Presentada la programación de la tercera edición de B-Retina

b-retinacartel

El pasado viernes 7 de julio del 2017 el Castillo de Cornellá acogió la presentación de la tercera edición del B-Retina: Festival de Cinema Sèrie B de Cornellà en una cita que fue clausurada por un concierto de theremin en vivo a cargo de Víctor Estrada con el acompañamiento de Eva Sánchez al teclado.

Con el leitmotiv “Déjate abducir”, OVNIs, seres de otros mundos y otros tópicos venidos del espacio exterior definirán la temática de esta edición, que tendrá lugar del 15 al 17 de septiembre en el Auditorio del Centro Cultural de Sant Ildefons (Cornellá del Llobregat). En el acto, la organización presentó el cartel de este año, diseñado y pensado por el ilustrador Daniel Miñana (Danuto), además del nuevo logo del certamen, plagado de referentes al mundo del cine, en el que la corneja pasa a ser la protagonista, pero conservando el elemento representativo del festival: el ojo.

Durante la presentación se anunciaron todas las novedades en cuanto a títulos se refiere. Entre ellos destacan de manera especial el estreno europeo en salas de The Barn, un  divertidísimo homenaje al cine de terror de los 80, con un cierto aroma campy que remite a los slashers de la época, y la primera proyección bajo techo en la provincia de Barcelona del fenómeno de culto The Room, considerada como “el Ciudadano Kane del cine malo”. Para cerrar esta edición del B-Retina, el festival dedicará un sentido homenaje a Juan Carlos Olaria, a quien se le entregará un premio honorífico en una sesión en la que se proyectará su mítica El hombre perseguido por un OVNI, considerada por muchos como la primera película española de ciencia-ficción.

logo-b-retina-2017-2

Esta es la programación completa:

VIERNES 15/9

16:00 – The History of Future Folk (Jeremy Kipp Walker y John Mitchell, 2012 – EEUU)

18:00 – The Room (Tommy Wiseau, 2003 – EEUU)

20:00 – Documental 2000 Maníacos: 25 años de Serie B, con la presencia de Manuel Valencia

21:15 – Blood Room (Chico Morera, 2016 – España) con la presencia de Chico Morera y la actriz Sara G

23:15 – Premiere europea: The Barn (Justin M. Seaman, 2016 – EEUU)

SÁBADO 16/9

12:00 – Masterclass con Sabrina Rodríguez

14:30 – Retrospectiva: Plan 9 From Outer Space (Ed Wood, 1959 – EEUU)

16:00 – Premiere catalana: Chronicon Z (Álvaro Martín Palomo, 2016 – España) con la presencia del equipo

18:00 – Concurso de cortometrajes. Proyección de los diez finalistas y entrega de premios

21:15 – Braindead (Peter Jackson, 1991 – Nueva Zelanda). Edición director’s cut

23:30 – Colaboración con el festival Nits de Cinema Oriental

DOMINGO 17/9

12:00 – Sesión familiar gratuita: Exploradores (Joe Dante, 1985 – EEUU)

15:00 – Infección Zombie (Jacint Espuny, 2016 – España) con la presencia de su director

17:00 – Another Yeti A Love Story: Life on the Streets (Adam Deyoe y Eric Gosselin, 2017 – EEUU)

18:30 – El hombre perseguido por un OVNI (Juan Carlos Olaria, 1976 – España) con la presencia de su director

Las entradas y abonos del festival ya se encuentran disponibles en la web del festival www.b-retina.cat, donde se oferta un pack limitado de camiseta, bolsa de tela y abono para los tres días del certamen por solo 20€.

Published in: on julio 20, 2017 at 5:48 am  Dejar un comentario  

“Nocturna Madrid” presenta el cartel oficial de su quinta edición en la que añade la Cineteca de Madrid como sede

002[1]

El Festival Internacional de Cine Fantástico Nocturna Madrid ha dado a conocer el que será el cartel oficial de su quinta edición, a celebrar entre los próximos 25 y 29 de octubre. El cartel está diseñado por Daniel Fumero, sobre un concepto del productor y director José Luis Alemán que evoca la quimera del renacimiento de Frankenstein, inspirándose “en las antiguas películas protagonizadas por la criatura salida de la mente de Mary Shelley, donde una palanca vuelve a insuflar vida”. Nocturna Madrid renueva así su imagen para destacar la ciudad de Madrid que la acoge. En palabras de la organización, en el cartel“se enciende en la ciudad un nueva edición de Nocturna Madrid, sin renunciar a su esencia”.

Por otra parte, para su quinta edición el Festival Internacional de Cine Fantástico Nocturna Madrid ha anunciado que contará con el apoyo del Ayuntamiento de Madrid y con la colaboración de Cineteca Madrid que por primera vez se suma como nueva sede del festival. Con el objetivo de dar a conocer e impulsar el potencial de los creadores españoles de género, el festival desembarcará en octubre dispuesto a volver a hacer del cine fantástico una fiesta.En los próximos meses se dará a conocer la programación completa del certamen, que se repartirá entre las dos sedes ya confirmadas como nuevos espacios del festival: los cines Cinesa Proyecciones y las salas de Cineteca Madrid, ubicadas en el Matadero y gestionadas por el propio Ayuntamiento de Madrid.

Más información en www.nocturnamadrid.com y a través de los canales oficiales del festival en redes sociales: Facebook / Twitter / Instagram

Published in: on julio 19, 2017 at 5:35 am  Dejar un comentario  
Tags:

“Vial of Delicatessens” inicia su colección sobre la obra de Ted V. Mikels con el lanzamiento de “La orgía sangrienta de las mujeres demonio” y “Los come-gusanos”

Mikels

Tal y como había adelantado hace unas semanas, este mes de julio “Vial of Delicatessens” lanzará los primeros títulos de su colección dedicada al cineasta norteamericano de Serie B-Z Ted V. Mikels. Para ser más exactos, lo hará el próximo día 27 con dos de sus títulos: La orgía sangrienta de las mujeres demonio y Los come-gusanos.

LA ORGIA SANGRIENTA frontal v1

Nunca estrenada en España, La orgía sangrienta de las mujeres demonio (Blood Orgy of the She-Devils) es una de las películas más representativas del terrorífico estilo del director Ted V. Mikels, y uno de sus mayores éxitos de los años 70, en el que no falta de nada, mezclando brujería, fantasmas, sangre y exorcismos. Considerado por la especializada web “DVD Drive-In” “uno de los mejores títulos de la historia del exploitation” el film narra como Mara, la Reina de la Brujería Negra, siempre secundada por su manada de Vírgenes Voluptuosas, atrapa bajo su hechizo a la pareja formada por Lorraine y Mark. Unos horribles asesinatos arrastrarán a los protagonistas al reino del mismísimo Satán, para vivir torturas que no podían imaginar.

