Entrevista a Claudio Fragasso y Rossella Drudi

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Acompañado de su inseparable pareja personal y profesional, Rossella Drudi, Claudio Fragasso visitaba Madrid a finales del pasado mes de marzo para asistir al homenaje que le dedicaba la sexta edición de la Cutrecon. Un reconocimiento que fue escenificado con la entrega del honorífico premio Jess Franco, que recibiría de manos de Enrique López Lavigne. Durante su locución, el productor madrileño destacaría el valor de Claudio para atreverse a hacer casi sin medios las películas que filmó durante los ochenta y noventa, en clara referencia a la que quizás sea la parte más famosa de su dilatada carrera, la serie de exploitations que manufacturara febrilmente durante aquellos años codo con codo junto con Bruno Mattei.

Centrados durante los últimos tiempos en la confección de thrillers de denuncia social, herederos de algún modo del grandioso poliziesco italiano de los setenta en el que ambos participaran en calidad de guionistas, y que de algún modo les ha valido un reconocimiento por parte de la crítica oficial del que carecían hasta entonces, Carlo y Rossella se plantean ahora volver al género por el que son asociados por aficionados de todo el mundo, el fantástico y, más específicamente, el terror, tal y como nos confesaron en la siguiente entrevista, que complementa la que ya les realizáramos hace unos años en Barcelona.

Claudio Fragasso mostrando al público el premio Jess Franco con el que Cutrecon le galardonó por su trayectoria.

Cutrecon te homenajea con el galardón Jess Franco como reconocimiento por tu trayectoria, en especial por Troll 2, película que, con el transcurrir de los años, ha devenido en título de culto para aficionados en todo el mundo. ¿Esperabas cuando la realizabas que consiguiera despertar esta pasión?

Claudio Fragasso: A lo largo de mi carrera he hecho muchas películas de miedo, y en principio esta era una más. La única diferencia es que, dado que el productor nos había impuesto la condición de que en la película no debía aparecer sangre, hicimos que la que se viera fuera verde por la clorofila. Con este condicionante, cuando fuimos a rodar la película a los Estados Unidos decidí que fuera una película divertida. Así que me decanté por la exageración que se puede ver en escenas como la del chico convertido en planta o el famoso plano de “Oh, my God!”, entre otras cosas porque me encantaba hacer algo así, una especie de cartoon. Y aunque los actores no eran realmente actores profesionales, me gustaba porque así daban esa imagen de sobreactuados.

Sin embargo, en su momento Troll 2 fue lanzada como si fuera una película de terror al uso, lo que hizo que no se entendiera y recibiera muy malas críticas. Ya me había olvidado de ella como quien dice cuando un día me llama a Italia uno de los actores que aparecían en ella y me pide que mire en Internet, porque la gente dice que esa película, que antes la consideraban tan mala, es ahora la mejor. Esto fue en 2005, y todo este fenómeno increíble ha seguido manteniéndose e incluso creciendo hasta llegar al día de hoy.

Ya que lo mencionas, ¿qué te parece toda la fenomenología que se ha generado en torno a la película, hasta el punto de ser denominada como “la mejor peor película de la historia”, tal y como reza el título del documental que se realizara sobre ella?

F.: Toda esta fenomenología que hay sobre la película, o que se hiciera un documental sobre ella, es algo que todavía no puedo comprender.

Rossella Drudi: Nos llaman de todo el mundo para invitarnos a proyecciones de la película. Incluso, en una universidad de Canadá nos homenajearon otorgándonos el honoris causa en antropología. ¡Es fantástico! (risas)

F. Hace tres o cuatro años Eli Roth estuvo presentando en el festival de Roma una de sus películas y tuvo un encuentro con todos los directores italianos de cine de terror. En un principio yo no estaba en la reunión, pero me llamó un amigo diciendo que Eli Roth había pedido expresamente que yo fuera. Así que sin pensarlo mucho fui y allí estaban Umberto Lenzi, Ruggero Deodato, Lamberto Bava… Pero cuando llegamos Rossella y yo, Eli Roth vino corriendo emocionado gritándome “¡Claudio Fragasso! ¡Tu eres el director de Troll 2! Amo esa película”. Entonces se abre la cazadora y me muestra la camiseta que llevaba debajo, que era de Troll 2. Mientras tanto, los otros directores italianos se miraban entre sí como preguntándose “¿pero este quién es?”

Es un fenómeno a escala mundial. No solo ocurre en Norteamérica, sino también en Europa: en España, Inglaterra, Francia, Alemania, Hungría, Noruega, Suiza… Ahora, si vas a preguntarme el porqué, no lo sé. Pero estoy contento con ello.

Troll 2 fue producida por Filmirage, la productora de Joe D’Amato.  Aunque ya habíais tenido oportunidad de trabajar para él en otras oportunidades, ¿cómo era D’Amato como productor?

F.: Aristide era el mejor. Era una gran persona y si él entendía que eras la persona adecuada para rodar lo que te había pedido confiaba mucho en ti y te daba una gran libertad. He trabajado con muchos productores, pero como Aristide no ha habido ninguno.

R: D. Era el Roger Corman italiano. Aparte, era un hombre muy generoso, muy altruista y una persona muy creativa. Podía ser director de fotografía, encargarse del montaje, dirigir, escribir el guion… Hacía de todo. Era único. Por ejemplo, guardo de él una pequeña anécdota. Estando en los Estados Unidos durante el rodaje de Troll 2, cuando llevábamos unas dos semanas se me acerca un día en el set y me pide que le siga. Me llevó hasta un cementerio indio y me pregunta: “Rosella, ¿qué te inspira este lugar?” Entonces le respondo que una historia de fantasmas y me dice: “De acuerdo, escríbela”. Y con ese guion rodó una película en los Estados Unidos con un director norteamericano. Así era Aristide.

Rossella y Claudio junto a Carlos Palencia y Paco Fox durante la rueda de prensa de presentación a los medios de Cutrecon VI

Al margen de Troll 2, la trayectoria de Claudio es recordada por tu fructífera colaboración con Bruno Mattei. ¿Cómo le recuerdas?

F.: A Bruno le considero mi padrino, porque, además, no tenía el carácter fuerte que suelen tener los directores. No era Kubrick, obvio, pero era Bruno Mattei. Y él me enseñó mucho sobre el oficio. Porque Bruno era muy buen montador y yo era muy bueno como guionista. Entonces, algunas veces rodaba solo Bruno y otras solo yo, y entre ambos nos complementábamos. Por ejemplo, recuerdo que cuando comencé a dirigir no le daba demasiada importancia al montaje. A mí solo me importaba hacer la escena con los actores, y Bruno me decía que estaba equivocado, que tenía que tener en cuenta el montaje a la hora de rodar como hacía él. Sin ir más lejos, en el rodaje de Apocalipsis caníbal su mayor preocupación era cómo insertar los planos del documental con lo que estábamos rodando. Así que junto con él empecé a trabajar en la sala de montaje y comprendí que tenía razón. Y de esa moda funcionábamos: yo compensaba las carencias de Bruno como guionista y él mis carencias como montador. Y no nos fue mal: juntos trabajamos a lo largo de veinte años.

Muchas de aquellas películas fueron filmación back-to-back para abaratar costes. Ni qué decir tiene que planificar un rodaje de estas características resulta algo sumamente lioso. ¿Cómo os repartíais el trabajo en estos casos?

F.: No es que fuera una cosa de Bruno y mía esta especialización, sino que eran las productoras las que nos encargaban esta clase de proyectos. Nos decían: rodadnos dos películas por el precio de una. Pero más allá de eso, la planificación no tenía mayores dificultades que las de cualquier otro rodaje.

Sin lugar a dudas, uno de los rasgos característicos de tu filmografía conjunta con Mattei reside en la evocación de ingredientes de ciertos films de éxito, algo que por otra parte era bastante habitual en el cine italiano de género coetáneo, y que llegaba hasta el punto de que algunos de vuestros films fueran lanzados en según qué mercados haciéndose pasar como secuelas apócrifas…

F.: En muchos casos la elección de esos títulos era cosa de la productora o la distribuidora. En Terminator 2 el título original era Shocking Dark, Troll 2 se llamaba en un principio Goblin y Non aprite quella porta 3[1], Night Killer.

D.: Otras veces, dos o tres años después de hacer la película veíamos que cambiaban el título para que resultara más comercial en ese momento y pudieran seguir explotándola comercialmente…

¿Y los productores no os pedían que la película se pareciera a algún éxito de esos momentos?

F.: Si, claro. Recuerdo con Bruno el caso de hacer una especie de Depredador, y rodamos Robowar. O un periodo en el que rodábamos en Filipinas una tres o cuatro películas en un año que seguían la estela de Rambo.

D.: Todas con muy poco dinero. Cop Game, Double Target, Strike Commando 1 y 2

F.: Fue una buena escuela para aprender. Tanto es así que, cuando años después rodé en Italia Camino sin retorno, mucha gente me felicitaba por las escenas de acción, y si salieron tan bien fue por la experiencia previa que me había dado el participar en todas estas películas.

El productor español José María Cunillés y Claudio Fragasso presentando “Apocalipsis caníbal” al público de la sala 2 del Cine de la Prensa.

Dos de vuestros proyectos conjuntos que se salen un poco de este patrón, precisamente, es un par de westerns que rodasteis en coproducción con España titulados ¡Scalps! Venganza india y Apache Kid, en una época en el que este tipo de cintas habían dejado prácticamente de realizarse en Europa…

F.: Eso fue cosa de la productora italiana, la Beatrice Film de Roberto Di Girolamo, con la que ya habíamos trabajado antes varias veces. Ellos fueron los que tuvieron la idea de hacer dos westerns; uno dirigido por Bruno y otro por mí. Yo estuve encantado, ya que considero a Sergio Leone el más grande director de todos los tiempos. Y este proyecto me daba la oportunidad de ir a Almería a rodar dos westerns en los mismos escenarios que él utilizó en sus películas. Rodé en varios sitios en los que el hizo La muerte tenía un precio y Hasta que llegó su hora. Aparte de esto, quise homenajearle en la película y, entre otras cosas, incluí un triello, es decir, un duelo entre tres personajes, como en El bueno, el feo y el malo.

Una curiosidad. En algunas bases de datos se acredita al actor Richard Harrison como coautor de la historia de ¡Scalps! Venganza india. ¿Es cierto este dato?

F.: El hijo de Richard Harrison, Sebastian Harrison, era el protagonista de Apache Kid, por lo que pudiera ser que la primera idea fuera suya. Es curioso, porque años antes Richard Harrison protagonizó un par de poliziesci que escribí cuando comencé como guionista en los años setenta: Napoli… i 5 della squadra speciale e I guappi non si tocano, ambos de Mario Bianchi.

Junto con Mattei también trabajaste para la Cannon. ¿Cómo fue trabajar para tan mítica productora, de la que circulan tantos rumores sobre su particular forma de funcionar?

F.: Sí, en Hercules and the Sevent Gladiators[2]. Era un robo todo. Melan y Goblus hicieron una productora de mierda que no era muy honesta. Entonces Bruno y yo teníamos que enfrentarnos todo el rato a problemas. Un ejemplo: la figuración. Al inicio del día teníamos a cincuenta personas de extras. Sin embargo, cuando pasaba una hora había veinte, y tres horas más tarde solo había diez. ¡Va fan culo! (Risas). Así que el rodaje me lo pasé constantemente enfadado.

Rossella, Claudio, el actor Emilio Linder y José María Cunillés.

Pasemos a Zombie 3, película originalmente de Lucio Fulci, pero que tras su abandono os encargasteis de acabar entre Bruno y tú. Del montaje final, ¿cuánto pertenece a lo rodado por Fulci, y cuánto a lo rodado por ti y Mattei?F.: No te puedo decir eso porque no sería justo. La película es una película de Lucio Fulci que él no pudo terminar porque estaba enfermo con un tumor en el hígado. Tras su marcha, el productor me llamó muy enfadado, pidiéndome que le ayudara a terminar la película aprovechando lo ya rodado, a lo que accedí, encargándose Rossella de reescribir el guion de nuevo. Después de varios cambios, y cuando había escrito entre treinta y cuarenta minutos de historia nuevos, el productor nos dijo que teníamos que ir inmediatamente a Filipinas para rodar este material, ya que tenía prisa para llegar a tiempo a la fecha de estreno que había pactado con los distribuidores.

D.: Claudio estaba en Roma, pero Bruno estaba en Filipinas. Así que en cuanto llegamos Claudio se puso en contacto con Bruno para contarle la situación y pedirle que nos echara una mano.

F.: Dadas las prisas, le propuse hacerlo entre los dos, como habíamos hecho tantas veces, y él aceptó.

D.: Es gracioso, porque hay una escena con un zombi en el fuego que todo el mundo atribuye a Fulci y no es verdad. En realidad es de Claudio y Bruno.

F.: En cualquier caso, lo primero que hice antes de embarcarme en el proyecto fue ponerme en contacto con Fulci para saber si él me daba su autorización, porque al fin y al cabo era una película suya. Después él dijo muchas cosas inciertas sobre cuál había sido realmente su participación, pero, bueno, hay que tener en cuenta que Lucio era una persona muy particular.

Precisamente, el protagonista de Zombie 3 fue el hoy reputado realizador especializado en el medio televisivo Deran Serafian, hijo del también director Richard C. Serafian, y para el que poco tiempo antes habías escrito el guion de su película Interzone...

D.: Bueno, he de decir que Interzone realmente la escribí yo…

F.: Conocí a Deran Serafian cuando vine a España a rodar Leviatan / Monster Dog. En el periodo que rodé esta película Deran estaba rodando para la misma productora Cosmos mortal. A raíz de este contacto Deran y yo comenzamos a tener cierta amistad. Cuando llegó a Roma, y como también la que era entonces su novia, Beatrice Ring, era amiga nuestra, volvimos a vernos. Todo el tiempo se quejaban de que tenían que hacer algo porque no tenían dinero, por lo que les presenté a Lucio Fulci, quien estuvo de acuerdo en que ambos participaran como actores en Zombie 3. Después, esta stronza (perra) de Beatrice Ring ha dicho como que se arrepentía de haber hecho esa película, pero lo que no se acuerda es cuando se estaba muriendo de hambre.

En 1993 con Teste rasate dais un giro a vuestra trayectoria, iniciando una serie de películas ambientadas en entornos delictivos y con un acento social, algunas de las cuales serían realizadas para la televisión…

F.: A mediados de los noventa, las películas de terror de bajo presupuesto en las que solíamos trabajar cada vez eran más baratas, porque los norteamericanos empezaron a hacer películas de género baratas, con la diferencia de que el barato para los yanquis es una película con cierto nivel de producción. Vi que no era un buen momento para aquel tipo de cine y pensé en hacer algo en Italia.

D.: Hasta entonces habíamos sido unos cineastas emigrantes. Mientras Claudio era conocido en todo el mundo, en Italia en cambio nadie sabía quién era. Sin embargo, Teste rasate, que era un film muy fuerte, muy violento, de denuncia social, nos sirvió como carta de presentación en Italia.

F.: Después de Teste rasate vino Camino sin retorno, y empecé un periodo de mi carrera centrada en films de acción y de denuncia social.

D.: De esta etapa, uno de nuestras películas que más me gusta es Coppia omicida, que trata el problema de la incomunicación de la pareja a través de las andanzas terroristas de un par de asesinos interpretados por Raoul Bova y Raz Degan: en el amor, en el afecto… Todo ello sin dejar de ser un thriller con mucha acción. Por desgracia en Italia no funcionó, aunque en otros países como Estados Unidos, Alemania o Francia fue bastante bien.

Y de cara al futuro, ¿cuáles son vuestros próximos proyectos?

F.: Una película de miedo. Hay varias en proyecto, la primera de las cuales se llama Zombie Mamma y es una historia muy fuerte de zombis con trasfondo social y un toque muy particular. Tenemos que empezar una nueva carrera y pensamos hacerlo volviendo a las películas de miedo.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías: Juan Mari Ripalda

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[1] N. d. a.: Non aprite quella porta es el título italiano de La matanza de Texas.

