Blood on Méliès’ Moon

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Título original: Blood on Méliès’ Moon (La porta sui mondi)

Año: 2016 (Italia)

Director: Luigi Cozzi

Productora: Maria Letizia Sercia

Guionista: Luigi Cozzi con la colaboración de Giulio Leoni, sobre un argumento de Luigi Cozzi, Alexandre Jousse, Giulio Leoni

Fotografía: Francesca Paolucci, Andrea Pieroni, Frank Guerin

Música: Simone Martino, con música adicional de Egisto Macchi, Trigemino, Morbo, Corpsesfucking Art, Mauro Viscardi, Maria Letizia Sercia, Davide Marchetti

Intérpretes: Luigi Cozzi, Philippe Beun-Garbe, Alessia Patregnani, Sharon Alessandri, Brahim Amadouche’, Federico Cerini, Riccarda Leoni, Barbara Magnolfi, Alessandra Maravia, Maria Cristina Mastrangeli, Chiara Pavoni, Luigi Schettini, David “Zed” Traylor, Dario Argento, Lamberto Bava, Giuseppe Cordivani, Sebastiano Fusco, Fabio Giovannini, Manlio Gomarasca, Luigi Pastore, Mina Presicci, Angela Sercia, Maria Letizia Sercia, Jacques Sirgent, Antonio Tentori, Paolo Zelati…

Sinopsis: Francia, 1890. El inventor Louis Le Prince, después de patentar una máquina para fotografiar imágenes en movimiento y proyectarlas, desaparece en extrañas circunstancias, sin que se vuelva a saber nada ni de él ni de su invento. Cinco años más tarde, los hermanos Lumière patentan una máquina muy similar a la de Le Prince llamada “Cinematógrafo”. Desde ese momento, 1895 es universalmente considerada la fecha oficial del nacimiento del cine. Sin embargo, sigue siendo un misterio qué pasó con Louis Le Prince y su invención. Este misterio seguía sin resolverse hasta que, de repente, en la Roma de 2016 se abre “La puerta a los mundos” y, con él, un universo paralelo donde se encuentra la respuesta a este enigma.

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“El cine es la fábrica de los sueños, ¿o son los sueños la fábrica del cine?” Con esta significativa pregunta se inicia Blood on Méliès’ Moon, el retorno al largometraje de ficción de uno de los directores más emblemáticos del cine fantástico y de terror producido en Italia durante las décadas de los setenta y ochenta: Luigi Cozzi. Más de veinticinco años después de la que fuera su anterior película, Il gatto nero, el cineasta natural de Busto Arsizio regresa al formato con un (auto)irónico y complejo artefacto de metaficción, rico en lecturas y matices, con el que brinda el que se antoja uno de sus más estimulantes trabajos y, sin duda, el más personal de todos ellos, como ejemplifica el que sea él mismo en primera persona quien detente el protagonismo de la historia o que firme su autoría con su nombre real y no con su habitual seudónimo anglosajón de Lewis Coates.

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Un planteamiento que, ni qué decir tiene, a buen seguro descolocará a todos aquellos que esperen encontrar en la cinta una de esas exploitations a las que parece estar asociada la figura de su responsable entre ciertos círculos de aficionados. Por el contrario, su tono experimental y aires autorales la emparentan con la que fuera su ópera prima, Il tunnel sotto il mondo, adaptación de un relato del escritor estadounidense especializado en ciencia ficción Frederick Pohl. Y, sin embargo, su contenido no deja de ser una prolongación consecuente de los rasgos que han definido el cine del italiano a lo largo de su filmografía.

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La absoluta libertad disfrutada por Cozzi a la hora de dar forma al film, rodado entre amigos a lo largo de un periodo de tres años y contando con un presupuesto aproximado de cinco mil euros pagados de su propio bolsillo, se percibe a lo largo de un metraje concebido como un auténtico compendio y resumen de su persona y su obra, por el que pasean referentes, filias y obsesiones. Su pasión por la literatura fantástica, su faceta de historiador cinematográfico, su querencia por los efectos especiales de estética kitsch, el giallo, la ciencia ficción y toneladas de cinefilia conviven con rara armonía a través de una trama que combina la historia real de Louis Le Prince[1], con la invocación de mundos paralelos que amenazan con destruir nuestro planeta.

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La elección de la figura de Le Prince, junto al título escogido, recuperado de un viejo proyecto de su director para la Cannon, ponen de relieve la carga cinéfila que anida en un film que aglutina un sinfín de referencias y menciones, tanto propias como ajenas. Sin ir más lejos, ahí está el cameo de Antonio Tentori, en el que la cabeza del escritor y guionista es atravesada por un cuchillo tras recoger del suelo un muñeco del pato Donald, en lo que puede interpretarse como un homenaje al cine de Lucio Fulci, para el que Tentori escribió los que a las postres serían los dos últimos films dirigidos por el denominado padrino del gore, Demonia y Un gatto nel cervello; o aquel otro en el que Cozzi acude a casa de Lamberto Bava con la intención de buscar en la biblioteca del padre de este, el mítico Mario, una respuesta que le permita resolver el misterio al que se enfrenta.

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Las dos señaladas muestras exponen de forma clara y diáfana el modo en el que el cineasta italiano no se conforma con la inclusión de la cita al uso, sino que interactúa con ella para dotarla de un mayor significado, convirtiendo su presencia en parte integrante e indisoluble del discurso de la película. Quizás la muestra más significativa a este respecto se encuentre en la escena en la que el rol interpretado por Barbara Magnolfi, quien diera vida al personaje de Olga en Suspiria, es asesinada en el “Museo degli Orrori di Dario Argento” por el maniquí revivido del matarife de Seis mujeres para el asesino. Momentos antes, Barbara ha escrito con pintalabios en uno de los espejos colgados en el museo situado en los sótanos de Profondo Rosso, la especializada tienda que Cozzi y Argento poseen en Roma, la frase “Las imágenes te miran”. El detalle no es baladí, ya que con ellas Cozzi expresa su pensamiento de que el cine, las películas y, por tanto, las imágenes que en ellas se albergan, son algo muy vivo, que habitan en una “realidad onírica, fantasmagórica, fantasmática”, como asevera en un momento determinado uno de los personajes principales, el profesor Pierpoljakos, capaces de ejercer influencia sobre nosotros, como deja entrever el referido Pierpoljakos al inquirir a Cozzi el motivo por el que utilizó, precisamente, planos de lava fluyendo extraídos de Cuando los mundos chocan de George Pal para dar forma a su versión de Hércules, planteándole la duda de si fue él quien escogió las imágenes o fueron ellas las que le escogieron a él.

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La idea del cine como un ente vivo que puebla en otra dimensión paralela es visualizada durante el fantástico viaje que Cozzi realiza de Roma a París, en el que atraviesa el fantasioso “universo creado por George Méliès”, en palabras de su protagonista, donde se cruza con el cohete de De la Tierra a la Luna, las naves extraterrestres de La guerra de los mundos -ambas según las versiones cinematográficas dirigidas por Byron Haskin- o la estación circulatoria de 2001: Odisea en el espacio, entre otros ingenios espaciales surgidos del celuloide. Un periplo que se cierra tras que el cineasta descubra con evidente asombro a Stella Star, la protagonista a la que prestara su exuberante físico Caroline Munro en la que quizás sea la película más popular de Cozzi, Star Crash, choque de galaxias, en un instante que emana una magia y ternura de lo más especial.

