Entrevista a Manuel Ríos San Martín a propósito de la publicación en papel de su novela “Círculos”

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A finales de julio del pasado 2015 entrevistábamos al productor, realizador y guionista televisivo Manuel Ríos San Martín a propósito de la publicación en formato digital de su primera novela, Círculos, un thriller ambientado en un futuro cercano en el que la gente vive obsesionada con la televisión. Pues bien, el pasado 12 de enero, hace apenas un mes, Círculos salía a la venta en soporte físico de la mano Penguin Random House a través de su sello Suma de Letras. Por si fuera poco, hace escasos meses lanzaba “Fantasma TV”, un nuevo proyecto destinado a poner en marcha series televisivas y películas cinematográficas. Motivos pues más que suficientes para volver a conversar con Manuel y conocer de primera mano que le ha deparado en lo profesional el tiempo transcurrido desde nuestra anterior conversación.

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Hace año y medio charlábamos a propósito del lanzamiento de tu novela Círculos en formato digital. ¿Cómo ha sido su evolución desde entonces?

Han sucedido muchas cosas. La principal es que ahora está editada en papel por un sello potente como es Suma de Letras y que lo podéis encontrar en papel en todas las librerías.

Junto con esas entrevistas hice también una campaña en redes sociales. Por lo visto, Pablo Álvarez, de Penguin Random House, la vio y le llamó mucho la atención, así que se puso en contacto conmigo precisamente a través de Facebook (muy propio de la novela). Me pidió que se la dejase leer. Se la envié, la leyeron y me dijeron que querían publicarla, así que la retiré de la venta. No estuvo en mi web más de diez o quince días.

A partir de ahí me hicieron algunas notas que me ayudaron a reflexionar y me dijeron que los thrillers deberían tener más páginas. Me hizo gracia porque ellos miden la longitud en caracteres. Puedo decir que Círculos ha pasado de trescientos noventa y seis mil a más de quinientos treinta mil caracteres.

En el momento de su lanzamiento, uno de los aspectos que remarcabas es que, dado que su distribución se realizaba desde la web que habías creado al efecto, podías controlar la repercusión que iba teniendo la novela en la red. ¿Estás contento con el resultado que tuvo la propuesta, tanto por parte del público como de la industria?

La verdad es que sí. En esos días se vendieron más de cien ejemplares. Teniendo en cuenta que era un sistema complicado, me pareció muy bien. Había que darse de alta en la web, meter el correo, pagar casi cinco euros por PayPal… Y en cuanto a la industria creo que conseguí lo que en el fondo pretendía con esto, que era llamar la atención y que alguna editorial potente quisiera publicarla en papel. Salió sorprendentemente bien todo el proceso.

Por cierto, según he leído, tuviste ciertos problemas con la campaña publicitaria de Círculos en Facebook…

Cierto. Ya sabemos que Facebook es muy particular. Me hicieron quitar de la portada de la web el vídeo que la promocionaba, en el que se dice “os voy a joder la vida a todos”. Yo creo que les sonaba a amenaza real y no a un tráiler de una novela. Se lo expliqué pero no hubo manera.

Ahora también he tenido algún problema con la portada de la novela porque la chica sale con la espalda desnuda. Pero esta vez recurrí y al final me lo aprobaron.

Círculos inicialmente era un proyecto interactivo que incluía diferentes contenidos extras multimedia para sus lectores. ¿Cómo ha sido el proceso de adaptación al nuevo formato? ¿Se ha perdido algo por el camino?

Todo el material sigue estando vigente en la web de la novela www.circuloslanovela.com y también se han metido las fotos en la edición de papel, aunque no en color. Es verdad que esta novela tenía mucho sentido en digital, pero todavía la mayor parte de la gente prefiere leer en papel, así que hay que estar también en papel. Según creo, lo digital no pasa del veinte por ciento de las compras. Todavía es muy poco. Pero animo a los lectores a que entren en la web y naveguen por ella, hay mucho material. Al final de la novela se incluye un usuario y una contraseña para entrar en la “zona privada” donde hay links e informaciones un poco más comprometidas.

Más allá de esto, la versión en papel tiene unas ochenta páginas más que su versión digital. ¿Qué cambios has efectuado?

Ahora tiene unas ochenta páginas más, aunque es difícil de medir por la edición, también hay que tener en cuenta los márgenes y demás. Ya digo, unos ciento treinta mil caracteres más.

Para esta nueva versión he trabajado mucho los personajes. Para ello hablé con una amiga, que es psicóloga clínica, y le dejé leer la novela. Ella se sorprendió porque los personajes le parecían muy coherentes, era capaz de decir qué patologías tenía cada uno de ellos. A partir de ahí nos reunimos varias veces, me pasó algunos textos para leer y me explicó maneras de comportarse de ese tipo de personalidades. Gracias a esto, pude enriquecer muchas situaciones de la novela. En estos meses he hecho un curso de Criminalística y eso me ha servido para hilar más la parte de la investigación policial, ahora se cierran muchos flecos que antes quedaban abiertos. La versión anterior se movía más por impactos. Funcionaba, pero era menos literario, por decirlo de alguna manera. Y he aprovechado para meter algunas técnicas de investigación a través de redes sociales que antes no conocía. Por ejemplo, hay una aplicación con la que puedes ver todas las fotos que se hayan hecho a una hora en un sitio (si las han subido a redes sociales). Se puede utilizar para ver si la persona que buscas estaba por esa zona. También he desarrollado más el grupo antisistema. En esta versión resulta más amenazante.

A nivel personal, ¿consideras que el hecho de que Círculos aparezca en formato impreso le da mayor relevancia a tu trabajo? ¿Es una especie de reconocimiento, por así decirlo?

Claramente. Yo ya me daba cuenta de que en formato digital mucha gente se quedaba fuera. Me decían, “yo espero al papel”. Y yo pensaba… “pues imprímetelo, porque a lo mejor no hay papel”. Pero sí, aquí está. (Ya no tienen excusa).

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En nuestra anterior conversación comentabas la posibilidad de que Círculos fuera llevada a la pequeña pantalla en formato de miniserie. ¿Ha habido algún avance sobre esta posibilidad en todo este tiempo?

No he querido avanzar hasta que no estuviese publicada. He querido respetar los tiempos. Ahora ya estamos por la segunda edición y quiero seguir luchando porque viva más como novela. Pero en cuanto pasen unas semanas sí me pondré en serio a ver la posibilidad de adaptación, aunque no creo que sea fácil. No es una serie barata, transcurre en Londres…

Precisamente, esta adaptación al medio es uno de los proyectos de “Fantasma TV”, la compañía que has formado junto a Mónica Martín-Grande, centrada en la creación de series y desarrollo de guiones. ¿Qué te ha llevado a crearla y cuáles son los planteamientos que perseguís con ella?

No es una compañía. Simplemente una web con una marca donde podemos colgar lo que estamos haciendo. Ahora hay muchos guionistas que se están metiendo a productores. A mí no me gusta eso, me parece que cada cual tiene que hacer su trabajo. Nosotros estamos ofreciéndonos para colaborar con las productoras o con las cadenas de televisión para desarrollar series propias o algunas que nos propongan desde fuera. Pero la colaboración puede ser muy diferente: unas productoras quieren que vayas como partner y otras te contratan tus servicios. Nosotros estamos abiertos, somos dinámicos y ofrecemos distinto grado de colaboración.

Visitando la web de “Fantasma TV” me ha llamado la atención el que gran parte de los proyectos que tenéis en cartera se traten de thrillers. ¿Se debe a una inclinación personal por este género o, de algún modo, está también influenciado por la buena aceptación que tuviste con Sin identidad, serie en la que ejerciste de director argumental?

Se ha juntado un poco todo. Con Sin identidad aprendí mucho y me lo pasé muy bien. Antes ya había hecho Soy el Solitario y también había disfrutado del género policiaco. También ha influido lo que te decía de los cursos que hemos hecho de Criminalística. Estamos empezando a trabajar ahora en una comedia más familiar. Hay que tener un poco de todo. Estamos en una época interesante, hace dos o tres años nadie quería thrillers.

Pese a su nombre, en “Fantasma TV” también tenéis un apartado dedicado al cine. ¿De qué depende que un proyecto lo enfoquéis como serie o película?

Normalmente ya surgen los proyectos de una manera o de otra. Una película empieza y acaba y tiene una historia que se puede contar de manera más breve. Es la gran diferencia con las miniseries. Cuando las estructuras ves si te da para una historia de dos horas o para una de diez-doce. Otra cosa diferente son las series de larga duración, ahí los personajes te tienen que ofrecer menos evolución pero más capacidad de adaptarse a lo que les vaya sucediendo en “su vida”.

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De un tiempo a esta parte plataformas de pago como Movistar o Netflix están consiguiendo una gran aceptación entre el público español. Dado que una de sus principales ofertas son las series, ¿cómo ves su implantación como profesional del medio? ¿Abre nuevas oportunidades o, por el contrario, en el caso de Netflix, al ofrecer productos propios y en su mayoría realizados desde los Estados Unidos cierra el mercado para las producciones españolas?

