El cine fantástico llega al FIC-CAT de la mano del Festival de Sitges

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El Festival de Sitges renueva su acuerdo con el FIC-CAT, Festival Internacional de Cinema en Català Costa Daurada, que celebrará su décima edición entre el 5 y el 11 de junio en Roda de Berà (Tarragonès), con una apuesta clara por el cine fantástico en catalán. El acuerdo permite al FIC-CAT programar diferentes títulos de ciencia ficción, terror y fantasía que han pasado por Sitges.

Por tercer año consecutivo, la sección Pantalla Sitges aparece de nuevo apadrinada por el veterano Festival, dentro de la programación del FIC-Cat. Àngel Sala, director del Festival de Sitges, estará en Roda de Berà la noche del 8 de junio para presentar la sección y para seguir de cerca el desarrollo del FIC-CAT. Sala es conocedor del Festival, puesto que ha participado como miembro del Jurado.

El largometraje La próxima piel, dirigido por Isaki Lacuesta e Isa Campo, será el protagonista del Pantalla Sitges de este año. La película, protagonizada por Àlex Monner, Emma Suárez, Sergi López y Bruno Todeschini, presenta a un adolescente que ha estado desaparecido y que vuelve después de ocho años, cuando todos lo daban por muerto. La incorporación a la vida familiar estará marcada por el misterio de su desaparición. Poco a poco surgirá la duda de si realmente se trata del niño desaparecido o de un impostor. La próxima piel se estrenó en Sitges 2016.

El acuerdo entre los dos festivales consolida una colaboración que dará difusión y pondrá de manifiesto la importancia del cine fantástico dentro del audiovisual catalán, y tiene que contribuir a hacer visibles y reivindicar las películas y cortometrajes estrenados durante este año.

Published in: on abril 26, 2017 at 5:56 am  Dejar un comentario  
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Animayo – Gran Canaria 2017 presenta su programación, centrada en la labor de la mujer dentro de la industria

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A mediados de la pasada semana Animayo presentó en rueda de prensa la programación de su doceava edición. Como  ya se ha venido desgranando a lo largo de las últimas semanas, Animayo ha dado una vuelta a su programación para hacer un énfasis en el trabajo de la mujer dentro del sector del cine de animación, efectos visuales y videojuegos, con el fin de demostrar que está a la misma altura, en número y calidad, al del hombre y que, por lo tanto, merece la misma presencia en festivales, medios de comunicación e instituciones.

Damián Perea, director del festival, destacó que actualmente alrededor del sesenta por ciento de los estudiantes de animación son mujeres, pero que a la hora de echar un vistazo al mundo laboral el porcentaje se invierte, siendo la mujer que accede a puestos dentro de la industria de un cuarenta por ciento. Con esta programación, Animayo quiere destacar la labor de todas esas mujeres que han luchado para estar en lugares clave dentro de la industria y de grandes proyectos audiovisuales.

Asimismo, Perea aprovechó para llamar la atención sobre el giro que ha dado Animayo, convertido a día de hoy en una cumbre de animación, efectos visuales y videojuegos que acoge profesionales, empresas, productoras, instituciones públicas, talentos y público en general dispuesto a disfrutar de actividades tecnológicas, audiovisuales y formativas en un ambiente lúdico y profesional a la vez, en su esfuerzo por ser el punto de encuentro de referencia de la animación, los efectos visuales y los videojuegos en Europa.

RUEDA DE PRENSA

Junto a Perea, la presentación contó con la asistencia de Antonio Morales Méndez, presidente del Cabildo de Gran Canaria, Encarna Galván, concejala de Gobierno del Área de Presidencia Cultura Educación y Seguridad Ciudadana del Ayuntamiento de Las Palmas de Gran Canaria, Aurora Moreno, Directora General de Promoción Cultural de Gobierno de Canarias, Raúl García Brink, Consejero de Desarrollo Económico, Energía e I+D+I del Cabildo de Gran Canaria, y Fernando Fernández Morales, Director General de la Fundación La Caja de Canarias.

Como todos los años, Animayo contará con una nutrida selección de ponentes que pondrán su granito de arena explicando al público el trabajo, el esfuerzo y la pasión que hay detrás de una película, con el objetivo de motivar a jóvenes y adultos a dedicarse a esta industria. Entre las invitadas de honor que compartirán sus experiencias en Animayo – Gran Canaria 2017 se encuentran:

  • Riannon Delanoy, character animator en The Walt Disney Animation Studios, donde ha trabajado por Hop, Alvin y las ardillas 3, Ice age 4: la formación de los continentes, Frozen, Big Hero 6, Zootrópolis o Vaiana.
  • Olga Szablewicz-Pisuk, visual effects supervisor en Platige Imager y conocida por The Witcher, The Witcher 2: Assassin of Kings, The Witcher 3, Hiszpanka, Skyforge, Legendy Polskie y Another Day of Life.
  • Silvia Pompei, animadora, character layout artist y directora de documentales en Fox Tv Animation, Klasky-Csupo, Rich Entertainment, y Amblimation. Ha trabajado en Los Simpsons, tanto en la serie como en la película, Quién engañó a Roger Rabbit, The Rugrats in París, “La señora Doubfire, The Swan Princess o Fievel va al Oeste.
  • Carolina Jiménez, VFX artist – layout en Layout Scanline, Double Negative, Weta Digital y Mpc, y que ha trabajado en Star Trek Beyond, El Hobbit, Guardianes de la Galaxia 2, World War Z, Prometheus, Superman, El planeta de los simios 2, La liga de la justicia, o Alicia a través del espejo.
  • Laura Bethencourt, production supervisor en Telson e Ilion Animation Studios, conocida por Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo, También la lluvia, Amusement Park, After Party, No le llames amor…llámale X, No controles, Extraterrestre y Lobos de Arga.
  • Galina Miklínová,ilustradora y directora, conocida por Los Zampacalcetines, Monstruos y criaturas, Yo aprendí a volar, Biograph, O Kanafáskovi y Fábulas de jardín.
  • Belli Ramírez, productora de animación en Mr. Cohl, Zinkia Entertainment e Ilion Animation Studios y conocida por Pocoyó, Planet 51, La Leyenda de los guardianes y Deep.
  • Mercedes Rey,directora de relaciones institucionales y alianzas estratégicas en Pyro Studios, Ilion animation y la U-Tad y conocida, entre otros proyectos, por Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo, Commandos y Planet 51.
  • Celine Velasco, senior CG artist en Hybride, Animal Logic, Gobi Studio e Ilion Animation Studios y conocida por su trabajo en Avatar, The Lego Movie, Los juegos del hambre, Predator, El gran Gatsby, Viaje al centro de la Tierra, Destino final, Dragonball Evolution, Orphan y Assassin’s Creed Lineage.
  • Jean Thoren, directora, editora y periodista de The World Animation Magazine, que también engloba uno de los encuentros más importantes: el “VFX Summit”.
  • Aneta Žabková, directora de animación e Ilustradora, conocida por Dobré jitro, Pane Upíre, Nic nového pod slunce, Chybicka se vloudí y In vino veritas.
  • Jaroslava Hynstova, senior programmer en Zlin Festival.
  • Áurea Casas, artista 3D, conocida por trabajar en películas como Atrapa la bandera y Tadeo Jones2.
  • Dácil Manrique, realizadora y directora de arte conocida entre otros trabajos por la campaña del euro, “Utopía”, “Intacto” y diversos anuncios publicitarios como el del Museo Guggenheim, recientemente nominado en el YDA (Young Directors Award) Cannes, Festival Animamundi en Brasil y Sicaf en Corea.

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Además de las master class lideradas por las invitadas de este año, Animayo cuenta con una selección amplísima de talleres tanto para aquellos que se inician en esta profesión como para aquellos que quieren profundizar. Con el objetivo de integrar a padres e hijos en la ilusión por esta profesión, este año se han introducido además talleres a los que podrán asistir ambos. Algunos de ellos son el “taller de especialistas de escenas de acción para el cine y publicidad”, impartido por In Extemmis Film Services con Natasha Durán y su equipo; el “taller de 3D texturing and Painting con Mari, software de The Foundry”, impartido por Celine Velasco; “taller de iniciación al modelado Z-BRUSH” , que impartido por Áurea Casas ofrecerá la oportunidad de aprender Z-brush; un divertidísimo taller de muppets llamado “fabrica tu propio Zampacalcetines” impartido por Galina Miklinova; un “taller de stop motion para padres e hijos” impartido por Dácil Manrique; u otro de “impresión 3D y modelado”, que hoy día comienza a ser fundamental, impartido por Fayna Santana Marrero de Trsdeland. No podía faltar tampoco un “taller de robótica para padres e hijos”, en este caso impartido por Robotix, y otro taller indispensable como “Cibernanny para padres y adolescentes”, impartido por Periodistas Comunicados. Por último, como novedad,  habrá un taller “Game Jam”, impartido por profesores del Posgrado en Diseño y Programación de Videojuegos de la Universidad de Las Palmas.

En el apartado de proyecciones, Animayo – Gran Canaria 2017 contará nuevamente con una sección a concurso compuesta por una nutrida selección de trabajos realizados en el mundo entero con todas aquellas técnicas de la animación que están dotadas del poder de dar vida a lo inanimado. De los más de dos mil trabajos presentados, se han preseleccionado ciento cincuenta de lo que aproximadamente ochenta formarán parte de la selección definitiva que conformará la sección oficial a concurso.

Además, durante los días previos al pistoletazo de salida del festival, Animayo continuará con su labor educativa proyectando para niños de primaria y secundaria una selección de trabajos de animación con el propósito de educar, no solo en el ojo crítico audiovisual, sino también con un contenido comprometido en valores como la igualdad, el respeto a la diferencia, al medio ambiente, etc.

Por otra parte, durante su celebración Animayo contará con una zona de videojuegos y realidad virtual en la que habrá una sección dedicada exclusivamente a dispositivos de realidad virtual, con hardware y periféricos de las tecnologías más punteras como HTC VIVE, Oculus Rift y Sony VR; una zona para dibujar y diseñar en un entorno 3D con las diferentes herramientas de Tilt Brush. En la zona de RV se podrá vivir la experiencia de estar en la cabina de un avión comercial o las competiciones de los torneos que de títulos de diversa índole como FIFA 17, Overwatch 3vs3, League of Legends, Hearthstone, Just Dance, Street Fighter V, y como novedad este año, The Lab.