THEWORMEATERS_frontal_v1

En cuanto a Los come-gusanos, se trata de una demencial comedia de terror dirigida y protagonizada por Herb Robins y producida por Mikels. Con ella, se vio por primera vez en el cine (y suponemos que última) a gente que come gusanos y se transforma en monstruos desbocados, lo que propició que la película supusiera un pequeño fenómeno en los ‘drive-in’ americanos de los años 70. Robins da vida a Herman, un tipo extraño y solitario que vive en las afueras de una pequeña ciudad californiana, y que es acosado por el ayuntamiento para que abandone la casa de su propiedad, debido a que obstaculiza un plan inmobiliario. Para vengarse, el hombre libera una horda de gusanos en los suministros de agua y comida de la ciudad, lo que provoca que los ciudadanos comiencen a infectarse y a transformarse en horribles criaturas mutantes.

Distribuidas en tiendas físicas por Cameo, ambas películas salen a la venta en formato DVD a un precio recomendado de 11,95 € cada una, y se ofrecen en los dos casos en su versión original con subtítulos en castellano, imagen anamórfica en 1.78:1, así como varios extras, entre los que destacan sendos audiocomentarios a cargo de Ted V. Mikels.

Más información y pedidos en: http://vialofdelicatessens.blogspot.com.es/

Published in: on julio 18, 2017 at 5:54 am  Dejar un comentario  

El clásico de la ciencia ficción checoslovaca “IKARIE XB 1” aterriza por fin en las salas españolas

EXE IKARIE AFFICHE low

Este jueves 20 de julio se producirá el que sin duda va a ser uno de los eventos cinematográficos del año en España dentro del género fantástico. Ese día, la productora independiente Capricci Cine estrenará de forma simultánea en los cines Renoir Princesa de Madrid y Floridablanca de Barcelona IKARIE XB 1 (1963), clásico de la ciencia ficción de Europa del Este que, a pesar de su trascendencia, permanecía aún inédito en salas comerciales de nuestro país. Lo hará además en una nueva copia restaurada digitalmente en 4K por el National Film Archive de Praga, a partir de los negativos de cámara y del sonido original que se habían conservado por el NFA, y que fue presentada en la edición del Festival de Cannes de 2016, dentro de la sección “Cannes Classics”.

Paradigma de la ciencia ficción contemporánea, IKARIE XB 1 es una de las películas más importantes del director checo Jindřich Polák, especialista del género. Adaptación libre de la novela de Stanislaw Lem La nube de Magallanes, escrita en 1955, la película es una de las pocas producciones futuristas del cine checoslovaco comunista. Durante los años de la Guerra Fría, los países del bloque soviético manifestaron un interés particular por el género de la ciencia ficción, vehículo ideal de propaganda para transmitir la nueva utopía comunista. En este contexto, en plena carrera contra los Estados Unidos por la conquista del espacio, nace IKARIE XB 1, una película grandiosa, ambiciosa y costosa, en honor de la supremacía científica soviética. De este modo, para su producción se invirtieron seis millones de coronas en la producción, una suma considerable, muy por encima del presupuesto medio de un largometraje en Checoslovaquia.

Ganadora del Gran Premio (Asteroide de Oro) del Festival del film di fantascienza di Trieste de 1963 (ex‐aequo con La Jetée de Chris Marker), se convierte de inmediato en una película de culto por su espectacular diseño de producción: las maquetas de las naves, los trajes y la “moda” espacial ultramoderna, los interminables pasillos de la nave, junto a los efectos especiales de la película, constituyen una pequeña revolución artística y técnica para la época en que fue rodada. Mezclando con soltura la ciencia ficción con otros géneros como el thriller, la intriga política y el drama romántico, Polák aporta un realismo extraordinario a las secuencias del espacio, sumergiendo al espectador en una narración dinámica y un ritmo trepidante.

Adelantada a su época, IKARIE XB 1 es una de las películas clave de la historia de la ciencia ficción. Anthony Frewin, que fue durante mucho tiempo el ayudante de Stanley Kubrick, confirmó que entre todas las películas que el cineasta utilizó para preparar 2001: una odisea del espacio figuraba IKARIE XB 1. Pero su influencia puede reseguirse en muchos otros clásicos del género: sus imágenes sirvieron de referencia visual a Franklin J. Schaffner para filmar El planeta de los simios; la dimensión psicológica de los personajes inspiró a Andrei Tarkovski en Solaris; y la existencia de una nave abandonada en el espacio anticipó Alien, el octavo pasaje de Ridley Scott.

Published in: on julio 17, 2017 at 5:37 am  Dejar un comentario  

Entrevista a Pedro Olea

IMG_1549

El pasado 10 de junio, el cine fórum “La claqueta” que dirige Jesús de la Vega inauguraba su tercer ciclo de realizadores con la visita de Pedro Olea. El cineasta vasco acudía al CSA La Tabacalera para acompañar el pase de su emblemática El bosque del lobo, en una sesión en la que terminada la proyección de la película se sometería a las preguntas del público asistente. Como quiera que la oportunidad la pintan calva, que reza el dicho, terminada tan especial sesión entrevistamos al cineasta sobre los trabajos en los que se acercó a los terrenos del fantástico; es decir, la mencionada El bosque del lobo, Aquelarre y la televisiva La leyenda del cura de Bargota, una suerte de trilogía unificada por su visión antropológica de episodios supuestamente sobrenaturales basados en hechos reales.

IMG_1553

Jesús de la Vega, director del cine-fórum “La claqueta”, escucha a Pedro Olea durante el coloquio que siguió al pase de “El bosque del lobo”.

¿Cuál es tu relación con el género fantástico y de terror?

Desde crío me ha gustado el cine de terror. En esta época, cuando dejábamos el colegio de los hermanos Maristas en verano, iba junto a mis hermanos a un caserío en un monte de Vizcaya de un pariente impedido, que tenía una especie de medias pelotas de goma en las manos y en las rodillas con las que subía las escaleras medio reptando; parecía un personaje de García Márquez. Este primo maravilloso nos contaba historias de terror y asesinatos ocurridos en los alrededores. Y todo esto me condicionó. También tuvieron mucho que ver las historias de brujería que son muy típicas de la zona.

