Lanzamientos de “Vial of Delicatessens” para abril

Fiel a lo que se está convirtiendo en una cita mensual, “Vial of Delicatessens” anuncia el lanzamiento para el próximo miércoles 19 de dos nuevas entregas de su colección “Cinema Bis” que distribuye Cameo. Se trata de las setenteras No miréis en el sótano y Asesino sangriento que saldrán a la venta a un P.V.P. recomendado de 11,95 €.

NO MIREIS EN EL SOTANO FRONTAL

Catalogado por “All Movie Guides” como un título básico del terror de los 70, No miréis en el sótano explora el lado más oscuro de la naturaleza humana por medio de un macabro cuento ambientado en el sanatorio Stephens, un hospital para enfermos mentales. Los métodos experimentales del Dr. Stephens permiten a los enfermos dar rienda suelta a sus filias y obsesiones, hasta que un hachazo fatal marca el inicio del fin. La joven enfermera Charlotte, recién llegada al hospital, sufrirá las consecuencias. Inédita en salas españolas, y editada únicamente en vídeo en una copia amputada, “Vial of Delicatessens” rescata la versión íntegra de este título de culto de la era de los grindhouse, definida como un cruce entre Alguien voló sobre el nido del cuco y La noche de los muertos vivientes por el “Slaughterhouse Magazine”. Lo hace ofreciendo la película en su versión original subtitulada en castellano, imagen en 1.78:1 con mejora anamórfica y varios contenidos extras, entre los que se encuentra el corto Mental Hospital de Layton Mabrey.

ASESINO SANGRIENTO FRONTAL

Por su parte, Asesino sangriento ha sido considerada como una relectura a lo bestia de Psicosis, mientras que su argumento se anticipa al de La noche de Halloween, marcando un sangriento hito en el cine de terror de los 70. El pequeño Matthew, un niño introvertido, asesina sin más explicaciones a su padre pasándole por encima con un tractor, por lo que acaba siendo recluido en un sanatorio. Años más tarde es dado de alta y vuelve a reencontrarse con su madre. Pero al ver que ella ha rehecho su vida con otro hombre, inicia un recorrido de sangrientos y crueles crímenes. Según el crítico Dick Birdie, se trata de uno de los mejores pre-Slashers de los setenta y el mejor título del excéntrico director Marc B. Ray, quien además, contó con los servicios actorales de Angus Scrimm, el mítico “hombre alto” de Phantasma, para uno de los papeles de esta pieza de culto que, pese a gozar de un merecido culto en el extranjero, nunca llegó a nuestro país, ni a salas comerciales, ni a formatos domésticos. Un vacío que remedia la presente edición, en la que se incluye la película con imagen en 1.78:1 anamórfica, audio en versión original con subtítulos al castellano, y un apartado de material extra en el que se encuentran los cortometrajes Salud mental y Del cementerio al lado de aquella casa.

Más información y pedidos en: http://vialofdelicatessens.blogspot.com.es/

Published in: on abril 16, 2017 at 5:59 pm  Dejar un comentario  

Finaliza el rodaje de “Los olvidados”, la nueva película de los hermanos Onetti

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Tras las sendas cartas de amor al giallo italiano que supusieron sus previas Sonno Profondo (2013) y Francesca (2015), los hermanos Luciano y Nicolás Onetti acaban de concluir el rodaje de Los olvidados (What the Waters Left Behind), “una de las más ambiciosas propuestas del cine de terror argentino”, en palabras de sus responsables, que ahora encara su etapa de post-producción. El proyecto resultó ganador del Primer Concurso de Cine de Género Fantástico organizado por el INCAA.

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En esta ocasión, los hermanos Onetti dejan la influencia del terror italiano de los setentas que caracterizara a sus anteriores trabajos para embeberse del slasher más clásico de carretera, en la línea de La matanza de Texas y Las colinas tienen ojos. En su historia, un grupo de jóvenes parte a las ruinas de Epecuén a filmar un documental sobre los fatídicos acontecimientos que borraron del mapa a esa localidad en los años ochenta. Pero en su camino se cruzarán con una serie de terribles personajes que les demostrarán que hay cosas peores que la muerte.

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Epecuén era una de las villas turísticas más importantes de la Argentina debido a las propiedades curativas de sus aguas termales. El 10 de noviembre de 1985 un enorme caudal de agua rompió el terraplén que protegía la ciudad, quedando sumergida bajo diez metros de agua salada. Epecuén desapareció. Treinta años después el agua se retiró y las ruinas emergieron dejando expuesto un paisaje desolador. Los pobladores nunca regresaron.

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Los olvidados es la primera película de género a nivel mundial en ser filmada íntegramente con la tecnología Freefly MOVI, herramienta que viene a ser el futuro del sistema steadycam. En cuanto a su elenco, está encabezado en sus papeles principales por los jóvenes talentos de Agustín Pardella, Victoria Maurette, Victorio D´Alessandro, Paula Brasca, Paula Sartor y Tamara Garzón, acompañados de actores veteranos como Mirta Busnelli, Gustavo Garzón, Chucho Fernández, Germán Baudino, Damián Dreizik y el norteamericano Evan Leed.

Más información: https://www.facebook.com/Los-Olvidados-What-the-Waters-Left-Behind-546582725552452/?fref=ts

Published in: on enero 23, 2017 at 6:57 am  Dejar un comentario  

“Vial of Delicatessens” edita en Dvd los films de culto setenteros “Aquelarre sangriento” y “Carnaval de sangre”

Tras lanzar al mercado hace apenas un par de meses El enterrador y sus colegas, “Vial of Delicatessens” prosigue con su propósito de acercar a los aficionados españoles clásicos ignotos de la serie B y Z terrorífica producida en los Estados Unidos durante las décadas de los 60 y los 70 en las mejores condiciones posibles. Acorde a este propósito, desde mañana 20 de julio estarán disponibles de la mano del sello-fanzine dos nuevos títulos que responden a estas características. Se trata de Aquelarre sangriento (Blood Sabatth, 1972) de Brianne Murphy y Carnaval de sangre (Carnaval of Blood, 1970).

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Título característico del cine de terror comercial de la década de los 70, cuando el culto al diablo en las películas era metáfora de los males de la sociedad americana, Aquelarre sangriento entremezcla terror, brujería satanista y erotismo con el telón de fondo de las heridas abiertas en los Estados Unidos por su participación en la Guerra del Vietnam a través de las andanzas de un excombatiente en el conflicto asiático que a su regreso a casa se ve perseguido por un grupo de mujeres. En su intento de burlar la persecución, cae por un terraplén y pierde el conocimiento. Es despertado por una joven y bella muchacha, de la cual se enamora. Pero lo que ignora es que esa joven es un cuerpo sin alma poseído por una bruja.

