La herencia de tía Ágata

Agatha Christie

«El mal nunca queda sin castigo, pero a veces el castigo es secreto»

Agatha Christie

Agatha Mary Clarissa Miller (1890-1976), más conocida por su seudónimo, es una de las autoras más traducidas del mundo y sus historias se han adaptado en multitud de ocasiones al teatro, al cine y a la pequeña pantalla. Según el El Libro Guinness de los Récords, Doña Agatha es la novelista más vendida de todos los tiempos con cuatro mil millones de novelas vendidas. Posiblemente más.

¿Quién no conoce a esta agradable señora, cuya imagen más icónica es la de una amable ancianita británica? ¿Quién no ha leído en algún momento una de sus historias policiales, simplemente como distracción veraniega? Mi primer contacto con la Christie viene de la adolescencia, pero no por leerla (algo que hice posteriormente, y durante los veranos, como no), si no por una cuestión casi académica. Cuando iba a estudiar el idioma natal de la susodicha en la Escuela Oficial de Idiomas de mi ciudad, siempre hacía un poco de tiempo antes de entrar. Eran cinco o diez minutos que pasaba viendo las tres cristaleras de un antiguo kiosko de barrio, no buscando porno, que aún no lo había, pero sí las portadas sexis de otras publicaciones de la época. Entre epidermis y epidermis, y más epidermis, se distribuían todas las novelas (algunas de las portadas ya estaban descoloridas) de la vieja colección de la editorial Molino (años 60 y 70). Los títulos y los diseños atraían más mi atención que los Lib o Interviú. 10 negritos, Asesinato en el Orient Express, Roger Ackroyd, Miss Marple… Ágatha Christie estaba ya difunta, o poco le quedaba.

Dirigido por

Mi segundo contacto de interés, aunque por el medio ya cayó alguna que otra adaptación, sin demasiadas resonancias en mi espíritu, salvo Billy Wilder[1], fue a través de la ya mítica revista Dirigido por… A mediados de los ochenta me pude hacer en una librería de viejo con algunos de los primeros números. El número 30 de febrero de 1976, coincidiendo con el fallecimiento de la autora, contenía un interesante artículo firmado por Rafael Miret Jorba titulado El último viaje del Orient Express. El autor del mismo ya reflexionaba, al respecto de la vinculación de la escritora y el cine, con las siguientes palabras: «Agatha Christie puede que pase a la historia de la literatura pero parece estar fuera de dudas que no estará con muchos honores en la historia del cine. ¿Responsables? Desde luego, la mayoría de los directores que han manipulado en la pantalla las creaciones de esta simpática abuela». Lo cierto es que terminaba lamentándose de lo costosa y vacía que le resultaba la adaptación más reciente (en su momento). Asesinato en el Orient Express (Murder on the Orient Express, Sidney Lumet, 1974), no es, posiblemente, ni la mejor película de su realizador, ni la mejor adaptación de Agatha Christie. Aunque el guion resulte un poco soso en su primera parte, yo diría que hasta aburrido, con un uso irritante de la banda sonora para generar tensión, y una interpretación casi caricaturesca y ridícula de Poirot, es, sin dudarlo, un film que se deja ver y que no carece de interés dentro de las escasas dieciocho cintas que hasta esa fecha se habían realizado sobre la obra de la escritora británica[2]. De todas ellas es la que mejor ha aguantado el paso del tiempo. Si bien para Lumet este film supuso una especie de interludio entre sus orígenes televisivos y sus primeras y destacadas cintas y sus posteriores trabajos más maduros y comprometidos como Network, un mundo implacable (Network, 1976) o El príncipe de la ciudad (Prince of the City, 1981).

Margaret Rutherford es Jane Marple

Margaret Rutherford caracterizada como Miss Marple.

De cualquier modo la película sentaría las bases de lo que iban a ser las posteriores producciones inspiradas por los retoños de la madre del suspense. Un empaque de lujo y una larga galería de estrellas. Llegaba la década de los ochenta, pero Agatha terminaría refugiándose en la televisión. Títulos como Muerte en el Nilo (Death on the Nile, John Guillermin, 1979), El espejo roto (Mirror Crack´d, Gury Hamilton, 1980), Muerte bajo el sol (Evil under the Sun, Guy Hamilton, 1982), con Peter Ustinov (Poirot) o Angela Lansbury (Miss Marple) sellarían esta etapa. Una etapa de la que reseñaría los films sobre el personaje de Miss Marple (los interpretados por Margaret Rutherford) como los más destacados. El tren de las 4’50 (Murder She Said, 1961), Después del funeral (Murder at the Gallop, 1963), La Sra. McGinty ha muerto (Murder Most Foul, 1964) y Asesinato a bordo (Murder Ahoy!, 1964). Todos ellos dirigidos por George Pollock (antiguo ayudante de dirección de David Lean), que luego añadiría una segunda versión de Diez negritos[3].

David Suchet, el Poirot televisivo hasta la tumba

David Suchet, el Poirot televisivo hasta la tumba.

Como ya hemos dicho, desde finales de los ochenta hasta bien entrado el presente siglo, la televisión ha sido el escenario perfecto para exhibir los productos que vende Doña Agatha. Los múltiples personajes de sus diferentes sagas, y hasta relatos independientes, han desfilado por la pantalla catódica, con especial predilección, en series bastante longevas, por la totalidad de las historias de la Srta. Marple y Hércules Poirot. De menor trayectoria literaria, trece novelas y varios relatos, la buena de Jane Marple, con su profundo conocimiento de la naturaleza humana, es el prototipo del investigador aficionado (figura, como el matrimonio de sabuesos que posteriormente se profesionaliza, bastante recurrente en la narrativa de la autora británica). Desde su idílico y ficticio St. Mary Mead, la Srta. Marple siempre le tiende una mano a los despistados policías de Scotland Yard. Debido a la edad del personaje, y las actrices que lo han interpretado, así como la duración en antena de sus aventuras, han tenido que cambiar la figura de la misma en varias ocasiones al fallecer las ancianas estrellas que la interpretaban. No ha sucedido así con el pulcro detective Poirot, al que hemos llegado a ver hasta en su último saludo en el escenario.

La bestia debe morir

Cartel original de “La bestia debe morir”.

Quizá mi recuerdo se vea ensombrecido por el paso de los años, y por no haber podido recuperar algunas de aquellas series como La hora de Agatha Christie (The Agatha Christie Hour, 1982) o Unidos frente al delito (Partners in Crime, 1983). Pero quizá es en algunos episodios autoconcluivos de ambas donde yo más disfruté como espectador del genuino suspense marca de la casa. Sobre todo con algunos episodios dirigidos por Paul Annett, cineasta formado precisamente en el medio y con hitos como Poldark (1975-76), y posteriormente el mejor Holmes televisivo (Jeremy Brett). Episodios como La hija del clérigo o Las botas del embajador te sumergían en esa atmósfera tenebrosa también presente en algunas de las mejores aventuras de Holmes. Annett dirigió únicamente dos largos para la pantalla grande, y precisamente uno de ellos, La bestia debe morir (The Beast Must Die, 1974), un film de hombres-lobo para la Amicus, tenía claras resonancias de la obra de Christie.

El Orient Express

Ya en la presente década, sin abandonar su fructífera relación con la pequeña pantalla, la grande vuelve a recurrir a sus historias, aunque de momento sea con un patético intento de resucitar al Poirot de Finney o Ustinov haciendo remakes de Asesinato en el Orient Express o Muerte en el Nilo, con un Kenneth Branagh, que tras haber probado fortuna, también televisiva, con el Wallander de Henning Mankell, nos ofrece, en la línea del Holmes de Ritchie/Downey Jr., un detective belga ágil y saltarín que parece buscar su lugar en el mundo más que al asesino. Muy teatralizante, muy ampulosa, muy esforzada, pero todo el metraje es un intento de encontrar su propio estilo narrativo y visual que, aunque no decepciona, esperamos que se asiente en la siguiente incursión. Es preferible disfrutarla en versión original, pues el idioma es una baza importante.

Como podemos comprobar con las líneas anteriores, el vaticinio del crítico de Dirigido por… se sigue manteniendo, y la lucha de Agatha Christie y el medio cinematográfico continúa.

Edición española

El film en el que nos vamos a centrar ahora es del mismo año de producción que el anterior, aunque llega a las pantallas más tarde. La casa torcida (Crooked House), parte de una de las novelas más queridas de la autora y se publicó por primera vez en 1949. El título, que obedece a las peculiares características de la mansión donde se alojan los personajes, erigida por el asesinado millonario griego Arístides Leónides para hospedar a su no menos extraña familia, puede también considerarse un símbolo o metáfora de las retorcidas almas y mentes de los que moran en ella. La novela se considera magistral por su sorprendente final, y he de reconocer que no he leído el libro, pero con el vicio adquirido tras ver tantas y tantas películas y leer tantos y tantos libros, al ver los primeros minutos supe, sin lugar a dudas, quién era el asesino que ese patoso detective novato, y enamoradizo protagonista, no consigue descubrir hasta el último momento, a pesar de los numerosos y claros indicios que apuntan hacia el sospechoso más evidente desde el principio.

Foto promocional de La casa torcida

Ya en 2011, el cineasta Neil La Bute (En compañía de hombres, Persiguiendo a Betty o The Wicker Man, entre otras) ya tuvo en su poder el guion de Jullian Fellowes (creador de la serie Downton Abbey, y también ocasional actor) y que hubieran protagonizado Gemma Arterton, Matthew Goode, Gabriel Byrne y Dame Julie Andrews. Al final ha sido el poco interesante, aunque efectivo, director francés Gilles Paquet-Brenner el que se ha llevado el gato al agua. La cinta está protagonizada por Max Irons, hijo de Jeremy y la actriz Sinéad Cusack, que, de momento, no parece haber heredado el talento interpretativo de sus progenitores y su abuelo, el veterano Cyril Cusack[4].

Glenn Close, lo mejor de La casa torcida

Aunque ha sido saludada por algunos como la mejor adaptación de una obra de Agatha Christie, lo cierto es que el film me pareció bastante soporífero y carente de interés, sobre todo al sospechar desde un principio quién era el asesino. Repito que no he leído la novela, pero conociendo a Agatha Christie, y el retrato de esa alta sociedad británica, de principios del siglo pasado, a la que casi pertenecía, tan grotesco en ocasiones, y que perfila en muchas de sus otras historias, está aquí, intencionado o no, más cercano a la comedia negra que al suspense, con unas caracterizaciones de los personajes, y hasta un diseño de cartel, más próximo a otras familias disfuncionales y siniestras como los Collins (Sombras en la oscuridad) o los Addams. Sólo hay que fijarse en Gilliam Anderson (Scully). Una sociedad caduca, aburrida, desocupada, que tiene que buscar otras motivaciones para seguir perviviendo en sí misma. Sea con estimulantes artificiales o con el crimen. Quizá esa sea su mejor baza, y la sabe jugar bien. Así como la brillante interpretación de la gran Glenn Close.

Miguel Ángel Plana Fernández

[1] Testigo de cargo (Witness for the Prosecution, 1958), y también con varias versiones en su haber.

[2] Sorprende que en los albores del cine sonoro, 1928, Julius Hagen y Leslie S. Hiscott dirigieran The Passing of Mr. Quin a partir de un relato de su autora que no sería editado hasta 1930, en formato de libro, si bien podría haber sido publicado en prensa o alguna revista con anterioridad. Esta historia forma parte de una antología de relatos aquí traducidos bajo el nombre genérico de El enigmático Sr. Quin. Se trata de uno de los personajes más extraños de la escritora. Harley Quin es un sustituto de Arlequín, que en la pantomima británica es un espíritu invisible. El Sr. Satterthwaite conoce al señor Quin, quien le enseña a observar y analizar, en plan Holmes. El libro está compuesto por doce cuentos que lo mismo presentan historias en las que hay que descubrir un asesinato o evitarlo. Es entonces cuando Mr. Quin se le aparece de súbito al caballero inglés. Una vez resuelto el caso, casi siempre relacionado con una pareja de amantes en problemas, éste desaparece tan misteriosamente como se apareció. A esta temprana obra le seguiría, en importancia, la más estimable Mortal sugestión (Love from a Stranger, Rowland van Lee, 1937), con Sir Basil Rathbone en el papel principal.

[3] La primera es de 1945 y se debe a René Clair, y después del Orient Express habría una nueva versión de Peter Collinson, con participación española, entre otras. En realidad, la de Pollock sería la tercera puesto que hay una producción previa de la BBC en 1949. Y como si no hubiese más historias de la Sra. Christie con el suficiente peso, ésta es una de las más versionadas.

[4] Jefe de bomberos de Farenheint 451 (FranÇois Truffaut).

Published in: on abril 20, 2018 at 5:45 am  Dejar un comentario  
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El hombre invisible

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INTRODUCCIÓN: EL MITO

Pocos autores se han mostrado tan influyentes a lo largo de la historia de la literatura como el inglés Herbert George Wells (1866-1946), considerado el padre indiscutible de la novela moderna de ciencia ficción, siendo su talento solo equiparable en este campo al del francés Jules Verne. Autor de obras tan populares y prestigiosas como La máquina del tiempo (The Time Machine, 1895), La guerra de los mundos (The War of the Worlds, 1897) o Los primeros hombres en la Luna (The First Men in the Moon, 1901), su obra ha sido tantas veces adaptada a diferentes medios de expresión artísticos, tanto de forma directa como indirecta, y en disciplinas tan dispares, y al mismo tiempo, tan ligadas entre sí, como el cine, la radio, la televisión o los comics, que sería casi imposible llevar la cuenta de las ocasiones en que esto ha sucedido.

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H. G. Wells

Junto con las arriba indicadas, una de sus novelas más famosas es El hombre invisible (The Invisible Man). Publicada originalmente en 1897 en forma de serial dentro de las páginas de la revista Pearson’s Magazine y editada como novela el mismo año, su historia sigue los pasos de Griffin, un científico que, tras varios experimentos, logra el secreto de la invisibilidad, utilizando dicho hallazgo accidentalmente sobre su propio cuerpo, sin que después sea capaz de encontrar la manera de volver a gozar de visibilidad. Dicha transparencia total acaba por tener un efecto secundario que convierte a Griffin en víctima de sí mismo, sumiéndole en la desesperación y la locura. Poco a poco, esta circunstancia le llevará a dar rienda suelta a su otro yo más siniestro, del que solo se librará al morir, momento en el que volverá a recobrar su apariencia original, esto es, ser de nuevo visible, lo cual emparentaría a la presente, en cierta manera, con El extraño caso del Doctor Jekyll y Mr. Hyde (The Strange Case of Dr. Jekyll and Mr. Hyde, 1886) del escocés Robert Louis Stevenson.

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Pese a que el tema no era nuevo en literatura, ya que había sido planteado previamente por uno de los discípulos de Edgar Allan Poe, el irlandés afincado en Estados Unidos, Fitz James O’Brien, en “¿Qué era aquello?” (“What Was it?”, 1859) —relato que, según parece, pudo servir de inspiración a Guy de Maupassant para crear “El Horla” (“Le Horla”, 1887)—, el éxito obtenido por el libro, unido al hecho de que el incipiente nuevo arte de la época, el cine, en su vertiente de caja mágica, comenzaba a producir pequeñas películas donde el tema de la invisibilidad cobraba protagonismo, en mayor o menor medida, solo era cuestión de tiempo de que tarde o temprano dicho texto fuera llevado a la gran pantalla. Esto ocurriría en 1933 de manos de la Universal, en un momento en el que por aquellas mismas fechas la Paramount se encontraba también adaptando otra novela de Wells, en este caso La isla del doctor Moreau (The Island of Doctor Moreau, 1896) con la maravillosa La isla de las almas perdidas (Island of Lost Souls, 1933). De esta forma se daba el pistoletazo de salida a las andanzas cinematográficas de su inapreciable protagonista, si bien algunas fuentes señalen dos versiones silentes anteriores, una francesa rodada por Pathé en 1909 y una italiana realizada tan solo un año después.

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Sea como fuere, el caso es que la cinta que sentó las bases de las futuras versiones de la novela de Wells, y por extensión las de su icónico personaje, fue El hombre invisible (The Invisible Man, 1933) de James Whale. Gran parte de su tremendo éxito se basaría en sus revolucionarios efectos especiales, obra de John P. Fulton, para los que tuvo que retocar a mano nada menos que 64.000 fotogramas, y el talento innato de su director, quien venía de hacer lo propio tan solo un par de años antes con la obra más famosa de Mary Shelley en El doctor Frankenstein (Frankenstein, 1931), con resultados absolutamente memorables. Al igual que ocurriera con otros títulos coetáneos de terror de raíces literarias producidos por la Universal, la película daría inicio a una saga sobre las peripecias de su “monstruo” protagonista, iniciada por El hombre invisible vuelve (The Invisible Man Returns, 1940) de Joe May, a la que seguirían La mujer invisible (The Invisible Woman, 1940) de A. Edward Sutherland, The Invisible Agent (1942) de Edwin L. Marin, La venganza del hombre invisible (Invisible Man’s Revenge, 1944) de Ford Beebe, hasta llegar a la inevitable parodia para el lucimiento de la pareja cómica de la casa en Abott and Costello Meet the Invisible Man [tv/DVD: Abott y Costello contra el hombre invisible, 1951] de Charles Lamont, si bien el personaje ya había aparecido con anterioridad haciendo un pequeño cameo en Abott y Costello contra los fantasmas / Bud Abott y Lou Costello contra los fantasmas (Abott y Costello Meet Frankenstein, 1948) de Charles T. Barton.

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El hombre sin sombra

Tras la fundacional película de Whale, muchos han sido los títulos que, con resultados desiguales, han versioneado este mito terrorífico, aunque ninguno haya sido capaz de lograr llegar a su nivel. Y eso, a pesar de que cineastas del prestigio e interés de Paul Verhoeven con El hombre sin sombra (Hollow Man, 2000) o John Carpenter con Memorias de un hombre invisible (Memoirs of an Invisible Man, 1992), por un lado, y cinematografías tan diferentes y dispares como la turca, con la ignota Görünmeyen adam Istanbul’da (1955) de Lutfi Akad, la rusa, con Chelovek-nevidimka (1984) de Aleksandr Zakharov, la japonesa, con Tomei Ningen (1954) de Motoyoshi Oda, la mexicana, con El hombre que logró ser invisible (1957) de Alfredo B. Crevenna, la alemana, con El hombre invisible (Der Unsichtbare, 1963) de Raphael Nussbaum, la trasalpina, con Flashman contra el hombre invisible (Flashman, 1967) de Mino Loy, o la española, bien en coproducción con Italia como en El hombre invisible / L’inaferrabile, invincibile Mr. Invisibile (1970) de Antonio Margheriti, o con Francia, caso de Orloff y el hombre invisible / La vie amoureuse de l’homme invisible (1971) de Pierre Chevalier, han aportado su punto de vista sobre el personaje, abordándolo desde tratamientos cómicos hasta terroríficos, pasando por la ciencia ficción o el erotismo, aprovechando de este modo la cantidad de posibilidades y variantes a las que se presta la naturaleza de esta figura del imaginario fantástico.

Tampoco la pequeña pantalla ha sido inmune a los encantos del personaje, y multitud de series y telefilmes han retratado las andanzas de este, siendo una de las pioneras la serie británica de la I. T. C. (Incorporated Television Company), El hombre invisible (H. G. Well’s Invisible Man).

LA SERIE

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Emitida originalmente en Gran Bretaña entre el 14 de septiembre de 1958 y el 5 de julio de 1959 por Associated TeleVision y en Estados Unidos entre el 13 de junio de 1959 al 19 de diciembre de 1959 a través de la CBS[1], la serie permaneció inédita en España hasta la llegada de las plataformas digitales, siendo programada por el canal especializado Calle 13 y más tarde editada en formato DVD en su versión íntegra por parte de Suevia Films.