Por otra parte, soy  un enamorado de las películas de la Universal de los años treinta y cuarenta. Me parecen auténticas joyas en las que está todo el cine de terror que después ha servido de inspiración para multitud de películas del género, e incluso a Víctor Erice y su visión de Frankenstein en El espíritu de la colmena. Desde siempre me ha gustado el terror, como te digo. Lo que pasa es que nunca me he atrevido ni he querido hacer una película de este tipo. Siempre me gusta darle la vuelta y buscar el por qué y los orígenes de la maldad.

Al hilo de lo que comentas, en tus películas en las que te has aproximado al terror, predomina la visión antropológica,  además de la curiosa circunstancia de que todas ellas se basan en hechos reales…

Sí, es verdad. A mí me interesaba cómo se forman los mitos del terror. Y mi idea en estas películas era basarme en hechos reales para aproximarse en aquello que me interesa. Y así he podido hacer una película de hombres lobo, otra de brujas y estuve a punto de hacer una de vampiros con un proyecto que al final no conseguí montar monetariamente.

La primera de estas películas es El bosque del lobo, a partir de la novela El bosque de Ancines. ¿Qué te llamaba la atención del original de Carlos Martínez-Barbeito?

Yo venía de hacer mis dos primeras películas, Días de viejo color y Juan y Junior… en un mundo nuevo y veía que como no hiciera algo me iba a acabar encasillando en este tipo de películas musicales pop. Entonces, Juan Antonio Porto, que había sido el guionista de la segunda de estas películas y con el que desde entonces trabajamos juntos en muchísimas ocasiones, me habló de esta novela, que adaptaba la historia del lobisome Manuel Blanco Romasanta. Curiosamente, el bisabuelo o tatarabuelo de Porto había sido el abogado defensor de Romasanta en el juicio.  Leí la novela y la historia me pareció maravillosa. Vi que había un peliculón allí. Además, tenía ese acercamiento a un hombre lobo auténtico que me permitía investigar por mi cuenta qué podía haber de verdad en todo ello, buceando en los orígenes de esta historia sobre un lobisome. Es decir, desarrollar ese morbo infantil que tengo por estos temas y profundizar en él, en este caso a partir de una Copla de Ciego.

¿Cómo fue el proceso de adaptación entre Porto y tú de la novela?

Ya ni me acuerdo. Supongo que fuimos fieles, aunque ahora mismo no me acuerdo si el personaje del cura inglés estaba en la novela o lo metimos nosotros después, ya que es un personaje que realmente existió en la vida real, aunque antes de la época en la que transcurre la historia y con otro nombre. En cualquier caso, lo que sí te puede decir es que con Porto he escrito cinco o seis guiones y siempre nos hemos entendido muy bien. Yo en los guiones me fijo más en el desarrollo de la secuencia, en la distribución, y menos en los diálogos, por lo que necesito mucho un guionista que sepa dialogar, porque a mí me queda todo muy bilbaíno, que no es ni vasco ni castellano, y Porto era muy bueno en esta faceta.

Lo que sí te puedo decir es que la película a punto estuvo de no hacerse por culpa del autor de la novela. Le dimos un dinero en concepto de adelanto, pero pasado el tiempo nos dijo que no le interesaba que la hiciéramos, ya que Bardem se había interesado en adaptar la novela y, mientras que Bardem era Bardem, yo no era nadie. Así que tuve que reunir a toda mi familia, que aunque no es que seamos ricos sí que somos muchos, y con el dinero que me dieron entre todos pude hacer la productora que financió la película e igualarle al novelista la oferta económica que le había hecho Bardem.

El-bosque-del-lobo

Uno de los aspectos que más llama la atención de la película es su cuidada recreación histórica, ya sea la forma de hablar de los personajes como el retrato de usos y de costumbres de la Galicia de la época. ¿Cómo trabajasteis esta faceta?

Lógicamente nos documentamos. Por otra parte, siendo Porto gallego lo teníamos fácil. Es algo similar a lo que me ocurrió años después en Pim, pam, pum…  ¡fuego! Yo no conocía la posguerra en Madrid, porque yo entonces era un jodido crío que vivía en Bilbao, pero Azcona, que era el coguionista de la película, sí. Entonces, tener a tu lado a alguien que conoce de primera mano lo que estás tratando te ayuda muchísimo, porque  el guionista tiene que hacer la historia que quiere el director, pero escrita muy bien. Y yo he tenido la suerte de tener siempre un equipo maravilloso. Sobre todo, dado que soy de los que piensan que el cine es obra de un equipo; no es un arte de un autor, sino que necesita un equipo de guionistas, de intérpretes, etcétera. Y dependiendo de quién sea el guionista, y de quién el protagonista, el resultado varía. No es lo mismo esta historia con este guion y con López Vázquez, que con José María Prada y con otro guion. Es lo mismo que si en Flor de otoño o Pim, pam, pum…  ¡fuego! no hubiera estado Azcona. Por eso es muy importante el equipo, porque te condiciona totalmente el resultado final de la película.

Al hilo de lo que comentas, la elección de López Vázquez como protagonista puede considerarse arriesgada, al ser un actor que en ese momento estaba más identificado por el público por sus trabajos dentro de la comedia. ¿Fue tu primera opción?

Qué va. Al producir yo la película, mi idea original era que el papel lo hiciera José María Prada y la película estuviera rodada en blanco y negro para que saliera barata. Pero al hablar con los distribuidores me dijeron que así no sería rentable. Si quería que la película se vendiera bien tenía que ser en color y con un actor conocido. Había visto a López Vázquez en Peppermint frappé de Saura, me decidí por él y se portó increíble. Era un genio a la altura de los más grandes, como Alberto Sordi o Jack Lemmon. Es más, ahora no me imagino la película con otro actor haciendo el personaje protagonista que no fuera él. No obstante, la mayoría del público le asociaba a sus papeles cómicos y recuerdo estar en la puerta de un cine donde daban la película y ver a la gente que pasaba y veía el cartel comentando: “Se debe de estar disfrazando de algo para ligar con las suecas”.

No cabe duda de que la excelente interpretación que realiza de Benito Freire es uno de los principales puntales de la película. ¿Hasta qué punto le marcaste la pauta de lo que querías a la hora de que creara su composición del personaje?

