Supersonic Man vuelve al cómic esta primavera

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Tras el éxito cosechado por la adaptación de Superman protagonizada un año antes por Christopher Reeve, en 1979 Juan Piquer Simón estrenaba su propia visión del cine de superhéroes con Supersonic Man. Aunque nacido para la gran pantalla, Supersonic Man trasladaría sus andanzas a la viñea del mítico historietista valenciano José Sanchís a lo largo de nueve números dentro de la colección Colosos del Cómic de Editorial Valenciana. Cuatro décadas más tarde, Supersonic Man vuelve al cómic gracias al empeño y entusiasmo de Héctor Caño, quien se encarga del guion y el dibujo de esta nueva encarnación.

Lo hará con un nuevo cómic que se distribuirá esta en librerías en todo el territorio nacional. Valiéndose del retorno de este “superhéroe español”, este proyecto divulgativo pretende reivindicar a los héroes clásicos de los tebeos ibéricos de aventuras, figuras emblemáticas de nuestra industria hoy desconocidas por el gran público.

PORTADA Color Blogger

Héctor Caño, el responsable de tan interesante proyecto, habla así de él: “Decía John Byrne que “no hay personajes malos” pues cualquier héroe de cómic puede ser interesante si cae en las manos apropiadas. Supersonic Man tenía el potencial para sentar las bases de un género de historietas inédito en España en el año 1979. Se adelantó un par de décadas a los posteriores intentos de asentar el concepto de “superhéroes españoles”. Y es un hecho indudable que es el primer (y único) superhéroe del Cine Español.

Pero el revival que hemos lanzado este año y el eco extraordinario que ha tenido nuestro proyecto en la prensa nacional demuestra que Supersonic dejó su huella y forma parte efectiva del pasado colectivo. El actor José Luis Ayestarán (que ha interpretado a Tarzán, Superman y Conan) agradece el recuerdo cariñoso y cómplice de tantísima gente.

A mí, como autor del nuevo cómic de Supersonic, sólo me queda desearos una grata lectura y convocaros hasta la próxima aventura de este campeón intergaláctico que se resiste a desaparecer.

¡Que la Fuerza de las Galaxias sea con vosotros!”

Mientras esperamos a que salga el cómic, os dejamos con un avance del mismo:

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Published in: on marzo 9, 2017 at 6:56 am  Comments (16)  

Presentado el cartel oficial de FANT 2017

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Ya se ha dado a conocer el que será el cartel oficial de la vigésimo tercera edición del Festival de Cine Fantástico – FANT, que organiza el Ayuntamiento de Bilbao y que tendrá lugar del 5 al 12 de mayo en la capital vizcaína. En la imagene, se muestra a un kraken, el enorme monstruo mitológico que habita en los fondos abisales de los océanos, emergiendo de las renovadas aguas de la Ría de Bilbao a la altura de la pasarela de Pedro Arrupe, entre el Paseo de Abandoibarra y la Avenida de las Universidades.

Cuenta la leyenda que esta criatura marina, descrita comúnmente como un pulpo gigante, emergía de las profundidades, atacando con sus tentáculos a barcos y devorando a los marineros que caían por la borda. Su presencia en una de las zonas más nuevas y visitadas de Bilbao contrasta con la antiquísima leyenda de los kraken, cuyos avistamientos se llevan produciendo desde hace siglos.

En el cine la presencia de esta criatura es constante a lo largo de historia. Ya Buster Keaton en 1924 en The Navigator luchaba contra un pulpo gigante. Johnny Weissmuller, en Tarzán y las sirenas, tiene enfrentamiento titánico con un kraken, y en 20.000 leguas de viaje submarino, uno de los protagonistas de la novela de Verne es también este kraken que reaparece en FANT 23, con sus infinitos tentáculos, amenazando el apacible y recuperado ecosistema de la Ría de Bilbao.

En el apartado competitivo, el plazo para presentar películas que quieran tomar parte en alguna de las categorías de la Sección Oficial se mantiene todavía abierto hasta el día 15 de marzo. Además, se ha ampliado hasta el 7 de abril la fecha para remitir trabajos para la tercera edición del concurso de falsos trailers, tras el acuerdo de patrocinio alcanzado con DARK, canal temático producido y distribuido por AMC Networks International Iberia que comenzó sus emisiones a través de plataformas de pago el pasado 31 de octubre y que dedica el cien por cien de su programación a contenidos de terror.

Y es que, la próxima edición de FANT recuperará el Concurso de Falsos Trailers, en el que se trata de crear el tráiler o teaser –con una duración máxima de tres minutos– de una película de género inexistente, siendo en todo caso obligatorio que no haya comenzado a rodarse antes del 15 de mayo de 2017.  El jurado concederá un primer premio dotado con 1.500 euros y  será el público quien otorgue un segundo premio de 750 euros con sus votos.

FANT 23 mantiene además sus galardones a los mejores cortometrajes, según el criterio del jurado y del público del festival, que estarán dotados con 3.000 euros cada uno, y el premio al mejor corto vasco según el jurado, dotado con 2.000 euros. A estos se añaden los galardones honoríficos para largometrajes, principalmente el Premio al Mejor Largometraje de la Sección Oficial y el Premio FANTROBIA, que se concede a una persona que se haya constituido, en los últimos años, en un valor emergente del género fantástico, además de los premios de la Sección Panorama Fantástico.

Más información y bases completas en www.fantbilbao.eus

Published in: on marzo 8, 2017 at 6:57 am  Dejar un comentario  
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“Showgirls” de Paul Verhoeven en el espectáculo “Cine para chicas & maricas”

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Showgirls, considerada durante años una de las peores películas de la historia y hoy en día convertida en clásico de culto por toda una generación que la reivindica, volverá a proyectarse en pantalla grande gracias al proyecto “Cine para Chicas y Maricas”, que programará esta obra “maldita” el 9 de marzo a las 21:00 horas en el Cine de la Prensa -Plaza de Callao, 4- de Madrid.

Ganadora en 1996 de siete premios Razzie -considerados los Anti-Oscars del cine-, entre los que se incluyeron Peor Película, Peor Director o Peor Actriz Principal, el tiempo ha puesto en su sitio a esta incomprendida cinta, que en la actualidad cuenta con legiones de defensores, quienes celebran la ácida y sórdida visión del mundo del espectáculo que ofrece en su metraje.

Según recoge la información distribuida por los responsables de la proyección, el filme narra “la historia de Nomi Malone, una ambiciosa pueblerina con ganas de triunfar en el prestigioso mundo del espectáculo de Las Vegas, el cual no conoce matices: o eres mala o eres muy mala; y si eres buena, te va mal”.