CARNAVAL DE SANGRE frontal

Por su parte, Carnaval de sangre está considerada uno de los precursores del slasher norteamericano que tanto furor causara a finales de esa década a raíz del estreno de la insuperable La noche de Halloween (Halloween, 1978) de John Carpenter. Ópera prima como director de Leonard Kirtman, nombre de referencia en el cine sexploitation americano de los años 70 y plagada de sangrientos crímenes misóginos, la película nos traslada hasta el mundialmente famoso parque de atracciones de Coney Island de Nueva York, para descubrir al responsable de los brutales asesinatos que noche tras noche vienen sucediéndose en el lugar y que tienen como víctimas una mujer decapitada, un cadáver sin ojos, y otra al que han arrancado los intestinos. ¿Quién es el asesino? ¿El extraño y sospechoso Gimpy? ¿El apuesto Dan o la bella Laura?

Editadas en formato Dvd con disco prensado, Aquelarre sangriento y Carnaval de sangre son ofrecidas con audio en versión original y doblaje al castellano, subtítulos en este último idioma e imagen en 1.33:1. Como extras, se incluye el trailer de los respectivos films, además de documentales sobre el parque de atracciones de Coney Island en el caso de Carnaval de sangre, pudiendo adquirirse ambas ediciones a un precio unitario de 11,95 €, con gastos de envío incluidos para territorio nacional, a través de la propia web de “Vial of Delicatessens”: http://vialofdelicatessens.blogspot.com/

Published in: on julio 19, 2016 at 5:50 am  Dejar un comentario  

Noche silenciosa, noche sangrienta

La salida al mercado el pasado mes de noviembre por parte de Tyrannosaurus de la novelización de Noche silenciosa, noche sangrienta, supone una inmejorable excusa para acercarnos a esta oscura película, la cual, y aunque con el paso de los años ha logrado crearse una pequeña legión de admiradores en torno suyo en medio mundo, aún continúa inédita en nuestro país en DVD.

Tras la publicación, en mayo del 2015, de La noche de los muertos vivientes en forma de novela, la barcelonesa Tyrannosaurus Books nos sorprendía hace apenas unos meses con la puesta a la venta de la novelización de otro film de culto, Noche silenciosa, noche sangrienta: y si bien la película dirigida por el ignoto Theodore Gershuny no llega a rozar siquiera el nivel de seguimiento de la obra maestra de Romero, sí que es merecedora en cambio, y por más de un motivo, de la, en ocasiones, aleatoria etiqueta de cult movie, como trataremos de explicar a continuación.

Como en el caso de la de La noche de los muertos vivientes esta adaptación viene firmada por Declan Sinnot y, también como era de esperar, el libro toma como guía (en ocasiones de manera demasiado literal), el tortuoso relato contenido en el film que toma como base; una modesta película estrenada con no demasiado éxito a comienzos de los setenta pero que se fue ganando con el tiempo cierto status entre los aficionados, sobre todo gracias a su condición de precursora de las cintas pertenecientes al subgénero slasher que se rodarían a partir de entonces y durante las siguientes décadas.

Producida por la Cannon pre-Golan & Globus, y por el Lloyd Kaufman anterior a la fundación de la Troma, Noche silenciosa, noche sangrienta fue filmada en las afueras de Nueva York por un reducido equipo proveniente de la escena underground de la ciudad. Dirigida por Theodore Gershuny y protagonizada por su entonces esposa Mary Woronov, actriz y modelo que antes de convertirse en una habitual de la escudería Corman (por títulos como La carrera de la muerte del año 2000 o Hollywood boulevard), había formado parte de la factory fundada por Warhol a comienzos de la década anterior, al igual que otros personajes asimismo presentes en esta película, como veremos más adelante.

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A la hora de llevar a buen puerto la filmación de La noche de la oscura luna llena (junto a Deathouse, otro de los títulos alternativos de la película), el director y su peculiar troupe lo hicieron valiéndose de un reducido presupuesto de apenas 300.000 dólares; los mismos con los que, por otra parte, contaría casi una década más tarde John Carpenter para acometer la realización de La noche de Halloween (Halloween, 1978), película con la que la de Gershuny comparte más de una similitud, además del aspecto económico.

Nos podemos encontrar de esta manera con coincidencias puntuales entre ambas como pudieran ser la fuga del asesino de una institución mental, o la ubicación temporal de la trama en el marco de una festividad típicamente americana; navidades, en un caso, la noche de brujas, en el otro. A todo ello habría que sumar el hecho de que parte de las andanzas del psychokiller nos sean mostradas desde su propio punto de vista, así como que el motivo que le impulsa a cometer sus crímenes tenga su origen en un suceso de naturaleza traumático-familiar que tuvo lugar en el pasado. Trágico acontecimiento éste que, como era de prever, irán pagando con sus vidas toda una serie de personajes relacionados con las diferentes instituciones (la alcaldía, la oficina del sheriff, el diario local…) del pequeño y, en apariencia, tranquilo pueblo de Willard.

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Esta retorcida historia de venganza, en la que todos y cada uno de los personajes implicados parecen tener un terrible secreto que ocultar, viene firmada por Jeffrey Konvitz, por aquella época un simple abogado que trabajaba en la Gran Manzana. Sin embargo, y apenas un par de años después del estreno de esta película, Konvitz lograría situarse en los primeros puestos de las listas de best-sellers gracias a su primera novela, la también terrorífica La centinela: relato éste con ecos de La semilla del diablo que contaría con una posterior, y excelente, adaptación cinematográfica por parte de Michael Winner, en la que, curiosamente, y al igual que esta Noche silenciosa, noche sangrienta, contaría en su reparto con la presencia de John Carradine.

En lo que respecta al guion del título que nos ocupa, resulta evidente en esta ocasión que es el Psicosis de Alfred Hitchcock el principal referente del que se sirve Konvitz a la hora de dar forma a su libreto. Y no sólo por su clara adhesión temática al american gothic, o a la preponderancia en ambas de una morada de ominosa presencia (el motel Bates y la mansión Butler, respectivamente), sino también por la desembozada invocación de ciertos resortes y trucos narrativos ya presentes en el clásico estelarizado por Anthony Perkins. Por ejemplo, y como justamente ocurría en el film de Hitchcock, aquí se nos hace creer que determinado personaje va a ser el principal protagonista de la historia, para poco tiempo después quitarlo de en medio de manera pretendidamente sorpresiva. Volviendo a La centinela, y puestos a buscar rasgos en común, resulta curioso comprobar el hecho de que ambos films escritos por Konvitz cuenten con el personaje de un padre que, debido a su amoral comportamiento, influye de manera tan negativa en la estabilidad mental de su hija que la conduce inevitablemente a la locura… aunque en diferentes grados en ambos casos, eso sí.

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En lo referente a su ritmo narrativo, y aun contando con la baza de un impactante comienzo, por desgracia su devenir posterior acaba resultando algo monótono, como por otra parte lo es el de la inmensa mayorías de films adscritos a este subgénero. A pesar de todo es de justicia reconocer que en casi ningún momento se termina por perder el interés por aquello que se nos muestra en pantalla. En realidad, el mayor problema de la película lo podríamos encontrar en el hecho de que, y con la posible excepción del encarnado por Mary Woronov, todos los personajes muestran ya desde el principio un comportamiento tan excesivamente mezquino que, como espectadores, no nos llega a importar demasiado en realidad si éstos finalmente viven o mueren.

