La nueva película de Vincenzo Natali “En la hierba alta”, basada en un relato corto de Stephen King y Joe Hill, inaugurará Sitges 2019

La organización del Festival de Sitges dio ayer a conocer el título encargado de inaugurar oficialmente su quincuagésima y segunda edición el próximo 3 de octubre. La encargada de tan mediática labor será En la hierba alta (In the Tall Grass), producción de Netflix que supone la nueva película de Vincenzo Natali, responsable de títulos tan celebrados como Cube (ganadora en Sitges 1998) Cypher y Splice. El propio Natali acudirá a Sitges a presentar la película en compañía de uno de sus actores protagonista, Patrick Wilson, todo un habitual del género fantástico como demuestra su destacada participación en títulos como las sagas Insidious y The Conjuring o Aquaman.

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En la hierba alta adapta el relato homónimo que Stephen King coescribió junto a su hijo, Joe Hill, y que fue publicado en dos partes en la revista Esquire el pasado 2012. Se trata de una historia de terror claustrofóbico con elementos sobrenaturales, protagonizada por los hermanos Becky y Cal. Tras escuchar el llanto de un niño pidiendo ayuda, ambos se adentrarán en un gran campo de hierba alta en Kansas, donde quedarán atrapados por una fuerza siniestra que rápidamente les desorienta y les separa. Aislados del mundo y sin posibilidad de escapar del control del campo, pronto descubren que lo único peor que estar perdido es ser encontrado.

Más información: sitgesfilmfestival.com

Published in: on agosto 23, 2019 at 5:52 am  Dejar un comentario  
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Llega la VII Muestra de cine “Lo + prohibido”

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Entre los próximos 22 al 25 de agosto Artistic Metropol celebrará la séptima edición de su Muestra de cine “Lo + prohibido”, consagrada a la proyección de “películas prohibidas, censuradas, polémicas, incómodas, visionarias, inclasificables, violentas hasta el extremo más nauseabundo y cuanto más borderline mejor”, en palabras de Ángel Mora, director ejecutivo de Artistic Metropol.

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Esta séptima edición dará comienzo el jueves 22 de agosto con la cinta española La sexta alumna como apertura, con la presencia en la sala de su director, Benja de la Rosa, y parte del elenco. Ya el viernes 23 comenzará el maratón con cinco títulos. Abrirá fuego Violación en el último tren de la noche de Aldo Lado, donde tres pervertidos someten a dos jovencitas a todo tipo de vejaciones durante un trayecto en tren, en una simbiosis de rape & revenge y giallo-exploitation que no dejará indiferente a nadie. El siguiente plato del menú será Naked Blood, una joya japonesa semi-desaparecida que pondrá a prueba el estómago de los espectadores congregados entre vísceras y sexo sucio, todo por cortesía de un desquiciado mad doctor. El ecuador de las proyecciónes del día lo pondrá Eat, una historia de autocanibalismo que entronca a la perfección en el gore contemporáneo más recomendable. Tras esto, llegan los platos fuertes de la jornada: Lucker The Necrophagous, cinta maldita desde su lejano estreno allá por los años ochenta, en la que la necrofilia y el bodycount se alían para convertir a este título en una de las obras con mayor nivel de contenido enfermizo jamás filmado. Y para terminar el día Slaughtered Vomit Dolls, que cuenta la historia de una prostituta de 19 años, drogadicta y bulímica que escucha voces del mismísimo diablo en su cabeza. Su director, Lucifer Valentine, dio pistoletazo de salida con esta película a un poco fértil subgénero conocido como el “Vomit Gore”. Sólo para valientes.

El sábado arrancaran los motores con La sombra de Lester, una de las menos conocidas películas de Lucio Fulci, cuya obra nunca puede faltar en una Muestra “Lo + prohibido”.  Por segundo año consecutivo, los Premio Bonobo estarán presentes en la programación, ofreciendo la mejor selección de cortometrajes proyectados en la pasada edición. Una combinación de erotismo, comedia y sensualidad con conocidos nombres del panorama artístico nacional. Este año se proyectarán: Mondo Delirondo de Paco Clavel y Juan Sánchez, The Sohos King de Antonio Mayans, Quítate el moño de Yurena y Jorge Lérida, El aliento de Celia de Miguel Ángel Barroso, La extraña de Luisa Torregrosa, Mundo demonio y carne de Sergio Pazos, Sí es sí de Laura Notario e IReligeoux de José Martos Arroyo. El cierre del sábado vendrá de la mano de otra de las películas más extremas de los últimos años, con American Guinea Pig: Blood Shock, una nueva entrega de la popular franquicia pseudo-snuff.

La última jornada, la del domingo, se iniciará con la presentación del libro “El Thriller Español 1969-1983” a cargo de su autor, José Luis López Sangüesa,a la que seguirá la proyección de la archiconocida película de Sergio Martino Torso: Violencia carnal en copia remasterizada. Tras esto, la siguiente parada será Scum, un drama de reformatorio dirigido por Alan Clarke y que, en su día, 1979, levantó ampollas en todas las salas donde se proyectó. Por último, la Muestra será clausurada por la cinta francesa Dans Ma Peau, donde una joven treintañera comienza a obsesionarse con su transformación física luego de sufrir un brutal accidente que la desfigura. No obstante, tras Dans Ma Peau la Muestra tiene reservada un bonus track con el pase de Les Raisins de la Mort, una de las películas más representativas del cineasta francés Jean Rollin.

Todas las proyecciones serán en Versión Original con Subtítulos en castellano salvo La sexta alumna y los cortometrajes de los Premios Bonobo (español), Slaughtered Vomit Dolls y American Guinea Pig: Blood Shock (versión original sin subtítulos) y Les Raisins de la Mort (doblada a español).

Published in: on agosto 18, 2019 at 8:51 am  Dejar un comentario  

La próxima edición del Festival de San Sebastián dedicará una retrospectiva de la obra del cineasta mexicano Roberto Gavaldón

Roberto Gavaldón

La 67 edición del Festival de San Sebastián, que tendrá lugar entre los próximos 20 y 28 de septiembre, dedicará una retrospectiva centrada en la obra de Roberto Gavaldón formada por veinte largometrajes que el mexicano dirigió entre 1945 y 1974. El ciclo, organizado con Filmoteca Española, irá acompañado de un libro monográfico dedicado al cineasta coordinada por Quim Casas y Ana Cristina Iriarte y que incluirá artículos de Mirito Torreiro, Nuria Vidal, Dolores Tierney, Marina Díaz, el propio Casas y algunos de los mejores expertos mexicanos en la obra de Gavaldón: Rosario Vidal Bonifaz, Carlos Bonfil, Eduardo de la Vega, Fernando Mino, Viviana García Besné, Héctor Orozco, Rafael Aviña y Paula Astorga, exdirectora de la Cineteca Nacional de México. Roberto Gavaldón Arbide, hijo del realizador, participará en la presentación del libro.

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Roberto Gavaldón (1909-1986) es considerado uno de los directores más importantes del cine mexicano de los años cincuenta y sesenta. Nacido en Jiménez, en el estado mexicano de Chihuahua, en 1909 empezó en el medio trabajando como extra, actor, ayudante de dirección y guionista. Tras algunos trabajos en calidad de codirector, debutó en solitario en 1945 con La barraca, adaptación de la novela de Vicente Blasco Ibáñez en cuyo equipo de realización trabajaron varios técnicos españoles que se habían exiliado en México al terminó de la Guerra Civil. Desde este primer largometraje, Gavaldón destacó por un estilo muy sobrio y clásico, de tipo realista, beneficiado por la colaboración con directores de fotografía como Gabriel Figueroa, Alex Phillips y Jack Draper. Trató por lo general temas melodramáticos. Tanto el estilo como los argumentos escogidos le enfrentarían después con las hornadas de críticos y directores más jóvenes que cuestionaron su predilección por un cine de carácter nacional.