Siempre con los actores hablo muchísimo sobre el guion, sobre la novela y sobre los personajes. Después decidimos, y si tienen alguna sugerencia que hacerme, yo las acepto o no. En este caso las cosas que me sugería López Vázquez tenían más que ver con la caracterización. La peluca que lleva, por ejemplo, que era algo que a mí en principio me daba igual. Pero al ver que es algo con lo que el actor se siente más cómodo lo acepto, ya que es fundamental que se encuentre a gusto dentro de la ropa que elija. No le puedes encorsetar, sino que tienes que hacer lo posible para que él pueda vivir el personaje y se sienta parte de él. Y como la industria no te permite que tengas a un actor vistiendo así y saliendo a la calle caracterizado como su personaje durante un mes para que se pueda amoldar lo mejor posible. Además, todas las sugerencias que me hizo fueron estupendas, porque era un actor genial. Eran detalles como los dientes, las uñas… Por cierto, que su hijo me regaló el guion manuscrito por López Vázquez de El bosque del lobo y estaba lleno de notas en las páginas blancas y en los márgenes en las que figuran en varios colores indicaciones muy detalladas sobre su personaje.

bosque 2

La imagen que da El bosque del lobo de la España en la que se ambienta difiere mucho del lugar idílico que quería vender el régimen. ¿Tuviste problemas con la censura por ello?

Estuvo a punto de ser retirada de cartel por Carrero Blanco, aunque ahí le metí un gol. Alguien le había dicho que la película era pura España negra, y que entremezclaba religión y superstición, por lo que pidió verla. Yo conocía a la persona que le proyectó la película y me contó sus reacciones. Abominó de la película desde el primer momento, con la escena en la que aparece un caballo montando a una yegua. Incluso se dio cuenta de que se sugería que el cura que hace Antonio Casas era en realidad el padre de la niña que interpretaba Inma de Santis, con lo que te quiero decir que no era tonto. Total, que le pareció horrible y quería prohibirla. Entonces alguien le recordó que la película se había pasado con gran éxito en el Festival de Valladolid, lo que hoy es la Seminci, pero que entonces se llamaba Festival Religioso y de Valores Humanos, y además había ganado el premio San Gregorio. Y, claro, ¿cómo iba a prohibir una película que había ganado un premio con nombre de santo en un festival con esa denominación? Por lo que, muy a su pesar, la dejó correr.

Aparte de lo que me comentas, ¿llegó la censura a meter tijera en el montaje o exigió algún cambio en el guion?

Hubo problemas con el guion. Nos dijeron que en los asesinatos no se tenía que ver nada de sangre ni ninguna otra barbaridad. Entonces, lo que hicimos es que en cuanto el lobisome mordía el cuello de una de sus víctimas enfocábamos su mano estrujando la tierra. Ahora no me parece mal, pero en su momento era algo que llevaba muy mal, porque podíamos haber jugado a acentuar las connotaciones del mordisqueo. También en una versión anterior queríamos reflejar la represión sexual del personaje haciendo que viera corriendo desnudas a las mujeres que iba a matar. Lo que no sé es si esta versión la llegamos a presentar  a censura, ya que llegado el momento decidimos que tampoco hacía falta llegar a eso.

Por cierto, una curiosidad. Hace aproximadamente diez años Paco Plaza rodó una nueva versión de la historia de Benito Freire desde una óptica fantástica titulada Romasanta. La caza de la bestia. ¿Has podido verla? ¿Qué te parece?

No me gustó nada. Eso no quita para que me gusten algunas cosas de las que ha hecho Plaza con Balagueró. [REC], por ejemplo, me pareció muy interesante y novedosa. Pero, ¿sabes lo que pasa?  Yo tengo una deformación profesional con el hombre lobo y Julian Sands, el actor inglés que lo interpretaba en esta película, y Elsa Pataky me sacaban de la historia. Además, era como demasiado bonito todo y no daba ni miedo.

tumblr_lmrq1bwhMu1qd3ucoo1_500

Volviendo a El bosque del lobo, dentro de la narrativa de la película abunda el uso de la cámara en mano y, sobre todo, los planos tomados desde cierta distancia. ¿Obedece a una intención por contar la historia desde el punto de vista de un observador que la está viviendo desde dentro?

En el uso de la cámara en mano y los planos distanciados no me había fijado, pero es verdad. Incluso me ha sorprendido que tuviera tantas cosas rodadas a mano para ser una película de hace cincuenta años. En cuanto a tu interpretación, que me parece estupenda,  puede ser, pero no me acuerdo exactamente si esa era la intención que podía tener en ese momento.

Uno de los temas que en mi opinión subyacen en la película es el de las apariencias. Está el que la gente que le conoce no crea en un principio que Benito Freire pueda ser un asesino porque le consideran una buena persona, ese señorito al que interpreta Alfredo Mayo que vive una doble vida con su mujer y con esa antigua novia a la que le continúa mandando cartas de amor… ¿Era esta vuestra intención?

No me lo había planteado así, pero es algo que está en el film.

Otro tema que se encuentra también muy presente es el enfrentamiento entre la religión y las supersticiones, el cual volverías a tratar de nuevo en Akelarre, en la que hablas de la persecución a las religiones paganas que sometió la Iglesia Católica en Navarra durante el siglo XVI…

Era un poco repetir la fórmula. En este caso, era ver qué había de verdad en esas brujas que aparecen en las pinturas de Goya, en literatura o en el cine de terror, y que en la vida real fueron condenadas por la Inquisición. Y de todo esto nació esta película, que a mí me gusta mucho. No obstante, creo que tenía que haber tenido más concesiones comerciales, ya que es un poco demasiado seria, ideológica y política. Pero bueno, como digo, me parece que está muy bien. Aparte, estuvo en el Festival de Berlín y funcionó bastante bien.

AKELARRE

Precisamente, muchos críticos y comentaristas han señalado la lectura que arroja Akelarre, extrapolando su historia a la situación sociopolítica que se vivía en el País Vasco y Navarra a la fecha del rodaje de la película. ¿Era algo buscado?

Eso salió, pero es cosa del público, que tiene su perfecto derecho a opinar así. En un coloquio que se organizó en Radio Nacional después de su emisión en televisión uno de los oyentes llamó preguntando si la película tenía que ver con ETA. Le respondí que absolutamente no. Pero eso no quita para que yo acepte cualquier tipo de lectura. La película se basa en un caso que recoge un libro llamado La brujería Navarra y sus documentos[1], y es el caso de los crímenes del Valle de Araiz, creo que es, y es exactamente la misma historia. Ahora, que alguien cree que esa historia se parece a lo que ocurría en aquellos años en Euskadi, pues bueno, será que la historia se repite. Pero desde luego yo lo que hice fue contar un caso que realmente existió. Para mí era más importante cómo la película refleja la diferencia de clases entre el señor feudal y la gleba, y cómo este señor feudal se aprovecha de la brujería para seguir siendo el amo de esas tierras que no otro tipo de cuestiones.

