición Steelbook

Incluye 3 discos: Blu-ray 2D con los contenidos extras anunciados; Blu-ray 3D sin material adicional; y un disco especial con el siguiente contenido adicional:

  • Mil fotos al día: Únete al equipo de producción de Coco en una bitácora de viaje a través de México, donde visitaron familias, artesanos, cementerios y pueblos pequeños durante el Día de los Muertos.
  • La música de Coco: Colaborando con músicos de México y algunos instrumentos muy singulares, este documental explora el hermoso collage de música que es parte esencial de la historia de Coco.
  • La tierra de nuestros antepasados: Mira cómo los artistas de Pixar construyen con gran cariño capa tras capa de la arquitectura de muchas eras de la historia de México para hacer cobrar vida a la Tierra de los Muertos.
  • Moda a través del tiempo: El elenco de personajes de Coco proviene de distintas épocas, lo que brindó magníficas oportunidades al diseño de vestuario.
  • La guitarra real: La majestuosa guitarra que envía a Miguel en su viaje por la Tierra de los Muertos es una creación única. Observa cómo fue diseñada en principio por un artista de Pixar y cómo se convirtió finalmente en un instrumento de verdad gracias a un experto luthier en esta poética oda a la producción artesanal.
  • Los caminos de Pixar Coco: Explora cómo las historias personales del equipo de producción de la película se vinculan con los temas del largometraje.
  • Cómo hacer un papel picado: Únete a la artista de Pixar Ana Ramírez González mientras aprendemos cómo se hace tradicionalmente el papel picado y luego podrás intentar tu propia versión de este arte manual.
  • ¡El papel es tuyo!
  • Escenas eliminadas:
    • Día de los Muertos– En esta espectacular escena musical, los colores y la emoción del Día de los Muertos cobran vida mientras conocemos a la superestrella Ernesto de la Cruz.
    • La costumbre de los Rivera– Un número musical en el que la Abuelita y Miguel preparan el festejo del Día de los Muertos mientras ella le enseña la historia familiar y las tradiciones de los Rivera.
    • Recorrido por las celebridades– Héctor, un guía de autobuses turísticos de la Tierra de los Muertos, acuerda ayudar a Miguel a buscar a De la Cruz luego de que se revela que es un niño vivo.
    • El escape en autobús– La familia Rivera encuentra a Miguel y Héctor e intenta detener su misión de encontrar a De la Cruz.
    • Ataque de alebrije– Un feroz alebrije interrumpe a Miguel y Héctor en su camino para encontrar a De la Cruz.
    • La reparación familiar– Después de que De la Cruz revela su verdadera naturaleza, la familia Rivera deja a un lado su preocupación y se reúne para reparar la guitarra destrozada que se necesita para enviar a Miguel de regreso a casa.
    • Hacia el puente– Mientras la Tierra de los Muertos realiza la cuenta regresiva hacia el final del Día de los Muertos, Miguel y De la Cruz se enfrentan cara a cara en el puente de caléndulas.
  • Tráilers y promos
Published in: on marzo 15, 2018 at 7:17 am  Dejar un comentario  

Dos nuevos lanzamientos de “Vial of Delicatessens” dentro de su linea underground

Vial of Delicatessens lanza hoy dos nuevas referencias de su línea underground, con un nuevo un largometraje animado de Popeye en edición limitada a cincuenta copias y un L.P. de Hip Hop de su sello musical Vial Music.

Frontal Puños Provisiona

Los puños salvajes de Popeye supone un nuevo largometraje de Popeye creado a partir de cortos clásicos que incluye la trilogía de la factoría Fleischer (Sindbad el marino, Popeye y la lámpara maravillosa y Popeye y los 40 ladrones), así como otros tantos cortos de los años 40, 50 y 60. Los puños salvajes de Popeye brinda un homenaje a aquellas películas que se estrenaban en nuestros cines en las décadas de los 60 y 70 que recopilaban cortos clásicos del personaje. Para hacerse una idea, está en la línea de Las nuevas aventuras de Popeye o Popeye brazo de hierro.

Con el fin de conservar las texturas y colores con las que fueron realizados de origen, el master se ha confeccionado a partir de cintas VHS gastadas, por lo que se conservan todos los fallos que estas pudieran tener, convirtiendo el visionado en una experiencia totalmente retroactiva. Vial of Delicatessens lanza esta edición limitada a cincuenta copias para coleccionistas, que en cuanto se agote no se volverá a reeditar.

La película se acompaña de un audiocomentario por parte de Ángel Codón Ramos y Víctor Olid explicando los pormenores de esta edición en concreto, y entre los contenidos extras se incluyen diversos cortometrajes en versión original censurados por contenidos racistas, machistas, misóginos, violentos o propagandísticos de los años 30.

Frontal Smooth Operators justicia callejera

En cuanto al nuevo lanzamiento de Vial Music, se trata de L.P. Justicia callejera, grabado y mezclado en Iglú Records por Esquimal Joe y masterizado en Itxura Estudioak por Fran Pérez. Dos años después del álbum Giallo, Esquimal Joe y Víctor Olid vuelven a unir sus fuerzas para este nuevo proyecto musicalmente inspirado en las viejas películas de justicieros urbanos de J. Lee Thompson o Michael Winner. Utilizando samplers de bandas sonoras de muchas de aquellas películas y bajo el nombre como formación de Smooth Operators, Esquimal Joe y Víctor Olid dan rienda suelta al rap más irreverente, políticamente incorrecto, fresco y underground de todo el panorama estatal. Una vuelta de tuerca excéntrica y colorida a lo que ya ofrecieron en Giallo. Además Olid y Esquimal cuentan con las colaboraciones de la formación segoviana Norte y Navarro que aportan variedad a los 16 tracks que conforman el disco.

Ambos productos salen a la venta a un P.V.P. de 5,99 € más 2, 40 € de gastos de manipulación y envío, y solo se pueden adquirir de forma exclusiva en la web del sello http://vialofdelicatessens.blogspot.com

Published in: on febrero 19, 2018 at 6:37 am  Dejar un comentario  

Cavernícola

CARTEL CAVERNÍCOLA

Título original: Early Man

Año: 2018 (Gran Bretaña)

Director: Nick Park

Productores: Richard Beek, Peter Lord, Nick Park, Carla Shelley, David Sproxton

Guionistas: Mark Burton, James Higginson, John O’Farrell, según una historia de Nick Park

Fotografía: Dave Alex Riddett

Música: Harry Gregson-Williams, Tom Howe

Intérpretes: Muñecos animados, con las voces de Eddie Redmayne (Dug), Tom Hiddleston (Lord Nooth), Maisie Williams (Goona), Timothy Spall (jefe Bobnar), Miriam Margolyes (reina Oofeefa), Richard Ayoade (Treebor), Mark Williams (Barry), Rob Brydon (paloma mensajera), Kayvan Novak (Dino), Johnny Vegas (Asbo), Selina Griffiths (Magma), Simon Greenall (Eemak), Gina Yashere (Gravelle), Luke Walton   (Huggelgrabber), Kevin Matadeen (Crowd), Nick Park (Cerdog)…

Sinopsis: Dug es miembro de una tribu de la Edad de Piedra que deberá de enfrentarse a la llegada al valle en el que habitan de unos invasores liderados por el malvado Lord Nooth, quien pretende instaurar la Edad de Bronce. Para resolver el conflicto, Dug desafiará a Lord Nooth al “juego sagrado” o, lo que es lo mismo, un partido de fútbol.