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Macario (1960), basada en un relato de Ben Traven –escritor en el que también se inspiró John Huston para El tesoro de Sierra Madre, y al que Gavaldón volvería a adaptar en Rosa blanca (1961) y Días de otoño (1962)–, es una de sus películas más importantes: participó en el Festival de Cannes y fue el primer filme mexicano nominado al Oscar a la mejor película de habla no inglesa. Su protagonista, Ignacio López Tarso (uno de los actores del Nazarín de Buñuel), era una de las estrellas del cine mexicano de aquellos años. Gavaldón también trabajó con otros grandes nombres de la cinematografía mexicana, como María Félix, Dolores del Río, Arturo de Córdova y Pedro Armendáriz, y con la estrella argentina del melodrama Libertad Lamarque.Durante años fue el mayor representante del cine de su país en los grandes certámenes internacionales. Concursó varias veces en Cannes, Venecia y Berlín, y presentó en la primera edición del Festival de San Sebastián, en 1953, Acuérdate de vivir. Ganó ocho premios Ariel, los galardones concedidos desde 1947 por la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas: el primer Ariel a la mejor película fue para La barraca.

Aunque cultivó mayoritariamente el melodrama, tocó diversos géneros como el policíaco, el musical, el fantástico y el drama rural, y realizó un ciclo de western-ranchero con el actor Antonio Aguilar. Entre sus películas destacan títulos como Macario, La otra (1946) –un drama criminal sobre dos hermanas gemelas encarnadas por Dolores del Río, del que se realizaría un remake en Hollywood en 1964 protagonizado por Bette Davis, Su propia víctima–, La diosa arrodillada (1947), En la palma de tu mano (1951), La noche avanza (1952) –que tiene como protagonista a un campeón de pelota vasca sin escrúpulos–, El rebozo de Soledad (1952), El niño y la niebla (1953), Camelia (1954), Sombra verde (1954), La escondida (1956) y Miércoles de ceniza (1958). En 1955 fue escogido por los estudios Disney para dirigir una de sus producciones filmadas en México, The Littlest Outlaw (Pablito y yo).

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A principios de los sesenta daría un vuelco al tipo de temas tratados y se decantó de una manera más clara por cuestiones sociales y políticas, pero Rosa blanca, sobre la expropiación del petróleo en México, fue prohibida y no logró estrenarse hasta 1972. En Días de otoño, protagonizada por la misma pareja de Macario, Ignacio López Tarso y la actriz descubierta por Gavaldón, Pina Pellicer, relató la oscura historia de una mujer abandonada por su prometido que asegura a todo el mundo haberse casado con él y estar embarazada. A continuación colaboró con Gabriel García Márquez y Carlos Fuentes en el guion de El gallo de oro (1964), parábola sobre un gallo de pelea según una historia de Juan Rulfo. En la primera mitad de los setenta realizó tres películas en España: Don Quijote cabalga de nuevo (1973), con Fernando Fernán Gómez y Cantinflas en los papeles del Quijote y Sancho Panza, y dos dramas protagonizados por Amparo Rivelles, La madrastra (1974) y La playa vacía (1977). Estuvo activo hasta 1979, cuando dirigió su último filme, Cuando tejen las arañas, un drama sobre la sexualidad reprimida de una adolescente. Falleció en Ciudad de México en 1986.

La barraca, La otra, Rayando el Sol, La diosa arrodillada, Rosauro Castro, En la palma de tu mano, Rebozo de soledad, La noche avanza, Acuérdate de vivir, Camelia, Sombra verde, Aquí está Heraclio Bernal, Miércoles de ceniza, Flor de mayo (Topolobampo), Macario, Días de otoño, El gallo de oro, Rosa Blanca, Don Quijote cabalga de nuevo y La madrastra son los títulos de las películas que compondrán este ciclo que cuenta con la colaboración de Filmoteca Vasca y el Museo San Telmo, y que tras su proyección en el Festival de San Sebastián viajará a Filmoteca Española, en Madrid, donde podrá verse durante los meses de octubre y noviembre. Cabe reseñar que algunos de los títulos programados han sido restaurados por la Cineteca Nacional de México y por Filmoteca UNAM.

“Drácula” de Coppola resucitará en FIMUCITÉ con su banda sonora interpretada en directo

Drácula in Concert

El sábado 28 de septiembre el Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife-FIMUCITÉ ofrecerá al público el espectáculo “Bram Stoker’s Dracula In Concert” en el marco de la Gala de Clausura de su decimotercera edición. Tras su estreno mundial en el Festival de Música de Cine (FMF) de Cracovia el pasado mes de mayo, esta cita será el pistoletazo de salida de una gira internacional que llevará el formato musical live-to-picture por escenarios de todo el mundo.

Bajo la batuta de Diego Navarro, director artístico del Festival, la Orquesta Sinfónica de Tenerife (OST) y el Tenerife Film Choir interpretarán la aclamada partitura escrita por el compositor polaco Wojciech Kilar para el filme de Francis Ford Coppola de 1992, de manera sincronizada con las imágenes de esta icónica película. Asimismo, la cantante canaria Cristina Ramos, reconocida internacionalmente tras triunfar en China en el programa “Got Talent World” y otros concursos de talentos televisivos, pondrá el broche a este concierto con la interpretación durante los títulos de crédito finales de la popular canción de Annie Lennox “Love Song for a Vampire”.

“Bram Stoker’s Dracula In Concert” es un formato original realizado en coordinación con Sony Pictures y en coproducción con el FMF de Cracovia, siendo la primera vez que los dos festivales de música de cine se unen para la creación conjunta de un espectáculo de tal magnitud. Recientemente, los festivales productores del espectáculo, FIMUCITÉ y FMF, asociados con Robert Townson Productions, han cerrado un acuerdo con la agencia alemana Europäische Filmphilharmonie GmbH para la distribución mundial del espectáculo. Se trata de una gran apuesta de FIMUCITÉ tras el éxito que cosechó en la pasada edición el concierto live-to-picture dedicado a la película de Steven Spielberg Encuentros en la tercera fase, con música de John Williams.

Por otra parte, en el marco de la presentación del concierto, que tendrá lugar en el Auditorio de Tenerife Adán Martín, el Festival otorgará a título póstumo a Wojciech Kilar, autor de la música original del film, el Premio de honor FIMUCITÉ Antón García Abril. Kilar fallecía en diciembre de 2013 con 81 años, siendo también el autor de las bandas sonoras de otros Films tan emblemáticos como El pianista y La novena puerta, ambos de Roman Polanski.

Las entradas para la Gala de Clausura oficial de FIMUCITÉ 13, que dará comienzo a las 19:00 horas del sábado 28 septiembre, ya se encuentran a la venta en la taquilla del Auditorio de Tenerife y online.

