“Drácula de Denise Castro” tendrá su premiere mundial en Transilvania

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La película Drácula de Denise Castro empieza su recorrido internacional de festivales. La cinta será proyectada por primera vez en el lugar donde se gestó: Transilvania. El International Vampire Film and Arts Festival de Sighisoara (Rumanía) ha seleccionado el largometraje de la directora barcelonesa como uno de los proyectos que formará parte de la sección oficial del certamen que se celebra del 7 al 10 de junio. Denise Castro se ha mostrado encantada que la tierra del mismo Vlad el Empalador sea la primera en ver la película. “Se cierra el círculo y volvemos al lugar donde empezó todo pero con la película acabada. Es el mejor homenaje a Bram Stoker: estrenar este Drácula en el lugar donde nació el conde que inspiro la historia. Todo el equipo se siente muy afortunado por este reconocimiento vampírico.”

Después de Transilvania, la película tendrá su premiere española en el Festival Sant Cugat Fantàstic, certamen el cual tendrá el honor de ser el film de clausura. Castro no es una desconocida en el Sant Cugat Fantàstic, ya que el año pasado la película coral Maniac Tales, en la que participo con uno de los relatos de terror, ganó el Premio de la Crítica a la Mejor Película y el del Jurado al mejor guion.

Drácula de Denise Castro es la primera producción de la nueva productora barcelonesa Vampi Films, una película independiente en la cual su directora plantea una versión propia del clásico con una mezcla de humor y terror a la vez. Coincidiendo con el anuncio de su premiere, la productora ya ha hecho públicas nuevas imágenes del film que fue rodado a finales de 2016 y que ya ha acabado el proceso de postproducción.

El film está protagonizado por Ricard Balada, Clàudia Trujillo, Alfredo Ruiz y la propia Denise Castro que, además de dirigir y actuar, también es la autora del guion. El rodaje de Drácula de Denise Castro tuvo lugar entre Transilvania y Cataluña. Los exteriores y gran parte de los interiores se gravaron en el Castillo de Bran, en Rumanía, donde, según cuenta la leyenda, el mismo Bram Stoker se inspiró para crear a su famoso Conde Drácula. “Lo que hemos hecho es un mockumentary, un falso documental donde mostrar que todo vale para hacer una película low cost pero sin renunciar al terror característico del género vampírico”, explica Denise Castro. En otras palabras, todo es una inmensa parodia contada en primera persona por los propios miembros de la película, actores, directora e incluso el cámara Alfredo Ruiz.

Todo lo que supuestamente pretende criticar el filme es en gran parte real. Alfredo Ruiz, Daniel García y Denise Castro crearon a finales del 2016 Vampi Films, una nueva productora que se dedicará a la producción de cine de género de bajo presupuesto y que debutará con esta versión sui generis de Drácula. “Hemos rodado con un formato multicámara utilizando teléfonos móviles, GoPro y cámaras profesionales para amplificar la sensación de found footage, ya que lo que verán los espectadores será siempre el que mostrarán las propias cámaras del equipo”, aclara la directora. El resultado es un film entre el terror y la comedia. Cine de autor sin renunciar a la crítica de la precaria situación actual de nuestro cine.

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Sinopsis: Diciembre de 2016. La directora de cine Denise Castro reúne a un equipo pequeño de actores y técnicos y viajan a Transilvania a rodar su propia versión de Drácula. Con un guion a medias y sin un plan de rodaje claro, graban lo que pueden en Rumania, en el castillo de Bran, la localización que inspiró a Bram Stoker para escribir su novela más célebre. Una vez allí todo sale mal. La actriz protagonista Clàudia Trujillo se siente engañada; su novio y coprotagonista Ricard Balada la ha convencido para formar parte de un proyecto que no tiene ni presupuesto, ni un objetivo claro. La tensión y el mal rollo se hace evidente durante todo el rodaje. El cámara, Alfredo Ruiz, incluso se piensa que cobrará por el trabajo. Iluso… A todo esto, la directora Denise Castro, obsesionada por los vampiros y chupadores de sangre, continúa grabando para que su sueño se haga realidad: tener en su haber una versión propia de Drácula, el Drácula de Denise Castro.

Published in: on mayo 8, 2018 at 6:37 am  Dejar un comentario  

A la venta el segundo volúmen de “Cine y expedientes X” de Miguel Ángel Plana

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Tras la buena acogida con la que fue recibido la primera entrega, ya se encuentra a la venta el segundo volumen de Cine y expedientes X de Miguel Ángel Plana. En esta nueva obra, que se puede leer de forma independiente a su primera parte, nuestro amigo y colaborador estudia las experiencias cercanas a la muerte y su lógico correlato reencarnacionista, las profecías, las apariciones religiosas, algunos de los más sonados casos de avistamientos O.V.N.I. y sus repercusiones, sin olvidarse de la T.C.I., transcomunicación instrumental, y otras agradables sorpresas para todos los amantes del misterio y del cine.

El propio Miguel Ángel presenta su nueva obra con las siguientes palabras: “Cuando era adolescente mis intereses culturales estaban mediatizados por mi afición a las películas y las novelas de terror. Pronto descubrí que algunas de aquellas experiencias de ficción podrían tener un soporte real y comencé a interesarme por lo oculto y los enigmas. Fui acumulando cierto saber (J.J. Benítez, Jiménez del Oso, la Enciclopedia de las Ciencias Ocultas y la Parapsicología, Mundo Desconocido). Eran los benditos años setenta. Un día me propusieron participar en un programa de radio sobre la temática en la misma emisora en la que ya colaboraba en uno sobre cine. ¿Cómo podría conciliar mis dos preferencias, el cine y los enigmas? El nombre del programa: La puerta secreta. La mía: la de las imágenes y las palabras. Este libro es fruto de esa colaboración. Películas sobre misterios y los misterios que inspiraron esas películas. Espero que disfruten leyéndolo tanto como yo escribiéndolo… y radiándolo. Porque al mismo tiempo, amable y curioso lector, estas páginas podrán serviros de guía para profundizar, y ampliar, desde diversas fuentes, en todo el universo de misterios que se encuentran al abrir esta puerta… La cultura popular asociada a estas temáticas es ingente, y sumamente interesante.

Mientras Miguel Ángel prepara una tercera entrega en la que anuncia que se encargará de tratar temas como la criptozoología, los visitantes de dormitorio, médiums y fantasmas, o posesiones, Cine y expedientes X volumen II se encuentra ya disponible a través de la tienda web de Editorial Rosetta, el sello encargado de publicarlo, a un P.V.P. de 19€ más gastos de envío.

Más información y pedidos: https://www.edicionesrosetta.es/tienda/editorial/cine-y-expediente-x-volumen-2/

Published in: on mayo 7, 2018 at 6:28 am  Dejar un comentario  

El colegio de la muerte

El colegio de la muerte

Título original: El colegio de la muerte

Año: 1975 (España)

Director: Pedro Luis Ramírez

Productor: Joaquín Domínguez

Guionistas: Ricardo Vázquez, Pedro Luis Ramírez

Fotografía: Antonio L. Ballesteros

Música: Cam España

Intérpretes: Dean Selmier (Dr. Brown), Sandra Mozarowsky [acreditada como Sandra Mozarosky](Leonore Johnson), Norma Kastel (Miss Wilkins), Carlos Mendy (George Allan/ Bob Williams), Victoria Vera (Sylvia Smith), Estanis González (Collins), Ángel Menéndez, Tito García, Cris Huerta, Elisenda Ribas, Mario Álex, Ana Farra, Antonio Almorós, Oscar Penas, Mónica Ulloa, María José Parra, Amparo Solves, Leandro San José…

Sinopsis: Las chicas del orfanato Santa Elizabeth fallecen de forma misteriosa al dejar su lugar de residencia, pero Leonore vuelve a ver a su amiga Sylvia tras haber sido declarado oficialmente muerta. Todo esto coincide con la fuga de la cárcel de un cirujano que experimentaba de forma clandestina para borrar la memoria de sus pacientes.

