Disponible el segundo número de la “Guía del cine S” de Exhumed Movies

Desde hace unas semanas se encuentra la venta el segundo volumen de la Guía del cine “S” que publica Exhumed Movies. Este nuevo número comprende las letras B y C y en él aparecen reseñadas más de ochenta películas, muchas de ellas auténticas rarezas a nivel mundial, de la que ni siquiera existe información en sus países de origen. Como soporte visual, se incluyen más de treinta juegos de fotocromos procedentes de las colecciones privadas de los responsables de Exhumed Movies y que se complementan con carátulas, guías, pósters, etc. En total 132 paginas, el doble de las que constaba el primer número, y de la que aún pueden adquirirse sus últimas copias por 12€ más 5€ de gastos de envío.

Más información y pedidos en: exhumedzine@gmail.com

Labios lúbricos

Título original: Labbra di lurido blu

Año: 1975 (Italia)

Director: Giulio Petroni

Productor: Giulio Petroni

Guionistas: Giulio Petroni, Franco Bottari

Fotografía: Gábor Pogány

Música: Ennio Morricone

Intérpretes: Lisa Gastoni (Elli Alessi), Corrado Pani (Marco Alessi), Jeremy Kemp (George Stevens), Hélène Chanel (madre de Elli), Silvano Tranquilli (Davide Levi), Antonio Casale (propietario del bar), Daniela Halbritter (Nora), Gino Santercole (Alberto), Margareta Veroni (Laura), Giulio Baraghini (carabiniere), Armando Brancia (Lupis, el voyeur), Bruno Ariè (cliente del bar), Umberto Alivernini, Franco Deriu, Alberto Tarallo, Alessandra Vazzoler…

Sinopsis: Elli y Marco forman un matrimonio profundamente perturbados por los traumas infantiles de índole sexual que cada uno de ellos arrastra. Sin embargo, su boda no resuelve sus problemas, que se ven agravados por la presencia de George, un anticuario inglés que tiempo atrás mantuvo una relación con Marco. Por su parte, la ninfómana Elli comienza a verse con un izquierdista que acaba de salir de la cárcel.

En su época de máximo esplendor, el cine de género italiano experimentó un fenómeno de lo más curioso. A medida que su éxito se fue afianzando y su ritmo de producción creciendo, lo que en origen había nacido como una fórmula de espectáculo de evasión y entretenimiento popular fue mutando poco a poco hasta convertirse en un continente en el que, literalmente, cabía de todo. Durante aquellos años, productos más o menos convencionales convivieron junto a otros que, bajo su camuflaje genérico, escondían propuestas de un marcado carácter sociopolítico, artístico e, incluso, autoral, formando un heterogéneo totum revolutum. En este contexto, no faltaron los realizadores que, a falta de mejores perspectivas y previa asunción de la condición de artesanos, encontraron entre los márgenes del cine popular el altavoz perfecto en el que expresar sus inquietudes.

Dentro de este grupo la figura de Giulio Petroni constituye un ejemplo muy ilustrativo. Procedente del campo documental y televisivo, además de autor literario, desde su debut a finales de los cincuenta hasta su retirada de la profesión dos décadas más tarde para centrarse en la escritura, coincidiendo con el ocaso de este sistema industrial, la trayectoria de Petroni se desarrollaría siguiendo el dictado de diferentes estilos imperantes en el cine de consumo trasalpino de la época. Si bien su contribución más recordada se encuentra en los terrenos del eurowestern, donde legaría dos títulos tan emblemáticos del subgénero como De hombre a hombre y Tepepa, exponente del zapata-western donde el cineasta reflejó sus convicciones políticas –no en vano, era miembro del Partido Comunista y había combatido como partisano durante la Segunda Guerra Mundial-, es Labios lúbricos, film que a la postre supuso su despedida del medio[1], el que pasa por ser su proyecto más personal. Tanto es así que, además de dirigirlo, también se encargó de producirlo, montarlo y escribirlo, labor para la que contaría con la colaboración de Franco Bottari, habitual decorador y director ocasional. Buena muestra de las ambiciones con las que fue concebida la película es la presencia en su apartado técnico de reputados profesionales de la talla de Ennio Morricone o del director de fotografía de origen húngaro Gábor Pogány.

Sobre el papel, Labios lúbricos se trata de un melodrama erótico que se inscribe dentro de cierta rama coetánea, caracterizada por sus elementos morbosos y por tener en la presencia de Lisa Gastoni su principal icono y nexo de unión. Por regla general, el papel prototípico que la actriz angloitaliana encarnaba en estas cintas solía ser el de una mujer madura de posición acomodada, sexualmente insatisfecha[2]. Siguiendo estas pautas, en el título que nos ocupa interpreta a la esposa de un eminente profesor de la Universidad de Peruggia. Casados desde hace un año, la suya es una unión de conveniencia. Para los dos cónyuges el matrimonio supone, por un lado, una excusa con la que guardar las apariencias de cara a su comunidad, al tiempo que el asidero a través del que esperan enmendar sus respectivas disfunciones sexuales. En realidad, ella es una ninfómana irrefrenable que, sin embargo, se muestra incapaz de hacer el amor con su marido, mientras que este mantuvo tiempo atrás una relación sentimental con otro hombre que ahora le persuade para que abandone a su esposa, aludiendo al pernicioso influjo que el desenfreno sexual de la mujer puede ejercer en su prestigio profesional y social. En ambos casos, tales desviaciones son el resultado de traumáticos recuerdos de infancia, estrechamente relacionados con el proceder de sus progenitores; en el de ella, la conducta desinhibida de unos padres licenciosos, que aprovechaban la mínima oportunidad para mantener sexo sea cual fuera la circunstancia; en el de él, la actitud represora de un padre intolerante ante la aparición de los primeros síntomas de homosexualidad de su hijo.

A partir de estas líneas maestras, Petroni trata de plasmar la decadencia de la burguesía italiana de provincias, tema por aquellas mismas fechas bastante tratado por otras cintas de similares características, caso de la asfixiante Vicios prohibidos o L’inmoralitá, también con Lisa Gastoni en su reparto. En este caso, dicha crítica es dirigida hacía la hipócrita doble moral de estos círculos sociales, en la que, más importante que lo que uno sea, lo es que la imagen que se proyecte se amolde a los patrones morales impuestos. De este modo, el principal motivo por el que los protagonistas no aceptan su verdadera sexualidad es por ser la causa que les aparta de lo socialmente establecido como normal. De ahí que ambos interpreten sus filias como una enfermedad de la que deben curarse, para poder así convertirse realmente en las intachables personas que simulan ser de puertas para afuera.

Y es que, en el fondo, el tema que plantea Labios lúbricos no es otro que la represión sexual que subyace bajo las capas de respetabilidad de las clases dominantes, expuesto a través del contraste entre la conducta denunciada y la naturalidad con la que afronta estos temas el pueblo llano o, al menos, a cómo se representa en la pantalla. Una idea que es visualizada por su director por medio del significativo tratamiento que hace de los espacios escénicos: los interiores cerrados de atmósferas cargadas que acogen las reuniones de sociedad pero, también, donde tienen lugar los encuentros sexuales de su protagonista femenina, contra los exteriores urbanos que sirven de recinto a los festejos populares y los bucólicos parajes de la campiña italiana en los que los criados de la pareja yacen despreocupados, en evidente metáfora de su sexualidad natural y libre. No es pues casual, a la vista de estos planteamientos, que el hombre cuyo contacto sirva de liberador de los traumas sufridos por la protagonista, un izquierdista recién salido de la cárcel que funciona como alter ego del propio Petroni –aparte de dotarle de ciertos rasgos autobiográficos, una vez que la mujer le proponga iniciar una relación, justificará su negativa esgrimiendo la intención de acabar un libro, como si de un heraldo de los nuevos rumbos profesionales que iba a tomar su creador se tratara-, solicite a su anfitriona y futura amante el abandonar la estancia en la que se desarrolla una reunión de las fuerzas vivas del pueblo para salir al exterior.

Sin embargo, es en detalles como los anteriormente descritos donde quedan puestas de relieve las debilidades del film. Aparte de maniqueo, su discurso está expuesto en unos términos demasiados formularios y evidentes, plagados de tics de manual, a los que tampoco ayudan la puerilidad de los simbolismos empleados; véase al respecto la mención a la propiedad de ese terreno cercano al lago que el profesor mantiene con el que fuera su antiguo amante, en burda referencia a los antiguos  amoríos entre los dos hombres. Como consecuencia de este tratamiento, los aspectos narrativos también acaban resintiéndose, debido a la total supeditación a la que son sometidos en pos de la consecución del discurso fijado. Lejos de andarse con rodeos, Petroni muestra sus cartas bien pronto, lo que propicia una deriva narrativa sin progresión dramática alguna. A pesar de la esforzada labor de sus intérpretes, el conflicto de los personajes principales apenas es resumido en sus traumas psicológicos, como si de un mal giallo se tratara, en tanto que, una vez la situación de base es presentada, el resto de la trama se reduce a las idas y venidas del matrimonio del campo a la ciudad, y viceversa, mientras la esposa se tira a todo aquel que se le pone por delante, retrasados mentales incluidos.

