Narcos

Título original: Narcos

Año: Italia, España (1992)

Director: Giuseppe Ferrara

Productores: Maurizio Mattei, Adolfo López Sojo, Massimo Vigliar, Maurizio Tedesco, Aldo Sambrell

Guionistas: Giuseppe Ferrara, Armenia Balducci

Fotografía: Stefano Moser

Música: Andrea Guerra

Intérpretes: Juan José Pinero (Jesús), José Maldonado (Miguel), Cristóbal Cornes (Diego), Adriana Sforza (Mercedes), Aldo Sambrell (el jefe), Alfredo Xavier Sánchez (Fernando), Petra de Domínguez (madre de Jesús)…

Sinopsis: Jesús, Miguel y Diego son tres jóvenes colombianos que entran a formar parte de una banda criminal relacionada con el tráfico de drogas y armas.

“Si no estás con la mafia de la coca, estás contra ella”. Con este inmediato y violento tagline se comercializó en nuestro país el largometraje Narcos, una extraña y hoy casi olvidada coproducción hispano-italiana filmada en Colombia y Venezuela bajo la dirección del cineasta Giuseppe Ferrara, un realizador adscrito por lo general al cine político que tanto proliferó en Italia en las décadas de los setenta y ochenta -suya es, por ejemplo, El caso moro (Il caso Moro, 1986), sobre el secuestro del Presidente Aldo Moro-. A medio camino entre el thriller de denuncia y el drama callejero, Ferrara parte de una serie de acontecimientos reales para narrar las vivencias de tres muchachos inmiscuidos en el peligroso mundo del narcotráfico colombiano. “Quería contar las consecuencias que la industria de la droga causa en el proletariado de Colombia”[1], comentó el director en una entrevista poco después de finalizar el rodaje.

La película nos presenta a Jesús, Diego y Miguel, tres adolescentes sin muchas posibilidades que entran a formar parte de una banda criminal, convirtiéndose en asesinos urbanos guiados por un jefe sin escrúpulos que les alecciona con execrables discursos. Es precisamente la parte centrada en su entrenamiento en una especie de “escuela criminal” la que sin duda rebosa más interés, ya que el espectador es testigo de la transformación natural por parte de unos chavales sencillos y hasta discretos, convertidos en auténticas máquinas de matar aleccionados por una serie de malhechores exentos de cualquier reparo. Todo ello contado con una sencillez narrativa, por momentos cercana al documental, que opta por una puesta en escena sin concesiones, mostrando un tipo de violencia que en ocasiones pone a prueba al espectador, aunque sin caer en el exceso gratuito. Y es que, ver a una serie de niños flirteando con las drogas o disparando a bocajarro puede conllevar más crueldad que un espectáculo salvaje orquestado por H. Gordon Lewis.

Por otro lado, la trama alterna diferentes pasajes personales de cada protagonista, con la intención de humanizar -aún más si cabe- la situación. Así, vemos como uno de ellos sueña constantemente con convertirse en un futbolista profesional o como otro inicia una relación sentimental con la hermana de su mejor amigo. Situaciones que en las manos equivocadas podrían desembocar en la sensiblería más vulgar, Ferrara las coloca con brillantez en determinados momentos de su metraje, hilvanando con todo ello una propuesta en apariencia sencilla e incluso inocua, pero que esconde un retrato cautivador de una realidad triste y angustiosa, aderezada con un problema racial también patente en el filme -en una escena el cabecilla de la banda sentencia aquello de “es preferible una tumba en Colombia que una celda en los Estados Unidos”-. Aterrador.

Filmada con escasos medios, pocos artificios y con actores en su mayoría desconocidos o directamente amateurs, Narcos logra, no obstante, adaptarse a las circunstancias debido principalmente a la mano de Ferrara, un director con años de rodajes a sus espaldas que supo aclimatarse de un modo admirable, sacándole todo el partido a sus recursos: “intenté representar una situación como si fuera un periodista con una cámara oculta”[2], comentó. En este sentido, el director apuesta por cargar todo el peso de la acción en las interpretaciones de tres jóvenes sin apenas bagaje, que protagonizan secuencias de tiroteos, sexo, persecuciones y drogadicción, las cuales acogen con notoriedad, dotándole un grado de realismo y veracidad al filme que difícilmente se hubiera logrado con un cast avezado. Hay que remarcar, eso sí, que en el elenco encontramos a un actor muy querido por los aficionados al cine de género como es el madrileño Aldo Sambrell, aquí en la piel del capo criminal que insta con sus malas formas a los protagonistas, cometido que el intérprete cumple a la perfección, acostumbrado como estaba a encarnar a todo tipo de villanos a lo largo de su extensa carrera, tal y como él siempre recordó: “pronto asumí el rol que me había tocado cumplir en el cine (…) he interpretado a los individuos más amorales de toda la fauna humana”[3]. A través de su productora Asbrell Productions, Sambrell participó además en la financiación del filme -“produzco aquellas películas que me parecen interesantes y que tienen un buen guión”[4]– y como curiosidad, mencionar que uno de los muchos secundarios que deambula por la trama es Alfredo Xavier Sánchez, hijo de Aldo Sambrell y, atención, ahijado del gran Sergio Leone.

Sintetizando, la película es un producto notable, no perfecto, claro, pero si lo suficientemente cautivador como para acercarse a él y dedicarle la debida atención. En lo que se refiere a su rodaje, comentar que la filmación estuvo plagada de incidentes, como suele ocurrir en este tipo de producciones, pues parece ser que por miedo a problemas con la auténtica mafia de Medellín, Ferrara y su equipo llevaron la grabación casi en secreto, con un título falso para no levantar sospechas, y rodando, como indicaba al inicio de la reseña, algunas de las secuencias en Venezuela, país al que Ferrara regresó muchos años después con motivo de una retrospectiva, declarando: “Narcos me gusta mucho, creo que es uno de mis mejores trabajos”[5]. Tras su estreno el director rodó otros cuatro largometrajes para cine, una tv-movie, además de participar en un filme colectivo junto a una treintena de cineastas. Finalmente, Giuseppe Ferrara falleció de un paro cardiaco el 25 de junio del año 2016 a los 83 años, dejando algunos trabajos inconclusos.

Javier Pueyo

[1] Extraído de “Ferrara nell´inferno del barrios colombiani”, artículo escrito por Roberto Rombi para “La Repubblica” (16 de octubre 1991).

[2] Op cit. 1

[3] Extraído del libro “Contra el tiempo”, escrito por José Manuel Serrano Cueto y editado en 2012 por Tyrannosaurus Books; concretamente del capítulo “Entrevista a Aldo Sambrell, el villano vallecano” (págs 121-175).

[4] Op. cit. 3.

[5] Declaración de Ferrara en una entrevista realizada por Jaime Bergamin, en Caracas, para el medio “EncontrARTE”.

Published in: on junio 22, 2018 at 5:38 am  Dejar un comentario  
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La adolescencia maldita en el cine, tema del primer número de la revista digital JUDEX

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Editorial Hermenaute anuncia el primer número de la revista monográfica de cine Judex, un proyecto coordinado y dirigido por la periodista y editora Marta Torres y que cuenta con la colaboración de varios autores, caso de Pau Roig, Lluís Rueda y Juan Carlos Matilla.

Judex se incorpora así al mercado como revista digital recuperando el legado de más de una década como web dedicada a artículos de actualidad, festivales y estudios sobre cine fantástico y demás géneros. Su periodicidad será semestral y en cada número abordará un tema de forma monográfica.

Bajo el título “Maldita adolescencia”, este primer número de la revista Judex está dedicado a la adolescencia y su relación con el fantástico. A su alrededor, giran temas no menos importantes como el estigma, la sexualidad, el aislamiento social, el hedonismo y la angustia juvenil. En resumen, “Maldita adolescencia” aborda la construcción de la identidad, que suele ocurrir precisamente en la adolescencia, desde lo extraño y lo divergente. Para ello, se analizan las siguientes películas: Sucker Punch, Spring Breakers, The Neon Demon, Carrie, Verónica, Stoker, Soy un Cyborg y oPicnic en Hanging Rock.

La revista está disponible en formato EPUB, PDF y para iPad, cuenta con 72 páginas y se puede encontrar a un precio de 1,50 euros en Lektu y de 1,99 en iBooks.

Más información: http://www.hermenaute.com/libro.php?id_libro=20

Published in: on junio 21, 2018 at 5:36 am  Dejar un comentario  

Cryptshow Festival presenta una nueva edición de su vermut literario

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El sábado 7 de julio a las 12h, el Espai Betulia, el espacio de las letras de Badalona, volverá a acoger una nueva edición del vermut literario del Cryptshow Festival, con colaboración de Saltamartí Libros. Una apuesta para conocer algunas de las novedades más interesantes del mundo literario dentro del género.

Como es habitual, Diego López presentará el último número de “El Buque Maldito”, fanzine de referencia en nuestro país sobre el cine de terror. Helga Liné, José Luis Garci, Ramiro Oliveros, Jesús Garay y Juan José Porto son algunos de los personajes entrevistados en este número 29. Además, incluye los artículos “Jesús Garay, Barcelona Fantastique”, centrado en las películas La bañera (1989) y Pasión lejana (1986), y “Helga Liné: La señora del fantaterror”.

the Room libro

Guillermo Triguero y Lluís Rueda, autor y editor respectivamente, conversarán sobre The Room. Un desastre fílmico convertido en obra de culto (Hermenaute). Este ensayo cinematográfico analiza las circunstancias del rodaje y el fenómeno que supuso el film The Room, del excéntrico y polémico director Tommy Wiseau, una especie de Ed Wood del nuevo milenio. Una película que hizo del desastre virtud y que convirtió en viral y exitosa una de las muestras más infames del cine contemporáneo.

Otro de los ponentes será Sergio Colmenar, autor de Carne y vídeo. En las entrañas de la cinta de culto Videodrome. Han pasado más de treinta años desde su estreno y Videodrome continúa provocando indescriptibles estímulos en todo aquel que se atreve con ella. No es una película de ciencia ficción corriente, es la madre de la Nueva Carne, pacto entre ciencia y tecnología, y una obra maestra de culto de un director de culto a la que Colmenar dedica el estudio que merecía.