[2] N. d. a: Ignoro si dicho título era el original del proyecto, pero la película resultante fue estrenada con el título original de I sette magnifici gladiatori y el hijo de Zeus no aparecía por ningún lado, si bien el personaje principal corría por cuenta de Lou Ferrigno, quien por aquellas mismas fechas había encarnado a dicho personaje también para la Cannon en El desafío de Hércules. Teniendo en cuenta que lo que en principio eran escenas adicionales para I sette magnifici gladiatori acabarían desembocando en la confección de una improvisada secuela a cargo de Luigi Cozzi de la previa El desafío de Hércules con La furia del coloso, no se puede descartar que, en origen, la película de Mattei y Fragasso estuviera planteada como otra aventura del semidios.

Published in: on marzo 3, 2017 at 11:25 am  Dejar un comentario  
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Crónica de CutreCon VI

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No lo tenía fácil sobre el papel esta sexta edición de CutreCon, el Festival Internacional de Cine Cutre de Madrid. Tras el importante salto cualitativo dado el pasado año, esta nueva CutreCon se presentaba con la exigencia de cuanto menos igualar, si no superar, lo ofrecido por el certamen hace ahora doce meses. Un reto complicado, sin ninguna duda, pero que una vez finalizada podemos decir que ha superado con creces. No solo eso, sino que el evento organizado por el especializado portal cinecutre.com ha vuelto a dar un nuevo paso adelante en el asentamiento y proyección de su propuesta. Sin ir más lejos, en las semanas previas a su celebración se organizó por primera vez la denominada PreCutreCon, un evento totalmente gratuito que, además de servir de plataforma desde la que promocionar el festival, resultó un excelente aperitivo de cara a calentar motores, gracias a la proyección de la inenarrable Karate contra mafia (1981), primer film de artes marciales rodado en España y que ya había sido visto durante la cuarta edición, en la que se homenajearía con el honorífico premio Jess Franco a su director, Ramón Saldías. Del mismo modo, también hubo espacio para la incorporación al programa de formatos ajenos, caso del espectáculo interactivo “Cine para chicas y maricas” que protagonizó la sesión golfa del viernes y que, en sintonía con el leitmotiv elegido como hilo conductor a la edición de este año, el cine musical, tuvo como guinda el futurista, discotequero y, en última instancia, hortera film de la Cannon La manzana (The Apple, 1980), escrito y dirigido por el que fuera el principal ideólogo de la mítica productora, Menahen Golam.

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Aunque quizás la mejor prueba del crecimiento experimentado por CutreCon estuvo en el nuevo aumento de espectadores registrado, tanto en las sesiones gratuitas como, sobre todo, en las de pago. Si ya el año pasado se rozó el lleno en varias ocasiones, esta vez hubo que colgar el cartel de “no hay billetes” en un buen número de los pases. La prueba más ilustrativa a este respecto se encuentra en lo sucedido en uno de los platos fuertes de la edición. Hablamos, obviamente, del programa doble compuesto por Troll 2 (1990) y Apocalipsis caníbal /Virus (1980) que sirvió para escenificar la entrega del Jess Franco al invitado especial de este año, el director y guionista italiano Claudio Fragasso. Pues bien, por motivos ajenos a la organización, un problema en la venta de entradas provocó que se despachara un número de localidades superior al aforo de la sala 2 del Cine de la Prensa donde debía desarrollarse el evento, motivo que obligó a que se habilitara la sala 3 del multicine con el fin de poder ubicar a todo el público congregado. Mientras se aclaraba la cosa, en un detalle que le honra, el homenajeado amenizaría la espera improvisando una presentación en la que, entre otras cosas, afirmaría que el tono cómico de Troll 2 está buscado a propósito. En el mismo sentido, también cabe comentar a modo de curiosidad que si antes de dicha película Fragasso recibía el mencionado galardón de manos de Enrique López Lavigne, para presentar la siguiente Apocalipsis caníbal el también conocido como Clyde Anderson estuvo acompañado por otro productor, en este caso José María Cunillés, responsable de la parte española de la película y auténtica leyenda viviente de nuestro cine.

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Parte del equipo de “Cine Basura: La película” durante el post screaning con Miguel Ángel Aijón, Natalia Bilbao, Paco Fox y Miguel Ángel Viruete.

Ni qué decir tiene que Fragasso y su esposa y colaboradora habitual, Rossella Drudi, se erigieron en los grandes protagonistas de CutreCon 2017. Pero si bien los más mediáticos, no fueron, ni mucho menos, los únicos. Con la sala 1 del Cine de la Prensa repleta hasta los topes, el jueves 26 se daba el pistoletazo de salida a esta edición con la presencia tanto sobre las tablas del escenario como entre el patio de butacas de gran parte del equipo de Cine Basura: La película (2016), con sus directores y principales ideólogos Paco Fox y Miguel Ángel Viruete a la cabeza. El que dicho título fuera el escogido para esta sesión inaugural se antojaría del todo consecuente, habida cuenta de tratarse del primer film rodado en España que parodia / homenajea el cine cutre, circunstancia esta que es refrendada por las numerosas referencias cinéfilas que se acumulan a lo largo de su metraje, pero también en vista de la participación activa en la cinta de destacados miembros de la organización.

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En el centro Cem Kaya atendiendo a las preguntas del público tras el pase de “Remake, Remix, Ripoff”.

El otro nombre propio que dejaría esta edición lo tendríamos en Cem Kaya, director de Remake, Remix, Ripoff (2014), con todo merecimiento el gran descubrimiento de esta CutreCon. Concebido inicialmente para su emisión en la televisión germana, el documental se zambulle en la época dorada de la industria de cine popular turca, con especial atención para los descarados exploitations que entre finales de los setenta y comienzo de los ochenta manufacturara con menos medios que vergüenza. En contra de lo que pudiera parecer en un principio, el film no se limita a repasar únicamente los aspectos por los que a día de hoy son conocidos estos films en Occidente, sino que sobre esa base Kaya reflexiona sobre el modo en el que la cultura popular se alimenta de la repetición de historias, al tiempo que a través del testimonio en primera persona de varios de sus implicados incide en las duras condiciones laborales y técnicas que aquellos profesionales tuvieron que hacer frente para llevar a cabo su trabajo y que, según se muestra, aún perviven en la moderna televisión otomana. Para el recuerdo queda la estremecedora confesión de Çetin İnanç, director del conocido como “el Star Wars turco”: “¡Qué más habría querido yo que dedicarme a otra cosa que no hubiera sido ser director de cine!” En definitiva, un trabajo imprescindible y reivindicable, gracias a su visión poliédrica, capacidad informativa y variedad de enfoques.

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Carlos Palencia y Vera Montessori volvieron a ser una vez más los maestros de ceremonio de CutreCon.

Remake, Remix, Ripoff se encuadraría dentro de “Documentrash”, la sección consagrada al formato documental que, en su segunda encarnación, se confirmó como una de las propuestas más interesantes del programa. Al igual que el año pasado, su desarrollo se concentró en una sesión doble celebrada en la mañana del domingo, si bien en esta ocasión cambiando el Cine de la Prensa por la sala Artistic Metropol, lugar en el que se aglutinarían todas las proyecciones de la última jornada. Junto con Remake, Remix, Ripoff, el otro integrante de la dupla seleccionada, en su première europea, fue el notable Doomed! (2015), en el que se desgranan las vicisitudes de la adaptación de Los Cuatro Fantásticos producida en 1994 por Roger Corman. Pero más allá de arrojar luz a los pormenores de tan controvertida producción, se trata, sobre todo, de la historia de cómo la industria jugó con el trabajo y las ilusiones de un grupo de profesionales que esperaban lanzar sus carreras por medio de una película que, en realidad, no se pretendía siquiera estrenar, ya que su puesta en marcha solo era una triquiñuela de los ideólogos del proyecto con la que retener los derechos sobre sus personajes protagonistas. Un retrato descarnado de los turbios intereses que, en ocasiones, esconden el modo de funcionar de la industria cinematográfica, en especial la hollywoodiense, aunque en este caso esconda un acto de justicia poética. Y es que, aunque ningún miembro de su equipo alcanzaría el estrellato con el que soñaban, como muy acertadamente apunta uno de sus partícipes, las peculiares circunstancias que rodearon su existencia han motivado que con el discurrir de los años la película haya alcanzado una relevancia y trascendencia que difícilmente habría disfrutado de haber conocido en su momento una distribución comercial normalizada.

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El carácter eminentemente cinéfilo de Remake, Remix, Ripoff y Doomed! no quitaría para que la principal razón de ser de la oferta de CutreCon volviera a estar en el goce y disfrute que se deduce del visionado de hilarantes exponentes de Serie B o Z. Aunque, en honor a la verdad, en esta sexta edición no todo fue cine cutre, y también hubo espacio para otros títulos de un mayor nivel de producción y acabado formal del que suele ser habitual en las películas programadas por el certamen. Es el caso de Action Jackson (2014), protagonista de la sesión golfa del sábado; toda una superproducción bollywoodiense, de deslumbrante poderío visual y técnico, cuya inclusión en el certamen obedecería a unas hiperbólicas escenas de acción, el delirio de sus multitudinarios números musicales y un sentido del humor y el romanticismo de lo más peculiar para nuestros ojos occidentales. Action Jackson sería la punta de lanza de la nutrida concurrencia de films procedentes del país asiático entre la nómina reunida, si bien el resto de sus compatriotas lo harían formando parte de alguno de los maratones programados.

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Cola para acceder a una de las sesiones celebradas en el Auditorio de la Casa del Reloj, imagen que se reproduciría a lo largo del fin de semana.

El primero de ellos en sentido cronológico fue BCN Knockout (2013), historia de amor y mafia singularizada por ambientarse en la Ciudad Condal, en cuyos emplazamientos más emblemáticos desarrolla varias de sus secuencias musicales. Aparte de por su ambientación barcelonesa, su cuota de bizarrismo vendría dada por elementos tales como la versión en indio del famoso “Borriquito como tú” de Peret que sirve de fondo sonoro a sus títulos de crédito, o la desopilante presencia de ninjas durante su adrenalítico tramo final. Semejante mejunje cerraría el tradicional maratón gratuito celebrado en el Auditorio del Centro Cultural de la Casa del Reloj durante la jornada del sábado, y que había arrancado a eso de las once menos cuarto de la mañana con varios films para el público infantil, entre los que destacan la colorista Caperucita y Pulgarcito contra los monstruos, así como Las aventuras de Zipi y Zape, psicotrónica adaptación a imagen real de los personajes creados para la viñeta por Escobar perpetrado por el habitual del cine “S” Enrique Guevara. Tras un pequeño descanso, las proyecciones proseguirían por la tarde con Hard Rock Zombies (1985), Attack of the Beast Creatures (1985) y la ya comentada BCN Knockout. Mientras que Attack of the Beast Creatures narra cómo los supervivientes de un naufragio son diezmados por unas ridículas marionetas que se suponen los indígenas caníbales de una isla perdida, Hard Rock Zombies presentaría una interminable sucesión de videoclips a cargo de su grupo protagonista servido por medio de una trama (o así) que diríase improvisada sobre la marcha, sin que ni siquiera su pretendido tono cómico y granguiñolesco consiga redimirla.

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Momento del encuentro con los invitados celebrado el viernes en la Casa del Reloj.

Curiosamente, la crítica al conservadurismo estadounidense presente en Hard Rock Zombies la hermanaría en cierto sentido con Nudist Colony of the Dead (1991), título con el que se abrieron las sesiones celebradas en la Casa del Reloj un día antes. Proyectado en su versión remasterizada, por más que su calidad de imagen fuera bastante pobre, este musical gamberro e irreverente hace mofa de los ultra cristianos, partiendo de una premisa que deja muy a las claras sus pretensiones: un grupo de nudistas que se suicidaron tras ser desalojados del camping en el que vivían a causa de la presión de los beatos de la zona regresan de la tumba para acabar con un grupo de excursionistas de la iglesia local, que pretenden pasar unos días en sus antiguos dominios. Humor cafre, canciones pegadizas y un presupuesto paupérrimo –atención al cachondo traje de la anciana nudista– conforman la base de esta cinta que daría paso al esperado encuentro con los invitados. Durante alrededor de cuarenta minutos, Paco Fox, Cem Kaya, Claudio Fragasso y Rossella Drudi hablaron sobre sus trabajos, mientras contestaban a las preguntas que les formulaba el público en una charla de lo más animada e informativa. Con este buen sabor de boca, el cierre a la tarde lo ponía “Cine Basura” y la proyección de la película House of the Devil, con los comentarios en vivo de Paco Fox, Carlos Palencia y la colaboración especial de Vera Montessori y el youtuber Zorman. Con motivo de su emisión en Movistar + Xtra, se intentó por primera vez en la historia del programa dar entrada en directo a los comentarios de los espectadores que se encontraban visionando la película desde su casa, si bien problemas técnicos evitarían que el experimento saliera todo lo bien que hubiera sido deseable.

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Y así llegamos al final de nuestro recorrido o, lo que es lo mismo, a la maratón que, un año más, acogió la sala Artistic Metropol el domingo y que, bajo el nombre “Casiotón”, pondría el broche de oro a cuatro intensos días de cine cutre. Compuesta por cuatro títulos, el primero de ellos nos traería la première europea del que es el último trabajo hasta la fecha de un viejo conocido del certamen, Sam Firstenberg, premio Jess Franco del pasado año. Basándose en un guion inédito de Ed Wood Jr., el cineasta de origen polaco fabrica con The Interplanetary Surplus Male and Amazon Women of Outer Space (2003) un curioso artefacto de meta-ficción que reflexiona sobre las interioridades del cine de bajo presupuesto, gracias a un inteligente tratamiento que hace de sus necesidades virtud. Y de un destacado representante de la Serie B pasábamos a otro con Cenicienta 2000 (Cinderella 2000, 1977), revisión en clave de ciencia ficción y tono erótico-festivo del famoso cuento de Perrault a cargo de Al Adamson. Entre los muchos momentos a retener que provoca su visionado, citemos el número musical protagonizado por un robot con cabeza en forma de pene en el que el androide se lamenta amargamente de no tener con quién practicar sexo.

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De izda. a drcha.: Claudio Fragasso, Emilio Linder, Carlos Palencia y Rossella Drudi presentando la proyección de “Leviatán / Monster Dog” con la que se clausuraba el marotón “Casiotón”.

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Superado el ecuador de la tarde, tocaba el turno para la tercera y última de las producciones indias programadas: Golimar: The Movie [Donga, 1985], película que había creado cierta expectación por contener una surrealista versión devenida en fenómeno viral del famoso videoclip de Michael Jackson Thriller. Para ahorrar las tres horas de su versión íntegra se proyectaría en un remontaje internacional de noventa minutos, aunque no sería la única manipulación a la que sería sometido su contenido. La confección de un subtitulado que traducía de modo muy libre los diálogos y, sobre todo, las letras de las canciones, ayudaría a hacer más llevadero el visionado de este desaforado melodrama lacrimógeno. Como fin de fiesta, la organización situó el film del homenajeado Claudio Fragasso Leviatán / Monster Dog (1984), el cual contaría con una pequeña presentación a cargo de su propio director y uno de sus intérpretes principales, Emilio Linder. De este modo se ponía el punto y final a esta sexta CutreCon, aunque antes de abandonar la sala aún quedaba por desvelar una pequeña sorpresa, cuando uno de los miembros de la organización, Pedro J. Mérida, anunciara a los presentes a modo de despedida que la edición del próximo año tendrá como hilo conductor las space operas. Una excelente noticia que hace que muchos estemos ya frotándonos las manos pensando en lo que nos va a deparar la, por ahora, aún lejana CutreCon 2018.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías: Juan Mari Ripalda

Published in: on febrero 24, 2017 at 6:56 am  Dejar un comentario  
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Crónica de la XXVII Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián

La casualidad, o una maniobra bien calculada, hizo que la vigésimo séptima edición de la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián viniera marcada por la recuperación de las que, hasta hace no tanto tiempo, habían sido dos señas características del paisaje del certamen donostiarra. Lo haría, por un lado, con la organización de un concurso de fanzines que, si bien este año contó con una participación más baja de lo que sería deseable, sirvió para dar colorido y añadir un plus de atractivo a las sesiones en las que se presentaban al público cada una de las cabeceras en liza dentro de una competición que acabaría llevándose por votación popular “Ke mal rato, Honorato”. Por otra parte, y sin movernos del terreno editorial, se encontraría la publicación, al fin, de un nuevo volumen de su prestigiosa colección de ensayos monográficos, tras el simulacro que en este sentido significó la aparición el pasado año de un libro coeditado junto al Festival Internacional de Cine de Gijón sobre el found footage y demás formatos de falso documental. Coordinado por Daniel Aguilar y Antonio José Navarro, el encargado de reanudar la colección de publicaciones ha sido Japón fantástico, siglo XXI; una obra reducida en dimensiones pero sustanciosa en contenidos que, como su nombre indica, ofrece una aclaradora panorámica a lo que ha dado de sí la producción genérica en el País del Sol Naciente en lo que llevamos de milenio.