Tampoco creas que tiene tanto éxito. Dicen que rondan los doscientos mil abonados. No está mal, pero piensa que cualquier serie en una generalista tiene tres millones de espectadores. Aun así, claro que abre oportunidades. Sobre todo, Movistar, que sí que va a apostar en serio por el producto español. Piensa que ellos harán unas ocho-diez series al año frente a una o dos de Netflix.

Aparte de los proyectos que estás intentando levantar con “Fantasma TV”, ¿en qué te encuentras trabajando ahora mismo?

De momento estoy volcado con la promoción de la novela que es una dedicación casi a tiempo completo. Espero que, en un par de semanas, ya pueda estar de nuevo centrado en el desarrollo de mis series.

Pues por mi parte es todo. Si quieres añadir algo más…

Podéis seguir mis perfiles relacionados con la novela. Twitter @fantasma @circulosnovela @shultheiss65; Instagram @patriziacirculos; o la página de facebook https://www.facebook.com/circulosnovela/

Muchas gracias.

José Luis Salvador Estébenez

 

Published in: on febrero 17, 2017 at 6:56 am  Dejar un comentario  

“Sharknado: Que la 4ª te acompañe” llega a Syfy el 5 de agosto

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Al día siguiente de su estreno en Estados Unidos, Syfy España traerá a España Sharknado: Que la 4ª te acompañe, la cuarta parte de la famosa y disparatada saga sobre tiburones voladores producida por la Asylum. Tras hacer estragos en Los Ángeles, asolar Nueva York y atreverse con la mismísima Casa Blanca, la trama de esta cuarta entrega se sitúa cinco años después del asalto a la Costa Oeste. Durante estos años, Fin (Ian Ziering) y su familia han vivido tranquilos, libres de los escualos asesinos, que ahora regresarán de forma inesperada. Tara Reid regresa a la saga para desvelar el futuro de su personaje, April, cuyo destino votó la audiencia después de al final de la tercera película sufriera una herida mortal. Por supuesto, con los sharknados de vuelta con fuerzas renovadas, Fin necesitará reclutar nuevos colaboradores para proteger al mundo de tan peligrosa amenaza.

Tanto David Hasselhoff (en el papel de Gil Shepard) como Ryan Newman (Claudia Shepard) repetirán en la nueva película, que también contará con innumerables cameos de personajes conocidos. Entre los que ya se han anunciado se encuentran el luchador de la MMA Frank Mir, Cynthia Bailey (protagonista de The Real Housewives of Atlanta), la presentadora Carrie Keagan, el cantante de Motley Crue, Vince Neil, entre otros.

Syfy España pondrá a disposición de los espectadores en los servicios de VOD de su operador la esperada cuarta entrega de Sharknado el 1 de agosto, al igual que el resto de canales Syfy del mundo, que programarán la película en las 24 horas siguientes a su emisión en los Estados Unidos. Un lanzamiento global para un fenómeno mundial, cuyas tres primeras entregas han sacudido las redes sociales con millones de menciones. Cuatro días más tardes, el viernes 5, la película será estrenada en el canal lineal a las 22 horas.

Published in: on julio 26, 2016 at 5:50 am  Dejar un comentario  

Entrevista a Manuel Ríos San Martín, autor de la novela “Círculos”

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A todos los aficionados a la ficción televisiva española el nombre de Manuel Ríos San Martín les será de sobra conocido. Tanto es así que está considerado como uno de los referentes del medio dentro de nuestro país. Activo desde mediados de los noventa, ha sido productor, realizador y/o guionista de series tan importantes durante los últimos veinte años de la historia catódica española como Canguros, Hermanos de leche, Médico de familia, Sin identidad o Compañeros, de la que incluso dirigiría en el 2001 su traslación a la gran pantalla bajo el título de No te fallaré. Una exitosa carrera que, además de contar con el respaldo del público, ha disfrutado también de un amplio reconocimiento crítico y profesional, tal y como demuestran los diferentes Premios Onda y TP con los que han sido galardonados varios de sus trabajos.

Contando con semejante bagaje a sus espaldas, hace escasas semanas ampliaba su marco de acción con el lanzamiento al mercado de la que ha supuesto su primera novela: Círculos, un thriller ambientado en un futuro cercano en el que la gente vive obsesionada con la tele. Gracias a la campaña promocional de este pionero proyecto interactivo que incluye diferentes contenidos extras para sus lectores, tuvimos la oportunidad de que Manuel nos contestara al siguiente cuestionario vía email.

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Tras una larga carrera en cine y televisión te lanzas al ruedo literario con Círculos. ¿Qué te lleva a emprender este cambio de formato?

Yo no lo vivo exactamente como un cambio. Es verdad que son medios distintos, pero mi vocación es contar historias y a veces hay que saber adaptarse al medio. La literatura tiene códigos diferentes al de los guiones, pero la base es parecida. Me ha gustado experimentar este cambio. De hecho, yo empecé escribiendo relatos cortos antes que guiones, incluso gané algunos premios.

¿Cómo nace la idea argumental de Círculos?

Círculos surge a finales de la década de los ochenta con la intención de ser una trilogía que trate sobre la obsesión de la gente por la pequeña pantalla y los medios de comunicación en general. El primer proyecto fue un cortometraje llamado también Círculos, rodado mientras estudiaba en la Facultad de Ciencias de la Información. Por él gané varios premios en el Festival de Cortos de Canarias; el de mejor director y el segundo premio al guion. El corto trataba de un chico que un día comprobaba que en su televisión se producía una interferencia y aparecía una imagen extraña. Según pasaban las semanas la interferencia se iba haciendo más larga y se iba conociendo una historia que generaba un gran suspense. Tenía un final trágico pero abierto a la interpretación del espectador.

El siguiente proyecto, que en su día se llamó Círculos II, fue un relato de unas sesenta páginas que años después se ha convertido en esta novela. A finales de los ochenta y principios de los noventa existía una corriente de artistas preocupados por la presencia excesiva de la televisión en la vida de las personas.

¿Desde el primer momento la idea era la de escribir una novela?

Empecé pensando que Círculos podía ser un largometraje, pero mientras lo estructuraba me di cuenta de que la historia era más larga y más compleja y que no me “cabía” en ciento diez páginas. Así que decidí escribirlo como novela y poco a poco me fue creciendo en las manos hasta convertirse en una. Ha sido una experiencia interesante. Hay que tener en cuenta que un guion es el inicio de un proceso en el que luego participa mucha gente y, sin embargo, una novela es inicio y final. Hay que dejar todo mucho más terminado, no habrá nadie que aporte cosas a posteriori.

¿Cambia entonces mucho la forma de trabajar de escribir para una serie o una película y de redactar un texto literario?

Sí, hay diferencias. Estoy seguro de que habrá gente que dirá que se nota que es la novela de un guionista, pero los guiones no se escriben así, al menos yo no lo hago, con tantas descripciones de los personajes, de lo que piensan o sienten, de cómo se mueven, cómo van vestidos. En los guiones se dejan muchas cosas para que se decidan en el proceso del rodaje. Pero aquí no iba a haber rodaje, así que tienes que contarlo todo en la novela. En la literatura tiene mucha más importancia la forma. En el guion los diálogos son lo que predomina.

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La trama de Círculos se ambienta en el mundo de la televisión que tan bien conoces. ¿Hasta qué punto te has podido basar en experiencias propias? ¿Cuánto de biográfico hay en ella?

No hay nada biográfico (por suerte). Saber cómo funciona la televisión me ha servido, pero no he intentado volcar mi experiencia personal en la novela. No hay anécdotas ni personajes que haya conocido en mi carrera profesional. Por otra parte, yo solo he trabajado en ficción, y nunca en realities o concursos.

En cualquier caso, al tratar temas que conoces profesionalmente, ¿no has temido levantar posibles ampollas dentro del medio?

No creo. He situado la novela en Londres para sacarla de la realidad española. No me gustaría que el debate se centrase en Antena 3 o Telecinco, creo que la reflexión que propone la historia es más global, hace referencia al ser humano (al occidental al menos) y no tanto a la casuística de aquí. No creo que nadie se sienta identificado con los personajes. Y eso no quita para que esté bien reflejado el mundo de la televisión por dentro, las audiencias, los egos… Pero no he usado referentes reales de aquí.

Como dices, geográficamente la acción transcurre en Londres. ¿Por qué decidiste ambientar la historia en el extranjero?

Fundamentalmente por lo que te digo en la respuesta anterior, y además porque Londres es una ciudad lluviosa y con mucha niebla, lo que contribuye a crear ese clima opresivo que necesita la novela.

El argumento futurista que planteas posee un claro componente crítico, en el que, entre otros temas, intentas llamar la atención sobre los rumbos hacia los que se dirige nuestra sociedad, y en especial los medios de comunicación. ¿Tan mal pintan las cosas?

Yo creo que no tan mal como en la novela. Aunque pueda no parecerlo, soy bastante optimista. Pero creo que ayuda a la reflexión el llevar las situaciones al extremo. Y le da mucha emoción. Aunque puntualmente han pasado cosas como las que escribo, la situación no es tan dramática en la actualidad, aunque por momentos el lector sí va a tener la sensación de “¿cómo en el futuro?, si esto ya está sucediendo”.