EARLY MAN

Siempre es motivo de regocijo el estreno de un nuevo film de Aardman Animations, posiblemente el que hoy por hoy es el principal taller especializado en animación por stop-motion. Máxime si su artífice es uno de los nombres claves de la factoría, Nick Park, ganador de cuatro Oscars por sus creaciones para el estudio. Casi trece años después de su anterior película, el creador de Wallace & Gromit o la oveja Shaun regresa a la gran pantalla con Cavernícola (Early Man, 2018), séptimo largometraje producido por Aardman Animations y primero cuya responsabilidad ha asumido en solitario el propio Nick Park, puesto que sus anteriores trabajos habían sido codirigidos. Una ocasión de lo más especial, sin duda, para la que la compañía no ha reparado en gastos, posibilitando la que se anuncia como “la producción más grande realizada por Aardman en sus más de cuarenta años de historia”.

EARLY MAN

El especial empeño puesto en su ejecución se deja sentir en las cifras que ha movido un rodaje que se ha prolongado desde mayo de 2016 hasta finales de 2017. Más de año y medio que ha requerido del concurso de un equipo formado por aproximadamente ciento cincuenta personas, de las que más de treinta eran los animadores encargados de dar vida a las doscientas treinta y tres marionetas que conforman los distintos personajes que aparecen a lo largo del film, fabricadas por veintitrés modeladores durante un periodo de más de treinta meses o, lo que es lo mismo, dos años y medio. Ni qué decir tiene que todo este impresionante esfuerzo tiene su reflejo en el nivel alcanzado por el producto resultante, al que no es difícil de catalogar de técnicamente perfecto. El diseño de personajes, acorde a la peculiar estética marca de la casa; la riqueza y el cuidado de los detalles; la fluidez de los movimientos… Todo brilla a gran altura dentro del conjunto, dando cuenta de la maestría y brillantez alcanzado a estas alturas por el estudio de Bristol, a tal punto de conseguir que el espectador olvide que se encuentra frente a una película de muñecos de plastilina animados de forma artesana.

EARLY MAN

Pero si en el apartado técnico Cavernícola es simplemente impecable, no se puede decir lo mismo de su libreto, escrito a seis manos por Mark Burton, James Higginson y John O’Farrell, a partir de una idea de Park. Ambientado en la prehistoria, en él se narra el choque de civilizaciones que se produce entre una tribu de la Edad de Piedra y los dirigentes de una ciudad de la Edad de Bronce, y que deberá dilucidarse en un anacrónico partido de fútbol[1]. El que el clan de la Edad de Bronce cuente con un equipo de fútbol plagado de estrellas, mientras que la tribu de la Edad de Piedra ni siquiera sepa jugar al balón, da una idea del convencionalismo con el que está formulado el relato. No hay pues duda de que, pese a su menor preparación y familiaridad con el juego, los protagonistas, es decir, la tribu de la Edad de Piedra, conseguirán sobreponerse a las circunstancias y se impondrán de forma épica y contra pronóstico a sus, a priori, muy superiores contrincantes, declarándose así vencedores del conflicto subyacente en liza, acorde al arquetípico esquema de las tramas de superación y trabajo en equipo visto en tantas y tantas películas de temática deportiva.

EARLY MAN

Dentro de la previsibilidad con lo que se desarrolla el argumento, existen, no obstante, ciertos apuntes que consiguen otorgar un mayor interés a su recorrido. Más allá de algunos detalles que pueden extrapolarse a la coyuntura actual, como puede ser el que los equipos vistan igual que los dos principales clubes de Manchester, ciudad en la que se ambienta la historia, o que la personalidad de alguno de los futbolistas de la Edad de Bronce parezca inspirada en la de determinados galácticos de cierto equipo de la capital de España, es el caso de la velada crítica que se establece sobre el modo en el que el fútbol moderno ha perdido su esencia en favor de otros intereses que tienen que ver poco con lo deportivo. Una intención que era reconocida por Park durante su visita a Madrid con motivo del estreno del film. “Con Cavernícola me gustaría reivindicar la vuelta al disfrute mismo del deporte, a la pasión. Ahora todo tiene que ver con el dinero”[2], declararía. La mercantilización del fútbol o esa máxima que lo considera el opio del pueblo es personificada por la actitud del personaje de Lord Nooth, el villano de la función, quien se dedica a duplicar el precio de la entrada en cada nuevo partido para disgusto de sus convecinos, quienes, pese a ello, acaban pagando la cantidad fijada con tal de disfrutar del espectáculo.

EARLY MAN

Junto con esta mirada sobre la pérdida de los valores originales del fútbol, algunos críticos han querido ver también ciertas alusiones a un tema de tan candente actualidad, sobre todo en su país de origen, como es el Brexit. Una posibilidad que, en primera instancia, puede parecer un tanto descabellada, pero que si se analiza detenidamente resulta de lo más plausible, si bien para ello se haga imprescindible ver la película en su versión original. Y es que, mientras que los principales integrantes de la ciudad de la Edad de Bronce son doblados con acentos europeos (francés, italiano, alemán…), los miembros de la tribu de la Edad de Piedra a los que los primeros han expulsado del valle en el que residían lo hacen en un perfecto inglés. No solo eso, sino que cada uno de ellos habla del modo a como lo hacen en diferentes regiones británicas. Por ejemplo, “Jefe claramente es londinense, Barry (el que tiene una roca como mejor amigo) es de Birmingham, mientras que Mongo es del norte y el incomprensible Imac es de la zona de Newcastle”[3]. Claro que, nobleza obliga, y tampoco podemos pasar por alto las declaraciones de Park en este sentido, al comentar que “tampoco queríamos alinearnos con el antieuropeísmo”[4].