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Fotocromo de la época.

Mi primer contacto con Jose Luis Salvador Estébenez, responsable de este portal llamado La abadía de Berzano que ya cuenta con diez años de existencia, fue a través de un desaparecido foro de internet. Yo tenía especial interés en dar con una copia de El colegio de la muerte, ya que desarrollaba la acción en una residencia para señoritas y estaba escribiendo sobre ese apasionante tema, e imaginaba que el filme sería un exploit de La residencia de Narciso Ibáñez Serrador, ya que éste había supuesto todo un taquillazo en su estreno en 1969. Por esta causa nos propusimos un intercambio: yo le ofrecería una copia del DVD de la edición inglesa de Yellow Hair and the Pecos Kid / Yellow Hair and the Fortress of Gold (Matt Cimber, 1984)- hace diez años este tipo de películas no era tan fácil de encontrar como en la actualidad- a cambio de mi ansiada El colegio de la muerte. La copia que me ofreció era un burdo transfer de un VHS con una calidad patética, aunque asumí que era lo único que había disponible en aquel momento, y por tanto le confería mayor malditismo a la cinta – actualmente aunque aún no hay una copia decentemente editada del filme, sí puede localizarse de manera más fácil al haber sido emitida en un conocido canal temático-.

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La Mozarowski gritando como una descosida.

El filme de primeras prometía: fantaterror ambientado en el oscuro Londres de principios de siglo, con la malograda Sandra Mozarowsky de protagonista, un importado y semi desconocido galán, Dean Selmier (aunque entre sus trabajos tiene clásicos como La novia ensangrentada y El techo de cristal), y un realizador, Pedro Luis Ramírez, experimentado en géneros como la comedia, el spaguetti western y giallo, que cerró su trayectoria profesional con el presente trabajo. Todo indicaba que se trataba de una cinta maldita a recuperar. A pesar de todo ello, no guardo un grato recuerdo de mi primer visionado, aunque diez años después se me han quedado un par de secuencias grabadas: la correspondiente a una cautiva Victoria Vera a punto de ser lobotomizada, o algo peor, y una desquiciada Mozarowsky gritando ante un ser deforme que desea violarla a toda costa.

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Victoria Vera a punto de ser lobotomizada, o algo peor.

Tras reencontrarme con el filme he de decir que, efectivamente, tenía una imagen demasiado distorsionada: no es tanta su mediocridad. Introduciéndonos de lleno en el contenido de la cinta, concretamente en su secuencia pre-créditos, se nos presenta la imagen de un mad doctor experimentando en su laboratorio con una bella joven que se encuentra atada a una camilla, a la que le practica una hendidura en la sien con su escalpelo. Tras esta impactante imagen, aparecen los créditos de El colegio de la muerteSchool of Dead en su versión angloparlante- y un rótulo que nos transporta al Londres de 1899. El siguiente plano tras los créditos de inicio es un paneo exterior sobre un edificio envuelto en niebla. Se trata del refugio Saint Elizabeth, un internado femenino integrado por unas diez jovencitas, además de Miss Colton y Miss Wilkins, la férrea directora a la que da vida Norma Kastel, cuyas tres normas básicas son: silencio, disciplina y obediencia.

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Esto es peor que la cárcel.

El planteamiento inicial guarda una enorme similitud con el de la ya mencionada ópera prima de Ibáñez Serrador: un estricto hogar para chicas, en este caso huérfanas, a las que se aplican duros castigos (1). Leonore es azotada a latigazos en una oscura y apartada celda en la que nadie puede oír sus gritos -secuencia directamente copiada de La residencia, en la que el personaje interpretado por Pauline Challoner es fustigada por Lilli Palmer -. También hay pinceladas de lesbianismo, concretamente a través del personaje de Miss Colton, quien se insinúa a Leonore tras haberle propinado una señora paliza con la que la profesora parece disfrutar. Aunque, tras dicho planteamiento, el filme toma otros derroteros muy diferentes a los de La residencia, ya que a partir de aquí, la mayor parte de la acción tiene lugar fuera del recinto que da título a la obra.

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Mozarowsky no enseña mucha chicha.

Enseguida entrará en acción uno de los principales personajes masculinos, casi inexistentes, por cierto, en la cinta de Serrador: el doctor Brown, interpretado por el hierático Dean Selmier, amor platónico de nuestra protagonista Leonore, con el que anhela casarse y compartir un futuro prometedor. En paralelo tenemos el personaje de Sylvia, amiga de Leonore, que es enviada fuera del hospicio para servir en una misteriosa casa, aunque poco durará su dicha ya que esa misma noche es raptada y llevada al laboratorio del mad doctor, cuyo nombre es Krueger y encima tiene la cara quemada (¿os suena de algo?), quien le practica a la joven una operación cerebral para borrarle todos sus recuerdos. Al día siguiente Sylvia aparece muerta, pero días después su amiga Leonore tendrá un encontronazo con la presunta fallecida, que no parece reconocerla. Será a partir de dicho suceso cuando la policía empiece a investigar el misterio, un misterio relacionado con la trata de blancas en el que anda envuelto el cirujano fugado de la cárcel llamado Krueger.

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Victoria Vera ya era una mujer de armas tomar.

No podemos negar que la cinta tiene una cuidada ambientación, aunque se nota la falta de presupuesto, sobre todo en cuanto a lo acotado de sus espacios. Sus exteriores, rodados entre Madrid y Toledo, podrían pasar perfectamente por las calles de Londres de finales de siglo XIX. No obstante, sí que se aprecia que los encuadres están milimétricamente estudiados para no desaforar; de hecho no hay planos generales, ni siquiera hay figuración alguna, y la mayoría de las secuencias están rodadas de noche y con un exceso de nebulosa para conseguir una estudiada atmósfera gótica. En este caso la falta de presupuesto juega a su favor, ya que otorga un aspecto fantasmagórico e inquietante. No sucede así en interiores, donde se opta en varias ocasiones por una fotografía con exceso de luminosidad, echándose en falta un ambiente más inquietante e insano que acompañe a la historia.

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La Ornella Mutti española tuvo una muerte misteriosa que aún se sigue investigando, de hecho Clara Usón aborda el tema en su reciente libro “El asesino tímido”.

