TerrorMolins 2018: De Palma vs De Palma

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Tras anunciar las fechas de la 37ª edición del Festival de Cine de Terror de Molins de Rei, a celebrar del 9 al 18 del próximo noviembre, la organización ha dado a conocer cuál será el leitmotiv del certamen este año, y que llevará por título “De Palma vs De Palma”. Lo ha hecho con la publicación del siguiente comunicado, firmado por el director artístico del Festival, Albert Galera:

“La generación del New Hollywood irrumpió con energía durante la década de los setenta. La coincidencia de una cantera extraordinaria de cineastas locos por el cine con el que habían crecido y se habían formado, permitió que los gloriosos años setenta, aún hoy, se mantengan como una de las mejores décadas de la historia del cine norte americano. Entre los nombres sagrados de aquel movimiento fundamental, aparece en mayúsculas el de Brian De Palma.

A sus 77 años, De Palma sigue siendo uno de los directores norteamericanos que más expectación generan en todo el mundo, como lo demuestra el hecho que su última película, Domino, sea una de las más esperadas del año. De Palma es sinónimo de respeto, cinefilia, pasión, virtuosismo, saber hacer… Aparte del estreno de esta última película, este año se celebra el cuarenta aniversario de La furia (The Fury, 1978), una de las joyas del terror que nos ha regalado a lo largo de su prominente filmografía concebida durante casi seis décadas.

De Palma es conocido por el gran público gracias a títulos universales como El precio del poder (Scarface, 1983), Los Intocables de Eliot Ness (The Untouchables, 1987) o Misión imposible (Mission: Impossible, 1996) y por haber dirigido a las principales estrellas del momento: Robert De Niro, Al Pacino, Nancy Allen, Michael Caine, Angie Dickinson, Sissy Spacek, Kirk Douglas, John Cassavetes, Amy Irving, John Travolta, Melanie Griffith, Tom Cruise, Nicolas Cage, Bruce Willis, Tom Hanks y un largo etcétera. Pero más allá de todo esto, la obra fascinante “depalmaniana” incluye otras joyas del género de terror como Hermanas (Sisters, 1972), Carrie (Carrie, 1976) o En nombre de Caín (Raising Cain, 1992). Y, por supuesto, la constante aproximación hitchcockiana que sólo puede llevar la firma de De Palma o, lo que es lo mismo, de maestro a maestro, con títulos tan irresistibles como Fascinación (Obsession, 1976), Vestida para matar (Dressed to Kill, 1980), Impacto (Blow Out, 1981), Doble cuerpo (Body Double, 1984), Snake Eyes (Snake Eyes, 1988), Femme Fatale (Femme Fatale, 2002) o Passion (2012). Excentricidades indispensables como El fantasma del Paraíso (Phantom of the Paradise, 1974), y otros títulos fundamentales como Atrapado por su pasado (Carlito’s Way, 1993) o La dalia negra (The Black Dahlia, 2006).

Nuestra debilidad por la obra de Brian De Palma, su manera tan particular y eminente de aproximarse al terror y su habilidad para seducirnos sin parar son la razón de que la 37ª edición del Festival de Cine de Terror de Molins de Rei gire principalmente alrededor de tres palabras: Brian De Palma. Estamos, por tanto, ante un año dominado por largos planos secuencia, la pantalla dividida, el desdoblamiento directo y metafórico, la provocación, el deseo y la intromisión. Vestíos para matar, dejad ir toda la furia y preparaos para la fiesta de graduación que será de gran impacto.

Más información: http://www.molinsfilmfestival.com/es/

Published in: on abril 17, 2018 at 5:47 am  Dejar un comentario  

Programación completa de la 24ª edición de FANT – Festival de Cine Fantástico de Bilbao

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El Festival de Cine Fantástico – FANT, que organiza el Ayuntamiento de Bilbao, dio a conocer el pasado jueves la programación completa de su inminente vigésimo cuarta edición, en un acto que contó con la presencia de la concejala de Cultura, Nekane Alonso, Justo Ezenarro, Subdirector de Programación Cultural y Director de FANT y Eugenio Puerto, programador de FANT. El festival abrirá sus puertas el 4 de mayo, a las 20:00 horas en el Teatro Campos, con la premiere de Los extraños: Cacería nocturna, dirigida por el realizador británico Johannes Roberts.

La jornada inaugural contará además con la presencia del mítico director estadounidense Joe Dante, quien recibirá el galardón honorífico del festival, Estrella del FANTástico, que reconoce toda una carrera dentro del género. Como parte del homenaje del festival a Dante, y dentro de la sección FANT2FUN, el sábado 5 de mayo, a partir de las 22:15 horas, el público podrá disfrutar en pantalla grande de una sesión doble de cine que incluye la proyección de la mítica Gremlins y el clásico Aullidos. Por su parte, el premio FANTROBIA que distingue a una figura emergente corresponderá esta edición al realizador vitoriano Paul Urkijo, que acaba de estrenar su opera prima Errementari (2018), la cual podrá verse el 10 de mayo, a las 20:00 horas, en la Sala 1 de los Cines Golem – Alhóndiga.

En cuanto al apartado competitivo, la Sección Oficial estará compuesta por dieciocho largometrajes, dos más que en 2017 y la mayor selección en la historia del festival, que optarán a los Premios FANT 2018 al Mejor Largometraje, Mejor Guion y Dirección más innovadora. Cinco de ellas vivirán en Bilbao su premiere nacional. Se tratan de Chimera (2018) del director Maurice Haeems; Tigers are not Afraid (2017) de la mejicana Issa López, que visitará la capital vizcaína para presentar la cinta, justo cuando Guillermo del Toro ha anunciado que le apoyará en un próximo proyecto; November (2017) de Rainer Samet; Touched (2017) de Karl R. Hearne, que presentará también su película en Bilbao, y Hostile (2017) del realizador francés Mathieu Turi.

Otros títulos que optarán al premio de Mejor Largometraje de la Sección Oficial, dotado este año con 3.500 euros: Matar a Dios (2017) de Caye Casas y Albert Pinto, que presentarán su película en Bilbao; Replace (2017) de Norbert Kell, la última película hasta la fecha de la que fuera Estrella del FANTástico 2017, Barbara Crampton; Bad Match (2017) de David Chirchirillo: Downrange (2017) de Ryühei Kitamura; Salyut 7 (2017) de Klim Shipenko, una producción rusa ambientada en el espacio y basada en hechos reales; The Endless (2017) de Justin Benson y Aaron Moorhead, que estarán presentado su película, que acumula excelentes críticas en los festivales por los que ha pasado; A Day (2017) de Sun-ho Cho; y Housewife (2017), el nuevo trabajo de Can Evrenol, premio FANTROBIA 2016. Completan la selección de largometrajes a concurso Trauma (2017) de Lucio Rojas; Mayhem (2017) de Joe Lynch; Revenge (2017) de la directora Coralie Fargeat; Framed (2017) de Marc Martínez, que visitará el festival para presentar su película, y Black Hollow Cage (2017) de Sadrac González – Perellón. Todas las proyecciones serán en versión original subtitulada al castellano y cinco de ellas estarán subtituladas también en euskera.

Al igual que en ediciones precedentes, la programación se completará con una amplia y variada oferta paralela de acceso gratuito, en la Sala 2 de Golem – Alhóndiga, con producciones recientes a concurso dentro de la sección Panorama Fantástico, curiosidades y clásicos del género, con el objetivo de abrir aún más el festival a nuevos públicos. Dentro de Panorama competirán seis películas que optarán al premio Mejor Largometraje de Panorama Fantástico, dotado con 2.250 euros. Son las producciones: Dhogs (2017) de Andrés Goteira, Call TV (2017) de Norberto Ramos, Necronomicón (2018) de Marcelo Schapces, Compulsión (2017) de Ángel González, Game of Death (2017) de Sebastien Landry, Laurence Morais-Lagace y Madraza (2017) de Hernán Aguilar.

Dentro de las proyecciones especiales con acceso libre repetirá el ya habitual ciclo con algunos de los títulos más destacados que han llegado a las salas españoles de la mano de la distribuidora La Aventura Audiovisual, con títulos como Les Affames o The Love Witch. En este mismo espacio se proyectarán cinco títulos clásicos de dos referentes indiscutibles del género como son Tobe Hopper y George A. Romero, fallecidos ambos en 2017. Concretamente, del primero se verán La matanza de Texas (1974) y La casa de los horrores (1981), mientras que de Romero los films seleccionados son La noche de los muertos vivientes (1968), Los Crazies (1973) y Atracción diabólica (1988).

