Cambio de fecha del concierto “Colosos de la gran pantalla” en FIMUCITÉ 12

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El Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife (FIMUCITÉ) ha informado en fechas recientes de que el concierto “Colosos de la gran pantalla” cambia su fecha de celebración, por motivos ajenos a la organización. Finalmente tendrá lugar el domingo 30 de septiembre, en el Teatro Guimerá de Santa Cruz de Tenerife, a partir de las 19:00 horas, con entradas a la venta en la taquilla del teatro y en TomaTicket.es. Cabe recordar que este concierto contará además con otra función matinal dirigida al público escolar, que tendrá lugar el jueves 27 de septiembre en el Auditorio Antonio Lecuona a las 10:30 horas.

Esta original propuesta musical forma parte del acuerdo de colaboración entre FIMUCITÉ y los conservatorios Profesional de Tenerife y Superior de Música de Canarias, según el cual cada año jóvenes músicos estudiantes ofrecen al público un programa dedicado a la música para el cine. En esta ocasión, la Joven Orquesta Sinfónica FIMUCITÉ, bajo la dirección del maestro José Antonio Cubas, hará un recorrido por las bandas sonoras de películas sobre algunas de las bestias míticas del Séptimo arte, desde King Kong a Godzilla, pasando por los dinosaurios de Jurassic Park y El valle de Gwangi; obras de grandes compositores como John Barry, John Williams, Mario Nascimbene, Ramin Djawadi o Jerome Moross. Parte del programa de este concierto incluirá bandas sonoras de producciones que han sido rodadas en Canarias, como las protagonizadas por el Kraken de Furia de titanes, la ballena gigante de Moby Dick o las criaturas antediluvianas de Cuando los dinosaurios dominaban la Tierra y Hace un millón de años.

Este recital se enmarca en un proyecto conjunto del Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife y su homólogo en Cracovia, el Krakow Film Music Festival (FMF), que consiste en el intercambio de integrantes de sus respectivas jóvenes orquestas. Así, a finales de mayo el FMF celebraba su undécima edición con la participación de cuatro músicos de la orquesta conformada por alumnos del Conservatorio Profesional de Música de Santa Cruz de Tenerife y del Conservatorio Superior de Música de Canarias, dos intérpretes de violín, uno de viola y otro de cello. Del mismo modo, en el marco de la duodécima entrega de FIMUCITÉ, el próximo septiembre, el festival polaco dispondrá cuatro de sus músicos para participar el concierto “Colosos de la gran pantalla”. Se trata del primer intercambio internacional de jóvenes músicos estudiantes, que se produce entre dos festivales de música de cine europeos.

Published in: on agosto 20, 2018 at 5:40 am  Dejar un comentario  

Entrevista a Can Evrenol, director de “Housewife”

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En 2015, Can Evrol sorprendía a propios y extraños con su ópera prima, Baskin, traslación al formato largo de un cortometraje previo. El excelente sabor de boca dejado por el film convirtió al director turco en una de las principales promesas del cine fantástico, siendo incluso galardonado por el Festival de Cine Fantástico de Bilbao en su edición de 2016 con el premio FANTrobia, destinado a reconocer a una figura emergente dentro del género. Unas expectativas que en gran medida se han cumplido con su segundo largometraje, Housewife (2017), una consecuente prolongación de lo expuesto por Baskin, comenzando por una trama nuevamente centrada en las andanzas de una secta. En ella, Evrenol reafirma la deuda que a nivel formal mantiene con el cine de terror italiano de los ochenta en general, y con la obra durante el periodo de Lucio Fulci en particular, del que hereda su dinamitación de las convenciones narrativas y su gusto por el gore, sin menoscabo de otros referentes trasalpinos, caso de Dario Argento o Michele Soavi.

Dos años después de presentar en el certamenBaskin, Can Evrenol regresó al Festival de Sitges, donde Housewife compitió dentro de la sección “Panorama Fantàstic”.

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Tras el excelente recibimiento con el que fue acogida tu ópera prima, ¿has sentido una mayor presión a la hora de elaborar esta tu segunda película?

En realidad no. Después de empezar a hacer Baskin estaba muy feliz, aunque por primera vez en mi vida, quizás por única vez en mi vida, pensé que tal vez no tendría la oportunidad de volver a rodar otra película nunca más. Tenía esa especie de sentimiento cuando la hacía: estoy corriendo un gran riesgo realizando esta película y puede que no pueda volver a hacerlo otra vez. Después, como Baskin fue un gran éxito, me sentía muy inspirado y envalentonado, por lo que tras correr aquel riesgo quería correr más riesgos, y que la siguiente película fuera más grande, más loca… Por lo que puede decirse que me dio valor.

El hecho de que Housewife haya sido rodado en inglés ¿es una forma de darle una mayor proyección internacional a la película?

No exactamente. Housewife es mi carta de amor a las películas italianas de terror de los setenta y los ochenta, y quería transmitir ese sentimiento kitsch. Las películas italianas de aquella época siempre eran habladas en inglés, no en italiano. Y lo hacían entremezclando diferentes acentos. Así que cuando estaba haciendo la película me dije: “Tengo actores con acentos distintos, ¿será un problema?” Y la respuesta es que no, porque en esta película es un elemento que viene heredado de los materiales en los que me he inspirando. Por otra parte, crecí viendo películas americanas y quería hacer una película en inglés. Era una idea loca, ¿sabes? ¿Conoces Mi novia es un zombie (Dellamorte, Dellamore, 1994)? Es como una película de Hollywood rodada en Italia, en lugar de en Norteamérica. Pues algo así es lo que yo quería hacer.

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¿Qué papel ha jugado esa búsqueda de diferentes acentos a la hora de confeccionar el reparto?

Al comenzar tenía una lista de actores estadounidenses en mente para el personaje de Bruce O’Hara, pero cuando conocí a David [Sakurai] descubrí que era la mejor opción para el papel, por lo que tuve claro que debía de ser para él. Para Holly, la protagonista, Clémentine [Poidatz] me pareció que tenía la cara correcta, me gustó su acento francés y, en definitiva, me pareció que era una buena elección dadas las características del personaje. Creo que el único gran problema que había era que la niña que interpreta a Holly de pequeña tenía acento inglés, por lo que se hacía raro que al crecer ese mismo personaje tuviera acento francés. Pero había otras muchas cosas en las que ambas se parecían, independientemente del acento con el que cada una de ellas hablara en inglés. Y dado que era el único modo en que podía hacerlo, era un riesgo que tenía que correr. Hay personas a las que no les gusta, pero creo que es algo que le va a la película; le da ese toque a película italiana de terror de los ochenta que pretendo.

Dentro de este pretendido homenaje al cine italiano de terror de los ochenta, en ciertas declaraciones has señalado que querías que Housewife fuera un tributo al cine de Dario Argento y Lucio Fulci. Sin menoscabo de ello, y dado que ya has mencionado a la obra de su director anteriormente, ¿se encontraba La secta (La setta, 1991) entre tus referentes? Lo digo porque tu película me ha recordado en algunos aspectos al film de Michele Soavi…

Ya me lo había comentado alguien después del pase de la película en el Retiro. Pero he de decir que no, no he visto La secta… aunque cuando vuelva a casa la veré. Además, me gusta Soavi por Mi novia es un zombi y El engendro del diablo (La chiesa, 1989). Pero lo que te puedo decir es que lo que yo quería hacer era una película como Safe (Safe, 1995), con Julianne Moore, o como Inferno (Inferno, 1980). Esa era mi motivación: como Inferno, como Mulholland Drive (Mulholland Drive, 2001), como Safe… Luego puede que la película no sea exactamente igual que estos títulos, pero esa era mi intención.

