Entrevista a Robert Bronzi, el doble cinematográfico de Charles Bronson

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El de Robert Bronzi es un caso sin apenas antecedentes en la historia del cine. Tendríamos que retroceder hasta la década de los setenta para encontrar un precedente similar, cuando, a raíz de la muerte de Bruce Lee, las pantallas de los cines de barrio de la época se llenaron de películas protagonizadas por clones del recordado actor, bautizados con distintas variantes que recordaran a su nombre: Bruce Le, Bruce Li, Bruce Lai, Bronson Lee…Y es que este actor de origen húngaro, nacido como Robert Kovacs, ha desarrollado en los últimos años una carrera cinematográfica en producciones de Serie B, aprovechando su impresionante parecido con Charles Bronson. En ellas, como es lógico, emula la imagen cinematográfica del que es también su ídolo. Resulta significativo el caso de Death Kiss (2018), una entrega apócrifa de la saga Death Wish en la que Bronzi interpreta a un sosías sin nombre del rol de justiciero urbano que encarnara Bronson en la aludida serie.

Death Kiss viviría su estreno en España durante la pasada edición de Cutrecon, donde Bronzi acabó por convertirse en uno de los principales protagonistas del certamen, a tal punto que su presencia logró despertar una gran atención por parte tanto de los espectadores como de los medios. Amable y cercano, justo lo contrario que su imagen cinematográfica, y poseedor de un perfecto castellano aprendido durante su prolongada estancia en nuestro país, tuvimos la ocasión de hablar con él para que nos contara de primera mano sus orígenes, su etapa en España como actor y especialista de espectáculos en vivo, su entrada en la industria del cine, sus películas y sus próximos proyectos. Esto fue lo que nos dijo.

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Robert Bronzi junto a Carlos Palencia, director de Cutrecon, durante la presentación de la proyección de “Death Kiss” en el certamen.

Has trabajado como carpintero, entrenador de caballos o músico. ¿Cómo acabas convirtiéndote en actor?

Ha sido un camino muy largo y muy duro, y poco a poco voy subiendo escalones. Desde hace muchos años intentaba convertirme en actor. Con este objetivo en mis inicios busqué lugares donde pudiera trabajar y mostrar mi talento, ya que soy especialista, músico y un excelente jinete. Así que me centré en parques temáticos y lugares que hicieran shows en vivo. Con esta idea me marché en 1994 a los Estados Unidos, a Nueva York, para probar suerte. Pero como no salió bien volví a Hungría.

Allí tenía un amigo que se manejaba muy bien con los ordenadores. Dado que no había encontrado nada en el otro lado del mar, hablé con él para que me ayudara a buscar algo en Europa. Así encontramos Port Aventura. Aunque les envié muchas fotos e información sobre mí, no obtuve respuesta. Un día, un amigo me aconsejó que fuera personalmente allí. Y así hice. En 2003 me subí a un autobús en Budapest con destino a Barcelona y desde allí me presenté en Port Aventura. Durante tres o cuatro días pagué la entrada al parque para acceder al recinto. Iba siempre vestido de vaquero para dejarme ver, hasta que un día un hombre se me acercó mirándome  me dijo: “Oye, tú te pareces mucho a Charles Bronson”. “Sí, lo sé. Por eso estoy aquí”, le contesté. Le conté mi historia y le expliqué que era especialista. Él me escuchó y cuando tuvo que irse a la cantina a tomar el almuerzo me dijo que le esperara allí y que en media hora me presentaría al regidor. Así fue. Al día siguiente estuve hablando con el director de casting de Port Aventura y con los jefes. Como era mayo ya era un poco tarde, porque para entonces estaban todos los puestos con actores ocupados, pero me prometieron que de cara al año siguiente me mandarían una oferta para trabajar allí. Cumplieron su palabra y en junio de 2004 empecé a trabajar en Port Aventura como sheriff.

Paso a paso fui creciendo, haciendo más trabajos. Por ejemplo, rodé un anuncio de jamones para Navidul con Bertín Osborne en Madrid, otro de un nuevo modelo del Seat León en Sitges… Pero con la llegada de la crisis se acabó la historia. Me echaron de Port Aventura, como a todos los actores que trabajábamos en el parque, y me fui a Almería. Allí busqué contactos para encontrar trabajo y entré en el Fort Bravo Texas Hollywood de Tabernas. Después me fui a Lanzarote y luego a Huesca, en un pueblo cerca de Monzón, donde estuve en una granja escuela en la que enseñaba a la gente a montar a caballo y también trabajaba con chicos autistas.

¿Y cómo se produce tu entrada en el mundo del cine?

Rafael Molina, el dueño del Fort Bravo Texas Hollywood, que es muy amigo mío, puso a la entrada del restaurante una foto mía, que aún hoy permanece allí, junto a otra foto de Charles Bronson. Un día apareció el director Rene Perez y preguntó qué pintaban allí esas dos fotos de Charles Bronson de joven y de más mayor. “El más joven no es Charles Bronson, es otro tipo”, le contestó. Entonces Rene Perez se puso en contacto conmigo por e-mail diciéndome que quería conocerme con la idea de que trabajáramos juntos.

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Bronzi junto a Steven E. De Souza durante el encuentro con los invitados de esta edición de Cutrecon

Desde que entraras en contacto con Rene Perez has rodado varias películas. ¿Qué nos puedes contar acerca de ellas?

Con Rene Perez he rodado hasta el momento tres películas. La primera que hicimos se tituló From Hell to the Wild West (2017), que son las andanzas de Jack el Destripador en el Oeste. Después rodamos Death Kiss el pasado mes de enero y a finales de octubre filmamos durante quince días nuestra tercera película juntos, que se llama Cry Havoc. Es una película de terror, aunque personalmente he de decir que no me gusta este género.

Junto a estos tres títulos he hecho otra, Escape From Death Block 13, que es una película de mucha acción. La filmamos en Ohio, e interpreto a un tipo que es húngaro, como yo, que viaja a los Estados Unidos tras la muerte de su hermano, quien trabajaba allí, y por una serie de circunstancias acaba metido en la cárcel, donde transcurre la mayoría de la historia.

El año pasado rodé tres películas: Death Kiss, Cry Havoc y Escape From Death Block 13. Y, si todo va bien, a finales de febrero empezaré a filmar un western cuyo título no te puedo decir ahora porque es secreto. Solo te puedo adelantar que vamos a rodar en Almería durante una semana y después nos marcharemos a California, al Parque Nacional de Sashta, que es una localización muy bonita en la que ya filmamos algunas secuencias de Death Kiss.

Antes de estas películas ¿ya habías participado en otros films, ya fuera como actor o especialista?

Sí, sí, pero eran cortometrajes. Estando en Almería rodé un mediometraje de cuarenta y cinco minutos con el director Julian Rosefeldt, de Berlín, que se llama American Night. Luego, cuando empecé a trabajar en Lanzarote, vinieron cuatro chicos de Hamburgo, Alemania, con los que hice un cortometraje titulado Rancho Texas (2010), que es el nombre del parque en el que yo trabajaba en Lanzarote. Es un corto sobre mi vida mezclado con fotos e imágenes de Charles Bronson. Y en Hungría, por supuesto, trabajé como especialista con caballos.

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Aparte de tu parecido físico con Charles Bronson, lo cierto es que actúas igual que él. ¿Cómo te preparas el personaje? ¿Estudias sus interpretaciones?

Veo muchas películas y, entre ellas, he visto casi todas las de Charles Bronson. Me gustan los films de actores buenos, como Clint Eastwood o Terence Hill. En definitiva, veo muchas películas, y me fijo en cómo se mueven y en cómo actúan estos actores. Sobre todo Charles Bronson, que es mi héroe. N existe un fan suyo en el mundo mayor que yo. Recuerdo que en mi juventud, cuando vi Hasta que llegó su hora (C’era una volta il West, 1968), me emocioné como un niño. Es el mejor western de la historia.

Aparte de esto, hago gimnasio. Hace un año empecé a practicar thai box con un entrenador, Adam, que es muy buen tío. Y también hago judo, gimnasia y la semana que viene iré a montar a caballo para preparar la musculatura de los muslos de cara al rodaje de la próxima película. De lo contrario, cuando monte a caballo en el film me saldrán unas agujetas que te cagas.

Entiendo entonces que no has estudiado interpretación, sino que eres totalmente autodidacta…

Sí. Yo siempre hablo con los directores y productores, que para mí es mucho más difícil memorizar las líneas de mi papel. Para un actor norteamericano es muy fácil, porque es su lengua, pero yo tengo que dedicarle más tiempo. Pero a mí no me importa, ojo; me encanta hacerlo. A veces recibo mp3s en los que el director graba con su voz mis líneas, para que vea el acento que tengo que poner. Así es mucho más fácil para mí, y está consiguiendo que me acostumbre a hablar con acento americano. Todo el mundo me dice que tengo un acento muy americano. Aunque de momento me habían doblado en todas mis películas, en Cry Havoc y Escape From Death Block 13 he usado mi voz, y en la siguiente que voy a rodar también lo haré.

En enero, cuando rodamos Death Kiss, Rene Perez me dijo que mi voz ya tenía un ochenta por ciento de acento americano. Y cuando después de rodar Escape From Death Block 13 con Gary Jones volví a rodar con Rene Perez Cry Havoc estaba sorprendido. Él habla español, porque, aunque ha nacido en Estados Unidos, sus padres son latinos, y hasta entonces nos comunicábamos en castellano. Pero en este rodaje nos hemos hablado en inglés, aunque a veces, cuando yo no entendía algo o él me quería explicar algo de una forma más detallada sí que hablábamos en castellano.

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Tu nombre real es Robert Kovacs y en Death Kiss apareces acreditado así. ¿Cuándo adoptas el seudónimo de Robert Bronzi?

Tengo un amigo que vive en Orlando y es el que se encarga de llevar mis redes sociales. Un día me llamó y me dijo: “¿Qué pongo? Tienes que elegir un nombre. Robert Kovacs Bronzi es muy largo. Hay que poner Robert Kovacs, Kovacs Bronzi o algo así”. Entonces decidí Robert Bronzi como nombre artístico. Que une mi nombre verdadero y este diminutivo de Bronson. Y a partir de entonces lo he utilizado en todas mis películas y en mis redes sociales.

En la presentación del “Bronsonfest” en Cutrecon anunciaste que entre tus próximos proyectos se encontraba uno que te iba a unir con Danny Trejo. ¿Qué puedes adelantar de esta futura película?