Dirigida por el polémico Paul Verhoeven, que ha vuelto al cine por la puerta grande gracias al éxito de Elle -cinta nominada al Oscar y que atesora diversos premios, siendo uno de los más recientes el Goya a la Mejor Película Europea-, Showgirls, que se proyectará en versión restaurada y doblada al castellano, es “un desfile de escenas inolvidables y de citas para escribir en la carpeta o en el baño de tu bar favorito”, señalan los impulsores del evento.

“Cine para Chicas y Maricas” es un evento para adultos de carácter mensual pensado para gente sin prejuicios, donde se recuperan mayoritariamente cintas de culto que, en su mayoría, marcaron al público femenino y gay criado en los años 80 y 90, aunque eso no significa que el show no pueda ser disfrutado por toda clase de espectadores, como bien remarcan los creadores de esta iniciativa, el autor de cómic y bloguero Julián Almazán y la escritora Jimina Sabadú, quienes también ejercen de maestros de ceremonias.

Así, “Cine para Chicas y Maricas” está dirigido a un público mayor de edad pero de espíritu adolescente, con ganas de pasar un rato divertido, aunque también de lo más gamberro, ya que antes de las proyecciones se llevan a cabo distintos juegos en directo, se exhiben trailers y durante la película se invita a los asistentes a interaccionar de diversas formas con lo que ocurre en pantalla. La iniciativa, que toma su nombre de la revista de cultura pop homónima, comenzó en 2016 y ya ha programado con éxito cintas como Chicas malas, Jóvenes y brujas, Miss Tacuarembó y The Apple, esta última dentro de la programación de la reciente sexta edición de CutreCon.

Las entradas para la proyección de Showgirls dentro del show “Cine para Chicas y Maricas” ya pueden reservarse por 8 euros en la taquilla del cine y en Reservaentradas.com.

Published in: on marzo 7, 2017 at 6:54 am  Dejar un comentario  

“Cine cómico español 1950-1961. Riendo en la oscuridad”, nuevo libro de Carlos Aguilar

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Cine cómico español 1950-1961. Riendo en la oscuridad es el título del nuevo libro de uno de los más prestigiosos críticos cinematográficos de nuestro país, Carlos Aguilar. Una vez, el madrileño vuelve a poner el foco de su atención en el cine de género al que tantas obras ha dedicado a lo largo de su trayectoria. Aunque esta vez lo hace en un territorio al que hasta el momento sólo se había acercado de forma tangencial: el cine cómico español, centrándose en la abundante producción realizada durante la década de los 50 y los 60.

Extinta durante los primeros años 60, a la vez de forma natural y provocada, imposible de recrear o reproducir ya desde entonces, la Comedia española de los 50 supone un bloque superlativo en la historia del cine nacional. Homogéneo, por sus reconocibles ingredientes comunes, a la par que heterogéneo, según el abanico de variantes internas, y tan sustancioso desde una perspectiva sociohistórica como formidable en el nivel artístico. Los inolvidables actores José Isbert, Fernando Fernán Gómez, Manolo Morán y José Luis Ozores lo simbolizan desde el punto de vista humano y estelar, personalizando con brillantez la singular simbiosis de humorismo y ternura, de costumbrismo agridulce y espíritu crítico, que estableció magníficamente esta propuesta fílmico-social, en cuyo seno, en particular, debutaron el director Luis G. Berlanga y el guionista Rafael Azcona, dos talentos mayores del cine español.

Cine cómico español 1950-1961. Riendo en la oscuridad recorre tan gloriosa etapa de nuestro cine aunando querencia y rigor, contextualizando en términos sociopolíticos, diferenciando etapas y estilos, analizando las películas y desglosando las particularidades de los profesionales (directores, productores, intérpretes, guionistas, etc.) en una edición excepcional, enriquecida por cientos de imágenes diversas, en gran parte inéditas, una filmografía con la ficha de todas las producciones, numerosas citas, índice onomástico y bibliografía complementaria.

El ensayo aparece de la mano de la nueva firma Desfiladero Ediciones de Pablo Herranz dentro de su “Colección Moviola” y cuenta con una maquetación a cargo de Javier G. Romero, tan atractiva y legible comosu responsable acostumbra. Por si fuera poco, el prólogo corre por cuenta de una actriz tan representativa del periodo estudiado como Analía Gadé. Por lo demás, el volumen se compone de trescientas cuatro páginas profusamente ilustradas, de las cuales veinticuatro son a todo color y puede adquirirse a un PVP recomendado de 19,90 €.

Más información y venta online en: http://desfiladeroediciones.com/

Published in: on marzo 6, 2017 at 6:54 am  Dejar un comentario  

Entrevista a Claudio Fragasso y Rossella Drudi

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Acompañado de su inseparable pareja personal y profesional, Rossella Drudi, Claudio Fragasso visitaba Madrid a finales del pasado mes de marzo para asistir al homenaje que le dedicaba la sexta edición de la Cutrecon. Un reconocimiento que fue escenificado con la entrega del honorífico premio Jess Franco, que recibiría de manos de Enrique López Lavigne. Durante su locución, el productor madrileño destacaría el valor de Claudio para atreverse a hacer casi sin medios las películas que filmó durante los ochenta y noventa, en clara referencia a la que quizás sea la parte más famosa de su dilatada carrera, la serie de exploitations que manufacturara febrilmente durante aquellos años codo con codo junto con Bruno Mattei.

Centrados durante los últimos tiempos en la confección de thrillers de denuncia social, herederos de algún modo del grandioso poliziesco italiano de los setenta en el que ambos participaran en calidad de guionistas, y que de algún modo les ha valido un reconocimiento por parte de la crítica oficial del que carecían hasta entonces, Carlo y Rossella se plantean ahora volver al género por el que son asociados por aficionados de todo el mundo, el fantástico y, más específicamente, el terror, tal y como nos confesaron en la siguiente entrevista, que complementa la que ya les realizáramos hace unos años en Barcelona.

Claudio Fragasso mostrando al público el premio Jess Franco con el que Cutrecon le galardonó por su trayectoria.

Cutrecon te homenajea con el galardón Jess Franco como reconocimiento por tu trayectoria, en especial por Troll 2, película que, con el transcurrir de los años, ha devenido en título de culto para aficionados en todo el mundo. ¿Esperabas cuando la realizabas que consiguiera despertar esta pasión?

Claudio Fragasso: A lo largo de mi carrera he hecho muchas películas de miedo, y en principio esta era una más. La única diferencia es que, dado que el productor nos había impuesto la condición de que en la película no debía aparecer sangre, hicimos que la que se viera fuera verde por la clorofila. Con este condicionante, cuando fuimos a rodar la película a los Estados Unidos decidí que fuera una película divertida. Así que me decanté por la exageración que se puede ver en escenas como la del chico convertido en planta o el famoso plano de “Oh, my God!”, entre otras cosas porque me encantaba hacer algo así, una especie de cartoon. Y aunque los actores no eran realmente actores profesionales, me gustaba porque así daban esa imagen de sobreactuados.