Published in: on agosto 3, 2019 at 7:39 am  Dejar un comentario  

“El hombre que hacía OFNIS” este miércoles en “Sala:B” de Filmoteca Española

Sala B21

No, no es una errata. El próximo miércoles la sesión de “Sala:B” de este mes de julio estará dedicada a Juan Carlos Olaria, “el hombre que hacía OFNIS: Objetos Fílmicos No Identificados”, en palabras de Álex Mendíbil, comisario de la sección. De este modo, a partir de las 20 horas Filmoteca Española programará los dos largometrajes realizados hasta el momento por el cineasta aragonés de nacimiento y catalán de adopción: El hombre perseguido por un OVNI (1976) y El diario rojo (1982), película que ha permanecido inédita durante casi cuarenta años y que vivirá su segunda proyección pública tras su estreno el pasado mes de mayo en Barcelona. Junto con estos dos títulos, también se proyectarán otros dos cortometrajes realizados por el cineasta y titulados Diálogos “camp” (1973) y Encuentro inesperado (1995). Como no podía ser de otro modo, la sesión contará con la presencia del propio Olara, quien la estrenará en compañía del actor y crítico Toni Junyent, junto al que se encuentran preparando la secuela de su trabajo emblemático, la cual lleva el inconfundible nombre de El hijo del hombre perseguido por un OVNI.

Con respecto a la elección de Olaria como objeto de esta retrospectiva, Mendíbil comenta que “su cine, que cuenta con más de veinte títulos entre cortos y mediometrajes además de los dos largos programados, es todavía uno de los grandes enigmas del cine de culto de este país. Son objetos increíblemente extraños, inclasificables en cualquier género, a pesar de su conocida inclinación a la ciencia ficción”. De este modo, “los cuatro films que componen este programa pretenden ampliar el conocimiento de esta obra secreta y esa idea parcial que se tiene de Olaria como director de cine fantástico, cuando sus intereses e influencias son más variopintos”, añade. “Sin embargo, lo que más sorprende de la filmografía de Olaria es su capacidad como creador de imágenes insólitas, un trabajo de artesanía colorista y pop que remite a los mundos estéticos de Zulueta o de Brakhage”.

En cuanto a cada uno de los largometrajes comentados, Mendíbil mantiene que “cuando en 2007 apareció en DVD El hombre perseguido por un OVNI, pocos podían decir que conocían a Olaria. Este primer largometraje, tras una serie de cortos de adolescencia y juventud desde 1957 cuando tenía apenas 15 años, le valió rápidamente el apelativo del Ed Wood español, por aquello de la pobreza extrema de medios y los platillos volantes. Lo que quizá no saben los que ponen estas etiquetas es que Wood, como Olaria, es uno de los directores más personales del cine de Serie B, con evidentes maneras de autor que cada vez son más reconocidas. Hoy en día esta película ha deslumbrado e inspirado a directores como Nacho Vigalondo, César Velasco Broca o Chema García Ibarra, todos ellos marcados por una sensibilidad fantástica muy olariana”. “No neguemos que también hay caspa y destape”, prosigue, “pero si tenemos en cuenta que son insertos propuestos por el director Juan Xiol (Sexy… Amor y fantasía) para incorporar el film de Olaria al mercado español de la época, el cortocircuito que provocan esas escenas es más digerible, y hasta se puede considerar enriquecedor desde una perspectiva historiográfica. Es el precio que muchos autores tenían que pagar por ver sus fantasías en pantalla grande”.

Una elogiosa consideración que también hace extensible a El diario rojo, de la que explica que “fue rodada entre el 82 y el 83, pero nunca estrenada por ese extremo pudor que Olaria tiene con su propia obra. Algunos de sus nuevos colaboradores, como el crítico Toni Junyent le convencieron para que la estrenara. Se trata de un drama en blanco y negro sobre el machismo y la impotencia masculina que Olaria califica como “película hermética”, realizada con el impulso de la frustración y la decepción de un director que no encuentra su sitio. Los pocos que la han visto hablan de un valioso documento temporal sobre la Barcelona de la época, y también de los dramas enrarecidos y claustrofóbicos de Polanski, Bigas Luna o Gaspar Noé”.

Published in: on julio 29, 2019 at 5:16 am  Dejar un comentario  

Filmarket Hub y el Festival de Sitges abren la convocatoria de proyectos para Sitges Pitchbox 2019

La plataforma Filmarket Hub ha abierto la convocatoria de proyectos para Sitges Pitchbox 2019, una nueva edición del evento internacional de pitching que organiza junto al Festival de Sitges. La convocatoria está dirigida a largometrajes de terror, ciencia ficción o fantástico en fase de desarrollo, los cuales podrán inscribirse hasta el próximo 21 de agosto a través del mercado online de Filmarket Hub.

Entre todos los proyectos candidatos, siete serán seleccionados para participar en el evento, que tendrá lugar el 4 de octubre en el marco del Festival. Manteniendo el exitoso formato de las anteriores ediciones, los seleccionados dispondrán de siete minutos para realizar un pitch de venta con apoyo visual ante productores, ejecutivos de televisión, agentes de ventas y distribuidores. Una vez finalizada la sesión de pitching, el jardín del Hotel Meliá acogerá el coctel de networking y la ceremonia de premios, donde todos los participantes podrán compartir impresiones y contactos. Adicionalmente se habilitará una zona de mesas donde poder concertar reuniones durante toda la tarde.

Gracias a la Diputación de Barcelona, los proyectos seleccionados tendrán acceso a una atractiva bolsa de premios. El primer premio son 5.000€ para gastos de desarrollo. También se entregarán dos bolsas de viaje para asistir y presentar el proyecto en el Bucheon International Film Festival (Corea del Sur) y en Blood Window (Argentina), la sección de cine fantástico del mercado Ventana Sur, el más importante de Latinoamérica.

Paralelamente, todos los proyectos inscritos en la convocatoria serán valorados para una posible selección en The Crouching Tigers Project Lab, un encuentro de coproducción y cofinanciación dentro de las actividades del International Film Festival & Awards de Macao. Además, un proyecto de la convocatoria optará a un acuerdo de distribución con Elamedia Estudios con una inversión valorada en 30.000€.

Cada año Sitges Pitchbox incluye una charla inicial por parte de un cineasta destacado. Entre los últimos invitados destacan el director mexicano Guillermo Del Toro o el actor estadounidense Ron Perlman. En las próximas semanas se anunciará el invitado especial que tomará el relevo para esta nueva edición.

Desde 2015, Sitges Pitchbox ha propiciado diversos acuerdos de coproducción y financiación, y varios de los proyectos seleccionados en el pasado ya se encuentran en fases finales de preproducción. Entre los títulos que ya han sido producidos y estrenados destaca Sin fin, la opera prima de los hermanos Alenda que fue nominada al Goya por mejor dirección novel y se llevó la Biznaga de Plata al mejor actor (Javier Rey) en el Festival de Málaga. También Ánimas, película de terror psicológico dirigida por Laura Alvea y José F. Ortuño, que fue estrenada en el pasado Festival de Sitges y actualmente está disponible en Netflix.

Toda la información sobre la convocatoria y el proceso de inscripción aquí.

Published in: on julio 28, 2019 at 8:35 am  Dejar un comentario  
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FIMUCITÉ 13 repasará el mito del vampiro en un ciclo de cine

El Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife – FIMUCITÉ dedicará dentro del catálogo de actividades paralelas de su decimotercera edición un ciclo de cine al mito del vampiro en colaboración con Filmoteca Canaria. Las proyecciones se desarrollarán en los meses de septiembre y octubre en el Teatro Guiniguada de Las Palmas de Gran Canaria y en La Granja Espacio de Creación, en Santa Cruz de Tenerife, bajo el lema “El reflejo del vampiro”. Todas las sesiones tendrán lugar a las 19.00 horas y serán en versión original con subtítulos en español.

