Twentieth Century Fox Home Entertainment cierra la exitosa saga de Lobezno, que Hugh Jackman ha protagonizado durante diecisiete años, con el lanzamiento de Logan en 4K Ultra HD,Blu-ray Steelbook, Blu-ray y DVD el 5 de julio. Sir Patrick Stewart (X-Men: Días del futuro pasado, Star Trek: La nueva generación), Stephen Merchant (Hello Ladies, The Office), Boyd Holbrook (Narcos) y la debutante Dafne Keen se unen a Jackman en el capítulo final del icónico personaje bajo la batuta de James Mangold (Lobezno Inmortal, En la cuerda floja).
Mangold aporta un realismo crudo y visceral a la historia, basada en uno de los personajes más populares de los cómics de Marvel. En un futuro cercano, un cansado Logan cuida del Profesor X en un escondite en la frontera de México. Los intentos de Logan por esconderse del mundo y ocultar su legado terminan súbitamente con la aparición de una joven mutante perseguida por fuerzas oscuras.
Además de la película, todas las ediciones incluyen un audiocomentario de James Mangold, completándose los contenidos adicionales con casi noventa minutos, entre escenas eliminadas y un documental detrás de las cámaras. El Blu-ray también incluye Logan Noir, una versión en blanco y negro que supone una nueva aproximación a la aclamada película:
“Durante la producción de Logan hice muchas fotografías en blanco y negro y me di cuenta de la fuerza y el dramatismo que nuestros personajes y localizaciones ofrecían así”, explica Mangold. “Los ecos de western y cine negro de la película parecían destacar especialmente en este formato y no había rastro del brillo que podemos ver en los cómics modernos. Después, mientras estaba editando, Fox y yo empezamos a postear algunas de las fotos que hice en redes sociales y la respuesta de los fans fue realmente entusiasta. Muchos esperaban poder ver la película acabada en un cuidado blanco y negro de alto contraste. Bueno, a veces las esperanzas se convierten en realidad”.
Se escucha “estados alterados” y se piensa en yonquis, artistas y científicos locos. Pero hoy, en una civilización de civilizaciones cada vez más compleja, las fronteras que delimitan los estados de la conciencia se difuminan y la moral que les juzga es puesta en duda. Drogas como el LSD o el éxtasis, demonizadas durante años, hoy son utilizadas por algunos psicoterapeutas. La heroína sale de las zonas deprimidas y atrapa jóvenes de todos los estratos sociales. El jarabe para la tos ha llegado a ser la segunda droga más consumida por los adolescentes de EEUU. Los millennials viven pegados a los dispositivos inteligentes, en un día a día que confunde las fronteras de la realidad, los sueños y el mundo virtual. Y así, un largo etcétera.
Cryptshow Festival quiere dedicar su undécima edición a los estados alterados y es dentro de este contexto que no puede faltar la obra de Gilbert Shelton, artista estadounidense del cómic underground que comenzó a despuntar en 1959 con las historias de Superserdo (Wonder Warthog), donde parodia la figura del superhéroe, y que se ha convertido en un clásico que aún a día de hoy se sigue reeditando de la mano de La Cúpula. Poco después creaba su tira más conocida, con la que pasaría a la historia del underground yanqui, Los fabulosos Freak Brothers (Fabulous Furry Freak Brothers), las locuras de tres hippies cargados de alucinógenos que con un humor satírico llenaban las viñetas de delirios psicodélicos.
Gilbert Shelton actualmente está afincado en París y continúa en activo. Durante la undécima edición de Cryptshow Festival, el artista visitará Badalona para recibir el Premio Honorífico Sierra Circular de manos de la organización del festival en un acto que tendrá lugar el viernes 7 de Julio en El Círcol.
Autores:Héctor Caño (guion y dibujo), David García (portada alternativa), David García (texto “Supersonic Man. The Spanish Superman”), Eduardo Franco (entrevista “José Luis Ayestarán, mito de la musculación española”)
Editorial: Eneas Beat Comics
Datos técnicos:40 páginas (Primavera de 2017)
No es ninguna noticia que el fantaterror atraviesa un periodo de efervescencia. Denostado en su momento por la crítica oficialista, en los últimos años venimos asistiendo a cómo este movimiento está siendo recuperado y reivindicado por una legión de seguidores cada vez más numerosa procedente tanto de dentro como de fuera de nuestra frontera, y que en la mayoría de los casos ni siquiera había nacido cuando estas películas se llevaron a cabo. El auge ha sido tal que muchos de aquellos títulos están viviendo una segunda vida comercial a través de su lanzamiento en formato digital, con una calidad de imagen y añadidos poco menos que impensables hace apenas unos años, al menos en las aparecidas en el extranjero, principalmente en los Estados Unidos.
