El pre-FANT 2017 se celebrará entre el 24 y el 28 de abril

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El Festival de Cine Fantástico de Bilbao – FANT 22, que se celebrará entre el 5 y el 12 de mayo, ofrecerá también esta edición diferentes actividades previas, en su mayoría con entrada gratuita. El pre-Fant tendrá lugar entre el 24 y el 28 de abril, y tendrá como sedes la Sala BBK de Gran Vía, la Biblioteca de Bidebarrieta y el Museo Guggenheim.

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La programación de Sala BBK, para los días 24, 25 y 27 de abril, incluye dos sesiones a las 18:00 y 20:00 horas, con entrada libre hasta completar aforo, que incluyen cinco producciones de Sitges Tour AContracorriente. Como es sabido, esta iniciativa de la distribuidora AContracorriente Films consiste en proyectar películas que se presentaron en el pasado festival catalán, de forma itinerante, en diferentes cines del Estado.

Las cinco películas que se podrán disfrutar en pantalla grande dentro de PRE-FANT son The Autopsy of Jane Doe de Andre Øvredal (subtitulada en euskera y castellano), Shin Godzilla de Hideaki Anno y Shinji Higuchi, Before I Wake de Mike Flanagan (subtitulada en euskera y castellano), Train to Busan de Sang-ho Yeon y Melanie. The Girl with All The Gifts de Colm McCarthy. La programación de la Sala BBK se completará con el pre-estreno gracias a Sony Pictures de la película estadounidense Always Shine de Sophia Takal.

Las actividades de PRE-FANT incluyen, además, una conferencia el día  26 de abril sobre Robocop, coincidiendo con el treinta aniversario del estreno de la primera película de la mítica saga. La charla correrá a cargo del bilbaíno Toni Garzón Abad, titulado en Producción y Dirección Cinematográfica. Garzón Abad ha dirigido numerosos cortometrajes y spots publicitarios, así como el largometraje Lo mejor de cada casa (Una semana en el parque). Aparte, ha trabajado como creativo de publicidad, crítico cinematográfico y en la actualidad imparte cursos de guión y ayudante de dirección para distintos organismos y escuelas audiovisuales. La conferencia comenzará a las 19:30 horas en la Biblioteca de Bidebarrieta con entrada libre.

El cierre de PRE-FANT lo pondrá el 28 de abril el estreno en Bilbao de la película Girl Asleep, de Rosemary Myers, precisamente el día en que la distribuidora La Aventura la estrena en salas comerciales de Madrid y Barcelona. La proyección será a las 20:00 horas en el auditorio del Museo Guggenheim, donde a partir de las 22:00 horas, y dentro de la programación Art After Dark, Carlos Bayona DJ, hermano por cierto del cineasta José Antonio Bayona, ofrecerá una sesión especial para FANT. Esta actividad se enmarca en el programa TopARTE, que conmemora el XX Aniversario del Museo Guggenheim Bilbao y tendrá una entrada de 13 euros, o 9 euros para amigos del museo y con el bono FANT.

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Ya en el marco del festival propiamente dicho, FANT ofrecerá también este año una exposición que se podrá visitar del 5 al 12 de mayo en la sala polivalente de Azkuna Zentroa. La muestra, titulada The Vault of Rob Zombie. A Cómic Tribute”, es una recopilación de carteles de dieciséis ilustradores vinculados al cine, que han realizado sus propuestas creativas apoyándose en la imaginería de Rob Zombie. Amante del cómic, también dibujante, la muestra coordinada por Borja Crespo es un homenaje gráfico a su ecléctica trayectoria, que reúne el arte de artistas consagrados y nuevos talentos como M. A. Martín, David Rubín, Manuel Bartual, Koldo Serra, Luis Bustos o Mamen Moreu.

Por otro lado, el pasado martes 15 de marzo se cerró el plazo para la presentación de películas a concurso para esta edición 2017. Este año FANT ha recibido novecientas treinta y un películas, procedentes de cincuenta y tres países diferentes de todo el mundo, entre los que se encuentran Austria, Timor Oriental, Filipinas, Alemania, Georgia, Irak, México, Turquía, Serbia, Venezuela, Francia, Alemania, Noruega, Dinamarca, Brasil, Irlanda, Bélgica, Rumanía, Chipre, Rusia, Irán, Portugal, Taiwán, Polonia, Argentina, Nepal, Italia, India, Eslovenia o Reino Unido.

Ahora la organización del festival seleccionará las que puedan programarse como integrantes de la Sección Oficial de largometrajes u otros ciclos y los cortometrajes que concursarán dentro de la sección FANT en corto y que optarán a dos galardones, dotados con una cuantía económica de 3.000 euros cada uno, al Mejor Cortometraje según el criterio del público y del jurado, así como un premio de 2.000 euros para, a criterio del jurado, el Mejor Cortometraje Vasco, que este año también tendrá nuevamente una sesión propia.

Más información: http://fantbilbao.eus/web/

 

Published in: on marzo 23, 2017 at 6:58 am  Dejar un comentario  
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FIMUCITÉ rinde homenaje a Lucio Fulci

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Los aficionados al terror italiano de los años 80 están de enhorabuena. En su undécima edición, el Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife (FIMUCITÉ) ofrecerá en el Auditorio Infanta Leonor de Los Cristianos un concierto homenaje a Lucio Fulci que consistirá en la proyección de su largometraje El más allá mientras tiene lugar la interpretación en directo de la música original del film. Será toda una experiencia “live-to-picture” dirigida por el propio autor de la banda sonora, Fabio Frizzi. Esta atractiva y adrenalínica propuesta formará parte de un amplio y variado programa de conciertos y actividades que se desplegará entre el 22 y el 30 de septiembre de este año gracias al patrocinio del Cabildo Insular de Tenerife, el Gobierno de Canarias, el Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife y el Ayuntamiento de Arona.

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Fabio Frizzi

Este excelente espectáculo musical se ha representado con éxito en numerosas ciudades de Estados Unidos, Reino Unido y otros países, en el marco del Zombie Apocalypse Tour de Fabio Frizzi. El más allá, considerada por muchos especialistas como la obra más importante de Fulci, se ha convertido en un film de culto y algunos rankings la sitúan entre los mejores títulos de terror de la historia. Protagonizada por Catriona MacColl y David Warbeck, su historia se enmarca en un hotel ubicado en Louisana. Primero en la década de los años 20 cuando unos sucesos abren un portal que permite el acceso de los muertos al mundo de los vivos, para después mostrar sus consecuencias décadas más tarde, cuando una joven decide reformarlo y durante las obras ocurren terribles “accidentes”.

Fabio Frizzi en Concierto

El concierto, que supondrá la sincronización en vivo de música e imagen, será interpretado por la banda de Fabio Frizzi, formada por Alessandro Errichetti (guitarra), Riccardo Rocchi (guitarra), Federico Tacchia (percusión), Alessio Contorni (teclados), Roberto Fasciani (bajo) y Giulietta Zanardi, una de las más destacadas vocalistas italianas. Frizzi recibirá uno de los premios honoríficos FIMUCITÉ-Antón García Abril de este año en reconocimiento a su carrera.  Además, Antonella Fulci, la hija del cineasta, visitará Tenerife durante el festival para participar en el tributo que prepara FIMUCITÉ coincidiendo con el noventa aniversario del nacimiento de Lucio Fulci (1927-1996) y que se completará con un ciclo retrospectivo organizado con la colaboración de la Filmoteca Canaria.

Las entradas para este evento, que tendrá lugar el viernes 22 de septiembre a las 20.00 horas, saldrán a la venta esta misma semana y podrán adquirirse al precio de 5 euros en el Centro Cultural de Los Cristianos, en la taquilla del auditorio y en la web www.arona.org/auditorio.

Más información: www.fimucite.com

Published in: on marzo 21, 2017 at 6:53 am  Dejar un comentario  

La XII edición de Animayo será un homenaje a la mujer

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El XII Summit, Conferences and International Film Festival Animayo estará en Gran Canaria del 2 al 6 de mayo de 2017, con un programa especial dedicado enteramente a la mujer en la industria del cine de animación, los videojuegos y los efectos visuales, augurando una intensa semana repleta de actividades.

Este programa aspira a homenajear a los grandes talentos femeninos de la industria y a manifestar el interés de su trabajo, una oportunidad cada vez más creciente de promover la reflexión sobre la necesaria evolución de la representación de las mujeres y de todo su trabajo en el ámbito del festival.

Así como muchos eventos a lo largo y ancho del planeta ofrecen en su programación secciones dedicadas a la mujer, Animayo ha decidido darle un giro más de tuerca y demostrar en esta duodécima edición, que el trabajo de la mujer en el sector audiovisual,  así como lo es en muchos otros, no solo produce una labor marginal capaz de rellenar algunas secciones, sino que su importancia es tan destacada como para dar la vuelta a la totalidad de la programación de un festival, y dedicárselo enteramente a su figura.