En la cinta hay varios momentos a recordar además de la mencionada secuencia inicial, como la persecución de Leonore por los sótanos de la guarida de Krueger, el encierro del doctor Brown en un ataúd para ser enterrado vivo -lo que resulta una clara referencia al universo de Edgar Allan Poe-, la imagen de una ensangrentada Sylvia cuchillo en mano, o la secuencia final: el enfrentamiento entre héroe y antagonista ante la mirada de la asustada Mozarowsky, que funciona perfectamente como una virginal heroína en apuros. Sin embargo, Ramírez no consigue aprovechar en líneas generales algunos de los maravillosos planteamientos que ofrece su guion, ya que la mayor parte de las secuencias de suspense son resueltas de forma bastante torpe, como puede ser el anteriormente mencionado homenaje a Poe que es solucionado de un plumazo.

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La expresión de Dean Selmier no cambia en la hora y media que dura la película.

Aunque, a grandes rasgos, me he encontrado con una correcta e inquietante cinta, dotada de una trama de suspense que consigue sorprender en su recta final, y llena de referencias que van desde grandes clásicos como El fantasma de la ópera o Terror en el museo de cera, a las producciones de la Hammer, pero que en su momento pasaría sin pena ni gloria debido quizá a lo tardío de su producción, ya que aunque su depósito legal data de 1974, su estreno en salas no se produciría hasta mayo de 1975, cuando la mencionada productora británica daba ya sus últimos coletazos y el éxito de La residencia quedaba ya muy atrás. En aquel momento se empezaba a demandar más cine erótico que de terror- a pesar de que aquí se tocan temas como el lesbianismo o la trata de blancas, se realiza con demasiada sutilidad para la época-. Quizá hubiera corrido distinta suerte de haber incluido mayor dosis de epidermis ya que, aunque sus protagonistas llevaban camino de ser unas estrellas del destape, aquí se muestran de lo más recatadas. Sin ir más lejos, Las adolescentes de Pedro Masó, otra película que estrenó Victoria Vera en el mismo año y que tocaba un tema más morboso, tendría casi tres millones de espectadores frente a los escasos ciento treinta y dos mil de El colegio de la muerte, algo que sería decisivo para relegarla a un injusto olvido.

Jesús Palop

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Una jovencísima Victoria Vera junto a la malograda Sandra Mozarowsky.

(1) Los personajes principales recaen sobre una Victoria Vera pre Cañas y barro (Sylvia) y una aún inocentona Sandra Mozarowsky (Leonore) a dos años de su impactante desaparición. La elección de ambas actrices, de hecho, refleja también la falta de presupuesto que tenía la cinta, ya que en esa época eran prácticamente desconocidas para el gran público, en comparación con el plantel de estrellas de La residencia, la cinta que pretendía copiar, con las consagrada estrella internacional Lili Palmer o la joven promesa Cristina Galbó como cabezas de cartel.

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Cartel de la película en su edición en VHS.

 

Ya a la venta el primer número de #SpasmoFanzine

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Ya se encuentra a la venta el primer número de “Spasmo”, un nuevo fanzine creado por Rubén Íñiguez Pérez que se anuncia como “dedicado a hablar de ese cine que tus padres no te dejaban ver de niño, ese que los cinéfilos más pedantes se niegan incluso a mencionar. En sus páginas hablaremos de películas que solo unos locos confiesan haber visto, sea para bien o para mal, porque todo filme merece unas palabras”.

Este primer número está dedicado a los asesinos en serie, y entre sus contenidos encontramos los artículos “Cómo atrapar a un asesino de telefilm”, en el que Enrique Agudo realiza un recorrido sobre la visión del serial killer en la televisión, así como extensas reseñas sobre las películas Trastornado (Deranged) por Erika Tiburcio, Una gota de sangre para morir amando por Carlos J. Rodríguez, Dos estranguladores andan sueltos por Rubén Íñiguez Pérez, y El asesino de muñecas, que firma un servidor, José Luis Salvador Estébenez.

A falta de confirmar los posibles lugares de venta en tienda física, el primer número de “Spasmo” puede adquirirse a un precio de 3E más gastos de envío a través del correo spasmozine@gmail.com

Más información: https://spasmoblog.wordpress.com/

Published in: on mayo 3, 2018 at 6:15 am  Comments (1)  

Entrevista a María José Cantudo

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Una de las señas identificables de la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián desde hace muchos años ha sido la confección de sus carteles oficiales, debido al habitual protagonismo de personajes famosos caracterizados en ambientes fantásticos. Robert Englund, Loquillo, Manuela Vellés, Alaska o Javier Gurruchaga han sido algunas de estas personalidades que se han colocado delante del objetivo fotográfico para dar forma a la imagen oficial de la Semana en las últimas ediciones. Una lista a la que este año se unía María José Cantudo, circunstancia esta que sirvió para reivindicar su papel dentro del cine de terror español de los setenta, en el que participó en al menos una docena de películas. Aprovechando su presencia en Donosti, donde además de participar en la gala inaugural de la vigésimo octava edición de la Semana, sirvió de madrina para la puesta de largo de la exposición fotográfica Mil gritos en la noche, formada por imágenes en blanco y negro de actores y actrices participantes en el denominado fantaterror, la realizamos la siguiente entrevista, en la que repasamos su trayectoria dentro del fantástico.

El pasado 2016 se publicaba tus memorias, María José Cantudo, la trastienda de una actriz, escrito por Tony Aliaga; y ahora te conviertes en la protagonista del cartel de la 28ª Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, además de inaugurar dentro del marco de la Semana la exposición Mil gritos en la noche junto a su comisario Pedro Usabiaga. Un cúmulo de circunstancias que vuelve a ponerte en primera línea del cine de género…

El libro de Tony Aliaga no son exactamente mis memorias, sino una parte de mi trayectoria. Todavía queda mucho por contar… y por hacer… Hemos querido realizar este libro, sobre todo, con el objetivo de llegar a mucha gente joven que desconoce el trabajo de algunos actores y actrices de nuestra época, dando a conocer mi figura y trabajo, pero no para que se convierta en un libro súper ventas con el fin de hacer caja.

El tema del cartel me costó un poco decidirme… pero al final me animé. Yo tengo un cariño especial a San Sebastián, he venido con obras de teatro, y me parece una ciudad preciosa. Tenía ganas de estar por aquí y vi en dicho cartel una oportunidad de volver. Estas tierras me atraen, me han dado mucha suerte, e incluso rodé por aquí La trastienda (1975), con gente del equipo muy maja y agradable. El cariño y los recuerdos me animaron a volver.

Retomando el cartel, es una obra fantástica. Pedro Usabiaga es un absoluto genio detrás de una cámara de fotos. Son unas instantáneas muy bellas. Y me encanta el resultado final del cartel. Creo que no tiene nada que ver con otros carteles que se han confeccionado hasta ahora, es distinto. Además, Josemi Beltrán, el director del certamen, es un ser encantador, una persona la mar de cariñosa y muy atenta. Así que me parece una idea genial poder haber participado en la confección del cartel.

Estás entonces muy contenta con la decisión tomada…

Sí. Es un buen momento de mi vida, donde me siento muy orgullosa de mi trabajo y contenta de ser la imagen del Festival de Cine de Terror de San Sebastián. Fijaos que estas películas las hice cuando era una chiquilla, alguna incluso con 16 años. Fueron cinco o seis películas de terror en las que trabajé al inicio de mi carrera, momento en que dicho género era el que estaba en boga, aunque no era precisamente el más glamuroso. ¡Y mirar lo importante que es ahora el cine fantástico y de terror!

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María José Cantudo junto a Pedro Usabiaga, comisario de “Mil gritos en la noche”, durante la presentación de la exposición a los medios.

