Mañana miércoles 10 de octubre “Vial of Delicatessens” lanza dentro de su línea underground un nuevo título del realizador barcelonés Juan Carlos Gallardo. Se trata de 90 años sin dormir, remake de 90 Years Without Slumbering, mítico episodio de The Twilight Zone escrito por Richard de Roy a partir de una historia de George Clayton Johnson. Ciencia ficción post-apocalíptica y puro cine de vanguardia se dan la mano en este revolucionario largometraje que hasta ahora solo había podido verse en diversos festivales. Antes de que Xavier Dolan emplease el formato de rodaje 1:1 en Mommy (2014), otra distopía que ganó el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes, Juan Carlos Gallardo utiliza en 90 años sin dormir dicho formato para transmitir implacablemente la sensación de apresamiento e incomunicación que sufre su protagonista. El resultado es una sorpresa continua e increíble, que “revela más sobre el poder y el potencial de la imagen en movimiento que cualquier otra cosa filmada en años recientes”, en palabras de Maximilian Le Cain.
La edición en DVD comercializada por “Vial of Delicatessens” de 90 años sin dormir ofrece la película en su versión original en pista estéreo y formato de pantalla 16:9 Pillarbox. Le acompañan como contenidos extras un making of del film y el cortometraje 14 de Abril del cineasta underground Braña Álvarez. El P.V.P. de la edición es de 5,99 más gastos de manipulación y envío, y sólo puede adquirirse a través de la web del sello.
90 años sin dormir se une así al lanzamiento la pasada semana de “El libro de las mujeres y hombres malos” de la escritora e ilustradora Aida García, por parte de “Víal Books”, la división editorial de “Vial of Delicatessens”. Se trata de un compendio de micro-cuentos de terror para adultos, cada uno de los cuales es acompañado de su correspondiente ilustración a color, que crean un universo cargado de horror, surrealismo y violencia.
Compuesto por 66 páginas en color, “El libro de las mujeres y hombres malos” sale a la venta a un P.V.P de 18,00 €, con gastos de manipulación y envío certificado incluidos, y se puede adquirir exclusivamente a través de la web de “Vial of Delicatessens”: vialofdelicatessens.blogspot.com
El jueves 11 de octubre, la 51ª edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya acogerá el estreno mundial de Superlópez, la adaptación cinematográfica del legendario personaje de cómic creado por Jan. Nacido como una parodia del personaje de Supermán para la editorial Euredit en 1973, la popularidad que consiguió el superhéroe lo llevó a convertirse en uno de los últimos éxitos de la editorial Bruguera, para pasar poco después a formar parte de las filas de Ediciones B. Tras el humor y la parodia iniciales, Jan dotó al cómic de una mayor carga social, ofreciendo diferentes niveles de lectura al aficionado. Ahora le toca el turno al cine en la que promete ser una de las superproducciones de la temporada dentro del panorama nacional.
La producción se ha rodeado de un equipo artístico y técnico a la altura dell personaje.Superlópez cuenta con la dirección del especialista en el género Javier Ruiz Caldera, que en 2015 presentó la adaptación del también personaje de cómic Anacleto, Anacleto: Agente secreto, y con un guion en el que han colaborado Borja Cobeaga y Diego San José (Ocho apellidos vascos, Ocho apellidos catalanes) a partir del personaje creado por Jan. La puesta de largo de la película en el Festival de Sitges contará con la presencia de su director, Javier Ruiz Caldera, de su protagonista, Dani Rovira, y de los actores Julián López y Alexandra Jiménez en una gala que tendrá lugar en el Auditori Meliá Sitges.
Desde su llegada a la Tierra procedente del planeta Chitón, la vida de Juan López no ha sido fácil. Con superpoderes es difícil no destacar. Poder volar, leer la mente, tener supervisión o detener un convoy del metro para que no descarrile… y regresar luego a la oficina, esforzándose en ser un tipo normal, no ha sido nada sencillo para Juan López. O quizás sí, porque Juan no necesita más que su cruasán matinal para ser feliz… Sin embargo, algo está a punto de cambiar. La aparición en la ordenada vida de López de Luisa, un antiguo amor de instituto va a causar estragos. Ya no es momento de pasar inadvertido. A pesar de que con ello pueda llamar la atención del malvado Skorba y de su sibilina hija, Ágata y poner en peligro la supervivencia de su planeta de origen.
Superlópez está producida por Telecinco Cinema, Zeta Cinema y La Gran Superproducción AIE, con la participación de Mediaset España y Movistar+, y el apoyo de ICAA e ICEC. Distribuye Buena Vista Internacional. El estreno en cines está previsto para el 23 de noviembre.
Título original: The Last Sharknado: It’s About Time
Año: 2018 (Estados Unidos)
Director: Anthony C. Ferrante
Productor: David Michael Latt
Guionista: Scotty Mullen basándose en los personajes de Thunder Levin
Fotografía: Pãtru Pãunescu
Música: Christopher Cano, Chris Ridenhour
Intérpretes: Ian Ziering (Fin), Tara Reid (April), Cassandra Scerbo (Nova), Judah Friedlander (Bryan), Vivica A. Fox (Skye), Debra Wilson (nuevo Bryan), Alaska Thunderfuck (Morgana), Neil deGrasse Tyson (Merlin), Leslie Jordan (Benjamin Franklin), Darrell Hammond (George Washington), Ben Stein (Alexander Hamilton), Roy Taylor (Jebediah Clarke), Constantin Viscreanu (Paul Revere), Dexter Holland (capitán británico), Dee Snider (Sheriff), Jonathan Bennett (Billy el niño), Chris Owen, James Murray (Eastwood), Gilbert Gottfried (Rand McDonald), Tori Spelling (Raye), Dean McDermott (Gilly), Benjy Bronk (Connor Beale), Robbie Rist, Anthony C. Ferrante, Joel Valder, Thom Bowers (miembros del grupo Quint), Christopher Knight (abuelo Clarke), Catarina Scerbo (Nova de niña), Bernie Kopell (capitán de embarcación), Juliana Ferrante, Emma Neal, Charles Hittinger (Matt Shepard), Ryan Newman (Claudia), Israel Sáez de Miguel (capitán Santiago), Marcus Choi (Palmer), Alexandre Ottoni (Azzinaro), Latoya Jackson (Cleopatra), James Hong (Confucio), Eileen Davidson (María Antonieta), Shad Gaspard (Muhammad Ali), Jayson Paul (Joe Lewis), Kato Kaelin (rey vikingo), Patrick Labyorteaux (César), Brendan Petrizzo, M. Steven Felty, Matie Moncea, Todd Rex, Marina Sirtis, Audrey Latt, Ana Maria Varty Mihail, Tiberiu Harsan, Andrei Olteanu (Frodo), Noodles, Ian Ridenhour, Kathrine Ridenhour, Chris Ridenhour, Kim Little, Brady Latt, Moise Latt, Aiden Cano, Zachary Cano , Raine Michaels, Bob Ellis, Erin Ziering, Mia Ziering, Penna Ziering, Roxanna Bina, Kacie Flowers, Courtney Quod, Brandon Quod, Nick Grothe, Tammy Klein, Anna Rasmussen, Ana Florit, Paul Logan, Julia LaJuett (Amelia Earhart), Al Roker, Petunia, Thunder Levin, Sharon Desiree (Juana de Arco), Bo Derek (May), Gary Busey (Wilford Wexler), Mark McGrath, Masiela Lusha, John Heard, Adolph Tengi, Adrian Boanta, Adriana Saus, Alecu Ciocoi, Alexandra Gaspar, Alexandru Cernat, Alexandru Chiru, Alin Pauna, Andreea Prodan, Andreea Mailat, Andreea Guef, Andreea Prichinet, Andrei Irimia, Andrew Jackson, Anna Kachmaryk, Anna Valendez, Anthony Manasi, Antiwne Grant, Justin Allen …
Sinopsis: Tras enfrentarse a tiburones por todo el planeta, Fin Shepard deberá viajar en el tiempo para salvar al mundo de los sharknados, al tiempo que intenta resucitar a su familia.