Damián Perea, director del festival, quien lleva dos años trabajando sobre esta edición especial, afirma que “la mujer en el mundo de la animación siempre ha sido muy importante y se merece reivindicar el derecho a su espacio y a la relevancia de su trabajo”.  Durante las once ediciones pasadas Damián Perea ha venido presentado las galas de Animayo, este año dará un paso atrás para que incluso ese lugar sea tomado por una mujer.  El cartel del festival Animayo 2017 será el punto de partida a un sinfín de contenidos que tendrán a la mujer como gran protagonista.

Por ello, Animayo será el primer festival de cine del mundo que cambiará toda su programación para dar voz al trabajo que hacen todas esas mujeres, con ponencias,  masterclass y talleres que estarán impartidos por mujeres.  Además habrá proyecciones del Palmarés Animayo 2017, concursos, estrenos, conciertos, actividades al aire libre y la segunda edición del foro Animayo dirigido a profesionales.

El programa pondrá de manifiesto el papel de la mujer y contribuirá a la reflexión sobre su contribución a la industria, la especial sensibilidad artística de las mujeres, su forma de entender el cine, sus valores y talento creativo, haciendo especial hincapié en la superación de barreras y obstáculos a los que se enfrentan las mujeres hoy en día, sin caer en el sexismo.

A partir del mes de abril Animayo desvelará los nombres de las grandes profesionales que formarán parte de esta esta edición tan especial. Como adelanto podemos decir que las invitadas de este año han trabajado en productoras internacionales como Ilion Animation Studios, Walt Disney, Warner Bros, Animal Logic, Scaline, Double Negative, Weta Digital, MPC… o en películas como Guardianes de la galaxia, El Hobbit, El amanecer del planeta de los simios, Pocoyó, El hombre de acero, Los Simpson, Guerra mundial Z, Prometheus, Power Rangers, Star Trek: Más allá, Alicia a través del espejo, Meg, Justice League, Las crónicas de Blancanieves: El cazador y la reina del hielo, Águila Roja, Planet 51, Legend of the Guardians, o Mortadelo y Filemón contra Jimmy el cachondo, entre otras.

Más información: www.animayo.com

 

Published in: on marzo 13, 2017 at 6:57 am  Dejar un comentario  

Entrevista a Víctor Matellano, director de “Stop Over in Hell”

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Una de las sesiones estrella de la recién acabada decimocuarta edición de la Muestra Syfy de Cine Fantástico fue la protagonizada en la jornada del viernes por Stop Over in Hell. Tras disfrutar de su premiere mundial en el pasado Almería Western Film Festival, la tercera película de ficción como director de Víctor Matellano vivía de esta forma su puesta de largo en Madrid, motivo por el que el pase contaría con una nutrida representación de su equipo. Rodada en localizaciones de Colmenar Viejo, Titulcia, Manzanares el Real, Granada y Almería, se trata de un violento western con un nivel de violencia por momentos gore, en cuyas imágenes se puede rastrear la influencia ejercida por el añorado eurowestern o el cine de Quentin Tarantino, entre otros referentes. Como en los anteriores trabajos de su responsable, el reparto cuenta, además, con la presencia de ilustres personalidades a modo de colaboraciones, caso de Antonio Mayans, Manuel Bandera, Nadia de Santiago, Guillermo Montesinos o Enzo G. Castellari, uno de los nombres propios del spaghetti-western y director de uno de los títulos capitales del estilo, Keoma.

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Cartel de la película dibujado por el mítico Sanjulián.

Tras dos películas encuadradas dentro del ámbito del fantástico cambias de tercio con Stop Over In Hell. ¿Qué te lleva a rodar un western?

Tengo dos pasiones en esta vida que me vienen desde pequeño. Una es el cine fantástico, aunque más que el cine fantástico es el terror, sobre todo las monster movies y los kaiju eiga. Y la otra es el western. ¿Por qué el western? Muy sencillo. En mi pueblo, Colmenar Viejo, había unos decorados de westerns cerca del Pico San Pedro, que es el que se ve en la batalla de Espartaco de Stanley Kubrick. Y eso que yo veía desde la ventana del salón de mi casa es el sitio en el que mis mayores me contaban que habían trabajado en películas del Oeste. Me lo contaron tantas veces de pequeño que me aficioné al género por medio de las emisiones de westerns que solía hacer TVE durante aquellos años en la sobremesa de los sábados y los domingos, y a veces también los sábados por la mañana, en los que, curiosamente, siempre solían echar eurowesterns. Así que esta afición la he tenido desde muy pequeño. Igual que luego el gusto por el terror lo he desarrollado como un rollo más teenager, de ver películas ochenteras que me pillaron en el cine, como pueden ser los Viernes 13 o la saga de Fredy Krueger, los westerns en cambio los he tenido que buscar en plan cinéfilo empedernido. Te puedo decir que en casa tendré como seiscientas películas en DVD original del Oeste. Y hacer esta película era como un deseo. Un deseo muy loco, lo que pasa es que he tenido gente muy loca alrededor de mí que me ha ayudado a convertirlo en realidad, porque hay que tener en cuenta que nadie en cuarenta años se había atrevido a hacer en España lo que hemos hecho nosotros. Ha habido casos aislados, como Blackthorn, pero no rodados en España y a la clásica. Quizás me equivoque y haya alguna película que yo no he visto, pero este es el hecho.

Stop Over in Hell coincide con esta especie de revival que está viviendo el western en el cine norteamericano. ¿Qué crees que ha ocurrido para que muchos directores procedentes de otros géneros, como por ejemplo el fantástico, hayan vuelto su mirada hacia las películas del Oeste?

Somos una generación que nos estamos fijando mucho en lo que se ha hecho en las últimas décadas. Este revival que hay de los setenta y los ochenta a nivel de cultura pienso que es porque somos una generación que ahora que tenemos posibilidad de hacer cosas estamos plasmando lo que de pequeños veíamos. Es lo que te he contado antes. Y se da la circunstancia de que justo en aquellas películas de los setenta hubo mixturas. Eran películas que fácilmente podían mezclar el western con el fantástico, por ejemplo. Si me apuras más, uno de los directores que más hemos mirado todos, que es Carpenter, en un film como Asalto a la comisaría del distrito 13 miraba a su vez a Hawks. A mí me da la sensación de que esto está  conectado. La mirada que tenemos ahora de aquellos géneros, independientemente de que también hayamos visto obviamente a Hawks, a Hathaway, a Ford y demás, tiene que ver con el mundo de las mixturas que se llevaron a cabo durante aquellos años. Sin ir más lejos, dentro del ámbito del eurowestern te podías encontrar crucifixiones, latigazos, desollamientos… Yo no sé si es una corriente más o menos coordinada, o son coincidencias en el tiempo, pero sí que es verdad que el año pasado en España yo he contado ocho o nueve películas estrenadas, ya fuera en salas o directamente en DVD. Es un dato muy significativo, teniendo en cuenta que ha habido años en los que no nos llegaba nada de la temática, tv movies a un lado.

Dentro de este revival, ¿puede considerarse tu película como la heredera de la tradición del spaghetti-western?

Uf, la palabra herederos me parece muy seria. Por supuesto que hemos mirado aquello con un respeto tremendo, y con ese tremendo respeto me he acercado a la película. Mi carga en la mochila que llevo de lo visto y vivido como espectador va siempre conmigo, por supuesto, y entre ello lógicamente está el eurowestern. En cualquier caso, no sé si seremos un elemento aislado en el hiperespacio y dentro de unos años se diga que Stop Over in Hell fue una rareza del cine español que se hizo en el año 2016, o que a lo mejor tenga una continuidad por parte de alguien más.

No obstante, esa conexión con el spaghetti-western está presente con la presencia en el reparto de Enzo G. Castellari. ¿Cómo entró en el proyecto?

Castellari está desde muy, muy, muy al principio. En un primer momento era una especie de mentor que nos apoyaba y ayudaba en lo que podía. Una vez que Antoñin Durán hace la sinopsis de la película y me la presenta en marzo del 2015, y Juan Gabriel García se añade al equipo, le contamos la historia a Castellari, que se apunta al proyecto inmediatamente. Más adelante pensamos que hiciera un papel, pero al principio no entró como actor, sino para echar una mano. No ha sido el único veterano de los tiempos del eurowestern que ha colaborado con nosotros, en cualquier caso. Otro es Jack Taylor, que me ayudó a supervisar todas las expresiones y demás, ya que él es de la Costa Oeste de Estados Unidos y su familia era de verdaderos pioneros del Oeste, por lo que ha vivido muy de cerca todo aquel periodo. También José Luis Galicia, que como sabes trabajó entre otras muchas en las películas de Leone, supervisó las localizaciones y el diseño, y Eugenio Martín ha ayudado con la historia. Te quiero decir con esto que hemos tenido ayuda directa de gente que formó parte del eurowestern, así que esa vinculación existe, aunque también te digo una cosa: al ir a revisar películas para preparar el rodaje, todos los exponentes que vi fueron norteamericanos, entre otras cosas porque lo europeo lo tengo demasiado metido en el cerebro.

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Parte del equipo de “Stop Over in Hell” posando en el photocall de la Muestra Syfy.