EARLY MAN

Posibles discursos a un lado, las aludidas carencias argumentales de Cavernícola no quitan para que sus resultados sean de lo más satisfactorios, por más que, por estos mismos motivos, se antojen por debajo de los logros obtenidos por Chicken Run: Evasión en la granja (Chicken Run, 2000), Wallace & Gromit. La maldición de las verduras (Wallace & Gromit: The Curse of the Were-Rabbit, 2005) o La oveja Shaun: La película (Shaun the Sheep Movie, 2015). Ya hemos comentado la solidez de su apartado técnico, a lo que hay que añadir un sentido del humor típicamente British, que saca un gran partido del juego que le da el uso de anacronismos dentro de su ambientación prehistórica, lo cual se traduce en un puñado de gags brillantes que hacen que la sonrisa no abandone nunca la cara del espectador y su visionado se pase volando. Algo a lo que también contribuye la magia y encanto que se deriva de su uso de técnicas analógicas en unos tiempos en los que la tiranía del digital parece haberse adueñado de la práctica totalidad de la producción del cine de animación de todo el mundo.

José Luis Salvador Estébenez

[1] Una premisa que es presentada desde la misma escena pre-créditos, por derecho propio uno de los momentos más destacados del film, en la que se muestra la supuesta invención del deporte rey por parte de los trogloditas, y que Park utiliza para homenajear a dos de los principales referentes en el arte del stop-motion, como son Willis O’Brien y Ray Harryhausen, por medio de la presencia de un tiranosaurio y un triceratops en pleno combate, en alusión al trabajo de estos dos magos de los efectos especiales en King Kong (King Kong, 1933) y Hace un millón de años (One Million Years B.C., 1966), respectivamente. Por si hubiera alguna duda, los dos dinosaurios son bautizados con los nombres de Ray y Harry en los créditos finales.

[2] En “Nick Park y el odio eterno al fútbol moderno” de Matías G. Rebolledo, publicado el 2 de febrero de 2018 en la edición digital del diario El Mundo. (http://www.elmundo.es/cultura/cine/2018/02/02/5a74a0e046163f4e1b8b468c.html)

[3] Extraído de las notas de producción distribuidas entre la prensa especializada por la distribuidora Vértice360 con motivo del estreno de la película en salas españolas, de las que también están sacados los datos referentes a su realización.

[4] Op. Nota 2.

 

Published in: on febrero 7, 2018 at 6:58 am  Dejar un comentario  

Entrevista a Juanjo Ramírez Mascaró por el décimo aniversario de “Gritos en el pasillo”

Juanjo Ramírez

Existen películas que logran traspasar los límites de sus modestas pretensiones. Suelen ser obras que llaman la atención por su planteamiento bizarro o por un título extravagante, pero que terminan por sorprender a quien se atreve con su visionado, lejos de acabar como una mera rareza sin interés. Debido a su propuesta, Gritos en el pasillo (Juanjo Ramírez Mascaró, 2007) bien podría ser uno de esos filmes aptos tan solo para el paladar de cinéfagos pasados de rosca. Más bien todo lo contrario, esta historia protagonizada por frutos secos se ha convertido en un título de culto, o al menos en algo más que “esa película hecha con cacahuetes”, acercándose incluso a un tipo de espectador que huiría de verla.

Con motivo del décimo aniversario de la película, hemos hablado con su director, Juanjo Ramírez Mascaró, para que nos cuente qué ha sido de los cacahuetes una década después.

gritos en el pasillo

Diez años después de su estreno, Gritos en el pasillo se ha convertido en una película de culto. ¿Has llegado a notar el aprecio del público?

Siempre he pensado que esa etiqueta de “peli de culto” le queda un poco grande, pero sí es cierto que seguimos encontrándonos año tras año con muchos simpatizantes de la peli, siempre cariñosísimos, incondicionales y entusiastas. Creo que todos los meses contactan conmigo personas desconocidas para hacerme llegar esas muestras de interés y afecto. A lo mejor podemos hablar de una peli de “mini-culto” o “culto de juguete”. Somos una peli minoritaria en lo que a cantidad de seguidores se refiere, pero en términos de calidad, se trata de seguidores de lujo.

En un Halloween, no sé si te acuerdas -porque tuve la indecencia de no invitarte-, organicé junto a una asociación cultural un pase de Gritos en el pasillo. En primera fila hubo un grupo de señoras con unas ganas tremendas de verla y que flipó, pero para bien, con lo que estaban viendo. ¿Pensabas que la película podría alcanzar a un público tan diferente o que terminaría siendo algo tan solo para “frikis”?

Lo cierto es que en su día subestimamos un poco al público “no friki”, pero conforme fuimos poniendo la película a prueba descubrimos que interesaba mucho a otros públicos inesperados. No sólo personas mayores, sino también niños y, yo qué sé, funcionarios de prisiones. Nos pasó como al tipo que inventó los neumáticos de los automóviles sin saber que estaba inventando también un columpio para los chimpancés. Con respecto al público “friki”, dicha etiqueta engloba a un puñado de gente tan heterogénea que despertó distintos tipos de reacciones, desde el admirador enfervorecido hasta el elitista que consideraba que Gritos era demasiado poco friki para él, pasando (claro está) por el “friki” al que la película sencillamente se la sudaba, como probablemente se la sude también el término “friki”.

En la mayoría de portales figura como un filme de animación, pero tengo la sensación de que, si bien hay una serie de elementos que hacen que puedan catalogarla en ese género, se trata en realidad de una película de terror con frutos secos realmente. ¿Qué puedes decir al respecto?

En su día se desató cierta polémica entre los aficionados al género de animación, e incluso entre los profesionales de ese sector. Algunos argumentaban que Gritos en el pasillo merecía el calificativo de animación, aunque una gran mayoría le negaban la pertenencia a tan selecto club. En su día debatí con críticos que sostenían que, para poder considerarla animación, los planos deberían estar animados frame a frame. Esas mismas personas sí aceptaban en su club las obras de animación Flash (que normalmente no se animan frame a frame, sino mediante keyframes) En ocasiones bromeo diciendo que Gritos en el pasillo sí está animada frame a frame. Lo que ocurre es que somos tan buenos y tan rápidos que ponemos la cámara a sacar 25 fotos por segundo y nosotros vamos moviendo los objetos del plano adaptándonos a esa velocidad.

Bromas aparte, imagino que gran parte del rechazo a considerar lo nuestro como animación se debe a que resulta molesto que unos chapuceros hagan algo menos laborioso que lo tuyo e intenten colgarle la misma etiqueta para venderlo. Es totalmente comprensible. Personalmente creo que nuestra peli está en tierra de nadie, en una frontera difusa en la que usamos técnicas de marioneta, pero sin poder beneficiarnos de las capacidades interpretativas y motrices de una marioneta al uso. Quizá lo más parecido a lo nuestro sea el guiñol, pero tampoco es del todo un guiñol. Hace siglos que dejó de preocuparme que nos consideren una cosa u otra. Es una peli, y punto.

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¿Por qué cacahuetes? ¿Hay algo simbólico, les tienes manía o fue pura casualidad?