Si hace cinco años alguien nos dice que un modesto telefilm de ciencia ficción realizado para un canal temático iba a convertirse en un fenómeno de culto sin precedentes en el medio catódico le habríamos tomado por loco. Pero, contra todo pronóstico, así ha sido. El revuelto mediático generado en redes sociales durante su primera emisión en los Estados Unidos el 11 julio de 2013 convirtió a Sharknado en acreedora del oficioso título de “película más tuiteada de la historia”, siendo la palanca a partir de la cual se ha cimentado toda una saga prolongada a través del tiempo con cinco secuelas de periodicidad anual que se han encargado de exprimir los motivos que propiciaron la repercusión obtenida por la originadora; esto es, la ridiculez propia de un demencial planteamiento conceptual consistente en la fusión entre el cine de catástrofes naturales con el de las películas de escualos asesinos que resume el acrónimo que le da título y que se podría traducir como “Tornado de tiburones”. Nada más.
Gran parte del mérito que explica la aceptación disfrutada por la saga, si no la única, ha sido la manifiesta habilidad de sus responsables a la hora de conseguir que su producto conectara con las apetencias del público. Nada raro, por otra parte, en vista de los antecedentes comentados, y que ha llevado a que los ingredientes de la propuesta se fueran amoldando según los gustos de la audiencia, hasta el punto de poner en manos de esta la suerte a correr por determinados personajes. Como explica su actor protagonista, Ian Ziering, la serie «ha ido cambiando en función de la respuesta de la audiencia. Utilizan unos grupos de sondeo cuyos comentarios cuantifican mediante análisis, y lo que sea que puntúen algo se añadirá en mayor medida en la siguiente película»[1]. Así, tras el inesperado éxito del primer film, las siguientes entregas han hecho de la autoparodia su razón de ser, en una jugada de lo más inteligente, al elevar al paroxismo las carencias y defectos de toda índole que presentaba el primer Sharknado hasta convertirlas en su principal aliciente.
Pero además de la autoconciencia con la que han asumido sus limitaciones para reírse de ellas, en sus cinco continuaciones la saga ha conformado una suerte de personalidad propia derivada de la reiteración de una serie de ingredientes de uno a otro título. La articulación de una trama itinerante protagonizada por los esfuerzos de Fin Shepard para reunirse con su familia en medio de un tornado de tiburones como pretexto con el que enlazar una escena de acción tras otra, cuanto más grotesca y ridícula mejor; la proliferación de cameos de viejas glorias cinematográficas y celebridades locales, en su mayoría desconocidas fuera de su país de origen; o los continuos guiños y referencias a famosos films, por lo general localizados en la década de los ochenta, suponen los principales rasgos característicos de una fórmula basada antes en la pretendida creación de un juego cómplice para con el espectador que en sus posibles cualidades artísticas, por lo demás inexistentes.
Sin embargo, nada dura eternamente y, con su sexta entrega la saga Sharknado ha creído oportuno poner el fin. Aunque de momento no han trascendido los motivos que han llevado a sus responsables a adoptar semejante decisión, parece claro que una de las razones que han ejercido mayor fuerza son los evidentes síntomas de agotamiento que a estas alturas acusa una fórmula repetida ad nauseam de un film a otro sin apenas variación, más allá del cambio del marco escénico en el que se desarrolla cada una de sus tramas. De este modo, tras visitar Los Ángeles, Nueva York, Washington, la Costa Este, distintas localizaciones internacionales e, incluso, el espacio, pocas bazas les quedaban a los guionistas para presentar una ambientación que resultara novedosa, máxime siendo este el principal rasgo distintivo de cada nueva película con respecto a sus precedentes, decantándose en esta oportunidad por los viajes temporales. Una falta de ideas que, en cierto sentido, su propia coprotagonista, Tara Reid, ha reconocido de forma consciente o inconsciente en algunas de las entrevistas realizadas durante la gira promocional del film, al declarar: «Ya hemos hecho “espacio exterior”, hemos viajado alrededor del mundo… ¿qué más podíamos hacer? Viajes en el tiempo»[2].
La utilización de este esquema, que tal y como es expuesto recuerda en cierto sentido al de la novela La máquina del tiempo de H. G. Wells y que propicia la aparición de diferentes personajes históricos y/o legendarios —de Merlín a Billy el Niño, pasando por George Washington o Benjamin Franklin—, facilita también el abaratamiento de costes que conlleva el reciclaje de decorados, atrezzo y diseños de efectos infográficos procedentes de otras películas de su productora, The Asylum, en consonancia con cierto rasgo oportunista patente en mayor o menor medida a lo largo de la saga, antojándose la elección de las diferentes épocas en las que discurre la episódica trama a partir de tal circunstancia. Por lo demás, la película repite a pies juntillas el modelo ya conocido, sin más novedad que la aparición de personajes históricos y/o legendarios aprovechando la oportunidad que en este sentido le ofrece su premisa, caso de Benjamin Franklin, Billy el niño o George Whasington, lo que reincide la comentada búsqueda de sus responsables de establecer un vínculo de complicidad con el espectador, así como la reaparición de varios personajes que se creían muertos en anteriores entregas y otros apuntes pretendidamente emotivos dirigidos a los seguidores de la saga que denotan su condición de cierre de la misma.