Bajo nuestro punto de vista, tu carrera en el mundo del cine se ha movido entre dos aguas: por un lado la constante de haber formado parte de una historia muy importante de la Transición debido a tu papel en la película de Jordi Grau La trastienda y, por otro, tu aportación al Fantaterror, donde prácticamente inicias tu carrera de actriz en el cine con El espanto surge de la tumba (1972). ¿Cómo te llega este primer papel dentro del cine y que te pareció introducirte en el cine de terror en aquel momento?

Exactamente. Yo empiezo muy joven, ya que El espanto surge de la tumba recuerdo que la hice a la temprana edad de 16 años; La trastienda ya la hice con 18 años. Después llegaron muchas otras películas.

En el film de Aured entré para ganar un dinero. Yo estaba en una residencia de chicas. Aparte de la publicidad y la fotonovela me comentaron que había una película, y era El espanto surge de la tumba. Fue algo similar a mi entrada en el film Don Quijote cabalga de nuevo (1973), junto a Cantinflas y Fernando Fernán-Gómez. La hice después del film de Aured, ya que nos ofrecían un mes de trabajo y 75.000 pesetas, así que me apunté con una amiga a la película.

La verdad es que no quería ser actriz, mi idea era ser decoradora, algo que finalmente logré, ya que desde hace muchos años soy decoradora profesional. Yo disfruto tirando una casa entera y luego dándole una vida nueva; es lo más. También me gusta mucho el arte, la pintura y las antigüedades. Mi mundo en la actualidad es ese, apenas estoy metida en el mundo del espectáculo, sino en el arte. Mis amistades están por otro lado. Pero sucede que salía mucho en pantalla y los directores se iban fijando en mí.

No obstante, anteriormente a tu desembarco en el cine habías realizado fotonovela, ¿no es así?

Sí. Y también muchos desfiles de moda y spots de publicidad.

¿Y cómo fue en ese momento encontrarte en una film de terror, con todo el tema del maquillaje, las lentillas, una historia de espíritus y muertos que vuelven a la vida?

Había un maquillador en aquella película que era una eminencia, Julián Ruiz, un extraordinario maquillador, el mejor. Se enamoró de mi cara e hizo maravillas. Para el corte del cuello me tenía horas. Estábamos en La Cabrera, Madrid, hacía un frío espantoso. Nos teníamos que meter dentro del agua en el pantano para rodar alguna secuencia. Con 16 años que tenía entonces lo podía aguantar, pero era para coger una neumonía y morir [risas]. El dinero de estas producciones no daba para mucho. Recuerdo que Emma Cohen, que hacía de mi hermana mayor en la película, necesitaba un camisón un día. Le tuve que dejar el mío de dormir, para que veáis cómo eran las cosas en aquellas películas…

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Siendo tan joven, llegaste incluso a rodar una doble versión…

¡No, yo no! Salen todas desnudas menos yo. Yo no enseñé nada. En El espanto surge de la tumba no enseñé nada. La primera vez que desnudé mi cuerpecito fue en La trastienda, anteriormente en ninguna. Hay doble versión en la película de Aured, pero no de la Cantudo, quizás Helga Liné o Emma Cohen… Debido a la edad que tenía mi padre me hubiera dado una paliza [risas]. Además, en ese momento yo iba a ganar dinero, no a ser una estrella del cine enseñando nada[1].

¿Cómo fue trabajar a las órdenes de Carlos Aured en una cinta donde a tu lado se encontraban, entre otros, Emma Cohen, Helga Line, Vic Winner o Paul Naschy?

A Carlos Aured lo conocí cuando hacía fotonovela. Fue como una especie de flechazo entre actriz y director, de ahí que me seleccionara como protagonista en un momento que podría haber continuado haciendo fotonovela o publicidad… pero Aured me vio y me escogió. Fue un director que me enseñó muchísimo, me daba confianza, como Jordi Grau, con el que trabajé por primera vez en El secreto inconfesable de un chico bien (1976), donde me impuso Frade cuando Grau quería a Ana Belén. Cuando llegó La trastienda, Frade le dijo a Grau que si quería a Ana Belén, y Grau le contestó que no, qué prefería a la Cantudo. Según Grau, lo dice en sus memorias, La trastienda soy yo. Es algo que me ha pasado en diversas ocasiones a lo largo de mi carrera: el director tenía cierta fijación en mí y pedía a los productores mi presencia en sus películas.

Podemos observar que Jordi Grau mantenías una relación especial…

Sí. Por ejemplo, lo cuenta él en sus memorias, yo lloraba pensando que lo hacía mal, y para nada, ya que, a la primera toma, ya estaba mi parte y la de los demás no, y yo tenía un problema pensando que no lo estaba haciendo bien. Tenía esa fama de ser a la vez la actriz más cara y la más barata, ya que gastaba muy poco negativo, era una persona que a la primera toma el director ya la tenía. Supongo que esta profesionalidad hacía que empalmara un rodaje con otro, ya que estaba muy solicitada.

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María José junto a la presentadora de la Semana, Miriam Cabeza, y Josemi Beltrán, director del certamen, dirigiéndose al público del Teatro Principal donostiarra.

Después de El espanto surge de la tumba llegaría la controvertida Autopsia (1973), donde compartes reparto junto a Jack Taylor y Juan Luis Galiardo, y en la que, según se publicitó en su momento, se incluyen imágenes de una autopsia real en su metraje…

Fue una película impresionante. Nosotros en el rodaje no llegamos a tener al muerto delante nuestro, por suerte. Fue un film muy intenso para nosotros. Yo recuerdo que era la mujer de la persona a la que hacen la autopsia, y aquello se convirtió en cierto drama… Creo que nos hubiéramos muerto si aquellas secuencias se llegan a rodar con nosotros delante [risas]. Recuerdo también que la actriz Pilar Velázquez iba a hacer mi papel.

En China es un film de culto. En una ocasión lo pude vivir en primera persona. Ahora que vienen muchos orientales a España, un día al lado de mi casa, en el centro de Madrid, había unos chinos que no dejaban de mirarme… hasta que uno de ellos me preguntó si podía hacerse una foto conmigo. Yo me preguntaba de qué me podían conocer… Y empezaron a hacerse una serie de fotos a mi lado. Al final, la intérprete me explicó que en su país era muy conocida debido a mis películas, algo que me sorprendió muchísimo.

¿Qué ocurrió en la comedia vampírica Las alegres vampiras de Vögel (1974), película que empezó a dirigir José María Elorrieta pero que finalmente acabó en manos de Tabernero?

Sucedió que Elorrieta falleció durante el rodaje. Es un film que empecé a rodar estando embarazada, pero nadie lo sabía, estaba de casi cuatro meses y a punto de casarme, ya que me casé rodando la película. Tengo una anécdota muy divertida al respecto. Me dijeron que me tenían que clavar una estaca en el estómago mientras estaba tumbada dentro de un ataúd. Sin embargo, me comentaron que mi barriga se movía mucho, así que pidieron que me trajeran un bocadillo, ya que se pensaban que se debía a que tenía hambre [risas]. Mientras yo estaba callada como una muerta, y nunca mejor dicho. Me preguntan de qué lo quiero, contesto, me lo traen, y me lo como. Pero, lógicamente, la barriga se me sigue moviendo… así que me tuvieron que clavar la estaca en el pecho como bien pudieron, en lugar de en el estómago, ya que el niño no se quedaba quieto [risas].