En la sección FANT al rescate se proyectará Portrait of Jennie de William Dieterie, coincidiendo con el setenta aniversario de su estreno y se ha programado la proyección especial de una copia remasterizada del clásico de Steven Spielberg Encuentros en la tercera fase. Por su parte, DOKUFANT ofrecerá 78/52 La escena que cambio el cine de Alexandre O. Philippe, que consiguió el premio al Mejor Documental en la última edición del festival de Sitges, y que a lo largo de sus noventa y un minutos disecciona los cincuenta y dos planos de la escena de la ducha de Psicosis que supondrían un antes y un después en la historia del cine.

Largometrajes a un lado, un año más el cortometraje tendrá una presencia destacada en FANT con dos galardones dotados con 3.000 euros cada uno a los mejores cortometrajes de la Sección Oficial, según el criterio del jurado y del público del festival. A estos dos premios, que pretenden apoyar el trabajo de nuevas y nuevos realizadores, una de las señas de identidad del festival, se añade un nuevo premio dotado con 1.500 euros para el Mejor Cortometraje de Panorama Fantástico en Corto y un galardón dotado con 2.000 euros para el Mejor Cortometraje Vasco. Se fallará además, un nuevo premio concedido por la “Unión de Actores Vascos – Euskal Aktoreen Batasuna” que reconocerá por primera vez la Mejor Interpretación de la Sección FANT en corto vasco.

En total serán dos las sesiones de FANT en Corto, programadas los días 4 y 5, a la que habría que sumar la de Panorama en Corto, estando la primera dedicada, en exclusiva, a los cortometrajes de sello vasco. Los once trabajos a concurso de realizadoras y realizadores autóctonos se podrán ver en su versión original, con subtítulos en euskera y/o castellano según el caso, en el Teatro Campos, después de la gala y de la película inaugural. Los cortometrajes que podrán verse son, en orden alfabético: Aprieta, pero raramente ahoga de David Pérez Sañudo, Contact de Alessandro Novelli, El duelo de Aritzeder Arregui, Ejecutor de Javier Arriaga, June de Arantza Ibarra Basañez, La noche de las sombras” de Aritz Elguezábal Totoricagüena, Pink Milk de Laura Silva, Revolution (What´s Going on?) de Two Maniacs -Ernesto Báez & Joshua Duran-, Tür de Ernesto Báez, Versus de Demetrio Elorz y Ziren de Aitzol Saratxaga. El resto de cortometrajes de FANT en Corto, en su mayoría de procedencia europea, se proyectarán el 5 de mayo, en la sesión de las 20:00 horas.

Como ya es habitual, la entrega de galardones tendrá lugar dentro de la gala de clausura, que este año también se desarrollará en la Sala BBK – Gran Vía, el día 11, a partir de las 20:00 horas. El acto incluirá la proyección especial de la película Rock Steady Row (2018) del realizador estadounidense Trevor Stevens, quien estará en el festival para presentar la película en lo que significará su premiere europea.

Como novedad esta edición, el sábado día 12 de mayo, se proyectará en la Sala BBK de Gran Vía todo el palmarés de FANT 24, en dos sesiones. A las 18:00 horas podrán verse el Mejor Corto y Mejor Largometraje de Panorama, y a las 20:00 horas los Mejores Cortos y Mejor Largometraje Internacional.

Un año más, el festival ha diseñado también una programación específica en euskera pensando en el público escolar, con cuatro sesiones matinales de FANTESKOLA, en el auditorio principal de Golem – Alhondiga Bilbao (400 butacas), en las que se proyectarán dos películas de animación: Tarzan (2013) y Ballerina (2016).

ABONO Y ENTRADAS

El abono para todo el festival, que permite el acceso a todas las sesiones de pago en Golem-Alhóndiga, al igual que a las sesiones de inauguración en el Teatro Campos y clausura y palmarés en la Sala BBK, –siempre previo paso por taquilla– se pondrá a la venta a partir de hoy al precio de 30 euros en las taquillas de Golem – Alhóndiga, y a través de la web del festival (www.fantbilbao.eus), por esta última vía solo hasta el 1 de mayo. Los veinticinco primeros en recoger su abono en las taquillas de Golem – Alhóndiga recibirán un DVD de una de las películas de La Aventura. Además, el abono dará derecho a un descuento del 50% de la compra de las camisetas oficiales de esta edición. Las entradas para una única sesión tendrán un precio de 5 euros (7, 8 y 9 de mayo “Fiesta del cine”, entrada: 2,90 euros) y estarán a la venta también a partir de hoy en las taquillas y webs de cada uno de los espacios de proyección: Golem – Alhondiga, Sala BBK y Teatro Campos. Todas las sesiones de cine programadas para la Sala 2 de Golem – Alhóndiga serán de acceso gratuito hasta completar aforo.

La programación completa puede consultarse en el siguiente enlace: http://fantbilbao.eus/web/fant-2018/programacion

Published in: on abril 16, 2018 at 5:35 am  Dejar un comentario  
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La 24ª edición de FANT ha recibido más de mil películas procedentes de todo el mundo

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Una vez cerrado el plazo de presentación de trabajos, la organización del Festival de Cine Fantástico de Bilbao – FANT ha informado que de cara a su vigésimo cuarta edición ha recibido un total de 1.056 películas procedentes de medio centenar de países diferentes de todo el mundo, lo que supone 125 trabajos más que el año pasado.

Además, FANT ha dado a conocer a las personas que integrarán los diferentes jurados de la próxima edición. Así, el de la Sección Oficial estará formado por el escritor y guionista Joanes Urkixo; el realizador donostiarra Koldo Almandoz, cuyas películas han sido seleccionados y premiadas en festivales internacionales como Cannes, Donostia-San Sebastián, Rotterdam, Bafici, ZINEBI y también en FANT, caso de Deus et machina, Mejor Cortometraje en 2013); y la periodista especializada en cine Janire Zurbano, redactora de la revista Cinemanía y colaboradora habitual en otros medios.

En cuanto al jurado de Panorama, lo formarán el cineasta Daniel Romero, realizador de varios cortos de género y que en la actualidad trabaja en su primer largometraje, titulado Las hijas, un thriller de terror ganador del Premio Finalista en el Pitchbox del Festival de Sitges; la bilbaína Mentxu Sesar, directora de videoclips, cortos y documentales, que pasó por FANT el pasado año con el documental Sputnik!; y Vanesa Fernández Guerra, Doctora en Comunicación Audiovisual y nueva directora del Festival Internacional de Cine Documental y Cortometraje de Bilbao – ZINEBI.

Más información: http://fantbilbao.eus/web/

Published in: on abril 11, 2018 at 6:16 am  Dejar un comentario  
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Programación del Pre-FANT

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El Festival de Cine Fantástico de Bilbao ofrecerá también este año como preludio diferentes actividades previas con entrada gratuita. Entre el 23 y el 27 de abril, estás se desarrollarán en la Sala BBK de Gran Vía, el Museo Guggenheim Bilbao y Bilborock. PRE-FANT vuelve a programar esta edición la experiencia Sitges Tour a Contracorriente, con una selección de películas presentes en la última edición del festival catalán y un ciclo dedicado a grandes clásicos del cine fantástico francés.

Los días 23, 24 y 25 se ha programado una sesión doble en la Sala BBK de Gran Vía. A las 18:00 horas se podrán ver en versión original subtitulada en castellano, tres títulos clásicos del cine fantástico francés: La mano del diablo (1943) de Maurice Tourneur, El fantasma de la libertad (1975) de Luis Buñuel y Los ojos sin rostro (1960) de Georges Franju.

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En la segunda sesión, que dará inicio a las 20 horas, el público podrá ver dos títulos de producción reciente –2017– que pasaron por la última edición del Festival de Sitges; la película estadounidense Mom and Dand de Brian Taylor y la australiana Rescate en Osiris de Shane Abbess. El jueves día 26, se proyectará en esta sesión la sangrienta película de animación china Have a Nice Day de Bi Liu Jian.

La programación de PRE-FANT se completará con un encuentro el día 25 en el auditorio del Museo Guggenheim Bilbao entre el director del Festival de Sitges, Ángel Sala, y el crítico cinematográfico bilbaíno Juan Zapater, Director de BilbaoArte, que conversarán cara al público sobre el libro de Sala “Just imagine. 50 títulos esenciales del cine de ciencia ficción”.