Así las cosas, y entre la curiosa galería de especímenes que desfilan por su metraje, cabría destacar el incorporado por Patrick O’Neal, protagonista unos años antes de La carta del Kremlin, de John Huston, y presente asimismo en ejemplares del género tan distintos como La cámara de los horrores o The Stuff (Innatural): en el caso de Noche silenciosa, noche sangrienta O’Neal interpreta a un abogado de mediana edad llegado a Willard con el propósito de ejercer de intermediario en la venta de la mansión, a la vez que aprovechará tal circunstancia (además de para sacar tajada económica), para mantener un affaire extramarital con su mucho más joven secretaria.

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Resulta inevitable asimismo no mencionar al ubicuo y antes citado John Carradine; visto lo visto, ninguna película de terror era lo suficientemente modesta, ni ningún papel lo bastante insignificante, como para no contar en ella con el concurso del ya veterano actor. En esta ocasión el patriarca de los Carradine interpreta al pintoresco y mudo editor del periódico local, el cual, y dada su condición, se comunica con el resto de personajes exclusivamente a través de un timbre.

Retomando nuevamente a su historia, seguramente la algo rutinaria evolución de los acontecimientos ayude por otra parte a que la lectura del diario de Simon Butler (punto clave en la resolución de la trama), resulte aún más impactante si cabe. Este descubrimiento nos es mostrado a través de un inquietante flashback, radicalmente alejado del estilo visual del resto de la película, más cercano al “arte y ensayo” – e incluso al surrealismo –  antes que al goticismo reinante en la mayor parte de la cinta. Además, y no creemos que responda a la casualidad, en esta suerte de enloquecida performance participan también algunos de los componentes de la antes mencionada factory de Warhol, como pudieran ser los casos de Ondine, el travesti Candy Darling, o el actor, y también director de Flaming Creatures o Thundercrack!, Jack Smith.

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A pesar de este altamente perturbador clímax final, si a día de hoy Noche silenciosa, noche sangrienta figura en los libros de la historia del género es principalmente por establecer las bases fundamentales, junto a la posterior y bastante superior Navidades negras, de lo que un tiempo más tarde se conocería como slasher, modalidad ésta que contaría entre sus más célebres exponentes con títulos tan legendarios y sobreexplotados como La matanza de Texas, Viernes 13 o la ya citada La noche de Halloween.

Tras permanecer oculta más de una década, este protoslasher disfrutaría de una segunda vida con el pase que el programa televisivo Elvira’s Movie Macabre le dedicara a mediados de los 80, para pasar más tarde a ser una obra de dominio público y, por lo tanto, libre de derechos para cualquiera que quisiera comercializarla en formato doméstico a partir de entonces. Esta característica, sumada al hecho de que el culto en torno a ella no ha hecho más que crecer a lo largo de los años, ha propiciado que recientemente se rodaran un par de secuelas oficiosas, Silent Night, Bloody Night: The Homecoming (2013), y Silent night, Bloody Night 2: Revival (2015), sin ningún tipo de relación o continuidad entre ambas.

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En cuanto a la novela editada ahora por Tyrannosaurus, si ésta cuenta con algún mérito es principalmente no representar una mera extensión de la historia narrada en la película del 72. El texto de Declan Sinnot cuenta de esta manera con una entidad propia, por mucho que se atenga (de forma demasiado taquigráfica en ocasiones), tanto a los diálogos que los diferentes personajes mantienen entre sí como a las descripciones físicas de los actores que encarnan a los mismos.

En cualquier caso, la novela se revela necesariamente menos sutil que el film en la que se basa, sobre todo a la hora de lograr mantener ocultos todos los secretos que de forma progresiva se nos van desvelando en la película: esto ocurre desde el preciso momento en el que el autor decide desvelar más temprano las motivaciones del asesino, otorgándole así al mismo tiempo un mayor protagonismo del que goza en la cinta de Gershuny, en la cual permanece oculto durante la mayor parte del metraje.

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Por otro lado, lo más satisfactorio de enfrentarse a una obra de tan singular gestación es que esta novelización de Noche silenciosa, noche sangrienta no engaña absolutamente a nadie ni tampoco pretende ser nunca más de lo que es, no ocultándose así en momento alguno su asumida condición de producto derivativo… y hasta bastardo.

De este modo, su autor se muestra tan efectista como eficaz, tan descriptivo como desvergonzadamente sangriento y sensacionalista, potenciando así hasta sus últimas consecuencias todos aquellos elementos que eran tan sólo sugeridos en la película… sobre todo en lo concerniente al sexo y a la violencia. Por poner un ejemplo, Sinnot consagra nada menos que un capítulo entero a la hora de describirnos (con todo lujo de detalles, por supuesto) los dos primeros crímenes, cuando en cambio en el film, y aun conservando todo su impacto y crudeza, estas muertes en concreto se resuelven en apenas unos segundos.

En resumidas cuentas, y tanto si se conoce la película que toma como modelo como si no, la lectura de esta novela – presentada además en un tan entrañable como manejable formato bolsilibro –  resulta satisfactoria al 100% y, por lo tanto, recomendable en igual medida.

José Manuel Romero Moreno

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FICHAS TÉCNICAS

EL LIBRO

Título: Noche silenciosa, noche sangrienta

Autor: Declan Sinnot

Editorial: Tyrannosaurus Books

Datos técnicos: 170 páginas (noviembre, 2015)

Sinopsis: Un cuerpo carbonizado aparece sobre la nieve del jardín de la casa Butler. Veintidós años después llegará al pequeño pueblo de Willard un abogado con la orden, por parte del nieto de Butler, de vender la casa. Una venta que reabrirá viejas heridas del pasado en las fuerzas vivas de la comunidad y desvelará un terrible y oscuro secreto.

LA PELÍCULA

Título original: Silent Night, Bloody Night

Año: 1972 (Estados Unidos)

Director: Theodore Gershuny

Guionistas: Theodore Gershuny, Ira Teller y Jeffrey Konvitz

Fotografía: Adam Giffard

Interprétes: Patrick O’Neal, James Patterson, Mary Woronov, Astrid Heeren, John Carradine, Walter Abel, Fran Stevens…

Sinopsis: Al convertirse en el único heredero de la antigua mansión familiar, Jeffrey Butler visita el lugar para proceder a su venta, pero ahora alguien ha vuelto para vengarse y los posibles compradores están siendo asesinados. Mientras Jeffrey, que irá descubriendo su pasado, se unirá a Diane Adams, la hija del alcalde, para tratar de descubrir el misterio.

Tyrannosaurus Books publica la novelización de “Silent Night, Bloody Night”

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Noche silenciosa, noche sangrienta es el último título aparecido dentro de la línea editorial que viene dedicando Tyrannosaurus Books a novelizaciones de films de culto del género de terror. Desde el pasado 27 de noviembre puede adquirirse a un PVP recomendado de 9,95€ esta adaptación literaria de este proto slasher dirigido en 1973 por Theodore Gershuny bajo el nombre de Silent Night, Bloody Night y objeto de un reciente remake hace un par de temporadas.