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Al igual que Baskin, Housewife está muy cuidada estéticamente, tanto a nivel visual como sonoro. ¿Hasta qué punto te involucras en el trabajo del director de fotografía o del compositor para conseguir los resultados que deseas?

Estoy muy involucrado, es casi como luchar por ello cada día. Trabajo con gente con mucho talento, pero que realmente no entienden lo que les pido. Digamos que es difícil para mí mostrarles las ideas que tengo, ya que este tipo de películas de terror kitsch a veces va en contra de sus instintos. “Seré malo, ¿pero no demasiado malo?“…

La música fue una excepción. Le mostré al compositor las bases y las referencias musicales que tenía, y le pregunté si podía hacerlo. Me respondió que sí, y la verdad es que fue muy rápido y muy creativo. Es más, entre las referencias que le di, una de mis favoritas era el tema central de El síndrome de Stendhal (La sindrome di Stendhal, 1996) compuesto por Ennio Morricone, y resulta que también era uno de sus temas favoritos. La verdad es que tuvimos una gran relación y existió una gran química entre ambos.

Siguiendo con los paralelismos con Baskin, el argumento de Housewife vuelve a pivotar en torno a una secta, tema este por otra parte bastante transitado por el cine de terror actual. ¿A qué crees que se debe este auge de la temática?

Es algo que asusta, asusta mucho. No sé por qué muchas otras películas están cogiendo este tema, aunque quizás tenga algo que ver con la situación política que vivimos en este momento, no lo sé. En mi caso, me fascinan los predicadores, ya sean cristianos, musulmanes, yoguis… cualquiera. Alguien predicando lo encuentro muy interesante. Y cuantas más locuras dicen, más interesantes me parecen. Porque aunque no tenga ningún sentido, la forma en que lo predican, acompañados de música y demás, es espeluznante. Da miedo; tienen poder, pero es un poder vacío.

Relacionándolo con Baskin y Housewife, en esta última durante la película alguien entra de repente, en este caso Bruce O’Hara, y comienza a predicar… Y a mí me parece muy interesante cómo arrastra la narrativa de la historia y ajusta los mecanismos de la atmósfera. También hay muchas cosas que no sé por qué las he metido y que se repiten en ambas películas, como un capullo floreciendo, un nacimiento y el que en un momento determinado el héroe atraviese unas escaleras yendo a parar donde se encuentra la secta, que primero quieren matarle pero luego le adoran. En Baskin es el policía y en Housewife es Holly. Pero no sé por qué meto estas cosas, ni de dónde me vienen. Simplemente las escribo y después cierro el cuaderno. Cuando lo vuelvo a abrir y lo releo, pienso: “Mmm, esta es mi psicología”.

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¿Y cómo reciben en un país tan complejo cultural, social y políticamente como Turquía tus películas, repletas de sexo, sangre y violencia?

Piensan que estoy loco… Cuando Baskin participó en Toronto en el TIFF esperaba que los delegados turcos que se encontraban en el festival la odiasen. Sin embargo, tras el pase alguien del Ministerio de Cultura turco se acercó y me dijo: “Eh, Can, estamos orgullos de ti“. “¿De verdad? ¿Has visto la película?“, le contesté. Cuando vendimos la película a Estados Unidos, ellos solo veían una película de terror, no veían más allá. Pero cuando se proyectó en cines turcos los fans del cine de terror lo vieron como otra cosa, no como cine de terror. Incluso, cuando lanzamos en DVD Baskin utilicé como reclamo en la portada uno de los comentarios que uno de estos espectadores hizo de la película: “No es terror. Es pornografía“. En Turquía las películas de terror son de corte religioso y no tienen ese punto rebelde, con ese Dios más grande que nosotros. Así que cuando ven algo así piensan “no es una película de terror, es una película loca”. Es como perciben Baskin, y será interesante ver cómo perciben Housewife.

Al hilo de lo que comentas, hace unos años sí que existía una cierta industria en tu país que fabricaba películas de género fantástico, pero no sé si ahora tú eres una especie de francotirador. ¿Cuál es la situación actual del cine fantástico turco?

En Turquía el terror es extranjero, el terror es de los Estados Unidos. Les gusta It, les gusta Saw, pero cuando llega el turno del terror turco… es horrible, porque la gente tiene prejuicios. Es más, muchos de mis amigos no han visto Baskin. Son mis amigos pero no han visto Baskin. Mucha gente la está viendo y descubriendo ahora. Me resulta interesante pensar en cómo Housewife encajará en todo esto, al estar planteada como una película norteamericana.

Según parece, actualmente te encuentras trabajando en un par de nuevos proyectos. Uno sería el de la secuela de Baskin y el otro es el de una película infantil. ¿Qué puedes adelantar de ellos?

Cuando el gobierno estaba tan feliz con Baskin, me dijeron que tenían financiación para una nueva película, pero en ese momento yo no quería hacer nada parecido a una película de terror. Un amigo tenía un corto, lo convertimos en guion, enviamos la solicitud y nos dieron el dinero… Es una película infantil, protagonizada por una niña nacida sin boca. Es como un cuento de hadas.

En cuanto a la secuela de Baskin, no tengo planes ahora mismo, pero lo deseo. Tengo una idea, aunque no el dinero. Pero sí que he participado en una nueva antología de los creadores de The ABCs of Dead llamada The Field Guide to Evil, compuesta por ocho cortos de ocho directores procedentes de ocho países. Mi segmento se titula A Demon of Childbirth[1]. La película ya está terminada, lista y llegará este año.

José Luis Salvador Estébenez

[1] Nota del autor: Finalmente el título de su segmento es Al Karisi, The Childbirth Djinn.

Traducción: E. G. Peñuelas

Fotografías: Juan Mari Ripalda

Published in: on agosto 10, 2018 at 5:37 am  Dejar un comentario  
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Los compositores Christopher Young y Nick Foster nuevos invitados de FIMUCITÉ 12

La organización de FIMUCITÉ dio ayer a conocer dos nuevos invitados que formarán parte del cartel de su duodécima edición, a celebrar entre los próximos 21 y 30 de septiembre. Por un lado, el reconocido compositor Christopher Young, quien ya participó en el Festival hace una década, presentará la interpretación en el marco de la Gala de Clausura de una suite de su música para la película de ciencia ficción Species: Especie mortal, por la que fue nominado a los galardones Golden Reel. Y por otro, Nick Foster acudirá con motivo de la interpretación, también dentro del programa del concierto “La verdad está ahí fuera”, de la banda sonora de la serie de animación Thunderbirds are go!, que firma junto a su hermano, el director invitado a FIMUCITÉ en esta misma edición, Ben Foster, y por la que lograron una nominación a los Premios BAFTA.