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Creada por el australiano Ralph Smart[2], quien contó para el desarrollo del proyecto con Ian Stuart Black —autor posterior de varios capítulos de Doctor Who, concretamente de “The Savages” y “The War Machines” para el Doctor de William Hartwell y “The Macra Terror” para Patrick Troughton—, encargado a su vez de la coordinación del trabajo de los demás guionistas, El hombre invisible narra las peripecias del doctor Peter Brady, un científico que, tras un accidente de laboratorio mientras experimentaba con la densidad óptica y la refracción, se vuelve invisible junto con parte de su vestimenta. A partir de ese momento, y mientras busca la manera de encontrar una cura, se ve envuelto en mil y una aventuras a favor de la ley y el orden, ya sea en solitario o en compañía de su familia, compuesta por su hermana viuda y de la hija de esta.

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Sin embargo, el camino hasta alcanzar el formato final de la serie no fue nada fácil. El primer capítulo piloto, donde el actor canadiense Robert Beatty ponía la voz a Peter Brady, no fue del agrado de Smart, alegando este un resultado demasiado juvenil y unos FX demasiado toscos y poco creíbles. Pese a que este piloto nunca fue emitido íntegramente, algunas de las escenas rodadas fueron aprovechadas para el siguiente piloto, llamado “El experimento secreto” y para los capítulos “Asalto al banco” y “Picnic con la muerte”.

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Así las cosas, se rodó un segundo piloto, que dio como resultado “El experimento secreto”, consiguiendo la aprobación de Smart y marcando el camino a seguir por el resto de la serie. En dicho piloto ya se encuentra la definitiva voz de Brady, la del actor Tim Turner[3], a pesar de que no apareciera acreditado desempeñando tal función —aunque sí lo hará en el episodio titulado “Detrás de la máscara”, donde interpreta físicamente a uno de los villanos—, al igual que Johnny Scripps, actor que presta su cuerpo para el personaje protagonista. Tal circunstancia responde a una jugada comercial de Smart con el objeto de conseguir una publicidad extra, guardando así en secreto el nombre de los actores que daban vida a Brady, algo similar, en cierto sentido, a la realizada por la Universal en los años treinta en El doctor Frankenstein, en la que también se ocultaba la verdadera identidad del actor que interpretaba a la criatura, es decir, Boris Karloff, acreditado al final como una interrogante.

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A pesar de que en el título original se acredita la autoría de H. G. Wells, pocos son los puntos en común que la serie mantiene con la creación de este, por no decir ninguno. Si en la novela original, como ya se ha dicho, la invisibilidad conducía a su protagonista a una especie de locura que lo empujaba a la criminalidad, en este caso el personaje de Brady utiliza sus nuevas habilidades para convertirse en una especie de agente secreto, más bien un superhéroe adalid de la justicia, lo cual emparenta a la presente serie con The Invisible Agent, una de las mencionadas integrantes de la serie dedicada al personaje por la Universal, en la que el nieto de Jack Griffin se hacía inocular el suero de la invisibilidad para infiltrarse en la Alemania nazi durante la Segunda Guerra Mundial, con el fin de poder colaborar en lograr la victoria de los aliados.

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Así, durante los 26 capítulos auto conclusivos de 25 minutos de duración divididos en dos temporadas que conforman la serie, Brady se enfrentará, bien sea por voluntad propia o por intercesión de la administración británica, a gobiernos árabes, soviéticos, ladrones, mafiosos y terroristas, en pos de su lucha por el bien (sic) —salvo raras excepciones, caso del, sobre el papel, interesante “Sombra explosiva”, bajo un esqueleto argumental bastante similar y simple, algo que se deriva parcialmente de la escasa duración estándar de cada episodio, desempeñando por lo general un personaje secundario dentro de la trama, para en los minutos finales acabar desbaratando los planes del villano de turno, y sentando de esta forma las que serían las bases de la mayoría de las futuras series que tratarían el personaje, con quizás la única excepción de la producción de la BBC de 1984 The Invisible Man, esta sí fiel al espíritu del texto que adaptaba.

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Si argumentalmente la serie bebe de la citada The Invisible Agent, su estética remite a las pautas marcadas por la fundacional El hombre invisible, por la que habían transcurrido todas las versiones del mito aparecidas hasta la fecha. De esta manera, la apariencia visible del hombre invisible, valga la redundancia, es idéntica a lo visto en la película de Whale; esto es, manos enguantadas, cabeza vendada con gafas de sol y sombrero y un largo abrigo cubriendo el resto del cuerpo. Como novedad, las ropas que lleva puestas Brady durante el accidente que le vuelve invisible corren la misma suerte que él al ser de algodón, lana u otro material de origen animal, por lo que las veces que vemos, mejor dicho, no vemos a Brady, no es porque vaya desnudo, sino porque lleva dichos ropajes.

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Asimismo, los efectos especiales de nuevo se encaminan a lo visto en la saga de la Universal y, pese a que hubieran pasado más de veinte años entre el título fundacional de aquella y la presente serie, en ningún momento el trabajo del encargado de los trucajes de la serie, Jack Whitehead, responsable a su vez de este apartado en títulos como Hamlet (Hamlet, 1948) de Sir Laurence Olivier o Devil Girls From Mars [dvd: Devil Girls From Mars, 1954] de David MacDonald, llega a superar el trabajo realizado por John P. Fulton, sino, en el mejor de los casos, a igualarlos, si bien en su descargo habrá que decir que a buen seguro el presupuesto destinado para tales menesteres en una y otra producción no sería equiparable.

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De este modo, los efectos derivados del movimiento de objetos están recreados a través de cables o de la mímica de los actores, siendo las menos en las que dichos trucos están realizados mediante transparencias. Cuando esto ocurre, caso del plano en el que el hombre invisible se quita las vendas de la cabeza para mostrar su no rostro, la secuencia es repetida en infinidad de capítulos, produciendo al mismo tiempo un error de continuidad con los decorados en donde se desarrolla el resto de la escena, fallos estos, los de racor, por otra parte bastante recurrentes a lo largo de la serie.

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Por otro lado, las ocasiones en que Brady conduce su coche sin ningún atuendo visible esta realizado gracias al trabajo de los especialistas, quienes se ocultaban agachados en el interior de los vehículos, guiándose gracias a alguna pequeña rendija habilitada a tal efecto. Lo mismo ocurre cuando solo es visible el largo abrigo de Brady, fruto del trabajo de un actor de pequeña estatura, el cual veía a través de dos agujeros realizados a tal propósito en los botones del gabán. En la segunda temporada de la serie, tal vez con el objeto de simplificar y ahorrar costes, la cámara a menudo adoptaría la vista subjetiva de Brady, reduciendo así el número de planos donde fueran necesarios la utilización de efectos especiales.

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Todo ello, en suma, hacen de El hombre invisible una serie de un nivel bastante discreto, al que el transcurrir de los años no ha ayudado en absoluto, acrecentando aún más sus defectos, pero que puede resultar interesante, siempre y cuando se vea con los ojos adecuados y acompañados de cierta perspectiva histórica.

NOMBRES ILUSTRES

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Dejando a un lado su intrínseco valor como producto audiovisual, si hay un aspecto en el cual destaca El hombre invisible es en el número de talentos que intervinieron en su génesis. Si leemos detenidamente las fichas técnicas de los distintos capítulos que la conforman, aparte de los citados Smarth y Stuart Black, en la sección de realizadores nos encontramos a C. M. Pennington-Richards, operador de fotografía en la versión dirigida en 1956 por Michael Anderson de la novela homónima de George Orwell 1984, y a su vez director de la simpática cinta de aventuras de la Hammer A Challenge for Robin Hood [dvd: Un desafío para Robin Hood, 1967], o Quentin Lawrence, director de El hombre que murió dos veces (The Man Who Finally Died, 1963), o de The Trollenberg Terror, tanto de la desaparecida serie televisiva de 1956 como de la versión en 1958 para la gran pantalla a la que dio lugar, esta última con libreto de Jimmy Sangster.

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Douglas Hickox dando instrucciones a John Wayne durante el rodaje de Brannigan

En muchos capítulos, como director de la segunda unidad hallamos que a Douglas Hickox, responsable de la coproducción entre AIP y la Amicus protagonizada por Vincent Price Matar o no matar, ese es el problema (Theater of Blood, 1973), o de Amanecer Zulú (Zulu Dawn, 1979), la precuela de la magnífica Zulú (Zulu, Cy Endfield, 1964), para la que contaría con un reparto impresionante en el que se dan cita actores de la talla de Burt Lancaster, Peter O’Toole o Bob Hoskins, entre otros. Aparte, también dirigiría en 1983 una versión catódica de la novela de Sir Conan Doyle El perro de los Baskerville, siendo en el terreno personal padre de Anthony Hickox, irregular cineasta cuya trayectoria se ha enfocado a los terrenos del fantástico, destacando su opera prima Waxwork [vd/bd: Waxwork, la casa de cera, 1988].

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Brian Clemens

Entre la marabunta de guionistas que conforman el plantel de la serie, la gran mayoría eminentemente televisivos, también encontramos varios nombres familiares, caso de Michael Pertwee, que, entre otros trabajos, intervino en la traslación del musical de Brodway A Funny Thing Happened on the Way to the Forum que daría lugar a la desternillante Golfus de Roma (A Funny Thing Happened on the Way to the Forum, 1966) del gran Richard Lester; Stanley Mann, especializado en la adaptación de textos literarios a la pantalla, bien de forma directa, caso de Viento en las velas (A High Wind In Jamaica, Alexander Mackendrick, 1965), El coleccionista (The Collector, William Wyler, 1965), El ojo en la aguja (Eye of the Needle, R. Marquand, 1981), u Ojos de fuego (Firestarter, Mark L. Lester, 1984), según las novelas de Richard Hughes, John Fowles, Ken Follet y Stephen King, respectivamente; o bien, de forma indirecta, caso de la citada Matar o no matar, ese es el problema, Conan el destructor (Conan the Destroyer, 1984) de Richard Fleischer, o La maldición de Damien (Damien: Omen II, 1978) de Don Taylor. Sin embargo, si un nombre destaca dentro de este apartado este es, sin duda, el de Brian Clemens, entre otras muchas cosas creador de las famosas series Los vengadores (The Avengers; 1961-1969) y Los profesionales (The Professionals; 1977-1983), y que aquí aparece acreditado con el nombre de Tony O’Grady.

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A la izquierda André Morell y a la derecha Andrew Keir en una escena de la serie

El reparto de actores tampoco se queda atrás, y así, a lo largo de los 26 capítulos de la serie, podemos ver a Desmond Llewelyn, Q en la saga de James Bond, Joan Hickson, Miss Marple en la serie de telefilmes sobre el personaje producidos por la BBC en los años ochenta, Peter Sallis, voz de Wallace en la versión original de los dibujos animados Wallace & Gromit, Irene Handl, Honor Blackman, Patrick Troughton, Ian Hendry o varios nombres relacionados con el fantástico. En este apartado podemos mencionar a los habituales de la Hammer Michael Ripper, André Morell y Andrew Keir, el inolvidable doctor Quatermass de ¿Qué sucedió entonces? (Quatermass & the Pit, Roy Ward Baker, 1967); el flemático Dennis Price, o Hazel Court, reina del grito a los dos lados del charco durante finales de los cincuenta hasta mediados de los sesenta, gracias a su participación en títulos como La máscara de la muerte roja (The Masque of the Red Death, 1964), La obsesión (Premature Burial, 1962) y El cuervo (The Raven, 1963), todos ellos dirigidos por Roger Corman, y La maldición de Frankenstein (The Curse of Frankenstein, 1958) y The Man Who Could Cheat Death [dvd: El hombre que podía engañar a la muerte, 1959], estos últimos con Terence Fisher a los mandos.

José Luis Salvador Estébenez

[1] El número de episodios emitidos en Estados Unidos varía dependiendo de las fuentes consultadas. Mientras unas sostienen que fue emitida de forma íntegra, otras afirman que solo fueron trece los capítulos vistos en Norteamérica, variando también las fechas de emisión de los mismos.

[2] Nacido en Sydney (Australia) en 1908, Ralph Foster Smart fue un productor, guionista y director especializado en televisión. Comenzó trabajando en Gran Bretaña al lado del director Michael Powell en la producción de pequeñas cintas de serie B para rellenar la “cuota quickies”. Después de la Segunda Guerra Mundial, donde se unió a las Fuerzas Aéreas Reales australianas, trabajó para la Rank Organisation y los famosos estudios Ealing, regresando a su país natal para dirigir varias películas, entre ellas su considerada obra maestra, Bitter Spring (1950), sobre el maltrato sufrido por los jóvenes aborígenes. De vuelta a Gran Bretaña se hizo muy influyente dentro de la televisión, medio por el cual es hoy en día recordado gracias a su trabajo al frente de series como The Adventures of Robin Hood, o, especialmente, Cita con la muerte (Danger Man; 1959-1960), germen de la famosa El prisionero (The Prisoner; 1967). Falleció en 2001 a los 93 años de edad en Bowen, en el estado de Queensland, Australia.

[3] Años después volvería a ceder su voz, de nuevo sin ser acreditado, para esa pequeña joya llamada Jasón y los argonautas (Jason and the Argonauts, Don Chaffey, 1963).

Published in: on marzo 28, 2018 at 6:00 am  Dejar un comentario  

Crónica de la XV Muestra Syfy de Cine Fantástico

Entre los pasados 8 y 11 de marzo el Cine de la Prensa de Madrid acogió una nueva edición de la Muestra de Cine Fantástico y de Terror Syfy, que festejaba así su decimoquinto aniversario. A pesar de esta efeméride, el evento organizado de forma conjunta por el canal temático de NBC Universal que le da nombre y Versus Entertainment repetiría el modelo acostumbrado en los últimos años. La principal novedad en este sentido se encontraría en la recuperación de la proyección de cortos tras la ausencia del año pasado, esta vez limitados a dos únicos títulos en las sesiones de la diez de la noche del viernes y el sábado. Por lo demás, su configuración seguía la fisonomía ya conocida: diecisiete sesiones correspondientes a otros tantos films distribuidas a lo largo de cuatro jornadas, y divididas a su vez entre las quince proyecciones de la Muestra propiamente dicha y las dos matinales del fin de semana destinadas a la sección “Syfy Kids”.

En cuanto a los títulos programados, cabe llamar la atención de que, si hace doce meses la Muestra se había apuntado el tanto de contar con las premieres nacionales de dos estrenos de la expectación de Logan y Kong: La isla Calavera, en esta edición presentaría un grupo de producciones de un perfil más bajo. A este respecto, quizás los exponentes más mediáticos se encontrarían en la película de Walt Disney Un pliegue en el tiempo, aunque solo fuera por la presencia en su reparto de la popular presentadora televisiva Oprah Winfrey, y Pacific Rim: Insurrección, secuela del film de Guillermo del Toro que a la postre sería sustituido a última hora por el thriller de ciencia ficción Siete hermanas. Siguiendo con el tema, es también de destacar que, probablemente, debido al cambio de fechas efectuado por “Nocturna”, la presencia de films galardonados en el último Festival de Sitges se vería bastante reducido con respecto a anteriores ocasiones, lo que, casualidad o no, acabó reflejándose en la calidad media de los films proyectados. Esto no quita para que, respondiendo al que debe ser el objetivo de un certamen de estas características, la selección de films presentada resultara de lo más variada, tanto en sus formas como en su procedencia, ofreciendo una heterogénea panorámica de maneras de abordar y entender el fantástico, si bien, en honor a la verdad, la vinculación con el género de algunos de los exponente sería cuanto menos discutible.

Primera jornada: jueves 8

Con la lluvia como testigo, la cola que daba acceso al Cine de la Prensa se confundía con la multitud de asistentes a la manifestación por el Día Internacional de la Mujer, que transcurría por una Gran Vía colapsada de gente. Con este telón de fondo arrancaba la sesión inaugural de la decimoquinta edición de la Muestra. Precisamente, con motivo de la huelga feminista la habitual maestra de ceremonias del certamen, Leticia Dolera, dejaba momentáneamente su puesto a Gorka Villar, director de marketing de NBC Universal España, y encargado asimismo de presentar las sesiones matinales del sábado y el domingo. En su intervención, además de repasar por encima lo que nos iba a deparar las siguientes jornadas, Villar anunciaba por sorpresa el cambio efectuado en la programación. Debido a indeterminados “problemas técnicos” Pacific Rim: Insurrección se caía de la gala de clausura, siendo su lugar ocupado por Siete hermanas, en lo que se antoja una solución de última hora, habida cuenta que la película protagonizada por Noomi Rapace había sido ya estrenada en salas españolas de forma limitada el pasado 1 de marzo. No obstante, en una decisión que la honra, la organización anunciaba la celebración el martes 20 a las 8 de la tarde de un pase especial de la cancelada Pacific Rim: Insurrección para abonados, acreditados y todos aquellos espectadores de la Muestra que hubieran adquirido su localidad para la sesión del domingo.

Acorde al espíritu de una jornada plagada de guiños feministas, la película escogida para dar el pistoletazo de salida a esta edición de la Muestra era Un pliegue en el tiempo, film que, como Villar recordara durante su presentación, está escrita, dirigida y protagonizada por féminas. La confesada idea que se perseguía con ello era la de reivindicar el talento de las mujeres en el cine, si bien vistos los resultados la intención diríase justo la contraria. Y es que, sin conocer la novela homónima en la cual se basa, lo cierto es que su versión cinematográfica peca de ser un conglomerado de elementos procedentes de El mago de Oz, La historia interminable y Alicia en el país de las maravillas. Pero si los referentes en los que bebe parecen claros desde un primer momento, no lo es menos su planteamiento narrativo, comenzando por el hecho de que su protagonismo recaiga en la enésima adolescente con problemas de bullying integrante de una familia desestructurada, en este caso debido a la desaparición de su padre en misteriosas circunstancias, que encontrará en la dimensión de la fantasía la solución a sus problemas. Con tan arquetípico punto de partida, el resto de la trama se desarrolla bajo los cauces de lo manido y lo previsible, enlazando tópico tras tópico a lo largo de su recorrido. Semejante pobreza conceptual es coronada, entre otros muchos defectos, por una estética de lo más hortera, y una dirección que confunde el sentido de la maravilla con el concurso de planos atiborrados de efectos por CGI, conformando uno de los títulos más olvidables de toda la Muestra, sobre todo en vista del derroche de medios despilfarrados en el empeño. Por cierto que, a modo de curiosidad, al contrario de lo que suele ser norma dentro del certamen, la película sería proyectada en su versión doblada al castellano, sin que en ningún momento se aclararan cuáles eran los motivos de tal cambio.

Segunda jornada: viernes 9

Pasadas las tres y media de la tarde, la segunda jornada de la Muestra echaba a andar con As boas maneiras, cinta brasileña que llegaba a Madrid con el aval del premio de la crítica recibido ex aequo con El sacrificio de un ciervo sagrado en la pasada edición de Sitges. Y lo cierto es que no defraudó esta personal interpretación del mito licantrópico, a pesar de la irregularidad de un conjunto al que también perjudica una exagerada duración de dos horas y cuarto. Dividida en dos mitades muy marcadas, a tal punto de parecer pertenecer a dos películas distintas, la primera acumula los principales aciertos. Con tan solo un par de personajes y una única localización, el tándem formado por Marco Dutra y Juliana Rojas construye un atractivo universo femenino a través de la relación lésbica que se establece entre sus dos protagonistas, utilizando para ello decisiones tan significativas como la elusión mediante la puesta en escena de toda presencia masculina en pantalla. Es una lástima, así las cosas, que una vez se produzca el hecho sobre el que pivota el argumento sus directores se olviden de todo lo mostrado hasta el momento para cambiar diametralmente de registro, abriendo la película a espacios y personajes, y perdiendo con ello en interés para ganar en dispersión narrativa, hasta convertirse en un relato bastante convencional en torno a las relaciones paternofiliales, más allá de su modernización de los lugares comunes del gótico cinematográfico codificado por las películas de monstruos clásicos de la Universal acorde a la época actual. Con todo, esto no quita para que en sus compases finales la cinta consiga remontar el vuelo, brindando alguno de los planos más emotivos y estremecedores que uno recuerda dentro del cine reciente. Otro elemento a destacar en este segmento es el uso que en determinados momentos se hace de la inclusión de canciones con fines narrativos, y que dan como resultado algunos momentos musicales ciertamente arriesgados.