En este sentido, personalmente considero que Stop Over in Hell está muy influenciada por el cine de Quentin Tarantino. ¿Fue algo consciente por tu parte o de algún modo venía ya determinado por el trabajo en el guion de Juan Gabriel García, quien es un reconocido seguidor del norteamericano?

No te voy a decir que no soy muy tarantiniano, porque veo su cine y lo sigo, pero no es un director que tenga muy presente, por lo que no fue la mirada que tenía en mente. Digamos que mis gustos son más vintage y mis referentes eran de gente anterior. Visualmente, sobre todo en el tema de los ralentizados, mis influencias estaban en Sam Peckipah y en el mundo narrativo de la acción de Castellari. Castellari coge Mayor Dundee y lo lleva a un extremo más grande en Keoma. Y yo iba más por ahí. Es más, cuando nosotros vemos Los odiosos 8 ya habíamos rodado nuestra película y estaba montada. O sea que si hay cosas con Tarantino posiblemente sea porque compartamos los mismos referentes. Él hace muy bien en mezclarlo todo de esa manera tan particular, pero diferimos en muchas cosas. Por ejemplo, el uso de las cámaras lentas en sus películas se ve que no le gusta demasiado y, sin embargo, sí que le llama la atención los zooms, como puede comprobarse en Django desencadenado, cuando en cambio fue algo de lo que yo huí. Lo llegué a plantear en un momento y con el director de fotografía hicimos una prueba y como no nos gustó el resultado desechamos la idea.

Lo que tengo muy claro es que a estas alturas ni él, ni yo, ni nadie vamos a inventar nada, y al hacer una película de estas características hay que optar por uno de estos tres modelos: el clásico que podrían representar Hathaway o Ford; el modelo intermedio de la generación de la televisión de los años setenta, con gente como Brooks, Peckinpah y demás; o el modelo del eurowestern marcado por Sergio Leone. El resto es repetir estos modelos, junto o por separado. Ahí tienes el cine de Clint Eastwood, que igual que bebe del cine de Leone te hace un remake inconfeso de Raíces profundas con El jinete pálido. Y en el fondo se va repitiendo todo. En esa labor de documentación que te he mencionado a la hora de preparar la película, algunas películas de los años treinta que vi ya tenían cosas que estamos contando nosotros ahora.

Hablando de referentes, ni qué decir tiene que el villano de la función, el Coronel, está inspirado en el coronel Mortimer que interpretara Lee Van Cleef en La muerte tenía un precio

Tiene mucho del coronel Mortimer de Leone. Es algo que está ahí y que además queda puesto de relieve con homenajes muy claros, como el momento cuando él está en el porche con la pipa. Pero luego también tiene un aire psicópata que hace que sea el personaje que tenga más mixturas. Se acerca más a otras cosas, como puede ser tanto el weird western como el mundo del horror. Su secuaz Cuba tiene también cosas de maníaco, pero es el personaje del Coronel el más evidente en este aspecto.

Curiosamente, yo nunca le dije a Pablo Scola que mi inspiración para su personaje era el coronel Mortimer. Él tenía otros referentes. Sin hablarlo mucho, vi en algún momento que Pablo iba más por el camino de Vittorio Gassman en ¿Qué nos importa la revolución?, es curioso. Aunque yo sí que me acordaba de Lee Van Cleef.

Por cierto, una curiosidad. Durante el prólogo la planificación oculta en todo momento el rostro del Coronel. ¿Era una forma de homenajear a los primerizos western rodados en España, en los que era recurrente la inclusión de una intriga destinada a desvelar cuál era la verdadera identidad que se escondía tras un misterioso personaje cuyas acciones servían de hilo conductor a la trama?

Primero podría ser esa idea, pero luego después pensé que lo que había que mostrar es que había una maldad tremenda y que se podía asociar a cualquier territorio que está en convulsión y evolución como nos dicen que fue el Far West, y que no tenía rostro. Después, cuando viene la presentación de los personajes, entonces le vemos la cara. ¿Por qué? Porque me parece mucho más importante es que lo que define a este personaje no son sus rasgos, ni siquiera su cara de sadismo o el placer que sienten al llevar a cabo sus acciones, sino que es lo que hacen. Por eso primero muestro lo que hacen y después enseño quién es. La idea era: no te fijes en esa cara, a ver que es lo que te dice, sino fíjate primero en lo que hace y después le pones rostro. Porque ya condiciona. La cara puede ser después muy simpática, pero el público ya ha visto que es un hijo de puta desde el primer momento.

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Víctor dando instrucciones en el rodaje a Pablo Scola, quien interpreta el papel del Coronel.

En mi opinión, uno de los principales atractivos con los que cuenta la película es, precisamente, el Coronel, lo que de alguna manera viene a refirmar tu capacidad para crear villanos icónicos que ya demostraras con el Dr. Knox que protagonizara tu ópera prima, Wax. ¿Te sientes más cómodo creando esta clase de personajes?

Sí. En la construcción del guion con Antonio y Juan Gabriel nos centramos en el villano. Veíamos que, aunque se trataba de una banda de forajidos, todo giraba en torno a su líder. Ahora, te digo una cosa: Antonio y Juan Gabriel son bastante más salvajes que yo, y reduje un poco muchas de las violencias del Coronel que contenía el guion originalmente, por más que sea un personaje que no tiene ninguna ambigüedad en cuanto a la violencia o la sexualidad. Es lo que es, pero sí que era más descarnado en las primeras versiones del guion. Es más, durante el rodaje filmamos mucho más material que, de haberse incluido en el montaje final, habría convertido a la película en mucho más gore de lo que es.

Al igual que tus anteriores películas, la versión original de Stop Over in Hell está rodada en inglés. ¿Hasta qué punto esta circunstancia te condiciona a la hora de conformar tus repartos, al tener que buscar a actores que cumplan un requisito tan específico como es el dominio de esta lengua?

Es complicado, porque tienes que tener en cuenta dos elementos fundamentales: que sean buenos actores y que hablen inglés. Obviamente, esto te obliga a que tengas que rebuscar. En nuestro caso, más, porque sabíamos que el que los protagonistas fueran caras relativamente desconocidas nos iba ayudar, ya que es más fácil que el espectador parta de cero y se crea un personaje. Así que sí, es un hándicap. No obstante, hay una estadística según la cual el noventa por ciento del cine europeo que se ha vendido a los Estados Unidos en estos últimos dos años es hablado en inglés, por lo que rodar en esta lengua es algo incuestionable. Aparte de que, con todos mis respetos, un western en estos días rodado en español me parece un poco ridículo. Es una historia que transcurre en el Oeste norteamericano, por lo que tiene que estar en inglés. Eso por un lado,  por otro es que de lo contrario te la comes con patatas. En nuestro caso inmediatamente una distribuidora norteamericana de Los Ángeles nos ha comprado la película y estoy seguro de que si hubiéramos ido a los Estados Unidos con un producto en español subtitulado no lo habríamos colocado. A propósito del reparto tengo decir que me siento muy satisfecho con el trabajo de todos los actores y actrices, en especial aparte del de Pablo, con el de Tania Watson y Veki Velilla, que son fantásticas.

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Antonio Mayans y Enzo G. Castellari bromeando durante una pausa.

Repitiendo lo que es un rasgo muy característico de tu filmografía, en el reparto has contado con la presencia en roles secundarios de actores veteranos de cierto renombre, como puede ser el caso de Antonio Mayans, Guillermo Montesinos, Manuel Bandera o el propio Enzo Castellari, entre otros. ¿Cómo surgen estas colaboraciones?

En su mayoría porque fundamentalmente son amigos. Y a todo el mundo de la profesión que le comentaba el proyecto le llamaba mucho la atención y le apetecía participar. Guillermo Montesinos mismo me decía que quería estar en la película porque le atraía mucho el mundo del western. Y lo hicieron con mucha ilusión. En resumen, un poco la idea es meter a algunos amigos con los que nos apetece trabajar juntos, sobre todo porque son muy buenos actores.

De momento, Stop Over in Hell ha podido ser vista en el Almería Western Film Festival y ahora en la Muestra Syfy. ¿Qué recorrido tenéis pensado para la película antes de su comercialización?

Ahora ya está en venta internacional y estamos en trámites para el cierre de su distribución en España y probablemente irá directamente a salas. Me gustan los festivales, pero soy de la opinión de que la forma natural de las películas es entrar en los canales de distribución comercial.  No sé si la distribuidora internacional se va a plantear que vayamos a algún festival en el extranjero. Por ejemplo, si de repente la distribuidora que la compre para Alemania decide que la pone en un festival de aquel país, pues bueno, pero a día de hoy no está inscrita en ningún festival internacional ni nada parecido. Ni siquiera nos lo hemos planteado. La idea fundamental de una película es que sea un negocio. Con todo mi respeto para los festivales, las películas son para que el espectador medio pase por taquilla o la compre en DVD. Para eso se hacen las películas. Los festivales son un escaparate. Además, que esta tendencia de que las películas se pasen por muchos festivales es una cosa de ahora. En anteriores décadas las películas comerciales se estrenaban directamente en cine.

