Primer avance de contenidos del Festival de Sitges 2019 que homenajeará a Sam Neill y Pupi Avati

Cartel Festival Sitges 2019

En una rueda de prensa celebrada esta mañana, el director del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, Ángel Sala, ha dado un avance de lo que será la quincuagésimo segunda edición del certamen. Entre los datos revelados, se encuentran más de cuarenta títulos que conformarán parte de la programación, entre los que se incluyen algunas de las últimas novedades del cine de género internacional y español, con especial atención a las películas dirigidas por mujeres, y la identidad de dos de las personalidades que serán homenajeadas por el festival este año. De este modo, el actor neozelandés Sam Neill, reconocido mundialmente por cintas inolvidables del fantástico como La posesión (Andrzej Zulawski, 1981), Parque Jurásico (Steven Spielberg, 1993) o En la boca del miedo (John Carpenter, 1994), recibirá en Sitges 2019 el Gran Premio Honorífico.

Sam Neill

Sam Neill

Con respecto a la primera ola de títulos anunciados, sirven para que el Festival demuestre que el género fantástico es cada vez más heterodoxo, transitando no sólo los caminos del terror, la fantasía o la ciencia ficción ya consolidados, sino abriéndose a temáticas, conceptos y reflexiones más amplias que interesan a públicos cada vez más mayoritarios. De la misma manera, las películas de género fantástico se revelan como los más transgresores en términos conceptuales y formales, creando tendencias decisivas no sólo dentro del género sino en el audiovisual contemporáneo.

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Entre los títulos desvelados destaca 3 From Hell de Rob Zombie, el retorno de la familia Firefly de Los renegados del diablo, que promete ser una de las sesiones más vibrantes del Festival. El thriller sobrenatural Daniel Isn’t Real es la nueva propuesta de Adam Egypt Mortimer, que en 2015 presentó en Sitges Some Kind of Hate. El debut en la dirección de Ant Timpson –productor neozelandés de ABCs of DeathTurbo Kid o The Greasy Strangler– es Come to Daddy, una comedia negra protagonizada por Elijah Wood que sorprenderá al público del certamen. Henry Jacobson debuta también con Bloodline, terror familiar sangriento con influencias de Brian De Palma. Severin Fiala y Veronika Franz, los directores austríacos de la terrorífica Goodnight Mommy (Sitges 2014) vuelven con The Lodge, una nueva incursión en la psicología humana más oscura. Vivarium, de Lorcan Finnegan, se presentó en Cannes y aterrizará en Sitges con su arriesgada puesta en escena y un reparto encabezado por Imogen Poots y Jesse Eisenberg.

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Los zombis no faltarán a la fiesta con la comedia australiana Little Monsters, de Abe Forsythe, que protagoniza una Lupita Nyong’o en estado de gracia. Depraved, de Larry Fessenden, propone una nueva interpretación del mito de Frankenstein con su terror experimental y artesanal. El universo de The Ring de Hideo Nakata vuelve a la actualidad en este 2019 con Sadako, una nueva entrega que mostrará los orígenes de la popular franquicia japonesa. Desde Francia llega The Room, una original y brillante combinación de terror y ciencia ficción, dirigida por el francés Christian Volckman y protagonizada por Olga Kurylenko, y la última producción de Quentin Dupieux, Le daim, uno de los grandes éxitos de la Quincena de Realizadores de Cannes y una de las películas francesas con mejores críticas del año, que confirma la fidelidad del director a Sitges.

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El cine de género dirigido por mujeres ocupará un espacio predominante en el Sitges 2019, tal como lo ha hecho en los últimos años con un gran número de títulos. De Australia llega Judy and Punch, de Mirrah Foulkes, una historia de venganza con Mia Wasikowska al frente. El dúo de directoras y actrices norteamericanas Jocelyn DeBoer y Dawn Luebbe presentarán la comedia Greener Grass, que transcurre en un mundo donde todo el mundo lleva aparato dental. También se proyectará Braid, un thriller adictivo y truculento dirigido por Mitzi Peirone. The Woman sacudió Sitges 2011 y su protagonista Pollyanna McIntosh, dirige ahora Darlin’, recuperando la historia a través de la hija de aquella recordada mujer salvaje. Roxanne Benjamin se postula como una de las nuevas voces más interesantes del género con Body at Brighton Rock, un thriller psicológico con toques de survival. Por su parte la canadiense Jovanka Vuckovic presentará la post-apocalíptica Riot Girls, que combina acción, violencia y romance queer.

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Como no podía ser de otra forma, Sitges 2019 también será, un año más, escaparate del cine de animación más actual. El director japonés Keiichi Hara (Miss Hokusai) llevará The Wonderland, que se proyectará en la sesión especial para los alumnos de las escuelas de Sitges. También procedentes de Japón llegarán Children of the Sea, de Ayumu Watanabe, considerada uno de los mayores exponentes del anime de este año en el Festival de Annecy, y One Piece Stampede, basada en la inmensa obra de Eiichiro Oda, el manga más mediático e influyente de las últimas décadas. Desde Francia, Les hirondelles de Kaboul  de Zabou Breitman y Eléa Gobbé-Mévellec, nos transporta al verano de 1998 a una Kabul ocupada por los talibanes. Este primer avance de títulos de animación se completa con la china White Snake que, bajo la batuta de Amp Wong y Zhao Ji, propone una combinación irresistible de aventuras fantásticas con una historia de amor.

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Cuatro de las últimas producciones españolas de género se exhibirán en Sitges 2019, correspondientes a otros tantos prometedores debuts procedentes del País Vasco y Cataluña. Cuerdas, del tarraconense José Luis Montesinos, ganador del Goya por el cortometraje El corredor, es un thriller de supervivencia protagonizado por una joven tetrapléjica interpretada por Paula del Río, que queda atrapada con la única compañía de su perro enfermo. Aritz Moreno debuta en el largometraje con Ventajas de viajar en tren, que cuenta con un destacado elenco formado por Belén Cuesta, Luis Tosar, Pilar Castro, Ernesto Alterio, Quim Gutiérrez, Macarena García y Javier Botet. Paradise Hills, la ópera prima de Alice Waddington, aterrizará en Sitges después de su paso por Sundance 2019. Con un reparto internacional que incluye Milla Jovovich o Emma Roberts, y la participación de Nacho Vigalondo en el guion, el film se sitúa en un misterioso internado femenino de lujo. Por último, la crítica social estará presente en el thriller El hoyo, de Galder Gaztelu-Urrutia, que sitúa al espectador en un entorno distópico donde las personas se encuentran divididas en diferentes niveles.

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Por su parte, el sello Blood Window acercará algunos de los mejores títulos del fantástico latinoamericano de la temporada a la próxima edición de Sitges. La imprevisible Breve historia del planeta verde, del argentino Santiago Loza, mezcla drama y comedia en una historia de extraterrestres y transexualidad. También argentinas son Punto muerto Soy tóxico, de Daniel de la Vega y Pablo Parés, respectivamente, un thriller criminal y un film de terror post-apocalíptico que demuestran la excelente salud del género en el país. Desde  Venezuela llegará Infección, cinta de Flavio Pedota sobre un brote desconocido del virus de la rabia. La colombiana Luz, de Juan Diego Escobar Alzate, se adentra en una comunidad que vive en las montañas y espera un nuevo mesías, mientras que el film uruguayo En el pozo, de los hermanos Bernardo y Rafael Antonaccio, plantea cuestiones sobre la violencia de género en tono de thriller.

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La mirada más personal al género llegará como es habitual de la mano de Noves Visions. La finlandesa Dogs Don’t Wear Pants, de J-P Valkeapää, procedente de la Quincena de Realizadores, será la encargada de inaugurar la sección con la odisea personal de un hombre perdido en un laberinto de seducción sadomasoquista, por parte de una dominatrix que pondrá a prueba los propios límites del protagonista. Una de las películas más esperadas de Noves Visions por los fans del ultimo cine de terror norteamericano será Kindred Spirits, dirigida por Lucky McKee (DeathcemberThe Woman) y protagonizada por Thora Birch. The Halt, del filipino Lav Díaz (Season of the Devil) y presentada también en la última Quincena de Realizadores, se enmarca en una distopia sobre el futuro de Filipinas en clave de ciencia ficción y con una duración de más de cuatro horas y media. El drama fantasmagórico Vif-Argent, de Stéphane Batut, y la distópica Jessica Forever, de Caroline Poggi y Jonathan Vinel, procedentes de Francia, serán también citas indispensables, así como el thriller surcoreano Idol, de Lee Su-jin (director de Princesa), las japonesas Dancing Mary y Jam, de Sabu, o Jesús Shows You the Way to the Highway, del inclasificable Miguel Llansó, que ha generado entusiasmo en diversos certámenes internacionales, como el NIFFF (Festival de Cine Fantástico de Neuchatel).

POSTER_George Hilton – Il mondo è degli audaci

Por su parte, Brigadoon, la sección alternativa y gratuita del certamen, ha dado a conocer tres largometrajes y tres documentales. Se trata del giallo argentino Mirada de cristal, dirigido por Ezequiel Endelman y Leandro Montejano, ubicado en el mundo de la moda argentino de principios de los ochenta. También del otro lado del Atlántico llega ¿Eres tú, papá?, una cinta de terror cubana dirigida por Rudy Riverón Sánchez. El tercer título en cuestión es Mutant Blast, un film apocalíptico repleto de zombis, acción y gore que supone el debut en el largometraje del portugués Fernando Alle, después del éxito de sus cortometrajes Papá Wrestling y Banana Motherfucker. En cuanto a los documentales, se podrá ver George Hilton – The World Belongs to the Daring, de Daniel Camargo, centrado en el mítico actor George Hilton, Blood & Flesh: The Reel Life & Ghastly Death of Al Adamson, de David Gregory, que repasa la vida y la obra de uno de los realizadores más reconocidos del cine exploitation de las décadas sesenta y setenta, y Deodato Holocaust, que explica la historia del cineasta italiano Ruggero Deodato, convertido en “maestro del horror” gracias a su obra Holocausto caníbal (1980), considerada el primer found footage de la historia del cine.

Pupi Avati

Pupi Avati

Siguiendo con Brigadoon, el director de cine, productor y guionista italiano Pupi Avati recibirá el Premio Nosferatu de este año que otorga la sección Brigadoon. El cineasta ha combinado diversos géneros a lo largo de su trayectoria, como la comedia o el cine de aventuras, ha destacado en el terror con títulos como La casa dalle finestre che ridono (1976) o L’arcano incantatore (1996), que se recuperan en Brigadoon. En sesión especial –fuera de la sección– se podrá ver su nueva película Il signor diavolo.

