El cine fantástico del IIEC-EOC

La escuela oficial de cinematografía

La Escuela Oficial de Cinematografía de España fue una institución que operó en nuestro país, en Madrid concretamente, entre los años 1962 y 1976, y le precedió otra de muy similares características, el Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas (1947-1962). El propio gobierno franquista instauró este institución educativa a partir de diversas Órdenes Ministeriales, en un intento de formar a quienes accedieran a la industria del cine, no solo en el campo de la dirección, sino en otros muchos, como la interpretación, la producción, la fotografía, los decorados, etc. Cuando en 1962 se integra al Ministerio de Información y Turismo adquiere el nombre por el cual es más popular, y en 1976 se clausura y sus funciones pasan a depender de la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid.

Es en los años sesenta cuando el centro cuenta con la dirección de José Luis Sáenz de Heredia, gloria de la cinematografía nacional, pero también uno de nuestros cineastas más dotados, al menos durante las décadas de los cuarenta y cincuenta. Se considera esta como la etapa de oro de la Escuela, y se establece en un viejo palacete de la calle Monte Esquinza. Es entonces cuando pasan por el centro estudiantes después convertidos en realizadores tan reconocidos como Víctor Erice, Basilio Martín Patino o Francisco Regueiro, o posteriores directores de fotografía como el gran Luis Cuadrado. En su última etapa el centro es trasladado a una nueva sede en la Dehesa de la Villa, pero la profusión de huelgas y conflictos políticos dificultan la continuidad. Sin embargo, en esa época pasarán por la Escuela figuras como Iván Zulueta, Manuel Gutiérrez Aragón o Imanol Uribe.

Durante todo ese tiempo, los estudiantes realizaban prácticas, es decir, rodaban películas, con una duración entre cinco y treinta minutos, dependiendo del curso y también de la necesidad del propio film. Primeramente se rodaba en 16 mm., pero después se pasó a los 35 mm. Por lo general, en sus inicios se efectuaban documentales, y uno de los primeros ejercicios en el campo de la ficción fue Después de la fiesta subieron a la azotea (1961) de Víctor Erice, un corto mudo de cuatro minutos. Solían participar en estas prácticas alumnos de diferentes cursos, así primero, segundo y tercero, y cada uno se encargaba de diferentes aspectos del rodaje, según su especialización. Todo este material, es decir, los cortos rodados durante la existencia de la institución en sus dos denominaciones —así como documentación, exámenes, etc.— entraron a formar parte de la colección de la Filmoteca Española. Durante sus casi treinta años de existencia la Escuela produjo cerca de mil quinientos cortometrajes, obra de directores como Luis García Berlanga, Juan Antonio Bardem, Carlos Saura, Pedro Olea, José Luis Borau, Claudio Guerín y un largo etcétera, entre los que se incluyen, desde luego, los anteriormente citados.

Hacia los años sesenta, coincidiendo con la apertura de la instauración en las prácticas de historias de ficción, los directores y guionistas de la Escuela se fijaron en distintos autores literarios a los cuales adaptar, y dentro de esta corriente surgió cierta tendencia a versionar historias de terror y ciencia ficción. Escritores como Ray Bradbury, Isaac Asimov, Robert F. Young, David H. Keller, Robert Sheckley, Saki, Théophile Gautier o Guy de Maupassant fueron algunos de los que pasaron por esta institución. Cortos todos ellos, como es obvio, muy difíciles de ver, y que ocasionalmente se han podido visionar en diversos pases por parte de la misma Filmoteca. Según Asier Aranzubia, profesor de la Universidad Carlos III de Madrid, y comisario de una pequeña muestra que se proyectó en el cine Doré en agosto de 2019, denominada “El cine fantástico del IIEC-EOC”, logró detectar en los fondos de la Filmoteca al menos cerca de cuarenta cortos del género. Reunidos en tres sesiones, los que siguen son los cortometrajes que se emitieron en esas sesiones programadas. Esperamos que haya nuevas recopilaciones en un futuro próximo, dado que, por ejemplo, tenemos adaptaciones de El horla (Antonio Castro, 1969) de Guy de Maupassant, o El marciano (Francisco Montolio, 1965) de Ray Bradbury, o un corto con un título tan prometedor a priori como La última aventura de Roberto Alcázar y Pedrín (1968), de Luciano Valcerde.

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La lágrima del diablo (Julio Diamante, 1960/61). G: J. Diamente, basado en la obra teatral “Une larme du diable” de Théophile Gautier. F: Luis Cuadrado. Int.: Sergio Mendizábal, María Massip, Rafael Morales. 21’

La lágrima del diablo-1

Julio Diamante es uno de los directores de su época más valorados por la crítica, aunque hay que destacar que su carrera no fue excesivamente larga: a su cargo tenemos solo siete largometrajes, debutando con Los que no fuimos a la guerra (1962) y terminando con La Carmen (1976), ofreciendo además Helena y Fernanda – Neurosis (1970), una especie de aportación intelectualizada al fantaterror de la época. Aparte de dos documentales de breve duración tenemos este corto que entregó en 1961, basado en la obra teatral Une larme du diable (1839) de Théophile Gautier. Cabe resaltar que en la obra original la trama se centra en un enfrentamiento entre Dios y el Diablo; aquí, el primero es reemplazado por San Antonio, es posible que por prevención a representar visualmente al Hacedor, aunque cabe destacar que el corto ofrece unas insinuaciones eróticas bastante audaces para la época. El tono —igual que la obra teatral original— es de cierta ironía, donde el Diablo intenta hacer caer a una mujer, Alicia, en la tentación concupiscente. Asume una inflexión de fábula o conseja medieval, aunque la época en que transcurre se hace difícil calibrarla, y constituye más bien una alegoría moral de fuertes connotaciones religiosas. Resalta la excelente fotografía en blanco y negro de Luis Cuadrado, así como las interpretaciones, donde sobresale el matiz guasón de Sergio Mendizábal como el santo —su bailoteo en lo alto del campanario es modélico, así como sus irónicas expresiones beatíficas— y Emilio Fornet como el diablo Asmodeo, de aspecto adecuadamente lúbrico.

El parque de juegos (Pedro Olea, 1962/63). G: P. Olea, según el relato de Ray Bradbury. F: José F. Aguayo. Int.: Wilhelm Elie, Cecilia Villareal, Domingo Dominguín junior. 15’

Pedro Olea

Es curioso cómo por medio de una práctica como la presente se puede detectar ya el talento inherente en un autor. Pedro Olea, a mi juicio, es uno de los más talentosos realizadores de su periodo, aunque creo que a nivel crítico no está tan valorado como otros que, sin embargo, me resultan más imperfectos (y obviaré citar nombres). Títulos como El bosque del lobo (1970), Pim, pam, pum… ¡fuego! (1975), Un hombre llamado Flor de Otoño (1978) o Akelarre (1984), por citar unos pocos, demuestran una habilidad de narrador poco habitual. E incluso un producto de consumo tan chocarrero, en apariencia, como El día que nací yo (1991), en honor a la inclasificable Isabel Pantoja, demuestra una dignidad encomiable.

El parque de juegos fue la primera obra que Olea realizó en la EOC, para terminar con el que se comenta a continuación. Aquí parte de un relato del gran Ray Bradbury, “The Playground”, publicado originalmente en la revista Esquire en 1952, y después incorporado a la edición inglesa del libro El hombre ilustrado. En España se publicó como acompañamiento de Fahrenheit 451, con igual título que el corto. Se centra en los terrores que despiertan los niños con sus juegos y su crueldad implícita. El filme ofrece nombres anglosajones, y muestra un matrimonio interracial, que tiene un pequeño niño de cuatro años adorable. El padre tiene miedo de la violencia que los otros chicos puedan ejercer con él en el parque, pero la madre expresa que debe madurar y comprobar la dureza de la vida. El padre conocerá a un niño misterioso que le ofrecerá un curioso pacto. La fotografía en blanco y negro proporciona un aire de desolación, y los planos en el parque de los niños llenos de heridas, o infringiéndoselas, proporcionan un aire extraño, inquietante. La escena del pacto está montada en negativo, como aportando una visión distorsionada de la realidad. Un inicio muy prometedor de uno de nuestros mejores realizadores.

Anabel (Pedro Olea, 1963/64). G: P. Olea, basado en el relato “Ceremonia secreta” de Marco Denevi. F: Julián Arreo. M: Antonio Pérez Olea. Int.: Lola Gaos, Sarah Teall, María Trillo, Juan Luis Galiardo. 32’

Anabel

Anabel es un mediometraje basado en el relato “Ceremonia secreta”, incluido en el volumen de igual título publicado en 1960, y se centra en la extraña relación entre una anciana (Lola Gaos) que acude a un cementerio y una joven muchacha que, allí, la confunde con su propia madre. Se la lleva a su casa, donde comienza una relación de interdependencia muy peculiar. Pese a que su trama resulta un tanto confusa, las imágenes destilan una atmósfera depresiva, angustiosa, y un sentimiento impalpable de turbiedad contagia todas las imágenes. La excelente fotografía en blanco y negro de Julián Arreo —quien más adelante se centraría en el departamento de cámara de TVE— ayuda admirablemente a conferir esa aura inquietante al film, y como muestra de ello destaquemos ese plano final de Lola Gaos alejándose por una mísera callejuela del sórdido Madrid de aquel entonces.