Sin embargo, en su momento Troll 2 fue lanzada como si fuera una película de terror al uso, lo que hizo que no se entendiera y recibiera muy malas críticas. Ya me había olvidado de ella como quien dice cuando un día me llama a Italia uno de los actores que aparecían en ella y me pide que mire en Internet, porque la gente dice que esa película, que antes la consideraban tan mala, es ahora la mejor. Esto fue en 2005, y todo este fenómeno increíble ha seguido manteniéndose e incluso creciendo hasta llegar al día de hoy.

Ya que lo mencionas, ¿qué te parece toda la fenomenología que se ha generado en torno a la película, hasta el punto de ser denominada como “la mejor peor película de la historia”, tal y como reza el título del documental que se realizara sobre ella?

F.: Toda esta fenomenología que hay sobre la película, o que se hiciera un documental sobre ella, es algo que todavía no puedo comprender.

Rossella Drudi: Nos llaman de todo el mundo para invitarnos a proyecciones de la película. Incluso, en una universidad de Canadá nos homenajearon otorgándonos el honoris causa en antropología. ¡Es fantástico! (risas)

F. Hace tres o cuatro años Eli Roth estuvo presentando en el festival de Roma una de sus películas y tuvo un encuentro con todos los directores italianos de cine de terror. En un principio yo no estaba en la reunión, pero me llamó un amigo diciendo que Eli Roth había pedido expresamente que yo fuera. Así que sin pensarlo mucho fui y allí estaban Umberto Lenzi, Ruggero Deodato, Lamberto Bava… Pero cuando llegamos Rossella y yo, Eli Roth vino corriendo emocionado gritándome “¡Claudio Fragasso! ¡Tu eres el director de Troll 2! Amo esa película”. Entonces se abre la cazadora y me muestra la camiseta que llevaba debajo, que era de Troll 2. Mientras tanto, los otros directores italianos se miraban entre sí como preguntándose “¿pero este quién es?”

Es un fenómeno a escala mundial. No solo ocurre en Norteamérica, sino también en Europa: en España, Inglaterra, Francia, Alemania, Hungría, Noruega, Suiza… Ahora, si vas a preguntarme el porqué, no lo sé. Pero estoy contento con ello.

Troll 2 fue producida por Filmirage, la productora de Joe D’Amato.  Aunque ya habíais tenido oportunidad de trabajar para él en otras oportunidades, ¿cómo era D’Amato como productor?

F.: Aristide era el mejor. Era una gran persona y si él entendía que eras la persona adecuada para rodar lo que te había pedido confiaba mucho en ti y te daba una gran libertad. He trabajado con muchos productores, pero como Aristide no ha habido ninguno.

R: D. Era el Roger Corman italiano. Aparte, era un hombre muy generoso, muy altruista y una persona muy creativa. Podía ser director de fotografía, encargarse del montaje, dirigir, escribir el guion… Hacía de todo. Era único. Por ejemplo, guardo de él una pequeña anécdota. Estando en los Estados Unidos durante el rodaje de Troll 2, cuando llevábamos unas dos semanas se me acerca un día en el set y me pide que le siga. Me llevó hasta un cementerio indio y me pregunta: “Rosella, ¿qué te inspira este lugar?” Entonces le respondo que una historia de fantasmas y me dice: “De acuerdo, escríbela”. Y con ese guion rodó una película en los Estados Unidos con un director norteamericano. Así era Aristide.

Rossella y Claudio junto a Carlos Palencia y Paco Fox durante la rueda de prensa de presentación a los medios de Cutrecon VI

Al margen de Troll 2, la trayectoria de Claudio es recordada por tu fructífera colaboración con Bruno Mattei. ¿Cómo le recuerdas?

F.: A Bruno le considero mi padrino, porque, además, no tenía el carácter fuerte que suelen tener los directores. No era Kubrick, obvio, pero era Bruno Mattei. Y él me enseñó mucho sobre el oficio. Porque Bruno era muy buen montador y yo era muy bueno como guionista. Entonces, algunas veces rodaba solo Bruno y otras solo yo, y entre ambos nos complementábamos. Por ejemplo, recuerdo que cuando comencé a dirigir no le daba demasiada importancia al montaje. A mí solo me importaba hacer la escena con los actores, y Bruno me decía que estaba equivocado, que tenía que tener en cuenta el montaje a la hora de rodar como hacía él. Sin ir más lejos, en el rodaje de Apocalipsis caníbal su mayor preocupación era cómo insertar los planos del documental con lo que estábamos rodando. Así que junto con él empecé a trabajar en la sala de montaje y comprendí que tenía razón. Y de esa moda funcionábamos: yo compensaba las carencias de Bruno como guionista y él mis carencias como montador. Y no nos fue mal: juntos trabajamos a lo largo de veinte años.

Muchas de aquellas películas fueron filmación back-to-back para abaratar costes. Ni qué decir tiene que planificar un rodaje de estas características resulta algo sumamente lioso. ¿Cómo os repartíais el trabajo en estos casos?

F.: No es que fuera una cosa de Bruno y mía esta especialización, sino que eran las productoras las que nos encargaban esta clase de proyectos. Nos decían: rodadnos dos películas por el precio de una. Pero más allá de eso, la planificación no tenía mayores dificultades que las de cualquier otro rodaje.

Sin lugar a dudas, uno de los rasgos característicos de tu filmografía conjunta con Mattei reside en la evocación de ingredientes de ciertos films de éxito, algo que por otra parte era bastante habitual en el cine italiano de género coetáneo, y que llegaba hasta el punto de que algunos de vuestros films fueran lanzados en según qué mercados haciéndose pasar como secuelas apócrifas…

F.: En muchos casos la elección de esos títulos era cosa de la productora o la distribuidora. En Terminator 2 el título original era Shocking Dark, Troll 2 se llamaba en un principio Goblin y Non aprite quella porta 3[1], Night Killer.

D.: Otras veces, dos o tres años después de hacer la película veíamos que cambiaban el título para que resultara más comercial en ese momento y pudieran seguir explotándola comercialmente…

¿Y los productores no os pedían que la película se pareciera a algún éxito de esos momentos?

F.: Si, claro. Recuerdo con Bruno el caso de hacer una especie de Depredador, y rodamos Robowar. O un periodo en el que rodábamos en Filipinas una tres o cuatro películas en un año que seguían la estela de Rambo.

D.: Todas con muy poco dinero. Cop Game, Double Target, Strike Commando 1 y 2

F.: Fue una buena escuela para aprender. Tanto es así que, cuando años después rodé en Italia Camino sin retorno, mucha gente me felicitaba por las escenas de acción, y si salieron tan bien fue por la experiencia previa que me había dado el participar en todas estas películas.