Les cogí un poco de manía durante los más de cuatro años que tardamos en sacar el proyecto adelante. Creo que la elección del cacahuete (y los frutos secos en general) es uno de los elementos más genuinamente surrealistas de la peli, precisamente por eso: no hay un porqué concreto. Es una decisión que viene directamente del inconsciente, sin procesar, sin obedecer a razones definidas. Lo de encontrar un objeto inanimado y pequeñito (al principio no sabía cuál) al que insuflar vida al estilo doctor Frankenstein, mediante todos los recursos del audiovisual, sí era algo que estábamos buscando.

Mientras revisaba la película, no dejé de pensar en las dificultades que podrían surgir en el rodaje: tamaño de las maquetas, luz, los “marionetistas”, etc. No tuvo que ser un rodaje sencillo, ¿verdad?

Fue un rodaje complicadísimo por muchas razones. Algunas tienen que ver con esas cosas que comentas. El tamaño de los escenarios y personajes, por ejemplo. Implicaba problemas de foco en cada tiro de cámara e impedía que cupiesen demasiados personajes en un mismo término del plano (a veces los cacahuetes no podían acercarse más entre sí porque las manos que los manejaban chocaban la una con la otra antes que eso pudiera suceder) También nos comimos las dificultades comunes a todo proyecto below-cost que se precie: la falta de dinero y gente. Durante unas tres cuartas partes del rodaje estábamos Alby (el dire de foto) y yo solos en el set. Además, en aquel entonces no estaba tan de moda hacer pelis sin presupuesto, ni las máquinas disponibles para ello en cualquier casa eran tan potentes como las actuales.

Uno de los aspectos más llamativos es el diseño artístico. ¿Os llevó mucho tiempo preparar todos los cacahuetes, el manicomio, los dibujos…?

Llevó bastante más tiempo preparar el arte que rodar la película. Si mal no recuerdo, tardamos más de año y medio en terminarlo todo. Teníamos a un director artístico magnífico, Raúl López Serrano, pero no podíamos permitirnos mantenerle en Fuerteventura más de un mes o dos. Durante ese periodo, Raúl nos dejó hechos los elementos más vistosos y complicados. Luego nosotros mismos nos convertimos en los ayudantes de arte de Raúl: seguimos diseñando y construyendo cosas bajo sus directrices durante otro año y pico. Mientras tanto, él y Modesto Berbel (que dibujó los personajes cacahuetes) iban elaborando más material a distancia (desde la Península) que nos hacían llegar por correo, o que traíamos a la isla aprovechando viajes. Los dibujos de las paredes los hice yo mismo porque en aquel entonces no conocía a mucha más gente a la que liar en una locura semejante, y el propio Alby (director de fotografía y productor asociado) se ocupó también de algunos detalles como portadas de discos en miniatura, perros-nuez, etc. También contamos en el arte con la esporádica pero inestimable ayuda de Enrique Esturillo.

Celador

¿Hay alguna anécdota o curiosidad sobre Gritos en el pasillo que la humanidad desconozca y que quieras revelarnos ahora?

Podría revelar muchísimas. Intentaré acordarme de unas pocas:

– Creo que en los brutos de rodaje hay escenas pornográficas de cacahuetes fornicando y practicando felaciones. ¡Qué cojones! Estoy seguro de que las hay. Años después, en el videoclip que hicimos para Bambikina, los cacahuetes sí que salen follando en el montaje final.

– Durante el rodaje nos sentíamos influenciados además de por muchas otras cosas por el recuerdo de aquellas pelis antiguas de Roger Corman basadas en relatos de Allan Poe. Pues bien, las mismas instituciones que nos apoyaron durante el rodaje de la peli trajeron en aquellos días un ciclo de esas pelis de Corman restauradas. Pudimos verlas en cine y nos emocionó comprobar que, sin jugar en la misma liga que el maestro, sí nos sentíamos jugando al mismo juego.

– El edificio en el que el Cabildo de Fuerteventura nos habilitó una sala para que pudiésemos preparar y rodar la película no era un edificio cualquiera. Antes de ser lo que es ahora, ese local fue el cine al que íbamos a ver las películas cuando éramos niños.

¿No ha pasado por tu mente la idea de realizar una secuela?

Hace años escribí una delirante secuela de Gritos en el pasillo. Se titula Guardería de medianoche. Como di por hecho que nunca me decidiría a rodarla, se puede descargar gratis aquí. Esta segunda parte arranca después de lo que se cuenta en el epílogo/final alternativo que añadimos en el DVD de Gritos en el pasillo, un falso documental que relataba cómo el prota de la peli acababa enloqueciendo, comprando el MANÍcomio y convirtiéndolo en una guardería en la que acoger a niños huérfanos. Hace un tiempo, un jovencísimo cineasta llamado Víctor Massip contactó conmigo y me pidió permiso para rodarlo con actores de carne y hueso. Le di mi bendición. No sé en qué estado se encuentra esa iniciativa ahora mismo.

Si ahora mismo alguien se enterase de la existencia de la película, ¿dónde y cómo podría verla? ¿Hay pendiente alguna reedición o edición especial en formato DVD/Blu-ray?

Actualmente creo que no se puede encontrar la película por ninguna vía legal y creo que tampoco es fácil conseguirla ilegalmente. En los tiempos de Megaupload sí era sencillísima de hallar por vías ilícitas. No hay mes que no me escriba alguien preguntándome dónde puede conseguir la película y me entristece no poder responderle nada útil. Si bien es cierto que todos los años nos llaman para volver a proyectarla aquí y allá, en distintos festivales y eventos, tanto dentro como fuera de nuestras fronteras, también es cierto que el DVD está descatalogado y la película no está disponible en streaming, que yo sepa. Me encantaría que eso cambiase, pero soy un desastre en cuestiones de producción, etc. Ahora mismo no sé qué partes de los derechos de explotación nos pertenecen a nosotros, cuáles están cedidas a otras personas o entidades, etc. A veces me gustaría que alguien la volviese a colgar gratis en internet para que al menos todo aquél que quisiese disfrutar de ella pudiese hacerlo, pero no digáis que os lo he dicho yo.

¿Qué sucedió con Zombie Western?

Ojalá hubiese una respuesta rápida y sencilla a esa pregunta. No salió adelante por diversos motivos. Problemas de coproducción, principalmente. El equipo español y el equipo danés teníamos distintos enfoques sobre qué clase de historia queríamos contar y cómo queríamos contarla. Hasta donde yo sé, creo que también había desavenencias aún más peliagudas entre los productores daneses y los productores españoles. Fue una pena, porque el proyecto era atractivo como pocos. Surgieron ideas maravillosas allí, tanto en tierras del Quijote, como en tierras vikingas, pero la cosa llegó a un punto en que el proyecto se convirtió en lo peor de una peli de encargo pero sin los beneficios y motivaciones que animarían a alguien a ceder a sus impulsos artísticos y ponerse el chip “de encargo”.

Pixel theory

Después de los cacahuetes, volviste a la dirección con uno de los episodios del largometraje colectivo Pixel Theory. ¿Qué tal fue la experiencia?