De este modo, Christopher Young y Nick Foster se suman al resto de invitados ya confirmados por FIMUCITÉ 12: los compositores Laura Karpman, quien actualmente ejerce como gobernadora de la rama musical en la Academia de Hollywood, y Jean-Michel Bernard, extraordinario pianista y colaborador habitual del cineasta Michel Gondry; además del citado Ben Foster, como director invitado.

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El compositor nominado al Globo de Oro Christopher Young, natural de Nueva Jersey, cuenta con una excelsa trayectoria en cine y televisión con cerca de un centenar de películas, en la que destaca su dedicación al cine fantástico y de terror, con títulos como Hellraiser, Sinister, El Exorcismo de Emily Rose, La mosca 2, La mitad oscura, Pesadilla en Elm Street 2, Ghost Rider: El motorista fantasma, o sus colaboraciones con el director Sam Raimi en Arrástrame al infierno y Spider-man 3. Profesor de composición de música para cine en la Universidad del Sur de California, ha dedicado también su carrera a la formación especializada y cuenta con numerosos seguidores por todo el mundo, como quedó demostrado cuando visitó la segunda edición de FIMUCITÉ y protagonizó un inolvidable encuentro con fans.

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Por su parte, Nick Foster es conocido por sus numerosas partituras para series de televisión en Reino Unido y Estados Unidos, con títulos como la comedia Timewasters o la exitosa Bounty Hunters. También destaca por sus trabajos en publicidad para marcas como Stella Artois, Amazon o la cadena BBC. Actualmente prepara la música de una nueva producción para Netflix del mentalista Derren Brown, con quien ya colaboró en Apocalipsis y The Cube, y para una nueva tanda de episodios de Thunderbirds are go!, junto a su hermano Ben Foster.

Published in: on agosto 9, 2018 at 5:45 am  Dejar un comentario  

El theremín protagonista de un ciclo de cine organizado por FIMUCITÉ y Filmoteca Canaria

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La 12ª edición del Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife –FIMUCITÉ programará junto a la Filmoteca Canaria “Theremín, la música de ciencia ficción”, un ciclo dedicado a este particular instrumento musical electrónico que se toca sin entrar en contacto con él y que ha sido utilizado en numerosas películas de ciencia ficción y terror clásicas. De esta forma, Filmoteca Canaria se suma a la fiesta sonora de FIMUCITÉ con la programación de seis películas en el Teatro Guiniguada de Las Palmas de Gran Canaria y en los Multicines Tenerife, ubicados en San Cristóbal de La Laguna. Así, el 11 de septiembre dará comienzo el ciclo de cine compuesto por las proyecciones de Ultimátum a la Tierra (1951), Planeta prohibido (1956), El enigma de otro mundo (1951), Vinieron del espacio (1953), Ed Wood (1994) y El maquinista (2004). Las proyecciones se prolongarán hasta el 25 de octubre con un precio de 2 € para el público general y de 1 € para estudiantes y mayores de 65 años.

Dicho ciclo entronca directamente con el eje central de la programación de FIMUCITÉ de este año, la cual versará en torno al género cinematográfico dedicado a los encuentros extraterrestres y a las invasiones alienígenas. El theremín, compuesto por una caja y dos antenas, fue creado por el músico y científico ruso Léon Theremin en 1934 para la violinista lituana Clara Rockmore, quien se convirtió en la máxima representación de la técnica e interpretación del theremín.  El misterioso y agónico sonido del theremín ha fascinado a grandes directores de cine y forma parte de muchas de las bandas sonoras que permanecen en el imaginario colectivo. Películas tan heterogéneas como Ultimátum a la Tierra de Robert Wise, Planeta prohibido de Fred M. Wilcox, El enigma de otro mundo de Christian Nyby, Vinieron del espacio de Jack Arnold, Los 5.000 dedos del doctor T de Roy Rowland o Recuerda de Alfred Hitchcock, incluyen el inimitable sonido del theremín.

Lydia Kavina

Lydia Kavina

En la actualidad, Lydia Kavina, nieta del primer primo de Léon Theremin, es la theremista más importante y gran impulsora a nivel mundial de este instrumento, habiendo participado en películas como eXistenZ de David Cronenberg, Ed Wood de Tim Burton y El maquinista de Brad Anderson. Kavina será una de las protagonistas de la Gala de Clausura de FIMUCITÉ, donde actuará como solista bajo la batuta del director invitado Ben Foster. La cita será el 29 de septiembre en el Auditorio de Tenerife Adán Martín y las entradas ya están a la venta.

Published in: on agosto 7, 2018 at 5:36 am  Dejar un comentario  

VI Muestra “Lo + prohibido”

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Un año más, y ya van seis, Artistic Metropol celebrará su ya consolidada “Muestra de Cine Lo + Prohibido”. Del 9 al 12 de agosto la sala de cine madrileña proyectará una selección de títulos, a cuál más políticamente incorrecto, que promete no dejar indiferente a ninguno de los asistentes. De los dieciocho largometrajes que serán exhibidos, cinco de ellos optarán a premio del público, recompensado con la adquisición de derechos y distribución por parte de Artistic Films y Begin Again Films:

  • La chilena Trauma (2017) de Lucio A. Rojas será la encargada de abrir la muestra. Se trata de una suerte de rape & revenge que ha levantado ampollas allí donde ha ido y sobre la que preguntábamos hace escasas fechas a su director en la entrevista que podéis leer en el siguiente enlace: https://cerebrin.wordpress.com/2018/06/01/entrevista-a-lucio-a-rojas-director-de-trauma/
  • Atroz (2015) de Lex Ortega cuenta con el título honorífico de ser “la cinta más violenta de la historia del cine mexicano”. Presentada por Ruggero Deodato, director de la célebre Holocausto Caníbal, la película sigue los actos más depravados de dos asesinos seriales a los que la policía les ha incautado las cintas en las que filmaban a sus víctimas.
  • La dama del bosque maldito (2018) de George Karja es una producción nacional donde el terror y lo fantástico se unen para atormentar a los protagonistas en forma de leyenda local.
  • También española es La cosecha (2014) de Roberto Santiago, un film rodado en formato found-footage que une elementos de comedia y terror y homenajea a una muy celebre saga de ciencia ficción.
  • Cerrando el apartado de candidatas al premio del público, se encuentra Animal (2015) del argentino Fernando Balihaut, que estará presente en la proyección y presentará su película, una provocadora cinta que ganó el premio Biznaga de Plata en el Festival de Málaga, donde también dejó al público helado.

Fuera de competición, el resto de la programación se compone de Yo, Christina F (1981) de Uli Edel, basada en la novela de Kai Hermann y Horst Rieck, que cuenta la historia de una joven de catorce años que se prostituye para poder pagar su adicción a la heroína; la producción patria La raíz del mal (2008) de Adrián Cardona, un festival de gore extremo para los paladares más exquisitos en la materia; American Guinea Pig: Bouquet of Guts and Gore (2014) de Stephen Biro, la continuación estadounidense de la serie de films pseudo-snuff Guinea Pig, de la que la organización advierte que contiene escenas de extrema violencia que pueden herir la sensibilidad del espectador; la proyección por primera vez en pantalla grande en España gracias a Vial of Delicatessens de The Bunny Game de Adam Rehmeier, un demoledor e innovador producto que presenta un tortuoso juego en el que una prostituta cocainómana de Hollywood es secuestrada durante cinco días por un maniático camionero y que será la encargada de clausurar la muestra. También por cortesía de Vial of Delicatessens podrá verse el díptico de Jesús Franco La cripta de las condenadas (2012), que se proyectará en dos partes, el cortometraje seleccionado para los Goya Tio Jess (2012) de Víctor Vatellano y Hugo Stuven, que muestra los conflictos surgidos en pleno rodaje de una de las últimas películas del propio Franco, y el transgresor cortometraje Abashed de Jessica González, quien estará presente en el pase.