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Para los amantes de la animación japonesa, el teatro Guiniguada acogerá un especial titulado “Japón se Anima”,  en el que se proyectarán títulos de culto como Himno del Corazón del director Tatsuyuki Nagai, o Miss Hokusai de Keiichi Hara. Además, coincidiendo con la celebración del festival la Filmoteca Canaria acogerá un  especial  de humor “Animación Checa Hecha por Mujeres” de la invitada especial Aneta Zabkova.

En la parte más profesional Animayo continúa impulsando el Foro Europeo de Financiación, Inversión e Incentivos Fiscales para Animación, Efectos Visuales y Videojuegos. Esta iniciativa trata de reunir en el mismo espacio a profesionales del medio en un evento que impulse la coproducción y la distribución de proyectos para cine, televisión y nuevas plataformas en Canarias. El propósito principal de este foro es que los productores extranjeros vean las posibilidades de invertir en Canarias para películas y series de animación que se encuentren en fases de concepto, desarrollo, producción o, incluso, de películas ya finalizadas. El Foro de Animayo complementa profesionalmente toda la labor educativa que desde hace una década viene impulsando el festival.

Además de otras muchas actividades que rematan todas las que ocurren durante esta semana en Las Palmas de Gran Canaria, Animayo volverá a otorgar sus ya conocidas “Becas al Talento Animayo de Gran Canaria“, para masters y grados, en colaboración con U-tad y Cesur. Otras actividades de captación de talentos durante la cumbre serán el U-day de la Universidad U-tad y el recruitment y revisión de portfolios de la productora 3Doubles Producciones.

Esto será solo el principio de una edición que al cerrar sus puertas en Las Palmas de Gran Canaria hará las maletas para dirigirse a lugares como Lanzarote, Lisboa, Los Ángeles, Madrid y Barcelona donde, en una versión concentrada, ofrecerá al público de estos lugares lo mejor de esta duodécima edición.

Published in: on abril 24, 2017 at 5:58 am  Dejar un comentario  

Entrevista a Cem Kaya, director del documental sobre el cine de género turco “Remake, Remix, Rip-Off”

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De entre las distintas propuestas que conformaron el programa de la sexta edición de Cutrecon, el Festival Internacional de Cine Cutre de Madrid, una de las más destacadas fue, sin duda, Remake, Remix, Rip-Off. Encuadrada dentro de “Documentrash”, la sección del certamen consagrado al formato documental, el segundo largometraje como director del cineasta afincado en Alemania Cem Kaya explora la edad dorada del cine popular turco, época en la que aquella cinematografía se convirtió en una de las más prolíficas del mundo, prestando una especial atención a las populares exploitations que con total descaro perpetrara aquella industria entre finales de los setenta y comienzos de los ochenta de algunos de los más famosos blockbusters hollywoodienses de la época. Sin embargo, el contenido del documental no se queda en la simple ilustración de las circunstancias que rodearon a este sistema de producción. Por medio del testimonio de sus principales protagonistas, tanto delante como detrás de las cámaras, Kaya revela las duras condiciones laborales y técnicas que se escondían tras las bizarras imágenes de estas películas y que, según se denuncia, aún siguen perviviendo en la moderna televisión otomana, al tiempo que reflexiona sobre la pérdida de esta parte del legado educativo turco y el modo en el que la cultura popular se cimienta sobre la repetición de historias. Como puede verse, una obra rica en contenidos y enfoques cuyo visionado se hace recomendable y hasta imprescindible para todos los cinéfilos con un mínimo de inquietudes, independientemente de que su objeto de estudio pueda despertar más o menos interés.

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¿Qué te empuja a hacer una película sobre el cine exploitation turco?

Bueno, no es una película solo sobre la explotación turca, sino más bien sobre el periodo Yeşilçam, algo así como los estudios Pinewood de Londres[1]. La época del Yeşilçam no fueron solo las películas fantásticas, del mismo modo que el documental no habla solo de este periodo, sino también habla de la posibilidad de poder hacer cine en Turquía en general, diría yo.

Yo crecí viendo estas películas en cintas de video en Alemania, no las vi en el cine como hicieron mis padres. Eso es importante, porque en los ochenta la cultura de las cintas de video turcas en Alemania era algo bastante grande. Estábamos siempre rodeados de estos films y me influenciaron mucho cuando era niño.

En Remake, Remix, Rip-Off cuentas con el testimonio de varios de los directores más relevantes de este sistema. ¿Cómo se tomaron el que quisieras hacer un documental sobre ello?

La mayoría eran muy abiertos y con ganas de hablar. Hice como cien entrevistas. Aunque en el documental solo habrá como cincuenta, tenía bastante más. Solo hubo un par de ellos que no querían hablar sobre aquella época, aunque tenían sus motivos para no hacerlo. Pero, en general, el noventa por ciento de las personas que entrevisté fueron estupendas.

Empecé a investigar sobre el cine turco en 2003, y empecé a hacer la película en 2007. Así que fueron cuatro años de ir a Turquía y hablar con ellos. No conocí por primera vez a toda esta gente cuando fui a entrevistarlos, sino que ya los había ido conociendo durante esos años. Además, estuve en contacto con los sindicatos y participé en todas las protestas contra la demolición del cine Emek[2]; fui parte de todo ese movimiento que hubo, registrando todo con mi cámara. Al igual que en el tema de las entrevistas, hay mucho más material de lo que se ve en la película.

¿El tomar contacto en primera mano con estos cineastas y el contexto en el que se fraguaron aquellas películas hizo que variara la idea original que tenías sobre los temas a tratar en el documental?

No, porque, retomando un poco lo que te comentaba en mi anterior respuesta, antes de empezar a hacer el documental hice una tesis de diplomatura y de Master sobre el tema, por lo que tenía una idea clara de cómo quería contar la historia, ya que estaba muy metido en el tema. Luego, claro que hay pequeñas cosas que cambian, aspectos dramáticos de la película, pero no son muchas, como la destrucción del cine Emek, que fue unas semanas después de que empezaran las protestas en contra de su demolición. La destrucción de ese cine cambió el final de la película.

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Presentación de la proyección de “Remake, Remix, Rip-Off” en Artistic Metropol durante la sesión doble de “Documentrash”.

Aparte de ilustrar sobre la época de la cinematografía turca que tratas, tu película posee muchas capas de lectura. Entre ellas está el comentario de cómo estas películas eran en cierto modo utilizadas por el poder para controlar al pueblo…

No se trata de una manipulación en el sentido de gente moviendo los hilos. Es una manipulación como se da en toda industria dedicada al cine popular, incluido Hollywood, en la que esta permite que se hagan cierto tipo de películas y otras no. Los melodramas están bien porque mantienen a la gente tranquila, o las comedias… Pero ya te digo que creo que eso es algo normalizado y no solo propio del cine turco.

Centrándonos en el cine turco, la censura en sí comenzó en los años treinta. Y todos los films políticos eran censurados. Por ejemplo, pasaba con muchas de las películas de Yilmaz Güney, que era el director más de izquierdas de la época. En sus inicios fue una estrella del cine de acción, pero luego varió su estilo y se convirtió en el director turco más importante de aquellos años, si bien era de origen kurdo. Cuando sus películas eran prohibidas, los cines ponían posters distintos, como por ejemplo de una película de Bruce Lee, y la gente sabía que se trataba de un film suyo e iban a verlo. Eran conscientes, no creo que el público sea tonto. Incluso con los melodramas. Sin ir más lejos, mis tías, cuando eran jóvenes e iban a ver estos melodramas del Yeşilçam, sabían que era una historia que se había contado mil veces. Simplemente les gustaba ver una nueva versión del mismo tema. Así que creo que no se puede engañar al público. El único aspecto negativo que veo sobre el tema de la censura es que abría la puerta a que hubiese más películas nacionalistas. Por una parte prohibían todas las películas que tuviesen crítica social y, por otra, apoyaban películas nacionalistas donde se hacía ver que Turquía era estupenda. Y eso sí que podía influir en la percepción de la gente.

¿Cómo se recuerda en Turquía todo aquel cine y qué queda de él en la industria actual?

Hay algunos clásicos del Yeşilçam que todo el mundo conoce en Turquía. Por ejemplo, hay muchas citas de películas que se han incorporado a la hora de hablar. Por ejemplo, si alguien dice “está hecho de limón” y le responden “no, está hecho de vinagre”, están haciendo referencia a una cita de una película donde una pareja está discutiendo sobre eso. Es decir, si le dices a un turco “Oye, esto está hecho de limón” sabe perfectamente de dónde viene. Así que hay citas y clásicos. Son unos cuantos, unos doscientos o trescientos que siempre se pasan por televisión, porque a muchos espectadores les gusta la nostalgia de esa época.

Eso por una parte. Luego, los buenos films sí tienen fans, como puede haberlos aquí. Hay gente en Turquía a las que les gustan estas películas, pero en general no hay un cineasta hoy en día que trate de reivindicar ese legado del Yeşilçam y traducirlo al cine de ahora. Por otra parte, aun hay cineastas veteranos del Yeşilçam que siguen activos en las series de televisión de ahora o que de vez en cuando hacen una película, ya que actualmente en Turquía se estrenan de setenta a ciento veinte películas al año; comedias, melodramas, películas nacionalistas… Así que de algún modo sigue siendo lo mismo, pero en la época moderna.

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La imagen más difundida, al menos en occidente, de todo este tipo de cine son sus desvergonzadas fotocopias de grandes producciones norteamericanas, tipo La guerra de las galaxias, ET o El exorcista, lo que sin duda provoca que el espectador que se acerque a tu documental vaya con una idea preconcebida de lo que se va a encontrar. ¿Cómo se toma el público el que tu película no se quede solo en este aspecto, digámosle, cómico, sino que también profundice y reflexione sobre todas las circunstancias y la miseria que rodeaban a aquellas películas?

He visto gente en Rotterdam yéndose del cine a la hora de película, que es cuando empiezo a hablar de esas otras cosas. Esto pasa. El tema es que, si no enseñas la otra parte de la película y nos quedamos simplemente en el “ja-ja-já, qué divertidos son estos cineastas turcos”, no es lo que yo quería hacer. Al mismo tiempo, tienes que tener cuidado de no aburrir al público con los hechos. Como tenía en mi cabeza el conocimiento y todos los datos académicos, tuve un problema al editar la película, porque quería contar demasiadas cosas. Así que creo que tiene un buen equilibrio, dos minutos más hablando, por ejemplo, de censura, lo hubiese estropeado. ¿Sabes lo que quiero decir?

Luego, hay muchos que agradecen la parte final, y que piensan que sin esa parte no hubiese sido una buena película, hubiese sido otra cosa. Así que hay dos tipos de reacciones: los hay a los que les hubiese gustado ver más de los filmes fantásticos, más detalles de cómo los hacían… y otros que creen que hay un buen balance entre las dos cosas.