El productor español José María Cunillés y Claudio Fragasso presentando “Apocalipsis caníbal” al público de la sala 2 del Cine de la Prensa.

Dos de vuestros proyectos conjuntos que se salen un poco de este patrón, precisamente, es un par de westerns que rodasteis en coproducción con España titulados ¡Scalps! Venganza india y Apache Kid, en una época en el que este tipo de cintas habían dejado prácticamente de realizarse en Europa…

F.: Eso fue cosa de la productora italiana, la Beatrice Film de Roberto Di Girolamo, con la que ya habíamos trabajado antes varias veces. Ellos fueron los que tuvieron la idea de hacer dos westerns; uno dirigido por Bruno y otro por mí. Yo estuve encantado, ya que considero a Sergio Leone el más grande director de todos los tiempos. Y este proyecto me daba la oportunidad de ir a Almería a rodar dos westerns en los mismos escenarios que él utilizó en sus películas. Rodé en varios sitios en los que el hizo La muerte tenía un precio y Hasta que llegó su hora. Aparte de esto, quise homenajearle en la película y, entre otras cosas, incluí un triello, es decir, un duelo entre tres personajes, como en El bueno, el feo y el malo.

Una curiosidad. En algunas bases de datos se acredita al actor Richard Harrison como coautor de la historia de ¡Scalps! Venganza india. ¿Es cierto este dato?

F.: El hijo de Richard Harrison, Sebastian Harrison, era el protagonista de Apache Kid, por lo que pudiera ser que la primera idea fuera suya. Es curioso, porque años antes Richard Harrison protagonizó un par de poliziesci que escribí cuando comencé como guionista en los años setenta: Napoli… i 5 della squadra speciale e I guappi non si tocano, ambos de Mario Bianchi.

Junto con Mattei también trabajaste para la Cannon. ¿Cómo fue trabajar para tan mítica productora, de la que circulan tantos rumores sobre su particular forma de funcionar?

F.: Sí, en Hercules and the Sevent Gladiators[2]. Era un robo todo. Melan y Goblus hicieron una productora de mierda que no era muy honesta. Entonces Bruno y yo teníamos que enfrentarnos todo el rato a problemas. Un ejemplo: la figuración. Al inicio del día teníamos a cincuenta personas de extras. Sin embargo, cuando pasaba una hora había veinte, y tres horas más tarde solo había diez. ¡Va fan culo! (Risas). Así que el rodaje me lo pasé constantemente enfadado.

Rossella, Claudio, el actor Emilio Linder y José María Cunillés.

Pasemos a Zombie 3, película originalmente de Lucio Fulci, pero que tras su abandono os encargasteis de acabar entre Bruno y tú. Del montaje final, ¿cuánto pertenece a lo rodado por Fulci, y cuánto a lo rodado por ti y Mattei?F.: No te puedo decir eso porque no sería justo. La película es una película de Lucio Fulci que él no pudo terminar porque estaba enfermo con un tumor en el hígado. Tras su marcha, el productor me llamó muy enfadado, pidiéndome que le ayudara a terminar la película aprovechando lo ya rodado, a lo que accedí, encargándose Rossella de reescribir el guion de nuevo. Después de varios cambios, y cuando había escrito entre treinta y cuarenta minutos de historia nuevos, el productor nos dijo que teníamos que ir inmediatamente a Filipinas para rodar este material, ya que tenía prisa para llegar a tiempo a la fecha de estreno que había pactado con los distribuidores.

D.: Claudio estaba en Roma, pero Bruno estaba en Filipinas. Así que en cuanto llegamos Claudio se puso en contacto con Bruno para contarle la situación y pedirle que nos echara una mano.

F.: Dadas las prisas, le propuse hacerlo entre los dos, como habíamos hecho tantas veces, y él aceptó.

D.: Es gracioso, porque hay una escena con un zombi en el fuego que todo el mundo atribuye a Fulci y no es verdad. En realidad es de Claudio y Bruno.

F.: En cualquier caso, lo primero que hice antes de embarcarme en el proyecto fue ponerme en contacto con Fulci para saber si él me daba su autorización, porque al fin y al cabo era una película suya. Después él dijo muchas cosas inciertas sobre cuál había sido realmente su participación, pero, bueno, hay que tener en cuenta que Lucio era una persona muy particular.

Precisamente, el protagonista de Zombie 3 fue el hoy reputado realizador especializado en el medio televisivo Deran Serafian, hijo del también director Richard C. Serafian, y para el que poco tiempo antes habías escrito el guion de su película Interzone...

D.: Bueno, he de decir que Interzone realmente la escribí yo…

F.: Conocí a Deran Serafian cuando vine a España a rodar Leviatan / Monster Dog. En el periodo que rodé esta película Deran estaba rodando para la misma productora Cosmos mortal. A raíz de este contacto Deran y yo comenzamos a tener cierta amistad. Cuando llegó a Roma, y como también la que era entonces su novia, Beatrice Ring, era amiga nuestra, volvimos a vernos. Todo el tiempo se quejaban de que tenían que hacer algo porque no tenían dinero, por lo que les presenté a Lucio Fulci, quien estuvo de acuerdo en que ambos participaran como actores en Zombie 3. Después, esta stronza (perra) de Beatrice Ring ha dicho como que se arrepentía de haber hecho esa película, pero lo que no se acuerda es cuando se estaba muriendo de hambre.

En 1993 con Teste rasate dais un giro a vuestra trayectoria, iniciando una serie de películas ambientadas en entornos delictivos y con un acento social, algunas de las cuales serían realizadas para la televisión…

F.: A mediados de los noventa, las películas de terror de bajo presupuesto en las que solíamos trabajar cada vez eran más baratas, porque los norteamericanos empezaron a hacer películas de género baratas, con la diferencia de que el barato para los yanquis es una película con cierto nivel de producción. Vi que no era un buen momento para aquel tipo de cine y pensé en hacer algo en Italia.

D.: Hasta entonces habíamos sido unos cineastas emigrantes. Mientras Claudio era conocido en todo el mundo, en Italia en cambio nadie sabía quién era. Sin embargo, Teste rasate, que era un film muy fuerte, muy violento, de denuncia social, nos sirvió como carta de presentación en Italia.

F.: Después de Teste rasate vino Camino sin retorno, y empecé un periodo de mi carrera centrada en films de acción y de denuncia social.

D.: De esta etapa, uno de nuestras películas que más me gusta es Coppia omicida, que trata el problema de la incomunicación de la pareja a través de las andanzas terroristas de un par de asesinos interpretados por Raoul Bova y Raz Degan: en el amor, en el afecto… Todo ello sin dejar de ser un thriller con mucha acción. Por desgracia en Italia no funcionó, aunque en otros países como Estados Unidos, Alemania o Francia fue bastante bien.