Antes que en sus resultados, de nuevos incapaces de despertar la hilaridad que se presupone de una película supuestamente hecha mal a propósito, quizás lo más interesante de este El último Sharknado: Ya era hora es la forma en que se ríe de sí misma, ya sea por las connotaciones que guarda su título, como porque el punto partida de esta entrega sea detener el primer sharknado de la historia y evitar así que se produzcan los hechos relatados en las anteriores películas; esto es, impedir la propia existencia de la saga en última instancia. Exigua recompensa, sin ninguna duda, pero que incita a plantearnos ciertas preguntas. Y es que si comenzábamos estas líneas aludiendo a la excepcionalidad de lo conseguido por la saga Sharknado en sus cinco años de existencia, ¿cuál será su huella en un futuro ahora que su producción entra en vía muerta? ¿Será recordada o, por el contrario, caerá en el olvido más profundo una vez pasada la moda? ¡Ay!, quién pudiera viajar en el tiempo y poder comprobarlo…
Han Solo: Una historia de Star Wars, el film de la famosa franquicia que narra los orígenes del famoso contrabandista, aparecerá en nuestro país en DVD y Blu-ray el próximo 26 de septiembre. La película, dirigida por Ron Howard, ganador de un premio Oscar y responsable de películas como Una mente maravillosa, Apollo 13, Willow o 1, 2, 3… Splash, es el segundo spinoff de la saga, tras Rogue One: una Historia de Star Wars. Se trata de un viaje lleno de acción que explora los primeros encuentros de Han (Alden Ehrenreich) con su futuro compañero y copiloto Chewbacca (Joonas Suotamo) y el famoso jugador Lando Calrissian (Donald Glover), así como su pasado junto a su colega contrabandista Qi’ra (Emilia Clarke) y el delincuente Beckett (Woody Harrelson).
Los contenidos extras contenidos por las diferentes ediciones en Blu-ray de Han Solo: Una historia de Star Wars ofrece, entre otros contenidos, un detrás de las cámaras con charlas protagonizadas por el reparto y los guionistas Jonathan Kasdan y Lawrence Kasdan; un rasgo revelador sobre Chewbacca y su duradera amistad con Han; una mirada de cerca a la versión original del Halcón Milenario y la primera vez que Han pilota la nave espacial; la creación de escenarios de otro mundo y secuencias de acción; y ocho extensas escenas eliminadas vistas.
Contenidos Extras
Disco adicional solamente en alta definición (Blu-ray, Blu-ray 3D y Steelbook)
(Audio: inglés) (Subtítulos: Español, Checo, Holandés, Francés, Alemán, Griego, Húngaro, Italiano, Polaco, Portugués, Ruso, Inglés codificado para sordos)
Solo: Mesa redonda del director y los actores: Una charla íntima e informal con el reparto.
Kasdan en Kasdan:El escritor icónico de Star Wars, Larry Kasdan (El imperio contraataca, El retorno del Jedi, El despertar de la fuerza, Han Solo) y su hijo Jon Kasdan hablan de cómo fue escribir esta película juntos y crecer en la casa de Kasdan.
Rehaciendo el Halcón Milenario:Toda la verdad sobre el “nuevo” Halcón: desde la adaptación del diseño icónico hasta la realización del nuevo diseño de adentro hacia afuera para ver cómo la nave más famosa de la galaxia evoluciona de Lando a Han.
Huida de Corellia: Todo sobre el diseño y la producción del speeder personalizado de Han y la realización de la carrera de alto voltaje y la persecución por las calles de Corellia.
El atraco del tren: El clásico robo de un tren de los westerns aparece con un giro espectacular en Star Wars mientras los actores y los cineastas nos llevan a través del proceso de esta escena en profundidad.
Equipo Chewie: Lo que se necesita para dar vida al wookie más famoso en la gran pantalla.
Convirtiéndose en un Droide: L3-37:Presenta al nuevo droide y la mujer hilarante detrás de su humor irónico.
Sinvergüenzas, droides, criaturas y cartas: Bienvenidos a Fort Ypso:Detrás de las escenas de la versión de Han Solo de la “cantina”, incluido un resumen del legendario juego de cartas, Sabacc.
En el Maelstrom: El corredor de Kessel: Una anatomía de la escena en la que Han y Chewie se ponen a los mandos del Halcón Milenario por primera vez y que explora todos los elementos que convergen para dar forma a esta legendaria pieza de la historia de Star Wars.
Escenas eliminadas:
– La guarida de próxima
– Han contra Chewie: Versión extendida
– Conocer a Dryden: Versión extendida
– Traición por el coaxium
– Persecución a pie coreliana
– Han Solo: Cadete Imperial
– La Batalla de Mimban: Versión extendida
– ¡Guerra de bolas de nieve!
Tras hacer historia en la taquilla mundial al recaudar más de dos mil millones de dólares en tan solo cuarenta y ocho días, lo que le ha convertido enla cuarta película de mayor recaudación de todos los tiempos, Vengadores: Infinity War saldrá a la venta en España el 29 de agosto en DVD, Blu-ray y Blu-ray 3D. Antes, el 17 de agosto, estará ya disponible en su edición digital.
Las diferentes ediciones anunciadas en alta definición de Vengadores: Infinity War incluyen más de dos horas de contenidos extra, como escenas eliminadas, tomas falsas, comentarios en audio de los directores y varios reportajes, entre los cuales hay una mesa redonda de treinta minutos con los directores de Marvel Cinematic Universe Anthony y Joe Russo, Jon Favreau, Joss Whedon, James Gunn, Ryan Coogler, Peyton Reed y Taika Waititi. En este contenido extra, estos directores reflexionan sobre cómo sus películas han contribuido a la aventura de contar la historia más grande del Universo Marvel.
La nueva entrega con los superhéroes más populares del planeta crea un viaje cinematográfico sin precedentes durante diez años que abarca todo el Universo Marvel. Vengadores: Infinity War trae a la pantalla el enfrentamiento definitivo y más sangriento de todos los tiempos. Los Vengadores y sus superhéroes deben estar dispuestos a sacrificar todo en un intento de derrotar al poderoso Thanos, antes de que sus planes de devastación y ruina pongan fin al universo.