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PRE-FANT continuará el viernes día 27 con una sesión doble en Bilborock. A partir de las 20horas se proyectarán los falsos tráilers finalistas y el ganador según el criterio del jurado, así como el más votado por el público del concurso DARKFEST. Quienes asistan a esta sesión tendrán además la ocasión de votar a su favorito que recibirá el Premio del Público de FANT, dotado con 200 euros.

Además de la proyección de los falsos tráilers, la programación para la noche del 27 de abril incluye un concierto con “80´BEAT”, que homenajeará en una fiesta-espectáculo a lo mejor de la New Wave más electrónica de los 80; una banda en la que confluyen músicos provenientes de grupos como Mamba Beat y Doctor Deseo, caracterizados con la indumentaria de los visitantes de la mítica serie V. Las sesiones de Bilborock serán con entrada libre, siendo necesario recoger  invitación –para el control de aforo– en taquilla el mismo día del evento.

Por otro lado, otras localidades vizcaínas se suman también este año al principal evento de cine fantástico del territorio, FANT, programando también proyecciones los días previos. Así, el día 17, a las 21:00 horas, el Aula de Cultura de Getxo ha programado en la Escuela de Música Andrés Isasi de Las Arenas, la proyección de El ataúd de cristal, opera prima del realizador bilbaíno Haritz Zubillaga;  el Teatro Barakaldo por su parte, acogerá el día 24, a partir de las 19:00 horas, una sesión con los cortometrajes ganadores en la última edición de FANT.

Además FNAC ha programado para el día 24 un taller de guión de cortometrajes impartido por IMVAL – Estudios Audiovisuales, y el día 28, a partir de las 18horas, un taller infantil de maquillaje y caracterización de personajes fantásticos. Todas las actividades a desarrollar en Bilbao serán con entrada libre hasta completar aforo.

Más información: http://fantbilbao.eus/web/

Published in: on abril 5, 2018 at 6:10 am  Dejar un comentario  
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El Festival Isla Calavera recibe en abril a Paul Urkijo y su película “Errementari”

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El Festival de Cine Fantástico de Canarias Isla Calavera ofrecerá el próximo 20 de abril la proyección del largometraje Errementari (El herrero y el diablo), con la presencia de su director, Paul Urkijo Alijo, y la diseñadora de vestuario, Nerea Torrijos, quienes participarán en un coloquio con el público al término de la película. Esta sesión especial tendrá lugar en Multicines Tenerife (C.C. Alcampo, La Laguna), a partir de las 20.30 horas, con un precio de entrada de 4,95 euros.

Errementari (El herrero y el diablo) está producida, entre otros, por Álex de la Iglesia y Carolina Bang, quienes se interesaron por el proyecto poco antes de arrancar el rodaje. Inspirada en el cuento tradicional vasco “Patxi el herrero”, la película cuenta con guion de Paul Urkijo Alijo y Asier Guerricaechevarría, quienes situaron la historia en el año 1843 y decidieron rodar en un dialecto extinto del euskera para dar verosimilitud a la narración. La película está protagonizada por Kandido Uranga, Uma Bracaglia, Ramón Agirre y Eneko Sagardoy, ganador del Goya al mejor actor revelación de este año, por su interpretación del gigante de Handia.

Sinopsis: Han pasado diez años desde el final de la primera Guerra Carlista. En un pequeño pueblo de Álava, un comisario del gobierno llamado Alfredo investiga un suceso que le lleva hasta una siniestra herrería en lo profundo del bosque, donde vive un peligroso y solitario herrero llamado Patxi. Los aldeanos de la zona cuentan oscuras historias sobre él relacionadas con robos, asesinatos y pactos demoníacos. Hasta que por casualidad una niña huérfana llamada Usue consigue colarse en la misteriosa herrería, destapando la terrible verdad que se esconde tras Patxi el Herrero.

Esta proyección se enmarca dentro de las actividades que el Festival de Cine Fantástico de Canarias Isla Calavera organizará durante este año como antesala de la celebración de su segunda edición, que, como ya se anunció hace unas semanas, tendrá lugar del 21 al 25 del próximo mes de noviembre.

Más información: www.festivalislacalavera.com

Published in: on abril 4, 2018 at 5:40 am  Dejar un comentario  

Joe Dante recibirá el galardón “Estrella del fantástico” del próximo FANT

66ème Festival de Venise (Mostra)

La vigésimo cuarta edición del Festival de Cine Fantástico de Bilbao – FANT, a celebrar entre los próximos 4 y 11 de mayo, entregará a Joe Dante su premio “Estrella del FANTástico”, galardón honorífico que reconoce toda una carrera dentro del género fantástico. El realizador estadounidense recogerá el premio durante la gala inaugural del certamen, que tendrá lugar el 4 de mayo, a partir de las 20:00 horas, en el Teatro Campos de la capital vizcaína.

Nacido en 1946 en la ciudad de Morristown, Nueva Jersey, Dante se curtió en la factoría del mítico Roger Corman como editor hasta que dio el salto a la dirección codirigiendo junto a Allan Arkush Hollywood Boulevard (1976). En 1978 probó suerte en solitario con Piraña, escrita por un primerizo John Sayles, con el que volvió a colaborar en Aullidos (1981).

En 1983 comenzó una exitosa colaboración con Steven Spielberg como productor, dirigiendo uno de los segmentos de la adaptación cinematográfica de la mítica serie The Twiligh Zone. Esta colaboración continuó con la exitosa Gremlins (1984), su secuela Gremlins 2 (1990) o El chip prodigioso (1987). Otros títulos conocidos dirigidos por Dante son Exploradores (1985), No matarás al vecino (1989), Matinee (1993), Pequeños guerreros (1998) o Burying the Ex (2014), su último largometraje hasta la fecha.

Como parte del homenaje al cineasta, dentro de la sección FANT2FUN, el festival proyectará el sábado 5 de mayo, a partir de las 22:15 horas, una sesión doble que ofrecerá al público del FANT la oportunidad de disfrutar en pantalla grande los quizás dos títulos más emblemáticos de la filmografía de Dante: Gremlins y Aullidos.

Más información: http://fantbilbao.eus/web/

Published in: on abril 2, 2018 at 5:36 am  Dejar un comentario  
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Crónica de la XV Muestra Syfy de Cine Fantástico

Entre los pasados 8 y 11 de marzo el Cine de la Prensa de Madrid acogió una nueva edición de la Muestra de Cine Fantástico y de Terror Syfy, que festejaba así su decimoquinto aniversario. A pesar de esta efeméride, el evento organizado de forma conjunta por el canal temático de NBC Universal que le da nombre y Versus Entertainment repetiría el modelo acostumbrado en los últimos años. La principal novedad en este sentido se encontraría en la recuperación de la proyección de cortos tras la ausencia del año pasado, esta vez limitados a dos únicos títulos en las sesiones de la diez de la noche del viernes y el sábado. Por lo demás, su configuración seguía la fisonomía ya conocida: diecisiete sesiones correspondientes a otros tantos films distribuidas a lo largo de cuatro jornadas, y divididas a su vez entre las quince proyecciones de la Muestra propiamente dicha y las dos matinales del fin de semana destinadas a la sección “Syfy Kids”.

En cuanto a los títulos programados, cabe llamar la atención de que, si hace doce meses la Muestra se había apuntado el tanto de contar con las premieres nacionales de dos estrenos de la expectación de Logan y Kong: La isla Calavera, en esta edición presentaría un grupo de producciones de un perfil más bajo. A este respecto, quizás los exponentes más mediáticos se encontrarían en la película de Walt Disney Un pliegue en el tiempo, aunque solo fuera por la presencia en su reparto de la popular presentadora televisiva Oprah Winfrey, y Pacific Rim: Insurrección, secuela del film de Guillermo del Toro que a la postre sería sustituido a última hora por el thriller de ciencia ficción Siete hermanas. Siguiendo con el tema, es también de destacar que, probablemente, debido al cambio de fechas efectuado por “Nocturna”, la presencia de films galardonados en el último Festival de Sitges se vería bastante reducido con respecto a anteriores ocasiones, lo que, casualidad o no, acabó reflejándose en la calidad media de los films proyectados. Esto no quita para que, respondiendo al que debe ser el objetivo de un certamen de estas características, la selección de films presentada resultara de lo más variada, tanto en sus formas como en su procedencia, ofreciendo una heterogénea panorámica de maneras de abordar y entender el fantástico, si bien, en honor a la verdad, la vinculación con el género de algunos de los exponente sería cuanto menos discutible.