Recuerdo que la persona que hacía el personaje del marqués era un marqués de verdad que vivía en el hotel Ritz. Y las sortijas que llevaba en la película me las prestaba él. Creo que en la película era mi tío, e incluso me muerde en una de las secuencias.

Por cierto, que en esta película salgo haciendo un baile flamenco, lo que no le sentó muy bien a una de las actrices, que incluso le llegó a proponer al director aparecer luciendo más lencería a cambio de que eliminara mi escena. Sin embargo, él dijo que de eso nada, y yo hice mi escena bailando flamenco como originalmente estaba previsto.

En aquel inicio de la década de los setenta también te adentras en un film algo desconocido, que se movía en los caminos del thriller o giallo, según se mire, El asesino no está solo (1974), donde resulta bastante llamativo su reparto, encabezado por Lola Flores, Teresa Rabal y el tinerfeño Domingo Codesido, más conocido como David Carpenter.

Era de las primeras películas que hice. Castellví, que ejercía como mi asesor, y que también llevaba a David Carpenter, nos metió a los dos en la cinta, pero sinceramente, no recuerdo gran cosa, al margen de mi admiración por Lola Flores. Intuí que sería una película sin apenas recorrido. Suelo captar cuando una cinta no va a conectar con el público y esta pasó desapercibida. Estuve encantada de trabajar al lado de Lola Flores y, sobre todo, por ir abriéndome camino en el mundo del cine en una época donde tampoco tenía muy claro si ser actriz, donde me iba haciendo un espacio en la interpretación, pero donde nunca puse la zancadilla a ninguna compañera de reparto. Al contrario, prefería estar en muchas ocasiones en un segundo término, y si salía mucho en algunos medios, como en la revista Fotogramas, era más debido a los contratos firmados, pero nunca fui una amante del mundo de la farándula.

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María José junto a Paul Naschy en una escena de “Secuestro”.

Después de tus trabajos al lado del realizador catalán Jordi Grau te llega el papel protagonista en el film de León Klimovsky Secuestro (1976), un cambio de registro importante en ese momento debido a la ejecución de tu papel y al lado, otra vez, de Paul Naschy, al que hay que sumar a Teresa Gimpera, Tony Isbert, Luis Induni o Máximo Valverde…

Se abren las puertas a papeles protagonistas, películas con Antonio Mercero, otras de género, etcétera. Entro en otro círculo y se me cotiza mucho, pasando a ser una actriz cara de contratar. Además, vuelvo a encontrarme con Paul Naschy en la película. Fue una historia que me llamó mucho la atención y además tuve de compañeros a excelentes actores.

Y de la mano de Jacinto Molina llegamos a uno de tus papeles más importantes dentro del género: El huerto del Francés (1977). Cuando Molina te presenta la oportunidad de trabajar en la cinta, ¿qué te pareció su argumento centrado en una historia macabra y real?

Paul Naschy, desde el primer momento, se enamoró de mi trabajo. Era como una especie de musa para él y siempre estaba detrás mío para que trabajara en todas sus películas. Yo le decía que no podía estar en todos sus trabajos, ya que por aquel tiempo llegaba a firmar contratos de hasta doce películas. Siempre le prometía que le haría una, y fue El huerto del Francés, que es genial. Yo normalmente no veo mis películas, pero esta sí y me parece maravillosa. El trabajo que hacemos todos es muy digno, y tanto El huerto del Francés como Autopsia son mundialmente conocidas en países del mundo entero.

Yo no soy de redes sociales, soy un poco desastre, pero cuando Tony Aliaga me enseña la repercusión por Internet de estas cintas, o viene una amiga mía de EE.UU. con una camiseta de alguna de estas películas, ¡me parece lo más! Incluso en alguna de estas camisetas aparece mi rostro. Me sorprende mucho el éxito, ya que también he realizado otras películas muy buenas con otros directores, y no únicamente en España, también en otros países de Europa.

Sin duda, aquí reside el fenómeno fan de los amantes del cine de terror…

Claro, claro, sin duda. Y mira que en aquel inicio me negué mucho a trabajar en películas de terror. Al principio acepté algunos papeles, pero luego los rechazaba. Por eso a Paul Naschy siempre le decía que no, aunque al final trabajé dos veces con él. La verdad que era un señor muy trabajador, el guion de El huerto del Francés lo escribió en una semana. Ahora, viendo el significado de todas aquellas películas, me arrepiento de no haber trabajado en más cintas de terror, en estos momentos lo haría encantada. Ahora me ofrecen un papel en una nueva película y, seguramente, diría que no; pero si me ofrecen un buen papel en un film de terror, con un buen director, diría que sí. Creo que estoy en un buen momento para un papel, con la edad justa, las expresiones, la experiencia, el peso que tengo como actriz en la cinematografía española, en el teatro, mi carrera en general… creo que sería algo importante y lo aceptaría sin duda. Y mira que me llaman, pero digo que no, no me gusta el cine que me ofrecen. No me gustan los temas, pero una cinta de terror me apetecería.

Debido a la relación laboral que venías manteniendo con Naschy, y dado que comentas que él te iba ofreciendo papeles en los films que realizaba, ¿El huerto del Francés era un proyecto que venía de lejos?

Así es. Como decía, película que ponía en marcha, película que me llamaba para trabajar. Pero siempre le tenía que decir que no, e incluso en alguna ocasión se enfadó conmigo. A su vez, me iba enseñando los guiones que escribía. Y uno de estos proyectos fue el de El huerto del Francés. Me habló de dicho proyecto y luego me enseñó el guion, ya que era una historia andaluza. Era un tema que también me gustaba y además había una historia más interesante detrás que el simple film de terror.

El huerto del Francés - Cantudo

Se ha escrito y hablado mucho acerca de aquel rodaje debido a las supuestas desavenencias que mantuviste con Ágata Lys. ¿Hasta dónde es cierto y hasta dónde es leyenda o habladuría?

Sí, hubo ciertos problemas en el rodaje con “ella”. En ese momento, que yo encabezara el cartel por delante de “ella”, e incluso de Naschy, dio mucho que hablar, ya que a “ella” no le gustó mucho. Teníamos una escena donde debíamos pelear y ella me arañó el cuello. No quiero decir que lo hiciera a propósito, pero sucedió y allí me planté. Dije que para mí se había acabado la película.

¿Y cómo continuó el rodaje?

Sucedió que prácticamente ya estaba terminada. Además, ella montó un buen escándalo y yo, que no soy una mujer polémica, le dije a Naschy que aquello había llegado a su punto y final.

Según me ha explicado Tony Aliaga en alguna ocasión, ya que ellos están en contacto, parece ser que está muy arrepentida de muchas cosas del pasado. Pienso que lo haría sin darse cuenta, pero bueno, sucedió y ya está. Digamos que ese fue el único problema, debido en gran parte a mi estatus en aquel tiempo.

Momentos complicados para una película convertida en cult movie

Sí, en la actualidad es una película de culto, y tiene razón de ser la distinción. Hay mucho trabajo detrás de ella. Era una cinta con una buena financiación y donde yo empezaba a despuntar, gracias al trabajo al lado de grandes directores, algo que me llevó a ser la protagonista y tener un cachet alto, ya cobraba mucho dinero por interpretar.