Pero el culto por este cine no ha quedado aquí, y fruto del interés existente ha devenido en la comercialización de diversos productos de merchandising relacionados con personajes y películas pertenecientes al estilo, lo que de entrada da buena cuenta del tirón y la popularidad de la que gozan entre ciertos círculos de aficionados. De entre los diferentes medios empleados, el denominado noveno arte ha sido uno de los más utilizados para prolongar la vida de estas creaciones más allá de la pantalla. Como en tantas cosas, el precursor en este campo fue el propio Paul Naschy, quien en compañía del dibujante Javier Trujillo lanzaría en 2007 Waldemar Daninsky: el retorno del hombre lobo, adaptación a cómic del film al que alude el título, al que seguiría un año después Waldemar Daninsky: el origen de la maldición, esta vez tomando como base la película del personaje La bestia y la espada mágica.
Fuera del tótem por excelencia del cine de terror patrio, en 2014 Héctor Caño recuperaría para la viñeta a otro personaje emblemático del fantaterror. Nos referimos a Supersonic Man, el superhéroe protagonista de la homónima película dirigida en 1979 por Juan Piquer Simón como respuesta al Superman de Richard Donner, que ya fuera llevado al cómic por José Sanchis para Editorial Valenciana con motivo del estreno del film, en una primera incursión que se prolongaría a través de ocho números pertenecientes a la colección “Colosos del Comic”. Treinta y cinco años más tarde, Caño traía a la actualidad al superhéroe tras haberle utilizado como personaje secundario en los libros El reto de los super-freaks (2007) y Legion Cosplay (2013), con un primer cómic distribuido de modo gratuito al que se uniría poco tiempo después una segunda entrega en formato digital denominada Supersonic Man Returns.
Este díptico es continuado ahora con Supersonic Man, un nuevo comic book que regresa al formato papel compuesto por treinta y seis páginas en blanco y negro, con portada y contraportada a color. Su núcleo central se encuentra en “El sonido del trueno”, una nueva aventura del superhéroe llegado del espacio, cuya historia combina una nada velada crítica social hacia ciertos aspectos de la realidad sociopolítica española actual con simpáticos guiños a varios ilustres personajes del cómic patrio clásico, lo que en última instancia propicia una tan bienintencionada como sincera reflexión sobre el olvido al que un país tan poco dado al chauvinismo como el nuestro condena a sus propios héroes. Un contenido argumental que es acompañado por el también guionista con un dibujo que, salvando las distancias, puede recordar al Carlos Pacheco de los tiempos de Iberia Inc en particular, y al de la Marvel de los años ochenta en general.
Pero esto no es todo. Poniendo de relieve el grado de reivindicación de su personaje protagonista que subyace a lo largo de la publicación, esta se completa con diferentes artículos que sirven para situar en contexto al lector menos familiarizado con el material en que se basa. Así, tenemos desde un texto sobre el autor, hasta un pequeño recorrido por la trayectoria cinematográfica de Juan Piquer Simón, pasando por un artículo sobre la película originaria a cargo de David García, responsable del longevo fanzine Monster World, así como una entretenida entrevista de Eduardo Franco a José Luis Ayestarán, actor encargado de encarnar en la gran pantalla a Supersonic Man en las escenas en las que el personaje aparecía bajo su forma de superhéroe y que ejerce como padrino en esta resurrección del personaje. A modo de guiño final, se incluye una portada alternativa firmada por Rubén García y Estudio Beat que parodia la famosa tapa del número 1 de Action Comics que sirviera de carta de presentación de Superman.