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Al igual que ocurre en la novela, las nuevas tecnologías y su inmediatez han gozado de una gran importancia en el lanzamiento de Círculos, creando un ambicioso proyecto transmedia que, aparte de cuentas en Facebook y Twitter, incluye también la creación de contenidos multimedia exclusivos para los compradores de la novela…

Así es. La novela (de momento) solo se puede conseguir en la web www.circuloslanovela.com, y allí se encuentra mucho material extra: fotos, videos, documentación, making of de la parte audiovisual… y una zona privada para el que se descargue la novela, con muchas más fotos. Soy consciente de que a la gente le cuesta pagar por contenidos en la web, pero todo el proyecto tiene un punto experimental muy interesante, puedo ver el perfil de las personas que entran en la web, de las que se la bajan. Te diré como curiosidad que el perfil de los que acceden a mi web es: “seguidores de Jordi Ébole a los que les gusta también Juego de tronos”. No suena mal, ¿no?

De momento la novela ha sido editada en formato digital. ¿Se encuentra entre tus planes lanzarla también en papel?

Sí, la novela acaba de ser adquirida por Penguin Random House. La estoy revisando con ellos. Cerraré la venta en mi web y la publicaremos en otoño en una nueva versión digital, con más páginas. Este proceso me ha servido para revisarla una vez más (una novela no se acaba nunca, tan solo te la quita un editor de las manos). Me gustan los cambios que estoy introduciendo. Aunque la historia es la misma, le estoy dando más espacio a algunas subtramas y estoy desarrollando más algunos de los personajes. En el 2016 se publicará en papel.

Parece ser que también estás trabajando en la adaptación de Círculos a una miniserie de cinco capítulos. ¿En qué fase se encuentra ahora mismo este proyecto? ¿Está asegurada ya su realización, o aún es pronto para lanzar las campanas al vuelo?

Estoy pensándolo, pero es algo pronto. Creo que todavía tiene bastante desarrollo como novela. Pero no se me olvida mi trabajo en televisión y es evidente que la historia tiene una fácil adaptación a miniserie de cinco o seis episodios al estilo de las series danesas tipo Broen (El puente).

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El tono distópico de Círculos le encuadra en los terrenos de la ciencia ficción, un género hasta ahora que parecía vetado para la ficción televisiva española, pero que actualmente parece estar viviendo un pequeño auge gracias a la aparición de El Ministerio del Tiempo. ¿Por fin se han rotos los prejuicios que parecía haber y que provocaban que las series españolas solo pudieran encuadrarse en el drama o la comedia? ¿Está cambiando la valoración del público patrio hacia nuestros productos?

No diría que Círculos es de ciencia ficción, ya que sucede en cuatro o cinco años en el futuro. En ese sentido es completamente reconocible, no hay naves que vuelan ni elementos similares. Creo que es un thriller, un policiaco ambientado en una gran ciudad europea donde la crisis ha ido a peor, la naturaleza se rebela, y hasta los animales no pueden soportarlo más y comienzan a suicidarse.

Como es lógico, las series españolas van evolucionando. Lo que en Estados Unidos ha tardado en llegar cincuenta años a lo mejor en España ha tardado tan solo doce. Hay que tener en cuenta que la televisión moderna en nuestro país empieza a mediados de los noventa. No quiere decir que antes no se hiciesen buenas series, las había, pero la manera de producirlas era completamente diferente y también la presión de las audiencias era otra. En estos últimos años sí ha habido apuestas arriesgadas como El barco, Águila Roja, Sin identidad, Vis a vis, Hispania, La fuga… y mucha miniseries de gran calidad, como Los nuestros, Rescatando a Sara o Niños robados. Y me dejo muchas.

La valoración del público no ha cambiado, siempre ha sido magnífica, desde Farmacia de guardia hasta nuestros días las series siempre están entre los programas más vistos de las cadenas. Lo que ha cambiado es la apreciación de los críticos, pero no de la gente.

Aparte de la comentada adaptación catódica de Círculos, ¿qué otros proyectos tienes en estos momentos?

La verdad es que no paramos. Acabamos de terminar Sin identidad y ya estamos preparando un par de series para la misma productora, Diagonaltv. Esperamos que las cadenas nos contesten en breve.

José Luis Salvador Estébenez

Published in: on julio 28, 2015 at 5:51 am  Dejar un comentario  

“Serial Sitges”, la nueva sección televisiva de Sitges

El Festival de Cine Fantástico de Cataluña – Sitges abre en esta edición una puerta a la televisión de género con la nueva sección “Serial Sitges”, que recogerá la presentación de series televisivas de género fantástico y thrillers, así como TV movies, web series y formatos similares. La nueva sección se incorpora a la parrilla del Festival con el fin de albergar a un creciente y emergente sector, el de las series de género fantástico, por el que las cadenas televisivas están apostando fuerte en este momento. Patrocinado por FNAC, “Serial Sitges” se proyectará en la Sala Tramuntana del Hotel Meliá, con entrada gratuita.

“Serial Sitges” es la respuesta a la experiencia inicial que el Festival desarrolló el año pasado en la misma Sala Tramuntana con notables resultados por parte del público. La sección ha programado diez títulos este año, entre los que se encuentran preestrenos como Fargo, uno de los actuales éxitos en Estados Unidos.

El primer capítulo de Fargo se emitirá en Sitges el viernes 10 por la noche, dos días antes de que Canal+ lo estrene para sus abonados. Se trata de un thriller inspirado en la particular atmósfera de la película de los hermanos Coen.

En el apartado de estrenos resalta The Knick, realizada por Steven Soderberg y protagonizada por un Clive Owen en el papel de cirujano, y de la que se ha programado el primer episodio. Las otras dos presentaciones de “Serial Sitges” son producciones de animación: Robot Chicken –con un capítulo dedicado a Star Wars– y Rick and Morty, dirigida a un público adulto que narra las aventuras de un científico alcohólico y de su nieto.

A estas producciones se añaden unas sesiones de conocidas series: Juego de Tronos no faltará en esta cita televisiva, con la proyección del último episodio de la cuarta temporada. Canal+ presenta también el primer capítulo de la segunda temporada de la serie británica Utopía. Por otro lado, TNT ofrece el primer capítulo de la octava temporada de The Big Bang Theory, mientras que Warner Bros aporta un episodio de la aclamada serie de intriga True Detective, nominada a los Emmy, entre otros premios.

The Darkside es otra interesante propuesta que podrá verse en “Serial Sitges”, donde se presentarán seis capítulos de esta serie que reúne una colección de cuentos del más allá procedentes de diversos puntos de Australia. Esta proyección se realiza en paralelo al film del mismo nombre que programa el Festival en la sección de “Noves Visions – No Ficció”.

Programación Serial Sitges

The Big Bang Theory. Viernes, 3 de octubre, 22,30h.

La noche para los más frikis del Festival. Proyección del primer episodio de la octava temporada de The Big Bang Theory, cargado de sorpresas.

Robot Chicken. Especial Star Wars. Sábado, 4 de octubre, 15h.

Episodio especial dedicado a Star Wars de la serie Robot Chicken. Una serie de animación que utiliza la técnica stop-motion, creada por Seth Green y Mathew Senreich. La serie parodia una sucesión de situaciones en las que se involucran series de televisión, actores de cine, músicos y video juegos.

Rick and Morty. Sábado, 4 de octubre, 15.45h

Rick and Morty, una serie de animación norteamericana dirigida a un público adulto. Nos presenta a Rick, un científico alcohólico y a su nieto Morty, en sus aventuras en dimensiones alternas, que acostumbran a causar problemas en la familia de Morty, constantemente atrapados en el caos.

Juego de Tronos. Domingo, 5 de octubre, 20h

Proyección del último episodio de la cuarta temporada de Juego de Tronos, una exitosa serie internacional basada en la saga de las novelas de fantasía escritas por el autor norteamericano George R.R. Martin.

Utopía. Lunes, 6 de octubre, 20h.

Iniciada la segunda temporada de la mini serie británica Utopía, creada y escrita por Dennis Kelly, supuso una gran sorpresa la temporada pasada. Jessica Hyde permanece secuestrada en manos de la Red, que sigue observándolo todo, mientras Becky, Ian, Grant y Wilson se han dispersado. Aunque la conspiración en torno al experimento Jano no es algo de los que puedan escapar fácilmente y ellos lo saben…

Gotham / True Detective / The Knick. Martes, 7 de octubre, 20h.

Presentación del primer episodio de Gotham, una de las nuevas series más esperadas de la temporada basada en los personajes creados por Bob Kane de DC Còmics. Una serie que se introduce dentro de los misterios de la ciudad de Gotham antes de la aparición de Pingüi, Catwoman y Batman. Inmediatamente, se proyectará el primer capítulo de True Detective y a continuación se presentará el primer episodio de The Knick, una serie creada por el gran realizador y productor Steven Soderberg y protagonizada por Clive Owen y que penetra por los pasillos del Hospital Knickerbocker de Nueva York, donde un prestigioso cirujano no duda en sobrepasar los límites de la ética y de la moral a favor de la investigación científica. Gotham y The Knick las emitirá Canal+ y True Detective que cuenta con las actuaciones de Vince Vaughn y Collin Farrell en su segunda temporada y que la emitirán por la cadena HBO.