Primera jornada: jueves 8

Con la lluvia como testigo, la cola que daba acceso al Cine de la Prensa se confundía con la multitud de asistentes a la manifestación por el Día Internacional de la Mujer, que transcurría por una Gran Vía colapsada de gente. Con este telón de fondo arrancaba la sesión inaugural de la decimoquinta edición de la Muestra. Precisamente, con motivo de la huelga feminista la habitual maestra de ceremonias del certamen, Leticia Dolera, dejaba momentáneamente su puesto a Gorka Villar, director de marketing de NBC Universal España, y encargado asimismo de presentar las sesiones matinales del sábado y el domingo. En su intervención, además de repasar por encima lo que nos iba a deparar las siguientes jornadas, Villar anunciaba por sorpresa el cambio efectuado en la programación. Debido a indeterminados “problemas técnicos” Pacific Rim: Insurrección se caía de la gala de clausura, siendo su lugar ocupado por Siete hermanas, en lo que se antoja una solución de última hora, habida cuenta que la película protagonizada por Noomi Rapace había sido ya estrenada en salas españolas de forma limitada el pasado 1 de marzo. No obstante, en una decisión que la honra, la organización anunciaba la celebración el martes 20 a las 8 de la tarde de un pase especial de la cancelada Pacific Rim: Insurrección para abonados, acreditados y todos aquellos espectadores de la Muestra que hubieran adquirido su localidad para la sesión del domingo.

Acorde al espíritu de una jornada plagada de guiños feministas, la película escogida para dar el pistoletazo de salida a esta edición de la Muestra era Un pliegue en el tiempo, film que, como Villar recordara durante su presentación, está escrita, dirigida y protagonizada por féminas. La confesada idea que se perseguía con ello era la de reivindicar el talento de las mujeres en el cine, si bien vistos los resultados la intención diríase justo la contraria. Y es que, sin conocer la novela homónima en la cual se basa, lo cierto es que su versión cinematográfica peca de ser un conglomerado de elementos procedentes de El mago de Oz, La historia interminable y Alicia en el país de las maravillas. Pero si los referentes en los que bebe parecen claros desde un primer momento, no lo es menos su planteamiento narrativo, comenzando por el hecho de que su protagonismo recaiga en la enésima adolescente con problemas de bullying integrante de una familia desestructurada, en este caso debido a la desaparición de su padre en misteriosas circunstancias, que encontrará en la dimensión de la fantasía la solución a sus problemas. Con tan arquetípico punto de partida, el resto de la trama se desarrolla bajo los cauces de lo manido y lo previsible, enlazando tópico tras tópico a lo largo de su recorrido. Semejante pobreza conceptual es coronada, entre otros muchos defectos, por una estética de lo más hortera, y una dirección que confunde el sentido de la maravilla con el concurso de planos atiborrados de efectos por CGI, conformando uno de los títulos más olvidables de toda la Muestra, sobre todo en vista del derroche de medios despilfarrados en el empeño. Por cierto que, a modo de curiosidad, al contrario de lo que suele ser norma dentro del certamen, la película sería proyectada en su versión doblada al castellano, sin que en ningún momento se aclararan cuáles eran los motivos de tal cambio.

Segunda jornada: viernes 9

Pasadas las tres y media de la tarde, la segunda jornada de la Muestra echaba a andar con As boas maneiras, cinta brasileña que llegaba a Madrid con el aval del premio de la crítica recibido ex aequo con El sacrificio de un ciervo sagrado en la pasada edición de Sitges. Y lo cierto es que no defraudó esta personal interpretación del mito licantrópico, a pesar de la irregularidad de un conjunto al que también perjudica una exagerada duración de dos horas y cuarto. Dividida en dos mitades muy marcadas, a tal punto de parecer pertenecer a dos películas distintas, la primera acumula los principales aciertos. Con tan solo un par de personajes y una única localización, el tándem formado por Marco Dutra y Juliana Rojas construye un atractivo universo femenino a través de la relación lésbica que se establece entre sus dos protagonistas, utilizando para ello decisiones tan significativas como la elusión mediante la puesta en escena de toda presencia masculina en pantalla. Es una lástima, así las cosas, que una vez se produzca el hecho sobre el que pivota el argumento sus directores se olviden de todo lo mostrado hasta el momento para cambiar diametralmente de registro, abriendo la película a espacios y personajes, y perdiendo con ello en interés para ganar en dispersión narrativa, hasta convertirse en un relato bastante convencional en torno a las relaciones paternofiliales, más allá de su modernización de los lugares comunes del gótico cinematográfico codificado por las películas de monstruos clásicos de la Universal acorde a la época actual. Con todo, esto no quita para que en sus compases finales la cinta consiga remontar el vuelo, brindando alguno de los planos más emotivos y estremecedores que uno recuerda dentro del cine reciente. Otro elemento a destacar en este segmento es el uso que en determinados momentos se hace de la inclusión de canciones con fines narrativos, y que dan como resultado algunos momentos musicales ciertamente arriesgados.

El buen sabor de boca dejado por As boas maneiras sería, no obstante, superado por la siguiente A Day, sin duda uno de las más agradables sorpresas dejadas por esta edición de la Muestra. A primera vista, se trata de un exponente de manual del cine comercial surcoreano; un característico melodrama con la singularidad de estar construido sobre el típico esquema de “el día de la marmota” que popularizara Atrapado en el tiempo. Sin embargo, una vez presentado su planteamiento, y cuando parece que la fórmula en que se apoya su discurrir narrativo está próxima agotarse, la película comienza a bifurcarse en múltiples direcciones a través de calculados giros de guion, dando paso a una historia que reflexiona sobre el egoísmo o las consecuencias de nuestras acciones, todo ello inserto dentro del entorno de la familia, tema por excelencia del cine más reciente procedente de Corea del Sur. Pero además de por los atributos de un guion de hierro, la solidez de sus resultados no sería la misma sin la intensidad narrativa que le dota un montaje nada sencillo, su pasmosa claridad expositiva, a pesar de lo intrincada que en ocasiones se vuelve su trama y, sobre todo, la extraordinaria capacidad de su debutante director, Cho Sun-Ho, para graduar con total naturalidad la progresiva evolución de los tonos dramáticos que va adquiriendo la historia, bien apoyado en el óptimo rendimiento de su elenco interpretativo, sin por ello descuidar las escenas espectaculares visual y técnicamente que toda producción de aquellas latitudes parece obligada a incluir.

Ausente del certamen hasta entonces, Leticia Dolera hacía acto de presencia para presentar el pase de Downrange. Cinco años después de su anterior incursión, el cineasta japonés Ryuhei Kitamura, del que hace años pudiéramos ver en este mismo marco su adaptación de Clive Barker El vagón de la muerte, regresa al cine estadounidense con este film cimentado sobre una única situación, la de seis jóvenes junto a su coche averiado en mitad de una solitaria carretera a merced de un misterioso francotirador. Por desgracia, lejos de lo que cabría esperar a tenor de esta premisa, la película resultante está lejos del ejercicio de tensión narrativa que se deduce de su planteamiento, viéndose aquejada de lo que podríamos denominar el síndrome del corto alargado. De este modo, su escueto argumento es a duras penas estirado cual chicle, prolongando las situaciones ad nauseam, y provocando así que el tedio pronto se apodere del visionado. Incluso la llegada de nuevos personajes superado el ecuador de la cinta es totalmente desaprovechada para utilizarlos, única y exclusivamente, como víctimas propiciatorias del matarife de turno, sin preocuparse de procurarles de un mínimo peso narrativo. Para colmo de males, a pesar de sus interminables escenas de diálogos, el film tampoco acierta en su intento por profundizar en los caracteres de los personajes protagonistas. Con semejante material entre manos, poco puede hacer un Kitamura estéril a la hora de dotar de un mayor dinamismo al conjunto, concentrando su labor en la creación de cierto estilismo visual así como en la inclusión de puntuales ramalazos gore que, a la hora de la verdad, no logran sustentar por sí mismos el peso de la cinta.

La cuarta sesión del día tenía como entrante el primero de los dos cortometrajes programados, con cuya inclusión los organizadores se aseguraban la participación española en el certamen. Lo hacía con la presencia sobre las tablas de la Sala 1 del Cine de la Prensa de los principales responsables de La última cita, el cual fue presentado por su director y guionista, David Baquero, como una “reflexión sobre la vida desde el punto de la vista de la muerte”. Pretenciosa definición para un trabajo mucho menos profundo de lo que se pretende, haciendo gala de una sencillez desde el punto de vista formal y narrativo que delata su condición de simple anécdota argumental, cuyo potencial es confiado al efecto de su giro final antes que en la formulación de disquisiciones metafísicas, en realidad inexistentes.