Contenido extra en formatos alta definición (BD, BD 3D):
Comentarios en audio(02:29:10) (Audio: Inglés) (Subtítulos: Español, Inglés codificado para sordos, Italiano). Incluye los comentarios en audio de los directores Joe y Anthony Russo y los guionistas Christopher Markus y Stephen McFeely.
Reportajes:
Extraña alquimia (00:05:07). Esta pieza explora las nuevas incorporaciones en los equipos y analiza las razones por las que los superhéroes se unen en parejas. Como Iron Man y Doctor Strange, Spider-Man, Peter Quill, Gamora, Mantis, Rocket, Groot y Thor. Cómo estas elecciones creativas desarrollarán aún más a nuestros héroes, mejorarán la historia e influirán en el futuro del universo.
El Titán loco (00:06:33). Explora al villano más malo de Marvel Cinematic: Thanos. Su importancia para la MCU, sus orígenes en el Universo Marvel y la explicación del hilo existencial que representa. Esta pieza destaca los diversos eventos que fueron orquestados por Thanos a lo largo de todas las historias de MCU, lo que lleva a la Infinity War.
Más allá de la batalla: Titán (00:09:34) y Más allá de la batalla: Wakanda (00:10:57). Detrás de las cámaras que descubre las principales batallas de Infinity War. Analiza todo el proceso de realización de la película para demostrar cómo estas escenas se desarrollan desde el concepto hasta la ejecución, comentando las oportunidades y desafíos que enfrentan los realizadores al crear una película épica de este tamaño y con treinta de los actores más solicitados de la industria cinematográfica.
La 12ª edición del Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife –FIMUCITÉ programará junto a la Filmoteca Canaria “Theremín, la música de ciencia ficción”, un ciclo dedicado a este particular instrumento musical electrónico que se toca sin entrar en contacto con él y que ha sido utilizado en numerosas películas de ciencia ficción y terror clásicas. De esta forma, Filmoteca Canaria se suma a la fiesta sonora de FIMUCITÉ con la programación de seis películas en el Teatro Guiniguada de Las Palmas de Gran Canaria y en los Multicines Tenerife, ubicados en San Cristóbal de La Laguna. Así, el 11 de septiembre dará comienzo el ciclo de cine compuesto por las proyecciones de Ultimátum a la Tierra (1951), Planeta prohibido (1956), El enigma de otro mundo (1951), Vinieron del espacio (1953), Ed Wood (1994) y El maquinista (2004). Las proyecciones se prolongarán hasta el 25 de octubre con un precio de 2 € para el público general y de 1 € para estudiantes y mayores de 65 años.
Dicho ciclo entronca directamente con el eje central de la programación de FIMUCITÉ de este año, la cual versará en torno al género cinematográfico dedicado a los encuentros extraterrestres y a las invasiones alienígenas. El theremín, compuesto por una caja y dos antenas, fue creado por el músico y científico ruso Léon Theremin en 1934 para la violinista lituana Clara Rockmore, quien se convirtió en la máxima representación de la técnica e interpretación del theremín. El misterioso y agónico sonido del theremín ha fascinado a grandes directores de cine y forma parte de muchas de las bandas sonoras que permanecen en el imaginario colectivo. Películas tan heterogéneas como Ultimátum a la Tierra de Robert Wise, Planeta prohibido de Fred M. Wilcox, El enigma de otro mundo de Christian Nyby, Vinieron del espacio de Jack Arnold, Los 5.000 dedos del doctor T de Roy Rowland o Recuerda de Alfred Hitchcock, incluyen el inimitable sonido del theremín.
Lydia Kavina
En la actualidad, Lydia Kavina, nieta del primer primo de Léon Theremin, es la theremista más importante y gran impulsora a nivel mundial de este instrumento, habiendo participado en películas como eXistenZ de David Cronenberg, Ed Wood de Tim Burton y El maquinista de Brad Anderson. Kavina será una de las protagonistas de la Gala de Clausura de FIMUCITÉ, donde actuará como solista bajo la batuta del director invitado Ben Foster. La cita será el 29 de septiembre en el Auditorio de Tenerife Adán Martín y las entradas ya están a la venta.
Mañana miércoles 1 de agosto comenzará el rodaje de Star Wars: Episodio IX en los Estudios Pinewood de Londres, con vistas a su estreno en diciembre de 2019. J.J. Abrams, quién ha escrito el guion junto con Chris Terio, regresa para dirigir la última entrega de la saga de Skywalker tras haberse encargado del episodio VII.
Los miembros del reparto que regresan incluyen a Daisy Ridley, Adam Driver, John Boyega, Oscar Isaac, Lupita Nyong’o, Domhnall Gleeson, Kelly Marie Tran, Joonas Suotamo, y Billie Lourd. Al elenco del episodio IX se incorporarán Naomi Ackie y Richard E. Grant, a quienes se unirán los veteranos actores de Star Wars Mark Hamill, Anthony Daniels y Billy Dee Williams, que retomará su papel de Lando Calrissian.
El papel de Leia Organa volverá a ser encarnado por la fallecida Carrie Fisher, utilizando material de archivo inédito de Star Wars: El despertar de la fuerza. “Amamos desesperadamente a Carrie Fisher”, dice Abrams. “Nos resultaba imposible encontrar un final totalmente satisfactorio a la saga de Skywalker sin ella. No íbamos a buscar otra actriz ni utilizar un personaje creado por ordenador. Con el apoyo y la autorización de su hija Billie, hemos encontrado la forma de rendir homenaje a su legado y al papel de Carrie como Leia en el episodio IX utilizando imágenes inéditas que rodamos juntos para el episodio VII”.
El compositor John Williams, que ha escrito la música de todos los capítulos de la saga de Star Wars desde la primera entrega en 1977, regresará a una galaxia muy, muy lejana con el Episodio IX.
Star Wars: Episodio IX está producido por Kathleen Kennedy, J.J. Abrams y Michelle Rejwan, y los productores ejecutivos son Callum Greene y Jason McGatlin. El equipo cuenta con Dan Mindel (Director de fotografía), Rick Carter y Kevin Jenkins (Diseñadores de producción), Michael Kaplan (Diseñador de vestuario), Neal Scanlan (Efectos especiales de criaturas y droides), Maryann Brandon y Stefan Grube (Montadores), Roger Guyett (Supervisor de efectos visuales especiales), Tommy Gormley (1er Ayudante del director) y Victoria Mahoney (Directora de la 2ª unidad).
La productora catalana Dejavu Films ha hecho público hace escasas fechas el primer teaser de Anunnaki. El origen, un film de género fantástico donde la acción, el terror y las teorías conspiranoicas se dan la mano en un metraje que estilísticamente entremezcla el cine indie y la serie B ochentera. Estas primeras imágenes inéditas del film están acompañadas del conocido tema musical “What Lies Behind Words” del grupo internacional “Morphium”, quienes formaran parte de la banda sonora original de la película junto a grupos y compositores como Louis A. Moss (Freak XXI) y “Bad Way”.
En palabras de sus directores, Joan Frank Charansonnet y Ruben Vilchez, “Anunnaki es un homenaje al espíritu a las películas con las que pasamos muy buenos momentos hace unos treinta años con un compendio de imágenes de bares de carretera, moteros, chicas espectaculares y extraterrestres atractivos e inmortales. La premisa es que estos mismos seres que, a día de hoy siguen entre nosotros, luchan por su supervivencia desde su poder ancestral, batallando con espadas, armas de fuego, mordiscos pseudo-vampíricos o a base de patadas de taekwondo si hace falta. Sin embargo, siguen idolatrando sus antiguos ideales que siguen unidos a un oscuro poder no inapreciable por los seres humanos de la tierra”.
Sinopsis: Claudia (una joven universitaria) y Victoria (una modelo internacional) se ven sumergidas, en tiempo presente, en una auténtica guerra de poder entre dos clanes de seres Anunnas que llevan siglos luchando desde que sus linajes extraterrestres se establecieron en Sumeria hace más de 5.000 años. Las familias reptilianas de Uruk y Kishar se alimentan primordialmente del sufrimiento de los humanos y también de su sangre, aunque con los siglos han sabido adaptarse físicamente a nuestro aspecto para pasar completamente desapercibidos… a nuestros ojos.
Los directores van más allá de lo que la trama muestra a simple vista y les suman una cierta crítica social latente que puede leerse entre líneas. “Directa o indirectamente, estos Anunnaki pueden ser perfectamente los actuales banqueros, empresarios o políticos que mueven los hilos de la sociedades modernas del mal llamado primer mundo”. Ambos directores destacan el gran resultado del film por la pasión y predisposición del equipo técnico y artístico de Anunnaki.
Rubén Vílchez (experto realizador de los videoclips más transgresores del panorama musical español de grupos como “La unión”, “Noise Revolution”, “InMune”, “Eina”, “Toni Yonkie Love”…) comenta a su vez que “es una gran y divertida metáfora de la sociedad actual. Quería hacer una peli que llegara al alma del espectador con imágenes amenizadas por una potente y brutal banda sonora que ojala llegue a ser con los años un clásico”.
Joan Frank Charansonnet (guionista, co-director, co-protagonista y productor de Anunnaki, a su vez director y creador de películas de diferentes géneros como Pàtria. La llegenda d´Otger Cataló i els 9 barons de la fama, Ushima Next, Ànima o Doctrina) apuntilla que “hemos sido consumidores, por edad y generación de las pelis que a la vez bebieron de Tarantino & Rodríguez en sus videoclubs habituales. No puedo ocultar referentes de esa época como Los inmortales o Jóvenes ocultos.
La película arranca en el año 5.500 A.C. con una leyenda sumeria que contempla la existencia de un planeta más en nuestro sistema solar que tiene una órbita elíptica similar a la de un cometa. Los habitantes de Nibiru bajaron a la tierra en busca de metales y de alguna forma utilizaron a los hombres como esclavos. Los antiguos humanos veían a estos seres como dioses, ya que eran inteligentes, poseían nuevas tecnologías y grandes conocimientos. También tenían una gran longevidad, aunque eran mortales. Los sumerios llamaron Anunnaki a estos seres reptilianos.
Los Anunnaki vinieron como colonos y explotadores, hicieron de la Tierra su hogar y empezaron a construir las primeras pirámides y las primeras ciudades. Hubo división entre ellos y la mayoría decidieron volver a su planeta. Todos excepto un grupo de raza renegada que era habitante entre dos mundos en los planos Astrales Inferiores de la Cuarta Dimensión. A su vez, en el siglo XIII, se establece una batalla entre caballeros templarios y seres Anunnaki y continúa en otras épocas como por ejemplo El Renacimiento. La película, sin embargo, se centra básicamente en el tiempo presente pero no deja de lado el origen de la leyenda que acompaña el título de la cinta.
Co-protagonizada por Joan Frank Charansonnet en el papel de Uruk y Dani Bernabé como Kishar, el reparto de Anunnaki se completa con Miquel Sitjar, Mónica Corral, Julia Jeane, Kornel Doman, Susanna Plana, Joan Bentallé, Pere Espinosa y Efrén Casas, entre otros. Su estreno en salas comerciales está previsto para el próximo diciembre. Antes será presentada en diversos festivales de cine tanto nacionales como internacionales.
Con tan solo dos películas en su haber, más su segmento para el film coral V/H/S Viral (2014), Aaron Moorhead y Justin Benson se han convertido en unos de los principales nombres del panorama del cine fantástico independiente actual. Una consideración que se ganaron a pulso con su segunda película, Spring (2014), una fábula romántico-fantástica con forma de monster movie que, por derecho propio, se erige en uno de los títulos más interesantes legados por el género en lo que llevamos de década. Ahora presentan su tercer largometraje, El infinito (The Endless, 2017), un film que, además de escribir y dirigir, también protagonizan, en una faceta hasta ahora inédita en su trayectoria. Esta es, en principio, la principal novedad de una película en la que Moorhead y Benson continúan explorando los temas que han articulado hasta el momento en su cine: el amor, las relaciones humanas y la trascendencia. Toda una prueba palpable de la mirada personal e intransferible que el tándem de directores estadounidenses ha conseguido acuñar en tan solo tres películas, y que es constatada por el detalle nada baladí de que El infinito se ambiente en el mismo universo que sus responsables crearan para su ópera prima, Resolution [dvd/tv: Resolution, 2012].
Según me comentabais en nuestra anterior entrevista, vuestra siguiente película tras Spring iba a centrarse en la figura de Aleister Crowley. ¿Cómo pasasteis de ese proyecto a The Endless?
Aaron Moorhead: De hecho aún estamos intentando hacer un film sobre Aleister Crowley, y lo más probable es que finalmente vea la luz como una película para televisión, lo que ocurre es que nos está llevando más tiempo del que imaginábamos en un principio. Precisamente durante el proceso de desarrollo de este proyecto pensamos en hacer algo que se moviera dentro de unos parámetros más modestos a nivel de producción con el fin de que no tuviéramos que esperar tanto tiempo para llevarlo a cabo, y The Endless acabó surgiendo justamente de ese planteamiento.
De entrada uno de los aspectos que más me han llamado la atención es que seáis vosotros mismos los que interpretáis los papeles principales del film. ¿Qué os ha llevado a poneros delante de las cámaras y, además, como protagonistas?
Justin Benson: Nuestro objetivo principal con la realización de esta película era lograr una total autosuficiencia a todos los niveles, hasta el punto de que, al presentar un film tan pequeño, incluso pensamos al principio financiarla nosotros mismos, mientras esperábamos que tomaran forma otros proyectos más importantes. Afortunadamente, cuando terminamos el guion éste contó con el gancho suficiente como para atraer a algunos inversores, que fueron los que acabaron poniendo el dinero.
En cuanto a figurar como actores, la razón principal, y la más simple, es que nosotros somos los que mejor conocemos nuestro guion, por lo que decidimos que era más fácil ponernos también delante de la cámara antes que explicarle a otra gente nuestras intenciones a la hora de filmar la película, o incluso pedirles cosas un tanto complicadas, las cuales no estábamos seguros además de si iban a ser capaces de hacerlas.
Así es básicamente como llegamos a esa decisión. Además, ambos teníamos muchas ganas de actuar, y creo que en este caso nos lo tomamos bastante en serio. Por lo demás, tenemos la suerte de contar con los mejores profesores de interpretación del mundo: los actores con los que hemos trabajado en nuestras anteriores películas.
A. M.: Es curioso, porque después de ver The Endless la gente nos suele preguntar si hemos actuado con anterioridad, y sí, lo habíamos hecho, pero tan solo en pequeños sketches cómicos. Así que, cuando nos dicen que resulta obvio que hemos tomado clases de interpretación en alguna academia, les tenemos que responder que no; eso sí, de forma un tanto orgullosa por nuestra parte. De todos modos, y aunque no hayamos estudiado de manera oficial, al trabajar como es nuestro caso con algunos actores increíblemente buenos aprendes un montón sobre lo que funciona y lo que no y por qué. Por lo tanto, cuando tú mismo tienes que actuar es relativamente fácil usar esta experiencia en beneficio propio.
Creo que debería haber más directores que se atrevieran a actuar: estoy seguro de que lo harían mucho mejor de lo que ellos mismos creen, siempre y cuando hayan tenido la suerte de trabajar antes con intérpretes de talento, claro.
Curiosamente, los dos personajes comparten su nombre de pila con cada uno de vosotros. ¿Quiere decirse con esto que se trata de vuestros alter egos?
A. M.: Bueno, si la has visto sabrás que eso es algo que también hicimos en Resolution, nuestra primera película. En aquella ocasión simplemente creímos que era una manera fácil y divertida de bautizarnos, y en The Endless se supone que interpretamos a los mismos personajes, así que ese es el verdadero motivo de que repitamos nombres. Pero, aparte de eso, no hay mucho de nosotros en estos personajes, al menos no hasta el punto de poderlos considerar nuestros alter egos. En realidad ellos son bastante diferentes a nosotros.
Ya que se ha mencionado Resolution, ¿por qué habéis querido volver otra vez al universo que creasteis en aquella película? ¿Acaso teníais la sensación de haber dejado algo por explicar o que aún quedaban más historias que contar sobre él?
J. B.: En parte fue porque pensábamos que aún quedaban algunas historias por contar de este mundo… Teníamos esa sensación. La inspiración te puede llegar de cualquier parte, pero en nuestro caso preferimos desarrollar lo que ya habíamos planteado en nuestra ópera prima, así que, a la hora de escribir nuestro siguiente libreto, comenzamos hablando de los personajes y sobre cómo podríamos desarrollar nuevas tramas en las que situarlos. De repente nos vimos con un material que nos gustaba mucho y que estaba inspirado directamente en Resolution, así que decidimos que ésta sería nuestra próxima película, ya que, obviamente, es un universo que sentimos como propio y al que teníamos ganas de volver.
Aaron Moorhead
Es significativo que el punto de partida de The Endless vuelve a ser idéntico al de vuestras dos anteriores películas: unos jóvenes que intentan dar un vuelco a sus vidas. ¿Es algo que os sale de una forma inconsciente o es una decisión premeditada?
A. M.: Es curioso, porque las similitudes entre los puntos de partida son aún más específicas de lo que comentas. No lo hacemos a propósito… y por ejemplo, en Spring los protagonistas eran un hombre y una mujer. Lo que hacemos de manera deliberada es que el tema central de todas nuestras películas consista en la relación entre dos personas, con sus alegrías y sus miserias. Lo que sí creo que hacemos inconscientemente es incluir la idea de alguien que viaja a otro lugar… y entonces algo sobrenatural le ocurre. Esa es la descripción exacta del argumento de nuestras tres películas (risas). Pero en el fondo esto ha sucedido simplemente porque nos parecía que era la mejor manera de plantear la historia que queríamos contar en cada caso. Si se nos ocurriera una historia que necesitara ser contada de otra manera, está claro que dejaríamos de lado este esquema.
Por otro lado, a la hora de escribir un guion la dinámica entre dos personas es el aspecto más importante para nosotros, ya que si añades más personajes lo que ocurre entonces es que vas a compartir menos tiempo con los protagonistas, descendiendo por lo tanto los niveles de empatía del espectador, a menos que estés trabajando para una serie de televisión y tengas el tiempo suficiente para desarrollar sus personalidades. También, si cuentas con más personajes, tienes que ser más claro a la hora de mostrar las emociones para que éstas tengan un mayor impacto.
Por eso, y hasta el momento, hemos preferido centrarnos en las vidas y en las relaciones de estas parejas de personajes.
En este sentido, The Endless retoma los temas filosóficos que ya planteaban vuestras dos películas previas, como la trascendencia o las relaciones personales. ¿Son temas que os preocupan para que tengáis esta fijación en ellos?
A. M.: En realidad no creo que sea un tema que nos preocupe tanto, lo que ocurre sencillamente es que, si quieres hacer una película en la que el espectador se preocupe por los personajes, la mejor manera de hacerlo que conocemos es mostrando cómo éstos interactúan entre sí. Así es como se consigue la emoción, así es como logras una conexión más efectiva con el público.
Pienso que, más que preocuparnos, estas relaciones representan el único elemento que consideramos vital a la hora de pensar en una historia para un largometraje.
Otros temas que salen a colación a lo largo de la película son el cuestionamiento de la realidad y de la libertad. ¿Responde al actual ambiente socio-político que nos rodea?
J. B.: Probablemente nunca hagamos un film abiertamente político. Creo que nunca usaríamos nuestra posición como cineastas para practicar ningún tipo de activismo, pero, dicho esto, el tema de la película es el conformismo y el inconformismo, y esto sobrevuela sobre el argumento, el cual trata en realidad de la relación de estos dos hermanos con una secta y de una entidad sobrenatural que los domina a todos. Sin resultar en ningún momento abiertamente político, es fácil tomar esta conformidad y encontrar una analogía con la sociedad actual, incluido en el aspecto político. Por lo tanto, ese factor está ahí, es innegable, y es interesante cómo puedes tratar otros asuntos a partir de una historia tan de género como ésta.
A. M.: Lo que esperas al rodar una película es lograr que ésta sea universal, pero no solamente para la realidad actual, sino para cualquier época. De esta manera, la gente verá reflejado en la película lo que está viviendo en ese preciso instante, y eso dependerá siempre del momento histórico en el que vean la película. En este caso, la idea del inconformismo viene de que vivimos unos tiempos en los que el totalitarismo domina la manera de pensar de muchas personas, y por supuesto el inconformismo surge como una reacción a esa filosofía cada vez más conservadora.
Espero que nuestras películas no se vean en el futuro como cápsulas temporales, sino que se puedan disfrutar de la misma manera y se obtengan las mismas emociones que pueda tener un espectador de hoy en día.
Justin Benson
Vistas en perspectiva, cada una de vuestras películas trata un tipo diferente de amor: Resolution el amor entre amigos, Spring el amor de pareja, y The Endles el amor fraternal entre hermanos. ¿Podemos hablar de una suerte de trilogía?
J. B.: No, no está diseñada como una trilogía, pero me siento orgulloso de haber hecho tres películas que cualquiera podrá ver y que le quedará claro que todas tratan sobre la exploración del amor. Prefiero eso a haber hecho tres películas que fueran, por ejemplo, una exaltación de la violencia. Creo que hay cierta nobleza en el hecho de contar historias de amor, que es la fuerza más poderosa en este mundo tal y como lo conocemos. Y espero que podamos continuar haciéndolo en el futuro.
Tampoco estoy tratando de quitarle mérito a las películas violentas, ya que pienso que se necesita cierto grado de habilidad y técnica a la hora de rodarlas, pero yo en cambio prefiero tratar otros temas.
A. M.: Supongo que seguiremos por este mismo camino, ya que aún nos quedan muchas facetas del tema por explorar, como pudiera ser el amor que un padre siente por sus hijos. Asimismo, está presente en nuestro proyecto sobre Crowley, en el cual trataremos de contar la historia de amor del protagonista con su propio ego, lo que ya entraría en el terreno de otro tipo de amor: el amor propio. Estas dos son variedades que se me ocurren así a bote pronto, pero seguro que existen muchas otras facetas entre dos personas que se quieren y que aún no hemos tenido en cuenta.
Por cierto, una curiosidad. The Endless se inicia con una cita de Lovecraft y lo cierto es que la configuración de la criatura de Spring tenía también una patente influencia de la obra escritor de Providence. ¿Sentís una especial predilección por este autor?
A. M.: Aunque es innegable que lo tomamos como fuente de inspiración, en realidad no somos fanáticos de su obra. Hablando por mí, no he leído suficientemente a Lovecraft como para decir que me apasiona. Lo cierto es que me parece un poco frío, pero de lo poco que conozco de él lo que de verdad me gustan son sus ideas, las cuales encuentro terroríficas y fascinantes. Casi prefiero a otros discípulos de Lovecraft que llegaron más tarde, como pudieran ser Stephen King o Alan Moore, a los que conozco mejor y en los que el elemento humanista es más acusado que en el autor de En las montañas de la locura.
He de confesar que, por ejemplo, cuando rodamos nuestro primer largometraje, aún no habíamos leído una sola línea de Lovecraft, pero visto ahora está claro que compartimos muchos de sus conceptos, por mucho que nunca me vea en la situación de adaptar una de sus novelas; supongo que antes preferiría adaptar una de Stephen King.
The Endless viene a ser la confirmación del buen resultado que obtuvisteis con Spring. Teniendo en cuenta que tan solo contáis con tres películas a vuestras espaldas, ¿en qué punto pensáis que se encuentra vuestra carrera a día de hoy?
J. B.: Hoy en día, cuando haces tu primera película, especialmente si se trata de un film con un presupuesto mínimo, y encuentra a su público y es bien recibida por la crítica y todo eso, es como una especie de reconocimiento tácito de que tienes algo que ofrecer. Es como la confirmación implícita de que ya eres un cineasta.
Si tienes esa suerte, entonces te tocará hacer tu segunda película. En nuestro caso fue Spring, que asimismo fue muy bien recibida, tanto por los espectadores como por los críticos. Para entonces creo que ya se ratificó que sabíamos lo que estábamos haciendo, pero eso también nos obligaba a ir más allá con nuestra tercera película, a pensar en algo más grande, de mayor presupuesto… Pero la cuestión es que nadie nos dejó hacerlo (risas).
Entonces vino The Endless, que ha sido con diferencia nuestra película mejor recibida a todos los niveles, lo que te proporciona una gran sensación de confort. Está bien sentir que aún te queda la posibilidad de hacer películas importantes, pero que también puedes rodar films más modestos si los proyectos ambiciosos no llegan a materializarse. Mientras el público siga disfrutando de nuestro cine, nuestra situación actual me resulta muy satisfactoria. No creo que hagan falta treinta millones de dólares para hacer una película; en nuestro caso, lo único que necesitamos es una historia que queramos contar.
A. M.: En mi caso siempre he estado muy contento con respecto a mi carrera, ya que soy de la opinión de que tengo el mejor trabajo del mundo. En realidad, nunca imaginé que llegaría a convertirme en director de cine. Quería intentarlo, pero me parecía algo demasiado difícil. Digamos que estadísticamente lo tenía todo en contra, por eso el simple hecho de dedicarme a ello es algo que me hace inmensamente feliz, sobre todo al comprobar que nuestras películas son cada vez mejores y cuentan con una mayor aceptación. También quisiera aclarar que estoy contento, pero no satisfecho. Si alguna vez me sintiera satisfecho, lo más seguro es que decidiera dejar de hacer películas, y eso es algo que no quiero que ocurra. Creo que aún nos queda bastante por hacer.