También podrán verse una serie de clásicos cuidadosamente seleccionados para la ocasión. Entre lo más destacable figura L’ultimo squalo a.k.a. Tiburón 3 (1981) de Enzo G. Castellari, la sharkploitation italiana que fue prohibida en algunos países por tratarse de una secuela bastarda de la saga oficial de Spielberg. La cinta se exhibirá en programa doble junto al documental ¡Zarpazos! Un viaje por el Spanish Horror (2013) de Víctor Matellano, que repasa los mejores años del fantaterror español. El cineasta colmenareño presentará su documental y dará datos de lo más interesantes de la película de Castellari. Uno de los grandes clásicos polémicos que se podrán ver será La noche del cazador (1955) de Charles Laughton, un drama perverso e inquietante que se encuentra entre las mejores películas de la historia del cine. Otro clásico, aunque de otra tesitura, es El destripador de Nueva York (1982) de Lucio Fulci, película que, entre otras cosas, le granjeó la fama de misógino al cineasta.

Sin salir de los ochenta, también se podrá ver Henry, retrato de un asesino (1986) de John McNaughton, en la que se explora la psique de un despiadado asesino que sale de prisión tras asesinar a cuchilladas a su madre. Y dentro de este apartado no podía faltar el principal exponente de la conocida como “Nueva Carne”: Vinieron de dentro de... (1975), una de las primeras y más enfermizas películas de David Cronenberg. Cerrando la sección clásicos, tenemos a todo un referente noventero del cine independiente más duro: Kids (1995) de Larry Clark, que narra las controvertidas vivencias, en clave semi-documental, de un grupo de adolescentes que se drogan y mantienen relaciones sexuales con el fantasma del SIDA planeando sobre sus cabezas. Un cruel relato de la vida en las calles de la época.

Por último, dentro de esta sexta edición de Lo + Prohibido se programaran dos sesiones especiales con los cortometrajes más eróticos y terroríficos del panorama patrio actual y que se dividirá de la siguiente forma.

Sesión Cortometrajes Eróticos Premios Bonobo:

La doma (2018) de Fernando Sánchez Dragó.
Una opinión sobre pornografía (2018) de Tonino Guitián.
I Feel Love (2018) de Paloma Aznar (Vampirella)
IDE (2018) de Carlus Padrissa (La Fura dels Baus)
El súcubo (2016) de Jaime Chavarri.
* Con la presencia del director de Premios Bonobo Antonio Marcos.

Selección de cortometrajes de terror a cargo de Erik Gatby:

Chicaman (2017) de Ángel M.Saló
Fist of Jesús (2012) de Adrián Cardona y David Muñoz.
Canibal Rave (2017) Alfonso García
Into the mud (2016) de Pablo S. Pastor.
Metamorfosis (2013) de Sergio Morcillo.
Space Trash Bag (2017) de José Casas.
* Con la presencia de Erik Gatby.

Más información, horarios y venta de entradas: www.artisticmetropol.com

Published in: on agosto 6, 2018 at 5:43 am  Dejar un comentario  

“De Palma vs De Palma” será el libro oficial de TerrorMolins 2018

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El Festival de Cine de Terror de Molins de Rei (TerrorMolins) y Editorial Hermenaute colaborarán por tercer año consecutivo con la publicación de un libro monográfico sobre el director estadounidense Brian De Palma, cuya figura será el tema central de la trigésimo séptima edición del veterano certamen, a celebrar entre los próximos 9 y 18 de noviembre.

Bajo el título de De Palma vs. De Palma, el libro indaga en muchos de los conceptos esenciales de la obra depalmaniana a partir de la visión personal de seis autores, cada uno de los cuales centra su análisis individual en una de estas constantes. Keith Gordon, actor en dos películas de Brian De Palma y realizador estadounidense, colabora escribiendo el emotivo prólogo.

De Palma vs De Palma
 es un libro que trata la dualidad formal, la identidad desdoblada, aspectos como la pantalla partida y la amplificación metódica del legado de Alfred Hitchcock. Un libro que huye del manido análisis cronológico y ofrece un interesante discurso acerca de la obra del realizador de Nueva York a partir de seis artículos complementarios. De Palma vs De Palma consigue, a partir del análisis de toda la filmografía del director de Vestida para matar, hacernos repensar el discurso de su obra y descubrir nuevas teorías. Un libro que reivindica la figura de uno de los mejores y más controvertidos cineastas de la historia; un ensayo imprescindible para todo cinéfilo y cualquier lector curioso interesado en la psicología, el arte, la sociología y otros campos íntimamente relacionados con el séptimo arte, el thriller y el fantástico.

Coordinado por Albert Galera, De Palma vs De Palma  cuenta con las firmas de Antonio José Navarro, Gerard Fossas, Jordi Batet, Jaume Claver, Ignasi Juliachs y el mismo Albert Galera, director artístico de TerrorMolins, articulista e historiador de cine.

Published in: on agosto 2, 2018 at 5:58 am  Dejar un comentario  

El Festival Isla Calavera prepara una edición especial en La Palma

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El Festival de Cine Fantástico de Canarias – Isla Calavera ofrecerá próximamente una edición especial en Santa Cruz de La Palma con el apoyo del Ayuntamiento capitalino y el Cabildo insular. El emblemático Teatro Chico acogerá un abanico de actividades para todos los públicos los días 21 y 22 de septiembre bajo la dirección de Daniel Fumero y Ramón González Trujillo y la coordinación de Patricio Ducha. Así lo anunciaron este martes en rueda de prensa los codirectores del Festival, junto con la concejal de Cultura de Santa Cruz de La Palma, Virginia Espinosa, y la consejera de Juventud del Cabildo de La Palma, Ascención Rodríguez.

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El maestro de efectos especiales y maquillaje Colin Arthur, Premio Isla Calavera de Honor 2017, visitará La Palma junto a su colaboradora Sarah Pooley, para presentar una proyección especial de La historia interminable, uno de los clásicos del cine de fantasía, que alcanzará en 2019 su trigésimo quinto aniversario. Colin Arthur fue el artífice de todos los personajes y criaturas de la película basada en la aclamada novela de Michael Ende que dirigió el realizador nominado al Oscar Wolfgang Petersen. Arthur y Pooley participarán en una charla sobre la película y los efectos especiales físicos en el cine, y brindarán a los asistentes una exposición con originales creados durante su dilatada carrera. El programa se completará con otras proyecciones y clases magistrales sobre el género fantástico.