Legend of the Mountain

Pero Avati no será la única personalidad al que el festival homenajeara y dedicará una retrospectiva de su obra. Así Sitges 2019 recuperará la memoria del director, escritor y actor chino King Hu, recordado por su contribución al género de las artes marciales, con la programación de cuatro títulos fundamentales en su filmografía: Come Drink with Me (1966), Dragon Inn (1967), A Touch of Zen (1971) y Legend of the Mountain (1979). Dentro de las celebraciones del cuarenta aniversario de la primera entrega de la saga Alien, el certamen proyectará el documental Memory – The Origins of Alien, de Alexandre O. Philippe (director de 78/52Doc of the Dead The Life and Times of Paul the Psychic Octopus, todos ellos presentados en Sitges), que investiga los orígenes de la obra maestra de Ridley Scott.

Sitges 2019 también vivirá una tarde dedicada a la música, con los conciertos de Hermann Kopp y Nightcrawler el viernes 11 de octubre en la sala New Ricky’s. El compositor alemán Hermann Kopp al lado del músico Tamon Miyakita, actuará por primera vez en nuestro país interpretando las composiciones para los films de Jörg Buttgereit NekromantikNekromantik 2 y Der Todesking. La misma noche, sonará el synthwave y el darksynth del universo sonoro del grupo Nightcrawler, inspirado en los sonidos de las bandas sonoras de terror y las películas de ciencia ficción, combinando estos ingredientes con ritmos electrónicos y atmósferas oscuras.

El próximo lunes 22 de julio a las 12horas se activará la venta de abonos, packs y maratones para el Sitges 2019 a través de la web del Festival. También se podrán adquirir las entradas para el concierto de Hermann Kopp y Nightcrawler, con aforo limitado, y para el cual no serán válidas las acreditaciones del certamen.

Más información: www.sitgesfilmfestival.com

Published in: on julio 18, 2019 at 1:40 pm  Dejar un comentario  
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Entrevista a Gary Sherman

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Gary Sherman fue protagonista por partida doble de la vigésimo quinta edición del Festival de Cine Fantástico de Bilbao – FANT. Por un lado,  formó parte junto a la actriz Diana Peñalver y la directora de Fancine – Festival de Cine Fantástico de Málaga Rocío Moreno del jurado que tuvo que elegir a los diferentes premiados de la Selección Oficial del certamen vizcaíno. Y, por otro, presentó la proyección de su clásico Muertos y enterrados (Dead & Buried, 1981) dentro de la sección retrospectiva “FANT al rescate”, tras cuyo pase mantuvo un animado coloquio con los espectadores presentes en la sala. Aprovechando su estancia en tierras bilbaínas mantuvimos la siguiente entrevista con el cineasta estadounidense con la que completamos la que ya le hiciéramos hace prácticamente dos años en el Festival de Sitges. Y es que, si en aquella ocasión nos centramos en su ópera prima, la reivindicada Death Line [vd: La línea de la muerte; dvd: Sub-humanos, 1972], esta vez ampliamos el cerco al resto de su filmografía, comenzando, obviamente, por la propia Muertos y enterrados.

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Entre que realizas Death Line y Muertos y enterrados transcurre prácticamente una década. ¿A qué se debió el que tardaras tanto tiempo en dirigir tu segundo film?

Cuando hice Death Line significaba mucho para mí. Y para mí era algo muy importante, tenía un gran mensaje político. Para entonces yo ya tenía una carrera haciendo anuncios comerciales con la que estaba ganando mucho dinero. Y eso me dio la oportunidad de poder incluir mensajes políticos de las cosas en las que yo creía. Hasta entonces mi carrera iba por un sitio y mis ideales políticos iban por otro. Pero haber hecho anuncios me permitió incluir esos mensajes. También donaba a causas en las que creía. Luego surgió la posibilidad de realizar un largometraje de terror  donde podía esconder un mensaje político en su interior. Me pareció muy importante hacerlo. En Europa la película tuvo mucho éxito, pero en los Estados Unidos la vendieron a nuestras espaldas, básicamente. Los financieros se la vendieron a A. I. P. (American International Pictures) de la escoria Sam Arkoff, quienes destruyeron la película. La cortaron, la remontaron y la estrenaron como Raw Meat. Debido a todos estos cambios que hicieron, yo no considero que esa fuera mi película. Robin Wood, que era un gran crítico de cine que estaba en muchos periódicos británicos, escribió un artículo titulado “Carnicería” en el que decía a los lectores que no fueran a ver Raw Meat, sino que fueran a ver Death Line. Pero pasaron diez años hasta que Death Line pudo verse en los Estados Unidos.

Así que la respuesta de por qué tardé diez años en rodar mi segunda película necesitaba de una larga explicación, pero en una respuesta breve te diré que fue porque estaba molesto y destrozado por lo que había ocurrido con Death Line. Alguien podría tomar mi película y cambiarla, destruirla y ponerla en cines, etc. Esto hizo que realmente no quisiera hacer otra película. Así que seguí haciendo anuncios. Sin embargo, Jay Kanter[1], me convenció de volver a los Estados Unidos y empecé a escribir cosas para Jay mientras hacía esos anuncios con los que me ganaba la vida. Más tarde empecé a hacer cosas de televisión en los Estados Unidos; seguía siendo director, pero para televisión. Entonces un día Ronald Shusett[2] llamó a mi puerta y me dijo: “Vamos a hacer una película juntos”. Él necesitaba un guion para rodar una película en Canadá y me compró el guion de Phobia (1980). Muertos y enterrados fue uno de los guiones que él había traído consigo. Por aquel entonces la Fox había dado luz verde a la película Alien, el octavo pasajero (Alien, 1979), así que cuando se estrenó y fue un gran éxito Ron me llamó y me dijo: “Alien ha sido un éxito, así que vamos a hacer Muertos y enterrados”. Yo tenía la confianza de que Ron y Dan O’Bannon, gracias al éxito de Alien, protegerían la película. Desafortunadamente también fue alterada por los distribuidores, pero no de forma tan grave como Death Line (risas).

Como comentas, Muertos y enterrados parte de un guion de Dan O’Bannon, quien, no obstante, en alguna ocasión comentó que la película resultante no tenía nada que ver con lo que él había escrito. ¿En qué consistieron los cambios que hicieron que O’Bannon reaccionara de este modo?

Muchas de estas quejas de Dan probablemente sean culpa mía. Cuando me llevó el guion pensé que pasaba demasiado tiempo dando explicaciones de cómo Dobbs resucitaba a las personas. Yo estaba más interesado en la esencia de la historia, en usar a Dobbs como una alegoría de lo que yo quería contar con la película, que no era otra cosa que la manipulación de los seres humanos. Porque, en realidad, él crea su propia sociedad sobre la que tiene un control total y donde nadie tiene libertad. Y eso era lo que más me interesaba y, a la vez, lo que me resultaba más aterrador.

La idea inicialmente era la de hacer una comedia negra, aunque casi nada se cambió en el guion. Lo que pasó es que pasamos por tres productoras diferentes durante todo el proceso de realización de la película. La primera productora estuvo en el inicio de la película, luego durante la producción la compró otra productora y la tercera compañía se hizo con la película en la parte de la post-producción. Cada una de estas compañías tenía un punto de vista muy diferente de lo que se supone que debía de ser la película, y como consecuencia de ello la versión final quedó muy manipulada con respecto a lo que debía de ser en un principio. Me entristece mucho que Dan haya dicho eso de la película o, mejor dicho, que las dijera en su día, porque soy un gran fanático de su trabajo. No lo sabía. Es la primera vez que escucho que hubiera hecho esas declaraciones, ya que él nunca me lo comentó en persona. En cualquier caso, he de decir que le echo mucho de menos.

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Dentro de la puesta en escena de Muertos y enterrados las imágenes tienen mucha presencia. Por ejemplo, los no muertos hacen fotos a sus víctimas antes de asesinarles y en el desenlace Dobbs, el villano, revela al protagonista que él también está muerto usando una grabación de video. ¿Este uso oculta algún tipo de simbolismo?

Para mí, Muertos y enterrados trata sobre el totalitarismo. Dobbs se convierte en el amo de toda la gente que vive en el pueblo y ellos acatan su voluntad, controlando así sus vidas. Para mí, ya digo, la película trataba de eso. La vida acaba con la muerte, pero en la película continua. Sin embargo, no envejeces, no cambias, no enfermas; simplemente es una continuación de la vida desde el punto de vista de la muerte y eso es lo que controla Dobbs. Es alegórico en cierto sentido. Y el totalitarismo es una forma extrema de conservadurismo. El conservadurismo, por definición, mantiene el pasado y evita el cambio. Y las fotos conservan el pasado. Y, volviendo a lo que decía antes, en Muertos y enterrados Dobbs crea un mundo que controla absolutamente, cierto. Pero también es un mundo que siempre se mantendrá igual.

En este sentido, quizás no es casual el que los zombis puedan ser interpretados también como la mejor representación del ideal del capitalismo. Al fin y al cabo es mano de obra que no come, no piensa, no reclama sus derechos y no necesita descansar…

No estoy de acuerdo. Los zombis son el medio perfecto para el fascismo: hordas totalmente a la orden de un líder malévolo donde el producto de muchos alimenta solo a los pocos más importantes. Lo que está ocurriendo actualmente en los Estados Unidos no es lo que un capitalismo democrático debía ser. El capitalismo sigue una línea muy fina. Cuando se encuentra en el equilibrio adecuado, les brinda a todos una oportunidad igual de tener éxito y obtener ganancias de su trabajo. Cuando el verdadero capitalismo democrático se mezcla cuidadosamente con lo mejor del socialismo para mí es lo más cerca que podemos llegar a la utopía. Pero bajo una administración dirigida por fascistas, es decir, Trump, el verdadero capitalismo democrático ha sido subvertido y manipulado para dar a la clase obrera la ilusión de que están siendo elevados cuando no lo están. Les están utilizando para llenar los bolsillos de los súper ricos a medida que nuestro planeta está siendo destruido.

Dejando a un lado sus connotaciones políticas, casi cuarenta años después de su realización llama la atención el nivel de gore que tiene la película, y lo bien plasmado que está este aspecto desde el punto de vista técnico. ¿Tuvisteis algún problema por ello?

No hubo problemas porque fue una película que teníamos muy bien planteada. El director de fotografía, Steven B. Poster, que era su primer trabajo para el cine, hizo un gran trabajo y, aparte, teníamos a Stan Winston como técnico de efectos. Sí que cuando se estrenó se habló mucho de este tema. Pero desde entonces se ha podido ver la película sin problemas.