Fue una experiencia maravillosa y horrible. Lo mejor fue lo arropadísimo que me sentí con el equipo técnico y artístico. No tendré habilidad para otras cosas, pero para elegir a gente buena y talentosa creo que siempre he tenido mano. Salí contentísimo del rodaje, pero luego siempre me sucede lo mismo: me desinflo durante la larguísima y tediosa postproducción y, una vez visto el resultado final, me pesan más los errores que he cometido que los aciertos.

¿No has pensado en volver a dirigir?

Tengo comprobado que tardo aproximadamente tres años en olvidarme de que odio rodar. Teniendo en cuenta que mi último escarceo como director fue el año pasado, a lo mejor dentro de un par de años me dejo engañar otra vez, como un gilipollas.

En lo que no cesas es en tu labor como guionista, ya sean largometrajes –(César del Álamo, 2009), Deus Ex Machina (Fernando Osuna Mascaró, 2016)-, televisión –José Mota presenta (2016)- e incluso webseries –Obi (Norberto Ramos del Val, 2011)-. ¿Es más duro ser guionista que director de una película protagonizada por frutos secos?

El guion de Gritos en el Pasillo no fue duro en absoluto. Lo escribí en un fin de semana y tiempo después invertí otro fin de semana en añadirle algunas escenas. Tal vez si me hubiese esforzado más con el guion de Gritos en el Pasillo, ahora hablaría con menos vergüenza del guion de Gritos en el Pasillo. En mi descargo añadiré que fue mi primer guion de largometraje. Sí tengo claro que me gusta más escribir que dirigir. Supongo que por ello he orientado mi carrera más bien hacia la escritura (¡qué pretencioso suena eso de “mi carrera”!) La mayor parte del tiempo y la energía me la roban los guiones para televisión, aunque nunca he parado de escribir largometrajes, ya sea por encargo o por iniciativa propia. Ahora tardo en escribirlos más que el de Gritos, y quiero pensar que me salen mejor.

Novelas

Aparte de colaborar en el conocido portal Bloguionistas, también escribes novela. Llevas ya tres publicadas –La mierda (2013), La emperatriz de los insectos (2013) o Los vientos que te nombran (2015)- y hace poco anunciaste una nueva: El hipopótamo mecánico. ¿Qué cuentas en esta última? ¿Hay mucha similitud entre tu cine y tu literatura?

En literatura me siento más cómodo que en guion, quizá porque fui antes cuentista y novelista que guionista y me impongo menos limitaciones. Imagino que habrá ciertas similitudes entre una faceta y otra, pero no seré yo la persona más adecuada para detectarlas en mí. Sí creo que mis novelas se benefician de mis deformaciones profesionales de guionista (buscar recursos visuales, no descuidar la estructura, no abusar de la bendita paciencia del público), aunque también intento que en cada una de ellas haya cosas que se puedan contar en un libro, pero no en una peli. O que en una peli sean especialmente difíciles de contar, ya sea por cuestiones de presupuesto, por cuestiones de lenguaje narrativo, etc. No digo que todas las novelas estén obligadas a aprovechar sus recursos más propios, pero a mí desde luego me parece interesante. Del mismo modo en que da pena no aprovechar el lenguaje cinematográfico para contar las cosas en imágenes, también da penita desaprovechar la capacidad que tiene la prosa literaria de ahondar en ciertas emociones, reflexiones, tirabuzones temporales, etc. Por último, creo que la diferencia sustancial entre mis guiones y mis novelas radica en que cuando escribo libros me permito ser “más yo”. Cuento cosas más mías y quiero pensar que de maneras más propias. Aunque, una vez más, no soy yo quien para juzgar eso.

Con respecto a El hipopótamo mecánico, podríamos definirla como la novela infantil-juvenil que todo padre debería prohibir a sus hijos. Es género fantástico con vocación de pervertirlo todo, usando los resortes esenciales de ese tipo de obras para contar cosas muy retorcidas, con mucho humor negro y ambigüedades morales. Uno de mis referentes principales a la hora de escribirla fue Roald Dahl, por supuesto. Durante el proceso se me fueron colando otros de manera un poco más inconsciente, como el William Goldman de La princesa prometida, el cine de Miyazaki, o el absurdo del autoestopista galáctico de Douglas Addams.

¿Algo más que quieras añadir?

No se me ocurre mucho más que añadir, porque creo que la entrevista ha sido completísima y ya he abusado bastante de la paciencia del lector (cosa que, como comentaba en la pregunta anterior, intento evitar) ¡Muchísimas gracias, Rubén!

Rubén Íñiguez Pérez

Published in: on noviembre 17, 2017 at 6:18 am  Dejar un comentario  
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Animayo Gran Canaria 2017 cerró su doceava edición con más de quince mil participantes

Cartel FINAL ANIMAYO GRAN CANARIA 2017

Con un total de catorce master classes de ponentes internacionales, cinco secciones oficiales a concurso que han dado lugar al Palmarés Animayo 2017, especiales de animación japonesa y eslovaca, nueve talleres formativos para distintos segmentos de edad, un foro profesional de inversión y financiación, recruitments y revisiones de portfolios de productoras nacionales, espacios de videojuegos y realidad virtual con torneos en vivo, becas al talento valoradas en más de veinte mil euros, una exposición de fotografía, encuentros con escuelas y actividades y conciertos al aire libre. Los primeros días del mes de mayo, El XII Summit, Conferences and International Film Festival of Animation, Visual Effects and Video Games Animayo, volvió a emerger desde Gran Canaria como enclave a nivel internacional del cine de animación, de los efectos visuales y de los videojuegos.

El gran ganador de esta edición ha sido Cosmos Laundromat de Mathieu Auvray de los Paises Bajos y con técnica 3D que se llevó a casa el Gran Premio del Jurado, además del premio Mejor 3D/CGI, mientras que el ganador del Mejor Cortometraje Español fue Roger de Sonia Cendón, Sara Esteban, Arnau Gòdia, Ingrid Masarnau y Martí Montañola, el cual pasará a directamente a la preselección del Goya del próximo año.