Turno entonces para uno de los platos fuertes de la jornada, y me atrevería a decir de toda la edición. Tras acoger hace dos años su debut con el western terrorífico Bone Tomahawk, la Muestra traía la segunda película como director de S. Craig Zahler, Brawl in Cell Block 99; un film con el que el habitualmente guionista confirma y supera los logros de su, un tanto, sobredimensionada ópera prima, utilizando análogos elementos. De este modo, retoma de ella su ritmo pausado y estructura argumental para componer un contundente thriller carcelario que bebe tanto del cine de explotación de los años setenta como del mundo de cómic. Al igual que en Bone Tomahawk, el descenso a los infiernos del personaje protagonista para salvar la vida de su secuestrada esposa es la base de una propuesta que tiene sus principales hallazgos en unos diálogos afilados, unos estallidos de violencia plasmados en pantalla con superlativa crudeza y el carisma que derrocha un sobresaliente Vince Vaughn en un registro totalmente distinto a los papeles cómicos que le han hecho popular entre el gran público, bien secundado por las aportaciones de dos ilustres veteranos de la talla de Udo Kier y Don Johnson, este último impagable como despiadado alcaide de un inhumano presidio.

Con casi media hora de retraso con respecto al horario previsto, la jornada terminaba con la primera de las sesiones golfas de este año. El título escogido para tal menester fue Mayhem, dirigida por el habitual del género Joe Lynch. Tomando como base la fórmula del cine sobre infectados, Lynch y su guionista, Matias Caruso, se descuelgan con una negrísima comedia, gamberra y sanguinaria, que satiriza con incisiva acidez el ambiente y la competitividad laboral de las grandes empresas estadounidenses y, muy particularmente, el de los bufetes de abogados, poniendo en el centro de su diana la falta de escrúpulos de una mentalidad en la que lo único que importa es el triunfo profesional a toda costa, aunque sea por medio de destripar al compañero de al lado. Algo que, literalmente, ocurre en la película, una vez que un extraño virus elimine las inhibiciones sociales de los trabajadores de una importante consultora de abogados, dando pie a una adrenalínica cinta repleta de acción con estructura de videojuego, en la que sus dos personajes principales, interpretados perfectamente por Steven Yeun y Samara Weaving, tendrán que superar los diferentes niveles en los que se divide la empresa hasta llegar a las dependencias de las altas esperas, para poder llevar a cabo su venganza de clase. El resultado, ni qué decir tiene, se erige en todo un festín para los amantes al cine de Serie B, que puso la guinda perfecta a la jornada del viernes.

Jornada 3: sábado 10

Una sala atestada de padres acompañados de sus vástagos daba la bienvenida a la primera de las sesiones de “Syfy Kids”, la sección de la Muestra dedicada a los más pequeños de la casa. Por este motivo, la cinta a visionar era Peter Rabbit, la traslación al medio del personaje de literatura infantil creado a comienzos del pasado siglo por la británica Beatrix Potter. Aunque poco fiel a la obra en que se basa y bastante predecible en su desarrollo, la película acaba por erigirse en un simpático divertimento, tan entretenido como intrascendente. Dejando a un lado el alto nivel de los efectos infográficos empleados para dar vida a la nutrida fauna animal que puebla el metraje, y se entremezcla con total naturalidad con los actores de carne y hueso, ello es posible gracias a la adopción del estilo de cartoon con el que narra el enfrentamiento que mantiene el conejo protagonista con su nuevo vecino humano. Sin abandonar en ningún momento los cauces propios de una producción destinada a todos los públicos, tal planteamiento fructifica en la apuesta por una comicidad basada en su mayoría en gags físicos, lo que se traduce en un puñado de agradecidos momentos de puro slapstick, perfectamente resueltos desde el apartado técnico e interpretativo, con un Domhnall Gleeson, popular por su papel del general Hux de la nueva trilogía de Star Wars, que diríase habérselo pasado en grande durante el rodaje.

Tras una pausa de un par de horas, a eso de las cuatro de la tarde la Muestra regresaba con la producción china Have A Nice Day, representante del cine de animación dentro de la programación de este año y, sin duda, una de las que más reacciones negativas despertaría durante su pase por parte del siempre ruidoso público del certamen. ¿El motivo? Su animación minimalista. Ya no es que esta resulte en todo momento de lo más estática; es que su dirección parece estar encaminada a animar el menor numero posible de planos, alargando para tal fin las situaciones más de lo recomendable o empleando determinados recursos visuales de lo más gratuitos cuya inclusión solo parece responder a un evidente intento de añadir metraje hasta alcanzar una duración estándar, lo que en última instancia contribuye a que su visionado resulte ciertamente insoportable, a pesar de contar con setenta y cinco minutos escasos. De este modo son tirados por tierras los posibles valores de este neonoir con estética de novela gráfica e influencia tarantiniana, que intenta ofrecer un fresco de la sociedad China actual a través de las peripecias de varios personajes interconectados con el nexo de unión del robo de una cantidad monetaria, aunque a la hora de la verdad su historia no parezca conducir a ningún lado.

Tras el primer contacto con el tema que había supuesto el pase de Mayhem en la sesión golfa del viernes, el cine de infectados volvía a visitar la Muestra con la irlandesa The Cured. Ópera prima de David Freyne, quien también firma el libreto, comparte con su émula norteamericana la pretensión de utilizar el género para formular lecturas políticas y sociales, aunque desde unos planteamientos muy distintos. El espíritu festivo de Mayhem es aquí sustituido por un tono sobrio e introspectivo con el que narra el conflicto que se produce durante la reinserción social de los infectados por el virus de rigor tras el descubrimiento de una cura que capitaliza su argumento. Una premisa interesante, aunque vista con ligeras variaciones en otros exponentes previos, caso de la francesa La resurrección de los muertos o la serie británica In the Flesh, que es empleada para dar forma a un drama social que se vincula con situaciones de máxima actualidad, como puede ser el drama de los refugiados, si bien su procedencia geográfica ha hecho que no sean pocos los que han visto en ella acertadamente una metáfora del conflicto político irlandés y la rehabilitación en aquella sociedad de los terroristas del IRA tras el final de la lucha armada. El problema es que, sin menoscabo de sus aciertos, la dirección acusa una evidente falta de concisión, apostando por una dilatación narrativa a juego con sus ínfulas autorales que solo perjudica al conjunto. Y ya que hablamos de interpretaciones, tampoco puede pasarse por alto el evidente trasfondo homófobo que adquieren sus imágenes a través de la especial relación que se establece entre sus dos principales personajes masculinos, por más que su concurso parezca algo no intencionado, máxime teniendo en cuenta que su protagonismo femenino corre por cuenta de Ellen Page, pero que no quita para que este elemento se encuentre presente a poco que uno analice.

Procedente de Rusia, la protagonista de la tercera sesión de la tarde era Salyut-7, thriller de ambientación espacial, que no película de ciencia ficción. Basada en hechos reales, el argumento dramatiza el arriesgado rescate del satélite que le da título llevado a cabo en 1985 por la agencia espacial soviética, poniendo un particular énfasis en los aspectos emotivos, épicos y patrióticos de una gesta que contaba con todos los condicionantes para acabar en fracaso. No en vano, la película está dedicada a los héroes soviéticos que conquistaron el espacio, incluyéndose en sus títulos de crédito finales imágenes de archivo que muestra a algunos de aquellos cosmonautas. A nivel técnico, el film dirigido por Klim Shipenko evidencia su naturaleza de producción de gran presupuesto, luciendo una envoltura formal, tanto de fotografía, como de diseño o efectos, que no tiene nada que envidiar a las películas norteamericanas de similares características, comenzando por Apolo 13 o Gravity, por solo citar las dos más populares. A sus ya de por sí notables resultados se le une, además, el hecho de que la trama discurra en plena Guerra Fría, ofreciendo así la oportunidad de comprobar cómo se veía la carrera espacial y el enfrentamiento latente con los Estados Unidos desde el otro lado del telón de acero, y que, dicho sea de paso, no difiere en demasía de la imagen dada en el sentido contrario por numerosas películas producidas por el otro bando.