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Tras Muertos y enterrados, tu siguiente película es uno de los escasos trabajos para la gran pantalla de tu filmografía fuera del género fantástico y de terror. Me refiero a La jauría del vicio (Vice Squad, 1981), que en alguna ocasión has declarado como tu film favorito de todos los que has dirigido. ¿Me podrías explicar los motivos?

Cuando terminé Muertos y enterrados estaba muy enojando por todos los cambios que te he comentado que hubo debido al cambio de productoras. También lo estaba el estudio. El presidente de Embassy Films, Robert Rehme, también luchó para evitar los cambios que se querían hacer al film. Pero el estudio lamentablemente solo tenía capacidad para distribuir, pero no tenían poder creativo para deshacer los cambios que habían hecho. Así que al final tuvimos que aceptar los cambios que nos habían impuesto. Entonces Robert Rehme me llamó a su despacho y me dijo: “Déjales que hagan esos cambios en Muertos y enterrados, no van a cambiar significativamente la película. Hagamos otra película juntos. Esta vez la harás para el estudio y te prometo que no habrá cambios”

Me dejó un montón de guiones encima de la mesa para que los leyera y eligiera cuál quería hacer. Entre estos guiones me encontré con el de Vice Squad. El guion me pareció terrible cuando lo leí, pero la idea de que sucediera en una noche me pareció fantástica. También era una excusa para que yo pudiera introducir otro de los temas políticos que a mí me importan y que en este caso era el de la violencia contra las mujeres. Para mí y para otros muchos críticos que la vieron cuando se estrenó, Vice Squad es una película de terror. El personaje de Ramrod es tan monstruo como lo puede ser la criatura de Alien. Así que Vice Squad es una película de monstruos, ya que Ramrod es un ser maligno. No hay nada de humano en él, podría verse como la esencial del mal.

Por otra parte, también quise apartarme un poco de hacer películas de terror porque después de lo que había pasado con Death Line y Muertos y enterrados, tenía la sensación de que ese tipo de películas no se respetaban por ser de terror. Pensé que si me apartaba un poco podría conseguir algo más de respeto para la película. Así que por eso elegí Vice Squad. Y es mi película. La hice como quise, no hubo cambios, y acepto tanto las críticas malas que pueda tener como las alabanzas y los aplausos. Quería mostrar sobre todo que la violencia contra las mujeres es fea en todos los sentidos, e hice que esa violencia fuese lo más desagradable posible para esa época, aunque hoy se podría ir un poco más allá. Es por ello que esta película es una de mis favoritas. Estoy muy orgulloso de la interpretación de Season Hubley y de toda la película en general.

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Otro de tus trabajos más conocidos entre los aficionados es Fenómenos extraños III (Poltergeist III, 1988), la cual has comentado que quizás no deberías de haber rodado. Imagino que en tales palabras pesarán los muchos problemas que tuviste que enfrentarte durante su producción, entre ellos la muerte de Heather O’Rourke, la niña protagonista…

Poltergeist III no era una película que yo quisiese hacer. La hice porque Jay Kanter y Alan Ladd Jr. dirigían la MCA Inc.[3] como presidente y vicepresidente ejecutivo, respectivamente. Ellos me habían dado Death Line y estaba en deuda con ellos. Me pidieron que hiciera la tercera parte de Poltergeist y les dije que no. Pero me respondieron que tenía que hacerlo por ellos, ya que necesitaban saber que esa película la iba a hacer alguien en quien ellos confiaran. Y al final accedí a hacerla. Entonces les dije: “Oye, quiero hacerlo en el edificio John Hancock en Chicago porque quiero crear la casa encantada más grande del mundo y también quiero realizar efectos prácticos”. Y posiblemente Poltergeist III sea la última gran película en usar efectos prácticos; después de ella todo el mundo haría ya efectos CGI.

De todos modos, he de decir que fue una película muy difícil de hacer con efectos prácticos. Originalmente lo que escribí para el final de la película iba a ser muy caro de rodar. El estudio entonces me persuadió para simplificarlo y que pudiera hacerse por menos dinero. Así que escribí otro final con el que no estuve contento, pero ellos sí. Lo rodamos y fue una mierda, era un final terrible. No me gustaba, a ellos tampoco, lo testaron con público y tampoco gustó. Así que les convencí de volver un poco al final original pero de forma más modesta en cuanto a presupuesto. Íbamos a rodarlo, estábamos con la preproducción cuando Heather murió. El día de su funeral fue probablemente el peor día de mi vida. Yo adoraba a esa niña, quería adoptarla (risas). Mi novia y yo solíamos llevárnosla y hacer montones de actividades con ella. La adoraba. Así que cuando murió fue totalmente devastador. Fue tan repentino…

El día después del funeral fuimos a las oficinas de MCA con la decisión de no terminar la película, pero la junta directiva de MCA opinaba de forma distinta. Decían que se habían invertido muchos millones de dólares y que tenía que terminarla. Imagino que la aseguradora no tenía la intención de cubrir los gastos de película como consecuencia de la muerte de Heather, porque la película ya se había terminado una vez con ese final tan malo que he comentado. Así que la junta directiva nos dijo que o la terminábamos nosotros o lo harían otros. Así que filmamos ese mal final que hay en la película y que hicimos sin Heather, usando una doble en los brazos de Tom Skerritt. Tampoco nos importaba demasiado, ya que no queríamos terminar la película. Es gracioso que Kipley Wentz, que interpretaba a Scott, tampoco estaba disponible para esas regrabaciones del final, porque estaba en Yale o en Harvartd haciendo exámenes finales… Así que tampoco aparece (risas). Probablemente se quedara en el otro lado. ¡Nos daba totalmente igual! Ninguno de nosotros hizo promoción para le película: ni Tom, ni Nancy [Allen], ni Zelda. No queríamos que se nos asociara con una película donde había muerto una niña de once años.

Así que me distancié de la película hasta hace poco, ya que los efectos prácticos han tomado mucha relevancia con el paso del tiempo. A los fans del género les gusta ver efectos reales, no hechos por computadora, y Poltergeist III es como la enciclopedia definitiva de cómo hacer esos efectos. Así que ahora estoy escribiendo un libro sobre la ejecución de los efectos prácticos de la película, y también he dado charlas en festivales de cine de terror y universidades sobre este tema, que en realidad es el único del que me gusta hablar de este film. No de la película en sí, que además quedó corta, debido a que no pudimos rodar el final original que ocupaba unas diecisiete páginas de guion y tampoco queríamos usar aquel otro horrible que también rodamos, por lo que tuve que usar todo lo que tenía para que la película llegara a la duración propia de un largometraje. Estoy orgulloso de los efectos, pero no de la propia película.

José Luis Salvador Estébenez

Traducción: Tarik Amorouch García

Fotografías: Juan Mari Ripalda

[1] Nota del autor: Jay Kanter es un productor y agente de actores. También ha escrito varias biografías de Grace Kelly y Marlon Brando.

[2] N.d.a.: Guionista especializado en ciencia ficción y autor de la historia de Alien, el octavo pasajero.

[3] Music Corporation of America fue una empresa estadounidense de comunicación que englobaba música y televisión. Actualmente ha sido rebautizada como Universal Music Group. En 1997 fue adquirida por Metro-Goldwyn-Mayer y se fusionó en MGM/MCA. (Extraído de Wikipedia: https://es.wikipedia.org/wiki/Music_Corporation_of_America).

Published in: on julio 15, 2019 at 5:47 am  Dejar un comentario  
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Alex Proyas invitado de honor de la VII edición de Nocturna Madrid

Cartel Nocturna 2019

La película El cuervo (The Crow), que conmemora este año su veinticinco aniversario, protagoniza el cartel del VII Festival Internacional de Cine Fantástico Nocturna Madrid. En la ilustración, el emblemático pájaro negro portador de las almas que deben pasar al otro mundo en lo que supone un homenaje del certamen tanto al referido film como a su director, Alex Proyas, quien será el invitado de honor de esta edición que se celebrará entre el 22 y el 26 de octubre.

El cuervo es una película indispensable que sumerge al espectador en un universo propio, con la muerte como tránsito, no como final. Es una cinta llena de dolor y desesperación que trasciende la mera violencia, con una banda sonora que hizo historia y una estética que marcó una época y a toda una generación para persistir en el tiempo, algo que la avala como una obra imprescindible que debía ser homenajeada en Nocturna Madrid”, explica el director del Festival, Sergio Molina. Su estética oscura, su diseño artístico, inspirado en la cultura del videoclip y en el cómic underground homónimo de James O’Barr, su neorromanticismo, el post punk y una banda sonora creada por Graeme Revell encabezada por temas inéditos como “Burn” de The Cure, la versión del “Dead Souls” de Joy Division de Nine Inch Nails, “The Badge” de Pantera, “Ghostrider” de Rollins Band o “Big Empty” de Stone Temple Pilots, entre otras tantas, hicieron que público y crítica enaltecieran El cuervo en su estreno en 1994, contribuyendo además a popularizar el movimiento cultural gótico.

Su director, Alex Proyas viajará desde Australia para recibir el Premio Maestro del Fantástico en Nocturna Madrid y participar en diversas actividades previstas como el encuentro con el público tras el pase especial aniversario de la película, que cuenta con la colaboración de su distribuidora en España, Inopia Films. “Me hace muy feliz poder asistir a Nocturna Madrid, un prestigioso festival con un público muy fiel con el que espero disfrutar mucho”, afirma Proyas.

Alex Proyas

Nacido en Egipto, Alex Proyas comenzó dirigiendo anuncios y videos musicales para bandas y artistas como “Crowded House”, “INXS”, Mike Oldfield, “Fleetwood Mac” o Joe Jackson, entre otros, y ha conseguido formar un núcleo de fans por todo el mundo, admiradores de su talento como “ilustrador de mundos”, haciendo enfática aquella frase con la que se denominaba también a Ridley Scott. De su dirección han surgido películas como Spirits of the Air, Gremlins of the Clouds, una producción que junto con sus afamados trabajos en formato corto le permitió dar el salto a los Estados Unidos; Dark City, considerada como una de las cimas de la ciencia ficción en el cine; Días de garaje; Yo, robot, toda una creación de una sociedad futura; Señales del futuro o Dioses de Egipto. “En definitiva, mundos impresionantes y fabricados de un director visionario que permite tener cerca a su público y que hoy es considerado como uno de los grandes talentos del género fantástico”, explica Sergio Molina.