Los buenos samaritanos (Francisco Montolío, 1965/66). G: F. Montolío, basado en un relato de Robert Sheckley. F: José Luis Alcaine. Int.: Jesús Ciuró, Christopher Morris, José María Resel. 28’

Los buenos samaritanos

Francisco Montolio solo dirigió una película, Tinto con amor (1968). Fue más activo en televisión, donde se hizo cargo de diversos episodios de series como Hora once, Cuentatopos, Candilejas o Eva y Adán, agencia matrimonial. Su paso por la EOC se saldó, en el campo de la realización, con dos cortos, El marciano (1965), basado en el soberbio relato de Ray Bradbury incluido en Crónicas marcianas, y el presente, donde, en esta ocasión, adapta a Robert Sheckley, y en concreto su célebre relato “Seventh Victim”, publicado originalmente en la revista Galaxy Science Fiction en 1953. Ese mismo relato sirvió de base para la película La víctima número diez (La decima vittima, Elio Petri, 1965), de la cual el escritor desarrolló una novelización, que publicó ese mismo año[1]. No sé si Montolio había visto la película de Elio Petri cuando abordó su corto, porque hay ciertas coincidencias estéticas, como esa predilección por destacar los tonos más chirriantes de la estética pop. Es curioso, pero también intercala en medio de la narración anuncios publicitarios con un tono irónico que suponen un precedente de los que aparecían en RoboCop (RoboCop, Paul Verhoeven, 1987). El corto, de manera aleatoria, provoca un intenso interés como, de pronto, se derrumba por ciertas torpezas expositivas, claramente comprensibles en un trabajo de estas características. El actor que hace del cazado carece del suficiente carisma como para servir a una trama que de hecho debe sostenerse sobre ello, y resulta muy divertido ver a los cazadores, caracterizados como si se tratara de gánsteres profesionales.

El robot embustero (Antonio de Lara, 1965/66). G: A. de Lara, basado en un relato de Isaac Asimov. F: Magí Torruella. Int.: Francisco Amorós, Flor de Bethania Abreu, Luis G. Páramo. 16’.

Antonio Lara es un director sobre el cual es difícil hallar información. En la base de datos de internet imbd lo mezclan con Antonio de Lara, el célebre Tono. En realidad, el que nos ocupa estudió en la EOC y dirigió cuatro cortos en ese lapso, el presente, que fue el primero de ellos, más La amante estelar (1968) —donde parecen salir Claudia Cardinale y Barbara Steele, supongo que por medio de imágenes de sus películas—, Entre la memoria y el sueño (1969) y Después del tiempo – Experiencias (1969).

Isaac Asimov ¡Embustero!

El robot embustero es una adaptación muy libre del relato de Isaac Asimov “¡Embustero!” (“Liar!”), aparecido en su origen en el Astounding Science-Fiction de mayo de 1941. El célebre robot del relato es Herbie, o RB-34, que lee las mentes de los humanos y miente intencionadamente a las personas. El corto comienza con un rótulo donde se explican las tres célebres leyes de la robótica asimovianas, y después se nos presenta un androide femenino que practicará esos embustes. Parece con eso contravenir las leyes robóticas, pues con esa actitud lastima, aunque sea en el aspecto moral, a un ser humano, pero en realidad se trata de “mentiras piadosas” para no herirlo. La robot de este corto habla con igual voz metalizada que la posterior de Androides Inc. —¿formarán parte de un mismo universo?— y la ambientación es bastante austera, con mujeres vestidas con ceñidos bodis deambulando por escenarios vacíos. Lo peor es el sonido, y resulta muy difícil entender a los actores; hablan en susurros, tienen una floja dicción y, cuando hay música o efectos sonoros de fondo, ya hay que adivinar lo que declaman. Este es un problema, por cierto, que se extiende a otros cortos, y necesitarían un trabajo de edición para arreglar ese problema.

Ágata (Iván Zulueta, 1965/66). G: I. Zulueta. F: Magí Torruella. Int.: María Trillo, Luis G. Páramo, María Victoria Muela, Juan Tébar, Pilar Miró, Vicente Molina Foix. 18’.

Ivan Zulueta

Iván Zulueta

Iván Zulueta (1943-2009) fue uno de los cineastas de culto de nuestro cine, y con una única película, Arrebato (1979), entró en esa categoría, aunque con anterioridad rodara otra, Un, dos, tres… al escondite inglés (1970), que está logrando igual rango. En realidad, Zulueta fue un artista tirando a inclasificable, y su faceta como realizador cinematográfico fue una de tantas. Destaquemos también su labor de ilustrador, en la cual efectuó diversos pósters de películas de Almodóvar. Dentro del campo cinematográfico fue más activo por sus cortometrajes; Ágata fue el primero de ellos, al que siguió otros diez, entre los que destacan Kinkón (1971) y Frank Stein (1972), reinterpretaciones experimentales a partir de las imágenes de dos clásicos como King Kong y El doctor Frankenstein.

Ágata es un guion original de Zulueta, pero es fácil detectar la fuente de inspiración en el magistral relato de Edgar Allan Poe “El retrato ovalado” (“The Oval Portrait”, 1842). En el cuento, un pintor mediocre logra hacer su obra maestra retratando a una mujer; pero a medida que traslada la esencia vital de la modelo al cuadro, esta va enfermando, y con la última pincelada ella expira. Aquí tenemos a un pintor que contacta con una modelo. En un acceso de furia del hombre, ella decidirá vengarse y usará para ello los cuadros que él tiene autorretratándose, y por medio de pinceladas le transmite dolor. Con elementos muy sencillos Zulueta comunica una atmósfera muy turbia, y el efecto de montaje es esencial para implantar emociones. Significativo es el uso de niños en la película: un plano inicial con tomas cercanas de varios, otros que se cruzan por la calle con la protagonista cuando esta entra en el estudio del pintor, y otros dos en un bar, en la misma mesa donde ella está comiendo un bocadillo; parecen representar la esencia vital de la que ella se va alimentando. El corto, además, constituye un borrador de Arrebato, donde el vampirismo pictórico que aquí se muestra se tornará en vampirismo cinematográfico en el largometraje.

La ventana (Carlos Gortari, 1965/66). G: C. Gortari. F: Magí Torruella. Int.: Flor de Bethania Abreu, Concha Grégori, Fernando de Rojas. 12’

Carlos Gortari tiene una filmografía muy breve, con solo dos cortos que rodó en la EOC, el presente y La gran plegaria ante los muros de la ciudad (1967), y también salió como actor en el citado El horla, aunque puede que efectuara otras labores más en esa etapa que no estén documentadas. En realidad, Gortari fue luego más activo en el campo de estudioso del Séptimo Arte, donde sus labores más conocidas fueron ser, por ejemplo, durante una etapa director general de Cinematografía, director del Festival de Cine de San Sebastián y director del Instituto Oficial de Radio y Televisión (IORTV), organismo dependiente del ente público RTVE. Recientemente ha aparecido efectuando declaraciones en el documental Regresa El Cepa (2019), de Víctor Matellano, centrado en la polémica en torno a El crimen de Cuenca (1980), de Pilar Miró, que aconteció mientras él era director general de cine.

La ventana es un corto muy extraño, pues está construido por medio de dos arcos argumentales un tanto divergentes. El primero comienza como una comedia y termina como un drama: un muchacho de pueblo llega a Madrid y sufre las mofas de la gente de la calle, y luego llega a un hospital donde es sometido a reconocimiento, donde se le sugiere pasar una temporada en el campo. Esa parte inicial dispone de un acento muy documentalista, con planos de las calles de la ciudad, del metro —muchas miradas a la cámara, e incluso un individuo tapándose la cara con un periódico— o del hospital, donde se ven pacientes con lesiones haciendo rehabilitación. Después, la escena en el caserón campestre es muy breve, donde una muchacha se vuelve a mofar del protagonista, muy asustadizo con los perros.

¿Qué hay en el desván? (Juan Tébar, 1966/67). G: J. Tébar, basado en el relato de David H. Keller. F: Roberto Gómez. Int.: Yelena Samarina, Tomás Mas, Julio Madurga. 18’.

