Crónica de CutreCon VI

cutrecon-vi-poster-final

No lo tenía fácil sobre el papel esta sexta edición de CutreCon, el Festival Internacional de Cine Cutre de Madrid. Tras el importante salto cualitativo dado el pasado año, esta nueva CutreCon se presentaba con la exigencia de cuanto menos igualar, si no superar, lo ofrecido por el certamen hace ahora doce meses. Un reto complicado, sin ninguna duda, pero que una vez finalizada podemos decir que ha superado con creces. No solo eso, sino que el evento organizado por el especializado portal cinecutre.com ha vuelto a dar un nuevo paso adelante en el asentamiento y proyección de su propuesta. Sin ir más lejos, en las semanas previas a su celebración se organizó por primera vez la denominada PreCutreCon, un evento totalmente gratuito que, además de servir de plataforma desde la que promocionar el festival, resultó un excelente aperitivo de cara a calentar motores, gracias a la proyección de la inenarrable Karate contra mafia (1981), primer film de artes marciales rodado en España y que ya había sido visto durante la cuarta edición, en la que se homenajearía con el honorífico premio Jess Franco a su director, Ramón Saldías. Del mismo modo, también hubo espacio para la incorporación al programa de formatos ajenos, caso del espectáculo interactivo “Cine para chicas y maricas” que protagonizó la sesión golfa del viernes y que, en sintonía con el leitmotiv elegido como hilo conductor a la edición de este año, el cine musical, tuvo como guinda el futurista, discotequero y, en última instancia, hortera film de la Cannon La manzana (The Apple, 1980), escrito y dirigido por el que fuera el principal ideólogo de la mítica productora, Menahen Golam.

cutrecon-09-fin

Aunque quizás la mejor prueba del crecimiento experimentado por CutreCon estuvo en el nuevo aumento de espectadores registrado, tanto en las sesiones gratuitas como, sobre todo, en las de pago. Si ya el año pasado se rozó el lleno en varias ocasiones, esta vez hubo que colgar el cartel de “no hay billetes” en un buen número de los pases. La prueba más ilustrativa a este respecto se encuentra en lo sucedido en uno de los platos fuertes de la edición. Hablamos, obviamente, del programa doble compuesto por Troll 2 (1990) y Apocalipsis caníbal /Virus (1980) que sirvió para escenificar la entrega del Jess Franco al invitado especial de este año, el director y guionista italiano Claudio Fragasso. Pues bien, por motivos ajenos a la organización, un problema en la venta de entradas provocó que se despachara un número de localidades superior al aforo de la sala 2 del Cine de la Prensa donde debía desarrollarse el evento, motivo que obligó a que se habilitara la sala 3 del multicine con el fin de poder ubicar a todo el público congregado. Mientras se aclaraba la cosa, en un detalle que le honra, el homenajeado amenizaría la espera improvisando una presentación en la que, entre otras cosas, afirmaría que el tono cómico de Troll 2 está buscado a propósito. En el mismo sentido, también cabe comentar a modo de curiosidad que si antes de dicha película Fragasso recibía el mencionado galardón de manos de Enrique López Lavigne, para presentar la siguiente Apocalipsis caníbal el también conocido como Clyde Anderson estuvo acompañado por otro productor, en este caso José María Cunillés, responsable de la parte española de la película y auténtica leyenda viviente de nuestro cine.

cutrecon-06-fin

Parte del equipo de “Cine Basura: La película” durante el post screaning con Miguel Ángel Aijón, Natalia Bilbao, Paco Fox y Miguel Ángel Viruete.

Ni qué decir tiene que Fragasso y su esposa y colaboradora habitual, Rossella Drudi, se erigieron en los grandes protagonistas de CutreCon 2017. Pero si bien los más mediáticos, no fueron, ni mucho menos, los únicos. Con la sala 1 del Cine de la Prensa repleta hasta los topes, el jueves 26 se daba el pistoletazo de salida a esta edición con la presencia tanto sobre las tablas del escenario como entre el patio de butacas de gran parte del equipo de Cine Basura: La película (2016), con sus directores y principales ideólogos Paco Fox y Miguel Ángel Viruete a la cabeza. El que dicho título fuera el escogido para esta sesión inaugural se antojaría del todo consecuente, habida cuenta de tratarse del primer film rodado en España que parodia / homenajea el cine cutre, circunstancia esta que es refrendada por las numerosas referencias cinéfilas que se acumulan a lo largo de su metraje, pero también en vista de la participación activa en la cinta de destacados miembros de la organización.

cutrecon-17-fin

En el centro Cem Kaya atendiendo a las preguntas del público tras el pase de “Remake, Remix, Ripoff”.

El otro nombre propio que dejaría esta edición lo tendríamos en Cem Kaya, director de Remake, Remix, Ripoff (2014), con todo merecimiento el gran descubrimiento de esta CutreCon. Concebido inicialmente para su emisión en la televisión germana, el documental se zambulle en la época dorada de la industria de cine popular turca, con especial atención para los descarados exploitations que entre finales de los setenta y comienzo de los ochenta manufacturara con menos medios que vergüenza. En contra de lo que pudiera parecer en un principio, el film no se limita a repasar únicamente los aspectos por los que a día de hoy son conocidos estos films en Occidente, sino que sobre esa base Kaya reflexiona sobre el modo en el que la cultura popular se alimenta de la repetición de historias, al tiempo que a través del testimonio en primera persona de varios de sus implicados incide en las duras condiciones laborales y técnicas que aquellos profesionales tuvieron que hacer frente para llevar a cabo su trabajo y que, según se muestra, aún perviven en la moderna televisión otomana. Para el recuerdo queda la estremecedora confesión de Çetin İnanç, director del conocido como “el Star Wars turco”: “¡Qué más habría querido yo que dedicarme a otra cosa que no hubiera sido ser director de cine!” En definitiva, un trabajo imprescindible y reivindicable, gracias a su visión poliédrica, capacidad informativa y variedad de enfoques.

cutrecon-08-fin

Carlos Palencia y Vera Montessori volvieron a ser una vez más los maestros de ceremonio de CutreCon.

Remake, Remix, Ripoff se encuadraría dentro de “Documentrash”, la sección consagrada al formato documental que, en su segunda encarnación, se confirmó como una de las propuestas más interesantes del programa. Al igual que el año pasado, su desarrollo se concentró en una sesión doble celebrada en la mañana del domingo, si bien en esta ocasión cambiando el Cine de la Prensa por la sala Artistic Metropol, lugar en el que se aglutinarían todas las proyecciones de la última jornada. Junto con Remake, Remix, Ripoff, el otro integrante de la dupla seleccionada, en su première europea, fue el notable Doomed! (2015), en el que se desgranan las vicisitudes de la adaptación de Los Cuatro Fantásticos producida en 1994 por Roger Corman. Pero más allá de arrojar luz a los pormenores de tan controvertida producción, se trata, sobre todo, de la historia de cómo la industria jugó con el trabajo y las ilusiones de un grupo de profesionales que esperaban lanzar sus carreras por medio de una película que, en realidad, no se pretendía siquiera estrenar, ya que su puesta en marcha solo era una triquiñuela de los ideólogos del proyecto con la que retener los derechos sobre sus personajes protagonistas. Un retrato descarnado de los turbios intereses que, en ocasiones, esconden el modo de funcionar de la industria cinematográfica, en especial la hollywoodiense, aunque en este caso esconda un acto de justicia poética. Y es que, aunque ningún miembro de su equipo alcanzaría el estrellato con el que soñaban, como muy acertadamente apunta uno de sus partícipes, las peculiares circunstancias que rodearon su existencia han motivado que con el discurrir de los años la película haya alcanzado una relevancia y trascendencia que difícilmente habría disfrutado de haber conocido en su momento una distribución comercial normalizada.

action_jackson_poster_prensa1

El carácter eminentemente cinéfilo de Remake, Remix, Ripoff y Doomed! no quitaría para que la principal razón de ser de la oferta de CutreCon volviera a estar en el goce y disfrute que se deduce del visionado de hilarantes exponentes de Serie B o Z. Aunque, en honor a la verdad, en esta sexta edición no todo fue cine cutre, y también hubo espacio para otros títulos de un mayor nivel de producción y acabado formal del que suele ser habitual en las películas programadas por el certamen. Es el caso de Action Jackson (2014), protagonista de la sesión golfa del sábado; toda una superproducción bollywoodiense, de deslumbrante poderío visual y técnico, cuya inclusión en el certamen obedecería a unas hiperbólicas escenas de acción, el delirio de sus multitudinarios números musicales y un sentido del humor y el romanticismo de lo más peculiar para nuestros ojos occidentales. Action Jackson sería la punta de lanza de la nutrida concurrencia de films procedentes del país asiático entre la nómina reunida, si bien el resto de sus compatriotas lo harían formando parte de alguno de los maratones programados.

cutrecon-13-fin

Cola para acceder a una de las sesiones celebradas en el Auditorio de la Casa del Reloj, imagen que se reproduciría a lo largo del fin de semana.