La trama nos traslada a la Nochebuena de 1950 en un pequeño pueblo estadounidense llamado Wiilard cuando un cuerpo carbonizado aparece sobre la nieve del jardín de la casa de los Butler. Veintidós años después llegará a la población un abogado con las órdenes de los descendientes de los Butler de vender la casa. Sin embargo, alguien también volverá para vengarse en las personas de los posibles compradores de la propiedad. Un misterio que reabrirá viejas heridas del pasado en las fuerzas vivas de la comunidad y que acabará por desvelar un terrible y oscuro secreto

Valiéndose de un narración directa, contundente y extremadamente violenta, el encargado de llevar al papel esta macabra y aterradora historia es Declan Sinnot, autor estadounidense especializado en novelettes de género y novelizaciones de grandes clásicos del celuloide, entre las que figura el clásico de George A. Romero, La noche de los muertos vivientes (Night of the Living Dead,1968), también publicado anteriormente por Tyrannosaurus Books.

Más información: www.tyrannosaurus.es

Published in: on diciembre 9, 2015 at 6:26 am  Dejar un comentario  

Entrevista a Rafa Martínez, director de “Sweet Home”

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Activo desde finales de los 90 como realizador publicitario y de videoclips, Sweet Home ha supuesto el debut en el formato largo de Rafa Martínez, tras la exitosa andadura cosechada por sus cortometrajes Zombies and Cigarettes -codirigido junto a Iñaki San Román-, y Halloween Before Christmas en su paso por festivales. Producida por Filmax, Sweet Home se presenta como una película realista y claustrofóbica que no pierde de vista el lado más terrorífico”, según indica su nota de prensa, que toca además un tema de candente actualidad: el mobbing inmobiliario. En ella, una pareja interpretada por Íngrid García-Jonnson y Bruno Sevilla deciden pasar la noche en un edificio semiabandonado del que ella tiene las llaves. Pero lo que debía de ser una velada romántica acabará convirtiéndose en una auténtica pesadilla una vez descubran la presencia en el lugar de unos encapuchados que han asesinado al único inquilino que quedaba en el recinto.

Coincidiendo con el estreno de la película este fin de semana en toda España, mantuvimos vía mail la siguiente entrevista con Martínez, en la que el también montador y coguionista de la películas nos desgrana más detalles relacionados con su ópera prima.

– Tras realizar un par de cortos multipremiados en festivales de género fantástico debutas en el largo con Sweet Home. ¿Cual es la génesis del proyecto?

La génesis fue conseguir tener un proyecto asequible y producible para mi primera película. Algo barato pero en el que pudiese mostrar todas las cosas que me gustaría hacer en una primera peli. El mobbing inmobiliario llegó en la fase de investigación. Teníamos claro que no queríamos hacer nada de terror sobrenatural sino algo realista y a la vez muy lúdico, por lo que el tema del acoso inmobiliario llegó de manera muy natural. Nos encantaba la idea de hablar de algo tan “chungo” y perverso como eso, pero a la vez hacerlo desde un punto de vista de cine de entretenimiento. En realidad es algo con lo que he crecido. Los Goonies va exactamente de eso. A ellos les quieren echar de su casa para construir un campo de golf y al encontrar el tesoro pueden recuperar su casa, ¿recuerdas?

– ¿Cómo entra Filmax en la película?

De manera colateral. Llegó a través de otros productores que al principio estaban interesados. Después de que los otros productores saliesen del proyecto contacté de nuevo con Filmax y ellos buscaron la financiación y levantaron el proyecto.

– Por cierto, la película está coproducida por Polonia. ¿En qué ha consistido su aportación y/o participación?

Hicimos toda la posproducción en Varsovia. Etalonaje, los pocos DFX que hay y, sobre todo, el diseño de sonido y mezcla. Todo lo relacionado con las postproducción se hizo allí excepto la música que Ginés Carrión la compuso y mezcló en Madrid. La trabajamos vía Skype desde Polonia.

Rafa conversa con un miembro del equipo durante el rodaje.

Rafa conversa con un miembro del equipo durante el rodaje.

– Para dar forma al guion has contado con la ayuda de Teresa de Rosendo y Ángel Agudo. ¿De qué forma os habéis repartido las funciones y como ha sido el proceso de escritura?

Fuimos tres porque fue un proceso largo. Nadie o casi nadie invierte en desarrollo en España y menos en una ópera prima, por lo que para mover un guion tienes que escribirlo gratis. Y hay que vivir, trabajar y pagar el alquiler, por lo que los procesos siempre se alargan. A lo largo de tres años, que fue el tiempo que tardamos en total en tener una versión digna, pasamos por muchas fases. Y en realidad hubo pocos momentos en los que trabajamos los tres juntos. Nos tuvimos que ir acoplando mientras podíamos. Nos repartíamos las versiones aunque las últimas fases ya las escribí yo sólo por ir ajustando todo a dirección.

– Como ya adelantabas antes, la trama se hace eco de un tema tan desgraciadamente actual en nuestro país como el del problema de la vivienda y, más concretamente, el del mobbing inmobiliario. ¿Cuánto de aportar cierta cercanía al espectador y cuanto de crítica social hubo en su elección?

Hay una mezcla de las dos cosas. Por un lado para anclar la peli en la realidad y construir unos perfiles de personajes cercanos a nosotros (la peli está rodada en inglés pero es muy española), y por otro para realizar una crítica a una situación muy perversa que se produce en nuestra sociedad. Hay una generación que ya no sirve para la rueda capitalista (la gente mayor) y otra a la que hay que empezar a explotar (la joven). A unos les quitan sus casas de toda la vida para darle una más pequeña y cara a las nuevas. Sólo en eso ya hay algo oscuro para contar en la peli. Una vez planteado el problema y los personajes, la peli no para y torna hacia el thriller, el terror y la aventura. Aunque el plano final nos vuelve a recordar de que va la peli. Pero insisto en que la peli es puro entretenimiento. Nunca hemos querido dar lecciones de nada, sólo divertir a la gente haciéndoles partícipes de una situación terrorífica que ellos conocen.

– Si bien la premisa de la historia podría encuadrarse en el subgénero de asaltantes de hogar, la presencia de un misterioso psicokiller la acerca a los terrenos del slasher. ¿Cómo la definirías al público?

Es una coctelera. Es cine social, luego una peli romántica, luego un thriller tipo La habitación del pánico, pero a veces es Solo en casa hasta que gira hacia el terror a veces rozando la comedia y termina como el rosario de la Aurora… Es lo que más me gusta de la peli, que no sé cómo clasificarla más allá de entretenimiento puro y duro.

Rafa dando instrucciones a Íngrid García-Jonnson.

Rafa dando instrucciones a Íngrid García-Jonnson.

– Dada la escasez de personajes que pueblan la trama la elección de los actores se antoja fundamental para dar soporte a la propuesta. ¿Cómo fue el proceso de casting?

Muy fácil. Yo quería a Bruno y a Ingrid y al final lo conseguí.