La película El cuervo dirigida por Proyas, donde “nada es trivial” e incluso aparece el propio O’Barr robando una televisión tras la explosión en una tienda, está llena de reminiscencias poéticas a Edgar Allan Poe (el protagonista cita el poema “El cuervo”) y se dice que el característico maquillaje del protagonista está inspirado en una marioneta que O’Barr vio en un teatro londinense. Cuenta la historia de un músico, Eric Draven, que regresa de la muerte acompañado de su alter ego, un cuervo, para hacer justicia con aquellos que, a unos días de su boda, le asesinan violentamente a él y a su novia Shelley, a la cual también violan. Su alma no podrá descansar tranquila hasta que la venganza se haya completado, y será el amor el causante de su “vuelta a la vida”. Una historia sobre las injusticias, la eterna lucha entre el bien y el mal y un amor que puede ir más allá de la muerte, usando la ciencia ficción como fondo. “Los edificios arden, las personas mueren, pero el amor verdadero es para siempre”, dice en el film el personaje de Sarah, la niña, a modo de conclusión narrativa.

El cuervo - Brandon Lee

La cinta es también conocida por el gran público por la leyenda que la envuelve debido a la muerte accidental de su protagonista durante el rodaje, Brandon Lee -el hijo del maestro de las artes marciales Bruce Lee, también fallecido en extrañas circunstancias durante la película Juego con la muerte– a causa de un error técnico y el impacto de una bala a la que supuestamente se le retiraba la pólvora dentro de una Magnun calibre 44 empuñada por el personaje de Funboy (Michael Massee). En la ficción, suponía la muerte de Draven, que después regresaría de entre los muertos, pero derivó en la muerte real de Lee, el actor que encarnaba al personaje. El metraje de la fatídica toma fue utilizado como evidencia en la investigación policial y después fue quemado personalmente por Alex Proyas, quien dedicó la película al actor y a su novia, Eliza Hutton, con quien se iba a casar en 17 días. Tanto ella como la madre de Brandon Lee fueron quienes animaron a Proyas a terminar el film. De hecho, algunas escenas tuvieron que completarse con complejas digitalizaciones, miniaturas y modelos mecánicos. El cuervo fue rodada haciendo frente también al accidente de tráfico de uno de los publicistas de la película, un miembro del equipo se electrocutó al preparar los decorados y una tormenta destruyó parte de los decorados y dejó enferma a la mitad del staff.

Con un presupuesto de 23 millones de dólares, la película llegó a conseguir más de 94 en la taquilla de todo el mundo y acabaría por ser inmortalizada gracias también a emblemáticas escenas como el salvaje tiroteo en la sala del jefe de la banda de delincuentes, los flashbacks de la historia de amor de Draven y Shelley o la destrucción de la guitarra del protagonista sobre el tejado. En palabras del director de Nocturna, “El cuervo es una de las historias de culto más influyentes de las dos últimas décadas. El héroe o antihéroe se ha convertido en un icono y es innegable su influencia en el cine posterior de superhéroes”. Durante años se ha pretendido hacer un remake de El cuervo a pesar de las peticiones de Proyas para evitarlo, quien terminó la película por Brandon Lee, “por su maravilloso trabajo como actor y como hombre con una humanidad emocionante”, ha dicho. “De no ser por él nunca habrías oído hablar de ese cómic underground y conmovedor. Es la película de Brandon. Creo que es un caso especial en el que Hollywood debería dejarla como el testamento. Es verdad que se han hecho secuelas y series, pero la idea de rehacer la historia y al personaje me parece equivocada. Por favor, dejen que siga siendo la película de Brandon”. A un mes del rodaje del reboot de El cuervo que iba a dirigir Corin Hardy, su protagonista, Jason Momoa, abandonaba el set tras la negativas de miles de fans indignados por el rodaje de este film, así como de James O´Barr y de Proyas. “No estoy preparado para darle a ésta película lo que se merece, que es respeto y amor”, adujo el actor.

El cuervo - portada cómic

Más allá de la atmósfera sofocante y lluviosa de El cuervo, fotografiada por Dariusz Wolski en el futuro hipotético de una ciudad muerta con madrugadas desesperanzadoras, que realmente es Detroit y que parece recordar a Gotham City -como decía Todd MacCarthy en la revista “Variety”-, el estilo visual de El cuervo ha sido considerada como “la mejor adaptación de un cómic jamás antes vista”, según señaló el desaparecido crítico cinematográfico Roger Ebert. A principios de los 80, el veinteañero guionista e ilustrador norteamericano James O’Barr dibujaba manuales de combate para los marines americanos, cuando decidió empezar un cómic llamado “The Crow”. “Una manera de hacer catarsis”, según confesó en una entrevista, corroído “por la violencia y sed de justicia que le hubiera gustado usar para apaciguar su rabia” tras la muerte de su prometida, fallecida al ser atropellada por un conductor borracho. O’Barr también se inspiró para escribir la historia de “El cuervo” en un caso sobre una pareja asesinada a la que le robaron un anillo de compromiso. A España llegó la primera edición del cómic de “El cuervo” como serie limitada de cuatro números en grapa de la mano de Glenat, así como los pin ups con textos de Rimbaud o letras de canciones de The Cure (“The Hanging Garden”) o Joy Division (“Atmosphere”, “Atrocity Exhibition”), homenajes estilísticos a autores como Will Eisner. El éxito del personaje, todo un icono del gothic-punk, propició la aparición de diversas continuaciones de la serie al amparo del sello Kitchen Sink Press: “The Crow: Dead Time”; “The Crow: Flesh and Blood”; “The Crow: Wild Justice” y “The Crow: Waking Nightmares”. Lo mismo ocurrió con la película y sus sagas posteriores.

Actualmente, con más de 750.000 ejemplares vendidos, “The Crow” de James O´Barr sigue ostentando el título de ser la novela gráfica independiente más vendida de la historia del cómic. En 2012 apareció una nueva revisión en la que el autor añadió 30 páginas adicionales distribuidas a lo largo de la obra, además de un nuevo final, un interludio autobiográfico (“Navidad en agosto”) y la re-elaboración de algunas viñetas, así como un emotivo recuerdo al actor protagonista de la película, a quien dedica la edición

Published in: on julio 10, 2019 at 12:26 pm  Dejar un comentario  
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El Festival de Cine Fantástico de Canarias-Isla Calavera homenajeará en su próxima edición a Paul Naschy

Isla Calavera 2019

El Festival de Cine Fantástico de Canarias – Isla Calavera rendirá tributo en su tercera edición a Paul Naschy cuando se cumple el décimo aniversario de su fallecimiento, precisamente el día de la clausura del certamen, que tendrá lugar entre los próximos 23 y 30 de noviembre. Su hijo Sergio Molina, director del Festival Internacional de Cine Fantástico Nocturna Madrid, visitará Isla Calavera para recordar al artista y presentar al público la proyección de uno de los títulos clave en la filmografía de Jacinto Molina.

La tercera edición del Festival Isla Calavera contará también como invitado con Ángel Sala, director desde el año 2001 del Festival Internacional de Cine Fantástico de Cataluña – Sitges, el encuentro dedicado al género fantástico más importante del mundo y que celebrará el próximo mes de octubre su 52ª edición. El también escritor, guionista y crítico de cine participará en el programa de actividades paralelas.

Pronto se darán a conocer más novedades e invitados de la tercera edición del Festival de Cine Fantástico de Canarias – Isla Calavera. Mientras tanto, la inscripción de obras a concurso para las secciones oficiales de largometraje y cortometraje del certamen continúa abierta a través de las plataformas digitales Festhome y Filmfreeway hasta el 10 de octubre.

Published in: on julio 6, 2019 at 8:23 am  Dejar un comentario  

Presentada la quinta edición de “B-Retina”, el festival especializado en cine de Serie B de Cornellá de Llobregat

Cartel B-Retina 2019

Este pasado viernes se presentó en el castillo de Cornellá de Llobregat (Barcelona) la quinta edición del B-Retina, festival especializado en cine de Serie B que se celebrará entre los próximos 13 y 15 de septiembre. De este modo, sus responsables anunciaron que este año la temática escogida para ser leitmotiv del certamen será la de “Bárbaros y Barbaridades” que, tal y como indica su nombre, se centrará en la proyección de producciones un tanto chuscas realizadas en los años ochenta, como El desafío de Hércules (Hercules, 1983), protagonizada por Lou Ferrigno y dirigida por Luigi Cozzi, que para gozo del respetable acudirá como invitado de honor y será galardonado con el ticket de oro del Festival. Pero ahí no acaban las sorpresas, pues el B-Retina también contará la presencia de Laurence B. Harvey, protagonista de The Human Centipede II (Full Sequence) (Tom Six, 2011), que también podrá verse durante el certamen.

Otros de los títulos anunciados son Clownado (Todd Sheets, 2019), The VelociPastor (Brendan Steere, 2018), Devil Dead 2 (Aureli del Pozo, 2019), Apóstata (Hugo Cobo, 2019) y el clásico The Seven Curse (1986) de Ngai Choi Lam, director de la mítica Historia de Ricky (Ricky-Oh: The Story of Ricky, 1990). Por último, Mario Padilla, uno de los miembros del podcast “El terror no tiene podcast”, dará una masterclass que augura mucha sapiencia y diversión y el legendario grupo de metal Gigatron dará un concierto para poner la traca final al festival.

Juan Pedro Rodríguez Lazo

Published in: on julio 1, 2019 at 5:53 am  Dejar un comentario  
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Randy Edelman y Antón García Abril se suman al cartel de FIMUCITÉ 13, en el que se interpretará y estrenará la banda sonora de “La noche del terror ciego”

Los compositores Randy Edelman y Antón García Abril se unen al cartel de invitados de la decimotercera edición del Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife (FIMUCITÉ), que se celebrará del 20 al 29 de septiembre con el patrocinio del Cabildo Insular de Tenerife, el Gobierno de Canarias y el Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife. Edelman tomará la batuta durante “Campeones de la gran pantalla”, el concierto que cerrará el programa de este año el domingo día 29. En él dirigirá piezas de Dragón, la vida de Bruce Lee y de Ángeles. En este mismo recital sonará también la sintonía que compuso Antón García Abril para los espacios de información deportiva de Radiotelevisión Española en la década de 1980. Asimismo, García Abril participará el viernes día 27 de septiembre en el concierto “Mis terrores favoritos”, en el que se interpretará y estrenará la banda sonora de La noche del terror ciego de Amando de Ossorio. Las entradas para estos conciertos, que tendrán lugar en el Auditorio de Tenerife Adán Martín, ya se encuentran a la venta en taquilla y online.