Es una idea mía para hacer una película que sirva de continuación a Escape From Death Block 13, que termina con mi personaje escapando de la cárcel junto a otro preso que es el rey de la prisión. Tras esto, va a regresar a Hungría, pero antes el FBI le ofrece un trabajo y así termina la historia. El productor va a ir a Nueva York a hablar con Danny Trejo y, dado que él habla castellano y yo también, la idea es que en las películas lucháramos contra narcotraficantes que vienen de México. Su personaje también sería un delincuente. Es una idea, pero depende de él y de muchas cosas. Estamos hablando de esa opción, pero no es seguro todavía. Aunque a mí me gustaría poder trabajar con él.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías: Juan Mari Ripalda

Published in: on febrero 15, 2019 at 6:58 am  Dejar un comentario  
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Presentados los primeros detalles de la XVI edición de la Muestra Syfy

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En la noche de ayer martes el Cine Palacio de la Prensa de Madrid acogió el preestreno de Feliz día de tu muerte 2 (Happy Death Day 2U, 2019), secuela de la película de terror del pasado 2017. Organizado por la Muestra SYFY de Cine Fantástico, antes de la proyección del film, Gorka Villar, director de Marketing y On Air de NBCUniversal, dio a conocer los primeros detalles de su décimo sexta edición, que tendrá lugar entre los próximos 7 y 10 de marzo y estará patrocinada por la plataforma digital Sky, la cual regalará tres meses de suscripción a todos los espectadores que compren el abono, según se informó ayer.

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En primer lugar, se presentaron los tres carteles oficiales de esta edición, que tienen como protagonistas a “El hombre lobo”, “La momia” y “El conde Drácula”, respectivamente, en estampas cotidianas. Tras ello, se procedió a ofrecer un primer avance de títulos que conformaran la programación para esta edición, que un año más traerá al capital una selección del mejor cine de género.

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En total, seis fueron los títulos anunciados, entre los que destacan dos de los films más destacados de la última temporada dentro del fantástico. Por un lado la estadounidense Nación salvaje y su crítica en clave adolescente y feminista al hipócrita puritanismo de la sociedad estadounidense en la era Trump; y One Cut of the Dead, inteligente juego de metaficción de ida y vuelta procedente de Japón, donde se ha convertido en un auténtico fenómeno de culto, y ganadora de la pasada edición de la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián.

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Junto con estos dos films, Gorka Villar confirmó la presencia en el programa del thriller psicológico Escape Room, que llegará a la Muestra unos días antes de su estreno en salas comerciales, Prospect, definida por Villar “como un western de ciencia ficción”, el también film de ciencia ficción, en este caso bajo los andamiajes del thriller, Elizabeth Harvest, y la que será una de las protagonistas de las matinales del fin de semana, la cinta de animación francesa Dilili à Paris.

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A continuación os ofrecemos los tráilers y una pequeña sinopsis de los títulos confirmados:

NACIÓN SALVAJE (ASSESINATION NATION, ESTADOS UNIDOS, 2018) DE SAM LEVINSON

Después de que un hackeo de datos exponga los secretos de la ciudad de Salem, el caos se desata en la población y cuatro chicas deberán luchar para sobrevivir.

ONE CUT OF THE DEAD (JAPÓN, 2018) DE SHINICHIRO UEDA

Un equipo se encuentra en medio de un rodaje de una película de Serie B sobre zombis. Lo que no se esperan es que, durante la misma grabación de la película, comenzará un auténtico apocalipsis zombi que comprometerá la continuación del proyecto, pero también la vida del equipo de rodaje.

ESCAPE ROOM (ESTADOS UNIDOS, 2019) DE ADAM ROBITEL

Seis personas quedan atrapadas en un escape room cuyo creador ha diseñado una trampa mortal en cada habitación. No saben por qué les está haciendo esto, pero sí saben que un solo error les costará la vida.

PROSPECT (ESTADOS UNIDOS, 2018) DE ZEEK EARL & CHRIS CALDWELL

Una adolescente y su padre buscan piedras preciosas en la luna de un planeta alienígena. Sin embargo, no son los únicos que deambulan por este extraño paraje y, en lugar de enriquecerse, su misión acabará siendo escapar de allí con vida.

ELIZABETH HARVEST (ESTADOS UNIDOS, 2018) DE SEBASTIAN GUTIERREZ

Elizabeth, recién casada, llega a la vasta y lujosa finca de su esposo. Él le explica que puede ir adonde le plazca, excepto una habitación, cerrada con llave, a la que tiene prohibido entrar.

DILILI À PARIS (FRANCIA, 2017) DE MICHEL OCELOT

En la París de la Belle Epoque, la pequeña Dilili investiga misteriosos secuestros de chicas jóvenes en compañía de un joven repartidor con scooter . Ella va de aventura en aventura a través de la prestigiosa ciudad, conociendo a hombres y mujeres extraordinarias que la ayudan, y también villanos, que se enfurecen desde las sombras. Los dos amigos harán que la luz, la libertad y la alegría de vivir juntos triunfen por encima de todo.

Más información sobre la #MuestraSYFY en suss canales oficiales de Facebook, Twitter & Instagram, e www.syfy.es

Published in: on febrero 13, 2019 at 8:28 am  Dejar un comentario  
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Crónica de Cutrecon VIII

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A grandes rasgos, la octava edición de CutreCon, celebrada entre los pasado 23 y 27 de enero, repitió el modelo establecido en los últimos años por el certamen. A este respecto, el cambio más significativo se encontró en la incorporación como sede de la Cineteca del Matadero que acogió la tarde del sábado la proyección paralela de tres de las películas que formaban parte de la maratón del día y que de algún modo sirvió para compensar la baja del Cine Doré, sede de la Filmoteca Española, donde el año pasado se desarrolló el grueso de la programación de la jornada del viernes, si bien el punto neurálgico del festival volvió a ser, una vez más, el Palacio de la Prensa y el auditorio del Centro Cultural Casa del Reloj. Por lo demás, el sesgo continuista del programa dispuesto se dejó sentir desde la sesión escogida para la siempre mediática labor de inaugurar esta edición, idéntica en su concepción a la que lo hiciera el año pasado.

Presentación Bronsonfest

Un momento de la presentación del “Bronsonfest” con el que se inició esta octava edición

Si hace doce meses CutreCon arrancaba en el Palacio de la Prensa con el denominado “Chiquitofest”, dedicado al finado Chiquito de la Calzada, esta vez lo hacía en el mismo emplazamiento con el “Bronsonfest”, peculiar homenaje al también desaparecido Charles Bronson, y más concretamente, a su recurrente rol cinematográfico de justiciero urbano. Con tal propósito, el plato fuerte de la función estuvo en la proyección de la aquí titulada como El justiciero de la noche (Death Wish 3, 1985), tercera entrega de la emblemática saga en la que el actor encarnara a Paul Kersey. Definida en la rueda de prensa matutina por el director del certamen, Carlos Palencia, como “tan ultrafascista que solo puede te la puedes tomar a cachondeo”, la película hizo honor a semejante consideración. Y es que lo exagerado de las situaciones planteadas, acentuado más si cabe por la hiperbólica puesta en escena de un Michael Winner en horas bajas, acercan al film a los terrenos de la parodia involuntaria del modelo originario, como ejemplifica el que su esquemática trama se reduzca al intercambio de golpes entre el justiciero protagonista y la horda de punkis que asolan el suburbio en el que se desarrolla la trama, sin preocuparse en buscar mayor espesor o desarrollo al recorrido.

Premio De Souza

Steven E. De Souza recogiendo el “Premio Sha-di-a” durante la sesión “Impact Game: Gamexploitation”

Sin embargo, en contra de lo dicho, esta octava edición de CutreCon volvió a poner de relieve el crecimiento que viene experimentando el festival desde su mismo nacimiento. Una circunstancia que fue personificada en la elección del invitado estrella de este año. Tras Ramón Saldías, Sam Firstenberg, Claudio Fragasso y Luigi Cozzi, el festival daba un salto de categoría al traer a Steven E. De Souza, uno de los guionistas más importantes del cine de acción hollywoodiense de los ochenta, como ratifica su paternidad de los libreto de títulos tan emblemáticos de esta corriente como las dos primeras entregas de La jungla de cristal, Límite: 48 horas (48 Hrs., 1982), Commando (Commando, 1985), o Perseguido (The Running Man, 1987), entre otros. Con toda lógica ante semejante currículo, la visita de semejante personalidad generó una expectación sin precedentes en la historia del certamen, tanto por parte de los aficionados como de medios desplazados para hacerse eco de su presencia, lo que indudablemente ayudó a potenciar la repercusión y proyección del evento más allá de su ámbito natural.

De Souza Street Fighter

Jeri Barchilon y Steven E. De Souza durante la sesión de preguntas y respuestas posterior al pase de “Street Fighter: la última batalla”

De Souza acudiría a CutreCon para recoger el Premio “Sha-di-a”, instaurado el año pasado para reconocer a personalidades que, sin haberse prodigado dentro del “cine cutre”, cuentan en su haber con alguna película que sea un hito dentro de esta vertiente. La escenificación y el porqué de este galardón se explicitó con la celebración el jueves de “Impact Game: Gamexploitation”, una sesión doble compuesta por Street Fighter: La última batalla (Street Fighter, 1994), adaptación a imagen real del famoso videojuego escrita y dirigida por el cineasta homenajeado, y Korean Street Fighter (Geori-eui Mubeopja, 1992), oportunista cinta de animación sin sentido, cuyas “bondades” fueron comentadas en directo por el formato “Videofobia en vivo”. Centrándonos en el film de De Souza, a pesar de la mala fama que la acompaña desde su ya lejano estreno, lo cierto es que visto con veinticinco años de distancia queda lejos de ser el desastre que comúnmente se la ha achacado. No voy a ser yo el que ahora le reivindique, pero si que algunos de sus supuestos defectos, caso de su comicidad teóricamente involuntaria, es evidente que, en realidad, es buscada. Ello no quita para que sus resultados se vean afectados por numerosas imperfecciones, en algunos casos derivadas de los diversos condicionantes que confluyeron en su elaboración y que De Souza fue desgranando tanto en la presentación previa, como en el coloquio que tuvo lugar una vez terminado el pase, en el que respondió de forma locuaz a las preguntas formuladas por los asistentes en compañía de su esposa, Jeri Barchilon, a la sazón productora y actriz del film.

Encuentro invitados

“Meet & Greet” con los invitados del festival. De izda. a dcha.: Pedro J, Mérica (moderador y traductor), el escrito Timon Singh, Vasni Ramos, Robert Bronzi y Steven E. De Souza.

Como parte del homenaje a su persona, De Souza abriría un día después la primera de las maratones programadas en el auditorio de la Casa del Reloj con “Carrion Death” (1991), episodio perteneciente a la mítica Historias de la cripta, un apreciable ejercicio de estilo sustentado, básicamente, en un solo personaje, interpretado por Kyle MacLachlan, el agente Dale Cooper de Twin Peaks, y regado por el humor negro tan característico de la serie. Tras él, su director regalaría a los asistentes con los últimos diez minutos de su remontaje televisivo en tres dimensiones de Robot Monster (1953), película que iba a proyectarse el sábado, antes de someterse nuevamente a las preguntas del público. Algo que hizo por partida doble, además, ya que a continuación tuvo lugar el ya tradicional “Meet & Greet” con los invitados, y que contó con la participación del propio De Souza, Timon Singh, autor de “Born to be Bad”, el libro oficial de esta edición compuesto por diversas entrevistas a los intérpretes de algunos de los principales villanos del cine de acción de las últimas décadas, el director de Apocalipsis Voodoo, Vasni Ramos, película que vivió su estreno a nivel mundial en este mismo marco el año pasado, y Robert Bronzi, el clon húngaro de Charles Bronson, de impresionante parecido físico con el recordado actor.

