Entrevista a Jack Taylor

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Si decimos que su verdadero nombre es George Brown Randall lo más probable es que sean muy pocos los que conozcan de quién hablamos. Pero si desvelamos que tras ese nombre se esconde el aquí conocido como Jack Taylor es muy seguro que a la mayoría le venga a la mente el rostro de un actor de pelo rubio, ojos claros, porte aristocrático y mirada altiva. Instalado en España desde mediados de los sesenta, donde llegó procedente de México, país al que había emigrado desde sus Estados Unidos natales buscando las oportunidades que allí se le resistían, Jack Taylor pronto se convirtió en una de las presencias más recurrentes del cine popular español durante su etapa de esplendor. Aunque también frecuentó otros estilos, como el wéstern o el thriller, es dentro del cine fantástico y de terror donde su labor cobraría una especial relevancia, hasta el punto de erigirse en uno de los intérpretes más emblemáticos del género en su vertiente española, coincidiendo con un momento en el que el denominado fantaterror vivía sus años dorados. Su especialización en el género queda ejemplificada con el siguiente dato: en las dos décadas comprendidas entre 1968, año en el que debuta en el género con Necronomicon – Geträumte Sünden [dvd: Succubus], y 1988, Taylor apareció en más de dos decenas de títulos pertenecientes al estilo, entre los que se encuentran títulos tan destacados como El conde Drácula/Nachts, wenn Dracula erwacht/Il Conte Dracula (1970), Doctor Jekyll y el hombre lobo (1971), La orgía nocturna de los vampiros (1973), El buque maldito (1974) o Mil gritos tiene la noche (1982), trabajando al lado de personalidades de la talla de Paul Naschy, Amando de Ossorio, Jesús Franco, Juan Piquer Simón, José Ramón Larraz, León Klimovsky, Carlos Aured o Soledad Miranda, entre muchos otros.

Lejos de caer en el olvido, toda esta especialización y dedicación le ha granjeado el respeto, la consideración y el cariño de los aficionados. Una circunstancia que ha tenido su reflejo en los muchos homenajes que en los últimos años el actor estadounidense viene recibiendo por parte de festivales especializados a lo largo y ancho del país, que han querido así reconocer su labor dentro del género y su condición de auténtico mito viviente de este cine. El último de estos homenajes, al menos hasta la fecha, se produjo en la pasada vigésimo quinta edición del Festival de Cine Fantástico de Bilbao-FANT en la que Taylor recibió el “FANT de honor” por su carrera. La escenificación de este galardón tendría lugar un día antes del arranque oficial del certamen, en una sesión de lo más especial en la que, además de la entrega del premio al actor de manos de Justo Ezenarro, director de FANT, se proyectó Jack Taylor. Testigo del fantástico (2018), reciente documental dirigido por Diego López en el que, por medio de una larga entrevista, su propio protagonista repasa los principales hitos de su trayectoria, y tras el que tuvo lugar un interesantísimo coloquio conducido por Javier G. Romero, responsable de los fanzines Quatermass y Cine-Bis y fundador de FANT, en el que, junto a Taylor, también participó Diego López. Escasas horas antes del inicio de este acto, tuvimos la oportunidad de compartir unos minutos con Jack y realizarle la siguiente entrevista centrada en su carrera dentro del género.

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Jack Taylor posa con el “FANT de honor” junto a Justo Ezenarro, director del certamen bilbaíno

El “FANT de honor” viene a unirse al listado de galardones que estás recibiendo en los últimos años como reconocimiento dentro del cine fantástico y de terror. ¿Qué te parece el que para muchos espectadores seas un icono e, incluso, un mito viviente de este tipo de cine?

Siempre es agradable que te recuerden. He hecho cosas muy serias y otras que no lo eran tanto. Pero yo siempre me lo he tomado muy en serio. Y si me recuerdan especialmente por estas películas de género que hice, por mí encantado.

Tu relación con el género se produce de forma temprana ya en tu etapa mexicana, donde intervienes en dos sagas hoy devenidas en objeto de culto, como las de Neutrón y Nostradamus. ¿Qué recuerdas de aquellas películas?

En México hice once películas y cuatro creo que fueron de género, digamos. Hice de emperador Maximiliano; hice una película preciosa que se llama La torre de marfil (1958), que fue en la primera que hice un papel protagónico, que escribió para mí Julio Alejandro, el guionista de Buñuel, y que protagonizaba Marga López; y trabajé con Libertad Lamarque, con María Félix, con Pedro Armendáriz, con el “Indio” Fernández… Nombres que quizás el público actual no recuerda quiénes eran, pero que entonces eran las grandes figuras del cine mexicano, por entonces al final de su época de oro.

Hice de todo, ya digo. Y entre ello cuatro películas de suspense y terror. Las de la serie Nostradamus me gustaban, y trabajar con Federico Curiel “Pichirilo”, su director, me gustaba mucho también. La verdad es que le guardo mucho cariño. Te contaré una anécdota. Ya instalado en España volví a México como trece años después y sabía que él estaba rodando. Fui a visitarle y allí mismo me quiso contratar para hacer un papel en la película que estaba filmando. Y hace poco estuve viendo una de las de Neutrón[1] y no estaba mal. Rodábamos en los Estudios Churubusco, que es donde se fabricaban las grandes películas mexicanas de la época.

¿Y qué te trae de México a España?

Yo estaba haciendo teatro en México, donde no importaba que tuvieras acento, al contrario de lo que me pasó aquí, y vine a España con una comedia musical llamada La pelirroja. Y me salió la oportunidad de hacer una película, que fue la primera que rodé en España, con Rocío Jurado y Manolo Escobar[2]. Y después los del Sindicato Vertical me vetaron. ¿Por qué? Sería una buena pregunta. Yo realmente sé los motivos, pero no los voy a contar. Esto fue en el año 1963 y siguieron con esta maniobra hasta 1974. Y si yo he hecho muchas películas de género en España es porque nadie quería hacerlas. Todo el mundo quería hacer wéstern y nadie se tomaba en serio a estas películas de terror. Y he hecho cosas solamente para tener otro crédito y que no me pudieran decir que no. Así de fácil. Yo nunca llegué a trabajar con Sara Montiel, Joselito o Marisol, que eran las grandes películas del cine español de la época, aunque me hubiera gustado. Pero no reniego de lo que he hecho. Ni lo más mínimo.

En lo que a mí respecta, en cualquier película que hago pongo todo mi empeño. Cualquier trabajo es un trabajo y yo lo hago lo mejor que puedo, ya tenga un buen guion, un mal guion o regular. Siempre he dicho y siempre digo que he hecho películas de género buenas, muchas mediocres y algunas francamente malas. Soy un actor.

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En un momento en el que, debido a la censura, el erotismo era un tema tabú para el cine español, estas películas de terror en las que interviniste se atrevían a enseñar algo más, además de tener en muchos casos unas soterradas connotaciones sexuales. ¿Explica este factor el éxito que tuvieron entre un público que estaba fuertemente reprimido en este sentido?

Satisfacían el morbo del público de entonces. Tú eres joven y no sabes cómo era la censura de la época. Era terrible. No se podía ni siquiera mostrar un beso en pantalla. Entonces, era mucho más erótico ver al vampiro o al hombre lobo tras una chica en minifalda por un cementerio. Era mucho más cachondo. Y viendo las películas siempre había curas y monjitas controlando qué se mostraba y qué se decía. Es curioso, porque hoy en día en televisión pueden verse cosas mucho más fuertes que las que nosotros mostrábamos en estas películas en aquel entonces.

Siguiendo con este tema, de cara a su distribución exterior era frecuente que estos films contaran con dobles versiones prolijas en desnudos y situaciones sexuales…

Casi siempre había dos versiones. En la segunda versión la chica estaba en topless y yo mostraba el trasero. Pero tampoco fueron muchas veces; tres o cuatro, tan solo. Esa era la versión para el extranjero, claro.