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Y es que, como puede verse, Blood on Méliès’ Moon es, ante todo y sobre todo, un homenaje al cine[2], pero también un canto al poder de fascinación de lo fantástico y la fantasía. “Se pueden hacer cosas extraordinarias con un libro, hasta salvar el mundo”, dice el profesor Pierpoljakos momentos antes de recitar un hechizo que convierte a la vieja novela de ciencia ficción escrita en francés que sirve de mcguffin a la historia en el cohete del Viaje a la Luna de Méliès, en lo que puede verse como una crítica al cine fantástico actual, en el que lo único que parece primar es la aparatosidad de sus imágenes por encima de la imaginación.

Por otra parte, tampoco puede pasarse por alto el hecho de que el tal profesor Pierpoljakos, cuya ayuda resultará primordial para la resolución de la investigación llevada a cabo por Cozzi, se revele en los minutos finales como un centenario alquimista, tanto por su significado como por los jugosos paralelismos que arroja con su compañero de correrías. Al fin y al cabo, ambos practican oficios de naturaleza artesanal, en los que, partiendo de principios científicos, son capaces de lograr prodigios propios de magos, ya sea la consecución de la piedra filosofal y, con ella, el secreto de la vida eterna, o capturar imágenes en movimiento y conservarlas en el tiempo, brindando la posibilidad de que por unos instantes personas que han fallecido décadas atrás vuelvan a cobrar vida en la pantalla. Claro que también el imposible propósito de la alquimia de conseguir fabricar oro empleando materiales pesados puede verse como una equiparación con la que Cozzi reconoce la no menos probable empresa de equipararse con grandes superproducciones estadounidenses partiendo de presupuestos paupérrimos en las que se viera inmerso en no pocas ocasiones a lo largo de su trayectoria.

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Ahora bien, a pesar del innegable grado de reivindicación que en mayor o menor medida subyace en la película, Cozzi se cuida mucho de caer en la autosuficiencia o de mostrarse como un genio incomprendido. Por el contrario, toda la narración se desarrolla bajo un simpático tono ligero mediante el que el italiano no duda en caricaturizarse a sí mismo, haciendo gala de una apreciable vis cómica. Para ello viste complementos ridículos en forma de sombreros y pajaritas, se enfunda en pijamas con motivos infantiles o aparece ataviado con grotescos disfraces de monstruos. Incluso, en un momento totalmente auto-paródico, se atreve a interpretar en la última secuencia una canción que acompaña a los créditos finales luciendo una peluca de rasta. Mención aparte merece, no obstante, la que se erige en una de las secuencias más conseguidas del conjunto, en parte por su corrosiva carga irónica, en la que, tras soñar con el supuesto tráiler de la secuela de Bride of the Monster en la que se le acredita como director, al que sigue un video de un crítico youtuber diciendo lo mal director que es, nuestro hombre despierta sobresaltado ante la idea de ser considerado el “Ed Wood italiano”, para terminar ilusionándose con la posibilidad de que, de ser así, Tim Burton ruede una película sobre su vida, al igual que hizo con la del Ed Wood auténtico, y le convierta de este modo en famoso.

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A tenor de lo expuesto, queda claro que Blood on Méliès’ Moon no es un film para todo los gustos, sino que se trata de una propuesta dirigida a un público muy concreto. Aquellos no familiarizados con el cine fantástico italiano en general y la obra de Luigi Cozzi en particular solo verán en ella una película con una factura que roza lo casero y una duración a todas luces exagerada, con sus casi dos horas de metraje, a lo que tampoco ayuda un desarrollo que en no pocas ocasiones da la sensación de estar improvisado sobre la marcha.

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Defectos innegables, en cualquiera de los casos, pero que a ojos cómplices son compensados por la valentía y la sinceridad de una obra realizada desde la más absoluta modestia y sin más ambición que las de lograr una película ajena a convencionalismos, que en última instancia sirve para refrendar lo que algunos ya sabíamos: el que, tras su fachada de realizador artesanal, Luigi Cozzi esconde un autor en la acepción cahierista del término, con una personalidad y una forma de entender el cine muy marcada, tal y como ha venido demostrando en todos y cada uno de los títulos que componen su filmografía. Tan solo es cuestión de molestarse en comprobarlo.

José Luis Salvador Estébenez

[1] Nacido en la ciudad francesa de Metz en 1842, Louis Le Prince desapareció misteriosamente sin dejar ni rastro en 1890 durante un viaje en tren, cuando se disponía a patentar el primer sistema para capturar y reproducir imágenes en movimiento, cinco años antes de que los hermanos Lumière inventaran oficialmente el cinematógrafo.

[2] En los créditos finales se indica que la película está dedicada a Georges Méliès y Louis Le Prince.

El demencial cine de Wakaliwood regresa a Madrid de la mano del festival CutreCon

The Wakaliwood Experience Vol 2

Tras arrasar en una de las sesiones más recordadas de la quinta edición de CutreCon, el Festival Internacional de Cine Cutre de Madrid, Wakaliwood —así se conoce al cine de acción producido en un pequeño suburbio de Kampala, capital de Uganda—, regresa a Madrid con su proyecto más ambicioso, Bad Black. La sesión, titulada The Wakaliwood Experience Vol.2, tendrá lugar el próximo jueves 2 de noviembre a las 22 horas en el Cine de la Prensa de Madrid —Plaza de Callao, 4—, donde estará presente Alan Hofmanis, productor, coguionista y protagonista de la cinta.

Bad Black, la última película de la factoría Wakaliwood, llega a la capital después de su paso por Estados Unidos y, más recientemente, por el Festival de Sitges, donde fue uno de los títulos más celebrados y aplaudidos del certamen gracias a su acción disparatada, su dosis de humor gamberro y, en general, su absoluta desvergüenza.

Junto a Bad Black se mostrará material inédito como tráilers de las próximas películas de Wakaliwood y escenas de algunos de sus films más emblemáticos. Además, Alan Hofmanis, uno de los cerebros detrás de estas cintas, acudirá a la sesión con todo tipo de merchandising procedente de Wakaliwood, cuyos beneficios van a parar a la producción de futuros proyectos.

Las entradas para The Wakaliwood Experience Vol.2 se encuentran ya a la venta y pueden adquirirse en reservaentradas.com, Atrápalo y la taquilla del Cine de la Prensa al precio de 6 euros.

Published in: on octubre 30, 2017 at 9:54 am  Dejar un comentario  

Entrevista a Josemi Beltrán, sobre la XXVIII Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián

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Mañana sábado 28 de octubre y hasta el próximo viernes 3 de noviembre, el Teatro Principal de la capital guipuzcoana volverá a convertirse en la sede central de la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, que vivirá así su vigésimo octava edición. Un año más, durante una semana el certamen donostiarra aglutinará varias de las propuestas más interesantes de la última hornada de cine fantástico, junto a un completo calendario de actividades paralelas entre las que no faltarán ciclos retrospectivos, exposiciones y publicaciones.