El buen sabor de boca dejado por As boas maneiras sería, no obstante, superado por la siguiente A Day, sin duda uno de las más agradables sorpresas dejadas por esta edición de la Muestra. A primera vista, se trata de un exponente de manual del cine comercial surcoreano; un característico melodrama con la singularidad de estar construido sobre el típico esquema de “el día de la marmota” que popularizara Atrapado en el tiempo. Sin embargo, una vez presentado su planteamiento, y cuando parece que la fórmula en que se apoya su discurrir narrativo está próxima agotarse, la película comienza a bifurcarse en múltiples direcciones a través de calculados giros de guion, dando paso a una historia que reflexiona sobre el egoísmo o las consecuencias de nuestras acciones, todo ello inserto dentro del entorno de la familia, tema por excelencia del cine más reciente procedente de Corea del Sur. Pero además de por los atributos de un guion de hierro, la solidez de sus resultados no sería la misma sin la intensidad narrativa que le dota un montaje nada sencillo, su pasmosa claridad expositiva, a pesar de lo intrincada que en ocasiones se vuelve su trama y, sobre todo, la extraordinaria capacidad de su debutante director, Cho Sun-Ho, para graduar con total naturalidad la progresiva evolución de los tonos dramáticos que va adquiriendo la historia, bien apoyado en el óptimo rendimiento de su elenco interpretativo, sin por ello descuidar las escenas espectaculares visual y técnicamente que toda producción de aquellas latitudes parece obligada a incluir.

Ausente del certamen hasta entonces, Leticia Dolera hacía acto de presencia para presentar el pase de Downrange. Cinco años después de su anterior incursión, el cineasta japonés Ryuhei Kitamura, del que hace años pudiéramos ver en este mismo marco su adaptación de Clive Barker El vagón de la muerte, regresa al cine estadounidense con este film cimentado sobre una única situación, la de seis jóvenes junto a su coche averiado en mitad de una solitaria carretera a merced de un misterioso francotirador. Por desgracia, lejos de lo que cabría esperar a tenor de esta premisa, la película resultante está lejos del ejercicio de tensión narrativa que se deduce de su planteamiento, viéndose aquejada de lo que podríamos denominar el síndrome del corto alargado. De este modo, su escueto argumento es a duras penas estirado cual chicle, prolongando las situaciones ad nauseam, y provocando así que el tedio pronto se apodere del visionado. Incluso la llegada de nuevos personajes superado el ecuador de la cinta es totalmente desaprovechada para utilizarlos, única y exclusivamente, como víctimas propiciatorias del matarife de turno, sin preocuparse de procurarles de un mínimo peso narrativo. Para colmo de males, a pesar de sus interminables escenas de diálogos, el film tampoco acierta en su intento por profundizar en los caracteres de los personajes protagonistas. Con semejante material entre manos, poco puede hacer un Kitamura estéril a la hora de dotar de un mayor dinamismo al conjunto, concentrando su labor en la creación de cierto estilismo visual así como en la inclusión de puntuales ramalazos gore que, a la hora de la verdad, no logran sustentar por sí mismos el peso de la cinta.

La cuarta sesión del día tenía como entrante el primero de los dos cortometrajes programados, con cuya inclusión los organizadores se aseguraban la participación española en el certamen. Lo hacía con la presencia sobre las tablas de la Sala 1 del Cine de la Prensa de los principales responsables de La última cita, el cual fue presentado por su director y guionista, David Baquero, como una “reflexión sobre la vida desde el punto de la vista de la muerte”. Pretenciosa definición para un trabajo mucho menos profundo de lo que se pretende, haciendo gala de una sencillez desde el punto de vista formal y narrativo que delata su condición de simple anécdota argumental, cuyo potencial es confiado al efecto de su giro final antes que en la formulación de disquisiciones metafísicas, en realidad inexistentes.

Turno entonces para uno de los platos fuertes de la jornada, y me atrevería a decir de toda la edición. Tras acoger hace dos años su debut con el western terrorífico Bone Tomahawk, la Muestra traía la segunda película como director de S. Craig Zahler, Brawl in Cell Block 99; un film con el que el habitualmente guionista confirma y supera los logros de su, un tanto, sobredimensionada ópera prima, utilizando análogos elementos. De este modo, retoma de ella su ritmo pausado y estructura argumental para componer un contundente thriller carcelario que bebe tanto del cine de explotación de los años setenta como del mundo de cómic. Al igual que en Bone Tomahawk, el descenso a los infiernos del personaje protagonista para salvar la vida de su secuestrada esposa es la base de una propuesta que tiene sus principales hallazgos en unos diálogos afilados, unos estallidos de violencia plasmados en pantalla con superlativa crudeza y el carisma que derrocha un sobresaliente Vince Vaughn en un registro totalmente distinto a los papeles cómicos que le han hecho popular entre el gran público, bien secundado por las aportaciones de dos ilustres veteranos de la talla de Udo Kier y Don Johnson, este último impagable como despiadado alcaide de un inhumano presidio.

Con casi media hora de retraso con respecto al horario previsto, la jornada terminaba con la primera de las sesiones golfas de este año. El título escogido para tal menester fue Mayhem, dirigida por el habitual del género Joe Lynch. Tomando como base la fórmula del cine sobre infectados, Lynch y su guionista, Matias Caruso, se descuelgan con una negrísima comedia, gamberra y sanguinaria, que satiriza con incisiva acidez el ambiente y la competitividad laboral de las grandes empresas estadounidenses y, muy particularmente, el de los bufetes de abogados, poniendo en el centro de su diana la falta de escrúpulos de una mentalidad en la que lo único que importa es el triunfo profesional a toda costa, aunque sea por medio de destripar al compañero de al lado. Algo que, literalmente, ocurre en la película, una vez que un extraño virus elimine las inhibiciones sociales de los trabajadores de una importante consultora de abogados, dando pie a una adrenalínica cinta repleta de acción con estructura de videojuego, en la que sus dos personajes principales, interpretados perfectamente por Steven Yeun y Samara Weaving, tendrán que superar los diferentes niveles en los que se divide la empresa hasta llegar a las dependencias de las altas esperas, para poder llevar a cabo su venganza de clase. El resultado, ni qué decir tiene, se erige en todo un festín para los amantes al cine de Serie B, que puso la guinda perfecta a la jornada del viernes.

Jornada 3: sábado 10

Una sala atestada de padres acompañados de sus vástagos daba la bienvenida a la primera de las sesiones de “Syfy Kids”, la sección de la Muestra dedicada a los más pequeños de la casa. Por este motivo, la cinta a visionar era Peter Rabbit, la traslación al medio del personaje de literatura infantil creado a comienzos del pasado siglo por la británica Beatrix Potter. Aunque poco fiel a la obra en que se basa y bastante predecible en su desarrollo, la película acaba por erigirse en un simpático divertimento, tan entretenido como intrascendente. Dejando a un lado el alto nivel de los efectos infográficos empleados para dar vida a la nutrida fauna animal que puebla el metraje, y se entremezcla con total naturalidad con los actores de carne y hueso, ello es posible gracias a la adopción del estilo de cartoon con el que narra el enfrentamiento que mantiene el conejo protagonista con su nuevo vecino humano. Sin abandonar en ningún momento los cauces propios de una producción destinada a todos los públicos, tal planteamiento fructifica en la apuesta por una comicidad basada en su mayoría en gags físicos, lo que se traduce en un puñado de agradecidos momentos de puro slapstick, perfectamente resueltos desde el apartado técnico e interpretativo, con un Domhnall Gleeson, popular por su papel del general Hux de la nueva trilogía de Star Wars, que diríase habérselo pasado en grande durante el rodaje.

Tras una pausa de un par de horas, a eso de las cuatro de la tarde la Muestra regresaba con la producción china Have A Nice Day, representante del cine de animación dentro de la programación de este año y, sin duda, una de las que más reacciones negativas despertaría durante su pase por parte del siempre ruidoso público del certamen. ¿El motivo? Su animación minimalista. Ya no es que esta resulte en todo momento de lo más estática; es que su dirección parece estar encaminada a animar el menor numero posible de planos, alargando para tal fin las situaciones más de lo recomendable o empleando determinados recursos visuales de lo más gratuitos cuya inclusión solo parece responder a un evidente intento de añadir metraje hasta alcanzar una duración estándar, lo que en última instancia contribuye a que su visionado resulte ciertamente insoportable, a pesar de contar con setenta y cinco minutos escasos. De este modo son tirados por tierras los posibles valores de este neonoir con estética de novela gráfica e influencia tarantiniana, que intenta ofrecer un fresco de la sociedad China actual a través de las peripecias de varios personajes interconectados con el nexo de unión del robo de una cantidad monetaria, aunque a la hora de la verdad su historia no parezca conducir a ningún lado.

Tras el primer contacto con el tema que había supuesto el pase de Mayhem en la sesión golfa del viernes, el cine de infectados volvía a visitar la Muestra con la irlandesa The Cured. Ópera prima de David Freyne, quien también firma el libreto, comparte con su émula norteamericana la pretensión de utilizar el género para formular lecturas políticas y sociales, aunque desde unos planteamientos muy distintos. El espíritu festivo de Mayhem es aquí sustituido por un tono sobrio e introspectivo con el que narra el conflicto que se produce durante la reinserción social de los infectados por el virus de rigor tras el descubrimiento de una cura que capitaliza su argumento. Una premisa interesante, aunque vista con ligeras variaciones en otros exponentes previos, caso de la francesa La resurrección de los muertos o la serie británica In the Flesh, que es empleada para dar forma a un drama social que se vincula con situaciones de máxima actualidad, como puede ser el drama de los refugiados, si bien su procedencia geográfica ha hecho que no sean pocos los que han visto en ella acertadamente una metáfora del conflicto político irlandés y la rehabilitación en aquella sociedad de los terroristas del IRA tras el final de la lucha armada. El problema es que, sin menoscabo de sus aciertos, la dirección acusa una evidente falta de concisión, apostando por una dilatación narrativa a juego con sus ínfulas autorales que solo perjudica al conjunto. Y ya que hablamos de interpretaciones, tampoco puede pasarse por alto el evidente trasfondo homófobo que adquieren sus imágenes a través de la especial relación que se establece entre sus dos principales personajes masculinos, por más que su concurso parezca algo no intencionado, máxime teniendo en cuenta que su protagonismo femenino corre por cuenta de Ellen Page, pero que no quita para que este elemento se encuentre presente a poco que uno analice.

Procedente de Rusia, la protagonista de la tercera sesión de la tarde era Salyut-7, thriller de ambientación espacial, que no película de ciencia ficción. Basada en hechos reales, el argumento dramatiza el arriesgado rescate del satélite que le da título llevado a cabo en 1985 por la agencia espacial soviética, poniendo un particular énfasis en los aspectos emotivos, épicos y patrióticos de una gesta que contaba con todos los condicionantes para acabar en fracaso. No en vano, la película está dedicada a los héroes soviéticos que conquistaron el espacio, incluyéndose en sus títulos de crédito finales imágenes de archivo que muestra a algunos de aquellos cosmonautas. A nivel técnico, el film dirigido por Klim Shipenko evidencia su naturaleza de producción de gran presupuesto, luciendo una envoltura formal, tanto de fotografía, como de diseño o efectos, que no tiene nada que envidiar a las películas norteamericanas de similares características, comenzando por Apolo 13 o Gravity, por solo citar las dos más populares. A sus ya de por sí notables resultados se le une, además, el hecho de que la trama discurra en plena Guerra Fría, ofreciendo así la oportunidad de comprobar cómo se veía la carrera espacial y el enfrentamiento latente con los Estados Unidos desde el otro lado del telón de acero, y que, dicho sea de paso, no difiere en demasía de la imagen dada en el sentido contrario por numerosas películas producidas por el otro bando.

Gorka Villar y Leticia Dolera junto a los integrantes del equipo de “RIP” durante la presentación del cortometraje.

Repitiendo lo ocurrido justo veinticuatro horas antes, la sesión de las diez de la noche arrancaba con la visita de una representación del equipo del cortometraje que iba a proyectarse en primer término. En este caso se trataba de RIP, uno de los grandes triunfadores de la temporada, como atestiguan los muchos premios que ha acumulado durante su paso por el circuito de festivales, entre los que figuran el premio al mejor corto del pasado Festival de Sitges, o el del público al mejor corto español en la última Semana de San Sebastián. Haciendo buenos estos antecedentes, la disparatada historia de un hombre que, tras resucitar el día de su funeral no quiere volver a morir para disgusto de su madre y su esposa, es empleada por el tándem Pintó & Caye para crear una macabra comedia cargada de humor negro que, fiel a su estilo, es plasmada bajo las formas de ese surrealismo satírico costumbrista de raíces berlanguianas que supone el principal rasgo característico de la obra del dúo de directores catalanes.

Sin solución de continuidad, el relevo de RIP lo tomaba el enésimo film de raíces literarias programado por la Muestra. En esta ocasión se trataba de la adaptación del relato corto del creador de The Sandman, Neil Gaiman, How to Talk to Girls at Parties. Su acción nos traslada hasta el Londres de 1977, en plena eclosión del punk. Mientras el resto del país festeja el veinticinco aniversario de la subida al trono de Isabel II, un joven punk, junto a dos amigos, se cuela en lo que creen una fiesta, pero que en realidad es la morada donde se aloja un grupo de turistas alienígenas. Lo que viene a continuación es una comedia romántica tan marciana como se desprende de esta premisa, cuyo resultado final acaba por dejar un sabor agridulce. La culpa la tiene la falta de reflexión e inconsistencia en la que incurre la puesta en escena de John Cameron Mitchell. Si bien hay que reconocerle su fantástico retrato de la época histórica en la que se ambienta la cinta, su dirección peca de divagar, aunando momentos logrados con otros carentes de cualquier interés. De este modo, tan pronto podemos encontrarnos con una aguda reflexión sobre el espíritu del punk o la vida misma, como una extravagancia visual de aires psicodélicos que solo sirve para torpedear el tono del relato. Con ello no quiere decirse que se trate de una mala película, aunque sí de una película fallida de interés intermitente, echándose a faltar una mayor cohesión entre los dos principales arcos argumentales, como demuestra el que en diversos parajes todo el invento se mantenga a flote por la química que desprende su pareja protagonista, compuesta por Alex Sharp y Elle Fanning.

Con un retraso acumulado equiparable al que se había producido un día antes, la sesión golfa del sábado suponía el reencuentro con un viejo conocido de la Muestra. Hablamos de Victor Crowley, la nueva secuela de Hatchet, la saga parodia-homenaje al slasher de toda la vida cuyas dos primeras entregas formaran parte de la programación del certamen en anteriores ediciones. Tras el paréntesis que en este sentido había supuesto Hatchet 3, Adam Green vuelve a tomar las riendas de su más famosa criatura para ofrecer un nuevo festín de sangre, gore y humor gamberro y escatológico que logra cumplir con las expectativas que cualquier conocedor de la saga pudiera haber concebido. En este sentido, la película no ofrece ninguna sorpresa. A grandes rasgos, Green se limita a repetir la fórmula que tan bien le han funcionado hasta el momento, si acaso con una menor propensión al componente metagenérico, básicamente reducido a la alusión a Haddonfield, la localidad en la que transcurre Halloween y, sin salirnos de la franquicia, el cameo en la escena post-créditos que realiza Danielle Harris, y que, dado su protagonismo en la segunda y tercera parte de Hatchet, deja la puerta abierta a una futurible secuela. De llevarse a cabo, antes sus responsables deberían idear una forma de reinventar la saga, habida cuenta de las inequívocas muestras de cansancio localizables durante el último tramo de la presente, singularizadas por el hecho de que alguna de las muertes incluidas, en teoría uno de los platos fuertes de la función, sean plasmadas por Green adoptando la visión subjetiva de la víctima, quizás ante su incapacidad a estas alturas de escenificar un nuevo crimen sin caer en lo repetitivo.

Domingo 11: cuarta jornada

Al igual que sucediera el año pasado, la matinal del domingo ofrecía la oportunidad de disfrutar en pantalla grande de un título emblemático del cine fantástico de las últimas décadas. Para festejar el veinticinco aniversario de su estreno, “Syfy Kids” había seleccionado para protagonizar la segunda de sus sesiones a Parque Jurásico, la película de 1993 de Steven Spielberg que, entre otras cosas, marcaría un antes y después en la historia del cine reciente por su pionero uso de efectos digitales. Lejos de acusar el tiempo transcurrido desde su realización, el film demostró permanecer intacto como el primer día. No solo desde el punto de vista formal, sino en la capacidad para trasmitir su magia, fascinación y sentido de la aventura. Algo que a fe que pudo comprobarse a decir de las reacciones del público que abarrotó una proyección que contó entre sus butacas con menos infantes que en la víspera, y que no dudó en ovacionar todos y cada uno de sus momentos más recordados, en un ejercicio que tuvo también mucho de nostálgico para la mayoría de los allí presentes.

Pausa para la comida y vuelta al Cine de la Prensa para encarar el último tramo de proyecciones de esta edición de la mano del exponente más exótico de todo el certamen, y no solo porque de fantástico no tuviera nada, como por otra parte ya se podía entrever desde su título. Aunque de nacionalidad británica, I Am Not a Witch supone la ópera prima en el formato largo de la directora y guionista de origen zambio Rungano Nyoni, ganadora por este trabajo del premio BAFTA al mejor debut. Para darle forma, Nyoni vuelve la mirada a su África natal, con un relato antropológico en el que no deja títere con cabeza. El peso de las supersticiones, el discriminatorio trato que recibe la mujer dentro del sistema patriarcal dominante, la corrupción de las instituciones públicas e, incluso, el funcionamiento de la ley, son algunos de los temas que salen a la palestra en este retrato de la sociedad africana rural, formulado por medio de las vicisitudes vividas por Shula, una niña de nueve años que, tras ser acusada de brujería, es enviada junta a otras mujeres a una reserva de brujas. Con una narración que bascula entre el drama, la tragedia y una cáustica comicidad, con momentos incluso que parecen sacados de alguna película de los Monty Python, caso de la escena de la acusación de brujería a la protagonista, sospechosamente similar a otra de Los caballeros de la mesa cuadrada y sus locos seguidores, la valoración global del conjunto se ve perjudicada por una puesta en escena de corte documental y tono contemplativo que, junto al uso de una trama argumental no lineal, compuesta por diferentes episodios autoconclusivos, hacen que su desarrollo acabe por ser demasiado calmo, máxime en el temprano horario en que fue proyectada.

De I Am Not a Witch pasábamos a uno de los títulos más esperados del programa, al menos para quien esto suscribe, con el pase de The Endless, el nuevo trabajo de los norteamericanos Aaron Moorhead y Justin Benson, quienes además de encargarse de escribirlo y dirigirlo, también lo protagonizan, en una faceta hasta ahora inédita en su trayectoria. Tal expectación se sustenta en la magnificencia alcanzada con su anterior película, Spring, una fábula romántico-fantástica bajo las forma de monster movie que merece ser considerada uno de los títulos más interesantes legados por el género en lo que llevamos de década. Sin llegar a su nivel, en parte por un planteamiento argumental más arriesgado, The Endless vuelve a confirmar a sus responsables como dos de los nombres más interesantes del panorama fantástico actual. Retomando la influencia lovecraftiana ya vista en la previa, y que es explicitada desde la primera cita con la que se abre la cinta, Moorhead y Benson retornan al mundo que crearan en Resolution, su ópera prima, para seguir explorando los temas que han articulado hasta el momento su cine: el amor, las relaciones humanas y la trascendencia. Toda una prueba bien palpable de la mirada personal e intransferible que el tándem de directores ha conseguido acuñar con tan solo tres películas, y que es constatada por el hecho nada baladí de que estas conformen una especie de trilogía orquestada en torno al amor. Y es que si Resolution abordaba el amor entre amigos y Spring el de pareja, The Endless hace lo propio con el amor fraternal.