En general, lo que he procurado en las dos películas que he realizado hasta el momento es entretener a la gente. Cuando intentaba vender la película, porque sobre el papel parecía demasiado serio, las productoras o cadenas de televisión no se imaginaban cómo de divertida podría ser al final. Y al final sí ha sido divertida. Así que sobre lo que me preguntabas antes de cómo había cambiado mi película, yo, por ejemplo, no pensaba que estos directores fuesen tan graciosos y eso es algo que también se reflejaba en lo que hacían.

¿Remake, Remix, Rip-Off ha podido ser vista en Turquía? De ser así, ¿se ha sorprendido el público por los temas que comentas y que quizás desconocían?

Si, muchos de ellos. Para el público turco este documental supone un cambio de perspectiva, porque ellos conocen las películas, pero no cómo se hicieron. Saben que son su herencia y dicen “Oh, las películas del Yeşilçam…” y hacen bromas sobre ellas, en general, pero mucha gente viendo la película dice “Vaya, esto no lo sabía” o “No sabía las circunstancias en que estas pelis se realizaron” o no saben en qué condiciones se hacen las series de televisión hoy en día. Cuando ven el cine Emek destruido se dan cuenta de que es su legado el que ha sido destruido; no solo es el edificio, es toda una cultura fílmica que puede gustarles o no, pero que es la única que tienen. Y esto es muy importante, sobre todo para que las nuevas generaciones comprendan lo que los directores hicieron antes que ellos, ya sea bueno o malo, eso es indiferente, y entender por ejemplo qué era el cine de Yeşilçam. Porque hay algunos documentales televisivos sobre el cine de Yeşilçam en la televisión turca, pero son muy nostálgicos. Y para mí el tema va más allá de la simple nostalgia.

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Cem Kaya flanqueado por Paco Fox (izquierda) y Claudio Fragasso y Rossella Drudi (derecha), durante el encuentro de los invitados de Cutrecon con los espectadores que tuvo lugar en la Casa del Reloj.

Para hacer el documental comentas que has visto más de cinco mil películas turcas de la época. De todas ellas, ¿cuál destacarías por los motivos que sean?

No puedo decir solo una. Pero sí puedo recomendar directores, porque creo que hay algunos que son visionarios, como lo fue Ed Wood. Çetin Inanç es uno de ellos. También Yilmaz Duru, que aunque está muy infravalorado, sus pelis hay que verlas. Me gustan ciertos directores, y cuando me acerco a alguna película que aún no he visto de alguno de ellos, aunque sea un melodrama malo, sé que van a tener algo, y en el noventa y nueve por ciento de los casos no me equivoco. Y así puedes encontrar algo que es muy característico, como una firma, que solo ese director tiene.

Y por recomendar una película te mencionaré En Büyük Yumruk [The Greatest Fist], dirigida por Çetin Inanç en 1983, más o menos en la misma época en que se hizo la versión turca de Star Wars. Es una peli muy loca.

Ya para terminar, ¿qué proyectos tienes en estos momentos a corto plazo?

Actualmente estoy preparando una película de found footage, ahora que están tan de moda. Para hacerla estoy usando metraje de las antiguas películas de Cüneyt Arkin, que fue una de las principales estrellas del periodo Yeşilçam y el protagonista, por ejemplo, del Star Wars turco. Voy a aprovechar para ello todas las películas que he ido acumulando y comprando por EBay durante los años que preparé Remake, Remix, Ripoff y mi intención es que salga en VHS. A través de la película aprovecharé para recorrer la trayectoria de Cüneyt Arkin, desde sus comienzos en los cincuenta en producciones de corte dramático, para seguir con su evolución a un cine cada vez más excesivo y violento, hasta terminar en los años ochenta. Pero la idea de base es la que te comentaba: hacer una película completamente nueva a partir de metraje antiguo.

José Luis Salvador Estébenez

[1] Nota del entrevistador: Yeşilçam, cuya traducción al castellano sería pino verde, es el término con el que se denomina la industria cinematográfica turca entre los años cincuenta hasta comienzos de los años ochenta. Su nombre procede de la calle donde se situaban las oficinas de la mayoría de productoras cinematográficas de la época.

[2] N.del e.: El cine Emek fue uno de los locales cinematográficos más emblemáticos de Estambul, acogiendo en su pantalla las proyecciones de incontables películas de la época dorada del cine popular turco. El anuncio de 2010 de su demolición para construir en su lugar un moderno centro comercial despertó una oleada de protestas, principalmente desde el ámbito cinematográfico que, no obstante, no evitaron que finalmente, en 2013, el edificio fuera derruido.

Traducción: Tarik Amarouch García

Fotografías: Juan Mari Ripalda

Published in: on abril 21, 2017 at 5:50 am  Comments (1)  
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Apertura de inscripciones de trabajos para la próxima edición de Nocturna

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El Festival Internacional de Cine Fantástico NOCTURNA MADRID anuncia la apertura de las inscripciones para su quinta edición, que se celebrará del 25 al 29 de octubre. Tras el cierre de la que fuera hasta ahora su sede, el Cine Palafox, esta nueva edición del festival producido, como en años anteriores, por La Cruzada Entertainment será acogido por las salas 1 y 2 de Cinesa Proyecciones, sito en el número 136 de la emblemática calle Fuencarral de la capital.

El plazo de recepción de trabajos se prolongará hasta el próximo 1 de septiembre y estará abierto tanto a cortometrajes como largometrajes, ya sean nacionales o internacionales, con el requisito que su temática gire en torno al género fantástico en cualquiera de sus vertientes. Como en anteriores ediciones, la inscripción es gratuita mediante envío físico a las oficinas del festival y tiene un coste de 2 euros (cortometrajes) / 3 euros (largometrajes) a través de la plataforma Festhome.

Las secciones con las que contará esta quinta edición se dividen de la siguiente forma:

SECCIONES A COMPETICIÓN

Nocturna Oficial Fantástico (NOFF)
Nocturna Oficial Dark Visions (DARK)
Nocturna Oficial Cortometrajes (NOFC)

SECCIONES FUERA DE COMPETICIÓN

Nocturna Oficial Fantástico Panorama (NOFP)
Nocturna Panorama Cortometrajes
Nocturna Maestros del Fantástico (MASTERS)
Nocturna Retrospectiva (CLASSICS)
Nocturna Kids (NKID)

Además del cambio de sede y fechas, NOCTURNA MADRID también ha dado a conocer su nueva imagen con la que se acerca aún más a la ciudad de Madrid, que la acoge. Estas son solo algunas de las muchas novedades que la organización promete ir desvelando en las próximas semanas.

Más información y bases en: www.nocturnamadrid.com

Published in: on abril 19, 2017 at 6:00 am  Dejar un comentario  
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Abierto el plazo de inscripción para la 5ª edición de La Mano Fest

La organización de La Mano Fest acaba de abrir la convocatoria para participar en las secciones oficiales de cortometrajes y de largometrajes de la quinta edición del certamen, cuyo plazo de inscripción finalizará el 5 de septiembre. El concurso es de ámbito internacional, centrado en el género fantástico y de terror, y las obras seleccionadas formarán parte de la programación del festival que este año tendrá lugar del 26 al 31 de octubre en el Centro de Arte Alcobendas.

En la pasada edición de La Mano Fest fueron presentados a concurso más de mil seiscientos cortometrajes y cuatrocientos largometrajes de todos los lugares del planeta, lo que supuso un notable aumento con respecto a ediciones anteriores. The WailingTime LapseDer BunkerFoundWe Are Still Here o Landmine Goes Click son algunos reconocidos títulos que han pasado por la Sección Oficial de La Mano Fest.

La inscripción de obras puede realizarse a través de las plataformas Click For Festivals, Festhome, FilmFreeway y Movibeta.

Para más información:
#LaManoFest2017

info@lamanofest.com

http://www.lamanofest.com/

https://www.facebook.com/LaManoFest

@lamanofest

Published in: on abril 18, 2017 at 5:57 am  Dejar un comentario  
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Crónica de la XIV Muestra Syfy de Cine Fantástico de Madrid

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Quizás porque ya se empieza a notar la mano de Ángel Mora como programador en su segundo año, quizás en vista de los cambios que se avecinan en el panorama de festivales madrileños de temática fantástica, o quizás por una simple cuestión de casualidad, lo cierto es que la décimo cuarta edición de la Muestra Syfy evidenció un cambio con respecto a lo que habían venido siendo sus líneas maestras en los últimos tiempos. Si en años anteriores habíamos venido comentando desde estas mismas líneas la total supeditación de los films proyectados a títulos procedentes del anterior Festival de Sitges, esta vez la presencia de títulos partícipes en el certamen catalán fue bastante más limitada que en anteriores ocasiones, siguiendo lo ya esbozado en la edición del 2016. Una selección mucho menos predecible y, en mi opinión, mucho más interesante, en la que no faltaron estrenos mediáticos, varias de las triunfadoras en la última temporada del circuito de festivales especializados e, incluso, hasta premieres mundiales, cumpliendo así con el objetivo de ofrecer una panorámica lo más completa y variada posible de la situación que atraviesa en la actualidad el cine fantástico.

DÍA 1

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Por segundo año el céntrico Cine de la Prensa, situado en plena Gran Vía madrileña, fue el escenario escogido para dar cabida a una nueva edición de la Muestra Syfy que, fiel al guion habitual, echó a andar el primer jueves de marzo con una única sesión inaugural. Una vez más, Leticia Dolera, en su papel de maestra de ceremonias, se encargó de repasar con su particular estilo lo que iban a dar de sí los tres siguientes días del certamen en compañía de Gorka Villar, director de marketing de NBC Universal España. Aunque antes, la actriz y directora catalana haría una pequeña intervención en la que, abandonando momentáneamente el carácter gamberro que caracteriza sus presentaciones, hizo una llamada de atención sobre el problema de la violencia de género que padece nuestra sociedad, coincidiendo con las muertes en fechas recientes de varias mujeres a manos de sus parejas, aflorando así un perfil reivindicativo que se iría prolongando a lo largo de las siguientes jornadas.