Tal y como venimos haciendo en los últimos años, hemos vuelto a buscar el testimonio de Josemi Beltrán para comentar qué nos va a deparar esta nueva edición del certamen que él dirige.

Tras el listón tan alto dejado por la Semana del pasado año, en mi opinión una de las mejores de la historia, ¿cómo habéis afrontado desde la organización esta nueva edición del certamen?

Me alegro mucho de esa impresión vuestra. Teníamos claro que el año pasado era extraordinario, principalmente por la coincidencia y el “músculo” extraordinario que nos dio la celebración de la Capitalidad Cultural Europea, y que en 2017 volveríamos a un modelo similar a los anteriores. Lo hemos hecho, pero gracias, principalmente, al propio ayuntamiento y a otros colaboradores, sujetando más que dignamente en lo presupuestario, y en los contenidos estimulados por vernos capaces de hacer más también, de seguir experimentando…

En el éxito que tuvo la edición del año pasado tuvo que ver, y mucho, el convenio de patrocinio que alcanzasteis con la fundación nipona EU-Japan Fest. ¿Ha habido contactos para lograr un patrocinio semejante con alguna otra entidad de este tipo de cara a este 2017?

No solamente fue EU-Japan Fest, también la Japan Foundation de Madrid. Hay que decir que ambas entidades vuelven a colaborar con nosotros, tras la buena experiencia de 2016. Y gracias a ello contaremos con una noche temática japonesa, alguna película más y la visita de Yoshihiro Nishimura. Así que hicimos una buena “siembra” que permitirá en el futuro consolidar la presencia de Japón, espero, aunque no sea con unas dimensiones como las del pasado año.

El cartel de este año cuenta con el protagonismo de María José Cantudo. ¿De quién fue la idea y cómo se tomó ella la propuesta?

Junto al fotógrafo Pedro Usabiaga hablábamos de rendir un homenaje al fantaterror español, al cual él quería dedicar esa exposición “Mil gritos en la noche”. A la hora de elegir una figura de la época que pudiera ser representativa, no tuvimos dudas. Y la recepción de María José y de su manager fue estupenda, y han sido todo facilidades. Conocían el trabajo fotográfico de Pedro, los carteles que habíamos realizado en ediciones anteriores, y valoraron que quisiéramos hablar de esa parte de su carrera profesional.

El que María José Cantudo sea la imagen de esta edición se antoja también en sintonía con el ciclo retrospectivo de este año, “El ataque de las mujeres cineastas”, que como su nombre indica está dedicado a películas dirigidas por féminas. ¿Por qué os decantasteis por esta temática?

Es una cuestión que está en el aire en los últimos años, y no por casualidad, se han destacado algunas cineastas como Jennifer Kent, las hermanas Soska, Lucile Hadzihalilovic, Ana Lily Amirpour, Anna Biller… Otra cuestión es debatir si existe o no un punto de vista femenino diferente del terror… Yo creo que en el caso de más de una de ellas es evidente que sí hay intención autoral. Con el ciclo hemos querido rescatar algunas pelis en pantalla grande que no pasaron por nuestra Semana, y sumar también otras cintas más de los ochenta o noventa, donde también había realizadoras, aunque no fueran tan visibles (Mary Lambert, Kathryn Bigelow…).

Desgraciadamente, esta vez no habrá el tradicional libro monográfico, y ello a pesar de la recuperación de la colección de las publicaciones de la Semana el pasado año, tras varios años de ausencia…

Pues la cuestión de los libros sigue dependiendo de fondos “extraordinarios” o de colaboraciones especiales, y el año pasado los tuvimos gracias al evento japonés de capitalidad cultural. Este 2017 volvemos a la situación anterior, pero no dudéis que seguimos peleando por forjar alianzas y, cuando se pueda, volveremos a publicar. Sin olvidar que seguimos apostando por 2000 Maníacos y que este año editamos un estupendo número 50, con contenidos también muy potentes.

Siguiendo con el tema de las publicaciones, lo que sí proseguirá es vuestra apuesta por la “guerra de fanzines” que resucitasteis el año pasado. ¿Qué valoración haces de la respuesta que tuvo la iniciativa hace doce meses y cuál está siendo el nivel de participación para esta nueva edición?

La respuesta de este renacimiento en 2016 fue buena, cuatro grupos participantes, de los cuales se llevó el premio del público un equipo de chicas que además eran “novatas” totalmente en la Semana. Los contenidos eran bastante distintos e ingeniosos entre todos ellos. Para este 2017 de momento ya nos hemos superado con cinco grupos inscritos, si no aparece alguno más a última hora…

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Pasando a la Selección Oficial, lo cierto es que, al contrario de lo que venía ocurriendo en los últimos años, en esta ocasión parece que no os habéis decantado por títulos tan evidentes de la última cosecha genérica, sino que se percibe un intento por arriesgar y saliros un poco de la programación tipo que todos los festivales del género post-Sitges van a tener. ¿Me equivoco?

Hemos intentado una mezcla, como casi siempre; un equilibrio entre puro género y algo más abierto. Este año hemos tardado más tiempo en ver títulos “evidentes”, la cocina ha sido más lenta, pero finalmente, por ejemplo, tenemos casi todos los premios mayores de Sitges (seleccionados antes de que se conocieran). No pensamos en qué programan el resto de festivales, sino en nuestra propia identidad, en nuestro público…

Dentro de la selección efectuada, llama la atención la nutrida presencia de films españoles que, siguiendo con lo comentado, en su mayoría son de corte independiente, lejos pues de los Balaguerós, pieles frías y demás producciones punteras que cabría esperar en un principio…

Algunas de esas producciones “punteras” que mencionas se estrenan antes en la cartelera comercial, otras quizás no eran tan adecuadas para nuestro perfil de festival. Puntera es para nosotros Errementari, desde luego, la primera producción en euskera de fantasía y terror hecha con un alto nivel de profesionalidad, nivel estético e interpretativo. Y es un lujazo oportuno que sea nuestra inauguración, porque su director, Paul Urkijo, ya ha participado en años anteriores con sus cortometrajes en nuestros festivales. Completan el panorama estatal, Black Hollow Cage, ciencia ficción rodada en inglés en Cataluña con muy buen gusto visual, y la divertida comedia negra Matar a Dios, cuya estética es también muy fantástica.

No obstante, también se percibe la elección de títulos escogidos de forma premeditada para que den juego al siempre revoltoso público de la semana, como puede ser Los resucitados o, sobre todo, la ugandesa Bad Black, que a buen seguro marcará uno de los momentos álgidos de esta edición. ¿Qué me puedes contar de ellos?

Ambas participan fuera de concurso y ambas creo que tienen motivo para disfrutarse en nuestro Teatro Principal. Bad Black es un ejemplo de un cine disfrutón, popular, ese Wakaliwood que se hace en Uganda con homenajes a los géneros mainstream y que creemos merece ser conocido. Que el público la juzgue sabiendo en qué contexto se realice y que tengan acceso a esos “otros cines de género”.