El Festival de Cine Fantástico de Canarias – Isla Calavera nació en 2017 con una exitosa edición que disfrutaron más de dos mil personas a finales de noviembre en Tenerife. A lo largo de cinco días se proyectaron quince cortometrajes y quince largometrajes, y se ofertaron diversas actividades paralelas. La segunda entrega del Festival tendrá lugar del 21 al 25 de noviembre de este año, nuevamente en el complejo Multicines Tenerife como sede principal. Como iniciativa regional, en su objetivo de difundir el cine fantástico por todo el Archipiélago, el Festival Isla Calavera trasladará el próximo mes de septiembre su actividad a La Palma.

Más información: www.festivalislacalavera.com

Published in: on julio 25, 2018 at 6:20 am  Dejar un comentario  

Primeras películas confirmadas para TerrorMolins 2018

La organización del Festival de Cine de Terror de Molins de Rei anunciaba hace unos días los cuatro primeros títulos que formarán parte de la programación de su trigésimo séptima edición, que arrancará el próximo 9 de noviembre. Se tratan de:

Tigers Are Not Afraid de la mexicana Issa López, cinta alabada por Guillermo del Toro y Stephen King que la califican como una cinta terrorífica, difícil y conmovedora. En el siguiente enlace podéis visionar la entrevista que realizamos a Issa López durante su estancia en FANT, donde su película se alzó con el premio del público.

Summer of 84 de Anouk Whissell, François Simard y Yoann-Karl Whissell, responsable de la exitosa y revolucionaria Turbo Kid, Premio del Público en terrorMolins 2015, quienes regresan con un título puramente de terror con su sello personal.

Ghostland del director de Martyrs,Pascal Laugier, quien regresa con un espectacular giro de tuerca al género del home invasión con una cinta de terror de calidad sin concesiones.

Mandy de Panos Cosmatos, con un grandísimo Nicolas Cage en una de las mejores interpretaciones de su carrera como protagonista de esta cinta que se perfila como una futura obra de culto del género.

Este es sólo un pequeño avance de la programación que esta preparando TerrorMolins para una edición que promete ser terroríficamente épica. En breve más avances y sorpresas.

Más información: www.molinsfilmfestival.com/es

Published in: on julio 25, 2018 at 5:16 am  Dejar un comentario  

Avanzada una parte importante de la programación de Sitges 2018, una edición que contará con la presencia de Nicolas Cage, Ed Harris y John Carpenter

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Una de las estrellas más carismáticas del cine contemporáneo estará en Sitges 2018. Nicolas Cage aterrizará en el Festival para recibir uno de los Gran Premio Honoríficos que otorgará el certamen este año y presentar Mandy (2018), el thriller de Panos Cosmatos que protagoniza. El actor californiano, que inició su carrera a principios de los 80, ha protagonizado éxitos de todos los géneros, con una notable predilección por la acción y el thriller. Besos de vampiro (Robert Bierman, 1989), Corazón salvaje (David Lynch, 1990), Leaving Las Vegas (Mike Figgis, 1995), La roca (Michael Bay, 1996), Con Air (Simon West, 1997), Cara a cara (John Woo, 1997), Wicker Man (Neil LaBute, 2006), Kick-Ass (Matthew Vaughn, 2010) o las más recientes Dog Eat Dog (Paul Schrader, 2016), Mom and Dad (Brian Taylor, 2017) o la citada Mandy, son solo algunos de los títulos que han marcado su trayectoria .

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El actor, productor y director estadounidense Ed Harris también recibirá el máximo reconocimiento del Festival, el Gran Premio Honorífico, al igual que el director Peter Weir, como ya se anunció anteriormente. La carrera de Harris, que empezó a finales de los años 70, está llena de éxitos y grandes interpretaciones en el fantástico, entre las que destacan Abyss (James Cameron, 1989), Apolo 13 (Ron Howard, 1995), La roca (Michael Bay, 1996), El show de Truman (Peter Weir, 1998), Una historia de violencia (David Cronenberg, 2005), o las más recientes Snowpiercer (Bong Joon-ho, 2013), la serie Westworld (Jonathan Nolan y Lisa Joy, 2016) o Madre! (Darren Aronofsky, 2017).

Una de las figuras esenciales del cine de fantástico de las últimas décadas, John Carpenter, será otro de los invitados estelares de Sitges 2018, donde exhibirá su talento como compositor de bandas sonoras. Las partituras de La noche de Halloween, La niebla, 1997: Rescate en Nueva York, La cosa, Christine, El príncipe de las tinieblas y muchos otros títulos sumergirán a los fans en el universo único de Carpenter. Con este concierto, que ha sido posible gracias a la colaboración de Last Tour y se celebrará el sábado 13 de octubre en el Auditori Meliá Sitges, el Festival se abre a nuevas propuestas en el campo del fantástico. La venta de entradas está disponible a partir de hoy, a las 12.30h, a través de la web del Festival. Para acceder al concierto, de aforo limitado, no serán válidas las acreditaciones del Festival.

Sección Oficial

Junto a la presencia de estas auténticas leyendas, Sitges 2018 volverá a ofrecer el mejor cine de género actual de todo el mundo. El Festival ya había anunciado las últimas películas de Gaspar Noé, Lars Von Trier, David Robert Mitchell, Alice Rohrwacher o Pascal Laugier, entre otros, a los que ahora se suman una notable lista de títulos que harán las delicias de los fans. Sin ir más lejos, la producción catalana El año de la plaga –adaptación de la novela de Marc Pastor L’any de la plaga– dirigida por Carlos Martín Ferrera, se presentará en la Sección Oficial de Sitges 2018. Coproducida por Televisió de Catalunya, la cinta está protagonizada por Ivan Massagué, Ana Serradilla, Miriam Giovanelli, Sílvia Abril y Juanra Bonet.

Muere, monstruo, muere

Las cinematografías iberoamericanas pisan con fuerza en la Sección Oficial de Sitges 2018. Los films Animal, de Armando Bo II, y Muere, monstruo, muere, de Alejandro Fadel, encabezan las novedades provenientes de Argentina. La colombiana Siete cabezas, de Jaime Osorio Márquez, y la portuguesa Diamantino, de Gabriel Abrantes y Daniel Schmidt, confirman el buen momento del género en estos territorios.

Rapurasu no majo (2018) - Laplace's Witch (2018)

De Japón llegan Inuyashiki, de Shinsuke Sato, adaptación del manga de ciencia ficción Hiroya Oku; Laplace’s Witch, la nueva incursión en el thriller de Takashi Miike, y Maquia: When the Promised Flower Blooms, el anime dirigido a cuatro manos por el realizador Toshiya Shinohara y la guionista Mari Okada, que debuta en la dirección.

ElizabethHarvest

El cine norteamericano de factura más independiente tendrá un peso destacado en la Sección Oficial con títulos como Elizabeth Harvest, de Sebastian Gutiérrez; Clara, de Akash Sherman; I Think We’re Alone Now, de Reed Morano, con Peter Dinklage y Elle Fanning; Nancy, de Christina Choe, con Steve Buscemi; Prospect, de Christopher Caldwell y Zeek Earl, y The Man Who Killed Hitler and then The Bigfoot, de Robert D. Krzykowski.