– Junto a la pareja protagonista, dentro del reducido reparto encontramos a todo un veterano como José María Blanco, quien a lo largo de su dilatada trayectoria ha trabajado a las ordenes de nombres tan importantes de nuestro cine como Jesús Franco, Vicente Aranda, Jorge Grau o José María Nunes, además de hacer sus propios pinitos tras las cámaras. ¿Qué tal ha sido la experiencia de trabajar con alguien de su bagaje siendo tú un director novel?

Pues un placer, la verdad. Sólo le descoloqué un poco con el tipo de personaje que quería y que él no se esperaba. Yo no quería un viejo marchito y cascarrabias, yo quería a un señor de puta madre y relativamente feliz al que le quieren echar de su casa.

– Otro de los platos fuertes de Sweet Home se encuentra en la presencia de su villano, apodado “El liquidador”, el cual como decíamos antes parece sacado de cualquier slasher de los años ochenta. ¿Cuáles eran tus principales referencias a la hora de darlo forma?

La referencia para El liquidador fue hacer un Michael Myers a la española. Nunca corre, no lo necesita, y es extrañamente efectivo y profesional. Como el malo real de la peli es invisible para el espectador crear a su ejecutor era realmente importante para nosotros. Cuidamos mucho a ese personaje, siguiendo las reglas del género.

–  Ya que estamos con el tema, en cuanto a tu trabajo en la dirección, ¿qué cineastas consideras que te han influenciado?

Millones, pero John Carpenter y Sam Raimi son mis mayores inspiradores internacionales, mientras que Jaume Balagueró, Paco Plaza y Alex de la Iglesia son mis ídolos españoles, crecí viendo sus pelis. Les admiro muchísimo.

– Junto con los interpretados por los actores, otro personaje de suma importancia en el desarrollo de la historia es el edificio en el que acontece y para el que contasteis con una construcción real sita en Barcelona. ¿Cuál era la idea inicial que teníais prevista y como disteis con esta casa?

Dar con la casa fue complicado. La peli tiene muchas trampas y ya en guión era muy precisa en la aventura que queríamos construir. Por lo que encontrar la casa perfecta fue complicado porque siempre había algo que no nos valía. Necesitábamos demasiados condicionantes para tener el edificio perfecto. Pero finalmente lo encontramos y, adaptando algunas cosas de guion, nos encajaba a la perfección.

– El hecho que la historia tenga lugar en un edificio semiabandonado real ubicado en Barcelona y que la producción corra por cuenta de Filmax hace que sea difícil no entrar en comparaciones con la exitosa saga [REC]. ¿Erais conscientes de estos parecidos según iba tomando forma el proyecto?

Eso es algo que no podemos evitar. Pero en realidad no tiene nada que ver. Se parece más a Sólo en casa o a la Jungla de cristal que a [Rec]. Pero tiene cosas también de Para entrar a vivir, de Mientras duermes, de Cuento de Navidad, de La comunidad… En realidad esos son mis referentes. Todo filtrado por el espectáculo americano y las pelis de terror de los 70, 80 y 90. Algo que precisamente aprendí viendo las pelis de Paco, Jaume y Alex de la Iglesia.

– Pese a desarrollarse en un único escenario, a nivel visual la película ofrece un encomiable trabajo escénico que hace que cada habitación, pasillo o escalera goce de una personalidad distinta, un poco a la manera de lo visto en Snowpiercer. ¿Cómo enfocasteis este asunto?

Como un pequeño tren de la bruja. Para darle variedad visual pensamos mucho en que cada espacio iba a ser diferente. Y que la peli cada vez se iba a embrutecer más y a tornarse roja… Al tener una sola localización trabajamos mucho para darle la máxima variedad posible al espectador. Hasta la realización va cambiando dependiendo del momento dramático en el que nos encontremos.

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– Entre tus antecedentes profesionales se encuentra tu ocupación como montador de teasers y tráileres de películas. Aunque solo fuera por deformación profesional, ¿durante el rodaje buscabas momentos concretos que pudieran servir para ilustrar la campaña publicitaria de Sweet Home?

Si, es algo que uno no puede evitar. El teaser lo monté antes incluso de terminar la peli. Durante el rodaje. Así que imagina si había cosas pensadas…

– ¿Hubo alguna anécdota durante el rodaje digna de ser contada?

La doble de Ingrid se aburrió mucho durante el rodaje porque Ingrid hacía casi todas las escenas peligrosas. Durante la pelea final, hasta pudo dormir un rato…

– Dejando ya tu ópera prima y mirando hacía el futuro. ¿te encuentras trabando ya en próximos proyectos?

Si y no. No sé que va a pasar. Si hacer una primera peli en España es difícil, hacer una segunda no es para nada más sencillo. No tengo ni idea. Tengo varios proyectos en la cabeza. De todos los tamaños, pero no se muy bien qué va a pasar ahora. Aunque hay uno que empecé a escribir en Varsovia que no puedo quitármelo de la cabeza…

– Pues no te molestamos más. Muchas gracias por tu amabilidad y disposición, y toda la suerte del mundo con tu película. Si quieres añadir algo más…

No, muchas gracias a ti. Un placer poder contarte cosas de la peli. ¡¡Un saludo!!

José Luis Salvador Estébenez

Published in: on mayo 9, 2015 at 6:58 am  Dejar un comentario  

Sweet Home

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Título original: Sweet Home

Año: 2015 (España, Polonia)

Director: Rafa Martínez

Productor: Julio Fernández

Guionistas: Rafa Martínez, Teresa de Rosendo, Ángel Agudo

Fotografía: Antonio J. García

Música: Ginés Carrión

Intérpretes: Ingrid García Jonsson (Alicia), Bruno Sevilla (Simón), Oriol Tarrida (El Liquidador), Eduardo Lloveras, Miguel Ángel Alarcón, Luka Peros (Encapuchados), José María Blanco (Sr. Ramón), Mariona Perrier (Sra. Carmen)…

Sinopsis: Una pareja decide pasar una noche romántica en un piso de un edificio semiabandonado al que se cuelan porque ella trabaja como asesora de inmuebles para el Ayuntamiento y tiene las llaves. Durante la velada descubren que unos encapuchados han asesinado al único inquilino que quedaba en el edificio… y ellos se convierten en su nuevo objetivo.

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Sweet Home se ambienta en un contexto tan desgraciadamente actual como es el asunto de los desahucios, un drama que afecta a miles de familias en este país. Sin embargo, no vamos a encontrarnos con un filme que pretenda buscar una reflexión en el espectador respecto al tema –aunque no falten escenas críticas–, sino con uno que busca el entretenimiento puro y duro. Rafa Martínez (Zombies & Cigarettes) debuta en el largometraje con un claustrofóbico slasher en el que se nos presenta a ‘El Liquidador’: el psychokiller hijo de puta que unos cuantos aficionados deseábamos ver, por fin, en una película de terror Made in Spain. Un tipo al que Rodrigo Rato ya hubiera querido tener en su plantilla…

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Todo en ella huele a clásico de videoclub. Sin duda, sus creadores son unos grandes conocedores de este cine del cual extraen, muy acertadamente, algunos elementos: ambientación y música ochenteras, asesino despiadado, momentos de suspense y de humor negro, gore a chorros y una rubia en peligro. Algo que sabrán apreciar los fans del género. Pero los mayores aciertos de Sweet Home son su ritmo y su estructura. Un thriller con buenos momentos de suspense se convierte en un brutal slasher, que nada tiene que envidiar al primer Alexandre Aja en cuanto a la crueldad de sus escenas. Una ópera prima en la que el director se atreve con un género de poca tradición en España –con resultados curiosos, en algunos casos, pero sin un título emblemático aún–, y lo hace con gran maestría tras la cámara, acertando con el plano requerido en cada escena. También destacable es el trabajo de los protagonistas Ingrid García-Jonsson y Bruno Sevilla –si en los créditos figurara un nombre anglosajón en lugar de este último, me lo creería–.