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Terminados los actos protocolarios, tras el paréntesis que había supuesto en este sentido la programación el año pasado de la indie The Invitation, la Muestra recuperaba su costumbre de escoger un blockbuster hollywoodiense de inminente estreno para encargarse de la mediática labor de inaugurar el certamen. Lo hacía con Logan, la tercera y, en principio, última entrega de la saga dedicada a las andanzas de Lobezno, y sin duda la mejor cualitativamente hablando de la trilogía, algo tampoco demasiado difícil dado el escaso nivel de sus predecesoras. Curiosamente, lo consigue por medio de un tratamiento que se aparta de lo que cabría esperar de una película de superhéroes al uso. Lejos de la aparatosidad infográfica y acción a raudales que parece inherente a este tipo de productos, su director y guionista, James Mangold, responsable de la anterior Lobezno inmortal, apuesta por un tono pausado y reflexivo, trágico y decrépito, sublimado por el carácter crepuscular del relato, al que no es ajena la patente influencia ejercida en el conjunto por los códigos del western. Los ejemplos a este respecto son muchos. El más evidente es la cita del clásico Raíces profundas, que se repite en varios momentos del metraje, pero también la peculiar relación alumno-maestro que se establece entre Lobezno y Laura, muy similar en la forma y en el fondo a la del viejo pistolero y el joven aprendiz que protagonizara tantas películas del Oeste –por ejemplo, Río Rojo–, la ambientación fronteriza o, siguiendo por esta senda, los principales escenarios (naturales) por los que transcurre la historia, divididos entre los desérticos pasajes del inicio y los frondosos bosques en los que tiene lugar el clímax. En los buenos resultados de la cinta hay que situar las excelentes interpretaciones de su trío protagonista, con mención especial para la desconocida Dafne Keen, siendo uno de los pocos peros que se puede poner al conjunto la relativa falta de fluidez narrativa que acusan determinadas fases, derivada de esa tendencia actual por la que parece que cualquier superproducción deba superar obligatoriamente las dos horas de duración, cuando en casos como el que nos ocupa con una hora y media habría quedado una película mucho más compacta y menos reiterativa.

DÍA 2

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A eso de las cuatro de la tarde daba comienzo la segunda jornada de esta Muestra Syfy 2017 con The Devil’s Dolls. Pese a lo que los buenos aficionados pudieran deducir a tenor de las semejanzas de su nombre, hay que aclarar que no tiene nada que ver con el film dirigido en 1939 por Tod Browning aquí conocido como Muñecos infernales. Esta se trata de una producción estadounidense del pasado 2016 rebautizada posteriormente con el título de Worry Dolls. Un cambio de denominación que así, de entrada, da una pista del posible potencial del producto. Y eso que, sobre el papel, no le faltan elementos de interés, al proponer un original acercamiento al manoseado subgénero de las posesiones malignas, utilizando para ello un ingrediente tan poco tratado como son las muñecas quitapenas del folclore guatemalteco, a lo que hay que añadir la idea, finalmente desaprovechada, de que todos los que son poseídos por el espíritu que mora en las muñecas atraviesen problemas personales. Sin embargo, todos estos ingredientes son malogrados por un tratamiento típico y tópico plagado de situaciones risibles, a las que tampoco ayuda una cuestionable dirección de actores, todo lo cual arrancaría de forma involuntaria las carcajadas de la ya de por sí predispuesta audiencia de la Muestra durante su proyección. En el descargo del film habrá que decir que, al menos, está llevado con buen ritmo y el contenido gráfico de las diferentes muertes que se suceden en su historia resulta bastante explícito dentro de lo que cabe. Algo es algo.

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Salida a la calle para hacer la primera de las muchas colas entre sesión y sesión que nos esperaban durante el fin de semana y vuelta de nuevo al interior del Cine de la Prensa, donde nos esperaba el primero de los films de animación programados este año, Seoul Station, la considerada por muchos como la precuela de la exitosa Train to Busan. ¿Los motivos? Comparte director, Yeon Sang-Ho, idéntica estructura e hilo argumental, con los esfuerzos de una familia para reunirse en medio de un apocalipsis zombi, pero, sobre todo, por narrar lo que en la película de imagen real queda en off visual: el origen de la infección. Las diferencias, así las cosas, se encuentran en el cambio del marco de acción de un espacio cerrado como es un tren en marcha por el mucho más abierto de las calles de la capital de Corea del Sur, y la sustitución del tono melodramático que subyace en Train to Busan por un patente componente de crítica social, no obstante también presente aunque en menor medida en aquélla, mediante el cual se recuperan las connotaciones metafóricas del personaje del zombi/infectado para hablar, entre otros temas, del egoísmo y la individualidad propias de la sociedad moderna, en la que todos, en mayor o menor medida, solo nos guiamos por nuestro interés, sin preocuparnos en las consecuencias que puedan tener en los demás. En cualquier caso, la ausencia de una conexión argumental clara hace que, antes que una precuela, Seoul Station deba verse como una suerte de borrador en bruto con el que Sang-Ho ensaya una serie de elementos narrativos y argumentales que cristalizarían en la realización de su hermana mayor.

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Ausente hasta el momento, Leticia Dolera hacía acto de presencia sobre el escenario de la sala 1 del Cine de la Prensa en una presentación que dejaría la anécdota del día, cuando una pareja de espectadores se marcharan visiblemente indignados, no sin antes que su componente femenina dedicara una peineta a la presentadora, al parecer ofendida por el comentario de esta sobre la posible incontinencia urinaria de la muchacha al levantarse durante una de sus interminables divagaciones, según se pudo saber más tarde. Centrándonos en lo cinematográfico, que al fin y al cabo era lo que importaba, al menos a algunos, esta tercera sesión de la jornada nos traería nada menos que la anunciada premier mundial de 47 Meters Down, también conocida con el título de In the Deep. Dirigida por el británico Johannes Roberts, responsable de la reciente El otro lado de la puerta, su propuesta sigue la pista del camino abierto por la magistral Tiburón de Steven Spielberg. Desde este punto de vista, la película no ofrece nada nuevo, hasta el punto de arrojar curiosos puntos en común con otros dos exponentes coetáneos del subgénero; la australiana Cage Dive por un lado, y la celebrada Infierno azul de Jaume Collet-Serra por otro. Pero lo que en un principio parece otra película más sobre escualos asesinos acabó por brindar una de las más agradables sorpresas que nos depararía esta edición del certamen. Apoyado en un calculado guion que sabe dosificar inteligentemente sus elementos, guardando incluso algún giro final que no por efectista resulta menos efectivo, Roberts construye un soberbio ejercicio de tensión narrativa con el que consigue mantener en vilo al espectador, gracias a un desarrollo sin apenas puntos muertos, una ajustada duración, y la claustrofóbica utilización que hace de la inmensidad y oscuridad del fondo marino. Tomando prestada la de Alien, el octavo pasajero, la frase promocional de 47 Meters Down bien pudiera ser “en el fondo del mar nadie puede oír tus gritos”.

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El equpo de “Stop Over in Hell” durante la presentación de la película.

Y de un acontecimiento pasábamos a otro con una de las sesiones que más se habían publicitado desde la organización. Al igual que ocurriera el año pasado con Vulcania, la sesión de las diez de la noche estaba reservada para la proyección de una película española que sería acompañada por varios de sus responsables. Tras ser presentada mundialmente en la clausura de la pasada edición del Almería Western Film Festival, la Muestra Syfy acogía la puesta de largo en Madrid de Stop Over in Hell, el nuevo film de Víctor Matellano, motivo por el que, además de una nutrida presencia de su equipo, tanto encima del escenario como entre las butacas del público, el pase contaría con la asistencia de varias personalidades del mundo cinematográfico, entre las que destacaría la de Yvonne Blake, entre otras muchas cosas la actual presidenta de la Academia del Cine.

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En cuanto a lo que se refiere al contenido de la película propiamente dicho, tras tres largometrajes pertenecientes de una u otra forma al ámbito del fantástico, Matellano abandona momentáneamente el género para dar forma a un violentísimo western con momentos incluso gore, muy en la línea del cine de Quentin Tarantino, aunque la mirada de Matellano, según confesión propia, estaba situada más cerca de los clásicos. Uno de sus principales alicientes se encuentra en su icónico villano, llamado Coronel, suerte de sosias del personaje interpretado por Lee Van Cleef para la segunda entrega de la Trilogía del Dólar de Sergio Leone, en uno de esos guiños cinéfilos tan del gusto de su responsable, y que no por casualidad se erigen en uno de los principales rasgos característicos de su cine. Por cierto que, a modo de curiosidad, cabe comentar que Stop Over in Hell también sería la protagonista de una pequeña exposición que acogería el vestíbulo del Cine de la Prensa durante los cuatro días del certamen, formada por diferentes materiales y atrezos originales de la película.

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Parte de la exposición de objetos originales de “Stop Over in Hell” que acogió el vestíbulo del Cine de la Prensa.

Mientras que una de las salas aledañas del Cine de la Prensa acogía una proyección extra de la película de Víctor Matellano, en la programación oficial era el turno para la primera de las dos sesiones golfas de esta edición. Para tal menester la Muestra había escogido un ejemplar de tono ligero que sirviera para colmar las ganas de fiesta y desparrame que aún pudieran existir entre el público asistente. Una función que cumplió a la perfección The Funhouse Massacre, producción norteamericana del pasado 2015 que tiene uno de sus principales reclamos en la participación de Robert Englund. La presencia del popular intérprete del no menos mítico Freddy Krueger pone de relieve el enfoque que maneja una cinta que, bajo un espíritu festivo de genuina Serie B, apela a la nostalgia por el cine de terror manufacturado en los años ochenta. Algo que, aparte de por el ya comentado concurso de Englund, extensible a la comparecencia en el reparto de otros actores característicos de aquella época, caso de Courtney Gains, visto, por ejemplo, en Los chicos del maíz, o Clint Howard, el prolífico hermano de Ron, es prorrogado por el contexto en el que se localiza su trama, una casa de los horrores en plena festividad de Halloween, en una decisión que remite, no por casualidad, a clásicos del calibre de La noche de Halloween o La casa de los horrores; el perfil de su media docena de psychokillers, a través de los cuales son representados otros tantos arquetipos, que van desde el payaso asesino hasta el dentista loco, pasando por una émula de la comiquera Harley Quinn; o un desarrollo por el que desfilan no pocos clichés y lugares comunes del slasher ochentero. Asesinatos sanguinolentos magníficamente resueltos a base de efectos tradicionales y un sentido del humor de lo más gamberro completan la receta de esta comedia terrorífica que solo pretende deparar un rato de cómplice divertimento y a la que, por tanto, tampoco se la debe exigir mucho más que eso.