Juan Tébar

Juan Tébar es uno de los profesionales más interesantes y poco valorados dentro del campo cultural español. Como director, en el sentido estricto del término, solo tiene una película, Cuentos eróticos (1980), que se trata de un film coral articulado por medio de sketches. Y en televisión ha dirigido algunos episodios de series. Su labor como guionista es más abundante e incluso esencial, así en el séptimo arte podemos destacar películas tan interesantes como La residencia (Narciso Ibáñez Serrador, 1969), de la que escribió la historia en la que se basó Chicho para dar forma al libreto del film, Ceremonia sangrienta (Jorge Grau, 1973), o algunas colaboraciones con el excelente Jaime de Armiñán, como son El amor del capitán Brando (1974) o ¡Jo, papá! (1975). En televisión, por su parte, escribió para series tan estimulantes como Historias para no dormir, Hora once, Ficciones o Los libros. Su erudición en el campo del horror le llevó a ser director de una colección de quiosco del género, la mítica «Biblioteca del Terror» que publicó Fórum entre 1983 y 1985.

Esa erudición en el género terrorífico se traslada a este cortometraje, que se basa en un relato de uno de esos oscuros escritores de revistas como Weird Tales o Amazing Stories, David H. Keller (1880-1966). “The Thing in the Cellar” se publicó en el número de marzo de 1934 de Weird Tales, y en España se publicó como “Algo hay en el sótano” en el volumen Con los pelos de punta (1965) de la no menos mítica «Biblioteca Oro Terror» de Molino. En la adaptación a corto, del sótano hemos subido al desván, supongo que por adecuación del escenario de rodaje elegido, y se centra en un matrimonio que tiene una peculiar manera de educar a su hijo, un niño que no quiere subir al desván porque tiene miedo de algo que mora ahí arriba. En ciertos momentos se parece aludir al tono de fantasía católica de un film (tan excelente) como Marcelino pan y vino (Ladislao Vajda, 1955), pero pronto el tono se hace más cercano a uno de los episodios de la aludida Historias para no dormir o, ¿por qué no?, incluso uno de los sketches de las películas de la Amicus. Una narración gozosa, que cautiva a lo largo de su metraje, y que deja palpable el amor de Tébar sobre este tipo de productos, donde destaca un breve flashback rodado en negativo, que le otorga una interesante turbiedad.

Soy leyenda (Mario Gómez Martín, 1966/67). G: M. Gómez Martín, Alfonso Núñez Flores, basado en la novela de Richard Matheson. F: Jesús Ocaña. Int.: Moisés Menéndez, Elisa Ramírez, José María Resel, Ricardo Palacios. 30’?

Toda una rareza representa la versión española de Soy leyenda que dirigió Mario Gómez Martín durante el curso 1966/1967. En su estancia en la Escuela, Gómez Martín se hizo cargo de cinco cortometrajes, el presente más Los delatores (1964), Más allá de las rejas (1965), La sombra continua (1966) y Can (1969). Por medio de la base de datos imdb solo hemos podido localizarle otra labor, un programa especial para TVE titulado Ciertos reflejos: La Chunga (1978), centrado en la famosa bailaora, por lo cual cabe suponer que tras concluir en la Escuela Oficial de Cine acabó trabajando para nuestra televisión oficial, donde rodaría una diversidad de programas o series que, a día de hoy, aún faltan por catalogar.

Soy leyendaRichard Matheson siempre se quejó de la falta de fidelidad de las adaptaciones que se hicieron de su novela Soy leyenda (I Am Legend, 1954). Si hubiera conocido la presente, no sé si se hubiera irritado, por hacerse sin su conocimiento y sin pagar derechos, o se hubiera alegrado, porque es la versión más fiel de su magnífico texto literario. Es curioso, porque recuerda enormemente a la versión cinematográfica rodada unos pocos años antes, The Last Man on Earth / L’ultimo uomo della Terra [dvd: El último hombre sobre la Tierra / Soy leyenda, Sidney Salkow, 1964], que no se estrenó en España, incluso en un detalle tan peculiar como mostrar a su protagonista, Robert Neville, matando vampiros provisto de una máscara antigás, o los flashbacks con la esposa. Dada su duración, la historia está muy concentradita, y todo el monólogo final está copiado tal cual del libro. Una obra muy valiosa, con un look muy inquietante para los vampiros, que hace lamentar que Gómez Martín no prosiguiera por esta vereda. Resaltar que la Filmoteca anunció que el corto duraba catorce minutos; fiándome de ello, no me molesté en cronometrar, sin embargo la realidad es que ronda la media hora.

Plan Jack Cero Tres (Cecilia Bartolomé, 1966/67). G: C. Bartolomé, basado en un relato de Gonzalo Suárez. F: Alfonso Gil. Int.: Gladys Ansola, Charo López, Julián del Monte, Paul Naschy. 23’.

Plan Jack Cero Tres

Junto a Pilar Miró y Josefina Molina, Cecilia Bartolomé fue una de las primeras mujeres en diplomarse en la EOC, donde se graduó con el mediometraje Margarita y el lobo, basado en la novela de Christiane Rochefort, y que representa una alegoría sobre la situación de la mujer dentro del matrimonio. Su última película ha sido Lejos de África (1996) y fue galardonada en 2012 con el premio Mujeres de Cine en el Festival Internacional de Cine de Gijón, en 2014 con la Medalla de Oro al mérito en las Bellas Artes de España y en 2018 con el premio especial de la Academia Valenciana del Audiovisual. En su etapa en la EOC dirigió los cortos La noche del doctor Valdés (1964), Carmen de Carabanchel (1965), La brujita (1966) y el presente, que fue el último de ellos y está basado en un relato del también director Gonzalo Suárez.

Aquí, directamente, no tenemos ni fantasía ni ciencia ficción, sino una especie de humor estrambótico, más en la línea del teatro del absurdo de autores como Ionesco que del cine fantástico, ya sea el más tradicional, como los terrores de serie B de Bela Lugosi, o el más ambicioso, como el de directores del talante de Alain Resnais. La trama parece ir en torno al intento de seducción de una rica millonaria, para lo cual se plantea una confabulación de lo más retorcida. Se estudia el físico de sus seis maridos, destacando los elementos de su rostro que, en cada uno de los casos, más le gustaba, creándose un retrato robot a partir de ahí, el resultado del cual es una imagen de Humphrey Bogart, por lo cual se hace un cierto retoque estético a un personaje que no se le parece en nada. El que prepara todo tiene una villa donde hay un hombre-timbre, unas mujeres-silla y un hombre-tocadiscos, es decir, ellos efectúan esas labores. Lo más curioso del film es descubrir en sus inicios a una irreconocible Charo López como la chica de las pruebas, y a Paul Naschy como uno de los tres gánsteres. Por lo demás, debe ser una alegoría complejísima de algo que el abajo firmante no ha terminado de comprender.

Androides Inc. (Emilio Arsuaga, 1968/69). G: E. Arsuaga, basado en el relato de Robert F. Young. F: Julio Madurga. Int.: Francisco Bruño, Elena Escobar, Julio Morales, Gloria Berrocal. 14’.

Emilio Arsuaga es un autor mucho menos conocido que otros aquí citados. De hecho, de él solo tenemos conocimiento de este corto así como de otro, Memoria de un suicidio (1973), así como otro corto pero este documental, La ruta del gótico (1971), co-dirigido con Manuel de la Pedrosa. También nos consta otro documental con guion suyo, Comportamiento del fuego forestal (1983), de Shole Hejazi. No hemos localizado más datos acerca de él.

Robert F. YoungEl corto “Androides Inc.”, por su tono, aparentaría al principio basado en un relato de Ray Bradbury o Isaac Asimov, pero en realidad parece proceder de otro de esos ignotos escritores pulp prácticamente desconocidos en España. Robert F. Young (1915-1986) se especializó en ciencia ficción, y publicó solo cinco novelas y un montón de relatos cortos en diversas revistas del género como Fantastic Stories of Imagination o Amazing Stories. De Androides Inc. no hemos podido localizar la edición original, así que es muy posible que sea un título inventado a partir de otro diferente en el relato original. Aunque también recuerda un tanto a una historia de Ray Bradbury titulada, curiosamente, “Marionettes, Inc.” (Startling Stories, 1949) —en España, como extra de El hombre ilustrado—, así que puede que en realidad esté mal acreditado.

La historia se centra en una familia, conformada por un joven matrimonio y un hijo de unos diez años. Al hogar llega un androide femenino, comprado por el marido, con el fin de ayudar en las tareas del hogar y en la educación del niño. Desde el inicio la mujer mira al robot con desconfianza, pero en las confrontaciones que se presentan el hombre siempre da un voto de confianza al ingenio mecánico. La ambientación futurista se puede sospechar a partir de la escasez de presupuesto, con cuartos desnudos con una mínima decoración de aspecto considerado en aquel entonces vanguardista. Es muy divertido el televisor, de aspecto típico de la época, pero colocado sobre un pedestal marmóreo, para resaltar su importancia capital dentro del entorno hogareño. Aceptando las limitaciones establecidas, esa ambientación es medianamente aceptable, dentro de los cánones del cine de la época, salvo al final, cuando el marido sale a la calle, donde es mucho menos convincente. A la robot se le otorga una voz metalizada distorsionando el sonido, tal como referimos antes, y las interpretaciones son admisibles, resaltando el niño, que resulta muy divertido cuando se muestra huraño.