Tanto Randy Edelman como García Abril participarán, además, en la FIMUCITÉ Film Scoring Academy, la Academia Fimucité para Compositores Audiovisuales, actividad de carácter gratuito enmarcada en el programa educativo del Festival, dirigida a estudiantes y profesionales interesados en formación especializada de manos de grandes profesionales del sector.

El concierto “Campeones de la gran pantalla” será interpretado por la Joven Orquesta Sinfónica de FIMUCITÉ, conformada por alumnos del Conservatorio Profesional de Música de Santa Cruz de Tenerife y del Conservatorio Superior de Música de Canarias. Esta propuesta contará además con la participación del compositor Vince DiCola, cuya memorable música para Rocky IV también formará parte del programa, así como de varios músicos pertenecientes a la formación homóloga del Festival de Música de Cine de Cracovia (FMF) en el marco del acuerdo de intercambio de estudiantes entre sendos festivales.

Por otro lado, “Mis terrores favoritos” abarcará un amplio recorrido por la música cinematográfica de los títulos más destacados del cine de terror y contará con la presencia ya anunciada de los compositores Harry Manfredini, autor de la banda sonora de Viernes 13, y Christopher Young, creador de la de Hellraiser, así como del director Christian Schumann, quien se pondrá al frente de la Orquesta Sinfónica de Tenerife y el Tenerife Film Choir en este concierto.

Randy Edelman (1947) creció en la localidad de Teaneck, New Jersey, donde estudió piano y comenzó a ofrecer recitales desde muy joven. Tras pasar por el Conservatorio de Música de Cincinnati, se trasladó a Nueva York donde tocó con diversas orquestas de Broadway. Ha producido varios álbumes en solitario de canciones, algunas de las cuales también fueron grabadas por The Carpenters, Olivia Newton-John y Barry Manilow, entre otros. Posteriormente se trasladó a Los Ángeles, donde comenzó a trabajar en la composición para cine y televisión.

A mediados de los años 80, Edelman escribió el tema principal de la popular serie de televisión MacGyver, así como la música de diversos episodios. Además, ha colaborado en numerosas ocasiones con Ivan Reitman componiendo la música de varias de sus películas, como Los gemelos golpean dos veces, Los cazafantasmas II, Poli de guardería o Beethoven. Fue nominado junto a Trevor Jones al Globo de Oro por la banda sonora de El último mohicano y en 1993 fue galardonado con el prestigioso premio Richard Kirk de BMI y TV Awards, por su contribución a la música de cine y televisión.

Antón García Abril nació en Teruel, en mayo de 1933. Fue maestro de varias generaciones de compositores a través de su Cátedra de Composición en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, entre el año 1974 y 2003. Su excelso repertorio como compositor abarca ópera, ballets, cantatas, obras orquestales, música de cámara, conciertos, canciones, obras para piano, guitarra, etc. Además ha escrito gran cantidad de música para teatro, cine y televisión, y recibió hace cinco años la Medalla de Oro de la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas.

El veterano compositor es autor de famosas partituras de la pequeña pantalla como los de El hombre y la tierra, Anillos de oro, Fortunata y Jacinta o Brigada central, y de la música de títulos clave en la cinematografía nacional, entre los que figuran Los santos inocentes o La colmena. En el año 2014, FIMUCITÉ otorgó un premio honorífico a García Abril, uno de los nombres más emblemáticos de la música para el ámbito audiovisual de nuestro país. Desde entonces este galardón recibe el nombre del compositor y ha distinguido a figuras tan destacadas como Howard Shore, Elliot Goldenthal, Trevor Jones, Marco Beltrami, Elmer Bernstein, Henry Mancini, James Newton Howard, Laura Karpman, Concha Velasco, Bruce Broughton, Shirley Walker, Lalo Schiffrin y Bernard Herrmann, entre otros.

Published in: on junio 30, 2019 at 8:08 am  Dejar un comentario  

El Festival de Cine Fantástico de Canarias “Isla Calavera” abre convocatoria de cara a su tercera edición

Isla Calavera 2019-Inscripción

Desde hace unos días se encuentra abierta la convocatoria del Festival de Cine Fantástico de Canarias – Isla Calavera para largometrajes y cortometrajes de cara a su tercera edición, que se celebrará entre los próximos 23 y 30 de noviembre. Productoras, distribuidoras y creadores pueden inscribir sus obras hasta el próximo 10 de octubre, los cuales serán valorados por el comité de selección del Festival.

La convocatoria está abierta a producciones de cualquier nacionalidad, tanto de animación como de imagen real, enmarcadas dentro del género fantástico (terror, ciencia ficción, fantasía, thriller…). Se aceptarán largometrajes y cortometrajes con fecha de producción posterior al 1 de enero de 2017. Los cortos deben tener una duración máxima de veinte minutos.

Las inscripciones se podrán realizar a través de las plataformas digitales Festhome (https://festhome.com/f/isla-calavera) y Filmfreeway (https://filmfreeway.com/IslaCalavera). Las bases también están disponibles en www.festivalislacalavera.com.

Las obras seleccionadas podrán formar parte de las secciones a concurso o fuera de competición y serán programadas en distintas sesiones en los Multicines Tenerife, sede del Festival Isla Calavera, durante la celebración del mismo. El Jurado oficial de la Sección Oficial a concurso las valorará según las siguientes categorías: Premio Isla Calavera al Mejor Largometraje, Premio Isla Calavera a la Mejor Dirección, Premio Isla Calavera al Mejor Guion, Premio “Jack Taylor” al Mejor Actor, Premio Isla Calavera a la Mejor Actriz, Premio “Colin Arthur” a los Mejores Efectos Especiales y Premio al Mejor Cortometraje. Por otro lado, habrá sendos premios del público al Mejor Cortometraje y al Mejor Largometraje, decididos por los espectadores asistentes.

Más información: www.festivalislacalavera.com

Published in: on junio 23, 2019 at 8:58 am  Dejar un comentario  

“Lo paranormal y más allá” este viernes a partir de las 20 horas en “Sala:B” de Filmoteca Española

Sala B20

Una semana antes de lo previsto por motivos de programación, este viernes 21 a partir de las 20 horas regresa “Sala:B” a su cita mensual con el Cine Doré, sede de Filmoteca Española. Para este mes de junio, el espacio dirigido por Álex Mendíbil ha preparado un programa doble centrado en la figura de Sebastián D’Arbó, quien ya visitara “Sala:B” hace unos meses acompañando a su película Acosada (El hombre que volvió de la muerte). De este modo, bajo el título “Lo paranormal y más allá” se proyectaran el film de D’Arbó El ser junto a El pionero, reciente documental dedicado a la trayectoria del cineasta catalán dirigido por Luis Esquinas. Tanto D’Arbó como Esquinas presentarán una sesión para la que se ha rescatado de los archivos de la Filmoteca la versión íntegra de El ser, que añade casi veinte minutos de metraje al montaje conocido hasta la fecha.

El ser supone la segunda entrega de la autobautizada Trilogía Parapsicológica que iniciara su director en 1980 con Viaje al más allá y que finalizara seis años más tarde con Más allá de la muerte. “Es probablemente la más sólida de la trilogía”, opina Mendíbil, quien considera que el film de D’Arbó tiene “un pie en E.T. El extraterrestre de Spielberg y Poltergeist de Tobe Hooper (que surgen del mismo tratamiento), y otro pie en El ente de Sidney J. Furie”. En todos los casos se tratan de “melodramas familiares centrados en las relaciones entre madres e hijos afectados por la visita de un extraño no humano”, datados, curiosamente, en 1982. “El ser comparte además”, continua Mendíbil, “el entorno residencial suburbano, muy poco español pero muy adecuado para modernizar el espacio gótico de la mansión encantada. Los efectos especiales son otra clave de esa modernización, muy precarios comparados con los de Hollywood, pero igual de importantes para D’Arbó, como demuestran sendos clips sobre los FX de El imperio contrataca y un mago de circo que aparecen en el film”.

En cuanto a El pionero, tras recorrer la carrera de Juan Piquer Simón con The Simon´s Jigsaw, Luis Esquinas sigue diseccionando cual minucioso entomólogo el cine de culto de este país, en este caso centrándose en la filmografía de D’Arbó. Para ello se vale del testimonio de expertos cinematográficos, colaboradores, profesionales del medio que trabajaron a sus órdenes, así como del propio D’Arbó, incluyendo además imágenes poco vistas del rodaje de varias de las películas comentadas, conformando un documento único e imprescindible a la hora de adentrarse en la obra del director tortosino.

Published in: on junio 19, 2019 at 5:40 am  Dejar un comentario  

Entrevista a Juan Antonio Bayona

J Antonio Bayona 04

Con tan solo cuatro películas como director, Juan Antonio Bayona es, hoy por hoy, uno de los cineastas más mediáticos y con mayor proyección internacional de nuestro cine. Buena muestra de ello es el éxito con el que fue recibida su última película hasta la fecha, Jurassic World: El reino caído (Jurassic World: Fallen Kingdom, 2018), su debut en la industria hollywoodiense con la que se aupó hasta el tercer puesto en la lista de las películas más taquilleras del pasado 2018. Pero también, en los muchos reconocimientos que el realizador catalán viene cosechando en forma de premios. No solo por aquellos destinados a recompensar los méritos de sus diferentes trabajos, sino, sobre todo, por los galardones que vienen a reconocer su talento de forma global.

Y es que al Premio Nacional de Cinematografía que recibiera el pasado 2013, se le han unido en los últimos meses galardones del calibre de la “Espiga de Oro de Honor” de la Seminci o el “Premio Retrospectiva-Málaga” del Festival de Málaga. Un listado al que hace apenas unas semanas se le unía la “Estrella del FANTástico” con la que el Festival de Cine Fantástico de Bilbao le homenajeó en su vigésimo quinta edición. Un galardón de lo más especial, al venir de un certamen especializado que reconocía “su maestría y carrera llena de éxitos dentro del género fantástico”, y que el realizador recibió durante la gala de clausura del festival, celebrada en el Museo Guggenheim de la capital vizcaína. Horas antes de la entrega, tuvimos la oportunidad de hacerle la siguiente entrevista, en la que repasamos lo que ha dado de sí su carrera hasta la fecha.

J Antonio Bayona 01

Este 2019 se cumplen veinte años de tu cortometraje Mis vacaciones (1999). ¿Qué queda del Juan Antonio que hiciera este corto al Juan Antonio que rueda hoy películas en Hollywood?