También está la lucha entre el patriarcado, representado por la Iglesia Católica, y el matriarcado, que son las brujas…

Efectivamente, la religión católica frente al paganismo. Si te fijas, las brujas llevaban a cabo sus reuniones en el interior de las cuevas, que tienen una forma de útero clarísima, mientras que la Iglesia lleva a cabo sus rituales en iglesias que tienen una de sus señas más reconocibles en sus altos torreones, es decir, en un símbolo fálico.

La tercera entrega de esta, llamémosle, trilogía, es La leyenda del cura de Bargota que, no obstante, formó parte de la serie televisiva Sabbath

Surgió la oportunidad de participar en esta serie, y después de haber hecho Akelarre a mí me apetecía hacer aquello de lo que me habría reprimido en esa película. Y con el pretexto de la tortura de este cura me permitió exponer una serie de barbaridades y cosas relacionadas con la brujería que era lo que realmente a mí me apetecía contar.

¿El hecho de que fuera una producción destinada a la televisión hizo que sufrieras algún tipo de censura con respecto a qué podías mostrar?

Nada, nada. Solo puedo decir que lo pasé muy bien haciéndola. Además, como era una coproducción con muchos países, vinieron de Inglaterra los que habían hecho los efectos especiales de Superman.

envenenadas

Aunque no sea exactamente temática fantástica, otro de tus acercamientos al género terrorífico se encuentra en Las envenenadas de Valencia, el capítulo que realizaras para la mítica serie La huella del crimen. ¿Escogiste tú este caso o te lo asignaron?

Me dieron a elegir entre varios guiones que tenían y yo elegí este. No obstante, tuve bastantes problemas con Pedro Costa, que era el director de la serie, durante el rodaje, ya que no había dinero. Por ejemplo, yo en una escena quería que apareciese un tranvía, que era algo muy característico de Valencia en la época en la que se desarrollaba la historia, y él me dijo que era muy caro. Sin embargo, lo pude solucionar con un poco de maña. Yo sabía que había una marca muy típica de los años cincuenta que se llamaba “Lejías Alfonso” y que aún existía. Así que me puse en contacto con ellos y, a cambio de comprometerme a que el tranvía apareciera treinta segundos en pantalla con el anuncio de la lejía, corrieron con los gastos del tranvía que había alquilado en un museo del tranvía. Pero más tarde, cuando terminó el rodaje, le pedí a Costa que filmara un plano de uno de los actores mirando por una ventana para incluirlo en el montaje de la última escena y me dijo que no. Entonces le tuve que amenazar con que, si no lo rodaba, iba a ordenar que retiraran mi nombre de los créditos, con lo que acabó transigiendo y rodando el plano. Claro que cuando hizo la segunda temporada de la serie no me volvió a llamar para que repitiera. Con todo, he de decir que es uno de mis trabajos preferidos, sobre todo por las condiciones, dado que se hizo sin un duro y en tres semanas.

Precisamente, la que fuera tu protagonista en aquella ocasión me comentaba hace poco en la entrevista que le realicé a raíz del homenaje que le brindó el Festival de Sitges[2] que era también uno de sus trabajos predilectos…

Pues al principio no querían que la contratara porque tenía fama de conflictiva, no sé por qué. Quizás era porque alguna vez había cobrado alguna vez de más a un productor y era por eso. No sé, ya te digo, porque estas cosas siempre suelen ser así. Por ponerte un caso, a mí en una película un productor me medio impuso a Carmen Sevilla, y la siguiente vez que era yo quien quería contratarla me salió con que era conflictiva. Y te diré que Terele en el rodaje se comportó estupendamente. Es una bestia de la interpretación, como lo era López Vázquez. Podía estar tan tranquila esperando para rodar echándole piropos a un electricista, que cuando llegaba el momento de hacer una toma del momento en que la iban a ejecutar se transformaba por completo y comenzaba a llorar como una desesperada gritando: “Señorita, que me van a matar”.

Tu última incursión hasta la fecha en los terrenos del fantástico se encuentra en el film coral Bilbao-Bizkaia Ext: Día, para el que rodaste un segmento musical protagonizado por zombis…

Esta película está compuesta por varios cortometrajes de directores bilbaínos sobre Bilbao. Están Enrique Urbizu o Imanol Uribe, entre otros. Solo falta Álex de la Iglesia, que no pudo porque estaba involucrado en otro proyecto en aquel momento. Y lo que yo hice para este film se titula Zombie Eguna, con el que me permití el lujazo de sacar bailando y cantando a los zombis de personajes ilustres de la ciudad como Sabino Arana, Miguel de Unamuno, La Pasionaria, Arriaga o el fundador de Bilbao, Diego López de Haro, que lo interpretó una travesti, La Otxoa. Hay también bertsolaris y dura un cuarto de hora. Gustó mucho y en Bilbao fue una sorpresa muy grande. Ahora quisiera hacer la segunda parte, que sería en plan revista, pero no tipo Hollywood como La La Land, sino cutre.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías: Carlos Gil, Jesús de la Vega

IMG_1545

[1] Florencio Idoate (Pamplona: Diputación Foral de Navarra, Institución Príncipe de Viana, Consejo Superior de Investigaciones Científicas, 1978).

[2] Entrevista publicada en el número 26 de “El buque maldito”.

* El autor quiere expresar públicamente su agradecimiento a Jesús De La Vega por su inestimable y desinteresada colaboración en la realización de la presente entrevista.

 

Published in: on julio 14, 2017 at 5:27 am  Dejar un comentario  

Cameo celebra el 50 aniversario de “El prisionero” editando la mítica serie en DVD

Cameo editará en otoño la mítica serie The Prisoner (El Prisionero) en DVD. La serie, que cumple cincuenta años en plenitud de facultades el próximo mes de octubre, está posicionada como una de las series más influyentes y mitificadas de la historia. En solo diecisiete episodios, se concentran muchos de los elementos que hemos visto en infinidad de películas y series de fantasía y ciencia ficción de las pasadas cinco décadas, mezclando el género de espías con elementos de surrealismo y futuro.