El espíritu (Juan Tamariz, 1968/69). G: Antonio Carrasco, L. Santamaría, Juan Tamariz. F: Enrique Banet. Int.: Gloria Berrocal, Julio Morales, Luis G. Páramo, Carmen Maura. 13’.

Juan Tamariz

Juan Tamariz

Todo el mundo conoce a Juan Tamariz, magnífico ilusionista que tiene una merecida fama mundial en ese campo. Pero Tamariz también ha estado relacionado con el mundo del cine y la televisión. En este último campo es sobre todo famoso por haber encarnado a Don Estrecho, uno de los jurados del concurso Un, dos, tres, responda otra vez durante la etapa 1976-1977. Estudió en la EOC, dentro de la cual dirigió dos cortos, Muerte S.A. (1967) y el presente, ambos a partir de un guion original del artista. La historia no puede comenzar de un modo más tradicional: una sesión de ouija celebrada por los protagonistas; uno de ellos parece quedar embelesado, e irá en busca de un fantasma indefinido del que parece haberse enamorado, que aparece en los rasgos de una jovencísima y bellísima Carmen Maura. El corto inspira simpatía, pero es obvio que no termina de aprovechar sus posibilidades debido a unas ambiciones desmesuradas poco acordes con los medios y capacidades de que se disponen. Además, la sonorización es pésima, con los diálogos que no se ajustan a los labios de los intérpretes, dudándose muchas veces quién está diciendo qué.

El león (Enrique Álvarez Diosdado, 1969/70). Int.: Antonio Costafreda, Guadalupe Güemes, Malik Abidin. 10’.

Pese a la coincidencia en el nombre, el realizador de la presente no es el actor de igual apelativo, más conocido como Enrique Diosdado, y padre de Ana Diosdado. Aparte de eso, nada más hemos localizado de este desconocido director. Aquí tenemos la historia de un oficinista gris, que es ignorado por compañeros y jefe, e incluso en un bar donde intenta tomar algo. Sin embargo, en un alarde de valentía, por fin efectuará un acto que se aparta de las normas, subiéndose a un león de la Cortes: la gente solo te toma en cuenta si realizas acciones en contra de lo establecido. La historia es sencilla y elemental, así como la puesta en escena, y destaca la interpretación del actor Antonio Costafreda, Goyo en Crónicas de un pueblo, que logra crear un personaje gris sin resultar gris en sí mismo.

La retransmisión (Miguel Ángel Díez, 1973/74). F: José Luis Martínez. Int.: Miguel Arribas, Miguel Ángel Requejo, Juan Lombardero, Eduardo Puceiro. España. BSP. 10’.

Cartel de “Pecado mortal”, la que fuera la ópera prima en el formato largo de Miguel Ángel Díez

Miguel Ángel Díez es un director de breve recorrido, y solo los cinéfilos estudiosos del cine español se habrán fijado en su nombre. De sus cuatro largometrajes realizados, al menos dos tuvieron cierto eco, De fresa, limón y menta (1978), con guion de Fernando Colomo, y Luces de bohemia (1985), según el original de Valle-Inclán. También ha trabajado en televisión, dirigiendo numerosos episodios de La casa de los líos (1996-2000) y de Los ladrones van a la oficina (1993-1997). Como puede verse por esos precedentes, mucho interés en el género fantástico no ha mostrado, y de hecho su corto La retransmisión puede considerarse como tal desde una perspectiva alegórica. Un hombre conduce impaciente hacia su casa —atención al flipante plano de un perro sentado en medio de la vía, en un elemento que no parece intencionado—; mientras, por la radio, está escuchando un partido de fútbol. Su intención es llegar lo antes posible para seguir viéndolo por televisión, y por el camino vemos que otra gente se muestra igual de aborregada con el partidito de marras. Pero comienzan a suceder una serie de elementos —no se sabe si casuales o forjados por un destino sobrenatural— que supondrán un impedimento para su plan. Con un cierto tono de comedia, el corto constituye una metáfora sobre la alienación de cierta gente con el fútbol, y se puede ver un poco en la línea de célebres obras televisivas como La cabina (1972) de Antonio Mercero. Los decorados de este corto, por cierto, son de Colomo.

Carlos Díaz Maroto

[1] En España el relato original se ha editado muchas veces, aunque no desde hace mucho tiempo: la última edición es en La décima víctima (Acervo, 1978), donde se ofrece tanto la referida novelización como el relato original.

Published in: on septiembre 6, 2019 at 5:52 am  Dejar un comentario  
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Presentado el proyecto “#ponovenganza”, cortometraje de terror dirigido por Ignacio López

#pornovenganza

Lo que en principio parece una conversación entre dos amigos poco a poco irá tornando en un juego cruel en el que la vida de varias personas correrá peligro. Esta es la sinopsis de #ponovenganza, el nuevo cortometraje de Ignacio López (Killgirl). Protagonizada por la actriz Alejandra Meco (El secreto de puente viejo), el corto es definido por sus responsables como “un demencial viaje a la locura de los peligros que esconde la red, una nueva dimensión del terror donde nadie está a salvo”. Produce la productora independiente Panic in frames en colaboración con Engendros Films.

Más información en Twitter con el hastag #ponovenganza

Published in: on julio 7, 2019 at 8:57 am  Dejar un comentario  

“Distortion”, cortometraje de terror dirigido por Grégory Papinutto

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Distortion es un cortometraje de terror dirigido por Grégory Papinutto. Tras más de diez años realizando películas publicitarias corporativas, este cineasta decidió embarcarse en algunos proyectos personales. Primero, dirigió dos documentales sobre artistas, cuyo éxito en el circuito de festivales le dio la confianza para dirigir Distortion, nacido originalmente como un largometraje. “Este proyecto, aunque ambicioso, es simplemente el cumplimiento de una pasión de toda una vida por el cine de género”, explica Papinutto.

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Sinopsis: En un pueblo pequeño, siete amigos de toda la vida acuden a una fiesta organizada por un tipo en un convento abandonado donde es vigilante nocturno. Cuando Dianne se despierta de la eufórica neblina de la rave, las cosas no están del todo bien. Ahí es cuando todo se sale de control. ¿Tienes lo que se necesita para resistir el alucinante horror de la pesadilla de Dianne?

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“Para crear la atmósfera de Distortion, vi cientos de películas y tomé nota de todas las emociones y sacudidas particulares que impregnan al cine de género de su poder único para cautivar a los espectadores”. Para tal fin tomó la decisión de no utilizar efectos infográficos y hacer maquillajes SFX en la pura tradición de las películas de terror, que le llevaron tres meses de creación y tres horas de maquillaje sobre los actores antes del rodaje. En el mismo sentido, para crear la atmósfera buscada la fotografía buscó la luz de fuentes que vinieran casi todas desde el exterior; con un sesgo de colores brillantes, en contra de la tendencia actual del cine de género, un poco en la tradición del giallo. Y, por último, crear una banda sonora formada por una música que resultara original, moderna y brutal, para lo que contó con uno de los miembros del grupo de música electrónica de vanguardia “Lakker”. Por otra parte, el ingeniero de sonido grabó docenas de sonidos (portazos, chirridos de puertas) durante toda la noche en el plató, que Dara Smith sampleó y mezcló para crear la música.

He aquí el resultado:

Published in: on enero 16, 2019 at 7:11 am  Dejar un comentario  

Entrevista a Davide Melini

Davide Melini

Con el 2018 casi finalizado, toca repasar uno de esos cortometrajes multipremiados con más de cien galardones obtenidos en certámenes de todo el mundo, incluyendo España, Italia, Reino Unido, Estados Unidos, India o Francia. Bajo el título de Lion (2017), el corto, de excelente factura, supone un extraño cruce entre el cine denuncia y el fantastique que versa sobre un niño maltratado por su padre y el sufrimiento vivido en el hogar. Una tortura que llega a su fin de la manera más inesperada… 

Así pues, hemos contactado con su realizador, Davide Melini, un cineasta con proyección que ya está preparando lo que será su primer largometraje y que muy amablemente aceptó contestar a nuestro cuestionario.    

Primero, hablemos un poco de sus inicios. Nació en Roma a finales de los años setenta, pero ¿en qué momento se inicia su pasión por la industria del cine?