Así las cosas, Labios lúbricos resulta un film mucho más apreciable y menos fallido si se le despoja de sus pretensiones autorales y se le reduce a su primigenia condición de relato erótico, lo que no deja de ser irónico o consecuente, según se mire, para una película que pivota sobre la represión sexual. Lo es gracias a un erotismo más atento a la morbosidad de los episodios planteados que a la cantidad de epidermis mostrada, bastante por debajo de lo que cabría esperar en un producto de esta índole. Dentro del muestrario de situaciones descritas, entre las que hay espacio para necrofilia, homosexualidad, sexo en grupo o voyeurismo, quizás la más potente e indicativa se encuentra en la escena en que la protagonista copula sobre una mesa de billar con cuatro hombres repugnantes en la penumbra de un sórdido establecimiento, en la que, a base de primeros planos y sin ningún tipo de diálogos, la actriz logra transmitir la impotencia, humillación y bajeza que le produce a su personaje el satisfacer su irreprimible apetito sexual.

José Luis Salvador Estébenez

[1] O al menos de forma oficial, ya que, en realidad, aún dirigiría Poseída, película encuadrada dentro de la oleada de imitaciones surgidas al rebufo del éxito cosechado por El exorcista, de la que, no obstante, renegaría de su autoría.
[2] Al parecer, el origen de este personaje se remonta a la participación de Gastoni en la cinta de Salvatore Samperi Grazie Zia. A modo anecdótico, cabe señalar que, en esta ocasión, su interpretación le valdría el ser galardonada con el Nostro D’argento, un prestigioso premio del cine italiano.

Black Angel (Senso´ 45)

(Senso´ 45)Título original: Senso´ 45

Año: 2002 (Italia)

Director: Tinto Brass

Productor: Giuseppe Colombo

Guionista: Tinto Brass según la novela de Camillo Boito

Fotografía: Massimo Di Venanzo, Daniele Nannuzzi

Música: Ennio Morricone

Intérpretes: Anna Galiena (Livia Mazzoni), Gabriel Garko (Helmut Schultz), Franco Branciaroli (Ugo Oggiano), Antonio Salines (Carlo), Simona Borioni (Elsa), Loredana Cannata (Ninetta), Erika Savastani (Emilietta), Sabrina Colle, Agostino Nani, Giulia De Gresy, Franco Barbero, Eleonora Mazzoni, Ciro Scalera, Maria Pia Colonnello, Hermann Weiskopf, Alessia Siniscalchi, Maurizio Prudenzi, Conchita Manfroi, Lele Masiol, Giorgia Reberschack, Max Parodi, Marina Pegoraro, Giuseppe Rossetto, Susanna Bugatti, Gianluca Magni, Francesca Tosetti, Mario Francini, Lucrezia Andreotti, Gianni Demartiis, Martina Andreotti, Lorenzo Vitturi, Isabel Vitturi, Alberto Garbizza, Jasmine, Osiride Pevarello, Carla Solaro, Claudio Bernabei, Madame X, Roberto Malone, Monica Del Pup, Claudio Castana, Michela Fruet, Carlo De Marino, Maria Grazia Morelli, Tony Leone, Silvana Archiapatti, Massimo Sangalli, Ivana Fontanabona, Filippo Belletti, Francesca Piovesan, Massimo Vanni, Emanuela Del Zampo, Milko D’Angelo, Silvia Demili, Paolo Signora, Camilla Ahluvist, Jacopo Molina, Lorenzo Branchetti (Soldado), Lucas Di Medio (Oficial de las SS), Danilo Maria Valli, Tinto Brass (Director de cine)…

Sinopsis: Atrapada en un infeliz matrimonio, la mujer de un ministro fascista italiano comienza una peligrosa y autodestructiva relación con un engañoso oficial de las SS. La atracción que siente por el oficial alemán la llevará a introducirse en un mundo clandestino de perversión y juegos eróticos.

Tinto Brass junto a la actriz Anna Galiena posan durante una pausa de rodaje.

Catorce años después de su realización, la distribuidora Film Buro realiza una operación digna de aplaudir y recupera para las salas españolas Senso´ 45 –titulada para la ocasión Black Angel[1]-, película dirigida por Tinto Brass, realizador italiano experto en erotismo fílmico, en cuyo curriculum se encuentran obras de sobra conocidas para el espectador cinéfilo, como La llave secreta (La chiave, 1983), Los burdeles de Paprika (Paprika, 1991) o la controvertida Calígula (Caligula, 1979), por nombrar unas pocas.

En esta ocasión, y al igual que ya hizo en su también afamada Salon Kitty (Íd. 1976), Brass sitúa al espectador en la Segunda Guerra Mundial y construye una trama en la que el sexo ejerce de motor principal de la acción. De este modo, y tomando como base la novela Senso de Camillo Boito (ya adaptada al cine con anterioridad por Luchino Visconti), el director milanés lleva a su terreno la historia de una mujer infeliz que se enamora perdidamente de un oficial nazi en la Italia de los años 40. Y es que, aunque el cineasta aprovechó para recrearse en un festival de morbo y perversión que incluía escenas de sexo oral, penetración anal o lluvia dorada, cierto es que la historia sí adquiere principal importancia en la narración y está filmada con especial solvencia. Dicho de otro modo, sería un error definir a esta Black Angel como un homenaje a las antiguas nazixploitation europeas de directores como Paolo Solvay o Bruno Mattei, que aunque tuviesen diferentes virtudes no dejaban de ser meros ejercicios creados para el consumo rápido, en las antípodas de la historia de pasión, celos y traiciones que aquí se pretende contar. Cierto es que no falta la escena de cama con una fémina ataviada con gorra militar o una orgía en plena juerga nazi, pero son pasajes colocados correctamente para acentuar el ambiente depravado de la propuesta.

De entrada, Brass construye con Livia Mazzoni a un personaje femenino ciertamente interesante, pues lejos de tratarse de un mero objeto sexual con el que un oficial sacia sus instintos, se nos presenta como una mujer inteligente, fuerte y enamorada que vivirá una aventura llena de mentiras y engaños, en la que deberá sacar fuerzas en el último minuto si pretende sobrevivir a los acontecimientos. Brillantemente interpretada por Anna Galiena, la actriz lleva todo el peso de la trama, difícil misión de la que sale bien parada, algo que no debe sorprender a aquellos que conocen su trabajo en filmes como El marido de la peluquera (Le mari de la coiffeuse, 1990) o La pistola de mi hermano (1997).

En lo que se refiere al aspecto formal de la película, Tinto Brass recurre a una artimaña arriesgada, tal vez difícil sobre el papel, pero eficaz en su desarrollo: junto al director de fotografía Daniele Nannuzi (responsable de la imagen de Santa Sangre-1989-), el cineasta filma el presente en blanco y negro mientras que los flasbacks son mostrados en color. No es un hecho gratuito, pues el pasado está plagado de instantes mágicos, incluso felices, y por supuesto llenos de luz, como aquel coito en el mar rodado con cariño y maestría. En contrapunto, el momento actual viene retratado sin colores, fríamente, pues está plagado de embustes, deslealtad y muerte. Una decisión como digo osada, pero que  Brass y su equipo saben llevar a buen puerto. Volviendo al reparto, junto a la ya mencionada Galiena destaca el otro protagonista Gabriel Garko, actor que si bien es cierto que en nuestro país no es muy conocido, en su Italia natal sí goza de cierta popularidad, principalmente gracias a sus trabajos para la televisión (para este medio acaba de interpretar nada menos que a Rodolfo Valentino en una miniserie). Junto a ellos, rostros habituales en el cine de Brass (Franco Branciaroli, Max Parodi, Carla Solaro…), así como la estrella del porno Roberto Malone (en un minúsculo papel) y el mismísimo Tinto Brass ejerciendo un cameo como el director de una película propagandística.

Por supuesto existen otras muchas películas mejores contextualizadas en la Segunda Gran Guerra -sin alejarnos demasiado en el tiempo, me vienen a la cabeza obras como El pianista (The Pianist, 2002) o El libro negro (Zwartboek, 2006)-, pero también es cierto que seria un error dejar pasar por alto este trabajo de Tinto Brass, pues merece la pena acercarse a esta pequeña joya, arriesgada y diferente, desde luego incapaz de producir indiferencia. Recomendable.

Javier Pueyo

[1] Black Angel fue también el título con el que la película se comercializó en otros países de Europa, como Alemania por ejemplo, aprovechando que el working title del filme fue, precisamente, “Angelo nero”.

The Lonely Lady

Título original: The Lonely Lady

Año: 1983 (Estados Unidos)

Director: Peter Sasdy

Productor: Robert R. Weston

Guionistas: John Kershaw, Shawn Randall sobre la novela de Harold Robbins.

Fotografía: Brian West

Música: Charles Calello

Intérpretes: Pia Zadora (Jerilee Randall), Lloyd Bochner (Walter Thornton), Bibi Besch (Veronica Randall), Joseph Cali (Vincent Dacosta), Anthony Holland (Guy Jackson), Jared Martin (George Ballantine), Ray Liotta (Joe Heron), Carla Romanelli (Carla Maria Peroni), Oliver Pierre (George Fox), Kendal Kaldwell (Joanne Castel), Lou Hirsch (Bernie), Kerry Shale (Walt Thornton Jnr), Sandra Dickinson (Nancy Day), Shane Rimmer (Adolph Fannon), Nancy Wood (Janie), Ed Bishop (Dr. Baker), Gianni Rizzo (Gino Paoluzzi), Mickey Knox (Tom Castel), Kenneth Nelson (Bud Weston)…

Sinopsis: Jerilee es una joven que aspira a triunfar como guionista en la salvaje jungla de Hollywood, hasta el punto de hacer todo lo que esté en su mano para conseguirlo.