Para la ocasión, se debió también a mi promesa, ya que le había prometido a Paul que trabajaría en algún título suyo, y la hice encantada. La pena es que la película esté retenida por un banco. Su hijo Sergio, al igual que su padre, han luchado por desatascar dicho tema, pero de momento no han tenido éxito.

Entre finales de la década de los setenta y principios de los ochenta tu carrera te llevó por otras cintas alejadas del fantástico, probablemente debido al cambio de orientación que se produce en España dentro de la industria cinematográfica. ¿Te sentías cómoda en aquellas cintas, que en su mayoría tenían como principal reclamo el tema del erotismo? ¿Fue el encasillamiento en este tipo de films el que de algún modo te hacen abandonar el Séptimo Arte?

Bueno, mi abandono de la industria fue una decisión mía. Las películas que se hacían ya no me interesaban. Pienso que las películas asignadas al destape aparecen después de La trastienda; un cine donde todo valía cara al desnudo de la mujer, aprovechando ese momento de apertura política que vivía el país, y todo sin venir a cuento, por la cara. Y yo dije que no. Ese cine no me gustaba, y aunque había tenido algún desnudo en mis anteriores trabajos, nada tenía que ver con lo que se avecinaba. Cosas muy desagradables para las actrices, con directores muy buenos en algunas ocasiones, pero situaciones dantescas para nosotras. Y no quiero que nadie piense que soy una “estrecha”, pero aquello no lo exigía el guion. De ahí que encaminara mi trabajo de actriz hacia el teatro.

Una carrera también muy fructífera sobre las tablas escénicas…

Sí. Llegó el destape y no quería entrar. Aunque mucha gente asocie mi nombre a esas películas, aunque hice algún desnudo, sí, lo cierto es que en realidad no intervine en el llamado cine del destape. Supongo que quedó la etiqueta de La trastienda… Así que, cuando empezó ese tipo de cine, me negué. Entré en el teatro, ya que me ofrecieron trabajar en Las leandras. El cine en España en ese momento no me gustaba, y me marché a trabajar a México en alguna película. Al volver me centré en el teatro.

Incluso llegaste a producir algunas obras…

Correcto. Gracias al dinero que había ganado en el cine pude empezar a producir obras de teatro. Por ejemplo, un montaje de Doña mariquita de mi corazón, con sesenta actores sobre el escenario y un buen número de músicos en el foso. Fue una de las grandes comedias musicales, una zarzuela, con un éxito fulgurante en el Teatro Calderón. Y ahí empezó mi gran éxito en el mundo del teatro, digamos que me forré [risas].

Llegué incluso a producir Las leandras hasta en cuatro ocasiones, y siempre se llenaba. Un clásico como La dama boba de López de Vega, Usted puede ser un asesino, Mariquilla terremoto, El baile o Ventolera fueron otras obras que produje; trabajando, entre otros, con José Luis López Vázquez. Al final he tenido una carrera muy curtida, tanto en cine como en teatro. Me metí tan de lleno que cuando me llegaban ofertas para el cine decía siempre que no. Sí que he colaborado en estos últimos tiempos en una película en apoyo a las mujeres maltratadas y otra donde hacía un homenaje a los médicos rurales de los pueblos. Dos colaboraciones especiales, muy bonitas, de las que me siento muy orgullosa de haber participado. Al igual que ser miembro de honor de la Unesco.

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¿Tenías una vocación hacia el teatro? Ya que vas más allá de la interpretación, tal y como explicas…

Digamos que le tengo mucho respeto. Y yo, como mujer recta en mi vida y en mi trabajo, y comprometida con todo lo que hago, en el teatro descubrí una serie de cosas por las que tenía que luchar, como, por ejemplo, dar a Las leandras lo que se merecía y producir yo misma la obra. Y así continúe. Invertí mi dinero e hice teatro con los mejores. Creo que todo lo hacía por prestigio hacia el teatro, no por ganar dinero, que también lo ganaba. Si ibas a ver una obra de teatro donde yo estaba detrás veías una gran obra de teatro, con sus grandes decorados, una vestimenta cuidada hasta el mínimo detalle, muebles de la época en la que transcurría la obra de verdad… un gran desembolso, pero necesario para dar prestigio al teatro. Yo con mi sueldo como actriz tenía suficiente e invertía el dinero en mi obra.

A partir de la década de los noventa las series para la televisión han sido una constante en tu carrera. ¿No te han surgido nuevos papeles para el cine?

En la actualidad la situación dentro del mundo del cine no me gusta. Además, ya no se gana mucho dinero; se ofrece muy poco a los actores, nada que ver con mi época, que con una película podías ganar siete u ocho millones de pesetas. Ahora te dan dos duros y tienes que estar vigilando qué hacen contigo. En la televisión he trabajado en ¡Señoras y señores!, comedias musicales, y más recientemente en Cuéntame cómo pasó. Pero en la actualidad en la televisión pasa como en el cine: se paga muy poco y se aboga por contratar a actores desconocidos.

Así que sigo como decoradora y amante del arte y las antigüedades, en esa vía. Trabajo en interiores, en el descubrimiento de obras, pero no cierro la puerta a un buen director o guion… siempre y cuando me guste la propuesta, me apetezca y me motive. Me ha costado mucho estar donde estoy, así que antes de meterme en cualquier proyecto lo tengo que ver muy claro.

Donde yo estoy es perfecto, pero para atrás no voy. Estoy bien en mi casa con mis diseños y trabajo. Por eso digo que, en este momento, no aceptaría cualquier cosa.

                                           Diego L & José Luis Salvador Estébenez

[1] Pese a que ella no lo recuerde, lo cierto es que en la doble versión de El espanto surge de la tumba rodada para el mercado internacional María José aparece desnuda, precisamente, en la escena en la que un zombificado Luis Ciges degüella a su personaje.

Fotografías: Juan Mari Ripalda

Gremlins 2: La nueva generación

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Título original: Gremlins 2: The New Batch

Año: 1990 (Estados Unidos)

Director: Joe Dante

Productor: Michael Finnell

Guionista: Charles S. Haas, basándose en los personajes creados por Chris Columbus

Fotografía: John Hora

Música: Jerry Goldsmith

Intérpretes: Zach Galligan (Billy Peltzer), Phoebe Cates (Kate Beringer), John Glover (Daniel Clamp), Robert Prosky (abuelo Fred), Robert Picardo (Forster), Christopher Lee (doctor Catheter), Haviland Morris (Marla Bloodstone), Dick Miller (Murray Futterman), Jackie Joseph (Sheila Futterman), Gedde Watanabe (Sr. Katsuji), Keye Luke (Sr. Wing), Kathleen Freeman (Microwave Marge), Don Stanton (Martin), Dan Stanton (Lewis), Shawn Nelson (Wally), Archie Hahn, Leslie Neale, Ron Fassler, Time Winters (técnicos de Forster), Heather Haase, Jason Presson (dependientes tienda de yogures), Lisa Mende, Patrika Darbo, Jerry Goldsmith (clientes tienda de yogures), Rick Ducommun (guarda de seguridad), John Capodice (jefe de bomberos), Belinda Balaski, Nicky Rose, Paul Bartel, Kenneth Tobey, Heidi Kempf, Eric Shawn, Michael Salort, Frank P. Ryan, Diane Sainte-Marie, Kristi Witker, Sarah Lilly, Vladimir Bibic, Page Hannah, Liz Pryor, Raymond Cruz, Julia Sweeney, Jeff Swanson, Charles S. Haas, Dale Swann, Gray Daniels, Stéphanie Menuez, Jacque Lynn Colton, May Quigley, Tony Winters, Isiah Whitlock Jr., Dean Norris, Saachiko, John Astin, Henry Gibson, Leonard Maltin, Hulk Hogan, Dick Butkus, Bubba Smith…

Sinopsis: Tras la muerte de su cuidador, Gizmo es llevado a un laboratorio donde se encuentra con su antiguo dueño. Debido a un despiste, el animalillo se moja, multiplicándose en temibles duendecillos que se apoderarán del rascacielos más moderno de Nueva York.