El pack con los diecisiete capítulos que conforman la serie completa, en versión original inglesa y con subtítulos y doblaje castellano, contará con un libro escrito en exclusiva por el prestigioso crítico televisivo y experto en series Toni de la Torre.

El prisionero consiguió a finales de los años sesenta una gran popularidad mundial (incluso en España) y su último episodio desató oleadas de indignación en el Reino Unido, llegando a colapsar la centralita de la BBC. La serie ha envejecido bastante bien al tener una estética bastante atemporal, y algunas de las cosas que adelantaba (circuitos cerrados de televisión, tarjetas de crédito, etc.), ya son parte de nuestra vida cotidiana y se entienden mejor con la perspectiva arqueológica que con la futurista de la época.

La historia futurista e innovadora de un héroe que lo pasaba muy mal en cada capítulo, en su infructuoso intento por escapar de la aldea donde estaba prisionero atrapaba al espectador desde el primer capítulo. Tenía una apariencia visual y una calidad de producción inédita hasta la fecha, y se convirtió en una obra de culto, con uno de los primeros finales polémicos de la historia.

Es una serie original, genial y revolucionaria. Trató temas filosóficos en la rudimentaria televisión de la época (como el de las libertades individuales) y lo formateó a partir de la ciencia ficción y del surrealismo más desbocado. Fue arriesgada, no sólo porque mezcló en sus tramas drogas alucinógenas, técnicas de control mental y manipulación del sueño, sino por el planteo estructural de la historia, su atmósfera extrañísima y la forma elegida para desarrollar la intriga. Y, además, porque rompió con todos los moldes habidos y por haber, y porque inauguró el concepto de lo que hoy entendemos como televisión de autor, pero el paso del tiempo la ha situado como una auténtica obra de culto, venerada entonces por el mismo tipo de espectador que idolatra Lost (Perdidos) o Legion. Una trama confusa, una asfixiante atmósfera, mucho suspense, preguntas sin respuesta y temas radicalmente nuevos para la época dan vida a un esquema adelantado a su tiempo que sólo décadas después de su emisión ha recibido los elogios y la consideración que, sin duda, merece.

Published in: on julio 13, 2017 at 7:16 am  Comments (1)  

El monstruo de dos cabezas

the-manster-frontal

Titulo original: The Manster

Año: 1959 (Estados Unidos/Japón)

Directores: George P. Breakston, Kenneth G. Crane

Productores: George P. Breakston, Robert V. Perkins

Guionistas: George P. Breakston, William J. Sheldon

Fotografía: David Mason           

Música: Hirooki Ogawa

Reparto: Peter Dyneley (Larry), Jane Hylton (Linda), Tetsu Nakamura (Dr. Robert Suzuki), Terry Zimmerm (Tara), Norman Van Hawley (Ian Matthews), Jerry Ito (Inspector Aida), Toyoko Takechi (Emiko Suzuki), Alan Carlton (Dr. H. B. Jennsen)…

Sinopsis: Un periodista estadounidense enviado a Japón entrevista a un excéntrico científico local, que lleva a cabo extraños experimentos en su laboratorio situado en la montaña. Cuando el doctor se da cuenta de que el corresponsal puede ser un excelente sujeto para su próximo experimento, le inyecta un suero que le convertirá gradualmente en  un monstruo asesino con dos cabezas.

111120

Rodada a finales de los años cincuenta, El monstruo de dos cabezas o The Manster, su título original, es una de esas joyas del cine fantástico que, por desgracia, no llegaron a España, mientras que fuera de nuestras fronteras ha ido labrándose cierto estatus de culto, llegando al punto de estar considerada como la precursora de las películas protagonizadas por bicéfalos -como Experimento diabólico (The Thing with Two Heads, Lee Frost, 1972) o El increíble transplante bicéfalo (The Incredible Two-Headed Transplant, Anthony M. Lanza, 1971)-, además de ser objeto de homenaje por parte de directores de la talla de Sam Raimi, quien lo haría en El ejército de las tinieblas (The Army of Darkness, 1992). Y es que, aunque su premisa sea más bien típica y contenga elementos que para nada resultan ajenos al género, el título que nos ocupa destaca por el amoral y violento comportamiento de Larry Stanford (interpretado por Peter Dyneley), su protagonista.

the-manster-4

La acción se sitúa en Japón, lugar donde el perverso Dr. Robert Suzuki (Tetsu Nakamara) está desarrollando un potente suero con el que pretende crear una nueva especie de súper hombres. Después de que dicho invento se cobre la vida del hermano de Suzuki, el doctor decide probar el suero en Larry, un confiado reportero que tiene la mala idea de ir a hacerle una entrevista. Tras su encuentro el bueno de Larry cambiará drásticamente y si antes destacaba por ser un trabajador brillante y un esposo enamorado de su mujer, una vez le es inyectado a traición el suero por el científico, nuestro nuevo conejillo de indias  comienza a convertirse en una persona tremendamente promiscua y cargada de vicios. Mientras Larry comienza una desenfrenada ruta por prostíbulos, saunas y otros indecorosos lugares, su esposa Linda (Jane Hylton[1]) y su jefe Ian (Norman Van Hawley) intentan hacerle entrar en razón sin demasiado éxito. Desconocen que un ser monstruoso está creciendo en el interior del reportero.

the-manster-3

Como decíamos, detrás de esta premisa de tintes morales que podríamos emparentar con cualquier película de terror de antaño -especialmente con El hombres lobo (The Wolfman, George Waggner, 1941)[2], pues la transformación que sufre nuestro protagonista es una metáfora del desaforado apetito sexual masculino y de algún modo pretende penalizar los flirteos fuera del matrimonio-, nos encontramos una historia que es narrada con suma valentía y sin tapujos. Tanto es así que es difícil hacer segundas lecturas que vayan más allá de su carga moral o, si se quiere, de los tintes racistas de la historia[3].

the-manster-88

Los responsables de esta delicatessen rodada en el país del Sol Naciente son George P. Breakston (artífice a su vez del libreto junto a William J. Sheldon) y Kenneth G. Crane, editor de cine que también tuvo oportunidad de ponerse detrás de las cámaras dirigiendo algunas estimables cintas de Serie B, de las que podemos destacar Monster from Green Hell (1957) y Half Human (1958). También suele atribuírsele la realización de otra co-producción entre Estados Unidos y Japón titulada The Double Garden (1970), cuando en realidad ésta se había rodado en 1966 bajo el título de Body of the Prey y con Norman Thomson detrás de las cámaras[4]. Breakston, por su parte, fue un realizador curtido en este tipo de coproducciones con exóticos países. Tal es el caso de sus rodajes en Kenia –Lanza escarlata (The Scarlet Spear, 1954)-, Yugoslavia –Vojnik (1966)-, o Japón –Oriental Evil o Geisha Girl (George P. Breakston y C. Ray Stahl, 1950 y 1952, respectivamente), además del título que traemos a colación.