El martes, 17 de septiembre, el Teatro Guiniguada abrirá las sesiones con Drácula (1931), de George Melford, basada en la novela de Bram Stoker. Una versión hispana alternativa al clásico protagonizado por Bela Lugosi, filmada simultáneamente a la de habla inglesa utilizando los mismos estudios por la noche, cuando el equipo de Tod Browning terminaba su jornada de rodaje. La película, en blanco y negro, podrá verse el día 19 en La Granja, espacio que después de diez años cerrado abría de nuevo sus puertas hace unos meses tras obras de reforma y acondicionamiento.

El martes 24 de septiembre retomará el ciclo en Las Palmas Nosferatu, el vampiro de la noche (1979), de Werner Herzog, nueva adaptación de producción alemana de la famosa novela que toma como punto de referencia el clásico del expresionismo germano dirigido por F.W. Murnau en 1922. Dos días más tarde se proyectará la película en Tenerife.

El 1 de octubre continuarán las proyecciones en el Teatro Guiniguada con The Addiction (1995), película de culto filmada en blanco y negro por Abel Ferrara con Lily Taylor y Christopher Walken como protagonistas. El filme, que podrá verse en Tenerife el jueves 3 de octubre, está considerado una alegoría acerca de la adicción a las drogas.

El siguiente pase, los días 8 (Teatro Guiniguada) y 10 de octubre (La Granja), estarán dedicados a Entrevista con el vampiro (1994), protagonizada por Tom Cruise, Brad Pitt, Kirsten Dunst y Antonio Banderas bajo la dirección de Neil Jordan a partir de un guion de Anne Rice basado en su novela homónima. El compositor Elliot Goldenthal fue nominado al Oscar y al Globo de Oro por la banda sonora de esta icónica película.

El martes 15 de octubre en el Guiniguada, y el jueves 17 en Tenerife, FIMUCITÉ y la Filmoteca Canaria acercarán al público el filme de atmósfera oscura y glamourosa El ansia (1983) de Tony Scott, basado en la novela del mismo título de Whitley Strieber. Con un elenco encabezado por David Bowie, Catherine Deneuve y Susan Sarandon, destaca su banda sonora con música original de Michel Rubini y Denny Jaeger, y canciones compuestas por la Bauhaus e Iggy Pop y piezas clásicas.

La película escogida para cerrar el ciclo, los días 22 y 24 de octubre en Gran Canaria y Tenerife respectivamente, es Drácula (1979), de John Badham, basada en la obra teatral de Hamilton Deane y John L. Balderston con Frank Langella en el papel del conde Drácula y Laurence Olivier en el del profesor Van Helsing. De un romanticismo exacerbado, la película marca diferencias con otras versiones anteriores y posteriores, y cuenta con el excepcional acompañamiento musical de la partitura de John Williams, en la que sin duda es una de sus mejores composiciones.

FIMUCITE-CICLO VAMPIROS

Al hilo de este ciclo, cabe recordar que también en el marco del festival se celebrará el sábado 28 de septiembre a las 19 horas en el Auditorio de Tenerife un concierto live-to-picture en el que se proyectará la película Drácula de Bram Stoker mientras la Orquesta Sinfónica de Tenerife y el Tenerife Film Choir bajo la dirección de Diego Navarro interpretarán en directo y en perfecta sincronía con el filme la banda sonora compuesta por el autor polaco Wojciech Kilar, todo un referente musical del cine de vampiros. Se trata de un espectáculo original realizado en coproducción con el Festival de Música de Cine (FMF) de Cracovia en coordinación con Sony Pictures.

Más información: fimucite.com/13/

Published in: on julio 21, 2019 at 7:59 am  Dejar un comentario  

La Semana de Terror de Donosti 2019 dedicará un ciclo retrospectivo sobre “Folk Horror” y exposiciones a Paul Naschy y H.R. Giger

Poco a poco la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián va desgranando detalles de lo que será su trigésima edición, a celebrar entre los próximos 26 de octubre y 1 de noviembre. Así, el pasado jueves la organización desveló la temática del tradicional ciclo retrospectivo, que este año llevará por título “Folklore beldurgarria – Folk Horror” y que, como su propio nombre indica, se centrará en cierta corriente del cine de terror que refleja la influencia en sus tramas de los acervos folclóricos ancestrales de diferentes culturas y que en los últimos años se encuentra de lo más activa. Troll Hunter (2010), La bruja (2015), Errementari (2017) o Border (2018) dan fe del auge de este tipo de films que surgieron en las décadas de los 60-70 en el Reino Unido.

Aunque en estas producciones británicas la corriente se relaciona con lo céltico y medieval, el término puede aplicarse también a obras que parten de tradiciones de distinta procedencia: América precolombina, Asia, mitos de los países escandinavos, etc. Lo rural, el paganismo o la brujería y el ocultismo son algunos de los ingredientes de estas fascinantes historias que conectan con los miedos más antiguos del ser humano. Partiendo de esta base, la retrospectiva organizada por la Semana incluirá tanto exponentes icónicos del calibre de Yo anduve con un zombie (1943), El hombre de mimbre (1973) o La última ola (1977), como otras más desconocidas. Además, y recuperando una vieja tradición, en consonancia con este ciclo la Editorial Hermenaute publicará en colaboración con el festival la monografía titulada Folk Horror: Lo ancestral en el cine fantástico, coordinada por Jesús Palacios.

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Pero no acaban aquí las noticias de la Semana, ya que aprovechando el anuncio del ciclo retrospectivo, la organización ha dado también a conocer dos de las exposiciones que formaran parte de las actividades paralelas de esta edición. Comencemos por la titulada “Paul Naschy – Una autobiografía en imágenes”, que podrá visitarse en el Centro Cultural Okendo del 26 de octubre al 14 de diciembre. Comisariada por Antonio Busquets y y coordinada por Viky Rodríguez de Flashback Producciones, se presenta como “el más extenso y completo reconocimiento que se haya hecho jamás a la trayectoria vital y profesional de Paul Naschy (Jacinto Molina Álvarez, 1934-2009). La muestra abarcará toda su prolífica carrera, desde sus primeros trabajos como excelente ilustrador de carpetas de discos, su breve pero curiosa etapa como autor de novelas populares de bolsillo, amén de su exitosa carrera en la halterofilia, si bien el grueso de la muestra se concentrará en su trayectoria de la gran pantalla, donde, aparte de dirigir más de veinte títulos y ser autor de innumerables guiones, encarnó a lo largo de varias décadas a los principales mitos del cine de terror clásico, convirtiéndose él mismo en un icono del género respetado y aplaudido internacionalmente.

Gracias a la confianza depositada por su viuda, Elvira Primavera, y sus hijos Sergio y Bruno, la exposición contara con la cesión por parte de su familia del archivo personal del homenajeado, entre los que se encuentran materiales nunca expuestos anteriormente, desde los increíblemente bellos scrapbooks hasta su propia mesa de despacho. No serán los únicos, ya que la muestra también presentará por primera vez, contenidos procedentes de los almacenes y archivos de artistas y profesionales que trabajaron con él en los departamentos de atrezo, vestuario, maquillaje, efectos especiales… Empresas y nombres míticos como Vázquez Hermanos, Cornejo, Molina FX o los maquilladores Julián Ruiz, Miguel Sesé, Ángel Luis de Diego y Fernando Florido, e ilustraciones, historietas, diseños, carteles y bocetos creados por José Sanchis, Gumersindo Andrés López, Jano, Antonio Gracia José “Pierrot” y un largo etcétera de inolvidables autores.