“Bar & Grill”, sito en la calle Príncipe de Vergara nº 87 de Madrid, acogerá el próximo viernes 5 de mayo la presentación en sociedad del nuevo cómic de Supersonic Man, la resurrección para el mundo de la viñeta del personaje de la homónima película de Juan Piquer Simón a cargo de Héctor Caño. El comienzo al acto, que tendrá entrada libre, está fijado a las 17 horas y contará con la presencia de José Luis Ayestarán, actor que daba vida en el film original a Supersonic Man en las escenas en las que este aparecía en su faceta de superhéroe.
El próximo 1 de marzo Disney lanza el mercado uno de las más recientes adaptaciones de Marvel. Se trata de Doctor Extraño (Doctor Strange), que verá la luz en formato doméstico en diferentes formatos. La película, dirigida por Scott Derrickson, responsable de Sinister, El exorcismo de Emily Rose o el remake de Ultimátum a la Tierra, narra como mientras busca una cura, un neurocirujano mundialmente conocido descubre una poderosa magia en un lugar misterioso conocido como Kamar Taj – la primera línea de una batalla contra fuerzas oscuras e invisibles dispuestas a destruir nuestra realidad.
Como decimos, Doctor Extraño será comercializada en diferentes ediciones. Según las características facilitadas, en DVD se incluirá la película en su aspect ratio original de 2.39:1 con mejora anamórfica, pistas de sonido en versión original, castellano e hindi codificadas en 5.1, más una pista en inglés con audio descriptivo en estéreo, subtítulos en castellano, sueco, portugués, noruego, islandés, danés, danés e inglés codificado para sordos y sin ningún tipo de extras.
Por su parte, la edición en Blu-ray, también disponible en una edición especial en caja metálica, repite a grandes rasgos las características técnicas del Dvd, con la diferencia de que su apartado sonoro se divide entre una pista en inglés codificada en 7.1 DTS-HD Master, otra en castellano en 5.1 DTS Digital Surround, hindi en Dolby Digital 5.1 y una ultima con audio descriptivo en inglés en Dolby Digital 2.0. En este caso si que se añade un amplio número extras, con más de una hora de reportajes sobre diferentes aspectos de la cinta, un audiocomentario de Scot Derrickson (subtitulado al castellano), tomas falsas, escenas eliminadas y extendidas, entre otros contenidos.
Por último, la edición en Blu-ray 3D se compone de dos discos. El primero, lógicamente, presenta la película en su versión en tres dimensiones con las mismas características técnicas de la edición Blu-ray normal, la cual se incluye íntegra en el segundo disco.
Además, Disney también anuncia la publicación el 29 de marzo de uno de los últimos grandes éxitos de la factoría, Vaiana, que llegará también en Blu-ray, DVD y edición en caja metálica. Antes, desde el 24 de marzo estará disponible en plataformas digitales esta aventura épica sobre una vivaz adolescente que zarpa en una misión intrépida para salvar a su pueblo. En el camino, Vaiana conocerá al poderoso semidiós Maui y, juntos, cruzan el océano en un viaje lleno de acción y diversión.
Este miércoles día 11 de Enero, “Vial Books” pone en circulación una nueva entrega de las aventuras de William Chesnut y Ribapolla bajo el título “William Chesnut & Ribapolla 2XL”. Se trata del segundo volumen del cómic creado por Patrick Grau y Víctor Olid, dibujante y guionista respectivamente. Un año desde su puesta de largo, Grau, Olid, Chesnut y Ribapolla vuelven a la carga con la incorrección política y el ácido humor irreverente por los que es característica esta publicación underground.
Nuevos personajes, historias más largas, argumentos más elaborados, dibujo más dinámico, son los principales ingredientes que ofrece este nuevo volumen. Además incluye muchas más páginas que el anterior, muchos más cameos de personalidades del mundo del espectáculo y mucho más humor de contenido sexual. Una digna continuación que supera con creces, en todos los sentidos, al anterior volumen, pero que a su vez complementa a este, y forja los cimientos de lo que será una verdadera saga. Al igual que el primer volumen, el presente se completa con abundante material extra, así como un guión firmado por Mr. Pajarillo como autor invitado.