Y de cara al futuro, ¿cuáles son vuestros próximos proyectos?

F.: Una película de miedo. Hay varias en proyecto, la primera de las cuales se llama Zombie Mamma y es una historia muy fuerte de zombis con trasfondo social y un toque muy particular. Tenemos que empezar una nueva carrera y pensamos hacerlo volviendo a las películas de miedo.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías: Juan Mari Ripalda

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[1] N. d. a.: Non aprite quella porta es el título italiano de La matanza de Texas.

[2] N. d. a: Ignoro si dicho título era el original del proyecto, pero la película resultante fue estrenada con el título original de I sette magnifici gladiatori y el hijo de Zeus no aparecía por ningún lado, si bien el personaje principal corría por cuenta de Lou Ferrigno, quien por aquellas mismas fechas había encarnado a dicho personaje también para la Cannon en El desafío de Hércules. Teniendo en cuenta que lo que en principio eran escenas adicionales para I sette magnifici gladiatori acabarían desembocando en la confección de una improvisada secuela a cargo de Luigi Cozzi de la previa El desafío de Hércules con La furia del coloso, no se puede descartar que, en origen, la película de Mattei y Fragasso estuviera planteada como otra aventura del semidios.

Published in: on marzo 3, 2017 at 11:25 am  Dejar un comentario  
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“Elle” de Paul Verhoeven encabeza los lanzamientos de Cameo para este mes de marzo

Entre el listado de lanzamientos que pondrá en tiendas Cameo este mes de marzo, donde figuran lo último de Ken Loach con Yo, Daniel Blake, Palma de Oro a la Mejor Película en el pasado Festival de Cannes, o el recientemente ganador del Goya al Mejor Documental Frágil equilibrio, destacamos dos novedades por encima del resto.

elle

La primera de ellas viene de la mano de Avalon y se trata del que ha supuesto la vuelta detrás de las cámaras del holandés Paul Verhoeven. Nos referimos a Elle, en la que el director de Los señores del acero o Instinto básico vuelve a levantar polémica con esta historia en la que una exitosa ejecutiva, interpretada por una inmensa Isabelle Huppert, busca llevar a cabo su venganza tras ser asaltada por un intruso en su propia casa. Galardonado con los Globos de Oro a la Mejor Película Extranjera y Actriz, ganador en los Goya del premio a la Mejor Película Europea y nominado al Oscar a la Mejor Actriz, este thriller psicológico de alto voltaje verá la luz en dos versiones: Dvd y Blu-ray, formato que lo hará en una edición especial con faja dorada. En ambos casos, se incluirá la película con tres pistas de sonido correspondiente a su versión original en francés así como los doblajes al catalán y al castellano, subtítulos en estos últimos dos idiomas y veinte minutos de contenidos extras, entre los que destaca una entrevista al propio Verhoeven.

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De muy diferente perfil es el otro de los títulos en cuestión. Se trata de Terra Formars, adaptación del homónimo manga de cyber-punk por el incombustible Takashi Miike quien vuelve a mostrarse una vez más fiel a los excesos que conforman buena parte de su particular estilo. El argumento de la cinta nos sitúa  en pleno siglo XXVI, siguiendo los pasos de un grupo enviado a Marte con el objeto de quinientos años después de que la Humanidad decidiera empezar el proceso de eliminar a todas las cucarachas que fueron enviadas al planeta rojo quinientos años antes para que ayudarán a generar una atmósfera respirable por los seres humanos. Lo que el grupo no sabe es que en todo este tiempo las cucarachas han evolucionado, convirtiéndose en humanoides con una fuerza y agilidad extrema, que procesan, además, un odio visceral hacia los seres humanos. Al igual que Elle, aunque este caso editado por Mediatres y Winds of Asia, TerraFormars ve la luz en Dvd y Bluray, con la película en versión original en japonés y doblada al castellano, subtítulos en castellano e imagen en su aspect ratio original con mejora anamórfica. Como extras, se incluyen en formato audiovisual una entrevista al director y la première de la película en la pasada edición del Festival de Sitges, así como un libreto de cuarenta páginas escrito por Mike Hostench, subdirector del certamen catalán.

Más información en: http://www.cameo.es/

Published in: on marzo 2, 2017 at 6:53 am  Dejar un comentario  

Anunciadas las fechas y el leitmotiv de TerrorMolins 2017

A comienzos de la semana pasada la organización del longevo Festival de Cine de Terror de Molins de Rei anunció que la celebración de su edición de este 2017 tendrá lugar entre los próximos 10 y 19 de noviembre, manteniendo los diez días de duración a los que se amplió el año pasado, desvelando asimismo cual será su leitmotiv, en el siguiente comunicado de prensa:

Si el año pasado dedicamos el certamen a las mutaciones, tras haberlo dedicado a las fobias en 2015, este año nuestro leitmotiv lleva por título “Haneke or the edge of horror. Una clara intención de explorar los límites del cine de terror que año tras año expande y reformula las normas del género.

Poco hay más personal que valorar la sensación de miedo que sufre, o disfruta, cada espectador al ver una u otra película. Ya sean filmes oficialmente etiquetados como thriller, suspense, intriga, policíacos o puramente de terror, cada espectador los vive de forma única por su personalidad, estado de ánimo y receptividad del momento, y sólo él mismo puede decidir si ha sentido miedo en algún momento, plano o escena. De ahí que sea tan difícil establecer un criterio general que consiga delimitar lo que es el terror.

También las propias experiencias personales pueden provocarnos sensaciones de auténtico terror al evocarnos una película el recuerdo de un momento, vivencia o situación concretos. Por eso todo fanático del género que nos entusiasma, el terror, habrá sin duda alguna vez reflexionado sobre qué está considerado terror y qué no, es decir, sobre los límites del género. Ante todo amamos el cine de terror y este es un debate que nos resulta apasionante.

Os invitamos este año a explorar este polémico concepto con nosotros y contamos con todos vosotros para debatir, comentar, conversar y opinar sobre el leitmotiv de la edición del TerrorMolins 2017: the edge of horror.”

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En el mismo comunicado, este protagonismo del que gozará la obra de Michael Haneke es presentado por el director artístico del festival, Albert Galera, con las siguientes palabras:

“Debemos agradecer a Michael Haneke la capacidad malsana para reinventar el género de terror, por haber cruzado las fronteras de la moralidad, por explorar los territorios más oscuros que genera esta sociedad enfermiza y sin esperanzas a partir de unas propuestas que combinan cine de calidad extrema y las más profundes reflexiones sobre el comportamiento desequilibrado y monstruoso del ser humano. Este año, el director franco-austríaco de las dos versiones de Bunny Games, El vídeo de Benny, Caché o Amor celebra el setenta y cinco aniversario, una efeméride que no podíamos dejar de lado desde el TerrorMolins, el festival que, en esta edición se preguntará, más que nunca, dónde está el límite del terror y hasta dónde puede llegar el comportamiento cotidiano de las personas cuando la perturbación se apodera de su alma. Bienvenidos al mundo trastornado e irresistible del gran Michael Haneke.”