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Stop Over in Hell supone tu tercera película como director de ficción. ¿Qué valoración haces de tu trayectoria hasta ahora y cómo afrontas el futuro?

Es muy difícil valorarlo desde dentro. Mi concepto de cine tiene que ver con un cine abierto y ecléctico. En otras palabras, el mundo de los artesanos. Lo que me cuenta la historia de los artesanos hasta ahora es que podían atreverse con cualquier tipo de historia. Y esa es un poco la línea que quiero seguir yo. Lo que me apetece es hacer cualquier tipo de historia. Ni ceñirme en un género concreto ni ceñirme en un tipo de cine concreto. Lo que sí tengo la sensación o la percepción que, aunque sí que hay elementos comunes en las tres películas que he hecho, no se parece ninguna entre sí. Y eso me parece interesante y es la línea que yo quiero seguir. Me gusta mucho cuando miras a aquellos artesanos que, dependiendo del momento, hacían un tipo de películas u otras. Al fin y al cabo se trata de contar historias y eso es lo que quiero seguir haciendo. Es cierto que en España, en general, cada proyecto cuesta un mundo. Pero bueno, es una cuestión de que siga habiendo suerte para que pueda seguir levantando proyectos. No puedo contar aún nada, pero para este año ya tengo un nuevo proyecto, así que con la cadencia que llevo de momento seguiré en esto, que es mi objetivo.

Por mi parte es todo. Si quieres añadir algo más…

Pues que animo a los espectadores a ver Stop Over in Hell, que me parece que es una propuesta que puede entretener al respetable. Es una historia más del Oeste, pero en realidad, y eso creo que es lo importante, independientemente del género en que se ambiente, es una historia contemporánea. Nosotros la localizamos en un lugar perdido en medio de los Estados Unidos de finales del siglo XIX, pero podría desarrollarse perfectamente en una estación de autobuses recóndita a la que llegan unos terribles moteros. En el fondo estamos contando algo que, hasta si me apuras, está ocurriendo todos los días. Y si conseguimos que la gente lea la película como nosotros queríamos, descubrirá que hay una reflexión sobre la violencia bastante evidente en todo su mensaje.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías de rodaje: Juan Gabriel García

Presentado el cartel oficial de FANT 2017

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Ya se ha dado a conocer el que será el cartel oficial de la vigésimo tercera edición del Festival de Cine Fantástico – FANT, que organiza el Ayuntamiento de Bilbao y que tendrá lugar del 5 al 12 de mayo en la capital vizcaína. En la imagene, se muestra a un kraken, el enorme monstruo mitológico que habita en los fondos abisales de los océanos, emergiendo de las renovadas aguas de la Ría de Bilbao a la altura de la pasarela de Pedro Arrupe, entre el Paseo de Abandoibarra y la Avenida de las Universidades.

Cuenta la leyenda que esta criatura marina, descrita comúnmente como un pulpo gigante, emergía de las profundidades, atacando con sus tentáculos a barcos y devorando a los marineros que caían por la borda. Su presencia en una de las zonas más nuevas y visitadas de Bilbao contrasta con la antiquísima leyenda de los kraken, cuyos avistamientos se llevan produciendo desde hace siglos.

En el cine la presencia de esta criatura es constante a lo largo de historia. Ya Buster Keaton en 1924 en The Navigator luchaba contra un pulpo gigante. Johnny Weissmuller, en Tarzán y las sirenas, tiene enfrentamiento titánico con un kraken, y en 20.000 leguas de viaje submarino, uno de los protagonistas de la novela de Verne es también este kraken que reaparece en FANT 23, con sus infinitos tentáculos, amenazando el apacible y recuperado ecosistema de la Ría de Bilbao.

En el apartado competitivo, el plazo para presentar películas que quieran tomar parte en alguna de las categorías de la Sección Oficial se mantiene todavía abierto hasta el día 15 de marzo. Además, se ha ampliado hasta el 7 de abril la fecha para remitir trabajos para la tercera edición del concurso de falsos trailers, tras el acuerdo de patrocinio alcanzado con DARK, canal temático producido y distribuido por AMC Networks International Iberia que comenzó sus emisiones a través de plataformas de pago el pasado 31 de octubre y que dedica el cien por cien de su programación a contenidos de terror.

Y es que, la próxima edición de FANT recuperará el Concurso de Falsos Trailers, en el que se trata de crear el tráiler o teaser –con una duración máxima de tres minutos– de una película de género inexistente, siendo en todo caso obligatorio que no haya comenzado a rodarse antes del 15 de mayo de 2017.  El jurado concederá un primer premio dotado con 1.500 euros y  será el público quien otorgue un segundo premio de 750 euros con sus votos.

FANT 23 mantiene además sus galardones a los mejores cortometrajes, según el criterio del jurado y del público del festival, que estarán dotados con 3.000 euros cada uno, y el premio al mejor corto vasco según el jurado, dotado con 2.000 euros. A estos se añaden los galardones honoríficos para largometrajes, principalmente el Premio al Mejor Largometraje de la Sección Oficial y el Premio FANTROBIA, que se concede a una persona que se haya constituido, en los últimos años, en un valor emergente del género fantástico, además de los premios de la Sección Panorama Fantástico.

Más información y bases completas en www.fantbilbao.eus

Published in: on marzo 8, 2017 at 6:57 am  Dejar un comentario  
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“Showgirls” de Paul Verhoeven en el espectáculo “Cine para chicas & maricas”

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Showgirls, considerada durante años una de las peores películas de la historia y hoy en día convertida en clásico de culto por toda una generación que la reivindica, volverá a proyectarse en pantalla grande gracias al proyecto “Cine para Chicas y Maricas”, que programará esta obra “maldita” el 9 de marzo a las 21:00 horas en el Cine de la Prensa -Plaza de Callao, 4- de Madrid.

Ganadora en 1996 de siete premios Razzie -considerados los Anti-Oscars del cine-, entre los que se incluyeron Peor Película, Peor Director o Peor Actriz Principal, el tiempo ha puesto en su sitio a esta incomprendida cinta, que en la actualidad cuenta con legiones de defensores, quienes celebran la ácida y sórdida visión del mundo del espectáculo que ofrece en su metraje.

Según recoge la información distribuida por los responsables de la proyección, el filme narra “la historia de Nomi Malone, una ambiciosa pueblerina con ganas de triunfar en el prestigioso mundo del espectáculo de Las Vegas, el cual no conoce matices: o eres mala o eres muy mala; y si eres buena, te va mal”.

Dirigida por el polémico Paul Verhoeven, que ha vuelto al cine por la puerta grande gracias al éxito de Elle -cinta nominada al Oscar y que atesora diversos premios, siendo uno de los más recientes el Goya a la Mejor Película Europea-, Showgirls, que se proyectará en versión restaurada y doblada al castellano, es “un desfile de escenas inolvidables y de citas para escribir en la carpeta o en el baño de tu bar favorito”, señalan los impulsores del evento.

“Cine para Chicas y Maricas” es un evento para adultos de carácter mensual pensado para gente sin prejuicios, donde se recuperan mayoritariamente cintas de culto que, en su mayoría, marcaron al público femenino y gay criado en los años 80 y 90, aunque eso no significa que el show no pueda ser disfrutado por toda clase de espectadores, como bien remarcan los creadores de esta iniciativa, el autor de cómic y bloguero Julián Almazán y la escritora Jimina Sabadú, quienes también ejercen de maestros de ceremonias.

Así, “Cine para Chicas y Maricas” está dirigido a un público mayor de edad pero de espíritu adolescente, con ganas de pasar un rato divertido, aunque también de lo más gamberro, ya que antes de las proyecciones se llevan a cabo distintos juegos en directo, se exhiben trailers y durante la película se invita a los asistentes a interaccionar de diversas formas con lo que ocurre en pantalla. La iniciativa, que toma su nombre de la revista de cultura pop homónima, comenzó en 2016 y ya ha programado con éxito cintas como Chicas malas, Jóvenes y brujas, Miss Tacuarembó y The Apple, esta última dentro de la programación de la reciente sexta edición de CutreCon.

Las entradas para la proyección de Showgirls dentro del show “Cine para Chicas y Maricas” ya pueden reservarse por 8 euros en la taquilla del cine y en Reservaentradas.com.

Published in: on marzo 7, 2017 at 6:54 am  Dejar un comentario  

Entrevista a Claudio Fragasso y Rossella Drudi

C. Fragasso 11 fin

Acompañado de su inseparable pareja personal y profesional, Rossella Drudi, Claudio Fragasso visitaba Madrid a finales del pasado mes de marzo para asistir al homenaje que le dedicaba la sexta edición de la Cutrecon. Un reconocimiento que fue escenificado con la entrega del honorífico premio Jess Franco, que recibiría de manos de Enrique López Lavigne. Durante su locución, el productor madrileño destacaría el valor de Claudio para atreverse a hacer casi sin medios las películas que filmó durante los ochenta y noventa, en clara referencia a la que quizás sea la parte más famosa de su dilatada carrera, la serie de exploitations que manufacturara febrilmente durante aquellos años codo con codo junto con Bruno Mattei.