Uno de los motivos que propiciaron la eclosión productiva de este tipo de películas es que se trataba de producciones muy modestas y, por tanto, fácilmente amortizables. ¿Qué diferencia había entre el rodaje de una de estas películas y el de una producción española de nivel medio de la época?

La imaginación y el dinero. Las películas que tú dices de terror, y que yo llamo de género, son películas que se hacen como cualquier otra película en cualquier parte del mundo, ya sea un dramón, una película de género o una comedia. Son películas.

Te lo comento porque Paul Naschy y Carlos Aured comentaban que, en medio del rodaje de El espanto surge de la tumba (1972), el productor de turno pretendía eliminar hojas de guion para abaratar aún más los costes. ¿Te encontraste con algún tipo de situación similar? 

Nunca me pasó algo así, aunque me podría haber pasado. Eran películas que hacíamos en cuatro semanas, me parece. Y en esas cuatro semanas hacíamos maravillas, porque había muy buenos técnicos que sabían hacer su trabajo rápido y bien. Era artesanía pura. No había efectos digitales y había hasta cierto punto más verdad.

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Un momento del coloquio que tuvo lugar tras el pase de “Jack Taylor. Testigo del fantástico” en FANT. De izda. a dcha.: Javier G. Romero, Jack Taylor y Diego López, director del documental

Tu especialización en el género hizo que trabajaras con casi todos los nombres propios del cine de terror español de la época. Uno de ellos fue Jesús Franco, con el que trabajaste en más de media docena de ocasiones…

Hice ocho películas con Jesús, o Jess como le llaman, en un periodo de ocho años. En dos de ellas, además, también trabajé detrás de las cámaras. Por ejemplo, en El conde Drácula, donde aparte de actor fui también director de arte. Las dos últimas películas que hicimos juntos no me gustaron, pero las otras sí. Nos conocimos en una cena en Casa Botín mientras yo estaba haciendo una película con el productor francés Marius Lesoeur y coincidió que Jesús también estaba haciendo una película para él. Tres o cuatro días después de este encuentro, Jesús me llamó para decirme que iba a rodar una película en Lisboa y me preguntó si quería intervenir. “Por supuesto”, le respondí. E hicimos Necronomicon. El guion original no tendría más de tres o cuatro folios escritos por Jesús, que yo traducía todos los días al inglés. Era una película muy atrevida para la época. Es más, no se vio en España hasta treinta y cinco años después en un pase en la Filmoteca Española, que fue cuando yo la vi por primera vez. Cuando se estrenó en el Festival de Berlín, donde tuvo un gran éxito, yo no estaba. Es una buena película, que me gusta mucho y a la que tengo mucho cariño.

Otra personalidad emblemática con la que compartiste pantalla en varias ocasiones fue Paul Naschy. ¿Qué destacarías de él?

Paul era, digamos, el precursor de todo este movimiento de cine de terror en España. Tengo entendido que había habido algunas incursiones previas muchos años antes, pero durante esta época fue él el que impulsó este tipo de cine. Era un buen profesional, muy respetado fuera de España, aunque por desgracia, y era algo por lo que él sufría mucho, aquí no se le tomaba en serio, lo que hacía que se sintiera menospreciado. Nunca tuve problemas ni conflictos con él. Pero tampoco tuve mucho trato, porque no compartí demasiadas escenas con él. Le maté en La venganza de la momia (1973), pero en Doctor Jekyll y el hombre lobo apenas recuerdo estar trabajando juntos.

Entre finales de los setenta y comienzos de los ochenta también trabajaste a la orden de Juan Piquer Simón, quien te dirigió en un par de ocasiones. ¿Qué recuerdos guardas de tus colaboraciones con el valenciano?

Con Piquer Simón hice dos películas: Viaje al centro de la Tierra (1976) y Mil gritos tiene la noche. Las dos me gustan mucho, aunque me parece increíble lo que pasa con Mil gritos tiene la noche. Todavía tiene una aceptación a nivel mundial enorme. Han venido desde países como Japón o Escocia a entrevistarme sobre esta película. A este respecto, guardo una anécdota muy graciosa. Un chico, creo que era escocés, me preguntó sobre quién era el director de arte de la película, ya que decía que había un plano mío con un fondo de ladrillos en el que yo llevaba una chaqueta color avena que le parecía de muy buen gusto. Pero la realidad era que cuando rodábamos había una pared y la chaqueta era mía. Nada de director artístico (risas).

No puedo dejar de preguntarte por un director al que admiro mucho y que te dirigió en más de una ocasión, Amando de Ossorio…

Con Amando hice cuatro películas. La primera que hice fue La tumba del pistolero (1964), un wéstern que, a pesar de que es un género que no me gusta, no era una mala película. Y después hice La noche de los brujos (1973) y El buque maldito, en la que me pasó una cosa con él. A Amando no le gustaban los actores. Le molestaban porque a él lo que verdaderamente le interesaban eran sus monstruos. A ellos los podía controlar, pero posiblemente a nosotros los actores no nos podía controlar a su gusto.

Como has dicho, tú habías trabajado antes con Amando en uno de sus wésterns, donde evidentemente no tenía a sus monstruos. ¿Se comportaba igual

No, no, no. Era muy amable conmigo la primera vez que trabajamos juntos. Y la segunda vez también se comportó bien. Pero la tercera vez, en El buque maldito, no. Estábamos rodando en Alicante y no habíamos comido en todo el santo día porque producción quería terminar a toda prisa para aprovechar el sol. Eran las cinco de la tarde, estábamos cansados y no habíamos comido, y en una salida yo me equivoqué. Él se puso furioso. Me insultó diciéndome que la única razón por la que yo trabajaba era porque tenía un nombre extranjero y comentó a todo el mundo que le sobraban actores. Tiempo después volví a trabajar con él en Serpiente de mar (1984), donde aparezco dos minutos en pantalla. No me gusta tener enemigos, así que hice este pequeño papel.

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Echando la vista atrás, ¿cuál es tu papel o tu película preferida de todas las que hiciste durante esta etapa?

La venganza de la momia era una bonita película que hice con Paul Naschy. Esta me gusta. Y de las que hice con Jesús Franco, como te comentaba antes, me gustaron casi todas. El conde Drácula es una buena película todavía. Pero, en definitiva, hice lo que hice y ya está.

¿Y qué te parece que estas películas, que en su momento, como has dicho, no se tomaban en serio, ahora sean reivindicadas y cuenten con legiones de fans en todo el mundo? ¿Cuál es su secreto?

Ahora se han convertido en películas de culto, cosa de la que me alegro muchísimo. Es algo sorprendente. Quizás aquí en España no tengan tantos, pero fuera tienen muchísimos seguidores, lo que es maravilloso. Pero no tengo ni idea de cuál es el motivo por el que aún despiertan tantas pasiones, ni necesito saberlo. Lo importante es que gustan.

José Luis Salvador Estébenez

[1] Nota del autor: Posiblemente se refiera a Los autómatas de la muerte (1962), cuya proyección presentó en el pasado Festival de Sitges dentro de la retrospectiva que dedicó a su trayectoria el certamen catalán.

[2] N. del a.: Se trata de Los guerrilleros (1963), donde aún aparece acreditado como Grek Martin, el nombre artístico que utilizó durante su etapa en México.