Mesa redonda con directores japoneses en el Museo San Telmo.

Mesa redonda con directores japoneses en el Museo San Telmo.

Aparte de para cerrar de algún modo el círculo iniciado hace quince años, cuando el festival repasara la historia del fantástico japonés desde sus orígenes hasta entonces, la elección de dicha temática para protagonizar el volumen, así como el correspondiente ciclo retrospectivo al que serviría de apoyo, se enmarcaría dentro del convenio de colaboración suscrito por la Semana con la Fundación Eu-Japan Fest coincidiendo con la Capitalidad Cultural Europea que la ciudad guipuzcoana ha detentado a lo largo de este 2016 y que hizo que este año el certamen donostiarra tuviera un claro acento nipón. El protagonismo japonés no solo se limitaría a la considerable programación de films provenientes de aquella cinematografía, sino que también se ampliaría al programa de actividades paralelas. Fruto de ello sería el que, con todo merecimiento, puede considerarse uno de los momentos para recordar, no sólo de esta Semana, sino de las últimas ediciones, y casi me atrevería a señalar que de toda su historia. Me refiero a la mesa redonda realizada en el Museo de San Telmo bajo la moderación de Jesús Palacios, en la que cinco cineastas japoneses afines al género comentaron la situación actual que vive el cine fantástico en su país. Shinji Higuchi, Noboru Iguchi, Yoshikazu Ishii, Minoru Kawasaki y Tomoo Haraguchi compartieron y debatieron sus experiencias en una charla distendida y aclaratoria en la que predominó la visión del fantástico nipón de bajo presupuesto, algo por otra parte lógica, habida cuenta de que la mayoría entre los contertulios estaban habituados a trabajar en este contexto.

Un momento de la delirante presentación en el Teatro Principal de "Kaiju Mono".

Un momento de la delirante presentación en el Teatro Principal de “Kaiju Mono”.

Varios de los mencionados directores aprovecharían además su presencia en San Sebastián para presentar la proyección de alguno de sus trabajos. El más mediático de todos, sin duda, Shinji Higuchi, co-director junto a Hideaki Anno de Shin Godzilla, el reboot por parte de la Toho de su más emblemática creación y título elegido por la organización para protagonizar la sesión inaugural de esta vigésimo séptima edición. Doce años más tarde de la anterior entrega de la franquicia original, el indiscutible rey del kaiju eiga revive en un film sorprendentemente político en el que afloran las heridas abiertas en la sociedad japonesa a raíz del accidente nuclear ocurrido en Fukushima de marzo de 2011. Un potente pistoletazo de salida cuyo tono discursivo, no obstante, sacó de situación a buena parte de la audiencia del Principal, que esperaba quizás un producto de corte escapista. Justo en estas coordenadas se movería Kaiju mono de Minoru Kawasaki. Definida por su responsable como una versión exploit de Shin Godzilla, se trata de una parodia del kaiju bajo el estilo habitual del fantástico japonés más psicotrónico, con todas sus virtudes y todos sus defectos. Aunque no lo hiciera de forma física, tampoco faltó a la cita un habitual de la Semana como Takashi Miike con Terra Formars, adaptación de un manga homónimo que, tras un inicio prometedor, acaba perdiendo fuelle a medida que transcurren los minutos y los excesos característicos de su director van haciendo presencia. Tampoco podemos olvidarnos del que ha sido uno de los estrenos más mediáticos de la temporada en aquellas latitudes: Sadako Vs Kayako. A pesar de las ansias de renovar el J-horror que su director y guionista, Koji Shiraishi, manifestaría durante su estancia en Donosti, lo cierto es que su trabajo se limita a repetir las señas distintivas de ambas sagas, entregando un producto del todo intrascendente, pero que al menos logra alcanzar el aprobado.

Cuadro con las votaciones finales obtenidas por los films y cortometrajes a concurso.

Cuadro con las votaciones finales obtenidas por los films y cortometrajes a concurso.

Ante esta avalancha de films orientales, no es de extrañar que el premio del público al mejor largometraje fuera a parar al continente asiático. No obstante, la merecedora del favor del respetable no llegaría de Japón como podría pensarse en un principio, sino que vendría procedente de la cercana Corea del Sur con Train to Busan. Fiel exponente de la concepción de blockbuster de aquella cinematografía, el debut en el cine de imagen real de Yeon Sang-ho ofrece un apocalipsis zombi enclaustrado en el interior de un tren que destaca por su rara capacidad para aunar tensión narrativa, reflexión humanista y un envidiable manejo de diferentes tonos y registros narrativos de tal modo que consigue que se pasen por alto su tendencia al sentimentalismo melodramático más pretendidamente lacrimógeno y un discurso un tanto reaccionario a favor de la familia. Por cierto que, dentro de las proyecciones complementarias de la Semana, también pudo verse Seoul Station, la precuela animada de Train to Busan, también dirigida por Yeon Sang-ho y de una calidad equiparable a la de su sucesora. Por un estrecho margen de treinta décimas de punto, tras la cinta surcoreana se clasificaría en el cómputo total de votos La autopsia de Jane Doe, el esperado nuevo trabajo del noruego André Ovredal, seis años después de darse a conocer con la muy estimable Troll Hunter, vista también en este marco. Apenas un escenario, tres personajes y el desarrollo de una única situación son los escuetos ingredientes en los que se apoya una historia de sabor clásico cuya fibrosa narración y sentido de la atmósfera logran suplir con creces la sensación de previsibilidad que presenta su argumento. El tercer peldaño del imaginario podio lo ocuparía Crudo de Julia Ducournau, film belga en la línea del cine de su paisano Fabrice Du Welz, pero ni de lejos tan dura ni tan profunda como se ha querido vender y pretende su novel directora, respectivamente.

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Estos tres títulos serían, a nivel popular, la punta de lanza de una Sección Oficial que, como todos los años, sirvió para tomar el pulso a la más reciente hornada de producción genérica. De este modo, fueron varios de los títulos aglutinados por la programación que llegaron a Donosti precedidos por la fama que habían acuñado en su paso por el circuito de festivales. Es el caso de Melanie. The Girl With All the Gifts, ganadora en Sitges del galardón a la mejor interpretación femenina por el trabajo de la actriz infantil Sennia Nanua y, para quien esto escribe, una de las mejores y más inteligentes muestras albergadas por el superpoblado cine sobre zombis y/o infectados por mor de su potenciación de los aspectos dramáticos de una historia que en cierto sentido recupera el espíritu del Soy leyenda de Richard Matheson. También haría justicia a las expectativas creadas la persa Under the Shadow, en la que su, en principio, exótica ambientación en el Teherán de los primeros ochenta, sumido en plena guerra entre Irán e Iraq, contribuye decisivamente a trascender su primigenio estadio de relato de fantasmas para ofrecer una interesante mirada revestida de costumbrismo a la constreñida situación a la que fue marginado el papel de la mujer, política y socialmente, en la sociedad iraní durante el régimen de los ayatolaes. Menos interés levantaron en cambio dos de las consideradas “sorpresas de la temporada”. The Eyes of My Mother se reveló como un indigesto y poco compacto producto que malgasta algunas buenas ideas y la creación de un clima enfermizo a causa de unas mal digeridas ínfulas autorales, representadas por su uso de una, por otra parte, magnífica fotografía en blanco y negro. Peor sería, en todo caso, lo que depararía la mexicana Tenemos la carne, cuya adscripción a los postulados del surrealismo es solo una excusa que no logra enmascarar la nadería de una propuesta cimentada, única y exclusivamente, en su supuesto poder provocativo y transgresor, incluyendo entre su metraje imágenes de sexo explícito.

El director de la Semana, Josemi Beltrán, junto a Monica Strambini, directora de "Queen Kong", cortometraje de temática pornográfica-fantástica que pudo verse en la sesión de Halloween.

El director de la Semana, Josemi Beltrán, junto a Monica Strambini, directora de “Queen Kong”, cortometraje de temática pornográfica-fantástica que pudo verse en la sesión de Halloween.

Proyectada a altas horas de la madrugada, Tenemos la carne sería la encargada de echar el cierre a la tradicional velada de Halloween. Una maratoniana sesión que a lo que a largos se refiere fue inaugurada por 31, lo último de Rob Zombie. Con 31 el polifacético artista compone un nuevo compendio y resumen de las obsesiones que han acompañado a su filmografía, con la década de los setenta en primer término, que si bien es acreedor de algún hallazgo aislado, principalmente las caracterizaciones de sus payasos asesinos, en conjunto resulta solo recomendable para la sorprendentemente amplia legión de seguidores que el otrora líder de “White Zombie” ha acumulado en su paso al séptimo arte. Como no podía ser de otro modo, 31 no fue el único trabajo reciente de un nombre propio del cine actual que pudo verse dentro de la Sección Oficial de la Semana. The Neon Demon evidenciaría la preocupante deriva en la que se encuentra inmerso Nicolas Wanding Refn. Ambientada en el mundo de la moda, todo el potencial de su propuesta es confiado a una estética en verdad preciosista que, no obstante, le asemeja a un anuncio de colonias, descuidando mientras tanto sus aspectos puramente narrativos. Y no solo por lo inconexo de su argumento, quién sabe si en un intento de añadir una impostada densidad a una trama de lo más simple; es que lo que expone ya ha sido contado antes muchas veces y, además, de forma más convincente. Para los interesados en el tema recomendamos el visionado de la reciente Starry Eyes, algo así como la otra cara de la moneda del film de director de Drive, cambiando el mundo de la moda por el del cine. En cuanto a Yoga Hosers, la seudo secuela realizada por Kevin Smith de su previa Tusk, con la que comparte tono, se nutre de un reparto compuesto en su mayoría por amigos y familiares del cineasta, estando sus resultados más cercanos a los de un chiste privado que a los de un producto cinematográfico propiamente dicho.

La Semana también celebró el cincuenta aniversario de "Star Trek" con una exposición conmemorativa.

La Semana también celebró el cincuenta aniversario de “Star Trek” con una exposición conmemorativa.

Así llegamos hasta la participación española en la Selección Oficial de este año, la cual constaría de tres exponentes. De entre ellos, el que mayor nivel de producción exhibiría sería Pet, el que ha supuesto el segundo largometraje del que fuera el gran triunfador en el apartado cortos del certamen hace ahora tres años, Carles Torrens. Al igual que ocurriera en Emergo, su debut en el formato, el catalán regresa cinco años después con un proyecto de miras internacionales y reparto anglosajón, aunque esta vez coproducido con los Estados Unidos, que malgasta sus buenas ideas a causa de un guion disperso, más preocupado en los golpes de efecto de sus giros narrativos que en su cohesión interna. Los restantes representantes patrios serían, curiosamente, dos films independientes realizados prácticamente al margen de la industria y que han servido para brindar la alternativa a sus primerizos directores, quienes se personarían en Donosti para presentar a sus pequeños retoños. Roberto San Sebastián lo haría con La noche del virgen, una comedia esperpéntica que, salvando las distancias, recuerda al primer Álex de la Iglesia, lastrada por una tendencia a la escatología mal entendida y una duración a todas luces desmedida: nada menos que dos horas. Todo lo contrario puede aplicarse a El ataúd de cristal, en la que, haciendo de la necesidad virtud, el también bilbaíno Haritz Zubillaga saca partido a los modestos recursos puestos en sus manos con una propuesta minimalista de contenido metacinematográfico mediante la que plantea un arriesgado ejercicio de estilo, en el que da muestras de una interesante inventiva visual.

La actriz Miriam Cabeza, presentadora de la Semana, y Josemi Beltrán durante la gala de clausura.

La actriz Miriam Cabeza, presentadora de la Semana, y Josemi Beltrán durante la gala de clausura.

En comunión con los largometrajes, un año más la Semana volvió a reservar un importante espacio en su programa para el formato corto, organizando a tal fin diferentes concursos. Sin ánimo de exhaustividad, cabe llamar la atención sobre la calidad de varios de los trabajos a concurso seleccionados como, por ejemplo, Behind y Quenottes. Ambos consiguieron en la capital guipuzcoana sendos galardones a la ya de por sí exitosa trayectoria que vienen desarrollando por el circuito de festivales, hermanándose por su uso de sendas figuras más o menos reconocibles del folclore popular occidental, aunque desde planteamientos radicalmente distintos. En el caso del segundo, gran parte de su atractivo reside, precisamente, en la siniestra visión que ofrece de un personaje infantil en principio tan blanco como “El ratoncito Pérez”. Otros títulos que también destacaron fueron Popsy, perversa recreación de la típica historia del cazador cazado, o Save, una pieza de escasa duración que tiene una de sus principales bazas en su simpleza conceptual a todos los niveles. Mención aparte de los ya comentados merece el nuevo trabajo de Alberto Vázquez, en el que el también dibujante prosigue con el personalísimo estilo que ya guiara su anterior Sangre de unicornio. Aparte de por sus intrínsecos valores artísticos, el motivo está en ser el responsable de una de las coletillas más repetidas a lo largo de la Semana por el público del Principal a la hora de gritar a la pantalla y que, curiosamente, coincidiría con su título: ¡Decorado…!

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías: Juan Mari Ripalda

Entrevista a Don Coscarelli

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De una forma un tanto inesperada, este 2016 ha vuelto a traer a primer plano de la actualidad la saga Phantasma. Lo ha hecho, por un lado, con el estreno de Phantasm V: Ravager, la quinta y, en principio, última entrega de la franquicia, y la primera de toda la serie que no ha sido dirigida por su creador, Don Coscarelli. Y por otro, con el lanzamiento de una espectacular remasterización en 4K del film original de 1979 apadrinada por la Bad Robot de J. J. Abrams. Dos acontecimientos cinematográficos a los que el destino ha querido unir el fallecimiento a los 89 años de edad el pasado enero de Angus Scrimm, el inolvidable intérprete del no menos emblemático Hombre Alto.

Cuatro años después de recibir el honorífico premio “Màquina del Temps” como reconocimiento a toda su trayectoria, Don Coscarelli regresó al Festival de Sitges para presentar estos dos nuevos trabajos. Por si no eran suficientes los motivos que le llevaban hasta la localidad barcelonesa, su presencia levantaría un plus mayor de expectación al coincidir con la mediática visita de Bruce Campbell al certamen, lo que hizo que fueran muchos los aficionados que les preguntaron acerca de las posibilidades de materialización de la acariciada precuela de Buba Ho-Tep (Buba Ho-Tep, 2002), film cuyo pase dentro del ciclo retrospectivo dedicado a la carrera del protagonista de Posesión infernal (Evil Dead, 1981) contaría con una presentación conjunta de ambos.

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La primera pregunta es obvia: ¿por qué no has dirigido esta quinta entrega de Phantasma?

La respuesta sencilla sería: ¿cuántas películas de Phantasma puede dirigir una persona a lo largo de su vida? Yo creo que cuatro seguramente son más que suficientes (risas). Y esa ha sido la forma en que Phantasm V: Ravager ha ido evolucionando; porque nunca hubo una intención premeditada de que fuese una secuela. Lo que ocurrió es que soy amigo del director, David Hartman, quien trabajó en los efectos visuales de Bubba Ho-Tep. David es un cineasta muy prolífico, capaz de hacer un cortometraje cada fin de semana. Un día vino y me dijo: “Eh, vamos a rodar un corto de Phantasma este fin de semana”. Pensé que podría ser divertido, así que hablé con el actor Reggie Bannister, le pregunté si estaría dispuesto a ayudarnos y él estuvo encantado de hacerlo. Fue una experiencia muy divertida trabajar con él, tenía muy buenas ideas y una gran habilidad visual.

Cuando terminamos pensé que esta sería una manera inteligente de hacer una última secuela, en vista de que nadie nos ofrecía el dinero suficiente como para poder hacerlo. Sin embargo, esta era una forma muy eficiente de ir haciéndola con unos amigos de forma sencilla. De vez en cuando David la hacía más a lo grande, pero originariamente era una idea muy simple que evolucionó de forma orgánica.