PDVD_044

Aunque estamos ante una modesta película de terror, resulta encomiable como estos dos cineastas todoterreno de la Serie B, muy conscientes de sus limitaciones, logran salir airosos gracias a una realización capaz de esconder sus defectos -como lo pueden ser sus torpes efectos especiales y de maquillaje, alejando el objetivo de ellos o no exponiéndolos a la luz- y sacar partido de sus aciertos -como la solvente e incluso estilizada puesta en escena que consiguen y que en parte también se debe a David Mason, director de fotografía de trayectoria algo escueta y desarrollada prácticamente en televisión (sirva de ejemplo la escena en la que Larry asalta a una asiática en mitad de la calle, en la que el crimen es visualizado gracias a las sombras que se reflejan en la pared de un edificio)-. Todo ello hace de El monstruo de las dos cabezas un film de lo más reivindicable y que, sin duda, debe rescatarse cuanto antes.

Juan Pedro Rodríguez Lazo

[1] Esposa en la vida real de Peter Dyneley.

[2] No pasaremos por alto que el nombre de nuestro protagonista sea Larry, como Larry Talbot, o que Peter Dyneley guarde cierto parecido con Lon Chaney Jr., el actor que encarnó al famoso licántropo de la Universal.

[3] Tal y como apunta José Luis Salvador Estébenez en el interesante audiocomentario recogido en la edición que ha comercializado recientemente Vial of Delicatessens de la película, también podemos ver como Larry, prototipo del americano ideal, es corrompido por los japoneses. O el hecho de que Tara, la mujer con la que Larry engaña a su esposa, esté interpretada por Terri Zimmerm, actriz occidental de rasgos orientales que terminó casándose con Kenneth G. Crane, co-director de The Manster.

[4] Aquí no acaban las discrepancias con esta película, pues Edward D. Wood Jr., el archiconocido director de Plan 9 from Outer Space, reclamó la autoría del guion, cuyo titulo original era Venus Flytrap.

Palmarés Cryptshow Festival 2017

Ayer finalizó la edición del 2017 del Cryptshow Festival, en la que el cortometraje Behind de Ángel Gómez gana el XIº Premio Serra Circular. El fallo de jurado formado por Eva Ayats, Domingo López, Ramon Mas, Dani Seguí y Mónica Van Campen ha dejado el palmarés siguiente:

– X Premio Sierra Circular: Behind de Ángel Gómez, por ser la propuesta de terror más sólida.

– Premio del público: The Legend of the Crabe-Phare de Gaetan Borde.

– Mejor Animación: Garden Party de Florian Babiikian. El reverso con ranas de El crepúsculo de los dioses. Una animación alucinante según el jurado.

– Mejor director: Felix Knoche por Hilde, por la sensibilidad del director en unificar todos los elementos para contar una historia diferente.

– Mejor guión: Einstein -Rosen de Olga Osorio, por el realismo mágico, la nostalgia y originalidad. Mención Especial: Decorado de Alberto Vázquez.

– Mejor actor: Calu Flygare por The Sunken Convent, por la increíble interpretación de un personaje malsano.

– Mejor actriz: Macarena Gómez por Behind, por la intensidad y visceralidad de su interpretación.

– Mejor banda sonora: Ariel Santiago por Cuerno de hueso, por crear una atmósfera adecuada para la película.
.
– Mejores Efectos Especiales: Hilde, por la sutileza, evolución y la integración del maquillaje a la historia.

– Mejores Efectos Visuales: Nicole’s Cage de Josef Brandl, por la ambientación surrealista.

– Mejor fotografía: Juli Carné por Waste por la complejidad de la iluminación y el ambientación en un espacio reducido.

– Mención Especial: Bruce Gallagan de Pau Perramón, por su recreación del cine de Serie B añejo.

Published in: on julio 10, 2017 at 5:53 am  Dejar un comentario  

Eastwood. Desde que mi nombre me defiende

Título: Eastwood. Desde que mi nombre me defiende

Autor: Francisco Reyero

Editorial: Fundación José Manuel Lara

Datos técnicos: 226 páginas (Sevilla, 2017)

Está siendo esta una temporada especialmente prolífica en lo que se refiere a la incorporación de nuevos títulos a la bibliografía patria consagrada al western mediterráneo: a la puesta de largo editorial en los últimos meses de La Almería de Sergio Leone o El libro guía del spaghetti western, hemos de añadir desde el pasado mes de abril este volumen escrito por Francisco Reyero, periodista sevillano colaborador de La Razón que con uno de sus anteriores trabajos, Nunca volveré a este maldito país, ya abordó la conflictiva relación que mantuvo con España otro icono cinematográfico de origen estadounidense, Frank Sinatra.

Este Eastwood. Desde que mi nombre me defiende se centra en cambio, y en teoría, en el período durante el cual Clint Eastwood rodara en nuestro país “La trilogía del dólar” a las órdenes de Sergio Leone, y en como el éxito sucesivo y creciente de estas películas a nivel global serían determinantes a la hora de que el intérprete nacido en San Francisco se ganara una independencia artística que se le había negado hasta el momento en Hollywood; aunque, y contrariamente a lo que pudiera parecer, la atención del autor no se dirige exclusivamente a este asunto.

Y es que además de detallarnos a nivel internacional los entresijos burocráticos, económicos y/o de distribución de Por un puñado de dólares, La muerte tenía un precio y El bueno, el feo y el malo, Reyero opta asimismo por destacarse de otros estudios precedentes subrayando la españolidad de su libro, no sólo en el origen de los hechos o de los testimonios elegidos, sino también en el estilo que utiliza a la hora de exponerlos. De esta manera, y lejos de erigirse en un libro de tesis, abundan en este volumen los testimonios de aquellos que, de una manera u otra, estuvieron relacionados con el fenómeno así como con sus máximos responsables, ya fueran Leone, Eli Wallach o el propio Eastwood; gentes éstas que desempeñaron en su mayoría cometidos de lo más modestos, trabajando de especialistas, sacándose unas perrillas cavando zanjas para construir el puente de Flagstone o el cementerio de Sad Hill, o simplemente acogiendo a los actores y al equipo técnico durante aquella época irrepetible en la que los rodajes de estos films supusieron una importante inyección económica en aquellos lugares que fueron elegidos como localizaciones.