Más información: http://www.molinsfilmfestival.com/

Published in: on marzo 1, 2017 at 6:55 am  Dejar un comentario  

Video-entrevista sobre su participación en “Stop Oven in Hell” a Enzo G. Castellari, quien el viernes asistirá al pase de la película en la Muestra Syfy

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Por más que su presencia apenas haya sido publicitada hsata el momento, Enzo G. Castellari será uno de los invitados más destacados con los que contará la XIV Muestra Syfy de Cine Fantástico que se celebrará desde el próximo jueves hasta el domingo en el Cine de la Prensa de Madrid. El mítico director italiano, responsable de títulos tan emblemáticos del cine de género europeo como Keoma, el díptico Los guerreros del Bronx o Aquel maldito tren blindado, film que, como es sabido, le serviría de inspiración a Quentin Tarantino para dar forma a su Maldito bastardo, visitará el certamen madrileño dentro del equipo de Stop Over in Hell que el viernes presentará el pase de este western que ha supuesto la tercera película de ficción de Víctor Matellano. En ella, Castellari interpreta a Zingarelli, un representante de betunes que viaja en diligencia y guarda muchos secretos.

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Colin Arthur, Víctor Matellano, Enzo G. Castellari y Manuel Bandera posando durante una pausa del rodaje de “Stop Over in Hell”

Coincidiendo con esta visita, el departamento de prensa de Stop Over in Hell ha difundido una video-entrevista grabada durante el rodaje de la película en la Dehesa de Navalvillar de Colmenar Viejo, la misma localización donde Castellari debutó como director en Alambradas de violencia / Pochi dollari per Django –oficialmente acreditada a León Klimovsky- y donde también rodaría Mátalos y vuelve / Ammazzali tutti e torna solo con el protagonismo de Chuck Connors.

Published in: on febrero 28, 2017 at 8:08 am  Dejar un comentario  
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El 1 de marzo sale a la venta “Doctor Extraño” en DVD, Blu-ray y Blu-ray 3D

El próximo 1 de marzo Disney lanza el mercado uno de las más recientes adaptaciones de Marvel. Se trata de Doctor Extraño (Doctor Strange), que verá la luz en formato doméstico en diferentes formatos. La película, dirigida por Scott Derrickson, responsable de Sinister, El exorcismo de Emily Rose o el remake de Ultimátum a la Tierra, narra como mientras busca una cura, un neurocirujano mundialmente conocido descubre una poderosa magia en un lugar misterioso conocido como Kamar Taj – la primera línea de una batalla contra fuerzas oscuras e invisibles dispuestas a destruir nuestra realidad.

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Como decimos, Doctor Extraño será comercializada en diferentes ediciones. Según las características facilitadas, en DVD se incluirá la película en su aspect ratio original de 2.39:1 con mejora anamórfica, pistas de sonido en versión original, castellano e hindi codificadas en 5.1, más una pista en inglés con audio descriptivo en estéreo, subtítulos en castellano, sueco, portugués, noruego, islandés, danés, danés e inglés codificado para sordos y sin ningún tipo de extras.

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Por su parte, la edición en Blu-ray, también disponible en una edición especial en caja metálica, repite a grandes rasgos las características técnicas del Dvd, con la diferencia de que su apartado sonoro se divide entre una pista en inglés codificada en 7.1 DTS-HD Master, otra en castellano en 5.1 DTS Digital Surround, hindi en Dolby Digital 5.1 y una ultima con audio descriptivo en inglés en Dolby Digital 2.0. En este caso si que se añade un amplio número extras, con más de una hora de reportajes sobre diferentes aspectos de la cinta, un audiocomentario de Scot Derrickson (subtitulado al castellano), tomas falsas, escenas eliminadas y extendidas, entre otros contenidos.

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Por último, la edición en Blu-ray 3D se compone de dos discos. El primero, lógicamente, presenta la película en su versión en tres dimensiones con las mismas características técnicas de la edición Blu-ray normal, la cual se incluye íntegra en el segundo disco.

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Además, Disney también anuncia la publicación el 29 de marzo de uno de los últimos grandes éxitos de la factoría, Vaiana, que llegará también en Blu-ray, DVD y edición en caja metálica. Antes, desde el 24 de marzo estará disponible en plataformas digitales esta aventura épica sobre una vivaz adolescente que zarpa en una misión intrépida para salvar a su pueblo. En el camino, Vaiana conocerá al poderoso semidiós Maui y, juntos, cruzan el océano en un viaje lleno de acción y diversión.

Published in: on febrero 27, 2017 at 6:56 am  Dejar un comentario  

Crónica de CutreCon VI

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No lo tenía fácil sobre el papel esta sexta edición de CutreCon, el Festival Internacional de Cine Cutre de Madrid. Tras el importante salto cualitativo dado el pasado año, esta nueva CutreCon se presentaba con la exigencia de cuanto menos igualar, si no superar, lo ofrecido por el certamen hace ahora doce meses. Un reto complicado, sin ninguna duda, pero que una vez finalizada podemos decir que ha superado con creces. No solo eso, sino que el evento organizado por el especializado portal cinecutre.com ha vuelto a dar un nuevo paso adelante en el asentamiento y proyección de su propuesta. Sin ir más lejos, en las semanas previas a su celebración se organizó por primera vez la denominada PreCutreCon, un evento totalmente gratuito que, además de servir de plataforma desde la que promocionar el festival, resultó un excelente aperitivo de cara a calentar motores, gracias a la proyección de la inenarrable Karate contra mafia (1981), primer film de artes marciales rodado en España y que ya había sido visto durante la cuarta edición, en la que se homenajearía con el honorífico premio Jess Franco a su director, Ramón Saldías. Del mismo modo, también hubo espacio para la incorporación al programa de formatos ajenos, caso del espectáculo interactivo “Cine para chicas y maricas” que protagonizó la sesión golfa del viernes y que, en sintonía con el leitmotiv elegido como hilo conductor a la edición de este año, el cine musical, tuvo como guinda el futurista, discotequero y, en última instancia, hortera film de la Cannon La manzana (The Apple, 1980), escrito y dirigido por el que fuera el principal ideólogo de la mítica productora, Menahen Golam.