Carlos Palencia y Robert Bronzi

Robert Bronzi durante la presentación de la premiere española de su película “Death Kiss”

Precisamente Bronzi, quien ya había participado como telonero en el “Bronsonfest” repasando su trayectoria y presentando un par de tráilers de sus films a modo de aperitivo, fue el gran protagonista de la siguiente sesión del día con la premiere española de Death Kiss (2018). Como no es muy difícil adivinar a juzgar por su título, se trata de una exploitation descarada de la saga Death Wish, en fondo y forma. Tanto es así, que retoma y amplifica el discurso reaccionario, xenófobo y machista de las películas originales, el cual es explicitado a través del personaje de Daniel Baldwin, un locutor de radio que se pasa media película lanzando discursos incendiarios en los cuestiona la capacidad de los métodos policiales para luchar contra el crimen, abogando en última instancia por usar sus mismas armas. Por lo demás, la película se ve lastrada por la incapacidad a nivel visual y narrativo que exhibe su director, Rene Perez, lo que se traduce en un desarrollo compuesto por una interminable sucesión de secuencias inconexas en las que el justiciero protagonista ejecuta a diversos maleantes, sin que medie entre ellas progresión dramática alguna. Así las cosas, el único aspecto salvable de tan olvidable producto se encuentra en la fuerza que desprende la presencia de Bronzi en cada una de sus apariciones y, en especial, en aquellos planos que homenajean a otros de auténticos films de Charles Bronson.

Pedro Temboury-documental

Pedro Temboury durante el coloquio con el público que tuvo lugar tras la proyección de “La última película de Jess Franco”

Para cerrar esta primera maratón la organización había preparado otro de los momentos álgidos de este año con la entrega del premio Jess Franco, su máximo galardón, a Pedro Temboury. Un reconocimiento que el cineasta malagueño recogió sinceramente agradecido, subrayando la ilusión que le hacía recibir un premio que tenía el nombre del que había sido su mentor y maestro. A continuación se proyectó la que fuera su ópera prima, Kárate a muerte a Torremolinos (2003), cuya despendolada mezcla de surferos católicos, zombis karatecas, mad doctors, y monstruos marinos mitad pulpos mitad centollos fue acogida con entusiasmo por un público entregado que no paró de aplaudir y jalear cada nueva aparición de Jocántaro. No obstante, este no fue el único film del homenajeado que pudo verse a lo largo del certamen. La mañana del domingo la Casa del Reloj acogió el pase de su documental La última película de Jess Franco (2013), en el que la búsqueda iniciada por el emblemático Al Pereira, significativamente interpretado por el propio Temboury, para localizar el rastro de la supuesta última película realizada por Jesús Franco es la excusa para que diversas personalidades relacionadas con el cine del madrileño hablen de él y de su obra, conformando un acercamiento único e imprescindible, que ahonda en la esencia del cine de Franco al tiempo que le rinde homenaje, y que se cierra con el prolífico director confesándose a cámara, en unas imágenes rodadas poco antes de su fallecimiento, sobre los sinsabores que le granjeó el hacer el tipo de cine al que se vio abocado, conformando un momento sorprendente, mágico y emotivo.

Timon Singh

Además de ser el autor del libro oficial de esta edición, el británico Timon Singh presentó en “Documentrash” un adelanto de “In Search of the Last Action Heroes”, documental del que es productor.

La última película de Jess Franco formaría parte de “Documentrash”, la sección de CutreCon dedicada al formato documental y que, como es tradicional, se desarrolló bajo el formato de sesión doble. El otro título en cuestión fue Fuck You All: The Uwe Boll Story (2018), en lo que supuso el estreno europeo de este trabajo que a través del testimonio del propio Boll, junto con las de profesionales que han trabajado en sus films y algunos de sus muchos críticos, trata de desentrañar la controvertida personalidad del director alemán y sus peculiares métodos de trabajo, ofreciendo una imagen bastante completa del cineasta, si bien quepa reprocharle la reiteración y dilatación en la que cae en su último tramo. Antes de su proyección, Timon Singh presentó el documental In Search of the Last Action Heroes, centrado en la evolución del cine de acción desde finales de los setenta hasta hoy de la mano de varios de sus principales protagonistas, y que se encuentra actualmente en fase de producción. Además de ofrecer un pequeño adelanto de su contenido, Singh comentó los futuros planes del proyecto, así como de las dificultades que se han encontrado a la hora de contar con la presencia de las principales figuras del estilo, caso de Sylvester Stallone, Arnold Schwarzenegger o Jean-Claude Van Damme.

Junto con Steven E. De Souza, Pedro Temboury y Robert Bronzi, el otro pilar sobre el que se sustentó esta octava CutreCon fueron las películas protagonizadas por simios, no por casualidad el leitmotiv temático de la edición. Ya en la sesión golfa del viernes se programaba el primero de estos títulos con América 3000 (America 3000, 1986) , con cuyo pase el certamen cumplía su cita anual con el cine de la Cannon, al tiempo que inauguraba “Cutrerion Collection”, una nueva sección destinada a “grandes anteclásicos del cine cutre”, en palabras de sus creadores. Pese a lo dicho, la teórica vinculación de América 3000 con el cine de/con simios es bastante relativa, sustanciándose en la presencia de una especie de Chewbacca en versión primate que se pasea por la película portando un ostentoso radiocasette a hombros, cual rapero de los ochenta. En realidad, el film en cuestión es una cinta de temática post-apocalíptica protagonizada por Laurene Landon, en la que, al igual que ocurre en Hundra (1983), su aportación a la fantasía heroica rodada en España, se retrata la guerra de sexos mediante el enfrentamiento de dos clanes formados exclusivamente por mujeres, el uno, y por hombres, el otro. Aburridísima, ni la peculiar jerga “post-apocalíptica” empleada por el narrador en off consigue despejar el tedio, cuando no la somnolencia, a la que induce su visionado.

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Presentación de uno de los pases en el auditorio de la Casa del Reloj en la que se personificó el alienígena protagonista de “Robot Monster”

De este modo, el verdadero desembarco de películas de monos se aglutinaría en las dos maratones celebradas el fin de semana. Como es habitual, la maratón del sábado tuvo como escenario la Casa del Reloj y fue la que más película programó, lo que no fue impedimento para que en la práctica totalidad de las sesiones la sala se abarrotara. Dividida en dos partes, la tanda matutina se abría con La leyenda del Rey León (Der  König der Tiere, 1994), infame copia alemana de El rey león (The Lion King, 1994) de estática animación y bochornoso acabo técnico, que cuenta, además, con uno de los argumentos más demenciales que uno recuerda, y que sorprende fuera pensado para una película –o lo que sea- orientada hacia el público infantil. Previo reparto de las necesarias gafas, le tomó el relevo la proyección en 3D (o no tanto) de uno de los exponentes más psicotrónicos de la ciencia ficción norteamericana de los años cincuenta, Robot Monster y su enamoradizo gorila con escafandra llegado desde el espacio para acabar con la vida humana en la Tierra. Por último, la maratón alcanzaba su descanso con la simpática Commando Ninja (2018), reciente comedia de acción francesa producida mediante crowfunding que responde a la tendencia del cine actual de reivindicar el legado cultural pop de la década de los ochenta, un tanto en la honda de Turbo Kid (Turbo Kid, 2015).

Ya por la tarde, la maratón se reanudaba con la proyección consecutiva de sendas explotaciones del King Kong (King Kong, 1976) de Dino de Laurentiis: primero la producción de la Shaw Brothers El grandioso hombre de Pekín (The Mighty Peking Man, 1977) y después Yeti, el abominable hombre de las nieves (Yeti, il gigante del 20 secolo, 1977), de nacionalidad italiana. Dos exponentes que, a pesar de su muy distinta procedencia geográfica, se hermanan por su tendencia al melodrama y el protagonismo que gozan en sus imágenes los pezones de sus personajes principales, el del yeti en el caso de la segunda y el de la atractiva tarzana que vive junto al gigantesco simio que le da título en la primera. Tras ellas, la maratón tocaba a su fin con Suburban Squatch (2004), película casera que entremezcla las leyendas de los indios nativos norteamericanos con las correrías de un grotesco bigfoot de felpa. Acreedora de un nivel técnico propio de una producción ugandesa, efectos por ordenador incluidos, disipado el efecto inicial de semejante despropósito, su visionado se torna en una tortura insufrible, agravada por las interminables dos horas de las que consta su metraje. A este respecto resulta indicativa la desesperación que expresaron muchos de los asistentes ante el aviso de los subtítulos de que aún quedaba una hora de película en un momento determinado.

Vera y Palencia Kongaton

Un año más Vera Montessori y Carlos Palencia fueron los maestros de ceremonia de Cutrecon

Al día siguiente, el certamen entraba en su último tramo con la celebración de la habitual maratón de cuatro películas del domingo por la tarde, que, acorde a la temática elegida, fue bautizada con el nombre de “Kongatón”. Lo hacía estrenando nuevo escenario, la Sala 0 del Palacio de la Prensa, en una elección que presentó sus luces y sus sombras. En el lado positivo, el que las proyecciones tuvieran lugar en lo que habitualmente es una discoteca permitió potenciar el ambiente distendido, permitiendo además a los asistentes durante la proyección de las películas la adquisición y consumo de refrigerios en las barras habilitadas a tal efecto, o comprar alguna película o merchandising del certamen en los dos stands adyacentes. Pero, por el lado contrario, las butacas dispuestas eran bastante incómodas, sobre todo teniendo en cuenta las más de seis horas que como mínimo los espectadores teníamos que permanecer sentados en ellas, con el añadido de que su distribución en la sala hacía que, dependiendo de donde se estuviera ubicado, parte de la pantalla fuera tapada por la cabeza de otro espectador de una fila delantera. Un aspecto que los organizadores esperemos que tengan en cuenta de cara a futuras ediciones, pero que, en cualquier caso, fue el único aspecto criticable de una organización que, por lo demás, brilló al buen nivel acostumbrado.

Con cierto retraso sobre el horario previsto, “Kongatón” echaba a andar con la británica Queen Kong, película datada en 1976 pero no estrenada hasta comienzos de este siglo a causa de la demanda que Dino de Laurentiis le puso en su momento por utilizar el nombre de Kong en su título, según explicó Carlos Palencia. A grandes rasgos, se trata de una parodia de King Kong acorde al peculiar sentido del humor de la comedia popular de las Islas, si bien presenta dos elementos dignos de ser destacado. Uno: un acento abiertamente feminista que, no obstante, contrasta con el modo en el que la cámara se recrea en la anatomía de las muchas féminas que desfilan a lo largo del metraje ligeras de ropa o ceñidas en sucintos mini shorts. Y dos: aunque su principal influencia diríase que son la franquicia Carry On y los films de Mel Brooks, su humor disparatado y metacinematográfico se adelanta en más de un sentido al estilo que poco tiempo después acuñaran Jim Abrahams y los hermanos David y Jerry Zucker en films como Made in Usa (The Kentucky Fried Movie, 1977) o Aterriza como puedas (Airplane!, 1980).