El primero de ellos en sentido cronológico fue BCN Knockout (2013), historia de amor y mafia singularizada por ambientarse en la Ciudad Condal, en cuyos emplazamientos más emblemáticos desarrolla varias de sus secuencias musicales. Aparte de por su ambientación barcelonesa, su cuota de bizarrismo vendría dada por elementos tales como la versión en indio del famoso “Borriquito como tú” de Peret que sirve de fondo sonoro a sus títulos de crédito, o la desopilante presencia de ninjas durante su adrenalítico tramo final. Semejante mejunje cerraría el tradicional maratón gratuito celebrado en el Auditorio del Centro Cultural de la Casa del Reloj durante la jornada del sábado, y que había arrancado a eso de las once menos cuarto de la mañana con varios films para el público infantil, entre los que destacan la colorista Caperucita y Pulgarcito contra los monstruos, así como Las aventuras de Zipi y Zape, psicotrónica adaptación a imagen real de los personajes creados para la viñeta por Escobar perpetrado por el habitual del cine “S” Enrique Guevara. Tras un pequeño descanso, las proyecciones proseguirían por la tarde con Hard Rock Zombies (1985), Attack of the Beast Creatures (1985) y la ya comentada BCN Knockout. Mientras que Attack of the Beast Creatures narra cómo los supervivientes de un naufragio son diezmados por unas ridículas marionetas que se suponen los indígenas caníbales de una isla perdida, Hard Rock Zombies presentaría una interminable sucesión de videoclips a cargo de su grupo protagonista servido por medio de una trama (o así) que diríase improvisada sobre la marcha, sin que ni siquiera su pretendido tono cómico y granguiñolesco consiga redimirla.

20170127_185832

Momento del encuentro con los invitados celebrado el viernes en la Casa del Reloj.

Curiosamente, la crítica al conservadurismo estadounidense presente en Hard Rock Zombies la hermanaría en cierto sentido con Nudist Colony of the Dead (1991), título con el que se abrieron las sesiones celebradas en la Casa del Reloj un día antes. Proyectado en su versión remasterizada, por más que su calidad de imagen fuera bastante pobre, este musical gamberro e irreverente hace mofa de los ultra cristianos, partiendo de una premisa que deja muy a las claras sus pretensiones: un grupo de nudistas que se suicidaron tras ser desalojados del camping en el que vivían a causa de la presión de los beatos de la zona regresan de la tumba para acabar con un grupo de excursionistas de la iglesia local, que pretenden pasar unos días en sus antiguos dominios. Humor cafre, canciones pegadizas y un presupuesto paupérrimo –atención al cachondo traje de la anciana nudista– conforman la base de esta cinta que daría paso al esperado encuentro con los invitados. Durante alrededor de cuarenta minutos, Paco Fox, Cem Kaya, Claudio Fragasso y Rossella Drudi hablaron sobre sus trabajos, mientras contestaban a las preguntas que les formulaba el público en una charla de lo más animada e informativa. Con este buen sabor de boca, el cierre a la tarde lo ponía “Cine Basura” y la proyección de la película House of the Devil, con los comentarios en vivo de Paco Fox, Carlos Palencia y la colaboración especial de Vera Montessori y el youtuber Zorman. Con motivo de su emisión en Movistar + Xtra, se intentó por primera vez en la historia del programa dar entrada en directo a los comentarios de los espectadores que se encontraban visionando la película desde su casa, si bien problemas técnicos evitarían que el experimento saliera todo lo bien que hubiera sido deseable.

casioton-peq

Y así llegamos al final de nuestro recorrido o, lo que es lo mismo, a la maratón que, un año más, acogió la sala Artistic Metropol el domingo y que, bajo el nombre “Casiotón”, pondría el broche de oro a cuatro intensos días de cine cutre. Compuesta por cuatro títulos, el primero de ellos nos traería la première europea del que es el último trabajo hasta la fecha de un viejo conocido del certamen, Sam Firstenberg, premio Jess Franco del pasado año. Basándose en un guion inédito de Ed Wood Jr., el cineasta de origen polaco fabrica con The Interplanetary Surplus Male and Amazon Women of Outer Space (2003) un curioso artefacto de meta-ficción que reflexiona sobre las interioridades del cine de bajo presupuesto, gracias a un inteligente tratamiento que hace de sus necesidades virtud. Y de un destacado representante de la Serie B pasábamos a otro con Cenicienta 2000 (Cinderella 2000, 1977), revisión en clave de ciencia ficción y tono erótico-festivo del famoso cuento de Perrault a cargo de Al Adamson. Entre los muchos momentos a retener que provoca su visionado, citemos el número musical protagonizado por un robot con cabeza en forma de pene en el que el androide se lamenta amargamente de no tener con quién practicar sexo.

cutrecon-18-fin

De izda. a drcha.: Claudio Fragasso, Emilio Linder, Carlos Palencia y Rossella Drudi presentando la proyección de “Leviatán / Monster Dog” con la que se clausuraba el marotón “Casiotón”.

Palencia

Superado el ecuador de la tarde, tocaba el turno para la tercera y última de las producciones indias programadas: Golimar: The Movie [Donga, 1985], película que había creado cierta expectación por contener una surrealista versión devenida en fenómeno viral del famoso videoclip de Michael Jackson Thriller. Para ahorrar las tres horas de su versión íntegra se proyectaría en un remontaje internacional de noventa minutos, aunque no sería la única manipulación a la que sería sometido su contenido. La confección de un subtitulado que traducía de modo muy libre los diálogos y, sobre todo, las letras de las canciones, ayudaría a hacer más llevadero el visionado de este desaforado melodrama lacrimógeno. Como fin de fiesta, la organización situó el film del homenajeado Claudio Fragasso Leviatán / Monster Dog (1984), el cual contaría con una pequeña presentación a cargo de su propio director y uno de sus intérpretes principales, Emilio Linder. De este modo se ponía el punto y final a esta sexta CutreCon, aunque antes de abandonar la sala aún quedaba por desvelar una pequeña sorpresa, cuando uno de los miembros de la organización, Pedro J. Mérida, anunciara a los presentes a modo de despedida que la edición del próximo año tendrá como hilo conductor las space operas. Una excelente noticia que hace que muchos estemos ya frotándonos las manos pensando en lo que nos va a deparar la, por ahora, aún lejana CutreCon 2018.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías: Juan Mari Ripalda

Published in: on febrero 24, 2017 at 6:56 am  Dejar un comentario  
Tags: ,

Programación completa de la XIV Muestra Syfy de Cine Fantástico de Madrid

cartelteaser_muestrasyfy2017

Cuando queda justo una semana para su comienzo, la organización de la Muestra Syfy de Cine Fantástico ha desvelado la totalidad de los títulos que conformaran la programación de su decimocuarta edición, que tendrá lugar entre los próximos 3 y 5 de marzo en el Cine de la Prensa de Madrid. Un listado del que finalmente se ha caído la inicialmente anunciada Swiss Army Man “por problemas ajenos a la Muestra”, según han declarado los responsables del evento en las redes sociales. En total, serán más de dieciséis sesiones que durante cuatro días traerán hasta Madrid una selección del mejor cine de género fantástico.

logan

La actriz Leticia Dolera, presentadora un año más de la Muestra, dará el pistoletazo de salida a esta nueva edición el jueves con Logan, dirigida por James Mangold y protagonizada por Hugh Jackman. Se trata de la tercera y, en principio, última entrega de la saga Lobezno en la que un cansado Logan cuida del Profesor X en un escondite en la frontera de México. Sin embargo, sus intentos por esconderse del mundo y ocultar su legado terminan súbitamente con la aparición de una joven mutante perseguida por fuerzas oscuras.

