Presentado el cartel oficial de la próxima edición de TerrorMolins

unnamed

A mediados de la pasada semana el Festival de Cine de Terror de Molins del Rei presentó el que será el cartel de su trigésimo sexta edición, que tendrá lugar del 10 al 19 de noviembre en la localidad barcelonesa.

Como es sabido bajo el nombre de “Haneke or the edge of horror”, la edición de este año tendrá como leitmotiv la figura del cineasta de origen austriaco, dentro de cuya trayectoria sus dos versiones de Funny Games suponen toda una referencia dentro del género terrorífico. Este año se cumplen veinte y diez años del estreno de cada una de las películas, así como el setenta y cinco cumpleaños de Michael Haneke. Una serie de efemérides que TerrorMolins no ha querido pasar por alto.

De este modo, por sexto año consecutivo Maite Pascual se ha encargado del diseño del póster oficial del Festival. Para darle forma Pascual se ha inspirado en una de las escenas iniciales de Funny Games y que supone una clara alegoría de los acontecimientos que esperan a los protagonistas.

TerrorMolins ha querido así homenajear a estas obras maestras que, según se indica en la nota de prensa, “muestran sin contemplaciones y con absoluta maestría muchos de los elementos que no pueden faltar en una buena cinta de género”.

Más información: http://www.molinsfilmfestival.com

Published in: on abril 10, 2017 at 5:55 am  Dejar un comentario  

Operación Mogador

Operación MogadorPassword_Uccidete_agente_Gordon_1967

Título original: Operación Mogador / Password: Uccidete agente Gordon

Año: 1966 (España, Italia)

Director: Sergio Grieco [acreditado como Terence Hathaway]

Directores de producción: José María Rodríguez, Aldo Passalacqua

Guionistas: Lucio Battistrada, Gian Paolo Callegari, Ramón Comas

Fotografía: Juan Julio Baena

Música: Piero Umiliani

Intérpretes: Roger Browne (Douglas Gordon), Helga Liné (Karin), Miguel de la Riva [acreditado como Michael Rivers] (Rudy Schwartz), Franco Ressel (Albert Kowalski / Sra. Kastiadis), Rosalba Neri (Amalia), Andrea Scotti (Walter), Susan Terry (Aisha), Mila Stanic (Magda), Peter Blades (Jimmy), Dario De Grassi, Francesca Rosano (Cantante en Paris), Giorgio Ubaldi (Harry), Beni Deus (Conductor furgoneta de reparto), Franco Lantieri [acreditado como Frank Liston] (José), Ángel Menéndez (Kurt), Leu Lii Young (Lao Pat, agente del Vietcong), Cheu Yea Hong (segundo agente vietnamita), Enzo Andronico (Monsieur Lapipi), Antonio Gradoli [acreditado como Anthony Gradwell] (Jefe de Gordon), Umberto Raho (Turista en Paris), Alfonso Rojas (Sancho), Maria Barba, Rossella Bergamonti, Wally Seeber, Jeff Cameron, Osiride Pevarello, Renzo Pevarello…

Sinopsis: Douglas Gordon, agente del contraespionaje estadounidense, es encargado de localizar y destruir a una banda de traficantes de armas que está surtiendo de equipamiento bélico al Vietcong. Para tal fin se hará pasar por representante artístico, ya que según las informaciones de sus superiores los integrantes del gang criminal se camuflan dentro de una compañía internacional de variedades denominada Mogador.

Una avioneta en marcha ametralla desde el cielo a un individuo que huye despavorido a pie por entre la mitad de un desértico páramo. No, no se trata de la icónica escena de Con la muerte en los talones (North by Northwest, 1959). Pese a lo que pudiera deducirse en un principio, la estampa descrita pertenece al prólogo de Operación Mogador / Password: Uccidete agente Gordon  (1966)[1], una de esas cintas de euroespías que a mediados de los sesenta coparan las carteleras de medio mundo a modesta imagen y semejanza de las primeras y exitosas encarnaciones cinematográficas del agente 007 creado por Ian Fleming. Por si hubiera alguna duda en cuanto a su orientación genérica, los consiguientes títulos de crédito resultan de lo más aclaratorios. En ellos, los nombres de los productores, actores y técnicos participantes se superponen sobre imágenes tomadas desde el punto de vista del interior de un automóvil de algunos de los enclaves más emblemáticos de París. Una circunstancia que pone de evidencia la querencia por las ambientaciones turísticas que fuera una de las principales señas características del subgénero y que, dentro de su prototípico recorrido trotamundista, comprende en esta ocasión visitas a Trípoli, Roma, Madrid, Escalona, Brihuega, Getafe y Villaviciosa de Odón (sic), amén de a la mencionada capital francesa, según se informa desde los propios genéricos.

De esta forma tan temprana, el film anuncia su condición de producto formulario sujeto a los más manidos cánones acuñados por este tipo de películas. Tanto es así que se erige en un perfecto ejemplo del grado de codificación que para esas alturas poseía la corriente, sintetizando todos y cada uno de sus ingredientes habituales reducidos a su expresión mínima. Básicamente, su recorrido argumental se reduce a mover la historia de un lugar a otro sin pararse en dar mayores explicaciones del porqué de los acontecimientos, con el único objetivo de acumular el mayor número de secuencias de acción como sea posible. Tal es su abstracción argumental que ni siquiera se molesta en esbozar el carácter de su agente protagonista, como si su personalidad fuera ya de sobra conocida por la audiencia, lo que en cierto modo puede verse como una nada velada mención a la intercambiabilidad de los roles principales de esta clase de films. Poco importa que se llame Douglas Gordon como ocurre en la presente; lo mismo hubiera dado de haber sido el agente 3S3 del díptico de Sergio Sollima o cualquier otro de los sosias de James Bond que inundaron la corriente, parecen querer señalar sus responsables. Ello propicia que durante el visionado de la cinta dé la impresión de estar asistiendo al capítulo de una serie televisiva clásica donde los personajes principales ya son conocidos de antemamo y lo que realmente importa es la misión auto conclusiva que se narra, sensación que es potenciada por el final de la historia en el que se deja la puerta abierta a la prosecución de una nueva aventura.

