Entrevista a Régis Brochier y Régis Autran, directores de “Nanaroscope”

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Un año más, la sección “Documentrash” se erigiría en una de las secciones más interesantes de CutreCon VII. Para esta su tercera edición, en la que tendría carácter gratuito, la sesión doble de documentales relacionados con el cine cutre estaría compuesta por Nanaroscope y Children of the Stars. El primero, en realidad, se trata de una serie creada para el canal cultural ARTE por Régis Autran y Régis Brochier, integrantes de la especializada web nanarland.com, quienes visitarían el festival acompañando a su criatura. Dividido en diez capítulos de menos de diez minutos de duración cada uno, Nanaroscope analiza diversas corrientes, nombres propios y títulos emblemáticos del cine de género de serie B/Z, contando para ello con el testimonio de sus propios protagonistas, así como de diversos especialistas cinematográficos. El cine de acción realizado en Uganda, el western clásico rodado exclusivamente con enanos The Terror of Tiny Town [dvd: The Terror of Tiny Town, 1938], Uwe Boll, o el fenómeno de los clones de Bruce Lee son solo algunos de los temas tratados en los episodios a lo largo de los episodios de una serie para la que ya se trabaja en una segunda temporada, según adelantaron sus responsables en el coloquio con el público que tuvo lugar tras el pase.

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¿De dónde viene vuestro amor al cine trash?

Régis Brochier: Bueno, sencillamente viene por nuestro amor por el cine. Porque, en efecto, yo creo que para que a alguien le guste el cine trash le deben de gustar las películas y el cine en general.

Régis Autran: Viendo las películas buenas llega un momento en el que también te comienzas a interesar por las películas malas.

R. B.: Sí, es verdad. A veces encontramos en estas películas ideas, planos o una manera de montar que no se encuentra o, al menos, nosotros no vemos en el cine mainstream. Y digamos que esto lleva a ver este cine desde otra perspectiva.

Esta afición os llevó a fundar hace más de quince años, y junto a otros compañeros, la web nanarland.com, sin duda uno de los principales referentes para los aficionados a este tipo de cine. ¿Cómo nació la idea de crearla?

R. B.: Se creó en 2001, gracias a que en verano nos juntábamos varios amigos y nos dedicábamos a alquilar películas en video. Éramos estudiantes, y en nuestras largas vacaciones teníamos mucho tiempo para alquilar películas hasta llegar a aquellas que eran tan malas que directamente nos hacían reír. Y esto nos hizo pasar unas veladas tan divertidas que desde entonces nos aficionamos a estas buenas-malas películas; es decir, aquellas películas que son tan malas que acaban por convertirse en buenas.

Después de esto nos dimos cuenta de que no había en Internet ninguna página francesa que hablase sobre este tipo de cine y aconsejara qué películas son aconsejables. Porque también puede pasar que, en lugar de una mala-buena película, veas una mala-mala película, y acabes pasando una tarde terrible. Así que pensamos que sería bueno aprovechar nuestra experiencia escribiendo reseñas de estos films en aquellos primeros años de Internet, cuando hacer una web era algo bastante sencillo. Desde ese momento nos dijimos que, cada vez que viéramos una de estas buenas-malas películas, íbamos a escribir sobre ellas. Y así lo hemos estado haciendo hasta hoy.

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Un instante del coloquio que tuvo lugar en la Casa del Reloj tras el pase de “Nanaroscope”.

Además de vuestro trabajado escribiendo, habéis dado un paso adelante en la difusión de esta cultura con el rodaje de documentales. ¿Qué os llevó a dar este paso?

R. B.: Ha sido una evolución que se ha ido dando muy poco a poco. nanarland.com existe desde hace más de quince años. Al principio solo podíamos colgar texto, luego pudimos meter imágenes, después extractos de audio y finalmente pudimos subir videos. Llegados a este punto, comenzamos a ponernos en contacto a través de mail con los realizadores e intérpretes de las películas de las que hablábamos. Los hacíamos entrevistas de texto y, paralelamente, comenzamos a trabajar en el formato audiovisual. Y a partir de un momento determinado pensamos que por qué no juntar nuestra experiencia en el formato audiovisual con esto que tanto nos apasionaba. Además, nos dimos cuenta que el soporte audiovisual quedaba más natural, y alimentaba aún más las ganas de ver estas películas. Entonces nos pusimos de acuerdo en ir a entrevistar a la gente involucrada en los films para que nos contaran su historia y la historia interna de los rodajes. Y es que lo que se esconden detrás de estas películas a veces es mucho más divertido e interesante que las propias películas. Siempre hay algo especial detrás de estos filmes.

En Nanaroscope entrevistáis a varios directores y actores algunos de cuyos trabajos entran dentro de la consideración de cine basura. ¿Cómo se tomaron cuando les propusisteis ser entrevistados en un documental sobre este tipo de cine?

R. A.: Depende del caso y de la personalidad con la que nos ponemos en contacto. Hay gente que acepta muy fácilmente, como puede ser el caso de los directores italianos, que muchas veces son conscientes de lo que han hecho, o que han tenido que brear con pequeños presupuestos para hacer películas que objetivamente necesitaban de una mayor inversión. Y también ha habido directores que no querían, que, directamente, no nos respondían o que lo hacían desde un principio muy a la defensiva. Entonces hemos tenido que intentar convencerles con el tiempo de que nosotros lo que queríamos era solo una entrevista, no otra cosa. Ha habido a quien les hemos logrado convencer y quien nos ha respondido dos o tres años después diciéndonos que había leído nuestro trabajo, que al hacerlo había comprendido lo que hacíamos y que ahora sí estaría dispuesto a que lo entrevistáramos.

R. B.: De hecho, nuestra meta es hacerles comprender que les tratamos con todo el respeto. Aunque puede que nos riamos con sus películas, lo que no queremos es burlarnos de ellos. A veces ellos mismos nos explican que las condiciones de rodaje de esa película en particular fueron difíciles, que no tenían dinero, que no salió como estaba previsto… De este modo nuestras entrevistas sirven para que puedan justificarse, explicar cómo fue el rodaje y contarnos alguna anécdota. Por ejemplo, el capítulo de Nanaroscope sobre el director francés Jean-Marie Pallardy creo que es el único reportaje que se ha hecho sobre su carrera. Desgraciadamente, las cadenas de televisión de nuestro país no se interesan actualmente por el trabajo de un director como él, ni tampoco en los sitios webs de cine generalista.

En vista de esto, hay veces que pienso que a algunos de estos directores les agrada que nos interesemos por ellos, aunque sea para burlarnos de sus películas. Y es que, aunque nos riamos un poco de sus films, el objetivo es, con esta excusa, interesarnos por su carrera, intentando comprenderlos y hacerles una especie de homenaje, pero sin caer en lo inverso; es decir, hacer parecer que son unos genios y que sus películas son mejor de lo que parecen. La idea es hacer un juicio objetivo de ellos y sus películas, aunque nuestra mirada sea bastante subjetiva. Pero, en todo caso, lo que queremos es documentar, recopilar y poder darles la palabra, porque para nosotros es importante, ya que esta gente no está en la historia oficial del cine. Les han dejado al margen y si compramos un libro sobre la historia del cine seguramente no encontraremos nunca su nombre o el de alguna de sus películas. Por eso es importante lo que hacemos nosotros o un festival como CutreCon, donde pueden ver una sala repleta de gente disfrutando de sus películas y aplaudiéndolos. Es una forma de reconocerles a ellos y su trabajo que agradecen.

R. A.: Cuando buscamos información de estas películas en Internet por lo general lo que encontramos son críticas subjetivas en tono divertido. Y nosotros lo que buscamos es información real. Cuando vemos alguna de estas películas nos preguntamos cosas. Por ejemplo, en el Superman turco queríamos saber cómo lo habían hecho y porqué o en Karate contra mafia, cómo había alguien que había rodado una película de artes marciales en las islas Canarias haciéndola pasar por una producción china. Y cada vez nos preguntamos más cosas. Es por eso que ponemos tantas ganas en encontrar y entrevistar a los directores y a los actores. Queremos saber el porqué y el cómo. Esto es lo que nos parece interesante.

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Régis _ junto a Carlos Palencia, director de CutreCon, durante la rueda de prensa de presentación del festival.

¿Cómo conseguisteis la participación en vuestro proyecto del canal cultural ARTE?

R. B.: Bueno, esto fue un proyecto que tenía desde el primer momento que quisimos hacer algo sobre el cine nanar. Una productora francesa llamada Tournez S’il Vous Plaît nos dijo que les gustaba el proyecto, y nos pusimos a producirlo. Una vez en marcha, una de las distribuidoras en que lo movimos fue Arte. Todo fue muy bien, porque la persona que lo llevaba en aquel entonces decía que era un proyecto buenísimo. Aunque en un principio nosotros habíamos pensado en que el proyecto sería para Cinema Arte, finalmente nos dijeron que formaría parte de Arte Creative, la plataforma web del canal; entonces, en lugar de hacerlo como un largometraje decidimos estructurarlo como una serie documental. El cambio nos gustó, ya que al público de Arte Creative le suelen gustar las cosas que se salen de la norma, y el contenido de Nanaroscope se prestaba de maravilla a ello, además de que nos permitía usar un formato que funciona muy bien en Internet.

Así que, puestos de acuerdo en el formato serie, decidimos que en cada episodio íbamos a hablar de una película, de un director o de una corriente determinada. Desde ARTE se portaron muy bien con nosotros, apoyaron mucho el proyecto, y hemos tenido una relación muy fluida. No es por hacer la pelota, pero creo que ARTE es uno de los mejores canales que hay en Francia para poder trabajar. A todo ello hay que añadirle que el hecho de que se ofrezca la serie en Internet subtitulada en inglés, alemán, español y polaco nos ha brindado que nuestro trabajo tenga una mayor difusión y llegue a muchísima más gente y más lugares de los que podríamos haber pensado en un principio, además de ayudarnos a hacer una mayor justicia con las películas de las que hablamos.

Nanaroscope se hace eco del cada vez más pujante fenómeno del culto al cine basura. ¿A qué creéis que cada vez sea más la gente que se interese por este tipo de películas? ¿Tiene algo que ver el nivel al que ha llegado el cine actual?

R. A.: Pienso que tiene que ver con lo que hemos expuesto antes. Durante los setenta y ochenta dentro del cine popular se produjo un gran número de películas por año que hoy en día con Internet, Netflix, el v.o.d., el directo a DVD o la televisión tenemos acceso a un mayor número de películas. Y el modo en el que actualmente consumimos este tipo de cine ha cambiado sustancialmente. La gente de nuestra generación ve muchas películas, muchas series, lo que nos tiende a ser más críticos que el público que veía aquellas películas en los setenta o los ochenta, que era más cándido, más ingenuo. Hoy en día es impensable que se estrenara una película como el Superman turco, sobre todo si la comparamos con los blockbusters actuales. Sin llegar a estos extremos, las películas de género de los años setenta y ochenta que no han envejecido demasiado bien hace que el público de hoy tenga mayor ocasión de ver buenas-malas películas, y que se haya creado una especie de encaprichamiento alrededor de este tipo de cine.

R. B.: Creo que hay una dirección directa contra la estandarización del cine de hoy en día. Todas las películas de grandes presupuestos últimamente se parecen unas a otras. De hecho, ¿por qué se denominan películas cutres, nanars o trash? Porque son accidentes. Y a día de hoy no hay accidentes en las películas de Marvel o DC, porque se mueven en unos cánones muy estandarizados. Esto hace que no haya sitio para el azar, las casualidades… A veces, lo que hay son películas un poco locas, pero en todo caso es una locura controlada, por así decirlo. En cambio, en estos films cutres, por así llamarlos, sí que se encuentra esa ingenuidad que les lleva hacer cosas que no deberían hacer. Y en el fondo, esto nos da una especie de soplo de aire fresco para el cerebro, ya que nos saca de este cine tan estandarizado de hoy. Por ejemplo, cuando hablamos de Star Crash, choque de galaxias, decimos que tiene efectos especiales, porque eran eso, efectos especiales. Sin embargo, hoy este tipo de películas utilizan CGI, que es algo que como su nombre indica está realizado desde la frialdad de un ordenador, lo que mata toda la magia. Antes, hacía falta una suerte de artesanía, había que inventar cómo hacer este tipo de cosas, no era simplemente programarlo desde un ordenador y ya está. A veces, estos efectos se hacían con un cacho de celo, con telas, con hilos, etcétera, para conseguir unos resultados que podían ser buenos o malos, pero era lo único que había. Y esto se ha perdido. En estas películas había algo más orgánico, más emotivo, que lo que podemos encontrar en estas películas actuales con efectos de imagen generados por ordenador. Y eso también puede explicar el por qué necesitamos volver a aquellas películas, además de por reírnos con ternura, con afecto o con cariño de sus defectos, ya que no se suele dar en las películas que se realizan hoy.

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¿Seguís algún modus operandi a la hora de descubrir películas que puedan ser calificadas nanar?

R. A.: Gracias a Internet se han podido crear comunidades con las que contactar con otras personas con las que compartir el amor por este tipo de cine. Y cuando uno u otro se topa con una de estas películas tiene muchas ganas de difundirla entre otras personas afines. Sin ir más lejos, Karate contra mafia era una película que nunca habríamos descubierto de no haber sido por CutreCon. Y eso es lo interesante. Antes, encontrar estas películas era más difícil. En nuestro caso, acudíamos a las tiendas de ocasión y los videoclubs para comprar los VHS que saldaban y entre los que nos llevábamos a veces te encontrabas con auténticas idas de olla. Pero este método era más doloroso, porque íbamos a ciegas, lo que hacía que para encontrar una película que mereciera la pena, tuvieras que ver diez antes auténticamente infumables. Pero en aquellos momentos no había más solución que buscar de este modo para encontrar buenas-malas películas.