¿Cuál ha sido el motivo por el que la realización de Phantasm V: Ravager haya estado envuelta de tanto secretismo?

Creo que porque no estábamos seguros de poder terminarla. Ha sido muy difícil. Y te habrás dado cuenta de que es mejor no revelar demasiado sobre el argumento de la película. Es mejor ir a verla sin ideas preconcebidas. Pero el motivo principal es que no teníamos ni idea de cuánto íbamos a tardar en terminarla y lo que queríamos era terminarla antes de hablar de ella con nadie. Por suerte, todos los actores de Phantasma son muy buenos manteniendo secretos, así que cuando se anunció su existencia pilló a todos por sorpresa. Pero luego nos llevó otros dos años terminar la postproducción, así que muchos se empezaron a preguntar si era una película de verdad o no…

¿Cómo ha sido el hecho de volver al universo de Phantasma dieciocho años después de la que fuera la anterior entrega de la saga, Phantasm IV: Oblivion [dvd: Phantasma IV: Apocalipsis, 1998]?

Siempre había creído que Phantasma IV: Apocalipsis fue una buena culminación a la saga aunque fuese algo misteriosa en su final. Pero luego, visitando internet y acudiendo a las convenciones de cine de terror, me di cuenta de que todo el mundo quería ver otra película de Phantasma, y eso fue lo que hizo que me pusiera a pensar en ello. La intención con David siempre fue intentar recuperar a los personajes principales y llegar a algún tipo de resolución que fuese satisfactoria. En mi opinión, el final de la película lo resuelve muy bien. Creo que es melancólico y emotivo, incluso triste… intentando responder a la cuestión de qué pasa cuando mueres. Espero que el público aprecie esa parte.

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El estreno de Phantasm V: Ravager ha coincidido temporalmente con la remasterización de la primera entrega de la saga en 4K, para la que has contado con la colaboración de J. J. Abrams. ¿Cómo surgió esta asociación?

Es una buena pregunta. Conocí a J. J. hace once o doce años. Por entonces él era productor de televisión. Me llamó y me dijo que quería hablar de Phantasma (Phantasm, 1979), ya que la había visto cuando era un adolescente y le gustó mucho. Así que ya le conocía, pero fue hace un par de años cuando volvió a contactar conmigo porque quería enseñar Phantasma a gente de Bad Robot, su productora. Sin embargo, las únicas copias que yo tenía era una vieja copia en 35 mm y los DVDs editados de la película. Él se sorprendió de que no tuviéramos copias en alta calidad de la película e inmediatamente se ofreció a arreglarlo. Me puso en contacto con su jefe de postproducción, ya que acababan de comprar un programa nuevo de acabado llamado “Mistika”, que creo que es español. El colorista que lo supervisaba, Juan Cabrera, que también es español, me llamaba de vez en cuando para decirme: “Vente esta noche que tengo cuatro horas libres para trabajar en la peli” y así estuvimos durante un año, trabajando unas horas cada semana.

Fue estupendo poder corregir todos los errores de la película, ya que fue hecha con unos medios muy modestos. Por ejemplo, tuvimos que hacer muchos de los efectos de las bolas con hilos de caña de pescar y ahora pudimos borrar todo eso.

Curiosamente, aunque la mayoría de los títulos emblemáticos del cine de terror norteamericano de la década de los setenta han sido objeto de remakes en los últimos años, no ha ocurrido lo mismo con Phantasma. ¿A qué se ha debido?

Me las arreglé para tener los derechos y pude evitarlo para bien o para mal. Es tentador vender los derechos y hacer mucho dinero, pero los actores entonces eran jóvenes y con vitalidad, y al ser amigo personal de Angus y Reggie me sentaba mal decirles: “Vamos a hacer un remake y vosotros no vais a estar en él”. Habría sido terrible tener que decirles eso a unos amigos. Quizá ahora, que Angus no está con nosotros y hemos terminado la quinta entrega de Phantasma, sea posible.

Sería genial encontrar a algún visionario director que tome la idea y quiera hacer algo con ella, pero el reto sería… Porque realmente creo que Angus Scrimm aportó algo a la saga que sería muy difícil de reemplazar con otra persona. Incluso si hubiese otra película de Phantasma no bastaría con otro hombre alto; se necesitaría algo completamente distinto a lo que enfrentar a los personajes. Así que ese sería el reto.

Ya que lo has mencionado, ¿cómo fue trabajar con Angus y qué recuerdos guardas de él?

Fue una experiencia maravillosa. Era un gran amigo y hemos trabajado juntos a lo largo de más de treinta años. De hecho, al comienzo hicimos mucha promoción juntos, ya que, con la intención de publicitarla bien, el distribuidor de Phantasma en los Estados Unidos nos envió por todas las ciudades del país a mí y a Angus, con su traje y maquillaje puesto. Lo pasamos genial juntos porque nos llevaban a programas matinales donde normalmente hablaban de cocina y de estilos de vida, y allí estaba Angus vestido como su personaje a las seis de la mañana diciendo “Chicooooooo” a la cámara y asustando a la gente. Fue muy divertido.

Era un hombre estupendo, parte de la familia. Ha sido una triste pérdida, pero tenía 89 años. Vivió una vida muy rica y, además, tuvo otra carrera totalmente diferente como escritor en el mundo de la música. De hecho ganó un Grammy por las mejores notas[1] para un álbum clásico. Era un hombre muy inteligente y humilde. A los fans les encantaba conocerle. Él era muy bueno con ellos y tenía una gran memoria. Podía encontrarse con un fan en una convención y cinco años después aún se acordaba de su nombre, o de que tenían un hermano o hermana. Los fans le adoraban. Ha sido una gran pérdida.

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Dejando la saga Phantasma a un lado, hace poco comentaste la posibilidad de que John muere al final (John Dies at the End, 2012) tuviera una secuela. ¿Existe una base real para este proyecto, o se trata solo de un deseo?

Tengo interés en hacerla, pero en estos casos la cuestión es siempre encontrar la financiación. Cuando trabajabas con elementos extraños y estimulantes es muy difícil. Puedo contar anécdotas de cuando iba con el guion de Bubba Ho-Tep a los estudios y me decían: “¿De verdad que quieres hacer esta película? ¿Quién quiere ver a un viejo Elvis en un asilo? ¿Quién quiere ver a una momia?”

Pero sí, es algo que considero. Le pregunté al guionista y autor del libro que adapta John muere al final, David Wong, qué le parecería hacer una serie de televisión con estos personajes. Inmediatamente, dos días después, me mandó una hoja entera con la descripción de cómo sería esa serie. Y era tan divertido que me reí muchísimo. Ya sabéis que en las series hay una trama central y una secundaria. La principal sería el “Monstruo de la semana”, algún tipo de monstruo extraño contra el que los protagonistas lucharían. Y la trama secundaria serán las penurias que pasan para conseguir pagar el alquiler. Así habría este contraste tan divertido.

Hablando de posibles secuelas, uno de tus futuribles proyectos que más expectación han tenido entre los aficionados es la precuela de Bubba Ho-Tep. ¿Llegaremos a ver algún día Bubba Nosferatu?

¡Pregúntaselo a Bruce Campbell! Si él la hace, yo también. Puede haber bastantes buenas historias sobre Elvis combatiendo monstruos. Creo que podría ser divertido.

Echando un vistazo a tu filmografía, cada vez es mayor el lapso de tiempo que transcurre entre cada nueva película. ¿Es el peaje que tienes que pagar por tener el control sobre sus proyectos?

Muy buena pregunta, gracias. Sin duda ese es uno de los principales motivos, ya que, obviamente, a mí me gustaría trabajar más. Aunque, bueno, teniendo en cuenta que una de las desventajas que conlleva hacer películas es la gran presión que debes soportar en un periodo de tiempo muy pequeño, quizá el hecho de que no haya hecho muchas haga que viva más porque me he mantenido más fresco (risas).

Pero hablando un poco más en serio, tuve una mala experiencia con El señor de las bestias (The Beastmaster, 1982), ya que hubo muchas interferencias creativas. Así que tomé la determinación de que aquello no me iba a volver a ocurrir y desde entonces soy muy cuidadoso a la hora de buscar el momento idóneo para hacer películas.

José Luis Salvador Estébenez

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[1] Con notas se refiere a “liner notes”, algo así como la descripción de las canciones y letras que venían en las fundas del LP. No hay traducción exacta al castellano, pero podría ser “las notas” o “los créditos” del álbum.

Traducción: Tarik Amarouch García

Fotografías: Juan Mari Ripalda

Entrevista a Kôji Shiraishi, director de “Sadako Vs Kayako”

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Coincidiendo con el cambio de milenio, el cine de fantasmas japonés vivió una auténtica eclosión. Durante aquellos años, las carteleras cinematográficas se llenaron de espectros de pálido aspecto y largos cabellos que poblaron las pesadillas de espectadores de todo el mundo. El éxito de estas películas propiciaría la aparición de numerosas secuelas e imitaciones, así como de varios remakes a cargo de la todopoderosa industria hollywoodiense de sus títulos más emblemáticos, proyectando incluso su influencia en otras cinematografías. Pero aunque la fiebre por el denominado J-Horror ya mitigó en Occidente hace tiempo, en su Japón natal la producción de este tipo de films ha seguido manteniéndose hasta nuestros días.

Uno de sus últimos y más significativos exponentes es Sadako vs Kayako (2016), un intento por seguir exprimiendo lo que aún pueda dar de sí el cada vez más moribundo filón mediante la unión de las que quizás sean dos de las sagas más importantes y prolíficas de la corriente: The Ring y La maldición. Nacido a raíz de un video viral lanzado como una broma, el encargado de dar forma a este proyecto ha sido Kôji Shiraishi, cineasta afín al género entre cuya filmografía destaca Grotesque / Gurotesuku (2009), film que en su momento levantaría cierta polémica debido a la explicitud y sadismo de sus imágenes, siendo prohibido en varios países europeos, entre ellos el Reino Unido. Hace unas semanas, Shiraishi visitaría España con motivo del pase de Sadako vs Kayako dentro de la Sección Oficial a Concurso de la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián.

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Cuentas en tu haber con varias películas sobre espíritus, pudiéndosete considerar un especialista en la temática. ¿Obedece esta dedicación a un interés personal?

En general se trata de encargos que yo he aceptado. Hace unos años la mayoría de los productores japoneses, que son personas no demasiado inteligentes, vieron que La maldición (Ju-On, 2000) funcionó en taquilla y comenzaron a hacer películas iguales con poco presupuesto que dieran dinero. Pero debo decir que hay algunos aspectos del J-Horror que no terminan de convencerme. Por eso en mis películas trato de apartarme un poco de esa línea y tiendo a mostrar la lucha de personas que van ellas mismas a buscar al fantasma para vencerlo y exorcizarlo de alguna forma. Este es uno de los motivos por el que me interesaba mucho hacer una película como Kayako Vs Sadako, que enfrenta a dos criaturas sobrenaturales.

¿Cómo llegas al proyecto?

La productora Kadakawa y la Universal japonesa son las propietarias de los derechos de la serie de The Ring, por una parte, y de La maldición por otra, y decidieron hacer esta unión de ambas sagas. Una vez que se decidió el proyecto fue cuando me lo encargaron a mí. Al principio solo me comentaron que tenían un proyecto que podría interesarme. Me citaron para una reunión y cuando me entregaron el dossier y vi que en la portada aparecía el título de Kayako Vs Sadako pegué un bote de alegría. No podía imaginarme que iba a dirigir una película que iba a enfrentar a los dos principales iconos del cine de fantasmas japonés de los últimos años. Estaba que no cabía en mí de felicidad, entre otras cosas por el hecho de que pensaran que yo era la persona adecuada para sacar adelante un proyecto de estas características, que reúne a dos personajes que no son sólo famosos en Japón, sino en todo el mundo. Así que el proyecto me entusiasmó desde el primer momento.

¿Sabes qué hizo que los productores se decantaran por ti para confiarte el proyecto? 

Quizás fuera por una serie que hice de videos malditos, que se llamaba Honto Ni Atta Noroi No Video (2003), donde pedíamos a un montón de gente que nos enviara sus videos e imágenes. Tal vez por la cercanía conceptual que este proyecto guarda con la idea de Sadako en The Ring (Ringu, 1998) fue por lo que me ofrecieron dirigir la película.

¿Es Sadako Vs Kayako tu film más ambicioso hasta el momento en términos industriales?

No. Creo que mi película más ambiciosa y con la que he contado con un mayor presupuesto ha sido Noroi (2005). Pero, indudablemente, Sadako Vs Kayako es la más mediática de todas.

Koji Shiraishi flanqueado por Daniel Aguilar y Josemi Beltrán durante la rueda de prensa de "Sadako Vs Kayako" en la Semana de Cine Fantástico y de Terror de Donosti.

Koji Shiraishi flanqueado por Daniel Aguilar y Josemi Beltrán durante la rueda de prensa de “Sadako Vs Kayako” en la Semana de Cine Fantástico y de Terror de Donosti.

Aparte de dirigir la película, también te has encargado del guion. ¿Fue muy difícil combinar ambas mitologías de forma homogénea y sin que los fans de las dos franquicias se sintieran decepcionados?

A mí me gustan ambas series, por lo que he intentado equilibrarlas de manera que gustara a los fans de cada una de ellas. Para ello he procurado incluir todos los rasgos principales de ambos espectros, sobre todo en la primera mitad de la película. La segunda parte, en cambio, en la que ocurre el enfrentamiento entre los dos fantasmas, la he hecho más libremente. En cualquier caso es inevitable que, al final, a los seguidores de una u otra serie haya algunas cosas que no les gusten.

En este sentido, por su propia naturaleza es una película que está especialmente dirigida hacia los seguidores de las dos sagas. ¿Era ese el enfoque principal que manejaste?

Mi primer objetivo, aunque pueda parecer un poco sorprendente, era hacer una película que gustara a los niños. Este ha sido el primero de mis planteamientos. El segundo es, por supuesto, contentar a los fans de ambas sagas y, por extensión, del género. Aún así, he pretendido no quedarme solamente en eso, sino hacer una película que pudiera llegar a un espectro de público más amplio.

Personalmente, ¿qué aspecto te interesaba de cada una de las franquicias?

De la serie The Ring me interesaba sobre todo lo que mostraba la primera película. Creo que tiene cinco ideas muy buenas: el que la maldición tenga un límite temporal; el hecho de utilizar una cinta de video como transmisor de la maldición; el aspecto del fantasma, todo vestido de blanco y con el pelo tan largo que nunca se le ve la cara; los planos en los que solo se muestra un ojo; y toda la utilización que se hace de la pantalla de televisión. Estos cinco aspectos de la serie The Ring eran lo que más me interesaba a la hora de hacer Sadako Vs Kayako. Y aunque a día de hoy las cintas de video estén pasadas de moda, yo tengo un gran cariño por las cintas de VHS, por lo que pensaba que de alguna manera había que incluir la presencia de la cinta de video en la película.

En cuanto a la serie de La maldición, por más que no sea principalmente la primera entrega la que más me interesaba, me parece muy atractiva la idea de que en la misma casa se encuentren los fantasmas de la mujer y el niño. Y me gusta sobre todo la representación visual de Kayako bajando las escaleras. Es por eso que en la primera parte de mi película he intentado recrear un poco este aspecto.

Un simpático momento de la peculiar presentación que Kôji Shiraishi hizo sobre las tablas del Teatro Principal donostiarra antes de la proyección de "Sadako Vs Kayako".

Un simpático momento de la peculiar presentación que Kôji Shiraishi hizo sobre las tablas del Teatro Principal donostiarra antes de la proyección de “Sadako Vs Kayako”.

Has comentado que muchos productores japoneses se dedican a hacer películas clónicas repitiendo los mismos esquemas. Al basarte en dos franquicias tan asentadas, ¿cuánta libertad has tenido a la hora de dar forma a la película?

Desde el momento en que comencé a escribir el guion he tenido bastante libertad para hacerla. Lo único que no me dejaron hacer los productores fue el final que yo quería, que era mucho más apocalíptico que el que finalmente se ha incluido. En él, se hacía una especie de mezcla de los dos espectros con el pozo de la que surgía una criatura gigantesca, todo ello envuelto en niebla, un poco como en la película La niebla (The Mist, 2007). Sin embargo, me dijeron que eso era llevar las cosas demasiado lejos.