Fotografías: Juan Mari Ripalda

Published in: on mayo 17, 2019 at 5:56 am  Dejar un comentario  
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Entrevista a Jon Mikel Caballero, director de “El increíble finde menguante”

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De un tiempo a esta parte estamos viviendo un auténtico aluvión de películas estructuradas sobre el esquema de la repetición de bucles temporales. El díptico de Feliz día de tu muerte, Si no despierto (Before I Fall, 2017), Desnudo (Naked, 2017) o La primera vez que nos vimos (When We First Met, 2018) son solo algunos de los exponentes más recientes de esta corriente popularizada por Atrapado en el tiempo (Groundhog Day, 1993). Un listado al que ahora se une El increíble finde menguante (2019). Sin embargo, la película española queda lejos de ser más de lo mismo, ni en la forma ni en el fondo. Por un lado, al contrario de lo que suele ser habitual en este tipo de propuestas, la protagonista de la película tiene un tiempo limitado para romper el bucle temporal en el que se encuentra atrapada y arrastra las consecuencias vividas en los anteriores bucles. Pero, sobre todo, por la idea de utilizar esta estructura argumental cíclica como metáfora de la denominada generación “ni-ni”, posiblemente la mejor preparada de la historia de nuestro país pero la que peor salida laboral se está encontrando debido a diferentes condicionantes socio-culturales, y que es secundada a nivel de puesta en escena por cierta decisión visual que no desvelaremos para no estropear el efecto sorpresa.

Antiguo asistente de Kike Maíllo y Juan Antonio Bayona, y breado en la realización de makings of de films, El increíble finde menguante supone la ópera prima como director del jovencísimo cineasta pamplonés Jon Mikel Caballero, que también firma su guion. Tras ser presentada en el pasado Festival de Málaga, la película formó parte recientemente de la Selección Oficial de la vigésimo quinta edición del Festival de Cine Fantástico de Bilbao-FANT, donde estuvo acompañada por su director y dos de sus protagonistas femeninas, Iria del Río y Nadia de Santiago. Allí realizamos la siguiente entrevista a su principal responsable, días antes que el propio Jon Mikel y El increíble finde menguante acabaran por alzarse en el certamen vizcaíno con los premios destinados al mejor guion y la dirección más innovadora concedidos por la Asociación de Guionistas Vascos y el Cine Club FAS, respectivamente, justo el mismo día en que la película desembarcaba en salas comerciales.

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En tus inicios trabajaste como asistente personal de Kike Maíllo y Juan Antonio Bayona, además de encargarte de la realización de los making of de Un monstruo viene a verme (2016), El secreto de Marrowbone (2017) o El árbol de la sangre (2018). ¿Qué importancia das a esta etapa dentro de tu formación como cineasta?

Total. La gran suerte que creo que tuve al estudiar el máster en dirección cinematográfica de la ESCAC no fue tanto los cinco meses de estudio como que Kike Maíllo me diera clase. En esos momentos él estaba preparando Eva (2011) y buscaba un asistente que se encargara de localizar referencias en otras películas de cara a no repetir las mismas soluciones o buscar inspiración. Le dije que a mí me gustaría hacer esa labor, ya que buscar referencias en películas que me encantan es un sueño. Así que Kike me aceptó y tras esto me recomendó a J. Bayona para que fuera su asistente en Lo imposible (2012), de la que también me encargaron que hiciera el making of. Y en el making of, como siempre digo, te pagan básicamente para cotillear. Iba con mi cámara durante el rodaje y podía hacer preguntas, entrevistas y conocer, en definitiva, cómo se hace una película de esta envergadura. Fue un curso intensivo de cine en el que, con semejantes profesores o mentores, aprendí sin parar.

Tras esta primera etapa ruedas videoclips y publicidad, además de dirigir tus dos multipremiados cortos Hibernation (2012) y Cenizo (2016), hasta llegar a esta tu primera película. ¿Cómo te surge la oportunidad de poder dar el salto al largometraje?

Realmente, mi salto al largo ha sido un “yo me lo guiso, yo me lo como”. Tras haber hecho los dos cortos a los que hacías referencia pensaba que en ese formato había dado todo lo que sabía, por lo que para hacer el esfuerzo de rodar un tercer corto pensé en hacer un esfuerzo mayor y rodar ya una película. La hemos financiado de una manera bastante similar a como hicimos los cortos, que es a través de una ayuda del Gobierno de Navarra, pero además en esta ocasión encontramos a unos coproductores que invirtieron en el film. Evidentemente, en un corto que ruedas en dos o tres días le puedes pedir a la gente que venga gratis, pero en una película de cinco semanas la gente se tiene que pagar el alquiler, llenar el frigorífico y cubrir los gastos, por lo que se tiene que pagar un salario y la seguridad social de todo ese tiempo. Y, claro, todo esto repercute en el presupuesto.

Para mí la película siempre me la he planteado como una carta de presentación definitiva en la que poder manejar el metraje de un largo y sentirme más o menos cómodo. Y la verdad es que yo me he visto muy cómodo. El corto es más complejo al tener que sintetizar todo el impacto de la historia, porque al final tienes que darle un punch al espectador en diez o quince minutos, y eso es muy complicado. Igual diez o quince minutos es lo que tardas en concentrarte y meterte en la historia.

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Jon Mikel Caballero durante la rueda de prensa de “El increíble finde menguante” en FANT, flanqueado por dos de las actrices de la película: Iria del Río (izquierda) y Nadia de Santiago (derecha)

Al igual que Hibernation y Cenizo, la propuesta de El increíble finde menguante se inscribe genéricamente hablando en los terrenos de la ciencia ficción. ¿De dónde te viene este interés por el género?

En realidad, siempre he usado el género como un vehículo para contar las historias de personajes que tenían problemas más universales. En Cenizo eran los desahucios, en Hibernation las dificultades de pareja cuando el trabajo las separa y en El increíble finde menguante es el estancamiento vital de los treintañeros actuales, que andan un poco perdidos como generación. Me interesa en este sentido, porque junta dos de las cosas que más me gustan: ver aspectos o personajes que me interesan en el cine y un género que me encanta, que es la ciencia ficción como vehículo para contarlo. Si la ciencia ficción fuera aislada quizás me interesaría menos. Por eso estoy también abierto a explorar estos mismos planteamientos a través del terror, del drama o de la comedia. No me cierro en este sentido.

¿Y cómo surge la idea de mezclar la estructura de bucles temporales con la reflexión del estancamiento que sufre la generación de jóvenes actual? O, dicho de otro modo, ¿qué fue antes, el esquema argumental o el comentario social?

La idea surge cuando veo que la estructura de bucles temporales es la herramienta perfecta para hablar del estancamiento vital que tiene nuestra generación, que no sabemos muy bien por dónde tirar. Nos hemos preparado estudiando como ninguna otra, pero a la hora de la verdad el mercado laboral está súper complicado entrar en él. Y en la película el estancamiento de la protagonista se representa en forma de bucle temporal. Una diferencia con otras películas de bucles es que en nuestro caso cada nuevo bucle dura una hora menos que el previo, lo que rima con esa metáfora vital de que tú piensas que siempre estás en el mismo punto, pero al final pasan los días y los meses hasta que te das cuenta de que ya tienes treinta años y debes espabilar.

Sin menoscabo de lo comentado, ¿hasta qué punto, el que para dar forma a la historia te hayas basado en una estructura de bucles temporales, ha podido estar influenciado por las facilidades que brindaba desde el punto de vista productivo y económico, al simplificar el número de escenarios, posibilitar la repetición de escenas y demás?

Pues en un primer momento estás totalmente en lo cierto. De hecho, nuestra idea era que si hacíamos una película de bucles iba a ser más fácil y más barato porque se repetirían escenas. Pero luego nos dimos cuenta de que no. Es un puzle que requiere de mucha más dedicación. El cine siempre se rueda de forma desordenada, y el ordenar todo lo que se está repitiendo y no perdernos requería de un esfuerzo mucho más grande por parte de la script, que es la que maneja todas las continuidades y demás, y es bastante fácil que te tropieces y te equivoques. Entonces requiere de mucha más preparación y mucha más concentración, tanto por parte de los actores como por mi parte y la del resto del equipo para que no hubiera confusiones. Luego, además, nos pusimos un poco exquisitos y decidimos no repetir todo el rato las mismas escenas y nos empezamos a basar más en contar lo que en un primer momento se había quedado en elipsis en los siguientes bucles. Así que, en realidad, no se repiten tantas y tantas escenas como tal, y a la hora de la verdad el rodaje no fue tan fácil como nos imaginábamos en un principio.