Gorka Villar y Leticia Dolera junto a los integrantes del equipo de “RIP” durante la presentación del cortometraje.

Repitiendo lo ocurrido justo veinticuatro horas antes, la sesión de las diez de la noche arrancaba con la visita de una representación del equipo del cortometraje que iba a proyectarse en primer término. En este caso se trataba de RIP, uno de los grandes triunfadores de la temporada, como atestiguan los muchos premios que ha acumulado durante su paso por el circuito de festivales, entre los que figuran el premio al mejor corto del pasado Festival de Sitges, o el del público al mejor corto español en la última Semana de San Sebastián. Haciendo buenos estos antecedentes, la disparatada historia de un hombre que, tras resucitar el día de su funeral no quiere volver a morir para disgusto de su madre y su esposa, es empleada por el tándem Pintó & Caye para crear una macabra comedia cargada de humor negro que, fiel a su estilo, es plasmada bajo las formas de ese surrealismo satírico costumbrista de raíces berlanguianas que supone el principal rasgo característico de la obra del dúo de directores catalanes.

Sin solución de continuidad, el relevo de RIP lo tomaba el enésimo film de raíces literarias programado por la Muestra. En esta ocasión se trataba de la adaptación del relato corto del creador de The Sandman, Neil Gaiman, How to Talk to Girls at Parties. Su acción nos traslada hasta el Londres de 1977, en plena eclosión del punk. Mientras el resto del país festeja el veinticinco aniversario de la subida al trono de Isabel II, un joven punk, junto a dos amigos, se cuela en lo que creen una fiesta, pero que en realidad es la morada donde se aloja un grupo de turistas alienígenas. Lo que viene a continuación es una comedia romántica tan marciana como se desprende de esta premisa, cuyo resultado final acaba por dejar un sabor agridulce. La culpa la tiene la falta de reflexión e inconsistencia en la que incurre la puesta en escena de John Cameron Mitchell. Si bien hay que reconocerle su fantástico retrato de la época histórica en la que se ambienta la cinta, su dirección peca de divagar, aunando momentos logrados con otros carentes de cualquier interés. De este modo, tan pronto podemos encontrarnos con una aguda reflexión sobre el espíritu del punk o la vida misma, como una extravagancia visual de aires psicodélicos que solo sirve para torpedear el tono del relato. Con ello no quiere decirse que se trate de una mala película, aunque sí de una película fallida de interés intermitente, echándose a faltar una mayor cohesión entre los dos principales arcos argumentales, como demuestra el que en diversos parajes todo el invento se mantenga a flote por la química que desprende su pareja protagonista, compuesta por Alex Sharp y Elle Fanning.

Con un retraso acumulado equiparable al que se había producido un día antes, la sesión golfa del sábado suponía el reencuentro con un viejo conocido de la Muestra. Hablamos de Victor Crowley, la nueva secuela de Hatchet, la saga parodia-homenaje al slasher de toda la vida cuyas dos primeras entregas formaran parte de la programación del certamen en anteriores ediciones. Tras el paréntesis que en este sentido había supuesto Hatchet 3, Adam Green vuelve a tomar las riendas de su más famosa criatura para ofrecer un nuevo festín de sangre, gore y humor gamberro y escatológico que logra cumplir con las expectativas que cualquier conocedor de la saga pudiera haber concebido. En este sentido, la película no ofrece ninguna sorpresa. A grandes rasgos, Green se limita a repetir la fórmula que tan bien le han funcionado hasta el momento, si acaso con una menor propensión al componente metagenérico, básicamente reducido a la alusión a Haddonfield, la localidad en la que transcurre Halloween y, sin salirnos de la franquicia, el cameo en la escena post-créditos que realiza Danielle Harris, y que, dado su protagonismo en la segunda y tercera parte de Hatchet, deja la puerta abierta a una futurible secuela. De llevarse a cabo, antes sus responsables deberían idear una forma de reinventar la saga, habida cuenta de las inequívocas muestras de cansancio localizables durante el último tramo de la presente, singularizadas por el hecho de que alguna de las muertes incluidas, en teoría uno de los platos fuertes de la función, sean plasmadas por Green adoptando la visión subjetiva de la víctima, quizás ante su incapacidad a estas alturas de escenificar un nuevo crimen sin caer en lo repetitivo.

Domingo 11: cuarta jornada

Al igual que sucediera el año pasado, la matinal del domingo ofrecía la oportunidad de disfrutar en pantalla grande de un título emblemático del cine fantástico de las últimas décadas. Para festejar el veinticinco aniversario de su estreno, “Syfy Kids” había seleccionado para protagonizar la segunda de sus sesiones a Parque Jurásico, la película de 1993 de Steven Spielberg que, entre otras cosas, marcaría un antes y después en la historia del cine reciente por su pionero uso de efectos digitales. Lejos de acusar el tiempo transcurrido desde su realización, el film demostró permanecer intacto como el primer día. No solo desde el punto de vista formal, sino en la capacidad para trasmitir su magia, fascinación y sentido de la aventura. Algo que a fe que pudo comprobarse a decir de las reacciones del público que abarrotó una proyección que contó entre sus butacas con menos infantes que en la víspera, y que no dudó en ovacionar todos y cada uno de sus momentos más recordados, en un ejercicio que tuvo también mucho de nostálgico para la mayoría de los allí presentes.

Pausa para la comida y vuelta al Cine de la Prensa para encarar el último tramo de proyecciones de esta edición de la mano del exponente más exótico de todo el certamen, y no solo porque de fantástico no tuviera nada, como por otra parte ya se podía entrever desde su título. Aunque de nacionalidad británica, I Am Not a Witch supone la ópera prima en el formato largo de la directora y guionista de origen zambio Rungano Nyoni, ganadora por este trabajo del premio BAFTA al mejor debut. Para darle forma, Nyoni vuelve la mirada a su África natal, con un relato antropológico en el que no deja títere con cabeza. El peso de las supersticiones, el discriminatorio trato que recibe la mujer dentro del sistema patriarcal dominante, la corrupción de las instituciones públicas e, incluso, el funcionamiento de la ley, son algunos de los temas que salen a la palestra en este retrato de la sociedad africana rural, formulado por medio de las vicisitudes vividas por Shula, una niña de nueve años que, tras ser acusada de brujería, es enviada junta a otras mujeres a una reserva de brujas. Con una narración que bascula entre el drama, la tragedia y una cáustica comicidad, con momentos incluso que parecen sacados de alguna película de los Monty Python, caso de la escena de la acusación de brujería a la protagonista, sospechosamente similar a otra de Los caballeros de la mesa cuadrada y sus locos seguidores, la valoración global del conjunto se ve perjudicada por una puesta en escena de corte documental y tono contemplativo que, junto al uso de una trama argumental no lineal, compuesta por diferentes episodios autoconclusivos, hacen que su desarrollo acabe por ser demasiado calmo, máxime en el temprano horario en que fue proyectada.

De I Am Not a Witch pasábamos a uno de los títulos más esperados del programa, al menos para quien esto suscribe, con el pase de The Endless, el nuevo trabajo de los norteamericanos Aaron Moorhead y Justin Benson, quienes además de encargarse de escribirlo y dirigirlo, también lo protagonizan, en una faceta hasta ahora inédita en su trayectoria. Tal expectación se sustenta en la magnificencia alcanzada con su anterior película, Spring, una fábula romántico-fantástica bajo las forma de monster movie que merece ser considerada uno de los títulos más interesantes legados por el género en lo que llevamos de década. Sin llegar a su nivel, en parte por un planteamiento argumental más arriesgado, The Endless vuelve a confirmar a sus responsables como dos de los nombres más interesantes del panorama fantástico actual. Retomando la influencia lovecraftiana ya vista en la previa, y que es explicitada desde la primera cita con la que se abre la cinta, Moorhead y Benson retornan al mundo que crearan en Resolution, su ópera prima, para seguir explorando los temas que han articulado hasta el momento su cine: el amor, las relaciones humanas y la trascendencia. Toda una prueba bien palpable de la mirada personal e intransferible que el tándem de directores ha conseguido acuñar con tan solo tres películas, y que es constatada por el hecho nada baladí de que estas conformen una especie de trilogía orquestada en torno al amor. Y es que si Resolution abordaba el amor entre amigos y Spring el de pareja, The Endless hace lo propio con el amor fraternal.