The Lonely Lady es la adaptación del best seller homónimo escrito en 1976 por Harold Robbins, autor prácticamente olvidado en la actualidad, pero del que fueron llevadas a la pantalla al menos una docena de sus novelas, desde finales de la década de los cincuenta hasta 2001, año del que data una serie B protagonizada por Richard Grieco llamada Body Parts.

La presente cinta entronca directamente con el tipo de género que cultivaba la quizá más conocida Jacqueline Susann, novelista rosa que pasará a la historia por su obra también ambientada en Hollywood, El valle de las muñecas (1), en la que la ambición en el mundillo cinematográfico hacía que sus personajes cayeran en el peligroso mundo del alcohol y los barbitúricos.

Y es que incluso se llegó a rumorear que The Lonely Lady estaba inspirada, a grandes rasgos, en la vida de la propia Susann -una mujer luchadora que aspira a triunfar como gran escritora en un mundo dominado por los hombres-; de hecho, el libro original está dedicado a la memoria de la novelista, aunque según declaraciones del propio Robbins, su inspiración se centró en Grace Metalious, la autora de Peyton Place.

La elegida para encarnar a la heroína Jerilee Randall sería la emergente estrella Pia Zadora (2), actriz que había obtenido un muy discutido Globo de Oro en el apartado New Star por su actuación en la vapuleada Butterfly de Matt Cimber, imponiéndose por delante de nombres como los de Kathleen Turner o Elizabeth McGovern. (3)

Pero ciñéndonos a la cinta en cuestión, podemos afirmar que se encuentra muy cerca de aquellas teleseries de la época que derrochaban glamour ochentero y que retrataban las pasiones y el ansia de poder de un grupo de mujeres sin escrúpulos, soap operas como Dinastía o las posteriores en el tiempo Muñecas de papel (1984) y Mujeres de Hollywood (1985). Aunque el nivel de erotismo de la cinta sea de mayor grado que éstas, gracias a la labor de la ardiente Zadora, que comienza la película siendo una jovencita virgen que tras ser violada nada más y nada menos que con una manguera- por un joven y poco reconocible Ray Liotta en el que sería su primer papel en el cine-, pasa a casarse con un guionista de éxito que le triplica en edad pero que no la satisface sexualmente, para tras su divorcio pasearse por todas las camas y en compañía de todos los sexos necesarios para conseguir su sueño de ser una reputada guionista.

El encargado de plasmar en imágenes la obra de Robbins no es otro que Peter Sasdy, realizador húngaro nuevo en el género, ya que estaba especializado en cine de terror: un ramillete de clásicos realizados al amparo de la productora Hammer como El poder de la sangre de Drácula, Las manos del destripador o La condesa Drácula formaban parte de su currículum. Por ello resulta más que chocante la elección del realizador para llevar a cabo este drama hollywoodiense. Aunque es innegable el sello de Sasdy en una secuencia clave del filme, en el que la protagonista Jerilee, tras haber sido engañada por uno de sus amantes, tiene un brote de locura al imaginar los rostros de sus enemigos en las teclas de su máquina de escribir, girando en torno a ésta, mientras ella grita aterrorizada al mismo tiempo que el celuloide queda teñido en varias tonalidades de colores chillones, como si de una pesadilla se tratara, en lo que no deja de ser una clara referencia al cine fantástico confeccionado en los años setenta por el propio realizador.

Por ello, The Lonely Lady podría considerarse como una gran pesadilla en la que se retrata a Hollywood como una jungla de villanos que perturban la mente de una inocente niña, que terminará renegando del mundillo durante un atrevido monólogo final durante la gala de unos importantes premios, cuyo trofeo es sospechosamente parecido a los Oscar: “I don’t suppose I’m the only one who’s had to fuck her way to the top” (4), final por cierto muy similar al del ya todo un clásico de culto como es Showgirls, ya que al igual que en ésta su protagonista, que ha hecho todo lo posible por llegar a lo más alto, termina renunciando al ver toda la basura que se esconde detrás de la fama, convirtiendo así a The Lonely Lady en un claro referente de la cinta de Verhoeven.

Respecto a la adaptación cinematográfica de este atrevido best seller, el guión no recoge en su totalidad lo descrito en las páginas por Robbins, ciñéndose por el contrario a los aspectos más reseñables de éste y dejando excluidos la mitad de los capítulos de la vida de Jerilee- algo que por otro lado podría haber dado lugar a una miniserie-. Elimina o introduce nuevos personajes, hace menor hincapié en la bisexualidad de la heroína o en su faceta de actriz -ganadora incluso de un premio Tony, para terminar cayendo en la profesión de stripper o en la prostitución y el porno-. En ocasiones añade morbo- la chocante violación del inicio no llega a ser tal en el original, sino una agresión con un cigarro encendido- y en otras le resta- en el libro de Robbins durante la secuencia de la gala de los Oscar, nuestra protagonista tras ganar el premio se queda totalmente desnuda y muestra que tiene dibujado boca abajo la estatuilla a lo largo de su cuerpo, con la cabeza del galardón como si le estuviera comiendo sus partes íntimas-, pero en definitiva la esencia es la misma.

De ritmo ágil y duración standard, este delirio totalmente inédito en las pantallas españolas es venerado por el realizador John Waters, para el que Pia es la “mejor peor actriz” de todos los tiempos. Tanto es así que no dudó en contar con ella para su cinta Hairspray. Y es que The Lonely Lady tiene momentos tan delirantes que merece estar situada a la altura de la anteriormente citada Showgirls como clásico camp. No en vano, obtendría siete de los once premios razzies a los que estaba nominada dicho año, galardones que son a veces más interesantes que los propios Oscar de los que pretenden ser antítesis.

Jesús Palop

(1) Llevado con éxito al cine por Mark Robson en 1967 con Barbara Parkins, Patty Duke y Sharon Tate al frente del reparto. En 1981 también sería adaptada al medio televisivo en el telefilm Jacqueline Susann´s Valley of the Dolls.

(2) Cuyo personaje ficticio también guardaba ciertas similitudes con la vida real de la propia actriz, casada con un hombre que le doblaba en edad y que pretendía convertirla en estrella de Hollywood, el productor Meshulam Riklis.

(3) Dicho apartado sería radicalmente eliminado dos años después debido a la polémica surgida en el que se dijo que el premio fue literalmente comprado por el entonces marido de Pia, el mentado Meshulam Riklis.

(4) Supongo que no he sido la única que ha tenido que abrirse el camino hacia la cima follando, en su traducción al castellano.

El díptico de Jesús Franco “La cripta de las condenadas” ya a la venta en DVD

Vial of Delicatessens pone hoy a la venta La cripta de las condenadas y La cripta de las condenadas II, dos de los títulos dirigidos por Jesús Franco que hasta la fecha permanecían inéditos, comercialmente hablando.

LA CRIPTA DE LAS CONDENADAS

Un grupo de mujeres, quizá fantasmas, quizá demonios, se encuentran encerradas en la cripta de un cementerio, condenadas por una vieja maldición. Esta especie de súcubos, lascivos y perversos, no parecen sin embargo lamentar demasiado la maldición y pasan los años entregándose a todo tipo de placeres sexuales.

Una de las películas más buscadas de Jess Franco, inédita comercialmente hasta ahora y vista sólo en festivales como Sitges, Pantalla Fantasma o el BUTT Film Fest de Núremberg, La cripta de las condenadas fue definida por un crítico alemán como “la primera película rodada en coñorama”. Sexo lésbico, terror y videoarte se dan la mano en este experimento a la altura del genio de la vanguardia que fue Franco.

Formato 1.85:1 anamórfico. Idiomas: DD 2.0 en castellano. Subtítulos: inglés, francés, italiano, alemán.

La edición incluye los siguientes extras:

– Entrevista con Jess Franco.

– Cortometraje Los condenados de la cripta de JJS.

LA CRIPTA DE LAS CONDENADAS II

 

Cien años más tarde de lo narrado en la primera parte, las condenadas siguen en su cripta entregadas a sus juegos y placeres. Ignoran la presencia de un ángel exterminador enviado por el Señor, que quiere acabar con tanta desvergüenza aplicándoles un castigo ejemplar: destruirlas para siempre.

Jess Franco cierra su díptico sobre los súcubos lésbicos con esta inigualable película, a medio camino entre el sexploitation y el cine de vanguardia, repleta de planos que exploran la sexualidad de la mujer hasta lo más profundo.

Formato 1.85:1 anamórfico. Idiomas: DD 2.0 en castellano. Subtítulos: inglés, francés, italiano, alemán.

La edición incluye los siguientes extras:

– Escenas eliminadas.

– Lina Romay tras la cámara.

– Cortometraje The Phallus Killer de Naxo Fiol.

Cada película sale a la venta a un precio de 5, 99 €, mas gastos de envío. Además, y por tiempo limitado, Vial of Delicatessens ofrece la oportunidad a sus clientes de adquirir ambos títulos junto a Al Pereira Vs. Alligator Ladies al precio especial de 17,99 €, gastos de envíos incluidos, en una oferta exclusiva a su tienda web. Una oportunidad única de completar tu colección.