El destino, el azar o la organización quiso que la penúltima sesión de la Muestra presentara una película con evidentes coincidencias argumentales con la que había sido programada en idéntico horario en la edición pasada. Y es que, al igual que hiciera el año pasado Crudo, Thelma utiliza el abandono del nido familiar de su joven protagonista con motivo de su entrada a la universidad para ofrecer una fábula sobre el tránsito de la adolescencia a la edad adulta, y los radicales cambios sociales y biológicos aparejados a esta etapa, aquí centrada en la asociación que se establece entre el despertar sexual de la muchacha y la manifestación de sucesos paranormales en su entorno, circunstancia que es directamente vinculada con los férreos valores cristianos en los que la chica ha sido educada. Ni qué decir tiene el parecido que semejante argumento mantiene con el de Carrie, si bien servido bajo los característicos rasgos del cine de autor escandinavo, patente tanto en la gelidez expositiva con la que se desenvuelve su elegante puesta en escena, como en su ritmo pausado. Un tratamiento que hace de Thelma un plato no apto para todos los públicos, pero que en cualquier caso no invalida el mérito de un film que acumula un sinfín de premios en el circuito de festivales, tal y como mencionaría en su presentación Leticia Dolera, además de ser escogida para representar a Noruega en la pasada edición de los Oscars en la categoría de mejor película de habla no inglesa.

La presencia sobre el escenario de Dolera y Villar anunciaba que la edición de este año estaba próxima a tocar a su fin. Así pues, tras la pertinente despedida de los presentadores daba inicio el pase de Siete hermanas, la escogida para clausurar la Muestra en sustitución de la inicialmente prevista Pacific Rim: Insurrección y el más reciente trabajo de Tommy Wirkola, quien en su corta filmografía ha evidenciado una constante irregularidad que le ha llevado a dar un paso adelante y otro atrás a cada realización de una nueva película. Fiel a esta máxima, tras firmar con la anterior Zombis nazis 2 su trabajo más redondo hasta la fecha, con Siete hermanas vuelve a dar la palada de cal. En su defensa habrá que decir que tampoco se lo pone fácil un guion construido sobre un planteamiento recurrente dentro del cine de ciencia ficción reciente, en el que es fácil percibir la influencia ejercida por el clásico de Richard Fleischer Cuando el destino nos alcance. Acorde a ello, en lugar de articular el thriller policiaco de ascendencia noir al que parece apuntar al principio, Wirkola apuesta por dar forma a una anodina cinta plagada de escenas de acción, quién sabe si consciente de lo previsible de la intriga que tiene entre manos, o en un más que probable intento por equipararse con cualquier blockbuster estadounidense, pese a tratarse de una producción cien por cien europea. La película se salda así como un intranscendente producto de usar y tirar que ni siquiera sabe sacar partido de las posibilidades visuales que le ofrece su ambiente futurista, siendo su único elemento digno de mención la labor efectuada por Noomi Rapace como las siete hermanas del título; no tanto por su limitado despliegue interpretativo, dado que la principal diferencia entre los personajes a los que da vida se encuentra en su distinta apariencia física, como por el esfuerzo realizado al tener que compartir plano y darse la réplica a sí misma durante gran parte del metraje.

Epílogo

Como comentábamos al principio, una semana y un día desde su finalización, la decimoquinta edición de la Muestra Syfy revivía por unas horas con el pospuesto pase de Pacific Rim: Insurrección, tres días antes de su estreno comercial en salas españolas. Un lustro después de la película de Guillermo del Toro, el televisivo Steven S. DeKnight debuta en la pantalla grande con esta secuela protagonizada por John Bogeya, quien también participa como productor. Este último dato pone en alerta de la posible naturaleza de vehículo de lucimiento que pudiera tener una película en la que el actor británico-nigeriano interpreta un papel muy similar al que le diera a conocer en Attack The Block: un joven problemático que deberá madurar a marchas forzadas mientras hace frente a la amenaza de una invasión alienígena. Disquisiciones al margen, tan estereotipado personaje revela lo formulario de un libreto que sorprende hiciera falta del concurso de hasta cuatro guionistas, tal es su simpleza. Cierto es que tampoco se puede esperar demasiada profundidad en un film que, básicamente, trata de los combates entre mastodónticos robots y monstruos gigantescos, pero sí un argumento con un mínimo de originalidad que no haga que su desarrollo sea totalmente previsible desde la misma presentación de los personajes y este abonado al deux machina, como es el caso. Todo el interés de Pacific Rim: Insurrección queda así reducido al de mero espectáculo de ruido y destrucción, aspecto este en el que sale mejor parado gracias, sobre todo, al acabado que le brindan sus efectos infográficos a las aparatosas escenas de acción que protagonizan casi en exclusiva la segunda parte del metraje. Queda por comprobar si este será gancho suficiente como para asegurar la realización de la secuela a la que su desenlace parece abocar. Tiempo al tiempo.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías: Juan Mari Ripalda

Published in: on marzo 23, 2018 at 6:37 am  Dejar un comentario  
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Desvelada la programación completa de la XV Muestra Syfy

A poco menos de una semana para su comienzo, la organización de la Muestra SYFY de Cine Fantástico ha desvelado la programación completa de su decimoquinta edición, que tendrá lugar entre los próximos 8 y 11 de marzo en el Cine Palacio de la Prensa de Madrid. Durante cuatro días, más de quince sesiones acercarán al público de la capital una selección del mejor cine de género inédito en nuestras pantallas, comercialmente hablando. Además, este año la Muestra volverá a contar con la proyección de cortometrajes en algunas sesiones.

Como ya es sabido, la encargada de inaugurar esta edición será la película de Walt Disney Studios protagonizada por Oprah Winfrey Un pliegue en el tiempo, adaptación a la gran pantalla de la novela de fantasía homónima de Madeleine L’Engle, cuyo estreno en cines españoles llegará un día después de su pase en la Muestra.

El viernes la jornada arrancará a primera hora de la tarde con As Boas Maneiras, una película brasileña de terror fantástico, que cuenta la vida de una enfermera de São Paulo que se enfrenta a sucesos extraños cuando la contratan para ser niñera de un niño aún no nacido. Le seguirán A Day, película de Corea del Sur dirigida por Cho Sun-Ho sobre un misterioso un accidente en la carretera y Downrage, producción estadounidense de terror sangriento donde un grupo de amigos se convierte en el objetivo de un francotirador. A continuación, se proyectará uno de los platos fuertes del certamen, Brawl in Cell Block 99, una de las grandes triunfadoras del pasado Festival de Sitges. El film narra la historia de un exboxeador con un matrimonio a punto de romperse que, tras perder su empleo, su mejor opción es trabajar como traficante de drogas. La película irá precedida de la proyección del corto La última cita. El corto cuenta la historia de Carlota, una mujer madura que despierta dentro de una cámara frigorífica de la morgue y escucha la voz de un hombre que le habla desde la cámara de arriba. Ambos, muertos, mantienen una breve conversación en la que Carlota experimentará un viaje a su interior. Poco a poco se van conociendo y descubriendo que la muerte te puede hacer ver la vida de otra manera.

El sábado la película de animación china sobre un robo Have a Nice Day abrirá la jornada. A continuación será el turno de The Cured, filme británico de terror que presenta una distopía futurista donde los antiguos zombies, ya recuperados de su infección, se preparan para reintegrarse en la sociedad. A The Cured le seguirá procedente de Rusia Salyut7, el cual narra la historia de la recuperación de la estación espacial Salyut 7 por dos cosmonautas rusos en 1985. Precedida la proyección del corto RIP, la esperada How to Talk to Girls at Parties pondrá la guinda a la noche. Se trata de una comedia británica protagonizada por un punk adolescente en 1977, que aparece en una dimensión desconocida mientras cree colarse en una fiesta.

Tanto el viernes como el sábado, como es costumbre la Muestra SYFY ampliará su horario hasta la madrugada con sendas sesiones golfas. El viernes lo hará con Mayhem, comedia de ciencia ficción sobre un virus que impide controlar los impulsos y que es detectado en un bufete de abogados que acaba de librar de un cargo de asesinato a un infectado. Por su parte, el sábado nos traerá la esperada nueva entrega de la saga Hatchet con Victor Crowley. Diez años después de los eventos de la primera película, Victor Crowley es resucitado por error y procede a matar una vez más.

Ya el domingo, I am not a Witch abre la jornada con la historia de Shula, una niña de 9 años de que, después de un pequeño incidente en su pueblo, es acusada de brujería y enviada a un campo de brujas. Tras ella llegará The Endless. Tras la espléndida Spring, vista hace un par de ediciones en este mismo marco, Justin Benson y Aaron Moorhead dirigen y protagonizan esta película sobre dos hermanos que deciden regresar a la secta de la que escaparan años atrás. Thelma cogerá el relevo para contarnos las andanzas de una chica poco normal que, desesperada, le pregunta insistentemente a Dios por qué la ha hecho así. Cuando inicia una relación con una compañera, las emociones propias del amor harán estragos. La clausura a estos cuatro días de cine fantástico lo pondrá una de las películas más esperadas de este 2018, Pacific Rim: Insurrección, secuela de la cinta de 2013 de Guillermo del Toro que se estrenará en cines el 23 de marzo. Cuando parecía que el conflicto mundial entre monstruos sobrenaturales y las descomunales máquinas pilotadas por humanos había acabado, el Ejercito de Defensa Pan-Pacífico deberá luchar contra los “Kaiju” pilotando los descomunales “Jaegers”. Esta vez será una batalla más dura y cruenta.

Tampoco faltarán en esta edición las proyecciones matinales de SYFY kids, la sección de la Muestra destinada a los más pequeños de la casa. Peter Rabbit es el título para el sábado 10 de marzo. Basada en los cuentos clásicos de Beatrix Potter, el film mezcla de acción real y animación bajo la dirección de Will Gluck, quien co-escribe además el guion junto a Rob Lieber. Un día más tarde, la matinal acogerá la proyección de Jurassic Park, con motivo de su 25 aniversario. La Muestra ofrecerá así a mayores y pequeños la oportunidad de disfrutar en pantalla grande la genial película de Steven Spielberg para celebrar el #AñoJurásico y volver al lugar donde empezó todo.

Los bonos para todas las sesiones tendrán un precio de 45 euros, y 6 euros las entradas individuales, con la excepción de la sesión inaugural y sesión clausura, a las que sólo se podrá acceder por invitación o con el bono. Una parte del aforo de las sesiones infantiles de Syfy Kids se pondrá a disposición en la taquilla del cine hasta completar aforo.

Published in: on marzo 1, 2018 at 6:53 am  Dejar un comentario  
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Crónica de CutreCon VII

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Aún a riesgo de pecar de reiterativo, es obligado iniciar esta crónica en similares términos a como lo hacía hace ahora doce meses. Y es que lo primero que hay que destacar de la séptima edición de CutreCon, celebrada entre los pasados 24 y 28 de enero, es, de nuevo, la expansión experimentada por la propuesta con respecto a lo ofrecido el pasado año. Algo que tuvo su mejor ejemplo en la incorporación de dos nuevas ubicaciones al certamen, hasta sumar cuatro. El cine Doré, sede de la Filmoteca Nacional, y los cines Conde Duque Verdi Alberto Aguilera, sustitutos del más pequeño Artistic Metropol como escenario de la maratón del último día, se unieron a las ya habituales del Palacio de la Prensa y la Casa del Reloj de Matadero Madrid. Además, por primera vez en su historia el festival ha publicado en colaboración con la editorial Applehead Team un libro oficial que, en sintonía con la temática escogida como hilo conductor de esta edición, ofrece un completo recorrido a cargo de los responsables de la web elpajaroburlon.com por los diferentes títulos de temática espacial aparecidos a raíz de las tres primeras entregas de La guerra de las galaxias, bajo el título La guerra de los clones. Más allá de ‘Star Wars’.

02 Presentacion Libro FX

Presentación del libro “Carlo de Marchis. Maquetas, látex, monstruos y aviones”. De izda. a dcha.: Antonio Garduño (editor), Carlo de Marchis y Domingo Lizcano (autor).

Este crecimiento también tuvo su reflejo en la ampliación de la oferta del festival mediante la incorporación de un programa de actividades paralelas que dotó de una mayor diversidad de contenidos al certamen, haciendo que este no se limitara únicamente a la mera sucesión de proyecciones. Durante las jornadas del miércoles, jueves y viernes tendrían lugar una serie de presentaciones de libros, fanzines, DVDs y Blu-rays en Omega Center, librería situada en la calle de la Estrella que también acogería tres pequeñas exposiciones realizadas dentro del marco del certamen. Entre ellas cabe comentar la llamada “Juan Piquer Simón y Carlo de Marchis: Maquetas, látex, monstruos y aviones”, que permitiría a los aficionados ver los modelos originales del bebé abisal de La grieta (1990) o una nave de Supersonic Man (1979). Es una lástima, así las cosas, que tan encomiable iniciativa no obtuviera toda la repercusión que hubiera sido deseable, registrando en la mayoría de los casos una afluencia de público bastante escasa, quizás debido a la poca difusión que la organización dio a estos encuentros en los días previos, hasta el punto de que muchos espectadores del certamen desconocieran su existencia. Tampoco ayudó lo desperdigado del programa, cuando quizás hubiera sido mejor haberlo concentrado en un par de tandas, con el objeto de hacer la cita más atractiva.

06 Chiquitofest

Por más que la temática elegida para este año fueran las películas ambientadas en el espacio o protagonizadas por extraterrestres, esta séptima edición se inauguraría homenajeando al recientemente fallecido Chiquito de la Calzada, con la celebración del denominado “Chiquitofest” en el Palacio de la Prensa la noche del miércoles. Dicha sesión tendría como plato fuerte el pase de Drácula. Condemor II (1997), la segunda película protagonizada por el cómico malagueño, que sería proyectada en el bautizado formato “Fistrovisión”, consistente en la aparición de avisos visuales con los latiguillos más populares de Chiquito cada vez que este los decía en pantalla y las letras de las canciones de los números musicales ejecutados a lo largo del metraje. Una experiencia que fue acogida con entusiasmo por una entregada audiencia, que coreó cada vez que Chiquito exclamaba un “Pecador de la pradera” o “¡Cobarde!”, y que se vio completada por el delirante subtitulado al inglés del film, en el que, a medida que iban transcurriendo los minutos, el encargado de traducir los diálogos explicitaba el agotamiento mental en el que le sumía semejante tarea. Antes, los cómicos Denny Horror y Vera Montessori ofrecerían un espectáculo en vivo centrado en la figura de Chiquito, formado por monólogos, videos y concursos de imitaciones.

10 Premio Luigi Cozzi

Claro que, con permiso de Chiquito, el auténtico protagonista de Cutrecon VII fue Luigi Cozzi, premio Jess Franco de este año. Por este motivo, además de celebrar diversos actos que contarían con la presencia del director, la organización programaría hasta cuatro películas relacionadas con el cineasta italiano, distribuidas a su vez en dos programas dobles. El jueves, el Palacio de la Prensa recibiría la sesión “Italo exploitation galáctica”, que ofreció la oportunidad de disfrutar en pantalla grande dos de sus films más populares. Como no podía ser de otro modo, se trataban de la emblemática Star Crash, choque de galaxias (Starcrash/Scontri stellari oltre la terza dimensione, 1978), respuesta de Cozzi al éxito cosechado por La guerra de las galaxias / Star Wars Episodio IV: Una nueva esperanza (Star Wars / Star Wars Episode IV: A New Hope, 1977), en la que sobresale el protagonismo de una Caroline Munro más atractiva que nunca, y la primera entrega del díptico que sobre el mitológico hijo de Zeus realizara para la Cannon, El desafío de Hércules (Hercules/Ercole, 1983), cuya proyección acabaría por convertirse por momentos en insufrible a causa de un público más hablador que de costumbre.

11 Luigi recibiendo el premio

Luigi Cozzi muestra al público el Premio Jess Franco con el que CutreCon le homenajeaba.

Un día más tarde, el cine Doré era el lugar escogido para escenificar el homenaje que la CutreCon brindaba al alter ego de Lewis Coates. Lo haría con FantastiCozzi (2016), indispensable documental dirigido por el brasileño Felipe M. Guerra que recorre de forma exhaustiva la trayectoria del responsable de Contaminación: Alien invade la Tierra (Contamination/Astaron – Brut des Schreckens, 1980), y el que ha supuesto su regreso al largometraje de ficción tras más de veinticinco años alejado del formato, la personalísima Blood on Méliès’ Moon (2016), en la que el italiano ofrece un artefacto metaficcional que se erige en un auténtico compendio y resumen de su persona y su obra, por el que pasean referentes, filias y obsesiones. En el descanso entre ambas películas, una representante de la web eslang, que por segundo año consecutivo patrocinaba el galardón, entregaba a Cozzi el honorífico premio Jess Franco, que éste recibiría con una sonrisa en los labios y unas escuetas “Muchas gracias”, mientras el director de CutreCon, Carlos Palencia, le agradecía “por habernos hecho pasar tan buenos momentos”.

12 Cine Basura fin de fiesta

Paco Fox y Carlos Palencia junto a algunos de sus invitados durante el fin de fiesta del último programa de “Cine Basura”.

La visita de CutreCon a la sede de la Filmoteca Nacional se completaría con otra sesión de lo más especial. Ni más ni menos que la despedida en directo del programa televisivo “Cine basura”. Para su despedida, el formato ideado por Paco Fox y conducido por él mismo junto al propio Palencia prepararía una edición especial “Royal Rumble” que contaría con la presencia de un ramillete de invitados, caso del cineasta Norberto Ramos del Val o el dibujante de cómics Carlos Pacheco, con los que harían mofa de Space Mutiny [tv: Space Mutiny/vd: Espacio exterior, 1988], cinta de ciencia ficción sudafricana protagonizada por varios habituales de la Serie B como John Philip Law, Reb Brown o Cameron Mitchell; un auténtico despropósito en toda regla que utiliza para sus escenas ambientadas en el espacio planos de efectos reciclados de la serie Galáctica, estrella de combate (Battlestar Galactica; 1978-1979).

18 Premio al director del Superman turco

Kunt Tulgar agradeciendo el premio “Sha-di-a”, junto al padrino del galardón, Ramón Saldías, director de “Karate contra mafia” (1980), considerada la primera película de artes marciales rodada en Europa, que en su momento se estrenó como si de una producción china se tratara.

Otro de los puntos álgidos de esta edición llegaría con la visita de Kunt Tulgar, director de Süpermen Dönüyor [dvd: El retorno de Superman, 1979], la versión turca sin derechos, ni recursos del personaje creado por Jerry Siegel y Joe Shuster. Acompañado de su compatriota Cem Kaya, director de Remake, Remix, Rip-Off (2014), el impagable documental sobre el fenómeno del cine de género otomano que pudo verse en este mismo marco hace un año, Tulgar recogería el nuevo premio “Sha-di-a”, destinado a reconocer la labor de artistas que, sin haberse prodigado dentro del “cine cutre”, tienen en su haber alguna película que sea un verdadero hito dentro de este fenómeno, y que toma su nombre del seudónimo con el que el encargado de entregar el galardón, Ramón Saldías, firmara la autoría de Kárate contra mafia (1980). La entrega tendría lugar antes del pase de la mencionada exploitation del cineasta turco del Superman de Richard Donner, tras el cual se llevaría a cabo un coloquio con los asistentes, en el que Tulgar respondería con una simpática complicidad las preguntas de los asistentes a propósito de la realización de una película en la que, para poner un ejemplo del nivel en el que se mueve, las escenas de vuelo del superhéroe son solventadas con un muñeco de Ken y un secador de pelo combinados con el uso de retroproyección, tal y como su responsable desveló durante sus explicaciones.