The Darkside. Jueves, 9 de octubre, 21.30h.

Proyección de seis episodios de la miniserie The Darkside, que reúne una colección de cuentos del más allá procedentes de diversos puntos de Australia. Un serie que también cuenta con un largometraje que se podrá ver en Sitges 2014. La proyección será en versión original.

Fargo. Viernes, 10 de octubre, 22h.

Preestreno de la segunda temporada de la serie Fargo, inspirada en el peculiar universo creado por los hermanos Coen en la película homónima de 1996. Un hipnótico thriller cargado de suspense y de humor negro, que se ha consolidado como una de las mejores series del año. Un éxito avalado con tres premios Emmy a la mejor miniserie, mejor dirección de miniserie y mejor casting de miniserie. Fargo también la han premiado con el Critics Choice Award a la mejor miniserie. El preestreno en Sitges coincide con su estreno en Canal+.

Published in: on septiembre 30, 2014 at 5:55 am  Comments (1)  
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Sharknado 2

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Título original: Sharknado 2: The Second One

Año: 2014 (Estados Unidos)

Director: Anthony C. Ferrante

Productor: David Michael Latt

Guionista: Thunder Levin

Fotografía: Ben Demaree

Música: Christopher Cano & Chris Ridenhour

Intérpretes: Ian Ziering (Fin Shepard), Tara Reid (April Wexler), Vivica A. Fox (Skye), Marcos McGrath (Martin Brody), Kari Wuhrer (Ellen Brody), Courtney Baxter (Mora Brody), Dante Palminteri (Vaughn Brody), Judd Hirsch (Ben), Stephanie Abrams, Kurt Angle (Jefe de Bomberos), Benjy Bronk (Mendigo), Downtown Julie Brown (Enfermera Fletcher), Juan Castano (Bombero), Don Castro (Policía de tráfico), Lyman Chen, Billy Ray Cyrus (Médico Quint), Sandra ‘Pepa’ Denton (Polly), Andy Dick (Funcionario Doyle), DC Douglas (Bud), Michael Dugan (MTA Trabajador), Nathan Fast (Radio DJ), Jared Fogle (Jared), Judah Friedlander (Bryan), David L. Garber (Amigo de Jared), Nimo Gandhi (Ingeniero), Robert Hays (Capitán Bob Wilson), Perez Hilton (Pasajero impaciente), Melanie Hinkle (Paramédico), Daymond John (Hombre de Wall Street),  Richard Kind (Harland ‘The Blaster’ McGuinness), Robert Klein (Alcalde), David Lambo (Víctima Metro), Matt Lauer, Biz Markie (Vinnie), Raphael Miranda, Alexis Molnar (Trabajadora pizzeria), Kelly Osbourne (Auxiliar de vuelo), Kelly Oxford, Austin Priester (Policía de vuelo), Kelly Ripa, Timothy Roberts (Rob Ford), Al Roker, Tiffany Shepis (Chrissie), Michael Strahan, Allee Stone (Nikki), Avalon Stone (May), Spencer Stone (Jimmy), Rachel True (Primer Oficial Jonni Valentine), Thomas P. Vitale, Antoinette Vitale, Giovanna T. Vitale, Ava Lauren Vitale, Cararose P. Vitale, Joan L. Vitale, Patrick J. Vitale, Cat Wallace, Kiki Weiss (Sherry), Gerald Webb (Técnico), Raymond T. Williams (Maxx), Anthony C. Ferrante (Guitarrista), Petunia, Karla Koenig-Arnold, Mitch O’Brien, Mark Rosenblum, Melanie Avalon (Asistente de vuelo), Steven Della Salla, Carl Ducena (Oficial de policía de Nueva York), Anne Wheaton, Wil Wheaton (Pasajeros de avión), Mike Gencarelli, Lyle Gold, Michael Leavy, Ryan Mitchelle, Robert Sciglimpaglia, Justin Smith, Carla Ulbrich…

Sinopsis: Tras sobrevivir al tornado de tiburones que asoló Los Ángeles, Fin y April vuelan hasta Nueva York para participar en un programa televisivo en el que van a contar su experiencia. Sin embargo, durante el viaje el avión que los transporta se ve envuelto de lleno en un sharknado. Tras lograr aterrizar con no pocas dificultades, Fin y April deberán enfrentarse nuevamente a una lluvia de tiburones, esta vez en la Gran Manzana.

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La llegada de una secuela que prolongara la repercusión obtenida por Sharknado era algo que se veía venir desde lejos, y no solo porque sus propios responsables se apresuraran en anunciar su realización casi nada más estrenarse su predecesora. Teniendo en cuenta los antecedentes de su productora, la temible Asylum, conocida principalmente por su fabricación de mockbusters, apelativo utilizado para denominar a sus descaradas fotocopias de los blockbusters hollywoodienses del momento, entraba dentro de lo lógico que la creadora de I Am Omega no dejara pasar la oportunidad de sacar el máximo rendimiento posible al único e inesperado éxito propio que ha conocido hasta la fecha. Para ello, y como no podía ser de otra forma, la estrategia a seguir se ha centrado en potenciar aquellos aspectos que convirtieron a Sharknado en todo un fenómeno a escala mundial.

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Conscientes de que su popularidad se cimentó en el impacto obtenido en las redes sociales, toda la campaña publicitaria de Sharknado 2: The Second One se ha encaminado a repetir la jugada, con el claro objetivo de igualar y, a ser posible, superar la repercusión mediática suscitada un año antes. Algo de lo que hemos sido testigos en nuestro propio país, donde, con motivo de su estreno, el canal encargado de su emisión ha realizado un despliegue de medios sin ningún tipo de precedentes para un producto de estas características. Programada de forma simultánea a su première mundial en los Estados Unidos, su pase estuvo precedido por una publicitada maratón compuesta por otras cintas de similar pelaje protagonizadas por escualos, a la que se añadiría un día más tarde una sesión exclusiva en una veraniega pantalla gigante del centro de Madrid, en un evento que tuvo más de reunión social que de un acontecimiento cinematográfico propiamente dicho. A tenor de las actitudes exhibidas por buena parte de los asistentes, era fácil percibir que la razón principal de su presencia estaba motivada por su deseo de seguir la moda del momento y poder así participar vertiendo su opinión en los canales habilitados a tal efecto, antes que por un verdadero interés personal por el título proyectado. Un ejemplo de cómo a estas alturas, y salvo honrosas excepciones, las películas han dejado de pasar de ser obras de arte o, en su defecto, productos de entretenimiento, para transformarse en estudiadísimas campañas de marketing en las que, paradójicamente, lo que menos importa es la propia película.

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Aunque en diferentes términos, dicha circunstancia también se refleja en el contenido de Sharknado 2. A lo largo de su metraje son innumerables las celebridades (en su mayoría televisivas y, por tanto, desconocidas por estos lares) que han querido apuntarse al carro de un éxito más que asegurado, apareciendo delante de las cámaras para desempeñar pequeños cameos. Es el caso de Kelly Osbourne, hija del mítico líder de “Black Sabath”, el veterano Judo Hirsch, el alférez de la “Enterprise-D” Wil Wheaton[1] o Mark McGrath, vocalista del grupo de rock alternativo “Sugar Ray”, y quien encarna uno de los roles protagónicos. Tanto es el énfasis puesto en este apartado que diríase uno de los principales baluartes con los que se ha diseñado un conjunto al que hay que reconocerle una factura técnica algo superior a la acostumbrada en esta clase de cintas, consecuencia de una mayor holgura productiva. El mimo puesto en su confección se deja sentir en una puesta en escena y planificación más rica dentro de sus limitaciones, así como por unos efectos especiales infográficos con un mejor acabado formal, lo que, empero, no ha sido óbice para que la Asylum muestre su cara más ventajista al reaprovechar varios diseños procedentes de anteriores títulos suyos, singularizados en el concurso de aviones y cocodrilos.

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Por lo demás, el resto de la propuesta se desarrolla siguiendo los cauces de lo previsible. Las situaciones grotescas y ridículas que fueran la base de la popularidad de su progenitora son multiplicadas ad nauseam adaptando para ello un intermitente tono auto-paródico y cómplice para con los aficionados al fantástico. Sin embargo, y en contra de lo que cabría esperar, la apuesta no se salda con los resultados deseados. Las barrabasadas recogidas en el libreto de Thunder Levin quedan lejos de ser tan chistosas como pretenden, y la plana y funcional realización de Anthony C. Ferrante se muestra incapaz en todo momento de extraer algo de partido del material que tiene entre manos, más allá de lo evidente. Eso, por no hablar de que el hecho de que todo sea premeditado hace que la cosa pierda buena parte de su gracia. Tanto es así que el único momento destacable de todo el conjunto es aquel en el que el piloto del avión que transporta a los protagonistas, interpretado por Robert Hays, recordado principalmente por ser el protagonista de la saga Aterriza como puedas, comente “el haberse visto en otras situaciones peores” ante los primeros síntomas del sharknado producidos en pleno vuelo.