En este sentido, imagino que el trabajo con los actores sería complicado, pues mientras el personaje de Alba, que interpreta Iria del Río, va evolucionando, el resto tiene que estar todo el rato repitiendo lo mismo…

Claro. Eso fue un reto en el guion y tras darle muchas vueltas de que solo tuviera un arco de evolución la protagonista y el resto de personajes estuvieran condenados a repetirse busqué la forma en que pudieran evolucionar. Entonces se me ocurrió que lo podía hacer mediante el descubrimiento por parte de Alba de los secretos que esconden sus amigos conforme los va conociendo en las sucesivas repeticiones. Eso nos brindaba la posibilidad de seguir conociendo y descubriendo detalles nuevos de esos personajes a medida que avanzaba la película y no se quedaran estancados.

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Además de dirigir la película, también has escrito el guion. Alba es un personaje que por su conducta es fácil de identificar con personas que conocemos o con nosotros mismos incluso, aunque en mi caso lo asocio más a un rol masculino. ¿Por qué te decantaste porque fuera una chica?

Realmente hicimos lo que algunos periodistas nos han dicho que es hacer un “Alien”, en el sentido de que el protagonista iba a ser un tío y lo cambiamos a personaje femenino porque, entre otras cosas, en ese momento no estaban ni Feliz día de tu muerte (Happy Death Day, 2017), ni la serie Muñeca rusa (Russian Doll, 2019) de Netflix. Nos parecía que una película de bucles temporales protagonizada por una chica podía ser súper interesante. Por otra parte, es mucho más cliché el tío inmaduro que solo piensa en estar de fiesta y demás, cuando perfectamente puede haber una tía inmadura que le cuesta evolucionar, le gusta irse de farra y es un desastre. Así que dijimos “adelante”, porque la peli mejoraba muchísimo. No quiero hacer spoilers, pero digamos que había cosas relacionadas con el personaje de su amiga Claudia que eran mucho más potentes sufrirlas desde el punto de vista de una mujer que de un hombre. La peli ganaba en fuerza y desde que se nos ocurrió esta idea no hubo vuelta atrás.

Sin dar muchos detalles para no desvelar nada, el que el aspecto visual vaya en paralelo a ciertos condicionantes de la mecánica de la historia ¿estaba previsto desde el guion, se te ocurrió durante el rodaje o lo añadiste una vez llegada la postproducción?

Sí, sí, estaba pensado desde un principio. De hecho, era algo que había que tener en cuenta para encuadrar cada plano. Tenía un hándicap, que era que, como en el cine vas con tantas prisas, tapábamos los lados de la pantalla que iban a quedar fuera y si de repente se veía la pierna de algún miembro del equipo al final lo rodabas. Así que si la idea no funcionaba íbamos a tener un problema, porque se iban a ver dentro de plano elementos indeseados que se habían colado por ahí. Pero en realidad teníamos muy claro desde un principio que queríamos jugar a eso y encuadramos la película así. Fue complicado porque, como te decía, se rodaba todo en desorden, y cada vez que filmábamos una escena tenías que preguntar: “¿En qué formato de pantalla es esta escena? ¿En 4/3, en 1:1…?” De nuevo se trataba de tenerlo todo muy bien desglosado para no confundirte, porque si lo hacías mal arrastrabas ese error al montaje. Había mucha gente del equipo que lo cuestionaba y me preguntaba si era una buena idea, porque a lo mejor después resultaba una castaña y la había cagado, básicamente. Pero yo lo veía claro, así que arriesgamos, que para eso estábamos. Ya que teníamos la oportunidad de hacer una peli, que igual es la única que vamos a tener en la vida, teníamos que hacer lo que nos apeteciera hacer. Afortunadamente, cuando lo probamos en el primer montaje vimos que funcionaba y te tenía que quedar.

Siguiendo con la factura visual, en la primera parte de la película la puesta en escena es muy fragmentada, con planos muy estáticos y proliferación de primeros planos o planos medios en los que aíslas a Alba del resto de sus amigos para, progresivamente, durante la segunda mitad abrazar una realización mucho más dinámica, con planos más sostenidos y un mayor número de composiciones abiertas. ¿Era algo buscado para escenificar de algún modo la evolución experimentada por la protagonista?

El planteamiento era rodar de una forma muy naturalista. Teníamos una peli que de medios era bastante humilde y, aunque hay narrativas mucho más sofisticadas de las cuales soy fan y me gustaría poner en práctica, requieren de mucho tiempo. Y en cine el tiempo es dinero. Son travellings, son grúas… Entonces, el único elemento de este tipo del que disponíamos era la steady cam, que era el segundo operador, y cada vez que queríamos una steady él la podía montar. Era una forma de contar la historia muy naturalista, donde el brillo tenía que estar en la naturalidad de los actores y no tanto en las filigranas de cámara; que los valores del plano estuvieran más en lo que este está contando y no tanto en los movimientos. Es decir, la idea era que la cámara observara lo que pasaba.

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Una curiosidad. En las escenas en las que Alba rompe con su novio lleva una camiseta diferente al resto de ocasiones. Siempre lleva una camiseta gris pero en esos planos la que viste es azul. ¿Es por algún motivo especial?

Es porque reformulamos un poco las leyes habituales de las películas de bucles temporales. Así como en todos los films de este tipo el personaje es inmortal, se puede suicidar y vuelve a reaparecer, aquí queríamos que arrastrara todas las consecuencias de sus actos. O sea, si en un bucle anterior se hacía una herida, posteriormente iba a seguir teniendo esa herida; si había cogido un objeto o llevaba otra ropa, aparecía con ese objeto o vistiendo esa otra ropa al inicio del nuevo bucle, que es a lo que se debe esto que comentas del vestuario. Era algo que queríamos usar a nuestro favor porque utilizábamos los bucles como metáfora vital del estancamiento de Alba. En la vida, aunque te parezca muy repetitiva, tú arrastras los golpes que te metes, así que incluyámonos también en los bucles. Al final, si lo piensas, ser inmortal es un comodín que se lo pone más fácil a los personajes. Saben que no se van a morir y tienen, en principio, un tiempo ilimitado para salir del bucle. Es más una maldición en la que hay que adivinar dónde la cortas y cómo. Pero en nuestro caso, al tener Alba que vivir un número máximo de bucles programados, la maldición ya venía cortada por esa cuenta atrás.

Un poco es ese el mensaje final de la película: no dispones de todo el tiempo del mundo para madurar, sino que debes hacerlo antes de que sea demasiado tarde…

Claro. Media maldición Alba se la toma en plan “ya habrá tiempo”. Pero la otra media se da cuenta de que no tiene tanto tiempo como pensaba y que tiene que ver qué hacer con el que le queda. Aunque he de decir que tampoco queríamos ser condescendientes e ir de aleccionadores y decir “la gente que es así tiene que aprender y ser asá”. No. Alba tiene esos problemas, se hace consciente de ellos y ya verá cómo se las apaña. Es más como un despertar de ella.

Para la banda sonora de la película has contado con el concurso de varios temas de grupos musicales actuales. ¿Has participado en la selección de canciones y bandas?

En el montaje, sí. Buscamos sobre todo en la escena indie, ya que la peli en sí es indie, y esta clase de grupos se prestan más que si vas a hablar con una multinacional. Pero sobre todo era porque creíamos que encajaba muy bien con la personalidad de la peli. Además, yo soy de Navarra, la película parte de allí y hay tres o cuatro canciones de bandas navarras que se prestaron súper encantadas a que sonara su música. Por otra parte, con “Novedades Carminha”, que ahora están bastante emergentes, también había una conexión por medio de la directora de arte. Salió un poco improvisado, pero al final ha quedado una banda sonora que yo creo que cuenta muy bien la peli.