20 Coloquio director Superman Turco con luz

Kunt Tulgar y Cem Kaya durante el coloquio posterior al pase de “Süpermen Dönüyor”.

El pase de Süpermen Dönüyor formaría parte de la tradicional maratón del sábado en la Casa del Reloj y que, un año más, contó con una respuesta espectacular por parte del público, que abarrotó todas y cada una de las sesiones, en especial aquellas celebradas por la tarde, donde se llegó a colgar el cartel de “no hay billetes”. Dividida en dos bloques, la maratón arrancaba a eso de las once menos cuarto de la mañana con Toys (1996), respuesta alemana a la magistral Toy Story (Toy Story, 1995). Una risible pretensión en vista de la estática animación y el diseño de personajes y escenarios propios de un niño de tres años de la que hace gala una cinta a la que tampoco ayuda el doblaje al español, en el que, entre otras cosas, catalaniza a un enano de jardín bautizado como Miquel, que habla con un acento del mismísimo Penedés. Será por aquello de la barretina…

15 Maratones Casa del Reloj

Vera Montessori y Carlos Palencia, maestros de ceremonias de CutreCon VIII, presentando la maratón de la Casa del Reloj.

A Toys le seguiría la accidentada proyección de la filipina Si Mario At Si O Goko [Super Mario contra Son Goku] (1995), bizarro crossover de los dos personajes mencionados en su título, en el que también hay cabida para el conde Drácula, enanos contrahechos vestidos de tortuga y hasta zombis mariquitas, encajados a martillazos en una trama incongruente e indescifrable que parece improvisada sobre la marcha. No es que sea imposible entender de qué trata la trama, sino la propia sucesión de los acontecimientos. Mención aparte merece su humor cretino, sus risibles pretensiones de formular mensajes sociales, sus paupérrimos efectos especiales o, sobre todo, un nulo sentido del ritmo que hizo que, pese a los comentarios del público y el libre subtitulado, su visionado resultara auténticamente insufrible. De la mano de dos representantes del Festival Serie-B Retina de Cornellá, la primera parte del maratón finalizaba con Hobgoblins [vd: Hobgoblins, 1988], una de las muchas imitaciones surgidas a raíz de Gremlins (Gremlins, 1984), que filtra los ingredientes principales del film de Joe Dante a través de un humor gamberro basado en el sexo, a la que al menos hay que agradecer lo poco en serio que se toma a sí misma.

16 Casa del Reloj colas interminables

Luego de un pequeño descanso que algunos aprovechamos para comer, mientras otros se dedicaban a hacer cola para conseguir sus entradas, la maratón retornaba con Santo contra los asesinos de otros mundos (1973), una de las más disparatadas misiones del Enmascarado de Plata, en la que nuestro héroe debe enfrentarse a un monstruoso organismo lunar, cuyo tosco acabado no logra ocultar que, en realidad, se trata de una sábana gigante bajo la que se encuentran varias personas, tal y como pudo comprobarse cuando el alienígena se materializó en la sala durante un pase que contó también con la animación del espectáculo de lucha libre en vivo de “La triple W” durante las escenas de pelea. Después de la comentada sesión protagonizada por Kunt Tulgar, la maratón tocaría a su fin con Geteven (1993), un thriller de bajos vuelos con secta satánica de por medio compuesto por toneladas de desnudos gratuitos, chistes malos, errores de continuidad de primero de escuela de cine, y escenas rodadas a la primera toma, en las que se puede distinguir a los actores mirando a cámara. Toda una delicatessen, en definitiva, escrita, producida, dirigida, protagonizada y hasta cantada en su único crédito por John De Hart, posiblemente el actor más inexpresivo de la historia.

24 Coloquio Nanarland mas mejor

Los directores Régis Autran y Régis Brochier, junto al traductor, durante el coloquio que siguió al pase de “Nanaroscope”.

A la mañana siguiente la Casa del Reloj albergaría la celebración de “Documentrash”, sin duda una de las secciones más interesantes del festival, y que en esta ocasión fue de carácter gratuito. Para su tercera edición la sesión doble de documentales relacionados con el cine cutre estaría compuesta por Nanaroscope (2016) y Children of the Stars (2012). El primero, en realidad, es una serie creada para el canal cultural ARTE por Régis Autran y Régis Brochier, integrantes de la especializada web nanarland.com, quienes visitarían el festival acompañando a su criatura. Dividido en diez capítulos de menos de diez minutos de duración cada uno, Nanaroscope analiza diversas corrientes, nombres propios y títulos emblemáticos del cine de género de Serie B/Z, contando para ello con el testimonio de sus propios protagonistas y de especialistas, cinematográficos. El cine de acción realizado en Uganda, el western clásico rodado exclusivamente con enanos The Terror of Tiny Town [dvd: The Terror of Tiny Town, 1938], Uwe Boll, o el fenómeno de los clones de Bruce Lee son solo algunos de los temas tratados en los episodios, tras cuyo pase sus directores se someterían a las preguntas de rigor de los asistentes, además de adelantar algunos contenidos de la segunda temporada de la serie, en la que se encuentran trabajando actualmente.

25 Doc Hijos de las estrellas

Con todo, el plato fuerte de “Documentrash” fue el estreno europeo de Children of the Stars, el cual estuvo precedido por un video rodado para la ocasión por su director, Bill Perrine, en el que presentaba su obra y su visión de la misma. Datado en 2012, Children of the Stars narra la existencia de los unarians, una alucinada secta radicada en California que cree en los ovnis, La Atlántida y la reencarnación cíclica. A través del delirante testimonio de sus propios integrantes, el documental narra la historia y las creencias de un culto que sostiene que todo el cine y literatura de ciencia ficción refleja, en realidad, hechos auténticos acaecidos en otras eras y mundos, además de rodar sus propias películas del género basadas en sus propias creencias, de las que en el documental se incluyen diversos fragmentos. El resultado es un trabajo único y apasionante, si bien una vez presentados los elementos principales del relato sus escasos setenta y ocho minutos se antojen un tanto reiterativos, decayendo con ello su interés.

13 Mi amigo Mac proyeccion

Al igual que viene ocurriendo en las últimas ediciones, CutreCon 2018 contaría con sendas sesiones golfas a partir de la medianoche en el Palacio de la Prensa durante las jornadas del viernes y sábado. En colaboración con la web Moviementarios, la del viernes estaría protagonizada por Mi amigo Mac (Mac and Me, 1988), tardía imitación de E.T., el extraterrestre (E.T.: The Extra-Terrestrial, 1982) con la que muchos crecimos en la época de los videoclubs, y para la que la organización preparó una nueva experiencia interactiva, al repartir entre los asistentes pajitas y globos que debían de ser utilizados en determinados momentos del film siguiendo las indicaciones. Antes, Vera Montessori y Carlos Palencia ofrecerían una versión reducida de su espectáculo “Cine Cutre en vivo”, en la que mostrarían algunas de las más delirantes explotaciones del aludido film de Steven Spielberg, entre la que se encontraría Hermano del espacio/Fratello dello spazio (1987), coproducción italo-española que esconde una inesperada exaltación de los valores cristianos, hasta el punto que llega a establecer una nada disimulada analogía entre Jesucristo y su alienígena protagonista.

21 Apocalipsis voodoo presentacion todo el equipo

Presentación de “Apocalipsis Voodoo” con una nutrida representación de su equipo.

Ya el sábado, le tocaría el turno a la premier mundial de Apocalipsis Voodoo (2018), película canaria surgida del spot oficial de CutreCon de hace dos años. Por tal motivo, el film estaría acompañado sobre las tablas de la sala 1 del Palacio de la Prensa por una nutrida representación del equipo del film llegada expresamente desde las Islas, entre la que la ausencia más destacada fue la de su director, Vasni Ramos, quien no pudo desplazarse debido a ciertos problemas personales. Durante la presentación, los integrantes de la película avisarían que esta se iba a proyectar en una copia no definitiva, que contaba con escenas pendientes de sonorizar, ya que el montaje provisional se había finalizado apenas tres días antes. Una circunstancia que no restaría un ápice de la valía de una propuesta que se erige en toda un cariñoso homenaje en lo argumental de las buddy movies policiales de los ochenta, y al cine de explotation setentero en lo estético.

En su nuevo emplazamiento en los cines Conde Duque Verdi Alberto Aguilera, el Festival Internacional de Cine Cutre de Madrid echaba el cierre a esta edición con la habitual maratón del domingo por la tarde, que esta vez con el título “Etetón” reuniría cuatro películas de temática extraterrestre. Concretamente, los títulos escogidos fueron Space Raiders [vd: Space Raiders. Invasores del espacio, 1983], space opera con niño de por medio producida por Roger Corman, que comparte planos de efectos con la muy superior Los siete magníficos del espacio (Battle Beyond the Stars, 1980); la beata versión filipina de E. T., el extraterrestre, Tiny Terrestrial (1991), bautizada para la ocasión con el título de T. T., el extraterrestre; el film de Fred Olen Ray Alienator [vd: Alienator, 1989], definido como un cruce entre Alien, Terminator y Depredador; y, por último, Yor, el cazador que vino del futuro (Il mondo di Yor, 1983), la adaptación en formato miniserie que Antonio Margheriti realizara del cómic argentino Henga, el cazador de Ray Collins (seudónimo de Eugenio Zappietro) y Juan Zanotto, programada en su versión resumida para cines.

26 Final de la Eteton

Carlos Palencia y Paco Fox despidiéndose hasta la próxima edición de CutreCon antes de la proyección de “Yor, el cazador que vino del futuro”.

De todos ellos, el gran triunfador de la sesión sería T. T., el extraterrestre, gracias a la propia comicidad de sus imágenes, singularizada por el peculiar movimiento con las manos por detrás de la cabeza que realiza uno de sus personajes principales cada vez que toma la palabra, pero también por el juego que dieron las licencias tomadas por un subtitulado especialmente inspirado. De esta forma se ponía el broche de oro a cinco días en los que el amor al cine (cutre) y el ambiente festivo fueron la tónica predominante. Aunque antes abriríamos boca de lo que nos espera dentro de doce meses, cuando en la presentación de Yor, el cazador que vino del futuro Carlos Palencia informaría que la edición del próximo año tendrá como hilo conductor las películas de/con simios.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías: Juan Mari Ripalda

Published in: on febrero 9, 2018 at 6:56 am  Dejar un comentario  
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Crónica de la XXVIII Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián

No lo tenía fácil la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián 2017 tras el listón tan alto dejado por la edición del año pasado, sin duda una de las mejores en la historia reciente del certamen donostiarra. Por si fuera poco, terminados los fastos de la capitalidad cultural europea, la Semana tenía que volver a enfrentarse a un presupuesto de lo más ajustado que, entre otras cosas, se llevaba por delante la publicación del tradicional volumen monográfico, recuperado para la causa el año pasado tras largo tiempo de ausencia. A todas estas dificultades se le sumaba, además, el hándicap de una programación que, al menos sobre el papel, se presentaba huérfana de títulos mediáticos o avalados por nombres propios del género, si bien en su descargo hay que señalar que contaba con varios de los títulos premiados en el cercano Festival de Sitges.

Semana 2017 08

Paul Urkijo, director de “Errementari”, presentando su película al público de la Semana.

Sin embargo, a pesar de este cúmulo de condicionantes en principio nada halagüeños, lo cierto es que el equipo dirigido por Josemi Beltrán ha conseguido solventar la papeleta y brindar una Semana que ha logrado brillar a gran altura, dentro de las circunstancias. La aludida ausencia de títulos de relumbrón, más allá del tanto que suponía el estreno español de la octava entrega de la saga Saw, fue compensada por una selección de films de lo más heterogénea en su forma de acercarse y entender el hecho fantástico, y que arrojaría un nivel bastante alto. Buena muestra de ello lo tenemos en Errementari, la película encargada de protagonizar la gala inaugural, el sábado 28 de diciembre. En el que suponía su estreno ante sus paisanos, la ópera prima del cineasta alavés Paul Urkijo se alzaría con el máximo galardón del certamen gracias a los votos del público. Qué duda cabe que en tal consideración pesaría el que su versión original sea en euskera -en una variante alavesa procedente del siglo XIX en el que se ambienta la historia, para ser más exactos- y el basarse en una leyenda autóctona. Pero no menos cierto es que la cinta se encuentra plagada de hallazgos, en especial por su tono clásico, su sentido de la atmósfera, su gusto estético, su inventiva visual y un sentido del humor bien engrasado que lo convierten, de facto, en uno de los debuts más prometedores del cine fantástico español reciente y, al mismo tiempo, uno de los títulos de la temporada dentro del género en nuestro país.

Semana 17 parte 2 14

Panel con las puntuaciones de los films y cortometrajes a concurso de esta edición.

No obstante, quizás el film más notable de cuantos desfilaron por la pantalla del Teatro Principal a lo largo de esta Semana fue Jupiter’s Moon, la cual llegaba a la capital guipuzcoana tras haber logrado el premio a la mejor película en la Sección Oficial de Sitges. Tras darse a conocer internacionalmente con su anterior White Dog (Dios blanco), el húngaro Kornél Mundruczó regresa con otra fábula social de contornos fantásticos que pone el dedo en la llaga sobre la impasibilidad de la Vieja Europa ante el drama de los refugiados sirios. A la valentía de su discurso en un tema tan controvertido y candente, máxime teniendo en cuenta la dura posición de su país con el tema, hay que añadirle el virtuosismo de una puesta en escena caracterizada por una cámara inquieta que tiene su mejor ejemplo en la persecución automovilística que tiene lugar en los últimos minutos, y que consigue un efecto igual de espectacular, si no más, que el de cualquier escena de este tipo vista en una superproducción estadounidense, pero sin caer ni un ápice en su vacua aparatosidad.

Semana 2017 07

Imagen de la exposición “Ink of Dracula – A Comic Tribute” en la sala de activididades de la Biblioteca Central.

Menos positivo fue en cambio el sabor de boca dejado por otra película que venía precedida por los premios obtenidos en su paso por Sitges. Fue el caso de la cinta francesa Revenge. Con un claro regusto retro, haciendo honor a su título se trata de una rape & revenge en toda regla que, si bien justifica el doble galardón a la mejor dirección y dirección novel obtenido en el certamen catalán por su directora, Coralie Fargeat, merced a una estilizada y esteticista puesta en escena a caballo entre el cine italiano de los años setenta y un anuncio de colonas, se ve en cambio lastrada por su tendencia a hacer inverosímil todo lo narrado.

Semana 17 parte 2 10

Un año más la actriz Miriam Cabeza y Josemi Beltrán, director de la Semana, ejercieron de maestros de ceremonias en las presentaciones previas a las proyecciones del Teatro Principal.

Un peldaño por debajo de Errementari y Jupiter’s Moon se situaría un nutrido grupo de films que pondrían de relieve el buen nivel arrojado por la selección de films proyectados. Entre ellos, podemos mencionar a Dave Made a Maze, acreedor del tercer puesto en el cómputo global de los votos del público. Partiendo de una premisa mínima, de lo más absurda y surrealista por si no fuera bastante, el debutante Bill Watterson construye una de las propuestas más marcianas, bizarras, originales e imaginativas de la temporada, llamada a convertirse en un título de culto instantáneo y, si no, al tiempo. También es digna de destacar Mom and Dad, película protagonizada por Nicolas Cage y Selma Blair que da una inteligente vuelta al cine sobre infectados, para articular una negrísima comedia que reflexiona sobre las relaciones paternofiliales y el proceso de forzosa maduración que conlleva la paternidad. Lástima que la inclusión de diferentes flashbacks que solo sirven para subrayar de forma molesta la verdadera naturaleza de su discurso, como si este no estuviera suficientemente claro, acaben por torpedear la progresión de la cinta, provocando que esta no resulte tan alocada como promete.

Semana 2017 11

Nic Wassell, director del cortometraje inspirado en H.P. Lovecraft “The Distant Sea” y Josemi Beltrán. “The Distant Sea” se alzaría con el premio del jurado al mejor cortometraje.

El tema de las relaciones familiares enunciado por Mom and Dad, presente también en Errementari, se erigiría en el principal leitmotiv temático de los films a concurso de esta Semana. Sin ir más lejos, lo localizaríamos a distintos niveles en al menos otras tres películas. Precisamente, en la australiana Hounds of Love este elemento sirve para dar una vuelta de tuerca a lo que en principio se antoja una nueva historia sobre la enfermiza relación amorosa de una pareja de asesinos que se dedica a secuestrar y asesinar jovencitas, en la línea de The Honeymoon Killers. El buen nivel del conjunto se ve beneficiado por las esforzadas composiciones de su elenco interpretativo, en especial por parte de sus dos protagonistas femeninas, y un cuidado estético que tiene su mejor ejemplo en el simbolismo que adquiere la utilización de los tonos ocres dentro de su fotografía. Por su parte, House of the Disappeared, el remake surcoreano de La casa del fin de los tiempos, malgasta los hallazgos de guion del film venezolano que toma como base para componer un soporífero melodrama lacrimógeno, muy al gusto del público de su país.

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Presentación de la proyección de “Matar a Dios” con su equipo.

La triada de títulos referidos se completaría con Matar a Dios, el debut en el formato largo de Caye Casas y Albert Pintó, cuyo cortometraje RIP se llevaría el premio del Público en el concurso de cortos españoles y el concedido por Syfy al mejor corto español. Centrándonos en su ópera prima, durante su primera parte Matar a Dios resulta una fiel heredera de la comedia negra española de los Ferreri, Azcona y Berlanga, tanto por la acidez de su humor como por su aprovechamiento de un reparto compuesto por habituales secundarios, encabezado por dos actores habitualmente tan desaprovechados como Eduardo Antuña y Emilio Gavira. Sin embargo, el buen tono bajo el que hasta entonces transcurre el relato se resiente una vez superado el ecuador y se impone el componente dramático y reflexivo que persigue la película. Y ya que hablamos de films españoles, no podemos por menos que mencionar el otro representante patrio dentro de la sección competitiva, Black Hollow Cage. Curiosamente, y al igual que los dos restantes, se trataría del trabajo de un director novel, en este caso Sadrac González-Perellón, quien para su debut se descuelga con un thriller de ciencia ficción que, tanto argumental como estéticamente, remite a la británica Ex Machina y a la española Los cronocrímenes, destacando por su atractivo diseño de producción y aspecto visual.

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Sadrac González-Perellón posando junto al cartel de su película en la rueda de prensa.

Frente a la mayoría de los films referidos hasta el momento, cuya vinculación con el fantástico resulta más o menos tangencial, o, mejor dicho, nada formularios, los exponentes realizados desde planteamientos más puramente genéricos ofrecerían un resultado menos positivo. Con la excepción de Housewife, la nueva locura de Can Evrenol, en la que el director turco explicita aún más su deuda con el cine de terror italiano de los años ochenta que ya desplegara en su anterior Baskin, y más concretamente con la obra en el periodo de Lucio Fulci, del que hereda su dinamitado de las convenciones narrativas, el resto de títulos sorprendería por la pobreza de sus resultados. Quizás la mayor decepción vendría por parte de The Crucifixion, dada la identidad de su director, el francés Xavier Gens, y su relativo aparato productivo, pero a la que partir de hechos reales no la libra de caer en todos los tics de manual del thriller terrorífico actual más mainstream. Al menos, cabe agradecer su intento por escapar de los lugares comunes del cine sobre exorcismos, que aunque brinda un par de escenas bastante potentes, a la hora de la verdad se quede solo en eso; en intentos. Algo parecido puede decirse de Downrange, en la que el japonés Ryuhei Kitamura plantea un aburrido ejercicio de estilo sustentado sobre una situación única solamente animado por la aparición de puntuales ramalazos gore. En cuanto a Rescate en Osiris, mejor correr un tupido velo sobre el contenido de esta cinta de ciencia ficción australiana de verborreicos diálogos y escasa sustancia.