47metersdownmovie

El viernes, la jornada arrancará a primera hora de la tarde con Worry Dolls, un filme de terror sobre un brutal asesino en serie que muere en manos de la policía pero su legado sigue con vida. Le seguirán Seoul Station, precuela animada de la exitosa Train to Busan, y la premiere mundial de 47 Meters Down, en la que dos hermanas se quedan atrapadas en una jaula de avistamiento de tiburones durante sus vacaciones en México, con el oxígeno agotándose y rodeadas de peligrosos tiburones blancos.

stop-over-in-hell-fotos-rodaje-1-1

El plato fuerte de la jornada llegará con la española Stop Over in Hell, la cual estará acompañada por parte de su equipo. Víctor Matellano dirige este western rodado en inglés y protagonizado por Pablo Scola, Tania Watson, Veki Velilla, Denis Rafter, Armando Buika, Maarten Dannenberg, Tábata Cerezo, Nadia de Santiago, Manuel Bandera,  Guillermo Montesinos y el mítico realizador italiano Enzo G. Castellari.

rob-zombie-31

Ya el sábado, The Good Neighbor será la encargada de abrir la jornada. Se trata de un terrorífico thriller en el que un par de adolescentes deciden gastar una broma a su vecino, interpretado por James Caan, haciéndole creer que su casa está encantada. Para su desgracia pronto se darán cuenta de que han elegido a la persona equivocada. Le seguirán la gran triunfadora de la pasada edición de TerrorMolins, I am Not a Serial Killer, la historia de un adolescente obsesionado con los asesinos en serie, y Pet, dirigida por el director español Carles Torrens y protagonizada por Dominic Monaghan y Ksenia Solo en los papeles de Seth y Holly, dos personas aisladas que tienen mucho más en común de lo que creen. Una oscura historia de amor que examina cuánto estamos dispuestos a hacer en nombre del amor. Esta vez la sesión estrella tendrá como protagonista a 31, el nuevo trabajo de Rob Zombie, en la que cinco personas son secuestradas en los días previos a Halloween y mantenidos como rehenes. Mientras están atrapados, deben jugar un juego donde la misión es sobrevivir.

Scare-Campaign

Tanto el viernes como el sábado, la Muestra Syfy amplía horario hasta la madrugada. The Funhouse Massacre, con la presencia del mítico a Robert Englund, y uno de los mejores títulos de la pasada temporada, la australiana Scare Campaign, ambientada en un programa de televisión sobre bromas y sustos de la vieja escuela, son las propuestas para estas dos sesiones golfas. Por cierto, que os recordamos que hace unos meses durante la pasada edición del Fant bilbaíno tuvimos la oportunidad de hablar sobre Scare Campaing con uno de sus directores, Cameron Cairnes, en una entrevista que podéis leer aquí.

jpeg-4

El domingo el menú ser compondrá por la película de terror finlandesa Lake Bodom, Your Name, la película más vista del año en Japón y ganadora del premio a Mejor Película de Animación en Sitges, y la también galardonada en el certamen catalán Crudo, sobrevalorado film que no responde al hype que se ha creado a su alrededor a raíz de los desmayos que se produjeron durante su pase en Toronto por su carácter gráfico. Como otras tantas veces, no es tan fiero el león como lo pintan.

img_7069

El cierre de esta decimocuarta Muestra Syfy llegará por todo lo alto con Kong: La Isla Calavera, lel esperado film en el que los productores de Godzilla vuelven a imaginar los orígenes de uno de los mayores mitos sobre monstruos. Dirigida por Jordan Vogt-Roberts y protagonizada por Tom Hiddleston, Samuel L. Jackson, John Goodman, la oscarizada Brie Larson y John C. Reilly esta aventura cuenta la historia de un variopinto equipo de científicos, soldados y aventureros que se unen para explorar una mítica y desconocida isla del Pacífico, peligrosa a la par que hermosa. Apartados de todo lo que conocen, el equipo se adentra en los dominios del poderoso Kong, desencadenando la batalla definitiva entre el hombre y la naturaleza.

Por otra parte, un año más la Muestra volverá a ofrecer una programación especial para los más pequeños de la casa con la sección “Syfy Kids”. La vida de Calabacín, nominada a mejor película de animación en la próxima edición de los Oscar, será la encargada de protagonizar la matinal del domingo con la historia de Calabacín, un niño valiente que tendrá que encontrar su lugar después de perder a su madre, para lo que contará con la ayuda de nuevos amigos. El domingo, será el momento de la proyección de La historia interminable, la mítica película de los 80 que marcó a toda una generación

Como ya se había anunciado, al igual que ocurriera en la anterior edición los bonos para todas las sesiones tendrán un precio de 40 euros, mientras que el precio de las entradas individuales  será de 4 euros, con la excepción de la sesión inaugural y sesión clausura, a las que sólo se podrá acceder por invitación o con el bono. Una parte del aforo de la sesión infantil de “Syfy Kids” se pondrá también a la venta, por un precio de 3 euros por persona. Las entradas pueden adquirirse en la taquilla del Cine de la prensa o de modo online a través de este enlace.

Más información sobre la Muestra en su página web dentro de Syfy España, en la página de Facebook del canal y en el twitter @Syfy_Spain con la etiqueta #MuestraSyfy.

Published in: on febrero 23, 2017 at 6:51 am  Dejar un comentario  
Tags:

Nace ANIMAKOM, primer festival dedicado al cine de animación en Bilbao

animakom

El próximo mes de marzo marcará el nacimiento de ANIMAKOM – Festival Internacional de Cine de Animación de Bilbao. Esta nueva iniciativa se convierte en el primer certamen cinematográfico dedicado a la animación en Bilbao, en una primera edición que tendrá lugar del 16 al 19 de marzo, con el edificio BBF (Bilbao Berrikuntza Factory) como sede central.

El festival tendrá como objetivo hacer visible lo más destacado de la producción de animación reciente (prácticamente inaccesible en la ciudad), logrando al mismo tiempo cubrir un vacío existente y convertirse en un punto de referencia tanto para profesionales como para aficionados a este sector.

En esta edición inaugural, ANIMAKOM ofrecerá una selección de los mejores trabajos de animación a nivel internacional y local a través de su Sección Oficial de Cortometrajes, además de incidir en la apuesta por los creadores incipientes, con una Sección Competitiva que se compondrá de obras realizadas por estudiantes. La programación se completará con retrospectivas y talleres que complementarán los apartados competitivos.

Paralelamente, el certamen pondrá en relieve el cine de animación hecho por mujeres, concediendo cada año un premio honorífico a una realizadora como reconocimiento a su trayectoria. El plazo de inscripción de trabajos para el certamen (que ha recibido alrededor de trescientos cortometrajes hasta la fecha) finalizará el próximo 20 de febrero.

unnamed

ANIMAKOM está liderado por el director bilbaíno Pedro Rivero, recientemente galardonado con su segundo Premio Goya (concedido esta vez en la categoría de Mejor Película de Animación por su largometraje Psiconautas, los niños olvidados), aportando la experiencia adquirida tras un largo recorrido por certámenes nacionales e internacionales.

En la creación de esta iniciativa, Rivero cuenta con la participación de diversos colectivos y agentes culturales de la Villa especializados en distintas áreas, como ZINEBI, Fundación SGAE, Bilbao Web Fest, Develop Film Market o PLATANOBOLÍGRAFO, entre otros.

Más información y Suscripciones: www.animakom.com

Published in: on febrero 22, 2017 at 6:55 am  Dejar un comentario  

Crónica de la primera edición de Paura

paura-festival-internacional-de-cine-de-terror-635x1024

Vivimos una época efervescente en el campo de los festivales de cine fantástico. De un tiempo a esta parte multitud de certámenes dedicados a la difusión de este género vienen creándose en innumerables pueblos y ciudades de nuestra Piel de Toro. Si bien no deja de ser paradójico que este fenómeno se esté dando en un momento en el que las nuevas tecnologías han facilitado el acceso y consumo de la producción genérica como nunca hasta el momento se había producido, el porqué de este auge puede buscarse, por un lado, en la condición de estos eventos para servir de filtro entre el marasmo de propuestas existentes, pero también como punto de reunión y encuentro de aficionados a este tipo de cine. Sin embargo, no es oro todo lo que reluce, y en algunos casos estos nuevos certámenes tienen una fugaz existencia y, tras una o dos ediciones, desaparecen sin dejar ni rastro. En otros, consiguen tener una cierta continuidad, aunque sea de un modo marginal, siendo los menos los que consiguen despuntar y mostrar una personalidad propia, haciéndose con ello un nombre dentro del nutrido panorama de festivales. En esa pelea, en la de encontrar su hueco, se encuentra inmerso Paura – Festival Internacional de Cine de Terror de Valencia, que vivió su primera edición del 20 al 28 de enero a caballo entre la sala 3 del Aragó Cinema y el Café-Pub El Volander.

img-20170121-wa0002

Momento histórico de Paura. Joaquín Vallet y Ramón Alfonso presentan la sesión inaugural del certámen.