Más información y pedidos: http://vialofdelicatessens.blogspot.com

Voodoo Passion. Las diosas del porno

Finalizamos con el repaso que hemos desarrollado en los últimos meses a los cinco títulos aparecidos, al menos hasta el momento, dentro de la colección “Inéditos de Jesús Franco”, publicada por Tema Distribuciones y distribuida por Cameo, centrada en la recuperación para nuestro mercado de varios de los títulos que el tío Jess rodara junto al productor suizo Erwin C. Dietrich a mediados de los años setenta. El encargado de poner el broce es nuestro colaborador Javier Pueyo, quien se encarga de comentar Voodoo Passion, película estrenada originalmente en España con el título de Las diosas del porno.

LA PELÍCULA

Voodoo Passion es una de las múltiples películas que Jesús Franco realizó para el productor suizo Erwin C. Dietrich. A lo largo de los años, la pareja incursionó en todo tipo de géneros definitivamente exploits como pudieron ser las naziexplotations o las WIP, llegando incluso a coquetear con personajes de la cultura popular, caso de Jack el Destripador; la cinta que aquí se reseña explora, a la manera de Jesús Franco, el goloso tema del voodoo, presente en el celuloide desde los ya lejanos años treinta. Pero muy lejos de situarse en la onda explotada por los, digamos, pioneros Victor Halperin con La legión de los hombres sin alma (White Zombie, 1932) o Jacques Tourneur con Yo anduve con un zombie (I Walkes with a Zombie, 1943), a Franco los rituales caribeños le sirven únicamente como excusa para rodar un film de carácter erótico. Uno más para ser más preciso.

El metraje se inicia con una secuencia situada en una playa, y allí ya se anuncia al espectador con que tipo de producto va a encontrarse si decide dedicar unos minutos de su vida a ver dicha película. A ritmo de tambor, unos nativos caribeños realizan una danza como parte de una ceremonia en la que las féminas participantes muestran su desnudez con absoluta naturalidad. A continuación da comienzo la trama, cuyo argumento gira alrededor de una mujer victima de los maléficos planes del villano de función, controlada mentalmente con el fin de que cometa una serie de asesinatos sin ella saberlo. Planteamientos similares ya fueron vistos en otras películas de Franco –Les cauchemars naissent la nuit (1970) o Los ojos siniestros del Dr. Orloff (1973), por citar dos ejemplos-, de modo que puede entenderse que está confeccionada para fans del cineasta que comulgan con ese juego realidad-ficción tan utilizado en la filmografía del director madrileño. Pero no olvidemos en ningún momento que en Voodooo Passion el sexo es el protagonista absoluto¹, pero realizar un análisis de los diferentes actos sexuales que se realizan a lo largo del filme quizá no sea un ejercicio necesario. Rápidamente y sin querer ir más allá, diremos que hay practicas heterosexuales, lesbianismo, incesto, vouyerismo e incluso onanismo explícito con una botella, todo ello muy del gusto de los espectadores de la época y aplaudido hoy en día por los aficionados a la obra del director de Al Pereira vs. the Alligator Ladies (2012).

Una vez vista la película, el espectador puede deducir fácilmente que fue rodada en pocos días con un presupuesto ajustado, pues presenta una serie de fallos cinematográficos que desgraciadamente no son del todo ajenos a otras obras de Franco. Mencionar por ejemplo como algunos figurantes miran directamente a cámara, situación cuanto menos risible, pero también entendible de algún modo en una producción de estas características. En lo que se refiere al guión, también se aprecia que no debieron realizarse muchas versiones del mismo, pues a su simplicidad (la pirueta final quizá no acaba de cuajar) debemos añadir que algunos diálogos son demasiado explicativos: los personajes a menudo ofrecen cierta información necesaria para ayudar a que el público pueda seguir la trama con mayor facilidad, lo que se traduce en unas conversaciones no muy creíbles además de extremadamente largas. No obstante y en contra de lo que pueda parecer en un primer momento, personalmente disfruté con la película, siempre bajo ese prisma de “estoy viendo una película suiza de Jesús Franco”. Que el vudú tenga cierta importancia en la trama siempre es un aliciente, y además, algunos de los asesinatos que muestra la cámara parecen pertenecer a un giallo de Serie Z. Así, añadiendo esos momentos de sexo soft y hard (según la escena) convierten a Voodoo Passion en un divertido cóctel que funciona sin problemas dentro de su liga.

LA EDICIÓN

Los amantes del doblaje quizás se sentirán un poco defraudados con esta edición, pues el único audio disponible es el alemán (con posibilidad de añadirle subtítulos en español, por supuesto), careciendo por tanto del doblaje existente en castellano. Por lo demás, su calidad de imagen se corresponde a los estándares acostumbrados al resto de los títulos aparecidos dentro de los “Inéditos de Jesús Franco”. La fotografía se ofrece con un contraste tal que no hay duda de que el máster utilizado procede de una copia “restaurada a partir del negativo original de 35 mm.”, tal y como se indica en la portada. En cuanto al apartado de los extras, junto a los tráileres del resto de películas de Jesús Franco que incluye la colección de Tema Distribuciones, destacan indudablemente una excelente colección de fotocromos originales de la película procedentes de su estreno en países de habla germana, presentes en el Dvd en un apartado denominado “Fotogalería”.

Javier Pueyo

(1) Tanto es así que para su tardío estreno en España al amparo de la etiqueta “S”, recibiría el nombre de Las diosas del porno.

FICHA TÉCNICA

Título original: Der Ruf der blonden Göttin

Año: 1977 (Suiza)

Director: Jesús Franco [acreditado como Jess Franco]

Productor: Erwin C. Dietrich

Guionistas: Erwin C. Dietrich, Jesús Franco [acreditados como Manfred Gregor]

Fotografía: Andreas Demmer

Música: Walter Baumgartner

Intérpretes: Ada Tauler (Susan), Karine Gambier (Olga), Nanda Van Bergen [acreditada como Vicky Adams] (Inès), Jack Taylor (Jack), Vítor Mendes (Dr. Barri), Ly Frey (Marian Hawkins), Aida Gouveia (Ida), Sandra Daenliker…

Sinopsis: Susan llega a Puerto Rico donde su marido, Jack, ejerce labores políticas. Una vez allí conoce a dos mujeres que le cambiarán la vida: Ines, asistente de Jack, y Olga, su cuñada ninfómana. A raíz de su estancia en la isla, Susan comienza a tener unas terribles pesadillas relacionadas con el vudú…

*Todas las imágenes de la película que ilustran este artículo pertenecen a capturas de la edición comentada.

Entrevista a Stan Valen, director de “Lesbo Killer Dolls”

Hace pocos meses la distribuidora Vial of Delicatessens sacaba al mercado doméstico la edición en Dvd de Lesbo Killer Dolls, una cinta que bebe directamente del estilo creado por Jesús Franco a lo largo de su filmografía. Escrita, producida e interpretada por Salvador Sáinz, se trata de un thriller plagado de erotismo extremo que cuenta la historia de dos asesinas a sueldo escondidas bajo la apariencia de dos sensuales prostitutas, a las que dan vida Lina Servant y Mary Blond. Extraña, por momentos excitante, bizarra al 100%, este autentico delirio visual está dirigido por un joven cineasta que debuta así en el mundo del largometraje, Stan Valen. Conversamos con el realizador para que nos hable de su película y de su carrera en el medio audiovisual.

Cuéntanos un poco, ¿cómo te inicias en el sector audiovisual?

Ante todo un saludo. Pues la verdad es que desde siempre me interesó este sector… Desde bien crío. Pero sobre todo la dirección. Empecé pues como cualquier hijo de vecino que sueña con adentrarse en este mundillo, con cortometrajes. Esos cortos los acabábamos viendo la misma gente que participábamos en ellos y pasándolos en algunos círculos pequeños, como algún taller especial en la propia ciudad. Incluso rodé uno erótico, que me encantaría recuperar… pero ni yo se donde anda ya. Hará cosa de cuatro o cinco años empecé de manera mas profesional, con pequeños trabajos en la televisión local, curros alimenticios y colaborando en cortometrajes ajenos.

Por otro lado, conocía el cine de Jesús Franco, pero no me llegue a interesar tanto en él, hasta que no descubrí su etapa digital por la misma época. Esa libertad para expresar lo que le daba la real gana sin preocuparse por los típicos esquemas y cánones cinematográficos (algo que homenajeo conscientemente en Lesbo Killer Dolls) y aun así creando una historia. Sin duda me fascinó. A pesar de ser películas eróticas, no era el típico erotismo de la era digital, por ejemplo americana, era mucho más; era arte muy personal y muy bizarro. Ahí es cuando supe que quería hacer algo parecido, o al menos intentarlo, y no dejar morir ese género y ese estilo.

Has trabajado en muchas ocasiones con el escritor y cineasta Salvador Sáinz. ¿Cómo comenzó vuestra relación profesional?  

A Salvador le conocí ocasionalmente por Internet hace varios años. Yo buscaba información sobre una actriz que trabajó en varias ocasiones con Jesús Franco, Christie Levin. Me encantaba, me tenía enamorado. Esa mirada y esa sencillez la convertían en una mujer totalmente enigmática. Di con él, uno de sus mejores amigos que, por cierto, no sabía nada de ella hace tiempo, y por fin años después y hace pocos meses, conseguí hablar con ella por teléfono. Salvador siempre me contaba anécdotas interesantes de sus inicios, congeniamos bien. Cuando me encontré trabajando en 2012 en el primer proyecto como director del amigo Ajaj Jethi, actor televisivo afincando en España, decidí llamar a Salvador y tener un primer contacto con él. Me interesaba su faceta como creativo, a parte de la de actor. Fue uno de los cámaras del cortometraje MAY de Ajay Jethi.