OLYMPUS DIGITAL CAMERA

A buen seguro que en este tratamiento no es ajeno el que su director, el italiano Sergio Grieco acreditado bajo su habitual seudónimo para tales lides de Terence Hathaway, fuera uno de los más contumaces especialistas con los que contó el también conocido como spionistico, si no el que más. Así lo atestiguan las ocho películas sobre la temática que realizara entre 1964 y 1966, trienio que comprende la eclosión, auge y caída de los seudobonds dentro de la industria cinematográfica europea, de entre las que podemos destacar la trilogía compuesta por La muerte espera en Atenas / Agente 077 missione Bloody Mary / Operation lotus bleu (1965), París-Estambul, sin regreso / Agente 077 dall’Oriente con furore / Fureur sur le Bosphore (1965) y Operación Lady Chaplin / Missione speciale Lady Chaplin / Mission spéciale Lady Chaplin (1966), tríptico dedicado a las andanzas del agente 077 Dick Mallory al que prestara sus rasgos Ken Clark. No obstante, en esta oportunidad Grieco confiaría el personaje principal al que fuera su otro actor fetiche para esta clase de papeles, el inglés Roger Browne, al frente de un reparto cuya estampa femenina es representada por dos de las indiscutibles musas del cine-bis europeo: una jovencísima Rosalba Neri y la no menos morbosa Helga Liné quien, curiosamente, había formado también pareja con Browne en aquellas mismas fechas en otro film de idénticas características, Operación Poker: agente OS-14 / Operazione Poker (1966) de Osvaldo Civirani.

OLYMPUS DIGITAL CAMERA

Dentro, pues, de lo rutinario de la propuesta, cabe llamar la atención sobre una serie de particularidades que se escapan de lo acostumbrado, aunque solo sea a nivel anecdótico. Es el caso de la singularidad que aportan detalles del calibre de la técnica empleada por el tal Gordon para sonsacar información a la bailarina a la que interpreta la Neri, haciéndole cosquillas en los pies, o, sobre todo, el hecho de que el villano de la función, de nombre real Kowalski, se pase la mayoría del metraje disfrazado de mujer, en una idea que, como muy certeramente apunta Roberto Curti[2], sería reciclada por el propio Grieco años más tarde en su thriller El hombre que desafió a la organización / L’uomo che sfidò l’organizzazione (1975). Otro aspecto a destacar es el modo en el que, desechando el elemento fantacientífico tan caro al estilo, la trama se hace eco de la realidad de su tiempo, al hacer que el hilo narrativo de su historia recaiga en la destrucción de una red de traficantes de armas que están surtiendo al bando comunista en la guerra del Vietnam y que se esconden tras la compañía de variedades “Mogador” a la que alude el nombre español de la película.

OLYMPUS DIGITAL CAMERA

Precisamente es dentro de este apartado donde se encuentran los apuntes más interesantes del conjunto a través de las poco disimuladas alusiones que, de forma consciente o inconsciente, se hacen al contexto socio-político de la España de la época durante el tramo de la película que discurre en la Piel de Toro. Véase a este respecto el momento en el que el transformista villano recuerda a Rudy, su hombre de confianza, que se encuentran en nuestro país cuando este le reclame que llame por radio a sus compinches, lo que puede leerse como una velada referencia al supuesto control al que la dictadura franquista sometía a las comunicaciones privadas; o, más tarde, la cara de sugestión y deseo que el empresario teatral español manifiesta ante los insinuantes bailes que el grupo de ballet comandado por Liné ejecuta ante sus ojos de cara a su contratación, y que tan bien ilustra la represión sexual que sufrían los españolitos medios a resultas del pacato nacional catolicismo imperante. Pero mientras que estos elementos quedan al albur de la interpretación que los espectadores puedan buscarle, pocas dudas ofrece en cambio las intenciones que guarda la réplica que espeta el tal Rudy a Kowalski tras que su travestido jefe le inste a no realizar disparos, so pena de alertar a la Benemérita. “¡Que gracioso! Una espía internacional que tiene miedo de la Guardia Civil”, responderá con un grado de ironía que sólo puede equipararse al demostrado por los guionistas a la hora de incluir semejantes líneas de diálogo en su libreto.

José Luis Salvador Estébenez

OLYMPUS DIGITAL CAMERA

[1] No fue este la única cinta del estilo que “homenajearía” al popular film de Alfred Hitchcock. Por aquella mismas fechas también lo haría Con la muerte a la espalda / Con la morte alle spale / Typhon sur Hambourg (1967), curioso híbrido entre seudo-bond y cine de supervillanos del que ya hablamos hace unos años: https://cerebrin.wordpress.com/2010/07/26/con-la-muerte-a-la-espalda/

[2] Italian Crime Filmography, 1968-1980 (McFarland & Company, In., Jefferson, 2013), página 145.

Published in: on abril 7, 2017 at 6:46 am  Dejar un comentario  

Inminente lanzamiento de “Rogue One” en DVD y Blu-ray

2560_3000

Este próximo 19 de abril  Walt Disney pondrá a la venta Rogue One: Una historia de Star Wars, el primer largometraje spin off de la popular franquicia ideada por George Lucas. Lo hará en cuatro ediciones distintas: DVD, Blu-ray, Blu-ray 3D y Edición Caja Metálica. Antes, el día 7, desembarcará en plataformas digitales.

Además de la película propiamente dicha, todas las ediciones contarán, además, con más de una hora de material nunca antes visto de la película que permitirá a los espectadores conocer todo lo que tenía lugar tras las cámaras durante su rodaje, gracias al casting y los directores de la película. Una colección de historias que revelan cómo este capítulo pudo hacerse realidad, así como los easter eggs y datos de la película que el público ha podido pasar por alto en el cine. Estos contenidos extras se dividen de la siguiente forma:

  • ¿Qué esconde Rogue One?(04min 34seg) Easter Eggs y datos curiosos de la película, que puede que te perdieras en el cine.
  • Las historias:Una íntima colección que te llevará tras las cámaras con los cineastas y el casting, para enseñarte cómo se hizo realidad la película
  • Una idea atrevida(08min 58seg)
  • Jyn: La Rebelde(06min 15seg)
  • Cassian: El espía(04min 13seg)
  • K-2SO: El droide(07min 41seg)
  • Baze y Chirrut: Guardianes de los Whills(06min 18seg)
  • Bodhi y Saw: El piloto y el revolucionario(08min 34seg)
  • El Imperio (08min 17seg):¿Qué supuso dar vida a un nuevo y peligroso villano con algunas caras familiares, así como uno de los villanos más icónicos de todos los tiempos?
  • Visiones de Esperanza: El look de Rogue One(08min 23seg) Contamos cómo el director, Gareth Edwards, el productor Doug Chiang y el equipo, desarrollaron un innovador estilo creativo para Rogue One
  • La Princesa y el gobernador  (05min 48seg)
  • Epílogo: La historia continúa(04min 15 seg)
Published in: on abril 6, 2017 at 5:55 am  Dejar un comentario  

La XXIII edición De FANT entregará el Premio Fantrobia a Sean Brosnan

banner-FANTROBIA_es

El Festival de Cine Fantástico de Bilbao – FANT, entregará el Premio FANTROBIA, que reconoce a una figura emergente dentro del género fantástico, al realizador estadounidense Sean Brosnan (EEUU, 1983), que presentará dentro del festival su primer largometraje My Father Die (2016). La proyección tendrá lugar el día 9 de mayo a las 20:00 horas en los Cines Golem – Alhóndiga, y la entrega del galardón será en la gala de clausura.