Semana 2017 09

Alan Hofmanis posa con el cartel original de “Bad Black” confeccionado a mano sobre piel de cerdo.

Al margen de la Sección Oficial, la Semana también programó fuera de concurso dos proyecciones pensadas para alimentar el particular ambiente festivo y gamberro que caracteriza al público que, año tras año, llena la platea del Teatro Principal donostiarra, sede principal del certamen. Procedente de Uganda, la Semana acogía la noche de Halloween el desembarco en San Sebastián del fenómeno Wakaliwood con el pase de una de sus últimas muestras, Bad Black, ganadora el pasado año del premio del público del Fantastic Fest de Austin de Texas. Lo hizo de la mano del que viene siendo el embajador de este tipo de cine de presupuestos ínfimos, acción máxima y libre de prejuicios, Alan Hofmanis, quien llegó acompañado de una selección de tráileres de otras películas de la factoría. Para completar aún más la psicotrónica experiencia, en los prolegómenos al pase se rodaría una secuencia con el público de la Semana de cara a incluirla en una de las próximas producciones de Wakaliwood, Ebola Hunter, repitiendo lo que ya hiciera Hofmanis en su visita a la CutreCon madrileña hace ahora más de año y medio. Todo ello hizo de esta sesión uno de los puntos culminantes de este año y una de las más especiales para los asistentes, a decir de los comentarios que pudieron oírse tras el pase.

Semana 2017 03

María José Cantudo y el fotógrafo Pedro Usabiego durante la rueda de prensa de presentación de la exposición fotográfica “Mil gritos en la noche”.

El éxito no volvería a repetirse sin embargo con Los resucitados, el film maldito de Arturo de Bobadilla recuperado más de dos décadas después de su rodaje, cuya proyección el último día del festival no suscitó la reacción que en un principio cabría esperar del siempre ruidoso público de la Semana, habida cuenta de su contenido. Protagonizado por varios nombres propios del estilo, como Paul Naschy o Antonio Mayans, la presencia en el programa oficial de Los resucitados se situaría dentro del protagonismo que esta edición de la Semana otorgó a nuestro querido fantaterror español. Algo, de algún modo, evidenciado desde el mismo cartel oficial de este año, protagonizado por una María José Cantudo que en su visita a San Sebastián recalcaría los buenos recuerdos que guarda de sus películas dentro del género, así como su disponibilidad a volver a trabajar en él. Así, dentro del marco de la Semana, el Centro Cultural Okendo acogería una interesante exposición comisariada por el fotógrafo Pedro Usabiaga que, bajo el título “Mil gritos en la noche”, reunió una serie de imágenes en blanco y negro, en su mayoría inéditas, de actores y actrices que en algún momento participaron en nuestro cine fantástico durante los años setenta.

Semana 17 parte 2 13

Foto de familia de los ganadores de esta edición de la Semana.

Del mismo, el cartel oficial de este año también pondría de relieve el protagonismo femenino dentro del género, el cual tendría su eco en el ciclo retrospectivo de esta edición que, como viene siendo costumbre, se desarrolló en paralelo a la programación oficial en el teatro Victoria Eugenia, sede reservada por el certamen a las proyecciones en versión original subtitulada al euskera. Organizado en colaboración con Zinemakumeak Gara! Muestra de Cine Dirigido por Mujeres de Bilbao, “El ataque de las mujeres cineastas”, que tal es su nombre, acercaría una selección de ocho títulos de temática fantástica dirigido por féminas, que irían desde exponentes ochenteros como Los viajeros de la noche o Cementerio de animales, hasta otros ejemplos más actuales, caso de las recientes Una chica vuelva a casa sola de noche o The Love Witch.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías: Juan Mari Ripalda

Semana 2017 01

Crónica de la 65 edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián (y II)

Quinto día (26 de Septiembre): Sollers Point, Marrowbone, Wonderstruck, Love me not

Dia 5 Sollers Point Director Matt Porterfield en rueda de prensa

Matthew Porterfield, director de “Sollers Point”.

El quinto día del certamen comenzó con la proyección de la película a concurso Sollers Point, del director Matthew Porterfield. En ella, un joven de 24 años llamado Keith se encuentra en libertad condicional tras haber pasado un año en la cárcel. Alojado en casa de su padre, recorre su barrio de Baltimore, profundamente dividido en estratos sociales, en busca de trabajo y de algo nuevo que pueda dar sentido a su vida. Aunque el mundo exterior tiene sus propias amenazas, los grandes enemigos de Keith son los demonios que alberga en su interior.

La segunda de las películas de la Sección Oficial del día, aunque fuera de concurso, fue la producción española Marrowbone, la cual ha supuesto la ópera prima como director del habitual guionista de Juan Antonio Bayona, Sergio G. Sánchez. Para su debut Sánchez cuenta la historia de cuatro hermanos que intentan sobrevivir en la decrépita granja de Marrowbone. A pesar del golpe que supuso la prematura muerte de su madre, los hermanos han creado en ese remoto y laberíntico lugar, un refugio a su medida, lejos del mundo exterior y sin ayuda de adulto alguno. Pero extraños ruidos y sucesos inexplicables comienzan a suceder entre las viejas paredes de Marrowbone, como si una antigua maldición les persiguiese.

Dia 5 Wonderstruck poster del film

La perla de la jornada fue el trabajo presentado en Cannes Wonderstruck, en el que su director, Todd Haynes, se adentra en el mundo infantil. Ben y Rose son dos niños de épocas distintas, que desean en secreto que sus vidas sean diferentes. Ben sueña con el padre que nunca conoció, mientras Rose lo hace con una misteriosa actriz cuya vida narra en un libro de recuerdos. Cuando Ben descubre una pista en casa y Rose lee un tentador titular en el periódico, ambos comienzan una búsqueda que se desarrollará con una fascinante simetría.

En la Sección Oficial a concurso hubo ocasión de ver Love me not, del griego Alexandros Avranas. Una pareja contrata a una inmígrate para que sea su madre de alquiler y la lleva a vivir a su lujosa villa. Mientras el hombre esta fuera trabajando, la mujer y la chica comienzan a hacerse amigas, disfrutando del estilo de vida acomodado de la pareja. Pero tras su alegría forzada, la mujer parece cada día más deprimida. Después de unas copas con la chica, sale a conducir. Al día siguiente el marido recibe una llamada diciendo que su mujer está muerta y que han hallado el cuerpo calcinado en el interior del vehículo siniestrado que conducía.

Sexto día (27 de Septiembre): Three Billboards Outside Ebbing, Missouri / Tres anuncios en las afueras de Ebbing, Misuri, Mother, La llamada

Dia 6 Three Billboards Outside Ebbing poster del film

La jornada comenzó con el pase de la producción británica galardonada en la pasada edición del Festival de Venecia con premio al mejor guion Three Billboards Outside Ebbing, Missouri / Tres anuncios en las afueras de Ebbing de Martin McDonagh. Se trata de una dramática historia sobre Mildred Hayes, una mujer de 50 años que después de tres meses sin que aparezca el culpable de la muerte de su hija decide alquilar tres vallas publicitarias en la entrada del pueblo donde reside, con un polémico mensaje dirigido al jefe de la policía local, William Willoughby. Mildred cree que la policía se dedica a apalear negros antes que a resolver el caso e impartir justicia. A destacar las excelentes interpretaciones tanto de Frances McDormand como de Woody Harrelson en los papeles principales.

dia 6 Mother poster del film

Una de las citas destacadas del día fue el thriller psicológico sobre el amor, la devoción y el sacrificio Mother, el nuevo trabajo de Darren Aronofsky que pudo verse dentro de la sección Perlas. El film sitúa su acción en una apartada mansión en la que la relación de una pareja se pone a prueba cuando unos visitantes inesperados irrumpen en su tranquila existencia. Con este punto de partida, el director de Réquiem por un sueño compone una obra que no dejó indiferente a nadie en su paso por tierras donostiarras.

dia 6 La LLamada protagonistas Macarena García y Anna Castillo en el photocall

Macarena García y Anna Castillo, las protagonistas de “La llamada”.

Para finalizar la jornada la Gala de TVE acogió el pase de La llamada, adaptación de un musical homónimo de 2013 que ha sido llevado a la gran pantalla por Javier Calvo y Javier Ambrossi. María y Susana son dos adolescentes rebeldes de diecisiete años que forman parte del grupo musical Suma Latina y que se encuentran en el campamento cristiano de verano en Segovia llamado “La brújula” al que acuden desde pequeñas. Una noche a María se le aparece Dios y le canta a Whitney Houston. Sin duda, uno de los títulos más bizarros y arriesgados del cine español de los últimos tiempos.

Séptimo día (28 de Septiembre): The Disaster Artist, The Florida Project, Nelyubov / Loveless, La peste, Fe de etarras

Dia 7 The Disaster artist Director James Franco en la rueda de prensa

James Franco, director y protagonista de “The Disastrer Artist”.

La Sección Oficial se inició con la comedia estadounidense The Disaster Artist, dirigida e interpretada por James Franco. Trata sobre la historia de dos inadaptados en busca de un sueño, cuando el mundo los rechaza, deciden hacer su propia película, en la que se narra la historia real de la producción de The Room, considerada como una de las peores películas de la historia. Convertida en un film de culto, fue escrita, dirigida y protagonizada por Tommy Wiseau en 2003, siendo proyectada en salas completamente llenas por todos los Estados Unidos desde su estreno.

Dia 7 The Florida project poster del film

La Perla del día fue The Florida Project, con Sean Baker en la dirección, y que llegaba a San Sebastián tras haberse convertido en una de las grandes sorpresas del último Festival de Cannes. Moonee una niña de seis años y su grupo de amigos, pasan sus vacaciones de verano repletas de aventuras y travesuras. Mientras, los adultos que viven con ellos viven tiempos difíciles. Por todo Estados Unidos los moteles baratos se han convertido en el último refugio para quien no puede asegurarse una residencia permanente. La historia se desarrolla a la afueras de Orlando, en el “Magic Castle Motel”, uno de esos moteles mencionados que en su día atraía a los turistas que acudían al parque de Disney.

Dia 7 Loveless poster del film

También procedente del certamen francés, la segunda Perla del día en ser proyectada fue Nelyubov / Loveless de Andrey Zvyagintsev, ganadora del premio del Jurado en el Festival de Cannes. Nos encontramos ante un drama en el que una pareja en medio de un desagradable proceso de divorcio no tiene más remedio que aunar sus fuerzas para tratar de encontrar a su hijo de once años, desaparecido a la salida de la escuela, tras una de sus discusiones.

Dia 7 La Peste Protagonistas Paco Leon Patricia López Arnaiz Cecilia Gómez Mateo nuñez Manuel Solo en el fotocall

Los protagonistas de “La peste”, Paco León, Patricia López Arnaiz, Cecilia Gómez, Mateo Nuñez y Manuel Solo posando para los medios.

Como novedad en esta Edición, en el Zinemaldi y dentro de la Sección Oficial aunque fuera de concurso y a modo de estreno, se proyectaron los dos primeros capítulos de la serie televisiva La peste,  que se emitirá el próximo año en exclusiva dentro de la plataforma de televisión de Movistar. Dirigida por Alberto Rodríguez, la acción se sitúa durante una plaga de peste negra en la esplendorosa Sevilla del año 1587. Mateo, un ex militar, regresa honrando su palabra, para encontrar y rescatar al hijo de un amigo fallecido. Mateo tuvo que huir de la ciudad para salvar su vida porque la Inquisición le condenó a muerte por imprimir libros prohibidos. Antes de conseguir su objetivo, Mateo es arrestado por los alguaciles del Inquisidor, quien promete perdonarle la vida a cambio de resolver una serie de crímenes con tintes diabólicos que se están produciendo en Sevilla.

Dia 7 Fe de etarras popster del film

La segunda de las proyecciones en el Velódromo era la esperada y envuelta en polémica antes de su estreno Fe de etarras, del director donostiarra Borja Cobeaga. Es una comedia negra que transcurre en el cálido verano de 2010 en una capital de provincias española, donde un peculiar comando etarra formado por un veterano que necesita demostrar que no es un cobarde, una pareja cuyo compromiso depende de la continuidad de la banda y un manchego que se cree que entrar en el comando le hará sentirse como Chuck Norris, se atrincheran en un piso a la espera de recibir una llamada para pasar a la acción. Mientras, la selección española de futbol arrasa en el mundial de Sudáfrica  y todo el país lo celebra a su alrededor para mayor frustración del ridículo grupo.

Octavo día (29 de Septiembre): Der Hauptmann / The Captain, The Lion est mort ce soir / The Lion Sleeps Tonight, Loving Pablo

Dia 8 Der Hauptmann poster del film

El director Robert Schwentke presentó su película Der Hauptmann / The Captain dentro de la Sección Oficial. La historia se ambienta en los últimos momentos de la II Guerra Mundial, cuando un soldado hambriento y andrajoso de 19 años roba un uniforme de un capitán del ejército alemán. Haciéndose pasar por un oficial, reúne a un grupo de desertores que comienza a matar y saquear todo lo que se cruza a su paso.

También en la Sección Oficial y a concurso se pasó la coproducción franco japonesa The Lion est mort ce soir / The Lion Sleeps Tonight, con Nubiro Suwa en la dirección. En el Sur de Francia, Jean, un actor atrapado en el pasado, se entera que el rodaje de su nueva película se ha suspendido por un tiempo indeterminado. Ante este retraso aprovecha la oportunidad para visitar a un viejo amigo, instalándose clandestinamente en una casa abandonada donde en otro tiempo vivió Juliette, el gran amor de su vida. Por otro lado, un grupo de amigos, aprendices de cineastas, tropiezan con la misma casa y deciden que es la localización perfecta para desarrollar su proyecto, una película de terror casera. Jean y los aprendices de cineastas terminarán encontrándose finalmente.

Dia 8 Penelope Cruz y Javier Bardem posando junto al director Fernando León de Aranoa

Para clausurar la Sección de Perlas de otros festivales se eligió la película de Fernando León de Aranoa Loving Pablo. Basada en el libro “Amando a Pablo, odiando a Escobar”, escrito por Virginia Vallejo, cuenta la relación amorosa que mantuvo en los años ochenta esta periodista y presentadora de la televisión colombiana con el conocido narcotraficante colombiano Pablo Escobar, quién amasó una enorme fortuna y fue el responsable de la muerte de miles de personas.

Noveno día (30 de Septiembre): The Wife

Dia 9 The wife Protagonistas Jonathan Pryce Glenn Close y Alix Wilton Regan en el fotocall

El film que clausuró la 65 edición fuera de concurso, fue The Wife, dirigida por Björn Runge. Joan Castleman es una mujer de gran inteligencia y belleza, buena esposa y la mujer perfecta. Pero lleva cuarenta años inadvertidos sacrificando sus sueños, su talento y sus ambiciones para mantener viva la llama de su matrimonio con su marido, el carismático Joe y su meteórica carrera literaria. Pero Joan ha llegado a su límite, por lo que la víspera de la entrega del Premio Nobel de Literatura a Joe, Joan decide desvelar su secreto mejor guardado.

Texto: FeRoDo

Fotografías: Juan Mari Ripalda

Crónica de la 65 edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián (I)

Primer día (22 de Septiembre): Submergence, El autor

DIa 1 Submergence director Wim Wenders en rueda de prensa

Wim Wenders en la rueda de prensa de” Submergence”.

La 65 edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián inauguró su sección oficial con la película dirigida por el alemán Wim Wenders Submergence. Danielle, biomatemática que trabaja en un proyecto oceanográfico, y James, miembro del servicio secreto británico, se conocen por casualidad en un hotel de la costa normanda donde ambos se preparan para sus peligrosas misiones. Se enamoran casi en contra de su voluntad, aunque pronto verán el uno en el otro el amor de su vida. Cuando se separan, se conocen las misiones mencionadas. James se encuentra en Somalia luchando contra el terrorismo suicida que está asolando Europa, mientras que Danielle trabaja en un proyecto de inmersión para respaldar su teoría sobre el origen de la vida. James es apresado por un grupo yihadista y Danielle se adentra en lo más profundo del océano sin saber si James está vivo. En esta ocasión,9 Wenders no alcanza el nivel que se espera de sus trabajos.

dia 1 El autor Los rotagonistas Javier Gutierrez y Maria Leon en rueda de prensa

Los protagonistas de “El autor”, Javier Gutiérrez y María León, en la rueda de prensa de la película.

De las cintas a concurso proyectadas en la Sección Oficial en esta jornada cabe mencionar la coproducción hispano mexicana El autor, dirigida por Manuel Martín Cuenca, que indaga en la confusa línea que separa lo real de lo imaginario. Álvaro separado de su mujer, una escritora de best-sellers, decide afrontar su sueño de escribir una gran novela, pero carece de la imaginación y del talento suficiente, hasta que descubre que la ficción se escribe manipulando la realidad. A destacar la buena interpretación de Javier Gutiérrez en el papel protagonista.

Segundo día (23 de Septiembre): La Douleur Memoir of Pain, Ni juge, ni soumise / So Help Me God, Village Rockstars, Teströl és lélekröl / On Body and Soul, Handia, Visages, Villages / Faces, Places

Dia 2 La Doleur Director Emmanuel Finkiel en rueda de prensa

El director de “La Doleur Memoir of Pain Emmanuel Finkiel.

El día comenzó con la proyección del film La Douleur Memoir of Pain, adaptación de la novela autobiográfica de la escritora Lewis Marguerite Duras y dirigida por Emmanuel Finkiel. Al encontrar dos viejos cuadernos en una caja olvidada, Marguerite Duras recuerda su pasado en la Francia ocupada por los nazis en 1944. La joven y brillante escritora formaba parte activa en la Resistencia junto con su pareja, Robert Antelme. Cuando este es detenido por la Gestapo, ella emprende una desesperada lucha para conseguir que Robert regrese. Para lograr su objetivo, entabla una inquietante relación con el colaboracionista Rabier, pero la guerra finaliza y las victimas regresan de los campos sin que Robert aparezca, mientras ella continúa padeciendo el insoportable dolor de la espera.

Dia 2 Ni juge ni soumise poster del film

La segunda de las cintas dentro de la sección oficial a concurso fue la coproducción franco-belga Ni juge, ni soumise / So Help Me God, en la que a modo de documental se narran las investigaciones criminales reales de la extraordinaria y poco convencional jueza belga Anne Gruwez. Durante tres años el equipo satírico que está detrás de la serie de televisión de culto Strep-Tease logró capturar lo que nadie hasta el momento se había atrevido a filmar sin concesiones y de una forma políticamente incorrecta.

En la sección “Nuevos directores” hubo oportunidad de presenciar la cinta hindú Village Rockstars con Rima Das en la dirección. Dunhu una niña de diez años, vive en una remota aldea en Assam al noreste de India en medio de feroz privaciones. Ella es un espíritu libre mientras que su madre, viuda, lucha diariamente para traer comida a la mesa y poder criar a sus hijos. Sin embargo esto no le impide tener sueños, como poseer una guitarra para formar parte de la pequeña banda que quiere formar con algunos chicos locales, los “Village Rockstars”. Dunhu se considera tan capaz como los niños de su edad. Más adelante, los chicos dejan de perseguir su sueño, mientras que ella continúa queriendo poseer una guitarra.

Dia 2 On Body and soul poster del film

En la sección de Perlas se pudo ver la película Teströl és lélekröl / On Body and Soul, con la que la directora húngara Ildikó Enyedi había ganado el Oso de Oro en el último Festival de Berlín. María, que comienza a trabajar como supervisora en un matadero en Budapest, descubre por casualidad que comparte los mismos sueños que su jefe Endre. Perplejos y asustados por este hecho, deciden aceptar esta extraña coincidencia intentando recrear sus experiencias oníricas en la vida real.

Dia 2 Handia Directores y actores en rueda de prensa

Rueda de prensa del equipo de “Handia”,

Dentro de la Sección Oficial se proyectó la producción vasca  rodada íntegramente en euskera Handia, de Aitor Arregi y Jon Garaño, cuyo argumento se inspira en el personaje real del siglo XIX del gigante de la localidad guipuzcoana de Altzo. Tras luchar en la Primera Guerra Carlista, Martín regresa al caserío familiar donde descubre que su hermano pequeño, Joaquín, es mucho más alto de lo normal; tanto, que probablemente sea el hombre más alto del mundo. Martín decide entonces emprender junto con su hermano un largo viaje por Europa en el que la ambición, el dinero y la fama cambiarán para siempre el destino de su familia. A destacar el trabajo de Raúl López junto con Laurent Dufreche en el montaje de la cinta.

dia 2 Visages villages faces places directora Agnes Varda en el Photocall

Agnes Varda, directora de “Visages, Villages”.

Para concluir la jornada y con motivo de la entrega del Premio Donostia a la fotógrafa y directora belga Agnès Varda se proyectó Visages, Villages / Faces, Places. Presentado en la última edición del Festival de Cannes, muestra como la veterana cineasta junto con el joven artista gráfico urbano y fotógrafo JR recorren en una furgoneta las calles y diferentes paisajes de la Francia rural con el objetivo de conocer a sus gentes, fotografiar a esas personas y mostrar luego las imágenes a gran escala en plena calle para ver las reacciones que estas provocan. A destacar la vitalidad de Agnès.

Tercer día (24 de Septiembre): Le sens de la fête / C’est la vie, Una especie de familia, Jusqu’à la garde, Operación Concha

Dia 3 Le Sens de la fete directores Eric Toledano y Olivier Nakache en rueda de prensa

Los directores de “Le Sens de la fete”, Eric Toledano y Olivier Nakache.

La jornada comenzó con la comedia francesa  a concurso Le sens de la fête / C’est la vie, dirigida por el tándem formado por Olivier Nakache y Éric Toledano, responsables de la exitosa Intocable. Pierre y Hélène han decidido celebrar su boda en un lujoso castillo del siglo XVIII a las afueras de Paris. Para la pareja es la noche más importante de sus vidas, pero para Max, de la empresa de cátering, Guy el fotógrafo, James el cantante y todos los demás que trabajan en el evento es como cualquier otra noche. Con este punto de partida, la película sigue toda la fiesta, desde su preparación hasta la salida del sol a través de los ojos de los que trabajan en la boda, a lo largo de una noche llena de sorpresas. Es de agradecer la inclusión de una comedia dentro de esta Sección.

La segunda de las películas a concurso fue Una especie de familia, drama en el que el cineasta argentino Diego Lerman plantea una reflexión sobre los límites que las personas están dispuestas a cruzar para conseguir aquello que desean. Malena, una médica de clase media de Buenos Aires, recibe una tarde la llamada del doctor Costas, quien le informa que debe viajar de inmediatamente al norte del país porque el bebé que estaba esperando va a nacer. De forma súbita y casi sin pensarlo, Malena decide emprender un viaje incierto lleno de encrucijadas en el que deberá enfrentarse a todo tipo de obstáculos legales y morales.

dia 3 Jusq a la garde poster del film

En la Sección de Perlas se pasó la cinta francesa Jusqu’à la garde, de Xavier Legrand, que venía de alzarse con los premios de mejor opera prima y mejor director en la pasada edición del Festival de Venecia. Myriam y Antoine Besson se han divorciado. Para proteger a su pequeño hijo de su violento marido, Myriam pide su custodia exclusiva. Sin embargo, la juez decide mantenerla compartida entre ambos cónyuges. El pequeño Julien, con una destacada interpretación, hará todo lo que esté en su mano para que no ocurra lo peor en este seco relato de violencia y maltrato.

Para finalizar la jornada hubo la posibilidad de visionar la comedia Operación Concha que se proyectaría al día siguiente en el Velódromo. Dirigida por Antonio Cuadri, quien sitúa la acción dentro del propio Festival de Cine de San Sebastián, la película sigue los pasos de Marcos Ruiz de Aldazábal, un productor de cine sin escrúpulos, que, arruinado, traza un plan junto con su equipo para engañar a una inversora millonaria mexicana con un doble del prestigioso actor Ray Silvela, aprovechando que este va a acudir al Festival para recoger el Premio Donostia. Al igual que en Handia, el montaje de la película corre por cuenta de Raúl López.    

Cuarto día (25 de Septiembre): Licht / Mademoiselle Paradis, Cargo, La cordillera, 120 battements par minute (120bpm) / 120 Beats per Minute, You Were Never Really Here

La primera película a concurso fue Licht / Mademoiselle Paradis, drama basado en hechos reales ambientado en la Viena de 1777, en la que su directora, la austriaca Barbara Albert, plantea el dilema entre la vida y el arte a través de la historia de María Theresia Paradis, una niña prodigio. Pianista de dieciocho años que perdió la vista cuando tenía tres, es llevada por sus padres a la finca del polémico doctor Franz Anton Mesmer para recibir un tratamiento especial. Este tratamiento comienza a devolverle la vista pero le hace perder su virtuosismo musical.

En la sección de “Nuevos directores” se pudo ver la cinta del belga Gilles Coulier Cargo. Se trata de un drama familiar en el que un marinero, de nombre Leon Broucke, cae por la borda  de su barco en presencia de su hijo mayor Jean. Leon es rescatado pero en un profundo coma y el hijo queda como responsable del endeudado negocio familiar, lo que va a desencadenar una serie de conflictos entre él y sus dos hermanos.

Dia 4 La Cordillera Protagonista Ricardo Darin en rueda de prensa

Ricardo Darín durante la rueda de prensa de “La cordillera”, película protagonizada por el actor argentino.

Con motivo de la entrega del Premio Donostia a Ricardo Darín se proyecto su último trabajo La cordillera, dirigida por Santiago Mitre. En una cumbre de presidentes latinoamericanos en Chile, Hernán Blanco, el presidente argentino, vive un drama familiar que le hará enfrentarse a sus propios demonios. Deberá tomar dos decisiones que podrían cambiar el curso de su vida en lo privado, con una complicada situación emocional con su hija, mientras que, en lo público, tendrá que tomar la decisión política más importante de su carrera.

Dia 4 120 Battements par minute poster del film

En Perlas se pasó el film ganador del galardón del Jurado en Cannes 120 battements par minute (120bpm) / 120 Beats per Minute del director francés Robin Campillo. La acción se sitúa a principios de los años 90 en Paris, donde un grupo de jóvenes activistas intenta generar conciencia sobre el SIDA. Un nuevo miembro del grupo, Nathan, se quedará sorprendido ante la radicalidad y energía de Sean, que gasta su último aliento en la lucha.

dia 4 You were never really here poster del film

La segunda de las perlas del día fue la película dirigida por Lynne Ramsay You Were Never Really Here. Joe, veterano de guerra y ex marine, dedica su tiempo a intentar salvar la vida de mujeres que son explotadas sexualmente. No se permite amigos ni amantes y se gana la vida rescatando a jóvenes de las garras de los tratantes de blancas. Un día recibe la llamada de un político porque su hija ha sido secuestrada. Ganadora de los premios de Mejor Guion y Mejor Actor, por el trabajo de Joaquim Phoenix.

Texto: FeRoDo

Fotografías: Juan Mari Ripalda

Palmarés de la 65 edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián

Palmares 2017 fondo 03

Finalizó la 65 edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, celebrada entre el 22 y el 30 de Septiembre. Una edición que resultó, sin lugar a duda, bastante superior en lo que a la sección oficial se refiere con respecto a la edición anterior, la 64, en la que se celebraba la capitalidad europea de la cultura de San Sebastián.

La sección oficial de este año volvió a contar con una excesiva presencia de  películas, concretamente veinticinco, pero con un nivel general más que aceptable, abundando los títulos con producción o coproducción francesa. De las siete que se proyectaron fuera de concurso, la coproducción británico-sueca The Wife / La buena esposa, dirigida por Björn Runge, fue la encargada de clausurar esta edición, contando con una notable interpretación de Glenn Close. Por otra parte, se proyectaron los dos primeros capítulos de la serie española dirigida por Alberto Rodriguez La peste / The Plague, además de las producciones estatales Marrowbone / El secreto de Marrowbone, el esperado debut en la dirección del hasta ahora guionista y colaborador habitual de J. Bayona, Sergio G. Sánchez, y Morir / Dying de Fernando Franco.

Fuera de concurso  se proyectaron la película japonesa de animación Uchiage hanabi, shita kara miruka? Yoko kara miruka? / Fireworks, Should We See It  from the Side or the Bottom?, del tándem formado por Akiyuki Shinbo y Nobuyuki Takeuchi, la cinta francesa dirigida por Albert Dupontel Au revoir là-haut / See you up there y la coproducción franco-británica codirigida por Jean-Michel Cousteau y Jean-Jacques Mantello Wonders of the Sea 3D, narrada por Arnold Schwarzenegger.

En el capítulo de galardones, en esta edición se entregaron tres Premios Donostia. El primero fue para la directora belga Agnès Varda, responsable de títulos como Cléo de 5 à 7 / Cleo de 5 a 7, Le Bonheur / La felicidad o Sans toit ni loi / Sin techo ni ley. Cabe destacar que este mismo año la realizadora recibirá un Oscar honorífico por el conjunto de su carrera, además de recordar que ya había visitado previamente Donostia durante la edición 59 con motivo de la retrospectiva que se dedicó sobre su marido, Jaques Demy.

El segundo de los Premios Donostia fue para el actor argentino Ricardo Darín, cuyo buen hacer ha quedado demostrada por sus interpretaciones en cintas como Nueve reinas, Luna de Avellaneda o Truman, entre otras. Por cierto, que coincidiendo con la entrega del premio Donostia se presentó su último trabajo, La cordillera / The Summit.

El tercer y último premio de esta edición fue para la bellísima actriz italiana Monica Bellucci, en cuyo curriculum figuran títulos como Drácula de Bram Stoker, Asterix y Obelix: Misión Cleopatra o las entregas de la saga Matrix Reloaded y Revolutions. Como acompañamiento a la entrega del galardón se realizó una sesión doble conformada por los pases de Malena, dirigida por Giuseppe Tornatore, y Under Suspicion / Bajo sospecha de Stephen Hopkins.

Premios a un lado, como viene siendo habitual esta edición contó con una afluencia de público masivo a las proyecciones de las secciones “Perlas de otros festivales”,  “Zabaltegi”, “Nuevos directores” y “Horizontes Latinos”. Siguiendo con las secciones paralelas, otro año más “Zinemira”, compuesta por cintas de producción vasca, junto con “Made in Spain”, repasaron parte de lo más destacado del cine español reciente, con el fin de facilitar el conocimiento tanto a la prensa como la industria internacional. En el mismo sentido, tanto la sección dedicada al cine infantil como “Savage Cinema” (dedicada al cine de aventura y deportes de acción) y “Culinary Zinema” (cine y gastronomía) volvieron a tener una gran aceptación por parte de los diferentes tipos de público asistente.

La retrospectiva de este año estuvo dedicada al director estadounidense Joseph Losey, del que se pudo ver seis de sus cortometrajes y sus treinta y dos largos. Autor de títulos tan recomendables como M, The Serveant / El sirviente o Steaming, Losey fue uno de los máximos exponentes del denominado “cine de autor” o “arte y ensayo” en los años sesenta, comenzó su carrera a finales de los años treinta y fue una víctima más de la caza de brujas que se produjo en Holywood por el senador Joseph McCarthy acusándolo de mantener actividades “antiamericanas”, por lo que decidió emigrar a Inglaterra y continuar allí con su carrera.

Pasando ya a repasar el palmarés que nos deja esta edición, el jurado oficial, el cual estuvo presidido por el actor y director estadounidense John Malkovich y compuesto por Dolores Fonzi, Jorge Guerricaechevarría, William Oldroyd, Emma Suárez, André Szankowski y Paula Vaccaro, otorgó los siguientes Premios oficiales FIAPF:

P 17 Concha de Oro a James Franco por The Disaster Artist

Concha de oro a la mejor película: The Disaster Artist de James Franco (EEUU).

P 17 Premio Jurado Handia de Jon Garaño y Aitor Arregi

Premio especial del jurado: Handia de Aitor Arregi y Jon Garaño (España).

P 17 Concha de Plata a la actriz Sofia Gala y Concha de Plata a la Directora Anahi Berneri ambas por la pelicula Alanis

La actriz Sofia Gala y Concha de Plata a la Directora Anahi Berneri.

Concha de plata a la mejor directora: Anahí Berneri por Alanis (Argentina).

Concha de plata a la mejor actriz: Sofía Gala Castiglione por Alanis (Argentina).

Mención especial para Anne Gruwez por Ni Juge, Ni Soumise / So Help Me God (Francia-Belgica).

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Concha de plata al mejor actor: Bodgan Dumitrache  por Pororoca (Rumanía-Francia).

Premio del jurado al mejor guión: Diego Lerman y María Meira por Una especie de familia (Argentina-Brasil-Polonia-Francia).

P 17 premio fotografia a Florian Ballhaus por The Captain

Premio del jurado a la mejor fotografía: Florian Ballhaus por Der Hauptmann / The Captain (Alemania-Francia-Polonia).

Otros jurados concedieron los siguientes premios:

P 17 Premio Kutxabamk Nuevos Directores

Premio Kutxabank-nuevos directores: Marine Francen por Le Semeur / The Shower (Francia).

Mención especial: Laura Mora por Matar a Jesús (Colombia-Argentina).

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Premio Horizontes: Los perros de Marcela Said (Chile-Francia).

P 17 Premio ZabaltegiTabakalera a Clement Cogitor por Braguino

Premio Zabaltegi-Tabakalera: Braguino de Clément Cogitore (Francia).

Menciones especiales: Darya Zhovner (actriz) por Tesnota / Closeness de Kantemir Balagov (Rusia) y Spell Reel de Filipa Cesar (Francia).

Premio del público Ciudad de Donostia-San Sebastián: Three Billboards Outside Ebbing, Missouri de Martin McDonagh (EEUU-Reino Unido).

Premio película europea: Jusqu’á la Garde / Custody de Xavier Legrand (Francia).

Premio IRIZAR al cine vasco: Handia de Aitor Arregi y Jon Garaño (España).

Premio Eroski de la juventud: Matar a Jesús de Laura Mora (Colombia-Argentina).

Premio TVE otra mirada: Jusqu’á la Garde / Custody de Xavier Legrand (Francia).

Premio cooperación española: Alanis de Anahí Berneri (Argentina).

Premio FIPRESCI: Life And Nothing More de Antonio Méndez Esparza (España-EEUU).

Premio Feroz Zinemaldia: The Disaster Artist de James Franco (EEUU).

Premio Signis: Life And Nothing More de Antonio Méndez Esparza (España-EEUU).

Mención especial: Ni Juge, Ni Soumise / So Help Me God de Jean Libon (Francia-Bélgica).

Premio especial 60 años del jurado Signis en San Sebastián: Matar a Jesús de Laura Mora (Colombia-Argentina).

Premio de la Asociación de donantes de sangre de Gipuzkoa a la solidaridad: Au Revoir Lá-Haut / See You Up There de Albert Dupontel (Francia).

Premio Sebastiane 2017: 120 Battements par minute / 120 Beats Per Minute de Robin Campillo (Francia).

Mención Especial: Soldatii. Poveste Din Ferentari / Soldiers. Story From Ferentari de Ivana Mladenovic (Rumanía-Bélgica-Serbia).

Premios Donostia: Agnés Varda, Monica Bellucci y Ricardo Darín.

Premio Zinemira: Julia Juaniz.

Premio Jaeger-Lecoultre al cine latino: Paz Vega.

Premio Federoa: Charmøren / The Charmer de Milad Alami (Dinamarca).

Menciones especiales: Matar a Jesús de Laura Mora (Colombia-Argentina) y Pailalim / Underground de Daniel Palacio (Filipinas).

Premio al mejor guión vasco: Ximun Fuchs y Eñaut Castagnet por NON/NO.

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Premio de la Industria cine en construcción 32: Ferrugem de Aly Muritiba (Brasil).

P 17 Premio de la Industria aTelmo Esnal por Dantza

Premio de la Industria Glocal in progress: Dantza de Telmo Esnal (España).

Premio “LURRA” otorgado por Greenpeace: An Inconvenient Sequel: Truth To Power de Jon Shenk y Bonni Cohen (EEUU).

Por último, no podemos acabar sin destacar, otra edición más, el buen hacer demostrado por José Luis Rebordinos al frente del equipo del Zinemaldia, volviendo a conseguir el difícil reto de que prácticamente todo funcionara de forma notable. También hay que destacar el filtro puesto en esta edición a los invitados y acreditados a la hora de coger de manera compulsiva entradas para pases a los que luego no acudían, lo que provocaba que quedaran fuera de las proyecciones otras personas con o sin acreditación interesadas en esos pases; todo un acierto. Por otro lado, y sabiendo de la poca cantidad de salas con las que cuenta la ciudad, habría que pensar que quizás la sala Z de Tabacalera no esté a la altura de la categoría del Zinemaldi.

¡Hasta el 66 Festival!

Texto: FeRoDo

Fotos: Juan Mari Ripalda

Crónica de FANT 23

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No deja de ser llamativa la escasa repercusión de la que disfruta un evento del calibre del Festival de Cine Fantástico de Bilbao – FANT. Con veintitrés ediciones a sus espaldas, el certamen organizado por el ayuntamiento bilbaíno ha logrado convertirse en los últimos años por derecho propio en uno de las citas más pujantes dentro del panorama patrio de festivales dedicados al género fantástico. Ello ha sido posible gracias al buen hacer de sus responsables, que han conseguido articular una interesante programación encabezada por una Sección Oficial en la que los títulos señeros de la temporada se conjugan con premieres de todo tipo, y que se remata con un nutrido calendario de proyecciones paralelas y actividades complementarias que en cada nueva edición va en aumento. A todo esto hay que añadirle, además, el atractivo que supone la presencia de varios de los equipos de los films a concurso, así como de distinguidas personalidades invitadas a tal efecto, cuya comparecencia ayudan a aportar un mayor colorido. Sobre todo, por la sana costumbre del certamen de celebrar tras las correspondientes proyecciones un turno de preguntas y respuestas entre los responsables de las películas y los espectadores, y que por regla general suelen resultar bastante participativos.

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Fachada del Azkuna Zentroa, sede principal de FANT.

Sin embargo, pese a todos estos alicientes y un nivel organizativo a la altura de cualquier gran evento de su clase, el nombre de FANT apenas es conocido entre los aficionados. Incluso, da la sensación de que el propio público vizcaíno no es consciente de la suerte que tiene por tener en su casa un certamen con un potencial que para sí quisieran otras grandes ciudades. No obstante, parece que, por fortuna, las cosas están cambiando, y poco a poco comienza a valorarse como merece al festival bilbaíno. Así lo atestigua el exponencial aumento en el número de espectadores que, año tras año, viene registrando, y que en este 2017 logró superar la barrera de los diez mil. A ello no fue ajeno el incremento del número de sesiones, lo que pone de relieve el crecimiento que viene experimentado la propuesta y que tuvo su reflejo en otros detalles.