An-Evening-With-Beverly-Luff-Linn

Sitges 2018 también servirá para confirmar el talento de directores que han pasado por el certamen en otras ediciones, acogiendo sus nuevas producciones. Es el caso del norteamericano Jim Hoskins, que sorprendió en el 2016 con The Greasy Strangler y vuelve ahora con An Evening with Beverly Luff Linn; el francés Quentin Dupiex, director de títulos como Réalité, Wrong Cops o Rubber, que presentará Au Poste!; la polaca Agnieszka Smoczynska, directora de The Lure, con Fugue; el iraní Mani Haghighi con Pig, y el canadiense Colin Minihan con What Keeps You Alive.

Òrbita

Operation red sea

La sección dedicada al thriller, la acción y la aventura se abrirá con Asher, de Michael Caton-Jones, protagonizada por Ron Perlman, que estará en Sitges para presentar la película y recibir un premio honorífico. También se presentarán Arctic, de Joe Penna, con Mads Mikkelsen; Galveston, de Mélanie Laurent, con Elle Fanning; Operation Red Sea, uno de los mayores éxitos de la historia del cine chino, dirigido por Dante Lam, y The Spy Gone North, de Yun Jong-bin.

Anima’t

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Las sección dedicada al cine de animación del Festival estará compuesta por films como Chuck Steel: Night of the Trampires, de Michael Mort, una sátira del cine de terror; el film ruso realizado por stop motion Hoffmaniada, de Stanislav Sokolov; el anime Liz and the Blue Bird, de Naoko Yamada, o la brasileña Tito e os pássaros, de Gustavo Steinberg, Gabriel Bitar y André Catoto.

Noves Visions

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La sección Noves Visions presentarán una selección de títulos que exploran nuevas vías narrativas, con una destacada presencia europea, como es el caso de Domestique, de Adam Sedlák; Ederlezi Rising, de Lazar Bodroza; Involution, de Pavel Khvaleev; Luz, de Tilman Singer, o The Invocation of Enver Simaku, del alicantino Marco Lledó Escartín. De Brasil llega O clube dos canibais, de Guto Parente. Asia también juega un papel destacado en la sección con films como el japonés One Cut of the Dead, de Shinichiro Ueda; el filipino Season of the Devil, de Lav Diaz y la coproducción entre Tailandia, Hong Kong y Japón, Ten Years Thailand, dirigida de forma conjunta por Apichatpong Weerasethakul, Aditya Assarat, Wisit Sasanatieng y Chulayarnnon Siriphol.

Panorama Fantàstic

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Con un marcado carácter independiente, Panorama Fantàstic llevará un año más a Sitges el terror más arriesgado. Uno de los films destacados de la selección es St. Agatha, de Darren Lynn Bousman, director de las entregas II, III y IV de la saga Saw y de títulos que han pasado por Sitges, como Mother’s Day, 11-11-11 o Abattoir. Otro conocido del Festival, el mexicano Isaac Ezban (El incidente, Los parecidos) presentará Parallel. Otras producciones destacadas que se podrán ver en esta sección son A Rough Draft, de Sergey Mokritsky; Cam, de Daniel Goldhaber; Incredible Violence, de G. Patrick Condon; The Dark, de Justin P. Lange; The Liquidator, de Xu Jizhou o The Ranger, de Jenn Wexler, muchas de ellas operas primas.

Brigadoon y Sitges Zombie Walk 2018

el vendedor de ilusiones

Por su parte, la sección Brigadoon continuará con su apuesta por el formato documental con Navajeros, censores y nuevos realizadores, de R. Robles Rafatal, centrado en el nacimiento y desarrollo del cine quinqui; Director Z, el vendedor de ilusiones, de Oskar Teixidor, sobre el cineasta vasco José María Zabalza; Goodbye Ringo, de Pere Marzo Font, sobre los míticos estudios de Esplugues City, escenario de multitud de spaghetti western, y La venganza de Jairo, de Simon Hernández, centrado en el realizador colombiano Jairo Pinilla, que visitó Sitges en la edición 2013.

En Sesión Especial podrá verse el capítulo El hombre que vendió su risa, integrado en la serie Mañana puede ser verdad y dirigido por Narciso Ibáñez Serrador en 1962 para la televisión argentina. También objeto de una proyección especial será el clásico de Iván Zulueta, Arrebato, que se pasará en una nueva copia restaurada que se editará comercialmente en fechas próximas.

Dentro de sus ciclos retrospectivos, Brigadoon homenajeará al director italiano Umberto Lenzi –desaparecido el pasado mes de octubre– que en 2008 recibió el Premio Nosferatu. Entre las películas que se podrán ver, se encuentran La guerra del hierro (1983), Una droga llamada Helen (1970) y La invasión de los zombies atómicos (1980). El Premio Nosferatu, como ya se anunció, recae en esta edición en la actriz alemana Helga Liné, motivo por el que podrán verse Horror (1963), de Alberto de Martino, y una sesión especial de El espanto surge de la tumba (Carlos Aured, 1972).

La tradicional Sitges Zombie Walk tendrá lugar este año el primer sábado del Festival, que será el 6 de octubre, y volverá a ser una llamada para que los zombis de todo el mundo puedan recorrer las calles de la ciudad.

Sitges Industry Hub

Por segundo año consecutivo, el Festival contará con la Sitges Industry Area gracias al apoyo del Àrea de Mercats Internacional de l’Institut Català de les Empreses Culturals (ICEC) y de Catalan Films & TV. Se trata de un espacio de acogida y promoción de actividades dirigidas al sector audiovisual profesional, y un punto de encuentro entre los profesionales presentes en el certamen. Entre sus actividades hay mesas redondas, presentaciones, mastersclass y programas de promoción de otras disciplinas con tradición dentro del fantástico como la literatura o los videojuegos.

La Blood Red Carpet, una iniciativa focalizada en la promoción internacional del talento actoral dentro de la producción audiovisual nacional e iberoamericana, llegará por su parte a su cuarta edición. El programa presentará tres actores, tres actrices y tres directores noveles seleccionados de acuerdo con su prometedora trayectoria. Laia Costa, Alejo Sauras, Miki Esparbé o Bruna Cusí son algunos de los actores y actrices que han participado en las pasadas ediciones.

El programa Sitges Taboo’ks, que cuenta con el apoyo de la Federación del Gremio de Editores de España y el Salón Liber, se presenta como un paraguas que acoge diferentes acciones entre la literatura y el cine. En la edición del 2018 se presentarán cuatro obras susceptibles de ser adaptadas al cine y un proyecto en vías de adaptación. En esta segunda convocatoria, se suma la entrega del premio de ciencia ficción de la UPC y la presentación de un study case de la mano de Planeta.

Por otro lado, la Universitat Oberta de Catalunya (UOC) repetirá el curso de máster Cine fantástico y ficción contemporánea que estrenara el pasado año en colaboración con el Festival, para el que ya ha abierto la matrícula de cara a esta segunda edición que se celebrará en octubre.