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El impacto mediático y comercial suscitado por la aparición de Gremlins (Gremlins, 1984) era un caramelo demasiado suculento como para que Warner Bros lo dejara escapar. No pasó pues mucho tiempo hasta que planteó la producción de una secuela con la que seguir explotando el filón descubierto, para lo que contactaría con el director del primer film, un Joe Dante que, sin embargo, declinó la oferta, entre otros motivos a causa de lo cansado que había acabado del rodaje de la primera entrega por los muchos problemas que supuso dar vida a las criaturas protagonistas. El proyecto fue entonces ofrecido a otros realizadores, pasando de mano en mano hasta que, años después, volvió a llegar a las de Dante. Tras el relativo fracaso de taquilla con el que se había saldado la divertida y paranoica No matarás… al vecino (The Burbs, 1989), el cineasta de Nueva Jersey aceptó hacerse cargo del proyecto, a cambio del compromiso de Warner de concederle carta blanca para plantear la futura película a su antojo, en un detalle de lo más indicativo del rumbo que acabaría por tomar Gremlins 2: La nueva generación (Gremlins 2: The New Batch, 1990).

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Para dar forma a la película, Dante volvería a rodearse de prácticamente el mismo equipo que le había acompañado en la primera entrega. Los cambios más reseñables estarían en las ausencias del creador y guionista de Gremlins, Chris Columbus, y de Chris Walas, responsable a su vez del aspecto de las criaturas. Mientras que Columbus sería sustituido por Charles S. Haas, quien volvería a colaborar con Dante en la deliciosa Matinee (Matinee, 1993), el puesto de Walas era ocupado por toda una leyenda de los efectos especiales como Rick Baker, cuya labor se vería beneficiada por los adelantos experimentados en este campo durante los seis años que separan la realización de las dos películas, y la mayor holgura de medios dispuestos, según algunas fuentes tres veces el presupuesto de la original. En cuanto al elenco interpretativo, Zach Galligan, Phoebe Cates, Dick Miller, Jackie Joseph y Keye Luke repetirían sus personajes dentro de un reparto al que se incorporaron nombres como los de John Glover, Robert Prosky, Robert Picardo y Christopher Lee en el papel del mad doctor de la función.

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A pesar del aire continuista que se pudiera deducir de lo expuesto, la intención de su responsable quedaba lejos de seguir la estela de su predecesora. Por el contrario, durante el visionado de la película da la impresión de que el director se sirve de los gremlins y de la libertad creativa concedida por Warner para crear una obra mucho más personal de lo que se pudiera pensar en un principio. De este modo, el producto resultante se encuentra más cercano al espíritu de uno de sus trabajos anteriores, la coral Amazonas en la Luna (Amazon Women on the Moon, 1987), codirigido junto a Carl Gottlieb, Peter Horton, John Landis y Robert K. Weiss, con el que comparte la adopción de una narración cimentada sobre la sucesión de gags humorísticos hilvanados por una excusa argumental mínima.

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Desde su mismo arranque, Gremlins 2 pone de relieve el tono gamberro que preside su discurrir narrativo con la inclusión de una parodia del típico inicio de los Looney Tunes, dibujado para la ocasión por el propio Chuck Jones, ya por entonces retirado. En dicho prólogo, el pato Lucas consigue por fin desbancar a Bugs Bunny como maestro de ceremonias, sintetizando con ello el alma de la película a varios niveles. Por un lado, por la explicitación de la influencia ejercida en el conjunto por el lenguaje de los cartoons, tanto en su sentido del humor como en sus formas narrativas; y, por otro, por el apunte metacinematográfico que su concurso y contenido encierran. Y es que, fiel a su estilo, Dante convierte la película en un continuo bombardeo de referencias cinematográficas y metaficcionales. Un buen ejemplo de ello se encuentra en el momento en el que la proyección llega a ser cortada por las travesuras de los gremlins, en una nueva muestra de la anarquía reinante. Aunque, si bien el más evidente, no se trata, ni mucho menos, del único apunte de este estilo.

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Tanto es así que a lo largo del metraje Dante no pierde la ocasión para arremeter con una cáustica ironía contra varios fenómenos cinematográficos coetáneos, aprovechando para ello el hecho de que parte del argumento se desarrolle en los estudios y oficinas de un canal de televisión por cable. Es el caso del instante en el que Billy se queja al presentador de un programa de películas de terror[1] interpretado por un Robert Prosky caracterizado cual émulo del abuelo de Los Monsters (The Munsters, 1964-66), por no emitir películas clásicas como El doctor Frankenstein (Frankenstein, 1931) o Drácula (Dracula, 1931), a lo que este responde que se debe a que al responsable de la cadena solo le gustan las películas de terror. Dicho instante es continuado momentos más tarde, cuando los altavoces del estudio anuncia la emisión de Casablanca (Casablanca, 1942) “ahora en color y con final feliz”, en lo que supone una evidente referencia a la coloración por ordenador de clásicos y demás alteraciones que por aquella época perpetrara Ted Turner, cuya huella varios especialistas han querido reconocer en el personaje de Daniel Clamp, el magnate de la megacorporación en cuya sede, situada en pleno corazón financiero de Manhattan, transcurre la historia.

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Dicha ambientación brinda la aparición de varias notas de crítica social dirigidas a la entonces incipiente experimentación genética, en un discurso tan propio del cine de ciencia ficción de los años cincuenta tan admirada por su realizador, por un lado, y, por otro, contra la alienación, el arribismo y, en general, el capitalismo salvaje tan propio del mundo empresarial estadounidense de la época. En este sentido, no es difícil ver en este componente un evidente paralelismo con la génesis de la película que vendría a denunciar el modo en el que el cine había sido poco a poco tomado por ejecutivos que sobreponían la rentabilidad de los films por encima mismo de sus componentes artísticos, reduciéndolos así a la mera condición de productos. Una sensación que parece ser reafirmada por el modo en el que Dante no solo satiriza la primera parte, sino la propia concepción de Gremlins 2 como continuación-de-una-película-de-éxito.

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Llevando hasta el paroxismo aquella máxima hollywoodiense según la cual este tipo de películas deben de elevar al cuadrado los rasgos más reconocibles de sus predecesoras, es decir, aquellos ingredientes en los que supuestamente reside la razón de su éxito, el director de El chip prodigioso hace de los gremlins los reyes absolutos de la función. Ya lo dice el dicho: si no quieres caldo, toma dos tazas. La presencia de los monstruitos es así potenciada al máximo[2], bien sea por la presentación de un sinfín de gremlins, cada uno de ellos dotados de características y apariencia propia, como por su protagonismo dentro de la historia, a tal punto de dejar en segundo plano las acciones realizadas por los personajes de carne y hueso.