R. B.: Lo que es muy gracioso es la gran evolución que ha habido. Al principio todo empezaba en un videoclub explorando las películas disponibles. En nuestra búsqueda, incluso íbamos en coche hasta otros videoclubs que estaban a bastante distancia de nuestra ciudad. Después ya pudimos pasar aquellas películas de VHS a DVD y, cuando creamos la web, comenzamos a intercambiar cintas con otra gente. Y poco a poco ha habido una evolución hasta llegar a poder descargarnos una película por Internet, lo que nos ha permitido poder intercambiar con gente de otros países y ampliar mucho más el abanico y llegar a cosas cada vez más recónditas que, de otro modo, difícilmente lo haríamos. Es decir, en quince años hemos pasado de buscar estas películas en nuestro barrio a hacerlo de forma prácticamente global.

En este sentido, me parece increíble que se vean las descargas como un enemigo del cine, cuando si le damos la vuelta podemos ver que ha sido algo que ha permitido que resurjan muchas películas que estaban olvidadas y darles una nueva vida, incluso a algunos títulos que creíamos desaparecidos. Una película de Bruce Le que no encontrábamos en Francia la conseguimos gracias a un coleccionista islandés que nos la pasó, curiosamente, en francés con subtítulos en islandés e inglés.

¿Qué ingredientes debe tener en vuestra opinión una película para ser considerada nanar?

R. B.: Es difícil de definir. Incluso, entre nosotros, hay veces que vemos una película y que todos coincidimos que es un nanar, pero también hay otras ocasiones en las que a algunos nos parece que sí lo son, y a otros que no.

R. A.: Es algo muy subjetivo y depende de los gustos. Para nosotros son películas que nos hacen reír, pero ya digo que también depende de cada cual.

R. B.:Para mí una película de Chuck Norris es un nanar. Sin embargo, para mi suegro yo creo que la vería desde otra perspectiva. Diría: “Oh, es una película de Chuck Norris. Todo es acción, todo es trepidante, todo es genial”. Y al igual que ocurre con las personas, también ocurre con los países. Yo creo que cuando el Superman turco salió en cines la gente no lo vio como un gordísimo nanar. Sin duda, cierta parte de la gente, sobre todo los niños, les debió de gustar en su momento. O, por ejemplo, vuestras películas de Chiquito puede que os parezcan nanars a vosotros, porque entendéis al personaje y todo lo que conlleva, pero fuera de España seguramente a nadie le gustarían porque desconocen su idiosincrasia.

¿Cuáles son los títulos que recomendaríais a cualquier persona que quisiera iniciarse en este mundo, o que consideréis que resultan imprescindibles para los aficionados?

R. B.: A mí me gustaría decir, sin adular a este festival, que la que diría de primeras es Star Crash. Pienso que es la idea que se puede hacer cualquiera de primeras al pensar en una película nanar. A veces hemos hablado con gente que no estaba muy metida en el tema, y cuando les decíamos lo de film nanar por lo general suelen identificarlo con films de platillos volantes y peleas. Y Star Crash casa como un guante en la definición: hay acción, efectos especiales, es muy inocente, los diálogos son muy divertidos, no permite aburrirte. Y para alguien que no conoce este mundillo me parece perfecta para que entren en materia. Star Crash aparte, tengo una especial debilidad por Samurai Cop, entre otras cosas porque yo me acostumbré a ver este tipo de películas policiales de serie B a raíz de la impresión que me causó Arma letal.

R. A.: Es muy subjetivo, evidentemente, porque hay muchos títulos. Sí que creo que no hay que recomendar de entrada las películas más extremas, como puede ser el Star Wars turco, que para mí es un nanar de campeonato, pero su montaje y su banda sonora puede que a la gente le pueda echar para atrás de primeras. Es muy exigente, por así decirlo. En cambio, Star Crash es mucho más digerible.

José Luis Salvador Estébenez

Traducción: David Díaz

Fotografías: Juan Mari Ripalda

Published in: on marzo 9, 2018 at 9:41 am  Dejar un comentario  
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Entrevista a Luigi Cozzi, “Premio Jess Franco” de CutreCon VII

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En su séptima edición, CutreCon entregó su premio honorífico Jess Franco a Luigi Cozzi, uno de los cineastas italianos más singulares y reivindicables de todos cuantos desarrollaron su trayectoria durante la década de los setenta y ochenta en el cada vez más moribundo cine de género trasalpino. En un contexto cada vez más lindante a la explotaition y el mimetismo con los grandes blockbusters norteamericanos del momento, Cozzi destacaría por la fuerte personalidad que imprimía a sus films, derivada de su acentuada cinefilia para con los referentes clásicos del género. Algo que pudo comprobarse en los cuatro títulos que, con motivo de este galardón, proyectaría el certamen en esta edición: sus clásicos Star Crash, choque de galaxias (Starcrash, 1978) y El desafío de Hércules (Hercules, 1983), el documental sobre su carrera FantastiCozzi (2016) y, sobre todo, el que supone su último trabajo estrenado hasta la fecha, Blood on Méliès’ Moon (2016), un personalísimo trabajo donde el cineasta ofrece un sincero homenaje a ese cine fantástico que tanto ama.

Durante su estancia en Madrid pudimos charlar con Cozzi sobre distintos aspectos de su obra, continuando, de algún modo, con la entrevista que le realizáramos hace más de seis años con motivo del honorífico premio Nosferatu con el que el Festival de Sitges le entregaría como reconocimiento a toda su trayectoria el pasado 2011.

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Desde bien joven has estado relacionado con el género fantástico, escribiendo en fanzines y revistas especializadas en ciencia ficción. ¿Cuándo nace esta pasión por el género?

No puedo explicar cómo. Solo sé que, siendo un niño, de inmediato me encantó. Recuerdo que siendo pequeño me enamoré de la versión de Walt Disney de 20.000 leguas de viaje submarino (20,000 Leagues Under the Sea, 1954). Desde entonces el género fantástico es mi vida.

¿Y cuándo decides convertirte en director de cine?

Desde que era niño también. Tampoco puedo decir el porqué, pero era algo que me gustaba.

Uno de los rasgos más definitorios de tu cine es la contaminación de diferentes géneros que suelen tener tus películas. ¿De dónde te viene este gusto por mezclar distintos géneros?

Del hecho de que yo amo a todos estos géneros. Me gusta usar unos géneros y otros para hacer algo diverso.

Otro rasgo distintivo de tu cine son los muchos apuntes cinéfilos que albergan, sin duda derivados de tu faceta de historiador cinematográfico. ¿Es una forma de homenajear a tus referentes?

Hay un montón de directores y películas que admiro y me gustan, aunque algunas sean malas. Y me gusta jugar con elementos que remitan a ellos.

Del mismo modo, en tus películas abundan los efectos especiales, un rasgo bastante sorprendente habida cuenta de que en la mayoría de los casos cuentas con presupuestos modestos. ¿Cómo trabajas este aspecto? ¿Ya tienes pensado qué efectos emplear desde que escribes el guion?

Es algo que está planteado desde el guion, sí. Como dices, creo que es uno de los rasgos fundamentales de mi cine. No hay muchos directores que trabajen con efectos especiales en su cine. Yo soy uno de los pocos que sí lo hace, aunque siempre siendo consciente de lo que puedo y lo que no puedo hacer con ellos.

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Rueda de prensa de presentación de CutreCon VII. De Izda. a drcha.: Toni Rodriguez McGinty (organización), Pedro J. Mérida (organización), Luigi Cozzi, Carlos Palencia (director CutreCon) y Régis Brochier (co-director del documental “Nanaroscope”).

Sin duda, tu film más popular es Star Crash, choque de galaxias, para el que contaste con un equipo poblado de nombres populares. De entre ellos, uno de los más destacados es el del compositor John Barry. ¿Cómo surgió su participación?

A la hora de buscar un compositor para la banda sonora, el productor y yo nos pusimos de acuerdo en llamar a Ennio Morricone. Ennio Morricone pidió ver el film conmigo para ver cuál era el tipo de música que buscaba. Y yo, al montar mis películas, siempre utilizo música de otros films para subrayar y marcar ciertas escenas de acción, que en este caso procedía de Jasón y los argonautas (Jason and the Argonauts, 1963) o Simbad y la princesa (The 7th Voyage of Sinbad, 1958)[1]. Ennio Morricone vio la copia y me preguntó: “¿Buscas música de este tipo?”. Le contesté que sí. Entonces él me dijo que él no hacía esa clase de música y rescindió el contrato que había firmado.

A través de una agencia buscamos a un compositor en Estados Unidos y contactamos con John Barry. Él aceptó el encargo, pero al igual que había ocurrido con Morricone, primero quería ver el film film. Viajó hasta Roma, vio la película conmigo con la música provisional que yo le había puesto, y al finalizar me comentó que le había gustado mucho, que era una fábula muy divertida, y que no me preocupara, que había captado la música que yo quería y que él compondría su versión de esa música. Y así fue. Años después, Barry utilizaría esa misma composición con otros arreglos en Memorias de África (Out of Africa, 1985), con la que ganaría el Oscar.

Por Internet figuran varias fotografías de escenas rodadas para Star Crash, choque de galaxias que finalmente no aparecen en el montaje definitivo, como una en la que el personaje de Caroline Munro es engullida por unas arenas movedizas u otra en la que se enfrentaba con una especie de araña gigante. ¿A qué se debió su eliminación?

En realidad con lo que Stella Star peleaba era contra un cangrejo gigante. En el guion era una criatura parecida a un dinosaurio, pero por cuestiones de rodaje acabó convirtiéndose en un cangrejo. El motivo para que todas estas escenas que mencionas no fueran incluidas en el montaje final fue porque no funcionaban, en mi opinión. Estaban por debajo de la calidad aceptable y preferí cortarlas.

Tras Star Crash intentaste realizar otra nueva space opera titulada Star Raiders, un proyecto que en algunas fases llegó a estar planteado como una nueva aventura de Stella Star. ¿De qué trataba y qué ocurrió para que finalmente no llegara a materializarse?

No era una secuela, sino un guion original, que escribí antes de Starcrash, choque de galaxias. Se lo di a Caroline Munro y su entonces esposo, Judd Hamilton, para ver si podían encontrar un productor interesado, tras que Star Crash se convirtiera en un éxito en los Estados Unidos. Después de algunos meses me llamaron, contándome que habían encontrado a un productor muy interesado en rodar mi historia, con el que habían quedado en reunirnos en Cannes. Cuando fuimos descubrí que se trataba de Menahem Golam, de la Cannon, el cual fue el primer contacto que tuve con él. Llegamos a un acuerdo y, una vez habíamos acordado hacer Star Riders, me dieron el guion. Se suponía que era mi guion, pero cuando lo leí comprobé que no era el mío. En mi guion, el héroe era un chico joven. Sin embargo, en este guion, el héroe era Stella Star. Sí, tenía la línea principal de la trama que yo había escrito, pero habían sido cambiadas muchas cosas. Así que le dije a Golam: “No, no haré esta película. Nunca haré esto”. Luego tuvimos una larga discusión, porque Judd Hamilton y Caroline Munro querían que aceptara, porque Menahem Golam había dicho que si yo no estaba la película no se hacía. Y siempre me negué para ser fiel a mis principios: hago mis propias películas, no las de otros.

Ya que hablamos de proyectos tuyos no materializados, uno de los más atractivos es la adaptación de Frankenstein que planeaste junto con Dario Argento a comienzos de los setenta y que habéis intentado poner en marcha en varias ocasiones sin éxito. ¿Qué me puedes contar de ella?

Fue un proyecto de Dario Argento. Después de hacer Cuatro moscas sobre terciopelo gris (Quatre mosche di velluto grigio, 1971) quería producir una película y que yo la dirigiera. Primero, intentamos hacer la momia. Luego trabajamos un poco en el hombre lobo y luego en Frankenstein. Pero decidimos hacerlo diferente a las películas de Frankenstein del período. Estamos hablando de 1973, si mal no recuerdo. Para ello, ambientamos la historia después de la Primera Guerra Mundial en Alemania, cuando el país estaba al borde de la revolución y el surgimiento de los nazis, para darle un significado político al argumento, aprovechando estos acontecimientos tan relevantes en la historia mundial.

Escribimos el guion y el padre de Dario, Salvatore Argento, fue a Londres a CIC Paramount para ofrecer el proyecto. Se mostraron interesados y se comprometieron a distribuirlo, siempre y cuando fuera en coproducción con Inglaterra. “Id a ver a la Hammer”, dijeron. Entonces Salvatore habló con Michael Carreras. Sin embargo, acababa de producir Frankenstein and the Monster from Hell [tv/vd/dvd/bd: Frankenstein y el monstruo del infierno, 1974], que fue un desastre en la taquilla, por lo que Carreras dijo: “No más Frankensteins. Nunca”. Y, dado que no se pudo alcanzar el acuerdo de coproducción, el proyecto fue cancelado.

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Junto con Paco Fox durante la presentación de “La guerra de los clones. Más allá de Star Wars”, libro oficial de esta edición de CutreCon del que Luigi escribe el prólogo.

A mediados de los ochenta escribiste el guion de El devorador del océano (Shark: Rosso nell’oceano, 1984). ¿Originalmente la idea era que también la hubieras dirigido tu?