DÍA 3

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Siguiendo la estructura habitual de los últimos años, la Muestra destinaría sus sesiones matinales para celebrar el formato “Syfy Kids”, la sección dedicada por el certamen a los más pequeños de la casa. Curiosamente, repitiendo lo sucedido hace doce meses, la protagonista de la proyección del sábado sería una de las nominadas a la mejor película de animación en la última edición de los Oscars. Si el año pasado se trataba de la brasileña El niño y el mundo, esta vez la elegida fue La vida de Calabacín, adaptación vía stop-motion de una novela del autor francés Gilles Paris. A pesar de su inclusión dentro de “Syfy Kids”, su contenido revelaría estar lejos de lo que entendemos por “una-película-para-niños”, poniendo de relieve la tendencia del cine de animación actual teóricamente destinado para el público infantil a la hora de tocar temas adultos. Baste indicar su punto de partida: Calabacín, un niño de unos nueve años, asesina de forma accidental a su alcohólica madre, por lo que es recluido en un colegio de acogida junto a otros niños en una situación similar. A partir de ahí, su historia articula una fábula en la que salen a escena algunos de los males de nuestra sociedad, encarnados en los motivos por los que Calabacín y sus compañeros se encuentran en el orfanato. Un planteamiento, no obstante, que destaca por la capacidad con que sus responsables afrontan cuestiones tan difíciles como la orfandad, la exclusión social, los malos tratos, la soledad, el amor o la amistad, aunando la mirada infantil con la descarnada realidad de la propia vida, sin por ello caer en lo ñoño ni en lo lacrimógeno, gracias a su sensibilidad y sencillez. La misma sencillez de la que hace gala su animación y su diseño de personajes, dando pruebas, por si alguien tuviera aún dudas, de que para hacer buenas películas que resulten inteligentes no hace falta acompañarse de aparatosas puestas escenas ni de complejos discursos.

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Ya por la tarde, la Muestra proseguía su desarrollo con el thriller The Good Neighbour, debut en el formato largo de Kasra Farahani. Para su ópera prima, Farahani se descuelga con un trabajo que, a nivel formal, entremezcla la temática de las home invasion con el lenguaje del falso documental. La elección de estos dos estilos tan codificados a estas alturas y, por tanto, hasta cierto punto familiares para los espectadores, resulta del todo consecuente con la naturaleza de una propuesta que reflexiona sobre nuestra percepción de las cosas por medio de nuestros prejuicios y experiencias. De este modo, en un inesperado rasgo de metaficción, Farahani somete a la audiencia a un experimento muy similar en la forma y en el fondo al que sus dos protagonistas realizan en la ficción con ese vehículo que da título a la cinta y que consiste, como si de una película de terror se tratara, en asustarle mediante la puesta en escena. De este modo, el novel cineasta convierte a los espectadores en testigos y partícipes a un tiempo de la experiencia, utilizando para ello unos registros que le son familiares y que le permiten así jugar con sus expectativas. Un territorio seguro que, poco a poco, es desmontado a través de determinadas revelaciones que ponen patas arriba las certezas acumuladas hasta el momento debido a los indicios mostrados y que resultan no ser tales. Pero si bien este planteamiento a nivel teórico no carezca de interés, la falta de concreción y un desarrollo monótono, que no consigue crear en ningún momento la tensión necesaria, en parte por la inclusión de ciertos planos de un juicio posterior que dan una pista sobre la existencia de gato encerrado, hacen que sus resultados no se antojen tan destacados, lo que no quita para reconocer la inmensa actuación de un James Caan que, sin apenas diálogos y apoyándose básicamente en los gestos, carga sobre sus espaldas con todo el peso de la película.

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Casualidades de la vida, la siguiente sesión discurriría por similares derroteros bajo los que se había desarrollado la previa; es decir, con otro exponente cuya historia pivotaba sobre la vigilancia a la que somete su joven protagonista a un anciano y que tiene uno de sus principales baluartes en la destacada interpretación de un ilustre veterano, en este caso un casi octogenario Christopher Lloyd. Precedida por su fama, I Am Not A Serial Killer evidenciaría en su visita a Madrid el porqué de su exitoso paso por el circuito de festivales, donde ha acumulado reconocimientos y galardones, entre los que se encuentra el premio a la mejor película dentro de la sección “Panorama” en la pasada edición del Festival de Sitges. Buena parte de su mérito se halla sustanciado en la original aproximación a la figura del asesino en serie que realiza por medio del retrato de su protagonista, John, un joven sociópata diagnosticado que, aunque obsesionado por las andanzas de los serial killers, intenta no convertirse en uno de ellos. En su primera parte, la película se sumerge con rara habilidad en la psicología y lucha interna que libra el personaje, adoptando las formas de un drama adolescente presidido por un negrísimo sentido del humor, que evoluciona a algo completamente distinto una vez John se sitúe ante su propio espejo con la aparición de un asesino en serie en la pequeña comunidad en la que reside. A partir de este momento se inicia un particular juego del gato y el ratón ente sociópata y asesino, en el que no es difícil ver un reflejo de la atracción/repulsión que la figura de los asesinos en serie ejerce en la sociedad estadounidense, dentro de un discurso rico en contenidos. Tomando como base la novela homónima de Dan Wells, el irlandés Billy O’Brien firma así el que es su mejor y más ambicioso trabajo, abandonando los esquemas del cine de género más convencional que había venido abonando hasta la fecha para abrazar el tono y la estética de cierto cine indie actual, apostando por un desarrollo sobrio y contenido que solo es roto durante el desenlace, por medio de un innecesario giro hacia lo fantástico, en el que se explicita aquello que quedaba mejor en el plano metafórico.

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La tercera película de la tarde nos traía de nuevo a una de las integrantes del palmarés del Festival de Sitges 2016, esta vez en la categoría destinada al mejor guion. Se trataba, además, del otro título programado junto con Stop Over in Hell con participación española, si bien en esta oportunidad en coproducción (minoritaria) con los Estados Unidos. Cinco años después de dar el salto con Emergo, lapso de tiempo en el que ha dirigido varios cortos, entre los que se encuentra el extraordinario Sequence, Carles Torrens regresa al formato largo con Pet, una pieza de cámara desarrollada básicamente con unos pocos actores y dos localizaciones. Y aunque sus resultados no estén exentos de virtudes, singularizadas por la interpretación de su pareja protagonista, formada por Ksenia Solo y Dominic Monagham, recordado mayormente por su papel de Merry en la saga de El señor de los anillos, este thriller sobre relaciones enfermizas queda muy por debajo de lo que cabría esperar. Potencial, al menos, había para ello. No se puede negar que Torrens se afana en proveer al conjunto de una factura formal a la altura de cualquier producción homónima hollywoodiense realizada con mayores medios. Pero, precisamente, ahí radica uno de los problemas: la pulcritud de una puesta en escena que contrasta con un argumento que, por sus propias características, pedía a gritos un tratamiento mucho más turbio en el plano visual. Por otra parte, tampoco se libra de caer en molestos subrayados que ponen en duda su confianza sobre sus capacidades narrativas (o en la inteligencia del espectador). Aunque quizás el aspecto más reprobable resida en el galardonado guion de Jeremy Slatter, responsable de los libretos de The Lazarus Effect o la última versión de Los 4 Fantásticos, en el que todo es confiado al impacto de sus efectivos giros, sin que parezca importar l0s muchos cabos sueltos e interrogantes que se acumulan por el camino.

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El plato fuerte de la jornada llegaba con 31, la más reciente película de Rob Zombie y, sin duda, una de las sesiones más esperadas de la programación de este año entre los espectadores de la Muestra. Tanto es así que la emoción de algunos ante sus imágenes daría lugar a un desagradable incidente ocurrido durante la proyección en la sala 2 del que hablaremos más adelante. Sin restarle gravedad al asunto, la naturaleza de lo sucedido ilustra de forma muy gráfica el carácter (auto)onanista de una película ideada, única y exclusivamente, a contentar a los más acérrimos seguidores del también músico, quizás por aquello de estar parcialmente financiada mediante crowfounding. Carente de cualquier atisbo de evolución o innovación, Zombie, acompañado de su inseparable musa Sheri Moon, ofrece un nuevo catálogo de las obsesiones y referencias visuales y estéticas que se han convertido en sello distintivo de su cine a lo largo de su filmografía. Nada que objetar si no fuera porque tras ello poco más hay que llevarse a la boca, con la excepción del carismático personaje de Doom-Head y sus diálogos. Resulta muy sintomático en este sentido que 31 tome su título del macabro juego de caza del hombre que articula su metraje. Sobre todo teniendo en cuenta que tan escueta premisa es todo el argumento que acumula un conjunto cuyo desarrollo queda así limitado a un continuo “corre que te pillo”, sin que tampoco existan personajes que puedan aportar algo de colorido, más allá del referido Doom-Head. Para colmo de males, no acaba aquí la cosa, ya que ni siquiera reduciendo la propuesta a la mera condición de splatter sanguinolento logra salir mejor parado, en gran medida por culpa de una cámara temblorosa que no permite apreciar lo que acontece en pantalla durante las escenas violentas.

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Mucho mejor irían las cosas con la protagonista del último pase del día. Cambiando de tercio con respecto a lo visto en la sesión golfa del viernes, para cerrar esta tercera jornada la Muestra había preparado Scare Campaign, brindando con ello la oportunidad de descubrir a su audiencia al que personalmente considero uno de los más interesantes títulos dejados por la cosecha fantástica del pasado año, a pesar de que, paradójicamente, apenas haya podido verse en el circuito de festivales patrios; si no me equivoco, tan solo en el FANT bilbaíno. Tal consideración se sustenta en los muy diferentes niveles en los que funciona su propuesta. En el más epidérmico, se trata de un excelentemente engrasado producto genérico, de ritmo impecable y guion calculado. Pero lo más interesante reside en todo lo que se esconde tras su, en teoría, sencilla fachada. Ambientada en el mundo de los reality shows televisivos, la película hace referencia a la competencia existente entre internet y televisión como medios de entretenimiento predominantes, o el cada vez mayor grado de violencia real que consumimos en los medios de comunicación, entre otros temas. Una riqueza de subtextos que tiene su culmen en un acentuado componente metalingüístico que habla del cine de terror desde el propio cine de terror, en la línea de lo expuesto por Scream o La cabaña en el bosque, y que se hace patente en no pocos detalles, aparte de los homenajes y referencias más o menos explícitos que se dan cita en su metraje. Desde la deconstrucción a la que somete a los mecanismos propios de la puesta en escena del género, dejando al descubierto sus artificios, hasta esa valiente reflexión que establece sobre la disyuntiva actual en la que se encuentra el cine de terror contemporáneo entre dos diferentes modelos de entender el estilo, y que queda resumida en la frase que su protagonista masculino exclama en un momento determinado: “Sois solo sangre, no tenéis imaginación ni giros de guion” comenta, en lo que supone toda una declaración de principios por parte de sus responsables.