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Sweet Home es la clase de película que el fan del género desea encontrar en la cartelera de un cine: una palomitada salvaje y divertida, libre de pretensiones pero sin renunciar a una buena realización y con sustos, sangre a borbotones y un cabrón que se lo haga pasar mal a los buenos. Básicamente, es un filme que busca que el espectador pase un “buen mal rato” desde el momento en que se apagan las luces de la sala. Para quien quiera eso, esta es su película. Honesta como pocas.

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El tiempo y los aficionados dirán si estamos ante ese gran slasher patrio. Por lo pronto, me atrevo a creer que, junto a otros títulos como Secuestrados, será una película en la que se fijarán futuros realizadores que se adentren en este subgénero.

Rubén Íñiguez Pérez

PD: ¡Necesito la banda sonora!

Entrevista a Eugeni Guillem, co-director de “Los inocentes”

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Cuando apenas se ha cumplido un año de su estreno en el Festival de Cinema Fantàstic de Catalunya – Sitges, Cameo pone a la venta en DVD Los Inocentes, uno de los slashers más divertidos y frescos de los que se han realizado en España, territorio por cierto poco dado a este tipo de películas pero que ha perpetrado algún que otro clásico del género como Mil gritos tiene la noche de Juan Piquer Simón o Colegialas violadas de Jesús Franco.

El caso de Los inocentes es muy particular, pues surge como la asignatura final del curso de dirección de la escuela catalana ESCAC y en ella intervienen una docena de jóvenes directores (además de otros alumnos en otras funciones) dispuestos a darlo todo y con muchas ganas de sorprender al espectador. El resultado es una especie de revisión de Viernes 13 de Sean S. Cunningham y La quema de Tony Maylam, pero salpicada de grotescos gags que harán las delicias del público más curtido y festivo.

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Con motivo de su recién lanzamiento en DVD tuvimos el placer de poder hablar con Eugeni Guillem, uno de los co-directores del film, quien en la siguiente entrevista nos explica cómo fue la gestación y el rodaje de Los inocentes:

Juan Pedro Rodríguez Lazo

Published in: on octubre 28, 2014 at 9:13 am  Dejar un comentario  
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Este viernes se estrena “Casi humanos”

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Siguiendo su apuesta por el cine fantástico independiente más actual, este próximo viernes 5 de septiembre “La aventura audiovisual” estrenará en salas españolas Casi humanos, título tras el que se esconde la norteamericana Almost Human. Escrita, dirigida, (co)producida y fotografiada por el debutante Joe Begos, Casi humanos (Almost Human) supone un sincero homenaje al cine fantástico de los años 70 y, sobre todo, 80, en una operación que abraza el género desde una óptica respetuosa y de autoasumida modestia. Argumentalmente encuadrada en la temática de abducciones extraterrestres, en ella se dan ecos de clásicos como La invasión de los ladrones de cuerpos, la filmografía de John Carpenter, Terminator o La matanza de Texas, dentro de una coctelera argumental que combina con total desparpajo ciencia-ficción, terror, gore y slasher.

Sinopsis: En la pequeña localidad de Patten (Maine), Mark Fisher desaparece de su casa en medio de un cegador haz de luz. Su amigo Seth fue la última persona en verlo vivo, y en él recayeron todas las sospechas acerca de la desaparición. Pero Seth fue absuelto por falta de pruebas. Dos años después, una serie de espantosos asesinatos vuelven a sacudir la tranquilidad del pueblo. Seth está convencido de que Mark ha vuelto, pero convertido en algo distinto, extraño, maligno. Sus peores sospechas se convierten en realidad, y Seth deberá luchar contra algo que está más allá de lo que haya visto cualquier ser humano.

Con motivo de la llegada a salas comerciales españolas de esta interesante propuesta, el próximo miércoles os ofreceremos una entrevista con su director, Joe Begos, y el viernes, coincidiendo con su estreno, una reseña analítica de la película.

Published in: on septiembre 1, 2014 at 5:28 am  Comments (1)  

Entrevista a Geoff Klein y Melissa Mira, directores de “Pinup Dolls On Ice”

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Al igual que ocurriera en “Dark Visions” con Cruel & Inusual, el premio a la mejor película de “Madness”, la sección más gamberra de “Nocturna”, se marcharía hasta tierras canadienses. Dicho galardón recaería en Pinup Dolls on Ice, protagonista de la única sección golfa de esta edición y que en su visita madrileña estaría muy bien acompañada por sus dos co-directores, Geoff Klein y Melissa Mira. Gracias a su desparpajo y simpatía, ambos  se ganarían al público desde el primer momento, como quedaría demostrado en el improvisado concurso que sobre el escenario del Palafox organizaran como introducción a su película. Casualidades de la vida, minutos más tarde de conocerse el fallo del jurado mantuvimos la siguiente entrevista ya pactada en la que la guapísima Melissa, hija de inmigrantes chilenos, haría las veces de improvisada traductora, además de llevar la voz cantante.

Geoff, hace cinco años hacías tu debut como director con Bikini Girls on Ice a la que ahora se suma Pinup Dolls on Ice. ¿De dónde viene esta obsesión por las chicas bonitas en hielo?

Geoff: Todo empezó como una broma entre amigos. Un día, mientras estábamos en el vestuario del equipo de hockey, uno de mis amigos comentó que una de sus fantasías sexuales era contratar a una puta, llevársela a un hotel, llenar la bañera con hielo, congelarla hasta que se pusiera azul, y luego revivirla a pollazos. Aunque era algo bastante enfermizo, pensé que aquella idea daba para hacer un film. Y así nació Bikini Girls on Ice.

Melissa: Una vez terminada, la película participó en festivales, estuvo en Netflix, se vio en televisión… cuando en realidad no había sido realizada para que la gente la viera, sino que era un chiste entre Geoff y sus amigos. Las críticas casi pedían que Geoff dejara de hacer cine, comparando la película con el Halloween de Rob Zombie, Hatchet y otros grandes títulos. No era justo, porque, como decía, Bikini Girls on Ice no era otra cosa que una gran broma. Fue entonces cuando surgió la idea de hacer Pinup Dolls on Ice, como un fuck you a todas esas críticas. Es por eso que en la primera escena hay todo lo que la gente echaba a faltar en la primera: tetas, sangre…

¿Y como ha sido el proceso de financiación?