Creado por los críticos e historiadores cinematográficos Ramón Alfonso y Joaquín Vallet, Paura nace con la confesa intención por parte de sus responsables de cubrir el vacío existente en lo que a género fantástico se refiere en la oferta cinematográfica de su ciudad. Con este objetivo, la programación de esta primera edición se volcó en conformar una panorámica lo más completa posible que permitiera recorrer el género en todas sus vertientes y variantes, para lo que prestó una especial atención al formato corto. Buena muestra de ello se encuentra en la cantidad de secciones competitivas que se dedicaron a las diferentes piezas seleccionadas. A saber: ficción, animación, experimental y amateur, a las que hay que añadir la sección mixta documental. De este modo, a lo largo de sus nueve días Paura proyectó más de un centenar de cortometrajes procedentes de medio mundo que, además de permitir tomar el pulso a la situación actual del formato, acercó a los espectadores muy diferentes e, incluso, contrapuestas, formas, texturas y enfoques de abordar el fantástico. Entre los trabajos programados, sin ánimo de exhaustividad, dado que, por lo demás, era imposible abarcar todo, cabe mencionar por muy diferentes motivos la factura formal y manejo de la tensión narrativa de Behind, el brasileño Cabrito y su paranoia satánico-costumbrista, Revenge of the Corks, simpática pieza protagonizada por auténticos corchos y animada por stop-motion, el resurgir de los Templarios de Amando de Ossorio en formato fan film de El último guion o, siguiendo con el aire retro, la mezcolanza entre comedia, terror ochentero y mitología lovecraftiana de Portal to Hell!!!, con el añadido de contar con uno de los últimos papeles del fallecido Roddy Piper.

Como no podía ser de otro modo, comparativamente la Sección Oficial de largometrajes resultó bastante más reducida. En total fueron once los integrantes de una selección en la que, siguiendo una vez con la máxima del certamen, entró casi de todo; desde exponentes de corte más clásico, representados por la relectura del clásico homónimo de José Ramón Larraz propuesta por Víctor Matellano con Vampyres, hasta propuestas tan singulares e inclasificables como la intriga psicológica de Presagio, ópera prima del argentino Matías Salinas, pasando por la ciencia ficción de Serie B y resultados catastróficos más propios de la Asylum de Carbon Copy, o las mal digeridas pretensiones autorales del que pasará a la historia como el primer título proyectado en Paura, Huldra. Lady of the Forest, fallida imitación del clásico de Peter Weir Picnic en Hanging Rock de estética videoclipera. El thriller filipino Nialang, acreedor de los premios a mejor película, fotografía, música y maquillaje, así como las canadienses Capture Kill Release  y Le Scaphandrier serían las grandes triunfadoras dentro del palmarés de una sección que, salvo honrosas excepciones, exhibió un muy bajo nivel medio en líneas generales.

20170121_221055

Luis Esquinas, director de “Satan’s Blood”, presentando su documental en Paura.

Claro que estos no fueron los únicos largometrajes que se pudieron ver en esta primera edición del certamen valenciano. Como plato fuerte de la segunda jornada, la organización programó fuera de concurso el pase del film de culto de Carlos Puerto Escalofrío en una sesión doble junto al documental sobre dicha película, Satan’s Blood: Recuerdos de escalofrío, el cual estuvo acompañado por la presencia de su director, Luis Esquina, quien antes de su proyección presentaría a los presentes su trabajo. Otro de los realizadores que se dejó caer por Paura fue Diego López, flamante ganador, junto a su habitual compañero de correrías David Pizarro, del galardón al mejor documental por Herederos de la bestia, indispensable pieza que reconstruye a través de los testimonios de sus principales protagonistas y allegados la realización de la icónica El día de la bestia, al tiempo que analiza la importancia que el estreno del film de Álex de la Iglesia jugaría en el resurgir del género fantástico en nuestra industria. Por cierto que, a modo de curiosidad, y sin movernos del campo del documental, ciertos motivos técnicos obligarían a que se suspendiera la anunciada proyección de uno de los integrantes de la sección, FantastiCozzi, en el que el responsable de Star Crash. Choque de galaxias o Contaminación. Alien invade la Tierra, repasa en primera persona su trayectoria desde sus orígenes hasta hoy.

Ya que hablamos de esas cuestiones, tampoco se puede pasar por alto lo mucho que dejaría de desear la redacción de determinados subtítulos, y eso en el caso en que los hubo, ya que en sesiones como la primera sesión de la Sección Oficial Animada se prescindió directamente de ellos. Una situación que se iría repitiendo a lo largo de los días, y que viviría uno de sus puntos culminantes en el pase de la comentada Carbon Copy, en la que a la sensación de estar frente a unos subtítulos confeccionados a golpe de Google Translator, se le añadirían determinados fallos en su codificación que harían que, junto al texto, también aparecieran en pantalla los códigos de tiempo de forma esporádica. Y si bien no se trata de un defecto en sí mismo, otra cuestión que los organizadores deberían considerar de cara a futuras ediciones es la no inclusión entre los trabajos a concursos de films que ya han sido distribuidos comercialmente en España, ya sea en formato doméstico o estrenados en salas, tal y como este año ha ocurrido con Presagio y Vampyres, y se centren en aquellos otros que aún no han conocido semejante suerte, máxime en vista de su carácter competitivo.

Estos peros no quitan, ni mucho menos, para que el sabor de boca dejado por Paura deba ser positivo. Sobre todo teniendo en cuenta que se trata de una primera edición que ha sido organizada, además, de forma desinteresada y sin más recompensa que el amor por el género por un grupo de amigos que han dispuesto para ello de los limitados recursos que tenían a su alcance. Cierto es que ha habido varios aspectos que podrían haber sido mejorables, sin duda, pero no menos cierto es que la finalidad que se perseguía en esta primera edición, y que no era otra de la de servir de carta de presentación de lo que aspira a convertirse el festival, se ha conseguido, y es con eso con lo que debemos quedarnos. Paura se ha dado a conocer y ha podido comprobar de primera mano cómo era acogida su propuesta por parte de un público que, si bien no tan masivo como sería deseable, sí que recibió la iniciativa con los brazos abiertos, creándose un grupo estable de entusiastas espectadores que poblaron buena parte de la mayoría de las sesiones. En resumidas cuentas, se ha hecho lo más difícil. Paura es ya toda una realidad y se han sentado las bases para conseguir que el sueño de que Valencia cuente con un festival propio dedicado al cine fantástico no se quede en flor de un día. Esperemos que así sea.

José Luis Salvador Estébenez

Published in: on febrero 15, 2017 at 6:58 am  Dejar un comentario  
Tags:

La próxima edición de “Nocturna” se celebrará en otoño

16473736_1248149828605630_7828840614085884799_n

Tras la salida de su hasta ahora director Luis Rosales y su equipo el pasado mes de octubre para iniciar un nuevo proyecto de festival de cine fantástico en Madrid del que hasta ahora no se ha sabido más, “Nocturna” comienza a generar nuevas noticias de cara a su edición de este año. Lo ha hecho a través de las redes sociales, donde ha presentado una renovada imagen corporativa, al tiempo que anunciaba un traslado en sus fechas de celebración. De este modo, la quinta edición del Festival Internacional del Cine Fantástico de Madrid se celebrará en otoño, época en la que se agolpan un gran número de los certámenes especializados en este género de nuestro país y donde tendrá que luchar o beneficiarse, según se mire, con la cercanía temporal del Festival de Sitges.

16473010_1248169155270364_7073339543838410218_n.jpg

A estas novedades hay que añadir el más que seguro cambio de ubicación que tendrá que afrontar el equipo capitaneado por José Luis Alemán y Sergio Molina, ya que hace unos días el Cine Palafox, sede del festival en sus cuatro ediciones, comunicó que echará el cierre a finales de este mes de febrero, si bien cabe la posibilidad de que acabe convirtiéndose en un multicine. Sea como fuere, en cuanto haya nuevas noticias sobre “Nocturna” os iremos informando.

Published in: on febrero 13, 2017 at 6:55 am  Dejar un comentario  
Tags:

Entrevista a Antonio José Navarro, autor de “El imperio del miedo. El cine de horror norteamericano post 11-S”

img-20161031-wa0015

Miembro de la plantilla de la imprescindible “Dirigido por” desde hace más de veinticinco años y colaborador habitual de numerosas publicaciones, entre las que figuran cabeceras como “Quatermass”, “Nosferatu” o “Imágenes de actualidad”, no hay duda de que Antonio José Navarro es uno de los nombres propios de la crítica cinematográfica española. A lo largo de su dilatada carrera, este barcelonés ha conseguido labrarse un sello personal e inconfundible caracterizado por poner en valor en sus análisis los aspectos sociopolíticos en que se fraguaron las obras a comentar como parte integrante e indisoluble de las mismas. Una forma de entender el hecho cinematográfico que, por derecho propio, le han convertido en uno de los más importantes críticos no solo del panorama nacional, sino también europeo, y que puede rastrearse en los numerosos libros/ensayos que ha publicado hasta la fecha, ya fuera en colaboración, como coordinador, o en solitario. Buena muestra de ello lo tenemos en el reciente El imperio del miedo, un indispensable volumen publicado a finales del pasado año por Valdemar en el que Navarro examina de forma minuciosa y documentada la forma en el que los acontecimientos que sucedieron al ataque terrorista del 11-S influyeron en el cine de terror realizado en los Estados Unidos durante los años siguientes. Aprovechando su presencia en la última edición de la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, donde, aparte de ser espectador habitual, estuvo presentando El imperio del miedo dentro del calendario de actividades paralelas del certamen donostiarra, mantuvimos con él esta interesante y reveladora charla-entrevista a propósito de su nueva obra.

el-imperio-del-miedo-antonio-jose-navarro

Antes de entrar en materia, me gustaría que me comentaras de dónde tu tendencia por primar los análisis cinematográficos desde el punto de vista sociopolítico y que tanto te diferencia de buena parte del resto de la crítica española…

Hace años estuve viviendo una temporada en los Estados Unidos. La Universidad de Nueva York organizaba una serie de seminarios y fue allí donde descubrí que a la hora de afrontar el análisis de una tendencia o un periodo vinculado a cualquier tipo de cine, ya sea el terror o el thriller, el papel que juega el ambiente histórico, las circunstancias culturales bajo las cuales se hace, es fundamental. Y eso es lo que más me interesa de cara a abordar géneros o tendencias. Sobre todo periodos históricos que generan un tipo de cine concreto y que explica muy bien qué es lo que está pasando, incluso mejor que acudiendo a las hemerotecas a consultar los periódicos.