Teniendo en cuenta detalles como este y el tema que trata, ¿tu intención era con El increíble finde menguante hacer una película generacional, con la que la gente que está en una edad similar y en circunstancias análogas a las que vive su protagonista pudieran identificarla como un retrato de su generación?

Yo creo que sí. Siempre he pensado que las pelis, cuando pasan los años, tienen que caducar para bien en el sentido de que sean muy de su época. Que la veas años después y puedas decir “es cierto, estábamos preocupados por esto, escuchábamos este tipo de música”, etcétera. Pero si haces una película muy neutra que no se moje, igual va a envejecer muy bien, pero no va a ser representativa de nada.

En algunas declaraciones tuyas que he leído comentabas que la visión de las películas deben de pensar en el público al que van dirigidas. ¿Es ese el principal problema que tiene el cine español actual, el que se hacen películas sin preocuparse por si van a interesar al público o no?

Yo no soy nadie para juzgar al cine español, ya que soy un recién llegado, como quien dice, que acaba de hacer su primera película, por lo que puedo hablar más como espectador. Y en mi caso he hecho la película pensando en lo que a mí me gustaría encontrarme como espectador. Creo que puede encontrarse un equilibrio entre una película más o menos entretenida, con alicientes no sé si llamarlos comerciales, al tiempo que rebuscar en elementos que te hagan pensar más y reflexionar. Pero tampoco hay que decantarse por hacer una peli que sea una reflexión durísima que acabe por ser un tostón, ni tampoco en hacer una película comercial que sea tan superficial que no vaya de nada en realidad. Lo suyo es buscar el equilibrio entre estas dos vertientes. Pero esto que comento ya digo que es una opinión personal.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías: Juan Mari Ripalda

Published in: on mayo 14, 2019 at 5:51 am  Dejar un comentario  
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El público de la Semana de Terror protagoniza el cartel de la edición de 2019

El pasado domingo antes del estreno de Napardeath-Ataun of the Dead III, tercera entrega de esta saga de zombis vascos, el Teatro Principal de San Sebastián acogió la presentación del cartel de la 30ª edición de la Semana de Cine Fantástico y de Terror, que tendrá lugar entre los próximos 26 de octubre y 1 de noviembre.

Concebido y realizado por el director Mambrú “El Hombre Ola” y el fotógrafo Asís G. Ayerbe y con el diseño final es del estudio Ytantos, el cartel está protagonizado por el público de la Semana. La fotografía se realizó en el Teatro Principal durante la Noche de Halloween (31 de octubre) de la Semana de 2018, y quiere homenajear a los verdaderos protagonistas de la Semana, sus espectadores, que año tras año acuden fieles cada otoño al Teatro Principal y a las demás sedes del festival para ver el mejor cine fantástico de la temporada y para participar de la fiesta de la Semana.

Palmarés de la XXV edición del Festival de Cine Fantástico de Bilbao-FANT

En la mañana de ayer, en un acto celebrado en la sala de prensa del Ayuntamiento de Bilbao, se dio a conocer el palmarés de la vigésimo quinta edición del Festival de Cine Fantástico de Bilbao – FANT. La lectura del palmarés ha sido llevada a cabo por el jurado de la Sección Oficial, compuesto por el cineasta estadounidense Gary Sherman, la directora de Fancine – Festival de Cine Fantástico de Málaga Rocío Moreno y la actriz Diana Peñalver, quienes han otorgado el Premio FANT 2019 a la Mejor Película a The Hole in the Ground (Bosque maldito), ópera prima del realizador irlandés Lee Cronin. El jurado ha justificado su fallo singularizándolo en la labor de Cronin, “por su prometedor debut tanto en la dirección como en el guion, y su sensibilidad hacia un personaje protagonista femenino y complejo, capaz de mantener en vilo al espectador durante noventa minutos”.

Lectura palmarés fant 25

Lectura del palmarés de la vigésimo quinta edición de FANT, con el jurado de la Sección Oficial, compuesto por Gary Sherman, Rocío Moreno y Diana Peñalver, y Justo Ezenarro, director del certamen.

En el apartado dedicado al formato corto, el jurado ha concedido el premio al Mejor Cortometraje a la producción de animación española La noria (2018) de Carlos Baena. El tribunal se ha decantado por este trabajo “por su extraordinaria calidad técnica y su habilidad para transmitir una sobrecogedora y mágica historia a la vez amable y emotiva”. Por su parte, el galardón al Mejor Cortometraje Vasco ha sido para Amargo era el postre (2018) de Diego H. Kataryniuk, en virtud a “su acertada combinación entre los departamentos de dirección, guion, fotografía, dirección de arte, vestuario y maquillaje, para crear una provocadora historia de suspense”. Esta ficción de diecinueve minutos de duración hace doblete, ya que también se ha hecho con el favor del público del festival que la ha elegido el Mejor Cortometraje de FANT 25. En cuanto al premio del Público a la Mejor Película de Sección Oficial ha sido para One Cut of the Dead del japonés Shin’chihirô Ueda

Pasando a la sección Panorama, el jurado compuesto en esta esta edición por el director, productor, escritor, ilustrador e historietista Borja Crespo, la compositora Aranzazu Calleja y Rubin Stein, director del cortometraje Bailaora galardonado con el Premio Goya al Mejor Cortometraje de Ficción, han decidido que el premio al Mejor Largometraje de Panorama sea para Escombros (2018), ópera prima del también escritor cinematográfico Álvaro Pita, mientras que en el apartado de cortometrajes el premio ha sido para el belga Switch (2018) de Marion Renard.

Además, El increíble finde menguante (2019), debut en el formato largo del realizador navarro Jon Mikel Caballero –que se estrena en cines este viernes, se ha llevado el Premio al Mejor Guión, que concede la Asociación de Guionistas Vascos, y el Premio a la Dirección más Innovadora, otorgado por Cine Club FAS. Asimismo, la Asociación de Guionistas Vascos ha concedido una mención especial a One Cut of the Dead. Por último, la Unión de Actores Vascos – Euskal Aktoreen Batasuna ha fallado un premio a la Mejor interpretación de cortometrajes vascos que ha ido a reconocer la interpretación de la actriz canaria Paola Bontempi en El fin de todas las cosas de Norma Vila.

La entrega de premios de esta vigésimo quinta edición del Festival de Cine Fantástico de Bilbao – FANT, incluyendo el galardón Estrella del FANTástico a J.A. Bayona y el premio FANTROBIA a Guillermo de Oliveira, tendrá lugar esta tarde-noche dentro de la gala de clausura que se celebrará a partir de las 20:00 horas en el auditorio del Museo Guggenheim Bilbao, con la proyección de Au Poste! (2018) de Quentin Dupieux. Todo el palmarés de esta vigésimo quinta edición de FANT se proyectará el sábado en la Sala BBK de Bilbao, en dos sesiones dedicadas a Panorama y la Sección Oficial respectivamente.

Published in: on mayo 10, 2019 at 8:08 am  Dejar un comentario  
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Nace “Fantastic 7”, una iniciativa creada de forma conjunta por el Festival de Sitges, el Marché du Film de Cannes y uno de los creadores de Blood Window, con el fin de promover la industria del cine fantástico

Sitges 2019

El Festival de Sitges conjuntamente con el Marché du Film del Festival de Cannes y Bernardo Bergeret, impulsor de Blood Window, han unido fuerzas para crear “Fantastic 7”, un foro destinado a fomentar el talento dentro de la industria de género fantástico y favorecer su conexión con socios comerciales potenciales que celebrará su primera edición el próximo domingo 19 de mayo en el marco del Festival de Cine de Cannes, bajo el padrinazgo del director J.A. Bayona y con la intención de tener continuidad en otros festivales internacionales.