En esa época yo realicé algunos cortos, pero decidí decantarme por el mundo del largometraje y en general por un género poco tocado actualmente, pero no por eso muerto, el erotismo. Así, un año después (abril de 2013), inicié el rodaje del mediometraje Los profundos sueños de Jennifer (que espero pueda ver la luz pronto), financiado por mí mismo. Ahí tenía a Salvador de actor, como ente, un ente muy pervertido que tenia aterrorizada a la pobre Jennifer, una fabulosa Carmen del Toro que bordó el papel. Y opino que lo de Salvador realmente es la comedia. Varios meses después de aquella experiencia nacería la idea de rodar Lesbo Killer Dolls…

Lesbo Killer Dolls es tu debut en el campo del largometraje, y se trata precisamente de una película co-escrita, producida e interpretada por Sáinz. ¿Cómo nació el proyecto?

El proyecto nació porque tanto yo como director del proyecto Los profundos sueños de Jennifer, como Salvador, actor y ayudante en el mismo, estábamos encantados con el concepto. Nos gusta el cine erótico y decidimos homenajear a Jess con este largometraje. Salvador reinventó un personaje que ya se le había ocurrido a finales de los años 80 para El aullido del diablo, el Padre Damián. Como has podido observar, se atreve con todo sin tabúes. Quizá es su papel más fuerte y polémico. Pero ahí estaba él, madrugando y siendo el primero en llegar para darnos prisas a los demás y comenzar a trabajar cuanto antes.

La película es un claro homenaje al universo creado por el cineasta Jesús Franco, especialmente en su última etapa como realizador. Incluso le realizas una dedicatoria en los créditos finales del filme ¿Supo Franco, antes de fallecer, que estábais trabajando en este proyecto?

Ojalá. Me hubiera encantado que Franco hubiese visto la película. Sí supo de Los profundos sueños de Jennifer, que empezó a rodarse el mismo mes en que murió. Le hablé del proyecto meses atrás, incluso le pedí consejo. Lo que realmente me jode del asunto, es el hecho de que El caso de la guiri asustada, nunca se pudo llevar a cabo. Fue un proyecto fallido de Jesús antes de adentrarse en la extraña Al Pereira. Yo hubiera trabajado en El caso de la guiri, como cámara, junto a su musa Analía Ivars que llevaba casi catorce años sin trabajar con él.

¿Y cuales son tus películas favoritas de Franco? ¿Hay alguna que consideres un referente claro cara a tu obra?

¡Claro! Y me alegra que me lo preguntes, así puedo explicarte cuales fueron los referentes básicos a la hora de crear mi Lesbo Killer Dolls: por un lado Seda roja y también he de mencionar las denominadas “Flores de Jess”, Flores de la pasión y Flores de perversión. Quería crear una atmósfera narrativa totalmente erótica (un erotismo en su totalidad lésbico), homenajear a Jesús y de paso intentar crear una firma propia dentro del género. Quizás yo me atrevo con un humor más visceral. No considero este tipo de cine ni lento ni aburrido, simplemente diferente. Tiene que existir de todo, para todos. Aunque sea para cuatro gatos, me mola, y mucho, que la disfruten ¡y que me comparen con el maestro! Me encanta la comedia gamberra y creo que esas situaciones delirantes se han convertido en mi firma. De modo que considero un referente a mi obra toda la etapa del maestro Jess entre 1997-2013.

¿El resto del equipo de la película también conocía la obra de Franco?

Pues depende del proyecto y del equipo. Me gusta que conozcan la obra de Franco, o al menos el concepto de cine erótico en general; me encantan también Jean Rollin y Tinto Brass. Pero sí, suelo preguntar si conocen o han oído hablar de Jesús Franco. Por ejemplo Carmen del Toro, protagonista de Los profundos sueños de Jennifer y secundaria en Lesbo Killer Dolls, es fanática de la obra de Jesús. En especial de la gamberra Mari-cookie y la tarántula asesina o el clásico Las vampiras. En una de las últimas películas que he rodado, Vampiras in the Night, varios miembros del reparto sí estaban familiarizados y encantados con el concepto. Jesús es desconocido si hacemos referencia al gran público, pero muy conocido y querido por sus admiradores. 

¿Cómo confeccionas el casting de la película? ¿Conocías a las actrices previamente?

Necesito conocer a la actriz, sobre todo a LA ACTRIZ. El punto fuerte de mi cine es ella, la mujer. No me vale una cara o un cuerpo bonito… Si no sabe expresarse, gesticular o tener una mirada penetrante que hipnotice al espectador, o al menos a mí, no me interesa. Por ejemplo, Carmen del Toro (vuelvo a mencionarla porque me encanta). Es cierto que no es la más guapa, ni tiene el mejor cuerpo, ni veinte años, pero sus gestos, su mirada y sus performance ante la cámara pueden poner cachondo a cualquiera.

A las protagonistas de Vampiras in the Night las conocí a las tres en un rodaje. Aunque a una ya la conocía vía Facebook hace tiempo a través de un buen amigo, sin demasiado contacto.

¿Cuántos días duró el rodaje?

Si no me equivoco, unos seis días. El montaje final fue de unos 75 minutos. Algunas secuencias eliminadas y una escena de diálogo adicional se encuentran entre los extras del DVD. El montaje original era de 100 minutos exactos… Y me parecía muy pesado.

La película incluye sexo lésbico, ataques a la Iglesia, asesinatos, gore… ¿Tú como la definirías?

¡Como una rareza completamente demencial! Muy recomendable para todos los amantes y coleccionistas de lo extraño y bizarro, entre los que me incluyo. Es una bizarrada con situaciones cómicas muy viscerales, que hay que ver para comentar. Más que ataques a la propia Iglesia, es una crítica social abierta y personal hacía la religión y el propio fanatismo que ésta crea. El personaje creado por Salvador Sáinz es justo el concepto negativo del típico cura, es el prototipo de cura cabrón. A este personaje le podréis ver, espero que pronto, en la recién finiquitada Vampiras in the Night, de manera mucho, mucho mas critica y visceral. El personaje creció y mejoró. Es completamente diferente al Damián que vemos en Lesbo Killer Dolls. Quizá en Lesbo Killer Dolls, vemos a un Damián mas sátiro, mas cerdo… En Vampiras veremos a un Damián vengativo, aunque nuevamente muy salido.

El sexo lésbico forma parte de su narrativa. Los asesinatos y el gore narran, junto con el sexo, las andadas de nuestras protagonistas. En definitiva creo que cualquier coleccionista del género tendría que tener su copia de Lesbo Killer Dolls editada por Vial of Delicatessen. ¡Además los extras, son cojonudos!

Ya hemos dicho que tu película contiene un alto contenido erótico. ¿Cómo planificaste esas secuencias? ¿Había una coreografía o se trata de un trabajo de improvisación por parte de los intérpretes?

Para mi el sexo es algo natural, que puede ser algo bonito, artístico e incluso sucio y salvaje, depende de la situación… Sobre todo si delante de la cámara desfilan actrices tan guapas y naturales como las de Lesbo Killer Dolls. Ellas mismas se encargaban de la coreografía, pues estaba planificado el concepto pero nunca la coreografía. Les dejo trabajar con libertad. Les doy indicaciones, claro, pero todo fluye por si solo. Es muy importante el buen rollo y un buen ambiente en cualquier rodaje, más si se trata de un rodaje en el que los actores se desnudan física y mentalmente. Si estás cómodo, todo fluye, el director esta contento y nos vamos a dormir pensando que ha sido un cojonudo día de trabajo. La improvisación es muy importante en este tipo de películas y creo que por el momento he tenido suerte con todos y cada uno de mis actores.

En la reciente edición en Dvd que distribuye la empresa “Vial of delicatessens” se incluye una entrevista con Salvador Sáinz en la cual asegura que el personaje del Padre Damián ya aparecía en la película dirigida por Jacinto Molina/Paul Naschy El aullido del diablo (1987), algo que ya has comentado anteriormente en esta entrevista. ¿Revisaste la película de Naschy antes de realizar la tuya?  

No, para nada, no soy demasiado admirador de las obras de Naschy. En cualquier caso revisaría una de Franco. En El aullido del diablo, sí, aparece el personaje de Damián, pero no interpretado por Salvador como inicialmente tenia que ser. (n.d.a.: en el filme de Jacinto Molina, Damián aparece interpretado por Fernando Hilbeck). Era una especie de cura sátiro que perseguía a Caroline Munro. Salvador Sáinz se salió del proyecto.

Como decíamos, la película está siendo distribuida en Dvd por “Vial of delicatessens”, y anteriormente fue proyectada en algunos festivales, como el V FANGOFEST de Amposta. ¿Cómo son las reacciones del público?

Me encanta la edición de Vial, y me encanta el trabajo de David Martín Surroca (Mundo Lumpen) con la caratula oficial de la película.

Jacint Espuny, director del Fangofest, me propuso asistir a su festival y promocionar mi película. Las reacciones son muy adversas, sobre todo con esta, que es un claro homenaje “franquiniano”. He llegado a oír comentarios del tipo “si me dices que es de Jess, me lo creo”. Pues ya se sabe, el público de este género no es demasiado extenso, y los admiradores la disfrutan. El publico acostumbrado a productos mas convencionales y no preparado para ver algo tan diferente alucinan…

Has mencionado que acabas de terminar Vampiras in the Night, de nuevo con guión tuyo y de Salvador Sáinz, aunque en esta ocasión también se añade al equipo de guionistas la actriz Lidia García. ¿Qué nos puedes contar de este nuevo proyecto? Dado que en él aparece de nuevo el Padre Damián, ¿se trata entonces una secuela de Lesbo Killer Dolls?