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La restante exposición tendrá también un marcado carácter de homenaje a un nombre emblemático de la historia del cine fantástico ya desaparecido. En este caso se trata de HR Giger, quien revolucionó con sus diseños el look de la ciencia ficción y del cine de terror mediante su participación en la película Alien, el octavo pasajero (1979), de la que en este 2019 se conmemora el cuarenta aniversario de su estreno. De este modo, la Sala de Actividades de la Biblioteca Municipal (San Jerónimo) acogerá entre el 26 de octubre y el 10 de noviembre la exposición colectiva “Creators of Legends – Homenaje a HR Giger”, que bajo el comisariado de Carlos Arenas y César Oropeza reúne creaciones en el campo de la pintura, la escultura, el dibujo o la fotografía de artistas de México, Estados Unidos, Australia, España, Francia, Polonia y Alemania inspiradas por la obra de HR Giger. Será la primera vez que esta muestra internacional de carácter itinerante recale en España, tras haber viajado por diversas ciudades de México, Suiza y Alemania, y que este 2019 ha integrado a sus contenidos una instalación artística titulada Bestiario de Orión, inspirada en el laboratorio del androide David, uno de los personajes principales del film Alien: Covenant (2017), en el que se recreará un espacio que fusiona ficción, ciencia y arte de una manera perturbadora.

Más información: https://www.sansebastianhorrorfestival.eus/2019/

Primer avance de contenidos del Festival de Sitges 2019 que homenajeará a Sam Neill y Pupi Avati

Cartel Festival Sitges 2019

En una rueda de prensa celebrada esta mañana, el director del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, Ángel Sala, ha dado un avance de lo que será la quincuagésimo segunda edición del certamen. Entre los datos revelados, se encuentran más de cuarenta títulos que conformarán parte de la programación, entre los que se incluyen algunas de las últimas novedades del cine de género internacional y español, con especial atención a las películas dirigidas por mujeres, y la identidad de dos de las personalidades que serán homenajeadas por el festival este año. De este modo, el actor neozelandés Sam Neill, reconocido mundialmente por cintas inolvidables del fantástico como La posesión (Andrzej Zulawski, 1981), Parque Jurásico (Steven Spielberg, 1993) o En la boca del miedo (John Carpenter, 1994), recibirá en Sitges 2019 el Gran Premio Honorífico.

Sam Neill

Sam Neill

Con respecto a la primera ola de títulos anunciados, sirven para que el Festival demuestre que el género fantástico es cada vez más heterodoxo, transitando no sólo los caminos del terror, la fantasía o la ciencia ficción ya consolidados, sino abriéndose a temáticas, conceptos y reflexiones más amplias que interesan a públicos cada vez más mayoritarios. De la misma manera, las películas de género fantástico se revelan como los más transgresores en términos conceptuales y formales, creando tendencias decisivas no sólo dentro del género sino en el audiovisual contemporáneo.

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Entre los títulos desvelados destaca 3 From Hell de Rob Zombie, el retorno de la familia Firefly de Los renegados del diablo, que promete ser una de las sesiones más vibrantes del Festival. El thriller sobrenatural Daniel Isn’t Real es la nueva propuesta de Adam Egypt Mortimer, que en 2015 presentó en Sitges Some Kind of Hate. El debut en la dirección de Ant Timpson –productor neozelandés de ABCs of DeathTurbo Kid o The Greasy Strangler– es Come to Daddy, una comedia negra protagonizada por Elijah Wood que sorprenderá al público del certamen. Henry Jacobson debuta también con Bloodline, terror familiar sangriento con influencias de Brian De Palma. Severin Fiala y Veronika Franz, los directores austríacos de la terrorífica Goodnight Mommy (Sitges 2014) vuelven con The Lodge, una nueva incursión en la psicología humana más oscura. Vivarium, de Lorcan Finnegan, se presentó en Cannes y aterrizará en Sitges con su arriesgada puesta en escena y un reparto encabezado por Imogen Poots y Jesse Eisenberg.

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Los zombis no faltarán a la fiesta con la comedia australiana Little Monsters, de Abe Forsythe, que protagoniza una Lupita Nyong’o en estado de gracia. Depraved, de Larry Fessenden, propone una nueva interpretación del mito de Frankenstein con su terror experimental y artesanal. El universo de The Ring de Hideo Nakata vuelve a la actualidad en este 2019 con Sadako, una nueva entrega que mostrará los orígenes de la popular franquicia japonesa. Desde Francia llega The Room, una original y brillante combinación de terror y ciencia ficción, dirigida por el francés Christian Volckman y protagonizada por Olga Kurylenko, y la última producción de Quentin Dupieux, Le daim, uno de los grandes éxitos de la Quincena de Realizadores de Cannes y una de las películas francesas con mejores críticas del año, que confirma la fidelidad del director a Sitges.

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El cine de género dirigido por mujeres ocupará un espacio predominante en el Sitges 2019, tal como lo ha hecho en los últimos años con un gran número de títulos. De Australia llega Judy and Punch, de Mirrah Foulkes, una historia de venganza con Mia Wasikowska al frente. El dúo de directoras y actrices norteamericanas Jocelyn DeBoer y Dawn Luebbe presentarán la comedia Greener Grass, que transcurre en un mundo donde todo el mundo lleva aparato dental. También se proyectará Braid, un thriller adictivo y truculento dirigido por Mitzi Peirone. The Woman sacudió Sitges 2011 y su protagonista Pollyanna McIntosh, dirige ahora Darlin’, recuperando la historia a través de la hija de aquella recordada mujer salvaje. Roxanne Benjamin se postula como una de las nuevas voces más interesantes del género con Body at Brighton Rock, un thriller psicológico con toques de survival. Por su parte la canadiense Jovanka Vuckovic presentará la post-apocalíptica Riot Girls, que combina acción, violencia y romance queer.

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Como no podía ser de otra forma, Sitges 2019 también será, un año más, escaparate del cine de animación más actual. El director japonés Keiichi Hara (Miss Hokusai) llevará The Wonderland, que se proyectará en la sesión especial para los alumnos de las escuelas de Sitges. También procedentes de Japón llegarán Children of the Sea, de Ayumu Watanabe, considerada uno de los mayores exponentes del anime de este año en el Festival de Annecy, y One Piece Stampede, basada en la inmensa obra de Eiichiro Oda, el manga más mediático e influyente de las últimas décadas. Desde Francia, Les hirondelles de Kaboul  de Zabou Breitman y Eléa Gobbé-Mévellec, nos transporta al verano de 1998 a una Kabul ocupada por los talibanes. Este primer avance de títulos de animación se completa con la china White Snake que, bajo la batuta de Amp Wong y Zhao Ji, propone una combinación irresistible de aventuras fantásticas con una historia de amor.

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Cuatro de las últimas producciones españolas de género se exhibirán en Sitges 2019, correspondientes a otros tantos prometedores debuts procedentes del País Vasco y Cataluña. Cuerdas, del tarraconense José Luis Montesinos, ganador del Goya por el cortometraje El corredor, es un thriller de supervivencia protagonizado por una joven tetrapléjica interpretada por Paula del Río, que queda atrapada con la única compañía de su perro enfermo. Aritz Moreno debuta en el largometraje con Ventajas de viajar en tren, que cuenta con un destacado elenco formado por Belén Cuesta, Luis Tosar, Pilar Castro, Ernesto Alterio, Quim Gutiérrez, Macarena García y Javier Botet. Paradise Hills, la ópera prima de Alice Waddington, aterrizará en Sitges después de su paso por Sundance 2019. Con un reparto internacional que incluye Milla Jovovich o Emma Roberts, y la participación de Nacho Vigalondo en el guion, el film se sitúa en un misterioso internado femenino de lujo. Por último, la crítica social estará presente en el thriller El hoyo, de Galder Gaztelu-Urrutia, que sitúa al espectador en un entorno distópico donde las personas se encuentran divididas en diferentes niveles.