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Acorde a este planteamiento, su argumento se limita a repetir punto por punto el de la primera parte sin excesivas variaciones. De nuevo, la trama pivota en torno a los esfuerzos del personaje de Ian Ziering por reencontrarse con su familia con el tornado de tiburones como telón de fondo, cambiando el marco de acción de Los Ángeles a Nueva York. Una circunstancia que es aprovechada para realizar un reportaje turístico de la Gran Manzana en el que no falta siquiera una visita a la emblemática Estatua de la Libertad[2], coronado por un patriotero llamamiento a la fuerza de la unidad de los ciudadanos neoyorkinos frente a las adversidades, en una clara referencia a los luctuosos atentados del 11-S.

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Pero si bien sus teóricas cualidades artísticas son, cuanto menos, discutibles, de lo que no hay duda es que Sharknado 2 ha cumplido con creces los objetivos con los que fue concebida. Con una audiencia de 3.9 millones de espectadores en su estreno, ha aumentado en un 189% el share de la primera entrega, mientras que los seiscientos millones de mensajes registrados en el hastag #Sharknado2TheSecondOne duplican el número de comentarios obtenidos por aquélla. Eso solo en los Estados Unidos, claro. En España, por su parte, consiguió copar los diez trending topics durante la noche de su estreno, convirtiéndose “en la película más tuiteada de la historia del país”, según la información aparecida en diversos medios. Con estos registros, no es de extrañar que la Asylum se encuentre ya trabajando en una tercera parte con vistas a estrenarla en julio del próximo año. Y así continuará sucediendo cíclicamente mientras que la gente no se aburra del invento, lo cual, visto lo visto, no parece cercano. Por el contrario, puede decirse que esto sólo acaba de empezar.

José Luis Salvador Estébenez

[1] No es esta la única conexión con Star Trek, aunque sea de un modo indirecto. Durante los primeros compases hay un homenaje explícito a Nightmare At 20,000 Feet, el famoso episodio de la serie The Twilight Zone protagonizado por William Shatner, el capitán Kirk de la serie original.

[2] El concurso de la Estatua de la Libertad no solo se limita al simplemente decorativo, participando activamente en la acción en un doble guiño a En busca del arca perdida y 1997: Rescate en Nueva York o, más concretamente, a cierto detalle engañoso de su cartel original.

Published in: on agosto 18, 2014 at 5:25 am  Comments (1)  

Monster Island [tv: Isla misteriosa]

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Título original: Monster Island

Año: 2004 (Canadá, Estados Unidos)

Director: Jack Perez

Productor: Donald L. West

Guionistas: Jack Perez, Adam Glass, según una historia de Jack Perez

Fotografía: Todd Elyzen

Música: Michael Richard Plowman

Intérpretes: Daniel Letterle (Josh), Mary Elizabeth Winstead (Maddy), Carmen Electra (Carmen Electra), Adam West (Dr. Harryhausen), C. Ernst Harth          (Eightball), Cascy Beddow (Andy), Joe MacLeod (Stack), Chelan Simmons (Jen), Chris Harrison (Chase), La La Anthony [acreditada como Alani ‘La La’ Vazquez] (Alani ‘La La’ Vazquez), Nick Carter  (Nick Carter), Alana Husband (Lil Mindi), Jeff Geddis (G.T.), Bruce James (Bob Staton), Phillip Mitchell (Líder de los mombata), Jacqueline Stewart,  Robert Harper, Anthony Moyer, Troy Coppock, Rory Ames Coppock (Nativos mombata), Jana Berengel, Andrea Marino (Bailarinas), Nicholas Treeshin (Joven llorón)…

Sinopsis: Josh se encuentra sumido en una depresión desde que rompiera con su novia Maddy. Sin que él lo sepa, su hermana le apunta a un concurso organizado por la MTV del que resultará ganador. El premio consiste en ser el anfitrión de una fiesta tropical que tendrá lugar en una remota isla. Una vez en el lugar, Josh descubre que entre los invitados se encuentra Maddy, quien ha acudido con su nueva pareja. Las cosas se torcerán aún más cuando en medio de la actuación de Carmen Electra una hormiga gigante con alas secuestre a la antigua vigilante de la playa. Para rescatarla, Josh organiza un equipo de salvamento compuesto por su hermana, sus amigos, Maddy, su novio, el guardaespaldas de Carmen y un par de periodistas con el que se internará en la selva, descubriendo los alucinantes secretos que alberga la isla. 

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Antes de entrar en materia, conviene dejar por sentado un aspecto de cara a evitar posibles malentendidos. Hablando claro y sin rodeos, analizado desde un punto de vista riguroso, Monster Island reúne todas las características de lo que muchos no dudarían en definir como un bodrio. Su televisiva realización redunda e, incluso, potencia las muchas deficiencias que acumula un rutinario material de base construido a base de los clichés, estereotipos y lugares comunes acuñados por las historias sobre jovencitos perdidos en un entorno hostil, donde deberán de hacer frente a una amenaza de naturaleza monstruosa, sin que la excusa de estar hecho así adrede debiera servir para justificar por sí solo el bajo nivel que ofrece el conjunto. Hasta aquí, todos de acuerdo. Sin embargo, tras esta poco estimulante fachada se dan cita una serie de elementos cuyo concurso consigue elevar el interés, siquiera mínimamente, de una propuesta sobre el papel carente de él.

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Consciente de sus limitaciones, la película opta por no tomarse en serio a sí misma, adoptando en cambio un tono paródico en un evidente intento de transformar en virtud sus defectos. A ello a buen seguro que no es ajena la personalidad de su principal ideólogo, Jack Perez, cineasta afincado en los límites del cine de bajo presupuesto y prologuista de Malas pero divertidas, libro en el que se repasan las cien mejores películas malas de la historia a juicio de sus autores. Para tal fin, Perez articula una narración irónica y, por momentos, surrealista, en la que satiriza las convenciones de esta clase de relatos, al tiempo que rinde un cariñoso tributo al cine de ciencia ficción de serie B de los años cincuenta y, más en concreto, al subgénero de insectos gigantes. Así, las diferentes criaturas que conforman el bestiario del film aluden a las vistas en títulos clásicos como La humanidad en peligro, The Deadly Mantis, La mujer y el monstruo o The Spider, entre otros. En consonancia con estos planteamientos, en lugar de con modernos CGI el apartado de efectos especiales está solventado mediante el uso de técnicas tradicionales, ya sean las poco convincentes pinturas matte empleadas para ciertos planos de ambientación o la artesanal animación stop-motion con la que cobra vida la gigantesca fauna radioactiva que puebla la historia. No parece pues casual así las cosas que el mad doctor de la historia responda al nombre de Dr. Harryhausen[1], personaje que para más inri es interpretado por Adam West, el Batman de la mítica serie televisiva de los años sesenta.

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Claro que es de esperar que la mayoría de estos homenajes, por no decir todos, fueran pasados por alto por el público potencial al que iba dirigida la película. Producido por la MTV para ser emitido por el propio canal televisivo, la génesis del proyecto no es otra que la de servir de vehículo publicitario al servicio de la línea editorial de la cadena. De ahí se deriva la participación de Carmen Electra, convertida de un tiempo a esta parte en el principal reclamo de diversos telefilms de similar ralea, y del antiguo cantante del grupo para quinceañeras “Back Street Boys”, Nick Carter, el cual realiza un pequeño cameo hacia el final de la cinta, en ambos casos interpretándose a sí mismos[2]. Pero lejos de resultar una rémora, estos condicionantes productivos son aprovechados para arremeter contra el lado oscuro y las miserias que se esconden entre las bambalinas del show business catódico – “Así es la tele, guapa; no hay nadie imprescindible”, responderá Electra en un momento determinado ante la incredulidad de otro personaje después de ser abandonados por el equipo enviado por la productora para rescatarlos-. Siguiendo por esta senda, todos los personajes del medio que aparecen en la trama son presentados como oportunistas sin escrúpulos, capaces de cualquier cosa con tal de conseguir el éxito profesional. Es el caso del productor que verá en el secuestro de Carmen Electra por parte de una hormiga alada gigante la oportunidad de realizar un espectacular reality de su rescate, o esa presentadora arribista que se ofrecerá a acompañar a la expedición como forma de lanzar su carrera.

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Pero la cosa no se queda aquí, y la crítica se hace también extensible a la propia MTV, a tal punto que resulta sorprendente que sus jerifaltes no se dieran cuenta de la enorme cantidad de puyas dirigidas hacia su compañía. Una intención que queda ya explicitada en el perfil de su rol protagonista, un sarcástico looser ganador involuntario de un concurso de la cadena que le convierte en el anfitrión de una fiesta a celebrar en una isla situada en el Triángulo de las Bermudas, al que ha sido apuntado por su hermana sin su permiso, no ocultando en ningún momento el rechazo que le produce participar en ese “repugnante despliegue de autopromoción empresarial”, tal como llega a definirlo. Por su parte, su referida hermana es empleada para ridiculizar el prototipo del espectador medio del canal musical, presentándola como una joven superficial que se declara admiradora de Electra y Carter en su presencia, aunque en realidad lo haga por tratarse de gente famosa, más que por sus verdaderos gustos musicales.