Dentro de tu aportación al material en que te basas, uno de los aspectos que me ha llamado la atención es la carga cómica que poseen algunos personajes y pasajes que hace que, por momentos, dé la sensación de encontrarnos ante una parodia…

El tono de la película es más o menos el mismo que he empleado en el resto de mi filmografía. Soy una persona que a la hora de hacer cine de terror busco que el espectador que quiera pasar realmente miedo lo consiga, y pueda ver el film de una forma seria. Los personajes en ningún momento pretenden ser cómicos; lo que pasa es que, por otra parte, aquel que quiera hacer, digamos, una mirada diagonal a la película encuentra siempre ciertos puntos de humor. El efecto combinado de todo esto es que cuando termina la película mucha gente dice que ha pasado verdaderamente miedo y, en cambio, otros espectadores dicen que se han reído mucho. Pero yo no busco que ninguna vertiente predomine sobre la otra, sino que, como decía, las personas que quieran pasar miedo lo hagan, y aquellas otras que quieran divertirse también se puedan divertir.

Sin lugar a dudas, uno de los puntos culminantes y esperados es el anunciado enfrentamiento entre Sadako y Kayako, pero sobre el que, sorprendentemente, pasas muy por encima, dedicándole apenas tiempo. ¿Por qué optaste por este enfoque?

El principal motivo es que si haces demasiadas secuencias de enfrentamiento entre los espectros significa que tienes que gastar mucho dinero. Pero dado que el planteamiento de partida era el que era, la escena del enfrentamiento debía de existir en la película en algún momento.

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Durante la fase de producción hubo rumores de que la intérprete original de Kayako, Takako Fuji, iba a retomar el papel, llegando al punto de que la actriz tuvo que desmentir su vinculación con el film. ¿Hubo realmente contactos para que formara parte del reparto?

En ningún momento nos llegamos a plantear la participación de Takako Fuji. Fueron solo rumores de Internet.

En un primer momento también se anunció que iban a celebrarse proyecciones en 4D de la película. ¿Han llegado a llevarse a cabo?

Sí. En Japón ha habido algunas salas en las que se ha proyectado en 4DX.

Si no me equivoco, Sadako Vs Kayako ha sido estrenada en Japón el pasado mes de junio. ¿Qué tal ha sido recibida?

Por la información que tengo, ha funcionado bien en taquilla.

En vista de ello, ¿sabes si existen ya planes para la esperable secuela?

La verdad es que personalmente preferiría que mi película pusiera ya un punto final a ambos personajes. No sé si lo conseguirá, pero me gustaría que lo hiciera para que el cine de terror japonés comenzara a transitar por otros caminos. Aunque esto es solo un deseo y lo más probable es que los productores vuelvan a encargarle a alguien una nueva película. En el caso de que me lo pidieran a mí, intentaría al menos que resultara innovadora.

En cualquier caso, conociendo la fertilidad de tu carrera, en la que abundan las temporadas en que facturas más de una película por año, imagino que no será por proyectos…

En efecto. Hace apenas unos días que acabé de rodar un nuevo film que entrará ahora en la fase de montaje. Y a corto y medio plazo tengo previsto filmar otra película para el próximo mayo y antes de finales de 2017 otra más.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías: Juan Mari Ripalda

Entrevista a Shinji Higuchi, co-director de “Shin Godzilla”

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Shin Godzilla ha supuesto el relanzamiento por parte de la japonesa Toho de su más emblemática criatura. Doce años más tarde de Godzilla Wars, el icónico rey del kaiju eiga ha vuelto a rugir en un film sorprendentemente político en el que afloran, y de qué forma, las heridas abiertas en la sociedad nipona a raíz del accidente nuclear de Fukushima que tuvo al mundo en vilo durante marzo de 2011. Como no podía ser de otro modo en un año en el que la cinematografía fantástica japonesa ha gozado de un especial protagonismo, Shin Godzilla fue la elegida para inaugurar la vigésimo séptima edición de la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián. Una ocasión para la que estuvo acompañada de uno de sus principales responsables: Shinji Higuchi, codirector y encargado de los efectos especiales, que hacía así la que, al menos de momento, ha sido su única visita a Europa para promocionar la película.

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Para alguien que se declara un ferviente admirador de Godzilla, supongo que el dirigir esta nueva versión de las andanzas del personaje será un sueño hecho realidad…

En efecto. Estoy muy contento de poderla haber dirigido, ya que, como dices, soy fan de Godzilla desde pequeño; es mi monstruo favorito. Hace más de veinte años tuve la ocasión de participar en varias películas de la saga de Gamera, y ya pensaba que no tendría la posibilidad de hacer Gozdilla, por lo que considero que esta oportunidad me ha llegado en el mejor momento.

Shin Godzilla es la primera película de la franquicia original en doce años, lo que ha hecho que su producción haya estado rodeada de una fuerte expectación. ¿Sentiste una especial presión por ello?

No voy a decir que no sintiera esa presión, pero por encima de esta circunstancia ha predominado mi alegría e ilusión por poder hacer la película.

Shinji Higuchi entre Josemi Beltran, director de la Semana (izda.), y Daniel Aguilar (dcha.), durante la rueda de prensa de "Shin Godzilla" en Donosti.

Shinji Higuchi entre Josemi Beltran, director de la Semana (izda.), y Daniel Aguilar (dcha.), durante la rueda de prensa de “Shin Godzilla” en Donosti.

Shin Godzilla está planteada como un reinicio de la saga. ¿Por qué se optó por este enfoque?

Ha sido una coincidencia de intereses. Toho quería hacer un nuevo relanzamiento de la saga y nosotros también. Tienes que tener en cuenta que a lo largo de toda la serie de Godzilla el volver a empezar desde cero es algo que ha sucedido varias veces. Nosotros hemos tenido mucha suerte de que se nos concediera esta oportunidad, porque, si por ejemplo, nos hubieran ofrecido hacer una continuación de la anterior película de la franquicia probablemente no habríamos aceptado.

¿Qué queda en ella de las anteriores versiones y en qué aspectos habéis tratado de innovar o apartaros de lo ya visto?

Pienso que la principal novedad es la de presentar un mundo que todavía no conoce a Godzilla y, por lo tanto, no sabe cuál es la amenaza a la que tiene que hacer frente. Normalmente, hasta ahora todas las películas sobre Godzilla partían de la base de que los personajes ya conocían al monstruo.

Un rasgo que sí habéis recuperado es el carácter alegórico con el que nació la criatura en la seminal Japón bajo el terror del monstruo

Efectivamente. Nuestra idea era recuperar el espíritu de la primera entrega de Godzilla. Ese carácter simbólico que en aquella ocasión aludía a las bombas atómicas que habían estallado diez años antes en Hiroshima y Nagasaki, y que en nuestro caso tiene presente el reciente desastre de Fukushima. Tanto es así que, de alguna manera, podría decirse que si los acontecimientos de Fukushima no se hubieran producido no existiría este nuevo Godzilla.

En este sentido, la película es muy crítica con el exceso de burocracia y falta de reacción de los estamentos gubernamentales a la hora de plantar cara a la amenaza que representa Godzilla. ¿De algún modo es un reflejo del sentir del pueblo japonés ante la forma en la que su gobierno gestionó el desastre de Fukushima?

La película tiene muchas capas de lectura. Esta que me comentas de una crítica a la actitud que tuvo el gobierno japonés durante el desastre de Fukushima es una de ellas, pero me gustaría que la gente no se quedara únicamente con este aspecto, porque el film no es sólo eso.

En cualquier caso, ¿cómo ha sido tomado este enfoque tan político por parte de un público que quizás esperaba una película de corte más escapista?

Inicialmente no estábamos muy seguros de cómo iba a reaccionar el público, pero la verdad es que ha tenido muy buena acogida, cosa que nos ha sorprendido a nosotros mismos.

Shinji Higuchi fue atacado por Godzilla sobre las tablas del Teatro Principal donostiarra durante la presentación de la película.

Shinji Higuchi fue atacado por Godzilla sobre las tablas del Teatro Principal donostiarra durante la presentación de la película.

En su discurso, Shin Godzilla apela a la identidad nacional japonesa. Un aspecto en el que intuyo que incide la elección de los temas que suenan en según qué momentos del metraje…

Los temas que más se aproximan a marchas militares son aquellos que habían sido compuestos para la serie tradicional de Godzilla por Alira Ifukube. Desde el guion ya estaba previsto cuáles de estos temas se iban a usar y en qué momentos específicos. En cuanto al resto, responden a las preferencias de mi compañero, Hideaki Anno.

¿Consideras que esta visión localista puede afectar a su completa comprensión por parte del público no japonés?

Lo cierto es que incluso parte del público japonés tampoco ha terminado de entenderla completamente…

Ya que hablamos del tema, no cabe duda de que Godzilla es uno de los iconos más populares a nivel mundial de la cultura popular japonesa. ¿Cómo se toma en tu país que en los Estados Unidos se hagan películas sobre el personaje?

No sé si la mayoría de mis compatriotas estarán de acuerdo conmigo, pero a mí me parece bien que otros países hagan sus propias versiones de Godzilla. Lo que me resulta muy llamativo es que los japoneses, a pesar de que dieron un poco de lado al monstruo, como demuestra el fracaso comercial con el que se saldaron las últimas películas sobre el personaje, se pongan luego a criticar a los estadounidenses porque hacen películas sobre Godzilla. No me parece bien. Lo que hay que hacer es preocuparnos por intentar que las películas japonesas de Godzilla sean mejores, más entretenidas y llamen más al público, en lugar de quejarnos.

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Como ya has mencionado de pasada, compartes los créditos de director junto a Hideaki Anno. ¿Por qué se optó por esta fórmula de realización compartida?

La idea original era que Hideaki Anno se encargara solo del guion. Sin embargo, a medida que se fue involucrando en el proyecto y encantándose con él, decidió que también quería participar como director. Según iban pasando los días su papel fue siendo mayor y finalmente decidimos codirigir la película entre los dos.

Hideaki es muy popular en Japón por la serie de animación Evangelion, y sus fans estaban muy enfadados por que estuviera perdiendo el tiempo, como quien dice, haciendo una película de Godzilla. Decían que se tenía que dejar de Godzilla y centrarse en hacer más películas de Evangelion. Y él cuando oía esto tenía cada vez más ganas de hacer Godzilla.

¿Os habéis repartido las funciones de alguna forma especial?

En realidad, inmediatamente después de terminar el guion hicimos el story-board, y en él ya quedó definida más o menos la manera en que íbamos a dirigir la película. Así que una vez hecho eso era indiferente quién iba a ser luego el que estuviera en el set dando las instrucciones. Lo único que podía cambiarse en el día a día era si subir o bajar la cámara un milímetro, o moverla un poco hacia la derecha o la izquierda; cosas de este tipo. Pero, como digo, la manera en que debían ser los planos ya estaba decidida desde el story-board.

Aparte de codirigir la película, también te has encargado de los efectos especiales. ¿Cómo ha sido el conjugar ambas funciones?

Esta era una película muy complicada de hacer, pese a lo cual solo hemos tenido ocho meses para llevarla a cabo. Entonces, aunque yo también sea el director de efectos especiales, era imposible que me pudiera ocupar de este apartado sin contar con la colaboración y ayuda de alguien más. Y así ha sido. Al no haber tiempo tuvimos otras unidades haciendo parte del trabajo, por lo que, en realidad, Shin Godzilla ha tenido como cinco directores de efectos.

Shin Godzilla ha sido la primera entrega de la saga original donde no se ha utilizado la tradicional técnica tokusatsu de utilizar a un actor disfrazado para dar vida al monstruo. ¿Qué te llevó a tomar esta decisión?

Hay muchos motivos, pero el principal ha sido que los efectos tradicionales del tipo tokusatsu requieren de muchísimo tiempo, por lo que, de haber elegido esta técnica, posiblemente no podríamos haber hecho la película.

Dado el buen recibimiento que ha cosechado la película, ¿existen ya planes de cara a realizar una nueva entrega que continúe sus pasos?

En estos momentos todo depende de lo que decida la Toho, que para algo es la productora.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías: Juan Mari Ripalda

Entrevista a Brian Yuzna

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No deja de ser curioso que en la misma edición en la que el Festival de Sitges entregaba a Barbara Crampton su honorífica “Màquina del Temps” como reconocimiento a su trayectoria, Brian Yuzna formara parte del jurado de la Sección Oficial. Fuese de forma intencionada o no, el certamen catalán reunía así treinta y un años más tarde a dos de los principales artífices de uno de los títulos clave del cine de terror de los años ochenta, Re-Animator, película cuyo impacto popular determinaría en gran medida la posterior evolución de la trayectoria profesional de ambos. Una circunstancia que se hace especialmente patente en el caso del cineasta de origen filipino, que debutaba con dicho título en el mundo del cine en calidad de productor. No solo por haber dirigido las dos secuelas directas del film, La novia de Re-Animator y Beyond Re-Animator, sino por las numerosas oportunidades en las que ha utilizado una fórmula similar, recurriendo a la literatura de H. P. Lovecraft para dar forma a alguno de sus proyectos. Buena prueba de ello está en la filmografía de la Fantastic Factory, su aventura española con la que recuperaría el género fantástico para nuestra industria y en la que adaptaría la obra del escritor de Providence en tres de las nueve películas oficiales del sello: Dagon, la secta del mar, la referida Beyond Re-Animator y Bajo aguas tranquilas, cinta dirigida por él mismo y con la que se pondría punto y final a la andadura de la Fantastic.

Lo anteriormente comentado apenas es un esbozo de la carrera de quien, por derecho propio, se antoja uno de los nombres fundamentales para entender el cine fantástico realizado durante las últimas cuatro décadas. Un Yuzna que, a sus sesenta y siete años recién cumplidos, aún continúa peleando contra viento y marea por levantar nuevas películas en un panorama tan cambiante e impredecible como el de la industria cinematográfica del siglo XXI.

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Naciste en Filipinas y durante tu infancia viviste en diferentes países de Latinoamérica. ¿Ha influido de algún modo toda esta vivencia para que, una vez convertido en cineasta, hayas sido un auténtico trotamundos?

Sí, creo que tiene que ver con que siempre me haya sentido cómodo trabajando en otros países. Como dices, cuando era niño siempre viví en otros países que no eran el mío hasta los quince años. De ahí que a veces lleve mejor trabajar fuera de mi país que dentro, donde a veces me siento más extranjero que cuando me encuentro en otro país que no es el mío. Por eso me gusta Los Ángeles, porque es una ciudad más cosmopolita. Pero, en general, me siento igual de cómodo trabajando en Indonesia o en España que en los Estados Unidos.

Antes de ingresar profesionalmente dentro de la industria cinematográfica desempeñaste varios trabajos. ¿Cuándo decidiste dedicarte seriamente al mundo del cine?

Siempre me había interesado el arte. Yo pintaba, hacía fotos, y hasta tenía una habitación de revelado. Aparte, cuando era niño había tenido una cámara de 8 mm con la que jugaba con mis amigos rodando cositas. Pero cuando yo era niño nadie pensaba en ser director de cine. Todo el mundo quería ser novelista, porque dirigir cine no era posible.

No fue hasta que me hice con una cámara de 16 mm que me comencé a obsesionar. Eran los años setenta y en aquellos momentos los canales de televisión empezaron a rodar los noticiarios con cámaras de video en lugar de 16 mm, como habían hecho hasta entonces. Para deshacerse de aquellas viejas cámaras casi las regalaban, y con un dinero que tenía ahorrado pude hacerme con una Bolex que no funcionaba a pilas, sino que iba con manivela. Comencé a jugar con ella, me gustó mucho, y con otro dinero que tenía ahorrado decidí hacer una película.

¿Cuál fue tu formación?