Melissa: Ha sido un proyecto completamente financiado por Geoff y yo, no hay nadie detrás de nosotros. Nos ha llevado tres años poder hacerlo. Durante este tiempo estuvimos viviendo en el sofá en casa de nuestros padres, alimentándonos de arroz hervido y simultaneando dos trabajos al mismo tiempo para poder invertir todo lo que ganábamos en la producción. Luego, en el rodaje hemos procurado hacerlo todos nosotros mismos, y lo que no hemos podido, como puede ser el sonido, lo ha hecho un amigo en su propia casa y no en un estudio. Es una película muy personal en todos lo sentidos.

¿Por qué elegisteis rodar precisamente una secuela, en lugar de algo que no tuviera nada que ver con  Bikini Girls on Ice?

Geoff: Desde el principio pensé en la serie “On Ice” como una trilogía. Entonces quería terminarla antes de pasar a otra cosa, porque todo lo que tenemos en la cabeza ahora mismo tiene que ver con “On Ice”. Tenemos que sacarlo de nuestro cuerpo antes de poder ponernos con otra cosa. Por otra parte, estaba esa intención que comentábamos antes de responder a aquellos que habían criticado a Bikini Girls On Ice.

¿Os decantasteis por pinups para protagonizar la película por alguna razón en particular?

Melissa: No. La idea de las pinups salió de forma espontánea. Podían haber sido bailarinas, chicas en patines o cualquier cosa. Salió así porque nos gustó la idea… La verdad es que no sé por qué las elegimos.

Geoff: Creo que poner en el título a un grupo de pinups suena mucho más real y sexy que cualquier otra estupidez que pudiese ocurrírsenos.

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Al contrario que en su predecesora, esta vez la habéis codirigido entre ambos. ¿Cómo surgió esta colaboración?

Melissa: Fue una cosa muy natural. Un día Geoff me preguntó si quería rodar una película con él, y yo, como no sabía nada del mundo del cine, le dije que de acuerdo. Lo más seguro es que si llego a saber todo el dinero que habría que poner y lo mucho que tendríamos que trabajar no habría aceptado…

¿Os habéis repartido las funciones de algún modo especial?

Melissa: Cuando empezamos a filmar no teníamos ni idea de cómo íbamos a trabajar juntos. Pero poco a poco nos dimos cuenta de que él se desenvolvía mejor con los aspectos técnicos, la luz, las cámaras, y esas cosas, y yo por mi parte era más fuerte con la producción, el maquillaje y el trabajo con las actrices.  Por cuestión de dinero decidimos que yo también interpretara un papel de la película, ya que así nos ahorrábamos el sueldo de una actriz.

Aparte de codirectora, productora e intérprete, también te has encargado de los efectos especiales y del maquillaje, todo ello siendo una novata. Imagino que el rodaje habrá sido una locura para ti…

Melissa: (Risas) Sí, fue una locura, aunque Geoff estuvo conmigo apoyándome y me ayudó mucho. Pero sí, fue mucho, mucho trabajo para mí. Había escenas en las que aparecíamos juntos, que hasta el mismo momento que Geoff gritaba acción yo estaba retocando el pelo de William Jarand, el actor que da vida al psicópata. Agotador.

Según parece, parte de la película tuvo que volver a rodarse. ¿Cuál fue el motivo?

Geoff: El rodaje original duró como un mes. Pero debido a problemas con el primer director de fotografía tuvimos que volver a grabar de nuevo como veinticinco minutos al verano siguiente que contenían secuencias de asesinatos, escenas adicionales y todo lo que es la introducción. Como no contábamos con este gasto, tuvimos que volver a ahorrar de nuevo para poder afrontarlo.

Melissa: El director de fotografía original nos dio muchísimos problemas. No podemos hablar mucho sobre el tema, pero basta con decir que tuvimos que ponerlo en manos de abogados, ya que estuvimos a punto de perder la película por esta persona, que se suponía que era un amigo de Geoff. Nuestro miedo entonces era perder el dinero, el trabajo y el tiempo que habíamos invertido. Gracias a un miembro del equipo supimos que el chico que se encargaba de las luces, Jean-Claude Leblanc, era bueno con la cámara. Hablamos con él para que se encargara de la fotografía, dijo que sí y puede decirse que nos salvó la película. Si no llega a ser por él, Pinup Dolls on Ice no habría existido.

Geoff: Hizo un trabajo brillante y ha aportado muchísimas cosas a la película. Estamos muy satisfechos con él y esperamos seguir colaborando juntos en futuros proyectos.

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Argumentalmente, la propuesta de la película mira sin muchos disimulos al slasher de los años ochenta. ¿Cuáles han sido vuestros referentes en este sentido?

Melissa: No tratamos de hacer ninguna referencia específica. Hay elementos en los slasher films que tienes que respetar, pero no pretendíamos parecernos a una película en concreto por encima de otras. Lo que si procuramos mantener fueron esos detalles de dudosa verosimilitud en la conducta de los personajes sobre los que los aficionados siempre se suelen preguntar: “¿Por qué no hace esto o cómo se le ocurre hacer aquello?” Ese es el motivo por el que las chicas continúan huyendo del asesino en tacones y no se los quitan casi hasta el final, por ejemplo.

Geoff: En realidad, puede decirse que la película es una carta de amor al slasher.

Habitualmente, las películas slasher han sido acusadas de misóginas. Sin embargo, en Pinup Dolls on Ice impera el punto de vista femenino. Sin ir más lejos, en la escena de presentación se deja claro que el grupo de pinups son unas chicas fuertes, mientras que, por su parte, la práctica totalidad de los personajes masculinos no salen muy bien parados en el dibujo que hacéis de ellos. ¿Era vuestra intención narrar la película en clave feminista?

Melissa: No. Yo no me considero feminista ni entiendo este movimiento. A mí me gustan las mujeres fuertes y con carácter,  y por ello los personajes son así. También queríamos alejarnos de las típicas tontitas que pueblan los slashers. Por eso, la escena en la que las chicas acuden a pegar al dueño del bar que les ha timado era nuestra forma de avisar a la audiencia: estas niñas son duras y van a pelear por su vida. Personalmente, no me gustan los chicos en las películas. No me interesan y para mí son como un objeto. Si no son Brad Pitt en El club de la lucha no me interesan. (Risas)

En vuestra opinión, ¿qué es lo que habéis tratado de aportar de vuestra cosecha a la película?

Geoff: Queríamos filmar una película que se viera del 2014, pero que fuera muy de finales de los setenta y comienzos de los ochenta. Es decir, la idea era hacer un slasher típico de los ochenta pero con la tecnología del 2014. No queríamos emular ese grano tan característico del cine de los setenta, sino que su estética resultara actual.

Melissa: No hemos tratado de revolucionar o inventar algo nuevo. Solamente queríamos hacer una película que recordara a las que iniciaron este subgénero.

El guion ha corrido por  cuenta de Michael Penning, con el que Geoff ya había colaborado en su película The Legend of Sorrow Creek (2007). ¿Cómo entró en el proyecto? ¿Le distéis total libertad para que desarrollara la historia según él quisiera o le marcasteis unas pautas?