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Pero si hay un elemento que sintetice las intenciones de sus responsables en este sentido es la idea que subyace bajo el paralelismo existente entre las dos actuaciones de Carmen Electra comprendidas a lo largo del metraje. Si al inicio de la cinta su ejecución de un número musical supone el plato fuerte de la fiesta tropical organizada por la MTV, más tarde aparecerá haciendo lo propio ante los nativos que sirven de esclavos a la colonia de hormigas gigantes, siendo este el motivo por el que ha sido secuestrada por los insectos a fin de tener entretenidos a sus siervos y evitar así que se rebelen. Más claro el agua. Y es que, si bien la valoración global del conjunto quede muy lejos de la valía que se desprende de estos apuntes, la valentía de plantear semejante discurso, unido a los aludidos guiños que son dedicados a los aficionados al fantástico, hacen que Monster Island se convierta en acreedora de una tenue simpatía, por muy limitado que sea el alcance de sus resultados.

José Luis Salvador Estébenez

[1] A modo de curiosidad, cabe destacar que, al igual que el mago de la animación fotograma a fotograma, la vocación profesional de Perez surgiría cuando de niño visionara el King Kong de Ernest B. Schoedsack y Merian C. Cooper, según indica en la entrevista publicada en el blog “Aquí vale todo” (http://aquivaletodo.blogspot.com.es/2013/04/interview-jack-perez_4010.html). Por cierto, que, de un modo probablemente inconsciente, los guiños hacía la figura de Harryhausen son prorrogados con el título otorgado a la cinta en España, Isla misteriosa, de enorme similitud con el de la adaptación de la novela de Jules Verne dirigida en 1961 por Cy Endfield con efectos especiales a cargo del técnico norteamericano.

[2] Al margen de estas dos “estrellas invitadas”, en el reparto encontramos en uno de sus papeles protagonistas a una jovencísima Mary Elizabeth Winsted, actriz nacida en Carolina del Norte que con el transcurrir de los años ha conseguido abrirse un hueco dentro del panorama hollywoodiense mainstream, convirtiéndose, curiosamente, en una presencia habitual de propuestas de género fantástico. Así, hemos podido verla en títulos como Abraham Lincoln: Cazador de vampiros, la precuela de La cosa, Destino final 3, Scott Pilgrim contra el mundo, el remake del clásico dirigido en 1974 por Bob Clark Negra navidad, o Death Proof, el segmento dirigido por Quentin Tarantino para su proyecto conjunto con Robert Rodríguez, Grindhouse.

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Sharknado

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Título original: Sharknado

Año: 2013 (Estados Unidos)

Director: Anthony C. Ferrante

Productor: David Michael Latt

Guionista: Thunder Levin

Fotografía: Ben Demaree

Música: Ramin Kousha

Intérpretes: Ian Ziering (Fin Shepard), Tara Reid (April Wexler), John Heard (George), Cassie Scerbo (Nova Clarke), Jaason Simmons (Baz Hogan), Alex Arleo (Bobby), Neil H. Berkow (Carl Hubert), Heather Jocelyn Blair (Candice), Sumiko Braun (Deanna), Diane Chambers (Agnes), Julie McCullough (Joni Waves), Marcus Choi (Palmer), Israel Sáez de Miguel (Capitán Carlos Santiago), Tiffany Cole (Derek), Trish Coren (Enfermera Holden), Chuck Hittinger (Matt), Aubrey Peeples (Claudia), Michael Teh (Weinstein), Connor Weil (Luellyn), Christopher Wolfe (Colin), Steve Moulton, Robbie Rist, David Bittick, Derek Caldwell, Adrian Bustamante, Samantha Rafanello

Sinopsis: Un tornado arrasa Los Ángeles provocando una lluvia de tiburones vivos y sedientos de sangre sobre la ciudad. En este contexto, Fin Sheppard, antiguo campeón del mundo de surf y actual propietario de un restaurante en la costa, tratará de reunirse con su familia acompañado de su mejor amigo, una camarera y uno de los parroquianos habituales de su establecimiento.

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Aunque no se trate, ni mucho menos, de un fenómeno nuevo, la implantación de Internet y las nuevas tecnologías ha propiciado un auge sin precedentes de las denominadas películas “malas pero buenas”. Numerosos foros, páginas webs y blogs creados por aficionados a tal efecto se han encargado de pregonar las bondades de estos films de escasos valores cinematográficos, pero acreedores en cambio de grandes dosis de diversión y esparcimiento debido a la torpeza de sus resultados, despertando con ello el interés de muchos espectadores por acceder a algunos de estos títulos. Como no podía ser de otro modo, la industria no ha sido ajena a este contexto, y diversas productoras dedicadas a la serie B y Z se han lanzado a la confección premeditada de este tipo de productos con los que cubrir la demanda existente. Una de las más activas en este sentido ha sido la popular Asylum, que a sus característicos remedos de los blockbusters del momento ha unido en los últimos tiempos una línea editorial consagrada a tales menesteres en la que, en una jugada comercial muy inteligente, ha transformado en virtud los tradicionales defectos de sus producciones.

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Realizadas para su consumo catódico, los acuerdos suscritos por la Asylum con determinados canales temáticos han ayudado a que estas cintas gocen de un elevado nivel de ´difusión, llegado a un público más amplio del que en principio estaban destinadas. Una circunstancia que ha alcanzado su punto culminante hasta la fecha con el revuelo mediático cosechado por Sharknado tras su pase televisivo en Estados Unidos el pasado 11 de julio. Según figura en la nota de prensa facilitada por la división española de Syfy con motivo de su emisión en nuestro país, durante la noche de su estreno Sharknado se convirtió en “la película más tuiteada de la historia”, cosechando en las redes sociales picos de más de cinco mil mensajes por minuto, una cifra que, para hacernos una idea, supera los datos obtenidos por series de la popularidad de la magnífica Juego de tronos. Por si fuera poco, entre algunos de estos comentaristas se encontraban celebridades de la talla de Mia Farrow, la también actriz Olivia Wilde, o Damon Lindelof, uno de los creadores de Perdidos y guionista de Prometheus, Star Trek: En la oscuridad o Guerra mundial Z, entre otras, quien incluso se ofreció para escribir una futurible segunda parte que, por cierto, ya ha sido anunciado para julio del 2014 bajo el título de Sharknado 2: The Second One.

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Realmente, ¿es para tanto? Dejando a un lado las dosis de snobismo y de campaña publicitaria encubierta que pudiera subyacer en lo expuesto en el anterior párrafo, lo cierto es que sí, aunque no exactamente del modo que cabría esperarse. Como es fácil deducir a tenor de su acrónimo título, formado por la unión de las palabras shark (tiburón en inglés) y tornado – es decir, “Tornado de tiburones”, o “Tornarón”-, el planteamiento argumental de la película se apoya en la fusión de dos subgéneros con gran predicamento dentro del panorama fantástico actual y, muy especialmente, en el formato telefilm: el de catástrofes naturales y  el de ataques de escualos. Con la premisa de un huracán que descarga sobre la ciudad de Los Ángeles toda clase de tiburones marinos, Sharknado es pródiga en situaciones ridículas de un nivel tal que empequeñecen a los peces voladores de Piraña 2: Los vampiros del mar o a la famosa escena del ataque al helicóptero de la apócrifa Tiburón 3 de Enzo G. Castellari, por remitirnos a un par de títulos de similares características. Valga como ejemplo la escena final, en la que, tras ser engullido por un gigantesco escualo, el protagonista sale de sus entrañas como si tal cosa sierra mecánica en mano (detalle que, por cierto, remite al Bad Taste de Peter Jackson), rescatando de paso totalmente ileso a otro personaje que había corrido la misma suerte minutos antes.

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El problema estriba en que, salvo muy contados momentos, la puesta en escena de su realizador, Anthony C. Ferrante, es incapaz de transmitir la comicidad que demandan este tipo de situaciones más allá de su carga implícita. Por el contrario, en todo momento la película se desarrolla bajo una pátina de sorprendente seriedad que, junto a un ritmo narrativo plomizo, hace que, en lugar de una experiencia gozosa, su visionado resulte algo verdaderamente insufrible. Para colmo de males, su acabado técnico también deja mucho que desear, no solo por los muchos fallos de continuidad ambiental que se dan cita, lo artificioso de sus efectos infográficos, el abuso de material de archivo empleado para mostrar las consecuencias de la situación climática invocada o la falta de etalonaje registrada durante las primeras secuencias, sino, sobre todo, por la nefasta realización de las escenas de acción del tal Ferrante, donde la total ausencia dentro de su planificación de cualquier plano de carácter descriptivo hace que sea totalmente imposible seguir lo que ocurre en pantalla. Fallos todos ellos que, más que ser simulados de forma voluntaria, hablan bien a las claras y sin rodeos de la incompetencia de sus principales responsables.