“Fantastic 7” nace con la voluntad de convertirse en un marco de diálogo entre creadores e inversores, con el fin de favorecer el desarrollo de proyectos y las oportunidades de negocio que se deriven. La iniciativa exhibe siete propuestas presentadas por siete festivales de todo el mundo, que tienen en el género fantástico uno de los rasgos de identidad a través de su programación. Además del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, los otros festivales que forman parte de la iniciativa son: el Festival Internacional de Cine Fantástico Bucheon, Festival Internacional de Cine del Cairo, el Festival Internacional de Cine en Guadalajara (México), el Festival Internacional de Cine y Premios de Macao, el South by Southwest y el Festival Internacional de Cine de Toronto.

“Fantastic 7” busca acercar diferentes proyectos en fase de ejecución o ya finalizados a inversores de todo el planeta, con el objetivo de favorecer su desarrollo. El proyecto también incorpora un espacio de estudio y análisis sobre tendencias en la industria del género fantástico, añadiendo un observatorio del sector.

El pitching de Cannes está integrado por los siguientes proyectos:

Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya presenta:
Baby, de Juanma Bajo Ulloa

Festival Internacional de Cine Fantástico Bucheon presenta:
Superpower girl, de Soo-young Kim

Festival Internacional de Cine del Cairo presenta:
Al Hilo Al Azraa 2 (The Blue Elephant 2), de Marwan Hamed

Festival Internacional de Cine en Guadalajara presenta:
Evasión (Escape), de Cristian Jiménez

Festival Internacional de Cine y Premios de Macao presenta:
Wonderland, de Chao Kai Wang

South by Southwest presenta:
Haywire, de Mickey Keating

Festival Internacional de Cine de Toronto presenta:
Blood Quantum, de Jeff Barnabay

Por otra parte, desde hace unas semanas el Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya ya ha abierto el periodo de inscripciones de largometrajes y cortometrajes de cara a su 52ª edición, que tendrá lugar entre los próximos 3 y 13 de octubre. Las productoras, distribuidoras y directores/as pueden presentar sus films, que serán valorados por el comité de programación del Festival. La fecha de cierre de la inscripción es el 15 de julio para todas las categorías.

La plataforma Festhome es el único sistema aceptado para subir la pieza inscrita. La organización no aceptará DVD ni otros formatos, así como ningún otro sistema que no sea el de Festhome. Las empresas titulares de las películas seleccionadas por el comité de programación recibirán un formulario (entry form) a través del cual formalizarán su participación en el certamen. El Festival contactará únicamente con los titulares de los films seleccionados.

Las bases de participación y el reglamento de Sitges 2019 están disponibles aquí.

Published in: on mayo 2, 2019 at 5:34 pm  Dejar un comentario  
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Cutrecon estrena en Madrid el show de comedia “VHZ Deluxe”, con la youtuber Abi Power como invitada estelar

VHZ Deluxe

Cutrecon, el Festival Internacional de Cine Cutre de Madrid, se pasa a los monólogos con el espectáculo “VHZ Deluxe”, un show único en España que recorrerá en clave de humor las “peores películas de la historia” y que se estrenará el 10 de mayo a las 23:30 horas en el Palacio de la Prensa (C/ Gran Vía, 46) de Madrid, con la youtuber Abi Power como invitada estelar.

“VHZ Deluxe” es un espectáculo multiformato que combina comedia stand-up, sketches en directo y extractos de películas de serie B/Z. Sus responsables lo definen como “un viaje a las profundidades abisales del celuloide”, donde se dan a conocer algunas de las películas “más delirantes, ignotas y chapuceras de todos los tiempos”, por lo que se trata de una “gran oportunidad de divertirse y aprender al mismo tiempo”.

Una de las principales características que definen a este show es la cercanía con el espectador, ya que durante la función se permite al público interaccionar con los presentadores y hacer preguntas, como si de una clase se tratara. Los conductores del montaje son Carlos “Oso” Palencia, director del festival Cutrecon y colaborador habitual del programa “Hoy empieza todo” de Radio 3, y Vera Montessori, cómica profesional y guionista de televisión en programas como “LocoMundo” del canal #0 de Movistar +.

Las entradas para el estreno de “VHZ: Deluxe”, que tendrá lugar el viernes 10 de mayo a las 23:30 horas en el Palacio de la Prensa (C/ Gran Vía, 46) de Madrid, ya están a la venta en taquilla y Atrapalo.

Published in: on mayo 2, 2019 at 6:43 am  Dejar un comentario  

Entrevista a James Cook y Karen Taylor, director y productora de “Why Hide?” aka “Christmas Presence”

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Published in: on abril 26, 2019 at 7:29 am  Dejar un comentario  
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Javier G. Romero recibirá el FANT de honor en la vigésimo quinta edición del festival bilbaino

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Con motivo de su veinticinco aniversario, el Festival de Cine de Cine Fantástico de Bilbao – FANT realizará un necesario reconocimiento al que fuera su creador. Y es que ayer la organización de FANT dio a conocer que durante sus inminentes bodas de plata entregará uno de sus FANT de honor a Javier G. Romero, quien en 1994 fundara la entonces llamada Semana de Cine Fantástico de Bilbao, dirigiendo sus cinco primeras ediciones; una etapa en la que el certamen bilbaíno fue visitado por cineastas de la talla de Paul Naschy, Jesús Franco, Narciso Ibáñez Serrador o Jaume Balagueró, entre otros.

Buen amigo de esta casa, Javier G. Romero es uno de los nombres propios dentro de la crítica dedicada al cine de género en general, y al europeo en particular. Dentro de su amplia trayectoria, es bien conocida su labor como editor de las indispensables revistas “Quatermass” y “Cine-Bis”, así como de los libros “John Phillip Law: Diabolik Angel” (2008) o “Eugenio Martín: un autor para todos los géneros” (2015). Es, además, coautor de veinte libros de temática cinematográfica. Por si fuera poco, a todo ello cabe añadirle su labor como maquetador, donde ha creado una personalidad y estilo propio.

La entrega del honorífico galardón de FANT a Javier G. Romero se escenificará en el transcurso de la gala inaugural de su vigésimo quinta edición, que tendrá lugar el próximo 3 de mayo en el Teatro Campos a partir de las 20:00 horas. ¡Felicidades, Javier!

Published in: on abril 25, 2019 at 6:20 am  Dejar un comentario  
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Las comedias de temática religiosa “Manuel y Clemente” y “La portentosa vida del padre Vicente” conforman la sesión doble de “Sala:B” para este mes de abril

SalaB abril

En plena resaca de Semana Santa, el próximo viernes 26 de marzo “Sala:B” regresará a las 20 horas en su cita mensual con la programación del cine Doré, sede de la Filmoteca Española, con un programa doble compuesto por dos películas que cuestionan el pensamiento mágico y los fanatismos religiosos en clave de comedia. Se tratan de Manuel y Clemente (1986) y La portentosa vida del padre Vicente (1978), y su proyección estará acompañada por la presencia de Javier Palmero y Juan Jesús Valverde, director y (co)protagonista del primer film, respectivamente.

Manuel y Clemente

En palabras de Álex Mendíbil, comisario de “Sala:B”, “Manuel y Clemente podría pasar por una comedia esperpéntica de Berlanga y Azcona si lo que cuenta no fuera estrictamente real”. No en vano, la película es una recreación del conocido Palmar de Troya, la escisión de la Iglesia católica ocurrida en esta localidad sevillana. “Tras investigar durante años el caso insólito de esta cofradía, con sus apariciones, sus estigmas, su Papa autoproclamado y sus donantes millonarios”, prosigue explicando Mendibil, “Palmero optó por una comedia templada y realista, enfocada más a entender la psicología de los pícaros fundadores de la secta que a hacer sangre de las fechorías que allí se cometían”.