Ostras, es una pregunta muy complicada, porque uno no se para a pensar esas cosas. Sobre todo porque ha pasado tan rápido el tiempo y he estado tan liado que no he tenido el momento de hacer esa reflexión. Yo creo que cuando empezaba era muy duro en el rodaje, muy autoritario. De alguna forma suplía mi inseguridad con esa autoridad. Y ahora en cambio escucho mucho más a la gente, aunque sigo siendo bastante inseguro. Me gusta serlo, porque eso es lo que me obliga a darle siempre una vuelta más a todas las cosas. Pero, aparte de eso, me veo bastante parecido. Espero, no obstante, haber aprendido algo con los años y que se note en las películas.

Tu padre pintaba carteles en las marquesinas de los cines. ¿Este precedente familiar propició de algún modo tu interés por el medio?

Sí. Yo creo que, en general, generó mi interés por las artes. Mi padre era pintor y siempre se hablaba de pintura en casa y había un libro de algún pintor encima de la mesa. Y también era muy cinéfilo. Mucho más de lo que yo pensaba. Y eso evidentemente ayudó; el hecho de que siempre se le diera tanta importancia a la cultura en casa ayudó a que yo pudiera dedicarme a esto.

¿Y cómo nace tu vocación?

Yo he querido el cine siempre desde que era pequeño. Y cuando eres muy pequeño las emociones son muy importantes. Entonces, películas que me impactaron mucho como ET, el extraterrestre (E.T.: The Extra-Terrestrial, 1982) o Superman, el film (Superman, the Movie, 1978) son películas muy emocionales para mí. O responder a películas de terror teniendo miedo, o riendo, o emocionándote. Para mí ese es el cine con el que crecí y la semilla que se me implantó cuando era pequeño, y sigo muy vinculado a ello.

J Antonio Bayona 12

Todas tus películas hasta la fecha, salvo Lo imposible (2012), pertenecen al género fantástico. ¿Te consideras un cineasta de cine fantástico?

Sí que me veo como un director de cine fantástico, aunque no sea obligatorio que cada una de mis películas tenga que ser del género. No obstante, Lo imposible creo que es una película que, aunque esté basada en hechos reales, sí que tiene ciertos códigos que la acercan al cine de terror. Para mí la llegada de la ola era casi como la llegada de un monstruo. Y el tramo final, sobre todo con aquella secuencia casi onírica de la pesadilla que tiene el personaje de Naomi Watts cuando la llevan al quirófano, tiene connotaciones fantásticas. Para mí todo el cine es fantástico. Todo el cine es una mentira que de alguna forma cuenta mejor la realidad que la realidad misma. Y, en ese sentido, cuanta más grande es la mentira, mejor.

Una de las constantes de tus películas es el protagonismo femenino, lo cual no deja de ser curioso al proceder de guionistas distintos. ¿Es algo circunstancial o responde a un interés personal tuyo?

Yo creo que no es consciente. Para mí Lo imposible, El orfanato (2007) y Un monstruo viene a verme/A Monster Calls (2016) son tres historias que tienen personajes femeninos muy potentes. Y Penny Dreadful (2014-2016) también es el caso. Y me siento a gusto contando esas historias. No hay diferencias entre personajes masculinos y femeninos. Realmente lo que me interesa más son los personajes potentes. Es verdad que, poniendo en el centro del relato el personaje de una mujer, muchas veces la historia es muy potente. Pero no es algo buscado. El día de mañana podría estar haciendo una película con personajes masculinos y sería lo mismo para mí.

Junto con los personajes femeninos, otra tipología que se repite insistentemente en tu obra desde tu referido corto Mis vacaciones es la presencia destacada de roles infantiles…

Bueno, es un poco lo que te decía antes de cómo crecí viendo cine y como se implantó esa semilla en mí. Y esa vinculación con la infancia está presente en mi cine. De hecho, El orfanato es una película sobre una mujer que regresa a su infancia; regresa a la casa donde creció y regresa con los niños con los que creció en la última escena, porque no sabe afrontar la madurez. Y en Lo imposible un personaje secundario en la historia se convierte casi en protagonista, como es el personaje de Lucas. No sé, creo que son las historias a las que respondo. Me da la sensación de que las historias me escogen a mí, no las escojo yo.

Del mismo modo, todas tus películas apelan a los sentimientos de los espectadores. ¿Cómo es trabajar algo tan intangible sin que la audiencia pueda sentirse manipulada y/o engañada?

Siempre tienes que tener en cuenta qué es lo que estás contando. Pienso que eso es lo importante; si es honesto o no lo que estás contando. Asustar, emocionar o hacer reír es válido en función de para qué se use. Si realmente haces una película donde se llora por llorar me parece poco interesante. Pero es distinto si lo que haces es una película como Lo imposible o Un monstruo viene a verme, donde el público se emociona, pero impregnándose de la historia de unos personajes que reflexionan sobre otra cosa. Para mí en Lo imposible, en el fondo, los personajes se dan cuenta de que no pueden controlar la vida; de que la vida es incierta, que tienes que aprenderlo y volver a casa con ese conocimiento de que a partir de ahora nunca sabrás lo que puede pasar a continuación, ya que la vida en un segundo puede cambiar y ser terrible y monstruosa. Para mí eso es lo importante, utilizar la emoción para contar eso. Y en Un monstruo viene a verme hay también algo parecido.

A lo largo de tu filmografía se repiten una serie de nombres como los del músico Fernando Velázquez, Oscar Faura como director de fotografía, Belén Atienza en la producción o Bernat Vilaplana en el montaje. ¿Qué importancia le das a contar con este grupo de colaboradores estables dentro de tu cine?

Bueno, el lenguaje que tú creas, eso que la gente dice que “parece una película de Bayona”, en realidad no es solo de Bayona, sino que también está metida toda la gente con la que trabajo. Y los colaboradores habituales son tan responsables como yo. Y en este sentido es muy importante para mí todo el trabajo que he hecho con Fernando Velázquez, con Óscar Faura, con los montadores Bernat y Elena Ruiz… Son gente con la que me entiendo bien y con la que me gusta volver a trabajar. No sé si será así siempre en el futuro, pero de alguna forma creo que es la gente que está mejor preparada y con la que mejor estoy.

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Hablemos de El orfanato, tu primera película. ¿Cómo se produce ese salto de pasar de realizar cortos y videoclips a dirigir tu primer largo y cómo consigues que Guillermo del Toro te lo apadrine?

Todo lo que hice con los cortometrajes y los videos musicales era un aprendizaje para hacer un largo. Cada disciplina es diferente y lo que funciona en un videoclip no funciona en un corto, y lo que funciona en un corto no funciona en una película, con lo que tienes que adaptarte a cada formato. Pero para mí el perderle miedo a la cámara, dirigir a los actores o hacer frente a un equipo de rodaje son cosas que aprendí haciendo los cortos y los videos musicales y que me dieron una seguridad a la hora de hacer la película. También me dieron una bobina que mostrar a Guillermo del Toro. A Guillermo le conocí poco después de haber hecho Mis vacaciones por el Festival de Sitges y por amigos que estuvieron trabajando con él tanto en El espinazo del diablo (2001) como El laberinto del fauno (2006). Y siempre tuve la oportunidad de enseñarle los cortos y los videos que iba haciendo y en cuanto le dije que iba a hacer una película de terror quiso formar parte de ella.

En su estreno, El orfanato cosechó un éxito descomunal. ¿De qué forma te afectó el que, siendo un recién llegado, consiguieras una repercusión de este tamaño? ¿Fue para bien o te significó un plus de presión?

No, no, fue para bien. La presión se la pone siempre solo uno mismo. La presión es siempre contar la mejor historia y hacerlo de la mejor manera posible. Esa es la presión que sientes siempre. Pero el tener ese éxito ayudó a que pudiéramos afrontar un rodaje tan imposible como Lo imposible, que era la broma que hacíamos: “La vamos a llamar Lo imposible porque a ver cómo se rueda esta película en España”. Y gracias al éxito de El orfanato pudimos encontrar la financiación necesaria para hacerla.

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En relación a lo que comentas, Lo imposible es la primera ocasión en la que cuentas con un reparto internacional, con el añadido de estar encabezado con actores del peso de Naomi Watts o Ewan McGregor. ¿Cómo fue plantearte un rodaje de estas características tratándose de una producción española?

Realmente fue quizás el rodaje más difícil de todos los que he hecho, porque fue la primera vez que contaba con un presupuesto tan grande y tenía una responsabilidad tan grande de contar alto tan difícil de contar en España como es una película sobre un tsunami. El tamaño de producción era gigante. Los decorados más grandes en los que he trabajado eran de Lo imposible y lo notabas en el set cando llegabas un día y veías que había mil extras. Era una película muy difícil de contar y lo noté mucho. Cada mañana, cuando me despertaba, tenía dolor de barriga y era por la presión y el medio de levantarme y tener que hacer frente a la jornada.

El que Lo imposible se apartara tanto de lo que había sido El orfanato ¿fue algo premeditado por tu parte, quizás buscando el que no te encasillaran como un director de terror solamente?

Sí. Como decía antes, a mí me gusta que me consideren un director de cine fantástico, pero a la vez tampoco busco que me encasillen. Ni lo busco, ni lo dejo de buscar. Yo siempre respondo de una forma muy orgánica a los guiones que leo. Me enamoro de las historias y me pongo a trabajar en ellas, pero no pienso en las etiquetas. Las etiquetas son más para los espectadores o para la prensa.

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Tras Lo imposible tu siguiente película es Un monstruo viene a verme, en la que adaptas una novela de Patrick Ness. ¿Cómo te llegó este proyecto? ¿Partía de un interés propio por adaptar el original literario?

Sergio Sánchez, el guionista de El orfanato y Lo imposible, me habló de la novela en un momento en el que yo estaba liado en otros proyectos y no le presté mucha atención hasta que, tiempo después, me llegó por parte de mi agente el guion de Un monstruo viene a verme. Fue entonces cuando me dije que si, tanto Sergio como mi agente, que me conocen muy bien, me han enviado este material, algo tendrá. Así que me leí el libro y respondí de manera inmediata. Tras esto nos reunimos con Patrick Ness. Fue complicado que él entendiera lo que yo quería hacer, porque es muy difícil para el autor de un libro plantearse algunos cambios y licencias con respecto a la novela. Pero, finalmente, nos entendimos y trabajamos muy a gusto el uno con el otro.