Yo nunca me preparé para hacer una carrera en el cine; era totalmente autodidacta. Solo te diré que cuando era niño pensaba que los actores se inventaban el diálogo. Sin embargo, todo cambió al tener mi primer Betamax. Comencé a grabar películas y una de las que tenía era Atraco perfecto, de Kubrick. Aquello era algo muy importante, ya que por primera vez el público tenía la oportunidad de poder controlar la reproducción como quisiera; era increíble: podías ver escenas concretas, a cámara lenta, rápida, detenerte en los detalles… Así que me dediqué a estudiar aquellas películas que tenía grabadas y empecé a entender las secuencias, los planos, cómo se montaba una peli… Con esos conocimientos hice el corto que te comentaba antes. Me gustó tanto la experiencia que pensaba que había hecho una obra maestra. Pero cuando se lo enseñé a mis amigos vi que no era bueno. Puse unos anuncios en el periódico pidiendo ayuda de alguien que supiera hacer cine y encontré a un muchacho que en la Universidad había estudiado imagen, y que me echó una mano.

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¿mo surgió el proyecto de la que sería tu primera película profesionalmente hablando, Re-Animator, en la que ejerciste de productor?

Yo entré en el cine con treinta y cuatro años. Para entonces tenía dos hijos y había hecho muchos negocios y muchos trabajos. Pero como quería hacer cine, que me parecía mucho más divertido, me mudé a Los Ángeles para poder dedicarme a ello profesionalmente. Busqué un director que pudiera encargarse de rodar una película y un amigo mío me recomendó que fuera a Chicago a conocer a un director de teatro que era un fan del terror. Se trataba de Stuart Gordon.

Desde esta primera película te decantaste por el terror al que has sido fiel prácticamente en toda tu carrera. ¿Eras fan del género o en su elección tuvo que ver el que fuera un estilo relativamente comercial?

No, no: yo era fan del género. Pienso que a cualquier chico que tiene doce, trece o catorce años le atrae el terror. A los que llegan a tener veinte, veinticinco, treinta años y siguen siendo fans del terror es porque normalmente cuando eran muy jóvenes una peli les infectó el virus por el género. En mi caso mi afición nació cuando, siendo muy pequeño, con cinco o seis años, vi Creature with the Atom Brain, que no es una buena peli, pero que me marcó mucho. Después, con Simbad y la princesa, con los esqueletos y los monstruos, tuve pesadillas. Y a estas le siguieron House on Haunted Hill, con Vincent Price, los Dráculas de Christopher Lee y Psicosis, hasta que poco a poco me convertí en un loco de estas películas. Y cuando hice Re-Animator el modelo que tenía eran las películas de Corman sobre Poe, en especial El péndulo de la muerte.

Si Corman había adaptado a Poe, tú elegiste a Lovecraft…

No exactamente. El basarnos en Lovecraft fue cosa de Gordon. Yo había leído a Lovecraft con dieciséis, dieciocho años, pero no me gustó mucho. Por aquel entonces leí muchos de los autores y títulos clásicos del estilo. Por ejemplo, tampoco me gustó nada Frankenstein, que me pareció muy pesado y poco divertido; nada que ver con la peli. Todo lo contrario que el Drácula de Bram Stoker, que sí que me gustó. Y en el caso de Lovecraft era un autor muy difícil de leer, aparte de que el protagonista siempre caía en estado de shock y cuando veía el monstruo cortaba la historia.

Sin embargo, cuando Gordon tuvo un primer guion para Re-Animator me volví a leer los relatos de Lovecraft. Y entonces sí que lo entendía y no me parecía tan pesado. Y lo mismo me pasó con Frankenstein, hasta el punto de que en La novia de Re-Animator, además de relatos de Lovecraft que no utilizamos en la primera parte, el leitmotiv está sacado de la novela de Shelley, con el dios que rechaza a su creación, es decir, al monstruo. De ahí esa secuencia en la que West grita “¿Qué dios?”, que es puro Frankenstein.

Tras unas cuantas películas más como productor junto a Stuart Gordon, en 1989 debutas como director con Society. ¿Fue un paso natural en tu evolución profesional?

Pienso que cualquiera que trabaja en el cine llega a un punto en el que quiere dirigir. En el set es el director el que decide todo al noventa y nueve por ciento, y llega un momento en el que tú quieres tener esa posición. Creo que es algo normal. Quizás habrá gente que no quiere dar ese paso, pero a mí era algo que siempre me había atraído.

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Sin abandonar la dirección, a mediados de los noventa produjiste Crying Freeman: los paraísos perdidos, una película bastante más ambiciosa en términos industriales a las que venías haciendo, pero que, sin embargo, no consiguió el éxito esperado. ¿Influyó de algún modo este fracaso en que desde entonces tu carrera discurriera entre films de bajo y medio presupuesto?

No. Hombre, es mejor hacer películas grandes, eso no hay ni que preguntarlo. Pero al final haces lo que puedes. Por supuesto, siempre es más complicado cuanto mayor es el presupuesto y estás trabajando con grandes compañías. Sin embargo, si haces una película más pequeña, tienes mucho más protagonismo y libertad. Pero yo nunca elegí hacer películas de bajo presupuesto. Bueno, siempre quería manejar la producción y eso de algún modo decantó que hiciera películas más pequeñas, pero no fue algo que decidiera; era porque mi tendencia era ser el que mandaba, el que coordinaba y el que supervisaba. En cambio, tener este poder en películas más grandes, como digo, es bastante complicado.

Crying Freeman: los paraísos perdidos estaba dirigida por el francés Christophe Gans en lo que suponía su primer trabajo en solitario en el formato largo, no siendo el único caso a lo largo de tu carrera de director novel al que has dado la oportunidad de debutar. ¿Te consideras un descubridor de talentos?

He trabajado con muchos directores noveles, cierto, pero es porque encontré oportunidades. No era porque buscara este tipo de proyecto, sino que ocurrió. La realidad es que lo llevo bien trabajando con directores nuevos, trato de entender su visión y procuro apoyarles hasta donde puedo.

Con el cambio de milenio llega una de las etapas más recordadas de tu trayectoria, al menos en España. Me refiero a la Fantastic Factory. ¿Cómo nació el sello?

El proyecto empezó aquí en Sitges en el año 1998. Filmax era la distribuidora de El dentista 2 y su dueño, Julio Fernández, me preguntó si podría hacer una película como esa en Barcelona, aprovechando que ellos querían entrar en producción. Le contesté que sí, claro. “¿Por qué no? Yo he hecho películas en Italia, en México, en Canadá (…), así que no sé por qué no voy a poder hacerlas en España.” No obstante, le comenté que mi idea era hacer un sello que contara con una línea de películas. A él le interesó mi propuesta y tres meses más tarde lanzábamos la Fantastic Factory.

En los años siguientes aparecerían nueve películas bajo el sello, hasta que en 2005 la aventura de la Fantastic Factory terminó de forma súbita. ¿Qué ocurrió?

Al principio, cuando todos pensaban que era una tontería, era mucho más fácil, pero cuando empezamos a tener éxito llegó un momento en el que la política entró. Pero bueno, eso es normal…

¿A qué te refieres?

Había el problema que cuando empezó la Fantastic Factory en España los que estaban sirviéndose de las subvenciones vieron peligrar su parte del pastel, por lo que se posicionaron en contra, acusando a Filmax de dar soporte a un proyecto que en realidad era americano, cuando no era nada de eso; Julio era el que pagó, supervisó y desarrolló el proyecto, cuyo objetivo final era hacer películas españolas de género fantástico que funcionaran en todo el mundo. Y creo que se logró.

Aparte de sus resultados, visto con perspectiva parece innegable el papel fundamental que la Fantastic Factory jugó en la reactivación de una industria dedicada al cine fantástico en España, creando infraestructuras y formando profesionales que después han propiciado que el cine fantástico español viviera una edad dorada con sonados éxitos internacionales. ¿Piensas que se le ha reconocido su importancia?

Como tú, también pienso que la Fantastic Factory influyó mucho en el cine fantástico español que surgió después. Sin la Fantastic Factory no hubiera existido, por ejemplo, [REC], que aunque no fuera justamente una producción nuestra, sí que era el tipo de producto al que aspirábamos: hacer una película sin tener que traer actores de fuera, ni tampoco importar la historia, sino que fuera cien por cien autóctono. Y, sin embargo, [REC] es una película totalmente internacional; no es una película española. Hablan en castellano, cierto, pero el público no la ve como una película española. Muchas veces vemos las películas de género atendiendo a su nacionalidad: alemana, italiana, española… Pero [REC] en cambio podría ser una película de Hollywood.

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Terminada tu etapa en España, te trasladas a Indonesia, donde creas una nueva productora. ¿La idea era repetir el modelo de la Fantastic Factory en el país asiático?

Más o menos. Hicimos dos películas, pero antes de que pudiéramos coger un ritmo de producción, en 2009-2010 vino la crisis y toda la financiación del proyecto, que era de Singapur, se cayó. La primera se tituló Takut: Faces of Fear, era en idioma indonesio y estaba formado por seis relatos dirigidos por siete realizadores locales y escritos por seis guionistas de allí. Yo desarrollé este proyecto con la idea de comprobar cuál era el talento que había en Indonesia. Como curiosidad te diré que unos de los directores que se encargaron de uno de los relatos que componían el film, los Mo Brothers, han participado este año en el Festival de Sitges con su película Headshot. En cuanto a la segunda película, se llamó Amphibious y trataba sobre una criatura marina. Sin embargo, en este film ya tuvimos que completar su producción en Europa.

Desde entonces no has vuelto a dirigir. ¿En qué has estado trabajando en todo este tiempo?

Regresé a Los Ángeles, donde he estado desarrollando proyectos y vendiendo películas, ya que soy socio en una empresa de ventas.

¿Y no tienes ningún proyecto actualmente con visos de convertirse en realidad a corto plazo?

Tengo varios proyectos desarrollados para los que estoy buscando financiación. Uno se llama El cirujano plástico, con Corbin Bernsen, que realmente es una variación de El dentista. El otro es The Pope, en la que un hombre se viste como el Papa y se dedica a matar a los curas pedófilos. La futura película estaría coproducida por Magic London, una empresa de Barcelona de la que formé parte durante mi estancia en España una vez que me había desligado de Filmax.

Puede decirse que estoy metido en muchas cosas, pero la financiación del cine independiente ha cambiado mucho; es muy difícil conseguir dinero, lo que está provocando que los presupuestos sean muy bajos. La piratería ha matado a todos los independientes. Por otra parte, actualmente hay tantos medios para visionar películas que ha cambiado mucho la forma de consumir el cine. El DVD está muerto por la piratería y el VOD todavía no paga, mientras que hay tantas películas, ya que ahora cualquiera puede rodar una, que es otro mundo totalmente distinto al que existía hace unos años, y si quieres ganarte la vida dentro del cine, como he hecho yo, resulta muy complicado.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías: Juan Mari Ripalda

Published in: on noviembre 25, 2016 at 6:54 am  Comments (2)  
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Entrevista a Jackson Stewart, director de “Beyond the Gates”

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El inesperado éxito alcanzado por la televisiva serie Strangers Things no ha hecho más que elevar a un nivel mass media el revival por la cultura ochentera que se viene produciendo de un tiempo a esta parte en el mundo audiovisual. Un fenómeno que en cierta medida ha tenido su origen dentro del cine independiente norteamericano y, muy en especial, dentro de su rama fantástica. Sin ir más lejos, en la pasada edición del Festival de Sitges tuvimos dos de los más recientes exponentes de esta tendencia. Por un lado, con The Void, un atmosférico y vigoroso pastiche financiado mediante crowfunding que entremezcla motivos del primer John Carpenter con el Hellraiser de Clive Barker y el nihilismo gore de Lucio Fulci.

En un registro totalmente distinto se desenvuelve Beyond the Gates, un film que, simplificando, podría definirse como la versión adulta de Jumanji. En este caso, es un juego de mesa interactivo de VHS tipo “Atmosfear” el que sumerge a sus protagonistas en una auténtica pesadilla en la que, para salvar sus vidas, tendrán que obedecer las indicaciones de una particular maestra de ceremonias que, siguiendo el tono ochentero imperante, tiene los rasgos de Barbara Crampton, asimismo productora de una cinta que ha supuesto la ópera prima como realizador de Jackson Stewart, quien visitaría el certamen catalán acompañado de la propia Crampton, así como de la protagonista femenina del film, Brea Grant.

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Beyond the Gates es tu debut como realizador en el formato largo. ¿Cuál ha sido tu trayectoria hasta llegar a este punto?

Antes había trabajado en televisión, concretamente en la escritura de un episodio de Sobrenatural, aunque eso probablemente ya lo sabréis. Aparte de haber hecho un puñado de trabajos televisivos también he estado involucrado en la realización de varios cortometrajes. Principalmente, de eso se compone mi trayectoria anterior a la realización de Beyond the Gates.

Pero lo que realmente había querido desde siempre era hacer mi propia película y así poder desarrollar de esta forma una serie de ideas que siempre me han rondado la cabeza, como pudieran ser situar la acción de mi ópera prima en la década de los ochenta, profundizar en temas como el alcoholismo o el que los personajes tuvieran que enfrentarse a su pasado. Además de, por supuesto, tener la oportunidad de jugar con todos esos elementos de aventura sobrenatural que desde siempre me han fascinado y que me moría por poder plasmar algún día en imágenes.

¿De dónde nace la idea de hacer una película sobre un juego interactivo de mesa con VHS?

Stephen Scarlata, el co-guionista, vino con la idea. Él llevaba tiempo pensando en una historia acerca de unos tipos que se encuentran uno de estos juegos en una tienda y que, al usarlo, abrían sin querer un portal hacia otra dimensión. En nuestra película este VHS interactivo es el equivalente perfecto a las mazmorras de las antiguas películas de terror.

Y aunque hayan existido en el pasado otras películas de terror sobre juegos de mesa, honestamente creo que la hemos rodado como nadie lo había hecho hasta ahora. De esta manera, para esta ocasión tanto Stephen como yo quisimos centrarnos más en la relación entre los dos hermanos, así como en sus problemas con el alcohol y en cómo estos afectarían en la vida real a su relación con el resto de personajes.

Básicamente, nuestro principal propósito era hacer una versión con personajes adultos de films como Phantasma o La puerta: pensar en lo que les hubiera ocurrido a estos niños siendo adultos; ése era el concepto original del que nació el proyecto.

¿Cómo os repartisteis la escritura del guion entre Stephen y tú?

Bueno, en un principio trabajamos juntos on-line durante varias horas al día hasta que conseguimos completar la primera versión del guion: yo escribía las primeras veinte páginas, luego él se ocupaba de trabajar en las siguientes veinte, y entonces volvíamos atrás y reescribíamos el trabajo resultante durante un tiempo entre los dos. Esa fue, en líneas generales, nuestra manera de trabajar: íbamos hacia atrás y hacia adelante corrigiéndonos mutuamente lo que llevábamos escrito. De esta manera, los problemas de punto de vista que pudieras tener trabajando tú solo se resuelven más fácilmente si tienes la suerte de contar con alguien que te diga en confianza que algo que has escrito no acaba de funcionar.  Ese fue básicamente el proceso que seguimos a la hora de construir el libreto.

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Como ya has dicho con anterioridad, la película se enmarca en la corriente actual de reivindicar el cine de los años ochenta. En tu caso, ¿qué es lo que te ha llevado a hacerlo?

Verás, aunque ahora estén de moda, tengo que dejar claro que los ochenta no eran una cosa tan molona cuando escribimos esta película. En mi caso he crecido viendo películas como Re-animator, Re-sonator, La puerta, La noche del terror, La invasión de los zombies atómicos y toda esa clase de material loco, y realmente quería hacer algo que conectara con esa sensibilidad antes que con la de films más modernos.

Así que, como ves, no hay nada de oportunista en ello. En realidad fue algo totalmente egoísta el querer hacer una película en la cual se respirara todo el aroma de aquella época. Ahora parece que este enfoque está mucho más de moda gracias al éxito de Stranger Things y otras películas que tratan aquellos tiempos con más respeto y no se lo toman simplemente a broma, como por otra parte suelen hacer la mayoría de películas que echan la vista atrás hacia los ochenta. Este es un enfoque contra el cual me opongo completamente porque, como puedes imaginar, las películas de terror de aquella década ocupan un lugar muy importante en mi corazón.

En este sentido, al contrario de lo que suele ser moneda común en este tipo de películas, a lo largo de Beyond the Gates no existen homenajes explícitos a películas o a directores concretos de aquellos años. ¿Es algo premeditado?

Hablando ahora como espectador, me saca completamente de la historia cuando estoy viendo una película que hace alguna referencia demasiado evidente a otra película, así que prefiero ver cine que pueda valerse por sí mismo, y no exclusivamente a base de guiños a otros films más famosos, aunque por otra parte en el aspecto estilístico pueda verme reflejado en ese estilo.