El cómic es para público adulto, no recomendado a menores de 18 años y se presenta bajo un P.V.P de 16,99 €, gastos de envío incluidos, dando también la opción de poder adquirirse en un pack junto al primer volumen bajo un P.V.P de 29, 99 €, también con gastos de envío incluidos, a la venta exclusivamente en el blog de la editorial: http://vialofdelicatessens.blogspot.com
Título original: Batman v Superman: Dawn of Justice
Año: 2016 (Estados Unidos)
Director: Zack Snyder
Productores: Charles Roven, Deborah Zinder
Guionistas: Chris Terrio, David S. Goyer basados en los personajes de DC Comics. Bob Kane y Bill Finger creadores de Batman. Jerry Siegel y Joe Shuster creadores de Superman
Fotografía: Larry Fong
Música: Junkie XL, Hans Zimmer
Intérpretes: Ben Affleck (Bruce Wayne / Batman), Henry Cavill (Clark Kent / Superman), Amy Adams (Lois Lane), Jesse Eisenberg (Lex Luthor Jr.), Diane Lane (Martha Kent), Laurence Fishburne (Perry White), Jeremy Irons (Alfred), Holly Hunter (senadora Finch), Gal Gadot (Diana Prince / Wonder Woman), Scoot McNairy (Wallace Keefe), Callan Mulvey (Anatoli Knyazev), Tao Okamoto (Mercy Graves), Mark Edward Taylor (Jack O’Dwyer), Michael Cassidy (Jimmy Olsen), Brandon Spink (Bruce Wayne niño), Lauren Cohan (Martha Wayne), Jeffrey Dean Morgan (Thomas Wayne), Carla Gugino (voz de la nave), Michael Shannon (Zod), Kiff VandenHeuvel (agente Mazzuccheli), Joseph Cranford (Pete Ross), Emily Peterson (Lana), Neil deGrasse Tyson…
Sinopsis: Durante de los eventos ocurridos cuando Superman luchó contra los kriptonianos, con la consecuencia de la destrucción de gran parte de la ciudad de Metrópolis, Bruce Wayne, que lleva algún tiempo sin ser Batman, fue testigo de la catástrofe. Ahora no confía en Superman, y cree que puede ser un gran peligro para la humanidad. No es el único que así piensa…
Zack Snyder parece querer erigirse en el sumo creador del universo superheroico fílmico, y las declaraciones del director, plenas de soberbia y un super-ego que asustaría a Freud, dejan a las claras su idea de lo que debe ser un film de superhéroes, considerando obsoleto cualquier otro tipo de acercamiento.
Su primer contacto con ese mundo fue Watchmen (Watchmen, 2009), adaptación del cómic de Alan Moore y Dave Gibbons que, en el fondo, representaba una mera fotocopia del original trasladada a un medio diferente, pero que conservaba una extraña fuerza en su interior. Pero Watchmen era una obra cerrada, una historia con principio y final, con una extensión concreta, y su traslación a la pantalla no entrañaba mayor complejidad a nivel argumental.
Superman, sin embargo, es un personaje con casi un siglo de historia/s a su espalda. Eso entraña una dificultad y, al tiempo, una facilidad: se tiene mucho margen del cual tirar, se dispone de muchas adaptaciones diferentes con las cuales contar. Con El Hombre de Acero (Man of Steel, 2013) Snyder efectuó lo que otros autores están haciendo: un collage de cincuenta y ocho versiones al cómic previas, eligiendo lo que le interesa de cada una de ellas, más elementos propios que intercala a conveniencia. La diferencia entre Snyder y los demás directores/creadores es que él cree, como se ha dicho, que su aproximación es la única plausible. Ha tomado el tono que Christopher Nolan confirió a su visión de Batman que, más o menos acertada, fue un éxito de público –y que, sin duda, por ello, era la imposición de los productores para esta nueva visión–, y lo ha llevado un paso más allá con el último hijo de Krypton, sin tener en cuenta que un mismo tono para un personaje tan diferente puede que no fuese el más adecuado.
El Hombre de Acero fue un cúmulo de errores (1) y, a la hora de acercarse a la presente película, secuela directa de la previa, Snyder debió reflexionar a fondo los resultados que aquella ofreció, para, si tenía sentido autocrítico, hacer las correcciones pertinentes. No sé si así ha sucedido o, sencillamente, le apetecía cambiar algunos aspectos, pero la verdad es que, sin ser ni mucho menos perfecta, Batman v. Superman: El amanecer de la justicia (Batman v Superman: Dawn of Justice, 2016) es muy superior a su predecesora.