Lo que pasa es que en España y en la Europa continental los estudios culturales, tal como los entiende el mundo anglosajón, prácticamente no se hacen o ni siquiera se consideran. Aquí vivimos exageradamente obsesionados con la figura del autor, que parece que es un señor que se levanta por la mañana, tiene una idea genial y la pone en marcha. Y no es verdad. La historia del cine te demuestra que todos los grandes autores han sido también producto de su época. El John Ford de los años veinte o treinta no es el John Ford de los años cincuenta, ni el de los años sesenta. También lee el periódico, ve la televisión, escucha la radio, tiene amigos que le cuentan su vida, tiene experiencias diversas, y eso va calando en su cine. No vive en una burbuja. Ningún artista de cualquier disciplina vive en una burbuja. Los autores podríamos decir que casi son una especie de augures en el sentido romano; son los mediadores entre el mundo que nos rodea y nosotros mismos. Ellos hacen su interpretación, aportan su reflexión, sus emociones. Pero el mundo es la materia prima de su cine, eso está clarísimo.

Hablemos de El imperio del miedo, tu nuevo libro. ¿Por qué has considerado que este era el momento oportuno para hacer un ensayo sobre el cine de terror post 11-S? ¿Ya ha transcurrido el tiempo suficiente como para poder analizar todo este movimiento con distancia?

Después de quince años, casi dieciséis de recorrido, pensé que ya tenía una perspectiva lo suficientemente buena para poder hablar de todo esto. Yo lo he vivido en primera persona. Primero como ciudadano de pie que fue testigo por la televisión del ataque a las Torres Gemelas. Y luego como profesional, como crítico de cine, como programador de Sitges, y como frecuentador de diversos festivales especializados en Europa. En todo este tiempo he ido viendo como el cine de terror norteamericano cambió de manera radical y también estoy comprobando como se está empezando a diluir progresivamente esa tenebrosidad que tenía originalmente. Hay diversos factores que han jugado a favor de ello: el cambio de presidente en la Casa Blanca, la incorporación de nuevos problemas culturales y políticos en la vida norteamericana, y el hecho de que uno de los grandes catalizadores de ese trauma posterior al derribo de las Torres Gemelas y el ataque al Pentágono, que fue la Guerra de Iraq, ya no existe. Todo esto ha influido en que se esté optando por otro tipo de cine de terror que todavía sigue conservando cierta acritud, pero que se va moderando. Por eso ahora era el momento oportuno, cuando se está produciendo el cambio. Además, tenía una grandísima cantidad de material y después de haber escuchado y leído tantísimas tonterías sobre el cine de terror norteamericano de la época pensé que era el momento de poner una serie de claves en claro bajo mi punto de vista.

¿Cuáles son a tu juicio los rasgos más identificativos de este cine de terror post 11-S a nivel estético y temático?

A nivel temático se recuperan asuntos que estaban olvidados desde los años setenta. Por ejemplo, uno de los asuntos que me llaman poderosamente la atención es que este cine de terror no solamente mira hacia los posibles enemigos exteriores, los monstruos que vienen a invadirnos, que es el caso de 30 días de oscuridad, sino que también miran a los propios monstruos interiores; monstruos que son americanos y que viven en América, lo que se llama el hillbilly horror. A partir de películas como Km. 666: Desvío al infierno se genera una cantidad de vínculos, sobre todo estéticos, del cine de terror estrictamente norteamericano que confronta el mundo rural y el mundo urbano, el mundo conservador y el mundo liberal. Los que estaban a favor de la guerra y los que estaban en contra de ella. Y luego también alienta o cuestiona diversas teorías conspiranoicas como, por ejemplo, que existen centenares de campos de entrenamiento yihaidista en los bosques de la América profunda, que es algo que queda reflejado en diversas películas que nos dicen que el problema que hay en la América profunda, en esos bosques, no son los yihaidistas, sino esos americanos endogámicos, paletos y violentos que se comen a los forasteros.

También destaca la recuperación del cine de horror norteamericano no tan pendiente de tendencias externas. Otro rasgo sería la violencia. Son películas extremadamente violentas porque el mundo en que fueron hechas era extremadamente violento. No vimos cuerpos desmembrados cuando se cayeron las Torres Gemelas, pero sí que vimos soldados muertos volando por los aires, torturados por los yihaidistas en filmaciones en video, que sería uno de los orígenes no solamente del torture porn como género, sino también del found footage y del mockumentary; filmaciones reales que muestran torturas, que muestran actos violentos de una manera muy cruda.

Luego hay otro tema que a mí, personalmente, me llama muchísimo la atención, que es el modo en que muchas de estas películas juegan con la oscuridad. La oscuridad que se traga nuestro mundo, personajes que se mueven en las más absolutas tinieblas; como si el mundo desapareciera y se poblara de espectros y fantasmas. En la trilogía de Insidious se ve perfectamente claro, paradójicamente. He repasado muchos discursos, no solamente del presidente Bush, sino también de muchos miembros de su administración y siempre hacían referencia a que debían “pelear desde la oscuridad”,  que “la oscuridad nos ha invadido”, este ha sido el día “más oscuro” de los Estados Unidos y cosas por el estilo. Ellos apelaban mucho a la idea de que debían de luchar contra la oscuridad trayendo la luz. Y eso se ve en este tipo de cine perfectamente.

Otra cosa que también está presente a nivel dramático son todas las obsesiones de la administración Bush por la religión, por el control ciudadano o el racismo. Hay diversos títulos que lo ponen en evidencia. Podríamos citar el caso de Hostel, que no es más que una fantasía cruda y muy crítica con las políticas del vicepresidente Cheney sobre torturar para obtener información en terceros países. También tendríamos el hecho de que hay películas en las que se hablan en ciertos términos alegóricos del concepto de invasión. Los Estados Unidos fue durante años un país de invasores. Invadieron Iraq, perpetraron todo tipo de tropelías, y todo esto se va filtrando en los temas, en los mitos, en los monstruos de una manera muy sutil haciendo que sea un cine muy politizado, que es otro de las mayores características de este cine de terror norteamericano de los últimos quince años. En el fondo, se están haciendo películas políticas que abordan temas muy incómodos si fueran tratados de forma convencional, o que simplemente no se tocarían.

20161031_124644

Antonio José junto al director de la Semana de San Sebastián, Josemi Beltrán, durante la presentación de “El imperio del miedo” en el certámen donostiarra.

Al hilo de lo que comentas sobre la influencia y conexión con el cine de terror norteamericano de los años setenta, no es casual que muchas de estas películas sean remakes que explicitan el mensaje subyacente de los originales en que se basan, como puede ser la versión de Alexandre Aja de Las colinas tienen ojos, donde es evidente la división que efectúa en su familia protagonista entre la facción republicana y la demócrata…

Evidentemente. De hecho, las películas de los años setenta de terror norteamericano, que para mí arrancan en 1968 con La noche de los muertos vivientes, lo que hacen es hablar de un país absolutamente desgarrado y crispado. La guerra de Vietnam está en marcha, tanto que 1969 es un año cúspide de un conflicto que oficialmente terminaría en 1973, aunque realmente no lo haría hasta 1975 con la retirada de los norteamericanos de Saigón. Tenemos la crisis económica, la crisis de petróleo, el Watergate, con la revelación de un presidente que miente y que tiene que dejar el cargo porque va a ser procesado… Hay una frase en la época que me parece maravillosa del senador Ted Kennedy, en la que decía que el país estaba en un estado deplorable en 1978. Entonces, claro, ese cine de terror era violento para los estándares de la época; era también muy político, muy agresivo, y era sobre todo un cine que se hacía a los márgenes del sistema, con contadas excepciones tipo El exorcista o La profecía.