A fin de cuentas lo que intentábamos hacer en Beyond the Gates era contar una historia original, que en el fondo también supusiera una experiencia nueva aunque el espectador tuviera la sensación de estar viendo una de esas películas de los ochenta. Así que no, en este caso no nos basamos en ninguna película en concreto ni nos dijimos, “vamos a hacer nuestra propia versión de Phantasma”. Coger los elementos que más nos gustaban de ese tipo de cine a la hora de hacer tu propia peli creo que es lo que finalmente deja una sensación más duradera en el espectador.

Siguiendo con el sabor ochentero de la película, has contado con la participación de la mítica scream-queen Barbara Crampton, quien además de interpretar a uno de los personajes principales también ha ejercido labores de producción. ¿Cómo entró en el proyecto?

Ella vino primero como productora. La conozco desde hace unos cinco años, ya que actuó en un par de cortos que dirigí. Gracias a esta relación que ya teníamos, Barbara tuvo acceso al guion de Beyond the Gates, el cual le encantó, y de esta manera se ofreció a ayudarnos a la hora de encontrar financiación, ya que quería formar parte del proyecto de alguna manera.

En cuanto a su participación como actriz en la película, para su personaje consideré a otras tres actrices antes que a ella, ya que, para serte sincero, no veía adecuada a Barbara para este papel en concreto: ella es una persona muy agradable, y en la película tenía que comportarse de una forma muy amenazadora y aterradora. Resumiendo, no la acababa de ver como este malvado personaje de maestra de ceremonias televisiva. Por otra parte, cuanto más pensaba en ello más me atraía la idea de darle este personaje para ver qué enfoque le podíamos dar.

Seguidamente, trabajamos juntos a la hora de construir el personaje, ya que le sugerí que se viera algunas pelis de la época en las que creía que podía inspirarse. Por su experiencia como actriz ella clavó totalmente su personaje: creo que hizo un gran trabajo con él. Ahora no puedo imaginarme a nadie que no sea ella interpretándolo: realmente consiguió hacerlo suyo. Por supuesto, también fue un gran placer para mí tener la ocasión de trabajar con una actriz con la que he crecido viendo sus películas.

Barbara Crampton a un lado, en el equipo hay varios colaboradores habituales del cine de Joe Begos, a quien das las gracias en los títulos de crédito, caso de los actores Matt Mercer y Graham Skipper, o el montador Josh Ethier. ¿De dónde viene esta conexión?

Soy amigo de todos ellos. Joe y yo nos conocimos hace aproximadamente seis años, cuando él estaba trabajando para Stuart Gordon. Básicamente, Joe ha trabajado con Josh Ethier, mi montador en varios cortometrajes, y también son muy buenos amigos. Además, el proceso que Joe siguió a la hora de buscar financiación para sus películas me impresionó e inspiró mucho.

En cuanto a Graham Skipper y Matt Mercer, son también amigos míos, y escribí sus respectivos personajes con ellos en mente. Volviendo a Josh, es un tipo que tiene una visión tan clara acerca de, entre otras muchas cosas, el montaje de una película, que aportó mucho más de lo que cualquier otro montador podría haber contribuido. Josh se implica mucho en todos los proyectos en los que colabora, siempre preocupándose por trabajar en favor de la historia que se quiere contar. Además, es un tipo increíblemente listo y una persona estupenda.

Siempre intento rodearme de gente que sea muy buena en lo que hace, sean mis amigos o no. En cuanto al trabajo de Joe Begos, soy de la opinión de que Casi humanos es estupenda. Creo que es un tipo con mucho talento.

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Dado que antes de convertirte en director el grueso de tu trayectoria se había desarrollado como guionista, ¿cómo ha sido la experiencia de ponerte detrás de las cámaras?

Para ser totalmente honesto, el principal motivo que me llevó a ponerme detrás de la cámara fue no sentirme demasiado satisfecho con el resultado cuando eran otros los que se encargaban de dirigir mis guiones. Volviendo a Joe Begos, como ya dije antes, él ha sido una gran influencia para mí a la hora de animarme al fin a dirigir mi primera película. Al principio estaba un poco nervioso, pero el haber dirigido cortos y tener experiencia a la hora de manejar efectos especiales prácticos hizo que poco a poco empezara a tomar confianza en mí mismo. Básicamente intenté trabajar tan duro como me fue humanamente posible e intentar poner en práctica los consejos de mis amigos, así como todo lo que había aprendido durante estos años con el fin de hacer la transición de guionista a director lo más fácilmente posible.

De todas maneras, creo que es más sencillo pasar de guionista a director que, por ejemplo, de director a guionista; soy de la opinión de que escribir es la faceta más complicada de entre todas las actividades que implican la realización de una película. En mi caso, esta transición no fue tan difícil como esperaba que sería en un principio. Todo tiene que ver con ser práctico, y tener la película lo suficientemente clara en tu cabeza para saber cual decisión es la correcta y cual no. Para ello tienes que conocer muy bien tu propio material y saber qué es lo que le viene mejor a cada escena.

La película tiene muchos momentos gore. ¿Cómo fue el trabajo con los efectos especiales?

Es una buena pregunta. Empezamos a trabajar en los efectos aproximadamente seis meses antes de comenzar a rodar. Básicamente, tuvimos que ser conscientes de la humildad de nuestro presupuesto, intentando a la vez que los efectos cumplieran su función lo mejor posible. Por ejemplo, la cabeza que estalla era muy importante para nosotros, así que le dedicamos mucho tiempo para que funcionara. Trabajamos en ella todo un mes entero antes de empezar a rodar. Asimismo, y con el fin de reflejar el cine de los ochenta, estuvimos de acuerdo en que todos los efectos debían hacerse en el plató. En los ochenta no se usaba aún el ordenador para este tipo de cosas… excepto en Tron, quizás. Las películas de terror eran reales en ese aspecto… o, al menos, intentaban serlo (risas). Y dado que nuestra intención era homenajear las películas de los ochenta, para nosotros era muy importante usar la misma clase de efectos que en el cine de aquellos años.

Ya has mencionado al hablar del guion que, aparte de ser una película de terror, Beyond the Gates se centra en el conflicto familiar que sufren los dos hermanos protagonistas. ¿Fue difícil conjugar ambas vertientes?

La idea principal era que si te preocupabas lo suficiente por los personajes, y te aproximabas a ellos con una voluntad realista, podías llegar a sentir que estabas de juerga con ellos, que tenías los mismos problemas que ellos; en definitiva, intentamos que fueran creíbles en uno u otro nivel. Creo que conseguir que el espectador sienta empatía por tus personajes es la mejor herramienta de la que puedes disponer a la hora de construir una buena película de terror. Ponerte a ver una película en la que la gente es asesinada sin más creo que es menos efectivo que si, de alguna manera, consigues identificarte con los protagonistas.

Así que, una vez que creímos que contábamos con una historia lo bastante sólida en cada una de las etapas de su desarrollo, lo siguiente fue comenzar a construir los personajes y la forma en que se relacionaban entre ellos. Incluso con el personaje de Barbara hay un montón de material pensado de antemano con el objetivo de crear un personaje interesante antes de pasar a la parte más divertida, que es la del terror, que creo que es la que tiene un mayor impacto en el público.

Para terminar, me gustaría que comentaras cuáles son tus próximos proyectos…

Acabo de terminar un guion junto a Stephen Scarlata que se llama The Day Beyond Halloween, y trata básicamente sobre lo que le ocurre a una final girl cuando la típica película slasher termina, examinando de qué manera le afecta lo que ha sufrido en el aspecto psicológico. Profundizamos, en definitiva, en qué es lo que te ocurre a nivel mental cuando ves a un Michael Myers o un Jason Voorhees haciendo de las suyas. Hemos intentado con este guion ir en una dirección totalmente opuesta a la que suelen tomar este tipo de películas, ya que trataremos que la nuestra sea más psicológica que sangrienta. Creo que será muy divertida. Además, nos da la oportunidad de poner en imágenes ese extraño período de tiempo que existe entre Halloween y la Navidad. Será una especie de Halloween… pero con decoración navideña.

Ese es nuestro próximo proyecto, aunque también estamos trabajando en una secuela de Beyond the Gates, centrándonos en esta ocasión en el personaje del hermano menor, en el de su nueva novia y en, básicamente, todo aquel que sobrevivió en la primera película. Esta segunda parte será un poco diferente, ya que tenemos la intención de mostrar una versión más avanzada del juego. Barbara, por supuesto, también volverá. Ojalá podamos hacerla pronto.

José Luis Salvador Estébenez

Traducción: José Manuel Romero Moreno

Fotografías: Juan Mari Ripalda

Published in: on noviembre 18, 2016 at 6:55 am  Dejar un comentario  
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Crónica de la 64 edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián (y II)

Quinto día (20 de Septiembre): As You Are, Kalebegiak, A Monster Calls / Un monstruo viene a verme, Frantz.

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En el quinto día del certamen se proyectó a concurso el drama As You Are del joven director Miles Joris-Peyraffite. El adolescente Jack que vive con su madre soltera Karen. No tiene amigos en el instituto hasta que el nuevo novio de su madre, Tom, se muda a vivir con ellos e introduce en sus vidas a su hijo Mark. Los dos inadaptados no tardan en hacerse buenos amigos y tras un encuentro casual en un restaurante, incluyen a su compañera Sarah en el grupo.

Una de los pases que se proyectaron en el Velódromo fue Kalebegiak, en el que se reunían doce cortometrajes o doce retratos de la ciudad de San Sebastián, impulsada por DSS2016 con motivo de la capitalidad europea de la cultura. Entre los trabajos congregados se encontraban trabajos de directores como Gracia Querejeta, Asier Altuna, Telmo Esnal, Borja Cobeaga, Daniel Calparsoro o Julio Medem.

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Sigourney Weaver y José Antonio Bayona, actriz y director de “Un monstruo viene a verme”.

La segunda de las películas de la Sección Oficial d la jornada, aunque en este caso fuera de concurso, fue A Monster Calls / Un monstruo viene a verme de J.A.Bayona y que sirvió como proyección para la entrega del segundo de los Premios Donostia a Sigourney Weaver. Adaptación de una novela, en ella se cuenta la historia de un niño, Conor, que intenta enfrentarse a la separación de sus padres y a la enfermedad que padece su madre, con la ayuda de un monstruo que le visita por las noches.  Este planteamiento sirve para reafirmar a Bayona como uno de los directores españoles más comerciales y con una mayor proyección internacional, al tiempo que sirve para evidenciar su pasmosa facilidad para tocar la fibra sensible del público.

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Para finalizar la jornada se proyectó en la Sección de “Perlas” la producción francesa Frantz dirigida por François Ozon. Al poco tiempo de finalizar la Gran Guerra en una pequeña ciudad alemana, Anna acude a diario a la tumba de su prometido Frantz muerto en una batalla en Francia. Un día en el cementerio se encuentra con Adrien, un joven francés que le ha llevado flores. La presencia del joven francés entre la derrotada población alemana desatará diferentes tipos de comportamientos. Otro trabajo de elevado nivel de Ozon.

Sexto día (21 de Septiembre): Jesús, Snowden, El invierno, I, Daniel Blake / Yo, Daniel Blake.

La jornada comenzó con el pase de la cinta Jesús del director chileno Fernando Guzzoni. Se cuenta la historia del joven chileno de 18 años llamado Jesús que vive junto con su padre Héctor, con el que no mantiene una relación muy fluida y comunicativa. Jesús baila con un grupo de pop, dibuja comics y disfruta con sus amigos drogándose en un parque público hasta que un día se produce un crimen en el que se ve involucrado. Por este motivo pide ayuda a su padre, iniciándose a partir de ese momento una relación totalmente diferente entre ambas a la que tenían hasta ese momento.

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Rueda de prensa de “Snowden” con Joseph Gordon Levitt y Oliver Stone.

Fuera de competición se pudo ver el trabajo de Oliver Stone Snowden en el que se desgrana todos los sucesos acaecidos tras la publicación en el año 2013 en el diario británico “The Guardian” y en el “Washington Post” los documentos confidenciales del programa de vigilancia mundial secreto de la NSA (Agencia de Seguridad Nacional) desvelado por uno de sus componentes, el consultor tecnológico Edward J. Snowden.

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Emiliano Torres, director de “El invierno”.

La cinta argentina El invierno del director Emiliano Torres competió en la Sección Oficial. La acción situada en el crudo invierno de la Patagonia se inicia cuando el viejo capataz de un rancho es despedido y remplazado por un peón mucho más joven. Un cambio que no resultará fácil ni sencillo para ninguno de los dos.

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Para finalizar la jornada se pudo ver en “Perlas” el drama social dirigido por Ken Loach I, Daniel Blake / Yo, Daniel Blake, donde un médico prohíbe trabajar al carpintero de 59 años Daniel Blake debido a sus problemas cardiacos. Sin embargo, al mismo tiempo la administración le obliga a buscar un empleo si no quiere recibir una sanción. Ante esta situación  Daniel acude a los servicios sociales donde conoce a Katie, una madre soltera con dos hijos que es obligada a aceptar un apartamento a cuatrocientos cincuenta kilómetros de su ciudad. Juntos intentarán ayudarse para pelear contra las contradicciones que la administración británica les intenta imponer.

Séptimo día (22 de Septiembre): La reconquista, American Pastoral, Dangsinjasingwa / Yourself and Yours, Fuocoammare / Fire at Sea.

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Photocall del equipo de “La reconquista”.

Las proyecciones de la Sección Oficial se inició con la producción española dirigida por Jonás Trueba La reconquista. La acción se sitúa en Madrid y narra el rencuentro de dos treintañeros llamados Manuela y Olmo que se habían prometido quince años antes cuando eran adolescentes y vivieron su primer amor. Cabe mencionar la aparición del donostiarra Rafael Berrio interpretando el tema en directo “Arcadia en flor”.

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Jeniffer Connelly y Ewan McGregor durante la rueda de prensa de “American Pastoral”.

La segunda cinta a concurso fue la dirigida por el popular actor Ewan McGregor American Pastoral. Se trata de un drama ambientado en la década de los sesenta en el que Merry, la hija de un idílico matrimonio, compuesto por el exitoso hombre de negocios Seymor el “Sueco”, legendario atleta en el instituto,  y por Dawn, una ex reina de la belleza, tiene que huir de casa acusada de cometer un acto violento. El “Sueco” tratará de buscarla y reunir a sus familia.

Para terminar la Sección Oficial en este día se proyectó la surcoreana Dangsinjasingwa / Yourself and Yours, trabajo de Hong Sang-soo. En ella el pintor Young-soo se entera de que su novia Min-Jung se tomó unas copas con otro hombre y se peleó con él. Esa noche discuten y Ming-Jung se va de casa diciendo que no volverán a verse en un tiempo. Al día siguiente Young-soo sale en su búsqueda pero no consigue encontrarla. Mientras tanto, Min-Jung, o una mujer muy parecida a ella, tiene diversas citas con diferentes hombres.

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La Perla del día fue el documental sobre migración del director italiano Gianfranco Rosi Fuocoammare / Fire at Sea. La isla de Lampedusa, al sur de Italia, es una de las etapas en las que miles y miles de migrantes realizan con el fin de alcanzar Europa y, por tanto, su libertad. Con este telón de fondo se cuenta la historia de Samuele, un niño de 12 años natural de la isla, en contraste con todas las personas que, pasando por las manos de las mafias, se juegan la vida en el mar intentando llegar a la isla.

Octavo día (23 de Septiembre): Ikari / Rage, Umi Yorimo Mada Fukaku / After the Storm, Arrival.

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Rueda de prensa de “Ikari” con su director, Lee Sang-il. y el mítico actor Ken Wanatabe.

Para comenzar el día el director japonés Lee Sang-il presentó su thriller Ikari /Rage dentro de la Sección Oficial. En una habitación aparecen unos cuerpos brutalmente asesinados con la palabra “Ira” escrita con la sangre de las víctimas en una de las paredes. Un año después el caso sigue sin resolverse, lo que crea una desconfianza entre tres diferentes parejas de un pequeño pueblo de pescadores, de Tokio y de Okinawa que recientemente han entablado amistad con alguien de pasado misterioso.