En cuanto a Los resucitados es toda una odisea, que ya tuvo su avance de presentación en la Semana hace años, y era lógico presentar el resultado final. Una película realizada a lo largo de dos décadas, con presencias como Paul Naschy o Santiago Segura, y que sirve además de homenaje a ese fantaterror que es uno de nuestros leitmotivs del año.

Y de los títulos seleccionados, ¿cuáles son tus preferidos y cuáles los que consideras que van a funcionar mejor entre los espectadores?

Ya he destacado algunos, pero no me quiero olvidar de Hounds of Love, una película de psicópatas que tiene gran cine dentro, ni de The Endless, lo nuevo de Benson y Moorhead, que demuestran cada vez ser mejores realizadores. Housewife también es la nueva peli del director de Baskin, Can Evrenol, que vuelve a mundos muy lovecraftianos. El Kiyoshi Kurosawa, Before We Vanish, es una mirada muy inteligente y con humor al cine de extraterrestres. Y Mom and Dad, con Nicolas Cage, una comedia negrísima, y más incorrecta de lo que esperaba. Sin duda, esta última y la comercial Feliz día de tu muerte son de las más atractivas entre el público mayoritario, además de Errementari.

Como es habitual, varios de los films proyectados contarán con el respaldo sobre las tablas del Principal de algunos de sus responsables. ¿Qué personalidades van a visitar este año la Semana?

De momento contamos con gran parte del equipo de Errementari, encabezado por su director Paul Urkijo y los protagonistas Kandido Uranga y Uma Bracaglia. De Bad Black el productor y actor Alan Ssali Hofmanis, de Matar a Dios el codirector Caye Casas junto a los actores Itziar Castro y Emilio Gavira. También los directores Sadrac González-Perellón (Black Hollow Cage) y Arturo de Bobadilla (Los resucitados), así como el japonés Yoshihiro Nishimura. No quiero olvidarme de la protagonista de nuestro cartel, María José Cantudo, invitada muy especial, ni del estupendo jurado formado por Vinila Von Bismark, la youtuber Sara G y el guionista Diego San José. Puede haber más incorporaciones en el último momento, además de una gran presencia de cortometrajistas nacionales e internacionales.

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Pasando a las actividades paralelas previstas, un año más las exposiciones volverán a contar con un gran protagonismo. Ya hemos hablado de “Mil gritos en la noche”. ¿Qué nos puedes comentar del resto?

Cómic e ilustración son muy protagonistas. En “Ink of Drácula” integramos la visión de dieciséis autoras del vampiro más ilustre con la versión que Cels Piñol realizó en su “Fanhunter”. Dos de esas ilustradoras, Raquel Meyers y Ana Galvañ, visitarán el festival. Los paisajes fantásticos vascos de la adaptación de El guardián invisible vendrán de la mano del dibujante Ernest Sala, y también tendremos los populares “cabezones” paródicos de Enrique V. Vegas.

Por mi parte es todo. Si quieres añadir algo más…

Bueno, que cada uno encuentre su película o su momento especial, y que sea una nueva experiencia de esas que no se olvidan para todo fan del género, que además está en muy buen momento. Muchas gracias por vuestro apoyo.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías: Juan Mari Ripalda

El festival CUTRECON sale de gira este Halloween con una sesión simultánea en Madrid, Barcelona y Santa Cruz de Tenerife

El festival CutreCon celebra el próximo 31 de octubre, con motivo de la noche de Halloween, una sesión simultánea en Madrid, Barcelona y Santa Cruz de Tenerife, en la que se proyectarán dos de las peores películas de terror de todos los tiempos: Vampire Raiders Ninja Queen, una mezcla de ninjas vergonzantes y vampiros saltarines, y Devil Dead, remake hindú de la mítica Posesión infernal —esta última solo en Barcelona y Santa Cruz de Tenerife—. Las sedes elegidas para cada una de las ciudades son el Cine de la Prensa de Madrid —Plaza de Callao, 4—, el Cinema Maldà de Barcelona —Carrer del Pi, 5—, y el Teatro Paraninfo de Santa Cruz de Tenerife —C/ Delgado Barreto, s/n.

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La sesión de Madrid, cuyo inicio está fijada a las 20 horas, contará con varias sorpresas durante la proyección y además se adelantarán los primeros detalles de la séptima edición de CutreCon, que se celebrará el próximo mes de enero. El precio de las entradas, ya a la venta, es de 5 euros por anticipado y 6 euros en taquilla.

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En Barcelona el programa doble comienza también a las 20horas y tendrá el sello CutreCon: trailers disparatados y cachondeo asegurado. Las entradas pueden adquirirse ya al precio de 8 euros.

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Por último, la sesión de Santa Cruz de Tenerife comienza a las 19:30 horas —horario insular—, y cuenta con la particularidad de que las entradas son dobles al precio de 5 euros, que ya están a la venta a través de este enlace.

Published in: on octubre 26, 2017 at 5:44 am  Dejar un comentario  

Cronenberg, Argento o Hooper protagonizan la tercera edición del Festival Phantasma

David Cronenberg, Dario Argento, Abel Ferrara, Wes Craven y Tobe Hooper, a quien se rendirá homenaje, son algunos de los directores más destacados de la tercera edición del festival de cine de terror Phantasma, que tendrá lugar del 2 al 5 de noviembre en el cine Phenomena de Barcelona y que acogerá más de veinte films de terror, desde grandes clásicos hasta preestrenos.

La programación de este año comenzará el jueves 2 de noviembre por la noche con la première de Tokyo Ghoul, adaptación del manga de Sui Ishida. El festival acogerá también la premiere de Jigsaw (Saw 8), octava entrega de una de las sagas más famosas del terror.

El director Tobe Hooper, fallecido el pasado verano, será uno de los protagonistas de la edición con la proyección de tres de sus films más conocidos: Lifeforce, La casa de los horrores y El misterio de Salem’s Lot. Otro director muy presente en la programación será David Cronenberg, de quién se podrá ver Scanners y Cromosoma 3, dos films cargados de impactantes imágenes con las que Cronenberg alterna ciencia-ficción y puro terror.

El siempre personal Abel Ferrara estará también presente por partida doble en esta edición con su versión de Secuestradores de cuerpos, con un toque más sangriento que sus antecesoras, y El asesino del taladro, uno de sus primeros largometrajes. Suspiria en 4K, de Dario Argento, es una de las sesiones imprescindibles del festival, que recuperará también el film de culto Henry. Retrato de un asesino y el rencuentro con Norman Bates en Psicosis II, una secuela escrita por el director Tom Holland, responsable de El muñeco diabólico.

Una de las sesiones más esperadas de cada año es la “All Night Grindhouse Maratón”, que en esta ocasión contará con asesinos en serie y seres demoníacos, entre otras perversas criaturas. La maratón estará formada por Sabe que estás sola, Elvira, Demons 2 y una película sorpresa.

La magia negra y el vudú se colarán en Phantasma con títulos como Los creyentes, de John Schlesinger, y La serpiente y el arco iris, de Wes Craven. El terror más clásico llegará con La novia del diablo, de Terence Fisher, y el programa doble Universal Monsters, formado por Frankenstein y el hombre lobo y El hombre invisible vuelve, donde se reunirán actores como Bela Lugosi, Vincent Price o Lon Chaney Jr.