MV5BMTQzODY0NjY4Ml5BMl5BanBnXkFtZTcwNDc0Njg0OQ__V1__SX640_SY431_

Hijo del popular actor Pierce Brosnan, Sean estudió Teatro y Poesía y ha estado profundamente inmerso en el mundo de las artes desde edad muy temprana. Al acabar sus estudios universitarios consiguió el papel de Romeo en la producción de Romeo y Julieta de la British Shakespeare Company. Poco después, formó parte del reparto de la miniserie de HBO Generation Kill. En su currículo como actor también figuran las películas My Horizon, Don Peyote, What Dreams Will Travel, o UFO.

Habiendo crecido en Hollywood entre platós, Sean Brosnan mantiene buenas relaciones con la industria y decidió fundar una productora junto con su esposa, la escritora y productora Sanja Banic. Knightmarcher se fundó en 2012 cuando Brosnan hizo su debut como guionista y director con el premiado mediometraje The Kid. Ha escrito y dirigido 63 Lbs, The Face of C, y ha producido ocho cortometrajes en tres años. My Father Die es su primer largometraje, una sangrienta propuesta que ha recibido buenas críticas en los Estados Unidos.

Por otro lado, el Festival de Cine Fantástico de Bilbao ha dado a conocer la composición de su jurado para esta próxima edición, que estará integrado por Melina Matthews, Elio Quiroga y Miguel Ángel Vivas.

De padre británico y madre francesa, Melina Matthews es natural de Barcelona. Se licenció en Periodismo por la Universidad de Westminster (Londres) y compaginó sus estudios con cursos de teatro en la escuela londinense Central School of Speech of Drama. En cine, ha aparecido en películas como Retornados (2013), de Manuel Carballo, protagonizó Panzer Chocolate (2013) junto a Geraldine Chaplin y Negociador (2014) de Borja Cobeaga. Además, el público ha podido escucharla en la exitosa Mama (2013), de Andrés Muschietti, poniendo su voz al monstruo que da nombre a la película.

vivas

Nacido en Sevilla en 1974, Miguel Ángel Vivas es licenciado en Ciencias de la Información por la Universidad Europea de Madrid y está diplomado en Dirección Cinematográfica por la Escuela de Cinematografía y del Audiovisual Madrid (ECAM). En cine ha estado detrás de películas como Secuestrados (2010),Extinction (2015), o el que es su más reciente trabajo, Inside (2016), remake de la cinta francesa de culto Al interior (2007) con el que inauguró la última edición del festival de Sitges.

Elio-Quiroga

Elio Quiroga, nacido en Las Palmas, es director y guionista de cine, y ha publicado varias novelas, entre las que figuran El despertar, Los códices del Apocalipsis, Ydill y Los que sueñan, Premio Minotauro 2015 a la mejor novela de ciencia ficción. También ha dirigido cuatro largometrajes: Fotos (premio al mejor guión y Premio Especial del Jurado de Sitges 1997), La Hora Fría, No-Do, y The Mystery of the King of Kinema, además de numerosos cortometrajes.

Asimismo, FANT entregará dos premios honoríficos sin dotación económica, al Mejor Largometraje y Mejor Cortometraje de género de la sección Panorama Fantástico. El jurado encargado de decidir estos galardones estará integrado por el guionista e investigador de cine de género fantástico Ángel Agudo – que en el 2011 participó en FANT con el documental sobre la vida de Paul Naschy El hombre que vio llorar a Frankenstein–, la periodista y crítica cinematográfica Iratxe Fresneda, y el también periodista y crítico de cine fantástico, Javier Donate.

Más información: http://fantbilbao.eus/web/

Published in: on abril 5, 2017 at 5:55 am  Dejar un comentario  
Tags:

La industria cinematográfica y la literatura fantástica aúnan esfuerzos en el Festival de Sitges

unnamed

La Federación de Gremios de Editores de España (FGEE) y el Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya han alcanzado un acuerdo de colaboración para que autores y representantes del sector audiovisual estudien la posible adaptación de obras literarias a películas de género fantástico. A través de este acuerdo, que firmaron el pasado 1 de marzo dirigentes de ambas organizaciones, el Festival se convertirá también en un foco de interactuación entre los universos del cine y editorial.

La iniciativa está bautizada como Taboo’ks y con ella se pretende generar oportunidades a ambos sectores y, paralelamente, potenciar Sitges como plataforma para la promoción no sólo de las obras de la industria cinematográfica, sino también para otras industrias culturales afines. Entre las actuaciones programadas este año también figura la celebración de una clase magistral en Sitges a cargo de una figura simbólica de la literatura y el cine. Precisamente, este 2017 la novela adaptada en numerosas ocasiones al cine Drácula, de Bram Stoker, será uno de los ejes argumentales del Festival de Sitges, coincidiendo con los veinticinco años del estreno de la mítica adaptación de Francis Ford Coppola.

El Sitges – Festival Internacional de Cine Fantástico de Catalunya ha abierto su foco en los últimos años a la presencia de la industria, que participa en encuentros, foros y plataformas de venta de proyectos audiovisuales. El Festival, al mismo tiempo, también tiene una completa programación paralela en la que aborda otras disciplinas culturales de género fantástico, como series, cómic, arte o literatura. La suma de ambos perfiles aporta proyección y recorrido a esta iniciativa. De hecho, el proyecto firmado supone el primer paso para que el Festival se convierta en un mercado de derechos literarios internacional centrado en el género fantástico, en una línea similar a la aplicada por otros certámenes de primer nivel, como Cannes y Berlín.

Según el presidente de la Federación de Gremios de Editores de España, Daniel Fernández, “existe una clara vinculación entre el mundo editorial y el mundo audiovisual. Todos tenemos en mente muchas grandes películas o series de televisión que han adaptado obras literarias. Abrir una vía de colaboración con un festival internacional de la importancia del de Sitges nos ofrece nuevas oportunidades de negocio para las editoriales y un punto de encuentro para ambos sectores culturales”. Por su parte, el director de la fundación organizadora del Festival, Xavier Duran, “este acuerdo refuerza la condición del Festival como punto de encuentro de representantes de la industria cinematográfica en búsqueda de nuevas oportunidades y, paralelamente, nos permite ampliar nuestra presencia en otros territorios de la creación”. El director del Festival, Ángel Sala –que este año cumple su decimosexta edición al frente del certamen– ha subrayado el papel que “Sitges ejerce como cita imprescindible y punto de encuentro de los fans del cine, pero también de los amantes de otros consumos culturales en los que el fantástico tiene un papel relevante”.