DÍA 4

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Colin Arthur (a la izquierda) durante la presentación de “La historia interminable”.

Coincidiendo con su reestreno en cines hace unos pocos meses, el espacio “Syfy Kids” recuperaría para la matinal del domingo uno de los exponentes más emblemáticos del cine fantástico juvenil de aventuras de los años ochenta. Hablamos de la justamente mitificada La historia interminable que en 1984 dirigiera Wolfgang Petersen a partir de la novela homónima de Michael Ende. Una sesión en la que, por motivos obvios, serían mayoría los nostálgicos padres que crecieron ante sus imágenes, y que acudieron a la sala 1 del Cine de la Prensa acompañados de sus hijos a disfrutar de las aventuras de Atreyu y Bastian en sus esfuerzos por salvar al Reino de Fantasía de la Nada, con la manifiesta intención de descubrir a sus vástagos la magia de la película que tanto les entusiasmó de pequeños. Además de ofrecer la oportunidad de revisionar la película en pantalla grande, la proyección disfrutó del añadido de contar con una pequeña presentación a cargo del que fuera el encargado de sus efectos especiales, Colin Arthur, quien ya había visitado la Muestra el viernes formando parte del equipo de Stop Over in Hell. Para hacer más inolvidable el momento, durante su intervención el veterano técnico inglés regalaría un par de escamas originales del dragón Fuyu a dos de los niños que se encontraban entre el público, despertando la sana envidia de varios de los allí presentes.

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Aparte de proyectar “La historia interminable”, en el vestíbulo del Cine de la Prensa se expusieron varias de las creaciones de Colin Arthur para la saga.

Tras una pequeña pausa para comer, el programa oficial de la Muestra regresaba a las cuatro de la tarde con Lake Bodom, film merecedor del oficioso título de ejemplar exótico de este año, dada su procedencia finlandesa. Según informa un oportuno letrero durante sus primeros compases, su argumento se basa en un episodio de crónica negra ocurrida en su país natal durante la década de los sesenta. En concreto, unos misteriosos crímenes nunca resueltos acaecidos en las proximidades del lugar que le da título. Sin embargo, el partir de estos supuestos hechos reales no evita que la configuración del producto, claramente dirigido al público veinteañero, responda a los arquetipos del más prototípico slasher que uno pueda imaginarse, con un grupo de jovencitos de acampada en medio del bosque durante un fin de semana. Por si aún hubiera dudas al respecto, la sucesión de los acontecimientos lo deja bien claro. Una vez dos de los adolescentes se aparten del resto del grupo para mantener un encuentro amoroso hará acto de presencia un misterioso matarife que pagará el sexo con muerte. En vista de lo expuesto, parece fácil adivinar por dónde van a ir los tiros en adelante. Y así hubiera sido si sus responsables no hubieran aspirado a intentar dar una novedosa vuelta de tuerca al modelo, para lo que no se les ocurre mejor cosa que promover una trama que acusa las consecuencias propias de un delirante desarrollo  basado en los cíclicos y tramposos giros dispuestos por un guion que, en su intento por sorprender al espectador, lo único que consigue es saltar por los aires cualquier atisbo de verosimilitud que pudiera existir en lo narrado. Una circunstancia que no deja de ser paradójica viniendo de una cinta que publicita el basarse en hechos reales y que se saldaría, con todo merecimiento, como uno de los exponentes más flojos vistos en esta Muestra.

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Lake Bodom serviría de preludio a un tramo final para el que la organización había reservado tres de los títulos que mejor cartel tenían de todo el programa. El anime Your Name era el primero de ellos. De sus posibles cualidades daba buena cuenta el currículo con el que aterrizaba en Madrid. Escrita y dirigida por uno de los nombres propios del cine de animación japonés actual, Makoto Shinkai, además de proclamarse ganadora de su categoría en el pasado Festival de Sitges, ha logrado convertirse en la cuarta película más taquillera en la historia de su país. Y si bien no será un servidor quien le niegue sus atributos, está lejos de tratarse de esa obra maestra que los exagerados de siempre han corrido a declararla. Sus valores saltan a la vista, cierto. Su apartado visual es sencillamente apabullante, con mención especial para el magnífico uso de la luz y los colores que realiza una fotografía que realza aún más la excelencia de su animación, reflejado en el detallismo del que hace gala su puesta en escena. Por otra parte, Shinaki da muestra de unas excelentes habilidades como narrador para, casi sin que nos demos cuenta, evolucionar de una forma orgánica su historia sobre intercambio de cuerpos desde la comedia amable en la que se enmarcan sus primeros compases hasta el drama y la tragedia, sin que en ningún momento los cambios de tono chirríen. Pero aun siendo un título notable, frente a estas virtudes también se alzan un puñado de puntos negros. Evidenciando su lugar de procedencia, algunos de sus pasajes, significativamente los más relevantes, son desarrollados de una forma por momentos un tanto confusa, mientras que su tramo final está a todas luces dilatado en exceso, incluyendo varios finales que dan la sensación de ser un pegote añadido a lo anterior. Del mismo modo, sus responsables no logran disimular la comercialidad con la que está encarado el proyecto, patente en las numerosas canciones pop que trufan su metraje, sin olvidar lo que, en la opinión de quien esto escribe, se erige en su principal defecto: el tono sensiblero y azucarado bajo el que discurre la narración, y que provoca que algunos seamos incapaces de entrar en su propuesta. Por cierto que, como viene sucediendo en buena parte del cine japonés post-2011, en Your Name pueden rastrearse las cicatrices dejadas en la sociedad nipona por el accidente de Fukushima, en especial la desconfianza ante la administración y las clases dirigentes, dentro de un conjunto que confronta la tradición propia del Japón rural con la modernidad del Japón urbanita, representados a través de cada uno de sus personajes principales.

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Durante la presentación de la película que protagonizaba la proyección de la tercera sesión, la belga Crudo, la organización leería un comunicado a propósito del incidente vivido la noche anterior en el pase de 31 en la sala 2 que aludíamos antes. Una intervención que, aparte de para desmentir la versión que corría sobre lo sucedido, y que no era otra que un espectador había sido descubierto masturbándose en su butaca, aportó poco más. Ni siquiera para aclarar cuál había sido entonces la auténtica realidad de los hechos. Bueno, sí, porque en este contexto Leticia Dolera aprovechó para lanzar una encendida soflama a favor del feminismo más propia de un mitin político y, por tanto, totalmente fuera de lugar, mientras un grupo de espectadores trataban de que se escucharan sus quejas por la actitud vociferante que ha sido adoptada como norma por amplios sectores del público, con el explícito beneplácito de los propios rectores de la Muestra, sin que obtuvieran ningún éxito en uno u otro sentido. Lástima.

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Sin cambiar de tono, en su presentación Leticia Dolera definiría el film que iba a proyectarse a continuación como un alegato feminista, comentando, a renglón seguido, los supuestos desmayos registrados durante sus pases en Toronto y Cannes, festival este último donde la ópera prima de Julia Ducuornau se alzaría con el premio FIPRESCI otorgado por la Federación Internacional de Críticos de Cine dentro de la Quincena de Realizadores. Flaco favor le hacía la actriz y directora a la película creando tales expectativas, ya que, a la hora de la verdad, ni lo uno ni lo otro. Lejos de lo que cabría esperar a tenor de los señalados desvanecimientos sufridos por algunos espectadores ante la dureza de sus imágenes, el nivel de grafismo resulta bastante limitado, pudiendo contarse con los dedos de una mano aquellas escenas con contenido gore. De igual manera, más que un alegato feminista, su historia sobre una vegetariana que abandona el nido familiar para cursar la carrera de veterinaria en la universidad, donde desarrollará hábitos caníbales, esconde, en realidad, una fábula sobre el tránsito de la adolescencia a la madurez y los radicales cambios sociales, biológicos y de todo tipo que acompañan a esta etapa de profundas transformaciones. Disquisiciones al margen, los resultados de Crudo se ven penalizados por las mal asimiladas ínfulas autorales que se gasta la realización de Ducuornau, representada por la inclusión de esas teóricamente alegóricas imágenes de un caballo trotando que poco aportan a lo narrado. Lo mismo ocurre con su labor al frente de la escritura de un libreto en el que toda coherencia interna es sacrificada en pos de la articulación de su discurso. Entre los muchos ejemplos que se podrían citar a este respecto, nos pararemos en la revelación que le hace su padre a la protagonista en la escena final. ¿Es que esa familia nunca había ido a la playa, por poner un caso, como para que la aspirante a veterinaria no hubiera visto nunca desnudo el torso de su progenitor? Eso por no hablar  del reaccionario mensaje en contra del vegetarianismo que puede extraerse de su argumento, y en el que pocos parecen haber reparado, al presentar a sus practicantes como una panda de fundamentalistas que coartan sus verdaderos impulsos.

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Superadas las diez de la noche, la décimo cuarta edición de la Muestra Syfy encaraba sus últimos compases con el inicio de la sesión de clausura. Tras las críticas recibidas en los dos últimos años por confiar su cierre a propuestas de un perfil tan minoritario y autoral como Under the Skin y High-Rise, esta vez la organización se decantaría por una producción de un perfil claramente mainstream con Kong: La isla Calavera. Enésima reinterpretación de la denominada octava maravilla del mundo, la segunda película de Jordan Vogt-Roberts acierta en su idea de recuperar el espíritu pulp de las novelas de Edgar Rice Burroughs, pongamos por caso, pasados por el tamiz del cine bélico ambientado en la guerra del Vietnam, pero falla en casi todo lo demás. A nivel técnico posee una factura deslumbrante, singularizada por el acabado de unos efectos especiales que logran crear unas criaturas antediluvianas realmente perfectas en su verosimilitud, y espectaculares en sus enfrentamientos. Sin embargo, la película se resiente en sus aspectos dramáticos, por medio de una narración atropellada a partir de su llegada a la isla, momento en el que se dedica a mover de aquí para allá, como si fueran peones, a la concurrida expedición que protagoniza la historia, formada por un concurrido grupo de arquetipos totalmente desdibujados y carentes del más mínimo carisma. Tan solo el encarnado por John C. Reilly, quien sin mucha dificultad logra erigirse en el dueño de la función, logra destacar dentro de un conjunto equiparable en su planteamiento narrativo al de cualquier película de la Asylum. En lugar de procurarle un mayor espesor dramático, sus responsables solo parecen estar interesados en la consecución de un ritmo trepidante que no deje que el espectador se aburra, o que se pare a pensar en lo que está viendo, que viene a ser lo mismo. Un tratamiento cada vez más detectable dentro del blockbuster actual y sobre el que queda la duda de si se trata de algo premeditado o consecuencia de las posibles injerencias que los directivos de turno hayan podido practicar sobre el material rodado, como parecen señalar algunos arcos argumentales abiertos que a la hora de la verdad tienen poca o ninguna trascendencia. Con este agridulce sabor de boca se cerraba esta décimo cuarta edición de la Muestra, si bien los espectadores que esperamos a ver íntegros sus títulos de crédito saldríamos del Cine de la Prensa con los ánimos por las nubes tras asistir a esa última escena en la que se anuncia una próxima aventura en la que Kong cruzará su destino con Godzilla y demás monstruos gigantescos de la Toho.