Aunque en un primer momento la película anunciada era El gorila ataca (King Kongui daeyeokseub/A*P*E, 1976), en segundo lugar se proyectó La venganza del mono sagrado, título español de Sri Anjaneyam (2004), producción de Tollywood con mensaje religioso que se pasó en su versión reducida de hora y media, sin las numerosas escenas musicales que trufan su metraje y que caracterizan a este tipo de productos. Pese a ello, su visionado resultó ser un auténtico suplicio para los sentidos, merced a un montaje acelerado, movimientos de cámara a lo Sam Raimi y profusión de diálogos interminables y machacones que acaban por perforar los tímpanos y el cerebro. Entonces sí, le tocaba el turno a la mencionada El gorila ataca, enésimo remedo de King Kong visto en el certamen. Realizado en régimen de coproducción entre Corea del Sur y los Estados Unidos, sus resultados se ven aquejadoa de todos los defectos típicos de la mala Serie B. A saber: historia mínima e inconsistente, efectos paupérrimos, con mención especial para el traje del gorila, fallos de escala y perspectiva, material de archivo insertado en repetidas ocasiones sin más propósito que alargar el metraje, y personajes que hablan constantemente por teléfono, singularizados en el militar interpretado por el habitual del western Alex Nicol, en el que fue uno de sus últimos papeles.

Carlos Palencia despedida Kongaton

Carlos Palencia, director de Cutrecon, despidiéndose del público hasta el próximo año

La encargada de clausurar “Kongatón” y, por ende, esta CutreCon, fue El apocalipsis del Planeta de los simios (Time of the Apes, 1987), remontaje en formato película para el mercado norteamericano de Saru no gundan (1974), serie japonesa inspirada en la novela que diera lugar al famoso film protagonizado por Charlton Heston. La reducción a hora y media de una serie que originalmente constaba de veintiséis episodios se traduce, con toda lógica, en un desarrollo abrupto e inconexo, con personajes que aparecen, desaparecen y/o reaparecen sin que se sepa el porqué, y demás incongruencias propias derivadas de su condición de resumen. De este modo se echaba el cierre a esta octava Cutrecon, cinco días en los que el amor al cine (cutre) y el ambiente festivo fueron la tónica predominante. Aunque antes, Carlos Palencia se encargó de ir abriendo boca de cara al próximo año, al desvelar en su despedida que el hilo conductor del festival para su novena edición serán las películas sobre monstruos marinos.

José Luis Salvador Estébenez

Published in: on febrero 8, 2019 at 10:40 am  Dejar un comentario  
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Palmarés de los Goya 2019

El reino y Campeones han sido las películas más galardonadas en la ceremonia de los trigésimo terceros premios Goya, celebrada anoche en Sevilla. El reino fue la gran triunfadora de la velada acumulando hasta siete galardones, entre los que se encuentran el de mejor guión, mejor actor protagonista y mejor actor de reparto, para Antonio de la Torre y Luis Zahera, respectivamente, y el de mejor director para Rodrigo Sorogoyen. Por su parte, la comedia de superación de Javier Fesser se alzó con los reconocimientos a la mejor película, mejor canción original y mejor actor revelación por el trabajo de Jesús Vidal.

En cuanto a los galardones destinados a las producciones foráneas, el de mejor película iberoamericana recayó en la mexicana Roma de Alfonso Cuarón, mientras que el destinado a la mejor película europea fue para la polaca Cold War. Por último, hay que recordar que el Goya honorífico de este año sirvió para homenajear a uno de los nombres propios del género terrorífico español en el medio audiovisual como es el gran Chicho Ibáñez Serrador.

A continuación os ofrecemos el listado completo de ganadores de esta edición de los Goya:

Mejor Actriz de Reparto

Carolina Yuste por Carmen y Lola

Mejor Dirección de Fotografía

La sombra de la ley

Mejor Montaje

El reino

Mejor Actriz Revelación

Eva Llorach por Quién te cantará

Mejor Guión Adaptado

La noche de 12 años

Mejor Guión Original

El reino

Goya de Honor

Narciso Ibáñez Serrador

Mejor Actor Revelación

Jesús Vidal por Campeones)

Mejor Dirección Artística

La sombra de la ley

Mejor Sonido

El reino

Mejores Efectos Especiales

Superlópez

Mejor Cortometraje Documental

Gaza de Carles Bover & Julio Pérez

Mejor Cortometraje de Animación

Cazatalentos de José Herrera

Mejor Cortometraje de Ficción

Cerdita de Carlota Pereda

Mejor Actor de Reparto

Luis Zahera por El reino

Mejor Película de Animación

Un día más con vida

Mejor Película Europea

Cold War

Mejor Dirección Novel

Arantxa Echevarría por Carmen y Lola

Mejor Canción Original

Campeones

Mejor Música Original

El reino

Mejor Diseño de Vestuario

La sombra de la ley

Mejor Maquillaje y Peluquería

El hombre que mató a Don Quijote

Mejor Dirección de Producción

El hombre que mató a Don Quijote

Mejor Película Documental

El silencio de los otros

Mejor Película Iberoamericana

Roma
Mejor Actor Protagonista

Antonio de la Torre por El reino

Mejor Actriz Protagonista

Susi Sánchez por La enfermedad del domingo

Mejor Dirección

Rodrigo Sorogoyen por El reino

Mejor Película

Campeones

Published in: on febrero 3, 2019 at 10:07 am  Dejar un comentario  

Entrevista a Pedro Temboury, “Premio Jess Franco” en Cutrecon VIII

pedrotemboury

Pedro Temboury fue la personalidad escogida por CutreCon para hacerle entrega de su honorífico premio Jess Franco durante su octava edición, celebrada entre los pasados 23 y 27 de enero. Un galardón que el malagueño agradeció subrayando lo especial que le resultaba recibir un reconocimiento que llevaba el nombre del que fuera su mentor y maestro, según reconoció en la rueda de prensa de presentación del certamen. Con su elección, el Festival de Cine Cutre de Madrid quiso reconocer la trayectoria de un cineasta que en el arranque del nuevo milenio se convirtió en uno de los principales nombres del cine underground español a través de dos películas plagadas de monstruos marinos, científicos locos, penes incorruptos en tarros de formol y sociedades secretas de amazonas, que lucían con orgullo y sin prejuicios su condición de series Z envueltas en música rock and roll y mucho, mucho sentido del humor. Sin embargo, superada la primera década del nuevo siglo, Temboury abandonó el cine de ficción para reorientar su carrera hacia el formato documental, donde desde entonces ha seguido ocupándose de algunas de sus pasiones, como el surf, el skate o el propio Jesús Franco.

Como complemento al homenaje dedicado al cineasta, la octava edición de CutreCon programó dos de sus largometrajes, cada uno de ellos pertenecientes a una de las etapas en las que se divide su filmografía. Por un lado, la emblemática Kárate a muerte en Torremolinos (2003), proyectada como plato fuerte de la tradicional maratón del viernes en la Casa del Reloj y que sirvió para escenificar la entrega del máximo galardón del certamen. Y, por otro, La última película de Jess Franco/Le dernier film de Jess Franco (2013), donde analiza a través del testimonio de diversos nombres propios de su cine la trayectoria del icónico cineasta al tiempo que le rinde tributo, y que pudo verse dentro de la doble sesión matinal del domingo de “Documentrash”, el espacio dedicado por CutreCon al formato documental.

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Pedro Temboury agradeciendo el Premio Jess Franco con el que le homenajeó CutreCon

Según he leído, tu afición por el cine y la Serie B te viene por parte paterna…

Pues sí. Yo tuve la suerte de crecer en la época en la que aún existían los cines de barrio y había uno de estos cines al lado de mi casa en el que vi muchas películas, como 20.000 mil leguas de viajes submarinos (20,000 Leagues Under the Sea, 1954). Mi padre era un gran aficionado al cine de Serie B, al que le encantaban las películas tipo La humanidad en peligro (Them!, 1954), El increíble hombre menguante (The Incredible Shrinking Man, 1957), El gigante ataca [tv/dvd El asombroso hombre creciente] (The Amazing Colossal Man, 1957), La invasión de los ladrones de cuerpos (Invasion of the Body Snatchers, 1956)… Y estas películas me fascinaron y me acompañaron durante toda mi vida. Lógicamente, cuando empecé a rodar cortos me acogí a estas influencias, que era donde yo me sentía más cómodo.

¿Y qué te lleva a comenzar a rodar cortos?

Cuando vivía en Málaga un día en Metrópolis[1] emitieron un programa dedicado a la gente que estaba empezando a hacer cortometrajes sangrientos en España y dieron los de Álex de la Iglesia y Santiago Segura. Yo era un fan de Peter Jackson y todo el gore en general, y cuando vi un corto de Santiago Segura que estaba hecho en Super 8 recordé que un tío mío tenía una cámara de Super 8. Así que al día siguiente le estaba llamando: “Oye, préstame la cámara que me gustaría hacer un corto con los amigos”. Me dejó la cámara, hubo que arreglarle un par de cosillas, y al mes ya estábamos rodando nuestros primeros cortos. Aunque siempre he escrito relatos, me ha encantado el cómico y el hecho de contar historias y tenía ese gusanillo, y fue claramente aquel corto de Santiago Segura en Super 8 donde él mismo doblaba a todos los personajes el que me empujó a rodar mis cortos[2].

En aquella época tenía un grupo de amigos que me apoyaba un montón para sacar estos cortos adelante. Por ejemplo, mi novia, Raquel Cabra, era la directora de fotografía, como después lo sería en varías películas de Jesús Franco. El primero fue Drácula, en el año 1993, el segundo fue Cigarrillos radioactivos, creo que un año después, a este le siguió Ceniza y Vida y muerte de un coleccionista de discos, y, ya por último, Psycholettes (1996).

Por aquellos años te conviertes además en ayudante de dirección y jefe de producción en las películas de Jesús Franco. ¿Cómo entraste en contacto y empiezas a trabajar con él?

A través de estos cortometrajes. Le enseñé mis cortos en Super 8 a Lourdes Olaizola, la hermana de José Luis Olaizola, un productor muy potente, y ella me dijo que estaban chulísimos y eran muy originales. “Yo creo que si te curras un guioncillo te puedo ayudar en Madrid a colocárselo a mi hermano”, me propuso, y así hice. Al día siguiente tenía ya una idea preparada que era Psycholettes, y se lo presenté. Psycholettes tuvo bastante éxito dentro de festivales y me lo compró Canal Plus. Cuando fui a Canal Plus para negociar la venta me preguntaron si era fan de Jesús Franco. Les contesté que sí, claro, y entonces me comentaron que iba a ir al Cinema Jove de aquel año, 1996, y que si me apetecía me podían acreditar como trabajador de Canal Plus para que fuera al festival. “Lo mismo le conoces y todo”. Aunque yo empecé con el cine de Serie B que le gustaba a mi padre, después investigué por mi cuenta. Y en mi caso la música ha estado muy relacionada con mi inclinación al cine. Yo era muy fan de los Ramones y Johnny Ramone era súper fan de Jesús Franco. Tanto es así que cada vez que le entrevistaba un periodista español le preguntaba si conocía a Jesús Franco y si el periodista le respondía que no se comportaba en plan borde. Pero si le decía que sí cuentan que daba unas entrevistas cojonudas. Cuando leí esa anécdota me puse a investigar quién era ese Jesús Franco al que yo no conocía. Me encantó, me obsesioné con su cine y empecé a ver películas suyas sin parar durante mogollón de tiempo. Y eso me retroalimentaba más, porque veía que el cine que yo quería hacer era un cine asequible que no necesitaba de grandes medios.