Entre los ganadores en otras categorías encontramos a la china First Bloom de Tingting Liu, Mejor 2D con técnica de Animación por ordenador; My Life I Don’t Want de Nyan Kyal Say, premio Social Awareness; Back Then, cortometraje español dirigido por Diego Porral que se llevó el premio a la Mejor Comedia;  Au Revoir Baltazhar, cortometraje suizo de Rafael Sommerhalder consiguió el premio al Mejor Stop Motion; Scrambled de Bastiaan Schravendeel, trabajo procedente de Holanda que se alzó con el premio al Mejor Talento Emergente; el estadounidense The Last Bastion de Matt Bums, galardonado con el premio a la Mejor Cinemática Videojuegos. En la categoría de Mejor Vídeo Musical el premio fue para Leningrad, de Ilya Naishuller; Tomorrowland – Infected consiguió el premio a Mejor publicidad; Down The Wire de Juan Carlos Mostaza se llevó la Mención especial del festival al mejor cortometraje español – animación con ñ;  El Criptozoólogo obtuvo la Mención al mejor cortometraje para todos los públicos, realizado por Vicente Mallols; Ines Pagniez y Victoria Jardine se llevaron la Mención Especial del Festival al mejor Cortometraje de Humor con 24 días de tortura; la Mención Especial del Festival al mejor Stop Motion fue para Ossa de Dario Imbrogno; Borrowed Time, de  Andrew Coats y Lou Hamou-Lhadj, obtuvo la Mención Especial del Festival al Mejor 3D; The Unlikely Hero consiguió la Mención Especial del Festival a la mejor Publicidad; el neozelandés James Cunningham consiguió con Accidents, Blunders and Calamities la Mención Especial del Festival al mejor corto de Estudiante; Citipati de,  Andreas Feix se llevó la Mención Especial del Festival al mejor VFX; para Poilus realizado por Guillaume Auberval, Léa Dozoul, Simon Gomez, Timothé Hek, Hugo Lagrange, Antoine Laroye y David Lashcari fue la Mención Especial del Festival Social Awareness; y uno de los premios más queridos del festival recayó sobre el cortometraje dirigido por Jordi García Jiménez La muñeca que eligió conducir, Premio del público.

Durante toda la semana el Centro de Iniciativas Culturales CICCA, el Teatro Guiniguada, y la Alameda de Colón se convirtieron en espacios tecnológicos de expresión artística, formación y  desarrollo económico e industrial dentro de su sector. Las master classes de Animayo Gran Canaria 2017 otorgaron al evento la esencia más formativa, posibilitando al público aprender a hacer un plan de producción cinematográfica, a abrirse paso por primera vez en la Industria, la profesión de VFX, el desarrollo de proyectos concretos como Vaina, Pocoyó o Los Simpsons, el tratamiento de géneros en la animación como el humor, el diseño de personajes, los videojuegos, los VFX, el desarrollo de proyectos tecnológicamente avanzados y las mejores cinemáticas.

Por otro lado, un total de veinticinco especialistas y profesoras acudieron durante esta edición para impartir nueve talleres para adultos y niños en los que los asistentes pudieron aprender el oficio de especialistas de cine, el modelado 3D en Z-brush, el software 3D texturing and painting, la técnica de animación stop motion, el diseño y desarrollo de videojuegos, la impresión 3D, la robótica, los muppets o los consejos de una experta cibernanny.

Las becas al Talento Animayo Gran Canaria 2017, en colaboración con Cesur y U-tad, además de los recruitment, la revisión de portfolios de productoras nacionales colaboradoras, y los créditos universitarios otorgados por la Universidad de Las Palmas de Gran Canaria y la Universidad de La Laguna hicieron de esta edición el regocijo de numerosos estudiantes en busca de un empujón y salidas profesionales.

Aparte de las cinco secciones oficiales, También se programaron doce proyecciones dirigidas a escolares de primaria, secundaria y bachillerato que se fueron desarrollando desde el mes de Abril en el Teatro Guiniguada y en el CICCA, con el apoyo de la Consejería de Educación. Diversos ciclos de cine de animación, tales como el “Especial Humor-Animación Checa hecha por Mujeres”, presentado por Aneta Zabková, el “Ciclo Animación Eslovaca hecha por mujeres”, con la mejor programación de animación de los últimos años realizadas por los nuevos talentos de la escuela artística eslovaca, y “Japón se anima: La mujer como protagonista”, ciclo de cine de animación nipón organizado en colaboración con la Filmoteca Canaria que proyectó Himno del corazón, dirigida por Tatsuyuki Nagai, y Miss Hokusai, de Keiichi Hara. La exposición de Lotte Reineger, y la proyección de sus películas, fue el homenaje especial a esta artista alemana pionera en el cine de animación mundial.

Un año más, Animayo contó con la zona dedicada a los videojuegos, el espacio de Realidad Virtual y Videojuegos Binter Zona Anigogatsu Alexis Carrasco, con cinco torneos en vivo y una sección dedicada exclusivamente a dispositivos de realidad virtual, con hardware y periféricos de las tecnologías más punteras como HTC VIVE, Oculus Rift y Sony VR.

Y como colofón de clausura a una semana repleta de actividades para todas las edades, se celebró un concierto multitudinario en La Alameda de Colón que contó con las cantantes Leire Suarez y Cristina Ramos, acompañadas del Grupo Los Salvapantallas.

Ahora Animayo prepara sus próximas ediciones itinerantes que llevarán su palmarés por medio mundo aparte de en sus sedes fijas en Los Angeles, Madrid, Barcelona, Lanzarote, Lisboa y Bombay, además de su participación puntual con otros festivales internacionales

Published in: on mayo 17, 2017 at 6:18 am  Dejar un comentario  

La XII edición de Animayo será un homenaje a la mujer

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El XII Summit, Conferences and International Film Festival Animayo estará en Gran Canaria del 2 al 6 de mayo de 2017, con un programa especial dedicado enteramente a la mujer en la industria del cine de animación, los videojuegos y los efectos visuales, augurando una intensa semana repleta de actividades.

Este programa aspira a homenajear a los grandes talentos femeninos de la industria y a manifestar el interés de su trabajo, una oportunidad cada vez más creciente de promover la reflexión sobre la necesaria evolución de la representación de las mujeres y de todo su trabajo en el ámbito del festival.

Así como muchos eventos a lo largo y ancho del planeta ofrecen en su programación secciones dedicadas a la mujer, Animayo ha decidido darle un giro más de tuerca y demostrar en esta duodécima edición, que el trabajo de la mujer en el sector audiovisual,  así como lo es en muchos otros, no solo produce una labor marginal capaz de rellenar algunas secciones, sino que su importancia es tan destacada como para dar la vuelta a la totalidad de la programación de un festival, y dedicárselo enteramente a su figura.

Damián Perea, director del festival, quien lleva dos años trabajando sobre esta edición especial, afirma que “la mujer en el mundo de la animación siempre ha sido muy importante y se merece reivindicar el derecho a su espacio y a la relevancia de su trabajo”.  Durante las once ediciones pasadas Damián Perea ha venido presentado las galas de Animayo, este año dará un paso atrás para que incluso ese lugar sea tomado por una mujer.  El cartel del festival Animayo 2017 será el punto de partida a un sinfín de contenidos que tendrán a la mujer como gran protagonista.

Por ello, Animayo será el primer festival de cine del mundo que cambiará toda su programación para dar voz al trabajo que hacen todas esas mujeres, con ponencias,  masterclass y talleres que estarán impartidos por mujeres.  Además habrá proyecciones del Palmarés Animayo 2017, concursos, estrenos, conciertos, actividades al aire libre y la segunda edición del foro Animayo dirigido a profesionales.