José Luis Salvador Estébenez

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Fotografía: Juan Mari Ripalda

Published in: on abril 12, 2017 at 5:58 am  Dejar un comentario  
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Presentada la programación completa de FANT 2017

La programación completa de la vigésimo tercera edición del Festival de Cine Fantástico de Bilbao – FANT se presentó en la mañana de ayer en el Ayuntamiento de la capital vizcaína, con la presencia de la concejala de Cultura, Nekane Alonso, Justo Ezenarro, Subdirector de Programación Cultural y Director de FANT, Eugenio Puerto, programador de FANT, y los directores Roberto San Sebastián y Haritz Zubillaga, quienes concursarán dentro de la Sección Oficial con sus películas La noche del virgen y El ataúd de cristal, respectivamente.

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De izda a dcha: Haritz Zubillaga, Justo Ezenarro, Nekane Alonso, Eugenio Puerto y Roberto San Sebastián.

Precisamente, esta referida concurrencia de trabajos de directores vascos en la Sección Oficial, prolongada también dentro de FANT en Corto, donde competirán hasta once trabajos de producción vasca, y añadido al incremento de público registrado en las últimas ediciones, este año durante el fin de semana las proyecciones serán en el auditorio de Azkuna Zentroa debido a su mayor aforo, manteniéndose además durante toda el certamen la primera sesión de las 16:15 horas con películas de la Sección Oficial.

A través de este aumento de sesiones se pone de manifiesto la ampliación de películas integrantes de la Sección Oficial, en lo que será la mayor selección numéricamente hablando en la historia del festival. En total serán dieciséis los títulos, tres más que en 2016, los que optarán a los Premios FANT 2017 al Mejor Largometraje, Mejor Guión y Dirección más innovadora, de los cuales dos de ellos se exhiben por primera vez en España, mientras que otra vivirá en Bilbao su premier europea. Se trata de la estadounidense The Evil Within (2017) del director Andrew Getty fallecido antes de terminar el montaje de la película; Hipersomnia de Gabriel Grieco (Argentina, 2017) y Found Footage 3D de Steven DeGennaro (EUA, 2016). Asimismo, FANT acogerá el estreno mundial de Noctem de Marcos Cabotá (España, 2016), que visitará el festival para presentar la película.

Dentro de la Sección Oficial estarán también las ya comentadas El ataúd de cristal (España, 2016) y La noche del virgen (España, 2016), ccompletándose la selección con Sweet Sweet Lonely Girl (EUA, 2016) de A.D. Calvo, Seoul Station (Corea del Sur, 2016) de Yeon Sang-ho, I Am Not a Serial Killer de Billy O´Brien, 1974 (México, 2016) de Victor Dryere, The Unseen (Canadá, 2016) de Geoff  Redknap, Prevenge (Gran Bretaña, 2016) de Alice Lowe, Lake Bodom (Finlandia, Estonia 2016) de Taneli Mustonen, The Void (Canadá, 2016) de Jeremy Gillespie y Steven Kostanski, It Stains the Sands Red (EUA, 2016) de Colin Minihan y The Eyes of my Mother (EUA, 2016) del director Nicolas Pesce. Todas las proyecciones serán en versión original subtitulada en castellano y en el caso de las programadas en la sesión de las 16:15 horas contarán también con subtítulos en euskera.

Al igual que en las últimas ediciones, el cortometraje tendrá una presencia destacada con dos galardones dotados con tres mil euros cada uno, a los mejores cortometrajes de la Sección Oficial, según el criterio del jurado y del público del festival. A estos dos premios, que pretenden apoyar el trabajo de nuevos realizadores, una de las señas de identidad del festival, se añade un galardón dotado con dos mil euros para el Mejor Cortometraje Vasco.

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En lo que se refiere a la Sección Oficial de cortos, entre los novecientos treinta y un trabajos procedentes de todo el mundo presentados, casi cien más que en 2016, la organización ha seleccionado los veintiún mejores entre animación y ficción, los cuales serán proyectados dentro de las secciones FANT EN CORTO. Una vez más se han programado dos sesiones para los días 5 y 6 de mayo, estando la primera dedicada, en exclusiva, a los cortometrajes de sello vasco. El resto de cortometrajes son en su mayoría producciones europeas procedentes de Reino Unido, Francia, y del resto de España, además de un corto procedente de Canadá. Los cortos internacionales se proyectarán el 6 de mayo, en la sesión de las 20:00 horas, en el Auditorio de Azkuna Zentroa.

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Como ya es habitual, la entrega de galardones tendrá lugar dentro de la gala de clausura, que este año también, se desarrollará en la Sala BBK – Gran Vía, el día 12 a partir de las 20:00 horas. El acto incluirá la proyección especial de la película Pet del realizador catalán Carles Torrens, ganadora en la pasada edición del Festival de Sitges del premio al mejor guion.

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Dejando a un lado el ámbito competitivo, en esta edición FANT entregará dos nuevos premios FANT de honor a dos bilbaínos que han ganado un premio Goya, como ya se hiciera hace unos años con Pablo Berger. Así, durante la gala inaugural, que se celebrará el 5 de mayo a partir de las 20:00 horas en el Teatro Campos, y en la que se proyectará Pieles (2016), el primer largometraje como director del popular actor Eduardo Casanova, el festival reconocerá la trayectoria de la actriz Terele Pávez, rostro habitual en las películas de Alex de la Iglesia, de la mano de quien consiguió un Goya a la Mejor Actriz de Reparto, en 2014, por su interpretación en Las brujas de Zugarramurdi.

Terele Pávez estará en Bilbao, además, con motivo de la presentación en la sección paralela DokuFANT del documental Herederos de la bestia, de Diego López y David Pizarro, que reivindica veinte años después de su estreno una de las obras primordiales del cine fantástico estatal, El día de la bestia. Su proyección tendrá lugar el día 6 a las 18:00 horas en el Auditorio de Azkuna Zentroa, y por la mañana los directores y parte del equipo lo presentarán ante los medios de comunicación. Además de Herederos de la bestia, DokuFANT ofrecerá el documental Sputnik dirigido en 2016 por el bilbaíno Asier Abio.

El segundo FANT de Honor se entregará en la gala de clausura del festival al realizador bilbaíno Pedro Rivero, que ha conseguido hasta el momento dos premios Goya, rl ptimrto con su cortometraje de animación Birdboy y este mismo año el destinado a la Mejor Película de Animación con Psiconatuas, los niños olvidados.

Además, por primera vez, el Festival de Cine Fantástico de Bilbao – FANT entregará el premio “Estrella del FANTástico”, un galardón honorífico que quiere reconocer toda una carrera dentro del género fantástico y que se entregará a la actriz Barbara Crampton (Nueva York, 1958). Tras una serie de papeles en varias series televisivas, debutó en la gran pantalla en1984 de la mano de Brian de Palma con Doble cuerpo, aunque el papel que la hizo popular entre los amantes del cine fantástico fue el que interpretó a las órdenes de Stuart Gordon en Re-animator (1985). Tras este clásico moderno del cine de terror, siguió muy unida al género con títulos como Re-sonator (1986), Trancers 2 (1991), Robot Wars (1993) o Space Truckers (1996), de nuevo de la mano de su descubridor Stuart Gordon.

A partir de su aparición en 2011 en You’re Next, la actriz ha sido recuperada por una nueva generación de cineastas como Rob Zombie o Adam Wingard, que la han vuelto a colocar en lo más alto del cine de terror. Barbara Crampton recogerá su premio “Estrella del FANTástico” en la gala de clausura del festival, además de presentar durante el festival su última película, Beyond the Gates, dirigida por Jackson Stewart. A todo ello hay que añadirle la proyección de la mítica Re-Animator el 11 de mayo a las 18:00 horas en los cines Golem – Alhóndiga.

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FANT entregará también en la sesión de clausura el Premio FANTROBIA, que reconoce a una figura emergente dentro del género fantástico, y que en esta ocasión será para el realizador estadounidense Sean Brosnan (EEUU, 1983), hijo del popular actor Pierce Brosnan, que presentará dentro del festival su primer largometraje, My Father Die (2016). La proyección tendrá lugar el día 9 de mayo a las 20:00 horas en la Sala 1 de los Cines Golem – Alhóndiga.

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Por otra parte, la sección “Panorama Fantástico” completará la programación de la sala de acceso gratuito del festival (en la sede principal: cines Golem – Alhóndiga), por medio de una selección de películas de producción reciente, en la que el atrevimiento y la independencia se mezclan con los cánones del fantástico y el terror. Así, esta edición se entregará también dos premios honoríficos sin dotación económica, al Mejor Largometraje y Mejor Cortometraje de género de una sección en la que se proyectarán títulos como El cielo en el infierno de Norberto Ramos,  La sexta alumna de Benja de la Rosa o Money de Martín Rosete, que estará en Bilbao acompañando a su trabajo.

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Asimismo, dentro de las proyecciones especiales con acceso libre, se ha programado entre el 6 y el 12 de mayo un ciclo con algunos de los títulos más destacados que han llegado a las salas españolas en este último año de la mano de la distribuidora La Aventura Audiovisual. En este mismo espacio se proyectarán cuatro títulos clásicos de dos referentes como son  Chicho Ibáñez Serrador y Brian de Palma. Concretamente, del primero se verán ¿Quién puede matar a un niño? (1976) y La residencia (1970), mientras que de la filmografía de De Palma se han seleccionado El fantasma del paraíso (1974) y La furia (1978).