Libro oficial

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En esta edición, el libro oficial de Sitges estará dedicado al director italiano Michele Soavi, siendo el primer ensayo en castellano sobre la figura de este cineasta inconformista y siempre innovador. Editado por la Editorial Hermenaute y bajo el título Michele Soavi. Cineasta de lo macabro, la publicación repasa la carrera de uno de los realizadores más influyentes del cine italiano de terror reciente desde sus inicios como ayudante y aprendiz de Dario Argento y Joe D’Amato. Para muchos, Soavi es el último gran talento del cine italiano, concentrando las virtudes de maestros como Mario Bava, Sergio Martino, Umberto Lenzi, Antonio Margheriti o Lucio Fulci.

El libro, elaborado por Gerard Casau, Manlio Gomarasca, Mike Hostench, Diego López, Lluís Rueda y Ángel Sala –con prólogo de Luigi Cozzi– incluye un estudio de sus films más emblemáticos (Aquarius, La secta, El engendro del diablo, Mi novia es un zombi, etc.) e incide en su etapa más desconocida como realizador en los márgenes del fantástico; los thrillers policiacos y melodramas que nutren su etapa posterior como director televisivo.

Abonos, packs y maratones a la venta

La venta de abonos, packs y maratones para Sitges 2018 está ya disponible a través de la web del Festival, al igual que las entradas para el concierto de John Carpenter del sábado 13 de octubre, con aforo limitado, y para el que no serán válidas las acreditaciones del certamen.

El Festival activará la venta a través de criptomonedas en septiembre, con la plataforma digital de Slate Entertainment Group (SEG), Slatix, basada en el blockchain. La iniciativa es pionera en la industria y ha sido posible gracias a la asociación establecida con SEG, que también es impulsor de la nueva plataforma Bringe, con contenidos de ficción audiovisual y cinematográficos, que utiliza por primera vez la tecnología blockchain.

Más información: www.sitgesfilmfestival.com

Published in: on julio 23, 2018 at 5:34 am  Dejar un comentario  
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Entrevista a Karl R. Hearne, director de “Touched”

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Dentro de su Sección Oficial, la pasada edición del Festival de Cine Fantástico de Bilbao – FANT acogió la premier nacional de Touched, película que ha supuesto la ópera prima en el formato largo de Karl R. Hearne. En su debut, el director canadiense, que se desplazó hasta la capital vizcaína para acompañar la participación de su película, se descuelga con un film de corte minimalista y contornos indies a medio camino entre el drama psicológico, la historia de fantasmas y el thriller de investigación, en el que sigue las evoluciones de Gabriel, el maduro y solitario encargado de un edificio de apartamentos. Tras que una de sus inquilinas desaparezca sin dejar rastro, Gabriel comenzará a tener visiones en dicho apartamento de una niña con la que establecerá una particular relación, al tiempo que comienza a desentrañar el misterio de  la suerte corrida por su alquilada.

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Touched supone tu debut en el formato largo tras haber rodado varios cortometrajes. ¿Cómo se originó tu ópera prima?

Touched no nace solo de una imagen y de un lugar. Tiene que ver con la niña y con la relación que establece con el personaje de Gabriel. Ahí es donde verdaderamente se originó la idea. Si tuviera que referirme a una idea concreta, tal vez sería la de la escena final. La historia trata sobre una relación que en realidad no ha existido, lo que le acerca a una historia de fantasmas. Pero en este caso quería centrarme más en la tristeza que puede provocar una relación que en realidad no ha existido. Hay elementos de mi propia vida, cosas de las que he sido testigo y otras imaginarias.

Con todo esto escribí el guion y ganó un premio de guiones, lo que me ayudó de cara a levantar la película. Después fui a Telefilm Canada[1], normalmente esa es la labor de un productor, pero lo hice yo mismo y tuve la suerte de que lo aceptaran y me dijeran que me ayudarían a hacer el filme, pero no me dieron el dinero suficiente. El resto es dinero privado y yo mismo puse dinero también. En Estados Unidos un productor o un productor ejecutivo es aquel que trae el dinero para hacer la película. En Canadá un productor es el que coge esos proyectos y luego hace solicitudes al gobierno, así que para eso necesitas al productor, pero luego no te dan el dinero, no lo tienen, solo hacen las solicitudes. Así que yo me quise saltar ese paso y contar mi proyecto directamente, pero no es la forma habitual de hacerlo. Tuve suerte y lo aceptaron. También te puedo decir que producir tu propia película es una pesadilla.

La propuesta de Touched se enmarca, al menos en un principio, dentro de la proliferación de películas de fantasmas que se viene produciendo en los últimos años. ¿A qué crees que se debe el auge que está teniendo esta temática dentro del cine actual y qué es lo que te atraía personalmente de ella para utilizarla como punto de partida de tu película?

La verdad es que no sabía que hubiera tantas películas de fantasmas en estos años. No las he visto. Sí he oído cosas muy buenas de una de ellas, quizá sea una a la que te refieres: A Ghost Story. No la he visto aun, pero tengo ganas. Así que creo que no soy la persona idónea para contestarte a esta pregunta porque no conozco tantos ejemplos como tú. Me encantan las películas de fantasmas, pero no partí con esa idea en mente al hacer esta película, al menos en el sentido estricto. Para mí una película de fantasmas se puede definir de manera sencilla: alguien más tiene que ver al fantasma, cosa que no pasa en mi película, ya que podría estar simplemente en la imaginación del personaje que le ve. La película está hecha con la intención de que el espectador pueda decidir si realmente es una fantasma lo que se ve o una alucinación. Cuando he hablado con la gente tras los pases he notado que creen firmemente en cualquiera de las dos posibilidades, tanto que es una historia de fantasmas o un drama psicológico. Una vez hecha, está fuera de mi alcance y es la gente la que tiene que decidirlo, pero me parece interesante ver opiniones tan encontradas.

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Karl y Juste Ezenarro, director de FANT, durante la rueda de prensa de “Touched” en el festival bilbaíno.

Como dices, la historia también es un drama psicológico e incluso puede verse como un thriller. ¿Tú cómo la definirías?

No creo que tenga un ritmo tan ágil para denominarlo thiller (risas). Nunca diría que es un thriller, ya que para mí tendría que tener más tensión y más sustos. Nunca quise que lo tuviera. Para mí es un filme pausado. Lo describiría como un misterio con fantasma que va de menos a más. Algo a medio camino entre un drama psicológico y una historia de fantasmas. Para definirlo diría que no es exactamente ninguna de las dos cosas, pero sí algo entre medias. Es complicado, porque a la gente que le gusta el cine de terror o el cine fantástico pueden sentir que es lenta o que no tienen un ritmo adecuado a su gusto, pero a otras personas que les gusta más el “cine arte”[2] pueden rechazarla precisamente, porque no suelen admitir los elementos fantásticos, ya que los consideran comerciales. Esto es algo que hice de manera consciente; si funciona o no lo tendréis que decidir vosotros. Yo he tratado de estar moviéndome en medio de estas dos ideas.