Esta situación de alguna manera se reproduce en la década del 2000. Por ejemplo, a mí me hace mucha gracia que después de la crisis de las hipotecas subprime, que ahora sabemos que era un producto fraudulento y tóxico para familias que no podían pagar esa rehipoteca, en las películas de fantasmas los protagonistas sean siempre gente que ha tenido que cambiar de barrio porque han perdido su trabajo y encuentran curiosamente una ganga sin saber cuál es la sorpresa que encierra esa casa tan barata y maravillosa. O incluso se cuestiona el sueño americano de parejas que han conseguido la casa de sus sueños. Este sería el tema de Paranormal Activity, en el que los protagonistas poseen una casa estupenda, pero es una casa tóxica que va a destruir sus vidas.

Se reproducen actitudes, emociones, sentimientos, aunque evidentemente con cambios y matices. Y al final lo que hace la cultura americana, cinematográfica en este caso, es tomar como modelo el cine de una época y reconstruirlo; recordar esos tiempos a su manera y decir “es que estamos en las mismas condiciones”. En el libro digo que las sociedades recuerdan; recuerdan y se traumatizan igual que las personas. De hecho, hay un psicólogo norteamericano que decía que los ciudadanos, no solo estadounidenses, sino de todo el mundo, que asistimos al espectáculo de las Torres y vivimos de manera indirecta todo aquel espantoso día tenemos un trauma secundario. De alguna forma ha marcado nuestra vida y nuestra visión del mundo.

¿Qué ha cambiado industrialmente o en la sociedad para que aquellas películas que tocaran estos temas en los setenta fueran productivamente marginales mientras que muchos de los films que tratas en tu libro están hechos desde grandes productoras con un considerable despliegue de medios?

Si te fijas en los créditos de cada película e investigas desde un punto de vista industrial, la gran mayoría de las películas de terror post 11-S son producciones independientes. Los que hacen las majors es no arriesgar, salvo contadas excepciones. Compran una película barata, como puede ser el ejemplo de Paranormal Activity, que a priori es una película que cuesta diez mil dólares, aunque luego con las mejoras y los retoques me parece que se gastaron trescientos mil, pero que en cualquier caso recauda millones. El mainstream no apuesta por el cine de terror. Eso es una evidencia histórica, salvo en los años treinta y cuarenta cuando las majors eran las que realmente producían cine de terror. De hecho, en el libro comento que el cine de horror norteamericano post 11-s es lo reprimido del cine mainstream. Es esa parte fea y oscura que nadie quiere abordar directamente.

Lo que cambió, que esto se comenta en el libro, es que este tipo de cine coincidió en una época de esplendor del DVD. El DVD ha sido su canal de distribución por excelencia. Se editaba directamente en el formato. Posteriormente han intervenido y han jugado un papel importante las compañías televisivas de video on demand que han facilitado que haya unos productos de un cierto nivel cultural, estético; unas propuestas adultas que pueden sortear mejor las limitaciones de la censura y su política de calificaciones. Y eso ha sido lo que ha alimentado y ha facilitado desde el punto de vista industrial que este cine tuviera una cierta presencia. Ahora como las circunstancias están cambiando y el mercado doméstico del DVD está desapareciendo a pasos agigantados y, evidentemente, las televisiones de pago están apostando por producciones propias, empezando a limitar la capacidad creativa de los cineastas, el número de propuestas y también el nivel de compromiso político que sus responsables puedan tener con ellas. Pero bueno, creo que son movimientos cíclicos. La tecnología, los hábitos de los espectadores dentro de diez o quince años pueden cambiar, pueden coincidir con un momento de crisis y puede haber un rebrote.

paranormal-activity

“Paranormal Activity”

¿Cuánto del contenido político que anida en estas películas es consciente y cuánto inconsciente?

Yo pienso que mitad y mitad. En una entrevista Eli Roth comentaba que era plenamente consciente de que muchas de las imágenes que había colocado en su primer Hostel venían de toda la información que leía de la Guerra de Iraq y del escándalo de Abu Ghraib[1]. Cuando se publican las fotos de Abu Ghraib hay un antes y un después en la manera de representar la tortura en el cine norteamericano. No solamente en el cine de terror, sino también en otro tipo de cine. Recordemos 24, la serie de televisión, o diversos thrillers políticos.

También es cierto que hay un componente inconsciente en el sentido de que toda esta información que ellos van recibiendo, ese vivir en el mundo que hemos comentado, se procesa de una manera que no es racional, es puramente instintiva. El ambiente que les rodea marca mucho esas dinámicas. Hay cineastas que parecen más comprometidos y cineastas que parecen menos comprometidos, y hay cineastas que a veces se callan; es decir, dejan que las películas hablen por ellos. Siempre he desconfiado del director que cuando lo entrevistas te está explicando la película. Eso quiere decir que no está seguro de lo que expone su film. Sin embargo, si tú ves a un cineasta como James Wan, que primero te hace un film tan inquietante como Saw, y posteriormente hace una película como Sentencia de muerte, un thriller donde se cuestiona el tema de cómo la venganza y el haber padecido un cierto nivel de violencia nos puede cambiar, te das cuenta de que es un cineasta político. Te está hablando de algo muy concreto y te lo hace desde un cine de terror que no es nada convencional como Saw y un thriller aún menos convencional como Sentencia de muerte. Y eso continúa en su obra. Expediente Warren. The Conjuring, que me encanta, es una película que habla de dónde nace esa pasión por la violencia y la brutalidad de los norteamericanos. Y nace desde los tiempos de la colonización. La bruja que posee la casa es una antigua colonizadora.

Sí, es un tema muy común. Sin ir más lejos es lo que muestra Somos lo que somos de Jim Mickle: un país cimentado sobre el canibalismo o, en un sentido literal, de comerse a los demás…

En efecto. O una película maravillosa como Bone Tomahawk, en la que te insinúan que hay una especie de rama de norteamericanos que no son ni los colonizadores blancos, ni los indígenas, sino unos trogloditas caníbales que de alguna manera son el inconsciente más profundo de esa sociedad. Y es algo que se puede rastrear en comedias aparentemente inocuas donde se muestra la competencia feroz que existe en las high school, en la universidad, o en los centros de trabajo. Literalmente o metafóricamente, el compañero de oficina se te quiere comer porque hay una competencia por un mejor sueldo, por un mejor puesto… y todo eso está metido en este tipo de películas.

Hay películas que ya no solo es que reflejen el clima en el que se han realizado, sino que toman partido. Son muchos los ejemplos en los que el protagonista al final tiene que ser peor que el asesino que le amenaza para vencerlo…

Evidentemente. Las home invasion, que es un género que de alguna manera siempre se ha practicado en el cine norteamericano, pero que cobra una especial relevancia a partir de los trágicos hechos del asesinato de Sharon Tate. Ahora bien, en el cine post 11-S tiene diversas lecturas. Una de ellas es desde el punto de vista de las personas que viven dentro de la casa y son agredidas por agentes exteriores. Tienen dos opciones: o prepararse para el sacrificio o convertirse en agentes tan violentos como los propios agresores. Y esto se puede leer de dos formas. Como una justificación, en plan “hemos ido al extranjero a agredir y a matar porque antes han venido a nuestra casa a matarnos”. O la reflexión de decir “yo me convierto en un personaje peor que el invasor, ¿pero a costa de qué?”

Y luego están las películas de invasores contadas desde el punto de vista del invasor, que se va a una casa donde teóricamente podrá robar, lo que es muy llamativo, ya que siempre suele ser este el móvil. Sobre todo teniendo en cuenta que siempre se dijo que la Guerra de Iraq había estado promovida con la intención de apropiarse del petróleo. Y, claro, el invasor al entrar en la casa se encuentra una sorpresa que es la resistencia feroz, o incluso un grado de monstruosidad que no espera del ocupante de esa casa. Uno de los últimos casos que hemos tenido es No respires

… en la que, quizás no por casualidad, el invadido es un militar…

Exactamente, con el añadido de que es un veterano de la primera Guerra del Golfo. Y luego están esos planos del principio donde se muestra, y esto es un hecho real, esos barrios de Detroit que antes estaban poblados por personas de clase trabajadora que tenían su empleo en la industria del automóvil, pero que al desmoronarse esta se han convertido en barrios fantasmas. Esto hace que todo lo que les pasa a los protagonistas en la casa del “malo” nadie lo va a oír. Algo que es muy perturbador, ya que es como si la sociedad no existiera y fuera insensible o incapaz de adivinar qué está pasando en su seno.