La portentosa vida del padre Vicente

Con respecto al otro film que compone la sesión doble de este mes, dirigido por Carles Mira y basado en la figura de San Vicente Ferrer, Mendibil comenta que “La portentosa vida del Padre Vicente nace como celebración de la tradición oral y la cultura popular levantina que tanto interesaba a Mira, para quien el santo es una especie de héroe medieval —el Mazinger Z de su época—, generador de una extensa literatura fantástica entre el entremés y la novela de caballerías, es decir, la serie B de entonces”. “Carles Mira, como Javier Palmero, no necesita exagerar las fuentes originales para provocar la comedia, pero la crónica milagrera de san Vicente Ferrer nos lleva inevitablemente al terreno de la fantasía y la parodia involuntaria”. Un planteamiento que en su momento causó ampollas entre los sectores más religiosos del público, tal y como rememora Mendibil: “la polémica fue tal que se adelantó al estreno, con cartas y artículos incendiarios contra la película y contra el cómico Albert Boadella que interpretó al santo, hasta el punto de impedir la exhibición en Valencia durante más de tres años. Aunque lo más grave ocurrió durante el estreno en el cine Goya de Alcoy, cuando unos terroristas ultracatólicos hicieron estallar una bomba en el baño de la sala, afortunadamente sin víctimas”. Esperemos que su reposición por “Sala:B” más de cuarenta años desde su estreno resulte menos accidentada…

Published in: on abril 21, 2019 at 7:46 am  Dejar un comentario  

Programación completa de la 25ª edición de FANT – Festival de Cine Fantástico de Bilbao

El Festival de Cine Fantástico – FANT ya calienta motores de cara a su inminente vigésimo quinta edición, que tendrá lugar entre los próximos 2 y 11 de mayo, tras que el jueves fuera presentada su programación en una rueda de prensa celebrada en la Sala de Prensa del Ayuntamiento de Bilbao, organizador del certamen, y que contó con la presencia de Justo Ezenarro, Subdirector de Programación Cultural del Ayuntamiento de Bilbao y Director de FANT, Eugenio Puerto, responsable de contenidos de FANT y la representación institucional de la concejala de Cultura, Nekane Alonso.

De izda. a dcha.: Eugenio Puerto, Nekane Alonso y Justo Ezenarro posando ante los medios con el cartel de la vigésimo quinta edición de FANT

El festival abrirá sus puertas el 3 de mayo a las 20horas en el Teatro Campos con una gala muy especial de aniversario, conducida un año más por el actor Lander Otaola, que incluye la proyección de la película Ártico del realizador brasileño Joe Penna –conocido como MysteryGuitarMan–, quien acudirá a presentar la película, protagonizada por el actor danés Mads Mikkelsen. La jornada inaugural contará además con la presencia del director de cine Fred Dekker, responsable de títulos como El terror llama a su puerta o Una pandilla alucinante, que recibirá el galardón honorífico del festival, Estrella del FANTástico, que reconoce toda una carrera dentro del género, en este caso, y de manera particular, por su aportación al llamado terror teen de los años 80. La segunda Estrella del FANTástico de esta edición especial de FANT será para el realizador J. A. Bayona, en reconocimiento a su maestría y carrera llena de éxitos dentro del género fantástico. En este caso, Bayona recibirá el homenaje del festival, el 10 de mayo, en la gala de clausura que tendrá lugar en el Auditorio del Museo Guggenheim.

SECCIÓN OFICIAL

Dieciocho serán las películas que conformen la Sección Ofical a concurso y, por tanto, optarán a los Premios FANT 2019 al Mejor Largometraje, Mejor Guión y Dirección más innovadora. Todas ellas son estrenos en Bilbao, pero, además, cinco se exhiben por primera vez en España. Se tratan de Pledge (EUA, 2018) de Daniel Robbins, Ever After (Endzeit) (Alemania, 2018) de la realizadora sueca Carolina Helisgard, que estará en Bilbao presentando la película; Inner Ghosts (Portugal, 2018) de Paulo Leite; The Hole in the Ground (Irlanda, 2019), ópera prima de Lee Cronin, que ha despertado una gran expectación y elogio de la crítica tras su paso por el festival de Sundance y que también estará en Bilbao presentando su trabajo; Peripheral (Gran Bretaña, 2019) de Paul Hyett, y The Chain (España/EUA, 2019) de David Martín Porras y You Might Be the Killer (EUA, 2018) de Brett Simmons. Estas dos últimas, además, vivirán en FANT su première mundial y europea, respectivamente.

El resto de títulos que optarán al premio de Mejor Largometraje de la Sección Oficial, dotado este año con 3.500 euros son El increíble finde menguante (España, 2019), primer largometraje de Jon Mikel Caballero, realizador que pasó por FANT en 2016 con su corto Cenizo; One Cut of the Dead (Japón, 2018) de Shin’ichirô Ueda, galardonada en los festivales de Austin y Fantaspoa, además de conseguir Premio del público a la mejor película en la pasada edición de la Semana de Terror de Donosti; Inuyashiki (Japón, 2018) de Shinsuke Sato; Puppet Master: The Littlest Reich (Reino Unido/EUA, 2018) el gamberro, sangriento y nada políticamente correcto revival de la saga creada a finales de los ochenta por Charles Band dirigida por el tándem de direcotres suecos Sonny Laguna y Tommy Wiklund; Ghostland (Canáda/Francia, 2018), el más reciente trabajo de uno de los directores más interesantes y personales del cine fantástico actual, el francés Pascal Laugier; The Damned (Israel, 2018) de Evgeny Ruman, Piercing (EUA, 2018) de Nicolas Pesce, What Keeps You Alive (Canáda, 2018) de Colin Minihan, Lords of Chaos (EUA/Suecia) de Jonas Akerlund, The Golem (Israel, 2018) de Doron y Yoav Paz, y The Spy Gone North (Corea del Sur, 2018) de Jong-bin Yoon. Todas las películas serán proyectadas en versión original subtítuladas en castellano y cinco de ellas también lo estarán en euskera.

PANORAMA

Al igual que en ediciones precedentes, la programación de Sección Oficial se completará con una amplia y variada oferta paralela de acceso gratuito en la Sala 2 de Golem – Alhóndiga, cine que albergará el grueso de la programación, con producciones recientes a concurso dentro de la sección Panorama Fantástico, curiosidades y clásicos del género, con el objetivo de abrir aún más el festival a nuevos públicos. Así, dentro de Panorama competirán seis películas que optarán al premio Mejor Largometraje de Panorama Fantástico, dotado con 2.250 euros. Son las producciones españolas Escombros (2018) de Álvaro Pita, Lucero (2018) de Norberto Ramos del Val, El cerro de los dioses (2018) de Daniel M. Caneiro, After the Lethargy (2018) de Marc Carreté, House of Sweat and Tears (2018) de Sonia Escolano y H0us3 (2018) de Manolo Munguía.

FANT EN CORTO

Al igual que ha venido ocurriendo en las últimas ediciones, el cortometraje tendrá una presencia destacada en FANT con la entrega de dos galardones al formato dotados con 3.000 euros cada uno y destinados a los mejores cortometrajes de la Sección Oficial, según el criterio del jurado y del público del festival. A estos dos premios, que pretenden apoyar el trabajo de nuevos realizadores, una de las señas de identidad del festival, se añade el premio dotado con 1.500 euros para el Mejor Cortometraje de Panorama Fantástico en Corto y un galardón dotado con 2.000 euros para el Mejor Cortometraje Vasco. Se fallará además, un premio concedido por la “Unión de Actores Vascos – Euskal Aktoreen Batasuna” que reconoce la Mejor Interpretación de la Sección FANT en corto vasco.

Para ello se han programado dos sesiones de FANT en Corto para los días 3 y 4, estando la primera dedicada, en exclusiva, a los cortometrajes de sello vasco. Los diez trabajos a concurso de realizadoras y realizadores vascos se podrán ver en su versión original, con subtítulos en euskera y/o castellano, en el Teatro Campos, después de la gala y de la película inaugural. El resto de cortometrajes, en su mayoría producciones europeas y provenientes del resto de España, se proyectarán un día después en la sesión de las 20 horas en el Auditorio de Azkuna Zentroa. Además, competirán por el Mejor Cortometraje de Panorama Fantástico, dotado con 1.500 euros, otras diez producciones.