Aunque no sea una película de fantasmas propiamente dicha, lo cierto es que juegas un poco con la estructura típica de este tipo de historias. Mientras que lo habitual es que haya que descubrir el motivo por el que se aparece el fantasma, en Touched queda claro el por qué se aparece Caitlyn y cómo su presencia es solo fruto de la mente de Gabriel…

No estoy seguro de que sea como todos lo perciban, porque hay quien la ve realmente como un fantasma. Sin embargo, coincido contigo en lo de la estructura de las historias clásicas de este género. Creo que lo que descubres en este caso, y creo que eres más experto que yo en la materia, es que ves el fantasma pero no sabes qué ha pasado o por qué está allí. El protagonista trata de descubrir si es real o está en su mente. En una historia clásica tú tendrías un fantasma y descubrirías cómo fue su muerte… y entonces debe ser vengado. Yo creo que de alguna manera sigo ese esquema justo hasta el final. Cuando el fantasma es vengado, es liberado y la chica es libre… y en este caso podrías decir que también le libera a él en cierto modo.

Pero si lo ves como un drama psicológico, lo puedes interpretar como que el protagonista ve esa aparición, se convierte en una detective para entender qué ha pasado y entonces trata de hacer lo correcto yendo a la policía… y al ver que no toman medidas, se toma la justicia por su mano. Pero en este punto de la historia no sabemos cuánto de lo que vemos es verdad; por lo que sabemos puede que haya matado a un hombre inocente, aunque tengamos la sensación de que en realidad no lo era.

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Cambiando de tema, dadas las características de la película, cimentada sobre un par de personajes, el proceso de casting se antoja fundamental…

A mí me encantan los castings, aunque siempre son dificilísimos. Especialmente en este, ya que como teníamos un presupuesto tan bajo nos limitaba muchísimo. Por ejemplo, para el personaje de Caitlyn comenzamos con un casting local, pero al no encontrar a ninguna actriz que nos convenciera para el papel nos vimos obligados a ampliar el círculo. Por suerte encontramos a Lola Flanery, que es una actriz maravillosa. Es alucinante. Cuando hicimos la película, aunque solo tenía unos once años, fue súper seria, venía con todo el texto estudiado e hizo sus propios ajustes al personaje. Hacía cosas que parecían imposibles para tener esa edad. Ahora ya tiene doce o trece años ya ha estado en muchas películas de Hollywood y series de televisión. Me atrevería a decir que dentro de quince o dieciséis años puede a llegar a ser una primera estrella mundial. La verdad es que estoy muy contento con el cast que he tenido. Ha sido genial trabajar con todos ellos.

¿Y cómo fue el trabajo con Hugh Thompson, sobre el que recae todo el peso de la historia con el personaje de Gabriel?

Es un tío muy interesante. Era boxeador profesional. Al parecer noqueó a Lennox Lewis, que ganó una medalla de oro en las olimpiadas en la categoría de peso pesado. Fue cuando los dos tenían en torno a dieciocho años, le noqueó en una pelea amateur. Puedes ver que tiene la nariz rota, se la han roto varias veces. Tiene unas manos enormes, los brazos le llegan a las rodillas, como un gorila, y suele decir que no encuentra camisas que le queden bien. Así que él viene de un pasado bastante duro, pero tiene bastante sensibilidad, como la de un artista. De primeras no sabía qué esperar de él, porque es bastante intenso y cuando alguna vez se enfadó conmigo tuve la sensación de que iba a pegarme (risas). No fue porque tuviéramos una discusión, sino más bien por la frustración de una escena que tuvimos que repetir una y otra vez. En realidad fue culpa mía, ya que trataba de encontrar la manera de que esa escena en concreto funcionase y en un momento sentí que iba a golpearme, pero en lugar de eso se marchó de la habitación. Fue un momento de bastante tensión, pero podemos decir que fue la excepción. Estuvo increíble. Un miembro del equipo de sonido que ha trabajado en más de cien películas le definió de una manera que me gustó, dijo de él que era “increíblemente preciso” y eso es algo que no todos los actores pueden hacer, usar la expresión exacta en el momento exacto.

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Me gustaría que me hablaras del estilo visual de la película, en especial por el uso predominante de tonos azules cielo y amarillos claros en determinadas secuencias…

Me lo han preguntado algunas veces. La gente asume que con esta película íbamos a hacer algo muy oscuro y también que la chica iría haraposa y encadenada, como si hubiese sido maltratada. Parte de los tonos elegidos vienen de la concepción que tendría el protagonista de una niña, para mí  sería algo como el Cielo o un lugar donde no te pueden hacer daño,  algo que él imaginaría así. Hay algunas transiciones en la película, por ejemplo… Gabriel cambia en pequeñas cosas. Al comienzo, cuando le vemos en su rutina diaria, lleva unas camisas azules y al final tiene camisas más coloridas, como si fuese una mariposa saliendo del capullo. De modo similar, la paleta de colores de la película cambia de azul a amarillo. El azul es su color y el amarillo el de los dos juntos. Hay más razones. Para mí la concepción que él tendría de la habitación de una niña es dulce, pero a la vez no tiene mucho sentido, ese amarillo brillante y chillón… Si este fuese un drama psicológico y lo que él ve está creado por su mente, me gusta la idea de que esa sea la imaginación de alguien que nunca ha tenido un hijo y que no tiene ni idea de lo que eso significa. Así que eso sería lo que él se imagina que debe ser un cuarto de un niño, con color amarillo brillante y algunos juguetes. Pero eso también va cambiando a lo largo de la película según se van acercando los dos personajes. Además, como dije antes, va en contra de lo que la gente puede esperarse. Es más original que si fuese exactamente igual que en las otras películas de fantasmas.

Además de dirigir  y escribir el guion, también te has encargado de la producción y el montaje. ¿Este polifacetismo se debe a las estrecheces presupuestarias que has comentado o es una decisión plenamente consciente y buscada por tu parte para mantener el control sobre la película?

Es una buena pregunta, pero sencilla: fue el presupuesto. Por ello he tenido que desempeñar muchos trabajos en esta película: director, guionista, productor, montador e, incluso, hice escenas de especialista, simplemente porque no teníamos dinero para contratar a gente en esos puestos. Por ejemplo, me hubiese gustado contratar a un montador, pero no nos lo pudimos permitir. En resumidas cuentas, no fue decisión mía ni fue para tener más control… pero fue la manera más rápida para conseguir la financiación y, desde luego, no la más sencilla. Diría que ese fue el motivo. Si de mí dependiera, solo sería guionista y director… Quizás co-productor, pero no volvería a ser productor.

José Luis Salvador Estébenez

[1] Telefilm Canada es una empresa dependiente del gobierno canadiense que promueve la realización y financiación en el país norteamericano a través de sus diversos fondos y programas. La función de Telefilm es fomentar el éxito comercial, cultural e industrial de las producciones canadienses y estimular la demanda de esas producciones tanto en el hogar como en el extranjero. (Extraído de Wikipedia).

[2] Nota del traductor: El cine arte (también denominado cine art house) es un tipo de cine realizado por compañías, con frecuencia pequeñas, cuya línea de producción contrasta con las que tienen como objetivo la taquilla y el consumo masivo. El cine arte cuenta con una mayor libertad creativa que el cine convencional, y suele mostrar temas controvertidos o dramáticos o utilizar recursos narrativos o cinematográficos poco habituales e incluso de difícil comprensión. Con frecuencia, el término se utiliza como sinónimo de cine de autor, debido a que las películas se identifican por el sello que su director imprime en ellas. (Wikipedia).

Traducción: Tarik Amarouch García

Fotografías: Juan Mari Ripalda