Sigue habiendo defectos, desde luego. Ante todo, uno ha de acostumbrarse, y aceptar, el feo sentido estético del que dispone Snyder, con esos tonos apagados y mustios que, de alguna manera, acaban contagiando al resto de elementos que conforman el film. Eso imprime a su obra un tono seco, agreste e, incluso, antipático. Puede que en otro tipo de película, de otra temática, con otros personajes, pudiera suponer una visión interesante, pero un personaje como Superman pide a gritos otra visión. Por supuesto, cada autor puede ofrecer su propia perspectiva, pero, tal como Snyder se la aplica, este Superman, a ojos de un espectador conocedor de la génesis y desarrollo de la creación de Siegel y Shuster, es otro personaje, con casuales puntos de contacto con el que conocíamos. Otras adaptaciones cinematográficas actuales han aportado diferencias a superhéroes ya conocidos, pero Snyder lo ha aplicado más a fondo, añadiendo a todo lo precedente el tono psicológico y el estético.
A nivel de planificación, el realizador de la nefasta 300 (300, 2006) acerca demasiado la cámara en todo momento. Ello, unido a la división en planos ultra-cortos que, en ocasiones, dispensa, consigue que, por ejemplo, la segunda persecución automovilística tenga un montaje tan aturullado que, literalmente, es difícil inclusive distinguir el bat-móvil del resto de vehículos. Otras escenas, empero, están mejor resueltas, y así, la batalla final, para el que suscribe, resulta de lo más gozosa, por los lazos de muy distinto aspecto que en ella confluyen. Snyder, como es norma en él, rodea todo de una trascendencia elefantiásica, pero el tono de la historia, con sus agradecidas connotaciones cosmogónico-lovecraftianas, ayudan a ello, y resulta pertinente.
La historia dispone de una mayor uniformidad narrativa que su antecesora, y hay más sensación de unidad, de un todo descriptivo único y homogéneo, y los distintos arcos argumentales están bien combinados, y son bastantes, lo cual dificultaba la labor. A ello contribuye, por supuesto, un guion mejor desarrollado por parte de David S. Goyer –tal vez los retoques aplicados por Chris Terrio han ayudado a ello–. También tenemos una historia de mayor interés, que cubre distintos frentes argumentales, que explora una mayor variedad de personajes, más atractivos también. Así pues, sin desvelar demasiado, tenemos la historia “personal” de Bruce Wayne/Batman, la investigación que inicia y que derivará en la siguiente película, con la formación de la Liga de la Justicia, la propia sub-trama referente a Wonder Woman, la de Superman encarado al dilema moral respecto a sus super-poderes, el enfrentamiento laboral entre Clark Kent y su jefe Perry White, con una visión del periodismo muy distinta por parte de ambos, la trama de la evolución como magnate de Lex Luthor (Jr.) por un lado y, como criminal megalomaníaco por otro, la del enfrentamiento entre ambos héroes que anuncia el título, la creación de Doomsday, y alguna más… Con ciertas excepciones, todo ello se ve hilvanado con coherencia, y acaba confluyendo en una única vía argumental que se retroalimenta de todas las demás. El conjunto se halla metido en un montaje de dos horas y medias, lo cual ofrece un ritmo excesivo; la secuenciación hubiera precisado de más calma, pues no paran de suceder cosas desde la misma escena de créditos iniciales.
Con respecto a los actores, Ben Affleck aporta un cometido estupendo, cuando con anterioridad muchos frikifans lo habían crucificado sin haberlo visto. Affleck aporta dos matices diferentes a Bruce Wayne y a Batman, el uno seco, amargado, reflexivo, el otro expeditivo. Como contraste, Jesse Eisenberg como Lex Luthor es lo peor del film, con una interpretación sobreactuada, histriónica y carente de matices, mostrando un desequilibrio paulatino que uno diría le acerca más al Joker –¿intencionado, para una posterior vía argumental, derivando un personaje en el otro?–. Personalmente, la participación de Gal Gadot como Diana Prince / Wonder Woman me ofrecía serias dudas, pero dado el modo en que aparece el personaje, no chirría, e incluso cuando, de una vez, surge con el célebre traje de amazona su aparición resulta gozosa.
En suma, Batman v. Superman: El amanecer de la justicia resulta una película notoriamente desequilibrada, con sus partes positivas y negativas, pero, por mi parte, prefiero quedarme con las primeras que con las segundas.