Siempre he tenido esa pasión. Mi tío trabaja en el cine desde hace cuarenta años y a través de él he descubierto este increíble mundo desde pequeño. Recuerdo que muchas veces iba a visitarlo mientras estaba trabajando. ¡Es algo que siempre me ha fascinado!

¿Ha realizado estudios cinematográficos?

Mi verdadera escuela ha sido la pantalla. Horas y horas viendo películas de todos los géneros. Mientras estoy viendo una película la analizo desde todos los puntos de vista. ¡Esa es la mejor forma de aprender! Después, cada director tiene que ser capaz de desarrollar su propio estilo.

Y como espectador, ¿qué géneros son los que más le gustan? ¿Tiene algunos directores de cabecera?

He visto y amo todo el cine en general: desde el blanco y negro al color, desde las películas mudas a las sonoras… Si una película está bien realizada y es capaz de hacerme llegar su mensaje, me da igual que su género sea thriller, terror, fantástico, western, histórico, dramático o comedia. Me gusta tanto el cine del Gordo y el Flaco o el de Charlie Chaplin como el más actual. Respecto a la segunda cuestión, cuando pienso en quién me ha influenciado más, me vienen a la mente muchísimos nombres (¡una lista realmente infinita!). Al respecto me gusta decir que estoy influenciado por todos y por ninguno.

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En la década del 2000 arranca su trayectoria profesional. Ha trabajado, por ejemplo, en los equipos de ayudantía de dirección de importantes series como Roma (2005-2007) o Penny Dreadful (2014-2016). ¿Fue un buen aprendizaje?  

Sin duda. Son grandes producciones con grandes presupuestos y eso hace posible que una persona pueda trabajar en decorados increíbles y con actores importantes. Roma tenía un equipo técnico y artístico de primer nivel, con recursos y materiales técnicos de primera calidad. Los vestuarios y los efectos especiales de maquillaje eran increíbles, pero lo más impresionante eran los decorados, perfectamente reconstruidos en el interior de los famosos estudios de Cinecittá. A un lado estaba el set de Gangs of New York (Gangs of New York, 2002) y al otro el de Roma… Es difícil explicar lo que se siente a alguien que no lo ha visto con sus propios ojos…

En Penny Dreadful tuve la suerte de poder trabajar junto a estrellas como Timothy Dalton, Josh Hartnett, Wes Studi y Sarah Greene. Estuvimos grabando en el desierto de Almería y en el interior de Fort Bravo, en Tabernas, que es el mayor estudio de cine western de Europa. Fue un verdadero orgullo para mí, porque muchos spaghetti-westerns se rodaron ahí; obras maestras como Por un puñado de dólares/Per un pugno di dollari (1964), La muerte tenía un precio/Per qualche dollaro in più (1965), El bueno, el feo y el malo/ Il buono, il brutto, il cattivo (1966), Hasta que llegó su hora (C’era una volta il West, 1968), Le llamaban Trinidad (Lo chiamavano Trinità…, 1970), Le seguían llamando Trinidad (Continuavano a chiamarlo Trinità, 1971)… La emoción de pisar ese desierto, sabiendo que por allí habían pasado Clint Eastwood, Charles Bronson, Claudia Cardinale, Henry Fonda, Brigitte Bardot, Harrison Ford, Sean Connery, Yul Brunner, Bud Spencer, Terence Hill, Gregory Peck, Steve McQueen y Faye Dunaway, entre otros, es algo indescriptible.

Otro proyecto en el que pudo ejercer como asistente de dirección fue La terza madre [dvd: La madre del mal, 2007], de Dario Argento. ¿Cómo fue la experiencia?

Cuando se habla de Dario Argento es inmediato pensar en la trilogía de los animales –El pájaro de la plumas de cristal (L’uccello dalle piume di cristallo, 1970), El gato de las nueve colas (Il gatto a nove code, 1970) y Cuatro moscas sobre terciopelo gris (4 mosche di velluto grigio, 1971)-, en Rojo oscuro (Profondo Rosso, 1975), Suspiria (Suspiria, 1977) e Inferno (Inferno, 1980), en Phenomena (Phenomena, 1985) … Películas que han aterrorizado al mundo y han ejercido una importante influencia en otros grandes directores, como John Carpenter, Quentin Tarantino, Brian De Palma, William Friedkin… Ver trabajar a Dario Argento detrás de la cámara es algo absolutamente increíble. Y no bromeo si te digo que cada día es como si fuera una verdadera lección de cine. Ha sido otro sueño que he podido hacer realidad: ¡trabajar con el “Maestro” del terror italiano!

En 2006 filma Amore estremo, su primer cortometraje como guionista y director, al que sigue La sceneggiatura, estrenado el mismo año. Con ellos ya quedan claras sus preferencias por el cine de terror y misterio. ¿Quedó satisfecho con los resultados?

Pienso que en la vida de una persona todo es relevante y nada debe ser obviado: ni las experiencias más positivas ni las más negativas. Amore estremo era un thriller muy oscuro y violento, que se basaba en un amor secreto e imposible entre dos jóvenes (Michela Bruni y Leonardo Pace). La idea principal era descubrir los límites del amor. A pesar de que el guion era bueno, la película deja mucho que desear. Fue la primera vez que estaba detrás de la cámara y el resultado fue un cortometraje amateur. Sin embargo, Amore estremo fue sin duda un paso necesario en el desarrollo de mi carrera, porque experimenté por mí mismo lo difícil que es pasar del guion a la realización. En el mismo año lo intenté de nuevo rodando La sceneggiatura, un cortometraje de terror puro, donde un joven y galardonado guionista (Matteo Pianezzi) comienza a escribir una película de terror, a pesar de la reticencia de su novia (Claudia Nicosia). Pronto se dará cuenta de que, a veces, mezclar la realidad con la imaginación puede ser muy peligroso. Con esta película empecé a ver las cosas de una manera diferente y, aunque no es perfecta, la considero como el primer cortometraje profesional que he hecho. Con La sceneggiatura empecé a participar en festivales y gané mi primer premio.

 

Después vinieron otros cortometrajes como The Puzzle (2008) o The Sweet Hand of the White Rose (2010)…

Son dos cortos muy diferentes. The Puzzle es un thriller puro: después de discutir con su hijo (Alessandro Fornari), una mujer (Cachito Noguera) decide relajarse con su pasatiempo favorito: haciendo un puzle. Pero, a veces, los puzzles esconden misterios oscuros y tremendos… A pesar de la gran cantidad de trabajo que tenía, el conocido productor malagueño Ezekiel Montes pudo reservarme un día de rodaje, así que empecé a pensar en cómo involucrar al público, pero era una tarea muy difícil. ¿Qué podía hacer en tan poco tiempo? Sabía que sólo podía rodar un cortometraje de cuatro o cinco minutos, por lo que lo aposté todo al ritmo. ¡Era lo único que me interesaba! Pensé que si yo no podía contar mucho con la historia, el corto tendría que depender totalmente de la parte visual. Y eso es exactamente lo que hice. ¡Y tuve suerte! Creo que esa fue la clave de su éxito.

The Sweet Hand of the White Rose es un cortometraje puramente fantástico, un cuento oscuro, lleno de momentos dramáticos, aunque, en comparación con The Puzzle, es mucho más suave y menos claustrofóbico: para olvidarse de una acalorada discusión, un chico (Carlos Bahos) decide coger su coche y marcharse lo más lejos posible. Sin embargo, un pequeño error y el encuentro con una niña llamada “Rosa Blanca” (Natasha Machuca) cambiarán su vida para siempre… Debo admitir que con este corto cumplí otro de mis deseos: ¡rodar en un cementerio por la noche! La mayor parte del corto fue filmado en el Cementerio Monumental de San Sebastián, situado en Casabermeja, que es, sin duda, el cementerio más hermoso de Málaga.

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Llegamos así a Lion, un magnífico trabajo en el que mezcla drama social con género fantástico, una combinación que ha sabido manejar con acierto. Para aquellos que aún no lo hayan podido ver, ¿cómo lo definiría?

Es una verdadera denuncia contra la violencia infantil. Un cortometraje puramente dramático que está ambientado en un contexto fantástico.

¿Y cómo nació la idea? ¿Quiso hacer un alegato contra los malos tratos, pero desde su prisma personal? ¿O estaba buscando ideas para un cortometraje de género fantástico y de golpe pensó en tratar el cine dramático?