Viktor Lamb presentará El cazador de inmortales (Tierra Ignota), una novela sobre un cúmulo de casualidades, una profecía jamás contada y un diabólico juego en el que humanos, vampiros y espíritus mueven ficha para conseguir lo que anhelan. Inmortalidad y muerte, redención y condenación… y un premio mucho más ambicioso por el que incontables sabios lo sacrificaron todo.

Miguel Ángel Toro, por su parte, presentará Deceso programado (Tres inviernos), una novela que nos habla de cómo las brasas de la crisis aviar de principios de la década de 2000 se reactivan en un marco de intrigas médicas y políticas que se desarrollan el año 2044 en Zaragoza y Madrid, en un contexto en el que la sociedad ha aceptado la eutanasia voluntaria. Una obra donde la información científica sobre procesos de recombinación viral y prácticas de laboratorio está documentada de forma exhaustiva.

También encontraremos el libro del concurso literario del festival, Visions del Purgatori, editado en colaboración con Malas Hierbas. En este volumen, diez escritores ofrecen sus particulares y originales visiones del Purgatorio, que van desde la versión en videojuego a la conspiración reptiliana para destruir el mundo; desde la perpetua repetición de una pesadilla en la supervivencia en un mundo postapocalíptico poblado por zombis, pasando por los vampiros y su vida eterna entendida como condena, o por la insatisfacción delirante que se respira en lugares tan reales como una clínica de cirugía estética. Cuentos tan reales como nuestros miedos, de la mano de Anna M. Villalonga, Albert Pijuan, Sebastià Jovani, Anna Carreras o David Gálvez, entre otros.

Más información: http://cryptshow.blogspot.com.es/

Published in: on junio 20, 2018 at 5:47 am  Dejar un comentario  

El documental “Desenterrando Sad Hill” vivirá su premiere europea en el Festival de Sitges antes de su estreno en salas españolas

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En octubre de 2015, un reducido grupo de fans de la película El bueno, el feo y el malo, acuden a la localización de la escena final de la película en Burgos. Tras cuarenta y nueve años abandonado y cubierto por la vegetación, estos voluntarios pretenden desenterrar y devolver el mítico cementerio de Sad Hill a la vida. La noticia vuela y durante meses gente de toda Europa acude cada fin de semana para participar en la reconstrucción del lugar. Tomando como base este acontecimiento, el largometraje documental Desenterrando Sad Hill explora los sueños y las motivaciones de los fans pero también la forma en la que el arte, la música y la cultura tocan a las personas, hasta llegar a convertirse para ellos en una auténtica experiencia de búsqueda y trascendencia.

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“Hay algo fascinante en ese proceso de experimentar físicamente algo que sólo debería existir en la gran pantalla”, ha declarado el director de Desenterrando Sad Hill, Guillermo de Oliveira. “Llevo años visitando algunas de las localizaciones más emblemáticas de la historia del cine: las escaleras del Philadelphia Museum of Art, la presa Verzasca en Locarno o la torre Nakatomi (en realidad Fox Plaza) en Los Ángeles. Durante unos pocos minutos, allí puedes ser Rocky, James Bond o John McClane. Y esa magia del cine de la que todo el mundo habla, de pronto se convierte en realidad”.

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Sergio Leone en el cementerio construido para el rodaje de “El bueno, el feo y el malo”.

Sobre la gestación del proyecto, De Oliveira explica que “Desenterrando Sad Hill nace por accidente. El 7 de noviembre de 2014 mi amigo Jorge Olmos escucha en la radio a un grupo de fans que quieren desenterrar el cementerio de Sad Hill, la localización de la secuencia final de la película El bueno, el feo y el malo en Burgos. Se hacen llamar Asociación Cultural Sad Hill y sin dudarlo ni un momento, busco su web y contacto con ellos. Pocas semanas después me acerco a Covarrubias donde me recibe David Alba para acercarme a conocer la localización. La niebla no nos deja ver nada a más de diez metros pero el lugar es pura magia. Han pasado cuarenta y ocho años del rodaje pero todavía pueden reconocerse cada una de las tumbas originales. En el centro y bajo una capa vegetal de diez centímetros, David me enseña las pruebas: el empedrado original del círculo del mítico Triello sigue allí. Durante los siguientes meses sigo sus pasos a través de las redes sociales hasta que en septiembre de 2015 anuncian lo impensable: la Junta de Castilla y León les ha dado permiso para desenterrar y reconstruir el cementerio. En ese momento cojo la cámara y me voy volando a Sad Hill. Con la ayuda de un drone filmo el lugar antes de que empiecen su trabajo. No sé que saldrá de esa grabación. Tal vez un buen video para mi canal de Youtube o en el mejor de los casos un corto documental. De algún modo siento que hay una historia preciosa en el sueño loco de este grupo de fans. Lo que no podía imaginar es que ese sueño, se haría realidad”.

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El miembro del grupo rock “Metallica” James Hetfield posando con la estatuilla conmemorativa por su participación en el documental.

Junto con la documentación visual del proceso de recuperación del mítico cementerio, Desenterrando Sad Hill cuenta también con los testimonios de varias personalidades de renombre caso de Sir Christopher Frayling, biógrafo de Sergio Leone, fans del cine del cineasta italiano, como Álex de la Iglesia, Joe Dante o el vocalista de la banda Metallica, James Hetfield, así como de los pocos participes del rodaje, encabezados por Ennio Morricone, compositor de la banda sonora, y secundados por Eugenio Alabiso, editor de la película, Sergio Salvati, asistente de cámara o Carlo Leva, ayudante de Carlo Simi en el diseño del cementerio. “Sin embargo, la guinda al pastel sería el testimonio de Clint Eastwood, al que tuvimos que perseguir incansablemente durante diez meses de llamadas, emails y faxes, hasta que la historia llegó a sus oídos y aceptó sin dudarlo nuestra proposición”, recalca Luisa Cowell, productora del documental.

Tras pasar por los festivales de Tokyo, Santa Barbara y Buenos Aires, Desenterrando Sad Hill tendrá su premiere europea en la próxima edición del Festival de Sitges, días antes de estreno comercial en salas españolas, previsto para el 19 de octubre.

Published in: on junio 19, 2018 at 5:25 am  Dejar un comentario  

El Festival Isla Calavera abre convocatoria de largometrajes y cortos para su próxima edición

El Festival de Cine Fantástico de Canarias – Isla Calavera, que celebrará su segunda edición entre los próximos 21 y 25 de noviembre, ha abierto la convocatoria para su sección oficial a concurso de cortometrajes y, como novedad este año, de largometrajes. Productoras, distribuidoras y directores pueden presentar hasta el próximo 8 de octubre sus trabajos, que serán valorados por el comité de selección del Festival.

El concurso está abierto a producciones de cualquier nacionalidad, enmarcadas en el género fantástico (terror, ciencia ficción, fantasía, thriller…). Se aceptarán largometrajes con fecha de producción posterior al 1 de enero de 2016, y cortometrajes realizados a lo largo de 2017 y 2018. Los cortos deben tener una duración máxima de veinte minutos.

El Festival Isla Calavera proyectará dentro de su programación los cortometrajes y largometrajes seleccionados y un Jurado formado por profesionales relacionados con el cine elegirá las obras y profesionales ganadores en las distintas categorías. Además, los asistentes a las proyecciones podrán votar por sus películas favoritas para la concesión del Premio del Público.

Las inscripciones de los trabajos interesados en participar se pueden realizar a través de la plataforma digital Festhome. Las bases del certamen también están disponibles en www.festivalislacalavera.com.

Published in: on junio 18, 2018 at 5:52 am  Dejar un comentario  

Entrevista a Marcelo Schapces, director de “Necronomicón”

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Casualidad o tendencia del género, la programación de la pasada edición de FANT ofrecería una perceptible presencia de títulos influenciados, en mayor o menor medida, por la literatura y los mundos de H. P. Lovecraft. The Endless (2017) o Housewife (2017) son dos ejemplos de una vertiente cuyo exponente más claro estaría en la película argentina Necronomicón (2018), dirigida por el habitualmente productor Marcelo Schapces y que competiría dentro de la sección “Panorama Fantástico”.

Con ella, Schapces culmina un viejo sueño de juventud. Tomando como base la idea de Lovecraft de situar uno de los ejemplares del Necronomicón en la Biblioteca Nacional de Buenos Aires, junto con la leyenda urbana que sostiene que el propio Jorge Luis Borges habría catalogado el manuscrito durante sus tiempos de director de la institución, la película narra la búsqueda por parte de un bibliotecario de una copia del libro maldito en un Buenos Aires pre-apocalíptico. A lo atractivo del punto de partida de este canto de amor al género fantástico, plagado además de numerosos guiños a los aficionados, se le une el hecho de tratarse del último proyecto en el que trabajaría Federico Luppi antes de su fallecimiento a finales de octubre del pasado año.

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Tras una larga trayectoria enfocada principalmente a labores de producción, ¿qué te lleva a ponerte al frente de la realización de una película de terror?

Los deseos de la infancia, básicamente. Yo amo el género, la literatura de terror y fantástica, soy muy fan del cine de terror, del cómic y de todo este mundo. Toda la vida lo he sido y nunca he dejado de serlo desde chico. Aún hoy sigo comprando libros y revistas del género y continúo leyendo.

¿Y por qué precisamente te has inspirado la literatura de Lovecraft para dar forma al film?

La verdad es que Lovecraft me voló la cabeza, como decimos nosotros allá. Hay historias que las he vuelto a leer en diferentes periodos, y ahora, cuando preparaba la película, y me siguen produciendo miedo, como puede ser “El que susurraba en las tinieblas”. Es de las pocas lecturas que producen realmente miedo, más allá de ese barroquismo que tiene Lovecraft al escribir y demás. Me pareció que llegó el tiempo en el que había que tomar todo esto que estaba latente dese hace tanto tiempo, sobre todo el hecho de que Lovecraft nos dejara como legado la existencia de un Necronomicón en Buenos Aires. Habiendo tanto cómic y literatura fantástica argentina que ha tratado a Lovecraft, nunca se había tomado como eje esto, cosa que es rara. El que haya un Necronomicón en Buenos Aires es como para hacer algo, como para averiguar dónde está. Entonces nos dimos a la tarea con Luciano Saracino, guionista de historietas, y Ricardo Romero, novelista, ambos también muy fans del género, para contar esta historia, que para nosotros es la historia de que es lo que sucedió con el Necronomicón en Buenos Aires.