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Aunque quizás la mejor prueba del crecimiento experimentado por CutreCon estuvo en el nuevo aumento de espectadores registrado, tanto en las sesiones gratuitas como, sobre todo, en las de pago. Si ya el año pasado se rozó el lleno en varias ocasiones, esta vez hubo que colgar el cartel de “no hay billetes” en un buen número de los pases. La prueba más ilustrativa a este respecto se encuentra en lo sucedido en uno de los platos fuertes de la edición. Hablamos, obviamente, del programa doble compuesto por Troll 2 (1990) y Apocalipsis caníbal /Virus (1980) que sirvió para escenificar la entrega del Jess Franco al invitado especial de este año, el director y guionista italiano Claudio Fragasso. Pues bien, por motivos ajenos a la organización, un problema en la venta de entradas provocó que se despachara un número de localidades superior al aforo de la sala 2 del Cine de la Prensa donde debía desarrollarse el evento, motivo que obligó a que se habilitara la sala 3 del multicine con el fin de poder ubicar a todo el público congregado. Mientras se aclaraba la cosa, en un detalle que le honra, el homenajeado amenizaría la espera improvisando una presentación en la que, entre otras cosas, afirmaría que el tono cómico de Troll 2 está buscado a propósito. En el mismo sentido, también cabe comentar a modo de curiosidad que si antes de dicha película Fragasso recibía el mencionado galardón de manos de Enrique López Lavigne, para presentar la siguiente Apocalipsis caníbal el también conocido como Clyde Anderson estuvo acompañado por otro productor, en este caso José María Cunillés, responsable de la parte española de la película y auténtica leyenda viviente de nuestro cine.

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Parte del equipo de “Cine Basura: La película” durante el post screaning con Miguel Ángel Aijón, Natalia Bilbao, Paco Fox y Miguel Ángel Viruete.

Ni qué decir tiene que Fragasso y su esposa y colaboradora habitual, Rossella Drudi, se erigieron en los grandes protagonistas de CutreCon 2017. Pero si bien los más mediáticos, no fueron, ni mucho menos, los únicos. Con la sala 1 del Cine de la Prensa repleta hasta los topes, el jueves 26 se daba el pistoletazo de salida a esta edición con la presencia tanto sobre las tablas del escenario como entre el patio de butacas de gran parte del equipo de Cine Basura: La película (2016), con sus directores y principales ideólogos Paco Fox y Miguel Ángel Viruete a la cabeza. El que dicho título fuera el escogido para esta sesión inaugural se antojaría del todo consecuente, habida cuenta de tratarse del primer film rodado en España que parodia / homenajea el cine cutre, circunstancia esta que es refrendada por las numerosas referencias cinéfilas que se acumulan a lo largo de su metraje, pero también en vista de la participación activa en la cinta de destacados miembros de la organización.

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En el centro Cem Kaya atendiendo a las preguntas del público tras el pase de “Remake, Remix, Ripoff”.

El otro nombre propio que dejaría esta edición lo tendríamos en Cem Kaya, director de Remake, Remix, Ripoff (2014), con todo merecimiento el gran descubrimiento de esta CutreCon. Concebido inicialmente para su emisión en la televisión germana, el documental se zambulle en la época dorada de la industria de cine popular turca, con especial atención para los descarados exploitations que entre finales de los setenta y comienzo de los ochenta manufacturara con menos medios que vergüenza. En contra de lo que pudiera parecer en un principio, el film no se limita a repasar únicamente los aspectos por los que a día de hoy son conocidos estos films en Occidente, sino que sobre esa base Kaya reflexiona sobre el modo en el que la cultura popular se alimenta de la repetición de historias, al tiempo que a través del testimonio en primera persona de varios de sus implicados incide en las duras condiciones laborales y técnicas que aquellos profesionales tuvieron que hacer frente para llevar a cabo su trabajo y que, según se muestra, aún perviven en la moderna televisión otomana. Para el recuerdo queda la estremecedora confesión de Çetin İnanç, director del conocido como “el Star Wars turco”: “¡Qué más habría querido yo que dedicarme a otra cosa que no hubiera sido ser director de cine!” En definitiva, un trabajo imprescindible y reivindicable, gracias a su visión poliédrica, capacidad informativa y variedad de enfoques.

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Carlos Palencia y Vera Montessori volvieron a ser una vez más los maestros de ceremonio de CutreCon.

Remake, Remix, Ripoff se encuadraría dentro de “Documentrash”, la sección consagrada al formato documental que, en su segunda encarnación, se confirmó como una de las propuestas más interesantes del programa. Al igual que el año pasado, su desarrollo se concentró en una sesión doble celebrada en la mañana del domingo, si bien en esta ocasión cambiando el Cine de la Prensa por la sala Artistic Metropol, lugar en el que se aglutinarían todas las proyecciones de la última jornada. Junto con Remake, Remix, Ripoff, el otro integrante de la dupla seleccionada, en su première europea, fue el notable Doomed! (2015), en el que se desgranan las vicisitudes de la adaptación de Los Cuatro Fantásticos producida en 1994 por Roger Corman. Pero más allá de arrojar luz a los pormenores de tan controvertida producción, se trata, sobre todo, de la historia de cómo la industria jugó con el trabajo y las ilusiones de un grupo de profesionales que esperaban lanzar sus carreras por medio de una película que, en realidad, no se pretendía siquiera estrenar, ya que su puesta en marcha solo era una triquiñuela de los ideólogos del proyecto con la que retener los derechos sobre sus personajes protagonistas. Un retrato descarnado de los turbios intereses que, en ocasiones, esconden el modo de funcionar de la industria cinematográfica, en especial la hollywoodiense, aunque en este caso esconda un acto de justicia poética. Y es que, aunque ningún miembro de su equipo alcanzaría el estrellato con el que soñaban, como muy acertadamente apunta uno de sus partícipes, las peculiares circunstancias que rodearon su existencia han motivado que con el discurrir de los años la película haya alcanzado una relevancia y trascendencia que difícilmente habría disfrutado de haber conocido en su momento una distribución comercial normalizada.

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El carácter eminentemente cinéfilo de Remake, Remix, Ripoff y Doomed! no quitaría para que la principal razón de ser de la oferta de CutreCon volviera a estar en el goce y disfrute que se deduce del visionado de hilarantes exponentes de Serie B o Z. Aunque, en honor a la verdad, en esta sexta edición no todo fue cine cutre, y también hubo espacio para otros títulos de un mayor nivel de producción y acabado formal del que suele ser habitual en las películas programadas por el certamen. Es el caso de Action Jackson (2014), protagonista de la sesión golfa del sábado; toda una superproducción bollywoodiense, de deslumbrante poderío visual y técnico, cuya inclusión en el certamen obedecería a unas hiperbólicas escenas de acción, el delirio de sus multitudinarios números musicales y un sentido del humor y el romanticismo de lo más peculiar para nuestros ojos occidentales. Action Jackson sería la punta de lanza de la nutrida concurrencia de films procedentes del país asiático entre la nómina reunida, si bien el resto de sus compatriotas lo harían formando parte de alguno de los maratones programados.