Después de mis dos últimos cortometrajes de género thriller/fantástico, sentí una fuerte necesidad de cambiar y de hacer algo que fuera capaz de tocar la psique del espectador y a la vez de dejar una marca muy profunda a nivel visual. Como dije anteriormente, cuando escribo un guion mi mente siempre debe estar clara y no tener restricciones. Siendo así, la historia casi se escribe sola. En el caso de Lion me impuse sólo una condición: aislar completamente a los personajes, ubicándolos en una localización alejada de la población. Quería crear un ambiente lo más claustrofóbico posible y por eso eliminé cualquier vía de escape: un chalet aislado, situado en el medio de un bosque cubierto de nieve. Al optar por esta opción, la atención del espectador se desplazará inexorablemente a la única luz presente, que es la de la casa. Sabiendo desde el principio que será imposible escapar, el chalet conseguirá aún más fuerza. Después, una vez que el espectador se vea arrinconado, sabiendo que no podrá huir, hago pasar por delante de sus ojos todo tipo de horrores…

El reparto cumple muy bien su cometido, pero tal vez quién destaque sea el niño Pedro Sánchez, que por cierto ha recibido numerosos premios por su interpretación. ¿Cómo le encontró? ¿Fue su primer trabajo como actor?

Aunque ya había participado en algunos anuncios publicitarios y había trabajado como modelo, lo cierto es que Lion fue su primer proyecto cinematográfico. El encuentro fue totalmente casual: un día vi que una señora presentaba a su hijo en un grupo de cine de Facebook y su rostro me ofreció exactamente lo que tenía en la mente, lo que estaba buscando. Totalmente convencido de que era el actor que quería para ese personaje, le pedí a mi director de casting, Carlos Bahos, que se pusiera en contacto con la madre y la invitara a traer a su hijo al casting que tenía previsto celebrar unos días más tarde. ¡Y así fue! Ya en la prueba que le hicimos frente a la cámara se veía que era un verdadero fenómeno. ¡Y todos los premios que ha ganado, desde Hollywood hasta Nueva York, pasando, entre otros lugares, por Miami, Chicago, Londres, Roma y Moscú, son más que merecidos!

En Lion también tienen mucha importancia los efectos especiales. ¿Fue muy complicado llegar hasta el resultado final?

Si hablamos de efectos especiales de maquillaje, no hubo absolutamente ninguna complicación, ya que tuvimos la suerte de contar con un equipo de primer nivel, formado por Sarah O’Brien (Penny Dreadful), Daniele Nastasi (Star Wars) y Niahmy Glynn (Thor: Ragnarok). Si, por el contrario, hablamos de los efectos visuales, ahí sí tengo que reconocer que fue muy difícil. Al principio teníamos dos técnicos encargados de toda la parte digital y, aunque hicieron un buen trabajo, tanto la producción como yo queríamos algo todavía mejor. Éramos conscientes de la importancia que los efectos visuales tienen en este tipo de películas y por eso decidimos de dar el trabajo a Luca Visual FX, un profesional italiano que vive en Londres. Con su equipo pudieron mejorar mucho toda la parte digital y… ¡hasta el día de hoy han ganado diecisiete premios!

En estos momentos está trabajando en Deep Shock, un nuevo cortometraje de terror. Visto el trailer, parece ser que quiere rendir tributo al giallo. ¿Qué nos puede contar de él?

Este cortometraje nació con la idea de celebrar el giallo italiano y, en particular, rendir un verdadero homenaje a los dos directores que han consagrado el género: Mario Bava y Dario Argento. No es casualidad que el título del corto sea una mezcla entre Deep Red (Rojo oscuro) de Argento y Shock de Bava. Dicho esto, sin embargo, hay que añadir que Deep Shock es una película absolutamente independiente y autónoma, que viaja sobre pistas precisas. Mi idea era recrear la magia y el suspense de algunas películas de los años 70, pero utilizando la tecnología actual. Deep Shock se estrenará en 2019 y será mi último cortometraje, antes de intentar dar el salto al largometraje.

¿Y qué nos puede adelantar de ese primer largometraje?

Aún no puedo decir nada. Hablar antes de tiempo no es bueno, jajajajaja. Prefiero ir paso a paso… y el próximo paso se llama Deep Shock. Cuando esté terminado del todo podré finalmente pensar de forma exclusiva en el largo.

Actualmente en España es común encontrar en los festivales cortos dirigidos por cineastas que ya han dirigido largometrajes, algo que hace unos años era bastante extraño. ¿Cómo está la industria del cortometraje en Italia? ¿Esto que comento ocurre también en su país?

La verdad es que no lo sé. En los últimos años he trabajado sólo con americanos, ingleses, irlandeses y españoles. No trabajo en Italia desde el año 2007 y actualmente no estoy dentro del mundo cinematográfico italiano.

Desde hace unos años, diversos cineastas se están acercando al giallo para ofrecer nuevas películas. Me refiero a títulos como Sonno Profondo (2013) y Francesca (2015), ambas de Luciano Onetti, Buenas noches, dijo la señorita pájaro (2012) de César del Álamo, Amer (2009) de Hélène Cattet y Bruno Forzani, o Last Caress (2010) de François Gaillard y Christophe Robin. ¿Le gusta en general esta especie de resurgimiento? ¿A qué cree que se debe?

Es un género casi desaparecido, ¡pero nunca olvidado! Tiene un público específico y siempre atrae, incluso a las nuevas generaciones. Aunque las grandes productoras ya no financian este tipo de películas, es un género muy querido que ha tenido una gran influencia en el cine de terror estadounidense. No me sorprende en absoluto que haya directores de todo el mundo que todavía hagan este tipo de películas.

Y de los títulos clásicos, ¿cuáles son sus gialli favoritos?

Hay tantos que si empiezo a nombrarlos todos esta entrevista no terminará nunca, jajajajajaja. Generalmente amo todas las películas de este tipo.

Javier Pueyo

Published in: on diciembre 31, 2018 at 6:53 am  Dejar un comentario  
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“Phantoms of the Fog”, cortometraje dirigido por Chris Milewski e inspirado en el cine de terror italiano de los ochenta

Phantoms of the Fog

El director estadounidense Chris Milewski, responsable de títulos como A Taste of Phobia o POE IV: The Black Cat, regresa con un nuevo cortometraje inspirado en el cine de terror italiano. Su título es Phantoms of the Fog, una pieza de once minutos que entremezcla horror all’italiana, con una pizca de esas clásicas películas de acción de la Guerra de Vietnam producidas en todo el mundo entre mediados y finales de los 80. Protagonizada por los habituales de la productora de Milewski, Filmiracle Productions, Karen Lynn y Terry Reilly, junto al recién llegado Ryan Fargo, quien interpreta el papel de un soldado estadounidense que se pasea por la jungla por razones desconocidas. Después de haber trabajado con grandes cineastas italianos como Fabio Frizzi, Franco Garofalo y Silvia Collatina, en esta ocasión el cineasta natural de Filadelfia ha reclutado a la compositora trasalpina Luca Coscarella para que ofrezca una música hipnótica.

Las fuertes reminiscencias que guarda Phantoms of the Fog con el cine de terror italiano de los años ochenta no ha sido pasado por alto en las reacciones que ha cosechado hasta el momento el cortometraje. Así, la web toxiccrypt.fr le ha definido “como un logro de Lucio Fulci basado en un guión de Bruno Mattei y Claudio Fragasso”, aunque más significativos resultan los comentarios formulados por varios profesionales que participaron en primera persona en aquel cine de terror italiano de los años ochenta que Phantoms of the Fog emula. Sin ir más lejos, el histórico director de fotografía Nino Celeste, operador en los films de la última etapa de Lucio Fulci La casa nel tempo (1989) y La dolce casa degli orrori (1989), ha declarado que “la atmósfera me recuerda a las películas que he rodado para Lucio Fulci. Buena tensión. Un excelente corto”, mientras que en opinión del director de Los pájaros asesinos (Zombie 5: Killing Birds, 1987), Claudio Lattanzi, Phantoms of the Fog “es el horror italiano”.

Podéis ver Phantoms of the Fog en su versión original a continuación:

Published in: on diciembre 20, 2018 at 7:15 am  Dejar un comentario  

Presentada la selección de largometrajes y cortometrajes a concurso del Festival Isla Calavera 2018

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En los últimos días el Festival de Cine Fantástico de Canarias – Isla Calavera ha presentado la selección de títulos tanto del formato largo como del formato corto que compondrán las respectivas selecciones oficiales de su segunda edición que tendrá lugar en Tenerife entre los próximos 19 y 25 de noviembre. Comenzando por los cortometrajes, el Comité de Selección, con los codirectores del Festival Isla Calavera Daniel Fumero y Ramón González Trujillo al frente, ha destacado la extraordinaria calidad de los trabajos inscritos, enmarcados en los diversos subgéneros del fantástico. La Sección Oficial de Cortometrajes a concurso estará así compuesta por un total de trece producciones seleccionadas entre los más de trescientos títulos recibidos, procedentes de veintiocho países. La mayoría de los cortos inscritos corresponden a producciones realizadas en España, Francia, Argentina, México, Brasil, Colombia y China.