Centrados durante los últimos tiempos en la confección de thrillers de denuncia social, herederos de algún modo del grandioso poliziesco italiano de los setenta en el que ambos participaran en calidad de guionistas, y que de algún modo les ha valido un reconocimiento por parte de la crítica oficial del que carecían hasta entonces, Carlo y Rossella se plantean ahora volver al género por el que son asociados por aficionados de todo el mundo, el fantástico y, más específicamente, el terror, tal y como nos confesaron en la siguiente entrevista, que complementa la que ya les realizáramos hace unos años en Barcelona.

Claudio Fragasso mostrando al público el premio Jess Franco con el que Cutrecon le galardonó por su trayectoria.

Cutrecon te homenajea con el galardón Jess Franco como reconocimiento por tu trayectoria, en especial por Troll 2, película que, con el transcurrir de los años, ha devenido en título de culto para aficionados en todo el mundo. ¿Esperabas cuando la realizabas que consiguiera despertar esta pasión?

Claudio Fragasso: A lo largo de mi carrera he hecho muchas películas de miedo, y en principio esta era una más. La única diferencia es que, dado que el productor nos había impuesto la condición de que en la película no debía aparecer sangre, hicimos que la que se viera fuera verde por la clorofila. Con este condicionante, cuando fuimos a rodar la película a los Estados Unidos decidí que fuera una película divertida. Así que me decanté por la exageración que se puede ver en escenas como la del chico convertido en planta o el famoso plano de “Oh, my God!”, entre otras cosas porque me encantaba hacer algo así, una especie de cartoon. Y aunque los actores no eran realmente actores profesionales, me gustaba porque así daban esa imagen de sobreactuados.

Sin embargo, en su momento Troll 2 fue lanzada como si fuera una película de terror al uso, lo que hizo que no se entendiera y recibiera muy malas críticas. Ya me había olvidado de ella como quien dice cuando un día me llama a Italia uno de los actores que aparecían en ella y me pide que mire en Internet, porque la gente dice que esa película, que antes la consideraban tan mala, es ahora la mejor. Esto fue en 2005, y todo este fenómeno increíble ha seguido manteniéndose e incluso creciendo hasta llegar al día de hoy.

Ya que lo mencionas, ¿qué te parece toda la fenomenología que se ha generado en torno a la película, hasta el punto de ser denominada como “la mejor peor película de la historia”, tal y como reza el título del documental que se realizara sobre ella?

F.: Toda esta fenomenología que hay sobre la película, o que se hiciera un documental sobre ella, es algo que todavía no puedo comprender.

Rossella Drudi: Nos llaman de todo el mundo para invitarnos a proyecciones de la película. Incluso, en una universidad de Canadá nos homenajearon otorgándonos el honoris causa en antropología. ¡Es fantástico! (risas)

F. Hace tres o cuatro años Eli Roth estuvo presentando en el festival de Roma una de sus películas y tuvo un encuentro con todos los directores italianos de cine de terror. En un principio yo no estaba en la reunión, pero me llamó un amigo diciendo que Eli Roth había pedido expresamente que yo fuera. Así que sin pensarlo mucho fui y allí estaban Umberto Lenzi, Ruggero Deodato, Lamberto Bava… Pero cuando llegamos Rossella y yo, Eli Roth vino corriendo emocionado gritándome “¡Claudio Fragasso! ¡Tu eres el director de Troll 2! Amo esa película”. Entonces se abre la cazadora y me muestra la camiseta que llevaba debajo, que era de Troll 2. Mientras tanto, los otros directores italianos se miraban entre sí como preguntándose “¿pero este quién es?”

Es un fenómeno a escala mundial. No solo ocurre en Norteamérica, sino también en Europa: en España, Inglaterra, Francia, Alemania, Hungría, Noruega, Suiza… Ahora, si vas a preguntarme el porqué, no lo sé. Pero estoy contento con ello.

Troll 2 fue producida por Filmirage, la productora de Joe D’Amato.  Aunque ya habíais tenido oportunidad de trabajar para él en otras oportunidades, ¿cómo era D’Amato como productor?

F.: Aristide era el mejor. Era una gran persona y si él entendía que eras la persona adecuada para rodar lo que te había pedido confiaba mucho en ti y te daba una gran libertad. He trabajado con muchos productores, pero como Aristide no ha habido ninguno.

R: D. Era el Roger Corman italiano. Aparte, era un hombre muy generoso, muy altruista y una persona muy creativa. Podía ser director de fotografía, encargarse del montaje, dirigir, escribir el guion… Hacía de todo. Era único. Por ejemplo, guardo de él una pequeña anécdota. Estando en los Estados Unidos durante el rodaje de Troll 2, cuando llevábamos unas dos semanas se me acerca un día en el set y me pide que le siga. Me llevó hasta un cementerio indio y me pregunta: “Rosella, ¿qué te inspira este lugar?” Entonces le respondo que una historia de fantasmas y me dice: “De acuerdo, escríbela”. Y con ese guion rodó una película en los Estados Unidos con un director norteamericano. Así era Aristide.

Rossella y Claudio junto a Carlos Palencia y Paco Fox durante la rueda de prensa de presentación a los medios de Cutrecon VI

Al margen de Troll 2, la trayectoria de Claudio es recordada por tu fructífera colaboración con Bruno Mattei. ¿Cómo le recuerdas?

F.: A Bruno le considero mi padrino, porque, además, no tenía el carácter fuerte que suelen tener los directores. No era Kubrick, obvio, pero era Bruno Mattei. Y él me enseñó mucho sobre el oficio. Porque Bruno era muy buen montador y yo era muy bueno como guionista. Entonces, algunas veces rodaba solo Bruno y otras solo yo, y entre ambos nos complementábamos. Por ejemplo, recuerdo que cuando comencé a dirigir no le daba demasiada importancia al montaje. A mí solo me importaba hacer la escena con los actores, y Bruno me decía que estaba equivocado, que tenía que tener en cuenta el montaje a la hora de rodar como hacía él. Sin ir más lejos, en el rodaje de Apocalipsis caníbal su mayor preocupación era cómo insertar los planos del documental con lo que estábamos rodando. Así que junto con él empecé a trabajar en la sala de montaje y comprendí que tenía razón. Y de esa moda funcionábamos: yo compensaba las carencias de Bruno como guionista y él mis carencias como montador. Y no nos fue mal: juntos trabajamos a lo largo de veinte años.

Muchas de aquellas películas fueron filmación back-to-back para abaratar costes. Ni qué decir tiene que planificar un rodaje de estas características resulta algo sumamente lioso. ¿Cómo os repartíais el trabajo en estos casos?

F.: No es que fuera una cosa de Bruno y mía esta especialización, sino que eran las productoras las que nos encargaban esta clase de proyectos. Nos decían: rodadnos dos películas por el precio de una. Pero más allá de eso, la planificación no tenía mayores dificultades que las de cualquier otro rodaje.

Sin lugar a dudas, uno de los rasgos característicos de tu filmografía conjunta con Mattei reside en la evocación de ingredientes de ciertos films de éxito, algo que por otra parte era bastante habitual en el cine italiano de género coetáneo, y que llegaba hasta el punto de que algunos de vuestros films fueran lanzados en según qué mercados haciéndose pasar como secuelas apócrifas…

F.: En muchos casos la elección de esos títulos era cosa de la productora o la distribuidora. En Terminator 2 el título original era Shocking Dark, Troll 2 se llamaba en un principio Goblin y Non aprite quella porta 3[1], Night Killer.

D.: Otras veces, dos o tres años después de hacer la película veíamos que cambiaban el título para que resultara más comercial en ese momento y pudieran seguir explotándola comercialmente…

¿Y los productores no os pedían que la película se pareciera a algún éxito de esos momentos?

F.: Si, claro. Recuerdo con Bruno el caso de hacer una especie de Depredador, y rodamos Robowar. O un periodo en el que rodábamos en Filipinas una tres o cuatro películas en un año que seguían la estela de Rambo.

D.: Todas con muy poco dinero. Cop Game, Double Target, Strike Commando 1 y 2

F.: Fue una buena escuela para aprender. Tanto es así que, cuando años después rodé en Italia Camino sin retorno, mucha gente me felicitaba por las escenas de acción, y si salieron tan bien fue por la experiencia previa que me había dado el participar en todas estas películas.

El productor español José María Cunillés y Claudio Fragasso presentando “Apocalipsis caníbal” al público de la sala 2 del Cine de la Prensa.

Dos de vuestros proyectos conjuntos que se salen un poco de este patrón, precisamente, es un par de westerns que rodasteis en coproducción con España titulados ¡Scalps! Venganza india y Apache Kid, en una época en el que este tipo de cintas habían dejado prácticamente de realizarse en Europa…

F.: Eso fue cosa de la productora italiana, la Beatrice Film de Roberto Di Girolamo, con la que ya habíamos trabajado antes varias veces. Ellos fueron los que tuvieron la idea de hacer dos westerns; uno dirigido por Bruno y otro por mí. Yo estuve encantado, ya que considero a Sergio Leone el más grande director de todos los tiempos. Y este proyecto me daba la oportunidad de ir a Almería a rodar dos westerns en los mismos escenarios que él utilizó en sus películas. Rodé en varios sitios en los que el hizo La muerte tenía un precio y Hasta que llegó su hora. Aparte de esto, quise homenajearle en la película y, entre otras cosas, incluí un triello, es decir, un duelo entre tres personajes, como en El bueno, el feo y el malo.