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Pero además de para constatar la enorme popularidad de la que gozan este tipo de producciones en estos momentos, Sharknado es también un ejemplo notorio de las limitaciones de la fórmula y, ¿por qué no?, de la crisis de espectadores que sufren las salas cinematográficas en la actualidad. Espoleados por la respuesta mediática conseguida, los dirigentes de la Asylum se apresuraron en organizar su desembarco en cines, siendo el primer título de la productora en hacerlo, o al menos desde su reformulación actual. A pesar de que, al parecer, agotó las entradas en algunas ciudades como Nueva York, Boston y Seattle[1], en las más de doscientas salas en las que fue proyectada la recaudación global tan solo ascendió a unos irrisorios doscientos mil dólares, cantidad bastante alejada del millón de dólares en el que se estima su presupuesto. Y es que, tal y como señalaba la noticia difundida por Europa Press, “una cosa es comentar una película en Twitter para hacer mofa y befa de ella… y otra muy distinta gastarte tus euros (o tus dólares) para pasar por taquilla[2]”. Amén.

José Luis Salvador Estébenez

[1] Según aparece en la entrada de Sharknado en la Wikipedia, información extraída a su vez de de la web “Deadline” (http://www.deadline.com/2013/08/sharknado-midnight-movie-sales-bloody-good/).

Published in: on octubre 17, 2013 at 7:23 am  Comments (3)  

El perro del infierno

Título original: Devil Dog: The Hound of Hell

Año: 1978 (Estados Unidos)

Director: Curtis Harrington

Productor: Lou Morheim

Guionistas: Steven Karpf [acreditado como Stephen Karpf], Elinor Karpf

Fotografía: Gerald Perry Finnerman

Música: Artie Kane

Intérpretes: Richard Crenna (Mike Barry), Yvette Mimieux (Betty Barry), Kim Richards (Bonnie Barry), Ike Eisenmann (Charlie Barry), Martine Beswick (Sacerdotisa rito satánico), Victor Jory (Chamán), Lou Frizzell (George), Ken Kercheval (Miles Amory), R.G. Armstrong (Dunworth), Bob Navarro, Lois Ursone (Sra. Hadley), Jerry Fogel (Doctor), Warren Munson (Superintendent), Shelley Curtis, Deborah Karpf, Jan Burrell, Kevin McKenzie, Jack Carol, Dana Laurita, James Reynolds, E.A. Sirianni, Tina Menard, Gertrude Flynn, Fredrick Franklin, Daniel Selby, Bill Zuckert…

Sinopsis: Los Barry pierden a su perro en un accidente de tráfico. Por esta razón, deciden adoptar a un pequeño cachorro como regalo de cumpleaños de su hija Bonnie. Sin embargo, la llegada del nuevo inquilino coincidirá con un cúmulo de desgracias…

En la década de los setenta se produjeron un ramillete de películas de género realizadas para televisión que han quedado como pequeños clásicos de directores aclamados hoy en día como Steven Spielberg, con El diablo sobre ruedas (Duel, 1971) y Algo diabólico (Something Evil, 1972), John Carpenter y su ¡Alguien me está espiando! (Someone´s Watching me, 1978), o Las dos caras de Julia (Stranger in Our House, 1978) que Wes Craven dirigiera con la mítica Linda Blair al frente del reparto, pasando por Frío en la noche (Don´t Be Afraid of the Dark , 1973) de John Newland, recientemente versionada para la gran pantalla bajo la tutela de Guillermo del Toro.

El perro del infierno (Devil Dog: The Hound of Hell, 1978) correspondería a este tipo de producciones. Aunque si bien su popularidad sea menor en comparación con aquellas, cabría reseñarla, entre otras cosas, por haber sido realizada por Curtis Harrington, cineasta cultivado en el género con cintas tan considerables como ¿Qué le pasa a Helen? (What´s the Matter with Helen?, 1971) o ¿Quién mató a tía Roo? (Whoever slew Auntie Roo?, 1971), pero que posteriormente desarrollaría su trabajo en el medio catódico, realizando, en un principio, tv movies de género como la que nos ocupa, para posteriormente ocuparse de capítulos de series  como Los ángeles de Charlie, Dinastía o Los Colby.

Otra baza importante de la cinta reside en su reparto, integrado por estrellas del género de la talla de Martine Beswick, quien interpreta el anecdótico rol de la malévola sacerdotisa , la Yvette Mimieux de El tiempo en sus manos (The Time Machine, 1960) en el papel de la madre de los Barry, así como el tándem formado por Ike Eisenmann y Kim Richards en la que sería su tercera colaboración juntos, de nuevo en el papel de hermanos, tras las disneyanas La montaña embrujada (Escape to Witch mountain, 1975) y Los pequeños extraterrestres (Return to Witch Mountain , 1978). Mención aparte merece la presencia del gran Richard Crenna, quien durante el tramo final soporta todo el peso de la acción.

La cinta sigue la estela del género demoníaco iniciada por títulos como La semilla del diablo (Rosemary´s Baby, 1968), Satan mon amour (The Mephisto Waltz, 1971) o La profecía (The Omen, 1976), aunque en esta ocasión el elemento que siembra la discordia sea la mascota de la familia,  un perro poseído por un demonio llamado Barghest, a través de un rito satánico que tiene lugar al inicio del telefilme y que es llevado a cabo por una siniestra secta. Las investigaciones del padre de la familia, alarmado por el cambio ocasionado en la personalidad de su esposa e hijos y de las muertes acaecidas a su alrededor, le llevarán hasta Quito. Allí entablará contacto con un hechicero que le dirá cómo acabar con el espectro infernal que perturba su tranquila vida.

En un principio podría parecer algo ridículo el planteamiento de un perro poseído por un demonio[1]. Sin embargo, Harrington supo aportarle credibilidad a esta trama gracias a un desarrollo realizado con buen pulso, en el que un padre de familia debe hacer frente a los extraños sucesos que acontecen en su casa a raíz de la llegada de un nuevo cachorro.

Pero a pesar de los factores positivos mencionados con anterioridad, una vez avanzada la película,ésta se va desinflando lentamente debido a un desenlace tan rápido como poco elaborado, en el que además se abusa de unos flojos y precarios efectos especiales, que terminan por desvelar su naturaleza catódica. Con todo, El perro del infierno goza de varios momentos disfrutables, aunque sea una verdadera lástima no haber desarrollado el elemento inicial de la secta satánica – cuya introducción fácilmente podría haber sido extraída de otra película-, y tire por otros senderos más típicamente americanos, tan manidos como conservadores.

Jesús Palop

[1] No obstante, no sería la primera vez que esto se planteaba en la historia del cine; sin ir más lejos la española Exorcismo (1975) de Juan Bosch ya introducía este elemento en su argumento.

Published in: on marzo 2, 2011 at 6:36 am  Comments (2)  
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Il bacio di Dracula / Dracula [dvd: La maldición de Drácula]

Título original: Il bacio di Dracula / Dracula

Año: 2002 (Italia, Alemania)

Director: Roger Young

Productores: Paolo De Crescenzo, Roberta Cradringher, Ferdinand Dohna

Guionistas: Roger Young, Eric  Lerner, según la novela de Bram Stoker

Fotografía: Elmér Ragályi

Música: Harald Kloser, Thomas Wanker

Intérpretes: Patrick Bergin (Vladislav Tepes / Drácula), Giancarlo Giannini (Dr. Enrico Valenzi), Hardy Krüger Jr. (Jonathan Harker), Stefania Rocca (Mina), Muriel Baumeister (Lucy), Kai Wiesinger (Dr. Seward), Alessio Boni (Quincy), Conrad Hornby (Arthur Holmwood), Brett Forest (Renfield), Alessia Merz, Piroska Kiss, István Göz, Barna Illyés, Csaba Pethes, Balázs Tardy, Levente Törköly, Ilona Kassai, Imola Gáspár, Csilla Bakonyi, Petra Hauman, Tibor Kenderesi, Andrew Divoff…

Sinopsis: Una lujosa fiesta de sociedad se celebra en Budapest. A la celebración asiste Jonathan Harker, un joven inversor, acompañado de sus amigos y de su novia, Mina Murray, a quien acaba de prometerse en matrimonio. Pero antes de la boda, Jonathan debe viajar a un recóndito rincón de Rumania para cerrar un importante negocio con un aristócrata local apellidado Tepes…

A lo largo de su dilatada trayectoria dentro del cine han sido numerosas las películas que han propuesto la traslación de Drácula a un contexto coetáneo a la fecha de su rodaje. Sin ir más lejos, esta maniobra sería llevada a cabo por las dos productoras que más contribuirían a su popularidad dentro del medio, la Universal y la Hammer, en sendas cintas que, no obstante, figuran entre los menos logrados esfuerzos que una y otra dedicaran al conde transilvano. Sin embargo, dentro de esta amplia nómina de títulos que han tratado de actualizar a tan famoso personaje, pocos han sido los que han hecho lo propio con la novela que le diera vida. Uno de estos escasos ejemplos lo encontramos en Il bacio di Dracula / Dracula [dvd: La maldición de Drácula, 2002], reciente miniserie televisiva italo-germana dividida en dos capítulos de hora y media de duración cada uno y dirigida por el especialista en el formato Roger Young.