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En buena lógica, la radicalidad de la propuesta para con los márgenes del cine mainstream no pasó desapercibida en el estreno de la película. Aunque no faltó quien destacó sus méritos, la mayor parte de la crítica no pudo o no quiso entender las pretensiones perseguidas por su responsable, mientras que el público generalista acabó decepcionado al no ver cumplidas sus expectativas de asistir a una mera repetición de lo ya visto en la primera parte. Unas reacciones que, en cualquiera de los casos, para nada invalidan los múltiples aciertos que atesora una divertida y desmadrada obra que, si bien es cierto que no alcanza los niveles ni la magia de su predecesora, resume como pocas la esencia del cine de Joe Dante.

Pedro Príncipe

[1] Quizás no por casualidad, el realizador del programa es incorporado por Dante en persona.

[2] Una presencia que habría sido aún más exagerada si Steven Spielberg, en calidad de productor ejecutivo, no hubiera aconsejado cortar varias escenas al considerar que aparecían demasiado gremlins en la película.

Published in: on abril 27, 2018 at 6:00 am  Dejar un comentario  

“Tres anuncios en las afueras” saldrá a la venta en formato doméstico el próximo 16 de mayo

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El próximo miércoles 16 de mayo Tres casas en las afueras saldrá a la venta en 4K Ultra HDTM, Blu-ray y Dvd. Escrita y diriga por Martin McDonagh, se trata de una de las grandes triunfadoras de la última temporada cinematográfica, como atestigua los premios que ha acumulado la película, entre los que se encuentran los Oscar a la mejor actriz y mejor actor de reparto, cuatro Globos de oro y cinco Baftas, en ambos casos incluyendo los galardones destinados a la mejor película, mejor actriz y mejor actor de reparto.

Sinopsis: La desafiante madre de una joven asesinada (Frances McDormand) pinta tres señales en su localidad. El polémico contenido de éstas la llevará a un violento enfrentamiento con un oficial irascible (Sam Rockwell) y con el venerado jefe de policía del pueblo (Woody Harrelson).

Junto con las características técnicas habituales en materia de audios, subtítulos y formato de pantalla, las diferentes ediciones anunciadas en alta definición incluirán selección de escenas eliminadas, una pieza denominada “Six Shooter”, “Crucifícalos: El making of de Tres Anuncios En Las Afueras” y una galería de imágenes. Idénticos materiales se incluyen en la edición en DVD, con la salvedad de la ausencia del aludido making of.

Published in: on abril 26, 2018 at 5:58 am  Dejar un comentario  

La Mano abre las inscripciones de las categorías audiovisuales a concurso

El Festival Internacional de Cine de Terror, Fantástico y Ciencia Ficción La Mano de Alcobendas ha abierto la convocatoria a las secciones oficiales de largometrajes y cortometrajes. Las bases de cada categoría a concurso se pueden consultar en la página web oficial www.lamanofest.com.

Este año, los promotores de esta iniciativa cultural prometen que será una edición muy especial ya que “cumplimos cinco años desde que comenzamos con esta andadura” que trae los géneros del fantástico y del terror a la ciudad madrileña de Alcobendas, afirma su presidente Manuel Arija.

Las propuestas pueden enviarse mediante las plataformas digitales que la asociación ha habilitado al efecto para esta quinta edición, -Festhome, Movibeta, Filmfreeway o Clickforfestivals-, donde los interesados podrán presentar sus obras audiovisuales hasta el 15 de septiembre. “Contamos con un macabro equipo muy motivado y con apoyo importante de las instituciones para hacer de esta edición una inolvidable”, dice la secretaria Leticia Palomo. “Esperamos recibir muchas obras, mientras seguimos trabajando para hacer de este festival un espacio de referencia en Madrid para proyectar cine de género”, afirma Enrique Agudo alias el lapidero.

Más información a través de los canales en redes oficiales del festival:

www.lamanofest.com
facebook.com/lamanofest
@LaManoFest

Published in: on abril 25, 2018 at 5:52 am  Dejar un comentario  

El Festival de Sitges se instala en Madrid con un ciclo organizado por la Fundación SGAE

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La Fundación SGAE organizará del 21 de abril al 4 de mayo en la Sala Berlanga de Madrid el ciclo Festival de Sitges, una muestra que ofrecerá una selección de títulos que han recibido el elogio de la crítica a lo largo de la historia del certamen, referente del cine fantástico y de terror.

El Festival de Sitges se ha convertido en el escaparate internacional del cine de género, siendo uno de los pioneros en legitimar este cine ante los espectadores. En paralelo a la selección de lo mejor del panorama fantástico internacional, Sitges atiende los esfuerzos de los autores españoles e iberoamericanos. Por ello, la Fundación SGAE ha colaborado desde siempre con el Festival, dotando sus Premios Nova Autoria, y ofrece ahora este ciclo con ejemplos de largometrajes que recibieron premios en Sitges.

Así, la muestra repasa tanto títulos de las últimas décadas como las últimas novedades del género. De este modo, se recuperarán para la gran pantalla ejemplos del cine de los años 70 con Pánico en el Transiberiano, de Eugenio Martín; perspectivas experimentales del cine de autor ochentero con Angustia de Bigas Luna y casos evidentes de la internacionalización del género en los noventa con Los sin nombre de Jaume Balagueró.

Además, el ciclo ofrece algunas de las películas más aclamadas por la crítica de los últimos años. Es el caso del fenómeno zombi que supuso REC, de Paco Plaza y Jaume Balagueró, o las más recientes Matar a Dios de Caye Casas y Albert Pintó y Black Hollow Cage de Sadrac González, ambas estrenadas en Sitges 2017. Además, la Sala Berlanga también exhibirá las cintas Secuestrados (Miguel Ángel Vivas, 2010), El habitante incierto (Guillem Morales, 2005) y la comedia negra Juan de los Muertos (Alejandro Brugués, 2011).

Más información y programación completa del ciclo en el siguiente enlace: http://www.salaberlanga.com/festival-de-sitges/

Published in: on abril 24, 2018 at 5:14 am  Dejar un comentario  
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Este miércoles “Tarde Olariana” en Barcelona

“Tarde Olariana” es el nombre que se ha dado a una sesión de proyecciones que tendrá lugar en Barcelona este miércoles 25 de abril. En ella, se podrán ver los cortometrajes El retrato de David Ayén, Amigos hasta la muerte de Alberto Noriega y Amor secreto de David Ayén, los cuales contarán con la presencia de sus respectivos directores. No obstante, el plato fuerte de la tarde será el avance en exclusiva de El hijo del hombre perseguido por un OVNI, la nueva película de Juan Carlos Olaria que, como su título indica, supone una secuela de su film de culto El hombre perseguido por un OVNI. La cita tendrá lugar a partir de las 18 horas en el Pizza’s l’Avia Restaurant, sito en la calle de la Cera nº 33 de la Ciudad Condal, y la entrada será gratuita hasta completar aforo.

Published in: on abril 23, 2018 at 5:30 am  Dejar un comentario