Esta iniciativa se une a la acordada por la FGEE y la Asociación Madrileña Audiovisual que dará lugar en la próxima edición de LIBER, la Feria Internacional del Libro, el proyecto denominado Rodando páginas, cuyo objetivo es convertirse en punto de encuentro entre editores, agentes literarios y responsables de la industria audiovisual para explorar vías de colaboración en ámbitos como el cine, la televisión, el teatro, la novela gráfica o los videojuegos y cuya primera edición se desarrollará entre el 4 y el 6 de octubre en Madrid.

Más información: www.sitgesfilmfestival.com

Published in: on abril 4, 2017 at 5:58 am  Dejar un comentario  
Tags:

“La Mano” anuncia las fechas de su próxima edición

Recién terminado el IV Día de H.P.Lovecraft, el equipo de La Mano Fest no descansa y ya se encuentra trabajando en una nueva edición del Festival de Cine Fantástico y de Terror de Alcobendas “La Mano”, que este año tendrá lugar del 26 al 31 de octubre en el Centro de Arte de la localidad madrileña. Por este motivo, en breve se abrirá el plazo de entrega para las secciones oficiales a concurso de largometrajes y de cortometrajes.

Más información a través de los diferentes canales oficiales de “La Mano”:

info@lamanofest.com

http://lamanofest.com/

https://www.facebook.com/LaManoFest

@lamanofest

Published in: on abril 3, 2017 at 6:00 am  Dejar un comentario  
Tags:

Los cuatro del apocalipsis

2-crop

Título original: I quattro dell’apocalisse

Año: 1975 (Italia)

Director: Lucio Fulci

Productor: Edmondo Amati

Guionista: Ennio De Concini, basado en una historia de Bret Harte

Fotografía: Sergio Salvati

Música: Bixio, Frizzi & Tempera

Reparto: Fabio Testi (Stubby Preston), Lynne Frederick (Emanuelle “Bunny” O’Neill), Michael J. Pollard (Clem), Harry Baird (Bud), Donald O’Brien (Sheriff de Salt Flat), Lorenzo Robledo (Sheriff torturado), Tomas Milian (Chaco), Adolfo Lastretti (Reverendo Sullivan), , Bruno Corazzari (Lemmy), Giorgio Trestini (Saul)…

Sinopsis: El jugador de ventaja Stubby Preston llega al pueblo de Salt Flat con la intención de ejercer su “oficio”. Sin embargo, el sheriff del lugar reconoce a Stubby nada más bajar de la diligencia y en cuestión de minutos éste acaba en la cárcel, donde pasará la noche junto a una joven prostituta, un negro visiblemente perturbado que dice poder hablar con los muertos, y un borrachín llamado Clem. Después de que en el pueblo unos misteriosos pistoleros encapuchados provoquen una matanza, los cuatro prisioneros son liberados por el sheriff y a continuación emprenden juntos un viaje en el que se encontrarán con un peligro aún mayor encarnado en la figura de Chaco.

vlcsnap-18170

“El padrino del gore“. Que un realizador poseedor de una filmografía tan variada genéricamente como lo fue Lucio Fulci ostente tan simplista y reductor apelativo (apodo que, por cierto, comparte con el director de Blood Feast, Herschell G. Lewis), ha tenido como resultado al menos un par de, en mi opinión, bastante nefastas consecuencias en lo que se refiere a la manera en que la totalidad de su obra fílmica es valorada en la actualidad. La primera y principal de ellas es que toda película que no pertenezca al nutrido grupo de títulos que el director romano rodara durante la última, e irregularísima, etapa de su trayectoria profesional es inmediatamente ignorada por todos aquellos aficionados que atienden exclusivamente a los aspectos más superficiales, excesivos y truculentos de los que hacían gala esas cintas, aquellas mismas que encumbraron a Fulci como un “auteur” de estilo perfectamente reconocible y definido dentro del marco del cine de terror de comienzos de la década de los 80. Se deja así de lado, ya sea por simple prejuicio o por pura ignorancia, a toda una serie de films precedentes, con toda seguridad mucho más impersonales que los anteriormente mencionados pero que, al estar rodados en su mayor parte durante el período de mayor esplendor del cine de género italiano, cuentan por lo común con mucha más calidad que aquellos que Fulci filmara con cada vez más escasez de medios e ideas apenas unos años más tarde, cuando el cambio en los hábitos de los espectadores a la hora de consumir películas a mediados de la década de los 80 propició que la mayoría de los cines de barrio (hábitat natural, por otra parte, del trabajo de Fulci y de tantos otros cineastas), cerraran sus puertas y dieran paso al predominio de las multisalas y el vídeo doméstico hasta prácticamente nuestros días.

CKJw0IWgAA5vk3

El otro efecto secundario de la, por desgracia, ya ampliamente consensuada asociación entre la figura del director de El más allá y el género terrorífico lo encontramos en el hecho de que aquellos pocos curiosos que se atreven a profundizar un poco más en el resto de su filmografía se aproximan a ella por lo general con el erróneo propósito de establecer pueriles vínculos estilísticos con sus posteriores, y mucho más célebres, obras. De esta manera, y movidos por una primera impresión, podría establecerse por ejemplo que este Los cuatro del apocalipsis se trata de una película inconfundiblemente afín al estilo de Fulci, basándonos en el simple hecho de que en ella podemos encontrar brutales y sangrientos tiroteos, torturas, violaciones e incluso prácticas antropófogas más o menos soterradas. La realidad es que el segundo de los tres westerns que dirigiera el realizador romano se aleja significativamente no sólo de todo aquello que lo hiciera célebre años más tarde, si no que asimismo destaca de manera sobresaliente y por muy diversos motivos, como trataremos de analizar a continuación, de entre el grueso de la producción que conforma la inabarcable filmografía que nos legara el fascinante fenómeno del spaghetti western.

vlcsnap-41411

Con un guión basado en una historia corta del americano Bret Harte, y escrito por el prolífico guionista transalpino ganador del óscar Ennio De Concini, la película comienza con la llegada de Stubby Preston a una ciudad típica del oeste en la cual, y dada su condición de jugador de ventaja, es apresado de inmediato por el scheriffo local, encarnado por el habitual del género Donald O’Brien, yendo a parar de esta manera a la misma celda que los otros tres protagonistas, desamparados e indefensos miembros de la sociedad que dan título al film. Ellos son “Bunny”, una prostituta embarazada a la que da vida la bella actriz inglesa Lynne Frederick (como nota curiosa cabe mencionar que un par de años después del rodaje de este film contrajo matrimonio con el mítico Peter Sellers), y Bud, un negro claramente trastornado que puede ver y comunicarse con los muertos, en excelente y entrañable creación del también británico Harry Baird, intérprete que ya había contado con papeles destacados dentro del western mediterráneo, concretamente en Trinidad y Sartana, dos angelitos y en Los cuatro de Fort Apache. Por último, en el camino de Preston también se cruzará un tan inofensivo como manipulable borrachín que atiende al nombre de Clem y que cuenta con los tan redondeados como poco agraciados rasgos del característico secundario Michael J. Pollard, en la que sería la segunda y última intervención del americano en el western europeo tras la cómica Las petroleras, protagonizada por Claudia Cardinale y Brigitte Bardot.

vlcsnap-95882

Previo soborno al sheriff, y tras sobrevivir a una matanza indiscriminada perpetrada por un misterioso clan de pistoleros encapuchados (¿referencia velada al Django de Corbucci?), nuestro peculiar grupo se dirige en una desvencijada carreta hacia no se sabe donde, convirtiéndose así el film, desde ese momento y durante la mayor parte de su metraje, en una suerte de road movie situada en los escenarios del salvaje Oeste, sin más argumento a señalar que las mínimas vicisitudes y los contados personajes que los protagonistas van encontrándose a lo largo de su accidentado periplo. Con una estructura eminentemente itinerante que evidencia el origen yanki del relato que toma como base, Los cuatro del apocalipsis comparte asimismo varios puntos en común con ciertos westerns contraculturales que rodaran cineastas tan vinculados al movimiento hippie como Monte Hellman o Peter Fonda (A través del huracán, Hombre sin fronteras), a la vez que se aleja por esta misma razón de la mayoría de sus coetáneos europeos, tanto en el dibujo de los personajes como a la hora de matizar, o directamente ignorar, ciertos rasgos estilísticos y/o narrativos inseparables en teoría del western italiano.

vlcsnap-108505

Así en Los cuatro del apocalipsis la representación tanto del vestuario como de los decorados es mucho menos barroca y recargada de lo que solía ser habitual en el género. Del mismo modo, las por lo común estridentes melodías típicamente morriconianas se sustituyen esta vez por unas anacrónicas baladas sixties de sonoridades inconfundiblemente folk, revelándose inesperadamente como el contrapunto ideal a la descarnada gelidez que nos transmite la sobria fotografía de Sergio Salvati, operador de cámara habitual de Fulci en la que supuso su primera colaboración conjunta. Incluso a la hora de caracterizar al supuesto protagonista principal de la historia, el jugador de cartas incorporado por un correcto Fabio Testi, Fulci y su equipo se distancian de la tipología habitual del protagonista arquetípico del spaghetti a través de la creación de un personaje que, debido a su pasiva actitud durante la mayor parte de la trama, podríamos definirlo como poco más que un mero observador de todo aquello que les acontece a sus compañeros de viaje; estamos por lo tanto ante alguien excesivamente neutral, frío y “civilizado”, que rehúsa defenderse a sí mismo o a los demás, aún cuando resulta obvio que tienen el peligro delante de sus narices.

vlcsnap-55458

Y justamente si de peligro hablamos, muy pocas veces éste ha estado tan bien representado en el western all’italiana en particular, y en la historia del cine en general, como en el personaje de Chaco que tan brillantemente interpreta un Tomas Milian en estado de gracia absoluto, deleitándose con la creación de una figura que derrocha pura maldad y depravación en cada uno de los planos en los que participa, dejando con su tan infame como breve presencia en pantalla (apenas veinte minutos) una sensación tan indeleble de iniquidad y desasosiego en el espectador que en países tales como Finlandia, Suecia o Dinamarca la película se rebautizó para sus respectivos mercados con el apelativo de tan memorable villano. En su tercer trabajo para Fulci tras La verdadera historia de Beatrice Cenci y la perturbadora Angustia de silencio, el actor cubano evolucionó claramente de los ingenuos y vitalistas (anti)héroes que comúnmente encarnara en el spaghetti a través de la composición de un personaje despreciable y carismático a partes iguales, al que incorporó elementos en principio tan extemporáneos como pudieran ser el lenguaje corporal propio de un guerrero samurai (Milian se mueve y sujeta su fusil como si de una espada japonesa se tratase), a la vez que incide en la vertiente hippie antes comentada al basar su caracterización en el aspecto físico del tristemente célebre Charles Manson, tomando asimismo su condición de gurú enloquecido a la hora de concebir la manipuladora forma en la que Chaco se comporta con sus semejantes, sobre todo en cuanto a la manera en la que ofrece alucinógenos (en este caso peyote) a “los cuatro del apocalipsis” en la mini-comuna que les fuerza a formar con el fin de tener sus voluntades bajo control. Si unos años antes Sergio Leone, con la inestimable ayuda de Henry Fonda, parecía haber alcanzado con la creación del Frank de Hasta que llegó su hora la cúspide en lo que a la representación de la maldad en el western italiano se refiere, Fulci y Tomas Milian en este sentido, y sin lugar a dudas, consiguieron superarlos con creces.

vlcsnap-117381

De todas formas, y aunque Fulci no se muestre aquí precisamente recatado a la hora de mostrar en imágenes las crueles afrentas que ejecuta Chaco, en esta ocasión la explícita representación de la violencia no se convierte en el motor ni en la razón última del film, tal y como pudieran ser los casos de las posteriores y entrañables (…por la profusión de entrañas, claro) Aquella casa al lado del cementerio y El destripador de Nueva York, por citar tan sólo un par de ejemplos. Aquí el interés de la propuesta se centra mucho más en los efectos que esta agresividad sin sentido ejerce sobre el resto de personajes, transformando así a Los cuatro del apocalipsis en un western de cámara prácticamente teatral, dada la importancia que se le otorga al desarrollo de las relaciones y de las personalidades de sus protagonistas, por encima de otras consideraciones más superficiales como pudieran ser la acción o el predominio visual de unos paisajes que, aunque espectaculares en su mayoría, no están tan bien aprovechados plásticamente como en otras obras mucho más convencionales del subgénero.