Así que fui al Cinema Jove y, efectivamente, conocí a Jesús Franco. Le enseñé Psycholettes, que es un homenaje al cine de Jesús, y me acuerdo que mientras lo veía me miraba de vez en cuando como en plan “¡Hostias, esto cómo mola!” (risas). Entonces le comenté que era súper fan suyo, que me encantaba su cine, que le admiraba y que me gustaría trabajar en alguna película suya, aunque fuera para llevarle los cafés. Se apuntó mi teléfono y a los tres meses, después del verano, creo que a finales de septiembre, un día que estaba comiendo en casa de mi madre llaman al teléfono. Lo coge mi hermana y me dice: “Pedro, te llama Jesús Franco”. Me quedo flipando y cuando me pongo, efectivamente, era él. “Pedro, mira, mañana voy a Málaga para rodar unas películas que tengo firmadas y me encantaría que me echaras una mano. Pásate mañana y hablamos”.

Al día siguiente fui con un colega a recoger a Jesús al aeropuerto y me contó que iba a rodar en Málaga Tender Flesh (1997), que fue la película que hizo justo después de Killer Barbys (1996) con producción norteamericana y alemana. Yo en un principio creía que iba a llevar los cafés, pero para mi sorpresa Jesús tenía pensada otra cosa. “En Psycholettes se veía que tenías un equipo muy apañado. Cualquiera se cree que es una producción profesional. Habla con tus colegas a ver si llegamos a un acuerdo. Tengo este presupuesto y os puedo pagar tanto”. Estuvimos localizando una semana, después se volvió a Madrid, y como a las tres semanas estábamos rodando la película con el equipo de mis cortometrajes y actores internacionales. Tú imagínate para nosotros lo que suponía que Jesús Franco viniera a Málaga a rodar con nosotros. De hecho, mi primer sueldo en la industria lo cobré con Jesús. Y él quedó encantado con nosotros, porque entonces debíamos tener como veinticinco o veintiséis años y teníamos una energía de flipar, sobre todo al ser fans de él. Tanto le encantó que se fue a vivir a Málaga y allí se quedó hasta que murió. Yo estuve ayudándole en cinco películas antes de venirme a Madrid a trabajar, porque aunque Jesús rodaba un par de películas al año, con eso no me daba para vivir, ya que aparte de él no había mucho curro en Málaga.

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Es obvio que este aprendizaje con Jesús resultó fundamental para que te decidieras a dar el salto y rodar tu primer largo con Kárate a muerte en Torremolinos

Efectivamente. Yo también había crecido en ese caldo de cultivo del cine de Serie B y Z y en mis propios cortometrajes no nos gastábamos un duro. Pero ya con Jesús comprobé que con esos medios se podía hacer un largometraje, que siempre iba a tener más repercusión que un cortometraje, porque la vida de un cortometraje es muy limitada. Con un largometraje, en cambio, fíjate: dieciocho años después Kárate a muerte en Torremolinos se sigue proyectando.

¿Y cuál es la idea que sirve de detonante para que hicieras una película tan gamberra, en la que entremezclas científicos locos, monstruos marinos, surfistas católicos y karatekas, entre otras cosas?

Estando rodando con Jesús Doctor Wong (Dr. Wong’s Virtual Hell, 1999) me descojonaba cuando le veía haciendo el personaje. “¡Qué puto genio! ¡Qué maestro!”, pensaba. Y entonces se me ocurrió el hacer una película de karatecas en Torroles que fuera súper loca, con monstruos marinos, zombis ninja y todo lo que nos gusta. Con esta idea, una vez que tuve el argumento armado llamé a Pablo, que era el colega que fue coguionista, y aquí en Madrid escribimos el libreto en dos meses. De hecho, como yo ya estaba en Madrid currando pude ahorrar dinero unos meses no pagando el IVA; en ese momento, claro, que después se lo cobraron (risas). Estuve un año sin pagar el IVA y con ese dinero que pude ahorrar me lancé a rodar la película con seis mil euros en doce días con un equipo mínimo. No sé, seríamos diez o quince personas dependiendo del día. Y sí, bueno, después se metió un productor de Madrid, Tomás Cimadevilla de Telespan, que es la productora de El otro lado de la cama (2002) o Días de fútbol (2003), y cuya primera referencia fue Kárate a muerte en Torremolinos. Nos ayudó en la post-producción, pero en el rodaje fuimos nosotros a nuestro rollo.

Imagino que en estas condiciones el rodaje sería una locura…

Precisamente hay una anécdota cuando vino este productor al rodaje. Nosotros cuando terminábamos cada día nos íbamos de marcha, porque era una película, pero como la gente no cobraba teníamos un poco una actitud de hacer un campamento de cine de verano y no de hacer una película en plan serio. En aquella época yo tenía una casa en Málaga y allí nos hospedábamos todos. En mi habitación lo mismo dormían tres personas, en el salón lo hacían seis o siete, otros en la azotea… Nos repartíamos por toda la casa porque no había dinero para hoteles. Y este productor un día después de una noche de marcha me dijo: “Joder, Pedro, vosotros no descansáis, y tú necesitas descansar”. “Mira, Tomás”, le contesté, “esto es un rodaje punk-rock y esto es así. Estamos aquí para divertirnos”. Y eso mismo es lo que se plasmó en la película.

Después hay miles de anécdotas del rodaje de Kárate a muerte en Torremolinos. Por ejemplo, teníamos que dar “el agua” porque rodábamos sin permisos, así que poníamos a gente en sitios estratégicos por si venía la policía que nos avisara para esconder la cámara. O en las tomas de Jocántaro en la playa, que como no había medios y aunque hicimos un llamamiento a los colegas solo vinieron dos o tres, hicimos que atacara a la gente que había allí. Recuerdo que estábamos ensayando la toma, que era el ataque en la playa a una pareja, y de repente se nos juntó un montón de curiosos alrededor mirando. Así que les dije al cámara y Jocántaro que aunque estuviéramos ensayando el ataque a la pareja, cuando yo dijera acción para rodar, en lugar de eso Jocántaro atacara a toda esa gente que había alrededor. Y de ahí salió la toma en la que hay una estampida de gente corriendo despavorida por la playa. Y como esto hubo mogollón de trucos y anécdotas, ya que todo eran favores de gente y demás que conlleva hacer una película de Serie Z.

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Rueda de prensa de presentación de la octava edición de CutreCon. De izda. a dcha.: Carlos Palencia (director del festival), Pedro Temboury, Steven De Souza (Premio Sha-di-a) y Pedro J. Mérida (productor del festival)

La película está plagada de numerosas referencias, empezando por el nombre de varios personajes. ¿Era un simple guiño o también una forma de homenajear a tus referentes?

Claro. Cuando tú ruedas una película como esta y estás empezando lo que haces es homenajear a tu gente y lo que más te gusta. Y aquí teníamos a las películas de kárate, los monstruos marinos, las tablas de surf, ya que yo soy medio surfero, Jesús Franco haciendo de Miyagi… Y a la hora de buscar el título fue un poco igual. Una noche de risas salió el nombre de Kárate a muerte en Torremolinos y ahí se quedó.

Kárate a muerte en Torremolinos apareció en un momento en el que el cine underground español vivió una época de efervescencia, lo que facilitó que la película conociera una distribución más o menos normalizada, algo impensable tan solo unos años antes o después. ¿Cómo recuerdas aquella época?

Aunque después fue flor de un día, sí que en ese momento a principios de milenio había como una eclosión y nosotros la pudimos aprovechar. Por ejemplo, Kárate a muerte en Torremolinos fue la primera película que se estrenó a nivel digital en España, a través de la web ya.com. Ellos nos decían que estaba teniendo mucho éxito y yo casi no sabía de lo que me hablaba, porque yo en ese momento Internet solo lo usaba en el trabajo, pero el hecho es que pudimos entrar en este tipo de distribución. En esto también ayudó Tomás Cimadevilla, que tenía muy buenos contactos e hizo que pudiéramos cumplir con todo el papeleo que exige el Ministerio para legalizar la película, que muchas veces es una barrera infranqueable para los proyectos pequeños y que en nuestro caso gracias a Tomás la pudimos pasar.

Luego también estuvo el caldo de cultivo que hicimos en los festivales, donde pillamos como nombre entre la gente, hasta el punto de que fue la película más descargada en España en ese momento, según me dijo un colega informático. Yo flipé, aunque a la vez me mosqueaba. Me daba como penilla, porque los éxitos de fans molan mogollón, pero en la industria lo único que cuenta es el éxito monetario. Y yo notaba que la peli gustaba un montón, pero sin embargo no daba dinero, aunque luego pudimos hacer Ellos robaron la picha de Hitler (2006).

Hablemos de ella entonces. Aunque el tono es el mismo, comparada con Kárate a muerte en Torremolinos, Ellos robaron la picha de Hitler denota cierta evolución a nivel técnico, presentando una mejor factura. ¿Hubo algún cambio por tu parte en la forma de afrontar esta segunda película?

Como habíamos hecho una película como Kárate a muerte en Torremolinos, lo que me propuse es que la siguiente tenía que ser mejor. No obstante, Ellos robaron la picha de Hitler fue una película un poco fallida. Yo tenía otro guion antes, que se llamaba Pelos y lo había comprado Antonio Resines, y aunque estuvo a punto de hacerse, al final no salió. Creo que si Pelos hubiera salido se habría encaminado mi carrera. Pero como no salió, al final opté por hacer algo parecido a Kárate a muerte en Torremolinos, que era donde yo estaba cómodo, con mis colegas, en Málaga y con un guion súper loco. Lo que pasa es que en esta ocasión el humor se nos fue de las manos, porque este rollo de los nazis y tal no hace tanta chufla. Creo que eso fue lo que hizo que no se la tomara con tanto humor como a Kárate a muerte en Torremolinos.

Por otra parte, y aunque es culpa de la película y por ende mía, tampoco la pillaron en la Semana de Terror de San Sebastián, que era donde habíamos estrenado Kárate a muerte en Torremolinos y se había dado a conocer. Se pasó en menos festivales y la promoción, al hacerla a través de Telespan, no fue exactamente como yo quería, porque, por ejemplo, no se intentó ir al Festival de Sitges, cuando Sitges sí la quería, porque el productor tenía buenos contactos en el Festival de Málaga y quería estrenarla allí, cuando yo decía que como era una película de cine fantástico tenía que verla su gente para que pudiera hablar de ella.