Una curiosidad. En algunas bases de datos se acredita al actor Richard Harrison como coautor de la historia de ¡Scalps! Venganza india. ¿Es cierto este dato?

F.: El hijo de Richard Harrison, Sebastian Harrison, era el protagonista de Apache Kid, por lo que pudiera ser que la primera idea fuera suya. Es curioso, porque años antes Richard Harrison protagonizó un par de poliziesci que escribí cuando comencé como guionista en los años setenta: Napoli… i 5 della squadra speciale e I guappi non si tocano, ambos de Mario Bianchi.

Junto con Mattei también trabajaste para la Cannon. ¿Cómo fue trabajar para tan mítica productora, de la que circulan tantos rumores sobre su particular forma de funcionar?

F.: Sí, en Hercules and the Sevent Gladiators[2]. Era un robo todo. Melan y Goblus hicieron una productora de mierda que no era muy honesta. Entonces Bruno y yo teníamos que enfrentarnos todo el rato a problemas. Un ejemplo: la figuración. Al inicio del día teníamos a cincuenta personas de extras. Sin embargo, cuando pasaba una hora había veinte, y tres horas más tarde solo había diez. ¡Va fan culo! (Risas). Así que el rodaje me lo pasé constantemente enfadado.

Rossella, Claudio, el actor Emilio Linder y José María Cunillés.

Pasemos a Zombie 3, película originalmente de Lucio Fulci, pero que tras su abandono os encargasteis de acabar entre Bruno y tú. Del montaje final, ¿cuánto pertenece a lo rodado por Fulci, y cuánto a lo rodado por ti y Mattei?F.: No te puedo decir eso porque no sería justo. La película es una película de Lucio Fulci que él no pudo terminar porque estaba enfermo con un tumor en el hígado. Tras su marcha, el productor me llamó muy enfadado, pidiéndome que le ayudara a terminar la película aprovechando lo ya rodado, a lo que accedí, encargándose Rossella de reescribir el guion de nuevo. Después de varios cambios, y cuando había escrito entre treinta y cuarenta minutos de historia nuevos, el productor nos dijo que teníamos que ir inmediatamente a Filipinas para rodar este material, ya que tenía prisa para llegar a tiempo a la fecha de estreno que había pactado con los distribuidores.

D.: Claudio estaba en Roma, pero Bruno estaba en Filipinas. Así que en cuanto llegamos Claudio se puso en contacto con Bruno para contarle la situación y pedirle que nos echara una mano.

F.: Dadas las prisas, le propuse hacerlo entre los dos, como habíamos hecho tantas veces, y él aceptó.

D.: Es gracioso, porque hay una escena con un zombi en el fuego que todo el mundo atribuye a Fulci y no es verdad. En realidad es de Claudio y Bruno.

F.: En cualquier caso, lo primero que hice antes de embarcarme en el proyecto fue ponerme en contacto con Fulci para saber si él me daba su autorización, porque al fin y al cabo era una película suya. Después él dijo muchas cosas inciertas sobre cuál había sido realmente su participación, pero, bueno, hay que tener en cuenta que Lucio era una persona muy particular.

Precisamente, el protagonista de Zombie 3 fue el hoy reputado realizador especializado en el medio televisivo Deran Serafian, hijo del también director Richard C. Serafian, y para el que poco tiempo antes habías escrito el guion de su película Interzone...

D.: Bueno, he de decir que Interzone realmente la escribí yo…

F.: Conocí a Deran Serafian cuando vine a España a rodar Leviatan / Monster Dog. En el periodo que rodé esta película Deran estaba rodando para la misma productora Cosmos mortal. A raíz de este contacto Deran y yo comenzamos a tener cierta amistad. Cuando llegó a Roma, y como también la que era entonces su novia, Beatrice Ring, era amiga nuestra, volvimos a vernos. Todo el tiempo se quejaban de que tenían que hacer algo porque no tenían dinero, por lo que les presenté a Lucio Fulci, quien estuvo de acuerdo en que ambos participaran como actores en Zombie 3. Después, esta stronza (perra) de Beatrice Ring ha dicho como que se arrepentía de haber hecho esa película, pero lo que no se acuerda es cuando se estaba muriendo de hambre.

En 1993 con Teste rasate dais un giro a vuestra trayectoria, iniciando una serie de películas ambientadas en entornos delictivos y con un acento social, algunas de las cuales serían realizadas para la televisión…

F.: A mediados de los noventa, las películas de terror de bajo presupuesto en las que solíamos trabajar cada vez eran más baratas, porque los norteamericanos empezaron a hacer películas de género baratas, con la diferencia de que el barato para los yanquis es una película con cierto nivel de producción. Vi que no era un buen momento para aquel tipo de cine y pensé en hacer algo en Italia.

D.: Hasta entonces habíamos sido unos cineastas emigrantes. Mientras Claudio era conocido en todo el mundo, en Italia en cambio nadie sabía quién era. Sin embargo, Teste rasate, que era un film muy fuerte, muy violento, de denuncia social, nos sirvió como carta de presentación en Italia.

F.: Después de Teste rasate vino Camino sin retorno, y empecé un periodo de mi carrera centrada en films de acción y de denuncia social.

D.: De esta etapa, uno de nuestras películas que más me gusta es Coppia omicida, que trata el problema de la incomunicación de la pareja a través de las andanzas terroristas de un par de asesinos interpretados por Raoul Bova y Raz Degan: en el amor, en el afecto… Todo ello sin dejar de ser un thriller con mucha acción. Por desgracia en Italia no funcionó, aunque en otros países como Estados Unidos, Alemania o Francia fue bastante bien.

Y de cara al futuro, ¿cuáles son vuestros próximos proyectos?

F.: Una película de miedo. Hay varias en proyecto, la primera de las cuales se llama Zombie Mamma y es una historia muy fuerte de zombis con trasfondo social y un toque muy particular. Tenemos que empezar una nueva carrera y pensamos hacerlo volviendo a las películas de miedo.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías: Juan Mari Ripalda

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[1] N. d. a.: Non aprite quella porta es el título italiano de La matanza de Texas.

[2] N. d. a: Ignoro si dicho título era el original del proyecto, pero la película resultante fue estrenada con el título original de I sette magnifici gladiatori y el hijo de Zeus no aparecía por ningún lado, si bien el personaje principal corría por cuenta de Lou Ferrigno, quien por aquellas mismas fechas había encarnado a dicho personaje también para la Cannon en El desafío de Hércules. Teniendo en cuenta que lo que en principio eran escenas adicionales para I sette magnifici gladiatori acabarían desembocando en la confección de una improvisada secuela a cargo de Luigi Cozzi de la previa El desafío de Hércules con La furia del coloso, no se puede descartar que, en origen, la película de Mattei y Fragasso estuviera planteada como otra aventura del semidios.

Published in: on marzo 3, 2017 at 11:25 am  Dejar un comentario  
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Anunciadas las fechas y el leitmotiv de TerrorMolins 2017

A comienzos de la semana pasada la organización del longevo Festival de Cine de Terror de Molins de Rei anunció que la celebración de su edición de este 2017 tendrá lugar entre los próximos 10 y 19 de noviembre, manteniendo los diez días de duración a los que se amplió el año pasado, desvelando asimismo cual será su leitmotiv, en el siguiente comunicado de prensa:

Si el año pasado dedicamos el certamen a las mutaciones, tras haberlo dedicado a las fobias en 2015, este año nuestro leitmotiv lleva por título “Haneke or the edge of horror. Una clara intención de explorar los límites del cine de terror que año tras año expande y reformula las normas del género.

Poco hay más personal que valorar la sensación de miedo que sufre, o disfruta, cada espectador al ver una u otra película. Ya sean filmes oficialmente etiquetados como thriller, suspense, intriga, policíacos o puramente de terror, cada espectador los vive de forma única por su personalidad, estado de ánimo y receptividad del momento, y sólo él mismo puede decidir si ha sentido miedo en algún momento, plano o escena. De ahí que sea tan difícil establecer un criterio general que consiga delimitar lo que es el terror.

También las propias experiencias personales pueden provocarnos sensaciones de auténtico terror al evocarnos una película el recuerdo de un momento, vivencia o situación concretos. Por eso todo fanático del género que nos entusiasma, el terror, habrá sin duda alguna vez reflexionado sobre qué está considerado terror y qué no, es decir, sobre los límites del género. Ante todo amamos el cine de terror y este es un debate que nos resulta apasionante.

Os invitamos este año a explorar este polémico concepto con nosotros y contamos con todos vosotros para debatir, comentar, conversar y opinar sobre el leitmotiv de la edición del TerrorMolins 2017: the edge of horror.”