vlcsnap-115603

Lamentablemente, y a pesar de sus muchas cualidades, estamos lejos de encontrarnos ante un film perfecto. La narración goza de un ritmo más o menos constante pero algo irregular, que se rompe definitivamente con la disolución del grupo llegados a un momento dado de la trama, que coincide justamente con el final del viaje así como con la entrada en escena y el súbito protagonismo de toda una serie de personajes no tan bien definidos como los anteriores, descendiendo de este modo de manera sustancial el interés de lo que se nos cuenta a partir de entonces. Por otra parte, este último segmento de la historia se localiza en el marco de unos atractivos, e insólitos para el género, parajes nevados que – aunque como ya hemos dicho – no llegan a explotarse en todo su potencial, sí que consiguen crear en cambio un mínimo vínculo estético entre éste y otro de los más despiadados, melancólicos y pesimistas ejemplares pertenecientes al spaghetti western; nos referimos, obviamente, a El gran silencio de Sergio Corbucci.

vlcsnap-17646

A pesar de contar con un presupuesto bastante holgado para lo que se solía manejar en el género a esas alturas de la década (unos cien millones de pesetas: poco más de seiscientos mil de los actuales euros), lo que más sorprende si acaso del visionado actual de Los cuatros del apocalipsis es la evidente voluntad de sus responsables por alejarse de toda comercialidad mediante la realización de una película profundamente triste y desesperanzada, cuyo sentido último de la acción y de la violencia -cuando la hay- más que espectacular se revela sumamente desagradable y, por lo tanto, totalmente insatisfactoria para todo aquel espectador que esté mínimamente en sus cabales. Estamos, en definitiva, ante un western más fúnebre que crepuscular y que por sus características intrínsecas solamente podía ser concebido – así como contar con una mínima posibilidad de éxito – en el panorama de una década tan arriesgada, a la vez que estimulante en lo cinematográfico, como lo fue la de los 70.

José Manuel Romero Moreno

Abierto el plazo de inscripción de trabajos para TerrorMolins 2017

FONS-HANEKEFOS

Desde hace unos días ya se encuentra abierto el periodo de recepción de trabajos para la trigésimo sexta edición del Festival de Cine de Terror de Molins de Rei que tendrá lugar entre los próximos 10 y 19 de noviembre. En total, serán tres secciones competitivas divididas entre largometrajes, cortos y microrelatos, cuyas bases pueden consultarse a través del siguiente enlace: http://www.molinsfilmfestival.com/es/bases-2017/ A ellos hay que añadirle el tercer concurso de videos de veinte segundos de terror, del que en breve serán anunciados sus bases y plazos.

Por otra parte, la organización de TerrorMolins ha informado de la entrada de Movistar+ como colaborador de cara a esta próxima edición. Para el festival supone una nueva muestra del crecimiento que viene experimentando año tras año, mientras que para el líder del sector de telecomunicaciones en España le sirve para reafirmar su apuesta por el cine de género por medio de esta colaboración que se plasmará en una serie de acciones que se irán anunciando a medida que se vayan acercando las fechas de celebración del certamen.

Más información: http://www.molinsfilmfestival.com/

Published in: on marzo 30, 2017 at 5:57 am  Dejar un comentario  

“Pieles”, la ópera prima de Eduardo Casanova, inaugurará la vigésimo tercera edición de FANT

fant_2017-724x1024

El Festival de Cine Fantástico de Bilbao – FANT, organizado por el Ayuntamiento de Bilbao, inaugurará el próximo día 5 de mayo su 23ª edición con la presentación del largometraje Pieles, ópera prima del actor y director Eduardo Casanova, popular gracias a su participación en la serie Aída en el papel de Fidel. La proyección tendrá lugar en el transcurso de la gala inaugural del festival, que comenzará a las 20:00 horas en el teatro Campos y a la que asistirá el realizador madrileño y parte del equipo de la película.

Pieles cuenta la historia de un grupo de personas físicamente diferentes que, por ese mismo motivo, se han visto obligadas a esconderse, recluirse o unirse entre ellas. Nadie elige cómo nace, pero la apariencia física nos condiciona para con la sociedad, una idea que Casanova ya trató en su cortometraje Eat My Shit del que recupera al personaje que dio vida Ana Polvorosa, una joven que tiene un ano por boca.

01_PIELES_Mara-Ballesteros-Antonio-Duran-Morris

La diferencia física del personaje de Polvorosa es un ejemplo de las excentricidades y situaciones fuera de lo común que pueden verse en la cinta, que quiere ser una oda a la diferencia y una reflexión sobre en qué medida afecta la apariencia física a nuestra vida en sociedad. Junto a Ana Polvorosa, completan el elenco Carmen Machi, el bilbaíno Jon Kortajarena, Candela Peña, Secun de la Rosa, Joaquín Climent,  Itziar Castro o Macarena Gómez, que ha visitado en dos ocasiones el festival bilbaíno donde recogió en 2007 el Premio Fantrobia, con el que se reconoce a figuras emergentes dentro del género fantástico y de terror. Pieles ha sido coproducida, junto a la empresa Nadie es perfecto, por Carolina Bang –que también aparece en la película– y Álex de la Iglesia, a través de su empresa Pokeepsie Films y Netflix.

La cinta está rodada en colores pastel, con el rosa como gran protagonista, un color que ya utilizó Casanova en su cortometraje La hora del baño, que también se proyecto en FANT. En esta ocasión, deformaciones físicas, historias de amor y desespero, un joven con cola de sirena, otro con el rostro quemado o una chica sin ojos, son algunos de los elementos de un film que ha pasado por el festival de Berlín y de Málaga, logrando en este último el Premio del Jurado Joven a la Mejor Película de la Sección Oficial.

Published in: on marzo 29, 2017 at 6:01 am  Dejar un comentario  
Tags:

Necrológica de Tomas Milian

vlcsnap-77396

El jueves pasado conocíamos la noticia de la muerte en su casa de Miami, a causa de un ictus y a la edad de 84 años, del actor cubano Tomas Milian, figura de sobra conocida por cualquier aficionado a la edad de oro del cine de género europeo merced a su protagonismo en algunos de los más populares spaghetti westerns donde trabajaría  a las órdenes Sergio Sollima o Sergio Corbucci, así como a su reiterada presencia en la variedad que derivaría de la anterior, el cine criminal italiano, también llamado poliziesco.