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Sin abandonar el país nipón, en “Perlas” se proyectó Umi Yorimo Mada Fukaku / After the Storm de Hirokazu Koreeda. Ryota, un escritor con una prometedora carrera, se separa de su mujer Kyoko al tiempo que se gasta todo su dinero en las carreras, con lo que no va a poder pasar la pensión para la alimentación de su hijo Shingo de 11años. Ryota intenta rehacerse y volver a formar parte de la vida de su hijo y de sus seres queridos, algo que no parece sencillo. Pero un tifón obliga a la familia a pasar una noche juntos… Enorme trabajo el de Koreeda.

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Para clausurar la Sección de “Perlas” de otros festivales se programó la película de ciencia ficción de Denis Villeneuve Arrival. Doce naves extraterrestres aterrizan en diferentes poblaciones del planeta, por lo que las autoridades militares comienzan a reclutar a un grupo de élite para tratar de descubrir si vienen en son de paz o con otros propósitos diferentes. Entre ese grupo se encuentra la experta lingüista Louise Banks, quien poco a poco comienza a aprender a comunicarse con los invasores poseedores de un lenguaje propio. Grande Villeneuve.

Noveno día (26 de Septiembre): L’odyssée / The Odyssey.

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Jèrôme Salle, director de “L’odyssée”.

El film que clausuró la sesenta y cuatro edición fuera de concurso, fue L’odyssée / The Odyssey, dirigida por Jèrôme Salle. Se trata de un biopic sobre el explorador e investigador marino Jacques Yves Cousteau que comienza en la época del descubrimiento de los reguladores de buceo junto con Émile Gagnan por el año 1943, para continuar con parte del proceso de adquisición del mítico dragaminas reconvertido en buque de investigación “Calypso”, y las gestiones con las cadenas televisivas para conseguir financiación con la que realizar sus posteriormente famosos documentales. En un momento de su vida en la que su relación con su segundo hijo Philippe es fría y lejana, deciden embarcarse juntos en su mayor aventura a bordo del Calypso donde se encontrarán uno al otro antes de que la tragedia les golpee en el año 1979.

Texto: FeRoDo

Fotos: JM Ripalda


 

Entrevista a Josemi Beltrán a propósito de la XXVII Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián

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Desde mañana y hasta el próximo viernes 4 de noviembre, la capital guipuzcoana acogerá la vigésimo séptima edición de la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián que, como es costumbre, tendrá su epicentro en el Teatro Principal. Durante siete días, el certamen donostiarra aglutinará varias de las propuestas más interesantes de la última hornada de cine fantástico, junto a un completo calendario de actividades paralelas entre las que no faltarán ciclos retrospectivos, exposiciones, charlas y publicaciones. Una programación que este año tendrá un fuerte acento japonés, fruto del convenio de colaboración suscrito con la Fundación EU-Japan Fest coincidiendo con la capitalidad cultural europea Donostia 2016, y que entre otras cosas propiciará una nutrida presencia de films nipones en la Sección Oficial, entre los que se encuentran títulos tan esperados como el crossover entre las sagas de The Ring y La maldición propuesto por Sadako vs Kayako o el encargado de inaugurar esta edición, Shin Godzilla, el espectacular reinicio por parte de la Toho, su creadora original, de la franquicia de la icónica criatura alumbrada en 1954 por Ishirô Honda en la mítica Japón bajo el terror del monstruo.

Un año más, para saber más detalles de lo que deparará la nueva edición de la Semana contactamos vía mail con su director, Josemi Beltrán, quien muy amablemente respondió a nuestras preguntas.

Cuando apenas faltan unas pocas horas para que eche andar, ¿cómo se presenta desde la organización esta inminente vigésimo séptima edición de la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián?

Con la lógica ilusión y expectativas, especialmente en este año 2016, porque creemos que también tenemos una muy buena programación, ya que este año ha sido de buena cosecha para el género. Pero también mucho trabajo y nerviosos porque tenemos muchas colaboraciones en distintos puntos de la ciudad, y ello nos obliga a multiplicarnos.

Como es sabido, durante todo el 2016 Donostia detenta la capitalidad europea de la cultura. ¿De qué forma se va a dejar sentir esta celebración en la Semana?

En dos ejes principales: uno con ese ciclo “Japón Fantástico, Siglo XXI”. Se organiza como parte de las colaboraciones japonesas en las capitalidades culturales europeas.

El otro eje es el proyecto “Faro del Misterio”, que arrancó en 2015. Un proceso de mapeo de historias paranormales de nuestro entorno, que ha ido organizando charlas, talleres, experiencias participativas… y que, aunque todavía se prolongará un poco más, tiene uno de sus hitos en la Semana de este año con una exposición en la sala San Jerónimo. En ella participan muchos colectivos, que presentarán videojuegos, audiovisuales… Una manera multidisciplinar de hablar de misterios.

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Como ya has adelantado, este año el cine japonés va a gozar de un gran protagonismo dentro de la Semana gracias al convenio de patrocinio que habéis alcanzado con la Fundación EU-Japan Fest y que, entre otras cosas, hará que el ciclo retrospectivo de esta edición esté dedicado a aquella cinematografía. ¿Cómo surgió esta colaboración?

Nace de la línea de esta fundación de colaborar con las Capitalidades Culturales Europeas para difundir su cultura en distintos aspectos. Nosotros presentamos un proyecto desde el cine de género japonés, que siempre ha tenido presencia en el festival, y les gustó. Y lo que haremos será repasar los últimos quince años de esa industria con un ciclo, un libro, la presencia de seis realizadores y una charla con los mismos. Es una oportunidad muy bonita para aumentar el eco internacional del festival. Por ejemplo, la presencia de Shinji Higuchi, codirector de Shin Godzilla y director de Ataque a los Titanes, ha provocado bastante expectación.

La edición del libro dedicado al ciclo retrospectivo servirá para recuperar la colección de publicaciones de la Semana tras varios años de ausencia, si pasamos por alto la publicación el año pasado el ensayo coral “¡Sigue grabando!” en colaboración con la Semana Internacional de Cine de Gijón. ¿Qué nos puedes contar acerca de ello?

Pues que estamos contentos. Siempre nos gusta tener publicaciones, de un modo u otro, porque es algo que dejas para el futuro, si son interesantes y están bien trabajadas. En el 2000 ya se realizó un libro sobre cine japonés, y el de este año servirá un poco de continuación. Ha sido coordinado por Daniel Aguilar y Antonio José Navarro y traza un panorama general y perfiles de directores tan importantes como Kurosawa o Tsukamoto, pero también de otros que se mueven más en los territorios de la serie B. El resto de colaboradores que han escrito han hecho también una buena labor.

Otra de las actividades que se van a llevar a cabo dentro de este marco va a ser la referida celebración de un encuentro abierto con los aficionados de algunos de los cineastas llegados desde el país del Sol Naciente que visitarán el festival. ¿En qué va a consistir y qué nombres van a participar en él?

El principal será una mesa redonda el domingo 30 por la mañana en el Museo San Telmo, en el que tendremos a Shinji Higuchi, Noboru Iguchi, Yoshikazu Ishii, Minoru Kawasaki y Tomoo Haraguchi, moderados por Jesús Palacios. Va a ser una foto y una charla seguro que interesante, y también divertida. Por otro lado, los aficionados podrán acudir a las ruedas de prensa tanto de Shinji Higuchi como de Koji Shiraishi, que presentarán sus películas Shin Godzilla y Sadako vs. Kayako más extensamente. Los seis directores estarán también presentando en los escenarios, y seguro que compartiendo de tú a tú muchos momentos con el público, ya que en nuestro festival no hay una barrera de separación entre creador y espectador.

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Curiosamente, en esta Semana 2016 también se va a resucitar la “guerra de fanzines” que fuera tan habitual en el festival durante muchas ediciones. Ni qué decir tiene que en tal decisión ha pesado la buena salud que este tipo de publicaciones parecen tener actualmente y, más en concreto, dentro del ámbito cinematográfico y fantástico. ¿Qué tal ha sido acogida la iniciativa a nivel de participación?

Absolutamente, queremos volver a hacer más que un guiño a ese renacimiento de la pasión por el papel, reconociendo el trabajo de los fanzines que llevan muchos años, pero también intentando provocar la curiosidad de nuevos fanzineros. Para ello hemos colaborado con un espacio de autoedición que existe en la nueva biblioteca Ubik de Tabakalera, y con FNAC, que nos aporta los premios. Respecto a la participación, cuando contesto a estas líneas todavía estamos esperando incorporaciones de última hora, pero yo creo que cada día del festival podremos tener la presentación de un fanzine. Y, sobre todo, espero que sea la primera piedra para “picar” a más gente para próximas ediciones.

Pasando a comentar la Selección Oficial, lo cierto es que como viene ocurriendo en los últimos años el nivel de títulos escogidos, a menos a priori, resulta de lo más atractiva. ¿Contento con la selección efectuada?

Yo creo que este año la selección ha sido más fácil que otros, con sus pros y contras. Creo que esta temporada hay muchos títulos imprescindibles, que el aficionado espera ver, y que a todos nos gustan: Swiss Army Man, Train to Busan, El extraño, La autopsia de Jane Doe, The Neon Demon… Eso ha hecho que este año también todos los festivales de género tengamos un programa más similar. Desde luego, es para estar contentos, porque estas películas son una gozada, pero acaso también pueda dejar menos espacio para descubrimientos en festivales con un line-up más ajustado, como el nuestro. Así todo, hemos intentado poner la atención en otras piezas como The House, The Unseen o el estreno español de La noche del virgen, una producción vasca que apuesta por la comedia gore con muy buena factura.

De entre los títulos que competirán por hacerse con el premio a la mejor película, ¿cuáles son tus preferidos a nivel personal y cuáles los que consideras que van a funcionar mejor entre los espectadores?

Entre mis favoritos está la coreana El extraño, fascinante, con varias películas diferentes en una sola, o La autopsia de Jane Doe, una pieza de cámara muy sugerente. Ambas gustarán, pero también creo no equivocarme si digo que Train to Busan será un disfrute para cualquier tipo de público, que Crudo despertará pasiones o que 31 está hecha para nuestro patio de butacas. Espero que los espectadores también me sorprendan con sus puntuaciones, porqué no… Como apuestas más arriesgadas destacaría Tenemos la carne o The Eyes of My Mother, pero que nos parecen películas que indiscutiblemente tienen que estar en un festival como el nuestro.

Todos los que asistimos a la Semana sabemos que su público es muy especial tanto en sus gustos como en sus reacciones. ¿Hasta qué punto os influye este aspecto al comité de selección del festival a la hora de programar o no una película? Es decir, ¿se ha dado el caso de que alguna película que, aunque por calidad mereciera estar dentro de la selección, la habéis descartado por mor de cómo pudiera reaccionar la platea del Principal y, por el contrario, alguna otra que hayáis escogido pensando en el juego que podía deparar su proyección?

Nuestro público no es uniforme, aunque los murmullos hagan que lo parezca, ya que incluso cuando parece que una película no ha gustado, luego vemos puntuaciones muy diversas. Pero sí, es cierto que en un teatro de quinientas personas esa sensación de dejarse llevar por la corriente funciona, y a menudo es placentera. Cuando programamos, claro que pensamos en qué efecto producirá cada película, pero a veces también buscamos apostar por lo menos evidente, y arriesgar, y dar cosas que quizás chocarán, o, por qué no, aburrirán a algunos, y a otros fascinarán. Ante todo, también pensamos en que nuestra apuesta es casi siempre por un fantástico más puro, cómico o serio, que puede estar en la historia o en la forma de contarla.

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Como viene ocurriendo en las últimas ediciones, junto con la ficción el documental gozará de un peso específico en la programación, esta vez incluso aumentando su presencia mediante dos trabajos que servirán para homenajear a diferentes iniciativas muy cercanas a la Semana…

Bueno, propiamente documental es acaso el promovido por el fanzine 2000 maníacos en su veinticinco aniversario. En la Semana estrenarán su versión corta, ya que la larga todavía está en proceso. Y es un trabajo con imágenes inéditas de nuestro festival también y muchas entrevistas interesantes. En el caso del colectivo “Imagen Death”, éste ha realizado un resumen de alguno de sus cortos y un repaso también a otro cuarto de siglo.

En el capítulo homenajes, nos hemos sumado junto al festival FKM de La Coruña al recuerdo a Herschell Gordon Lewis, y lo que proyectaremos será una de sus películas de los setenta, The Wizard of Gore.

En cambio, lo que sí faltará a la cita, o al menos no se ha anunciado, es la producción rodada ex profeso que en los últimos años se había convertido en habitual, caso de las diferentes piezas de Axel Casas o la propia película sobre la Semana que pudo verse el pasado año. ¿A qué se debe?

Axel Casas y su equipo están, por un lado, colaborando en el proyecto “Faro del Misterio”, y parte de ese trabajo se podrá ver en la exposición en San Jerónimo. Además, en esa muestra habrá también pequeñas piezas realizadas ex profeso por otros creadores. Por otra parte, Axel y compañía están inmersos en la preproducción de su primer largometraje, Paranormales, así que en ello debemos dejarles, ya que, por supuesto, esperamos ver en una próxima edición el resultado.

Aparte de los cineastas nipones ya referidos, ¿qué otras personalidades van a dejarse caer por Donosti a lo largo de estos próximos siete días?

Pues tendremos en el jurado al actor Oscar Reyes, imagen del festival de este año, que está en el jurado de cortos junto a los críticos Tonio Alarcón y Bea Martínez. La actriz Miriam Cabeza volverá a ser la estupenda maestra de ceremonias de nuestras presentaciones especiales.

Para presentar películas tendremos también a director y protagonista de El ataúd de cristal, Haritz Zubillaga y Paola Bontempi. También lo mismo en el caso de La noche del virgen, con Roberto San Sebastián y Javier Bódalo. Por supuesto, los responsables de 2000 maníacos e Imagen Death estarán en esa “tarde maníaca”, acompañados además de uno de los últimos productores de Gordon Lewis, Jimmy Maslon.

Todos los cortometrajistas de la competición española pasarán por su sesión en el Teatro Principal, además de algunos otros de los cortos internacionales. La directora vasca Agurtzane Intxaurraga preestrena su largo de animación Teresa eta Galtzagorri. Y veremos a expertos como Jesús Palacios, Daniel Aguilar o Antonio José Navarro por nuestras butacas.

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Ni qué decir tiene que, junto a lo ya comentado, un año más las exposiciones volverán a contar con un peso propio dentro de las actividades paralelas que se celebran dentro del marco de la Semana. ¿Qué me puedes comentar de ellas?

Ya hemos hablado de El Faro del Misterio, una expo de producción propia. Aparte de ello, nos sumamos en el centro cultural Okendo al 50 aniversario de Star Trek. Traemos a Donostia una versión rediseñada de las muestras realizadas en Sitges por Mo Caró y el Club Star Trek Spain con este motivo. Será un compendio de ilustraciones homenaje realizadas por distintos artistas españoles, junto a un universo de maquetas, memorabilia, merchandising

Al cómic vasco le seguimos dedicando espacio, y esta vez será el autor Julen Ribas el protagonista en la Biblioteca Alderdi Eder. Fernando Mircala enseñará también sus diseños para la película Extraordinary Tales y otras piezas relacionadas con Poe en FNAC. Hay otros espacios que se suman a la Semana con exposiciones de tinte japonés, dos en Tabakalera: En Kutxa Kultur Plaza “Kamishibai” de Judas Arrieta y Harkaitz Cano, y en Arteuparte Galería una antología de art-toys espectacular.

Antes de terminar la entrevista, con esta próxima son seis las Semanas que has comandado desde que accedieras a la dirección de la unidad de cine de Donostia Kultura el pasado 2011. ¿Qué balance haces de todo este tiempo y qué metas te marcas tanto para ti como para la Semana para el futuro?

Personalmente continúo feliz al frente de este festival y del resto de tareas que coordinamos solos o en colaboración (Festival de Cine y Derechos Humanos, ciclos Nosferatu…). Esperamos que este año de capitalidad cultural en Donostia sirva para experimentar nuevos caminos y formas de hacer en nuestros eventos, así como para que la apuesta cultural de la ciudad siga fuerte a partir de 2017. Y que sigamos desde la Semana poniendo nuestra personalidad más loca en ese bonito y diverso mapa cultural.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías: Juan Mari Ripalda