Como dices, aunque la película parte de una historia tuya, el guion ha corrido por cuenta de Luciano Saracino y Ricardo Romero. ¿Por qué decidiste delegar su escritura?

Quería despegarme un poco para dirigir, aparte de que creo que la tarea en cine en conjunto se hace mejor con los aportes de otros. También quería que hubiese una mirada más joven sobre la historia que iba a contar, y los dos guionistas tienen más o menos quince o veinte años menos que yo, por lo que servía para que hubiera una mirada transgeneracional que le aportara otra frescura, y que incluso a mí me permitiera trabajar más libremente a la hora de hacer la puesta en escena.

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La actriz María Laura Cali, que interpreta el personaje de Judith, y Marcelo Schapces durante la presentación del pase de “Necronomicón” en FANT, junto a Justo Ezenarro, director del certamen.

Sobre la obra de Lovecraft siempre se ha dicho que es muy difícil de trasladar al cine, como lo demuestran las muchas películas que lo han intentado hasta la fecha y han fracasado en el intento. ¿Cómo te las has apañado para trabajar en un medio tan eminentemente visual como es el cine para tratar un terror basado en lo que no se ve, en lo indescriptible, en lo imperceptible?

Básicamente, haciendo una película literaria. Yo sé que mi película es literaria. Algunos lo pueden tomar como un demérito, y han hecho críticas sobre eso, pero a mí la palabra me parece impresionante, y creo que las películas que quieren texto cuando lo merecen son fantásticas. No tenía miedo de que fuera una película literaria, y por ese lado lo hemos centrado con mucha tranquilidad. Yo me siento cómodo en ese universo, aunque no nos basáramos realmente en una historia de Lovecraft. En general, las películas que tratan de adaptar los relatos de Lovecraft son las que fallan, y aquellas que de algún modo homenajean el universo lovecraftiano son las que mejor funcionan. Tenemos el caso de la serie True Detective, que en principio es un thriller policial. Sin embargo, le ponen monstruos innombrables de una ciudad mítica llamada Carcosa y eso ya pone a la serie en otra dimensión, sin que tenga que explicar demasiado; yo creo que al contrario.

Por eso me gustan estas citas, son como disparadores. A quien le ha gustado, quien se ha sentido un poco atrapado, va a tomar estos nombres y va a empezar a buscar de dónde proceden. Hoy en día con los móviles es algo bastante fácil: buscas en google y te aparece una serie de resultados. Pero en mi generación nos resultaba mucho más difícil. Teníamos que buscar en bibliotecas, recordar los nombres del panteón de dioses tan particular de Lovecraft y recurrir a ese libro maravilloso que publicó Editorial Alianza en los setenta que fue Los mitos de Cthulhu, donde al final se incluía una cantidad de bibliografía que nos servía para mirar cuáles de aquellos libros estaban en castellano para buscarlos en las librerías. Era algo más complejo, pero tenía su encanto. Y la película trata de recrear ese encanto, y para mí ahí es donde está su gracia. Quien lo sepa ver, quien se encante un poquito con todo esto, me parece que va a disfrutar la película y yo habré conseguido mi propósito.

No obstante, aparte de Lovecraft, en Necronomicón hay también mucho Poe, mucho Borges e incluso referencias a Narciso Ibáñez Menta…

A mí me encantan las películas con guiños. Stephen King lo hace mucho cuando escribe, y Carpenter y Wes Craven lo hacían cuando filmaban. Creo que el género tiene una tradición y, como dijo Buñuel, todo lo que no es tradición es plagio. Por lo tanto, vamos referenciándonos en la cantidad de cosas que hemos visto, leído y conocido, y tratamos de transformarlas un poco. Y, personalmente, en este tipo de películas a mí me gusta hacer evidentes estas citas; algunas serán más notorias, otras menos, parte del público pasará de largo de ellas y otros se detendrán y les generará más empatía. Son como pequeñas pistas de mis señas de identidad que personalmente necesitaba que estuvieran en una película como esta.

Hablando de influencias, ciertos aspectos del film me han recordado a la adaptación de La novena puerta / The Ninth Gate / La neuvième porte (1999) que realizara Roman Polanski. ¿Tenías esta película en mente?

De alguna manera sí. Polanski tiene algo que a mí me gusta mucho, que es cierto humor combinado con una vertiente siniestra, que es muy de los polacos. Y sí que hay algo de La novena puerta porque, como en ella, la historia gira en torno a los libros, obviamente, y a la búsqueda de uno de ellos en concreto. Pero más que La novena puerta tuve presente En la boca del miedo de Carpenter, que para mí es la mejor aproximación al universo de Lovecraft que hay, más allá de que no esté basado en ningún relato suyo en particular. Sobre todo porque, si bien Johnny Depp me gusta y me divierte en la película de Polanski, Sam Neill me parece fascinante.

Con Diego Velázquez, el protagonista, también trabajamos su papel fijándonos en el personaje de El protegido (Unbreakable, 2000) de Shyamalan. Era esa idea del hombre demasiado común que se va transformando en algo especial. Y, aparte de todo esto, siempre que puedo, y más en una película como esta, tengo en mente a Buñuel, que es el cénit del cénit absoluto. Es inclasificable y no hay forma de imitarlo, por lo que es una influencia que está por fuera. Y otra referencia que siempre tuve también presente fue La posesión (Possession, 1981) de Andrzej Zulawski, que es una película muy extraña, bastante inclasificable, pero que a mí me resulta tremendamente fascinante la tensión que tiene por el modo en el que está filmada y que, curiosamente, también está protagonizada por Sam Neill, que es un actor que reconozco que me gusta mucho.

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En cuanto al elenco interpretativo, me gustaría que me hablaras de la participación de Federico Luppi en el proyecto…

Fui un gran amigo de Federico en sus últimos cinco años de vida. Él no quería hacer esta película porque estaba muy deteriorado y muy enojado con la vida y con el mundo, pero le fui convenciendo de a poco durante dos años largos y finalmente lo conseguí. Hicimos pruebas de prostéticos, vestuario y demás, hicimos ensayos e incluso llegamos a filmar cosas que están en la película. Sin embargo, la noche previa al día en el que debía de hacer las escenas con texto de la película, le internaron de urgencias y así estuvo varios meses. Nosotros siempre teníamos la esperanza de que pudiera salir, así que hablamos con él y nos sugirió que hiciéramos una versión digitalizada de su personaje. Fuimos por ese camino siempre con la esperanza de que él se pusiera bien, pero siete meses después de comenzar la película Federico falleció. Para mí se convirtió en una obligación que Federico estuviera en la película, porque personalmente considero que es su último trabajo en un film. Así que su personaje fue recreado y reconstruido de la mejor manera que pudimos, porque yo no quise llamar a otro actor para que lo supliera, ya que me era imposible hacerlo. Y Federico está en el cast de la película porque, para bien o para mal, forma parte de ella. Fue algo muy, muy duro rodar y hacer la post-producción de la película con esta sensación. Me hubiese gustado que Federico hubiera estado realmente todo el tiempo en la película y pudiese haberla visto.

¿La ausencia de Luppi trastocó de algún modo el planteamiento que tenías inicialmente previsto para la película y/o su personaje de Dieter?

Sí, perdimos cosas. Originalmente había un prólogo con el personaje de Dieter y el otro monje que aparece en la película. Se ambientaba cuatrocientos años antes, y en él el personaje de Dieter asesinaba a este monje y tomaba el libro para ocultarlo. De ahí saltaba la historia al Buenos Aires actual. No lo pudimos filmar y pasamos a hacer esta situación en dibujos animados 2D con un estilo un poco manga, pero cuando lo vi puesto en la película sentí que no tenía mucho que ver con el resto, por lo que lo quitamos. Si hubiese estado Federico habría estado este prólogo y las escenas en las que aparece su personaje hubiesen tenido un poco más de desarrollo, inclusive. Pero bueno, la vida en el cine es así.

Por cierto, me ha parecido detectar que eres tú el que dobla al personaje de Federico…

Sí, soy yo el que lo dobla. ¿Por qué? Porque hasta el último momento, como decía antes, estuvimos esperándole aunque fuera para que pusiera la voz. Aguardamos hasta el final, y cuando ya Luppi falleció probé con dos actores diferentes, pero la entonación resultaba pomposa y no conseguía dar el tono que yo buscaba. Entonces hice yo la prueba con algo añadido en la post-producción de sonido y di con ello. Yo sabía cómo debía de sonar la voz del personaje y me fue más fácil hacerlo a mí, o al menos eso pensaba, y así quedó.

Uno de los aspectos más llamativos de la película se encuentra en su ambientación en un Buenos Aires ominoso. ¿Cómo trabajaste este apartado y, en general, a la creación de atmósferas, tan importante en un film de estas características?

A partir de que Lovecraft había escrito sobre un Necronomicón en Buenos Aires, el hecho de que hiciéramos una película lovecraftiana en Buenos Aires no era caprichoso; era genuino. Entonces, Buenos Aires tenía que ser un personaje más de la película. Pero yo quería que fuese una Buenos Aires un poco distópica. La Buenos Aires de pasado mañana, pero en plan gótico. Para ello utilizamos algunos de los edificios más emblemáticos de algunas de las calles más europeas de Buenos Aires, y sobre eso se trabajó en la post-producción digital para crear una Buenos Aires que no es tal, pero que tuviese un aire a una Buenos Aires gótica.

Por otro lado, yo quería que lloviese. Me había quedado con la imagen de la película de David Fincher Seven (Se7en, 1995) en la que llueve permanentemente en un Chicago corroído. Y yo quería trasladar esa imagen para mostrar una Buenos Aires corroída, un poco también como en Dark City (Dark City, 1998), que es esta cosa de la ciudad como corroída por el tiempo. Además, la lluvia arruina los libros. También tiene que ver con algo que ocurre ahora: hace quince años en Buenos Aires llovía la mitad de lo que lo hace hoy por el cambio climático y quise exagerar un poco eso haciendo que lloviera todo el tiempo, que es una cosa molesta y que nos pone pringosos. Y de ahí cogimos la cosa de crear una atmósfera muy tormentosa, muy húmeda, que tiene ese tono como pre-apocalíptico.