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Los títulos seleccionados son: Besoin Dead (Aurélien Digard, Francia), Carga (Yad Deen, Reino Unido), El duelo (Aritzeder Arregui, España), Gotas (Sergio Morcillo, España), Invaders (Daniel Prince, Reino Unido), La noche de las sombras (Aritz Et, España), La proeza (Isaac Berrocal, España), L’Hypothèse de la Reine Rouge (Florian Thomas, Francia), Máscara de cordura (Fran Casanova, España), Sputnik (Vicente Bonet, España), Le Blizzard (Alvaro Rodriguez Areny, Andorra), Villa Offline (Sergi Páez, España) y Widdershins (Simon P Biggs, Reino Unido). Los cortometrajes a competición podrán verse en distintas sesiones programadas en Multicines Tenerife durante la semana de programación del Festival y competirán por el Premio del Jurado al Mejor Cortometraje y por el Premio del Público al Mejor Cortometraje, galardón que decidirán los espectadores asistentes.

Keep the Gaslight Burning

Además, el Festival Isla Calavera ofrecerá la proyección fuera de concurso de dos cortometrajes destacados en el marco de las dos galas que celebrará el certamen. En la Gala Inaugural, que tendrá lugar el miércoles 21 de noviembre, se podrá ver Keep the Gaslight Burning (2018), de Dave y Lou Elsey, quienes atesoran una impresionante trayectoria en los departamentos de efectos especiales con créditos en Star Wars: Episodio III – La venganza de los Sith, X-Men: Primera generación o El hombre lobo, con cuyo maquillaje Dave Elsey logró el Premio Oscar al Mejor Maquillaje en 2010 (compartido con Rick Baker, quien precisamente protagoniza como actor este cortometraje). De atmósfera clásica y estética victoriana, este premiado cuento de fantasmas narra la historia de una mujer que vive encerrada en su dormitorio, a la luz de su lámpara de gas, y bajo los tormentos aparentemente sin explicación de un espíritu.

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El sábado 24 de noviembre, la Gala de Clausura cerrará la ceremonia de entrega de premios a los mejores cortos y largometrajes participantes en esta edición con el sorprendente cortometraje Hotel (2012), de José Luis Alemán, director, guionista y productor de La herencia Valdemar y La sombra prohibida, quien asistirá al Festival para presentar su reconocido trabajo. Inspirado en una de las historias del cómic sueco “Cinema Panopticum”, de Thomas Ott, en Hotel un hombre exhausto camina por el desierto. Apenas puede andar, agotado, hambriento y sediento. Derrotado, cae al suelo. En el horizonte, a lo lejos, distingue un hotel. Sus esperanzas se renuevan y en un último esfuerzo se tambalea hacia la entrada. Al llamar al timbre en busca de ayuda, el timbre cae al suelo. Es de papel.

THE HOUSE THAT JACK BUILT

En cuanto a la Sección Oficial a Competición de Largometrajes estará compuesta por un total de quince títulos que ofrecerán un gran escaparate del nuevo cine de género fantástico. A los títulos ya anunciados, La casa de Jack, la última película del siempre controvertido Lars Von Trier, y Nightmare Cinema, antología de terror protagonizada por Mickey Rourke que cuenta con la producción y dirección de Mick Garris, quien recogerá en Tenerife el Premio Isla Calavera de Honor 2018, se han sumado diferentes producciones nacionales e internacionales muy esperadas por los aficionados al género. Es el caso de los largometrajes canadienses Summer of 84, una terrorífica historia de adolescentes ambientada en los años 80 dirigida por los responsables de Turbo Kid, François Simard y Anouk Whissell, Yoann-Karl Whissell; la magnífica Ghostland, de Pascal Laugier, sin duda uno de los grandes nombres propios del terror europeo; o el thriller de terror What Keeps You Alive, de Colin Miniham, en la que una pareja que pretende celebrar su primer aniversario de boda en un entorno idílico descubre que una de ellas no es quien parecía.

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Desde Estados Unidos, llegará la producción independiente Piercing, de Nicolas Pesce, una macabra historia basada en la novela de Ryû Murakami y con la actriz catalana Laia Costa en el reparto, junto a Mia Wasikowska y Christopher Abbott; la inédita en Europa Mimesis Nosferatu, homenaje del director Douglas Schultze a la icónica película de 1922 de F. W. Murnau; y The Night Sitter, de Abiel Bruhn y John Rocco, una sorprendente comedia de terror sobre ocultismo y brujas protagonizada por Elyse Dufour (The Walking Dead). También desde el continente americano, la Sección Oficial de Largometrajes contará con dos películas de producción iberoamericana: el thriller sobrenatural Aterrados, escrito, musicalizado y dirigido por Demián Rugna, uno de los mejores exponentes del género del terror de producción argentina o Vuelven (Tigers Are Not Afraid), de la escritora, productora y directora mexicana Issa López, un terrorífico cuento de hadas que ha arrasado con todos los premios en festivales especializados internacionales y logrado críticas fabulosas, entre ellas las del oscarizado Guillermo del Toro y Stephen King.

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También competirá la película de animación japonesa Mirai, mi pequeña hermana, la última joya de Mamoru Hosoda y el estudio Chizu, una hermosa historia que se estrenó en la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes, y que fue la primera película animada de la historia en participar a competición y celebrar su première mundial en el prestigioso certamen francés.La invasión zombi estará presente a través de tres películas. Procedente de China, se proyectará el salvaje largometraje de acción Lost in Apocalypse, del director Sky Wang; la ópera prima del director francés Dominique Rocher La nuit a dévoré le monde; y la inclasificable producción de factura canaria Apocalipsis Voodoo, de Vasni Ramos, una divertida combinación de kung-fu, lucha libre mexicana, vudú y música funk. Protagonizada por José Ramallo, Víctor Hubara, Sergio G. Ramos, Jorge Galván, Conrado Flores, José Luis de Madariaga y Carla Boricó, entre otros, su proyección en el Festival Isla Calavera se verá arropada por gran parte del equipo técnico y artístico. La otra representante nacional dentro de la sección será Framed, primer largometraje en solitario del director catalán Marc Martínez Jordán, una terrorífica reflexión sobre las redes sociales, la adicción a las nuevas tecnologías y el peligro de la viralidad de los contenidos.

Programación:

Lunes 19 de noviembre

18:00 Darkman (Ciclo San Raimi)

20:00 What Keeps You Alive (Sección Oficial de Largometrajes)

21:45 Tigers Are Not Afraid (Sección Oficial de Largometrajes)

Martes 20 de noviembre

16:30 Lost in Apocalypse (Sección Oficial de Largometrajes)

16:30 Sesión de cortometrajes 1 (Sección Oficial de Cortometrajes)

18:15 Framed (Sección Oficial de Largometrajes)

19:45 Aterrados (Sección Oficial de Largometrajes)

21:30 Apocalipsis Voodoo (Sección Oficial de Largometrajes)

Miércoles 21 de noviembre

16:30 Mimesis Nosferatu (Sección Oficial de Largometrajes)

16:30 Sesión de cortometrajes 2 (Sección Oficial de Cortometrajes)

18:30 Summer of 84 (Sección Oficial de Largometrajes)

20:30 Gala de Apertura Oficial, homenaje a Mick Garris y cortometraje Keep the Gaslight Burning

22:00 Ghostland (Sección Oficial de Largometrajes)

Jueves 22 de noviembre

17:30 Mirai, mi hermana pequeña (Sección Oficial de Largometrajes)

19:15 Mi vecino Totoro (Sección Clásicos)

21:00 The House that Jack Built (Sección Oficial de Largometrajes)

Viernes 23 de noviembre

16:30 Piercing (Sección Oficial de Largometrajes)

18:15 El viaje fantástico de Simbad, entrega Premio Isla Calavera de Honor a Caroline Munro y charla con la actriz (Sección Clásicos)

21:00 Nightmare Cinema y charla con el director Mick Garris (Sección Oficial de Largometrajes)

00:00 Posesión infernal y Charla (Ciclo Sam Raimi)

Sábado 24 de noviembre

11:00 Mesa redonda “La posibilidad de una isla”, con Paco Cabezas, Elio Quiroga, Eduardo Zaramella y Víctor Matellano

12:30 Sesión documentales (Sección Documental)

15:00 The Night Sitter (Sección Oficial de Largometrajes)

17:00 The Night Eats the World (Sección Oficial de Largometrajes)

17:00 Sesión de cortometrajes 1 (Sección Oficial de Cortometrajes)

18:45 1990: Los guerreros del Bronx, entrega Premio Isla Calavera de Honor a Enzo G. Castellari y charla con el director (Sección Clásicos)

19:15 Sesión de cortometrajes 2

21:30 Gala de Clausura y cortometraje Hotel

23:00 El ejército de las tinieblas y charla (Ciclo Sam Raimi)

Domingo 25 de noviembre

16:30 Noctem

18:30 El último truco (Sección Documentales)

20:30 Días extraños (Sección Clásicos)

Published in: on noviembre 15, 2018 at 7:13 am  Dejar un comentario  

Más de veinte cortometrajes competirán en la sexta edición de Nocturna Madrid

La organización del Festival Nocturna Madrid ha dado a conocer la identidad de los veinte cortometrajes que compondrán la Sección Oficial de su sexta edición, que se celebrará entre el 23 y el 27 de octubre en Cinesa Proyecciones, Cineteca Madrid y Sala Berlanga. En la selección realizada se encuentran historias que oscilan entre los miedos aparentemente psicológicos a la oscuridad y la pesadilla, como las que relata Miedos de Germán Sancho o Saturno a través del telescopio de Didac Gimeno; o las apariciones de seres fantásticos, como ocurre en Mouras de Olga Osorio, BEC de Tony Morales o Amancio, un vampiro de pueblo de Alejo Ibáñez.