Entradas y abonos ya a la venta en la web y taquillas del cine. Más información en: www.phenomena-experience.com

Published in: on octubre 25, 2017 at 5:46 am  Dejar un comentario  

Llega la X edición del Festival de Terror de Fuenlabrada

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El Blood Film Festival cumple 10 años y lo quiere celebrar por lo alto ofreciendo actividades para el disfrute de todos los públicos. Por ello, del 27 de octubre al 5 de noviembre los asistentes al certamen podrán disfrutar de un amplio abanico de actividades

El décimo aniversario arrancará el viernes 27 de octubre a las nueve de la noche en el Espacio Joven La Plaza, donde también se realizará una master class de maquillaje FX y la proyección de la aclamada película surcoreana Train to Busan.

En ese mismo fin de semana se realizarán dos pasajes del terror, uno enfocado al público infantil y otro al público adulto. Para el público infantil también se plantean dos actividades como son la Hecatombe Zombie, el miércoles 1 de noviembre y la Sesión Infantil, el domingo 5 de noviembre, consistente en pintacaras y talleres de manualidades.

Habrá también dos pases especiales de la Hecatombe Zombie, en la tarde del miércoles, para el público adolescente. Como novedad este año la organización nos traerá el sábado 4 de noviembre un Escape Room con zombi en su interior que hará que superar las pruebas para escapar de la habitación se haga más complicado.

El día de culminación y clausura del festival será el destinado al género del cortometraje, El público y el jurado tendrán que elegir qué cortometrajes se llevan sendos premios de entre los finalistas: Linaje de Raúl Sánchez, Room for rent de Fernando Simarro, Servicio de habitaciones de Saúl Mateo, Paralysis de Alejandro Barvel, Fe de Juan de Dios, RIP de Albert Pintó, Sofá, manta y palomitas de Erik Gatby, Void Chair de Xavier Miralles y Do we play? de Tony Morales. El festival finalizará con una sorpresa final para todo el público asistente y con la entrega de premios donde se sorteará un pase para seis personas para el Escape Room de Curious Cat.

Blood Film Festival se sigue basando en su filosofía de cultura popular y sin ánimo de lucro, promoviendo actividades gratuitas para que pueda acudir todo el mundo como ha venido haciendo desde su fundación en 2008. Es por ello de agradecer el patrocinio de las distintas entidades que harán posible esta edición de 2017: Colectivo Z, Ayuntamiento de Fuenlabrada, Movibeta, BBO Subtitulado, Curious Cat, Cortos Rotos, Record Button, Salto de eje, Mejor Juntos, Aldaba, Scout Impeesa, PJES, Tritearte, Improbeta y el Contador de arena.

Más información: https://bloodfilmfestival.es.tl/

Published in: on octubre 24, 2017 at 6:06 am  Dejar un comentario  

Presentada la programación completa de la XXVIII Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián

La organización de la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián dio a conocer en la mañana del pasado jueves la programación de su vigésimo octava edición, que tendrá lugar entre los próximos 28 de octubre y 3 de noviembre. Un año más, el certamen donostiarra aglutinará en su Selección Oficial algunos de los títulos más destacados de la temporada, tanto en formato largo como corto, así como diversas actividades paralelas, con especial predilección por las exposiciones.

De este modo, dentro de la Selección Oficial a concurso se ofrecerán un total de veinte films que tratarán con hacerse con el premio del público, entre los que no faltarán algunos de los títulos más esperados de la temporada. Es el caso de las recientes galardonadas en el Festival de Sitges Jupiter’s Moon (Jupiter holdja) o Revenge, así como los más recientes trabajos de algunos de los talentos emergentes del género, caso de Housewife, la nueva película del director turco Can Evrenol, que se diera a conocer hace ahora dos años con su ópera prima, Baskin.

Junto con estos films, tampoco faltará la presencia de viejos conocidos del certamen. Tras estar presentes en Donosti con sus dos trabajos previos, se podrá ver la tercera película de Aaron Moorhead y Justin Benson, The Endless, mientras que de Xavier Gens, quien sorprendiera hace unos años con Frontière[s], se ofrecerá The Crucifixion. Otro habitual de la Semana, Takashi Miike, competirá con JoJo’s Bizarre Adventure: Diamond is Unbreakable, formando parte de la, como siempre, nutrida presencia japonesa, que se completará con Before We Vanish, Meatball Machina Kodoku, y la cinta de animación coproducida con Francia Mutafukaz.

La representación española, por su parte, estará formada por Errementari (El herrero y el diablo), ópera prima del cineasta vasco Paul Urkijo producida por Álex de la Iglesia que será la encargada de inaugurar oficialmente esta edición, Black Hollow Cage, Matar a Dios y Los resucitados, esta última fuera de concurso.

El resto del listado xe títulos a concurso se completa con el film de zombis canadiense Les Affamés, Dave Made a Maze, Downrange, Felíz día de tu muerte (Happy Death Day), Hounds of Love, House of the Disappeared, Mom and Dad y Rescate en Osiris (The Osiris chile: Science Fiction Volume One, 2016). A los films enumerados hay que añadir la presencia fuera de concurso de Bad Black, film ugandés que promete ser una de las sensaciones de esta Semana, y Saw VIII, la nueva entrega de la popular franquicia que será la encargada de echar el cierre a esta edición protagonizando la gala de clausura.

Para los más pequeños de la casa la organización ha guardado dos films: Oker (Oddball, 2015) y Laban, mamu txikia (Lilla spöket Laban, 2006). Además, el certamen guardará su espacio a los clásicos del género, con la proyección de las spilberianas Encuentros en la tercera fase (Close Encounters of the Third Kind, 1977) y Poltergeist (Poltergeist, 1982), que servirá para homenajear a su recientemente fallecido director, Tobe Hooper. Todo ello, claro está, sin olvidaer el habitual ciclo retrospectivo que este año, organizado en colaboración con Zinemakumeak Gara! Muestra de Cine Dirigido por Mujeres de Bilbao y bajo el título “El ataque de las mujeres cineastas”, servirá para acercar a los espectadores diferentes obras de temática fantástica dirigida por féminas, a través de una selección de ocho títulos, entre los que figuran Los viajeros de la noche (Near Dark, 1987), Cementerio de animales (Pet Sematary, 1989) o las más recientes Una chica vuelve a casa sola de noche (A Girl Walks Home Alone at Night, 2014) y The Love Witch (2016), así como la selección de cortometrajes del colectivo The Final Girls titulado We Are the Weirdos.

Como es costumbre, los cortometrajes disfrutarán también de un peso específico dentro de la programación de la Semana a través de los diferentes concursos dedicados al formato. De este modo, en la Sección Internacional de Cortometrajes participarán trece trabajos que lucharán por tres premios: Premio del Público, Premio del Jurado Internacional (ambos dotado con 1.000 €) y Premio del Jurado Joven. Entre ellos, aquellos de procedencia europea optarán también al MÉLIÈS DE PLATA al Mejor Cortometraje Fantástico y de Terror Europeo. Para los nueve cortos animados seleccionados, la Semana reserva un concurso dotado con 1000 € para el ganador, que será otorgado por los votos del público, al igual que ocurre con el concurso de cortometrajes españoles, en el que competirán otros nueve trabajos. Estos nueve trabajos seleccionados optarán además al Premio Syfy al Mejor Cortometraje Español de 3.000 € que será elegido por un jurado especializado y designado por NBC Universal Global Networks España, SLU y la Semana de Terror.

Pasando a las actividades paralelas organizadas, son varias las exposiciones que acogerán diferentes sedes de la capital guipuzcoana. Así, desde el 28 de octubre al 9 de diciembre el C. C. Okendo expondra una muestra fotográfica de películas de terror españolas, con el nombre “Mil gritos en la noche – Actrices y actores del cine de terror español de los 70”; en la sala de actividades de la Biblioteca Municipal se podrá visitar la denominada “Ink of Drácula – A comic Tribute” ; la dedicada a Ernest Sala – El guardián invisible, dentro de las comiqueras jornadas de “Euskadi Fantastikoa”, estará visible del 28 de octubre al 18 de noviembre en la Biblioteca Central, para después pasar del 22 de noviembre al 12 de diciembre a la Casa de Cultura Carlos Blanco Aguinaga de Irún; mientras que “Cabezones Hall of Fame”, dedicada a la obra de Enrique V. Vegas, adornarán las paredes de la FNAC del 9 de octubre al 30 de noviembre.

Este es, a grandes rasgos, el programa de esta vigésimo octava edición de la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, aunque hay más. No obstante, y al igual que venimos haciendo en los últimos años, el próximo viernes os ofreceremos una entrevista en exclusiva con su director, Josemi Beltrán, en la que el encargado del área de cine de Donostia Kultura repasará con nosotros diferentes aspectos de lo que va a ser esta Semana 2017.

Más información y horarios en: http://www.sansebastianhorrorfestival.eus/2017/

Entrevista a Juan Tébar

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Articulista, crítico tanto literario como cinematográfico, director de espacios radiofónicos, guionista, responsable de varias colecciones literarias, ensayista, profesor, novelista, tertuliano del programa televisivo ¡Qué grande es el cine! y derivados, autor de relatos… Abordar en su totalidad la trayectoria de quien por derecho propio supone toda una institución en el campo cultural español de los últimos cincuenta años como Juan Tébar se antoja una tarea difícil de ser llevada a cabo. Ante tal imposibilidad, surgida la posibilidad de poder entrevistarle, decidimos centrarnos en una de sus muchas facetas: la de guionista televisivo y cinematográfico; más concretamente, su labor perteneciente al ámbito del género fantástico y/o terrorífico, donde destaca su participación en títulos tan emblemáticos (y dispares) de nuestro cine de terror como La residencia, Ceremonia sangrienta o La saga de los Drácula. Una proposición que Juan aceptó de buen agrado, demostrando una cercanía, amabilidad y disposición dignas de ser destacadas desde estas líneas.

El cine ha tenido una trascendental importancia en tu educación, como reflejaste en tus seudo memorias de juventud La huella en los ojos. ¿Cuándo decides dedicarte profesionalmente al mundo del cine?

Difícil de contestar. Seguramente cuando ingresé en la antigua escuela (Escuela Oficial de Cinematografía), la única posibilidad académica de hacer realidad profesional lo que hasta entonces habían sido ilusiones. Pero no podría decirte la fecha exacta. Sin embargo creo que siempre, desde muy joven, tuve claro que me dedicaría a escribir. Para el cine o fuera del cine, como he hecho.

Como dices, cursaste estudios de dirección cinematográfica en la E.O.C. No obstante, el grueso de tu trayectoria dentro de la industria cinematográfica lo has realizado como guionista. ¿Obedeció a una decisión personal?

Como te decía, mi vocación siempre fue de escritor. Y el guion es el lugar de ese oficio dentro del cine. Consideré más lógico, y más acorde con mis posibilidades, escribir para el cine antes, o en lugar de, dirigir. Que, entre otras cosas, siempre consideré mucho más difícil. Y para lo que, sinceramente, estoy menos dotado, como he comprobado en algunos intentos. Escribir fue y es lo mío. La pregunta debería haber sido –en vez de “¿por qué te pasaste al guion?”- “¿Por qué elegiste antes la dirección?”. Y es que ser director tenía más glamour, sigue teniéndolo, y algunos nos dejábamos cautivar por ese reclamo.

Dada esta aludida formación como director, ¿tus guiones suelen contener muchas indicaciones técnicas referente a la puesta en escena?

Ninguna, incluso se lo recalco muchísimo a mis alumnos de Guion. Un buen guionista debe pensar en imágenes pero sin indicar cómo se realizan. Describiéndolas como si se vieran, que ya es mucho inventar. No soporto esos guiones que dicen “La cámara se acerca a…Un travelling circular… P. Plano del rostro, etc…” No me canso de corregirlo en clase.

Las indicaciones técnicas son de los técnicos de realización. Solo en el guion de alguien que va a ser luego el director aparecen lógicamente esas cosas.

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Tu primer crédito como guionista para la gran pantalla se produce en 1968 con Cerco de terror. ¿Cómo se fraguó este proyecto?

Ni me acuerdo. Me llamó un productor, supongo que por alguna cosa mía que habría visto en televisión. Miguel Tudela era ese productor.

En los créditos repartes funciones con el director del film, Luis Marquina. ¿En qué consistió tu participación?

Era corriente que el director firmase al lado del guionista (todavía se hace algunas veces), pero en ese caso no recuerdo que Marquina escribiese ni una línea.

En el contenido de Cerco de terror puede percibirse la huella de un director por el que no has escondido tu admiración como es Alfred Hitchcock, y más en concreto de Vértigo, film con el que comparte varios puntos en común a nivel argumental, como puede ser la aparición con vida del amante supuestamente muerto de la protagonista, que sirve de motor a la intriga. ¿Era una influencia asumida por tu parte?

Supongo que sí, pero no lo recordaba. Hitchcock en el cine, Dickens en la literatura… Son influencias, entre otras, que me han acompañado siempre.

Aunque sea de forma tangencial, Cerco de terror también se inscribe dentro del terror y el fantástico, géneros de los que eres un declarado admirador, habiendo incluso orquestado la publicación de colecciones literarias dedicadas a estas temáticas. ¿De dónde viene tu fascinación por estos géneros y qué es lo que te llama la atención de ellos?

Desde niño me gustaba asustarme y asustar. Pasé fácilmente de los cuentos infantiles a Edgar Allan Poe, y a las películas de miedo. Hay quienes se defienden de esa atracción, otros parece que lo adoptamos como oficio. En los primeros tiempos no sentía ninguna afición por el realismo. Luego he acabado por ser mucho más ecléctico. Me gustan todos los géneros, y todos los estilos, con fantasía o sin ella. Incluso hubo una época en que me llegó a molestar el encasillamiento y abandoné el terror. Aunque nunca de todo.

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Siguiendo con tu carrera cinematográfica, tu siguiente crédito se produce en uno de los títulos emblemáticos del cine de terror español como es La residencia, la ópera prima de Chicho Ibáñez Serrador. Ni qué decir tiene que el origen del proyecto estuvo ligado con tu labor como guionista en la mítica serie de este Historias para no dormir

Sí, ese argumento iba a ser uno de los episodios televisivos, pero a Ibáñez Serrador le gustó lo suficiente como para aprovecharlo para su primera película. Yo entonces hacía guiones para su programa y durante un tiempo fui ayudante de realización suyo.

En este caso, tu labor se limitó a ser autor de la historia que posteriormente fue guionizada por Chicho bajo su habitual seudónimo de Luis Peñafiel. ¿Llegaste a participar de algún modo en la redacción del libreto?

No, salvo opiniones después de leerlo, charlas, etc. Pero el guion lo escribió solamente Chicho.

Y como autor, ¿qué te pareció la adaptación que hizo Chicho de tu relato? ¿Hubo muchas modificaciones respecto a tu original?

Fue una buena recreación, aprovechando el tema, los personajes principales, la atmósfera, pero con muchísimas aportaciones suyas. La historia central está exactamente como en el relato. Pero mi cuento era breve y se centraba fundamentalmente en el final de la historia, con referencias al pasado. Chicho reconstruyó toda la historia a partir de ahí, Yo, hoy, la hubiera hecho menos “clásica”, pero es fácil opinar a posteriori.

La residencia contó con varios encontronazos con la Censura. ¿Cómo llevabais los guionistas de entonces estos temas? ¿Era algo con lo que ya contabais y motivaba que de algún modo os autocensurarais?

La residencia mostraba sugerencias sexuales que no eran nada corrientes en aquella época. Pero en el género se permitían más licencias. Y por eso se situó en otra época y otro país. Jugadas de “despiste” que eran muy habituales entonces para sortear la censura. Y sí, claro que nos autocensurábamos ya desde el principio. No había otro remedio.

Ya en 1973 intervienes en el guion Ceremonia sangrienta, coescrita junto al italiano Sandro Continenza y el director del film, Jorge Grau. ¿Cómo os repartisteis las funciones?

Sandro Continenza es una justificación para la coproducción, no creo que escribiera mucho, si es que escribió algo. Yo ni le conocí ni le conozco. En cuanto a Jordi Grau y yo, escribí primero un guion completo yo solo, y luego él –que sí era un director que realmente escribía– le dio las pasadas que consideró oportunas.

Por cierto, algunas fuentes también incluyen como guionista a José Luis Garci, quien habría intervenido de forma no acreditada. ¿Es cierto?

No sé de dónde puede haber salido eso. Garci no tuvo nada que ver –que yo recuerde– con esa película. Salvo que José María González Sinde, el productor, le pasara alguna versión –eran compañeros y amigos– y él aportara algo. No me consta.

Centrándonos en el contenido de la película, se trata de una especie de biopic de la tristemente célebre condesa Bathory. El que te basaras en un personaje real ¿cambió algo en tu forma de trabajar?

Mucha documentación, tanto sobre la condesa como sobre la época y sobre el mundo de los vampiros, superstición, procesos, etc…

Un par de años antes de Ceremonia sangrienta, la Hammer ya había dado su visión de Elizabeth Bathory en la película aquí titulada como La condesa Drácula. ¿Llegasteis a ver esta versión mientras preparabais la vuestra?

No, al menos yo.

Tras Ceremonia sangrienta volverías a trabajar de nuevo con Jorge Grau al año siguiente en Pena de muerte, una adaptación de Guy de Maupassant que, pese a que en principio se aleje de tales coordenadas, tiene cierto regusto fantastique en alguno de sus ingredientes…

Sí, era una adaptación tan libre que casi no lo era. Al ser casi una historia original, puede que el aire fantasmal me viniera dado, “de fábrica”. Y la referencia a Maupassant –cultivador también del género–me lo permitía, pero su relato no tenía nada de fantástico.

Tu último trabajo dentro del género para la gran pantalla es el peculiar acercamiento al personaje creado por Bram Stoker con La saga de los Drácula. ¿Cómo se gestó este proyecto?

Una productora especializada en películas más o menos de consumo quería hacer terrores de serie B. Emilio Martínez Lázaro y yo fuimos contratados para algunos, pero ahora creo que solo se rodó ese, al menos de los varios que escribimos juntos. Uno de ellos, claramente recuerdo que se lo cargó entero la censura. Eran tiempos de cierta aparente apertura, pero solo para pequeñas cosas, y muchos proyectos cayeron en la trampa…

¿De qué trataba ese guion que la censura os echó para atrás?

No recuerdo mucho de aquel guion, salvo que a mí, al menos, me gustaba incluso más que otros vendidos a Profilmes. Pero sí puedo decirte que se llamaba Donde florecen las rosas, que era estilo comedia negra a lo británico, y que a la censura no le gustó nada que dulces abuelitas e incluso niños fueran perversos.

Volviendo a La saga de los Drácula, para firmar la autoría de su guion, Emilio Martínez Lázaro y tú optasteis por el sobrenombre de Lazarus Kaplan. ¿A qué se debió la utilización de un seudónimo y por qué elegisteis precisamente este?

Lo del seudónimo quizá fue porque de alguna manera mirábamos con cierta arrogancia ese tipo de cine –me refiero a la producción, no al género–. Y el nombre venía de Lázaro, apellido de Emilio, y Kaplan, personaje –inexistente–de Hitchcock en Con la muerte en los talones. Otra vez Hitchcock, como advierto ahora.

Junto a su naturaleza de película terrorífica, La saga de los Drácula efectúa también una clara disquisición en torno a la familia, elemento este, el de la presencia de un subtexto, que en menor o mayor medida se da en todas tus películas del género. ¿A qué obedece?

¿En mi caso o en el género? Supongo que el género alberga, disimula, arropa, varios temas sustanciales: ideológicos, vitales, y la familia es un núcleo esencial, al que se solía tratar con mucho respeto y reverencia. Ganas de transgredir, supongo.

La existencia de La saga de los Drácula se encuadra dentro del coetáneo fenómeno del fantaterror español, también conocido como “terror de pipas”, bien sea por su director, León Klimovsky, o por la productora de la película, la especializada Profilmes. ¿Qué opinión te merece aquel movimiento?

Me proporcionó trabajo. Y lo agradezco. Ya he llamado “arrogante” a nuestra posible mirada de superioridad respecto a él. Hoy, sin embargo, en estudios, tesis doctorales y ensayos de especialistas, ese “subgénero” ha sido considerado como más importante de lo que nunca pudieron soñar sus responsables[1].

Y dada tu atracción por la temática, ¿cómo fue que no trabajaste más durante esta eclosión del género terrorífico dentro de nuestra cinematografía?

Me dediqué mucho más a la televisión que al cine. Y seguramente fantaseaba con hacer otras cosas más supuestamente “serias”. O personales, como algún guion que hice con Armiñán, por ejemplo.

Ya dije que no quería encasillarme, y aquí estoy, a estas alturas, hablando de fantasía y terror. Y escribiendo relatos de ese género, por otra parte.

En cualquier caso, tras estos trabajos no volviste a trabajar dentro del género con destino a la gran pantalla. ¿Por qué?

Por lo dicho antes, o porque no me llamaron para ningún proyecto interesante, o porque yo andaba en otras cosas… No lo sé.