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Necronomicón ha sido estrenada en cines en Argentina el pasado mes de marzo. ¿Qué recibimiento ha tenido y cómo se ha tomado el público local que una historia como la que propones trascurra en las propias calles de la capital del país?

Existe un distanciamiento. Hay una cosa como demasiado colonial que en los últimos veinte años ha vuelto a recrudecer, también por la estrategia que hace Hollywood de estrenar cada semana una superproducción diferente. Ellos tienen la suerte de tener entre DC y Marvel más de ciento cuarenta superhéroes conocidos, por lo que tienen para hacer películas por el resto de los tiempos, cosa que igual a mí me gusta, porque yo crecí con estos personajes y me encantan los superhéroes. Pero esto hace que al público le cueste acercarse al producto local. Yo creo que la gente en Argentina se enteró muy poco que It (It, 2017) estaba dirigida por un argentino residente en Barcelona. Creo que si lo hubieran sabido habrían ido menos al cine por esa mentalidad de que “si es de aquí no será bueno”. Por suerte es algo que está cambiando, ya que la verdad es que en los últimos tiempos cada vez se están haciendo más películas de terror en Argentina, y eso ha ayudado a cambiar esta visión, aunque siga existiendo un abismo entre el público que va a ver las películas de terror norteamericano, cuales sean, y el público que va a ver las películas de terror argentinas. Pero ya digo que poco a poco va cambiando y uno aporta para que siga cambiando y no haya diferenciaciones entre películas de terror argentinas y películas de terror norteamericanas. No. Son todas películas de género y están todas en la misma batea, no están en una las argentinas y en otras las norteamericanas.

En cuanto a qué tal funcionó en Argentina, funcionó menos de lo que uno deseaba que funcionara, pero con el tiempo yo sé que la película está ahí, queda y va a verse mucho más en televisión, en cable o en streaming, ya que probablemente pase a Netflix.

Por cierto, con motivo del estreno de Necronomicón en tu país editasteis un libro con idéntico título a la película. ¿De qué se trata?

Con Ricardo Romero y Luciano Saracino hicimos en paralelo a la película este libro que contiene todo el material gráfico que hicieron Salvador Sanz y Aldo Requena, que son ilustradores de cómic y diseñadores conceptuales. Con esto pudimos hacer nuestro propio Necronomicón con el que contar la historia real, porque es real, del Necronomicón en Buenos Aires. Y ahora este libro ya está catalogado en la Biblioteca Nacional, porque entregamos una copia para ello. Y ahora cuando la gente pregunte por el Necronomicón les podrán responder que tienen un ejemplar. (Risas)

Como ya comentabas antes, Necronomicón se enmarca dentro del auge que parece vivir en los últimos tiempos el género fantástico dentro del cine argentino. En tu opinión, ¿a qué se debe y por dónde crees que pasa su futuro?

Siempre digo en las entrevistas que en los últimos cinco u ocho años se han hecho más películas argentinas de género de terror que en los sesenta años anteriores. Y esto está buenísimo. En los últimos quince años el cine de género fue pasando de películas de bajísimo presupuesto más bien bizarras y exploitations, tipo Mal gusto (Bad Taste, 1987) y la producción de la Troma, a ir generando una vía para que cada vez haya más películas de terror. De hecho, se ha creado una especie de liga de directores de cine fantástico, y ha habido un apoyo estatal por medio de la plataforma “Blood Windows” que trabaja con el Festival de Cannes, y hay un “Blood Windows” en Cannes y otro en Argentina. Todo esto ha ayudado a que se genere más cine fantástico en Argentina y en toda América Latina, lo que es maravilloso. Pero hay que seguir trabajando en el imaginario del público para que entienda que una historia local, que incluso tiene un mayor arraigo con su universo diario, pueda tener ese atractivo y que no solo tengan la mirada puesta en los veinte o treinta millones de dólares de diferencia en el presupuesto entre las películas norteamericanas y las nuestras, y que vean que no todo el horror es CGI, sino que con menos post-producción digital y menos monstruos en pantalla se pueden hacer muy buenas películas de miedo, de suspenso o thrillers fantásticos. Y para eso hay que seguir caminando y, como dijo el poeta, se hace camino al andar.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías: Juan Mari Ripalda

Published in: on junio 15, 2018 at 5:42 am  Dejar un comentario  
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Comienza el rodaje de “Regresa El Cepa”, documental sobre “El crimen de Cuenca” dirigido por Víctor Matellano

CARTEL REGRESA

El pasado domingo comenzó el rodaje de Regresa El Cepa, una película documental que supone al regreso al formato del director Víctor Matellano y que rememora las vicisitudes que rodearon a El crimen de Cuenca, película que será secuestrada militarmente y su directora, Pilar Miró, procesada. La filmación se prolongará durante tres semanas en localizaciones de Belmonte, Osa de la Vega, Tresjuncos y Villaescusa de Haro (Cuenca), Borox (Toledo) y Madrid, las mismas en las que se filmó el film original. La visita a estos lugares cuarenta años después de Guillermo Montesinos, actor que interpretará a “El Cepa”en la película de Pilar Miró, sirve de hilo conductor del documental en el que serán entrevistados especialistas, juristas, ex responsables institucionales, guionistas, miembros del equipo y actores como Mercedes Sampietro o Héctor Alterio.

“Si hay una película importante en el periodo de la transición española es El crimen de Cuenca. Es mucho más que una película, contribuyó a muchos cambios, entre estos al código de justicia militar”, ha declarado Matellano. “Hablar hoy en día del secuestro de esa película, supone reflexionar sobre la libertad de expresión entonces y ahora. No dejo de ponerme en la piel de Pilar Miró, mujer realizadora en la España de finales de los setenta, sabedora de que podría ser protagonista de un consejo de guerra por declararse autora de una película sobre hechos históricos probados…”.

Regresa El Cepa

Los actores Guillermo Montesinos y José Manuel Cervino conversando con Víctor Matellano.

El crimen de Cuenca se basa en una historia de crónica negra acaecida en 1913, cuando dos pastores de Osa de la Vega (Cuenca) confiesan el asesinato de José María Grimaldos, “El Cepa”. Cumplida la correspondiente condena, una década después “el muerto”, “El Cepa”, reaparece. Dos hombres sometidos a tortura habían confesado un crimen que no habían cometido. Se trata del “Caso Grimaldos”, un inmenso error judicial.

En 1979 el productor Alfredo Matas, con la idea de emular el éxito de El expreso de medianoche, pone en marcha la película sobre el “Caso Grimaldos”. Le ofrece el proyecto a Pilar Miró, una de las escasas directoras del cine español del momento, con un guión de Lola Salvador que esta firma como Salvador Maldonado.

Rodada en las localizaciones reales del “Caso Grimaldos”, las crudas escenas de tortura escandalizan a los poderes públicos, y el Ejército a través de un juzgado militar, ordena secuestrar las copias. Aun así, El crimen de Cuenca se estrena en el festival de Berlín, donde se convierte en un éxito, con desmayos entre el público. Inclusive Amnistía Internacional plantea patrocinar la película. A su regreso a España, Pilar Miró es procesada. Se enfrenta a posible un consejo de guerra.

Felizmente, la película y su enorme polémica, con la intervención de políticos y periodistas, propiciará el cambio del código militar, y la autorización del estreno. El crimen de Cuenca se convierte en uno de los éxitos más grandes del cine español, todo el mundo va a verla a los cines. La película se convierte así también en una defensa y progreso de los derechos y libertades.

Mientras, durante el tortuoso proceso, Pilar Miró, madre soltera, hija de militares, sufre un auténtico calvario, llega aparecer en las “listas de la muerte” del 23-F como una de las primeras personas a ejecutar, defendiendo sola la honestidad de la película hasta sus últimas consecuencias…

Published in: on junio 14, 2018 at 5:46 am  Dejar un comentario  

Crónica de FANT 24

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La vigésimo cuarta edición del Festival de Cine Fantástico de Bilbao – FANT, celebrada entre los pasados 4 y 12 de mayo, ratificó la línea ascendente que viene apuntando el certamen vizcaíno durante los últimos años. El manifestado deseo de sus responsables de hacerlo crecer se pudo rastrear en diversos detalles. De entrada, con la ampliación de su duración en un día, pasando de ocho a nueve jornadas, mediante la inclusión de un segundo sábado en el que se programaron sendas sesiones formadas por los principales ganadores de las diferentes sesiones competitivas, tanto en el formato largo como en el corto. Claro que si hubo un aspecto que evidenció tal circunstancia fue la personalidad escogida para hacerle entrega del honorífico “Estrella del FANTástico”. Después de que el año pasado dicho galardón fuera inaugurado por la actriz Barbara Crampton, en esta ocasión fue a parar a una figura del calibre de Joe Dante, cuya presencia en tierras bilbaínas alcanzo el rango de acontecimiento, no solo para el propio festival, sino para la ciudad misma, como se pudo comprobar en el eco mediático que su presencia tuvo en los medios locales y que, con toda lógica, se trasladó a una ciudadanía que, a buen seguro, en muchos de los casos ni siquiera conocía de la existencia del certamen organizado por el ayuntamiento bilbaíno, suponiendo así un inmejorable escaparate para FANT de cara a sus convecinos.

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Álvaro Pita y Joe Dante durante la presentación del libro del primero “Joe Dante. En el límite de la realidad”.