El programa pondrá de manifiesto el papel de la mujer y contribuirá a la reflexión sobre su contribución a la industria, la especial sensibilidad artística de las mujeres, su forma de entender el cine, sus valores y talento creativo, haciendo especial hincapié en la superación de barreras y obstáculos a los que se enfrentan las mujeres hoy en día, sin caer en el sexismo.

A partir del mes de abril Animayo desvelará los nombres de las grandes profesionales que formarán parte de esta esta edición tan especial. Como adelanto podemos decir que las invitadas de este año han trabajado en productoras internacionales como Ilion Animation Studios, Walt Disney, Warner Bros, Animal Logic, Scaline, Double Negative, Weta Digital, MPC… o en películas como Guardianes de la galaxia, El Hobbit, El amanecer del planeta de los simios, Pocoyó, El hombre de acero, Los Simpson, Guerra mundial Z, Prometheus, Power Rangers, Star Trek: Más allá, Alicia a través del espejo, Meg, Justice League, Las crónicas de Blancanieves: El cazador y la reina del hielo, Águila Roja, Planet 51, Legend of the Guardians, o Mortadelo y Filemón contra Jimmy el cachondo, entre otras.

Más información: www.animayo.com

 

Published in: on marzo 13, 2017 at 6:57 am  Dejar un comentario  

Nace ANIMAKOM, primer festival dedicado al cine de animación en Bilbao

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El próximo mes de marzo marcará el nacimiento de ANIMAKOM – Festival Internacional de Cine de Animación de Bilbao. Esta nueva iniciativa se convierte en el primer certamen cinematográfico dedicado a la animación en Bilbao, en una primera edición que tendrá lugar del 16 al 19 de marzo, con el edificio BBF (Bilbao Berrikuntza Factory) como sede central.

El festival tendrá como objetivo hacer visible lo más destacado de la producción de animación reciente (prácticamente inaccesible en la ciudad), logrando al mismo tiempo cubrir un vacío existente y convertirse en un punto de referencia tanto para profesionales como para aficionados a este sector.

En esta edición inaugural, ANIMAKOM ofrecerá una selección de los mejores trabajos de animación a nivel internacional y local a través de su Sección Oficial de Cortometrajes, además de incidir en la apuesta por los creadores incipientes, con una Sección Competitiva que se compondrá de obras realizadas por estudiantes. La programación se completará con retrospectivas y talleres que complementarán los apartados competitivos.

Paralelamente, el certamen pondrá en relieve el cine de animación hecho por mujeres, concediendo cada año un premio honorífico a una realizadora como reconocimiento a su trayectoria. El plazo de inscripción de trabajos para el certamen (que ha recibido alrededor de trescientos cortometrajes hasta la fecha) finalizará el próximo 20 de febrero.

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ANIMAKOM está liderado por el director bilbaíno Pedro Rivero, recientemente galardonado con su segundo Premio Goya (concedido esta vez en la categoría de Mejor Película de Animación por su largometraje Psiconautas, los niños olvidados), aportando la experiencia adquirida tras un largo recorrido por certámenes nacionales e internacionales.

En la creación de esta iniciativa, Rivero cuenta con la participación de diversos colectivos y agentes culturales de la Villa especializados en distintas áreas, como ZINEBI, Fundación SGAE, Bilbao Web Fest, Develop Film Market o PLATANOBOLÍGRAFO, entre otros.

Más información y Suscripciones: www.animakom.com

Published in: on febrero 22, 2017 at 6:55 am  Dejar un comentario  

Animayo llega a Barcelona

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Tras el éxito obtenido en su reciente visita a Madrid, Animayo, la cumbre de animación, efectos visuales y videojuegos, se dirige a Barcelona para comenzar su primera ruta itinerante del 2017. Será en CaixaForum Barcelona los días 13 y 14 de enero.

Animayo Barcelona rendirá un especial tributo a un invitado de honor de lujo, Claudio Biern Boyd, uno de los padres de la animación española y europea. Presidente de BRB Internacional y Screen 21, a él se deben varias series de animación de los años 80 tan míticas como David el Gnomo, D’Artacan y los tres mosqueperros, La vuelta al mundo de Willy Fog, o Ruy el pequeño Cid, entre muchas otras.

Otro de los grandes invitados especiales de esta edición será Carlos Grangel, diseñador de personajes en películas como La novia cadáver, Spirit, El príncipe de Egipto, Hotel Transilvania, Kung Fu Panda, Madagascar o Piratas. De su mano, Animayo repasará los veinticinco años de Grangel Studios trabajando en el diseño y creación de personajes, dando las claves que todo diseñador desearía tener de la mano de este enorme artista, considerado uno de los diez mejores de todo el mundo.

El universo 3D y los efectos visuales estarán presentes a través de las ponencias de los expertos de la escuela oficial del Festival,  FX Animation Barcelona 3D & Film School, como la de Nacho Doctor, head of FX Area & Program Instructor, effects technical director, lighting artist, compositor 2D & director de fotografía (El libro de la selva, Piratas del caribe: la venganza de Salazar, Talking Tom and Friends…), que explicará cómo funcionan los diferentes departamentos de postproducción de un largometraje. Y con Toni Mena, el coordinador del área de postproducción, Palma de Oro en el Festival de Cannes y actualmente en la short list de los Oscars (entre los 10 mejores), se descubrirán los entresijos de una de sus últimas producciones, TimeCode, donde se adentrará en su postproducción y en la incorporación de efectos, como la corrección de color, la gráfica animada, el rastreo, el reemplazo de elementos 2D y 3D, la creación de efectos visuales, las técnicas de recorte y composición de imágenes, etc.

Los creadores de videojuegos tendrán la oportunidad de conocer el último videojuego de Amanita Design: Chuchel, a través de un análisis y una presentación ofrecida por Václav Blín, animador y artista gráfico. Y tendrán las mejores recomendaciones para plantear la primera experiencia VR y enfrentarse a la Realidad Virtual con Daniel Candil- Studio Art Director de Kerad Games, fundado por el futbolista Gerard Piqué. También habrá un espacio de Realidad Virtual, para disfrutar de numerosas experiencias, organizado por FX Animation.

Ángel Sala, director del Festival Internacional de Cine Fantástico de Cataluña -Sitges, realizará un recorrido desde el origen del anime hasta la actualidad, mientras que Carlos Fernández y Lorena Ares de Moonbite Games presentarán el largometraje de animación 2D Memorias de un hombre en pijama, basado en la obra homónima de Paco Roca. Por su parte, los amantes de la fotografía, la ilustración y el diseño gráfico podrán disfrutar de la master class de Lorenzo Zitta, profesor del Master 3D para Diseño gráfico y Fotografía de FX Animation, experto en retoque fotográfico y CGI (Premio LightWave 2015), donde mostrará las nuevas técnicas en CGI para componer fotografía con 3D y conocer el proceso de producción con de fotografías en HDRI, creación del CGI, texturizado, iluminación/shading, efectos, render y postproducción.