Todo esto que me comentas ¿tuvo que ver que tras Ellos robaron la picha de Hitler abandonaras el cine de ficción y te pasaras al documental?

No exactamente. Estas películas las hacía en los momentos que me dejaba mi trabajo. Por ejemplo, Kárate a muerte en Torremolinos la rodé durante las vacaciones que tenía en el trabajo, lo que hizo que después para recuperar me tuviera que tirar todos los fines de semana durante un año trabajando como un bestia editando, porque no me podía permitir quitarme de mi trabajo. Y con Ellos robaron la picha de Hitler me quedé con un poco de desazón. Me planteé: “¿Tiene sentido este puto cansancio y este puto tute que te das de trabajar?” Además coincidió que tenía otro guion que ya estaba moviendo y no salía, no salía… Así que llegó un momento en el que decidí irme en verano a surfear por ahí, para un poco retomar mi afición. Y al disfrutar tanto del surf y del skate opté por tomarme un descansito del cine que me había dando tanto curro. Aparte, como en Ellos robaron la picha de Hitler tampoco cobró nadie iban a ser ya tres películas en las que no iba a pagar. Y yo me había puesto el tope de que, al menos, en la tercera película tenía que empezar a pagar al equipo. No podía ser que estuviera constantemente pidiendo favores a todo el mundo y ahí me planté.

Después, mientras surfeaba y patinaba, me surgió la idea de hacer Monopatín (2013)[3], ya que era algo que podía hacer yo solo y los favores me los tenía que hacer yo mismo. Y así hice. Además de dirigirla, Monopatín la edité yo, escribí el guion… Y a partir de ahí me lié con el documental.

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Junto con Carlos Palencia tras la proyección en el Auditorio del Centro Cultural Casa del Reloj de “Kárate a muerte en Torremolinos”

Dentro de esta faceta como documentalista es donde se inserta La última película de Jess Franco, en el que abordas la carrera del que fuera tu mentor. ¿Cómo surgió este proyecto?

Justo cuando empiezo con los documentales, Thomas Lesoeur, el hijo de Daniel Lesoeur, que era el coproductor de muchas películas de Jesús con Eurociné, me propone hacer un documental sobre Jesús Franco. Yo encantado, claro, llamé a Álex Mendíbil para que me ayudara a hacer el guion y nos liamos la manta a la cabeza. Es un documental que no lo hice todo como yo quería. Yo tengo a Jesús mucho respeto y quería lo mejor para esta película, pero vi que de repente me faltaba el tiempo. Se me juntó con Monopatín, hasta el punto de que Monopatín se estrenaba en tal fecha y La última película de Jess Franco quince días después. Al estar yo solo, esto me supuso largas jornadas de trabajo de veinte horas editando. Una locura. Es por eso que me gustaría poder darle un repaso y hacerlo con más tiempo. Además, al estar producido por Eurociné tenía el hándicap de tener que ceñirme a su material, aunque también me sirvió para poder ver muchas películas de Jesús que no había visto y exprimir las bandas sonoras. Como necesitaba música me venía de lujo, y además Daniel White y Jesús en esas películas estaban en un momento pletórico.

En cualquier caso, fue muy emocionante para mí, porque Jesús murió durante aquella época. A pesar de que yo estaba en Madrid, la relación con él la seguí manteniendo y cuando iba a Málaga siempre lo visitaba. Fue muy duro por su muerte y tener que hacer la edición de esta película me traía muchos recuerdos. Pero, por otra parte, fue también muy bonito, porque me permitió hacerle un homenaje, aunque creo que a Jesús no le gustaría, porque es muy académico.

Bueno, también tiene ideas muy innovadoras, como que aparezca él mismo en una escena como si estuviera dirigiendo a una actriz, en un momento totalmente metacinematográfico…

Si, esa es la parte más chula. Además, esas son las últimas imágenes de Jesús. Después de eso, a los quince días le dio el ictus y se murió el pobre.

Precisamente, en la escena en la que aparece el dirigiendo a la actriz Jesús se confiesa en tono cómico pero con un trasfondo tremendamente amargo sobre cómo el dedicarse al tipo de cine que hizo le amargó la vida. ¿Lo habías escrito tú o fue cosa suya?

Él lo improvisó. Mis únicas instrucciones fueron que dirigiera a la chica que aparecía como actriz. La idea era el rollo de metacine de que yo era Al Pereira y llegaba a donde está rodando y él estaba un poco cabreado conmigo porque había desaparecido de sus películas. Esa era la intención y, personalmente, me sorprendió lo que dijo, igual que lo hizo cuando le dieron el Goya honorífico. Había estado despotricando contra la industria del cine durante toda su vida y cuando tuvo la oportunidad de desquitarse teniendo a todos juntos en una sala, en lugar de eso se mostró muy agradecido. Y es que Jesús tenía ese corazoncito que a veces le salía. Tú te pensabas que era punki siempre, pero también era un caballero.

En cuanto a los entrevistados, ¿contaste con todas las personalidades que querías o se quedó alguna fuera por los motivos que fueran?

Yo creo que conté con toda la gente que quería, más o menos. Algunas las hizo Thomas Lesoeur, como las de Roger Corman o Robert Forster, y el resto las hicimos nosotros en unos pocos días, que son las que tienen el fondo negro. Pero claro, siempre se queda gente en el tintero, aunque la más importante sí que está. Además, todos estuvieron encantados de hablar de Jesús. Quizás sí que faltó gente de su primera época, tipo Berlanga, pero como tampoco teníamos material de esta época no podíamos tocarlo mucho.

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Pedro durante el coloquio que tuvo lugar tras el pase de “La última película de Jess Franco” dentro de la sección “Documentrash”

Al menos en España el documental apenas ha conocido distribución. ¿Cuál es el motivo?

Pues no tengo ni idea, porque se tendría que haber estrenado hace ya un montón de tiempo. Habría que preguntárselo a Ferran Herranz, que fue el coproductor español. Puede que sea por la putada que suelen tener este tipo de películas, que quizás los derechos de los films de los que se incluyen fragmentos los tiene Eurociné para Francia, pero en España los tiene Fulanito y tienes que negociar con él. Entonces, es complicado, porque son muchas películas con los derechos repartidos entre varias personas y lo mismo por culpa de dos o tres títulos que no puedes hacerte con ellos el documental se ha quedado ahí. En cualquier caso, como te digo, es una pregunta para Ferran y los Lesoeur.

Personalmente me da un poco de penilla, porque aunque como te he dicho no esté totalmente satisfecho con él, creo que para la gente que se inicia en el cine de Jesús puede servirle de punto de partida para descubrirles las claves de ese particular universo franquiano que si lo ves desde fuera resulta tan chocante y que cuando vuelvan a ver una película suya lo hagan con ojos diferentes. A ver si en el futuro se puede distribuir.

Y mirando a medio y largo plazo, ¿te planteas volver a rodar películas gamberras del estilo de Kárate a muerte en Torremolinos y Ellos robaron la picha de Hitler, o es una etapa de tu carrera que ya das por finalizada?

No, no, no, no. Esa es una espina que tengo clavada. Yo entré en esto por este tipo de cine y tengo que irme igual, así que por supuesto que sí. Lo único es que, como te he comentado, quiero que al menos pueda cobrar el equipo, aunque la película sea la gamberrada de siempre. Es más, tengo mogollón de guiones para ello. Aunque estaría bien que hubiera algún productor que se animara o al menos se interesara, porque yo se los mando pero creo que ni se los leen. Ahora con las nuevas plataformas digitales y demás hay un nuevo campo que explorar, pero también ocurre que en estos momentos estoy muy cómodo con los documentales y mi trabajo en Olympic Channel, que me está permitiendo trabajar por todo el mundo con unos medios que nunca he tenido. Y yo, que soy un chico de barrio, cuando me dan unos drones para que ruede con ellos me quedo flipado (risas).

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías: Juan Mari Ripalda

[1] Mítico programa de TVE, emitido por La 2 a partir de 1985, dedicado a la cultura alternativa.

[2] Seguramente se refiere al corto Relatos de la medianoche (1989).

[3] Se trata de un documental deportivo que recorre los orígenes y la historia del monopatín en España contando con el testimonio de varios de sus protagonistas.

Published in: on febrero 1, 2019 at 7:01 am  Dejar un comentario  
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Fant acoge mañana la proyección de “Verano del 84”, la nueva película de los directores de “Turbo Kid” que se estrena este viernes

verano del 84

Tras haber pasado por varios de los principales festivales especializados en género fantástico del país, caso del Festival de Sitges, el Nocturna de Madrid, la Semana de Terror de San Sebastián, el Fancine de Málaga y el TerrorMolins, este viernes 1 de febrero llega a las salas españolas de la mano de A Contracorriente Films Verano del 84 (Summer of 84, 2018), la nueva película de los directores de la aclamada Turbo Kid (Turbo Kid, 2015), Anouk Whissell, François Simard y Yoann y Karl Whissell, también conocidos como RKSS.

Siguiendo la senda del fenómeno televisivo Stranger Things o la reciente versión de ItVerano del 84 es un thriller de terror y suspense que rinde homenaje al cine fantástico comercial de los años ochenta protagonizado por adolescentes. Con tal propósito traslada su acción a aquella década para narrar las aventuras en las que se ven inmersos unos jóvenes detectives aficionados que sospechan que un agente de policía vecino del barrio es, en realidad, un asesino en serie. Por tal motivo, deciden pasar el verano vigilándole, para obtener así las pruebas que confirmen su teoría. Pero a medida que se van acercando a la verdad, aumenta también el peligro que se cierne sobre sus vidas.

Un día antes, el jueves, y dentro de la serie de preestrenos a nivel nacional que el Festival de Cine Fantástico de Bilbao – FANT organizará hasta el próximo mes de mayo con motivo de su vigésima edición, a celebrar entre los próximos 2 y 11 de mayo, proyectará Verano del 84 en una sesión que tendrá lugar en los Cines Golem – Alhóndiga de la capital vizcaína a las 20 horas con entrada gratuita por invitación a recoger en taquilla el mismo jueves a partir de las 16horas –máximo dos por persona–.

Tras el de Verano del 84, los siguientes preestrenos que tendrán lugar dentro de estas actividades en los Cines Golem – Alhóndiga serán el del drama de acción protagonizado por Nicole Kidman Destroyer (2018), de la realizadora estadounidense Karyn Kusama el 21 de febrero, y el 7 de marzo el de la última película de Koldo Serra, 70 binladens, thriller ambientado en el propio Bilbao y protagonizado por Emma Suárez, Nathalie Poza y Hugo Silva.