El pasado 2013 nacía el sello “Vial of delicatessens”, en un principio destinado a la edición y distribución de todo tipo de cine minoritario, desde cine “trash” y de serie Z, hasta al cine underground más extraño y casero, así como documentales de variada índole. Pero con el tiempo, y debido a las inquietudes de sus responsables, terminó por crear una filial con la que sacar al mercado aquellos libros sobre cine que nadie se atreve a editar. Nace así “Vial Books” cuyo catálogo se compone hasta ahora de dos títulos: El descacharrante cine de Pajares y Esteso de Víctor Olid y Cómo NO hacer un cortometraje de Naxo Fiol.
Pues bien, este pasado 22 de diciembre “Vial Books” ha dado un nuevo paso adelante estrenándose en el mundo del cómic. Siguiendo su máxima de editar aquellos que nadie se atrevería a editar, independientemente del formato, ha puesto a la venta un volumen que lleva por título William Chesnut & Ribapolla. Se trata de la puesta de largo editorial en el ámbito comiquero de sus dos autores.
A pesar de ser uno unode los dibujantes más prometedores del panorama underground, y de haber publicado en diversos medios de prensa u online, Patrick Grau ve publicado ahora su primer cómic en papel. Para ello, une sus fuerzas con el incombustible y polifacético Víctor Olid, director de cine underground, blogger y podcaster entre otras cosas, que se estrena como guionista con este cómic.
Posiblemente estemos ante el cómic más políticamente incorrecto de cuantos se han realizado en este país, cuajado desde la primera a la última viñeta de un humor no apto para mentes estrechas de miras, ni almas especialmente sensibles. William Chesnut & Ribapolla cuenta las disparatadas, racistas, homófobas, sexistas, violentas, sangrientas, mezquinas y ruines aventuras de dos compañeros de piso, uno negro y otro blanco, su mascota –un armadillo- y el mejor amigo de ambos –un cóndor- en la peligrosa -y al límite- localidad de Balaguer. Ira, politoxicomanía, alcoholismo y enfermedades venéreas harán el resto en una auténtica historia de perdedores.
Como es habitual en los lanzamientos de “Vial of delicatessens” en cualquiera de sus variantes, el volumen se hace acompañar de abundante material extra, así como de colaboraciones de dibujantes como Ander Sarabia, SrtaCalamidad, Naxo Fiol, Bernie, Molina o José Tomás, entre otros.
El precio de William Chesnut & Ribapolla, de venta exclusiva a mayores de 18 años, es de 16,00€ con gastos de envío incluidos, y de momento puede ya adquirirse a través de la web del sello http://vialofdelicatessens.blogspot.com, o bien en http://www.amazon.es, a la espera de ser distribuido en las próximas semanas en tiendas especializadas.
Surgida en la olvidada cantera de las viñetas de prensa en el año 1963, concretamente en el “London Evening Standard”, Modesty Blaise supuso una inesperada revolución en el mundo de las heroínas gráficas. Aventurera, espía, mercenaria, con un atractivo y oscuro pasado criminal, en realidad una respuesta contundente al macho alfa que dominaba el género aventurero dentro y fuera del mundo del comic, sin esconder su condición de sueño erótico para el lector masculino que ha devorado sus aventuras durante más de cinco décadas. Siempre acompañada por Willie Garvin, en una unión profesional (nunca sentimental) que supone una inusitada relación jamás quebrantada por el esperado romance. Blaise y Garvin son la pareja de hecho ideal en el mundo del thriller de acción internacional. Una relación donde impera la amistad, el respeto y el honor.
Peter O’Donnell, creador de Modesty Blaise.
Su creador Peter O´Donnell supo darle el toque especial al personaje. Modesty tenía clase, dureza, inteligencia, independencia, glamour y belleza. Fiel reflejo de la época pop, del Londres efervescente y cosmopolita, sin obviar su condición de figura pulp. Su éxito fue inmediato gracias al trabajo del escritor con sus deliciosos guiones y al excelente respaldo gráfico del genial Jim Holdaway. Ambos se conocían y habían trabajado juntos con anterioridad en “Romeo Brown”, otra criatura de O´Donnell surgida a mediados de los cincuenta para las citadas tiras de prensa y con el arquetipo del private eye con toque humorístico como modelo.