El destino, el azar o la organización quiso que la penúltima sesión de la Muestra presentara una película con evidentes coincidencias argumentales con la que había sido programada en idéntico horario en la edición pasada. Y es que, al igual que hiciera el año pasado Crudo, Thelma utiliza el abandono del nido familiar de su joven protagonista con motivo de su entrada a la universidad para ofrecer una fábula sobre el tránsito de la adolescencia a la edad adulta, y los radicales cambios sociales y biológicos aparejados a esta etapa, aquí centrada en la asociación que se establece entre el despertar sexual de la muchacha y la manifestación de sucesos paranormales en su entorno, circunstancia que es directamente vinculada con los férreos valores cristianos en los que la chica ha sido educada. Ni qué decir tiene el parecido que semejante argumento mantiene con el de Carrie, si bien servido bajo los característicos rasgos del cine de autor escandinavo, patente tanto en la gelidez expositiva con la que se desenvuelve su elegante puesta en escena, como en su ritmo pausado. Un tratamiento que hace de Thelma un plato no apto para todos los públicos, pero que en cualquier caso no invalida el mérito de un film que acumula un sinfín de premios en el circuito de festivales, tal y como mencionaría en su presentación Leticia Dolera, además de ser escogida para representar a Noruega en la pasada edición de los Oscars en la categoría de mejor película de habla no inglesa.

La presencia sobre el escenario de Dolera y Villar anunciaba que la edición de este año estaba próxima a tocar a su fin. Así pues, tras la pertinente despedida de los presentadores daba inicio el pase de Siete hermanas, la escogida para clausurar la Muestra en sustitución de la inicialmente prevista Pacific Rim: Insurrección y el más reciente trabajo de Tommy Wirkola, quien en su corta filmografía ha evidenciado una constante irregularidad que le ha llevado a dar un paso adelante y otro atrás a cada realización de una nueva película. Fiel a esta máxima, tras firmar con la anterior Zombis nazis 2 su trabajo más redondo hasta la fecha, con Siete hermanas vuelve a dar la palada de cal. En su defensa habrá que decir que tampoco se lo pone fácil un guion construido sobre un planteamiento recurrente dentro del cine de ciencia ficción reciente, en el que es fácil percibir la influencia ejercida por el clásico de Richard Fleischer Cuando el destino nos alcance. Acorde a ello, en lugar de articular el thriller policiaco de ascendencia noir al que parece apuntar al principio, Wirkola apuesta por dar forma a una anodina cinta plagada de escenas de acción, quién sabe si consciente de lo previsible de la intriga que tiene entre manos, o en un más que probable intento por equipararse con cualquier blockbuster estadounidense, pese a tratarse de una producción cien por cien europea. La película se salda así como un intranscendente producto de usar y tirar que ni siquiera sabe sacar partido de las posibilidades visuales que le ofrece su ambiente futurista, siendo su único elemento digno de mención la labor efectuada por Noomi Rapace como las siete hermanas del título; no tanto por su limitado despliegue interpretativo, dado que la principal diferencia entre los personajes a los que da vida se encuentra en su distinta apariencia física, como por el esfuerzo realizado al tener que compartir plano y darse la réplica a sí misma durante gran parte del metraje.

Epílogo

Como comentábamos al principio, una semana y un día desde su finalización, la decimoquinta edición de la Muestra Syfy revivía por unas horas con el pospuesto pase de Pacific Rim: Insurrección, tres días antes de su estreno comercial en salas españolas. Un lustro después de la película de Guillermo del Toro, el televisivo Steven S. DeKnight debuta en la pantalla grande con esta secuela protagonizada por John Bogeya, quien también participa como productor. Este último dato pone en alerta de la posible naturaleza de vehículo de lucimiento que pudiera tener una película en la que el actor británico-nigeriano interpreta un papel muy similar al que le diera a conocer en Attack The Block: un joven problemático que deberá madurar a marchas forzadas mientras hace frente a la amenaza de una invasión alienígena. Disquisiciones al margen, tan estereotipado personaje revela lo formulario de un libreto que sorprende hiciera falta del concurso de hasta cuatro guionistas, tal es su simpleza. Cierto es que tampoco se puede esperar demasiada profundidad en un film que, básicamente, trata de los combates entre mastodónticos robots y monstruos gigantescos, pero sí un argumento con un mínimo de originalidad que no haga que su desarrollo sea totalmente previsible desde la misma presentación de los personajes y este abonado al deux machina, como es el caso. Todo el interés de Pacific Rim: Insurrección queda así reducido al de mero espectáculo de ruido y destrucción, aspecto este en el que sale mejor parado gracias, sobre todo, al acabado que le brindan sus efectos infográficos a las aparatosas escenas de acción que protagonizan casi en exclusiva la segunda parte del metraje. Queda por comprobar si este será gancho suficiente como para asegurar la realización de la secuela a la que su desenlace parece abocar. Tiempo al tiempo.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías: Juan Mari Ripalda

Published in: on marzo 23, 2018 at 6:37 am  Dejar un comentario  
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El Festival Isla Calavera anuncia las fechas de su segunda edición

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La organización del Festival de Cine Fantástico de Canarias Isla Calavera ha hecho públicas las fechas en la que se celebrará su segunda edición. Será del 21 al 25 de noviembre de 2018. Junto con ello, el Isla Calavera también ha anunciado el acuerdo de colaboración que ha firmado con el Cinedfest, según el cual la organización del primero decidirá los dos mejores cortometrajes participantes en la quinta edición del Festival Educativo de Cine para Centros de Enseñanza de Primaria, Secundaria, Bachillerato y Formación Profesional, dentro de la categoría de cine fantástico (fantasía, terror, ciencia ficción) en los niveles educativos de Bachillerato y FP/CEPA.

Así, además de la dotación habitual con la que Cinedfest premia esta categoría, el Festival Isla Calavera dará nombre al galardón y obsequiará a los responsables de los cortos ganadores con bonos (un máximo de diez por cada producción ganadora) para entrar de forma gratuita a todas las sesiones programadas durante su segunda edición. De otro lado, los dos trabajos galardonados se proyectarán en Multicines Tenerife (C.C. Alcampo, La Laguna) en el marco de la programación de la próxima edición del Festival Isla Calavera.

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El Festival de Cine Fantástico de Canarias Isla Calavera está organizado por la Asociación Cultural Isla Calavera junto a Multicines Tenerife, y cuenta con el patrocinio del Área Tenerife 2030 del Cabildo Insular, la Universidad de La Laguna y la Fundación Cine+cómics, y cuenta con la colaboración de la Asociación Cultural Charlas de Cine, la publicación especializada TumbaAbierta.com, Ksa Mario, el Aula de Cine de la Universidad de La Laguna y Tenerife Film Commission.

Más información: www.festivalislacalavera.com

Published in: on marzo 22, 2018 at 7:09 am  Dejar un comentario  

Entrevista a Patrick Brice, director de “Creep 2”

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El pasado 2014 el Festival de Sitges acogía el pase de Creep, una desconocida película grabada en el para aquellas alturas sobresaturado formato de las found footage que, contra todo pronóstico, se erigiría en una de las sorpresas de aquella edición del certamen, logrando una mención especial del jurado de la sección “Fantàstic Panorama”. Con tan solo dos personajes y otras tantas localizaciones, y prescindiendo de cualquier tipo de recurso extradiegético, su primerizo director, Patrick Brice, conseguía construir un adictivo relato de intriga y extrañeza basado, única y exclusivamente, en los diálogos y el trabajo de los actores; es decir, el propio Brice y un inmenso Mark Duplass, sin duda uno de los nombres propios del cine indie actual, coautor además del libreto junto a Brice.

Tres años más tarde, Duplass y Brice han vuelto a unir fuerza para dar forma a una secuela de aquel film auspiciada por Netflix, plataforma que ya distribuyera la primera parte. Superado el efecto sorpresa de esta, pero sin abandonar su corte minimalista, Creep 2 apuesta por el humor negro como principal eje vertebrador, lanzando una aguda reflexión sobre las ansias de notoriedad que parece perseguir buena parte de la sociedad moderna al hacer que esta vez la encargada de enfrentarse a su psicópata protagonista sea una joven youtuber dispuesta a meterse en la guarida del lobo con tal de conseguir más visitas en su programa de internet. El resultado es una digna secuela que logra el difícil reto de igualar, cuando no superar, los logros de su predecesora, como demuestra el premio a la mejor película que lograría dentro de “Fantàstic Panorama” en su paso por Sitges, donde estaría acompañada por la presencia de Patrick Brice.