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Cola para acceder a una de las sesiones celebradas en el Auditorio de la Casa del Reloj, imagen que se reproduciría a lo largo del fin de semana.

El primero de ellos en sentido cronológico fue BCN Knockout (2013), historia de amor y mafia singularizada por ambientarse en la Ciudad Condal, en cuyos emplazamientos más emblemáticos desarrolla varias de sus secuencias musicales. Aparte de por su ambientación barcelonesa, su cuota de bizarrismo vendría dada por elementos tales como la versión en indio del famoso “Borriquito como tú” de Peret que sirve de fondo sonoro a sus títulos de crédito, o la desopilante presencia de ninjas durante su adrenalítico tramo final. Semejante mejunje cerraría el tradicional maratón gratuito celebrado en el Auditorio del Centro Cultural de la Casa del Reloj durante la jornada del sábado, y que había arrancado a eso de las once menos cuarto de la mañana con varios films para el público infantil, entre los que destacan la colorista Caperucita y Pulgarcito contra los monstruos, así como Las aventuras de Zipi y Zape, psicotrónica adaptación a imagen real de los personajes creados para la viñeta por Escobar perpetrado por el habitual del cine “S” Enrique Guevara. Tras un pequeño descanso, las proyecciones proseguirían por la tarde con Hard Rock Zombies (1985), Attack of the Beast Creatures (1985) y la ya comentada BCN Knockout. Mientras que Attack of the Beast Creatures narra cómo los supervivientes de un naufragio son diezmados por unas ridículas marionetas que se suponen los indígenas caníbales de una isla perdida, Hard Rock Zombies presentaría una interminable sucesión de videoclips a cargo de su grupo protagonista servido por medio de una trama (o así) que diríase improvisada sobre la marcha, sin que ni siquiera su pretendido tono cómico y granguiñolesco consiga redimirla.

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Momento del encuentro con los invitados celebrado el viernes en la Casa del Reloj.

Curiosamente, la crítica al conservadurismo estadounidense presente en Hard Rock Zombies la hermanaría en cierto sentido con Nudist Colony of the Dead (1991), título con el que se abrieron las sesiones celebradas en la Casa del Reloj un día antes. Proyectado en su versión remasterizada, por más que su calidad de imagen fuera bastante pobre, este musical gamberro e irreverente hace mofa de los ultra cristianos, partiendo de una premisa que deja muy a las claras sus pretensiones: un grupo de nudistas que se suicidaron tras ser desalojados del camping en el que vivían a causa de la presión de los beatos de la zona regresan de la tumba para acabar con un grupo de excursionistas de la iglesia local, que pretenden pasar unos días en sus antiguos dominios. Humor cafre, canciones pegadizas y un presupuesto paupérrimo –atención al cachondo traje de la anciana nudista– conforman la base de esta cinta que daría paso al esperado encuentro con los invitados. Durante alrededor de cuarenta minutos, Paco Fox, Cem Kaya, Claudio Fragasso y Rossella Drudi hablaron sobre sus trabajos, mientras contestaban a las preguntas que les formulaba el público en una charla de lo más animada e informativa. Con este buen sabor de boca, el cierre a la tarde lo ponía “Cine Basura” y la proyección de la película House of the Devil, con los comentarios en vivo de Paco Fox, Carlos Palencia y la colaboración especial de Vera Montessori y el youtuber Zorman. Con motivo de su emisión en Movistar + Xtra, se intentó por primera vez en la historia del programa dar entrada en directo a los comentarios de los espectadores que se encontraban visionando la película desde su casa, si bien problemas técnicos evitarían que el experimento saliera todo lo bien que hubiera sido deseable.

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Y así llegamos al final de nuestro recorrido o, lo que es lo mismo, a la maratón que, un año más, acogió la sala Artistic Metropol el domingo y que, bajo el nombre “Casiotón”, pondría el broche de oro a cuatro intensos días de cine cutre. Compuesta por cuatro títulos, el primero de ellos nos traería la première europea del que es el último trabajo hasta la fecha de un viejo conocido del certamen, Sam Firstenberg, premio Jess Franco del pasado año. Basándose en un guion inédito de Ed Wood Jr., el cineasta de origen polaco fabrica con The Interplanetary Surplus Male and Amazon Women of Outer Space (2003) un curioso artefacto de meta-ficción que reflexiona sobre las interioridades del cine de bajo presupuesto, gracias a un inteligente tratamiento que hace de sus necesidades virtud. Y de un destacado representante de la Serie B pasábamos a otro con Cenicienta 2000 (Cinderella 2000, 1977), revisión en clave de ciencia ficción y tono erótico-festivo del famoso cuento de Perrault a cargo de Al Adamson. Entre los muchos momentos a retener que provoca su visionado, citemos el número musical protagonizado por un robot con cabeza en forma de pene en el que el androide se lamenta amargamente de no tener con quién practicar sexo.

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De izda. a drcha.: Claudio Fragasso, Emilio Linder, Carlos Palencia y Rossella Drudi presentando la proyección de “Leviatán / Monster Dog” con la que se clausuraba el marotón “Casiotón”.

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Superado el ecuador de la tarde, tocaba el turno para la tercera y última de las producciones indias programadas: Golimar: The Movie [Donga, 1985], película que había creado cierta expectación por contener una surrealista versión devenida en fenómeno viral del famoso videoclip de Michael Jackson Thriller. Para ahorrar las tres horas de su versión íntegra se proyectaría en un remontaje internacional de noventa minutos, aunque no sería la única manipulación a la que sería sometido su contenido. La confección de un subtitulado que traducía de modo muy libre los diálogos y, sobre todo, las letras de las canciones, ayudaría a hacer más llevadero el visionado de este desaforado melodrama lacrimógeno. Como fin de fiesta, la organización situó el film del homenajeado Claudio Fragasso Leviatán / Monster Dog (1984), el cual contaría con una pequeña presentación a cargo de su propio director y uno de sus intérpretes principales, Emilio Linder. De este modo se ponía el punto y final a esta sexta CutreCon, aunque antes de abandonar la sala aún quedaba por desvelar una pequeña sorpresa, cuando uno de los miembros de la organización, Pedro J. Mérida, anunciara a los presentes a modo de despedida que la edición del próximo año tendrá como hilo conductor las space operas. Una excelente noticia que hace que muchos estemos ya frotándonos las manos pensando en lo que nos va a deparar la, por ahora, aún lejana CutreCon 2018.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías: Juan Mari Ripalda

Published in: on febrero 24, 2017 at 6:56 am  Dejar un comentario  
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