Published in: on enero 30, 2019 at 6:57 am  Dejar un comentario  
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C-FEM 2019 organiza la exposición “Paul Naschy. Antropofagia fílmica”

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El próximo viernes 8 de febrero la sala de exposiciones de la Biblioteca Regional de Murcia se inaugurará “Paul Naschy. Antropofagia fílmica”, una muestra comisariada por Mara Mira y Marcos Botella que recorre a través de diversos objetos la trayectoria del ya legendario actor, director y guionista español. Compuesta por cincuenta y seis piezas entre carteles, memorabilia, elementos de rodaje o guiones originales pertenecientes a la colección familiar del cineasta, la exposición se encuadra dentro de las actividades organizadas con motivo de la séptima edición del Festival de Cine Fantástico Europeo de Murcia – C-FEM 2019, que tendrá lugar entre los próximos 22 y 30 de marzo. Entre las piezas que podrán verse se encuentran los guiones originales de rodaje de La marca del hombre lobo o de El huerto del Francés, los colmillos utilizados por el actor en su encarnación del mismísmo Príncipe de las Tinieblas para El gran amor del conde Drácula o varios de los premios que Naschy cosechó a lo largo de su dilatada carrera en diversos festivales como el de Sitges.

Más información: www.c-fem.es/c-fem-2019-exposicion-con-60-piezas-de-la-coleccion-familiar-de-paul-naschy

Published in: on enero 29, 2019 at 6:57 am  Dejar un comentario  

FANT celebrará su vigésimo quinta edición con actividades especiales hasta mayo

Del 2 al 11 de mayo se celebrará la 25ª edición del Festival de Cine Fantástico de Bilbao – FANT que llega a sus bodas de plata con la intención de ofrecer al público muchas sorpresas y eventos especiales. Como anticipo, el Ayuntamiento de Bilbao, organizador del evento, ofrecerá durante los meses previos diversas actividades en colaboración con otros festivales o entidades de la ciudad, que incluyen preestrenos de films, la revisión de algunos clásicos, conferencias, proyecciones y otras propuestas que quieren llegar a todo tipo de públicos.

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FANT busca así una excusa para reencontrarse con su público antes de mayo. De este modo, una vez al mes ofrecerá un preestreno estatal en los cines Golem – Alhondiga. El primero será el día 31 de este mes, a las 20 horas, con la premier de la película canadiense Verano del 84 de Anouk Whissell, François Simard y Yoann y Karl Whissell que homenajea el cine juvenil de los ochenta. El 21 de febrero será el turno de Destroyer de la realizadora estadounidense Karyn Kusama, un drama de acción protagonizado por Nicole Kidman. No obstante, el preestreno más esperado tendrá lugar el 7 de marzo, de la mano de Koldo Serra, que presentará en la alfombra roja de FANT su última película 70 binladens, thriller protagonizado por Emma Suárez, Nathalie Poza y Hugo Silva y rodada en la propia capital vizcaína.

El acceso a estas sesiones de estreno será gratuito, siendo necesario recoger previamente entrada en las taquillas de Golem – Alhóndiga (máximo de 2 por persona). Las entradas para ver Verano del 84 estarán disponibles el mismo día de la proyección, el jueves día 31, a partir de las 16:00 horas. El festival informará de manera puntual de los horarios del resto de preestrenos así como la forma de retirar las entradas.

Además, el festival quiere reservar un espacio para clásicos del género y ha programado en colaboración con BilbaoArte un ciclo sobre el legado de la escritora británica Mary Shelley en el cine, que incluye media docena de proyecciones a partir del 28 de marzo. Y es que, el año pasado se cumplieron doscientos años de la publicación de la novela “Frankenstein o el moderno Prometeo”, recreada en innumerables ocasiones por el cine y la literatura. En base a ello, FANT ha organizado una retrospectiva que incluirá una selección de seis títulos de diferentes estilos y épocas.

De vuelta al cine más contemporáneo, y en el marco del programa Istorio Biziak del área de Cultura del Ayuntamiento de Bilbao, que se desarrolla en el Distrito de Uribarri, en torno a la narración oral, se proyectarán en el mes de febrero La cueva (2014) de Javier Gullón y Alfredo Montero –película inaugural de la vigésima edición de FANT–, y Errementari (2017) elogiado primer largometraje del realizador vitoriano Paul Urkijo, quien recibió la pasada edición del festival el Premio FANTROBIA, que reconoce a una figura emergente dentro del género fantástico. Esta última proyección vendrá precedida de una sesión de narración de la mano de los actores Kandido Uranga y Eneko Sagordoy.

Por otro lado, en colaboración con Zinegoak, se proyectará a finales de febrero el largometraje Un couteau dans le coeur, del realizador Yann González, y, de la mano del festival Loraldia, la realizadora Iratxe Fresneda, crítica de cine y profesora de la UPV/EHU presentará en abril Lurralde Hotzak, su primer largometraje de no ficción, que narra el viaje en solitario de una mujer, con la única compañía de su cámara y de los fantasmas del cine que la acompañan.

Dejando a un lado el cine, dentro de la programación para estos meses previos el festival también dedicará su espacio a la literatura y el cómic. Así, en colaboración con Bidebarrieta Kulturgunea, ha programado algunos encuentros con autores que cultivan de forma magistral el misterio. Así, el encuentro mensual de los “Diálogos con la literatura” de Bidebarrieta Kulturgunea tendrá como protagonistas el 19 de febrero a dos grandes magos del misterio, como son los escritores Nacho Ares –experto en Egipto y en enigmas históricos y director de SER Historia– y Javier Sierra, Premio Planeta 2017 cuyos libros han sido traducidos a más de cuarenta idiomas.

Por su parte, la Biblioteca Foral de Bizkaia también se sumará a la conmemoración del veinticinco aniversario de FANT, acogiendo el 20 de marzo una charla en la que El Torres, uno de los guionistas más aclamados y premiados en el mundo del cómic, conversará sobre la relación entre las viñetas y el cine de género con Borja Crespo, reconocido divulgador de ambas disciplinas. Dentro de la extensa obra de El Torres, centrada en el terror y la fantasía, destaca “El Velo”, “Camisa de Fuerza”, “El Bosque de los Suicidas” y “Roman Ritual”. Sus publicaciones más recientes incluyen “El Fantasma de Gaudí” (ganadora del Salón del Cómic 2016 y nominada a los premios Eisner y Harvey 2018) y “Goya, lo sublime terrible”.

Además, con ocasión de esta edición tan especial, el Festival de Cine Fantástico de Bilbao – FANT saldrá de la Villa para llevar a otros municipios de Vizcaya algunas de las películas que estuvieron en las últimas ediciones. Barakaldo y Arrigorriaga serán algunos de los municipios que acogerán una sesión de cine, en este caso los días 4 y 12 de abril, respectivamente. En estas sesiones se proyectarán Mayhem (2017) de Joe Lynch, Premio FANT 2018 a la Mejor Película, y Ziren (2017, 15 min) de Aitzol Saratxaga, Mejor Cortometraje Vasco en 2018.

Por otra parte, FANT ya ha presentado el cartel oficial y el anuncio de este veinticinco aniversario, un siniestro cortometraje que propone, además, un juego al público, ya que en su oscura y abigarrada escenografía se esconden, al menos, cinco elementos iconográficos de ediciones anteriores y otros guiños, estos sí, seguramente algunos solo visibles para las y los más fieles del festival bilbaíno. El spot ha sido producido por la productora bilbaína Platanobolígrafo y está dirigido por el joven realizador Aitzol Saratxaga, a quien el festival encargó este proyecto tras recibir el galardón al Mejor Cortometraje Vasco con el referida Ziren.

Rodado en el Teatro Campos de Bilbao, escenario habitual de la gala inaugural de FANT, el spot tiene un único protagonista, el veterano actor Javi Cañón, acompañado eso sí, por algunas presencias y ausencias evocadas de otras ediciones y un último convidado a la fiesta (el protagonista del cartel de este año), que encarna el actor Adrián García.

Por último cabe recordar que el plazo para la presentación de películas a concurso para esta vigésimo quinta edición continúa abierto hasta el próximo 1 de marzo. El procedimiento para presentar los materiales a concurso y toda la información adicional puede consultarse en las bases completas que están en la página web del festival: www.fantbilbao.eus

Published in: on enero 28, 2019 at 7:12 am  Dejar un comentario  
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Entrevista a Harley Cokeliss

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Coincidiendo con el veinticinco aniversario desde su creación, la sección “Seven Chances” del Festival de Sitges presentó en la pasada edición del certamen un cambio de orientación en su propuesta. Si hasta ahora su programación se habría nutrido de películas de temática no necesariamente fantástica, tanto de realizadores consagrados como de nuevos valores emergentes, a través de proyecciones únicas, el nuevo modelo instaurado desde esta edición es la recuperación de films fantásticos olvidados, con especial predilección por las rarezas. Así, en este primer año de esta nueva andadura, la selección brindó la oportunidad a los espectadores de Sitges de poder visionar en pantalla grande films como Spirits of the Air, Gremlins of the Clouds (1989), la desconocida ópera prima en el formato largo de Alex Proyas, el mexicano Santo contra el cerebro del mal (1959), en su nueva restauración apadrinada por Nicolas Winding Refn o La visita del vicio (1978) de nuestro José Ramón Larraz.

Otro de los títulos que formó parte de los siete films propuestos por “Seven Chances” fue Dream Demon (1988) —El sueño del demonio en su estreno español— , modesta producción británica que con el transcurrir de los años ha despertado un creciente fenómeno de culto a su alrededor, entre otros motivos por las relativas similitudes que su argumento presenta con el de la famosa saga Pesadilla en Elm Street, pero también por su marcado carácter feminista en un tiempo en el que el papel de la mujer en el cine de terror se limitaba a servir de víctima, articulándose su  trama a partir de los sueños y alucinaciones que sufre Diana, su protagonista, ante el temor que le produce su inminente boda. Proyectada en el director’s cut restaurado recientemente por el Brith Film Institute en 2K, el pase de Dream Demon contó con la presencia del director film, Harley Cokeliss, un realizador todoterreno que a lo largo de su dilatada trayectoria ha incursionado en numerosos géneros y formatos, mostrando, no obstante, una especial predilección por el fantástico, donde se ha visto involucrado en proyectos en los que ha estado vinculado directa o indirectamente con nombres tan destacados dentro del género como John Carpenter, Roger Corman, la saga Star Wars o ET, el extraterrestre (E.T. the Extra-Terrestrial, 1982).

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Harley durante el coloquio con los espectadores que tuvo lugar tras la proyección de “Dream Demon”.

A lo largo de tu carrera has estado muy relacionado con el género fantástico. ¿Obedece a un interés personal o ha sido algo circunstancial?

Mi interés por el género fantástico es algo que se remonta a mi juventud. Mientras crecía me pasaba las horas leyendo un montón de libros de ciencia ficción. Con catorce, quince, dieciséis años me leía sobre dos o tres libros del género a la semana. Me encantaba cómo su lectura me transportaba a muchos lugares diferentes en los que sabía que nunca iba a poder estar y cómo provocaba que me vinieran a la cabeza muchas ideas interesantes. En otras palabras, excitaban mi mente. Mis escritores favoritos eran Philip K. Dick, Ray Bradbury y J. G. Ballard. También leí bastante de Brian Aldiss. Pero aunque era un gran aficionado a la ciencia ficción, también me gustaba mucho el horror gótico y autores como Henry James, Edgar Allan Poe, Algernon Blackwood, Guy de Maupassant… Así que la ciencia ficción y el horror gótico ocuparon la mayoría de mi tiempo de lectura durante aquellos años y fueron mis mayores influencias entonces.