El palmarés de FANT 25 se dará a conocer el día 9 de mayo y los galardones serán otorgados por los jurados compuestos por el director de cine estadounidense, guionista y productor Gary Sherman, la directora de Fancine – Festival de Cine Fantástico de Málaga Rocío Moreno y la actriz Diana Peñalver, en la Sección Oficial, y el director, productor, escritor, ilustrador e historietista Borja Crespo, la compositora Aranzazu Calleja y el director del cortometraje Bailaora, galardonado con el Premio Goya al Mejor Cortometraje de Ficción, Rubin Stein, en Panorama.

Como ya es habitual, la entrega de premios tendrá lugar dentro de la gala de clausura, que con motivo del veinticinco aniversario del festival se desarrollará en el Auditorio del Museo Guggenheim Bilbao, el día 10 a partir de las 20 horas. La gala será presentada por las actrices Miren Gaztañaga, Ane Pikaza y María Goiricelaya, y el acto incluirá la proyección de la película Au Poste! (Francia, 2018), surrealista comedia dirigida por Quentin Dupieux que cuenta con el premio al mejor guión de la Sección Oficial del Festival de Sitges y el premio del público en el festival de Montreal. Al igual que la pasada edición, el sábado día 11 de mayo se proyectará en la Sala BBK de Gran Vía todo el palmarés de FANT 25, en dos sesiones. A las 18horas podrán verse el Mejor Corto y Mejor Largometraje de Panorama, y a las 20 horas los Mejores Cortos y Mejor Largometraje Internacional.

PROYECCIONES ESPECIALES

Dejando a un lado las secciones competitivas, tampoco faltarán dentro del programa previsto diferentes proyecciones especiales. Sin ir más lejos, un año más la sala 2 de los Golem-Alhondiga acogerán un ciclo retrospectivo de acceso gratuito con algunos de los títulos estrenados en salas españolas por la distribuidora La Aventura Audiovisual, caso de Los huéspedes (The Inkeepers, 2011) o la reciente La noche devora el mundo (La nuit a dévoré le monde, 2018). En este mismo espacio se proyectarán cinco títulos clásicos de dos referentes indiscutibles del género, dos Maestros del FANT desaparecidos el pasado 2018 como son Nicolas Roeg y Jordi Grau. Concretamente, del primero se verán Amenaza en la sombra (Don´t Look Now, 1973), El hombre que cayó a la Tierra (The Man who Fell to Herat, 1976) y La maldición de las brujas (The Witches, 1990), mienras que de Grau se han seleccionado sus dos imprescindibles incursiones en el fantástico: Ceremonia sangrienta (1972) y No profanar el sueño de los muertos/Da dove vieni? (1974).

Además, el 2 de mayo y con carácter previo a la inauguración del festival, la Sala BBK-Gran Vía acogerá un programa doble. Abrirá el fuego a las 18 horas la proyección de In-natural (The Stuff, 1985), película escrita y dirigida por el cineasta estadounidense recientemente desaparecido Larry Cohen. Por su parte, a las 20 horas la segunda sesión servirá para escenificar la entrega del FANT de Honor al actor de origen estadounidense George Brown Randal, más conocido popularmente como Jack Taylor, uno de los rostros emblemáticos del cine de terror y de serie B español clásico. En este marco se proyectará el mediometraje documental Jack Taylor, testigo del fantástico (2018) de Diego López, tras el cual tendrá lugar un coloquio en el que intervendrán Diego López, Jack Taylor y Javier G. Romero, fundador de la revista Quatermass y uno de los promotores de la primera edición del Festival de Cine Fantástico de Bilbao.

Por otro lado, la sección FANT al rescate proyectará Muertos y enterrados (Dead & Buried, 1981), uno de los títulos más conocidos del jurado de FANT 25, Gary Sherman, y se ha programado una sesión doble para la Proyección especial de dos títulos más esperados de la pasada temporada: In Fabric (Reino Unido, 2018) de Peter Strickland y Dragged Across Concrete (EUA, 2018) de S. Craig Zahle, protagonizada por Mel Gibson. En cuanto a DOKUFANT, ofrecerá Wolfman´s Got Nards (EUA, 2018) de Andre Gower, documental en el que se explora el éxito cosechado por la cinta de Fred Dekker Una pandilla alucinante. El que fuera el protagonista principal de la película, Andre Gower, realiza entrevistas a integrantes del reparto y demuestra el fenómeno y la estela de fans que la cinta ha generado después de varias décadas.

Fuera de DOKUFANT, el certamen ha programado otro interesante trabajo documental, Desenterrando Sad Hill, galardona con el Premio a Mejor Película Noves Visions en el pasado Festival de Sitges y nominada como Mejor Documental en la última edición de los Premios Goya. Se trata de la ópera prima del guionista y realizador gallego Guillermo de Oliveira, quien recibirá el Premio FANTROBIA de esta vigésimo quinta edición de FANT, consagrado a reconocer a una figura emergente dentro del género fantástico y que le será entregado durante la gala de clausura.

Como novedad, además de las habituales sesiones de FANT Eskola, el festival ha diseñado también una programación específica pensando en el público familiar, con dos sesiones matinales de FANT Familian, fijadas para el sábado 4 y el domingo 5 en el auditorio principal de Golem – Alhondiga Bilbao, en las que se proyectarán dos películas de animación: Dilili en París (Francia, 2018), ganadora del Premio César a la Mejor Película de Animación, y la nueva aventura del icónico personaje creado por Goscini y Uderzo Astérix: Edabe Magikoaren Sekretua (Francia, 2018).

ACTIVIDADES PARALELAS

Proyecciones a un lado, FANT ha preparado también un completo calendario de actividades paralelas, en forma de charlas y exposiciones relacionadas con el festival y el cine de género, que podrán visitarse hasta el final del certamen en los Centros Municipales de La Bolsa y Abando, en Metro Bilbao –estación de Casco Viejo, salida Unamuno–, FNAC y el bar Vía de Fuga (Más información en: https://cerebrin.wordpress.com/2019/04/02/fant-inaugura-hoy-tres-exposiciones-dentro-de-las-actividades-de-su-vigesimo-quinta-edicion/).

Además, el día 2 de mayo el Kafe Antzokia acogerá un concierto inaugural de la banda Moonshine Wagon a las 21:30 horas. La entrada para esta fiesta inaugural será gratuita hasta completar aforo. Por otro lado, la fiesta de clausura tendrá lugar en el marco del programa Art After Dark del Museo Guggenheim Bilbao el día 10, y contará con la actuación del DJ Carlos Bayona, que estará acompañado a los platos por su hermano, J.A. Bayona. Esta actividad tendrá un precio general de 15 euros.

ABONO Y ENTRADAS

El abono para todo el festival, que permite el acceso a todas las sesiones de pago en Golem-Alhóndiga al igual que a las sesiones de inauguración en el Teatro Campos, clausura en el Auditorio del Museo Guggenheim Bilbao y palmarés en la Sala BBK, –siempre previo paso por taquilla–, está ya a la venta a un precio de 35 euros en las taquillas de Golem – Alhóndiga y a través de la web del festival (hasta el 1 de mayo por este medio). Las entradas para una única sesión tendrán un precio de 5 euros y se puede adquirir también ta en las taquillas y webs de cada uno de los espacios de proyección: Golem – Alhondiga, Sala BBK, Museo Guggenheim Bilbao y Teatro Campos. Todas las sesiones de cine programadas para la Sala 2 de Golem – Alhóndiga serán de acceso gratuito hasta completar aforo.

Podéis descargar la parrilla de proyecciones en el siguiente enlace:

http://fantbilbao.eus/web/wp-content/uploads/programa_mano_fant25.pdf

Published in: on abril 13, 2019 at 7:28 am  Dejar un comentario  
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