El devorador del océano iba a ser producida por Sergio Martino, quien me llamó para que escribiera el film y lo dirigiera. Sin embargo, en un momento determinado Sergio Martino abandonó el proyecto para dirigir una película, y el film pasó a manos de otro productor, que trabajaba siempre con Lamberto Bava. Así que decidió que lo dirigiera Lamberto, al que yo conocía desde hace muchos años, y yo me limité a escribir el guion.

¿Es cierto que Paganini Horror [vd: Paganini Horror, 1989] nació como una biografía del violinista italiano Niccolò Paganini, un poco en la línea de la cercana Amadeus (Amadeus, 1984), a protagonizar por Christophe Lambert?

Es verdad y no es verdad. El productor de Star Crash me pidió que escribiera un biopic sobre Paganini. Yo escribí un biopic completamente fantástico, al estilo de mis Hércules; una cosa de ciencia ficción, incluso. El productor quería que el protagonista fuera Christophe Lambert, que en esos momentos estaba haciendo Greystoke: La leyenda de Tarzán, el rey de los monos (Greystoke: The Legend of Tarzan, Lord of the Apes, 1984), ya que pensaba que si esa película tenía un gran éxito, la película que rodara después también lo sería. Pero como Greystoke fue un fiasco, el producto desestimó el proyecto.

Yo estaba fascinado con la historia de Paganini, así que, cuando me ofrecieron la posibilidad de hacer una nueva película de terror, decidí incluir algunos elementos de su vida, y así nació Paganini Horror.

Volviendo a Argento, tu siguiente película sería Il gatto nero (1989), una especie de entrega apócrifa de su por entonces inacabada trilogía de las madres que inicialmente se titulaba De profundis. ¿Era esa la intención? ¿Cómo se lo tomó Dario?

La idea de hacer esta película me la propuso Daria Nicolodi, que era la pareja de Dario Argento. Ella había escrito con anterioridad Suspiria (Suspiria, 1977) y escribió un nuevo libreto con la intención de cerrar la trilogía. Yo acepté rodarla, pero no consideraba justo que me dedicara a imitar el estilo de Dario, sino que quería hacer otra cosa. Así que hice un film sobre un director de cine de bajo presupuesto que intentaba hacer una exploitation de las películas de Argento. De este modo Il gatto nero se convirtió en una historia parapsicológica a lo Carrie (Carrie, 1976); un film de ciencia ficción camuflado como una película de terror.

En cuanto a Dario, la vio pero no dijo nada. Aunque he de decir que el que finalmente fue su cierre a la trilogía, La terza madre [dvd: La madre del mal, 2007), tiene elementos de mi película.

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Finalizada Il gatto nero, a comienzos de los noventa dejaste de hacer cine de ficción. ¿A qué se debió?

Comencé a trabajar con Dario en la tienda de temática terrorífica que abrimos en Roma, “Profondo Rosso”, que es algo en lo que me encanta trabajar y a lo que me dedico por completo. Mientras tanto, dirigí para Dario la segunda unidad de El síndrome Stendhal (La sindrome di Stendhal, 1996), de la que también hice los efectos especiales. También rodé dos documentales de dos horas de duración sobre Dario[2]. Y después me quedé un tiempo quieto trabajando en la tienda, ya que fundamos una editorial de ensayos sobre cine fantástico, lo cual me ocupó mucho tiempo.

Por casualidad, en el 2014, unos chicos franceses me invitaron a interpretarme a mí mismo en una película que querían hacer. Les conteste: “Sí, ¿por qué no?” Rodamos juntos una escena que ahora forma parte del comienzo de Blood on Méliès’ Moon, y que me gustó mucho. Esta experiencia me permitió descubrir que, usando las técnicas actuales, hoy es posible hacer una película sin gastar mucho dinero, algo que era imposible hasta hace unos pocos años. Así que cuando los franceses se retiraron del proyecto, en lugar de echarme a un lado y dejarlo morir, como me gustaba decidí seguir con él en solitario. Trabajé hasta el año 2016 rodando, filmando los efectos y editando, ya que se rodó parte en Roma y parte en París. Una vez terminada, fue mostrada en varios festivales, donde a la gente le ha gustado.

Y ahora hace poco que acabo de terminar una nueva película de la que en estos momentos estoy trabajando los efectos especiales. Es algo completamente distinto a Blood on Méliès’ Moon, ya que me gusta cambiar de registro. De momento no puedo contar mucho, solo que se trata de una historia de fantasía basada en el mundo de El mago de Oz. Los protagonistas son un grupo de niños que leen en clase el libro El mago de Oz y, literalmente, lo traen a la actualidad.

Tú que lo viviste en primera persona, ¿cuáles fueron los factores que provocaron el final de la industria del cine de género italiano?

Fue un cúmulo de muchas cosas, no de una sola. Primero, hasta en 1977 solo teníamos dos canales televisivos que, por un acuerdo con los productores, podían programar dos films a la semana que, al menos, tuvieran veinte años de antigüedad. Eso hacía que la gente tuviera que acudir al cine para poder ver los film actuales, en color, ya que la televisión en aquellos años era todavía en blanco y negro. Pero en 1977 aterrizaron nuevos canales de televisión. Y todas las televisiones comenzaron a emitir películas continuamente, lo que, poco a poco, acabó con el mercado cinematográfico. Es algo parecido a lo que sucedió en Estados Unidos en los años cuarenta, pero trasladado a la Italia de los setenta.

Ese fue el motivo principal, pero hubo otro: la estupidez de los productores y distribuidores italianos que, en lugar de luchar contra la competencia que suponía la televisión, les acabaron por vender su producto. Berlusconi compró la Titanus, una de las principales compañías cinematográficas del país; todo su catálogo de films clásicos por mil millones de liras. Goffredo Lombardo, que era el presidente de la Titanus, contaba: “Esta mañana ha venido un idiota de Milán que me ha comprado cuatrocientos films y me ha pagado mil millones por todos”. Pensaba que había hecho un buen negocio, cuando, en realidad, había vendido todos los activos de su empresa por nada. Y como él, la mayoría de productores y distribuidores se pusieron a vender, y vendieron todo.

Por cierto, aparte de rodar tu nueva película, recientemente has intervenido como productor ejecutivo en un film alemán de ciencia ficción, titulado Violent Starr (2018). ¿Cómo entras en este proyecto? ¿Guarda algún tipo de relación con Star Crash, dado el evidente parecido del nombre de sus protagonistas?

En realidad no he tenido ninguna relación con la película. Me pidieron permiso para incluir mi nombre como productor, pero nada más. Por los motivos que he comentado, sé poquísimo de esta película, pero creo que no tiene ninguna relación con Star Crash.

José Luis Salvador Estébenez

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[1] Compuestas ambas por Bernard Herrmann (N. del E.).

[2] Los títulos de estos dos documentales son Dario Argento: Master of Horror (1991) e Il mondo di Dario Argento 3: Il museo degli orrori di Dario Argento (1997).

Fotografías: Juan Mari Ripalda

Published in: on marzo 2, 2018 at 6:48 am  Dejar un comentario  
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Entrevista a Kunt Tulgar

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En su pasada edición, CutreCon inauguró un nuevo galardón, destinado a reconocer la labor de artistas que, sin haberse prodigado dentro del “cine cutre”, cuentan en su haber con alguna película que sea un verdadero hito dentro de este fenómeno. Apadrinado por Ramón Saldías, director de Karate contra mafia (1980), la considerada primera película europea de artes marciales, en este primer año el premio “Sha-di-a” sería entregado al cineasta turco Kunt Tulgar por su paternidad de Süpermen Dönüyor [dvd: El retorno de Superman, 1979], la versión turca sin derechos, ni recursos, del famoso personaje creado por Jerry Siegel y Joe Shuster en 1933. Un film que, aunque teóricamente surge como respuesta a la cercana adaptación de Richard Donner, se encuentra más cercano argumental y narrativamente a los seriales sobre el alter ego de Kal-El de la década de los cuarenta.

Su estancia en el certamen madrileño nos brindó la oportunidad de mantener la siguiente entrevista con Tulgar, para la que contamos con la ayuda como intérprete de Cem Kaya, director del imprescindible documental sobre el fenómeno del cine popular otomano Remake, Remix, Rip-Off (2014). En ella, además de hablar de su film más conocido, tuvimos tiempo de repasar la trayectoria de este polifacético cineasta, hijo de un importante productor de cine de género y que, a lo largo de su carrera, ha combinado las labores de director con las de montador, actor, guionista e ingeniero de sonido, entre otras funciones. Un cúmulo de circunstancias que le convierten en una voz de lo más autorizada para hablar de la forma de trabajar de una industria que suplió su falta de medios con toneladas de imaginación, oficio y desvergüenza.

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Tu vinculación con el cine se produce desde muy temprana edad. Tu padre era director de cine y con tan solo cuatro años hiciste tu primera aparición en una película interpretando un papel en Tarzán contra el Mau Mau (Tarzan Istanbulda, 1952). ¿Puede decirse que llevas el cine en las venas?

Me gusta el cine, pero fue mi padre el que me metió en este mundillo. Siendo un bebe dormía en una moviola que tenía mi padre en casa. Y al ser propietario de una compañía cinematográfica, enseguida aprovechó para me incluirme en el reparto de esta película, de la que él era el productor, además de director de fotografía, para que interpretara a Tarzán de niño.

Terminados tus estudios, te instalas en Roma, donde entras a trabajar en la empresa cinematográfica especializada en labores de post-producción Tecnostampa Film Studio. ¿Qué recuerdas de aquella época?

Mi padre me matriculó en una escuela secundaria italiana que había en Estambul para hacer negocios con italianos. Esto me abrió las puertas para poder marcharme a Roma, donde estudié montaje y trabajo de estudio en los estudios de cine de Tecnostampa. Empecé como tercer ayudante del jefe de montaje, Alvaro Petrangeli. Después de un año tuve la oportunidad de ser ayudante del director Giovanni Grimaldi en una película llamada Il sceriffo con la stella nera[1] que se rodó en los estudios Cinecitta, y a partir de entonces comencé a encargarme del montaje de las películas que llegaban al estudio. Sin embargo, mi padre fundó a mediados de los sesenta el Estudio Nacional de Cine y me escribió para que trabajara en él. Acepté y volví a Turquía.

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Kunt Tulgar y Cem Kaya.

De vuelta a tu país, te integras en la industria de Yeşilçam[2], donde realizas múltiples tareas, ya fuera como actor, guionista, montador… ¿Cómo era la forma de trabajar en Yeşilçam?

Cuando volví a Turquía, lo que me encontré en mi país, comparado con lo que había visto durante mi estancia en Italia, eran dos mundos completamente opuestos. La forma de trabajar que había en Italia, los equipos, no tenían nada que ver con lo que había en Turquía… Era como Venus y Marte.

¿Y cuál era el proceso de desarrollo de un proyecto desde la idea original hasta la realización final de la película? ¿Cuánto tiempo solían durar los rodajes y cuál era su presupuesto aproximado?

Dependía de cada película y el equipo con el que trabajaras. Había películas que en una semana estaban terminadas y otras que se podían alargar hasta los dos meses. Por ejemplo, yo grabé Süpermen Dönüyor en una semana, con un presupuesto de unas veintisiete mil liras turcas, que a día de hoy sería el equivalente a unos ocho mil euros, que era más o menos el dinero habitual con el que se rodaban las producciones de Yeşilçam.

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Ya que lo has mencionado, dentro de tu carrera como director tu trabajo más conocido es, sin duda, Süpermen Dönüyor, la versión turca de la entonces reciente adaptación del personaje de cómic que había llevado a cabo Richard Donner un año antes. ¿Cómo se te ocurrió la idea?

Estando en París entré con mi padre a un cine en el que proyectaban la versión estadounidense de Superman. Cuando salimos de ver la película, mi padre me dijo que yo también haría mi versión de Superman. Durante el viaje de vuelta en el avión mi mayor preocupación era pensar cómo iba a hacer para rodar las escenas de vuelo del protagonista. Entonces se me ocurrió usar un muñeco. Nada más aterrizar llamé por teléfono para que le hicieran un traje de Superman a un muñeco de Ken. Al llegar, me dijeron que un amigo me estaba esperando en la habitación. Era el muñeco de Ken con un traje de Superman. Probé con el muñeco combinado con retroproyección, pero en la productora no estaban muy contentos con el resultado. Así que para arreglarlo fui a casa de mi madre, cogí su secador de pelo, y así conseguí que al volar la capa del muñeco se moviera y el efecto fuera más convincente.

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El encargado de dar vida a Superman es Tayfun Demir, quien, curiosamente, apenas contaría con más trabajos para la gran pantalla…

Realmente no era actor. Era un amigo mío al que le propuse hacer el papel. En esos momentos él estaba haciendo el servicio militar, por lo que tuvimos que hacer un chanchullo para que pudiera librarse del servicio militar y trabajar en la película. Lo cierto es que tras este papel no volvió participar en ningún otro film. Trabajó en el campo de la fotografía para la compañía Cannon, hasta que murió de cáncer el pasado 2003.

Por cierto que sucedió una anécdota muy graciosa durante su participación en el rodaje de la película. En la escena en la que su personaje se abre la camisa y deja entrever el traje de Superman, cada vez que la repetíamos él tenía que irse a una esquina para coser de nuevo los botones a la camisa. Y así una y otra vez. Total, que después de repetir una de las tomas cuatro o cinco veces se plantó y me dijo que ya valía, que estaba harto de coser botones (risas).