Así las cosas, y en consecuencia con el tono minucioso adoptado por Reyero, tan importantes son las declaraciones de Eastwood como, por poner un ejemplo, las de la señora que acogió a Wallach en su hotel durante el rodaje en Burgos de El bueno, el feo y el malo. Atraído por lo tanto por el aspecto humano que deriva de los detalles mundanos y cotidianos de aquellos rodajes, antes que por los datos más glamurosos y/o sobados, el autor intenta dibujar, a través del mosaico de anécdotas en el que acaba convirtiéndose el libro, un retrato de las principales características de la España que acogió a Leone y a su troupe, antes que detenerse en analizar en profundidad lo que el colosal éxito de estas producciones supusieron, tanto para la posterior trayectoria de Eastwood como para la continuidad de los rodajes extranjeros en suelo español.

Siempre es preferible un buen periodista (y ciertamente Reyero lo es), antes que un mal crítico de cine. Por desgracia en este país de lo primero escasea y de lo segundo tenemos de sobra. Reyero no es ni crítico ni historiador de cine y, afortunadamente, tampoco pretende serlo; y si tal vez debido a esta circunstancia se echa en falta un mayor nivel de contexto histórico en sus páginas, un poco de pegamento que mantenga unidas las diferentes piezas que conforman el estudio, por así decirlo, esta elección de un estilo ligero deviene por otra parte en la ventaja de una lectura clara, ágil y amena. A esta característica tampoco es ajeno el hecho de que el libro se presente dividido en capítulos que, en ocasiones, no superan la extensión de una página.

Aparte de la referida profusión de testimonios, que van desde los de Antonio Ruiz Escaño, el llamado “Niño Leone”, hasta los de Andrés Vicente Gómez, que en la primera entrega de la trilogía desempeñó funciones de ayudante de producción, el autor se sirve asimismo de las publicaciones de la época a la hora de intentar desentrañar los precedentes del imprevisible boom del spaguetti. Se incluyen así desde informes previos de la censura franquista, cartas de los productores españoles protestando por la falta de seriedad de los italianos (en este sentido, se hace especial hincapié en las penurias económicas que se sufrieron durante el rodaje de Por un puñado de dólares), así como la reacción negativa por parte de la crítica americana, en un intento muy hábil por parte de Reyero de enfrentar la precariedad de medios con la que se realizaron estos films con su fulminante e inesperado éxito, así como con la miticidad de la que gozan a día de hoy.

Como apuntábamos anteriormente, tal acumulación de citas, declaraciones, documentos y anécdotas, aunque perfectamente organizados, impiden que la personalidad y la voz de Reyero salgan a relucir en un libro que, por otra parte, es enfrentado por su autor con cierto nivel de modestia. Despojado así de todo atisbo de egocentrismo autoral, el sevillano opta en cambio por dar voz a todos aquellos que, en uno u otro grado, pusieron su granito de arena para que una de las trilogías más célebres de la historia del cine se hiciera realidad, a pesar de encontrarse durante el proceso con situaciones adversas de toda índole.

En un recorrido geográfico y temporal que nos lleva de Los Ángeles a Almería, y de Burgos a Carmel, localidad californiana donde hace décadas que Eastwood fijó su residencia, Reyero nos regala un libro de cine escrito desde una óptica popular y cercana, algo que casi parece un milagro en estos tiempos en los que por lo común los que escriben sobre cine suelen mirar a sus lectores permanentemente por encima del hombro. Un texto que seguramente interesará por igual tanto a los neófitos que estén interesados en iniciarse en el tema como a los que se sepan de memoria la obra de Christopher Frayling o Carlos Aguilar. Finalmente, Eastwood. Desde que mi nombre me defiende certifica que el spaguetti sigue constituyendo, a más de medio siglo de su aparición, un tema tan variado, rico y aparentemente inagotable que aún puede ser objeto de estudios tan dignos como el presente.

José Manuel Romero Moreno

Sitges Pitchbox 2017 se consolida e internacionaliza

La tercera edición de Sitges Pitchbox, el evento internacional de pitching organizado por la plataforma online Filmarket Hub en colaboración con el Festival de Sitges, empezó ayer. Guionistas, directores o productores que tengan un largometraje de terror, ciencia ficción o fantástico en fase de desarrollo pueden inscribirse hasta el 30 de agosto.

Entre todos los proyectos candidatos, siete serán seleccionados para realizar un pitch ante productores y empresas del sector cinematográfico el próximo 6 de octubre en el marco del Festival, que celebra su cincuenta aniversario. Posteriormente disfrutarán de una sesión de networking con todos los asistentes en el jardín del Hotel Meliá.

Esta nueva edición volverá a contar con una atractiva bolsa de premios para los proyectos participantes. Gracias a la Diputación de Barcelona se entregará un premio económico de seis mil euros al mejor proyecto, y dos premios más que cubrirán la bolsa de viaje para asistir y presentar el proyecto en el BIFAN – Bucheon International Fantastic Film Festival (Corea del Sur) y en el Festival Internacional de Cine en Guadalajara (México). Uno de los siete proyectos también será seleccionado para participar en The Crouching Tigers Project Lab, un encuentro de coproducción y cofinanciación dentro de las actividades del International Film Festival & Awards · Macao.

Por otro lado, al igual que el año pasado los dos mejores proyectos catalanes de la convocatoria serán seleccionados para participar en un segundo evento de pitching en Blood Window, la sección de cine fantástico del mercado Ventana Sur, el más importante de Latinoamérica. Los responsables de los proyectos formarán parte de la delegación catalana, organizada por Catalan Films & TV, que viajará a Buenos Aires entre el 27 de noviembre y el 1 de diciembre.

Para ser candidato a Sitges Pitchbox 2017 hay que tener el proyecto inscrito en el mercado online de Filmarket Hub y solicitar la participación a través de la pàgina web de la convocatoria. De esta forma, además de optar a ser uno de los siete seleccionados, el proyecto podrá conectar de forma online con toda la red de productores y empresas de la plataforma.

Toda la información sobre la convocatoria y el proceso de inscripción en la página de Sitges Pitchbox 2017:
http://www.filmarkethub.com/sitges-pitchbox-2017

Published in: on julio 6, 2017 at 5:56 am  Dejar un comentario  
Tags: