Primeras imágenes de “Respira”, la nueva película del cineasta argentino Gabriel Grieco

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Hace unos días se daban a conocer las primeras imágenes y el póster oficial de Respira, la nueva película del director argentino Gabriel Grieco, tras Naturaleza muerta (2015) e Hipersomnia (2017). El film fue uno de los siete títulos seleccionados para participar en la sección “Upcoming Fantastic Movies” en el Marché du Film (Festival de cine CANNES) de este año. Además, el primer corte de la película fue proyectado el pasado 11 de diciembre en el marco de Ventana Sur, el mercado de cine más importante de Latinoamérica.

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Sinopsis: Leonardo consigue trabajo como piloto fumigador en las plantaciones de soja, por lo que se muda al campo junto a su familia. Cuando comienza a trabajar, descubrirá un oscuro secreto, relacionado con los agrotóxicos, que pondrá a él y a sus seres queridos en peligro.

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Basada en un guion de Lautaro Vilo y el propio Grieco, Respira está protagonizada por Sofía Gala, Lautaro Delgado Tymruk, Leticia Brédice y Gerardo Romano, y cuenta con la participación como productores asociados de los hermanos Nicolás y Luciano Onetti, responsables de Sonno profondo (2013), Francesca (2015), Los olvidados (2017) y la reciente Abrakadabra (2018).

Published in: on enero 7, 2019 at 9:37 am  Dejar un comentario  

Joko invoca Dio… e muori [dvd: Joko, invoca a Dios… y muere]

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Título original: Joko invoca Dio… e muori

Año: 1968 (Italia)

Director: Antonio Margheriti [acreeditado como Anthony Dawson]

Productores: Alfredo Leone, Renato Savino

Guionista: Antonio Margheriti sobre una historia de Renato Savino

Fotografía: Riccardo Pallottini

Música: Carlo Savina

Intérpretes: Richard Harrison (Joko Barrett), Claudio Camaso (Mendoza), Werner Pochath (Ricky), Paolo Gozlino (Lester, detective de la Pinkerton), Lucio De Santis (Laredo), Mariangela Giordano (Rosita), Goffredo Unger (Yuma), Spela Rozin (Jane), Aldo De Carellis (Milton Becker), Giovanni Ivan Scratuglia (Manolo, esbirro de Laredo), Luciano Bonanni (Camarero Jimmy), Alberto Dell’Acqua   (Richie), Luciano Pigozzi [acreeditado como Alan Collins] (Domingo), Calogero Caruana, Angelo Casadei, Augusto Funari, Giglio Gigli, Franco Moruzzi (Clientes del Saloon), Alexander Allerson, Guido Lollobrigida, Carlo Landa (Jugador de póker), Marco Morelli (Fitz), Piero Morgia, Claudio Ruffini, Aysanoa Runachagua (Secuaces de Ricky), Fulvio Pellegrino (Alfred, encargado de la tienda), Lucio Zarini, Renzo Pevarello (secuaces de Laredo), Riccardo Pizzuti (Paco, secuaz de Mendoza), Sergio Ukmar (secuaz de Yuma), Rinaldo Zamperla (secuaz de Mendoza)…

Sinopsis: Joko es un pistolero mestizo que sigue el rastro de los cincos hombres que asesinaron a los dos compinches con los que asaltó una caja fuerte para robarles el botín. Uno a uno va localizando y eliminando a los responsables de la muerte de sus compañeras, hasta que la última pista le lleva al encuentro de quien menos espera…

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Un año después de tomar su bautismo de fuego en el género con Dinamita Joe/Joe l’implacabile (1967)[1], Antonio Margheriti retornaba a las coordenadas del spaghetti-western con Joko invoca Dio… e muori [dvd: Joko, invoca a Dios… y muere, 1968], una propuesta radicalmente distinta de la que había protagonizado su primera visita. Mientras que en aquella abogaba por la adopción de un tono ligero, tamizado por la influencia ejercida en sus componentes por el spionistico y la coetánea serie televisiva Jim West (The Wild Wild West, 1965-1969), su regreso se saldaría con un exponente mucho más acorde a las características formales y estilísticas acuñadas por el subgénero. Pero, a pesar de sus muy diferentes enfoques, una y otra comparten su intención de eludir el mimetismo que caracterizara a la mayoría de las cintas surgidas al rebufo de los fundacionales títulos de Sergio Leone que otorgaron carta de naturaleza a la corriente.

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Curiosamente, esta pretensión es explicitada por ambos films de forma tácita a través de sus roles protagonistas en determinados momentos. Si Dinamita Jim lo hace en su secuencia de apertura, con la presentación del personaje que le da título vistiendo un poncho idéntico al lucido por Clint Eastwood en la “Trilogía del dólar”, del que se despoja una vez elimina a un grupo de forajidos con un cartucho de dinamita en lugar de con el revólver, escenificando así que no se trata de un simple remedo del “hombre sin nombre”, en la película que nos ocupa semejante declaración de principios es realizada mediante la implícita subversión a la que son sometidos diferentes rasgos identificativos de este. Algo que es sintetizado durante la escena desarrollada en el saloon. Así, al verle deshacer un puro sobre un papelillo de fumar, el hombre que se encuentra al lado del hierático protagonista le pregunta: “¿No le gustan los puros?”, a lo que este responde de forma taxativa: “No me gustan”, en directa alusión a la costumbre del protagonista de Por un puñado de dólares/Per un pugno di dollari (1964) de llevar constantemente uno de estos cigarros pegado a la comisura del labio. Acto seguido, el mismo personaje vuelve a inquirirle con indudable intención: “¿Cuál dijiste que era tu nombre?”, recibiendo una respuesta igual de seca que la previa: “No lo dije”. Gracias a la curiosidad propia de quien dice ser periodista, el hombre acaba por descubrir en el cinturón de su contertulio las iniciales J. B., correspondientes a Joko Barrett, un nombre que produce sorpresa en todos aquellos que lo escuchan, aunque, en realidad, nunca se sepa el porqué; es decir, aunque al contrario que el “hombre sin nombre” el protagonista posea un patronímico conocido, a la hora de la verdad la diferencia es nula, parece querer decírsenos.

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Hay que reconocer que, en este caso, todos estos esfuerzos encaminados a distanciarse de los films de Leone se antojan de lo más consecuentes, habida cuenta del perfil derivativo que sobre la mesa posee la propuesta. Una circunstancia que se hace patente desde la propia identidad de los actores escogidos para interpretar los papeles principales. No en vano, el encargado de dar vida a Joko, un encuerado mestizo que viste con una especie de capa étnica en sustitución del poncho del “hombre sin nombre”, es el estadounidense Richard Harrison, actor que en un principio había sido barajado por Leone para protagonizar Por un puñado de dólares y que, a decir de algunas voces, fue quien recomendó a este la contratación de Eastwood; mientras que el rol antagonista es encarnado por Claudio Camaso, hermano en la vida real de Gian Maria Volontè, intérprete a su vez de los respectivos villanos de Por un puñado de dólares y La muerte tenía un precio/Per qualche dollaro in più (1965).

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Este cariz imitativo se manifiesta también en los ingredientes argumentales, comenzando por una trama centrada en la enésima historia de venganza tan cara al estilo, a tal punto que el título con el que se distribuyó la película en los Estados Unidos fue, precisamente, el de Revenge. Dicha vendetta sigue el arquetípico esquema narrativo consistente en la progresiva localización y eliminación por parte del protagonista de los asesinos que acabaron con la vida de algunos seres próximos, en esta oportunidad dos compinches, idéntico al visto en otros films de la temática como De hombre a hombre (Da uomo a uomo, 1967) o Garringo (1969). Como puede verse, nada que se salga de los cauces habituados, como no sea por la inclusión de un componente romántico tan raro de encontrar en esta clase de productos, a través de la relación que se establece entre Joko y Jane, un personaje que en cierto sentido recuerda a la Maria de Django (Django, 1966), película a la que también remiten los motivos funerarios y tenebristas que recorren la cinta. Quizás por ello, en algunos países como Francia Joko invoca Dio… e muori se estrenó como si de una secuela apócrifa del film de Sergio Corbucci se tratara, bajo el título de Avec Django, la mort est là.

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Sin embargo, si tan rutinario planteamiento, desarrollado de forma episódica por medio de diferentes set pieces correspondientes a la caza de cada uno de los asesinos sin pararse a profundizar nada más, consigue escapar de la previsibilidad a la que parece condenado, lo es gracias al tratamiento del que es objeto. Tal vez consciente de lo convencional del material que tiene entre manos, Margheriti opta por relegar a un segundo plano los dispositivos dramáticos y argumentales dispuestos y concentrar su trabajo en la puesta en escena, elevando con ello el conjunto muy por encima de lo que sus ingredientes originarios pudieran ofrecer en un principio. Lo hace, en primera instancia, mediante un depurado sentido estético de la violencia, formulado desde su propio arranque, con ese plano cenital en el que cinco jinetes rodean en círculo sobre un suelo embarrado a un hombre al que cada uno de ellos tiene atado de una parte del cuerpo, y que es retomado en diversos momentos del metraje. Por ejemplo, en el insólito plano visualizado desde la vista subjetiva del atacante, como si fuera un giallo, en el que el protagonista degüella a su oponente con las espuelas de las botas tras saltar sobre él apoyándose en una viga. O el momento en el que Joko es atado por sus enemigos sobre una piedra bajo el sol, sujetándole los párpados con dos palillos con la intención de cegarle, en una estampa de una concepción similar a la de la icónica imagen protagonizada por Cristina Marsillach en Terror en la ópera (Opera, 1987), cambiando las astillas por agujas.

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Lejos de ser casuales, todas estas afinidades con el cine de terror se revelan en sintonía con las reminiscencias que la cinta mantiene con dicho género en no pocos instantes. Nada raro, por otra parte, viniendo de un cineasta cuyos mayores logros se inscriben dentro de estas coordenadas, y que en su siguiente incursión en el eurowestern llevaría a cabo una jugada similar, aunque aún más extrema, con la magnífica Y Dios dijo a Caín (… E Dio disse a Caino, 1969), un film de horror gótico en toda regla camuflado bajo los ropajes del western, del que Joko invoca Dio… e muori resulta un borrador en bruto. Son dos las secuencias en las que estas similitudes se muestran de forma más clara. En ambas, Margheriti aplica sus conocimientos de los resortes del género terrorífico, desplegando su dominio del espacio escénico por medio de una cámara escudriñadora y su mano para la creación de atmósferas, bien apoyado en este sentido por el extraordinario manejo de la luz que realiza su operador habitual Riccardo Pallottini.

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La primera de estas escenas es la del asedio nocturno a la oficina del sheriff, en la que destaca el juego que se establece con la oscuridad ambiental, y cuyas equiparaciones con el gótico alcanzan, incluso, a la presencia de telarañas en el abandonado establecimiento policial donde se refugia el protagonista. Todo un adelanto de lo que sucederá en el clímax, desarrollado en los túneles de una mina de azufre, en una situación recurrente en la obra de su responsable, como es la del (anti)héroe adentrándose en la solitaria guarida de su antagonista para enfrentarse con él, y que comprende ideas tan geniales como el uso que hace el villano del eco de la cueva para confundir a su oponente. Un personaje este llamado Mendoza que, dicho sea de paso, por características y tipología parece sacado de una película de terror, bien sea por su siniestra presencia, caracterizada por su aspecto macilento y su vestimenta compuesta por un raído sombrero de copa, bastón y levita, y potenciada por la alucinada composición que realiza un histriónico Camaso, como por su propia conducta. De este modo, durante gran parte del metraje es dado por muerto, descubriéndose en el último tramo que ha permanecido oculto enclaustrado en los túneles de la mina. Resulta bastante significativa a este respecto la ambigüedad del comentario que le hace a su amante, una vez es revelada su pervivencia; “Estamos muertos… oficialmente muertos”. Aunque quizás resulte más indicativo el detalle ya referido de que su guarida se encuentre en una mina de azufre, dada la tradicional asociación entre este elemento químico y el infierno. Se trata, en definitiva, de una suerte de diablo, sobre cuyo cuerpo inerte se cierra la película, con un plano fijo de la horripilante mueca que dibuja su rostro, en la que significativamente permanece con un ojo cerrado y otro abierto, como si estuviera ni vivo ni muerto.

José Luis Salvador Estébenez

[1] No confundir con otros dos films del género coetáneos, de similares títulos: Dinamita Jim (1966) de Alfonso Balcázar, con el que comparte además un similar argumento, y Joe, el implacable/Navajo Joe (1966), protagonizado por un jovencísimo Burt Reynolds.

Published in: on enero 4, 2019 at 6:59 am  Dejar un comentario  

Suspiria (2018)

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Título original: Suspiria

Año: 2018 (Italia, Estados Unidos)

Director: Luca Guadagnino

Productores: Bradley J. Fischer, Luca Guadagnino, David Kajganich, Francesco Melzi d’Eril, Marco Morabito, Gabriele Moratti, William Sherak, Silvia Venturini Fendi

Guionista: David Kajganich, según los caracteres creados por Dario Argento, Daria Nicolodi

Fotografía: Sayombhu Mukdeeprom

Música: Thom Yorke

Intérpretes: Dakota Johnson (Susie Bannion), Tilda Swinton (Madame Blanc / Dr. Josef Klemperer / Helena Markos), Doris Hick (Frau Sesame), Malgorzata Bela (madre de Susie), Chloë Grace Moretz (Patricia), Angela Winkler (Miss Tanner), Vanda Capriolo (Alberta), Alek Wek (Miss Millius), Jessica Batut (Miss Mandel), Elena Fokina (Olga), Mia Goth (Sara), Clémentine Houdart (Miss Boutaher), Ingrid Caven (Miss Vendegast), Sylvie Testud (Miss Griffith), Fabrizia Sacchi (Pavla), Brigitte Cuvelier (Miss Kaplitt), Renée Soutendijk (Miss Huller), Christine Leboutte (Miss Balfour), Vincenza Modica (Miss Marks), Marjolaine Uscotti (Miss Daniels), Charo Calvo (Miss Killen), Sharon Campbell (Miss Martincin), Elfriede Hock (Miss Mauceri), Iaia Ferri (Judith), Gala Moody (Caroline), Sara Sguotti (Doll), Olivia Ancona (Marketa), Anne-Lise Brevers (Sonia), Halla Thordardottir (Mascia), Stephanie maman (Siobhan), Majon Van der Schot (Janine), Maria Bregianni (Sadie), Josepha Madoki (Liza Jane), Navala ‘Niko’ Chaudhari (Marianne), Karina El Amrani (Hermione), Mikael Olsson (agente Glockner), Fred Kelemen (agente Albrecht), Greta Bohacek (Susie joven), Jessica Harper (Anke), Joel-Dennis Bienstock (sacerdote menonita)…

Sinopsis: Finales de los setenta. Una joven estadounidense llamada Susie Bannion viaja a Berlín para cursar estudios de danza en una de las escuelas más prestigiosas del mundo, dirigida por Madame Blanc. El mismo día de su llegada, una de las alumnas recientemente expulsada, Pat, es asesinada. No se trata de un hecho aislado, lo que hace sospechar a Susie sobre la implicación de la escuela en los homicidios. Su desconfianza aumenta cuando una compañera le cuenta que antes de que muriera Pat le confesó que conocía un terrorífico secreto.

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En Rojo oscuro (Profondo rosso, 1975), Dario Argento empezó a mostrar señales inequívocas de trascender el universo que había desarrollado hasta ese momento. Iniciaba así una serie de obras donde la búsqueda por alejarse de los ajustados clichés del giallo llevaron a su filmografía a una etapa inédita e irrepetible guiada por la abstracción narrativa y el concepto de lo fantástico como motor de la propia puesta en escena. El punto de ruptura fue Suspiria (Suspiria, 1977), inicio de una improvisada trilogía alargada en el tiempo treinta años regida por la brujería, la alquimia, el esoterismo, el ocultismo y la dimensión secreta del mundo de las artes. En su génesis el guión tuvo en cuenta su vinculación con los cuentos de hadas, la obra de Thomas de Quincey e incluso una revisión de la novela gótica. La ficción se enmarcaba en una siniestra mansión de lúgubre belleza que sustituía a los habituales castillos, palacetes, residencias rurales o monasterios. Además, una atmósfera enigmática basada en un misterio insondable de procedencia sobrenatural hechizaba el escenario planteado. La trama hilvanada recreaba una serie de brutales crímenes carentes de una aparente explicación. Sólo en su tramo final la película desvelaba algunos secretos si bien habría que esperar al prólogo de Inferno (Inferno, 1980) para encontrar una referencia directa al misterio de las tres madres.

Precisamente cuando el cineasta italiano estaba concluyendo su trilogía comenzaron los rumores de una nueva versión del film seminal que han tardado una década en hacerse realidad. Ha sido finalmente el realizador trasalpino Luca Guadagnino (encumbrado recientemente por  crítica y festivales gracias a sus dos últimas obras) quien ha llevado a buen puerto el remake de la mítica película de Argento. Una nueva versión que ha generado gran polémica por alejarse completamente de la obra original para aportar sobre la misma idea un acercamiento completamente distinto. Este aspecto es el más positivo del film al no realizar una mera e imposible replica de una obra ya de por si bastante inimitable. Queda muy claro desde el principio que los intereses de Guadagnino son completamente distintos a los de Argento. Al director de Call me by your name (Call Me by Your Name, 2017) se le nota demasiado que no quiere mancharse haciendo una película de terror. Elude la iconografía básica del género y cuando debe recurrir a ella lo hace con bastante torpeza.

Su preocupación está en otro campo distinto siempre determinado por los contextos que pretende resaltar. Por un lado el histórico-social en el que se desarrolla la película, un Berlín dividido por la guerra fría de 1977 oscuro y amenazante azotado por las repercusiones de la violencia generada por el terrorismo de la Facción del Ejercito Rojo en pleno “Otoño Alemán”. Por otro lado no elude un discurso muy actual, con la reivindicación de lo femenino llevado hasta las últimas consecuencias y donde la danza cobra un sentido muy especial. A Argento la realidad y la coherencia siempre le ha importado muy poco. Su filmografía está repleta de sus caprichosas obsesiones y sus habituales fugas narrativas donde podía dar rienda suelta a su naturaleza menos convencional. Guadagnino y su guionista, Dave Kajganich, eligen un terreno bien distinto, cimentando un guión aparentemente muy estructurado y consistente pero abundante en  líneas narrativas más decorativas que efectivas y que solo sirven para dar una aparente sensación de profundidad finalmente ausente en el resultado final. En este aspecto, se aportan matices inéditos a sus personajes (la ingenuidad es sustituida por decisión y destreza), un contexto político-social muy elaborado y un sentido ritual de la danza completamente ausente en el original. Sus dos mejores secuencias asocian el mundo de las artes con el mundo de la muerte mostrando una vía que desafortunadamente no sigue la película en su esencia.

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La nueva Suspiria juega a ser una película muy sofisticada con una estructura muy cerebral donde no faltan guiños culturales elitistas para asentar su concepto. Divide su narración en seis capítulos con títulos rimbombantes y un epílogo donde cambia finalmente el auténtico sentido del horror que Argento otorgó a sus maléficas criaturas. Sorprendentemente, el film naufraga donde no debería, en su manifestación del auténtico terror y del profundo misterio todo ello debido a carecer de una verdadera perversidad en los acontecimientos desarrollados. Y no faltan aspectos positivos: brillan sus principales protagonistas, las escenas de impacto, su oscura textura visual y una lograda banda sonora que acompaña muy bien la atmósfera desarrollada. Sin embargo, como bien han comentado otros cronistas, Guadagnino se pasa de frenada y acaba embriagado por su propia conciencia autoral. Lo muestra todo, lo explica todo, lo identifica todo y lo curioso es que acaba resultando confuso y contradictorio. Por ello, si bien no me ha disgustado esta interesante reinterpretación de Suspiria, el motivo fundamental ha sido por las dudas que me genera como espectador y por el contradictorio diálogo que establece con el film original al que deliberadamente traiciona para dar a luz a la “cuarta madre”.

Fernando Rodríguez Tapia

 

Published in: on enero 2, 2019 at 6:53 am  Dejar un comentario  
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Entrevista a Davide Melini

Davide Melini

Con el 2018 casi finalizado, toca repasar uno de esos cortometrajes multipremiados con más de cien galardones obtenidos en certámenes de todo el mundo, incluyendo España, Italia, Reino Unido, Estados Unidos, India o Francia. Bajo el título de Lion (2017), el corto, de excelente factura, supone un extraño cruce entre el cine denuncia y el fantastique que versa sobre un niño maltratado por su padre y el sufrimiento vivido en el hogar. Una tortura que llega a su fin de la manera más inesperada… 

Así pues, hemos contactado con su realizador, Davide Melini, un cineasta con proyección que ya está preparando lo que será su primer largometraje y que muy amablemente aceptó contestar a nuestro cuestionario.    

Primero, hablemos un poco de sus inicios. Nació en Roma a finales de los años setenta, pero ¿en qué momento se inicia su pasión por la industria del cine?

Siempre he tenido esa pasión. Mi tío trabaja en el cine desde hace cuarenta años y a través de él he descubierto este increíble mundo desde pequeño. Recuerdo que muchas veces iba a visitarlo mientras estaba trabajando. ¡Es algo que siempre me ha fascinado!

¿Ha realizado estudios cinematográficos?

Mi verdadera escuela ha sido la pantalla. Horas y horas viendo películas de todos los géneros. Mientras estoy viendo una película la analizo desde todos los puntos de vista. ¡Esa es la mejor forma de aprender! Después, cada director tiene que ser capaz de desarrollar su propio estilo.

Y como espectador, ¿qué géneros son los que más le gustan? ¿Tiene algunos directores de cabecera?

He visto y amo todo el cine en general: desde el blanco y negro al color, desde las películas mudas a las sonoras… Si una película está bien realizada y es capaz de hacerme llegar su mensaje, me da igual que su género sea thriller, terror, fantástico, western, histórico, dramático o comedia. Me gusta tanto el cine del Gordo y el Flaco o el de Charlie Chaplin como el más actual. Respecto a la segunda cuestión, cuando pienso en quién me ha influenciado más, me vienen a la mente muchísimos nombres (¡una lista realmente infinita!). Al respecto me gusta decir que estoy influenciado por todos y por ninguno.

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En la década del 2000 arranca su trayectoria profesional. Ha trabajado, por ejemplo, en los equipos de ayudantía de dirección de importantes series como Roma (2005-2007) o Penny Dreadful (2014-2016). ¿Fue un buen aprendizaje?  

Sin duda. Son grandes producciones con grandes presupuestos y eso hace posible que una persona pueda trabajar en decorados increíbles y con actores importantes. Roma tenía un equipo técnico y artístico de primer nivel, con recursos y materiales técnicos de primera calidad. Los vestuarios y los efectos especiales de maquillaje eran increíbles, pero lo más impresionante eran los decorados, perfectamente reconstruidos en el interior de los famosos estudios de Cinecittá. A un lado estaba el set de Gangs of New York (Gangs of New York, 2002) y al otro el de Roma… Es difícil explicar lo que se siente a alguien que no lo ha visto con sus propios ojos…

En Penny Dreadful tuve la suerte de poder trabajar junto a estrellas como Timothy Dalton, Josh Hartnett, Wes Studi y Sarah Greene. Estuvimos grabando en el desierto de Almería y en el interior de Fort Bravo, en Tabernas, que es el mayor estudio de cine western de Europa. Fue un verdadero orgullo para mí, porque muchos spaghetti-westerns se rodaron ahí; obras maestras como Por un puñado de dólares/Per un pugno di dollari (1964), La muerte tenía un precio/Per qualche dollaro in più (1965), El bueno, el feo y el malo/ Il buono, il brutto, il cattivo (1966), Hasta que llegó su hora (C’era una volta il West, 1968), Le llamaban Trinidad (Lo chiamavano Trinità…, 1970), Le seguían llamando Trinidad (Continuavano a chiamarlo Trinità, 1971)… La emoción de pisar ese desierto, sabiendo que por allí habían pasado Clint Eastwood, Charles Bronson, Claudia Cardinale, Henry Fonda, Brigitte Bardot, Harrison Ford, Sean Connery, Yul Brunner, Bud Spencer, Terence Hill, Gregory Peck, Steve McQueen y Faye Dunaway, entre otros, es algo indescriptible.

Otro proyecto en el que pudo ejercer como asistente de dirección fue La terza madre [dvd: La madre del mal, 2007], de Dario Argento. ¿Cómo fue la experiencia?

Cuando se habla de Dario Argento es inmediato pensar en la trilogía de los animales –El pájaro de la plumas de cristal (L’uccello dalle piume di cristallo, 1970), El gato de las nueve colas (Il gatto a nove code, 1970) y Cuatro moscas sobre terciopelo gris (4 mosche di velluto grigio, 1971)-, en Rojo oscuro (Profondo Rosso, 1975), Suspiria (Suspiria, 1977) e Inferno (Inferno, 1980), en Phenomena (Phenomena, 1985) … Películas que han aterrorizado al mundo y han ejercido una importante influencia en otros grandes directores, como John Carpenter, Quentin Tarantino, Brian De Palma, William Friedkin… Ver trabajar a Dario Argento detrás de la cámara es algo absolutamente increíble. Y no bromeo si te digo que cada día es como si fuera una verdadera lección de cine. Ha sido otro sueño que he podido hacer realidad: ¡trabajar con el “Maestro” del terror italiano!

En 2006 filma Amore estremo, su primer cortometraje como guionista y director, al que sigue La sceneggiatura, estrenado el mismo año. Con ellos ya quedan claras sus preferencias por el cine de terror y misterio. ¿Quedó satisfecho con los resultados?

Pienso que en la vida de una persona todo es relevante y nada debe ser obviado: ni las experiencias más positivas ni las más negativas. Amore estremo era un thriller muy oscuro y violento, que se basaba en un amor secreto e imposible entre dos jóvenes (Michela Bruni y Leonardo Pace). La idea principal era descubrir los límites del amor. A pesar de que el guion era bueno, la película deja mucho que desear. Fue la primera vez que estaba detrás de la cámara y el resultado fue un cortometraje amateur. Sin embargo, Amore estremo fue sin duda un paso necesario en el desarrollo de mi carrera, porque experimenté por mí mismo lo difícil que es pasar del guion a la realización. En el mismo año lo intenté de nuevo rodando La sceneggiatura, un cortometraje de terror puro, donde un joven y galardonado guionista (Matteo Pianezzi) comienza a escribir una película de terror, a pesar de la reticencia de su novia (Claudia Nicosia). Pronto se dará cuenta de que, a veces, mezclar la realidad con la imaginación puede ser muy peligroso. Con esta película empecé a ver las cosas de una manera diferente y, aunque no es perfecta, la considero como el primer cortometraje profesional que he hecho. Con La sceneggiatura empecé a participar en festivales y gané mi primer premio.

 

Después vinieron otros cortometrajes como The Puzzle (2008) o The Sweet Hand of the White Rose (2010)…

Son dos cortos muy diferentes. The Puzzle es un thriller puro: después de discutir con su hijo (Alessandro Fornari), una mujer (Cachito Noguera) decide relajarse con su pasatiempo favorito: haciendo un puzle. Pero, a veces, los puzzles esconden misterios oscuros y tremendos… A pesar de la gran cantidad de trabajo que tenía, el conocido productor malagueño Ezekiel Montes pudo reservarme un día de rodaje, así que empecé a pensar en cómo involucrar al público, pero era una tarea muy difícil. ¿Qué podía hacer en tan poco tiempo? Sabía que sólo podía rodar un cortometraje de cuatro o cinco minutos, por lo que lo aposté todo al ritmo. ¡Era lo único que me interesaba! Pensé que si yo no podía contar mucho con la historia, el corto tendría que depender totalmente de la parte visual. Y eso es exactamente lo que hice. ¡Y tuve suerte! Creo que esa fue la clave de su éxito.

The Sweet Hand of the White Rose es un cortometraje puramente fantástico, un cuento oscuro, lleno de momentos dramáticos, aunque, en comparación con The Puzzle, es mucho más suave y menos claustrofóbico: para olvidarse de una acalorada discusión, un chico (Carlos Bahos) decide coger su coche y marcharse lo más lejos posible. Sin embargo, un pequeño error y el encuentro con una niña llamada “Rosa Blanca” (Natasha Machuca) cambiarán su vida para siempre… Debo admitir que con este corto cumplí otro de mis deseos: ¡rodar en un cementerio por la noche! La mayor parte del corto fue filmado en el Cementerio Monumental de San Sebastián, situado en Casabermeja, que es, sin duda, el cementerio más hermoso de Málaga.

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Llegamos así a Lion, un magnífico trabajo en el que mezcla drama social con género fantástico, una combinación que ha sabido manejar con acierto. Para aquellos que aún no lo hayan podido ver, ¿cómo lo definiría?

Es una verdadera denuncia contra la violencia infantil. Un cortometraje puramente dramático que está ambientado en un contexto fantástico.

¿Y cómo nació la idea? ¿Quiso hacer un alegato contra los malos tratos, pero desde su prisma personal? ¿O estaba buscando ideas para un cortometraje de género fantástico y de golpe pensó en tratar el cine dramático?

Después de mis dos últimos cortometrajes de género thriller/fantástico, sentí una fuerte necesidad de cambiar y de hacer algo que fuera capaz de tocar la psique del espectador y a la vez de dejar una marca muy profunda a nivel visual. Como dije anteriormente, cuando escribo un guion mi mente siempre debe estar clara y no tener restricciones. Siendo así, la historia casi se escribe sola. En el caso de Lion me impuse sólo una condición: aislar completamente a los personajes, ubicándolos en una localización alejada de la población. Quería crear un ambiente lo más claustrofóbico posible y por eso eliminé cualquier vía de escape: un chalet aislado, situado en el medio de un bosque cubierto de nieve. Al optar por esta opción, la atención del espectador se desplazará inexorablemente a la única luz presente, que es la de la casa. Sabiendo desde el principio que será imposible escapar, el chalet conseguirá aún más fuerza. Después, una vez que el espectador se vea arrinconado, sabiendo que no podrá huir, hago pasar por delante de sus ojos todo tipo de horrores…

El reparto cumple muy bien su cometido, pero tal vez quién destaque sea el niño Pedro Sánchez, que por cierto ha recibido numerosos premios por su interpretación. ¿Cómo le encontró? ¿Fue su primer trabajo como actor?

Aunque ya había participado en algunos anuncios publicitarios y había trabajado como modelo, lo cierto es que Lion fue su primer proyecto cinematográfico. El encuentro fue totalmente casual: un día vi que una señora presentaba a su hijo en un grupo de cine de Facebook y su rostro me ofreció exactamente lo que tenía en la mente, lo que estaba buscando. Totalmente convencido de que era el actor que quería para ese personaje, le pedí a mi director de casting, Carlos Bahos, que se pusiera en contacto con la madre y la invitara a traer a su hijo al casting que tenía previsto celebrar unos días más tarde. ¡Y así fue! Ya en la prueba que le hicimos frente a la cámara se veía que era un verdadero fenómeno. ¡Y todos los premios que ha ganado, desde Hollywood hasta Nueva York, pasando, entre otros lugares, por Miami, Chicago, Londres, Roma y Moscú, son más que merecidos!

En Lion también tienen mucha importancia los efectos especiales. ¿Fue muy complicado llegar hasta el resultado final?

Si hablamos de efectos especiales de maquillaje, no hubo absolutamente ninguna complicación, ya que tuvimos la suerte de contar con un equipo de primer nivel, formado por Sarah O’Brien (Penny Dreadful), Daniele Nastasi (Star Wars) y Niahmy Glynn (Thor: Ragnarok). Si, por el contrario, hablamos de los efectos visuales, ahí sí tengo que reconocer que fue muy difícil. Al principio teníamos dos técnicos encargados de toda la parte digital y, aunque hicieron un buen trabajo, tanto la producción como yo queríamos algo todavía mejor. Éramos conscientes de la importancia que los efectos visuales tienen en este tipo de películas y por eso decidimos de dar el trabajo a Luca Visual FX, un profesional italiano que vive en Londres. Con su equipo pudieron mejorar mucho toda la parte digital y… ¡hasta el día de hoy han ganado diecisiete premios!

En estos momentos está trabajando en Deep Shock, un nuevo cortometraje de terror. Visto el trailer, parece ser que quiere rendir tributo al giallo. ¿Qué nos puede contar de él?

Este cortometraje nació con la idea de celebrar el giallo italiano y, en particular, rendir un verdadero homenaje a los dos directores que han consagrado el género: Mario Bava y Dario Argento. No es casualidad que el título del corto sea una mezcla entre Deep Red (Rojo oscuro) de Argento y Shock de Bava. Dicho esto, sin embargo, hay que añadir que Deep Shock es una película absolutamente independiente y autónoma, que viaja sobre pistas precisas. Mi idea era recrear la magia y el suspense de algunas películas de los años 70, pero utilizando la tecnología actual. Deep Shock se estrenará en 2019 y será mi último cortometraje, antes de intentar dar el salto al largometraje.

¿Y qué nos puede adelantar de ese primer largometraje?

Aún no puedo decir nada. Hablar antes de tiempo no es bueno, jajajajaja. Prefiero ir paso a paso… y el próximo paso se llama Deep Shock. Cuando esté terminado del todo podré finalmente pensar de forma exclusiva en el largo.

Actualmente en España es común encontrar en los festivales cortos dirigidos por cineastas que ya han dirigido largometrajes, algo que hace unos años era bastante extraño. ¿Cómo está la industria del cortometraje en Italia? ¿Esto que comento ocurre también en su país?

La verdad es que no lo sé. En los últimos años he trabajado sólo con americanos, ingleses, irlandeses y españoles. No trabajo en Italia desde el año 2007 y actualmente no estoy dentro del mundo cinematográfico italiano.

Desde hace unos años, diversos cineastas se están acercando al giallo para ofrecer nuevas películas. Me refiero a títulos como Sonno Profondo (2013) y Francesca (2015), ambas de Luciano Onetti, Buenas noches, dijo la señorita pájaro (2012) de César del Álamo, Amer (2009) de Hélène Cattet y Bruno Forzani, o Last Caress (2010) de François Gaillard y Christophe Robin. ¿Le gusta en general esta especie de resurgimiento? ¿A qué cree que se debe?

Es un género casi desaparecido, ¡pero nunca olvidado! Tiene un público específico y siempre atrae, incluso a las nuevas generaciones. Aunque las grandes productoras ya no financian este tipo de películas, es un género muy querido que ha tenido una gran influencia en el cine de terror estadounidense. No me sorprende en absoluto que haya directores de todo el mundo que todavía hagan este tipo de películas.

Y de los títulos clásicos, ¿cuáles son sus gialli favoritos?

Hay tantos que si empiezo a nombrarlos todos esta entrevista no terminará nunca, jajajajajaja. Generalmente amo todas las películas de este tipo.

Javier Pueyo

Published in: on diciembre 31, 2018 at 6:53 am  Dejar un comentario  
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Robert Bronzi, el clon húngaro de Charles Bronson, asistirá a la octava edición de CutreCon

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Robert Bronzi, actor húngaro de películas de Serie B que se gana la vida imitando a Charles Bronson debido a su impresionante parecido físico con el mítico actor, asistirá a la octava edición de CutreCon, el Festival Internacional de Cine Cutre de Madrid, para participar el 23 de enero en el Palacio de la prensa en el “BronsonFest”, un divertido homenaje al protagonista de films como El justiciero de la ciudad o Hasta que llegó su hora.

Según afirman los responsables del festival, el “BronsonFest” será el “homenaje definitivo al gran Charles Bronson, el justiciero callejero por antonomasia”. Un evento donde los espectadores podrán revivir en pantalla grande y en un ambiente único de “jolgorio y cachondeo” la película El justiciero de la noche, nombre que recibió en España el film de 1985 Death Wish 3, la “mejor y más disparatada” entrega de la saga Death Wish.

En el “BronsonFest”, además de disfrutar de esta película los espectadores podrán conocer en persona a Robert Bronzi, la “reencarnación viviente” de Charles Bronson, tal y como le describe Carlos Palencia, director del festival. El intérprete húngaro hablará de su carrera y mostrará a la audiencia algunos avances de sus últimas películas, entre las que se encuentran Death Kiss -una falsa secuela de la saga Death Wish-, From Hell to the Wild West o Escape from Death Block 13.

Robert Bronzi

Llamado realmente Robert Kovacs, a lo largo de su intensa vida Robert Bronzi ha ejercido todo tipo de profesiones, como carpintero, entrenador de caballos, músico profesional y militar, hasta que finalmente se decidió por la interpretación, debido a su pasión por el cine clásico y las películas del Salvaje Oeste. Antes de llegar a Hollywood, trabajó como especialista en anuncios televisivos, cortometrajes y parques de ocio como “Port Aventura” o los estudios “Texas Hollywood” del desierto de Tabernas en Almería. Formado profesionalmente en la escuela de teatro “Maria Mezey” de Budapest, también es acróbata y luchador de judo. Asimismo, habla con soltura varios idiomas, entre los que se encuentran el inglés, el húngaro o el castellano.

Las entradas para todas las sesiones de CutreCon 8 en Palacio de la prensa de Madrid ya están a la venta en la taquilla del cine y en la web www.super8.esAsimismo, también está a la venta el “Bonobo” General que da acceso a todas las sesiones de pago del festival.

Published in: on diciembre 30, 2018 at 8:54 am  Dejar un comentario  
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Entrevista a Paul Hyett, director de “Heretiks”

Heretics director 02

Uno de los atractivos de la programación de la sexta edición del Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid Nocturna fue la première española dentro de su Sección Oficial de Heretiks (2018), tercera película como director del cineasta británico Paul Hyett. Tres años después de su anterior trabajo, el film de hombres lobos Howl (Howl, 2015), el otrora técnico de efectos especiales regresa con una historia de brujería ambientada en el siglo XVI en el interior de un convento, que en su primera mitad recupera la atmósfera opresiva y el desarrollo contenido de la que fuera la ópera prima de su responsable, la notable The Seasoning House (2012). Junto con el corte clásico de su propuesta, otro de los atractivos que presenta Heretiks se encuentra en la participación en su reparto de dos auténticas leyendas vivas del cine fantástico como Michael Ironside y Clare Higgins, la inolvidable intérprete de Julia Cotton en las dos primeras entregas de la saga Hellraiser.

Acompañado de la productora del film, la también actriz brasileña Marcia Do Vales, Paul Hyett visitó Madrid con motivo de la proyección de Heretiks en Nocturna. Horas antes del pase, pudimos realizarle la siguiente entrevista a propósito de su nuevo trabajo.

Heretiks poster_Cartel

Heretiks parte de una historia del también actor Gregory Blair. ¿Qué te llamó la atención de ella?

Cuando me dieron la primera versión de la historia esta versaba sobre vampiros en una hermandad de mujeres. No era exactamente lo que yo quería hacer. Tal vez era lo que quería hacer la productora, Marcia, pero no era ni mi tema favorito ni lo que yo quería contar. Entonces me pregunté: “¿Qué puedo hacer con este guion?” Así que pensé en eliminar los elementos de fantasía y llevarlo a un camino más terrenal. Me gustó que se ambientara en el siglo XVII y, con este punto de partida, vi qué elementos de la época podía coger para enriquecer el relato, como la pobreza, la brujería o la persecución de las mujeres. Hice un poco de investigación y descubrí que en aquella época hasta cien mil mujeres fueron perseguidas, ahorcadas, quemadas, ahogadas o ejecutadas simplemente basándose en la sospecha de que tenían alguna relación con la brujería. Eso me parecía algo muy interesante. Entonces localizamos la historia en un convento al que llevan a una mujer joven que ha sido acusada de brujería para que se redima de sus pecados, lo que me permitía jugar con los personajes de las monjas, el demonio, la posesión (…); elementos sobrenaturales, pero no fantásticos. Quería que fuera una historia real con elementos sobrenaturales pero sin llegar a la fantasía.

Para dar forma al guion, contaste con la ayuda de Conal Palmer, con quien ya colaboraras en el libreto de la que fuera tu ópera prima como realizador, The Seasoning House. ¿Cómo ha sido el proceso de escritura?

Como dices, ya había trabajado con Conal en el guion de The Seasoning House. Lo cierto es que en esta ocasión el trabajo estuvo un poco dividido. Conal se dedicó más bien a la parte de los diálogos, mientras que yo trabajé lo que era la historia, las secuencias y la estructura. Queríamos que los diálogos sonaran a inglés antiguo, así que el trabajo de Conal estuvo enfocado en esa dirección. En una película de época como la nuestra era muy importante que los diálogos no resultaran contemporáneos para que el espectador no tuviera la sensación de estar escuchando conversaciones modernas. Había que tener mucho cuidado con ello. Por mi parte, también me dediqué en exclusiva a estudiar y a dotar de contenido mitológico a la historia.

No sé si será casualidad, pero en este sentido, al igual que ocurriera en The Seasoning House, en Heretiks vuelves a contar con una protagonista femenina. ¿Fue algo buscado por tu parte?

Toda mi carrera he querido explorar el ángulo de la feminidad. A lo largo de mis treinta años dentro de la industria he trabajado en películas de terror en las que he visto cómo evolucionaba el papel de las mujeres dentro del género, comenzando por los ochenta, cuando básicamente aparecían desnudas y morían; solo había una que sobrevivía, que solía ser la menos atractiva y la menos promiscua. Y yo lo que he querido es empoderarla, porque no siempre hay que retratar a la mujer como víctima. Si siempre se la retrata como víctima se la ve como víctima. Así que cuando me dieron el guion de Heretiks quise darle este giro. Hace poco recibí otro guion en el que el papel de las mujeres era horroroso: solo las mataban de manera brutales, lo que no me interesaba en absoluto. Y aunque cada película es diferente y hay que saber apreciarlas en sus diferencias, también hay que intentar dejar de mostrar a las mujeres siempre como víctimas; vale más la pena darles papeles principales en los que tengan poder y recursos para que puedan empoderarse. Es por eso que cuando hago películas me parece interesante hacerlo desde el punto de vista de las mujeres, porque esto permite a la audiencia disfrutar de una nueva perspectiva e identificarse con ellas. Además, cada vez hay más fans femeninas del cine de terror y, por supuesto, para ellas es mucho más entretenido ver a mujeres en la pantalla que tienen poder a que no tengan un papel tan fuerte desde este punto de vista.

Lo interesante en Heretiks es que, a diferencia de The Seasoning House, en la que eran hombres los que sometían y corrompían a mujeres, aquí son mujeres las que someten y corrompen a otras mujeres. Quizás eso sea consecuencia de mi propia evolución como cineasta; en la jerarquía de la iglesia, de las monjas, se puede ver eso,  y me parecía mucho más interesante poner en el foco de atención a la mujer y explorar lo que esto supone en la religión y en los aspectos femeninos que se pueden asociar a ello.

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Rueda de prensa de “Heretiks” en Nocturna. De izda. a drcha.: Antonio Busquets (moderador), Marcia Do Vales (productora) y Paul Hyett.

Aunque ambientada en el siglo XVII, Heretiks trata un tema bastante recurrente dentro del cine de terror actual como es el de las sectas. ¿A qué crees que es debido este interés y qué es lo que te llevó a ti a querer tratarlo?

Bueno, en Heretiks el papel de la madre reverenda está basado parcialmente en gente como Charles Manson o David Koresh. La idea es que estas personas son especialmente carismáticas. En principio no se las ve como alguien peligroso que pueda dar miedo, sino todo lo contrario: van ofreciendo amor y prosperidad. Sin embargo, la realidad es bien distinta. Y es algo real; ocurre que la gente entra en una secta. Y eso da mucho miedo, porque le puede pasar a cualquiera y puede pasar en cualquier familia. Es un tema muy real y, por ello, muy interesante de explorar. Estuve haciendo un poco de investigación viendo documentales sobre sectas para ver cómo habla este tipo de personas y la forma en que se relacionan. Y tienen una forma de expresarse muy hipnótica y eso da mucho miedo, porque a las personas vulnerables les es, por tanto, muy fácil de convencer y de que se dejen llevar por su carisma, sin que vean lo terrible y diabólico que encierran.

En este sentido, la época en el que transcurre la historia, con la caza de brujas que se dio en Europa durante los siglos XVI y XVII puede extrapolarse al contexto sociopolítico actual. ¿Había intención por tu parte de establecer este paralelismo?

Efectivamente. Muchas de las cosas de las que pasan en Heretiks, dejando de lado los aspectos sobrenaturales, se pueden comparar con lo que ocurre actualmente en muchos países. Por ejemplo, la esclavitud es algo que vemos con diferentes formas en todo el mundo y que ha pasado en todas las épocas. Ver cómo las mujeres son oprimidas y obligadas a trabajar en estos sitios en contra de su voluntad, aunque esté mostrado conforma a la ambientación de la película, es algo que se puede aplicar a lo que ocurre en el día de hoy.

El cine de terror de época fue una constante durante los años de esplendor del cine de terror británico clásico, con productoras como la Hammer o la Tygon…

Precisamente, a nivel de estilo quería darle una apariencia cercana a la de esas antiguas películas de los setenta de la Hammer o de la Tygon que mencionas. A mí me gustaba mucho la estructura clásica de la película, pero, al mismo tiempo, también quería darle este aspecto, esta atmósfera de película antigua, porque a mí me gustan mucho las películas de la Hammer, que tienen muchos cortes, utilizan a personajes muy jóvenes… y de algún modo quería volver a ese estilo con Heretiks y hacerla más clásica.

No obstante, cuando te entrevisté con motivo de tu anterior película, Howl, me comentabas que tu intención era apartarte de la mitología licantrópica clásica. ¿Qué tenía Heretiks para que sí le quisieras dar ese toque clásico?

Para un director lo importante es contar historias. Normalmente te dices a ti mismo: “Vale, ya he hecho esto; ahora quiero explorar esto otro”. Luego alguien me pasa un guión y me pregunta: “¿Qué te parece esto?”, y tú piensas: “Vaya, está historia es interesante”, y hace que te emociones.  Por ejemplo, si alguien me diese cien millones de dólares haría exactamente la película que quiero con las cosas que me interesa explorar. Pero yo soy un director en activo al que se le puede contratar y, cuando me llegan guiones, algunos los rechazo, pero otros pueden atrapar mi interés. En el momento en el que me llegó el proyecto de Heretiks, cuando ya había hecho The Seasoning House y Howl, realizar una película ambientada en el siglo XVII y con la brujería de fondo realmente me emocionaba.

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Paul Hyett y la productora Marcia Do Vales en un momento de la entrevista.

Dentro del reparto de la película, además de la presencia de tu inseparable actriz Rosie Day, encontramos a dos veteranos tan familiares para los aficionados al fantástico como Michael Ironside y Clare Higgins. Además de por su trabajo, ¿su participación es también un intento de homenajear a tus referentes y dirigir un guiño al espectador?

En el caso de Rosie es porque ella es fantástica. Es capaz de abarcar un abanico increíble de registros. Se puede confiar totalmente en ella, porque lo que te va a aportar y la perspectiva que se va a dar sobre su personaje no tiene ningún desperdicio.

En cuanto a Michael Ironside, era uno de mis héroes de infancia. He visto todas sus películas desde que era pequeño, hasta el punto de que podría estar horas hablando sobre su trabajo y sobre las películas en las que ha intervenido. Me parece un actor absolutamente fascinante. Es muy intenso y tiene una mirada muy especial. Entonces, cuando estuvimos hablando de quién podría hacer el papel que acabó haciendo, se nos ocurrió su nombre. Contactamos con él, leyó el guion y aceptó. Así que tener la oportunidad de trabajar con él fue como un sueño hecho realidad. Durante el rodaje estuvo poco tiempo con nosotros, porque hace un papel muy pequeño, pero a pesar de ello se volcó absolutamente. Fue maravilloso trabajar con él, porque trabajó superduro a pesar de hacer un papel pequeño. Parece increíble que, con la larga carrera que tiene a sus espaldas, continúe tan encantado de hacer como hace, pero es así. Dio todo lo que pudo dar de sí mismo e, incluso, estuvo probando diferentes registros para encontrar el que mejor funcionara para el papel. Fue una experiencia absolutamente fascinante.

A Clare Higgins también la admiro mucho, conozco su carrera, y es un icono para los fans por su trabajo en Hellraiser. Yo quería trabajar con ella desde hace tiempo y no ha sido hasta Heretiks que lo he conseguido. Me parecía perfecta para el papel. Su aspecto era ideal para hacer el personaje de la reverenda madre y lo cierto es que clavó su papel. Lo hizo perfectamente bien, porque su sola presencia ya da mucho miedo. Quiero decir, estando en la misma sala que está ella la miras y puedes percibir la intensidad que transmite. Además, su actuación es clave para la película. Es como el ancla del filme, lo que hace que su actuación sea tan valiosa.

En algunos casos, a la hora de escoger el reparto es porque has visto el trabajo de los actores, en otros es porque quieres trabajar con ellos y en otros porque quieres rendirles homenaje. Lo que pienso es que si conozco a un actor que me gusta y quiero aprovecharme de su trabajo y a la vez rendirle homenaje, eso lo van a reconocer los fans del terror, porque ellos conocen como tú cuál ha sido su trabajo previo y lo que pueden aportar a la película. Eso es lo que pasa con Michael Ironside, con Clare Higgins o con cualquiera. Cuando uno hace películas las hace para sí y para el público, por lo que tiene que hacer al espectador feliz, dado que todo el trabajo en última instancia está dirigido a este.

Uno de los principales valores de Heretiks es su sentido de la atmósfera. ¿Cómo trabajaste este aspecto y, en general, la ambientación y la estética del film?

A mí me gusta sobreestilizar las películas, por así decirlo. Soy muy consciente de la iluminación que se utiliza y de la imagen que se crea. Eso también se puede notar en The Seasoning House, con ese aspecto como de cuento de hadas. En el caso de Heretiks, el convento en el que se desarrolla el grueso de la historia era muy importante que tuviera una atmósfera que en sí fuera ya muy impresionante, porque si no se conseguía esa realidad, ese realismo, entonces se perdía la credibilidad de lo que se estaba narrando. Para ello rodamos en un monasterio de setecientos siglos de antigüedad e incluso en un castillo, ya que estábamos seguros de que necesitábamos aportarle al set esa apariencia de realidad, que se notara que era auténtico, para poder transmitir a través de ello la atmósfera que la historia necesitaba. El estilo, sin duda, era muy importante para mantener la credibilidad, porque de lo contrario el proyecto hubiera fracasado.

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Por cierto, las primeras noticias sobre el comienzo de rodaje de Heretiks están fechadas en septiembre de 2015. ¿Qué ha ocurrido para que hasta la finalización de la película haya transcurrido más de dos años?

Es verdad, aunque gran parte de este tiempo se debió a la cantidad de efectos visuales y especiales que hay en la película. Además, mientras estábamos haciéndola, desaparecí un año para rodar otra, así que hubo que esperar. Pero fue sobre todo por los efectos especiales y todos los detalles que queríamos conseguir en cada escena. Por otra parte, el casting era muy grande, eran muchos actores, y conseguir que todos volvieran a rodar fue uno de los mayores desafíos. Ocurrió con muchos de los actores; ocurrió con Rosie, que durante un tiempo no estuvo disponible; ocurrió con Hanna Arterton, que estuvo trabajando en una serie de televisión… Así que parte del tiempo que se dilató fue por la espera de conseguir volver a trabajar con estos actores o para hacer planos particulares en formato de insertos y demás en secuencias que estaban ya grabadas.

Ya que lo has mencionado, ¿qué nos puedes adelantar de esa otra película que has rodado, en la que, según creo, abandonas el terror por el que ha transcurrido hasta ahora tu trayectoria como director por la ciencia ficción?

Se titula Peripheral y versa sobre la maldad de la tecnología. Su argumento trata de una autora literaria que está escribiendo su segundo libro, pero tiene problemas con las drogas, y aunque intenta desengancharse no lo consigue. Entonces su editor le ofrece un asistente de inteligencia artificial que termina por apoderarse de ella. La película habla sobre todo de las empresas, de las grandes corporaciones y de cómo la tecnología se apodera de la visión y del alma de los artistas, y de cómo la tecnología da forma a los artistas y los conforma en la manera que ellos quieren. Es una especie de metáfora de cómo afecta la tecnología al arte hoy en día.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías: Juan Mari Ripalda

Published in: on diciembre 28, 2018 at 6:54 am  Dejar un comentario  
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El próximo 8 de marzo Filmax estrenará “70 binladens”, la nueva película de Koldo Serra

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El 8 de marzo de 2019 Filmax estrenará en salas españolas 70 binladens, thriller dirigido por Koldo Serra y protagonizado por Emma Suárez, Nathalie Poza y Hugo Silva, que tuvo su estreno mundial en la sección Órbita del pasado Festival de Sitges.

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Sinopsis: Raquel (Emma Suárez) es una mujer desesperada. Su situación personal le ha llevado a una coyuntura en la que necesita 35.000 euros (conocidos coloquialmente como “70 binladens”), y los necesita en las próximas 24 horas. Su última esperanza es un préstamo bancario. La irrupción de dos atracadores (Nathalie Poza y Hugo Silva) cuando está a punto de cerrar la transacción complicará su situación: El tiempo corre en su contra y Raquel debe salir de banco con el dinero, sea al precio que sea.

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Koldo Serra, que ya impresionó a crítica y público con su cortometraje El tren de la bruja en 2003 ganando el Melies de Oro y de Plata, entre otros premios, presenta su tercer largometraje después de Bosque de sombras (2006) y Gernika (2016). Con un guion a cargo de Asier Guerricaechevarría, Javier Echániz y Juan Gil Bengoa, su director de fotografía habitual, Unax Mendia y una banda sonora compuesta por Fernando Velázquez, Koldo Serra se rodea de un sólido elenco de actores donde sobresale el trío principal. Les acompañan en la gran pantalla Bárbara Goenaga, Susana Abaitua, Daniel Pérez Prada y Fernando Albizu, entre otros.

Koldo Serra dice sobre la película, rodada en Bilbao, su ciudad natal: “Desde que llegó a mis manos el guion de 70 binladens, siempre he creído que era una película que tenía que hacerse. Por un lado, porque es un thriller clásico con un ritmo endiablado y, por otro, porque no se suelen ver filmes de estas características protagonizados por mujeres. Dos mujeres, interpretadas magistralmente por Emma Suárez y Nathalie Poza, enfrentadas y a la vez necesitadas por exigencias de la tensa trama. Si, había que hacerla.”

Sayaka Producciones (Nahikari Ipiña, Borja Cobeaga, Borja Crespo, Nacho Vigalondo y Koldo Serra), productora de Colossal, Gernika, Negociador yOpen Windows, entre otras, produce 70 binladens junto con Pokeepsie Films, productora de Alex de la Iglesia y Carolina Bang y La panda. La película cuenta con la participación de ICAA, RTVE, ETB y Movistar +.

La prensa ha dicho de la película:

“Personajes altos en voltaje y carisma” “El periódico”

“Trepidante thriller con unas interpretaciones memorables” “Espinof”

“Un reparto coral de aúpa” “El correo”

“Emma Suárez, dueña de la función” “Cine maldito”

Published in: on diciembre 27, 2018 at 6:40 am  Dejar un comentario  

FIMUCITÉ dedicará su decimotercera edición a los clásicos del cine de terror

FIMUCITÉ 13

El Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife (FIMUCITÉ) celebrará entre el 20 y el 29 de septiembre de 2019 su decimotercera edición, que estará dedicada a los clásicos del cine de terror, y contará con el patrocinio del Cabildo Insular de Tenerife, el Gobierno de Canarias y los ayuntamientos de Santa Cruz de Tenerife y La Laguna.

El viernes 27 de septiembre, a las 20 horas, dará comienzo en el Auditorio de Tenerife el concierto “Mis terrores favoritos”, que será interpretado por la Orquesta Sinfónica de Tenerife y el Tenerife Film Choir y contará con Christian Schumann como director invitado. El programa previsto abarcará un recorrido por la música cinematográfica de grandes títulos del cine de terror como Viernes 13, de Harry Manfredini, Hellraiser, de Christopher Young, o La semilla del diablo, de Krzysztof Komeda. Manfredini y Young ya han confirmado su presencia en el Festival como invitados.