30

“30 días de oscuridad”

¿Cuál es la película que refleja mejor la paranoia post 11-S y por qué?

Hay varias, pero yo tengo especial debilidad por 30 días de oscuridad de David Slade, por más que sea una adaptación de un cómic que todos conocemos de Steve Niles. Pero para mí la película tiene una especial significación porque está hablando de esa paranoia con una claridad pasmosa. Tenemos un pueblo, un small town típicamente norteamericano llamado Barrow, que está en Alaska, y que, precisamente, debido a su ubicación geográfica estará sumido en la más completa oscuridad. Es la oscuridad de la que hablábamos. La oscuridad que trajo el 11-S y el terrorismo yihaidista; la oscuridad absoluta y completa. Y en esas llega un barco, que es una referencia clarísima a Bram Stoker, cargado con unos vampiros que no tienen nada que ver con la aristocracia del conde Drácula, sino que son unas bestias feroces que hablan un idioma extraño. Esto es un detalle que no está en el cómic de Niles. Son como una especie de monstruos venidos de no se sabe dónde que literalmente te van a comer, se van a alimentar de ti y van a destruir tu civilización. Los vampiros de 30 días de oscuridad son perturbadores no solo por la forma en la que matan y sorben sangre. Lo son porque están empeñados en destruir Barrow hasta los cimientos.

Y luego pone de manifiesto a través del protagonista, que es el sheriff, que ni los poderes políticos, militares o policiales, esto es, el establishment, van a poder salvarnos. Estamos a merced de lo que decidamos hacer o a merced de los colmillos. Y aunque esto sí que está en el cómic, el que para salvar a su gente el sheriff deba tomar una decisión terrible que es convertirse en un monstruo, adquiere aquí una especial relevancia dada la época en la que se rodó la película. Es algo que se dice de forma textual en una película mainstream como Drácula, la leyenda jamás contada, en la que Drácula cuando va a la cueva del vampiro a transformarse en otro vampiro justifica su acción diciendo que a veces un pueblo no necesita un héroe, sino que necesita un monstruo. Y los norteamericanos para salvar, entre comillas, Estados Unidos, se convirtieron en monstruos. Por eso 30 días de oscuridad es para mí una de las películas más representativas de este ciclo. Aparte de que sea una excelente película de terror, habla del clima de la sociedad norteamericana en aquella época de una forma muy clara. Aunque hay otras, evidentemente.

En paralelo a los Estados Unidos, también en Europa hubo atentados islamistas. ¿Cuál crees que es la razón para que no haya surgido un reflejo tan claro en su cine de terror de estas circunstancias como sí lo ha habido en su homólogo norteamericano? ¿Tiene que ver que no tenga una industria tan asentada?

Ya sé que es un cliché, pero me encanta que me hagas esta pregunta. Tengo una visión muy particular después de haber estudiado el tema de cómo funciona el cine europeo. El cine europeo se produce en el seno de unas sociedades que se proclaman muy libres y que en ocasiones miran con una cierta arrogancia por encima del hombro a la sociedad norteamericana, a su democracia y a sus instituciones. Sin embargo, el cine europeo vive bajo una represión artística, ideológica, muy importante. Me llama poderosamente la atención ver cómo en el cine español, que es mi cine, no existen películas dentro del cine de género que hablen de cuál ha sido el papel de las tropas españolas en la invasión de Iraq; que no hablen de los atentados del 11-M; o que no hablen del trabajo que hacen nuestros servicios de inteligencia, de la policía, para evitar atentados. No se habla de esto. Y no estoy diciendo de hacer una película “seria”, de autor, en la que nos aburramos todos y que cree polémica. Me estoy refiriendo a thrillers fibrosos, películas dinámicas como las que hacen los norteamericanos.

Sería importante reflexionar por qué en Europa reprimimos todo esto. Estamos viviendo situaciones realmente inquietantes, no solo en España, con la amenaza siempre latente del terrorismo islámico que ha sustituido a otros tipos de terrorismo. Y sin embargo no hablamos de esto, no filmamos sobre esto. Solamente los franceses, coincidiendo con esta época del terror post 11-S, tuvieron su mini boom de películas hiperviolentas como Martyrs, À l’intérieur, o Frontiere(s), que se fraguaron en un momento de gran malestar en su país por las políticas de Nicolas Sarkozy como primer ministro y las revueltas vividas en barrios marginales de las grandes ciudades. Creo que fue el único cine que se atrevió a hablar de todo ello desde la óptica del cine de género. Y no solo dentro del terror, sino que hay también thrillers policiacos muy interesantes. Pero quizás son la excepción. Y en el tema de terror, después de haber entrevistado y conversado de manera informal con muchos de estos cineastas franceses, tengo muy claro que los productores no querían temas polémicos, porque pensaban que era malo para la taquilla, lo cual es mentira, ya que se ha demostrado que esas películas bien promocionadas y vendidas el público va a verlas, les interesa, sobre todo al público joven, que es a quien van dirigidas.

Junto con los franceses, también es cierto que los británicos han sido valientes y han abordado estos temas, aunque en su caso sea por influencia de los norteamericanos. En cualquier caso, han hecho películas bélicas y thrillers sobre el papel oscuro que jugó su país en la invasión de Iraq y también ha habido películas en las que se trataba asuntos candentes como el enfrentamiento constante, cultural y político, entre Escocia e Inglaterra. Sin ir más lejos, en las películas de Neil Marshall siempre hay algún personaje escocés o la acción transcurre en Escocia o en su frontera. En Dog Soldiers los protagonistas son un grupo de soldados ingleses que van a hacer maniobras a Escocia y les atacan hombres lobo escoceses. O, por ejemplo, en Centurión, se habla de cómo los indígenas escocesas van a matar a los romanos, los que entonces eran los representantes de lo que era el imperio.

¿Y no consideras que el cine policiaco que se está haciendo ahora en España a pie de calle, con títulos como Que dios nos perdone, Tarde para la ira o Cien años de perdón, recoge de algún modo todo este clima?

Es el único. De hecho, es algo que ya existía en aquel gran boom que hubo en los años cincuenta, en el que se hablaba de la España franquista sin mencionarla. La censura exigía que el Bien, el Orden, triunfara al final, y los malos morían o eran encarcelados, pero en sus exponentes se podía ver cómo de empobrecidas estaban las calles de Madrid y Barcelona en la época, la mirada triste de la gente o sentir el peso del régimen en los pequeños detalles. Y eso se siguió dando a lo largo de los años setenta y ochenta. Y seguimos teniendo, por fortuna, grandes cineastas como Enrique Urbizu que hacen maravillosas películas policíacas que no tienen nada que envidiar a las mejores muestras del cine norteamericano o británico. Es un cine valiente y arriesgado, porque personalmente creo que los códigos del cine de género tienen un espacio de libertad que una película descaradamente política o descaradamente comprometida no tienen, pues a veces se deben de ajustar a una serie de miradas y actitudes un tanto falsas que el cine de género no tiene por qué respetar. Personalmente creo que esta es la única forma el cine español puede hablarnos de lo que está pasando.

José Luis Salvador Estébenez

[1] En abril de 2004 la CBS y la revista The New Yorker destaparon los casos de tortura y abuso que el personal de la Compañía 372 de la Policía Militar de los Estados Unidos, agentes de la CIA y contratistas militares llevaron a cabo contra presos enemigos en la cárcel iraquí de Abu Ghraib, también conocida con el sobrenombre de “Camp Redention”. Las imágenes publicadas, en las que se veían los tratos vejatorios infligidos a los presos, dieron la vuelta al mundo, causando un fuerte impacto en la opinión pública.

“Logan” abrirá la 14ª Muestra Syfy de Cine Fantástico, que se cerrará con “Kong: La Isla Calavera”

cartelteaser_muestrasyfy2017

La organización de la Muestra Syfy de Cine Fantástico ha desvelado los títulos encargados de inaugurar y clausurar su decimocuarta edición, que como ya es sabido tendrá lugar entre el jueves 2 y el domingo 5 de marzo en el Cine de la Prensa. En total serán más de 20 sesiones de una selección del mejor cine de género las que acogerá la Muestra Syfy durante sus cuatro jornadas, de las que previamente ya se había anunciado la programación de Raw, 31, Swiss Army Man, Pet y Stop Over in Hell.

Leticia Dolera, presentadora de la Muestra, dará el pistoletazo de salida a cuatro días intensos de cine el jueves con Logan, la última película de la trilogía de Lobezno que se estrenará en cines un día después, el viernes 3 de marzo. Dirigida por James Mangold y protagonizada por Hugh Jackman, la película nos sitúa tras un cansado Logan que cuida del Profesor X en un escondite en la frontera de México. Los intentos de Logan por esconderse del mundo y ocultar su legado terminan súbitamente con la aparición de una joven mutante perseguida por fuerzas oscuras.