Entre los diferentes actos en los que tomó parte el cineasta estadounidense cabe mencionar la presentación del libro Joe Dante: En el límite de la realidad, cuyo autor, Álvaro Pita, convirtió en una interesantísima master class sobre el segmento que el director de Piraña dirigiera para el film coral En los límites de la realidad: la película (Twilight Zone: The Movie, 1983). Todo ello sin olvidar la inolvidable doble sesión con la que el festival escenificó su homenaje a Dante, formada por los que quizás sean sus dos films más emblemáticos: Gremlins (Gremlins, 1984) y Aullidos (The Howling, 1981). Aunque sin llegar a los niveles alcanzados con Dante, lo cierto es que el otro galardón honorífico entregado en esta edición por FANT también disfrutaría de una gran difusión, quizás por aquello de que el homenajeado contaba con la ventaja de jugar en casa. Viejo conocido del certamen, en el que había participado en diferentes ocasiones durante su etapa de cortometrajista, el vitoriano Paul Urkijo recibió el premio FANTrobia, destinado a reconocer a una figura emergente dentro del género fantástico. Dicho galardón vendría a hacer justicia a los muchos atributos demostrados por el que ha supuesto su debut en el formato largo, Errementari (2017), adaptación de un cuento popular del folclore vasco que, para quien esto firma, merece ser considerada la mejor película española de temática fantástica de la temporada pasada, con permiso de Verónica (2017), tal y como pudo comprobarse en la proyección especial celebrada dentro de la programación de FANT con motivo de este reconocimiento.

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Paul Urkijo junto a Nekane Alonso, concejala de Cultura del Ayuntamiento de Bilbao, y el actor Eneko Sagardoy, posando para los medios antes de la rueda de prensa de “Errementari” / Premio FANTrobia.

Pasando a comentar el apartado competitivo, el premio FANT 2018 a la mejor película recayó en Mayhem (2017), cuyo director, Joe Lynch, agradeció con un video en el que bromeaba sobre el estado etílico en el que el jurado tomó su decisión y que fue fundamentada “por su incorrección política, por saber revisar el género de los zombis de una forma original y por su escenificación dentro de un espacio cerrado que lleva a una crítica salvaje del capitalismo”. Con estas palabras el fallo resumía las bondades de esta negrísima comedia de acción, gamberra y sanguinolenta, que tomando como punto de partida la propagación de un extraño virus que elimina las inhibiciones sociales de los individuos en un importante bufete de abogados y adoptando una estructura de videojuego, satiriza con incisiva acidez el ambiente y la competitividad laboral de las grandes empresas estadounidenses, poniendo en el foco de su atención la falta de escrúpulos de una mentalidad en la que lo único que importa es el triunfo profesional a toda costa, aunque sea por medio de destripar al compañero de al lado.

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Issa López, directora de “Tigers Are Not Afraid”.

Pero aunque Mayhem se llevara el premio gordo del jurado, la gran triunfadora de esta edición de FANT fue Tigers Are Not Afraid, título internacional de la mexicana Vuelven (2017). Para ella serían el nuevo premio a la mejor película otorgado por los votos del público, así como el destinado al mejor guion, en este caso concedido por la Asociación de Guionistas Vascos, a los que cabe añadir el oficioso título de principal descubrimiento dejado por esta edición del certamen. Solo así puede considerarse a este drama social con elementos fantásticos que ha supuesto la primera incursión en el género de la directora y guionista Issa López, tras una trayectoria que hasta la fecha había estado vinculada, en mayor o menor medida, a los terrenos de la comedia romántica. Entre los muchos aciertos que atesora el conjunto, cabe destacar una trabajada puesta en escena plagada de detalles y simbolismos que, junto a su sensibilidad poética, le acercan al cine de Guillermo del Toro, sin despreciar otras influencias como puede ser Cien años de soledad de Gabriel García Márquez, como declaró su directora durante la rueda de prensa de presentación del film; la capacidad que exhibe para mostrar y sintetizar los problemas del México actual en sintonía con su discurso, donde explora el modo en el que la violencia en la cual vive instalado el país norteamericano afecta a los niños; o lo bien interpretada que está por su elenco de actores infantiles, sobre todo teniendo en cuenta que la mayoría de ellos carecían de experiencia previa delante de las cámaras.

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Rueda de prensa de “Framed” con Justo Ezenarro (director de FANT), su director, Marc Martínez y el actor Daniel Horvath.

Lejos de tratarse de una mera coincidencia, el hecho de que las dos principales premiadas por FANT coincidieran en su componente social explicitaría una tendencia muy acusada en un importante número de los integrantes de la Selección Oficial de este año. Es el caso de Trauma (2017), cuarto largometraje del chileno Lucio A. Rojas, que indaga en la herencia de la dictadura de Pinochet en el Chile actual en clave feminista, y cuyo pase se saldó con un buen número de deserciones de espectadores debido a la crudeza conceptual y gráfica de sus imágenes. Las hubo incluso que coincidieron a la hora de elegir el objeto de su crítica, tal y como ocurriría con Bad Match (2017) y Framed (2017), hermanadas por poner a Internet y las nuevas tecnologías en el centro de su diana. Bad Match lo hace para arremeter contra los peligros a los que nos puede conducir el mal uso de las redes sociales por medio de la historia de un Don Juan que utiliza una aplicación para conocer a chicas a las que, tras acostarse con ellas, abandona para no volver a dar señales de vida. Como ya hiciera en su guion para la magnífica Juegos sucios (Cheap Thrills, 2013), su director y guionista, David Chirchirillo, articula un thriller indie original e imprevisible que destaca por su mirada nada complaciente hacia las relaciones personales y su manejo de los géneros, haciendo que lo que en un principio se presenta como una comedia poco a poco evolucione hasta convertirse en una película de terror. En cuanto a Framed, la ópera prima del catalán Marc Martínez Jordán, reflexiona sobre los extremos a los que puede llevar el afán de notoriedad que algunos persiguen en las redes sociales y la búsqueda de morbo que parece haberse instalado de los medios de comunicación, dotando de una capa crítica a su refrescante vuelta de tuerca del arquetípico esquema de las home invasion, caracterizado por su humor negro y despliegue hemoglobínico.

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Presentación del pase de “Chimera” con la presencia de su director, Maurice Haeems, en el centro.

Cambiando la crítica social por el enfoque humanista, Chimera (2018) y Replace (2017) también coincidieron a la hora de articular sus respectivos discursos en torno a la inmortalidad. El mismo año en el que se conmemora el doscientos aniversario de la publicación de Frankenstein, Chimera retoma su discurso sobre los límites de la ciencia con los ojos puestos en los últimos descubrimientos en el campo de la biotecnología para cuestionar las diatribas éticas y morales derivadas de estos mismos avances científicos, brindando un conjunto lastrado por su exceso de verborrea y su tono didáctico. Co-escrita por Richard Stanley y con Barbara Crampton en el papel de mad doctor, Replace, por su parte, critica la obsesión por la eterna juventud de la sociedad actual construyendo un thriller de ciencia ficción que, con un ojo puesto en David Cronenberg y otro en Alfred Hitchcock y el giallo italiano, paradójicamente pone todo el acento en el estilismo visual de su puesta en escena.

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Lectura del palmarés de esta edición por parte del Jurado de la Sección Oficial.

Junto con Replace y Chimera, la representación de exponentes pertenecientes a la ciencia ficción dentro de la Sección Oficial se completaría con A Day (2017), Black Hollow Cage (2017) y Salyut-7 (2017). La primera pasa por ser una suerte de adaptación del esquema de Atrapado en el tiempo (Groundhog Day, 1993) acorde a los parámetros narrativos, productivos y temáticos del cine comercial surcoreano, que tiene sus mejores bazas en un guion de hierro, la intensidad narrativa y claridad expositiva que le brinda un montaje nada sencillo, y la capacidad de su debutante director, Cho Sun-Ho, para graduar la evolución de los tonos en los que se desarrolla la historia; Black Hollow Cage supone la ópera prima del catalán Sadrac González-Perellón, quien para su debut se descuelga con un film de atractivo diseño de producción y cuidado aspecto visual que, tanto argumental como estéticamente, remite a la británica Ex Machina (Ex Machina, 2015) y a la española Los cronocrímenes (2007); en lo que respecta a la rusa Salyut-7, cabe comentar que no es tanto una película de ciencia ficción como un thriller de ambientación espacial. En realidad, su argumento dramatiza el arriesgado rescate del satélite que le da título llevado a cabo en 1985 por la agencia espacial soviética, poniendo un particular énfasis en los aspectos emotivos, épicos y patrióticos de una gesta que contaba con todos los condicionantes para acabar en fracaso. A nivel técnico, el film dirigido por Klim Shipenko evidencia su naturaleza de producción de gran presupuesto, luciendo una envoltura formal, tanto de fotografía, como de diseño o efectos, que no tiene nada que envidiar a las películas norteamericanas de similares características.

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Aaron Morhead y Justin Benson durante la rueda de prensa de “The Endless” en FANT.

Otra de las tendencias que evidenció la selección de films propuestos por FANT dentro de la Sección Oficial fue la proyección de la literatura de H. P. Lovecraft en la última hornada del cine de terror de raíz independiente. Dos fueron los títulos en los que quedó patente esta vertiente. De un lado Housewife (2017), la nueva locura de Can Evrenol, premio FANTrobia 2016, en la que el director turco explicita la deuda con el cine de terror italiano de los años ochenta que ya desplegara en Baskin (2015), y más en concreto con la obra en el periodo de Lucio Fulci, del que hereda su dinamitación de las convenciones narrativas y su gusto por el gore más desaforado. Y por otro con The Endless (2017), el nuevo trabajo de los norteamericanos Aaron Moorhead y Justin Benson, quienes además de encargarse de escribirlo y dirigirlo, también lo protagonizan, en una faceta hasta ahora inédita en su trayectoria. Sin llegar al nivel de magnificencia de Spring [bd/dvd: Spring, 2014], su anterior trabajo, The Endless vuelve a confirmar a sus responsables como dos de los nombres más interesantes del panorama fantástico actual. En ella, retornan al mundo que crearan en Resolution [dvd/tv: Resolution, 2012], su ópera prima, para continuar explorando los temas que han articulado su cine hasta la fecha: el amor, las relaciones humanas y la trascendencia. Toda una prueba bien palpable de la mirada personal e intransferible que el dúo de directores estadounidenses ha conseguido acuñar con tan solo tres películas.

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Los directores participantes de la sección “FANT en corto vasco” antes de la proyección de sus trabajos en la gala de inauguración.

La relación de ambas películas con el universo de Lovecraft se concretaría en dos detalles concretos. Por parte de Housewife en la aparición de unos gigantescos tentáculos dignos de Cthulhu asomando desde el cielo durante su apocalíptico desenlace, y en el caso de The Endless mediante la cita con la que se abre su metraje: “La emoción más antigua y más intensa de la humanidad es el miedo, y el más antiguo y más intenso de los miedos es el miedo a lo desconocido”, la misma frase de Lovecraft con la que, por cierto, también se inicia otra cinta vista en el certamen, la argentina Necronomicón (2018), de la que hablaremos más adelante.

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Por desgracia, el resto de integrantes de la Sección Oficial pertenecientes al género terrorífico no se mostraron tan entonados. Cinco años después de su anterior incursión, el cineasta japonés Ryuhei Kitamura regresa al cine estadounidense con Downrange (2017), film cimentado sobre una única situación, la de seis jóvenes y su coche averiado en una solitaria carretera a merced de un misterioso francotirador. Lejos de lo que cabría esperar a tenor de esta premisa, la película resultante queda lejos del ejercicio de tensión narrativa que se deduce de su planteamiento, viéndose aquejada de lo que podríamos denominar el síndrome del corto alargado. De este modo, su escueto argumento es a duras penas estirado cual chicle, prolongando las situaciones ad nauseam, y provocando que el tedio se apodere de su visionado. Para colmo de males, todo el esfuerzo de Kitamura se antoja estéril a la hora de dotar de un mayor dinamismo al conjunto, concentrando su labor en la creación de cierto estilismo visual y en la inclusión de puntuales ramalazos gore que, a la hora de la verdad, no logran sustentar por sí mismos el peso de la cinta. Otro film planteado sobre una situación única, al menos de partida, fue la francesa Hostile (2017), si bien en su caso el encierro de su herida protagonista en el interior de un vehículo mientras es acosada por los mutantes que asolan el mundo post-apocalíptico en el que se ambienta la trama es empleado como base sobre la que desarrollar una serie de flashbacks que reconstruyen el pasado del personaje. La película bifurca así su argumento en dos direcciones, desaprovechando su tópico y manido componente fantástico en favor de la articulación de un melodrama más propio de un telefilm de sobremesa que acaba por desembocar en una escena final que, aunque se pretende poética y sensible, resulta ridícula e incongruente.

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El cineasta canadiense Karl R. Hearne durante la rueda de prensa en FANT de su ópera prima, “Touched”.

También procedente del país galo y acompañada de un claro regusto retro en sus componentes, Revenge (2017) se reveló como una rape & revenge en toda regla que, si bien justifica el doble galardón a la mejor dirección y dirección novel obtenido en el pasado Festival de Sitges por su directora, Coralie Fargeat, merced a una estilizada y esteticista puesta en escena a caballo entre el cine italiano de los años setenta y un anuncio de colonias, se ve perjudicada por la tendencia de su guion de hacer inverosímil todo lo narrado. Esta apuesta del manierismo visual por encima de los aspectos dramáticos y narrativos, aquí caracterizada por la adopción de una hermosísima fotografía en blanco y negro, supuso también la base de November (2017), cinta estoniana un tanto en la línea de La bruja (The Witch, 2015), de indigestas ínfulas autorales y carente del más mínimo sentido del ritmo, y que se alzó con el premio a la dirección más innovadora entregado por el Cineclub Fas. Por último, en consonancia con el cartel oficial de este año, los fantasmas —personales, más que sobrenaturales— hicieron acto de presencia en Touched (2017), acreedora de ciertos hallazgos visuales y conceptuales, pero intrascendente en última instancia.

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Un momento del interesante encuentro “Dirección por mujeres en el cine fantástico”, con (de izda. a dcha.): la realizadora vasca Laura Silva, la actriz Itziar Castro, Vanesa Fernández, directora de ZINEBI, la realizadora de cortometrajes Arantza Ibarra e Issa López, directora de “Tigers Are Not Afraid”.

El verso suelto de la Selección Oficial vendría por parte de Matar a Dios (2017), debut en el formato largo de Caye Casas y Albert Pintó. Acorde al estilo acuñado por el tándem de realizadores durante su trayectoria en el campo del cortometraje, su ópera prima se desarrolla bajo las formas de una comedia negrísima de surrealista premisa: la llegada a una casa de campo donde una peculiar familia se dispone a celebrar la Nochevieja de un mendigo que dice ser Dios. Aunque durante su primera parte la película resulta fiel heredera de la comedia negra costumbrista practicada en nuestro país por Ferreri, Azcona y Berlanga, bien sea por la acidez de su sentido del humor como por el aprovechamiento de un reparto compuesto por habituales secundarios, superado el ecuador del metraje termina por perder fuelle una vez se imponen las pretensiones dramáticas y reflexivas perseguidas por sus responsables. En cualquier caso, Pintó & Caye no se fueron de vacío de su visita a Bilbao, ya que su cortometraje RIP (2017) fue el merecedor del premio del público, dentro de un apartado que, en lo que a galardones se refiere, se completó con Bailaora (2018) de Rubin Stein y Ziren (2017) de Aitzol Saratxaga, premios del jurado al mejor cortometraje y mejor cortometraje vasco, respectivamente.

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Fernando Albizu agradeciendo durante la gala de clausura el premio a la mejor interpretación de “FANT en corto” por su papel en “Aprieta, pero raramente ahoga”.

Al margen de la Selección Oficial, un año más FANT dio cabida en su propuesta a “Panorama Fantástico”, sección paralela destinada tanto al formato largo como al corto. En esta segunda disciplina, el film de animación À Chacun Sa Malédiction (2017) de la belga Lorène Yavo fue el ganador del premio al mejor cortometraje “por la creación de un universo especial y único, para hablar a través del fantástico de algo tan cotidiano como cercano”, según recogió el fallo del jurado formado para la ocasión por el cineasta Daniel Romero, la directora de videoclips, cortos y documentales Mentxu Sesar, y la directora del Festival Internacional de Cine Documental y Cortometraje de Bilbao – ZINEBI, Vanesa Fernández Guerra, quienes también otorgaron una mención especial para Bye Bye Baby (2017) de Pablo S. Pastor, “por la impecable dirección y el uso de la estética a favor de una historia muy cinéfaga”. Si estos fueron los galardones para el formato corto, el premio del jurado al mejor largometraje recayó en Dhogs (2017), “por ser una película poderosamente visual, cruda y muy directa, y sobre todo, por la invitación a la reflexión que nos hace sobre el consumo de la violencia”. Aunque rodada en su gallego natal, Dhogs se impuso dentro de una sección con un marcado acento español, como recalca el hecho de que, de la media docena de títulos participantes, tan solo uno no tuviera nacionalidad española o no estuviera rodado en lengua castellana. La excepción que confirma la regla fue Games of Death (2017), producción canadiense que se presentaba como un festín de gore, humor gamberro y referencias ochenteras. Y lo cierto es que eso es lo que ofrece durante gran parte de su metraje, hasta que en su tramo final le da por ponerse seria a base de reflexiones filosóficas de baratillo, cuando no hay motivos ni mucho menos material para ello.

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Norberto Ramos del Val en el coloquio posterior a la proyección de su película “Call TV”.

De este modo, el resto de integrantes de “Panorama Fantástico” se repartieron entre dos películas españolas y otras dos argentinas. Estas dos últimas se trataron de Madraza (2017), tragicomedia sobre un ama de casa que accidentalmente acaba por convertirse en una asesina a sueldo, en la que destaca el trabajo interpretativo de sus actores protagonistas, y Necronomicón, bienintencionado homenaje al género terrorífico en general, y a la literatura de Lovecraft en particular, aunque muy por debajo de lo que cabría esperar de su atractivo punto de partida: la búsqueda en un Buenos Aires pre-apocalíptico de un ejemplar del libro escrito por el “árabe loco” Abdul Alhazred. La presencia nacional, Dhogs aparte, vendría por cuenta de Compulsión (2017) y Call TV (2017). La primera supone un interesante thriller de corte minimalista, en el que con apenas tres actores y una única localización, su director, Ángel L. González, realiza un encomiable ejercicio de estilo pleno de tensión narrativa, a base de oficio y un depurado dominio del tempo narrativo. Mucho menos ortodoxa resultó Call TV, con la que Norberto Ramos del Val cumplió su tradicional visita al festival vizcaíno. Esta vez lo hizo con un anárquico y personalísimo ejercicio metalingüístico en el que, fiel a su estilo, da cabida a sus habituales tics, filias, fobias y obsesiones. Puyas, reflexiones en voz alta y chicas en bikini componen la base principal de una película irreverente y provocativa, hasta el punto de reírse de ella misma, que demuestra que en muchas ocasiones el cine es, ante todo, actitud.

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Imagen de la exposición “Fotografía fantástica de Iñaki Marquina” que acogió el calendario de actividades paralelas de FANT.

“Panorama Fantástico” se desarrollaría de forma íntegra dentro de la sala 2 habilitada por FANT, cuya programación se completó con los homenajes dedicados a dos puntales del cine de terror moderno fallecidos el pasado año como George Romero y Tobe Hooper, además de la ya habitual selección de films de la distribuidora La Aventura Audiovisual, retrospectivas todas ellas que permitieron a los espectadores disfrutar en pantalla grande de clásicos como La noche de los muertos vivientes (Night of the Living Dead, 1968) o La matanza de Texas (The Texas Chain Saw Massacre, 1974), junto con títulos del calibre de la magistral La casa de los horrores (The Funhouse, 1981), Atracción diabólica (Monkey Shines, 1988) o The Woman (The Woman, 2011). Todo ello con el añadido de que el acceso a dicha sala tuviera, un año más, carácter gratuito, lo que se reflejó en la numerosa asistencia registrada por la práctica totalidad de sus sesiones, y que pone de relieve el compromiso con el género y el público que demuestra un festival que el próximo año cumplirá sus bodas de plata con un estado de salud envidiable.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías: Juan Mari Ripalda

Published in: on junio 12, 2018 at 7:17 am  Dejar un comentario  
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El remake de “Suspiria” dirigido por Luca Guadagnino se estrenará en cines españoles el próximo 7 de diciembre

Suspiria logo

Apenas unos días después de que se lanzara su primer trailer oficial, la distribuidora Diamond Films ha anunciado el estreno en España el próximo 7 de diciembre de Suspiria, el esperado remake del clásico homónimo de Dario Argento que ha supuesto la primera incursión en los terrenos del giallo de Luca Guadagnino, uno de los directores más aclamados de la actualidad tras firmar Yo soy el amor, Cegados por el sol, y la más reciente Call me by your name. La película está producida por Amazon Studios, y cuenta con música de Thom York, líder de Radiohead y fotografía de Sayombhu Mukdeeprom (Call me by your name).