Como decimos, esta Il bacio di Dracula / Dracula se erige como una fidedigna adaptación de la influyente novela de Bram Stoker. No en vano, su trama sigue con sorprendente fidelidad los más relevantes acontecimientos relatados por el irlandés, llegando a reproducir frases concretas y potenciando las similitudes entre su personaje protagonista y la figura histórica en la que fue inspirado; al igual que éste luce un largo mostacho – detalle que, si bien presente en la novela original, rara vez ha sido respetado por sus diferentes encarnaciones cinematográficas – y recibe su mismo nombre: Vlad Tepes. Por lo demás, las diferencias más significativas entre la presente miniserie y el texto en que se basa estriban en su ambientación en el Budapest actual y en la modernización de ciertos rasgos concernientes a algunos de sus personajes principales; los más importantes tienen como protagonistas a Jonathan Harker y la cohorte de amantes de Lucy, que de miembros de la caduca alta burguesía victoriana pasan a ser un grupo de yuppies ansiosos de encontrar la forma de lograr medrar en la vida sin importarles el precio.

Es precisamente a través de estos, en principio, insignificantes cambios sobre los que Young procede a la modernización del discurso del material que tiene entre manos, sin por ello modificar su conflicto de base: el eterno enfrentamiento entre el bien y el mal. Y es que si uno de los planteamientos de Stoker a la hora de escribir su más famosa creación fue la de denunciar la represión sexual a la que estaba sometida la sociedad británica de su tiempo, Il bacio di Dracula / Dracula trata de poner en tela de juicio el materialismo imperante en nuestra sociedad actual contraponiendo idealismo y moralidad con ambición desmedida y falta de escrúpulos, todo ello por medio de los conflictos de pareja entre Harker y su prometida Mina, aquí reconvertida en una solidaria trabajadora de una O.N.G. Del mismo modo, tampoco es muy difícil de encontrar a lo largo del metraje una soterrada crítica hacia el extremismo religioso representada por un desconocido Drácula (!) que se define a sí mismo como uno de los pocos creyentes verdaderos en base a su propia interpretación de la Biblia, la cual es resumida en la siguiente frase: “Dios creó al hombre a su imagen y semejanza, es decir, como un asesino”. En cuanto a la elección de Budapest como marco geográfico de la historia en detrimento de Londres, además de ofrecer a sus productores una inmejorable oportunidad de ahorrar costes, brinda una jugosa relectura acerca de las dos caras de la Europa del Este tras el desmoronamiento del bloque comunista. Así, mientras que Hungría es presentada como un país rico, próspero y moderno, la vecina Rumania es mostrada como todo lo contrario; una tierra pobre, triste y anclada en el pasado, dentro de un desfavorable y poco creíble retrato del país latino y sus habitantes.

Pero a pesar de tan interesantes ingredientes, el resultado final del producto acaba por no estar a la altura de lo que podría haber deparado, aún contando con varios aciertos aislados, caso del claro interés homosexual existente en la relación de Drácula con Harker. Argumentalmente, todo el potencial ofrecido por su guión es diluido por culpa de un tratamiento superficial, incapaz de aprovechar las enormes posibilidades que apuntaban los diferentes discursos planteados, y exhibiendo una galería de personajes positivos a cada cual más antipático. Por otra parte, su aludida fidelidad para con la fuente originaria en combinación con los cambios realizados acaban por provocar no pocas incongruencias argumentales e ingenuidades varias, de las que quizás su ejemplo más paradigmático sea la ilógica travesía marítima que Drácula emprende para llegar desde sus Cárpatos natales hasta la imperial Budapest.

En lo que respecta a su acabado formal, éste no resulta mucho mejor parado. Además de narrativamente descompensada – mientras que la permanencia de Harker en el castillo de Drácula es relatada con total precisión, la consiguiente estancia del vampiro en la ciudad es despachada de forma harto atropellada –, técnica y artísticamente la miniserie adolece de algunos de los defectos más característicos de este tipo de producciones televisivas, comenzando por la confección de su reparto, en el que actores veteranos tan cualificados como Patrick Bergin y Giancarlo Giannini conviven con un grupo de jovencitos que solo parecen haber sido contratados en virtud de su nacionalidad y físico, y siguiendo por unos efectos especiales calamitosos y una estética más propia de anuncio publicitario que de cualquier otra cosa – véase el baile inaugural o los planos de transición del viaje de Harker hacia Transilvania -. Mención aparte merece la videoclipera realización de Young, que entre plagio y plagio a alguno de los más ilustres precedentes cinematográficos de su protagonista – desde la versión de Browning a la de Coppola, pasando por la magistral Drácula, príncipe de las tinieblas de Terence Fisher -, deja para el recuerdo momentos tan rematadamente ridículos como aquella escena en la que Harker aparece probándose modelitos decimonónicos frente al espejo momentos antes de bajar a cenar con Tepes en la guarida de éste.  Todo ello acaba por repercutir en que esta Il bacio di Dracula / Dracula sea un telefilm en su acepción más peyorativa: la de un producto hecho para pasar el rato, pero incapaz de ir más allá de su propia naturaleza. Lástima, de haberlo hecho podríamos estar hablando de una obra más que notable.

José Luis Salvador Estébenez

Published in: on febrero 7, 2011 at 6:19 am  Dejar un comentario  

Frío en la noche

Título original: Don´t Be Afraid of the Dark

Año: 1973 (Estados Unidos)

Director: John Newland

Productor: Allen S. Epstein

Guionista: Nigel McKeand

Fotografía: Andrew Jackson

Música: Billy Goldenberg

Intérpretes: Kim Darby (Sally Farnham), Jim Hutton (Alex Farnham), Barbara Anderson (Joan Kahn, William Demarest (Mr. Harris), Pedro Armendáriz Jr. (Francisco Pérez), Lesley Woods (Ethyl)…

Sinopsis: El matrimonio Farnham, formado por Sally y Alex, deciden reformar la mansión familiar para fijar allí su residencia. Tras desobedecer al carpintero que le aconseja no abrir la tapiada chimenea debido a supersticiones familiares, Sally comienza a tener experiencias paranormales que quizá podrían ser debidas a un brote de locura.

Anterior a la oleada de películas de terror de casas demoníacas, como House, una casa alucinante (House, 1986) o Terror en Amytiville (The Amytiville Horror, 1979) y sus respectivas secuelas, esta tv movie estrenada en 1973 en el canal norteamericano ABC, narraba la pesadilla sufrida por un ama de casa americana en la mansión victoriana heredada de su abuela, tras desatar unas ocultas fuerzas demoníacas que se encontraban encerradas en el interior del milenario edificio.

Tras esta sencilla premisa se esconde un telefilme que fácilmente podría haber sido estrenado en salas cinematográficas, debido tanto a su sobrecogedora factura, su sencillo aunque bien trabajado planteamiento o un plantel de buenos actores, con Kim Darby al frente del reparto, quien aunque procedente del celuloide, en el que había trabajado a las órdenes de cineastas del prestigio de Henry Hathaway en Valor de ley (True Gift, 1969, o Robert Aldrich en La Banda de los Grissom (The Grissom Gang, 1971), terminaría desarrollando su carrera mayoritariamente en el medio catódico.

Don´t Be Afraid of the Dark apuesta por el terror clásico, aquel que consigue crear una atmósfera opresiva a partir de una siniestra orquestación, basada en los inquietantes efectos de sonido y una tenebrosa fotografía. Partiendo de un magistral inicio en el que se nos presenta la arquitectura de la casa a través de una serie de planos apoyados por la voz en off de sus protagonistas, el realizador John Newland juega con el suspense y prefiere mostrar a sugerir, o incluso ambas cosas, ya que nadie asegura que las extrañas criaturas que desde un primer momento ve la protagonista de forma escalofriante durante la fiesta ofrecida a modo de inauguración de la casa, no sean fruto de su imaginación. Este factor juega a favor de la cinta, ofreciendo la imagen de los espíritus o demonios que acosan a nuestra heroína bajo la forma de pequeños duendes de macabro aspecto que consiguen, aún hoy en día, desencadenar una completa turbación en el espectador, gracias en parte, tanto al buen planteamiento argumental como al desarrollo de las secuencias.

Otro acierto del telefilme consiste en dejar totalmente abierto el misterio, sin entrar en absurdas tesis ni rocambolescas tramas. Prima así la sencillez de su apuesta, que consigue con esto aportar mayor credibilidad a una cinta que ha sido objeto de un remake producido por Guillermo del Toro, y protagonizado por Katie Holmes y Guy Pearce. Algo que, a buen seguro, no hará más que rescatar del olvido y encumbrar a la presente como un clásico de terror de culto.

Jesús Palop

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Published in: on enero 26, 2011 at 6:39 am  Comments (1)  
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