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En el mismo comunicado, este protagonismo del que gozará la obra de Michael Haneke es presentado por el director artístico del festival, Albert Galera, con las siguientes palabras:

“Debemos agradecer a Michael Haneke la capacidad malsana para reinventar el género de terror, por haber cruzado las fronteras de la moralidad, por explorar los territorios más oscuros que genera esta sociedad enfermiza y sin esperanzas a partir de unas propuestas que combinan cine de calidad extrema y las más profundes reflexiones sobre el comportamiento desequilibrado y monstruoso del ser humano. Este año, el director franco-austríaco de las dos versiones de Bunny Games, El vídeo de Benny, Caché o Amor celebra el setenta y cinco aniversario, una efeméride que no podíamos dejar de lado desde el TerrorMolins, el festival que, en esta edición se preguntará, más que nunca, dónde está el límite del terror y hasta dónde puede llegar el comportamiento cotidiano de las personas cuando la perturbación se apodera de su alma. Bienvenidos al mundo trastornado e irresistible del gran Michael Haneke.”

Más información: http://www.molinsfilmfestival.com/

Published in: on marzo 1, 2017 at 6:55 am  Dejar un comentario  

Video-entrevista sobre su participación en “Stop Oven in Hell” a Enzo G. Castellari, quien el viernes asistirá al pase de la película en la Muestra Syfy

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Por más que su presencia apenas haya sido publicitada hsata el momento, Enzo G. Castellari será uno de los invitados más destacados con los que contará la XIV Muestra Syfy de Cine Fantástico que se celebrará desde el próximo jueves hasta el domingo en el Cine de la Prensa de Madrid. El mítico director italiano, responsable de títulos tan emblemáticos del cine de género europeo como Keoma, el díptico Los guerreros del Bronx o Aquel maldito tren blindado, film que, como es sabido, le serviría de inspiración a Quentin Tarantino para dar forma a su Maldito bastardo, visitará el certamen madrileño dentro del equipo de Stop Over in Hell que el viernes presentará el pase de este western que ha supuesto la tercera película de ficción de Víctor Matellano. En ella, Castellari interpreta a Zingarelli, un representante de betunes que viaja en diligencia y guarda muchos secretos.

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Colin Arthur, Víctor Matellano, Enzo G. Castellari y Manuel Bandera posando durante una pausa del rodaje de “Stop Over in Hell”

Coincidiendo con esta visita, el departamento de prensa de Stop Over in Hell ha difundido una video-entrevista grabada durante el rodaje de la película en la Dehesa de Navalvillar de Colmenar Viejo, la misma localización donde Castellari debutó como director en Alambradas de violencia / Pochi dollari per Django –oficialmente acreditada a León Klimovsky- y donde también rodaría Mátalos y vuelve / Ammazzali tutti e torna solo con el protagonismo de Chuck Connors.

Published in: on febrero 28, 2017 at 8:08 am  Dejar un comentario  
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Crónica de CutreCon VI

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No lo tenía fácil sobre el papel esta sexta edición de CutreCon, el Festival Internacional de Cine Cutre de Madrid. Tras el importante salto cualitativo dado el pasado año, esta nueva CutreCon se presentaba con la exigencia de cuanto menos igualar, si no superar, lo ofrecido por el certamen hace ahora doce meses. Un reto complicado, sin ninguna duda, pero que una vez finalizada podemos decir que ha superado con creces. No solo eso, sino que el evento organizado por el especializado portal cinecutre.com ha vuelto a dar un nuevo paso adelante en el asentamiento y proyección de su propuesta. Sin ir más lejos, en las semanas previas a su celebración se organizó por primera vez la denominada PreCutreCon, un evento totalmente gratuito que, además de servir de plataforma desde la que promocionar el festival, resultó un excelente aperitivo de cara a calentar motores, gracias a la proyección de la inenarrable Karate contra mafia (1981), primer film de artes marciales rodado en España y que ya había sido visto durante la cuarta edición, en la que se homenajearía con el honorífico premio Jess Franco a su director, Ramón Saldías. Del mismo modo, también hubo espacio para la incorporación al programa de formatos ajenos, caso del espectáculo interactivo “Cine para chicas y maricas” que protagonizó la sesión golfa del viernes y que, en sintonía con el leitmotiv elegido como hilo conductor a la edición de este año, el cine musical, tuvo como guinda el futurista, discotequero y, en última instancia, hortera film de la Cannon La manzana (The Apple, 1980), escrito y dirigido por el que fuera el principal ideólogo de la mítica productora, Menahen Golam.

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Aunque quizás la mejor prueba del crecimiento experimentado por CutreCon estuvo en el nuevo aumento de espectadores registrado, tanto en las sesiones gratuitas como, sobre todo, en las de pago. Si ya el año pasado se rozó el lleno en varias ocasiones, esta vez hubo que colgar el cartel de “no hay billetes” en un buen número de los pases. La prueba más ilustrativa a este respecto se encuentra en lo sucedido en uno de los platos fuertes de la edición. Hablamos, obviamente, del programa doble compuesto por Troll 2 (1990) y Apocalipsis caníbal /Virus (1980) que sirvió para escenificar la entrega del Jess Franco al invitado especial de este año, el director y guionista italiano Claudio Fragasso. Pues bien, por motivos ajenos a la organización, un problema en la venta de entradas provocó que se despachara un número de localidades superior al aforo de la sala 2 del Cine de la Prensa donde debía desarrollarse el evento, motivo que obligó a que se habilitara la sala 3 del multicine con el fin de poder ubicar a todo el público congregado. Mientras se aclaraba la cosa, en un detalle que le honra, el homenajeado amenizaría la espera improvisando una presentación en la que, entre otras cosas, afirmaría que el tono cómico de Troll 2 está buscado a propósito. En el mismo sentido, también cabe comentar a modo de curiosidad que si antes de dicha película Fragasso recibía el mencionado galardón de manos de Enrique López Lavigne, para presentar la siguiente Apocalipsis caníbal el también conocido como Clyde Anderson estuvo acompañado por otro productor, en este caso José María Cunillés, responsable de la parte española de la película y auténtica leyenda viviente de nuestro cine.

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Parte del equipo de “Cine Basura: La película” durante el post screaning con Miguel Ángel Aijón, Natalia Bilbao, Paco Fox y Miguel Ángel Viruete.

Ni qué decir tiene que Fragasso y su esposa y colaboradora habitual, Rossella Drudi, se erigieron en los grandes protagonistas de CutreCon 2017. Pero si bien los más mediáticos, no fueron, ni mucho menos, los únicos. Con la sala 1 del Cine de la Prensa repleta hasta los topes, el jueves 26 se daba el pistoletazo de salida a esta edición con la presencia tanto sobre las tablas del escenario como entre el patio de butacas de gran parte del equipo de Cine Basura: La película (2016), con sus directores y principales ideólogos Paco Fox y Miguel Ángel Viruete a la cabeza. El que dicho título fuera el escogido para esta sesión inaugural se antojaría del todo consecuente, habida cuenta de tratarse del primer film rodado en España que parodia / homenajea el cine cutre, circunstancia esta que es refrendada por las numerosas referencias cinéfilas que se acumulan a lo largo de su metraje, pero también en vista de la participación activa en la cinta de destacados miembros de la organización.

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En el centro Cem Kaya atendiendo a las preguntas del público tras el pase de “Remake, Remix, Ripoff”.

El otro nombre propio que dejaría esta edición lo tendríamos en Cem Kaya, director de Remake, Remix, Ripoff (2014), con todo merecimiento el gran descubrimiento de esta CutreCon. Concebido inicialmente para su emisión en la televisión germana, el documental se zambulle en la época dorada de la industria de cine popular turca, con especial atención para los descarados exploitations que entre finales de los setenta y comienzo de los ochenta manufacturara con menos medios que vergüenza. En contra de lo que pudiera parecer en un principio, el film no se limita a repasar únicamente los aspectos por los que a día de hoy son conocidos estos films en Occidente, sino que sobre esa base Kaya reflexiona sobre el modo en el que la cultura popular se alimenta de la repetición de historias, al tiempo que a través del testimonio en primera persona de varios de sus implicados incide en las duras condiciones laborales y técnicas que aquellos profesionales tuvieron que hacer frente para llevar a cabo su trabajo y que, según se muestra, aún perviven en la moderna televisión otomana. Para el recuerdo queda la estremecedora confesión de Çetin İnanç, director del conocido como “el Star Wars turco”: “¡Qué más habría querido yo que dedicarme a otra cosa que no hubiera sido ser director de cine!” En definitiva, un trabajo imprescindible y reivindicable, gracias a su visión poliédrica, capacidad informativa y variedad de enfoques.

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Carlos Palencia y Vera Montessori volvieron a ser una vez más los maestros de ceremonio de CutreCon.