También interviniste en otro de los films más populares del cine de género de tu país como es Dünyayi kurtaran adam (1982), conocido popularmente como el Star Wars turco, ocupándote entre otras tareas de los efectos especiales…

Para hacer la escena en la que Cüneyt Arkin y Aytekin Akkaya, los dos protagonistas, aparecen pilotando sus naves en el interior de la cabina, “tomamos prestada” una copia de La guerra de las galaxias / Star Wars Episodio IV: Una nueva esperanza (Star Wars / Star Wars Episode IV: A New Hope, 1977) que se proyectaba en un cine de Estambul y corté todas las escenas de batallas en el espacio, las empalmé, y las proyecté sobre una pantalla delante de la cual había construido la cabina de la nave. Sin embargo, me faltaba un casco que pudiera pasar por el casco de un piloto espacial. Así que para rodarlo usamos el casco de un motorista que pasaba por la calle y al que se lo pedimos prestado. Pero mientras que a Cüneyt el casco le entraba sin problemas, a Akkaya no. Así que se lo tuvimos que meter a la fuerza y sacárselo igual (risas).

Aparte de las escenas espaciales, también me encargué de los demás modelos y efectos. Por ejemplo, me encargué de los efectos especiales de los disparos de los láseres. Para crearlos, lo que hicimos fue coger el negativo y fotograma a fotograma pintar a mano los rayos en negro, para que una vez procesado el positivado saliera en blanco.

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En Occidente llama mucho la atención que en aquellas películas pudierais utilizar libremente a personajes como Superman, Spiderman o Batman, así como la música de Star Wars, Indiana Jones o James Bond. ¿No tuvisteis nunca ningún problema en este sentido?

Bueno, lo más que hubiera podido pasar es que les diéramos una paliza si venían a reclamarnos y asunto arreglado. Así que preferían no venir a decirnos nada y dejarse de problemas (risas). Ahora en serio, en esos momentos en Turquía no había derechos de autor, por lo que no teníamos cortapisas en ese sentido. Pero sí que es cierto que en la primera película que dirigí, Tarzan korkusuz adam (1974), hubo un momento en el que tuve problemas con los familiares de Edgar Rice Burroughs. Me amenazaron con demandarme. Pero en mi país había existido un ecologista al que popularmente le llamaban el Tarzán de Manisa[3], por lo que dijimos que, en realidad, la película no trataba de la creación original de Burroughs, sino que se basaba en este hombre. Y funcionó.

Esto no quita para que, aunque en el rodaje utilizáramos un mono pequeño, a la hora de montar empleáramos también imágenes de las películas de Tarzán estadounidenses, para lo que previamente decidí rodar la película en blanco y negro, a pesar de que en esos momentos lo normal era hacerlo en color. Para que no nos denunciaran por usar ese material sin derechos, orientamos el fotograma al revés de como estaba originalmente. Ello provoca que la película tenga unos fallos de raccord increíbles, porque lo mismo Tarzán aparece en escena por un lado y al entrar estas imágenes de archivo aparece de repente en el lado contrario.

Una de tus facetas más prolíficas es la de montador de sonido, para lo que solías usar bandas sonoras de films extranjeros. ¿Qué criterios seguías a la hora de elegir la música que debías de utilizar en cada escena?

Tenía un archivo con temas de diferentes bandas sonoras clasificados según al género al que pertenecían: comedia, terror, romántica, de aventuras… Y sobre la película iba probando varias de estas músicas hasta que daba con una que funcionara con las imágenes a las que debía de acompañar.

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Kunt Tulgar siendo golpeado por el protagonista en su cameo en “Süpermen Dönüyor”.

Hacia finales de los ochenta el cine pop turco dejo de realizarse. ¿Cuáles fueron los factores que en tu opinión propiciaron el final de esta industria?

Fue algo bastante triste para mí, ya que se trató de un cambio muy grande. Todos los que trabajábamos en el cine fuimos absorbidos por la televisión para hacer series y demás. Y en la televisión tuvimos que enfrentarnos con la censura. Cosas que en nuestras películas podíamos hacer normalmente, en las series no te dejaban, como, por ejemplo, que los personajes aparecieran bebiendo alcohol o fumando.

¿Y qué te parece que a día de hoy aquellas películas sean conocidas y celebradas en todo el mundo?

Lo disfruto. Por lo general se considera a Dünyayi kurtaran Adam, el Star Wars turco, como la peor película que existe, y detrás va mi Superman como la segunda peor. Y a mí esto me molesta, porque a mí lo que me gustaría es que mi película fuera la que se considerara la peor de todas (risas).

José Luis Salvador Estébenez

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[1] Aunque Kunt Tulgar dice este título, la película a la que se refiere por los datos que da es Johnny Colt (1966). Puede que el título referido sea el de rodaje, aunque no está de más señalar que, curiosamente, coincide con la traducción con el que tendría en su estreno en Turquía: Siyah yildizli serif.

[2] Yeşilçam es el término con el que se denomina a la industria cinematográfica turca dedicada a los géneros populares que floreció entre los años cincuenta hasta comienzos de los años ochenta. Su nombre procede de la calle de Estambul donde se situaban las oficinas de la mayoría de productoras de la época.

[3] Ahmet Bedevi, también conocido como Tarzán de Manisa, nació en 1900 en Bagdad. Combatió en la Guerra de la Independencia turca, siendo condecorado con una medalla. Regresó a una Manisa arruinada y destruida en 1923. Bedevi comenzó a trabajar como bombero y jardinero, convirtiéndose en el pionero y símbolo de las actividades de plantación. Debido al clima suave de la zona, primero usó un chaleco y pantalones y luego comenzó a deambular por la ciudad en pantalones cortos. La gente de Manisa veía su parecido con Tarzán a causa de su forma de vestir, y siempre lo apreciaba con cariño. Tarzán de Manisa vivía en el monte Spilylus, ignorando todas sus necesidades individuales pero trabajando por un medio ambiente más ecológico. Murió el 31 de mayo de 1963. (Extraído de http://www.turkishclass.com/forumTitle_37852)

Traducción: David Díaz

Fotografías: Juan Mari Ripalda

Published in: on febrero 27, 2018 at 6:38 am  Dejar un comentario  
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Entrevista a Ramón Saldías

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Ramón Saldías representa otro de esos casos de director maldito que tanto abundan en nuestra cinematografía. Breado en las más distintas facetas de la profesión, desde realizador de spots publicitarios a operador de fotografía en films vanguardistas, pasando por freeelance para Televisión Española o montador de dibujos animados, entre finales de los setenta y comienzos de los ochenta este guipuzcoano, asentado en aquellos momentos en las islas Canarias, daría el salto a la dirección con dos largometrajes: El camino dorado (1979), drama sobre el alcoholismo, y la cinta de artes marciales Karate contra mafia (1981). Tras obtener una escasa repercusión en el momento del estreno, ambos films pasarían al olvido hasta que, a finales de la primera década de este nuevo siglo, distintos blogs cinematográficos se hicieran eco de la existencia de la segunda de ellas, destacando su exotismo, ya que, pese a su indudable nacionalidad española, su desconocido equipo se acreditaba íntegramente con seudónimos chinos, a tal punto que en su momento la película sería distribuida como si de una producción de esa nacionalidad se tratara.

Al tiempo que se iba desvelando el misterio, se iniciaba un proceso de recuperación del film, que conocería uno de sus puntos culminantes con la entrega a Ramón Saldías por parte del especializado certamen CutreCon de su premio honorífico Jess Franco. Este reconocimiento posibilitaría la proyección de la película más allá de nuestras fronteras, como atestigua el pase que tendría lugar en septiembre del año pasado en el Grand Rex de París, considerado el cine más grande de Europa, ante una audiencia de más de mil setecientas personas. El penúltimo capítulo de este proceso de rehabilitación llegaría durante la CutreCon de este 2018, en la que Saldías ha apadrinado el nuevo galardón “Sha-di-a”, destinado a reconocer la labor de artistas que, sin haberse prodigado dentro del “cine cutre”, tienen en su haber alguna película que sea un verdadero hito dentro de este fenómeno, y que toma su nombre del seudónimo con el que el cineasta firmara originalmente la autoría de la susodicho Karate contra mafia, de la que, aprovechando, también presentaría en primicia su recuperado tráiler original.

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Ramón flanqueado a izquierda por Luigi Cozzi y a derecha por Pedro J, Merida, miembro de la organización y moderador del encuentro con el público celebrado en la Sala 0 del Palacio de la Prensa durante la pasada CutreCon.

Según creo, con tan solo diez años ruedas tu primer film. ¿De dónde te viene este precoz interés por el mundo del cine?

Siempre me gustó la imagen. Las primeras películas que vi eran de cine mudo en 16 mm. de Charlot. Me ponía al lado de donde estaba el proyector y todos los trozos de película que caían me los guardaba. Con diez años me regalaron un proyector de 16 mm. muy sencillo, en el que pasaba películas sin fin. Cuando me cansaba de verlas, con agua caliente y una cuchilla de afeitar las raspaba para quitarlas la gelatina, y con una pluma de punta muy fina y tinta china dibujaba encima. Eran diseños muy elementales, como un fantasma, una calavera con una vela, un barco pirata… Aún hoy conserva uno de ellos.

Posteriormente me compré una cámara Pathé Baby de 9.5 mm y con ella hice la primera película que filmé. No obstante, con aquella cámara no se podía filmar a mano porque brincaba mucho. Así que yo me inventé con el fondo de una caja de cinta de una máquina de escribir un sistema con el que podía rodar de forma autónoma. Con este sistema hice una película experimental con una madera y un clavo. Y luego hice también dibujos animados, muy sencillos, y diferentes cosas más.

¿Cómo se produce tu salto a la profesionalización?

Después de aquella Pathé Baby pase a otras cámaras de 8 mm. y 16 mm., hasta que me compré una cámara Arriflex de 35 mm. en San Sebastián, que tenía una historia muy peculiar. Había sido capturada por un periodista a un alemán durante la Segunda Guerra Mundial, la habían vendido en Madrid, de ahí había llegado a San Sebastián, y así hasta llegar a mis manos. Con esa cámara comencé a hacer spots de publicidad para Cinedis, una empresa relacionada con Movierecord, que por entonces llevaba la distribución de publicidad en cines. Después hice un documental sobre el famoso pintor Vicente Ameztoy, y tras esto me fui a África de freelance para Televisión Española, donde cubrí, por ejemplo, la guerra de Biafra.

De vuelta me puse a trabajar en Estudios Castilla, en Madrid. Esto sería sobre el año 1969. Hacíamos dibujos animados y yo era el montador. Esta experiencia me sirvió mucho, porque me permitió aprender sobre montaje y sonido. Más tarde me llamaron de Las Palmas para hacer documentales turísticos. Seguí trabajando para Televisión Española, trabajé también para productores alemanes… Trabajé para todo el mundo. Y con este bagaje monté una productora e hice publicidad, al tiempo que me iba despegando de Televisión Española.

En 1970 intervienes en tu primer largo comercial, desempeñando la labor de director de fotografía en Contactos de Paulino Viota. ¿Cómo surgió esta oportunidad de dar el salto a la gran pantalla, y además en un puesto de tanta responsabilidad?

Estando en Madrid conocí a Paulino Viota, ya que yo pertenecía a una agrupación llamada Joven Crítica Cinematográfica, en la que teníamos socios del resto de España que nos consultaban cosas. En esta asociación estaban Fernando Lara, Paco Bertriu, Gabriel Corralejo, Miguel Buñuel o Pepe Sámano. Pepe Sámano, al ser de Santander, era amigo de Paulino Viota, y me comentó que Paulino quería hacer una película. Me preguntó si quería participar en ella y yo acepté. Y así hicimos Contactos, que fue su primera película. La rodamos en 16 mm., aunque luego la hincharon a 35 mm. Durante el rodaje Paulino yo tuvimos nuestros roces, aunque por suerte él tenía una novia muy simpática que nos calmaba.

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Cem Kaya, Kunt Tulgar y Ramón, momentos antes de la entrega del premio “Sha-di-a” en CutreCon VII.

Ya a finales de los setenta intervienes en Ópalo de fuego (1980) de Jesús Franco. ¿Cómo fue rodar junto a tan prolífico director?

Jesús me llamó a Las Palmas para participar en Ópalo de fuego, ya que se iba a rodar allí. Luego, en Las Palmas hizo otras películas más, en las que yo no intervine por motivos que no vienen al caso. Pero yo disfruté mucho trabajando con Jesús Franco, dentro de lo que es Jesús Franco. Y con Lina Romay tuvimos mucha relación, tanto mi mujer como yo. Conocemos muchísimas historias de Jesús a través de Lina. Como suelo decir, podríamos escribir un libro muy largo sobre Jesús Franco y sus andanzas.

¿Cuál fue exactamente tu función en la película? Algunas fuentes dicen que ejerciste de director de fotografía. Sin embargo, tal función está acreditada al francés Gérard Brisseau…

Como yo tuve una pequeña pelea con él, Jesús Franco, en lugar de acreditarme como Saldías puso Zaldías o algo así. Y luego puso a dos portugueses. Y eso encima que, como a mí me gusta ayudar a la gente del cine, les había dejado para que rodaran una batería que me fastidiaron. Fue después, viendo la película, cuando me di cuenta de que había cambiado mi nombre.

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Poco después de Ópalo de fuego diriges la que sería tu ópera prima, El camino dorado, la cual también escribes…

En el 78 había rodado Ópalo de fuego con Jesús Franco y en el 79 hice El camino dorado, en la que puede decirse que me encargué de todo: escribí el guion, hice el montaje y realicé la fotografía, ya que tuve que despedir al operador que había contratado en un principio porque encuadraba mal.

Yo había hecho un documental sobre alcohólicos anónimos en 16 mm. Para que me documentara, esta gente me dio un montón de cintas con los testimonios de alcohólicos en los que contaban qué les había pasado en la vida hasta llegar a esa situación. Y a mí, con ese material se me ocurrió montar un guion, ya que me parecía un tema muy interesante, dado que nadie ha hecho una película sobre el alcoholismo en este país. Nunca.

A pesar de contar con varios intérpretes de cierta popularidad, como Amparo Climent o Terele Pavéz, la película contó con una escasa distribución comercial. ¿A qué se debió?

La película la distribuyó un amigo mío, pero no le puso demasiado empeño. En un principio me la quiso comprar CB Films, que era la distribuidora más grande que había entonces en España, pero querían que cortara una escena de un delirium tremens que les parecía larga y que verdaderamente lo es. Pero en ese momento yo les dije que no, que lo había hecho así a propósito, para que la gente picara y viera lo que era el alcoholismo. Visto con perspectiva, reconozco que debía de haber transigido y permitido que cortaran la escena y la película hubiera funcionado. Sin embargo, una vez falló este contacto se abandonó la película.

En parte todo fue culpa mía. Debí de haber cogido a un profesional del montaje, como puede ser Pablo del Amo, a quien conocía, para que la remontara sobre imagen. Había, por ejemplo, una secuencia que quité en la que el alcohólico va al médico para que le reconozca su enfermedad, pero la Seguridad Social en aquellos momentos no consideraba el alcoholismo como una enfermedad. Y esa escena le daba un valor a la película que yo le quité al eliminar la secuencia, porque se me hacía larga. Lo que ocurre es que yo estaba acostumbrado a montar mucho, cosas de publicidad y documentales, que tienen una duración más reducida. Pero montar una película era otra cosa, y yo no sabía. Sí que había montado otras películas de imagen, como Réquiem para un absurdo (1978) o La umbría (1975), de la que también hice la fotografía. Que, por cierto, a propósito de la fotografía de esta película, me llamó el difunto Primitivo Álvaro, que era el jefe de producción de Elías Querejeta, felicitándome por mi trabajo.

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No obstante, lejos de desfallecer, de inmediato ruedas una segunda película, el film de artes marciales Karate contra mafia. ¿De dónde te viene la idea de hacer una película tan singular dentro del contexto del cine español de la época?

Fue una chispa que tuve. Era un momento en el que funcionaban las películas de karate. Fui a ver una película de este tipo y al verla me dije que eso mismo lo podía hacer yo. Así que me puse a buscar chinos en Las Palmas y monté un tinglado impresionante. Contacté con el protagonista, que era un profesional del karate, y rodé la película. Fue muy divertida de hacer, ya que se filmó en una semana. Además, guarda la particularidad de ser la primera película europea de karate.

Para formar el reparto tiraste de artistas marciales y actores no profesionales en su mayoría. ¿Cómo fue el proceso de casting?

Entonces había muchos orientales en Canarias. En la península era raro. En San Sebastián, por ejemplo, de donde yo procedo, no había. Pero, sin embargo, en Las Palmas había mucha cantidad. La flota japonesa paraba allí, la coreana también… Por eso el principio de la película, con el puerto repleto de barcos chinos, parece que estuviera rodada en Hong Kong. Aparte, teníamos un coche grande descapotable americano, teníamos periódicos chinos… Digamos que la ambientación estaba muy cuidada. Porque mi película puede ser cutre, pero está bien rodada. Sin ir más lejos, los planos largos a lo Akerman que tiene están así hechos a propósito.

Dada la nula tradición en el rodaje de escenas de artes marciales en nuestro cine, ¿cuáles eran tus referencias a la hora de planificarlas?

Las planificaba el protagonista y sobre eso yo decidía qué planos quería. Ya has visto en el tráiler los saltos que pega, que parece una ballesta.

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Imagino que en vista de estas condiciones durante el rodaje no faltarían las anécdotas…

Hubo cantidad de anécdotas. Una que he contado otras veces tiene que ver con un hombre que aparecía en una de las secuencias y que se movió cuando no debía hacerlo. Así que le dije que se estuviera quieto y no se moviera para nada hasta que yo se lo indicara. Pues bien, terminamos de rodar la secuencia, estamos guardando el material en el camión, y cuando me subo al coche para marcharnos, miro hacia atrás por el retrovisor y veo a esta persona sentada en un contenedor de basura grande, en la misma posición en la que estaba en la escena. Me dirijo hacia él y cuando le pregunto que qué hacía allí, me respondió: “Usted me ha dicho que no me mueva…” (risas).

Con el tiempo, Karate contra mafia ha logrado cierto estatus entre determinados sectores de cinéfilos e incluso la propia CutreCon te entregó hace tres años su honorífico premio Jess Franco por su autoría. ¿Cómo te tomas todo este fenómeno que se ha generado en torno a la película?

Bueno, no sé cómo tomármelo. Yo me había olvidado de la película hasta que en el 2009 me dijo mi hija que en Internet había críticas que hablaban de ella. Y después sí que en Canarias se proyectó y se sigue haciendo como una película filmada en Canarias, que es lo más extraño que se ha hecho, ya no solo en España, sino en todo el mundo.

Por cierto, creo que tienes una anécdota relacionada con Jesús Franco y Karate contra mafia. ¿Qué ocurrió?

Le dejé a Jesús Franco la copia de Karate contra mafia, la película y el tráiler. Él tenía un distribuidor al que, en cualquier caso, no se la hubiera dado porque no lo conocía. Entonces me devolvió la película, pero el tráiler nunca me lo devolvieron. Por eso he tenido ahora que telecinar el tráiler a partir del negativo en la Filmoteca Vasca. Por cierto que, curiosamente, después de la mía Jesús también hizo alguna película de karate[1].

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Casi dos décadas después, en 1998, realizaste una serie de animación para televisión basada en un corto previo tuyo, El Chou de Cho-Juaá, ¿qué me puedes contar de ella?

Constaba de seis capítulos, pero Televisión Española no la quiso[2]. Me dijeron que era porque no se entendían las voces de los personajes, debido al acento canario. No obstante, la serie se ha vendido en México o en Sudáfrica, que es algo que yo aluciné. Fue gracias a que la distribuía una empresa de Nueva York, por lo que se dobló al inglés y la pusieron otro título en ese idioma. Y la verdad es que funcionó con ese nombre.

Aunque has continuado vinculado a diferentes niveles con el mundo del cine, lo cierto es que tras Karate contra mafia no has vuelto a dirigir ningún film comercial. ¿A qué se ha debido?

Tuve guiones y proyectos, pero al no tener proyectos, aunque he de reconocer que yo tampoco los busqué donde debía buscarlos, ahí se quedó la cosa. Lo que sí te puedo decir es que tuve el fallo de dejar un par de guiones a gente de cine y me los fusilaron, aunque no daré nombres. Por eso, desde entonces, cada vez que escribo un guion lo registro, aunque esté hecho una puta mierda. Después ya habrá tiempo de arreglarlo.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías: Juan Mari Ripalda

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[1] Se refiere a títulos como En busca del dragón dorado (1983) o La sombra del judoka contra el Doctor Wong (1985).

[2] Para los interesados, en youtube hay disponibles cinco capítulos de la serie grabados de una emisión televisiva de Antena 3.

Published in: on febrero 23, 2018 at 6:37 am  Dejar un comentario  
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Crónica de CutreCon VII

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Aún a riesgo de pecar de reiterativo, es obligado iniciar esta crónica en similares términos a como lo hacía hace ahora doce meses. Y es que lo primero que hay que destacar de la séptima edición de CutreCon, celebrada entre los pasados 24 y 28 de enero, es, de nuevo, la expansión experimentada por la propuesta con respecto a lo ofrecido el pasado año. Algo que tuvo su mejor ejemplo en la incorporación de dos nuevas ubicaciones al certamen, hasta sumar cuatro. El cine Doré, sede de la Filmoteca Nacional, y los cines Conde Duque Verdi Alberto Aguilera, sustitutos del más pequeño Artistic Metropol como escenario de la maratón del último día, se unieron a las ya habituales del Palacio de la Prensa y la Casa del Reloj de Matadero Madrid. Además, por primera vez en su historia el festival ha publicado en colaboración con la editorial Applehead Team un libro oficial que, en sintonía con la temática escogida como hilo conductor de esta edición, ofrece un completo recorrido a cargo de los responsables de la web elpajaroburlon.com por los diferentes títulos de temática espacial aparecidos a raíz de las tres primeras entregas de La guerra de las galaxias, bajo el título La guerra de los clones. Más allá de ‘Star Wars’.

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Presentación del libro “Carlo de Marchis. Maquetas, látex, monstruos y aviones”. De izda. a dcha.: Antonio Garduño (editor), Carlo de Marchis y Domingo Lizcano (autor).

Este crecimiento también tuvo su reflejo en la ampliación de la oferta del festival mediante la incorporación de un programa de actividades paralelas que dotó de una mayor diversidad de contenidos al certamen, haciendo que este no se limitara únicamente a la mera sucesión de proyecciones. Durante las jornadas del miércoles, jueves y viernes tendrían lugar una serie de presentaciones de libros, fanzines, DVDs y Blu-rays en Omega Center, librería situada en la calle de la Estrella que también acogería tres pequeñas exposiciones realizadas dentro del marco del certamen. Entre ellas cabe comentar la llamada “Juan Piquer Simón y Carlo de Marchis: Maquetas, látex, monstruos y aviones”, que permitiría a los aficionados ver los modelos originales del bebé abisal de La grieta (1990) o una nave de Supersonic Man (1979). Es una lástima, así las cosas, que tan encomiable iniciativa no obtuviera toda la repercusión que hubiera sido deseable, registrando en la mayoría de los casos una afluencia de público bastante escasa, quizás debido a la poca difusión que la organización dio a estos encuentros en los días previos, hasta el punto de que muchos espectadores del certamen desconocieran su existencia. Tampoco ayudó lo desperdigado del programa, cuando quizás hubiera sido mejor haberlo concentrado en un par de tandas, con el objeto de hacer la cita más atractiva.

06 Chiquitofest

Por más que la temática elegida para este año fueran las películas ambientadas en el espacio o protagonizadas por extraterrestres, esta séptima edición se inauguraría homenajeando al recientemente fallecido Chiquito de la Calzada, con la celebración del denominado “Chiquitofest” en el Palacio de la Prensa la noche del miércoles. Dicha sesión tendría como plato fuerte el pase de Drácula. Condemor II (1997), la segunda película protagonizada por el cómico malagueño, que sería proyectada en el bautizado formato “Fistrovisión”, consistente en la aparición de avisos visuales con los latiguillos más populares de Chiquito cada vez que este los decía en pantalla y las letras de las canciones de los números musicales ejecutados a lo largo del metraje. Una experiencia que fue acogida con entusiasmo por una entregada audiencia, que coreó cada vez que Chiquito exclamaba un “Pecador de la pradera” o “¡Cobarde!”, y que se vio completada por el delirante subtitulado al inglés del film, en el que, a medida que iban transcurriendo los minutos, el encargado de traducir los diálogos explicitaba el agotamiento mental en el que le sumía semejante tarea. Antes, los cómicos Denny Horror y Vera Montessori ofrecerían un espectáculo en vivo centrado en la figura de Chiquito, formado por monólogos, videos y concursos de imitaciones.

10 Premio Luigi Cozzi

Claro que, con permiso de Chiquito, el auténtico protagonista de Cutrecon VII fue Luigi Cozzi, premio Jess Franco de este año. Por este motivo, además de celebrar diversos actos que contarían con la presencia del director, la organización programaría hasta cuatro películas relacionadas con el cineasta italiano, distribuidas a su vez en dos programas dobles. El jueves, el Palacio de la Prensa recibiría la sesión “Italo exploitation galáctica”, que ofreció la oportunidad de disfrutar en pantalla grande dos de sus films más populares. Como no podía ser de otro modo, se trataban de la emblemática Star Crash, choque de galaxias (Starcrash/Scontri stellari oltre la terza dimensione, 1978), respuesta de Cozzi al éxito cosechado por La guerra de las galaxias / Star Wars Episodio IV: Una nueva esperanza (Star Wars / Star Wars Episode IV: A New Hope, 1977), en la que sobresale el protagonismo de una Caroline Munro más atractiva que nunca, y la primera entrega del díptico que sobre el mitológico hijo de Zeus realizara para la Cannon, El desafío de Hércules (Hercules/Ercole, 1983), cuya proyección acabaría por convertirse por momentos en insufrible a causa de un público más hablador que de costumbre.

11 Luigi recibiendo el premio

Luigi Cozzi muestra al público el Premio Jess Franco con el que CutreCon le homenajeaba.

Un día más tarde, el cine Doré era el lugar escogido para escenificar el homenaje que la CutreCon brindaba al alter ego de Lewis Coates. Lo haría con FantastiCozzi (2016), indispensable documental dirigido por el brasileño Felipe M. Guerra que recorre de forma exhaustiva la trayectoria del responsable de Contaminación: Alien invade la Tierra (Contamination/Astaron – Brut des Schreckens, 1980), y el que ha supuesto su regreso al largometraje de ficción tras más de veinticinco años alejado del formato, la personalísima Blood on Méliès’ Moon (2016), en la que el italiano ofrece un artefacto metaficcional que se erige en un auténtico compendio y resumen de su persona y su obra, por el que pasean referentes, filias y obsesiones. En el descanso entre ambas películas, una representante de la web eslang, que por segundo año consecutivo patrocinaba el galardón, entregaba a Cozzi el honorífico premio Jess Franco, que éste recibiría con una sonrisa en los labios y unas escuetas “Muchas gracias”, mientras el director de CutreCon, Carlos Palencia, le agradecía “por habernos hecho pasar tan buenos momentos”.

12 Cine Basura fin de fiesta

Paco Fox y Carlos Palencia junto a algunos de sus invitados durante el fin de fiesta del último programa de “Cine Basura”.

La visita de CutreCon a la sede de la Filmoteca Nacional se completaría con otra sesión de lo más especial. Ni más ni menos que la despedida en directo del programa televisivo “Cine basura”. Para su despedida, el formato ideado por Paco Fox y conducido por él mismo junto al propio Palencia prepararía una edición especial “Royal Rumble” que contaría con la presencia de un ramillete de invitados, caso del cineasta Norberto Ramos del Val o el dibujante de cómics Carlos Pacheco, con los que harían mofa de Space Mutiny [tv: Space Mutiny/vd: Espacio exterior, 1988], cinta de ciencia ficción sudafricana protagonizada por varios habituales de la Serie B como John Philip Law, Reb Brown o Cameron Mitchell; un auténtico despropósito en toda regla que utiliza para sus escenas ambientadas en el espacio planos de efectos reciclados de la serie Galáctica, estrella de combate (Battlestar Galactica; 1978-1979).

18 Premio al director del Superman turco

Kunt Tulgar agradeciendo el premio “Sha-di-a”, junto al padrino del galardón, Ramón Saldías, director de “Karate contra mafia” (1980), considerada la primera película de artes marciales rodada en Europa, que en su momento se estrenó como si de una producción china se tratara.

Otro de los puntos álgidos de esta edición llegaría con la visita de Kunt Tulgar, director de Süpermen Dönüyor [dvd: El retorno de Superman, 1979], la versión turca sin derechos, ni recursos del personaje creado por Jerry Siegel y Joe Shuster. Acompañado de su compatriota Cem Kaya, director de Remake, Remix, Rip-Off (2014), el impagable documental sobre el fenómeno del cine de género otomano que pudo verse en este mismo marco hace un año, Tulgar recogería el nuevo premio “Sha-di-a”, destinado a reconocer la labor de artistas que, sin haberse prodigado dentro del “cine cutre”, tienen en su haber alguna película que sea un verdadero hito dentro de este fenómeno, y que toma su nombre del seudónimo con el que el encargado de entregar el galardón, Ramón Saldías, firmara la autoría de Kárate contra mafia (1980). La entrega tendría lugar antes del pase de la mencionada exploitation del cineasta turco del Superman de Richard Donner, tras el cual se llevaría a cabo un coloquio con los asistentes, en el que Tulgar respondería con una simpática complicidad las preguntas de los asistentes a propósito de la realización de una película en la que, para poner un ejemplo del nivel en el que se mueve, las escenas de vuelo del superhéroe son solventadas con un muñeco de Ken y un secador de pelo combinados con el uso de retroproyección, tal y como su responsable desveló durante sus explicaciones.

20 Coloquio director Superman Turco con luz

Kunt Tulgar y Cem Kaya durante el coloquio posterior al pase de “Süpermen Dönüyor”.

El pase de Süpermen Dönüyor formaría parte de la tradicional maratón del sábado en la Casa del Reloj y que, un año más, contó con una respuesta espectacular por parte del público, que abarrotó todas y cada una de las sesiones, en especial aquellas celebradas por la tarde, donde se llegó a colgar el cartel de “no hay billetes”. Dividida en dos bloques, la maratón arrancaba a eso de las once menos cuarto de la mañana con Toys (1996), respuesta alemana a la magistral Toy Story (Toy Story, 1995). Una risible pretensión en vista de la estática animación y el diseño de personajes y escenarios propios de un niño de tres años de la que hace gala una cinta a la que tampoco ayuda el doblaje al español, en el que, entre otras cosas, catalaniza a un enano de jardín bautizado como Miquel, que habla con un acento del mismísimo Penedés. Será por aquello de la barretina…

15 Maratones Casa del Reloj

Vera Montessori y Carlos Palencia, maestros de ceremonias de CutreCon VIII, presentando la maratón de la Casa del Reloj.

A Toys le seguiría la accidentada proyección de la filipina Si Mario At Si O Goko [Super Mario contra Son Goku] (1995), bizarro crossover de los dos personajes mencionados en su título, en el que también hay cabida para el conde Drácula, enanos contrahechos vestidos de tortuga y hasta zombis mariquitas, encajados a martillazos en una trama incongruente e indescifrable que parece improvisada sobre la marcha. No es que sea imposible entender de qué trata la trama, sino la propia sucesión de los acontecimientos. Mención aparte merece su humor cretino, sus risibles pretensiones de formular mensajes sociales, sus paupérrimos efectos especiales o, sobre todo, un nulo sentido del ritmo que hizo que, pese a los comentarios del público y el libre subtitulado, su visionado resultara auténticamente insufrible. De la mano de dos representantes del Festival Serie-B Retina de Cornellá, la primera parte del maratón finalizaba con Hobgoblins [vd: Hobgoblins, 1988], una de las muchas imitaciones surgidas a raíz de Gremlins (Gremlins, 1984), que filtra los ingredientes principales del film de Joe Dante a través de un humor gamberro basado en el sexo, a la que al menos hay que agradecer lo poco en serio que se toma a sí misma.

16 Casa del Reloj colas interminables

Luego de un pequeño descanso que algunos aprovechamos para comer, mientras otros se dedicaban a hacer cola para conseguir sus entradas, la maratón retornaba con Santo contra los asesinos de otros mundos (1973), una de las más disparatadas misiones del Enmascarado de Plata, en la que nuestro héroe debe enfrentarse a un monstruoso organismo lunar, cuyo tosco acabado no logra ocultar que, en realidad, se trata de una sábana gigante bajo la que se encuentran varias personas, tal y como pudo comprobarse cuando el alienígena se materializó en la sala durante un pase que contó también con la animación del espectáculo de lucha libre en vivo de “La triple W” durante las escenas de pelea. Después de la comentada sesión protagonizada por Kunt Tulgar, la maratón tocaría a su fin con Geteven (1993), un thriller de bajos vuelos con secta satánica de por medio compuesto por toneladas de desnudos gratuitos, chistes malos, errores de continuidad de primero de escuela de cine, y escenas rodadas a la primera toma, en las que se puede distinguir a los actores mirando a cámara. Toda una delicatessen, en definitiva, escrita, producida, dirigida, protagonizada y hasta cantada en su único crédito por John De Hart, posiblemente el actor más inexpresivo de la historia.

24 Coloquio Nanarland mas mejor

Los directores Régis Autran y Régis Brochier, junto al traductor, durante el coloquio que siguió al pase de “Nanaroscope”.

A la mañana siguiente la Casa del Reloj albergaría la celebración de “Documentrash”, sin duda una de las secciones más interesantes del festival, y que en esta ocasión fue de carácter gratuito. Para su tercera edición la sesión doble de documentales relacionados con el cine cutre estaría compuesta por Nanaroscope (2016) y Children of the Stars (2012). El primero, en realidad, es una serie creada para el canal cultural ARTE por Régis Autran y Régis Brochier, integrantes de la especializada web nanarland.com, quienes visitarían el festival acompañando a su criatura. Dividido en diez capítulos de menos de diez minutos de duración cada uno, Nanaroscope analiza diversas corrientes, nombres propios y títulos emblemáticos del cine de género de Serie B/Z, contando para ello con el testimonio de sus propios protagonistas y de especialistas, cinematográficos. El cine de acción realizado en Uganda, el western clásico rodado exclusivamente con enanos The Terror of Tiny Town [dvd: The Terror of Tiny Town, 1938], Uwe Boll, o el fenómeno de los clones de Bruce Lee son solo algunos de los temas tratados en los episodios, tras cuyo pase sus directores se someterían a las preguntas de rigor de los asistentes, además de adelantar algunos contenidos de la segunda temporada de la serie, en la que se encuentran trabajando actualmente.

25 Doc Hijos de las estrellas

Con todo, el plato fuerte de “Documentrash” fue el estreno europeo de Children of the Stars, el cual estuvo precedido por un video rodado para la ocasión por su director, Bill Perrine, en el que presentaba su obra y su visión de la misma. Datado en 2012, Children of the Stars narra la existencia de los unarians, una alucinada secta radicada en California que cree en los ovnis, La Atlántida y la reencarnación cíclica. A través del delirante testimonio de sus propios integrantes, el documental narra la historia y las creencias de un culto que sostiene que todo el cine y literatura de ciencia ficción refleja, en realidad, hechos auténticos acaecidos en otras eras y mundos, además de rodar sus propias películas del género basadas en sus propias creencias, de las que en el documental se incluyen diversos fragmentos. El resultado es un trabajo único y apasionante, si bien una vez presentados los elementos principales del relato sus escasos setenta y ocho minutos se antojen un tanto reiterativos, decayendo con ello su interés.

13 Mi amigo Mac proyeccion

Al igual que viene ocurriendo en las últimas ediciones, CutreCon 2018 contaría con sendas sesiones golfas a partir de la medianoche en el Palacio de la Prensa durante las jornadas del viernes y sábado. En colaboración con la web Moviementarios, la del viernes estaría protagonizada por Mi amigo Mac (Mac and Me, 1988), tardía imitación de E.T., el extraterrestre (E.T.: The Extra-Terrestrial, 1982) con la que muchos crecimos en la época de los videoclubs, y para la que la organización preparó una nueva experiencia interactiva, al repartir entre los asistentes pajitas y globos que debían de ser utilizados en determinados momentos del film siguiendo las indicaciones. Antes, Vera Montessori y Carlos Palencia ofrecerían una versión reducida de su espectáculo “Cine Cutre en vivo”, en la que mostrarían algunas de las más delirantes explotaciones del aludido film de Steven Spielberg, entre la que se encontraría Hermano del espacio/Fratello dello spazio (1987), coproducción italo-española que esconde una inesperada exaltación de los valores cristianos, hasta el punto que llega a establecer una nada disimulada analogía entre Jesucristo y su alienígena protagonista.

21 Apocalipsis voodoo presentacion todo el equipo

Presentación de “Apocalipsis Voodoo” con una nutrida representación de su equipo.

Ya el sábado, le tocaría el turno a la premier mundial de Apocalipsis Voodoo (2018), película canaria surgida del spot oficial de CutreCon de hace dos años. Por tal motivo, el film estaría acompañado sobre las tablas de la sala 1 del Palacio de la Prensa por una nutrida representación del equipo del film llegada expresamente desde las Islas, entre la que la ausencia más destacada fue la de su director, Vasni Ramos, quien no pudo desplazarse debido a ciertos problemas personales. Durante la presentación, los integrantes de la película avisarían que esta se iba a proyectar en una copia no definitiva, que contaba con escenas pendientes de sonorizar, ya que el montaje provisional se había finalizado apenas tres días antes. Una circunstancia que no restaría un ápice de la valía de una propuesta que se erige en toda un cariñoso homenaje en lo argumental de las buddy movies policiales de los ochenta, y al cine de explotation setentero en lo estético.

En su nuevo emplazamiento en los cines Conde Duque Verdi Alberto Aguilera, el Festival Internacional de Cine Cutre de Madrid echaba el cierre a esta edición con la habitual maratón del domingo por la tarde, que esta vez con el título “Etetón” reuniría cuatro películas de temática extraterrestre. Concretamente, los títulos escogidos fueron Space Raiders [vd: Space Raiders. Invasores del espacio, 1983], space opera con niño de por medio producida por Roger Corman, que comparte planos de efectos con la muy superior Los siete magníficos del espacio (Battle Beyond the Stars, 1980); la beata versión filipina de E. T., el extraterrestre, Tiny Terrestrial (1991), bautizada para la ocasión con el título de T. T., el extraterrestre; el film de Fred Olen Ray Alienator [vd: Alienator, 1989], definido como un cruce entre Alien, Terminator y Depredador; y, por último, Yor, el cazador que vino del futuro (Il mondo di Yor, 1983), la adaptación en formato miniserie que Antonio Margheriti realizara del cómic argentino Henga, el cazador de Ray Collins (seudónimo de Eugenio Zappietro) y Juan Zanotto, programada en su versión resumida para cines.

26 Final de la Eteton

Carlos Palencia y Paco Fox despidiéndose hasta la próxima edición de CutreCon antes de la proyección de “Yor, el cazador que vino del futuro”.

De todos ellos, el gran triunfador de la sesión sería T. T., el extraterrestre, gracias a la propia comicidad de sus imágenes, singularizada por el peculiar movimiento con las manos por detrás de la cabeza que realiza uno de sus personajes principales cada vez que toma la palabra, pero también por el juego que dieron las licencias tomadas por un subtitulado especialmente inspirado. De esta forma se ponía el broche de oro a cinco días en los que el amor al cine (cutre) y el ambiente festivo fueron la tónica predominante. Aunque antes abriríamos boca de lo que nos espera dentro de doce meses, cuando en la presentación de Yor, el cazador que vino del futuro Carlos Palencia informaría que la edición del próximo año tendrá como hilo conductor las películas de/con simios.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías: Juan Mari Ripalda

Published in: on febrero 9, 2018 at 6:56 am  Dejar un comentario  
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Repaso a la programación de Cutrecon VII

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A menos de una semana de su inicio, CutreCon, el Festival Internacional de Cine Cutre de Madrid, calienta motores de cara a su séptima edición, que tendrá lugar entre el 24 y el 28 de enero. Cinco días en los que se proyectarán hasta veinte películas que invitarán a los espectadores a viajar por los confines del peor cine del espacio, presentándoles los más delirantes seres de otros mundos procedentes de los rincones más lejanos del universo cinematográfico conocido. Lo hará en sesiones tanto gratuitas como de pago, repartidas por las distintas sedes del festival: Palacio de la Prensa, Cine Doré – Filmoteca Española, Auditorio del Centro Cultural de la Casa del Reloj de Matadero Madrid y los Cines Conde Duque Verdi Alberto Aguilera.

“Esta séptima edición es la más grande, ambiciosa y divertida de la historia de CutreCon”, afirma Carlos Palencia, director del festival. “Vamos a rendir un merecido homenaje a Chiquito de la Calzada, veremos la copia más descarada de Star Wars jamás rodada junto a su director, Luigi Cozzi; por primera vez tendremos como sede la Filmoteca Española, vamos a albergar el estreno mundial de Apocalipsis Vodoo, proyectaremos el Superman turco, tendremos documentales, la sesión golfa de Mi amigo Mac, editamos el libro oficial de CutreCon y recibiremos incluso la visita del E.T. filipino”.

A lo largo de sus cinco jornads CutreCon VII tendrá como presentadores al propio Carlos Palencia y la deslenguada cómica Vera Montessori. Ambos son los responsables del show “Cine cutre en vivo”, formato que estará presente a lo largo del festival entre proyección y proyección. Además, han preparado una historia que se irá desvelando a lo largo de cada presentación, desde el primer al último día, que será “como una película cutre en directo”.

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CutreCon VII comenzará a andar el miércoles 24 rindiendo tributo al recientemente fallecido Chiquito de la Calzada, en un evento bautizado como “Chiquitofest”, que tendrá lugar en el Palacio de la Prensa -Plaza del Callao, 4- a partir de las 21:30 horas y en el que se proyectará la película protagonizada por el cómico malagueño Brácula. Condemor II, en el exclusivo formato “Fistrovisión”, que hará que el público juegue un papel fundamental durante el visionado del filme cantando las canciones, imitando a Chiquito cuando aparezca un mensaje en pantalla o jugando con los objetos repartidos por el patio de butacas. Además, la película estará subtitulada en inglés, de forma que ningún espectador se quede sin disfrutar de las expresiones y chistes de Chiquito de la Calzada.

Antes de Brácula. Condemor II habrá un show de cincuenta minutos en el que diversos cómicos recordarán y homenajearán a Chiquito y en el hall del Palacio de la Prensa habrá una exposición dedicada al humorista con todo tipo de objetos relacionados con su figura como películas, discos de música, tazos y snacks. Asimismo, la organización de CutreCon solicita que los espectadores acudan al evento con camisas de flores o hawaianas parecidas a las que vestía Chiquito de la Calzada, para poner el broche de oro a una noche que promete ser memorable.

Las entradas de “Chiquitofest” ya están a la venta por 10 euros en la taquilla del Palacio de la Prensa, reservaentradas.com y atrapalo.com.

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Un día más tarde el Palacio de la Prensa acogerá a partir de las 21:00 horas la sesión “Italoexploitation galáctica”, en la que se verá la que es posiblemente la copia más descarada, divertida y desvergonzada de Star Wars: como Star Crash, choque de galaxias (1978). Dirigida por Luigi Cozzi, invitado estrella de CutreCon VII, quien acudirá en persona a la proyección para presentar la cinta, veremos desfilar por la pantalla naves espaciales, espadas láser, parlanchines robots y malvados emperadores que nos recordarán para qué existen los derechos de autor.

La sesión se completa con otro filme de Cozzi, El desafío de Hércules (1983), una producción de la mítica Cannon Films que contiene una singular revisión del mito griego en la que Hércules, al que da vida el mítico Lou Ferrigno, conocido por interpretar a La Masa en la serie de televisión, viene del espacio exterior a la Tierra para librar una batalla a vida o muerte contra todo tipo de robots y monstruos gigantes, con una estética completamente desfasada y a ritmo de casiotone.

Las entradas de “Italoexploitation galáctica” se pueden adquirir al precio de 10 euros en la taquilla del Palacio de la Prensa y a través de reservaentradas.com y atrapalo.com.

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El viernes 26 el Cine Doré – Filmoteca Española -C/ de Santa Isabel, 3- se sumará a las sedes de CutreCon para albergar dos importantes citas. En primer lugar, el homenaje a Luigi Cozzi, que comenzará a las 17:30 horas con FantastiCozzi (2016), documental en torno a la figura del cineasta italiano que repasa su carrera a través del testimonio de colegas, actores y actrices que trabajaron con él, al que seguirá Blood on Méliès Moon, la última película de Cozzi, en la que éste explora su propia filmografía y reflexiona sobre su gran pasión: el cine fantástico. Precisamente, su aportación al género fantástico, el terror y la ciencia-ficción es por lo que la organización de CutreCon VII considera a Luigi Cozzi digno merecedor del Premio ESLANG Jess Franco 2018, que será entregado en una ceremonia que se celebrará entre la proyección de ambos filmes.

Tampoco faltará emoción en la que será la última emisión del programa “Cinebasura” de Movistar Xtra, que dirige y presenta Paco Fox, productor de CutreCon VII. Con el nombre de “Cinebasura Royal Rumble”, los espectadores que se acerquen al Cine Doré – Filmoteca Española a las 21:30 horas, podrán ver Space Mutiny (1988), comentada en directo por Paco Fox y una larga lista de invitados que no han querido perderse esta triste pero divertida despedida.

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Para cerrar la jornada, la noche del viernes se celebrará en el Palacio de la Prensa a las 23:59 horas una sesión golfa patrocinada por la web Moviementarios.com en la que se verá una de las copias más lamentables de cuantas se hicieron de E.T. El extraterrestre, Mi amigo Mac (1988), realizada a mayor gloria de una famosa cadena de comida rápida. La proyección contará con sorpresas y juegos en directo al más puro estilo Rocky Horror Picture Show para hacer más digerible este bodrio ochentero.

Las entradas para la sesión continua de Luigi Cozzi y “Cinebasura” podrán retirarse, sin coste alguno, en las taquillas del Cine Doré – Filmoteca Española el mismo viernes 26 a partir de las 16:00 horas. En cuanto a las entradas de Mi amigo Mac están disponibles en la taquilla del Palacio de la Prensa, reservaentradas.com y atrapalo.com al precio de 6 euros, con regalo sorpresa incluido.

Un año más, la jornada del sábado traerá el conocido como “día grande” de la CutreCon, dado el número de proyecciones programadas. A las 10:45 de la mañana comenzará la maratón de películas en el Auditorio del Centro Cultural de la Casa del Reloj de Matadero Madrid -Paseo de la Chopera, 10-. Como siempre, la sesión matinal estará dedicada al peor cine de animación e infantil, que hará llorar a los niños de pena y a los adultos de risa.

El día comienza con Toys (1996), una copia descarada de Toy Story producida en Alemania que hará que cualquier infante desee quemar todos sus juguetes después de verla, a la que sigue inmediatamente el cruce de personajes más absurdo y demencial de la historia del cine: Super Mario contra Son Goku (1995). Desde Filipinas -y gracias a la distribuidora Trash- O’-Rama- llegará este filme en el que el menudo y saltarín fontanero creado por Nintendo se enfrenta nada menos que al protagonista de la mítica serie Bola de dragón, en una película donde los derechos de autor brillan por su ausencia y que fue presentada en varios festivales en su país, por increíble que parezca.

La mañana concluirá con Hobgoblins (1988), en la que un guardia de seguridad descubre a unas extrañas criaturas que viven de noche y a las que debe capturar antes del amanecer ya que pueden sembrar el caos por toda la ciudad. El parecido con Gremlins no es pura coincidencia; es una copia descarada de ésta, eso sí, sin el más mínimo atisbo de talento.

Ya a las 16:30, la sesión vespertina arrancará con un viejo conocido por los espectadores más veteranos y fieles de CutreCon, Santo, el legendario luchador de lucha libre mexicana, quien protagoniza Santo contra los asesinos de otros mundos. En esta ocasión, “El enmascarado de plata” se enfrenta a una peligrosa invasión de alienígenas con forma de sábana mal cosida y agujeros que pretenden destruir la Tierra.

A un héroe de la talla del Santo le seguirá a las 18:15 horas nada menos que el superhéroe más grande de cuantos existen: Superman, quien ha abandonado Metrópolis para irse a Turquía, donde protagoniza El retorno de Superman (1979), remake no autorizado del film original de 1978 de Richard Donner. Una chapuza rodada sin medios en la que los planetas son bolas de Navidad, la música se “toma prestada” de otras películas y la desvergüenza no tiene límites. A la proyección del filme acudirá su director, Kunt Tulgar, quien nos presentará su “obra maestra” y recibirá el Premio Sha-Di-A, entregado por Ramón Saldías -director de Kárate contra mafia-, por haber hecho semejante aportación a la historia del cine cutre.

La maratón del sábado concluirá a las 20:30 horas con Geteven (1993), protagonizada por John De Hart y su espectacular bigote. ¿Que quién es John De Hart? Un abogado que quería ser el nuevo Schwarzennegger y para ello decidió producirse su propia película de acción en la que pelea, dispara, liga con bellas señoritas y canta country. La apuesta, para su desgracia y para deleite de los espectadores de CutreCon, le salió tan mal que estamos una de las obras cumbre del cutrerío cinematográfico.

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Por si seis películas seguidas no fueran suficientes, los más osados tendrán una cita obligada a las 23:59 horas en el Palacio de la Prensa, con el estreno mundial de Apocalipsis Voodoo, filme español dirigido por Vasni Ramos. Kung fu, lucha libre mexicana, vudú, zombis, policías y mucha diversión se dan la mano en esta inclasificable película que recupera a Charlie Vargas y White Chocolate, los personajes de la serie que Vasni Ramos creó específicamente para la quinta edición de CutreCon, y que ahora dan el salto al largometraje en una especia de Starsky y Hutch mezclada con Golpe en la pequeña China y Expediente X.

Las invitaciones gratuitas del Auditorio del Centro Cultural de la Casa del Reloj se podrán retirar el mismo sábado 27 de enero en el propio recinto. Por su parte, las entradas para Apocalipsis Voodoo ya están a la venta al precio de 6 euros en la taquilla del Palacio de la Prensa y a través de reservaentradas.com y atrapalo.com.

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El domingo 28 la jornada final de CutreCon VII comenzará con la ya asentada sesión “Documentrash”, en la que se proyectan dos documentales relacionados con el cine cutre o que giran en torno al mismo. El Auditorio del Centro Cultural de la Casa del Reloj se abrirá a partir de las 10:30 horas de la mañana con Nanaroscope, una producción del canal cultural ARTE -colaborador del festival CutreCon- que analiza el fenómeno del fanatismo hacia el cine “cutre” y que contará con la presencia de sus directores, Régis Brochier y Régis Autran, quienes responderán a las preguntas de los asistentes.

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A continuación, a las 12:30 horas, llega el estreno europeo de Children of the Stars, documental que nos cuenta la loquísima historia de los uranians, un culto que rueda sus propias películas de ciencia-ficción, según ellos basadas en hechos reales que ocurrieron millones de años atrás.

El día y el festival concluirán con una maratón de cuatro películas, la bautizada como “Etetón”, dedicada a los extraterrestres más lamentables y ridículos que hayan aparecido en una pantalla de cine. A partir de las 16:00 horas, en los Cines Conde Duque Verdi Alberto Aguilera -C/ Alberto Aguilera, 4-, el público descubrirá “joyas” como Space raiders (1983), T. T. El extraterrestre, el conocido como E. T. filipino, al que le atraen más los rosarios que los teléfonos, Alienator (1989) una combinación desastrosa de Alien, Terminator y Depredador; y El mundo de Yor (1983), otra película surgida al rebufo de Star Wars con naves espaciales y… cavernícolas.

Las invitaciones gratuitas de “Documentrash “se podrán retirar en el propio Auditorio del Centro Cultural de la Casa del Reloj a partir de las 10 horas, y las entradas para la “Etetón” están ya a la venta en Entradium al precio de 14 euros.

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Al margen de las proyecciones, por primera vez en su historia CutreCon lanzará en esta edición un libro oficial del festival en colaboración con la editorial Applehead Team. La obra, escrita por Dani Morell, Óscar Sueiro, Javier J. Valencia, Víctor Castillo y Xavi Torrents -responsables de la web elpajaroburlon.com-, lleva por título “La guerra de los clones (Más allá de Star Wars)”, y es un riguroso análisis de todas las películas que se dedicaron a plagiar La guerra de las galaxias, donde no podía faltar la ya mencionada Star Crash, choque de galaxias, de Luigi Cozzi, quien además escribe el prólogo.

El libro será presentado durante la celebración de CutreCon VII, y estará disponible en los puestos habilitados en las distintas sedes de CutreCon VII, y posteriormente podrá encontrarse en librerías y tiendas especializadas de toda España.

Más información: http://cutrecon.com/

Published in: on enero 18, 2018 at 6:31 am  Dejar un comentario  
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La séptima edición de CUTRECON será inaugurada por el “Chiquitofest” con la proyección de “Brácula. Condemor 2”

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CutreCon, el Festival Internacional de Cine Cutre de Madrid, arrancará su séptima edición el 24 de enero con el Chiquitofest, una celebración de la figura de Chiquito de la Calzada, que se llevará a cabo en el emblemático Palacio de la Prensa a partir de las 21:30 horas y que constará de la proyección de Brácula. Condemor 2 (1997), posiblemente la película más divertida de cuantas hizo el cómico malagueño, así como un show previo con monólogos, sketches, vídeos y sorpresas, que correrá a cargo de distintos humoristas y admiradores del artista.