En alguna ocasión has declarado que el hecho de que el protagonista de la película dibuje tanto es debido a que era algo que tú también hacías mucho de pequeño…

Cuando hablaba de licencias me refería a eso, porque en la novela el niño no dibuja. Y para mí era muy importante que la película no acabara donde acaba el libro, que es un lugar muy oscuro y muy difícil. Yo cuando voy al cine siempre pienso que quiero volver a casa vivo. Entonces, matar al protagonista es un poco como matar al espectador, y uno no regresa muerto a casa; regresa vivo. Sientes a veces como una tomadura de pelo si el final es muy oscuro. Por eso le propuse a Patrick Ness que acabáramos de una manera determinada utilizando la idea del dibujo, que es una idea tomada de mi experiencia, ya que yo dibujaba mucho de niño, y de mi experiencia con mi padre, que me enseñó a dibujar.

En vista de detalles como este, ¿puede decirse que Un monstruo viene a verme es tu película más personal?

Sí, yo creo que sí. Me gustan las pelis que he hecho, me siento orgulloso de ellas, pero la más personal seguramente es Un monstruo viene a verme.

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Llegamos así hasta Jurassic World: El reino caído, tu última película hasta la fecha. ¿Cómo valoras tu salto al cine hollywoodiense?

Fue un aprendizaje importante. Cada vez que haces una película intentas aprender algo y trabajar en Hollywood fue una experiencia muy diferente a como hacíamos las películas en España. Hubo cosas mejores y cosas peores, pero creo que la experiencia fue muy positiva.

Ya que hablas de experiencia, ¿cómo fue la oportunidad de poder trabajar al lado de Steven Spielberg, del que te has declarado admirador en múltiples ocasiones?

Poder trabajar con Spielberg fue un lujazo. Para mí era una de las razones para hacer esta película, aunque también me lo tomaba con un poco de precaución, con un poco de miedo, porque Spielberg es una figura muy importante en mi educación sentimental y en la manera en la que he aprendido a ver cine y hacerlo. Entonces, trabajar con él me daba un poco de respeto. Pero sentarme con él, hablar del guion y de las escenas, enseñarle los planos, intercambiar ideas, ver que él entendía enseguida lo que yo quería hacer, y ver la respuesta tan entusiasta que siempre tuvo hacia la película, fue de las cosas que mejor recuerdo de Jurassic World. Recuerdo como uno de los momentos más gratificantes el diálogo cuando yo le soltaba una idea, él le daba una vuelta, yo le daba una vuelta a la idea que él me daba, y comprobar que las secuencias mejoraban.

¿Llegó a trabajar Spielberg directamente en la película?

Es verdad que cuando nosotros hicimos Jurassic World Spielberg estaba rodando Ready Player One (Ready Player One, 2018) y Los archivos del Pentágono (The Post, 2017) al mismo tiempo; es decir, estaba haciendo dos películas a la vez. De hecho, Los archivos del Pentágono la improvisó mientras estábamos preparando Jurassic World. Donald Trump ganó las elecciones y cambió de idea, porque estaba haciendo otro proyecto, e improvisó prácticamente de la noche a la mañana Los archivos del Pentágono, con lo que te puedes imaginar lo liado que estaba. Sin embargo, siempre que necesité de su ayuda estuvo ahí para responder y es algo que se lo agradezco mucho.

Imagino que sería complicado a nivel de libertad creativa trabajar en una saga que a estas alturas estaba ya tan asentada como esta y con la que, además, tú mismo has crecido como espectador…

Piensa que cuando tú entras en un proyecto así lo que es la historia está ya muy diseñada. Sí que hubo un trabajo con Colin Trevorrow, que era el guionista, de ver cómo íbamos a contar esa historia de manera más efectiva. Pero es verdad que los elementos ya estaban muy marcados. Ya estaba muy claro lo que hacía Owen, lo que hacía Claire, que la historia empezaba en una isla y después nos íbamos a tierra firme… Esto por un lado ya estaba muy diseñado, pero, por otro lado, yo cada secuencia la trabajaba con Colin para que fuera lo más efectiva posible; es decir, que la historia que él quería contar se reflejara de la mejor manera posible en la pantalla.

Aunque ya habías trabajado con muchos efectos especiales en tus anteriores películas, Jurassic World: El reino caído las supera. ¿Influyó esta circunstancia a la hora de trabajar, sabiendo que en post-producción se iba a retocar mucho lo que tú habías rodado?

Sí. Yo ya había pasado por dos experiencias muy fuertes con efectos visuales, que son Lo imposible y Un monstruo viene a verme, por lo que llegaba muy confiado a Jurassic World y, además, trabajaba con Industrial Light & Magic, que son los mejores en su terreno. Y en este sentido fue más fácil hacer Jurassic World que Lo imposible o Un monstruo viene a verme, donde tú participas de una forma mucho más activa en el diseño de los efectos especiales y tienes que estar supervisando todo el rato porque no tienes tantos medios ni la posibilidad de trabajar con los artistas de una empresa mucho más grande y con mayor experiencia como es ILM.

Para terminar, en lugar de preguntarte por futuros proyectos lo voy a hacer por uno en el que estuviste trabajando durante mucho tiempo y que finalmente no llegaste a realizar. ¿Qué pasó con tu adaptación de Guerra Mundial Z, en la que creo que estuviste trabajando aproximadamente un año?

No sé si llegó a un año, pero lo cierto es que estuvimos mucho tiempo trabajando en ello y realmente llegamos a lugares que me gustaban mucho. Llegamos a escenas que tenía muchas ganas de rodar, pero nos fallaba el pegamento. Nos fallaba un poco la excusa y ahí yo fui honesto con los productores y se lo dije. Con todas esas grandes escenas que habíamos diseñado, me dio mucha rabia no poder hacer el proyecto, porque tenía muchas ganas de hacerlas, pero no estaban bien unidas. Entonces se decidió empezar de cero otra vez y eso ya se hizo un poco cuesta arriba. Volvimos a empezar de cero otra vez con otro guionista en un nuevo guion, y ahí ya vi que se acercaba la fecha de rodaje y que no teníamos un guion. Así que yo les paré un poco y les dije que no creía que era la persona adecuada para ayudarles. “Queda muy poco para empezar a preproducir y no tenemos guion. Yo no trabajo de esta forma”. Fue duro, pero al final lo entendieron todos.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías: Juan Mari Ripalda

Published in: on junio 14, 2019 at 5:49 am  Dejar un comentario  
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Entrevista a Diana Peñalver sobre “Braindead. Tu madre se ha comido a mi perro”

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A lo largo de su carrera en la gran pantalla Diana Peñalver puede presumir de haber trabajado a las órdenes de algunos de los principales directores de cine español de las últimas décadas. Luis García Berlanga, José Luis García, Fernando Trueba, Vicente Aranda o Jaime Chávarri son solo algunos de los nombres de un listado al que hay también que añadir a Fernando Colomo, con quien alcanzaría una gran popularidad por su papel protagonista en la recordada serie de Televisión Española Las chicas de hoy en día (1990-1991). No obstante, a pesar de semejante bagaje, muchos espectadores, en especial los aficionados al fantástico, asocian la figura de la actriz sevillana a su personaje de Paquita en el clásico del gore dirigido por Peter Jackson Braindead. Tu madre se ha comido a mi perro (Braindead, 1992).

Aprovechando su presencia en la pasada edición del Festival de Cine Fantástico de Bilbao – FANT, donde, además de formar parte del jurado de la Sección Oficial, pudo verse uno de sus últimos trabajos, el cortometraje Abuelita (2019) que coprotagoniza junto al homenajeado Jack Taylor, tuvimos la oportunidad de mantener la siguiente entrevista con Diana, en la que, a casi cuarenta años vista desde la realización de la película, rememora para nosotros los pormenores de su participación en Braindead.

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¿Cómo acaba una chica como tú en una película como Braindead?

Pues encantada de la vida, aunque el contacto con Peter Jackson venía de antes, de Las chicas de hoy en día. Fue a raíz de que Peter presentara Mal gusto (Bad Taste, 1987) en Cannes que Fernando Trueba vio la película y le ofreció hacer una coproducción con España que a la larga no funcionó, porque no llegaron a un acuerdo económico. Con vistas a esa hipotética coproducción, Peter estuvo visionando películas españolas y me vio en un pequeño papel que hacía en El año de las luces (1986). Le gustó mucho y nos reunimos en Londres, porque yo en esa época estaba estudiando allí. Y lo cierto es que desde el primer momento nos entendimos muy bien.

Cuando entraste en la producción ¿sabías de qué tipo de película se trataba?

Yo intuía que era una locura; eso sí lo intuía. Cuando nos encontramos en Londres él me mostró las dos películas que había hecho hasta ese momento: Mal gusto y Meet the Feebles [vd/dvd: El delirante mundo de los Feebles, 1989]. Me parecieron una locura, pero reconocí en él lo que luego se ha visto: que es un director genial. La cámara en sus manos tiene vida y se convierte en otro personaje. Es una persona muy, muy especial y muy talentosa. También me leí el guion, que tardé muchísimo, porque, aunque yo ya había aprendido un poco de inglés, no sabía el inglés que sé ahora. Y había cosas que yo no entendía muy bien cómo se hacían, aunque como no entraban en mi personaje yo me concentré en aprenderme mi papel y mis partes.

Era una aventura, pero siempre estaba el poso de que él me hubiera pedido que yo estuviera allí porque Peter había visto mi trabajo en El año de las luces, ya que yo me sentía muy halagada de que a él le gustara mi forma de trabajar. Estuvimos ensayando unas dos o tres semanas antes de empezar a rodar y hubo mucha conexión desde el principio. Yo entendía lo que él me decía y a él le gustaba lo que yo hacía.

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Lectura del fallo del jurado de FANT 2019. De izda. a dcha.: El cineasta Gary Sherman, Rocío Moreno, programadora de FANCINE y Diana.

Tú venías de hacer unas películas radicalmente distintas en España. ¿Había mucha diferencia con respecto a lo que te encontraste a la hora de trabajar en Nueva Zelanda?

Yo creo que sí. Se trabajaba bastante diferente a todos los niveles. A nivel de interpretación, aunque ahora es una cosa bastante normal, el que un director quisiera antes de rodar ensayar era algo que por aquel entonces aquí no se hacía. Ni Vicente Aranda, ni Fernando Trueba… Para nada. Se ensayaba ya en el rodaje. Entonces, encontrarme con eso fue muy especial para mí. Yo venía de una educación de teatro independiente y que lo hiciéramos así me encantaba, ya que, entre otras cosas, me permitía que, una vez en el rodaje, lo supiera todo.