No, no es una secuela. No tiene nada que ver. Únicamente Sáinz vuelve a ser el padre Damián, pero algo distinto al visto en Lesbo Killer Dolls como ya he dicho. Es diferente, no sólo el concepto, si no la idea en sí. Hay muchas más situaciones, más dialogo, más locura… Menos Jess Franco, aunque sigue siendo indirectamente un homenaje; hay más firma propia. Salvador de nuevo se encarga de su personaje, el Padre Damián. Y en cuanto a Lidia García (o su pseudónimo, Lynn Rose), ha sido cojonudo, cojonudo, trabajar con alguien como ella. Menudas locuras se le ocurrían a mentes perversas como las nuestras, jajaja. Es una cómica cojonuda y actuaba casi improvisando la situación. La puedo comparar con la mismísima Jennifer Tilly. Ella se encargó de darle matices a su personaje y de crear unos espacios del tipo sketching, entre ellos la cocina de Tania, que tendréis que ver, son la hostia. Juntar en las mismas secuencias a Lidia con otro bestia de la comedia como José Antonio Marín Silva, mas conocido como Pancho Marín, fue brutal.

Por lo que he podido leer, en el reparto de Vampiras in the Night aparece Sandra Albertí, mítica actriz vista en filmes como Escalofrío (1978), El transexual (1977) o Historia de “S” (1979), pero que desde hace décadas se encontraba alejada de las cámaras, a excepción de algunos cortometrajes como Pelucas (2014) de José Manuel Serrano Cueto. ¿Cómo has contactado con ella y qué tal ha sido la experiencia de dirigirla?

De hecho conocí a Sandra cuando nos invitaron a ambos (junto a Sáinz) al Fangofest. Antes no la había tratado personalmente, solo vía chat. Fue muy interesante conocerla y mantenemos contacto. Es la narradora oficial. Ojalá fuera actriz de reparto, pero es muy jodido residiendo ella en Madrid. Quizás más adelante… Me encantaría tenerla de mala, le pega y se que lo haría genial. Es una mujer que me impone mucho y que te puede contar mil cosas interesantes durante horas.

Hasta el momento tu carrera se ha enfocado en los terrenos del erotismo y el fantástico. ¿Piensas continuar en ese camino o te gustaría incursionar en otros géneros?

No pretendo incursionar en lo comercial. Al menos no como director. Soy más realista, y el cine es tan jodido… Soy feliz haciendo lo que hago y con esto me basta. Creo que son géneros que se pueden explotar mucho, mucho más. O dar de sí… Tengo mil ideas, mil proyectos… pero este año me voy a conformar con estrenar Vampiras in the Night.

También tengo otro proyecto que rodaré próximamente en francés con estética vintage. Y me gustaría tener la oportunidad de realizar otro largo antes de acabar el año.

Al margen de tu faceta de director y guionista, me llama la atención que hayas trabajado, algunas veces como actor, en algunas producciones ajenas, concretamente para cineastas bien conocidos por el fandom como Germán Monzó o Jacint Espuny. ¿Estás también interesado en la interpretación o estas incursiones son sencillamente colaboraciones con compañeros?

Me lo pase muy bien con Jacint, es muy profesional y sabe en todo momento lo que quiere y lo que tiene, y a pesar de los pocos medios el resultado es bastante bueno. Recuerdo que en Infección Zombie tenía un par de secuencias y en una me tenia que morir; creo que la repitieron siete u ocho veces… ¡joder como me compliqué la vida para morir!

Con Germán Monzó tengo amistad ya desde hace años, nos presento Salvador, es un gran tío y un gran confidente. Siempre que puedo echarle un cable, con algún corto o teaser promocional ahí me tiene. Está muy ilusionado preparando algo grande hace algún tiempo junto a su novia, la actriz rusa Anastasia Shevchenko; espero que la cosa pueda seguir adelante durante este año porque el proyecto en sí es bastante bueno.

Sí me interesa la interpretación. Pero mas de manera ocasional, no vocacional, ¡y si pagan mejor que mejor! Si tuviera que decantarme sólo por una rama dentro del sector audiovisual sería la dirección, pero la verdad es que disfruto con todo. Y si tengo que colaborar con compañeros o echarles un cable, ahí estoy. Como por ejemplo con el director catalán David Hidalgo, un gran profesional que llegara muy lejos.

Gracias por concedernos esta entrevista. Si quieres añadir alguna cosa más…

Muchas gracias por ofrecerme está entrevista y por haber disfrutado mi Lesbo Killer Dolls. Os prometo muchas mas locuras audiovisuales, que mientras pueda seguir rodando no pararé de realizar. Un abrazo muy fuerte al equipo de La abadía de Berzano.

Javier Pueyo

Kyonyû doragon: onsen zonbi vs sutorippâ 5 [dvd: Big Tits Zombie]

Título original: Kyonyû doragon: onsen zonbi vs sutorippâ 5

Año: 2010 (Japón)

Director: Takao Nakano

Productores: Seiji Minami, Hideaki Nishima

Guionista: Takao Nakano basado en el manga de Rei Mikamoto

Fotografía: Kazuaki Yoshizawa

Intérpretes: Sora Aoi (Lena Jodo), Risa Kasumi (Ginko), Mari Sakurai (Maria), Tamayo (Nene), Io Aikawa (Darna), Minoru Torihada (Blue Orge), Ini Kusano, Saori Ando, Kaworu Asakusa…

Sinopsis: Una stripper llamada Lena Jodo llega a un pequeño pueblo de México donde se le ha ofrecido actuar en un resort. El pueblo está desierto, y en el local hay apenas cuatro gatos y otras strippers: Ginko, Maria, Nene y Dana, que se mueren de aburrimiento y pasan su tiempo peleándose unas con otras. Un día, las chicas descubren una puerta secreta en su camerino y bajan hasta un sótano, donde María encuentra el “Libro de los muertos” y comienza a leer los hechizos, algo que provoca que los muertos se levanten y empiecen a comerse a todo el mundo. Rena y Ginko son quienes deben enfrentarse a María y su horda de zombies…

El fenómeno exploitation que renació a principios de siglo a rebufo del díptico Grindhouse llevado a cabo por Robert Rodríguez y Quentin Tarantino[1], dio la vuelta al mundo y pareció que diminutas producciones de todo el globo volvían a apuntarse a los locos argumentos llenos de acción, terror y erotismo a raudales que ofrecía ese cine de antaño. Sin embargo, decir que esa ola llegó al país del sol naciente resulta un tanto arriesgado puesto que Japón es un territorio muy propenso a películas de lo más radicales, excesivas y bizarras. Por ese motivo, y aunque resulte innegable que Big Tits Zombie sigue un poco esta corriente[2], o que incluso sospechemos que su argumento aproveche el pequeño éxito de otra modesta producción titulada  Zombie Strippers![3] [4], no habría que restarle el interés que se merece, pues tras las cámaras encontramos a Takao Nakano, un cineasta especializado en el pinku que goza de cierta fama gracias a algunos títulos de culto como Sumo Vixens (1996) o Sexual Parasite (2004), y que además ha colaborado en más de una ocasión con Minoru Kawasaki, uno de los enfants terribles del cine japonés más estrambótico y divertido[5]. Por lo tanto, y pese lo apuntado anteriormente, podríamos decir que por mucha moda grindhousera (perdón por el vocablo) que surgiera en Hollywood, a los japoneses no hay quién les gane con este tipo de producciones tan esperpénticas y pasadas de vueltas (además de baratas, por supuesto).

Nakano parte de un manga de Rei Mikamoto – del que éste humilde plumilla, al no tener demasiados conocimientos sobre la materia, ha sido incapaz de encontrar información alguna en la red -, y nos adentra en la historia de cinco bailarinas de striptease que malviven sin éxito en un antro regentado por el típico chuloputas sin escrúpulos. Una de ellas encontrará un misterioso libro, provocando al leer uno de sus pasajes que los muertos se levanten de sus tumbas[6] y vuelvan a la vida con un desmesurado apetito de carne humana[7]. A raíz de este momento seremos testigos de un festín de gore salchichero a base de sangre generada por CGI, maquillajes penosos y efectos especiales de andar por casa.

Pero no nos confundamos, estamos ante una cinta que es capaz de repetir una escena a cámara lenta con tal de que veamos con más detenimiento los encantos de la muchacha de turno o, por contar alguna de sus otras perlas, que a una de las chicas le crezca una vagina dentada que escupe fuego (¡!)… Big tits zombie es un film de bajísimo presupuesto pero que, curiosamente, está dirigido con elegancia y mucho talento, y que sabe sacar provecho de su falta de medios con un grotesco (aunque refinado) sentido del humor[8] que hará las delicias de todos los amantes del género. Además, y ya como último apunte, no podemos olvidar que viene protagonizada por un reparto de bellezas de la que destacaremos la estrella de cine para adultos Sora Aoi, que además de ser generosa a la hora de mostrar su anatomía y ser objeto de los momentos más desternillantes del film, llega a decir un par de frases en castellano[9]. Lo tiene todo la muchacha.