SUSPIRIA

Dakota Johnson (Trilogía Cincuenta sombras), Tilda Swinton (Isla de Perros), Chloë Grace Moretz (Carrie), Mia Goth (Nymph()omaniac) y Jessica Harper, la que fuera la protagonista de la cinta original, encabezan el impresionante reparto de esta nueva versión de Suspiria. Dakota interpreta a Susie Bannion, una joven y ambiciosa bailarina que se instala en Berlín para recibir clases en una prestigiosa escuela de ballet. Pronto descubrirá que algo oscuro se cierne sobre la compañía, una oscuridad que devora a la directora artística (Swinton), a Susie y a un afligido psicoterapeuta (Lutz Ebersdorf). Algunos sucumbirán a la pesadilla. Otros finalmente se despertarán.

Published in: on junio 11, 2018 at 5:33 am  Dejar un comentario  

Entrevista a Albert Pintó & Caye Casas, directores de “Matar a Dios”

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¿A quién elegirías si tuvieras que escoger de entre todo el género humano a dos personas que sobrevivieran al fin del mundo? Sobre esta premisa se erige el argumento de Matar a Dios (2017), largometraje que ha supuesto el debut en el formato de Albert Pintó y Caye Casas tras una exitosa trayectoria en el mundo del corto, donde han acumulado galardones y reconocimientos a lo largo y ancho del planeta. Cinco personajes y un único emplazamiento son todos los elementos con los que el tándem de directores construyen una comedia negrísima que se inicia con la llegada a una casa de campo donde una peculiar familia se dispone a celebrar la cena de nochevieja de un mendigo que dice ser Dios. La familia, las relaciones personales y sentimentales, o el egoísmo inherente al ser humano, son algunos de los temas que entre escena y escena salen a relucir a lo largo de una película que tiene una de sus mejores bazas en el excelente trabajo de su reducido elenco interpretativo, formado por Emilio Gavira, Eduardo Antuña, Itziar Castro, Boris Ruiz y David Pareja.

Tras alzarse con el gran premio del público en el último Festival de Sitges, Matar a Dios formaría parte de la Sección Oficial de FANT, donde su pase estaría acompañado por la presencia de sus dos directores y la actriz Itziar Castro, quienes no se volverían de vacío de su visita por tierras bilbaínas, ya que su trabajo RIP (2017) se llevaría el favor del público con el galardón al mejor cortometraje.

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Pese a los muchos premios conseguidos por Nada, S.A. (2014), a la hora de rodar vuestro primer largometraje os habéis tenido que tirar al ruedo con prácticamente vuestros propios medios. ¿Cómo se explica que con la exitosa trayectoria que lleváis a vuestras espaldas la industria no haya apostado por vosotros?

Albert Pintó: Nos hemos podido tirar al ruedo porque la producción ha sido muy pequeña, pero de hecho hemos podido financiarla gracias a los premios que habíamos ganado con los cortos. Si no hubiera sido por Nada, S. A. y el éxito que tuvo, no hubiéramos podido llegar a hacer Matar a Dios, porque Norbert, el productor, aunque nos conocía desde hace mucho tiempo, pienso que apostó por nosotros por la confianza y seguridad que le dio el éxito que había tenido Nada, S. A.

¿De dónde viene la idea de Matar a Dios?

A. P.: Matar a Dios es una idea que nació hace años. Más que trabajar juntos, Caye y yo somos amigos desde hace mucho tiempo y solemos quedar para hablar y teorizar nuestras historias. En una de estas noches más divertidas, nos preguntamos que, en el caso de que tuvieras que salvar a dos personas de toda la humanidad, cuáles elegiríamos. Es una pregunta que cuando se la lanzamos a nuestra gente creó algo de polémica. Un amigo te decía que salvaría a su padre y a su madre, por ejemplo. Entonces empezaban los rankings y en qué posición del ranking se situaban. Eso provocó una especie de chispazo en nuestra cabeza. Vimos que teníamos algo interesante con estos Adán y Eva extraños en un apocalipsis imaginario. Y dado que nos gusta mucho hacer este tipo de cine surrealista, en el que transgredimos la realidad para contar lo que nos interesa, empezamos a trabajar en esta fábula que se ha convertido en Matar a Dios.

Caye Casas: Cuando vamos de cena solemos hacernos preguntas así. Y en este caso vimos que había una historia. Y después de trasladársela a amigos y familiares y comprobar que había respuestas bastante curiosas, la historia fue saliendo sola.

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Rueda de prensa de “Matar a Dios” en FANT. De izda. a drcha.: Justo Ezenarro (director de FANT), Albert Pintó, la actriz Itziar Castro y Caye Casas,

Imagino que la disposición teatral que tiene la película, con cinco personajes en un único emplazamiento, responde a la intención de rodar una película que fuera fácilmente financiable desde un punto de vista económico…

C. C.: Si. En principio, tras hacer Nada, S. A. lo que queríamos era demostrar que podíamos hacer largos. Pero como el tema de la financiación está tan complicado y con nuestros guiones, no sé porqué, pero es así, es muy difícil que nos den ayudas, decidimos hacer esta historia de cinco personajes en una casa. Si nade nos apoyaba estábamos decididos a hacerla con nuestros ahorros. Íbamos a hacer una película de súper bajo presupuesto con diez mil euros en la casa de mi hermana con cinco actores amigos y un reducido equipo técnico también formado por amigos. Cuando Norbert se enteró de que nosotros éramos capaces de plantear esto nos pidió un poco de paciencia para que él pudiera conseguir algo de dinero y poder hacer así una película con más recursos de la que en principio íbamos a hacer Albert y yo. De hecho, la idea también era que pudiéramos hacer algo así si nadie nos hacía ni puñetero caso.

A. P.: La verdad es que fue eso: empezar con algo muy pequeño y hacerlo grande después. No queríamos tener que hacer lo contrario: empezar con un proyecto muy grande y después tener que reducirlo por no tener dinero. La hicimos crecer poco a poco.

Por todo lo dicho, gran parte del peso de la película recae en el trabajo de los actores. ¿Cómo fue el proceso de casting? ¿Escribisteis alguno de los papeles pensando ya de antemano en el actor que lo iba a interpretar?

C. C.: Lo que hacemos es buscar los actores que más o menos nos pueden encajar en cada personaje y miramos todo lo que han hecho, aunque no los conozcamos de nada. En este caso, a la hora de realizar el casting teníamos claro que eran cinco protagonistas en una casa y que la película la llevaban ellos. Así que si la cagábamos en el casting, la película podía ser una basura. Fuimos eligiendo personaje por personaje.

El personaje de Emilio Gavira sí que lo escribimos para él. Le conocíamos de haber trabajado juntos y lo teníamos súper claro. Pero, en cambio, para los otros personajes miramos muchísimos nombres. En el caso de Itziar Castro fue muy curioso, porque en el guion original pone que es una chica de unos cuarenta años, pero no se da ninguna descripción física. Entonces, cuando presentamos la propuesta de Itziar para el personaje de Ana, el productor alucinó, ya que en ningún lado ponía que fuera gorda. Incluso alucinó la propia Itziar cuando la dimos el guion. En la primera entrevista que tuvimos directamente nos dijo: “¿No os habéis equivocado? Aquí no pone que mi personaje sea una gorda”. La respondimos que estábamos convencidos de que Ana era ella y que nos iba a dar el personaje que teníamos en mente. Pero lo mismo pasó con Emilio. No tiene nada que ver su enanismo con ninguno de los personajes que ha hecho para nosotros. Podría hacerlos Javier Bardem. Nosotros lo que buscamos es a buenos actores que nos den lo que buscamos en pantalla; nos encantan sus físicos, los explotamos al máximo, y nos ayudan a explicar la historia como la queremos explicar.

Como curiosidad, te puedo decir que a David Pareja y a Eduardo Antuña los contratamos por Facebook. No sabíamos si tendrían representante, pero directamente les enviamos un mensaje y enseguida nos contestaron. Les mandamos los guiones y les contratamos por Facebook. En el caso de David la situación fue muy graciosa. Yo le tenía controlado, ya que me gusta mucho, incluso como director de cortos, donde con Javier Botet tiene algunas historias brutales que son geniales. Puedo decir que soy fan de él. Y como actor le veíamos mucho para este personaje. Un día, como es muy coñero, puso en su Facebook de broma que hacía el cincuenta por ciento de descuento hasta diciembre a los directores que le quisieran contratar. Yo lo leí, y aproveché. Le dije que había visto lo de la oferta y que le quería contratar para mi película. Él, todo asustado, me respondió: “No, no, que eso es una broma”. (Risas)

En este sentido, al igual que en vuestros cortometrajes habéis contado con actores de los denominados secundarios o característicos, como puede ser el caso del mencionado Emilio Gavira o Eduardo Antuña. ¿Es algo de algún modo buscado por vosotros, como una especie de sello personal?

C. C.: Personalmente siempre me gustaría trabajar con buenos actores. Y te diré más: si Albert y yo podemos llegar a ser profesionales del cine deseo que no nos influya que los actores sean famosos o no. Aparte, dentro del panorama tanto del teatro como del cine y la televisión en España hay actores secundarios que suelen hacer papeles muy pequeños que creemos que tienen un potencial brutal para poder hacer cosas con mayor protagonismo, como demuestran nuestros cinco intérpretes en Matar a Dios. Y queremos seguir por esa línea, sin fijarnos en elegir al típico actor que está de moda y que te va a dar más publicidad. Si podemos elegir, seguiremos haciéndolo así: el actor por encima del nombre.

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Itziar Castro y Caye Casas durante la rueda de prensa.

El planteamiento argumental de la película es bastante trascendente. ¿Cómo os la apañasteis para no caer en lo pretencioso?