Sí que lo hiciste en cambio para el medio catódico, donde, por ejemplo, interviniste en el guion de Blancaflor, la hija del diablo, entrega dirigida por Jesús García Dueñas para la serie internacional coproducida por TVE Cuentos mágicos. ¿Por qué escogisteis precisamente este cuento popular?

Hice muchas otras cosas en la televisión: Series como Ficciones, la Hora Once, adaptaciones literarias para Novela o Estudio Uno. Y mucha radio.

No hemos citado una serie original televisiva que se llamó Doce cuentos y una pesadilla, y en la que volqué, seguramente, muchas ideas fantásticas que no había usado en el cine.

La serie en donde se enmarca Blancaflor era de cuentos populares europeos. Elegí eso, o me lo eligieron, porque nos gustó. Y seguramente porque las historias con el diablo siempre me parecieron atractivas.

Es curioso remarcar que, libres ya de gran parte de la censura en España, nos topamos con la censura comunista, y fueron los checos –coproductores– quienes nos obligaron a modificar cosas de Blancaflor, por motivos ideológicos.

La mencionada serie Ficciones solía tender bastante a adaptar cuentos clásicos de terror, como haría después El quinto jinete. Para ella escribiste, al menos, una adaptación del “William Wilson” de Poe. ¿Qué nos puedes contar de tu participación en esta serie?

Adapté muchos más relatos. “William Wilson” preferiría no recordarlo: el realizador cambió tan radicalmente la historia (no solo la mía, la del propio Poe) que el resultado fue un disparate.

Volviste a Poe con un episodio entre biográfico y ficticio con “Poe o la atracción del abismo”, para el programa Los libros. Es indudable que tienes una gran atracción por el escritor…

Sin duda, y en este caso estoy muy satisfecho de aquella producción, una de las primeras cosas que dirigió Emilio Martínez Lázaro, precisamente.

Por aquellas fechas TVE parecía algo propensa al género fantástico en este tipo de programas. Por tu experiencia, ¿cómo encaraba nuestra televisión ese género, por aquel entonces tan denostado?

El género que provenía de fuentes clásicas literarias no era tan denostado. Y se cultivaba mucho, porque ayudaba a disimular muchas cosas que no hubieran sorteado la censura en otros estilos y en diferentes campos.

Y echando la vista atrás, ¿qué valoración haces de esta etapa de tu carrera?

Prefiero no hacer ninguna valoración de ninguna etapa de mi carrera. Pero casi todo lo que me has hecho recordar me ha despertado cariño. No debería valorarla mal, supongo.

José Luis Salvador Estébenez

[1] Precisamente hace pocos días, el 7 de septiembre, se presentó en la Universidad Rey Juan Carlos de Madrid la tesis El vampiro en el cine español, obra de Andrés Peláez Paz, y que logró la máxima calificación. En ella, la presente película se analiza a fondo. (Nota del Editor).

Fotografía cabecera: Jesús de la Vega

Published in: on octubre 20, 2017 at 5:28 am  Comments (1)  

El Festival Isla Calavera proyectará “Depredador” en su treinta aniversario

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El Festival de Cine Fantástico de Canarias – Isla Calavera proyectará el clásico de ciencia ficción y acción Depredador, con motivo de su treinta aniversario. El 12 de junio de 1987 llegaba a las salas estadounidenses el film de John McTiernan protagonizado por Arnold Schwarzenegger, sobre un grupo de mercenarios de élite que durante una misión de rescate en la selva centroamericana se ve acechado por un cazador de naturaleza extraterrestre. La película logró una nominación al Oscar a los Mejores Efectos Especiales por el extraordinario trabajo del equipo liderado por Stan Winston.

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Producida por Joel Silver, Lawrence Gordon y John Davis con un presupuesto de quince millones de dólares, Depredador superó los noventa y ocho millones de recaudación. Su éxito dio origen a una franquicia cinematográfica compuesta por Depredador 2 (1990), Alien vs. Depredador (2004), Alien vs. Depredador 2 (2007) y Predators (2010), alcanzando otros formatos como los cómics, las novelas o los videojuegos. En la actualidad se prepara una nueva entrega de la franquicia, The Predator, con dirección a cargo de Shane Black (Iron Man 3), que llegará a las salas comerciales el 3 de agosto del próximo año.

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Depredador se proyectará el sábado 18 de noviembre, a partir de las 23.00 horas, en la sede del festival, los Multicines Tenerife (C. C. Alcampo, La Laguna), y al término de la película se ofrecerá un coloquio sobre el film. La proyección (en formato de máxima calidad digital DCP) será en versión original con subtítulos en castellano.

Cabe recordar que el Festival de Cine Fantástico de Canarias – Isla Calavera, celebrará su primera edición entre el 15 y el 19 de noviembre de 2017 con el patrocinio de la Universidad de La Laguna, el Cabildo Insular de Tenerife y la Fundación Cine+cómics. La inauguración del Festival contará con la première en Canarias del reconocido thriller psicológico El ataúd de cristal (2016), de Haritz Zubillaga, con la presencia de su protagonista, la actriz tinerfeña Paola Bontempi. Otros destacados invitados con los que contará el certamen son el legendario actor estadounidense Jack Taylor  (La novena puerta, Conan, el bárbaro, Los fantasmas de Goya), el maestro de los efectos especiales Colin Arthur (La historia interminable, 2001: Una odisea en el espacio, El resplandor) y el cineasta madrileño Víctor Matellano (Wax, Parada en el infierno), entre otros.

Más información: http://www.festivalislacalavera.com/

Published in: on octubre 19, 2017 at 5:55 am  Dejar un comentario  

Ya a la venta el libro “Cinezoico. El dinosaurio a través de la historia del cine”

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Desde hace unos días ya se encuentra disponible en librerías especializadas y grandes superficies Cinezoico. El dinosaurio a través de la historia del cine, el segundo libro de Octavio López Sanjuán, publicado por Ediciones Rosetta. Tras publicar hace un par de años ¿A quién vas a llamar? De Tracy el gorila a Peter Venkman, la historia de los cazafantasmas, el autor alicantino fija ahora su mirada en el modo en el que los dinosaurios han sido mostrados a lo largo de la historia del cine.

Con esta premisa, Octavio López repasa las películas de dinosaurios más representativas, desde la misma prehistoria del séptimo arte hasta el monstruosamente realista cine contemporáneo, mostrando cómo los cineastas han sido capaces de llevar a la vida a estas criaturas legendarias a lo largo de más de un siglo. No sólo eso, pues también descubre qué especies del Mesozoico han poblado cada filme en detalle, y cuánta fidelidad con la realidad fueron capaces de representar en pantalla los técnicos de efectos visuales. Supervisado por el prestigioso paleontólogo José Luís Sanz, quien también firma el prólogo, Cinezoico. El dinosaurio a través de la historia del cine ofrece, en definitiva, un recorrido por la vida del cine de dinosaurios que deviene en un educativo e iluminador escaparate de la resurrección en celuloide de estos fascinantes animales desaparecidos.

Más información y venta: http://www.edicionesrosetta.es/tienda/editorial/cinezoico-el-dinosaurio-a-traves-de-la-historia-del-cine/

 

Published in: on octubre 18, 2017 at 5:58 am  Dejar un comentario