Cuando Holdaway falleció prematuramente en 1970 tuvo un sustituto de categoría: el dibujante español Enrique Badía Romero que se ocupó del personaje en dos memorables etapas. Otros ilustradores que afilaron sus lápices en esta singular tira de presa fueron John Burns, Patrick Wright y Neville Colvin. Obra total y cerrada formada por un conjunto de 95 arcos argumentales en su formato original. Hay que añadir una novela gráfica a mediados de los noventa publicada por DC con Dick Giordano y Dan Spiegle encargándose del apartado gráfico. Todas sus aventuras han sobrepasado su versión original y han sido reimpresas tanto en comic-book como en libros que respetan su edición original.
O´Donnell amplió las aventuras del dueto al mundo de la novela en once títulos y un par de obras con relatos cortos. En la última historia “Cobra Trap” (1996) llegó a sacrificar a sus personajes en un último gesto de lealtad reuniéndose en el más allá. Sin embargo en su posterior traslación a la viñeta el escritor dio marcha atrás y ofreció un retiro menos accidentado y más positivo a nuestros admirados héroes con el posible “continuará…” (que por el momento no se ha cumplido). El personaje ha lucido una amplia gama de representaciones y variaciones generando un amplio merchandising que llega hasta nuestros días.
El cine no podía ser ajeno a un fenómeno de estas características si bien su relación ha sido accidentada y francamente mediocre. Una auténtica pena dado el potencial para tener una aceptable vida en el mundo de la pantalla. Para su creador lo que empezó siendo una empresa prometedora acabó convirtiéndose en una auténtica pesadilla. Con apenas un año de vida, O´Donnell recibió los primeros envites de la industria para trasladar a Modesty al mundo del celuloide. Fue un antiguo compañero del ejército, agente cinematográfico para más señas, el que le sugirió la posibilidad de escribir un guión. El libreto fue escrito y para su sorpresa adquirido con celeridad por la British Lion Films. El director elegido sería el veterano guionista Sidney Gilliat cuya primera decisión fue reescribir el guión de O´Donnell.
Gilliat abandonó el proyecto que ya tenía elegido a Monica Vitti como protagonista. Este aspecto provocó que el guión fuera nuevamente reescrito por una autora italiana para adaptarlo a su imagen y posteriormente se traduciría al inglés. Durante todo este tiempo la 20th Century Fox entró en escena y adquirió el proyecto incluido el transformado libreto. La compañía americana designó a Joseph Losey como director, a Terence Stamp como coprotagonista y al escritor Evan Jones como nuevo guionista (a instancias del primero).
Cuando Peter O´Donnell recibió el nuevo libreto no pudo dar crédito a lo que tenía entre manos. De su historia original quedaba muy poco y de sus creaciones apenas había nada que las identificara con la realidad. El autor británico protestó airadamente; sin embargo sus reclamaciones fueron plenamente obviadas. Una vez iniciada la maquinaria de Hollywood el tren no se puede parar y eso lo entendió perfectamente el autor inglés. Desde ese momento se desentendió completamente del proyecto y no vio el resultado final hasta muchos años después cuando el filme se pasó por la pequeña pantalla. Con el guión que había escrito, O´Donnell armó la primera novela del personaje, considerada como mera novelización de la película, en realidad, de efectos superiores a ella.
Modesty Blaise (1966) llegó a las pantallas en plena ebullición del cine de espías y como aparente contestación femenina a James Bond. Sin embargo, el resultado de la propuesta se hunde en casi todos sus aspectos. Losey reinterpreta el personaje para realizar una equivocada operación autoral donde la estética de la época se impone a la narración. El hilo argumental se va perdiendo a medida que avanza el largometraje en un conjunto de vistosas postales, de floreciente cromatismo y nula efectividad. El humor carece de gracia y el cinismo se debió quedar en la mesa de montaje.
Monica Vitti, nula en su rol protagonista, basa toda su interpretación en el vistoso vestuario, sus constantes cambios de peinado, molestas carcajadas y sus poses tebeísticas esgrimidas con evidente torpeza. A la actriz italiana el movimiento continuo no le hace ningún favor. Por su parte, Terence Stamp no llena la pantalla con su habitual magnetismo y su Willie Garvin funciona más como mascota secundaria de Modesty Blaise y desafortunado alivio cómico de la pareja. Sus idas y venidas, sus luchas y persecuciones tienen en todo momento un poso artificioso que acompaña a toda la cinta hasta derruirla. Dirk Bogarde acaba siendo un ridículo némesis del dueto y su Gabriel podría ser incluido sin problemas en alguna nueva aventura de Austin Powers.