La organización de CutreCon VII ha preparado, además, diversas sorpresas a lo largo de la sesión, en la que los espectadores jugarán un papel fundamental en la misma: se les rogará que vistan para la ocasión con camisas de flores o hawaianas y de colores chillones, imitando el atuendo que Chiquito lucía en los programas de televisión en los que participaba y, durante el pase de Brácula. Condemor 2, deberán ser parte activa de la proyección siguiendo las indicaciones que aparecerán en pantalla.

Todo ello es parte del denominado formato Fistrovisión, exclusivo de CutreCon VII, que convierte Brácula: Condemor 2 en una experiencia completamente interactiva haciendo que cada espectador se involucre en la película cantando, imitando a Chiquito o jugando con diversos objetos que se repartirán por todo el patio de butacas. Para completar la fiesta, Fistrovisión ofrecerá subtítulos en inglés del film, de forma que cualquier espectador extranjero pueda disfrutar del humor de Chiquito sin que el idioma sea un obstáculo.

Además, los miembros del público que lo deseen podrán inmortalizar su visita a Chiquitofest pasando por el Chiquitocall, un photocall que CutreCon VII ha preparado para la ocasión en la que podrán hacerse una fotografía imitando a su ídolo, y que será publicada en la página oficial del festival en Facebook. Asimismo, el Palacio de la Prensa albergará una exposición en la que habrá todo tipo de material dedicado a este genio de la comedia con discos de música, películas e incluso los populares ‘chiquitazos’. Y como colofón del Chiquitofest, en una discoteca aún por confirmar, se celebrará una fiesta temática dedicada al cómico, en la que los asistentes tendrán descuentos especiales enseñando su entrada de la sesión.

“Chiquito de la Calzada siempre ha sido una inspiración para el festival CutreCon y hemos considerado casi una obligación llevar a cabo este evento” explica Carlos Palencia, director del festival, quien se declara gran admirador del cómico. Y es que Chiquito fue, desde su aparición en la década de los 90 del siglo pasado, un fenómeno social: su vocabulario único e inclasificable llevó a un nuevo nivel la forma de contar chistes; ya no importaba el chiste en sí, sino la forma en que se contaba. La figura de Chiquito alcanzó tan dimensión que todo un país decía palabras como “fistro”, “pecador de la pradera”, “jarl” o “no puedor” como si fueran una parte más del idioma. Su humor ha marcado a varias generaciones que han crecido con sus expresiones y han hecho suyas las palabras que éste inventó. Por todo ello, “CutreCon VII no podía empezar de otra manera que no fuera recordando a Chiquito”, sentencia Palencia.

Por otra parte, CutreCon VII seguirá apostando por el formato documental  relacionado con el “cine cutre” o en torno al mismo, por tercer año consecutivo. En esta ocasión, dos serán las películas documentales que podrán verse la mañana del domingo 28 de enero en el Auditorio del Centro Cultural Casa del Reloj de forma completamente gratuita en la sesión “Documentrash”.

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Children of the Stars (2012), que se proyectará por primera vez en Europa, nos cuenta la demencial historia de los uranians, un culto estadounidense que cree en los ovnis y que desde los años 80 se dedica a rodar sus propias películas caseras de ciencia-ficción. Esta afición, que no pasaría de anécdota, se convierte en algo completamente surrealista cuando descubrimos que los uranians afirman que sus películas están basadas en acontecimientos reales que le sucedieron a la humanidad millones de años atrás, lo que incluye batallas intergalácticas, contactos con seres alienígenas o portales interdimensionales. Para colmo, los uranians sostienen que todo el cine y la literatura de ciencia-ficción que existen no es más que el reflejo de vidas pasadas del ser humano, y que todo está basado en hechos reales. A través del análisis de varios de los filmes rodados por los unarians y de entrevistas con algunos de sus miembros, Children of the Stars intenta explicar los motivos que han llevado a este insólito culto a tener tan extravagantes creencias.

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Documentrash se completa con Nanaroscope, una producción del canal cultural ARTE -colaborador del festival CutreCon- que analiza el fenómeno del fanatismo hacia el “cine cutre”. Este documental incluye escenas y entrevistas rodadas en la quinta edición de CutreCon y la proyección contará con la presencia de sus directores, Régis Brochier y Régis Autran, quienes responderán a las preguntas de los asistentes.

Más información: https://cinecutre.com/

Published in: on diciembre 26, 2017 at 6:55 am  Dejar un comentario  
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CUTRECON VII proyectará “Star Crash” con la presencia de Luigi Cozzi

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La séptima edición de CutreCon, el Festival Internacional de Cine Cutre de Madrid, proyectará el 25 de enero en el Palacio de la Prensa -Plaza del Callao, 4- Star Crash, choque de galaxias, con la presencia de su director, Luigi Cozzi, Premio ESLANG Jess Franco 2018 por toda su carrera dedicada al cine fantástico más demencial, el galardón que CutreCon otorga cada año a un importante cineasta.

Star Crash, choque de galaxias, es posiblemente la más divertida reinvención de Star Wars, la cual aprovechó el enorme impacto que generó el film de George Lucas en todo el mundo, mostrando diseños y trajes calcados —hasta el cartel tiene una sospechosa similitud—, batallas con sables láser, robots, malvados emperadores y naves espaciales.  Star Crash podrá verse dentro de la sesión doble denominada “Italoexploitation Galáctica”, en la que también se programará otro título de Cozzi, El desafío de Hércules, una revisión ochentera muy loca del mito griego producida por Cannon Films y protagonizada por Lou Ferrigno, conocido por interpretar a La Masa en la serie de televisión del mismo nombre.

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En cuanto a la entrega del Premio ESLANG Jess Franco 2018 a Luigi Cozzi, tendrá lugar el viernes 26 de enero a partir de las 17:30 horas en el emblemático Cine Doré, sede de la Filmoteca Española -C/ Santa Isabel, 3-.“La idea de ver a una leyenda del cine como Luigi Cozzi recoger nuestro premio es increíble” dice Carlos Palencia, director de CutreCon. “Si a esto le sumamos que lo hará nada menos que en la Filmoteca Española, sólo podemos hablar de un sueño hecho realidad”. La entrega del premio formará parte de una doble sesión encabezada por Blood on Méliès Moon, la última película de Cozzi hasta la fecha, en la que este se interpreta a sí mismo en un proyecto personal que le ha llevado varios años de rodaje y en el que reflexiona sobre el cine fantástico y su propio legado cinematográfico. Le acompañan en este “experimento” reconocidos autores como su amigo Dario Argento o Lamberto Bava. Antes se podrá ver FantastiCozzi, documental rodado por el director brasileño Felipe M. Guerra, al que estrevistamos sobre este trabajo hace escasas fechas, y que repasa la vida de Luigi Cozzi y su obsesión por el cine fantástico y de ciencia-ficción.

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Por otra parte, por primera vez en su historia, CutreCon lanzará en esta edición un libro oficial del festival en colaboración con la editorial Applehead Team, especializada en libros de cine. La obra, escrita por Dani Morell, Óscar Sueiro, Javier J. Valencia, Víctor Castillo y Xavi Torrents (responsables de la web www.elpajaroburlon.com), lleva por título “La guerra de los clones (Más allá de Star Wars)”, y ofrece un riguroso análisis de todas las películas que se dedicaron a plagiar La guerra de las galaxias, donde no podía faltar la ya mencionada Star Crash, choque de galaxias, de Luigi Cozzi, quien además escribe el prólogo. En el libro también colabora Paco Fox, productor de CutreCon y codirector de CineBasura: La película.

“La guerra de los clones (Más allá de Star Wars)” será presentado durante la celebración de CutreCon VII, si bien Applehead Team inicia un periodo de preventa del mismo a partir del 15 de diciembre hasta el 25 de enero. Asimismo, el libro estará disponible en los puestos habilitados en las distintas sedes de CutreCon VII, y posteriormente podrá encontrarse en librerías y tiendas especializadas de toda España.

Más información en: www.cutrecon.com

 

Published in: on diciembre 18, 2017 at 10:22 am  Dejar un comentario  
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CutreCon VII proyectará el peor cine espacial del 24 al 28 de enero

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CutreCon, el Festival Internacional de Cine Cutre de Madrid, regresa del 24 al 28 de enero de 2018 con la que será su séptima edición. A lo largo de las cinco jornadas con las que contará el festival se proyectarán más de veinte filmes —aún por confirmar— en sesiones tanto gratuitas como de pago, todas con el sello CutreCon: interacción con el público, comentarios jocosos durante la proyección, sorpresas y, como siempre, muchas carcajadas.

El festival, como ya viene siendo habitual, contará con invitados internacionales relacionados con el “cine cutre” que serán desvelados a lo largo de las próximas semanas, así como con actividades paralelas y exposiciones que completan la experiencia de los espectadores en CutreCon.

En su séptima edición CutreCon estará dedicado a las peores películas del espacio y a seres extraterrestres de pacotilla. Y es que si hay un género en el que proliferan como setas las películas cutres, ese es sin duda el de la ciencia-ficción y, más concretamente, el que transcurre en el espacio exterior: naves intergalácticas, seres de otros mundos, elaborados efectos especiales y puro entretenimiento. Precisamente, por eso esta será la temática de la CutreCon en 2018, en concreto, el de las películas ambientadas en el espacio.

“Es curioso ver cómo algunas de las peores cintas de la historia del cine son de ciencia-ficción y, en particular, aquellas cuyo escenario es el espacio profundo” dice Carlos Palencia, director de CutreCon. “Y es que este tipo de películas requieren una puesta en escena muchísimo más elaborada para que funcionen en una pantalla. Sin embargo, nos complace ver cómo multutud de cineastas a lo largo de la historia han intentado rodar sus propias versiones de Star Wars o Alien sin apenas medios, consiguiendo exactamente lo contrario de lo que se proponían y brindándonos algunas de las mayores joyas del cine cutre”.

Se da la circunstancia de que esta “CutreCon VII: From Outer Space”, como la han bautizado sus responsables, llegará apenas un mes después del estreno de Star Wars: Los últimos jedis, una feliz coincidencia que, según Palencia, siempre viene bien para hacer comparaciones: “la saga de La guerra de las galaxias es quizá la más vilmente copiada, imitada y homenajeada de la historia del cine. Hay una cantidad ingente de películas malas que se dedican a aprovechar el filón de estos filmes, y los espectadores de CutreCon van a poder descubrir las más increíbles versiones que sus ojos hayan visto”.

También habrá una buena ración de extraterrestres desfilando por las pantallas de CutreCon: criaturas que en algunos casos fueron diseñadas con el propósito de aterrar a los espectadores y acabaron produciendo ataques de risa, y seres concebidos para ocupar las estanterías de millones de niños que bien podrían estar en el museo de los horrores. Tampoco faltarán las cartulinas con estrellas dibujadas simulando el espacio, las naves de cartón-piedra e incluso, bolas de árbol de navidad que pretenden pasar por inmensos planetas.

Por otra parte, CutreCon anuncia la incorporación de dos nuevas sedes oficiales para esta séptima entrega del festival, que se suman así al Palacio de la Prensa (Plaza del Callao, 4) y a la Casa del Reloj de Matadero Madrid (Paseo de la Chopera, 10): el Cine Doré – Filmoteca Española (C/ Santa Isabel, 3), que acogerá la maratón gratuita del viernes 26 de enero,  y los Cines CondeDuque Verdi Alberto Aguilera (C/ Alberto Aguilera, 4), una de las salas con más solera y tradición de la capital, serán el nuevo hogar de la maratón de la última jornada de CutreCon VII, que este año estará dedicada a las peores versiones filmadas de E.T. El extraterrestre, y que consecuentemente ha sido bautizada con el nombre de Etetón.

“Cuando pensamos en la Filmoteca Española, inevitablemente la asociamos a cine de calidad” afirma el director de CutreCon, Carlos Palencia, sobre la nueva cede del Cine Doré. “Va a ser toda una experiencia ver en la pantalla del Cine Doré algunas de las peores películas de la historia. No podríamos contar con mejor escenario para nuestro festival, es todo un honor, y desde aquí quiero darles las gracias a los responsables de la Filmoteca Española por cedernos sus instalaciones”.

En cuanto a los Cines Conde Duque Verdi Alberto Aguilera, Palencia explica: “Necesitábamos una sala más grande ante la creciente expectación que genera la maratón de la última jornada”. “Los Cines Conde Duque Verdi Alberto Aguilera son perfectos por su aforo, su situación y la comodidad de sus salas”.

No es esta la única novedad que presenta CutreCon VII. Por primera vez en sus ya siete entregas, la organización del festival ha decidido poner a la venta un número muy reducido de abonos VIP que incluyen todas las sesiones de CutreCon (con asientos preferentes en las sesiones gratuitas), merchandising oficial del festival, cena con los invitados y la concesión de estatus de mecenas de CutreCon por 50 euros, y que ya están disponibles a través de Entradium.

Asimismo, las entradas para la maratón de la última jornada, “la Etetón”, que incluye cuatro películas aún por confirmar, están a la venta por 14 euros también a través de Entradium.

Más información en: http://cutrecon.com/

Published in: on noviembre 16, 2017 at 6:32 am  Dejar un comentario  
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