Melissa: Michael es amigo nuestro desde hace muchos años. Lo que le dijimos es que se leyera todas las críticas de Bikini Girls on Ice y que escribiera un guion en el que se corrigieran todos los defectos que en ellas se señalaban. Más allá de eso, le dimos carta blanca para que hiciera aquello que mejor le pareciera, aunque con condiciones. Tampoco queríamos que se comiera la cabeza escribiendo una historia super complicada. El planteamiento debía de ser el de un grupo de chicas que llegaban a un lugar aislado donde iban siendo asesinadas. Así de simple y así de sencillo: llegar de A a B. Si en el futuro hacemos más entregas de la saga, ya habrá tiempo de profundizar en el carácter del psicópata, pero la idea para Pinup Dolls on Ice era de una película sencilla, de fiesta, que la gente riera y saltara mientras la viera.

Geoff: Un aspecto importante para nosotros era que la relación de amistad entre las protagonistas se sintiera real. Para ello, Melissa y yo convenimos que las actrices tuvieran total libertad para adaptar sus diálogos a su forma de expresarse. Que pudieran improvisar espontáneamente a partir de la idea que les dábamos. Eso hizo que todas sus interacciones fueran naturales y verdaderas: son verdaderas las risas, son verdaderos los chistes, es verdad todo.

Melissa: Como mujer, siempre encuentro que cuando un hombre escribe diálogos de mujeres hay algo que denota que está escrito por un hombre.En realidad, las reuniones de chicas son como se muestran en la película, con bromas sobre pollas y tetas.

Para el reparto habéis contado con varios actores que participaron en la previa, caso de William Jarand o de Suzi Lorraine, a estas alturas todo un icono del cine de terror actual de bajo presupuesto. ¿Cómo fue el proceso de casting?

Melissa: A Geoff le gustó mucho trabajar con Suzi en Bikini Girls on Ice y por eso decidimos contar con ella de nuevo en un papel completamente distinto al que hacía en aquella. En cuanto a William, como es el intérprete de Moe, el asesino, tenía que estar tanto en esta como en las futuras películas de la saga que realicemos. Y el resto del reparto es gente de la calle. Hicimos el casting nosotros mismos a través de Internet, buscando en Facebook y en páginas especializadas. Las chicas nos enviaban sus pruebas por Skype, lo que nos permitía comprobar en tiempo real cómo eran trabajando. Al tener el elemento de la desnudez, necesitábamos actrices que estuvieran dispuestas a aparecer en pelotas en la película, y eso era algo que no todas estaban dispuestas a hacer. Por ejemplo, la chica que sale en la escena de la ducha no le importaba hacer topless, pero no estaba dispuesta a enseñar nada más. Sin embargo, una vez fuimos a rodar, con la adrenalina del momento, estaba tan contenta que ya no le importaba el aparecer completamente desnuda. Es más, incluso nos sugirió que nos detuviéramos a grabar su culo, porque lo tenía muy bonito.

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Actualmente, debido a la gran oferta existente, abrirse paso para una película independiente como la vuestra y llegar hasta el público es una tarea bastante complicada. ¿Cómo habéis enfocado este tema?

Melissa: Para dar a conocer la película lo que hacemos es participar en festivales. Es lo mejor para que la película esté accesible para el público. Muchos directores independientes piensan que cuando su film está en los cines es una cosa importante. Pero la realidad es que eso cuesta mucho dinero y no significa nada.

Geoff: Hoy en día, en el 2014, nadie va al cine. Y si la gente no te conoce tampoco va a ir a ver tu película, a no ser que tengas a Brad Pitt o Angelina Jolie en tu reparto. Entonces la cosa cambia.

¿Consideráis que los premios que ha ido cosechando Pinup Dolls on Ice en su paso por festivales, como el de la sección “Madness” que le acaba de otorgar “Nocturna”, son una ayuda a la hora de darse a conocer a los fans?

Melissa: Sí. Nos hace muy felices ganar un premio, pero lo estamos mucho más por el hecho de estar en el festival con toda la gente. No obstante, somos conscientes de que los slashers suelen ser muy criticados porque, en el fondo, son A, B y C. Así que le damos mucho mérito a los premios que hemos venido consiguiendo hasta ahora con una película de este estilo. Es algo muy grande para nosotros.

¿Qué planes tenéis para la vida comercial del film? ¿Lo vais a distribuir en DVD, V.O.D., vais a intentar estrenarlo en salas…?

Melissa: La distribución en salas no nos interesa. Nuestra vista está más puesta en V.O.D. El Blu-Ray y el DVD tampoco nos interesan. La gente ya no quiere estas cosas, solo los coleccionistas, y para ser un artículo de colección preferiría que la película saliera en VHS. ¡Sería fantástico un VHS de Pinup Dolls on Ice!

Geoff: Personalmente nosotros no compramos ni Blu-rays ni DVDs. Si nos apetece ver alguna película, acudimos a las plataformas de V.O.D., y lo que queremos es eso. No que la gente compre nuestra película, sino que sea accesible para todo el mundo.

Melissa: Aparte que tampoco nos interesa. Cualquier compañía que vaya a editar la película en DVD o Blu-ray va a decirnos que necesitan cincuenta mil dólares para marketing y al final no vamos a ver un centavo. Siempre van a inventar que han destinado dinero a esta u otra cosa y nosotros nunca vamos a saber si eso es verdad o no.

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Ya habéis comentado que estáis trabajando en la tercera entrega de la saga. ¿Qué nos podéis adelantar de ella?

Melissa: Aún no sabemos cuál va a ser su título aparte de la coletilla “On Ice”. Mucha gente nos ha enviado ideas para ello, algunas muy chistosas, pero todavía no nos hemos decidido por ninguna. Lo que sí sabemos es que va a ser la mejor de la serie. Bikini Girls… fue la broma, Pinup Dolls… la respuesta a lo que la gente dijo de esa broma, y ahora, con toda esta experiencia acumulada, después de saber cómo trabajamos juntos, estamos en disposición de sentarnos con Michael Penning para poder desarrollar los caracteres y encontrar una historia que el público quiera continuar seguir en futuras secuelas.

Geoff: Tanto Bikini Girls… como Pinup Dolls… han sido un proceso de aprendizaje para nosotros y ahora es el momento de volcar todos estos conocimientos en una película mucho más grande en todos los sentidos, en la que podamos explorar una historia quizás más profunda y con trasfondo. Tenemos muchas ideas y muchas sorpresas reservadas para ella.

Y aparte de la saga “On Ice”, ¿no tenéis otros proyectos?

Melissa: Por supuesto que queremos hacer otras cosas. Tenemos un bloc de notas en el que vamos escribiendo todas las ideas que nos van surgiendo y que no concuerdan con “On Ice”. Pero, como decía Geoff al principio, antes tenemos que sacarnos “On Ice” del sistema. Al menos, hacer la tercera parte antes de ponernos con otra película con un tempo más tranquilo, más atmosférico, quizás de fantasmas o espíritus, pero siempre, siempre, dentro del terror.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías: Roberto García-Ochoa Peces (Cabecera), Juan Mari Ripalda & Jesús Palop