A. P.: Gracias a la comedia negra. Es decir, el hecho de que escojamos este género, que además es el que nos gusta, es el que nos permite distanciarnos y no hacer pretenciosos los temas de los que hablamos. Porque en el fondo la película cuenta cosas muy importantes; habla sobre la vida, sobre la muerte, la libertad, la familia, la religión, los animales, el planeta Tierra… Pero la gracia de no caer en ese poso trascendente y pretencioso es que nos riéramos un poco de ello.

C. C.: Es nuestro filtro Pintó & Caye. Sacamos grandes temas pero con nuestro humor negro y surrealista. Queremos contar historias que toquen grandes temas, pero que la gente se divierta al tiempo que les hace pensar.

Lo cierto es que la mirada que la película arroja sobre la condición humana no es que digamos demasiado positiva. ¿Sois tan pesimistas?

C. C.: Yo sí.

A. P.: Depende del día en que estemos, somos más pesimistas o menos. Sí que creemos que hay gente buena y bondad en el mundo, pero lo que pensamos normalmente es lo que se refleja en la película. De hecho, la gracia está en la manera en la que lo contamos.

C. C.: ¿Alguien duda de que el planeta Tierra viviría mejor sin nosotros?

A. P.: Que somos un cáncer ya lo decían en Matrix (The Matrix, 1999). Eso está ahí y queríamos hablar de ello, aunque también es verdad que pintamos la película con otros personajes que opinan un poco distinto. El personaje de David Pareja aporta el contrapunto del sentido común. Sí que creo que en la película se nota por dónde vamos Pintó & Caye, pero hemos intentado que haya un poco de todo, que cada espectador pueda decir: “Yo estoy más con Antonio”, “Pues yo con el de Pareja”. Al final, como la película tiene que acabar, tiene que haber una tesis y tienes que decir una cosa. Hay un tufo grande de lo que pensamos, pero eso no quita para que hayamos intentado repartir las opiniones para que todo el mundo pueda conectar con su punto de vista, lo que entendemos que no es fácil. De hecho, no es algo ligerito, sino que es muy denso, de ahí la película que hemos hecho. Por eso tanto cuento, tanto surrealismo, tanta estética y tantos personajes; para aligerar el peso dramático de todos estos temas. La gente que leía el guion sin saber cómo íbamos a rodarlo nos decían: “¡Guau! ¡Qué fuerte!” Ahora que han visto cómo rodamos, creo que pueden imaginar más fácilmente los guiones que tenemos, ya que antes era muy complicado. Ahora ya pueden ver por dónde vamos, y creo que eso nos puede ayudar de cara al futuro a la hora de levantar nuevos proyectos.

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Albert Pintó.

Desde el punto de vista narrativo, uno de los elementos que llaman la atención es el modo en el que Matar a Dios va moldeando su tono desde la comedia para, sin abandonarla, volverse poco a poco cada vez más oscura…

A. P.: De hecho, una de las cosas de las que más orgulloso estoy de la película es de esa transición que quisimos hacer a posta desde la comedia negra al drama. A nosotros nos parecía muy interesante empezar con ese tono de comedia como gancho para el espectador. Queremos que en esos primeros momentos lo pase muy bien para después darle el hachazo poco a poco y contar lo que le queríamos contar, que es una cosa que nos parece sería, pero que la comedia negra nos da esa posibilidad de contarla de forma desenfadada.

Otro desafío supongo que sería el otorgar un sentido cinematográfico a un guion como este, basado en los diálogos por encima de la acción…

C. C.: Exactamente. Sabíamos que podían criticarnos diciendo que era una obra teatral rodada, por lo que trabajamos en los planos, las ópticas y los movimientos de cámara que queríamos hacer para que el resultado resultara lo más cinematográfico posible. A pesar de que todo pasa en una casa entre cinco personajes, lo que podía ser perfectamente una obra de teatro cojonuda, la manera en la que está rodada creo que te hace olvidarlo, ya que hay mucho dinamismo y planos muy currados. Pienso que lo hemos conseguido, ya que en ninguna crítica nos han dicho que parezca una obra de teatro.

A. P.: Intentamos romper la cuarta pared, haciendo siempre planos de intención y procurando dotar a la película de mucho del cine de los ochenta que nos gusta mucho. Ahora parece que todo tiende a un tipo de realización más televisiva, con cámara en mano y multicámara, donde el plano es pinchado para dar ritmo… Nosotros quisimos ir hacia ese cine más clásico, donde el plano te cuenta algo y dura lo que tenga que durar. Y creo que eso nos ha ayudado a separarnos de esa teatralidad que podía haber tenido la película.

Una curiosidad: ¿os repartís las funciones de algún modo especial, ya sea durante el proceso de escritura como del propio rodaje?

C. C.: Lo trabajamos todo juntos, desde el principio en la preproducción, y lo hablamos absolutamente todo, hasta el más mínimo detalle. Tanto es así que nuestros actores y nuestro equipo siempre dicen que nunca nos han visto discutir durante el rodaje, o que Albert dijera una cosa y yo opinara lo contrario. Y eso no lo verán porque antes lo hemos hablado todo, desde el guion hasta el acting de los actores.

Cuando estamos rodando sí que nos repartirnos un poco las funciones. Yo estoy más con los actores y Albert con el director de fotografía montando el plano, pero ya está todo hablado. Yo sé lo que él va a hacer y él sabe lo que yo voy hablar con los actores, por lo que simplemente es puntualizar cuatro cosas cuando ya tenemos a los actores y el plano listos.

A. P.: Lo ponemos todo en común. Y lo bueno es que lo que él hace para mí es nuevo y cuando él llega y ve la puesta en escena y lo que hemos trabado también le resulta nuevo para él. Es muy bonito, porque ambos aportamos cosas en ese momento desde una mirada fresca. No estamos viciados, por así decirlo. Yo veo el acting, y aunque ya está todo hablado milimétricamente, quizás detecto algo que no es exactamente a como lo había imaginado y lo comentamos. Es perfecto, porque así uno puede corregir algo que al otro se le ha podido pasar por alto en un principio. Aparte de que sin esa dualidad no habríamos podido rodar esta película en dieciocho días. ¿Sabes esa expresión de “me tendría que haber duplicado para poder hacerlo”? Pues, por suerte, estamos duplicados, porque de lo contrario no habríamos llegado a cumplir los plazos de rodaje.

C. C.: Además, hemos estado muy encima de los dos procesos. Hemos podido rodar los planos que queríamos con el cuidado que queríamos y con los actores trabajando lo que queríamos, gracias a que nos hemos separado. Y entonces estábamos muy encima. Llevábamos pinganillo y a veces le decía a Albert: “Ya tengo calentitos a los actores, vamos a rodar ya”, y lo mismo él me contestaba: “Espera un segundito, que aún no tengo preparado el plano, pero estamos a punto”.

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Caye Casas,

En algunas declaraciones habéis mencionado a Terry Gilliam, Álex de la Iglesia o Jean-Pierre Jeunet como algunos de vuestros principales referentes. No obstante, personalmente vuestro estilo de comedia negra costumbrista con acento cañí me recuerda mucho al cine de Berlanga y, sobre todo, Azcona. ¿Reconocéis su influencia?

C. C.: RIP, por ejemplo, es muy azconiano. A mí me encanta Azcona, me encanta Berlanga y lo habré visto todo de ellos. Y ambos son de los grandes referentes, como lo son Álex de la Iglesia, Terry Gilliam, Buñuel… Es imposible cuando te apasionan tanto unos autores como estos que no se te cuele una referencia a ellos. Porque a mí lo que me gusta es cómo cuenta la historia esta gente, ya que son maestros de los que nosotros aprendemos.

A. P.: Es algo inconsciente, además. Cuando nos ponemos a trabajar no decimos “vamos a haces esto como lo haría fulanito”. Es más, para mí el reto es que no te digan que estás copiando. Cualquier referencia tiene que estar pasada por el filtro Pintó & Caye, haciendo que sea distinto, aunque huela a todos nuestros referentes que nos flipan y que han sido quienes con sus películas han hecho que nosotros quisiéramos hacer cine. De alguna manera hay una conexión entre estos autores y nosotros, pero siempre pasado por nuestro filtro, para que se aleje lo máximo posible de ellos. Puede que huela a ellos, pero es nuestro.

C. C.: Aparte que lo decimos con orgullo, porque mira qué referentes.

Tanto Nada, S.A., como RIP, como la propia Matar a Dios comparten una premisa fantástica. ¿Se trata de algo casual o responde a un interés por este género?

A. P.: Nos encanta. Nos flipa el surrealismo y la comedia negra, aparte de ser el registro en el que nos encontramos más cómodos.

C. C.: También conecta con nuestra manera de ver el mundo. Es lo que hablábamos antes; temas muy serios pero pasados por ese filtro de género fantástico y de surrealismo. Es donde nos sentimos más cómodos, pero también como nos sale realmente.

A. P.: Nosotros hacemos cine porque nos lo pasamos bien y somos muy felices y, lógicamente, queremos hacer el cine que a nosotros nos gusta. Eso es lo que nos atrae. A mí personalmente siempre me ha gustado la capacidad que tiene el género fantástico para enseñarte el mundo de una manera distinta a la que lo ve el ojo humano. Es algo que lo aprendí mucho con el cine de Terry Gilliam, que rueda con esas ópticas y esos mundos tan locos. Siempre me ha atraído y, claro, en el momento en el que planteas tus propias historias quieres hacer eso mismo. Entonces, las historias que nosotros pensamos son perfectas para contar de esta manera, porque creamos algo nuevo que en la realidad nunca pasaría. Y nosotros le ponemos esa sal y esa lupa para acentuar la historia. Y es el surrealismo el que te permite todo eso.

C. C.: Con los referentes que hablábamos antes y nuestra manera de ver las cosas, creemos que podemos crear una marca Pintó & Caye, tanto estéticamente, como por la manera de contar las cosas con nuestro humor y nuestro surrealismo. Creo que podemos conseguir que la gente sepa lo que se va a encontrar cuando vaya a ver algo nuestro. Que si les gusta vayan a verlo, y que si no, que sepan que no cambiaremos mucho. En todo caso, intentaremos afinarlo aún más.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías: Juan Mari Ripalda

Published in: on junio 8, 2018 at 5:34 am  Dejar un comentario  
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