Entrevista a Isaac Ezban, director de “Parallel”

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De un tiempo a esta parte el cine fantástico mexicano se encuentra viviendo una auténtica eclosión de la mano de una nueva generación de realizadores llamados a recoger el testigo de los Fernando Méndez, Carlos Enrique Taboada, Juan López Moctezuma o Guillermo del Toro. Quizás el ejemplo más significativo a este respecto haya sido el triunfo conseguido en este 2018 dentro del circuito de festivales especializados de Vuelven (Tigers Are Not Afraid), film que solo en nuestro país se ha alzado con el premio del público y el destinado al mejor guion en FANT y el de mejor película de la sección “Dark Visions” en NOCTURNA Madrid. Un rotundo triunfo, en definitiva, que ha significado el que su directora y guionista, Issa López, haya sido reclamada por la industria hollywoodiense para que ruede allí su siguiente proyecto.

Pero el de López no es un caso aislado. Otro de estos nuevos talentos mexicanos ha dado ya el salto a la cinematografía de sus vecinos del norte. Hablamos de Isaac Ezban, que tras dos films tan distintos y, al mismo tiempo, interconectados entre sí como El incidente y Los parecidos, ha rodado en Canadá su primera producción en inglés con Parallel. El cambio geográfico, idiomático y el hecho de partir de un guion ajeno no ha influido, sin embargo, en que el joven cineasta azteca retome en él los temas que ya había planteado en sus películas previas, como puede ser los personajes atrapados en el tiempo, las dimensiones alternas o las modificaciones que sufren los caracteres de sus personajes protagonistas, dentro de una historia enmarcada en el mundo de los emprendedores informáticos, en la que no es difícil ver una demoledora crítica hacia la falta de moral y ansias de éxito a toda costa del capitalismo salvaje.

Encuadrada dentro de la sección “Panorama Fantàstic”, Parallel participó en la pasada edición del Festival de Sitges, donde estuvo acompañada de la presencia de Isaac Ezban, a quien durante su estancia en tierras catalanas pudimos entrevistar de forma conjunta con Ferran Ballesta, responsable de la recomendable web “La zona muerta”.

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Parallel supone tu primera película con producción internacional y rodada en inglés. ¿Cómo ha sido la experiencia? ¿Has encontrado diferencias a la hora de trabajar con la forma en que lo habías hecho en México en tus dos anteriores largos?

Ha sido un proceso muy interesante, porque como bien dices ha sido muy distinto al de mis anteriores películas, donde yo era el guionista, el productor y el director. Y ahora estaba ante mi primera película en inglés, mi primera película que no he escrito yo, mi primera película fuera de México y mi primera película en Canadá. Pero en realidad estuve muy contento en todo el proceso. Bron Studios es una compañía grande, con mucha experiencia, que ha hecho muchas películas grandes. Y también Vancouver es una ciudad donde se filma muchísimo, por los incentivos fiscales, por el paisaje y el relieve de la ciudad, por lo que los equipos de trabajo son muy experimentados. Fue una experiencia increíble filmar allá. Además, ha sido la primera vez en la que trabajaba solo de director. En este sentido, en mis anteriores films al mismo tiempo que dirigía me tenía que preocupar de otras cosas como si llegaba el catering a tiempo; esta vez yo llegaba al set y a dirigir.

En cuanto al guion, aunque no lo escribí yo, es una historia que siento que se relaciona muchos con los temas que suelo tratar. No solo el tema de los mundos paralelos o las realidades alternas, sino también la idea general de usar la ciencia ficción como una especie de metáfora para reflexionar sobre un tema humano, un tema real. Si en El incidente fue el paso del tiempo y en Los parecidos fue la identidad, en Parallel es la ambición y la avaricia, y cómo esto nos puede destruir. Fue un guion que me gustó mucho desde el principio y que lo hice mío, y cuando estaba dirigiendo en el set ni siquiera me sentía como si estuviera trabajando con el guion de otros, sino que era como si fuera mi guion. En este sentido fue muy buena la experiencia.

Es en la parte en la que estamos ahora la que creo que ha sido la más difícil, porque en todo el proceso creativo fueron muy respetuosos conmigo y nunca me impusieron nada, aun siendo una película que la editamos en Los Ángeles, con todo ese proceso de estudio con proyecciones de prueba en las que se comprueban las reacciones de la gente. Pero aun así, siempre mi visión como director fue respetada hasta el final, hasta que llegamos a un corte con el que todos estábamos contentos. Pero, como digo, en el punto en que está la película ahora mismo, que es el momento de la distribución, es lo que personalmente más me ha costado, en el sentido de que yo no tengo el control de qué pasa con la película, dónde se vende o cómo se ve, cuando en mis anteriores películas yo era el que hablaba con un agente de ventas o con una distribuidora. Sin embargo, ahorita yo soy simplemente el director que hizo la película y ahí ha terminado mi trabajo. La película es de una productora y es la que se encarga de estos temas. Pero es como si tuvieras un hijo, lo llevaras a la escuela y te dijeran que es suyo y no lo ves hasta dentro de veinte años. “No, no, no. Yo lo quiero ver cada semana”. Y eso es lo que me pasa a mí. Estoy cada semana preguntando cuándo sale el póster, cuándo se estrena en tal país… Así que quizás ha sido toda esta parte la más complicada para mí, pero por lo demás bien.

Comentas que te gustó el guion ya desde un inicio, pero también que lo hiciste tuyo. ¿Quiere esto decir que lo modificaste de algún modo para aproximarlo más a tus intereses?

Desde la primera vez que lo leí pensé: “Guau, tengo que hacer esta película”. De hecho, antes estuve leyendo varios guiones porque tenía ganas de dirigir una película escrita por otra persona que tratara un poco mi estilo. Pero me topaba con muchos guiones que se sentían, quizás, un tanto genéricos, y no me sentía totalmente absorbido por ellos, hasta que de pronto leí Parallel y entonces vi claramente que esta película era muy de mi onda. Es ciencia ficción pero con un lado humano, reflexionando sobre los personajes. Como yo la veo es más un drama de personajes con tintes de ciencia ficción. Pero sí le cambié varias cosas. Cambié por ejemplo el final por este que nos deja cuestionando sobre lo que acaba sucediendo, en sustitución del que había, en el que el espectador debía de creer que estaba en el universo principal, para descubrir que no, que hay alguien más haciendo lo mismo. Todo eso lo cambié y algunas a otras cosas, como darle más toques y texturas a los personajes, junto a otros detalles. Pero aunque tuve libertad para cambiar cosas, en general la estructura y la idea principal del guion permanecen intactas.

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A través de su argumento, Parallel puede verse también como una alegoría de la falta de ética del mundo empresarial actual y sus ganas de triunfar a toda costa. ¿Era tu intención realizar una especie de llamada de atención sobre este aspecto?

Sí, precisamente venía escrito en el guion y yo lo potencié. A mí me encanta utilizar la ciencia ficción para poder reflexionar sobre algún tema humano, sobre algún tema real que no sea fantasioso. Como decía antes, la reflexión de El incidente es el paso del tiempo y en Los parecidos sobre la identidad, y ahora en Parallel quiero trabajar un tema también muy humano, algo que nos caracteriza mucho como personas, que nos da fortaleza, pero que también nos puede destruir, que es la ambición y la avaricia. Creo que es un tema muy vigente, sobre todo hoy en el mundo de los jóvenes emprendedores, donde cada vez hay más hambre y fervor de utilizar la tecnología y descubrir algo nuevo. A mí me encanta que la historia de Parallel tome lugar entre estos chicos que aspiran a ser los nuevos Steve Jobs o Mark Zuckerberg, porque la película se pregunta qué pasaría si estas personas encontraran estos portales infinitos. Por otra parte, esto nunca lo habíamos visto antes aplicado a mundos paralelos. Sí que habíamos visto historias de mundos paralelos, pero era más en un sentido de cambiar el tiempo y así, pero nunca habíamos visto una historia de mundos paralelos donde se trate específicamente sobre la idea de ir a robar ideas, propiedad intelectual, arte, tecnología… y traerla a este mundo. Me pareció una mezcla curiosa, una mezcla interesante, y fue la parte que más me gustó del guion; era ciencia ficción, pero solo una pincelada justa para hablar sobre un tema humano muy real, como es la ambición desmedida y el hambre por tener más.

En cuanto al aspecto visual, destaca el contraste que realizas entre los tonos ocres que dominan las escenas que discurren en nuestro mundo y los azulados de aquellas que suceden en el universo paralelo. ¿Cómo trabajaste este apartado y cómo ha sido la experiencia de trabajar con alguien de Karim Hussain, en mi opinión uno de los mejores directores de fotografía del cine fantástico independiente actual?

Sí, Karim Hussain es casi una leyenda aquí en Sitges. Él fue un gran elemento en la película, fue un elemento increíble. Porque Karim es un fotógrafo que antes ha sido director, hizo tres películas como director, y por ello conoce a los directores y sabe cómo trabajar para enriquecer las películas desde la fotografía. Además, es una enciclopedia de cine. Tiene muchos conocimientos de narrativa visual y de cómo contar una historia. Y juntos teníamos varios retos. Parallel es una película que tiene mucho diálogo, con personajes hablando durante mucho tiempo, pero no queríamos que las tomas se vieran como muy televisivas, con un plano de ti y un contraplano de mí. No. Así que el reto era buscar la manera de que una película con tanto diálogo la cámara fuera inventiva. Entonces decidimos usar mucho la steady cam, con mucho movimientos como espirales, por ejemplo, cuando un personaje toma una decisión y giramos la cámara a su alrededor. Pero además de esto teníamos la situación que comentas tú del contraste entre los dos mundos. Es un guion que va rapidísimo y, de hecho, ayer se me olvidó decirle al público durante la presentación de Parallel en Sitges que no fueran al baño durante la proyección, porque si lo hacían en ese poco tiempo iban a perderse cuatro detalles importantes. Entonces, como el guion avanza tan rápido y como íbamos a ir cambiando tan rápido de universos, para saber que siempre el espectador tuviera claro dónde estamos hicimos una propuesta basado en trucos de ópticas: todas las escenas en el mundo normal están filmadas con lentes esféricas, y todas las escenas en el mundo paralelo lo están con lentes anamórficas. Al principio, cuando está la pareja en la cama, y en la cámara se siente la distorsión de la lente es porque es anamórfica. Y también está el uso de la cámara. Todo lo que es en este mundo es con un estilo de cámara más clásica, y todo lo que es en el mundo paralelo está más basado en el uso de la steady cam, más loco, para aportar una sensación de estar entrando en algo prohibido, a una aventura. Y, por último, la corrección de color. Todo lo que es en este mundo es un poco más ámbar, más saturado, mientras que en los mundos paralelos tendemos más hacia el azul. Eso luego fue incluso acentuado en la postproducción cuando sentimos que había gente que se confundía cuándo los personajes estaban en este mundo y cuándo en el paralelo. Todo esto es parte de lo que más orgulloso me siento de la película, que es el aspecto visual, además de lo increíble que fue trabajar en conjunto con Karim, y hablar de ideas, de referencias, de películas y poco a poco construir esta faceta visual que ha resultado ser una parte muy importante del proceso creativo de Parallel.

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Presentación del pase en el cine Retiro de “Parallel” durante el Festival de Sitges

En estos momentos te encuentras trabando en tu siguiente película, también con producción estadounidense, la adaptación de la novela de Dan Simmons Un verano tenebroso (Summer of Night), a producir por nada menos que Sony. ¿En qué momento se encuentra ahora mismo el proyecto?

En realidad ahora estoy evaluando varios proyectos en desarrollo. Uno es este, el de Summer of Night. Es un proyecto que yo busqué. Es una novela que yo leí cuando era adolescente, con catorce o quince años, y de hecho la leí antes que It de Stephen King[1]. Me marcó mucho esta historia de unos chicos en un pueblo de los años sesenta que combaten un mal sobrenatural. Puede parecer un poco arquetípica, pero la historia tiene más garra y más huevos que otras historias similares. Desde que la leí siempre tuve el sueño de poder hacer una película con ella. Años después, cuando hice El incidente y empecé a trabajar con un agente en Los Ángeles, éste me preguntó si tenía alguna novela que me gustara adaptar, y le dije: “Sí, ésta”. Años después de esto me pusieron en contacto con un productor al que también le gustaba mucho esta novela y él fue quien llevó el proyecto a Sony. Y en estos momentos estamos en el desarrollo del guion con Sony, y como siempre una adaptación literaria es compleja, pues seguimos todavía en el trabajo del guion. Pero sí, es uno de los proyectos que tengo próximos y espero que pueda suceder pronto.

¿Quiere esto decir que, de momento, no tienes pensado volver a la industria mexicana?

Sí, también. Mi idea es tener un pie en México, otro en Estados Unidos, y lo que suceda primero. Además de Summer of Night, tengo una película de terror que estoy desarrollando en México y también tengo otros proyectos en Estados Unidos. No estoy en un punto de mi carrera en el que haya dicho “Adiós, México, me voy a Estados Unidos”, pero tampoco al revés. Lo que quiero es hacer películas en las que pueda contar mis historias, ya sea en México, en Estados Unidos, o en España, donde también me encantaría si hay una oportunidad; donde pueda contar mis historias.

Ferran Ballesta & José Luis Salvador Estébenez

[1] La novela de Simmons es, de partida, una evidente imitación de la de King, con un grupo de chicos y una chica. , en 1960, enfrentados a una fuerza sobrenatural, pero que de inmediato adquiere rasgos y personalidad propios.

Fotografías: Ferran Ballesta

Published in: on noviembre 21, 2018 at 6:58 am  Dejar un comentario  
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Entrevista a Carlos Martín Ferrera, director de “El año de la plaga”

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El pasado 2011, el autor catalán Marc Pastor publicaba su tercer libro, El año de la plaga, convirtiéndose en un inesperado éxito de ventas. Claramente influenciada por las adaptaciones cinematográficas de la novela de Jack Finney The Body Snatchers, su trama se ambientaba en una Barcelona preapocalíptica durante un caluroso mes de agosto. En este entorno, su personaje protagonista, un trabajador social en plena depresión tras ser abandonado por su novia, se percata de una oleada de suicidios de ancianos que guardan un punto en común: en todas las casas de los fallecidos se encontraba una extraña planta con olor dulzón.

Siete años más tarde, la novela de Pastor ha cobrado vida en la gran pantalla de la mano de una coproducción entre España y México. Protagonizada por un reparto coral encabezado por rostros tan populares de la pequeña pantalla como los de Iván Massagué, Silvia Abril o Canco Rodríguez, además de la presencia como los elementos femeninos de la historia de Ana Serradilla y Miriam Giovanelli, El año de la plaga, la película, supone el retorno a la gran pantalla de su director, Carlos Martín Ferrera, quien regresa con un trabajo bien alejado de los thrillers psicológicos que practicara hasta ahora, en títulos como Zulo o Suspicious Minds.

Aprovechando la presencia de Carlos Martín Ferrera en la vigésimo novena edición de la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, donde El año de la plaga ha formado parte de su Selección Oficial, mantuvimos con el cineasta onubense de nacimiento y catalán de adopción la siguiente entrevista a propósito de su nueva película. 

El año de la plaga

¿Cómo te llega el proyecto de El año de la plaga y qué es lo que te atrajo de él?

Fue muy casual lo que me sucedió con El año de la plaga. Hace ocho años fui a una librería a buscar un libro concreto, y paseando por los diferentes pasillos me encontré con la típica mesa con las pilas de las novedades literarias. Entre ellas estaba El año de la plaga. Cogí un ejemplar, leí la sinopsis y pensé que ahí había un material estupendo para hacer una película. Y así se quedó. Con el tiempo, el productor David Matamoros de Zentropa me llamó y me habló de la posibilidad de hacer una adaptación de un libro. Cuando me dijo el título resultó que era El año de la plaga. Me preguntó que si lo conocía, le contesté que claro que lo conocía y le conté lo que me había pasado. Él me comentó que estaba pensando en mí para que dirigiera la adaptación porque le gustaba mi mirada, y me propuso leerme el libro. Me dijo que en el caso de que me gustara me pasaría el guion. Me leí el libro, y me pareció una propuesta muy fresca y muy original que bebía de películas como La invasión de los ultracuerpos. Entonces David me pasó el guion y vi que mantenía el espíritu, aunque en aquel momento quizás alguna parte era un poquito más oscura; después se hicieron otras adaptaciones, quitándole oscuridad y seriedad, y tirándolo más hacia la comedia. Obviamente contesté que me interesaba y a partir de ahí estuvimos trabajando con el desarrollo un tiempo hasta que se pudo financiar y rodar la película.

La novela original en la que se basa la película cuenta con un buen número de seguidores. ¿Sentiste una mayor presión por ello?

Obvio. Para mí fue una presión muy grande, hasta que pensé que no hay muchas adaptaciones en las que los fans de la novela estén al cien por cien satisfechos. Les pasa a los grandes directores que hacen adaptaciones de libros y les ponen a parir, imagínate a un tipo como yo.

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Carlos Martín Ferreara junto a Josemi Beltrán, director de la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, durante la rueda de prensa de “El año de la plaga” en el certamen donostiarra.

En lo que respecta a tu carrera, El año de la plaga rompe con la que había sido la tónica de tus anteriores películas, construidas sobre pocos escenarios y con pocos personajes. ¿Cambió mucho la forma de enfrentarte al rodaje?

Cambió bastante.  Y no solo en la historia y el concepto. Nunca había probado a meterme en el mundo de la comedia, por lo que para mí era también un reto. Aparte que coger el tono ya era complicado. En el libro y en el guion tocan muchas teclas del género y tenías que llevarlo hacia una dirección muy concreta y para mí eso era lo realmente complicado. En este sentido, se alejaba mucho de lo que había hecho hasta ahora. También a nivel productivo. Mis anteriores películas eran más controlables, por así decirlo. Y aquí había muchos actores, muchas localizaciones, una coproducción que te obligaba a rodar una parte en otro país, hacer la postproducción en otro país… Para ello me ayudaron muchos los directores de producción, que me pusieron los pies en el suelo y me fueron ofreciendo las diferentes opciones que tenía. Puede decirse que me llevaron de la mano en todo este camino.

Como has dejado entrever, la película no es solo comedia, sino que también combina melodrama romántico, pinceladas de thriller y ciencia ficción. ¿Cómo fue homogeneizar tan diferentes tonos?

Hoy en día se hacen muchas películas con mezclas de géneros. Para mí es una aventura urbana con toques de comedia, un poquito de ciencia ficción, un poquito de horror y luego está la parte romántica del trío amoroso. Hay mil pelis como esta ya. Para darla forma he bebido mucho de películas más rollo Sundance, donde el tema de los personajes tiene mucho peso y todo lo que ocurre a nivel de ciencia ficción y horror pasa alrededor de ellos y casi no te enteras. Títulos como Seguridad no garantizada, Buscando una amiga para el fin del mundo e, incluso, El incidente de Shyamalan. Son películas que, como digo, se centran mucho en los personajes y todo pasa a su alrededor. Y un poco esto fue la inspiración para coger el tono del film.

En sintonía con estas influencias, El año de la plaga es una película que se basa en los personajes y en los diálogos, como dices, más que en el entorno apocalíptico en el que se ambienta su historia. ¿Cómo fue el trabajo con los actores?

Bueno, la película yo creo que es más preapocalíptica. Luego lo que pasa después del último plano que cada uno imagine lo que quiera. Volviendo a la pregunta, hablamos mucho de los personajes; hablamos muchísimo. Aparte, yo soy muy escrupuloso y muy meticuloso a la hora de trabajar. Así que tenía un Excel con el arco emocional de cada uno de los personajes, donde estaba claramente marcado en cada secuencia cuándo tenía que estar, para que no se me escapase. Como no íbamos a rodar de forma cronológica y había tantos actores, no quería que se me fuera nada. Yo le daba toda esa información a los actores para que la procesaran y, a partir de ahí, construimos los personajes. Pero siempre con una reunión de lectura previa. Además, hicimos muchos skypes con los personajes principales, sobre todo con Iván Massagué, ya que mientras yo me encontraba preparando la película en Barcelona él estaba en Madrid rodando una serie. Fue una labor muy intensa y de mucho trabajo.

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Mientras en la novela el hecho de que la acción transcurra en Barcelona tiene un protagonismo importante, en la película está más matizado. ¿A qué se debió este cambio? ¿Tuvo que ver el que se tratara de una coproducción con México?

Tuvo que ver con la coproducción, sí. El libro se desarrollaba en El Carmel, que es un barrio muy característico y con una personalidad muy marcada de Barcelona. Pero nos encontramos con que en El Carmel no se puede rodar. Es imposible por todo: por logística, por facilidades… Normalmente, en Barcelona es complicado rodar, pero en El Carmel lo es aún más. Aparte, la coproducción con México nos obligaba a rodar parte allí. Y esto también ha sido peligroso. Tener que rodar allí y hacer parecer que era Barcelona fue complicado. Menos mal que Barcelona es una ciudad muy cosmopolita y hay todo tipo de razas y culturas, y gracias a eso creo que la ambientación se mantiene.

Aunque sea un elemento heredado de la novela, la película también participa de algún modo de la referencialidad a la cultura de los ochenta que parece asolar al cine de género actual…

Marc Pastor, el autor de la novela, es un auténtico friki. Yo creo que todos somos un poco frikis, pero Marc es adorablemente friki. Ha bebido mucho de toda la cultura pop ochentera, tanto de cine, como de música, como de literatura, como de cómics, como de todo. Le apetecía mucho hacer un homenaje al género, en concreto a una película que le marcó mucho como fue La invasión de los ultracuerpos. A partir de ahí él trabajó con la idea de hacer referencia y homenaje a todas esas películas que le gustaban. Yo me encontré todo esto en la novela y lo que hice fue intentar quedarme con una cosa u otra, porque había mucho. En el guion también había mucha referencia. Luego también había a nivel visual, pero finalmente no pudimos incluirlo por temas de derechos. De repente, por poner un póster de Los goonies, por ejemplo, había que pagar una cifra enorme.

Las referencias que aparecen finalmente en la película ¿son todas de Marc o también hay tuyas?

Son de Marc. La película ha sido muy fiel al libro, o al menos se ha intentado. Luego habrá gente que estará de acuerdo o no, pero se ha procurado esa fidelidad. De hecho, en el guion participó Marc, y también hay muchas líneas que no están en el libro y que fueron escritas después por el propio Marc.

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En el personaje de Víctor Negro, el protagonista, hay también mucho de retrato generacional. Como muchos de los que estamos en la franja de los treinta a los cuarenta años, trabaja en algo que no le gusta y se refugia en sus referentes de la cultura pop para superar la grisura de su día a día. ¿Había cierta intención por tu parte en destacar este aspecto?

Bueno, yo creo que todos somos un poco Víctor Negro. Al final todos tenemos un síndrome de Peter Pan constante y sentimos inseguridad ante lo que nos rodea, lo que al final nos conduce a entrar en una burbuja de comodidad y protección donde nos agarramos a nuestras referencias y a lo que nos ha marcado la infancia y que ha sido tan importante para nosotros que aún hoy lo seguimos viendo. Los goonies es una película que hemos visto todos, y tendremos setenta años y seguiremos viéndola. En este sentido, me da mucha pena que hoy en día los niños pequeños no tengan unas referencias claras como las hemos tenido nosotros. Nuestra generación ha vivido su infancia llenos de referencias que nos han marcado, desde Verano azul a Los goonies, pasando por todo Spielberg o la música de la época. Pero ahora no hay algo que les marque como nos ha marcado a nosotros. Incluso dibujos animados o series de televisión. Antes teníamos a Willy Fog o Dartacán y los tres mosqueperros. Sin embargo, tú ves los dibujos de ahora y no aportan nada. Por lo menos en esa época te inculcaban valores y te educaban. En cambio, hoy la mayoría de dibujos animados no te enseñan nada. Y a mí me da mucha pena por esa generación infantil que carece de esos referentes tan claros como nosotros tuvimos.

Dejando ya El año de la plaga a un lado, creo que actualmente estás trabajando en nuevo proyecto. ¿Qué nos puedes adelantar de él?

Sí, he rodado una película independiente. Se trata de un thriller que estoy acabando actualmente, pero aún es pronto para dar más información. Pero estoy en ello. Aparte, estoy ya mirando diferentes guiones para ver por dónde tirar en un futuro.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías: Juan Mari Ripalda

La película “90 años sin dormir” y “El libro de las mujeres y los hombres malos”, nuevos lanzamientos de “Vial of Delicatessens”

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Mañana miércoles 10 de octubre “Vial of Delicatessens” lanza dentro de su línea underground un nuevo título del realizador barcelonés Juan Carlos Gallardo. Se trata de 90 años sin dormir, remake de 90 Years Without Slumbering, mítico episodio de The Twilight Zone escrito por Richard de Roy a partir de una historia de George Clayton Johnson. Ciencia ficción post-apocalíptica y puro cine de vanguardia se dan la mano en este revolucionario largometraje que hasta ahora solo había podido verse en diversos festivales. Antes de que Xavier Dolan emplease el formato de rodaje 1:1 en Mommy (2014), otra distopía que ganó el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes, Juan Carlos Gallardo utiliza en 90 años sin dormir dicho formato para transmitir implacablemente la sensación de apresamiento e incomunicación que sufre su protagonista. El resultado es una sorpresa continua e increíble, que “revela más sobre el poder y el potencial de la imagen en movimiento que cualquier otra cosa filmada en años recientes”, en palabras de Maximilian Le Cain.

La edición en DVD comercializada por “Vial of Delicatessens” de 90 años sin dormir ofrece la película en su versión original en pista estéreo y formato de pantalla 16:9 Pillarbox. Le acompañan como contenidos extras un making of del film y el cortometraje 14 de Abril del cineasta underground Braña Álvarez. El P.V.P. de la edición es de 5,99 más gastos de manipulación y envío, y sólo puede adquirirse a través de la web del sello.

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90 años sin dormir se une así al lanzamiento la pasada semana de “El libro de las mujeres y hombres malos” de la escritora e ilustradora Aida García, por parte de “Víal Books”, la división editorial de “Vial of Delicatessens”. Se trata de un compendio de micro-cuentos de terror para adultos, cada uno de los cuales es acompañado de su correspondiente ilustración a color, que crean un universo cargado de horror, surrealismo y violencia.

Compuesto por 66 páginas en color, “El libro de las mujeres y hombres malos” sale a la venta a un P.V.P de 18,00 €, con gastos de manipulación y envío certificado incluidos, y se puede adquirir exclusivamente a través de la web de “Vial of Delicatessens”: vialofdelicatessens.blogspot.com

 

Published in: on octubre 9, 2018 at 8:12 am  Dejar un comentario  

La adaptación al cine de “Superlópez” tendrá su estreno mundial en Sitges 2018

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El jueves 11 de octubre, la 51ª edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya acogerá el estreno mundial de Superlópez, la adaptación cinematográfica del legendario personaje de cómic creado por Jan. Nacido como una parodia del personaje de Supermán para la editorial Euredit en 1973, la popularidad que consiguió el superhéroe lo llevó a convertirse en uno de los últimos éxitos de la editorial Bruguera, para pasar poco después a formar parte de las filas de Ediciones B. Tras el humor y la parodia iniciales, Jan dotó al cómic de una mayor carga social, ofreciendo diferentes niveles de lectura al aficionado. Ahora le toca el turno al cine en la que promete ser una de las superproducciones de la temporada dentro del panorama nacional.

La producción se ha rodeado de un equipo artístico y técnico a la altura dell personaje. Superlópez cuenta con la dirección del especialista en el género Javier Ruiz Caldera, que en 2015 presentó la adaptación del también personaje de cómic Anacleto, Anacleto: Agente secreto, y con un guion en el que han colaborado Borja Cobeaga y Diego San José (Ocho apellidos vascos, Ocho apellidos catalanes) a partir del personaje creado por Jan. La puesta de largo de la película en el Festival de Sitges contará con la presencia de su director, Javier Ruiz Caldera, de su protagonista, Dani Rovira, y de los actores Julián López y Alexandra Jiménez en una gala que tendrá lugar en el Auditori Meliá Sitges.

Desde su llegada a la Tierra procedente del planeta Chitón, la vida de Juan López no ha sido fácil. Con superpoderes es difícil no destacar. Poder volar, leer la mente, tener supervisión o detener un convoy del metro para que no descarrile… y regresar luego a la oficina, esforzándose en ser un tipo normal, no ha sido nada sencillo para Juan López. O quizás sí, porque Juan no necesita más que su cruasán matinal para ser feliz… Sin embargo, algo está a punto de cambiar. La aparición en la ordenada vida de López de Luisa, un antiguo amor de instituto va a causar estragos. Ya no es momento de pasar inadvertido. A pesar de que con ello pueda llamar la atención del malvado Skorba y de su sibilina hija, Ágata y poner en peligro la supervivencia de su planeta de origen.

Superlópez está producida por Telecinco Cinema, Zeta Cinema y La Gran Superproducción AIE, con la participación de Mediaset España y Movistar+, y el apoyo de ICAA e ICEC. Distribuye Buena Vista Internacional. El estreno en cines está previsto para el 23 de noviembre.

Más información: https://sitgesfilmfestival.com/cas

Published in: on septiembre 12, 2018 at 5:25 am  Dejar un comentario  
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El último sharknado: Ya era hora

El último sharknado

Título original: The Last Sharknado: It’s About Time

Año: 2018 (Estados Unidos)

Director: Anthony C. Ferrante

Productor: David Michael Latt

Guionista: Scotty Mullen basándose en los personajes de Thunder Levin

Fotografía: Pãtru Pãunescu

Música: Christopher Cano, Chris Ridenhour

Intérpretes: Ian Ziering (Fin), Tara Reid (April), Cassandra Scerbo (Nova), Judah Friedlander (Bryan), Vivica A. Fox (Skye), Debra Wilson (nuevo Bryan), Alaska Thunderfuck (Morgana), Neil deGrasse Tyson (Merlin), Leslie Jordan (Benjamin Franklin), Darrell Hammond (George Washington), Ben Stein (Alexander Hamilton), Roy Taylor (Jebediah Clarke), Constantin Viscreanu (Paul Revere), Dexter Holland (capitán británico), Dee Snider (Sheriff), Jonathan Bennett (Billy el niño), Chris Owen, James Murray (Eastwood), Gilbert Gottfried (Rand McDonald), Tori Spelling (Raye), Dean McDermott (Gilly), Benjy Bronk (Connor Beale), Robbie Rist, Anthony C. Ferrante, Joel Valder, Thom Bowers (miembros del grupo Quint), Christopher Knight (abuelo Clarke), Catarina Scerbo (Nova de niña), Bernie Kopell (capitán de embarcación), Juliana Ferrante, Emma Neal, Charles Hittinger (Matt Shepard), Ryan Newman (Claudia), Israel Sáez de Miguel (capitán Santiago), Marcus Choi (Palmer), Alexandre Ottoni (Azzinaro), Latoya Jackson (Cleopatra), James Hong (Confucio), Eileen Davidson (María Antonieta), Shad Gaspard (Muhammad Ali), Jayson Paul (Joe Lewis), Kato Kaelin (rey vikingo), Patrick Labyorteaux (César), Brendan Petrizzo, M. Steven Felty, Matie Moncea, Todd Rex, Marina Sirtis, Audrey Latt, Ana Maria Varty Mihail, Tiberiu Harsan, Andrei Olteanu (Frodo), Noodles, Ian Ridenhour, Kathrine Ridenhour, Chris Ridenhour, Kim Little, Brady Latt, Moise Latt, Aiden Cano, Zachary Cano , Raine Michaels, Bob Ellis, Erin Ziering, Mia Ziering, Penna Ziering, Roxanna Bina, Kacie Flowers, Courtney Quod, Brandon Quod, Nick Grothe, Tammy Klein, Anna Rasmussen, Ana Florit, Paul Logan, Julia LaJuett (Amelia Earhart), Al Roker, Petunia, Thunder Levin, Sharon Desiree (Juana de Arco), Bo Derek (May), Gary Busey (Wilford Wexler), Mark McGrath, Masiela Lusha, John Heard, Adolph Tengi, Adrian Boanta, Adriana Saus, Alecu Ciocoi, Alexandra Gaspar, Alexandru Cernat, Alexandru Chiru, Alin Pauna, Andreea Prodan, Andreea Mailat, Andreea Guef, Andreea Prichinet, Andrei Irimia, Andrew Jackson, Anna Kachmaryk, Anna Valendez, Anthony Manasi, Antiwne Grant, Justin Allen …

Sinopsis: Tras enfrentarse a tiburones por todo el planeta, Fin Shepard deberá viajar en el tiempo para salvar al mundo de los sharknados, al tiempo que intenta resucitar a su familia.

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Si hace cinco años alguien nos dice que un modesto telefilm de ciencia ficción realizado para un canal temático iba a convertirse en un fenómeno de culto sin precedentes en el medio catódico le habríamos tomado por loco. Pero, contra todo pronóstico, así ha sido. El revuelto mediático generado en redes sociales durante su primera emisión en los Estados Unidos el 11 julio de 2013 convirtió a Sharknado en acreedora del oficioso título de “película más tuiteada de la historia”, siendo la palanca a partir de la cual se ha cimentado toda una saga prolongada a través del tiempo con cinco secuelas de periodicidad anual que se han encargado de exprimir los motivos que propiciaron la repercusión obtenida por la originadora; esto es, la ridiculez propia de un demencial planteamiento conceptual consistente en la fusión entre el cine de catástrofes naturales con el de las películas de escualos asesinos que resume el acrónimo que le da título y que se podría traducir como “Tornado de tiburones”. Nada más.

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Gran parte del mérito que explica la aceptación disfrutada por la saga, si no la única, ha sido la manifiesta habilidad de sus responsables a la hora de conseguir que su producto conectara con las apetencias del público. Nada raro, por otra parte, en vista de los antecedentes comentados, y que ha llevado a que los ingredientes de la propuesta se fueran amoldando según los gustos de la audiencia, hasta el punto de poner en manos de esta la suerte a correr por determinados personajes. Como explica su actor protagonista, Ian Ziering, la serie «ha ido cambiando en función de la respuesta de la audiencia. Utilizan unos grupos de sondeo cuyos comentarios cuantifican mediante análisis, y lo que sea que puntúen algo se añadirá en mayor medida en la siguiente película»[1]. Así, tras el inesperado éxito del primer film, las siguientes entregas han hecho de la autoparodia su razón de ser, en una jugada de lo más inteligente, al elevar al paroxismo las carencias y defectos de toda índole que presentaba el primer Sharknado hasta convertirlas en su principal aliciente.

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Pero además de la autoconciencia con la que han asumido sus limitaciones para reírse de ellas, en sus cinco continuaciones la saga ha conformado una suerte de personalidad propia derivada de la reiteración de una serie de ingredientes de uno a otro título. La articulación de una trama itinerante protagonizada por los esfuerzos de Fin Shepard para reunirse con su familia en medio de un tornado de tiburones como pretexto con el que enlazar una escena de acción tras otra, cuanto más grotesca y ridícula mejor; la proliferación de cameos de viejas glorias cinematográficas y celebridades locales, en su mayoría desconocidas fuera de su país de origen; o los continuos guiños y referencias a famosos films, por lo general localizados en la década de los ochenta, suponen los principales rasgos característicos de una fórmula basada antes en la pretendida creación de un juego cómplice para con el espectador que en sus posibles cualidades artísticas, por lo demás inexistentes.

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Sin embargo, nada dura eternamente y, con su sexta entrega la saga Sharknado ha creído oportuno poner el fin. Aunque de momento no han trascendido los motivos que han llevado a sus responsables a adoptar semejante decisión, parece claro que una de las razones que han ejercido mayor fuerza son los evidentes síntomas de agotamiento que a estas alturas acusa una fórmula repetida ad nauseam de un film a otro sin apenas variación, más allá del cambio del marco escénico en el que se desarrolla cada una de sus tramas. De este modo, tras visitar Los Ángeles, Nueva York, Washington, la Costa Este, distintas localizaciones internacionales e, incluso, el espacio, pocas bazas les quedaban a los guionistas para presentar una ambientación que resultara novedosa, máxime siendo este el principal rasgo distintivo de cada nueva película con respecto a sus precedentes, decantándose en esta oportunidad por los viajes temporales. Una falta de ideas que, en cierto sentido, su propia coprotagonista, Tara Reid, ha reconocido de forma consciente o inconsciente en algunas de las entrevistas realizadas durante la gira promocional del film, al declarar: «Ya hemos hecho “espacio exterior”, hemos viajado alrededor del mundo… ¿qué más podíamos hacer? Viajes en el tiempo»[2].

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La utilización de este esquema, que tal y como es expuesto recuerda en cierto sentido al de la novela La máquina del tiempo de H. G. Wells y que propicia la aparición de diferentes personajes históricos y/o legendarios —de Merlín a Billy el Niño, pasando por George Washington o Benjamin Franklin—, facilita también el abaratamiento de costes que conlleva el reciclaje de decorados, atrezzo y diseños de efectos infográficos procedentes de otras películas de su productora, The Asylum, en consonancia con cierto rasgo oportunista patente en mayor o menor medida a lo largo de la saga, antojándose la elección de las diferentes épocas en las que discurre la episódica trama a partir de tal circunstancia. Por lo demás, la película repite a pies juntillas el modelo ya conocido, sin más novedad que la aparición de personajes históricos y/o legendarios aprovechando la oportunidad que en este sentido le ofrece su premisa, caso de Benjamin Franklin, Billy el niño o George Whasington, lo que reincide la comentada búsqueda de sus responsables de establecer un vínculo de complicidad con el espectador, así como la reaparición de varios personajes que se creían muertos en anteriores entregas y otros apuntes pretendidamente emotivos dirigidos a los seguidores de la saga que denotan su condición de cierre de la misma.

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Antes que en sus resultados, de nuevos incapaces de despertar la hilaridad que se presupone de una película supuestamente hecha mal a propósito, quizás lo más interesante de este El último Sharknado: Ya era hora es la forma en que se ríe de sí misma, ya sea por las connotaciones que guarda su título, como porque el punto partida de esta entrega sea detener el primer sharknado de la historia y evitar así que se produzcan los hechos relatados en las anteriores películas; esto es, impedir la propia existencia de la saga en última instancia. Exigua recompensa, sin ninguna duda, pero que incita a plantearnos ciertas preguntas. Y es que si comenzábamos estas líneas aludiendo a la excepcionalidad de lo conseguido por la saga Sharknado en sus cinco años de existencia, ¿cuál será su huella en un futuro ahora que su producción entra en vía muerta? ¿Será recordada o, por el contrario, caerá en el olvido más profundo una vez pasada la moda? ¡Ay!, quién pudiera viajar en el tiempo y poder comprobarlo…

José Luis Salvador Estébenez

[1] “Ian Ziering afronta El último Sharknado: ‘Hollywood se ha fijado en nuestra fórmula para ver qué hacían mal’” de Lorenzo Ayuso, entrevista publicada en el portal vertele! el 23 de agosto de 2018 (http://vertele.eldiario.es/noticias/Entrevista-Ian-Ziering-Sharknado-Hollywood_0_2039496059.html).
[2]El último Sharknado: Hablamos con sus protagonistas” de Juan Arcones, entrevista publicada en la versión web de Fotogramas el 23 de agosto de 2018 (https://www.fotogramas.es/noticias-cine/a22806407/sharknado-6-tara-reid-ian-ziering-cassie-scerbo-entrevista/)

Published in: on agosto 29, 2018 at 5:58 am  Dejar un comentario  

“Han Solo: Una historia de Star Wars” sale a la venta en Dvd y Blu-ray el 26 de septiembre

Han Solo: Una historia de Star Wars, el film de la famosa franquicia que narra los orígenes del famoso contrabandista, aparecerá en nuestro país en DVD y Blu-ray el próximo 26 de septiembre. La película, dirigida por Ron Howard, ganador de un premio Oscar y responsable de películas como Una mente maravillosa, Apollo 13, Willow o 1, 2, 3… Splash, es el segundo spinoff de la saga, tras Rogue One: una Historia de Star Wars. Se trata de  un viaje lleno de acción que explora los primeros encuentros de Han (Alden Ehrenreich) con su futuro compañero y copiloto Chewbacca (Joonas Suotamo) y el famoso jugador Lando Calrissian (Donald Glover), así como su pasado junto a su colega contrabandista Qi’ra (Emilia Clarke) y el delincuente Beckett (Woody Harrelson).

Los contenidos extras contenidos por las diferentes ediciones en Blu-ray de Han Solo: Una historia de Star Wars ofrece, entre otros contenidos, un detrás de las cámaras con charlas protagonizadas por el reparto y los guionistas Jonathan Kasdan y Lawrence Kasdan; un rasgo revelador sobre Chewbacca y su duradera amistad con Han; una mirada de cerca a la versión original del Halcón Milenario y la primera vez que Han pilota la nave espacial; la creación de escenarios de otro mundo y secuencias de acción; y ocho extensas escenas eliminadas vistas.

Contenidos Extras

Disco adicional solamente en alta definición (Blu-ray, Blu-ray 3D y Steelbook)
(Audio: inglés) (Subtítulos: Español, Checo, Holandés, Francés, Alemán, Griego, Húngaro, Italiano, Polaco, Portugués, Ruso, Inglés codificado para sordos)

  • Solo: Mesa redonda del director y los actores: Una charla íntima e informal con el reparto.
  • Kasdan en Kasdan:El escritor icónico de Star Wars, Larry Kasdan (El imperio contraataca, El retorno del Jedi, El despertar de la fuerza, Han Solo) y su hijo Jon Kasdan hablan de cómo fue escribir esta película juntos y crecer en la casa de Kasdan.
  • Rehaciendo el Halcón Milenario:Toda la verdad sobre el “nuevo” Halcón: desde la adaptación del diseño icónico hasta la realización del nuevo diseño de adentro hacia afuera para ver cómo la nave más famosa de la galaxia evoluciona de Lando a Han.
  • Huida de Corellia: Todo sobre el diseño y la producción del speeder personalizado de Han y la realización de la carrera de alto voltaje y la persecución por las calles de Corellia.
  • El atraco del tren: El clásico robo de un tren de los westerns aparece con un giro espectacular en Star Wars mientras los actores y los cineastas nos llevan a través del proceso de esta escena en profundidad.
  • Equipo Chewie: Lo que se necesita para dar vida al wookie más famoso en la gran pantalla.
  • Convirtiéndose en un Droide: L3-37:Presenta al nuevo droide y la mujer hilarante detrás de su humor irónico.
  • Sinvergüenzas, droides, criaturas y cartas: Bienvenidos a Fort Ypso:Detrás de las escenas de la versión de Han Solo de la “cantina”, incluido un resumen del legendario juego de cartas, Sabacc.
  • En el Maelstrom: El corredor de Kessel: Una anatomía de la escena en la que Han y Chewie se ponen a los mandos del Halcón Milenario por primera vez y que explora todos los elementos que convergen para dar forma a esta legendaria pieza de la historia de Star Wars.
  • Escenas eliminadas:
    – La guarida de próxima
    – Han contra Chewie: Versión extendida
    – Conocer a Dryden: Versión extendida
    – Traición por el coaxium
    – Persecución a pie coreliana
    – Han Solo: Cadete Imperial
    – La Batalla de Mimban: Versión extendida
    – ¡Guerra de bolas de nieve!
Published in: on agosto 16, 2018 at 6:32 am  Dejar un comentario  

“Vengadores: Infinity War” aterriza en España en formato doméstico el 29 de agosto

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Tras hacer historia en la taquilla mundial al recaudar más de dos mil millones de dólares en tan solo cuarenta y ocho días, lo que le ha convertido enla cuarta película de mayor recaudación de todos los tiempos, Vengadores: Infinity War  saldrá a la venta en España el 29 de agosto en DVD, Blu-ray y Blu-ray 3D. Antes, el 17 de agosto, estará ya disponible en su edición digital.

Las diferentes ediciones anunciadas en alta definición de Vengadores: Infinity War incluyen más de dos horas de contenidos extra, como escenas eliminadas, tomas falsas, comentarios en audio de los directores y varios reportajes, entre los cuales hay una mesa redonda de treinta minutos con los directores de Marvel Cinematic Universe Anthony y Joe Russo, Jon Favreau, Joss Whedon, James Gunn, Ryan Coogler, Peyton Reed y Taika Waititi. En este contenido extra, estos directores reflexionan sobre cómo sus películas han contribuido a la aventura de contar la historia más grande del Universo Marvel.

La nueva entrega con los superhéroes más populares del planeta crea un viaje cinematográfico sin precedentes durante diez años que abarca todo el Universo Marvel. Vengadores: Infinity War trae a la pantalla el enfrentamiento definitivo y más sangriento de todos los tiempos. Los Vengadores y sus superhéroes deben estar dispuestos a sacrificar todo en un intento de derrotar al poderoso Thanos, antes de que sus planes de devastación y ruina pongan fin al universo.

Contenido extra en formatos alta definición (BD, BD 3D):

  • Comentarios en audio(02:29:10) (Audio: Inglés) (Subtítulos: Español, Inglés codificado para sordos, Italiano). Incluye los comentarios en audio de los directores Joe y Anthony Russo y los guionistas Christopher Markus y Stephen McFeely.
  • Reportajes:

 Extraña alquimia (00:05:07). Esta pieza explora las nuevas incorporaciones en los equipos y analiza las razones por las que los superhéroes se unen en parejas. Como Iron Man y Doctor Strange, Spider-Man, Peter Quill, Gamora, Mantis, Rocket, Groot y Thor. Cómo estas elecciones creativas desarrollarán aún más a nuestros héroes, mejorarán la historia e influirán en el futuro del universo.

El Titán loco (00:06:33). Explora al villano más malo de Marvel Cinematic: Thanos. Su importancia para la MCU, sus orígenes en el Universo Marvel y la explicación del hilo existencial que representa. Esta pieza destaca los diversos eventos que fueron orquestados por Thanos a lo largo de todas las historias de MCU, lo que lleva a la Infinity War.

Más allá de la batalla: Titán (00:09:34) y Más allá de la batalla: Wakanda (00:10:57). Detrás de las cámaras que descubre las principales batallas de Infinity War. Analiza todo el proceso de realización de la película para demostrar cómo estas escenas se desarrollan desde el concepto hasta la ejecución, comentando las oportunidades y desafíos que enfrentan los realizadores al crear una película épica de este tamaño y con treinta de los actores más solicitados de la industria cinematográfica.

  • Cuatro Escenas Eliminadas  (00:10:06)
  • Tomas falsas(00:02:04)

Published in: on agosto 8, 2018 at 5:39 am  Dejar un comentario  

El theremín protagonista de un ciclo de cine organizado por FIMUCITÉ y Filmoteca Canaria

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La 12ª edición del Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife –FIMUCITÉ programará junto a la Filmoteca Canaria “Theremín, la música de ciencia ficción”, un ciclo dedicado a este particular instrumento musical electrónico que se toca sin entrar en contacto con él y que ha sido utilizado en numerosas películas de ciencia ficción y terror clásicas. De esta forma, Filmoteca Canaria se suma a la fiesta sonora de FIMUCITÉ con la programación de seis películas en el Teatro Guiniguada de Las Palmas de Gran Canaria y en los Multicines Tenerife, ubicados en San Cristóbal de La Laguna. Así, el 11 de septiembre dará comienzo el ciclo de cine compuesto por las proyecciones de Ultimátum a la Tierra (1951), Planeta prohibido (1956), El enigma de otro mundo (1951), Vinieron del espacio (1953), Ed Wood (1994) y El maquinista (2004). Las proyecciones se prolongarán hasta el 25 de octubre con un precio de 2 € para el público general y de 1 € para estudiantes y mayores de 65 años.

Dicho ciclo entronca directamente con el eje central de la programación de FIMUCITÉ de este año, la cual versará en torno al género cinematográfico dedicado a los encuentros extraterrestres y a las invasiones alienígenas. El theremín, compuesto por una caja y dos antenas, fue creado por el músico y científico ruso Léon Theremin en 1934 para la violinista lituana Clara Rockmore, quien se convirtió en la máxima representación de la técnica e interpretación del theremín.  El misterioso y agónico sonido del theremín ha fascinado a grandes directores de cine y forma parte de muchas de las bandas sonoras que permanecen en el imaginario colectivo. Películas tan heterogéneas como Ultimátum a la Tierra de Robert Wise, Planeta prohibido de Fred M. Wilcox, El enigma de otro mundo de Christian Nyby, Vinieron del espacio de Jack Arnold, Los 5.000 dedos del doctor T de Roy Rowland o Recuerda de Alfred Hitchcock, incluyen el inimitable sonido del theremín.

Lydia Kavina

Lydia Kavina

En la actualidad, Lydia Kavina, nieta del primer primo de Léon Theremin, es la theremista más importante y gran impulsora a nivel mundial de este instrumento, habiendo participado en películas como eXistenZ de David Cronenberg, Ed Wood de Tim Burton y El maquinista de Brad Anderson. Kavina será una de las protagonistas de la Gala de Clausura de FIMUCITÉ, donde actuará como solista bajo la batuta del director invitado Ben Foster. La cita será el 29 de septiembre en el Auditorio de Tenerife Adán Martín y las entradas ya están a la venta.

Published in: on agosto 7, 2018 at 5:36 am  Dejar un comentario  

Arranca el rodaje de “Star Wars: Episodio IX”

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Mañana miércoles 1 de agosto comenzará el rodaje de Star Wars: Episodio IX en los Estudios Pinewood de Londres, con vistas a su estreno en diciembre de 2019. J.J. Abrams, quién ha escrito el guion junto con Chris Terio, regresa para dirigir la última entrega de la saga de Skywalker tras haberse encargado del episodio VII.

Los miembros del reparto que regresan incluyen a Daisy Ridley, Adam Driver, John Boyega, Oscar Isaac, Lupita Nyong’o, Domhnall Gleeson, Kelly Marie Tran, Joonas Suotamo, y Billie Lourd. Al elenco del episodio IX se incorporarán Naomi Ackie y Richard E. Grant, a quienes se unirán los veteranos actores de Star Wars Mark Hamill, Anthony Daniels y Billy Dee Williams, que retomará su papel de Lando Calrissian.

El papel de Leia Organa volverá a ser encarnado por la fallecida Carrie Fisher, utilizando material de archivo inédito de Star Wars: El despertar de la fuerza. “Amamos desesperadamente a Carrie Fisher”, dice Abrams. “Nos resultaba imposible encontrar un final totalmente satisfactorio a la saga de Skywalker sin ella. No íbamos a buscar otra actriz ni utilizar un personaje creado por ordenador. Con el apoyo y la autorización de su hija Billie, hemos encontrado la forma de rendir homenaje a su legado y al papel de Carrie como Leia en el episodio IX utilizando imágenes inéditas que rodamos juntos para el episodio VII”.

El compositor John Williams, que ha escrito la música de todos los capítulos de la saga de Star Wars desde la primera entrega en 1977, regresará a una galaxia muy, muy lejana con el Episodio IX.

Star Wars: Episodio IX está producido por Kathleen Kennedy, J.J. Abrams y Michelle Rejwan, y los productores ejecutivos son Callum Greene y Jason McGatlin. El equipo cuenta con Dan Mindel (Director de fotografía), Rick Carter y Kevin Jenkins (Diseñadores de producción), Michael Kaplan (Diseñador de vestuario), Neal Scanlan (Efectos especiales de criaturas y droides), Maryann Brandon y Stefan Grube (Montadores), Roger Guyett (Supervisor de efectos visuales especiales), Tommy Gormley (1er Ayudante del director) y Victoria Mahoney (Directora de la 2ª unidad).

Más información:
www.facebook.com/starwars.es
www.twitter.com/StarWarsSpain
www.youtube.com/StarWars

Published in: on julio 30, 2018 at 4:28 pm  Dejar un comentario  

“Anunnaki. El origen” terror indie que homenajea a los 80

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La productora catalana Dejavu Films ha hecho público hace escasas fechas el primer teaser de Anunnaki. El origen, un film de género fantástico donde la acción, el terror y las teorías conspiranoicas se dan la mano en un metraje que estilísticamente entremezcla el cine indie y la serie B ochentera. Estas primeras imágenes inéditas del film están acompañadas  del conocido tema musical “What Lies Behind Words” del grupo internacional “Morphium”, quienes formaran parte de la banda sonora original de la película  junto a grupos y compositores como Louis A. Moss (Freak XXI) y “Bad Way”.

En palabras de sus directores, Joan Frank Charansonnet y Ruben Vilchez, “Anunnaki es un homenaje al espíritu a las películas con las que pasamos muy buenos momentos hace unos treinta años con un compendio de imágenes de  bares de carretera, moteros, chicas espectaculares y extraterrestres atractivos e inmortales. La premisa es que estos mismos seres que, a día de hoy siguen entre nosotros, luchan por su supervivencia desde su poder ancestral, batallando con espadas, armas de fuego, mordiscos pseudo-vampíricos o a base de patadas de taekwondo si hace falta. Sin embargo, siguen idolatrando sus antiguos ideales que siguen unidos a un oscuro poder no inapreciable por los seres humanos de la tierra”.

Sinopsis: Claudia (una joven universitaria) y Victoria (una modelo internacional) se ven sumergidas, en tiempo presente, en una auténtica guerra de poder entre dos clanes de seres Anunnas que llevan siglos luchando desde que sus linajes extraterrestres se establecieron en Sumeria hace más de 5.000 años. Las familias reptilianas de Uruk y Kishar se alimentan primordialmente del sufrimiento de los humanos y también de su sangre, aunque con los siglos han sabido adaptarse físicamente a nuestro aspecto para pasar completamente desapercibidos… a nuestros ojos.

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Los directores van más allá de lo que la trama muestra a simple vista y les suman una cierta crítica social latente que puede leerse entre líneas. “Directa o indirectamente, estos Anunnaki pueden ser perfectamente los actuales  banqueros, empresarios o políticos que mueven los hilos de la sociedades modernas del mal llamado primer mundo”. Ambos directores destacan el gran resultado del film por la pasión y predisposición del equipo técnico y artístico de Anunnaki.

Rubén Vílchez (experto realizador de los videoclips más transgresores del panorama musical español de grupos como “La unión”, “Noise Revolution”, “InMune”, “Eina”, “Toni Yonkie Love”…) comenta a su vez que “es una gran y divertida metáfora de la sociedad actual. Quería hacer una peli que llegara al alma del espectador con imágenes amenizadas por una potente y brutal banda sonora que ojala llegue a ser con los años un clásico”.

Joan Frank Charansonnet (guionista, co-director, co-protagonista y productor de Anunnaki, a su vez director y creador de películas de diferentes géneros como  Pàtria. La llegenda d´Otger Cataló i els 9 barons de la fama, Ushima Next, Ànima o Doctrina) apuntilla que “hemos sido consumidores, por edad y generación de las pelis que a la vez bebieron de Tarantino & Rodríguez en sus videoclubs habituales. No puedo ocultar referentes de esa época como Los inmortales o Jóvenes ocultos.

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La película arranca en el año 5.500 A.C. con una leyenda sumeria que contempla la existencia de un planeta más en nuestro sistema solar que tiene una órbita elíptica similar a la de un cometa. Los habitantes de Nibiru bajaron a la tierra en busca de metales y de alguna forma utilizaron a los hombres como esclavos. Los antiguos humanos veían a estos seres como dioses, ya que eran inteligentes, poseían nuevas tecnologías y grandes conocimientos. También tenían una gran longevidad, aunque eran mortales. Los sumerios llamaron Anunnaki a estos seres reptilianos.

Los Anunnaki  vinieron como colonos y explotadores, hicieron de la Tierra su hogar y empezaron a construir las primeras pirámides y las primeras ciudades. Hubo división entre ellos y la mayoría decidieron volver a su planeta. Todos excepto un grupo de raza renegada que era habitante entre dos mundos en los planos Astrales Inferiores de la Cuarta Dimensión. A su vez, en el siglo XIII, se establece una batalla entre caballeros templarios y seres Anunnaki y continúa en otras épocas como por ejemplo El Renacimiento. La película, sin embargo, se centra básicamente en el tiempo presente pero no deja de lado el origen de la leyenda que acompaña el título de la cinta.

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Co-protagonizada por Joan Frank Charansonnet en el papel de Uruk y  Dani Bernabé como Kishar, el reparto de Anunnaki se completa con Miquel Sitjar, Mónica Corral, Julia Jeane, Kornel Doman, Susanna Plana, Joan Bentallé, Pere Espinosa y Efrén Casas, entre otros. Su estreno en salas comerciales está previsto para el próximo diciembre. Antes será presentada en diversos festivales de cine tanto nacionales como internacionales.

Más información: www.facebook.com/anunnakielorigen/

Published in: on julio 30, 2018 at 5:26 am  Dejar un comentario