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Pasando al programa de actividades paralelas, cabe recordar que FANT dará cabida a una exposición en la sala polivalente de Azkuna Zentroa entre el 5 al 12 de mayo que, bajo el nombre de “The Vault of Rob Zombie. A Cómic Tribute”, ofrecerá una recopilación de carteles de dieciséis ilustradores vinculados al cine, que han realizado sus propuestas creativas apoyándose en la imaginería de Rob Zombie. Amante del cómic, también dibujante, la muestra coordinada por Borja Crespo es un homenaje gráfico a la ecléctica trayectoria del estadounidense, que reúne el arte de artistas consagrados y nuevos talentos como M. A. Martín, David Rubín, Manuel Bartual, Koldo Serra, Luis Bustos o Mamen Moreu.

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Por último, un año más, el festival ha diseñado también una programación específica en euskera pensando en el público escolar, con cuatro sesiones matinales en el auditorio principal de Golem – Alhondiga Bilbao, con capacidad para cuatrocientas butacas en las que se proyectarán dos películas: Lotte 2 Ilargiko harriak  (animación) y Oker (ficción).

El abono para todo el festival, que permite el acceso a todas las sesiones de pago en Golem-Alhóndiga, al igual que a las sesiones de inauguración en el Teatro Campos y clausura en la Sala BBK, –siempre previo paso por taquilla–, están ya a la venta desde hoy al precio de 30 euros, en Golem – Alhóndiga y a través de la web del festival. Las entradas para una única sesión tendrán un precio de 5 euros (8, 9 y 10 de mayo “FIESTA DEL CINE”, entrada: 2,90 euros) y estarán a la venta a partir de mañana las taquillas y webs de cada uno de los espacios de proyección: Golem – Alhondiga, Sala BBK y Teatro Campos. Todas las sesiones de cine programadas para la Sala 2 de Golem – Alhóndiga y en FNAC serán de acceso gratuito hasta completar aforo.

La parrilla completa de horarios puede visitarse a través del siguiente enlace: http://fantbilbao.eus/web/fant-2017/programacion

Published in: on abril 11, 2017 at 5:48 am  Dejar un comentario  
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Presentado el cartel oficial de la próxima edición de TerrorMolins

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A mediados de la pasada semana el Festival de Cine de Terror de Molins del Rei presentó el que será el cartel de su trigésimo sexta edición, que tendrá lugar del 10 al 19 de noviembre en la localidad barcelonesa.

Como es sabido bajo el nombre de “Haneke or the edge of horror”, la edición de este año tendrá como leitmotiv la figura del cineasta de origen austriaco, dentro de cuya trayectoria sus dos versiones de Funny Games suponen toda una referencia dentro del género terrorífico. Este año se cumplen veinte y diez años del estreno de cada una de las películas, así como el setenta y cinco cumpleaños de Michael Haneke. Una serie de efemérides que TerrorMolins no ha querido pasar por alto.

De este modo, por sexto año consecutivo Maite Pascual se ha encargado del diseño del póster oficial del Festival. Para darle forma Pascual se ha inspirado en una de las escenas iniciales de Funny Games y que supone una clara alegoría de los acontecimientos que esperan a los protagonistas.

TerrorMolins ha querido así homenajear a estas obras maestras que, según se indica en la nota de prensa, “muestran sin contemplaciones y con absoluta maestría muchos de los elementos que no pueden faltar en una buena cinta de género”.

Más información: http://www.molinsfilmfestival.com

Published in: on abril 10, 2017 at 5:55 am  Dejar un comentario  

La XXIII edición De FANT entregará el Premio Fantrobia a Sean Brosnan

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El Festival de Cine Fantástico de Bilbao – FANT, entregará el Premio FANTROBIA, que reconoce a una figura emergente dentro del género fantástico, al realizador estadounidense Sean Brosnan (EEUU, 1983), que presentará dentro del festival su primer largometraje My Father Die (2016). La proyección tendrá lugar el día 9 de mayo a las 20:00 horas en los Cines Golem – Alhóndiga, y la entrega del galardón será en la gala de clausura.

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Hijo del popular actor Pierce Brosnan, Sean estudió Teatro y Poesía y ha estado profundamente inmerso en el mundo de las artes desde edad muy temprana. Al acabar sus estudios universitarios consiguió el papel de Romeo en la producción de Romeo y Julieta de la British Shakespeare Company. Poco después, formó parte del reparto de la miniserie de HBO Generation Kill. En su currículo como actor también figuran las películas My Horizon, Don Peyote, What Dreams Will Travel, o UFO.

Habiendo crecido en Hollywood entre platós, Sean Brosnan mantiene buenas relaciones con la industria y decidió fundar una productora junto con su esposa, la escritora y productora Sanja Banic. Knightmarcher se fundó en 2012 cuando Brosnan hizo su debut como guionista y director con el premiado mediometraje The Kid. Ha escrito y dirigido 63 Lbs, The Face of C, y ha producido ocho cortometrajes en tres años. My Father Die es su primer largometraje, una sangrienta propuesta que ha recibido buenas críticas en los Estados Unidos.

Por otro lado, el Festival de Cine Fantástico de Bilbao ha dado a conocer la composición de su jurado para esta próxima edición, que estará integrado por Melina Matthews, Elio Quiroga y Miguel Ángel Vivas.

De padre británico y madre francesa, Melina Matthews es natural de Barcelona. Se licenció en Periodismo por la Universidad de Westminster (Londres) y compaginó sus estudios con cursos de teatro en la escuela londinense Central School of Speech of Drama. En cine, ha aparecido en películas como Retornados (2013), de Manuel Carballo, protagonizó Panzer Chocolate (2013) junto a Geraldine Chaplin y Negociador (2014) de Borja Cobeaga. Además, el público ha podido escucharla en la exitosa Mama (2013), de Andrés Muschietti, poniendo su voz al monstruo que da nombre a la película.

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Nacido en Sevilla en 1974, Miguel Ángel Vivas es licenciado en Ciencias de la Información por la Universidad Europea de Madrid y está diplomado en Dirección Cinematográfica por la Escuela de Cinematografía y del Audiovisual Madrid (ECAM). En cine ha estado detrás de películas como Secuestrados (2010),Extinction (2015), o el que es su más reciente trabajo, Inside (2016), remake de la cinta francesa de culto Al interior (2007) con el que inauguró la última edición del festival de Sitges.

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Elio Quiroga, nacido en Las Palmas, es director y guionista de cine, y ha publicado varias novelas, entre las que figuran El despertar, Los códices del Apocalipsis, Ydill y Los que sueñan, Premio Minotauro 2015 a la mejor novela de ciencia ficción. También ha dirigido cuatro largometrajes: Fotos (premio al mejor guión y Premio Especial del Jurado de Sitges 1997), La Hora Fría, No-Do, y The Mystery of the King of Kinema, además de numerosos cortometrajes.

Asimismo, FANT entregará dos premios honoríficos sin dotación económica, al Mejor Largometraje y Mejor Cortometraje de género de la sección Panorama Fantástico. El jurado encargado de decidir estos galardones estará integrado por el guionista e investigador de cine de género fantástico Ángel Agudo – que en el 2011 participó en FANT con el documental sobre la vida de Paul Naschy El hombre que vio llorar a Frankenstein–, la periodista y crítica cinematográfica Iratxe Fresneda, y el también periodista y crítico de cine fantástico, Javier Donate.

Más información: http://fantbilbao.eus/web/

Published in: on abril 5, 2017 at 5:55 am  Dejar un comentario  
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La industria cinematográfica y la literatura fantástica aúnan esfuerzos en el Festival de Sitges

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La Federación de Gremios de Editores de España (FGEE) y el Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya han alcanzado un acuerdo de colaboración para que autores y representantes del sector audiovisual estudien la posible adaptación de obras literarias a películas de género fantástico. A través de este acuerdo, que firmaron el pasado 1 de marzo dirigentes de ambas organizaciones, el Festival se convertirá también en un foco de interactuación entre los universos del cine y editorial.

La iniciativa está bautizada como Taboo’ks y con ella se pretende generar oportunidades a ambos sectores y, paralelamente, potenciar Sitges como plataforma para la promoción no sólo de las obras de la industria cinematográfica, sino también para otras industrias culturales afines. Entre las actuaciones programadas este año también figura la celebración de una clase magistral en Sitges a cargo de una figura simbólica de la literatura y el cine. Precisamente, este 2017 la novela adaptada en numerosas ocasiones al cine Drácula, de Bram Stoker, será uno de los ejes argumentales del Festival de Sitges, coincidiendo con los veinticinco años del estreno de la mítica adaptación de Francis Ford Coppola.

El Sitges – Festival Internacional de Cine Fantástico de Catalunya ha abierto su foco en los últimos años a la presencia de la industria, que participa en encuentros, foros y plataformas de venta de proyectos audiovisuales. El Festival, al mismo tiempo, también tiene una completa programación paralela en la que aborda otras disciplinas culturales de género fantástico, como series, cómic, arte o literatura. La suma de ambos perfiles aporta proyección y recorrido a esta iniciativa. De hecho, el proyecto firmado supone el primer paso para que el Festival se convierta en un mercado de derechos literarios internacional centrado en el género fantástico, en una línea similar a la aplicada por otros certámenes de primer nivel, como Cannes y Berlín.

Según el presidente de la Federación de Gremios de Editores de España, Daniel Fernández, “existe una clara vinculación entre el mundo editorial y el mundo audiovisual. Todos tenemos en mente muchas grandes películas o series de televisión que han adaptado obras literarias. Abrir una vía de colaboración con un festival internacional de la importancia del de Sitges nos ofrece nuevas oportunidades de negocio para las editoriales y un punto de encuentro para ambos sectores culturales”. Por su parte, el director de la fundación organizadora del Festival, Xavier Duran, “este acuerdo refuerza la condición del Festival como punto de encuentro de representantes de la industria cinematográfica en búsqueda de nuevas oportunidades y, paralelamente, nos permite ampliar nuestra presencia en otros territorios de la creación”. El director del Festival, Ángel Sala –que este año cumple su decimosexta edición al frente del certamen– ha subrayado el papel que “Sitges ejerce como cita imprescindible y punto de encuentro de los fans del cine, pero también de los amantes de otros consumos culturales en los que el fantástico tiene un papel relevante”.

Esta iniciativa se une a la acordada por la FGEE y la Asociación Madrileña Audiovisual que dará lugar en la próxima edición de LIBER, la Feria Internacional del Libro, el proyecto denominado Rodando páginas, cuyo objetivo es convertirse en punto de encuentro entre editores, agentes literarios y responsables de la industria audiovisual para explorar vías de colaboración en ámbitos como el cine, la televisión, el teatro, la novela gráfica o los videojuegos y cuya primera edición se desarrollará entre el 4 y el 6 de octubre en Madrid.

Más información: www.sitgesfilmfestival.com

Published in: on abril 4, 2017 at 5:58 am  Dejar un comentario  
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