Christopher Young

La Gala de Clausura oficial se celebrará el sábado 28 de septiembre, a las 19 horas, y consistirá en la interpretación live-to-picture de la banda sonora compuesta por Wojciech Kilar para Drácula de Bram Stoker, el clásico de Francis Ford Coppola. Se trata de un espectáculo original realizado en coproducción con el Festival de Música de Cine (FMF) de Cracovia, siendo la primera vez que los dos festivales de música de cine más importantes se unen para la creación conjunta de un espectáculo de tal magnitud. En el proyecto, que se lleva a cabo en total coordinación con Sony Pictures, también está involucrado el reputado productor discográfico Robert Townson. Una gran apuesta de FIMUCITÉ tras el éxito que tuvo este formato en la pasada edición, con el concierto de Encuentros en la tercera fase. La reconocida música de Drácula de Bram Stoker será interpretada por la OST y el Tenerife Film Choir dirigidos por el compositor y director del festival Diego Navarro, de manera sincronizada con las imágenes de esta icónica película.

Como novedad, este año el concierto de la Joven Orquesta Sinfónica de FIMUCITÉ, conformada por alumnos del Conservatorio Profesional de Música de Santa Cruz de Tenerife y del Conservatorio Superior de Música de Canarias, se desarrollará también en el Auditorio de Tenerife. El recital titulado “Campeones de la gran pantalla” tendrá lugar el domingo 29 de septiembre, a las 19 horas, y versará sobre el cine de temática deportiva, con la interpretación de un repertorio con las mejores bandas sonoras del género, entre las que se encuentra la oscarizada Carros de fuego (Vangelis) y otras piezas indispensables como Rocky, de Bill Conti, o Rudy. Reto a la gloria y Hoosiers: Más que ídolos, obra de Jerry Goldsmith, entre otras.

Asimismo, en esta nueva edición se repetirá el acuerdo de intercambio entre músicos de las Jóvenes Orquestas de FIMUCITÉ y del Festival de Música de Cine de Cracovia (FMF). De esta manera, un grupo de estudiantes de Tenerife viajará a Polonia para actuar en el FMF, mientras que otro grupo de jóvenes músicos de Cracovia acudirá a Tenerife para unirse a la Joven Orquesta Fimucité.

Este año, el Festival lanza dos tipos de abono para los conciertos que tendrán lugar en el Auditorio de Tenerife: unos abonos de tipo A, que aglutinan las entradas para los tres días de concierto y cuenta con un 7% de descuento sobre el total, y un abono tipo B, que abarca los dos conciertos sinfónicos, que tendrán lugar los días 27 y 28 de septiembre, el cual cuenta con un 5% de descuento. Sendos abonos y las entradas individuales ya se encuentran a la venta en la taquilla del Auditorio.

En el marco del Festival, se pondrá en marcha la séptima edición de la sección competitiva FIMUCINEMA, que próximamente abrirá la convocatoria a concurso de largometrajes de ficción, cortometrajes y documentales con el objetivo de reconocer el apartado de composición musical de las producciones participantes. Asimismo, durante la semana del Festival se desarrollará una nueva entrega de la FIMUCITÉ Film Scoring Academy, la Academia Fimucité para Compositores Audiovisuales, actividad de carácter gratuito que forma parte del programa educativo del festival y está dirigida a estudiantes y profesionales interesados en formación especializada de manos de grandes profesionales del sector.

Próximamente se darán a conocer nuevos contenidos del resto de la programación de conciertos de la decimotercera edición de FIMUCITÉ, así como los nombres de nuevos invitados y de los profesionales que serán homenajeados.

Published in: on diciembre 26, 2018 at 6:57 am  Dejar un comentario  

Interrogamos a Ilsa: Entrevista a Dyanne Thorne y Howard Maurer

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A buen seguro que la 51 edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya será recordada por el número de celebridades que acogió. Nicolas Cage, Peter Weir, Ed Harris, M. Night Shyamalan o John Carpenter fueron algunas de estas figuras de primera talla mundial que se dejaron ver por el certamen a lo largo de sus once jornadas. . Pero si bien las más mediáticas, ni que decir tiene que estas no fueron, ni mucho menos, las únicas. Junto con ellas, Sitges 2018 contó con la presencia de otras personalidades cinematográficas quizás no tan conocidas para el gran público, pero igual de queridas por los aficionados. Dentro de este grupo destacó la presencia de cuatro intérpretes emblemáticas del cine de Serie B de la década de los setenta y ochenta. Nos referimos a la antigua pornostar Traci Lords, un rostro tan característico de la blaxploitation como el de Pam Grier, nuestra Helga Liné y la no menos mítica Dyanne Thorne.

A punto de cumplir los setenta y cinco años de edad, la celebre intérprete de Ilsa visitó Sitges acompañada de su marido, el músico y ocasional actor Howard Maurer, quien también participó desempeñando roles secundarios en la franquicia de la despiadada dominatrix. A pesar de su avanzada edad, durante su estancia en tierras catalanes la antigua pin-up no pudo mostrarse más activa, presentando la proyección de dos de sus films, participando en un encuentro con el público y mostrándose en todo momento solícita con todos aquellos fans que se acercaban a ella para hacerse una foto o conseguir un autógrafo, demostrando en todo momento una simpatía, dulzura y proximidad bien alejada de la perversidad del personaje por el que es recordada.  Así nos lo volvió a evidenciar en la entrevista que le realizamos en compañía de su esposo, en la que, mano a mano con Carlos Benítez, de la imprescindible web Proyecto Naschy, le preguntamos por sus recuerdos de las películas de Ilsa.

Ilsa la loba de las SS

Según algunas fuentes, el personaje de Ilsa estaba inicialmente previsto para la actriz Phyllis Davis[1], quien rechazó el ofrecimiento. ¿Cómo entraste en la película?

Dyanne: Me sentí  agradecida. Tras hacer la entrevista para el papel me dieron el guion, me fui a casa…

Howard: Al llegar a casa me dio el guion y me dijo: “¿Qué opinas de esto? Cuando lo termines me lo dices”. Y cuando terminé de leerlo puse una goma  elástica alrededor y lo tiré con tanta fuerza contra la pared que hice un agujero. Cuando Dyanne volvió me preguntó qué me había parecido y le respondí que era horrible, pero que como alguien iba a terminar haciendo ese papel y ni a mí ni a ella nos tocaba, como actores que éramos, juzgarlo, le dije que aceptara. Y ella respondió: “Pues vale” (risas).

Ya que lo mencionas, ¿qué pensaste cuando descubriste las elevadas dosis de sexo y violencia que iba a tener la película?

D: Lo mejor es que al final de la película todo el mundo odia a Ilsa (risas). Ella muere siempre al final de cada película.

H: ¡Para volver en la siguiente! ¡Nadie puede detenerla! (risas).

D: Te contaré una historia. En Ilsa, la hiena del harén había un personaje que era un general fuerte y grande. Pues bien, cuando el actor que lo interpretaba vio la escena en que a una chica la llenan de gusanos ¡te juro que se desmayó! (risas). ¡Los gusanos fueron demasiado para él!

H: Era un tipo genial. En pantalla parecía duro, pero en persona era como un gatito.

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No hay duda de que gran parte del atractivo de Ilsa reside en tu interpretación, en la que dotas al personaje de una pátina de ironía que hace que no se quede en una villana de una pieza, sino que posea una entidad propia sobre la que se construyó el resto de la saga. ¿Cómo preparaste el papel?

D: Como dijo antes Howard sobre los actores…

H: Un actor actúa. La única respuesta a tu pregunta es que Dyanne interpreta en la pantalla a una persona muy mala, pero ella es todo lo contrario en la vida real. Por eso creo que a la gente le ha seguido gustando, porque entienden que todo es actuación. No es real. De alguna manera perciben que Dyanne no es realmente así. Ella es la absoluta antítesis de todo eso.

D: Creo que un actor no puede dar vida a un personaje si no se lo cree. Ilsa no sabe que es una persona horrenda, simplemente  es… Ilsa. Eso es lo divertido. Los personajes de Howard en la saga, por ejemplo, llevan un arma, ¡pero Howard jamás tocaría una! (risas). Pero eso es lo que el personaje demanda y él no está para juzgarlo y decir “es un hombre muy malo y tiene un arma” [dicho con voz siniestra]. No, es un personaje. Si yo hago daño a alguien en pantalla no es porque yo sea mala, simplemente es porque tengo que hacerlo. Cuando la interpreto, soy Ilsa. Cuando me pongo su ropa, soy ella, pero cuando me la quito vuelvo a ser Dyanne.

H: ¿Sabes qué? ¿Recuerdas esa pequeña fábula sobre el escorpión y la tortuga? El escorpión le pide a la tortuga que cruce el río con él sobre su caparazón. La tortuga le pide que no le pique y el escorpión le responde que no lo hará. Pero por supuesto, a mitad de camino el escorpión termina picando a la tortuga. Cuando lo hace, esta le  pregunta: “¿Por qué?”. Y el escorpión responde: “Es mi naturaleza”. Esa es la historia.

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Dyanne junto al director del Festival de Sitges, Ángel Sala, y Howard, durante la presentación del pase de “Ilsa, la tigresa de Siberia” en el Cine Prado.

Imagino que no esperabas el éxito que cosechó la película…

D: (Risas). Es un milagro.

H: Nadie, ni el director, ni el productor, ni Dyanne ni yo, pensamos que esto podría suceder. Dyanne contó una historia curiosa ayer, no recuerdo dónde, y es que todo el mundo, menos ella, el director y yo, cambiaron su nombre para los créditos de la película. Pero tras el éxito de Ilsa, la loba de las S.S. todo el mundo quiso subirse al carro.