Ya tu segunda película, The Glitterball (1977), se enmarca dentro de la ciencia ficción, narrando la relación que se establece entre dos chicos y un extraterrestre. Este punto de partida ha hecho que muchos hayan comparado tu película con ET, el extraterrestre. Dado que tu film es anterior, ¿piensas que Steven Spielberg pudo haberse influenciado para dar forma a su película de The Glitterball?

No lo sé. Es cierto que el tema es similar, y que mi película es tres o cuatro años anterior a la de Spielberg. Hay algunas coincidencias, pero también varias diferencias. En cuanto a las similitudes, cuando tratas ciertos temas siempre van a existir similitudes. Es como cuando en un western el héroe se dirige a la población para enfrentarse al malo. Son ideas universales sobre las que nadie tiene la propiedad y que son inherentes al género.

Dicho esto, he de decir que me gustó mucho la película de Spielberg y que es muy diferente a la mía. Sin ir más lejos, a diferencia de ET, el extraterrestre en mi película no hay niños, y mientras que en The Glitterball los extraterrestres son una pequeña bolita que se convierte en una bola muy grande de gas, en la película de Spielberg es una especie de tortuga. Detalles como estos demuestran que las dos películas son muy diferentes entre sí.

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En 1982 regresas al género con Destructor (Battletruck), un film postapocalíptico que surgía un tanto la línea de la entonces exitosa saga  de Mad Max

Bueno, en realidad, nosotros rodamos Destructor en Nueva Zelanda al mismo tiempo que George Miller estaba haciendo Mad Max II, el guerrero de la carretera (Mad Max 2, 1981) en Australia. En cualquier caso, comparada con Mad Max, Destructor es bastante diferente. Destructor es mucho más parecida a un western, sin ambientación postapocalíptica, ni coches chocando, ni a Mel Gibson haciendo de héroe. Destructor va más en la línea de un western con una comunidad en un momento peligroso, que bien podría ser una comunidad en los tiempos del salvaje Oeste en los Estados Unidos. Hay un momento en el que esta comunidad está en peligro por causa de la presencia de bandas itinerantes de paramilitares y, por lo tanto, si lo miras en su contexto puede verse como un western de ciencia ficción. No es el mismo tipo de locura apocalíptica de Mad Max, por lo que el tono entre ambas películas es muy diferente.

¿Cuál fue la implicación de Roger Corman en la película?

Bueno, Roger Corman ayudó en la financiación de la película y básicamente es todo lo que hizo. Yo estuve trabajando en el guion durante un año antes, y como le conocía le pasé el guion y le gustó mucho. Más adelante, cuando hicimos un pase de la película a una audiencia como prueba en Los Ángeles, Roger estuvo allí tomando notas a tenor de la reacción que había tenido el público. Me las pasó y ponía que había que eliminar dos líneas de diálogo concretas. Yo le pregunté por qué y él me respondió que era por la reacción inapropiada de la audiencia. Así que examinamos la película otra vez y eliminamos esas dos líneas de diálogo porque Roger tenía razón, y la película funcionaba mejor sin ellas.

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Entre medias de The Glitterball y Destructor, entre otras cosas te ocupaste de dirigir la segunda unidad de El imperio contraataca (Star Wars: Episode V – The Empire Strikes Back, 1980). ¿En qué consistió tu labor?

La segunda unidad rueda lo que la primera unidad no tiene tiempo de hacer o es demasiado complicado. Por ejemplo, en las tomas en el interior del Halcón Milenario en las que aparecía una ventana y había que usar pantalla azul las hacíamos la segunda unidad, ya que era un trabajo más técnico el obtener la exposición correcta, ya que la pantalla azul debía de tener la misma exposición que los objetos que aparecían en primer plano, para que después en la postproducción se añadiera sobre esas pantallas azules el espacio y no se notara el cambio. Todas las escenas que van a llevar tiempo o son complicadas de realizar como luchas, explosiones… son las que tiene que hacer la segunda unidad.

Retomando tu carrera como director para la gran pantalla, en 1986 diriges La luna negra (Black Moon Rising, 1986), film protagonizado por Tonmy Lee Jones y Linda Hamilton a partir de un guion de John Carpenter. ¿Qué recuerdos guardas de esta película que quizás sea tu proyecto más ambicioso dados los nombres que estuvieron implicados en él?

Antes de responderte a tu pregunta, me gustaría hacer una aclaración sobre un error muy común sobre la cronología de mi carrera. Habitualmente se dice que yo hice primero Destructor, después la segunda unidad de El imperio contraataca y, por último, La luna negra. Y no es así. En realidad, primero hice la segunda unidad de El imperio contraataca y el mismo verano Destructor y ya después La luna negra.

Volviendo a tu pregunta, el guion me  llegó a través del productor, que se lo había comprado a John Carpenter. La filmamos con la productora New World, creo recordar. Hicimos el proceso de casting, y tuvimos la suerte de poder tener a Tommy Lee Jones y Linda Hamiton, que acababa de rodar Terminator (The Terminator, 1984). Ella es estupenda, y yo estaba muy emocionado y feliz de poder trabajar con Tommy Lee, porque es increíble. Así que fue un rodaje increíblemente bonito en el que nos lo pasamos muy, muy bien.

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Hablemos de Dream Demon, la película por la que has venido al Festival de Sitges, y cuyo guion escribiste junto con Christopher Wicking, quien en los setenta había estado muy activo dentro del cine de terror británico, escribiendo incluso varias películas de la Hammer…

Realmente me había gustado mucho su guion para Scream and Scream Again, [tv/vd/dvd/bd: La carrera de la muerte, 1970]. Es interesante, porque Fritz Lang también era fanático de La carrera de la muerte, según pude saber cuando lo entrevisté a comienzos de los setenta para un documental sobre ciencia ficción que hice para la BBC. A Fritz y a mí nos gustaba el trabajo de Christopher.

Cuando terminamos con el guion empezamos a hacer storyboards, ya que Dream Demon es una película muy visual. Para ello trabajé con el brillante ilustrador y dibujante de cómics John Bolton. Durante ese proceso hicimos ciertos cambios en el guion con lo que buscábamos, en cierto sentido, establecer el patrón visual de la película y luego se modificaron los scripts para reflejar el trabajo que habíamos hecho en los storyboards.

El que su protagonismo recaiga en dos personajes femeninos, unido al hecho de que Diana comienza a tener las pesadillas cuando va a contraer matrimonio, ha hecho que Drem Demon sea considerada por ciertas fuentes como la primera película de terror feminista de la historia. ¿Era algo premeditado o se tratan de interpretaciones de los espectadores?

Sí. Me sentí muy feliz cuando me dijeron que Dream Demon era la primera película de terror feminista. Me quedé muy satisfecho.

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A lo largo del metraje son constantes los momentos gore, en una época en la que en el Reino Unido aún planeaba la sombra del listado de video nasties. ¿Hubo algún problema con la censura en este sentido?

No, porque al fin y al cabo era fantasía y, por tanto, no es real y es imposible. Todo lo que sucede es un sueño. Cuando la protagonista se despierta nada de lo que ha soñado ha sucedido. Así que no tuvimos ningún problema en este sentido porque era fantasía.

¿Y cómo tomas esta reivindicación que Dream Demon está viviendo treinta años después de su estreno, siendo incluso remasterizada en 2K por el British Film Institute? ¿Más vale tarde que nunca?

Lo realmente estupendo es que el British Film Institute tenía un programa que aseguraba que algunas películas que se habían hecho no se perdieran, y se conservaran en formato digital. En el caso de Dream Demon fue realmente como una búsqueda del tesoro, porque los elementos fotográficos de la película, los negativos, el interpositivo, el internegativo, el óptico negativo, todo lo que se conocen como elementos preimpresos de la película, se perdieron hace quizás veinte años. Así que tuvimos que ponernos a buscar haciendo llamadas telefónicas, porque nadie sabía lo que sucedió con este material, ya que, como sabes, con la revolución digital muchos laboratorios de cine han cerrado. Pero gracias a una serie de felices accidentes pude descubrir dónde se estaba preservando todo este material: en el archivo de Technicolor. Fue una gran sorpresa, ya que Technicolor no estuvo involucrado con la película. Cuando lo descubrí, el BFI me dio los fondos necesarios para poder digitalizarla y  hacer un poco más de postproducción, ajustando el final y añadiendo algunos otros cambios en la película que quería hacer. Es decir, este es el verdadero montaje de la película del director.

José Luis Salvador Estébenez

Traducción: Tarik Amarouch García

Fotografías: Juan Mari Ripalda

Published in: on enero 25, 2019 at 7:49 am  Dejar un comentario  
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Proyección de “El gabinete del Doctor Caligari” con música en directo del grupo “Toundra” el 8 de mayo en la sala 1 de los Cines Capitol.

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El próximo miércoles 8 de mayo a las 21:30 la sala 1 de los emblemáticos cines Capitol de Madrid, considerada la sala más grande de la capital, acogerá la proyección del clásico del expresionismo alemán El gabinete del Doctor Caligari acompañado de la banda sonora creada e interpretada en directo por el grupo madrileño de post rock instrumental “Toundra” dentro de su primera gran gira mundial, en lo que supondrá el estreno de dicha banda sonora.

Considerada una de las obras de cine mudo más famosas de la historia, la fuerza expresiva, la unidad, la disciplina y la cohesión de las imágenes de El gabinete del Doctor Caligari demuestra la superioridad aplastante de una obra compuesta por un visionario. Robert Wiene comprendió que lo que podía ser explotado eficazmente sobre el escenario, lo sería aún mejor en la pantalla. Los decorados de la película desempeñan así un papel protagonista y tienen la posibilidad de elevar los accesorios a la dignidad de intérpretes.

No obstante, en su estreno la película se enfrentó frecuentemente a una incomprensión que llegó a veces a la mala intención, principalmente en Estados Unidos donde la agrupación de productores movilizó a los estudiantes de Los Ángeles para que impidieran la entrada del público en la sala. Casi cien años después, esta joya pionera del expresionismo alemán es reconocida como una obra que revolucionaría no solo el género por su estética sombría y su estructura narrativa, sino por ser considerada la auténtica primera película de terror de la historia.

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En cuanto a “Toundra”, desde su aparición en 2007 se han convertido en una de las bandas de rock instrumental más importantes de Europa, gracias a una música que mezcla riffs poderosos con hermosas melodías e intrincadas atmósferas, ejecutada en incendiarios directos. Todo ello les ha llevado a firmar un contrato discográfico con el sello de rock progresivo más importante del mundo, “InsideOut”, alcanzar la segunda posición en las listas de ventas en España, obtener el reconocimiento unánime de la prensa española e internacional y pasear su propuesta musical, agotando entradas, por salas de Europa, México y Estados Unidos, convirtiéndose en una de las bandas españolas que más actúa en directo.

Entradas ya a la venta en:­ https://entradium.com/entradas/cafe-kino-presenta-el-gabinete-del-doctor-caligari-con-banda-sonora-en-directo-de-toundra#tickets

 

Published in: on enero 24, 2019 at 6:54 am  Dejar un comentario