Colossal

Título original: Colossal

Año: 2016 (Estados Unidos, Canadá, España, Corea del Sur)

Director: Nacho Vigalondo

Productores: Nicolas Chartier, Zev Foreman, Nahikari Ipiña, Russell Levine, Dominic Rustam

Guionista: Nacho Vigalondo

Fotografía: Eric Kress

Música: Bear McCreary

Intérpretes: Anne Hathaway (Gloria), Jason Sudeikis (Oscar), Austin Stowell (Joel), Tim Blake Nelson (Garth), Dan Stevens (Tim), Hannah Cheramy (Gloria de niña), Nathan Ellison (Oscar de niño), Sarah Surh (madre), Haeun Hannah Cho (niña), Carlos Joe Costa, Melissa Montgomery, Christine Lee, Rukiya Bernard, James Yi, Alyssa Dawson, Miho Suzuki, Charles Singh…

Sinopsis: Gloria vive en Nueva York y tiene problemas con su novio. Decide regresar a su pueblo natal, con el fin de afianzar su situación económica y moral, y empieza a trabajar en el bar de un antiguo compañero de colegio. Pronto las noticias le anonadan: en Seúl ha aparecido un monstruo gigante…

Nacho Vigalondo es un director de culto para algunos aficionados al cine fantástico españoles, no solo por su trabajo, sino porque ha conseguido llegar al mercado internacional desde un país como el nuestro, muy dado al ninguneo de los que intentan sobresalir al margen de la cinematografía española. Los cronocrímenes (2007) consiguió un inusitado interés y fue considerado un film de culto casi al instante. En 2011 rueda otra cinta, Extraterrestre, que aúna elementos parecidos a Colossal, comedia con elementos fantásticos. Antes de llegar a esta última, rodó segmentos para películas de sketches como The ABCs of Death (2012) o V/H/S Viral (2014), además de Open Windows (2014), un trabajo realizado ya con vistas internacionales, con Elijah Wood y Sasha Grey como actores principales.

Con el protagonismo de Anne Hathaway y Jason Sudeikis, Vigalondo nos narra las peripecias de una inadaptada que por circunstancias de la vida tiene que volver a su pueblo natal, donde se encontrará a un viejo amigo de la infancia, pero a su vez descubre que un monstruo gigantesco que está asolando Seúl, capital de Corea del Sur, tiene cierta conexión con ella.

Esta historia, mezcla de comedia indie y kaiju eiga, podría dar para mucho si se pretendiese llegar hasta las últimas consecuencias, es decir, hacer una cinta paródica de verdad o una comedia desenfrenada, pero no quedarse en tierra de nadie. El guion del propio director está construido para incorporar todas las ideas que le surjan, encajen o no en la trama; todo lo que acontece es decisión aleatoria de Vigalondo, y no existe engarce en todo el libreto. En un momento dado el guionista decide dar un giro melodramático a la situación sin siquiera molestarse en dar una explicación al hecho; todo ocurre porque al guionista/director le apetece, y luego se las ingenia para meter una explicación que en realidad nada aporta. Muchas situaciones son tópicas, sobadas y hasta reiterativas. Los diálogos son del todo pueriles e infantiles, pero pretendiendo tener gracia o hasta ser medianamente profundos. Solo hay una frase graciosa, y solo la comprenderán los españoles.

La realización semeja una comedia indie con poco dinero, buen rollista y agradable de ver, donde nos muestra la bucólica vida del pueblo y sus gentes en comparación a la vida en la ciudad. Todo está rodado de forma plana y poco vistosa. Cuando aparece el monstruo gigante casi siempre es a través de pantallas, ya sea en la tele o en tablets y móviles, y sobresaturado de los gritos de los testigos para ofrecer un supuesto aliciente que haga al espectador interesarse por ello. Todo es muy luminoso pero frío, parece que estás viendo a Rajoy en una pantalla de plasma, sabiendo que será repetitivo y con muestras de una absoluta pereza.

De las actuaciones poco se puede sacar: Anne Hathaway y Jason Sudeikis son los que más minutos de pantalla tienen, y los demás son marionetas que se mueven a los designios del director. Hathaway y Sudeikis ni se molestan en hacer un buen trabajo, ponen caras, y hacen muecas y aspavientos, pensando que tampoco necesitan esforzarse más. Colossal es una colosal pérdida de tiempo.

Luis Alboreca

Jack Reacher: Nunca vuelvas atrás

Titulo original: Jack Reacher: Never Go Back

Año: 2016 (Estados Unidos, China)

Director: Edward Zwick

Productores: Tom Cruise, Don Granger, Christopher McQuarrie

Guionistas: Richard Wenk, Edward Zwick, Marshall Herskovitz, según la novela Never Go Back de Lee Child

Fotografía: Oliver Wood

Música: Henry Jackman

Intérpretes: Tom Cruise (Jack Reacher), Cobie Smulders (Turner), Aldis Hodge (Espin), Danika Yarosh (Samantha), Patrick Heusinger (el cazador), Holt McCallany (coronel Morgan), Judd Lormand, Christopher Berry, Hunter Burke, Jason Douglas, Lizeth Hutchings, Marisela Zumbado, Alexandra Lucchesi, Madalyn Horcher, Robert Catrini, Anthony Molinari, Theo Kypri, Talbott Lin, M. Serrano, Nicole Barré, Jessica Stroup, Craig Henningsen, Giovanni Silva…

Sinopsis: Una aparente trifulca en un bar hace que acuda al lugar la policía. Cuando esta llega, el causante está sentado tranquilamente en la barra, y dice al inspector que en breve hará presencia la policía militar, y que él será detenido por corrupción. Así sucede. Pronto, Jack Reacher, que ese es el causante de todo, toma contacto con una antigua compañera del ejército, pero al día siguiente será destituida de su cargo por acusaciones absurdas…

Jack Reacher es un personaje creado por el escritor Lee Child, cuya primera novela fue publicada en 1997 con el título de Killing Floor -en España se tradujo como Zona peligrosa por RBA en 2015-. En 2012 el personaje fue trasladado al cine por Christopher McQuarrie como guionista y director, siendo el actor Tom Cruise el encargado de interpretarlo. La novela adaptada, sin embargo, fue Un disparo (One Shot, 2005), el noveno libro de la serie, y el título fue un escueto Jack Reacher.

Dado el relativo éxito de la cinta -con un exiguo presupuesto de sesenta millones de dólares recaudó poco más de 218 a nivel mundial-, se planteó hacer una secuela. Para ello se optó por adaptar la novela Never Go Back de 2013 -el número dieciocho de la saga de, hasta el momento, veintiún libros-, publicada en España recientemente como Nunca vuelvas atrás debido al estreno de la película. Esta vez, el film viene de la mano de los guionistas Richard Wenk, Edward Zwick, Marshall Herskovitz y como director Zwick, quien ya había trabajado con Cruise en El último samurái (The Last Samurai, 2003), con bastante éxito.

Con un guion bastante endeble, con giros demasiados forzados y con la inclusión de una adolescente para edulcorar la trama, todo ello hace que se pierda mucho de la fuerza que había en la anterior película. Todo lo que hace de Jack Reacher un personaje único y diferente dentro del mundo cinematográfico se tira por la borda al intentar ablandarlo y hacerlo más accesible al espectador medio. Además del escaso trabajo que se ha hecho con los personajes, en muchos casos no se conocen cuales son las motivaciones de ninguno de ellos, salvo las más básicas. La adolescente no pasa de ser una engreída y resabidilla que molesta más que cautiva, dando al traste al carácter solitario y taciturno del protagonista, elemento que le hace mucho más atractivo. Los personajes no terminan de estar bien perfilados. Si la cinta dirigida por Christopher McQuarrie -aquí solo productor- era un interesante thriller muy setentero, esta parece una película de acción familiar con algún toque oscuro, pero demasiado trillado, con esa Nueva Orleans tan típica, por muy sugestiva que luzca.

La dirección de Edward Zwick es bastante plana, aunque consigue un comienzo potente que, por desgracia, se va diluyendo a lo largo del metraje. Le falta fuerza y ritmo, ya que nunca consigue terminar lo que empieza. Plantea una buena puesta en escena para luego dejar que se disipe por el trayecto quedando en un “quiero pero no puedo”. En las secuencias de lucha también se queda a medio camino, sin saber imprimir la potencia que deberían tener. Sí, vemos a los personajes cansarse y resoplar, pero no se percibe la contundencia de los golpes. En las primeras escenas del film vemos los resultados de la situación, vislumbramos los cuerpos heridos retorciéndose en el suelo, sabemos lo que ha pasado sin necesidad de ver la pelea. Pero eso no ocurre después, todo se queda en agua de borrajas.

De los actores, los que más destacan son Tom Cruise y Cobie Smulders, esta última conocida por su papel de Maria Hill en las películas de Marvel y por la serie Cómo conocí a vuestra madre (How I Met Your Mother; 2005-2014), quienes saben dotar a los personajes de la fuerza y humanidad que necesitan, a pesar de alguna escena que da un poco de vergüenza ajena. Danika Yarosh, la adolescente de la trama, está insoportable, sin duda por la nula dirección de Zwick y por el propio personaje en sí mismo.

Esta segunda película de Jack Reacher pierde mucho en comparación con su precedente, al convertirse en una cinta de acción sin ninguna personalidad y desdibujando un excelente personaje que podría dar mucho de sí si no trastocasen su idiosincrasia. Como se suele decir “no lo arregles si no está roto”. Si Jack Reacher funcionó por el guion, la dirección, el personaje y la excelente interpretación de Tom Cruise, no se debería intentar cambiarlo.

Luis Alboreca

Hitchcock/Truffaut

Título original: Hitchcock/Truffaut

Año: 2015 (Francia, Estados Unidos)

Director: Kent Jones

Productores: Charles S. Cohen, Olivier Mille

Guionistas: K. Jones, Serge Toubiana

Fotografía: Nick Bentgen, Daniel Cowen, Lisa Rinzler (Nueva York), Eric Gautier (Paris), Mihai Malaimare Jr. (Los Angeles), Genta Tamaki (Tokyo)

Música: Jeremiah Bornfield

Intérpretes: Mathieu Amalric, Wes Anderson, Olivier Assayas, Peter Bogdanovich, Arnaud Desplechin, David Fincher, James Gray, Kiyoshi Kurosawa, Richard Linklater, Paul Schrader, Martin Scorsese, Alfred Hitchcock, François Truffaut.

Sinopsis: El documental nos cuenta el encuentro entre Alfred Hitchcock y François Truffaut para la famosa entrevista que desembocó en el magnífico libro El cine según Hitchcock…

El director Kent Jones, además coguionista junto a Serge Toubiana, nos relata el encuentro entre los grandes directores de cine Alfred Hitchcock y François Truffaut, en el cual este último formuló una amplia entrevista al mago del suspense que confluyó en la publicación en 1966 de uno de los más importantes libros sobre el Séptimo Arte, El cine según Hitchcock (Le cinéma selon Hitchcock), donde Truffaut repasaba por orden  cronológico todas las películas de la filmografía del maestro inglés —hasta el momento de la publicación—, mostrando cómo Hitchcock las realizó de forma pormenorizada.

Jones no es novato en la creación de documentales, y tiene en su haber como realizador cuatro, tres centrados en el mundo del cine; con el que nos ocupa, Val Lewton: The Man in the Shadows, de 2007, que hizo para la cadena TCM, y donde Martin Scorsese relata la historia del genial productor de estupendas películas de terror para los estudios RKO. Y A Letter to Elia (2010), sobre el controvertido director Elia Kazan.

En Hitchcock/Truffaut, aparte de ver, en fotos, y oír las grabaciones de ambos realizadores de la famosa entrevista, Kent nos relata las circunstancias, y cómo era la época de aquella reunión; el cómo surgió la posibilidad de la entrevista y cómo germinó una gran amistad entre ambos. Pero también se centra en la creación de las imágenes que brotaban de la mente de Hitchcock y eran plasmadas en el celuloide, que a su vez quedaban prendadas en las mentes de los espectadores. Es fácil recordar la escena de la ducha en Psicosis (Psycho, 1960) o la persecución de Con la muerte en los talones (North by Northwest, 1959), y la forma en la que el realizador era capaz de construirlas durante el rodaje. Además también nos narra las influencias que tuvo en otros directores como Olivier Assayas, Peter Bogdanovich, David Fincher, Kiyoshi Kurosawa o Martin Scorsese entre otros, quienes confiesan a cámara su deuda con el denominado maestro del suspense.

El documental está muy bien construido y nos cuenta de forma clara todos los detalles para que se pueda entender cómo fue la entrevista, los eventos ocurridos durante la realización de las películas de Hitchcock y cómo algunos fracasos o éxitos afectaban las posibilidades de hacer esos films. Además explica muy bien cómo se rodaron las míticas escenas que todo el mundo recuerda de la cintas del director inglés. Y las declaraciones de los diversos realizadores son muy interesantes y nos demuestran que tanto uno francés como japonés, con cines tan diferentes, pueden verse influenciados o fascinados por ese cine. Sin embargo, hay un pero: el documental se queda  muy corto, un libro tan fascinante necesita de más tiempo para contarnos todo lo que abarca. Todo el conjunto se asemeja a un primer capítulo de presentación de una serie sobre el libro y, sobre todo, de los directores. Se quedan muchas cosas en el tintero, pero se agradece que se realicen documentales como este y que haya posibilidades de poder verlos en el cine.

A pesar de esos detalles, Hitchcock/Truffaut es muy recomendable a todo aficionado al cine que quiera descubrir la magia de las películas y sus directores.

Luis Alboreca

Calle Cloverfield 10

Título original: 10 Cloverfield Lane

Año: 2016 (Estados Unidos)

Director: Dan Trachtenberg

Productores: J. J. Abrams, Lindsey Weber

Guionistas: Josh Campbell, Matthew Stuecken, Damien Chazelle basándose en el guion “The Cellar” de J. Campbell, M. Stuecken

Fotografía: Jeff Cutter

Música: Bear McCreary

Intérpretes: John Goodman (Howard), Mary Elizabeth Winstead (Michelle), John Gallagher Jr. (Emmett), Bradley Cooper (Ben, voz), Douglas M. Griffin, Suzanne Cryer, Sumalee Montano, Frank Mottek, Jamie Clay, Cindy Hogan, Mat Vairo…

Sinopsis: Una mujer que huye tiene un accidente y cuando despierta se encuentra encerrada en un búnker. Allí, su captor le explica que le ha salvado la vida ya que en el exterior la vida ya no es posible…

Monstruoso (Cloverfield, 2008), dirigida por Matt Reeves y producida por el famoso J. J. Abrams, se ha convertido en una película de culto y muchos esperaban una secuela. Calle Cloverfield 10 se puede decir que es una especie de respuesta a esas peticiones. La historia está basada en un guion independiente llamado “The Cellar” (1), que fue reescrito para unificarlo con la cinta de Reeves, aunque centrándose más en otros elementos que transcurren en algún momento del film antes mencionado. El guion está bien construido, aunque con pocas sorpresas, si bien intentando sorprender al espectador con algún giro insospechado que no consigue ese resultado. La historia es tediosa y aburrida, además de que los personajes no resultan atractivos, haciendo que no preocupe en realidad lo que les pueda acontecer.

Dan Trachtenberg, director de dos cortometrajes, Kickin’ (2003) y Portal: No Escape (2011), además de un episodio de una serie televisiva, y que trabajó como cámara en otras ocasiones, hace su debut en el largometraje. Realiza un trabajo bastante encomiable y tiene momentos de cierta tensión bien resueltos, aunque hay otros que, por el contrario, resultan anodinos. No consigue exponer la angustia ni la inquietud de sus personajes al verse atrapados en un sótano del que no pueden salir y donde, además, el “salvador” no parece un tipo de fiar.