Título original: Neutrón contra los autómatas de la muerte
Año: 1960 (México)
Director: Federico Curiel
Productor: Enrique Gómez Muriel
Guionistas: Alfredo Ruanova, Federico Curiel
Fotografía: Fernando Colín
Música: Enrico Cabiati
Intérpretes: Wolf Ruvinskis (Neutrón), Julio Alemán (Caronte), Armando Silvestre, Rosa Arenas (Nora), Rodolfo Landa, Roberto Ramírez Garza [acreditado como Beto el boticario], Jack Taylor [acreditado como Grek Martin] (Dr. Thomas), Claudio Brook, David Lama, Ernesto Finance, Los ases, Los diamantes, Los rebeldes del rock…
Sinopsis: El doctor Caronte, al que se daba por muerto, ha construido un ejército de autómatas con el que planea dominar el mundo. En paralelo amenaza con la detonación de un artefacto explosivo en el caso de que las naciones se niegan a satisfacer sus demandas. Neutrón deberá enfrentarse al villano y salvar al mundo de sus garras.
Sin lugar a dudas, la filmografía fantástica mexicana —y no solo la fantástica— es una de las más vastas a nivel mundial, tanto por su tamaño como por su riqueza en cuanto a temáticas y enfoques. De este modo, dentro de su producción hay cabida para films tan dispares entre sí como pueden ser Cronos (Cronos, 1992) de Guillermo del Toro, Alucarda [vd/dvd: Alucarda, 1977] de Juan López Moctezuma, El vampiro (El vampiro, 1957) de Fernando Méndez, Macario (Macario, 1960) de Roberto Gavaldón, El esqueleto de la señora Morales [tv: El esqueleto de la señora Morales, 1959] de Rogelio A. González o las innumerables versiones realizadas de La Llorona, el mito por antonomasia del folklore local más llevado al cine, por solo citar algunos de los títulos más importantes.
A pesar de esta referida diversidad argumental y estilística, si hay un género típico de su cinematografía por el cual es conocido fuera de sus fronteras, este es el de los héroes enmascarados, nacido en 1952 con el estreno de El Enmascarado de Plata de René Cardona, película inspirada en la figura del Santo, quien, aunque con los años se convertiría en el auténtico icono de este tipo de cintas, rechazó aparecer en este film, siendo sustituido por El Médico Asesino, asimismo luchador profesional. Se trata de un cine con una clara vocación de consumo, siendo su principal rasgo definitorio el protagonismo de un (o varios) luchador(es) enmascarado(s), en la mayoría de las ocasiones atletas reales de lucha libre, aprovechando así su popularidad como reclamo comercial, el cual deberá hacer frente a base de mamporros al villano o el mal amenazante de turno, ya sea éste un gángster, una invasión alienígena o el mismísimo Drácula. De este modo, sus argumentos suelen bascular entre el policiaco, el terror, la ciencia ficción o la sexplotation, siempre según la moda del momento, alternando una galería de personajes arquetípicos exageradamente maniqueos, bajo un armazón argumental muy similar al del péplum que habitualmente es acompañado de una estética pulp.
A pesar de lo dicho, Neutrón, el protagonista de la cinta que nos ocupa, no es un luchador de wrestling, sino un superhéroe creado para la ocasión, cuya filmografía abarca cuatro títulos más: Neutrón contra los asesinos del karate (1965) y Neutrón contra el criminal sádico (1964) de Alfredo B. Crevenna, y Neutrón el enmascarado negro (1960) y Neutrón contra el dr. Caronte (1960), ambas de Federico Curiel, las cuales conforman con el film que nos ocupa una saga o serial, la de Neutrón contra el doctor Caronte, estando cada film compuesto por tres capítulos distintos[1], presentando cada uno de ellos una historia auto-conclusiva. Tal circunstancia es consecuencia de una orden ministerial que solo permitía a los productores de la película, los Estudios América, el rodaje de cortos que tuvieran una duración de media hora como máximo, lo que hizo que éstos establecieran el presente modelo en un intento de torear dicha orden, reciclando así un patrón que ya había sido utilizado con anterioridad por varios seriales/películas, como puede ser la coetánea saga de Nostradamus, el serial fantástico más popular de la época en el país azteca, con el que la presente comparte la presencia en su reparto de Jack Taylor -acreditado como Grek Martin- años antes de su llegada a España y su conversión en uno de los rostros más recurrentes de nuestro cine de género.
Como no podía ser de otra forma a tenor de los condicionantes comentados, los resultados de Neutrón contra los autómatas de la muerte y, por ende, del resto de integrantes de la trilogía, se muestran muy influenciados por los seriales estadounidenses de temática fantástica producidos en los años treinta y cuarenta, por un lado, y por los superhéroes del mundo del cómic, Superman sobre todo, por otro —quien también, por su parte, tuvo sus propios seriales—. Tanto es así que de la creación de Jerry Siegel y Joe Shuster toma prestado la incógnita con respecto a la identidad real de su protagonista y, con ello, el juego de sospechas entre los diferentes personajes para descubrir quién es en realidad el superhéroe, si bien, al contrario que en el caso de Clark Kent, en esta ocasión el espectador no llegue a conocer en ningún momento cual es la auténtica personalidad que se esconde tras la máscara de Neutrón.
Objetivamente hablando, la película no deja de ser de una calidad mediocre, a lo que contribuye su alucinado argumento, el cual da lugar a situaciones de lo más hilarantes, como aquella en la que el enano ayudante del doctor Caronte conduce un taxi, o la conversación mantenida en medio de la pelea final entre el héroe y el villano, charlando de la misma manera que si se encontraran sentados tranquilamente mientras toman un café. En el mismo sentido son también de destacar los cuantiosos números musicales que salpican el metraje, y que, tal y como son tratados, entorpecen la fluidez de la acción, plagándola por el contrario de numerosos tiempos muertos. Por otra parte, la planificación brilla por su ausencia y el diseño de producción solo puede ser calificado de modesto, lo cual reduce la trama, básicamente, a un puñado de escenarios interiores que se repiten a lo largo de toda la saga, entre los que no falta el típico laboratorio de paredes cubiertas por paneles saturados de bombillas parpadeantes. Sin embargo, el desparpajo, el descaro y la falta de complejos con los que está encarado el producto hace que sea un perfecto vehículo de entretenimiento que hará las delicias del aficionado más desprejuiciado, habiendo incluso lugar en su metraje para pequeños guiños destinados a tal efecto, caso del homenaje dedicado al Nosferatu de Murnau por citar el más evidente.
José Luis Salvador Estébenez
[1] En el caso que nos ocupa, el título de los tres diferentes segmentos que conforman la película eran originalmente Los autómatas de la muerte, El enano verdugo y La bomba diabólica.