Juan Pedro Rodríguez Lazo

[1] Y sus Planet Terror y Death Proof, respectivamente.

[2] Véase ese inicio con los dichosos efectos digitales del negativo quemado y demás impurezas cuando está rodada en video; que aparezca el logotipo de la productora, Snobbish International Pictures, emulando a las míticas películas de la Shaw Brothers, o que acto seguido aparezca una cita de La muerte tenía un precio del mismísimo Sergio Leone: “Dónde la vida no tiene valor, la muerte a veces tiene un precio”. Por no hablar que, al parecer, también goza de una versión en 3-D (no incluida en la presente edición, claro).

[3] Film lleno de erotismo y gore, tal y como su propio nombre da a entender, dirigido por Jay Lee en 2008, y cuyo principal reclamo estaba en la presencia de la recientemente retirada pornstar Jenna Jameson.

[4] A ésta le siguieron productos similares como Zombies! Zombies! Zombies! (Jason Murphy, 2008), Zombie vs Strippers (Alex Nicolau, 2012) o Strippers vs Werewolves (Jonathan Glendening, 2012), ésta proveniente de Reino Unido y en la que encontramos la presencia de Robert Englund, actor que ya aparecía en el referido film de Lee.

[5] Suyas son Executive Koala (2005), Monster X Strikes Back: Attack the G8 Summit (2008) o The Rug Cop (2006), filme protagonizado por un policía que utiliza su peluca como arma mortífera (¡!) y cuyo guion, por cierto, viene firmado por Kawasaki y Nakano.

[6] He aquí un pequeño “homenaje” a Posesión infernal de Sam Raimi.

[7] (SPOILER) Como apunte, citar que veremos brevemente cómo hasta el Suhi cobra vida… ¿Un claro precedente de Dead Sushi (2012), cinta dirigida por el célebre Noboru Iguchi?

[8] Antológico ese momento en el que una de las chicas se transforma en un delirante monstruo y éste se mueve a base de unos hilos más que visibles.

[9] El personaje de Sora Aoi llega a Japón proveniente de México.

Las estrellas del destape y la transición. El cine español se desnuda.

Título: Las estrellas del destape y la transición. El cine español se desnuda.

Autor: José Aguilar

Editorial: T & B editores

Datos técnicos: 350 páginas. (Madrid, Febrero 2012)

El autor, José Aguilar, con su obra.

Pocos libros existen dedicados al cine surgido durante la Transición, denominado “de destape”, todo un género revolucionario en que las actrices se desnudaban a la mínima, siempre “por exigencias del guión”, debido a la libertad que se empezaba a vivir tras la abolición de la censura en el cine español, derivada de la muerte del General Franco.

Rosa Valenty posando con el capítulo que le dedica el libro.

Por ello, José Aguilar ha llevado a cabo en este Las estrellas del destape y la Transición el que quizá sea el más completo documento que tenemos hasta la fecha sobre este capítulo de nuestra filmografía, simplemente por el hecho de estar narrado en primera persona a través de sus protagonistas; es decir, las principales actrices que formaron parte de aquella etapa histórica y que se convertirían, en muy breve espacio de tiempo, en auténticas estrellas de nuestras pantallas.

Mítica imagen de Susana Estrada junto a Tierno Galván.

Decir destape es decir Susana Estrada, Ágata Lys o Nadiuska, y de todas ellas se habla en el libro, aunque por razones obvias la alemana no lo haga con su propia voz. Aunque si bien es verdad, se echan en falta nombres como los de Adriana Vega, Sara Mora, Blanca Estrada o las malogradas Sandra Mozarowsky, Inma de Santis, Azucena Hernández o Andrea Albani, frente a los retratos de actrices que apenas intervinieron en el género, como puede ser el caso de Rocío Dúrcal -cuya participación en el fenómeno se limitaría, no obstante, a una de las más famosas cintas de este estilo, la polémica Me siento extraña, de la que, por cierto, su director y sus actrices aportan datos muy interesantes-, o los narrados a través de un pastiche de entrevistas antiguas realizadas por Aguilar, como los dedicados a Ángela Molina, Ana Belén, Marisol, o Bárbara Rey, algo que le resta valor al conjunto al hablar de sus carreras en términos generales.

En este libro no se habla de Sandra Mozarowsky.

Pero a pesar de que el periodista ha podido contactar con la mayoría de las actrices de la época, no ha sabido extraer toda la información necesaria, prefiriendo escarbar en el lado más morboso del asunto que en el meramente cinematográfico, ya que de hecho pocas películas son las que aquí se analizan, y en ocasiones incluso se llega a fusilar directamente críticas recogidas en la prensa de la época. Además, todas las protagonistas pasan por la misma tanda de preguntas, algo que termina resultando harto tedioso, dejando una clara sensación de deja vu que se aplica durante toda la lectura. Preguntas del estilo de si algún director intentó propasarse con las actrices, si hacían que se desnudaran en los despachos, si les ofrecieron ejercer la prostitución o si les hubiera gustado haber visto a su partenaire desnudo, son planteadas a todas y cada una de ellas, pareciendo algo más propio de un periodismo amarillista.

La Cantudo no se considera actriz del destape.

Pese a todo, nos encontramos con algunos retratos muy conseguidos. Un buen ejemplo está en el dedicado a la Cantudo – por más que ella diga en repetidas veces que no se considera una actriz de destape-, todo un acierto que marca el camino que debería haber seguido el autor en el resto de capítulos, en el que se indaga en el rodaje de La Trastienda, descubrimos el poco conocido dato de que pudo haber sido musa de Buñuel en Ese oscuro objeto del deseo, y confirma sus desavenencias con Ágata Lys, algo de lo que también se habla en el apartado dedicado a Silvia Tortosa, quien reconoce que el rodaje de El huerto del francés fue un infierno.

El huerto fue un infierno.

Igual de interesante es la entrevista a Ágata Lys, cuya imagen es utilizada como reclamo en la portada del libro. Esta es realizada por teléfono y la actriz muestra su fortísimo carácter: no se corta un pelo al hablar, despotricando a diestro y siniestro, pero también alabando a realizadores como Paul Naschy, y además no duda en afirmar que era de las que más cobraban de la época: unos cuatro millones de las antiguas pesetas por La nueva Marilyn.

Ágata, la mejor pagada.

También hay que destacar algunas perlas soltadas por la boca de Fiorella Faltoyano sobre directores de la época como José María Forqué o compañeras de oficio como Bárbara Elorrieta, o exclusivas como la ofrecida por Mónica Randall al afirmar que pudo haber sido chica Hitchcock, ocupando el papel en Topaz que finalmente recaería en la alemana Karin Dor.

Karin Dor en Topaz.

La Randall en la misma época en la que se rodó la película de Hitchcock. El parecido es más que evidente.

El autor muestra sus debilidades, transmitiendo la pasión que siente hacia las actrices comentadas, contando con alguna evidente excepción como el caso de Victoria Vera, hacia la que no puede esconder su antipatía; así también evidencia su falta de cariño hacia el propio género sobre el que escribe – sin ir más lejos, se escandaliza con La criatura, de Eloy de la Iglesia-, a veces incluso prefiriendo hablar sin venir a cuento de su propia vida personal, algo totalmente fuera de lugar y muy común, por cierto, en otros libros del autor.

Victoria Vera no es plato de buen gusto para el autor.

En definitiva, es de agradecer que se publique una obra que aborde esta temática, pero esperemos que no se trate del ensayo definitivo, ya que, como ya hemos recalcado, aunque el libro engancha y se lee de un tirón, se echa en falta una mayor indagación en el género desde un punto de vista más cinematográfico que morboso. ¿Algún candidato a escribirlo?

Jesús Palop

“Inéditos de Jesús Franco”: Cartas de amor a una monja portuguesa

Título a título, desde La Abadía hemos ido dando buena cuenta durante estas últimas semanas de los imprescindibles “Inéditos de Jesús Franco”, editados por Tema Distribuciones. En esta ocasión nos centramos en la que, al menos en teoría, pudiera ser considerada por el público profano como la más “normal” y digerible de las cinco películas pertenecientes a la susodicha colección: Cartas de amor a una monja portuguesa (Die Liebesbriefe einer portugiesischen Nonne, 1977), la cual ya fuera reseñada hace más de cinco años en esta misma Abadía por Jesús Palop, y que ahora vuelve a ser analizada por nuestro activo colaborador José Manuel Romero Moreno.

LA PELICULA

Al estar enmarcada en una etapa (1976-77) en la que el género que más se prodigó en la filmografía de su director fue el de las W.I.P movies, muy bien pudiera caerse en el lógico error de considerar que esta Cartas de amor a una monja portuguesa no se trata más que de una vulgar traslación de los estilemas de las películas de cárceles femeninas (… que el propio Franco ya se encargara de asentar con su fundacional 99 mujeres) a los films consagrados al relato de las escabrosas hazañas de monjas con fácil inclinación al pecado. De hecho, en la mayoría de los casos basta con trocar la prisión por el monasterio, dejando intactos el resto de constantes y personajes prototípicos, para pasar con toda facilidad de un subgénero a otro: de esta manera, la entrada en escena de la novata, los rituales de iniciación, las secuencias de torturas, la represora presencia de figuras dominantes – ya vengan representadas éstas en las formas de guardianas, curas, alcaides o madres superioras -, y, por supuesto y sobre todo, la consabida y generosa dosis de liberador – por prohibido en ambos estamentos – sexo lésbico, van conformándose película a película como inevitables peajes por los que es imprescindible transitar cuando uno introduce en su reproductor un film de estas características.