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Por su parte, el sello Blood Window acercará algunos de los mejores títulos del fantástico latinoamericano de la temporada a la próxima edición de Sitges. La imprevisible Breve historia del planeta verde, del argentino Santiago Loza, mezcla drama y comedia en una historia de extraterrestres y transexualidad. También argentinas son Punto muerto Soy tóxico, de Daniel de la Vega y Pablo Parés, respectivamente, un thriller criminal y un film de terror post-apocalíptico que demuestran la excelente salud del género en el país. Desde  Venezuela llegará Infección, cinta de Flavio Pedota sobre un brote desconocido del virus de la rabia. La colombiana Luz, de Juan Diego Escobar Alzate, se adentra en una comunidad que vive en las montañas y espera un nuevo mesías, mientras que el film uruguayo En el pozo, de los hermanos Bernardo y Rafael Antonaccio, plantea cuestiones sobre la violencia de género en tono de thriller.

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La mirada más personal al género llegará como es habitual de la mano de Noves Visions. La finlandesa Dogs Don’t Wear Pants, de J-P Valkeapää, procedente de la Quincena de Realizadores, será la encargada de inaugurar la sección con la odisea personal de un hombre perdido en un laberinto de seducción sadomasoquista, por parte de una dominatrix que pondrá a prueba los propios límites del protagonista. Una de las películas más esperadas de Noves Visions por los fans del ultimo cine de terror norteamericano será Kindred Spirits, dirigida por Lucky McKee (DeathcemberThe Woman) y protagonizada por Thora Birch. The Halt, del filipino Lav Díaz (Season of the Devil) y presentada también en la última Quincena de Realizadores, se enmarca en una distopia sobre el futuro de Filipinas en clave de ciencia ficción y con una duración de más de cuatro horas y media. El drama fantasmagórico Vif-Argent, de Stéphane Batut, y la distópica Jessica Forever, de Caroline Poggi y Jonathan Vinel, procedentes de Francia, serán también citas indispensables, así como el thriller surcoreano Idol, de Lee Su-jin (director de Princesa), las japonesas Dancing Mary y Jam, de Sabu, o Jesús Shows You the Way to the Highway, del inclasificable Miguel Llansó, que ha generado entusiasmo en diversos certámenes internacionales, como el NIFFF (Festival de Cine Fantástico de Neuchatel).

POSTER_George Hilton – Il mondo è degli audaci

Por su parte, Brigadoon, la sección alternativa y gratuita del certamen, ha dado a conocer tres largometrajes y tres documentales. Se trata del giallo argentino Mirada de cristal, dirigido por Ezequiel Endelman y Leandro Montejano, ubicado en el mundo de la moda argentino de principios de los ochenta. También del otro lado del Atlántico llega ¿Eres tú, papá?, una cinta de terror cubana dirigida por Rudy Riverón Sánchez. El tercer título en cuestión es Mutant Blast, un film apocalíptico repleto de zombis, acción y gore que supone el debut en el largometraje del portugués Fernando Alle, después del éxito de sus cortometrajes Papá Wrestling y Banana Motherfucker. En cuanto a los documentales, se podrá ver George Hilton – The World Belongs to the Daring, de Daniel Camargo, centrado en el mítico actor George Hilton, Blood & Flesh: The Reel Life & Ghastly Death of Al Adamson, de David Gregory, que repasa la vida y la obra de uno de los realizadores más reconocidos del cine exploitation de las décadas sesenta y setenta, y Deodato Holocaust, que explica la historia del cineasta italiano Ruggero Deodato, convertido en “maestro del horror” gracias a su obra Holocausto caníbal (1980), considerada el primer found footage de la historia del cine.

Pupi Avati

Pupi Avati

Siguiendo con Brigadoon, el director de cine, productor y guionista italiano Pupi Avati recibirá el Premio Nosferatu de este año que otorga la sección Brigadoon. El cineasta ha combinado diversos géneros a lo largo de su trayectoria, como la comedia o el cine de aventuras, ha destacado en el terror con títulos como La casa dalle finestre che ridono (1976) o L’arcano incantatore (1996), que se recuperan en Brigadoon. En sesión especial –fuera de la sección– se podrá ver su nueva película Il signor diavolo.

Legend of the Mountain

Pero Avati no será la única personalidad al que el festival homenajeara y dedicará una retrospectiva de su obra. Así Sitges 2019 recuperará la memoria del director, escritor y actor chino King Hu, recordado por su contribución al género de las artes marciales, con la programación de cuatro títulos fundamentales en su filmografía: Come Drink with Me (1966), Dragon Inn (1967), A Touch of Zen (1971) y Legend of the Mountain (1979). Dentro de las celebraciones del cuarenta aniversario de la primera entrega de la saga Alien, el certamen proyectará el documental Memory – The Origins of Alien, de Alexandre O. Philippe (director de 78/52Doc of the Dead The Life and Times of Paul the Psychic Octopus, todos ellos presentados en Sitges), que investiga los orígenes de la obra maestra de Ridley Scott.

Sitges 2019 también vivirá una tarde dedicada a la música, con los conciertos de Hermann Kopp y Nightcrawler el viernes 11 de octubre en la sala New Ricky’s. El compositor alemán Hermann Kopp al lado del músico Tamon Miyakita, actuará por primera vez en nuestro país interpretando las composiciones para los films de Jörg Buttgereit NekromantikNekromantik 2 y Der Todesking. La misma noche, sonará el synthwave y el darksynth del universo sonoro del grupo Nightcrawler, inspirado en los sonidos de las bandas sonoras de terror y las películas de ciencia ficción, combinando estos ingredientes con ritmos electrónicos y atmósferas oscuras.

El próximo lunes 22 de julio a las 12horas se activará la venta de abonos, packs y maratones para el Sitges 2019 a través de la web del Festival. También se podrán adquirir las entradas para el concierto de Hermann Kopp y Nightcrawler, con aforo limitado, y para el cual no serán válidas las acreditaciones del certamen.

Más información: www.sitgesfilmfestival.com

Published in: on julio 18, 2019 at 1:40 pm  Dejar un comentario  
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Entrevista a Gary Sherman

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Gary Sherman fue protagonista por partida doble de la vigésimo quinta edición del Festival de Cine Fantástico de Bilbao – FANT. Por un lado,  formó parte junto a la actriz Diana Peñalver y la directora de Fancine – Festival de Cine Fantástico de Málaga Rocío Moreno del jurado que tuvo que elegir a los diferentes premiados de la Selección Oficial del certamen vizcaíno. Y, por otro, presentó la proyección de su clásico Muertos y enterrados (Dead & Buried, 1981) dentro de la sección retrospectiva “FANT al rescate”, tras cuyo pase mantuvo un animado coloquio con los espectadores presentes en la sala. Aprovechando su estancia en tierras bilbaínas mantuvimos la siguiente entrevista con el cineasta estadounidense con la que completamos la que ya le hiciéramos hace prácticamente dos años en el Festival de Sitges. Y es que, si en aquella ocasión nos centramos en su ópera prima, la reivindicada Death Line [vd: La línea de la muerte; dvd: Sub-humanos, 1972], esta vez ampliamos el cerco al resto de su filmografía, comenzando, obviamente, por la propia Muertos y enterrados.