D: El guionista, el productor… cambiaron de nombre tres veces y finalmente dijeron: “¡Yo soy el de la película!” Nosotros fuimos los únicos, junto con los directores de las diferentes películas, Jean LaFleur, Jess Franco y Don Edmonds, que en paz descanse, que no nos los cambiamos.

H: Es muy curioso. Incluso cuando estuvimos en Suiza para rodar Greta – Haus ohne Männer, donde cada uno hablaba en su propio idioma: inglés, alemán, francés, español…

D: ¡Incluso catalán!

H: … todos cambiaron su nombre y yo ni siquiera sabía cuáles eran sus nombres reales. Era una locura (risas).

Ilsa, la loba de las S.S. está repleta de largas y enfermizas escenas de sexo y tortura, entre las que se incluyen castraciones, descargas en los pezones y todo tipo de mutilaciones. ¿Cómo era el rodaje de estas secuencias? ¿Es cierto que te negaste a rodar algunas escenas debido a su escabrosidad?

D: Es totalmente cierto. Hubo bastantes  escenas. Una de ellas es cuando un personaje es castrado. Yo no conocía esa escena en particular, no estaba en el guion que me dieron y la filmaron de manera que yo no pudiera darme cuenta hasta el último momento, porque cuando hice mis planos ya habían rodado el resto de la escena como ellos querían y solo me hicieron aparecer ahí y decir mis líneas de diálogo.

H: ¡Es como si la hubiesen photoshopeado! (risas).

D: Y luego había escenas de violencia contra la mujer que me parecían horrendas. No solo como mujer, sino como ser humano. No quería promover eso, aunque es verdad que promovía otras muchas cosas (risas).

Al menos el personaje conserva humanidad hacia sí misma: si te fijas en la escena del banquete, todos beben alcohol menos ella. Por eso yo tengo que beber para compensar (risas).

H: ¡No es verdad! (Risas).

D: Solo era un chiste.

Ilsa meets Bruce Lee

Aunque la serie finalizó con Ilsa, la hiena del harén, los productores barajaron la posibilidad de realizar nuevas entregas con títulos como Ilsa Meets Idi Amin o Ilsa Meets Bruce Lee in the Devil’s Triangle[2]. ¿Qué nos puedes contar de estos proyectos y por qué no se llevaron a cabo?

D: Bueno, hay fotografías que la gente piensa que son de alguna de estas películas, cuando en realidad no lo son. Por ejemplo, hay una serie de fotos en las que aparezco posando que fueron tomadas para la revista Playboy. Justo antes de Ilsa, la tigresa de Siberia, de camino a Canadá, donde rodábamos, paramos en Chicago y allí me hicieron una sesión de fotos para promocionar la película. Por eso mucha gente cree que estas fotos de estilo pinup son parte de la película.

Para Ilsa Meets Bruce Lee In The Devil’s Triangle me preparé y aprendí karate. Incluso el Washington Post… Howard, diles lo que hizo…

H: El Washington Post publicó una crítica de Ilsa Meets Bruce Lee In The Devil’s Triangle. Pero no existe tal película. Nunca existió.

D: Terminé perdonando al Washington Post, ya que me enteré que la crítica la hizo alguien contratado ajeno al periódico. Pero pusieron el póster de la película  a toda página en la sección de ocio afirmando que estábamos listos para rodarla. De lo que pasó a continuación no estamos totalmente seguros. Estaba todo listo. En Canadá hubo una gran reunión y un francés protestó diciendo que no invertiría su dinero en eso, ya que la única película mía que había visto era Ilsa, la loba de las SS. Lo entendí, pero en ese momento yo estaba actuando en una obra teatral de Broadway que se representaba en el Union Plaza de Las Vegas, con Virginia Mayo de  protagonista, y aún así me dieron permiso para ausentarme e ir a Canadá a rodar. Se portaron muy bien conmigo, contrataron a una chica exclusivamente para que me sustituyera durante esa semana. Pero la película no se hizo y, como dice Howard, esa mala crítica llegó a todas partes.

H: Fue increíble. ¡Qué imaginación! Era como un cuento de hadas, pero sin que ninguna de esas hadas acudiera (risas).

D: Además, era la primera crítica negativa que recibía. De las otras siempre decían: “No es mi tipo de película, pero ella lo hace bien”, pero esta crítica decía que mi trabajo era de segunda categoría, cosa que podría haber esperado que se dijera de mis otras películas. Pero así es la vida.

H: Una vez, Dyanne recibió una llamada de un agente —esto es verídico—, que le dijo: “La película que ibas a hacer ha sido cancelada” y colgó. Y ella dijo: “¡Pero si nunca me han llegado a contratar para hacerla!” (Risas).

D: Si nos podemos reír del tema es porque nos parece asombroso que la gente se tome el tiempo en hablar con nosotros. Interpretar un personaje es lo que nos gusta. Nosotros no somos ni dioses ni ángeles para saber si…

H: Un momento. ¿No eres un ángel? (risas).

D: Anda, tápate  los oídos (risas).

Ilsa 01

Ya por último nos gustaría que nos hablaras de esa especie de secuela apócrifa que rodaste con Jesús Franco, Greta-Haus ohne Männer. ¿Fue originalmente ideada así? ¿Cómo fue la experiencia de trabajar junto al prolífico director español?

D: Nunca fue pensada como una película de Ilsa. Originariamente su título era No Man’s Land[3]. Nos dieron el guion en Canadá para que lo fuésemos leyendo de camino a Suiza, donde se rodaría. Cuando llegamos, y ya a punto de empezar, Jess Franco y el productor reescribieron gran parte del guion original. No vimos la película hasta más tarde.

H: Cuando la vimos hice lo mismo con el DVD que cuando leí el guion de la primera Ilsa… ¡Lo lancé contra la pared!

D: La hicieron como una película erótica. Se suponía que yo no iba a hacer desnudo frontal, solo de pecho. Sin embargo para hacerlo me pusieron en una bañera llena de burbujas, y esperaron tanto para rodar que, cuando lo hicieron, apenas había burbujas. Así que ahí estoy dándome un baño de burbujas sin burbujas. Además, hubo dos o tres escenas donde mi personaje perdía la cabeza y podías ver que realmente estaba loca. Y tengo que decir que yo lo hice de forma brillante, pero las escenas no se incluyeron en la película. Rodaron una película erótica, no estamos orgullosos de ella, pero nos encanta Jess Franco. Y su mujer, Lina Romay, era fantástica. Para que estuviéramos cómodas rodando juntas, nos llevó a cenar.

H: Pasamos muy buenos ratos con Jess. Por cierto, él también era músico, como yo,  tocaba la trompeta y el piano.

D: Y también cantaba.

H: A los dos nos gusta el jazz. Nos hicimos muy amigos en ese rodaje. Teníamos mucho en común.

D: Una noche nos llevó a un club y allí Jess y Howard actuaron sobre el escenario prácticamente hasta que amaneció.

H: Si, era un club de jazz. Fue genial.

Carlos Benítez & José Luis Salvador Estébenez

Traducción: Tarik Amarouch García

Fotografías: Juan Mari Ripalda

Ilsa-CineBis

Howard y Dyanne muestran el artículo que José Luis Salvador Estébenez le dedicó a la trilogía en el nº 2 de “Cine-Bis”

[1] Phyllis Ann Davis (1940-2013) fue una actriz estadounidense que apareció principalmente en televisión, siendo su mayor éxito la serie Vega$, producida por Aaron Spelling. Intervino en películas como Beyond the Valley of the Dolls (Russ Meyer, 1970), Sweet Sugar (Michel Levesque, 1972) y Terminal Island (Stephanie Rothman, 1972).

[2] Naturalmente, de haberse rodado se hubiera hecho con uno de los numerosos clones de Bruce Lee, pues el auténtico había fallecido en 1973.

[3] Tierra de nadie, en inglés, aunque literalmente sería “Tierra sin hombres”. El título alemán significa Greta: casa sin hombres.

Estados alterados en el cine, segundo número de la revista digital JUDEX

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La revista monográfica semestral de cine “Judex”, editada por Editorial Hermenaute, acaba de lanzar su segundo número, coincidiendo con las fechas navideñas. En esta ocasión su contenido está centrado en los estados alterados de conciencia. A su alrededor, giran temas como las drogas, las sectas, el giallo, la brujería, el mal, el psicoanálisis, la locura y el cine. En resumen, “Estados alterados” aborda el poder creador y destructor de la maternidad, la sangre, el ritual, la muerte, el sueño…Para ello, se analizan las películas Mandy, las dos Suspiria (la de Dario Argento y la de Luca Guadagino), The Lords of Salem, Enter the Void, El diablo se lleva a los muertos, Berberian Sound Studio, Il Profumo della signora in nero y Solo Dios perdona.

Podéis leer un extracto de su contenido en el siguiente enlace: https://www.hermenaute.com/docs/fragmento_estados_alterados.pdf

Coordinado y dirigido por la periodista y editora Marta Torres, y  con la colaboción de autores como Pau Roig, Lluís Rueda y Juan Carlos Matilla, el segundo número de “Judex” cuenta con 79 páginas y se encuentra disponible en formato EPUB, PDF y para iPad. Se puede encontrar a un precio de 1,50 euros en Lektu y de 1,99 en iTunes.

Más información: http://www.judexfanzine.net

Published in: on diciembre 23, 2018 at 9:21 am  Dejar un comentario