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Puede decirse que Creep era una película hecha entre amigos. ¿Esperabais obtener la repercusión que tuvo?

Cuando la hicimos no teníamos ni idea de que la gente fuera a ver la película, ni tampoco cómo iba a reaccionar la audiencia. Éramos solamente nosotros, mi colaborador Mark Duplass y yo, haciendo mi primera película, así que no pensábamos que nadie fuese a verla. El hecho es que, cuando vio la luz, el seguimiento que tuvo fue una grata sorpresa. Así que, como con la primera no teníamos ni idea de la gente que la iba a ver, tampoco se nos ocurrió la idea de hacer una secuela. Aunque el haber surgido la oportunidad de hacerla ha sido genial.

¿Y qué es lo que os ha llevado a hacerla?

En parte fue el hecho de que un montón de gente vio la primera y nos empujó a ello, y en otra porque Netflix nos preguntó si queríamos hacerla. Pasamos unos dos años buscando tres o cuatro ideas diferentes para dar forma a la secuela, que al final acabamos descartando antes de conformar la versión definitiva. Queríamos hacerla, pero en condiciones.

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Patrick Brice durante el coloquio celebrado tras uno de los pases de “Creep 2” en Sitges.

Una cosa que me ha llamado positivamente la atención es que, al contrario de lo que suele ser habitual en las secuelas, no has caído en la tentación de acentuar los aspectos más llamativos de la primera entrega, sino que, utilizando elementos similares, le habéis conseguido dar una vuelta de tuerca a la fórmula…

La tensión de la primera película se basa en el dilema de si el personaje de Mark Duplass es o no un asesino en serie. Y como esta pregunta quedó contestada al final de la misma, sabíamos que teníamos que hacer algo diferente para esta segunda. El desafío que nos impusimos fue, sin revelar demasiado el argumento, reconocer inmediatamente que lo era, así que lo que acabamos haciendo fue crear un personaje que tuviera la intriga de saber si el personaje de Mark es o no un asesino en serie, pero sin que tampoco acabe de creérselo.

Dadas las características propias del formato found footage, y teniendo en cuenta que además de protagonista Mark Duplass es el coautor del guion junto contigo, ¿cuánto margen a la improvisación habéis tenido durante el rodaje?

Teníamos unas quince páginas de tratamiento de guion para esta secuela. Sabíamos las acciones que se tenían que llevar a cabo, la trama en rasgos generales… Pero al igual que había ocurrido en la anterior película, en esta también se ha improvisado la mayoría. En la anterior tuvimos la sensación de que había tomas demasiado largas, y en esta también las hay. La mayor parte fueron improvisadas, aunque sin pensar que estaban mal, como nos había pasado antes. En Creep, que rodamos mayormente de forma continua, sin cortar, al final tuvimos la sensación de que en las tomas había algo incorrecto o que no tenían sentido, no como ahora.

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Sin duda, uno de los descubrimientos de Creep 2 se encuentra en la presencia de Desiree Akhavan en el papel de Sara, la encargada esta vez de enfrentarse al psicópata protagonista. ¿Cómo llegó a la película?

Teníamos claro que queríamos que este personaje fuese una mujer. Sabíamos que tener un personaje femenino en una película de terror es un tópico, con lo que ello significa históricamente; ya sabes, tener una mujer enfrentada a un asesino en serie. No obstante, partiendo de ello queríamos probar algo diferente, algo nuevo, y fue una suerte en este sentido disponer de una actriz que además es guionista y directora. Sentir que era colaboradora, aparte de actuar en el film, fue muy importante para nosotros. Ella era fan de la primera película, por lo que fue muy emocionante tenerla en esta ocasión. Entendió lo que hicimos en la anterior película al nivel conceptual más básico, lo que ayudó mucho, al tener una persona que entendía nuestra sensibilidad de querer ir más allá en esta secuela de lo ofrecido en la anterior. Era consciente del tipo de película que íbamos a hacer y, como digo, fue de mucha ayuda. Fue muy auténtico tenerla en una película como esta.

En cierto sentido, la película puede verse como una reflexión sobre las ansias de notoriedad que existe en la sociedad actual, tanto por parte del personaje de Duplass como el de Akhavan. ¿Es el mensaje que querías transmitir?

Este es un deseo común en la cultura norteamericana y, por lo tanto, algo natural de incluir en la película. Fue de mucha ayuda para justificar el por qué el personaje de Sara se quedaría con Aaron y no se iría. Dentro del género del found footage casi siempre el protagonista se aleja del problema porque es muy loco, y queríamos dar razones sólidas de por qué Sara quiere quedarse. Y de hecho también nos servía para justificar el por qué ella está feliz cada vez que el personaje de Mark se comporta de un modo más raro, y más raro es, ya que a ella le viene bien para su show.

Creep 2 director 06

A propósito, me gustaría que me hablaras sobre esa broma recurrente que hay a lo largo de la película a costa de Francis Ford Coppola…

(Risas) Hay muchas referencias a Coppola en la película. Pensamos que sería divertido tener un personaje que pensase que Coppola había perdido su camino artísticamente hablando, pero realmente yo no pienso así, a mí me gusta (risas). Además, me gusta que siga experimentando y haciendo cosas raras en su carrera, pero fue una broma que se nos ocurrió y los creadores quisimos introducir como una especie de easter egg[1] para los fans. Me hace feliz (risas).

Creep 2 ha sido rodada directamente por y para Netflix. ¿Ha afectado de algún modo el hecho de que la película fuera planteada directamente para ser estrenada en VOD? ¿Cómo ves este cambio que se está produciendo en el panorama audiovisual con películas como la tuya, que son realizadas desde un primer momento para ser vistas en Internet y no en cines?

La primera película fue comprada por Netflix, y en aquel momento no sabíamos lo que significaba, ya que fue una de las primeras en ser lanzada con la etiqueta “Netflix Original”. Claro, como creador de películas tu objetivo es que tu obra sea proyectada en salas de cine, pero creo que hoy en día, con tanta gente abonada a la plataforma de Netflix, hay una audiencia muy grande que puede acceder a ella de este modo. Creo que una película de este tipo moriría en salas de cine, porque hay mucha gente que si le preguntaras si estaría dispuesta a gastar su dinero en ver una película tan específica y rara como la nuestra, seguramente te respondería que no lo haría. Pero como Netflix tiene dieciséis millones de abonados en el mundo, eso te permite que el film encuentre inmediatamente su audiencia.

Por otra parte, para mí fue de mucha ayuda el hecho de que la gente de Netflix viniese a pedirnos que hiciéramos una segunda parte. Fue incluso mejor, porque nos permitían que pudiésemos hacer lo que quisiésemos, lo cual es una libertad de la que normalmente no dispones al rodar una película.

José Luis Salvador Estébenez

[1] Easter egg o huevo de pascua es el nombre con el que se le denomina a los contenidos ocultos que se pueden encontrar en algunos DVDs, CDs de música o videojuegos.

Traducción: Alberto Siemprefuisteunfreak

Fotografía: Juan Mari Ripalda

Llega la V Muestra de Cine Oscuro, Maldito y de Culto “Exhumed Movies”

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El viernes 18 y el sábado 19 de mayo son los elegidos para celebrar la V Muestra de Cine Oscuro, Maldito y de Culto de “Exhumed Movies” de Salamanca. De nuevo el lugar de encuentro será el espacio alternativo ­­Almargen (Avenida de las Artes nº 70), donde durante las dos jornadas se podrán visionar nueve films que ofrecerán un recorrido por lo largo y ancho del fantástico mundial: desde el gótico del ciclo Poe de Roger Corman hasta el erotismo de Rollin.

Como todos los años no faltará el recuerdo al añorado Paul Naschy con el pase de El retorno del hombre lobo, película encargada de inaugurar la Muestra, así como la cita obligada con el giallo, este año con la fantástica Torso, violencia carnal de Sergio Martino. Uno de los platos fuertes de esta quinta edición de la Muestra será la sesión golfa del sábado de madrugada con dos cintas patrias que contarán con la presencia de sus directores; Malditas y condenadas y La que ama son las apuestas de los responsables del pequeño certamen para poner el broche de oro a dos días de cine fantástico.

Exposiciones, concurso de relatos oscuros, tráiler exclusivos y presentaciones de diferentes publicaciones formaran parte a su vez de la actividades paralelas de la Muestra, la mayoría de las cuales se celebrarán en la Librería Shogun (C/ Padilleros).

Published in: on marzo 13, 2018 at 6:30 am  Dejar un comentario