El espectador también podrá sentir la angustia circular de Limbo, dirigido por Daniel Viqueira, y de Máscara de cordura de Fran Casanova, o experimentar sensaciones opuestas en los lugares que se transforman de apacibles a inseguros, como los que albergan a los personajes de Cariño, de Ángel Gómez Hernández, La guarida, de Iago Soto o La proeza, de Isaac Berrocal. La inquietud y las dudas sobre la existencia y el mundo en el que vivimos se reflejan en Compatible, de Pau Bacardit, Lobisome, de Juan de Dios Garduño o Malnacido, de Benja de la Rosa, mientras que piezas como Sin ti, de Allan J. Arcal, nos devuelven al terror más original.

El “Premio Nocturna Madrid del Público al mejor corto nacional” contará este año con el patrocinio de la empresa KBN Next Media, que entregará al ganador un cheque por valor de mil euros en alquiler de equipamiento audiovisual y un trofeo. “De esta forma, Nocturna Madrid y KBN Next Media confirman su compromiso en el apoyo de nuevos talentos y favorecen el desarrollo de nuevos cineastas que encuentran en el género fantástico un vehículo para su progresión en la difícil industria del audiovisual”, explica el director del festival, Sergio Molina.



cortos nocturna 2018.JPGAparte de los comentados cortos nacionales, desde Australia y Colombia también llegarán, respectivamente, seres terroríficos y fantásticos como Alfred J Hemlock, con el título homónimo del cortometraje de Edward Lyons y La bestia, de Alejo Correa; desde el Reino Unido, una historia de fantasmas, Baghead de Alberto Corredor; y desde los Estados Unidos Keep the Gaslight Burning, de Dave y Loy Elsey, y Lunch Ladies, una producción de Clarissa Jacobson dirigida por J. M. Logan. No acaba aquí la participación foránea, como lo demuestran Skickelsen, el corto del director sueco Jonas Gramming o Un loft au paradis, del autor francés Alexandre Lança. Todas estas obras lucharán por un premio honorífico al mejor corto internacional, otorgado por el público de Nocturna Madrid.

Las integrantes de “Cortometrajes a competición” se podrán visionar siempre al comienzo de cada largometraje que compone la programación de esta edición de Nocturna Madrid “con la que procuramos apoyar el talento emergente para impulsar la carrera de los nuevos creadores que se atreven a explorar nuevos territorios en el género fantástico que siempre se mantiene vivo y sorprendente”, en palabras de Sergio Molina.

Más información: www.nocturnamadrid.com

Published in: on octubre 8, 2018 at 6:26 am  Dejar un comentario  
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Nuevo trailer de “Han Solo: Una historia de Star Wars”

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Ayer se hizo público un nuevo tráiler de Han Solo: Una historia de Star Wars, el nuevo spin off de la famosa saga galáctica que llegará a los cines el próximo 25 de mayo. Antes, el film dirigido por Ron Howard participará entre el 8 y 19 de mayo en el Festival de Cine de Cannes como parte de la sección oficial y fuera de competición. Hasta el certamen francés está previsto que se desplace el propio Howard junto con los miembros del reparto Alden Ehrenich, Woody Harrelson, Emilia Clarke, Donald Glover, Thandie Newton, Phoebe Waller, Joonas Suotamo y Paul Bettany.

Published in: on abril 10, 2018 at 5:13 pm  Dejar un comentario  

Vial of Delicatessens lanza “Todo es de color”, la película de Gonzalo García Pelayo que homenajea al mítico grupo de rock “Triana”

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Desde ayer Vial of Delicatessens ya se encuentra en formato DVD de la mano de Vial of Delicatessens Todo es de color, la última película de Gonzalo García Pelayo. Se trata de una road movie con la que el polifacético cineasta homenajea al famoso grupo de rock “Triana”, formación de que él mismo diera a conocer en su momento, mostrando todo lo que supuso su aparición en la cultura andaluza gracias a sus canciones y actuaciones. Para ello, el film sigue los pasos de Mar, una joven que se siente atraída por la historia y la música de “Triana” tras conocer a un grupo de personas que dedican su vida a honrar la memoria de la banda. Este recorrido comienza en el cementerio de Villaviciosa de Odón, lugar donde están enterrados De la Rosa y “Tele”, y tiene como destino Caños de Meca, donde la comunidad de “Trianeros” quiere organizar un concierto homenaje con las canciones de este grupo de rock andaluz.

Todo es de color está protagonizada por Natalia Rodríguez (Los protegidos), y junto a ella completan el reparto Ken Appledorn (Anochece en la India), Alfonso Sánchez (Ocho apellidos catalanes), el cómico Jorge Cadaval de Los Morancos” y Javier García Pelayo, el que fuera el mánager de “Triana”. La edición que comercializa Vial of Delicatessens de la película se ofrece en DVD prensado, con audio en versión original en pista estéreo, imagen con mejora anamórfica y un aspect ratio de 1.78:1, incluyéndose como extra la pieza titulada “Triana: Rock y vida”.

cuernos frontal

Coincidiendo con el lanzamiento de Todo es de color Vial of Delicatessens también ha reeditado Mi mujer me pone los cuernos (y otras divertidas historias), un recopilatorio de cortometrajes de Víctor Olid, conocido en el Vasto mundo del cortometraje ultra-independiente, casero y/o underground, por su ya longeva especialidad en cierta comedia bizarra, extravagante y desvergonzada que jamás deja indiferente. Provocador, irreverente y deslenguado, su cine… o su vídeo, es pura dinamita, algo especialmente agradecido en estos mojigatos tiempos que corren.

La presente recopilación presenta un buen puñado de sus cortometrajes, destacando por encima de todos su colaboración con esa leyenda viva del cine Español que es Andrés Pajares. Aunque la cosa no termina ahí, hay más. Tenemos hipsters soltando ventosidades, gringos mal hablados, abortos bien sanguinolentos, borderlines atizándose encarnizadamente, golfos, maricones, calzonazos, paranoicos y, literalmente, un hijo de puta. Como una feria de monstruos, pero a través de la pantalla de tu cutre-televisor.

Esta nueva edición de Mi mujer me pone los cuernos (y otras divertidas historias) se presenta en DVD prensado y ofrece como novedad diferentes extras a los aparecidos en la anterior versión comercializada.

Ambos DVDs tienen un P.V.P  de 11`99 € y pueden encontrarse en grandes superficies, tiendas especializadas y en la propia web del sello, http://vialofdelicatessens.blogspot.com

Más información y contacto: vialofdelicatessens@hotmail.com

Published in: on diciembre 21, 2017 at 6:23 am  Dejar un comentario  

Abierta la inscripción de piezas de realidad virtual para Samsung Sitges Cocoon

La realidad virtual será uno de los ejes del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya en su cincuentava edición, que se celebrará del 5 al 15 de octubre. En consonancia con ello, Sitges 2017 tendrá el privilegio de ser escenario de algunas de las producciones más innovadoras en realidad virtual. Samsung Sitges Cocoon es fruto del nuevo acuerdo de colaboración entre la multinacional tecnológica y el Festival y, de este modo, la realidad virtual triplicará su presencia en el certamen. Después de la exitosa primera experiencia del año pasado, Samsung apuesta por Sitges para trasladar las últimas tecnologías en el ámbito de los contenidos inmersivos y de 360º.

La plataforma Festhome es el único sistema aceptado para subir la pieza inscrita. El Festival contactará con las empresas titulares de las películas seleccionadas por el Comité de Programación, las cuales recibirán un formulario adicional para formalizar su participación en el certamen. Los trabajos incluidos en la sección competitiva optarán al premio a la mejor película Samsung Sitges Cocoon, la sección oficial competitiva, hecho este inédito en el panorama europeo de festivales.

Más información para formalizar las inscripciones aquí.

Published in: on junio 27, 2017 at 5:36 am  Dejar un comentario  
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