La noticia es si cabe más dramática si tenemos además presente que unos pocos días antes de producirse su fallecimiento había manifestado a una amiga su deseo de regresar a Italia, y en concreto a Roma, con la intención de pasar allí sus últimos días. Como el propio actor manifestaba en el documental dedicado a su figura The Cuban Hamlet (2014): “Italia es mi verdadera patria, la que me ha dado amor, éxito y una familia. Es el país que me ha honrado y que me ha acogido. Además, soy consciente de que he tenido suerte, ya que los italianos no suelen tratar tan bien a los extranjeros como me han tratado a mí.”

vlcsnap-77646

Nacido en una familia de la alta sociedad de La Habana el 3 de marzo de 1933, Tomás Quintín Rodríguez Varona y Milian tuvo una infancia cómoda en el aspecto económico pero sumamente inestable en lo emocional. Justamente el 33 fue el año en que Fulgencio Batista toma el poder en Cuba a través de un golpe de estado en el que derroca al dictador Gerardo Machado. El padre de Milian, general asociado al ejército del depuesto Machado, es encarcelado, hecho que agravó a su salida de prisión la naturaleza ya de por sí tiránica y violenta que éste desplegaba para con su familia, a la vez que alimentó la inclinación del pequeño Tomás por crearse sus propios mundos de fantasía, ya fuera a través de la música – de pequeño era aficionado a cantar zarzuelas -, montando obras teatrales en el garaje de la casa familiar o yendo al cine, donde se sentía atraído y fascinado en particular por los films de Humprey Bogart.

La infancia de Milian sin embargo se quiebra de manera total y definitiva a los doce años, cuando tiene la mala suerte de entrar en la habitación de su padre momentos antes de que éste se suicide, vestido con su uniforme de gala, de un disparo en el pecho. A pesar del posterior y lógico trauma, el joven Tomas se siente al fin libre para vivir su propia vida y, desoyendo los deseos paternos de hacer carrera en el ejército, decide emigrar a los Estados Unidos con la intención de formarse en el Actor’s Studio y emular de esta manera a James Dean, su ídolo de aquellos años, con el cual se sentía identificado en especial merced a su interpretación en Al este del Edén (East of Eden, Elia Kazan, 1955), ya que, no por casualidad, también representaba un personaje en conflicto continuo con su padre.

Tras terminar sus estudios en los Salesianos y desempeñar en su Cuba natal algún trabajo menor como pudiera ser el de gorila de night-club, Milian llega a Nueva York en 1956, donde, y siempre según palabras del futuro actor, “menos que me la metieran por detrás, hice de todo para ganarme la vida: ascensorista, friegasuelos, chico de los recados… incluso me vi obligado a robar.”

Tras estudiar interpretación en el Miami Acting Studio, el cubano es acogido  un año después de su llegada a los Estados Unidos por el Actor’s Studio de Nueva York, representando uno del único par de alumnos aceptados en el curso de 1957. En la influyente escuela fundada por Lee Strasberg, Milian cultivaría cierta amistad con Marilyn Monroe así como entablaría contacto con Dennis Hopper, que en 1971 lo dirigiría en la espídica The Last Movie.

A pesar de que se encontraba a gusto en el país, al menos lo suficiente como para que le fuera concedida en 1957 la ciudadanía, al adivinar poco futuro en lo profesional en el Hollywood de entonces para un actor con aspecto latino y con un marcado acento como él, Milian decide en 1959 hacer de nuevo las maletas y emigrar a Italia con la esperanza de que un hipotético éxito allí pudiera suponer su trampolín de regreso a los Estados Unidos. Poco podía imaginarse entonces un Milian de 26 años que su trayectoria profesional en el país transalpino abarcaría cuatro décadas y casi cien películas.

16697859197_c3c5a11e43_b

Todo comienza cuando, representando una pieza de Jean Cocteau, el cubano llama la atención de Mauro Bolognini, con el cual debutará en el cine en un rol secundario con La notte brava (1959) y con el que repetirá al año siguiente en El bello Antonio (Il bell’Antonio, 1960). En la primera mitad de la década de los sesenta Milian actuaría merced a un contrato en exclusiva de seis años contraído con el productor Franco Cristaldi en películas de autores como Lattuada, Zurlini, Visconti o Pasolini, nada menos. Sin embargo, y para sorpresa de todos, el actor se negó en redondo a prorrogar su contrato con Cristaldi. En palabras del propio Milian, “durante mi primer año en Italia hice mayormente películas intelectuales donde me aburría soberanamente. Necesitaba hacer algo comercial, no un film intelectual conmigo en la cama mirando al techo, mientras oigo como en la cocina un grifo gotea. En mi opinión todo ese rollo intelectual es una auténtica mierda.”

vlcsnap-2013-12-28-00h22m53s59

Asqueado de la pedantería dominante de esta primera etapa, fue la necesidad de conectar con el público lo que le llevó a aceptar el rol antagonista en el eurowestern dirigido por Eugenio Martín El precio de un hombre (1966), su primer film del Oeste así como primera de las muchas películas que Milian rodaría en nuestro país y, en concreto, en Almería. El actor queda lo suficientemente satisfecho del cambio de rumbo que ha decidido imprimir a su carrera como para permanecer en España para rodar de inmediato su siguiente spaghetti, Oro maldito / Si sei vivo spara (1967), film de absoluto culto en la actualidad que, aunque no hizo demasiado en su momento por impulsar la carrera del cubano, al menos pasará a la historia por ser el que le proporcionó su primer protagonista en el género.

BIG1

Fue, sin embargo, El halcón y la presa / La resa dei conti (1966) la película que le dio a Milian la oportunidad de inaugurar, gracias al personaje de Cuchillo Sánchez, una tipología propia dentro del subgénero, alejada tanto del modelo impuesto por Leone como del más clásico puesto de moda sólo un año antes por Duccio Tessari y Giuliano Gemma con su exitosa Una pistola para Ringo, y presagiando si se quiere por sí misma toda una variedad dentro del eurowestern como sería su vertiente política, también llamada “Zapata western”, la cual tendría como máximos valedores a Franco Solinas como guionista y a Milian como principal cabeza de cartel. Inspirado en la actuación de Toshiro Mifune en Los siete samuráis, el actor crea así con la ayuda del director Sergio Sollima al primer “héroe de la clase obrera” del género, a la vez que consigue con su tercer western convertirse al fin en una estrella.

vlcsnap2012030609h30m51

Sin embargo su manera de enfocar la interpretación chocaba con la filosofía de los directores de género de aquella época, sin demasiado tiempo ni dinero como para atender a las exigencias de un Milian que ya entonces se comportaba como un auténtico divo. Como el propio actor reconocía, “todos los directores me odiaban porque yo era un auténtico tocapelotas.” No tuvo tanta paciencia, no obstante, su coprotagonista en la siguiente película en la que se puso a las órdenes de Sollima. Durante el rodaje de la ya desembozadamente política Cara a cara (Faccia a faccia, 1967), los intensitos Milian y Gian Maria Volontè acabaron a puñetazo limpio, seguramente porque el primero veía que el personaje más interesante de la película era el interpretado por el milanés. A pesar de que en esta ocasión la actuación de Milian queda significativamente ensombrecida por su partenaire, Cara a cara consigue asentarlo definitivamente como una cara reconocible del eurowestern, llegando a representar en nuestro país su segunda película más taquillera tras El halcón y la presa.