Y aunque todos estos denominadores comunes estén también contenidos en el presente film (de una u otra manera y en diferente medida), definitivamente aquí no es tan determinante esa utilización mecánica y facilona de los clichés que el propio Franco ya se encargara de aplicar en otros títulos suyos, o tal y como Walerian Borowczyk hiciera con su Interior de un convento, película que con un toque inconfundiblemente arty maridaba de alguna forma el subgénero de mujeres encarceladas con el de los films de novicias calientes, y que fue el éxito de taquilla que verdaderamente propició el boom de la modalidad más tarde denominada nunsploitation, en una tesitura bastante similar a la que tuvo lugar una década antes cuando La caída de los dioses de Visconti se convirtiera en la semilla de otro subgénero también conectado con las W.I.P. y aún más infame si cabe: el porno-nazi; nueva tendencia ésta la de los conventos del vicio en la que, para variar, los italianos volvieron a hacer su agosto con derivaciones tan poco sutiles y ventajistas como ese cruce con el slasher que es La monja homicida o incluso mediante delirantes crossovers con la saga erótico-viajera más de moda a mediados de los 70 con Sor Emanuelle.

Incluso, y después de intentarlo sin éxito con la fórmula de las artes marciales (Kung fú contra los 7 vampiros de oro) o con el thriller setentero (Acorralado en Hong Kong), una ya agonizante Hammer también se subió en aquellos años al carro de esta tendencia con la simpática – aunque finalmente fallida – La monja poseída, su penúltima producción para salas de cine antes de echar el cierre y dedicarse, hasta su resurrección en 2010, exclusivamente al mercado del video y la televisión. Protagonizada también por una monja adolescente interpretada por Nastassja Kinski, y con Christopher Lee como maléfico líder de un culto satánico, el último film de terror de la mítica productora británica era una obvia consecuencia de la corriente satánica que en el género volviera a poner en boga El exorcista unos años antes y que, sorprendentemente, resulta estar casi tan próxima a Cartas de amor de una monja portuguesa como los especímenes erótico-religiosos-explotativos antes citados, vinculación existente principalmente a través de la cuestión demoníaca que el propio Franco ya se encargase de abordar tanto en ésta como en Les démons y El proceso de las brujas (también con Lee en su reparto), ésta última rodada – casualmente o no – el mismo año que la célebremente brutal Las torturas de la inquisición de Michael Armstrong, precursoras ambas de la explícitamente gráfica representación en pantalla durante la década de los 70 de los escarceos entre la iglesia, la santa inquisición y el maligno, piedras de toque también de la polémica Los demonios, firmada por el siempre provocador Ken Russell y sin duda una de las cintas más emblemáticas de esta variedad.

Volviendo al film que nos ocupa, además de encontrarnos con toda seguridad ante el proyecto más personal de los acometidos por Franco dentro de su asociación con el productor suizo Erwin C. Dietrich (la película se basa en las misivas que en el siglo XVII una religiosa escribiera a un aristócrata, y que también serían la base de la muy diferente y posterior Cartas de amor de una monja, rodada en 1978 por Jorge Grau y, curiosamente, con Lina Romay en su reparto), con toda probabilidad éste también sea – junto al Jack the Ripper protagonizado por Klaus Kinski – el trabajo más clásico, a la vez que mejor acabado a todos los niveles, de los realizados por su autor en este prolífico período.

Y con esto no nos venimos a referir únicamente a su obvia condición de producción de época, si no tanto a una mayor “corrección” visual de lo que estamos acostumbrados en su director (ausencia de zooms demasiado marcados, exquisito sentido del encuadre, cuidados montaje, iluminación y música, etc…), como a un cierto conservadurismo a la hora de relatar la historia, ya que aparte de recurrir al acostumbrado esquema narrativo de presentación-nudo-desenlace, Franco escoge finalmente una opción demasiado moralista (también de forma algo contradictoria, ya que un tufillo claramente anticlerical recorre todo el metraje) al recompensar a los buenos – de una manera bastante abrupta, absurda y anticlimática, todo hay que decirlo – y dar castigo a los villanos de la función, impecablemente representados por la portuguesa Ana Zanatti y el austríaco William Berger.

Aunque tal vez no tan vinculado al imaginario franquiano como pudieran serlo Howard Vernon, Jack Taylor, Antonio Mayans o Klaus Kinski, el polivalente William Berger es uno de esos intérpretes que, a fuerza de acostumbrar a verlos en cintas de todo pelaje, acaban resultando una presencia entrañable para el cinéfago de pro, ya que en sus más de treinta años de trayectoria representó como pocos el nacimiento, auge y triste decadencia del cine de género hecho en Europa, gracias sobre todo a sus colaboraciones con lo más granado (… y también con lo peor) de los realizadores que abordaron el llamado cinema bis en el viejo continente: al propio Franco habría que añadir nada menos que a Sergio Sollima, Mario Bava, Tonino Valerii, Duccio Tessari o Enzo G. Castellari y, ya durante la última etapa de su carrera, a “maestros” de la talla de Ruggero Deodato, Lamberto Bava o Luigi Cozzi.

En Cartas de amor de una monja portuguesa Berger, con su histriónica interpretación místico-rijosa del perverso padre Vicente, se revela como lo más desmesurado – a la vez que acertado – de un film cuya mayor carencia acaba siendo precisamente su constante e incomprensible voluntad de no caer en el exceso, actitud ésta más que ejemplificada en la que debería ser la escena capital de la película (la aparición de Satanás), y que desgraciadamente se resuelve torpemente con una muy sosa y endeble puesta en escena y algunos primeros planos de los ejecutantes, desaprovechando absolutamente todas las posibilidades visuales, rituales y transgresoras que una estampa de tales características pudiera haber deparado.

Aunque técnicamente intachable a todos los niveles, y con la ventaja de un guión en su mayor parte coherente, aparte de la contención formal antes mencionada y de su demasiado moroso ritmo, al film le acaba pesando el protagonismo de Susan Hemingway, “actriz” de escueta filmografía (apenas siete títulos… y todos ellos bajo las órdenes de Franco) y de núbil y turbadora belleza (un poco en la línea de la Romina Power de Justine), por desgracia también poseedora de un exiguo talento interpretativo – se limita a poner la misma carita de cordero degollado durante todo el metraje – y definitivamente sin el carisma necesario como para defender con sus inexistentes aptitudes un personaje de tamaño protagonismo y recorrido dramático.

Así las cosas, paradójicamente la mayor baza de Cartas de amor a una monja portuguesa (su más que correcto acabado) acaba convirtiéndose en el peor de sus defectos: y es que, y permítanme la pequeña maldad, cuesta horrores reconocer al padre de títulos como Ilsa o Aberraciones sexuales de una rubia caliente en una película tan clásica y correctamente rodada, aunque finalmente tan aburrida, estéril y poco inventiva, como es ésta.

LA EDICION

Como suele ser habitual con los títulos que componen la presente colección nos encontramos ante una edición que derrocha una calidad visual como pocas veces han disfrutado en nuestro país los films del tío Jess editados en formato doméstico. Como ya se indica orgullosamente desde la propia carátula delantera, el trabajo de limpieza de imagen a partir del negativo original en 35 mm se hace notar y mucho, ofreciendo un espectacular colorido, una claridad prístina y una definición tal que delata en su exquisita restauración el propósito de su posterior conversión a HD, Blu-ray hasta el momento exclusivamente adquirible en Alemania a través de la colección Jess Franco Golden Goya Collection auspiciada por el propio Dietrich.

En cuanto a sus características técnicas, el film se presenta en formato 1.78:1 anamórfico, con audios en alemán y español. Incomprensiblemente, y aquí sí se desmarca del resto de los “Inéditos de Jesús Franco”, esta edición no incluye subtítulos en castellano. Por lo demás, el apartado de extras se compone de los acostumbrados tráilers (tanto de éste como del resto de títulos) y de una fotogalería que nos ofrece una recopilación de carteles así como fotocromos originales de la película.

José Manuel Romero Moreno

FICHA TÉCNICA

Título original: Die Liebesbriefe einer portugiesischen Nonne

Año: 1977 (República Federal Alemana, Suiza)

Director: Jesús Franco

Guionistas: Erwin C. Dietrich, Christine Lembach a partir de las cartas de Mariana Alcoforado

Productor: Erwin C. Dietrich

Fotografía: Peter Baumgartner

Música: Walter Baumgartner

Interprétes: Susan Hemingway (Maria Rosalea Coutinho), William Berger (Padre Vicente), Herbert Fux (Satán), Ana Zanatti (Madre Alma), Aida Vargas (Hermana Joana), Vítor Mendes (Alcalde), José Viana (El Gran Inquisidor)…

Sinopsis: Maria, una joven de 16 años, es sorprendida besándose con su novio por el padre Vicente: éste insistirá a la madre de la joven, pobre e inculta, que la mejor manera de alejar a su hija del pecado es dejarla a su cuidado e ingresarla de inmediato en un convento, petición a la que en principio ambas acceden de buena fe. Sin embargo, el cada vez más extraño comportamiento del cura y de las novicias allí internadas provocará que Maria haga todo lo que esté en su mano por alejarse lo antes posible del claustro.

*Todas las imágenes de la película que ilustran este artículo pertenecen a capturas de la edición comentada.