Entre los talleres prácticos, se ofrecerá un taller de diseño de personajes, impartido por Pablo Mendelbaum, coordinador del área de Animación y Diseño de Personajes de FX Animation, para perfeccionarse en seducir, entretener, narrar y expresarse mediante el arte del dibujo, el color, la expresión corporal, la psicología y el volumen. También habrá talleres de stop motion para niños y adultos, en colaboración con La Academia de la animación, y un taller de creación de videojuegos impartido por Juan González y David Corominas,  profesores del área de Videojuegos de FX Animation.

Además, se proyectará el Palmarés Oficial de Animayo 2016, que reunirá los premios Animayo a la animación, los efectos visuales y los videojuegos de esta edición. El programa incluye también el estreno en Barcelona de la película Checa Historias mortales de Jan Bubeníček, y un especial de cine eslovaco hecho por mujeres.

Published in: on enero 4, 2017 at 6:56 am  Dejar un comentario  

La XI edición de Animayo continúa su ruta itinerante por Madrid

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El XI Festival Internacional Animayo aterrizará en Madrid los próximos 16 y 17 de diciembre, procedente de Los Ángeles, donde  ha celebrado su evento propio en una de las escuelas más importantes del mundo, Los Angeles Film School, además de proyectar su palmarés en estudios como Walt Disney Animation, Dreamworks Animation y Sony Pictures Animation.

Animayo Madrid es una producción realizada en colaboración con U-tad, Centro Universitario de Tecnología y Arte Digital y la Obra Social “La Caixa” y se celebrará en Caixa Forum Madrid. Lo hará de la mano de grandes estrellas, escuelas y estudios de animación, efectos visuales y videojuegos internacionales. Un evento único en el que se podrá participar de numerosas manifestaciones artísticas, entornos creativos multiplataforma, proyecciones y las últimas novedades y avances del sector audiovisual: Master Classes, ponencias, talleres, proyecciones del palmarés de Animayo, estrenos, espacios de realidad virtual y un foro para profesionales, conformarán el programa de Animayo Madrid 2016. Actividades dirigidas a un público de todas las edades, profesionales y aficionados.

Animayo Madrid 2016 contará con algunos de los más destacados y reconocidos especialistas en animación, efectos visuales y videojuegos, creadores digitales e ilustradores de reconocido prestigio internacional que han trabajado y trabajan para grandes compañías como:

  • Borja Montorodirector del ‘Programa Experto en Diseño de Personajes’ y profesor del ‘Grado en Animación’ de U-tad, trabaja habitualmente con estudios como Walt Disney Animation, Dreamworks Animation, Paramount Studios, Warner Bros, Blue Sky Studios, Illumination Mac Guff y Spa Studios. Diseñador de personajes en películas como Zootopia, Rompe Ralph, Nocturna, El emperador y sus locuras, Tarzán, Hércules, Asterix and the Vikings, The Aristocats II o la reciente Vaiana.
  • Juan Luis Sánchez, es profesor en el ‘Experto en Rigging y Character FX’ de U-tad y a su vez ha trabajado en Framestore, Double Negative, ILM, o Ilion Animation Studios, donde trabaja actualmente. Ha ocupado el puesto de ‘Character FX Lead’ en películas como Gravity, Paddington, El caballero oscuro, Harry Potter y la cámara de los secretos, Harry Potter y la orden del Fénix, Piratas del Caribe, Babe, el cerdito valiente o  los episodios II y III de Star Wars.
  • Paulo Alvarado de Rovio Entertainment Ltd. ha trabajado en desarrollo de videojuegos como Angry Birds, Jolly Jam, Bad Piggies, Amazing Alex, The Croods y Love Rocks; Jaromir Plachy, Amanita Design es desarrollador de videojuegos como Samorost 3, SBotanicula, Machinarium, Rocketman y Questionaut.
  • Rafael Zabala, Traditional and Digital Artist en The Mill- Weta Digital- Psyop (League of Legends, El Hobbit, El amanecer del planeta de los simios, Ironman 3, Man of Steel y Clash of Clans).
  • José Antonio Rodríguez, director académico del área de Animación y Diseño Visual en U-tad. Ha trabajado en películas como Érase una vez… un cuento al revés, Mortadelo y Filemón contra Jimmy el cachondo, Defensor 5, Happily Never After o Planet 51.
  • Edgar Martín Blas, director del Certificado de Especialización en Producción para Realidad Virtual y Aumentada en U-tad y CEO en New Horizons VR, es consultor creativo, diseñador digital, pionero de la realidad virtual y de los desarrollos en Oculus Rift aplicados a proyectos de marketing.Ha trabajado con marcas como Disney, Tuenti, Ferrari, Movistar, Iberdrola o Antena 3.

Durante el festival se proyectará el Palmarés Oficial Animayo 2016, que reunirá los premios Animayo a la animación, los efectos visuales y los videojuegos de esta edición. El programa incluye también el estreno en Madrid de la película checa Historias mortales de Jan Bubeníček, y un especial de cine eslovaco hecho por mujeres.

El apartado de talleres de Animayo Madrid incluirá: Taller de Diseño de personajes impartido por Borja Montoro, Master Class con demo en directo y taller sobre nuevas formas de videocreación con técnicas fractales en 3D impartido por Patryk Kyzny, taller intensivo de Zbrush impartido por Rafael Zabala, y un taller de robótica para niños y padres.

Asimismo, la realidad virtual estará presente a través de un espacio de experiencias con Olorama Technology, que permite incorporar el sentido del olfato en el cine, museos, etc, InMediaStudio, mostrará una cabina de teletransporte en la que sentir el olor y el viento, así como Novint Falcon, un simulador de tacto virtual. ‘Intruders Hide and Seek’, un videojuego de realidad virtual desarrollado por los alumnos de los Másteres en Videojuegos de U-tad y que acaba de recibir el premio al ‘Mejor Videojuego Universitario’ en los premios Fun&Serious 2016 celebrado en Bilbao. “InmersArte”, creado por los alumnos del Máster Universitario en Computación Gráfica y Simulación de U-tad, bajo la dirección de Laura Raya, directora del máster, supone introducirse virtualmente en cuadros como ‘Dalí, la persistencia de la memoria’ o ‘El Jardín de las Delicias’ de El Bosco y Painting, pintar en 3D).

Además de Madrid, Animayo pasará por Barcelona el próximo mes de enero, y estará en Lanzarote en el mes de marzo; teniendo previstas itinerancias también en Lisboa, sin olvidar su paso por Bombay, en la India.

Programa completo de actividades: http://www.animayo.com/pdf/programa_madrid_2016.pdf

Published in: on diciembre 13, 2016 at 6:50 am  Dejar un comentario