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Quizás la muestra más ilustrativa en este sentido se encuentre en la presencia de una personalidad de la talla de la norteamericana Barbara Crampton, quien acudió a Bilbao para recoger el nuevo galardón “Estrella del FANTástico” con el que el festival le rendía tributo por toda su trayectoria. Derrochando simpatía, amabilidad y proximidad, la actriz norteamericana acompañaría durante su estancia en FANT el pase de dos de sus películas. Por un lado, la mítica Re-Animator, título que iniciara su asociación con el género terrorífico y sobre el que poco se puede decir a estas alturas. Y por otro con la reciente Beyond the Gates, en la que, además de interpretar el personaje de una maestra de ceremonias televisiva tipo Elvira, ha ejercido de productora. Dirigido por el debutante Jackson Stewart, el film se enmarca dentro del revival ochentero tan de moda en cierto tipo de cine de terror actual de raíces independientes, brindando un efectivo trabajo, que tiene en su calculado manejo del gore y la especial atención prestada a la construcción dramática de los personajes dos de sus principales virtudes.

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Si bien la más mediática, Barbara Crampton no fue la única homenajeada en esta edición del FANT. Al igual que ella, Pedro Rivero recibía en la ceremonia de clausura el “FANT de honor” con el que la organización quiso reconocerle el mismo año en el que se ha alzado con el Goya a la mejor película de animación por Psiconautas, los niños olvidados, cinta codirigida junto a Alberto Vázquez. Curiosamente, el otro “FANT de honor” entregado en esta edición fue también  para alguien de origen bilbaíno, en este caso Terele Pávez, quien, debido a otros compromisos, no pudo estar presente en la gala inaugural en la que se escenificaba su entrega, donde se proyectó en su lugar un video en el que la veterana actriz agradecía el premio.

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Imagen de la exposición de carteles “The Vault of Rob Zombie: A Comic Tribute” que pudo visitarse en la Sala Polivalente del Azkuna Zentroa.

Menos lució, en cambio, el cuarto de los homenajeados en discordia, Sean Brosnan, acreedor del galardón “FANTrobia” destinado a un talento emergente. Y es que, aunque en un principio se había anunciado su visita al certamen, llegado el momento el hijo de Pierce Brosnan no haría acto de presencia, sin que se diera una explicación oficial al porqué de su ausencia. Al menos, se pudo disfrutar de su ópera prima, My Father Die, un potente thriller sobre las relaciones paterno-filiales a medio camino entre el cine de Quentin Tarantino y Guy Ritchie, pongo por caso, pero con una personalidad muy marcada, en el que destaca su estilosa realización, en especial por el interesante uso que se da a su pista de sonido. Un trabajo, en resumidas cuentas, que confirmaba lo merecido del premio concedido a su responsable, y que demuestra que en él hay madera de buen director. Habrá que estar muy atentos a sus siguientes pasos, visto lo visto.

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Lectura del palmarés por parte del Jurado celebrado en el Ayuntamiento de Bilbao.

Siguiendo con el palmarés de esta edición, dentro del apartado competitivo la cinta de animación Seoul Station se proclamó ganadora del premio FANT 2017 a la mejor película. En su fallo, el jurado compuesto por Elio Quiroga, Miguel Ángel Vivas y la actriz Melina Matthews sustanciaron su elección del film surcoreano “por salirse de los estereotipos de la animación y hacer totalmente humanos a sus personajes”. Con estas palabras el jurado señalaba los que, a su juicio, son los atributos de este trabajo desarrollado en pleno apocalipsis zombi,  en el que su director, Yeong San-ho, realiza un ensayo general muy aproximado de su posterior y exitosa Train to Busan, sin duda uno de los títulos de la temporada dentro del género fantástico, de la que adelanta una serie de elementos narrativos y argumentales, motivo por el que no pocos la consideran una suerte de precuela de su hermana de imagen real, sobre todo por narrar lo que en aquélla queda en off visual: el origen de la infección. Así las cosas, la principal diferencia entre una y otra, más allá de su distinto nivel cualitativo, se encuentra en el cambio del tono melodramático de Train to Busan por un patente componente de crítica social, mediante el cual se recuperan las connotaciones metafóricas del personaje del zombi/infectado para hablar, entre otros temas, del egoísmo y la individualidad propias de la sociedad moderna, en un planteamiento que es plasmado por el nihilismo que desprende su desenlace.

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Foto con miembros de la organización, el jurado y varios de los premiados en esta edición de FANT.

El listado de largometrajes premiados dentro de la Sección Oficial se completaría con otros dos galardones concedidos por otras tantas entidades locales. Así, el reconocimiento a la dirección más innovadora otorgado por el Cine Club Fas iría para Nicolas Pesce por The Eyes of My Mother, indigesto y poco compacto producto que malgasta algunas buenas ideas y la creación de un clima enfermizo a causa de unas mal digeridas ínfulas autorales, representadas por su uso de una, por otra parte, magnífica fotografía en blanco y negro.

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Por otro lado, la Asociación de Guionistas Vascos resolvió el premio al mejor guion de la Sección Oficial a favor de la notable I Am Not a Serial Killer, adaptación de la novela homónima de Dan Wells. Abandonando los esquemas del cine de género más convencional que había venido certificando hasta la fecha, el irlandés Billy O’Brien firma el que sin duda es su mejor trabajo con esta original aproximación a la figura del asesino en serie que refleja la atracción/repulsión que este tipo de personajes ejercen en la sociedad estadounidense, dentro de un discurso rico en contenidos. Entre sus muchas virtudes, cabe resaltar la rara habilidad en la que se sumerge en la psicología y lucha interna que libra su protagonista, un joven sociópata diagnosticado que, aunque obsesionado por las andanzas de los serial killers, intenta no convertirse en uno de ellos. Conviene destacar el duelo interpretativo que se establece entre sus dos actores principales, con mención especial para un soberbio Christopher Lloyd, o el manejo de distintos registros narrativos, dentro de un desarrollo sobrio y contenido que solo es roto durante el desenlace, por medio de un innecesario giro hacia lo fantástico, en el que se explicita aquello que quedaba mejor en el plano metafórico.

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Varios de los participantes en el apartado de cortometrajes de la Selección Oficial.

Casualmente, las andanzas de un joven solitario y su relación con un anciano conformarían la base de otro de los títulos proyectados dentro de la Sección Oficial. Nos referimos a Sweet, Sweet Lonely Girl, historia de fantasmas cíclica de estética retro que mira al universo lésbico propio de la etapa inglesa de José Ramón Larraz, con el que comparte la creación de un entorno cerrado y poblado por escasos personajes llenos de secretos, el tono intimista y hasta cierto punto melancólico, y una ambientación (neo)gótica, por más que el erotismo mórbido inherente al estilo del catalán sea aquí eludido a favor de una mayor atención al conflicto dramático de los personajes. Las similitudes alcanzan incluso a la tipología física de sus dos actrices principales, y muy especialmente en el caso de Erin Wilhelmi, cuyo parecido con Angela Pleasence, la protagonista de Síntomas, es notorio, y son continuadas por la presencia de varios planos que diríanse sacados del que quizás sea el título más emblemático de Larraz, Las hijas de Drácula. Otra propuesta que acusaría la influencia del cine de décadas pasadas si cabe de forma aún más explícita fue The Void, atmosférico relato terrorífico que podría definirse como un cruce entre John Carpenter, Hellraiser, El más allá de Lucio Fulci y la literatura de H. P. Lovecraft.

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Este sabor añejo se repetiría en The Evil Within, aunque por motivos radicalmente distintos a los de los dos casos señalados. Lejos de tratarse de una decisión artística, tal circunstancia es consecuencia de la controvertida génesis del film. Rodado hace quince años, se trata del único crédito de su director, un millonario llamado Andrew Rork Getty, que quería plasmar las visiones que tenía bajo los efectos de la droga. Para llevar a cabo la película se estima que invirtió cinco millones de dólares, arruinándose en el empeño. Por si no hubiera bastante, antes de ver terminado el proyecto, Getty moría el pasado 2015 a la edad de cuarenta y siete años a causa de sus adicciones. Es decir, todos los ingredientes para convertirse en un título de culto, consideración que es refrendado por sus propios resultados cinematográficos, erigiéndose para quien esto firma en uno de los más agradables descubrimientos dejadas por este FANT. Cierto es que su peculiar producción se deja sentir en un sonido directo de una calidad bastante mala o una progresión narrativa en la que en ocasiones se echan a faltar secuencias. Por otra parte la carencia de pericia de su novel cineasta se refleja en ciertas torpezas o lo rutinarias que resultan sus escenas de transición. Sin embargo, estas y otras debilidades son compensadas por una personalísima y sugestiva concepción del terror que se refleja en una poderosa inventiva visual de reminiscencias ochenteras, a la que no es ajena la presencia del mítico Michael Berryman como el demonio que acosa al mongoloide protagonista, soberbiamente interpretado por Frederick Koehler.

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Geoff Redknap, director de “The Unseen”.

Sin llegar al nivel de algunos de los títulos comentados, son también dignos de destacar dos films como The Unseen y Prevenge. En la primera, el hasta ahora técnico de efectos especiales Geoff Redknap se aproxima a la figura del hombre invisible por medio de un guion bien construido, unas reseñables interpretaciones y una narración sorprendentemente sobria que, en contra de lo que cabría esperar dados los antecedentes de su responsable, no se pierde en la posible espectacularidad de sus efectos especiales, sino que se centra en la vertiente humana de sus personajes. Por su parte, Prevenge supone el debut en tareas de realización de su también protagonista Alice Lowe. En la línea de su celebrada colaboración con Ben Wheatley en Turistas, Lowe se descuelga con una ácida y negrísima comedia en torno a la maternidad, que funciona mejor en sus momentos satíricos que en aquellos en los que se pone seria.

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Imagen del anuncio promocional de esta edición de FANT.

Bastante peor sabor de boca dejó en comparación It Stains the Sand Red, sobre todo al tratarse de un título que va de más a menos. Y es que la película del anteriormente integrante de los denominados The Vicious Brother, Colin Miniham, padece lo que podríamos denominar “el síndrome del corto alargado”. Partiendo de un planteamiento minimalista, Miniham consigue el difícil reto de despertar el interés del espectador gracias a su humor gamberro por las andanzas de una stripper perseguida por la inmensidad del desierto de Nevada por un zombi. Sin embargo, todo se viene abajo una vez toca desarrollar la narración más allá de esta premisa, y lo que hasta entonces era una propuesta valiente y arriesgada se acaba convirtiendo en un lacrimógeno melodrama con su protagonista transformada en una madre coraje que desemboca en un acto final que se antoja, literalmente, un pegote añadido procedente de otra película distinta. Con todo, hay que reconocer que It Stains the Sand Red no llegaría a las cuotas exhibidas por Lake Bodom e Hipersomnia, dos exponentes hermanados por una progresión argumental que va dando bandazos de un lugar a otro a causa de sendos guiones carentes de la más mínima coherencia.

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Steven DeGennaro, director de “Found Footage 3D”

En el caso de Hipersomnia, la trama de la cinta argentina jugaría con la idea de la disociación de la personalidad de su personaje protagonista, temática ésta presente de diferentes formas en varios de los títulos proyectados, marcando una tendencia que se pudo rastrear entre la selección ofrecida. Eso a nivel temático, claro, ya que a nivel formal destacó la concurrencia de films rodados bajo los rasgos de grabaciones encontradas. De ellas, dos disfrutarían además en Bilbao de diferentes premieres. Acompañada por su debutante director, Steven DeGennaro, Found Footage 3D presentaría de manera oficial en el continente europeo su meta-cinematográfica reflexión sobre los mecanismos y lugares comunes a los que la repetición de la que ha sido objeto en estos últimos años parece haber abocado al estilo, lo que paradójicamente no le quita de caer en esos mismos defectos y previsibilidad que ella misma critica.

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Marcos Cabotá y Adrián Lastra durante el coloquio post-pase de “Noctem”.

La otra premier fue aún más especial si cabe, ya que se trataba de la puesta de largo a nivel mundial de la nueva película de Marcos Cabotá, Noctem, la cual tiene su origen en un video real grabado por el actor Adrián Lastra. Con este punto de partida, el cineasta mallorquín construye un relato conceptualmente muy atractivo, en el que si por un lado tanto Lastra como el resto de sus populares protagonistas se interpretan a sí mismos, otorgando con ello un innegable plus de realismo al relato, por otro acentúa su naturaleza ficcionada, añadiendo música, efectos, montaje y demás recursos propios del lenguaje cinematográfico. Lástima que este interés que sobre el papel ofrece su planteamiento no se reflejen en su trasvase a la pantalla, traduciéndose en un producto rutinario y del todo prescindible.

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Presentación de “El ataúd de cristal” con Paola Bontempi (protagonista), Aitor Eneriz (coguionista) y su director, Haritz Zubillaga.

Noctem formaría parte de la nutrida participación española en la Sección Oficial, que se completaría con las primeras incursiones en el formato largo de dos directores bilbaínos que presentaban así ante sus paisanos sus óperas primas, siendo la primera vez que una película local, en este caso dos, formaban parte de la Sección Oficial de FANT. Roberto San Sebastián lo hacía con La noche del virgen, una comedia esperpéntica definida por su responsable como “American Pie rodada por Cronenberg” y que, salvando las distancias, recuerda al primer Álex de la Iglesia, pero que se ve lastrada por su tendencia a la escatología mal entendida y una duración a todas luces desmedida: nada menos que dos horas. Todo lo contrario puede aplicarse a El ataúd de cristal, en la que, haciendo de la necesidad virtud, Haritz Zubillaga saca partido a los modestos recursos puestos en sus manos, dando forma a una propuesta de corte minimalista focalizada en un único personaje dentro de un solo escenario, el interior de una limusina, mediante el que sitúa a la industria cinematográfica frente al oscuro reflejo de sus propias miserias. El resultado es un prometedor debut en el que su primerizo director da muestras de una poderosa inventiva visual y donde también cabe destacar el tour de force interpretativo realizado por su protagonista, la canaria Paola Bontempi.

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David Pizarro durante la rueda de prensa de “Herederos de la bestia”.

Dejando ya el repaso a la Sección Oficial, la producción española también se dejó sentir en las secciones paralelas acogidas por el festival. Coincidiendo con su estreno en salas comerciales, DokuFANT acogía el pase de Herederos de la bestia, en el que se aborda el impacto que supuso la aparición de El día de la bestia, título determinante en la posterior eclosión del cine fantástico en nuestra cinematografía. Para ello, David Pizarro y Diego López, sus directores, convocan el testimonio de varios de sus protagonistas para componer un completo recorrido por los antecedentes de Álex de la Iglesia, la gestación del proyecto y todo lo que lo rodeó, al tiempo que calibran el porqué de su importancia histórica y explica los motivos que lo hacen un film tan especial de la mano de las declaraciones críticos y cineastas.

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La oferta del apartado dedicado por el festival al formato documental se completaría con Sputnik!, del vizcaíno Asier Baio, un trabajo interesante e informativo, a pesar de que en determinados momentos alargue su metraje de forma innecesaria debido a ciertas divagaciones, en el que se toma el pulso al fenómeno del cine underground catalán a través de la historia de Jacint Espuny, un auténtico enamorado del cine de terror que, supliendo con ilusión y empeño la falta de medios, ha creado en su Amposta (Tarragona) natal la productora de cine gore Kutrefacto y el festival Fangofest, involucrando para ello a decenas de sus vecinos.

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Cola de acceso a las salas del Golem Alhondiga durante una de las sesiones de FANT.

Igualando el número de producciones patrias proyectadas dentro de la Sección Oficial, Panorama Fantástico daría cabida a tres películas españolas que compitieron por un galardón que finalmente fue a parar al esteticista film portugués fotografiado en blanco y negro A Floresta Das Almas Perdidas, de José Pedro Lopes. Dicha sección se desarrollaría de forma íntegra en la sala 2 de los Golem Alhondiga, el espacio gratuito habilitado por FANT cuya programación daría cabida a los ciclos retrospectivos “La Aventura Audiovisual” y “Maestros del FANT”, este último dedicado a Brian De Palma y Chicho Ibáñez Serrador, y que registraría unas entradas que rozarían el lleno en casi todas las sesiones.

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Rueda de prensa de “Money” con Martín Rosete y Jamie Bamber en el centro.

De este modo, escasos días antes de su desembarco en salas comerciales españolas, “Panorama Fantástico” brindó la oportunidad de visionar Money, el esperado salto al formato largo de Martín Rosete. Coproducido con los Estados Unidos, el primerizo director explora algunos de los males endémicos de cierta parte de la sociedad occidental actual, con la avaricia y el culto al dinero en primer término, en este notable thriller de corte minimalista y estética indie, que tiene sus mejores bazas en su manejo del ritmo, un guion modélicamente construido y el excelente trabajo interpretativo de su reducido reparto, en el que destaca la presencia de actores de la popularidad de Kellan Lutz, Jesse Wiliams o Jamie Bamber, quien se desplazó hasta Bilbao para arropar el pase de la película junto con Martín Rosete.

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Norberto Ramos del Val (centro) y la actriz Belén Riquelme durante el coloquio posterior a la proyección de “El cielo en el infierno”.

Fiel a su cita con FANT, Norberto Ramos del Val presentaría el que es su último trabajo hasta la fecha, El cielo en el infierno, adaptación a la gran pantalla del montaje teatral Querido imbécil que el propio Norberto dirigiera a partir de una obra escrita por su habitual colaborador Pablo Vázquez y que según sus propias palabras supone “su peli más rara”. Al igual que ocurriera en su anterior Amor tóxico, el santanderino incide en la guerra de sexos y relaciones de pareja en este film arriesgado e inclasificable, con el que firma el que quizás sea su mejor título hasta la fecha; una película que luce orgullosa su incorrección política para arremeter contra la estupidez de los defensores de lo políticamente correcto. Un planteamiento no apto para todos los gustos, como pudo comprobarse en las no pocas deserciones entre el público que se registraron durante su pase, o en el cambio de pareceres que Norberto mantuvo durante su coloquio con Borja de la Rosa, director del título proyectado justo antes, la también producción low-cost La sexta alumna. Rodado con un IPhone y con un reparto compuesto por actores amigos, De la Rosa firma su primer largo con esta historia de temática satánica en el que arremete contra el mundo de las escuelas interpretativas basándose en sus propias experiencias personales, según comentó. De desarrollo abrupto, en especial durante su último tercio, con ella su director manifestó su pretensión de rendir tributo al fantaterror español, en especial al cine de Paul Naschy, si bien quien esto suscribe sea incapaz de encontrar los motivos de tal afirmación, dada la escasa relación existente entre La sexta alumna y los objetos de su supuesto homenaje.

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El equipo de “Pieles” presentado la película durante la gala de inauguración.

Por si hubiera aún alguna duda sobre el compromiso del festival con el cine español, las películas elegidas por la organización para la mediática labor de inaugurar y clausurar esta edición también se trataron de producciones nacionales. Pieles, la ópera prima de Eduardo Casanova, más conocido por su papel de Fidel en la teleserie Aida, se encargó de teñir de rosa y deformaciones físicas el pistoletazo de salida de este FANT 23 celebrado el viernes 5 de mayo en el teatro Campos. Una semana más tarde, y esta vez con el marco de la Sala BBK, el regreso al formato largo del catalán Carles Torrent con la coproducción hispano-norteamericana Pet, rebautizada para su estreno comercial en nuestro país con el castellanizado título de Animal de compañía, puso la guinda a una ceremonia de clausura cuya primera parte sirvió para escenificar la clásica entrega de premios, dentro de una sesión que echó el cierre a siete intensos días de cine fantástico.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías: Juan Mari Ripalda

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Published in: on junio 21, 2017 at 5:56 am  Dejar un comentario  
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