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Entre que realizas Death Line y Muertos y enterrados transcurre prácticamente una década. ¿A qué se debió el que tardaras tanto tiempo en dirigir tu segundo film?

Cuando hice Death Line significaba mucho para mí. Y para mí era algo muy importante, tenía un gran mensaje político. Para entonces yo ya tenía una carrera haciendo anuncios comerciales con la que estaba ganando mucho dinero. Y eso me dio la oportunidad de poder incluir mensajes políticos de las cosas en las que yo creía. Hasta entonces mi carrera iba por un sitio y mis ideales políticos iban por otro. Pero haber hecho anuncios me permitió incluir esos mensajes. También donaba a causas en las que creía. Luego surgió la posibilidad de realizar un largometraje de terror  donde podía esconder un mensaje político en su interior. Me pareció muy importante hacerlo. En Europa la película tuvo mucho éxito, pero en los Estados Unidos la vendieron a nuestras espaldas, básicamente. Los financieros se la vendieron a A. I. P. (American International Pictures) de la escoria Sam Arkoff, quienes destruyeron la película. La cortaron, la remontaron y la estrenaron como Raw Meat. Debido a todos estos cambios que hicieron, yo no considero que esa fuera mi película. Robin Wood, que era un gran crítico de cine que estaba en muchos periódicos británicos, escribió un artículo titulado “Carnicería” en el que decía a los lectores que no fueran a ver Raw Meat, sino que fueran a ver Death Line. Pero pasaron diez años hasta que Death Line pudo verse en los Estados Unidos.

Así que la respuesta de por qué tardé diez años en rodar mi segunda película necesitaba de una larga explicación, pero en una respuesta breve te diré que fue porque estaba molesto y destrozado por lo que había ocurrido con Death Line. Alguien podría tomar mi película y cambiarla, destruirla y ponerla en cines, etc. Esto hizo que realmente no quisiera hacer otra película. Así que seguí haciendo anuncios. Sin embargo, Jay Kanter[1], me convenció de volver a los Estados Unidos y empecé a escribir cosas para Jay mientras hacía esos anuncios con los que me ganaba la vida. Más tarde empecé a hacer cosas de televisión en los Estados Unidos; seguía siendo director, pero para televisión. Entonces un día Ronald Shusett[2] llamó a mi puerta y me dijo: “Vamos a hacer una película juntos”. Él necesitaba un guion para rodar una película en Canadá y me compró el guion de Phobia (1980). Muertos y enterrados fue uno de los guiones que él había traído consigo. Por aquel entonces la Fox había dado luz verde a la película Alien, el octavo pasajero (Alien, 1979), así que cuando se estrenó y fue un gran éxito Ron me llamó y me dijo: “Alien ha sido un éxito, así que vamos a hacer Muertos y enterrados”. Yo tenía la confianza de que Ron y Dan O’Bannon, gracias al éxito de Alien, protegerían la película. Desafortunadamente también fue alterada por los distribuidores, pero no de forma tan grave como Death Line (risas).

Como comentas, Muertos y enterrados parte de un guion de Dan O’Bannon, quien, no obstante, en alguna ocasión comentó que la película resultante no tenía nada que ver con lo que él había escrito. ¿En qué consistieron los cambios que hicieron que O’Bannon reaccionara de este modo?

Muchas de estas quejas de Dan probablemente sean culpa mía. Cuando me llevó el guion pensé que pasaba demasiado tiempo dando explicaciones de cómo Dobbs resucitaba a las personas. Yo estaba más interesado en la esencia de la historia, en usar a Dobbs como una alegoría de lo que yo quería contar con la película, que no era otra cosa que la manipulación de los seres humanos. Porque, en realidad, él crea su propia sociedad sobre la que tiene un control total y donde nadie tiene libertad. Y eso era lo que más me interesaba y, a la vez, lo que me resultaba más aterrador.

La idea inicialmente era la de hacer una comedia negra, aunque casi nada se cambió en el guion. Lo que pasó es que pasamos por tres productoras diferentes durante todo el proceso de realización de la película. La primera productora estuvo en el inicio de la película, luego durante la producción la compró otra productora y la tercera compañía se hizo con la película en la parte de la post-producción. Cada una de estas compañías tenía un punto de vista muy diferente de lo que se supone que debía de ser la película, y como consecuencia de ello la versión final quedó muy manipulada con respecto a lo que debía de ser en un principio. Me entristece mucho que Dan haya dicho eso de la película o, mejor dicho, que las dijera en su día, porque soy un gran fanático de su trabajo. No lo sabía. Es la primera vez que escucho que hubiera hecho esas declaraciones, ya que él nunca me lo comentó en persona. En cualquier caso, he de decir que le echo mucho de menos.

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Dentro de la puesta en escena de Muertos y enterrados las imágenes tienen mucha presencia. Por ejemplo, los no muertos hacen fotos a sus víctimas antes de asesinarles y en el desenlace Dobbs, el villano, revela al protagonista que él también está muerto usando una grabación de video. ¿Este uso oculta algún tipo de simbolismo?

Para mí, Muertos y enterrados trata sobre el totalitarismo. Dobbs se convierte en el amo de toda la gente que vive en el pueblo y ellos acatan su voluntad, controlando así sus vidas. Para mí, ya digo, la película trataba de eso. La vida acaba con la muerte, pero en la película continua. Sin embargo, no envejeces, no cambias, no enfermas; simplemente es una continuación de la vida desde el punto de vista de la muerte y eso es lo que controla Dobbs. Es alegórico en cierto sentido. Y el totalitarismo es una forma extrema de conservadurismo. El conservadurismo, por definición, mantiene el pasado y evita el cambio. Y las fotos conservan el pasado. Y, volviendo a lo que decía antes, en Muertos y enterrados Dobbs crea un mundo que controla absolutamente, cierto. Pero también es un mundo que siempre se mantendrá igual.

En este sentido, quizás no es casual el que los zombis puedan ser interpretados también como la mejor representación del ideal del capitalismo. Al fin y al cabo es mano de obra que no come, no piensa, no reclama sus derechos y no necesita descansar…

No estoy de acuerdo. Los zombis son el medio perfecto para el fascismo: hordas totalmente a la orden de un líder malévolo donde el producto de muchos alimenta solo a los pocos más importantes. Lo que está ocurriendo actualmente en los Estados Unidos no es lo que un capitalismo democrático debía ser. El capitalismo sigue una línea muy fina. Cuando se encuentra en el equilibrio adecuado, les brinda a todos una oportunidad igual de tener éxito y obtener ganancias de su trabajo. Cuando el verdadero capitalismo democrático se mezcla cuidadosamente con lo mejor del socialismo para mí es lo más cerca que podemos llegar a la utopía. Pero bajo una administración dirigida por fascistas, es decir, Trump, el verdadero capitalismo democrático ha sido subvertido y manipulado para dar a la clase obrera la ilusión de que están siendo elevados cuando no lo están. Les están utilizando para llenar los bolsillos de los súper ricos a medida que nuestro planeta está siendo destruido.

Dejando a un lado sus connotaciones políticas, casi cuarenta años después de su realización llama la atención el nivel de gore que tiene la película, y lo bien plasmado que está este aspecto desde el punto de vista técnico. ¿Tuvisteis algún problema por ello?

No hubo problemas porque fue una película que teníamos muy bien planteada. El director de fotografía, Steven B. Poster, que era su primer trabajo para el cine, hizo un gran trabajo y, aparte, teníamos a Stan Winston como técnico de efectos. Sí que cuando se estrenó se habló mucho de este tema. Pero desde entonces se ha podido ver la película sin problemas.