En relación a esto último, otra cosa muy bonita que tenía el proyecto es que yo sabía todos los planos que se iban a hacer. Estaba todo el storyboard hecho desde meses antes, cuando yo no había tenido nunca un storyboard en las películas que había rodado en España. Ni siquiera sé si lo había. Pero, claro, hay que reconocer que también era diferente, porque, por ejemplo, Vicente Aranda en Tiempo de silencio (1986) supongo que hablaba con el operador y los cámaras, y no le hacía falta tener un storyboard porque no había efectos especiales. Y lo extraordinario de Braindead, y el motivo por el que hacía falta un storyboard, es porque los efectos especiales son muy caros y cada uno tenía que saber de forma precisa la colocación de la cámara para saber cómo iba a ser el plano y dónde iba a aparecer el efecto. Es una cosa muy especial de las películas de temática fantástica. Así que en este aspecto era normal que hubiera esa diferencia.

Otra diferencia de producción o publicidad que a mí me llamó la atención fue que unos meses antes de que rodáramos, que fue en verano, ellos ya estaban vendiendo la película en el mercado de Cannes. A mí me pareció una cosa maravillosa, porque en el cine español parece que vamos estrellados. No se hace un estudio de mercado de quién va al cine, si son los jóvenes o la gente mayor, etcétera. Con la cantidad de millones que cuesta una película, la cantidad de gente a la que da trabajo y de ilusión que se mueve en cada proyecto, ¿cómo no hay una previsión de mercado? Yo no sé si se hace ahora, porque he pasado unos años muy despegada del medio, pero sí que te puedo decir que hace treinta años Peter Jackson antes de dar la primera claqueta ya tenía vendida la película.

El ser tú la única española de un rodaje en el que el resto del equipo pertenecía a una cultura distinta a la nuestra ¿te supuso alguna dificultad?

Yo me adapté muy bien, aunque era muy diferente. Yo sabía el inglés para mantener mi personaje, eso seguro. Pero a lo mejor no sabía el suficiente como para poder estar pendiente de todo. Y yo soy una actriz a la que le gusta estar muy pendiente en los rodajes. A mí no me gusta nada el plan americano de la roulotte, ni nada parecido. Yo, cuando no ruedo, me gusta estar en el plató, porque me encanta el ambiente de los rodajes. Es tanta la energía, la dedicación y el talento que se pone para una cosa tan absurda y, a la vez, tan importante como es contar una historia que a mí me encanta. Me parece que las cosas que más valen son las que en principio no sirven para nada, como las cosas artísticas. Pero si no tuviéramos estas cosas que no sirven para nada no seríamos personas, sino que seríamos animales que solo comen. Pero, en realidad, lo que de verdad necesitamos para vivir es una buena exposición, reírte, ver una película, tener pasiones… Y ver esa pasión en los rodajes a mí me fascina.

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Aunque has comentado que contabais con un storyboard, ¿cómo fue el rodaje de las escenas tan sangrientas que tiene la película, sobre todo teniendo en cuenta que con anterioridad no te habías enfrentado con algo parecido ni remotamente?

Yo no sabía muy bien lo que estaban haciendo (risas). Con hacer lo que Peter me pedía, hacerlo bien y a la primera, porque no había más efectos especiales, ya tenía bastante. Pero yo no tenía ni idea de cómo iba a quedar aquello. Pero ni yo ni nadie del equipo. Yo creo que solo lo sabía Peter. Tanto es así que, cuando ya llevábamos unas semanas y yo estaba empapada de sangre, que aquello ya empezaba a oler, un día se me acerca un miembro del equipo y me dice: “Oye, Diana, ¿tú crees que este hombre sabe lo que está haciendo?” ¡Y me lo dice a mí, que vengo de fuera! Le contesté que sí. Yo creo que que sabe muy bien lo que está haciendo.” “¿De verdad?”, me respondió. “¿No te da inseguridad? ¿No te dan ganas de irte?”, insistió. “A mí no, no me entran ningunas ganas de irme. Estoy apasionada con esta aventura. No sé qué va a salir de aquí, pero me lo estoy pasando muy bien, porque esto es muy novedoso para mí”. Y es que estas películas tan raras no se hacen todos los días y, sobre todo, con alguien que lo tiene tan claro y que no tiene detrás a un productor imponiendo un horario ni nada. No, no, allí estábamos todos trabajando a tope para un objetivo, aunque no todo el mundo tenía la misma disposición, como demostró este miembro del equipo.

Has dicho antes que Peter Jackson era un director muy especial, pero ¿vislumbrabas de algún modo que podía llegar tan lejos como ha llegado posteriormente?

No, eso para nada. Es algo que nunca sabes porque a veces el mundo es muy injusto con los talentos. Y tampoco te tienes que ir tan lejos, que esto es algo que también ocurre en España: directores buenos que han certificado que tienen una mirada diferente y no consiguen levantar una película. Es muy difícil. Pero en él sí que había una cosa que yo creo que es muy importante en la carrera de los artistas, que es rodearse de gente que le apoyaba. Y él tenía como su equipo formado. Bueno, de hecho, es algo que luego se ha visto con El señor de los anillos. Es decir, él no se va a Hollywood y se pone en manos del equipo norteamericano. No, Peter coge el dinero y les dice a los yanquis que vayan a Nueva Zelanda, que es donde él quiere trabajar. Y esto es así porque él es un genio que demuestra que da dinero y, claro, le hacen caso.

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Un par de curiosidades no muy conocidas. Según tengo entendido, tanto el nombre de tu personaje como el título que tuvo la película en España están directamente relacionados contigo…

Sí. Bueno, más que el nombre de mi personaje, lo que tiene que ver conmigo es el apellido. El nombre es el mismo del de mi papel en El año de las luces donde Peter me descubrió, que era Paquita. Pero al ser también el nombre de mi abuela, yo le pedí que por qué no se llamaba Paquita María Sánchez, como mi abuela (risas). Y él me dijo que claro, genial.

Y lo del título era porque la traducción del original, Muerte cerebral, a mí no me gustaba para España. Tampoco pegaba el estadounidense, Dead Alive. En ninguno de los dos casos se transmite esa coña de graciosa y divertida que tiene la película. Entonces, había que buscar un título que reflejara ese cachondeo y esa genialidad que es la película. Tenía que ser un título un poco loco. Entonces, no sé cómo se me ocurrió, propuse: “¿Por qué no la llamamos Tu madre se ha comido a mi perro, que además es una frase mía que está muy graciosa y con la que la gente se queda mucho?” La idea le gustó al distribuidor y a Peter Jackson también le pareció bien, porque como no sabía castellano e imagino que sigue sin saberlo… (risas). Y así se quedó. A mí me gustó mucho porque, además de que sí que tiene que ver con la película, es un título que te descoloca desde el primer momento. “¿Cómo que hay una película que se llama Tu madre se ha comido a mi perro?”

¿En algún momento te imaginabas que la película iba a obtener el éxito que obtuvo?

No te creas que fue un éxito. Primero, porque en España, en Madrid, no querían estrenarla. El estreno tuve que organizarlo yo, como quien dice. Recuerdo que tuve que decirle al dueño del cine Palafox de Madrid, que era donde se hacía el estreno, que si podía contar con alguna invitación. Él me dijo que las que yo quisiera, porque no había nada invertido. No había photocall, ni un cóctel luego para los invitados… Nada, cero patatero. Todo eso cuesta mucho dinero y yo no tenía posibles como para poder hacerlo. Además de que eso era cosa de la distribuidora, pero no había hecho nada en absoluto. Así que, aprovechando que el cine Palafox era enorme y tenía mil y pico localidades, pedí seiscientas entradas. Menos mal que era solo un día, porque si no, le arruino al dueño del cine (risas). Y gracias a esto hicimos un estreno potente al que vino un montón de gente de prensa. Pero aunque fue un estreno muy bonito y muy guay, ahí se acabó todo. Tras eso la película la dejaron para el mercado del video, que era lo que había antes. No se gastó un duro en publicidad, pensando en que ya se vendería en el mercado videográfico.

El hecho de que Briandead se haya convertido en un clásico ha sido con el paso del tiempo. Al cabo de los años ha sido cuando la gente ha dicho “Ostras, que película”, y la han ido descubriendo nuevas generaciones. Pero eso ha sido al cabo de treinta años.

¿Y a qué crees que se debe que más de treinta años después de su estreno Braindead cuente con un número tan elevado de fans?

Pienso que es porque Peter Jackson es un genio y la película está hecha con mucho cariño y mucha dedicación. Por ejemplo, él no perdía un detalle de la interpretación, o el modo en que va al sentimiento profundo en la relación entre el protagonista y su madre zombi. Y encima te ríes. Y claro, cosas como estas hacen que la película sea muy rica en detalles.

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Aunque has hecho muchas cosas a lo largo de tu carrera, ¿te molesta que debido a la fama que tiene la película haya gente que te recuerde sobre todo por tu trabajo en Braindead?

No solo no me molesta, sino que me encanta. A mí me encanta la película, estoy muy orgullosa de ella y me lo pasé muy bien haciéndola. Así que todo lo que sean entrevistas, invitaciones a festivales y todo lo que tenga que ver con recordar aquella experiencia que tuve en mi vida, a mí me encanta. Pero es que, además, una cosa va con la otra. La gente no me recuerda por una película por la que tengo “malaje”, sino por una a la que tengo mucho cariño. Además, yo soy una persona muy emocional como actriz y me gusta mucho la emoción y los fans de este tipo de cine es gente muy emocional y pasional.

Es curioso que, pese a la popularidad que te ha dado este papel, con la excepción hecha de tu participación en Bajo aguas tranquilas (2005), no has vuelto a incursionar posteriormente dentro del género de terror. ¿A qué se ha debido? ¿Ha sido por una opción personal o porque no te han surgido ofertas en este sentido?

No, no me han surgido ofertas. Yo soy poco exigente a la hora de trabajar, porque exijo cosas muy elementales. Lo primero, que yo tenga algo que aportar al personaje, porque si no tengo nada que aportarle mejor no aparezco, porque no sé qué hacer y tampoco quiero hacer el ridículo. Y después, lo que exijo es que la película cuente algo, o, mejor dicho, que se haga para algo. No para justificar una subvención o para vender publicidad en la televisión, que eso me da un coraje que no lo soporto. Exijo estas cosas, pero no siempre se dan y, claro, entonces no puedo hacerlo.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías: Juan Mari Ripalda

Published in: on junio 12, 2019 at 5:46 am  Dejar un comentario  
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