Remake, Remix, Ripoff se encuadraría dentro de “Documentrash”, la sección consagrada al formato documental que, en su segunda encarnación, se confirmó como una de las propuestas más interesantes del programa. Al igual que el año pasado, su desarrollo se concentró en una sesión doble celebrada en la mañana del domingo, si bien en esta ocasión cambiando el Cine de la Prensa por la sala Artistic Metropol, lugar en el que se aglutinarían todas las proyecciones de la última jornada. Junto con Remake, Remix, Ripoff, el otro integrante de la dupla seleccionada, en su première europea, fue el notable Doomed! (2015), en el que se desgranan las vicisitudes de la adaptación de Los Cuatro Fantásticos producida en 1994 por Roger Corman. Pero más allá de arrojar luz a los pormenores de tan controvertida producción, se trata, sobre todo, de la historia de cómo la industria jugó con el trabajo y las ilusiones de un grupo de profesionales que esperaban lanzar sus carreras por medio de una película que, en realidad, no se pretendía siquiera estrenar, ya que su puesta en marcha solo era una triquiñuela de los ideólogos del proyecto con la que retener los derechos sobre sus personajes protagonistas. Un retrato descarnado de los turbios intereses que, en ocasiones, esconden el modo de funcionar de la industria cinematográfica, en especial la hollywoodiense, aunque en este caso esconda un acto de justicia poética. Y es que, aunque ningún miembro de su equipo alcanzaría el estrellato con el que soñaban, como muy acertadamente apunta uno de sus partícipes, las peculiares circunstancias que rodearon su existencia han motivado que con el discurrir de los años la película haya alcanzado una relevancia y trascendencia que difícilmente habría disfrutado de haber conocido en su momento una distribución comercial normalizada.

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El carácter eminentemente cinéfilo de Remake, Remix, Ripoff y Doomed! no quitaría para que la principal razón de ser de la oferta de CutreCon volviera a estar en el goce y disfrute que se deduce del visionado de hilarantes exponentes de Serie B o Z. Aunque, en honor a la verdad, en esta sexta edición no todo fue cine cutre, y también hubo espacio para otros títulos de un mayor nivel de producción y acabado formal del que suele ser habitual en las películas programadas por el certamen. Es el caso de Action Jackson (2014), protagonista de la sesión golfa del sábado; toda una superproducción bollywoodiense, de deslumbrante poderío visual y técnico, cuya inclusión en el certamen obedecería a unas hiperbólicas escenas de acción, el delirio de sus multitudinarios números musicales y un sentido del humor y el romanticismo de lo más peculiar para nuestros ojos occidentales. Action Jackson sería la punta de lanza de la nutrida concurrencia de films procedentes del país asiático entre la nómina reunida, si bien el resto de sus compatriotas lo harían formando parte de alguno de los maratones programados.

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Cola para acceder a una de las sesiones celebradas en el Auditorio de la Casa del Reloj, imagen que se reproduciría a lo largo del fin de semana.

El primero de ellos en sentido cronológico fue BCN Knockout (2013), historia de amor y mafia singularizada por ambientarse en la Ciudad Condal, en cuyos emplazamientos más emblemáticos desarrolla varias de sus secuencias musicales. Aparte de por su ambientación barcelonesa, su cuota de bizarrismo vendría dada por elementos tales como la versión en indio del famoso “Borriquito como tú” de Peret que sirve de fondo sonoro a sus títulos de crédito, o la desopilante presencia de ninjas durante su adrenalítico tramo final. Semejante mejunje cerraría el tradicional maratón gratuito celebrado en el Auditorio del Centro Cultural de la Casa del Reloj durante la jornada del sábado, y que había arrancado a eso de las once menos cuarto de la mañana con varios films para el público infantil, entre los que destacan la colorista Caperucita y Pulgarcito contra los monstruos, así como Las aventuras de Zipi y Zape, psicotrónica adaptación a imagen real de los personajes creados para la viñeta por Escobar perpetrado por el habitual del cine “S” Enrique Guevara. Tras un pequeño descanso, las proyecciones proseguirían por la tarde con Hard Rock Zombies (1985), Attack of the Beast Creatures (1985) y la ya comentada BCN Knockout. Mientras que Attack of the Beast Creatures narra cómo los supervivientes de un naufragio son diezmados por unas ridículas marionetas que se suponen los indígenas caníbales de una isla perdida, Hard Rock Zombies presentaría una interminable sucesión de videoclips a cargo de su grupo protagonista servido por medio de una trama (o así) que diríase improvisada sobre la marcha, sin que ni siquiera su pretendido tono cómico y granguiñolesco consiga redimirla.

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Momento del encuentro con los invitados celebrado el viernes en la Casa del Reloj.

Curiosamente, la crítica al conservadurismo estadounidense presente en Hard Rock Zombies la hermanaría en cierto sentido con Nudist Colony of the Dead (1991), título con el que se abrieron las sesiones celebradas en la Casa del Reloj un día antes. Proyectado en su versión remasterizada, por más que su calidad de imagen fuera bastante pobre, este musical gamberro e irreverente hace mofa de los ultra cristianos, partiendo de una premisa que deja muy a las claras sus pretensiones: un grupo de nudistas que se suicidaron tras ser desalojados del camping en el que vivían a causa de la presión de los beatos de la zona regresan de la tumba para acabar con un grupo de excursionistas de la iglesia local, que pretenden pasar unos días en sus antiguos dominios. Humor cafre, canciones pegadizas y un presupuesto paupérrimo –atención al cachondo traje de la anciana nudista– conforman la base de esta cinta que daría paso al esperado encuentro con los invitados. Durante alrededor de cuarenta minutos, Paco Fox, Cem Kaya, Claudio Fragasso y Rossella Drudi hablaron sobre sus trabajos, mientras contestaban a las preguntas que les formulaba el público en una charla de lo más animada e informativa. Con este buen sabor de boca, el cierre a la tarde lo ponía “Cine Basura” y la proyección de la película House of the Devil, con los comentarios en vivo de Paco Fox, Carlos Palencia y la colaboración especial de Vera Montessori y el youtuber Zorman. Con motivo de su emisión en Movistar + Xtra, se intentó por primera vez en la historia del programa dar entrada en directo a los comentarios de los espectadores que se encontraban visionando la película desde su casa, si bien problemas técnicos evitarían que el experimento saliera todo lo bien que hubiera sido deseable.

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Y así llegamos al final de nuestro recorrido o, lo que es lo mismo, a la maratón que, un año más, acogió la sala Artistic Metropol el domingo y que, bajo el nombre “Casiotón”, pondría el broche de oro a cuatro intensos días de cine cutre. Compuesta por cuatro títulos, el primero de ellos nos traería la première europea del que es el último trabajo hasta la fecha de un viejo conocido del certamen, Sam Firstenberg, premio Jess Franco del pasado año. Basándose en un guion inédito de Ed Wood Jr., el cineasta de origen polaco fabrica con The Interplanetary Surplus Male and Amazon Women of Outer Space (2003) un curioso artefacto de meta-ficción que reflexiona sobre las interioridades del cine de bajo presupuesto, gracias a un inteligente tratamiento que hace de sus necesidades virtud. Y de un destacado representante de la Serie B pasábamos a otro con Cenicienta 2000 (Cinderella 2000, 1977), revisión en clave de ciencia ficción y tono erótico-festivo del famoso cuento de Perrault a cargo de Al Adamson. Entre los muchos momentos a retener que provoca su visionado, citemos el número musical protagonizado por un robot con cabeza en forma de pene en el que el androide se lamenta amargamente de no tener con quién practicar sexo.

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De izda. a drcha.: Claudio Fragasso, Emilio Linder, Carlos Palencia y Rossella Drudi presentando la proyección de “Leviatán / Monster Dog” con la que se clausuraba el marotón “Casiotón”.

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Superado el ecuador de la tarde, tocaba el turno para la tercera y última de las producciones indias programadas: Golimar: The Movie [Donga, 1985], película que había creado cierta expectación por contener una surrealista versión devenida en fenómeno viral del famoso videoclip de Michael Jackson Thriller. Para ahorrar las tres horas de su versión íntegra se proyectaría en un remontaje internacional de noventa minutos, aunque no sería la única manipulación a la que sería sometido su contenido. La confección de un subtitulado que traducía de modo muy libre los diálogos y, sobre todo, las letras de las canciones, ayudaría a hacer más llevadero el visionado de este desaforado melodrama lacrimógeno. Como fin de fiesta, la organización situó el film del homenajeado Claudio Fragasso Leviatán / Monster Dog (1984), el cual contaría con una pequeña presentación a cargo de su propio director y uno de sus intérpretes principales, Emilio Linder. De este modo se ponía el punto y final a esta sexta CutreCon, aunque antes de abandonar la sala aún quedaba por desvelar una pequeña sorpresa, cuando uno de los miembros de la organización, Pedro J. Mérida, anunciara a los presentes a modo de despedida que la edición del próximo año tendrá como hilo conductor las space operas. Una excelente noticia que hace que muchos estemos ya frotándonos las manos pensando en lo que nos va a deparar la, por ahora, aún lejana CutreCon 2018.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías: Juan Mari Ripalda

Published in: on febrero 24, 2017 at 6:56 am  Dejar un comentario  
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