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Tras Muertos y enterrados, tu siguiente película es uno de los escasos trabajos para la gran pantalla de tu filmografía fuera del género fantástico y de terror. Me refiero a La jauría del vicio (Vice Squad, 1981), que en alguna ocasión has declarado como tu film favorito de todos los que has dirigido. ¿Me podrías explicar los motivos?

Cuando terminé Muertos y enterrados estaba muy enojando por todos los cambios que te he comentado que hubo debido al cambio de productoras. También lo estaba el estudio. El presidente de Embassy Films, Robert Rehme, también luchó para evitar los cambios que se querían hacer al film. Pero el estudio lamentablemente solo tenía capacidad para distribuir, pero no tenían poder creativo para deshacer los cambios que habían hecho. Así que al final tuvimos que aceptar los cambios que nos habían impuesto. Entonces Robert Rehme me llamó a su despacho y me dijo: “Déjales que hagan esos cambios en Muertos y enterrados, no van a cambiar significativamente la película. Hagamos otra película juntos. Esta vez la harás para el estudio y te prometo que no habrá cambios”

Me dejó un montón de guiones encima de la mesa para que los leyera y eligiera cuál quería hacer. Entre estos guiones me encontré con el de Vice Squad. El guion me pareció terrible cuando lo leí, pero la idea de que sucediera en una noche me pareció fantástica. También era una excusa para que yo pudiera introducir otro de los temas políticos que a mí me importan y que en este caso era el de la violencia contra las mujeres. Para mí y para otros muchos críticos que la vieron cuando se estrenó, Vice Squad es una película de terror. El personaje de Ramrod es tan monstruo como lo puede ser la criatura de Alien. Así que Vice Squad es una película de monstruos, ya que Ramrod es un ser maligno. No hay nada de humano en él, podría verse como la esencial del mal.

Por otra parte, también quise apartarme un poco de hacer películas de terror porque después de lo que había pasado con Death Line y Muertos y enterrados, tenía la sensación de que ese tipo de películas no se respetaban por ser de terror. Pensé que si me apartaba un poco podría conseguir algo más de respeto para la película. Así que por eso elegí Vice Squad. Y es mi película. La hice como quise, no hubo cambios, y acepto tanto las críticas malas que pueda tener como las alabanzas y los aplausos. Quería mostrar sobre todo que la violencia contra las mujeres es fea en todos los sentidos, e hice que esa violencia fuese lo más desagradable posible para esa época, aunque hoy se podría ir un poco más allá. Es por ello que esta película es una de mis favoritas. Estoy muy orgulloso de la interpretación de Season Hubley y de toda la película en general.

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Otro de tus trabajos más conocidos entre los aficionados es Fenómenos extraños III (Poltergeist III, 1988), la cual has comentado que quizás no deberías de haber rodado. Imagino que en tales palabras pesarán los muchos problemas que tuviste que enfrentarte durante su producción, entre ellos la muerte de Heather O’Rourke, la niña protagonista…

Poltergeist III no era una película que yo quisiese hacer. La hice porque Jay Kanter y Alan Ladd Jr. dirigían la MCA Inc.[3] como presidente y vicepresidente ejecutivo, respectivamente. Ellos me habían dado Death Line y estaba en deuda con ellos. Me pidieron que hiciera la tercera parte de Poltergeist y les dije que no. Pero me respondieron que tenía que hacerlo por ellos, ya que necesitaban saber que esa película la iba a hacer alguien en quien ellos confiaran. Y al final accedí a hacerla. Entonces les dije: “Oye, quiero hacerlo en el edificio John Hancock en Chicago porque quiero crear la casa encantada más grande del mundo y también quiero realizar efectos prácticos”. Y posiblemente Poltergeist III sea la última gran película en usar efectos prácticos; después de ella todo el mundo haría ya efectos CGI.

De todos modos, he de decir que fue una película muy difícil de hacer con efectos prácticos. Originalmente lo que escribí para el final de la película iba a ser muy caro de rodar. El estudio entonces me persuadió para simplificarlo y que pudiera hacerse por menos dinero. Así que escribí otro final con el que no estuve contento, pero ellos sí. Lo rodamos y fue una mierda, era un final terrible. No me gustaba, a ellos tampoco, lo testaron con público y tampoco gustó. Así que les convencí de volver un poco al final original pero de forma más modesta en cuanto a presupuesto. Íbamos a rodarlo, estábamos con la preproducción cuando Heather murió. El día de su funeral fue probablemente el peor día de mi vida. Yo adoraba a esa niña, quería adoptarla (risas). Mi novia y yo solíamos llevárnosla y hacer montones de actividades con ella. La adoraba. Así que cuando murió fue totalmente devastador. Fue tan repentino…

El día después del funeral fuimos a las oficinas de MCA con la decisión de no terminar la película, pero la junta directiva de MCA opinaba de forma distinta. Decían que se habían invertido muchos millones de dólares y que tenía que terminarla. Imagino que la aseguradora no tenía la intención de cubrir los gastos de película como consecuencia de la muerte de Heather, porque la película ya se había terminado una vez con ese final tan malo que he comentado. Así que la junta directiva nos dijo que o la terminábamos nosotros o lo harían otros. Así que filmamos ese mal final que hay en la película y que hicimos sin Heather, usando una doble en los brazos de Tom Skerritt. Tampoco nos importaba demasiado, ya que no queríamos terminar la película. Es gracioso que Kipley Wentz, que interpretaba a Scott, tampoco estaba disponible para esas regrabaciones del final, porque estaba en Yale o en Harvartd haciendo exámenes finales… Así que tampoco aparece (risas). Probablemente se quedara en el otro lado. ¡Nos daba totalmente igual! Ninguno de nosotros hizo promoción para le película: ni Tom, ni Nancy [Allen], ni Zelda. No queríamos que se nos asociara con una película donde había muerto una niña de once años.

Así que me distancié de la película hasta hace poco, ya que los efectos prácticos han tomado mucha relevancia con el paso del tiempo. A los fans del género les gusta ver efectos reales, no hechos por computadora, y Poltergeist III es como la enciclopedia definitiva de cómo hacer esos efectos. Así que ahora estoy escribiendo un libro sobre la ejecución de los efectos prácticos de la película, y también he dado charlas en festivales de cine de terror y universidades sobre este tema, que en realidad es el único del que me gusta hablar de este film. No de la película en sí, que además quedó corta, debido a que no pudimos rodar el final original que ocupaba unas diecisiete páginas de guion y tampoco queríamos usar aquel otro horrible que también rodamos, por lo que tuve que usar todo lo que tenía para que la película llegara a la duración propia de un largometraje. Estoy orgulloso de los efectos, pero no de la propia película.

José Luis Salvador Estébenez

Traducción: Tarik Amorouch García

Fotografías: Juan Mari Ripalda

[1] Nota del autor: Jay Kanter es un productor y agente de actores. También ha escrito varias biografías de Grace Kelly y Marlon Brando.

[2] N.d.a.: Guionista especializado en ciencia ficción y autor de la historia de Alien, el octavo pasajero.

[3] Music Corporation of America fue una empresa estadounidense de comunicación que englobaba música y televisión. Actualmente ha sido rebautizada como Universal Music Group. En 1997 fue adquirida por Metro-Goldwyn-Mayer y se fusionó en MGM/MCA. (Extraído de Wikipedia: https://es.wikipedia.org/wiki/Music_Corporation_of_America).

Published in: on julio 15, 2019 at 5:47 am  Dejar un comentario  
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