La popularidad de Milian fue tan fulgurante en su país de acogida que incluso Federico Fellini lo citó en Toby Dammit, su segmento para el film colectivo Historias extraordinarias (1968, Vadim, Malle, Fellini): de viaje en Italia con vistas a interpretar un spaghetti western, el actor inglés Toby (Terence Stamp) es presentado a su doble de escenas de acción, el cual no duda en decirle al conocerlo, “estoy muy contento de ser tu doble, también lo he sido de Tomas Milian.”

vuc8ifqh

Tras un paréntesis de dos films criminales, la española Crónica de un atraco y Banditi a Milano, cinta precursora del poliziesco en la que volvía a compartir cartel con su “amigo” Volontè, Milian interpreta una gran variedad de personajes en las trece películas en las que participa en los siguientes años dentro del spaghetti a pesar de que, como hombre de izquierdas que era, sentía una especial predilección por el arquetipo revolucionario que él mismo había ayudado a popularizar. Citemos dentro de esta heterogénea galería de personajes desde el pistolero albino de Sentencia de muerte, el bandido brasileño protagonista de O’Cangaceiro, el Vasco de Los compañeros o el caza recompensas del díptico Providenzia que, como el propio actor, poseía una irrefrenable inclinación por el disfraz, y que tomando como obvio modelo las películas de Trinidad, contaba incluso como compañero con un sosias de Bud Spencer interpretado por el americano Gregg Palmer.

Tomas_Milian_1974_cropped

Ciudadano italiano desde 1969, Milian encontró a comienzos de la década de los 70 un provechoso nicho en el emergente poliziesco, género que trasvasó directores, guionistas y actores del ya por entonces decadente western mediterráneo. A pesar de representar uno de los profesionales que mejor y con más éxito supo llevar este cambio, Milian tuvo que sobrellevar por esa época una seria adicción al alcohol y a las drogas. Umberto Lenzi (junto a Bruno Corbucci, el director que más veces dirigió al cubano), recordaba como Milian solía beberse una botella de vodka al día durante la filmación de Milano odia: la polizia non può disparare (1974). Por lo demás, el actor demostró en el poliziesco la misma versatilidad de la que había hecho gala en el western interpretando indistintamente a policías, comisarios o al más brutal de los delincuentes, como pudiera ser el caso de Vincenzo Marazzi, el sádico jorobado que encarnó por primera vez en Roma a mano armada.

#5

Tras, como decimos, interpretar a un amplio abanico de personalidades en esta nueva década, Milian consigue tras casi veinte años su mayor éxito en Italia merced a Brigada todo terreno (Squadra antiscippo, 1976) y a la creación del personaje de “Monnezza”, personaje basado en la apariencia del Al Pacino de Sérpico a la vez que nombre genérico que sirve para designar a dos personajes distintos: por un lado tenemos a Nico Giraldi, que nació con el film anteriormente citado y cuyas aventuras se prolongarán a lo largo de ocho años y once películas, todas dirigidas por Bruno Corbucci y con guion de Mario Armendola; por el otro tenemos a Sergio Marazzi que vio la luz el mismo año en Il trucido e lo sbirro, dirigida por Lenzi. Mientras que en nuestro país la primera película de Monnezza gozó de una discreta carrera comercial, en su país de origen Brigada todo terreno supuso el tercer mejor estreno del año, incluyendo tanto nacionales como extranjeros.

2ex7ol3

Curiosamente, y mientras llegaba a rodar hasta dos películas al año protagonizadas por el personaje por el que sería mayormente recordado, directores epítomes del cine de autor como Bertolucci o Antonioni seguían reclamando su presencia, en roles en los que dejaba de lado momentáneamente esa propensión por el disfraz y la pantomima que se había disparado definitivamente con el nacimiento de Monnezza. Milian llegó en esta fase incluso a interpretar en ocasiones hasta a dos personajes en un mismo film, como pudiera ser el caso de La banda del gobbo (Umberto Lenzi, 1978) en la que incorporaba a Marazzi y al jorobado, o Delitto al ristorante cinese (1981, Bruno Corbucci), en la cual encarnaba a la vez a Nico Giraldi y al dueño oriental del establecimiento del título.

Traffic_Tomas_Milian_003

Aunque algunas voces culparan a esta saga de películas orientadas cada vez más hacia la comedia como la responsable de la debacle del género criminal, como ya habían acusado algunos años antes al díptico de Trinidad con respecto al ocaso del spaghetti, lo cierto es que los films de Monnezza protagonizados por Milian supusieron las únicas películas mínimamente relacionadas con el poliziesco que aún recaudaban algo de dinero (o bastante, dada la prolijidad de la saga) en la Italia de los 80. Tras interpretar la última aventura del personaje en Delitto al Blue Gay (Bruno Corbucci, 1984), un Milian cercano a los sesenta decide regresar a los Estados Unidos, conformándose en el último tramo de su carrera con personajes episódicos en series como Corrupción en Miami, Se ha escrito un crimen o La ley de Los Angeles, así como con breves roles en películas de Sidney Pollack, (Habana), Tony Scott, (Revenge), Oliver Stone, (JFK: caso abierto), Steven Spielberg, (Amistad), o Steven Soderbergh, que con Traffic con toda seguridad le brindó su último papel de cierta relevancia en el cine. Tristemente el proyecto de rodar Roma nuda de Giuseppe Ferrara, en la cual el actor iba a interpretar a un inspector de policía retirado en la que hubiera supuesto su vuelta al cine italiano, no llegó a realizarse por falta de fondos.

vlcsnap-79555

Justamente hace unas semanas el Almeria Western Film Festival anunciaba la visita del cubano para la edición del próximo año con motivo del correspondiente homenaje que se le pensaba ofrecer en una tierra en la que, precisamente, Milian consideró también pasar los últimos años de su vida. Con la noticia de su fallecimiento también hemos conocido que el ya octogenario intérprete aún tuvo tiempo de rodar su parte como Cuchillo en Keoma Rises, reunión de viejas glorias del spaghetti orquestada por Enzo Castellari de la que, por desgracia, quedó fuera Bud Spencer, otras de las indiscutibles glorias del género también tristemente desaparecida hace escaso tiempo.

José Manuel Romero Moreno

Published in: on marzo 27, 2017 at 6:00 am  Dejar un comentario  
Tags: ,