¿Es una obra tan mediocre como indicamos? Lo peor es su vacuidad y su impostada superioridad sobre el material que maneja. Losey y Evan Jones no parecen conocer la fuente original del filme visto el resultado. Y de hecho, el primero busca llamar la atención en todo momento con su equivocada puesta en escena. A modo de disculpa podemos considerar que el director americano debió tomarse el filme como un mero encargo del que no pudo escapar una vez iniciada la producción. Quizás toda la amalgama manierista que hemos indicado fue su intento personal de superar un libreto vulgar del que era consciente de su imposibilidad. Por otro lado, tuvo que lidiar con una protagonista excesivamente pagada de sí misma cuyo divismo tuvieron que sufrir todos los que estuvieron en el rodaje de la película. Pueden sonar a excusas pero es la única explicación que encontramos.
Tina Aumont.
Un detalle singular. Si los encargados de casting hubieran realizado bien su trabajo, habrían advertido rápidamente la presencia de una jovencísima actriz, hija de conocidos actores, que hubiera encarnado a Modesty Blaise con mayor rigor, fuerza y fascinación. Nos referimos a la maravillosa Tina Aumont que tiene un pequeño rol en la primera parte de la película.
Modesty Blaise tuvo posteriormente otras dos acometidas fílmicas. Una en la pequeña pantalla en plenos ochenta y otra a mediados de la década de los noventa realizada por Scott Spiegel con el único fin de que la compañía de turno (Miramax a instancias de Quentin Tarantino) retuviese los derechos del personaje para una futura producción. Flaco favor a una figura que merece una versión digna y competente. Seguiremos esperando.
Fernando Rodríguez Tapia
(*) El presente artículo apareció publicado en el número 4 del fanzine argentino “La Coca”.
Entre los lanzamientos previstos para el próximo mes de junio por Cameo destaca la salida el día 24 de dos trabajos que, bajo formato documental, repasan ciertos aspectos historiográficos del dibujo español.
Comencemos por Sólo para supervivientes (La historia de “El Víbora”), que, como su propio nombre indica, recorre la existencia de esta mítica revista de cómic para adultos desde su nacimiento en la Barcelona de 1979, hasta su cese de 2003. Conocida por su desagradable sentido del humor, su alto contenido en drogas, sexo y violencia y por ser máxima representante de la llamada “línea chunga”, fue la plataforma de salida para muchos de los más importantes dibujantes e ilustradores del país como Nazario, Max, Mariscal, Gallardo, Mauro Entrialgo o Miguel Ángel Martín, entre otros, quienes a través de sus viñetas mostraron las historias que se vivían en la calle en los días de la Transición y sus años posteriores. La combinación de underground americano de finales de los 60 con la tradición más costumbrista del tebeo español, hizo llegar el cómic adulto a un público masivo ávido de libertad. Editado en Dvd, el documental se ofrece con audio en versión original, subtítulos en inglés y castellano para aquellas partes habladas en catalán e imagen anamórfica. Como extras se incluyen entrevistas con los fundadores de “El Víbora”, el cortometraje El coito te nubla de Guillermo A. Chaia, así como un libreto de veinte páginas con prólogo de Onliyú y biografías de los entrevistados.
El otro título en cuestión es Del trazo al píxel, un recorrido del mejor cine animado español compuesto por tres DVDs: el primero ofrece medio centenar de cortometrajes, el segundo una selección de anuncios de los míticos Estudios Moro y el tercero contiene el primer largometraje español animado para adultos, Historias de amor y masacre, restaurado para la ocasión. A través de estos tres DVDs no sólo queda reflejada la diversidad de técnicas que hace de la animación un arte sin límites, sino que se recorre la evolución estética de un país que ha conocido tiempos de carencias y aislamiento hasta convertirse en una de las canteras creativas más ricas del panorama internacional. Una edición de referencia que se completa con un libro de 160 páginas con información de cada título incluido.