Por su parte, la encargada de cerrar la decimocuarta Muestra Syfy será Kong: La Isla Calavera, dirigida por Jordan Vogt-Roberts y protagonizada por un reparto de auténtico lujo: Tom Hiddleston, Samuel L. Jackson, John Goodman, Brie Larson y John C. Reilly. En ella, los productores del Godzilla de Gareth Edwards vuelven a imaginar los orígenes de uno de los mayores mitos del cine de monstruos, King Kong. Esta emocionante y original aventura, que llegará comercialmente a las salas españolas el próximo 10 de marzo, narra la historia de un variopinto equipo de científicos, soldados y aventureros que se unen para explorar una mítica y desconocida isla del Pacífico, peligrosa a la par que hermosa. Apartados de todo lo que conocen, el equipo se adentra en los dominios del poderoso Kong, desencadenando la batalla definitiva entre el hombre y la naturaleza.

Por otra parte, la organización también ha desvelado que parte del equipo de Stop Over in Hell  estará el viernes por la noche en el Cine de la Prensa para presentar y acompañar la proyección en la Muestra de este western español dirigido por Víctor Matellano. Del mismo modo, la Muestra Syfy ha vuelto a llegar un año más a un acuerdo con AMER (Asociación Madrileña de Empresas de Restauración) para inundar los bares y restaurantes de fantasía y ciencia ficción durante los días que se desarrolle al evento. Los establecimientos que se han sumado a la iniciativa propondrán a sus clientes tapas creadas para la ocasión, inspiradas en los personajes y las películas que han hecho historia en el cine de género. La lista de establecimientos participantes podrá consultarse en la página web oficial de la Muestra (www.syfy.es/muestra).

Por último, al igual que en la anterior, los bonos de esta edición para todas las sesiones tendrán un precio de 40 euros, mientras que las entradas para las sesiones individuales costarán 4 euros, con la excepción de las sesiones de inauguración y de clausura, a las que sólo se podrá acceder por invitación o con el bono. Una parte del aforo de la sesión infantil de Syfy Kids se pondrá también a la venta, aunque en su caso por un precio de 3 euros por persona.

Más información sobre la Muestra Syfy en la página web de Syfy, http://www.syfy.es/muestra,  además de en la página de Facebook del canal  facebook.com/syfy.es y el twitter @Syfy_Spain con la etiqueta  #MuestraSyfy

 

Published in: on febrero 9, 2017 at 7:02 am  Dejar un comentario  
Tags:

El Festival de Sitges presenta su 50º aniversario en Los Angeles

En la apuesta del certamen por la internacionalización, el pasado miércoles el Festival de Sitges celebró el primero de los actos que llevará a cabo en diferentes territorios clave en todo el mundo con motivo de su cincuenta edición. El lugar elegido fue Los Ángeles, el centro neurálgico de la industria cinematográfica. La CAA (Creative Artists Agency), la agencia de representación de artistas más importante del mundo, acogió esta presentación que contó con una larga lista de invitados de relevancia internacional han estado presentes.

El director del Festival, Ángel Sala, y el subdirector, Mike Hostench, condujeron la recepción en la CAA, que tuvo dos partes diferenciadas. Además de la presentación del aniversario, se proyectó el film 1974, del director mexicano Victor Dryere. El joven realizador visitó Sitges 2016 con esta cinta -su opera prima-, un conjunto de grabaciones en 8mm que revelan el trágico destino de una pareja que desapareció en México a mediados de los años setenta. Un angustioso found footage que ha supuesto el punto de partida de la prometedora carrera de Dryere.

Entre los invitados que asistieron a la recepción hubo directores, productores, actores y otros profesionales de la industria, con una representación notable de talento catalán que desarrolla su trabajo en los Estados Unidos. Elijah Wood, Walter Hill, Robert Englund, Roger Corman, David Pastor, Carles Torrens y Andy Muschietti son algunas de las personalidades que han acompañado al Festival en Los Angeles. Guillermo del Toro, embajador del cincuenta aniversario, no pudo acudir a la cita al estar ocupado con la postproducción de su último film.

Más información: www.sitgesfilmfestival.com

Published in: on febrero 7, 2017 at 6:57 am  Dejar un comentario  
Tags:

“Tracking Bilbao 2017” desde hoy y hasta el sábado en Bilborock

tracking_poster_pantallaweb

“Tracking Bilbao” es una muestra de diferentes formas de expresión en torno al concepto multidisciplinar, directamente ligadas a la cultura popular en la era digital. Este evento, organizado por Caostica y Borja Crespo, celebra desde hoy y hasta el próximo sábado 11 su cuarta jornada en la emblemática sala Bilborock de la capital vizcaína.

En horario de mañana, del 6 al 10 de Febrero, se impartirá el curso “Humor en la red. Nueva comedia Audiovisual”, destinado a estudiantes de audiovisuales (Comunicación audiovisual, Publicidad y Relaciones Públicas, Periodismo), Bellas Artes, guionistas, productores y demás profesionales del sector; y dirigido a su vez a toda aquella persona interesada en profundizar en el género de la comedia audiovisual en plataformas digitales, el proceso creativo, la distribución y las tendencias de un producto cultural en auge. El curso contará con la presencia de profesores de reconocida trayectoria como Diego San José (guionista de Ocho apellidos vascos y Vaya semanita), Rubén Ontiveros (Qué vida más triste), David Sainz y Teresa Segura (Malviviendo), Carolina Iglesias (VodafoneYu), Toni Nievas (Buenafuente), David Pareja (Notodofilmfest) o Brays Efe (ganador del premio al mejor actor en la última edición de los premios Feroz por la serie Paquita Salas).

En horario de tarde-noche, están programadas diversas mesas redondas, proyecciones, master-classes y actuaciones con invitados de renombre. La entrada será gratuita hasta completar aforo. Destacan invitados como Miguel Noguera (Ultrashow), el actor y director David Pareja, los humoristas Llimoo y Toni Nievas, el guionista Jorge Riera y el dibujante de cómic Juaco Vizuete, el periodista especializado Paco Gisbert, la youtuber Percebes y Grelos, el grupo musical Los Ganglios y un largo etcétera. Entre la representación de autores vascos se contará con la presencia de los responsables del fenómeno “Yo fui a EGB”, Esty Quesada, Pedro Rivero, Luis Alfonso Gámez o Bocabeats, entre otros.

Este año, como novedad, el viernes 10 y sábado 11 de Febrero, de 21:00 a 2:00 h, se celebrará #BilbaoGazteNight-Tracking Bilbao incluido en el programa de ocio nocturno del Ayuntamiento de Bilbao. Se programarán actividades en todos los espacios de Bilborock (sala polivalente, sala Lab y las salas de ensayo, incluyendo el espacio de la cúpula) y se llevarán a cabo distintas actividades culturales de diversa naturaleza (conciertos, microteatro, proyecciones, shows, instalaciones interactivas, videojuegos, charlas, maratón radiofónico, tienda, exposiciones, exhibiciones, presentaciones, etc.). La entrada será gratuita hasta completar aforo.

Más información en: www.trackingbilbao.com

 

Published in: on febrero 6, 2017 at 6:57 am  Dejar un comentario  

Hoy se celebra en Mallorca la primera edición del certamen de cortos “Weird Shots”

cartel-weirdshots

“Weird Sci-Fi Show”, es un colectivo de amantes del cine fantástico y nostálgicos de la cultura ochentera afincado en Palma de Mallorca. En sus tres años de vida ha organizando proyecciones de filmes míticos en la Sala Rívoli y charlas de películas de la década de los ochenta en la cafetería “Palma 80’s Café” de la Plaza Madrid. A esta actividad se le une ahora la celebración de un certamen internacional de cortometrajes de ciencia ficción, terror y fantasía que, bajo el nombre de “Weird Shots”, se celebrará hoy en la Sala Rívoli.

Creado e ideado por el joven director de cine Carles Jofre y por el ideólogo y cabeza pensante de la comunidad “Weird”, José Manuel Sarabia, en “Weird Shots” podrán verse los catorce cortometrajes finalistas procedentes de España, Francia y Reino Unido. Un jurado compuesto por  Pato Conde (artista, fotógrafo, escritor), Jaume Albertí (librero y gerente de Gotham Comics) y los cineastas Marcos Cabotá y nuestro colaborador Javier Pueyo determinará el trabajo ganador.

Las entradas para “Weird Shots” se pueden adquirir en la librería Gotham Còmics de la calle Sant Miquel por el módico precio de dos euros y el dinero recaudado se donará íntegramente al programa de ayuda a los refugiados de Cruz Roja. Cabe destacar que el certamen está enteramente promocionado y subvencionado por la librería Gotham Còmics.

Published in: on febrero 2, 2017 at 4:56 am  Dejar un comentario