No ocurre lo mismo de los actores, con una gran John Goodman como el “salvador” que parece saber lo que ocurre fuera. Mary Elizabeth Winstead y John Gallagher Jr. se esfuerzan en hacer creíbles sus personajes y la trama que se va desarrollando durante el metraje de la película. Por desgracia, su trabajo no consigue levantar esta producción, muy a pesar del gran trabajo de Goodman, que sabe parecer simpático y a la vez inquietante.

Calle Cloverfield 10 podría haber sido un inquietante thriller psicológico si se hubiese centrado más en las relaciones de los personajes y el misterio que rodea ese búnker y a su dueño en vez de intentar que estemos más pendientes a lo que ocurre fuera, enlazándolo con la cinta de Monstruoso, dejando el clímax como una anécdota frente a lo que ocurre a continuación.

El film hubiese funcionado mucho mejor como algo independiente, poco se aporta a esta cinta que sea una “hermana de sangre” de Monstruoso, como menciona el productor J. J. Abrams.

Y otro fallo para los distribuidores de la película en España: habrá espectadores que no sabrán que el título hace referencia a Monstruoso, título que en nada se parece al original.

Luis Alboreca

(1) Existe un episodio de la serie televisiva Metal Hurlant Chronicles titulado “Shelter Me” (2012) con un argumento muy parecido: una mujer despierta en un búnker y un hombre le cuenta que ha llegado el fin del mundo. Está basado en una historieta homónima escrita por Dan Wickline y con dibujos de Mark Vigouroux, que apareció en la edición en inglés de la clásica revista francesa Metal Hurlant; en concreto en el número 9 con fecha de portada de noviembre / diciembre de 2003.

La Cumbre Escarlata

Titulo original: Crimson Peak

Año: 2015 (Estados Unidos)

Director: Guillermo del Toro

Productores: Guillermo del Toro, Callum Greene, Jon Jashni, Thomas Tull

Guionistas: Guillermo del Toro, Matthew Robbins

Fotografía: Dan Laustsen

Música: Fernando Velázquez

Intérpretes: Mia Wasikowska (Edith Cushing), Jessica Chastain (Lucille Sharpe), Tom Hiddleston (Thomas Sharpe), Charlie Hunnam (Dr. Alan McMichael), Jim Beaver (Carter Cushing), Burn Gorman (Holly), Leslie Hope (Mrs. McMichael), Doug Jones (madre de Edith, Lady Sharpe), Jonathan Hyde (Ogilvie), Bruce Gray (Ferguson), Emily Coutts (Eunice), Alec Stockwell (Finlay), Brigitte Robinson (Jane, la secretaria), Javier Botet (Enola / Margaret / Pamela), Gillian Ferrier, Tamara Hope, Kimberly-Sue Murray, Sofia Wells, Joanna Douglas, Bill Lake, Jim Watson, Peter Spence, Danny Waugh, Sean Hewitt, William Healy, Matia Jackett, Karen Glave, Khadijah Roberts-Abdullah, John Carter Craig, Martin Julien…

Sinopsis: Miss Cushing es una joven liberada que quiere ser escritora. Conoce a Mr. Sharpe, un baronet inglés que pretende buscar financiación a un proyecto de minería, pero el padre de la muchacha ve en él a un estafador que busca el dinero de ella. Cuando el padre muere, la chica se casará con el joven y se irá a vivir a la Cumbre Escarlata, la mansión que éste tiene en Inglaterra.

El cuento gótico de terror tuvo su predicamento en tiempos muy lejanos, aunque todavía perdura en nuestros días gracias a las reediciones de autores clásicos como E. F. Benson, M. R. James o Henry James, con su famosísima Otra vuelta de tuerca (The Turn of the Screw, 1898) a la cabeza. El cine también se ha visto arrastrado a esta corriente con las adaptaciones de estas obras, tenemos casos muy conseguidos como Suspense (The Innocents, 1961) de Jack Clayton, basado precisamente en la mencionada novela de Henry James, o La casa encantada – The Haunting (The Haunting, 1963), de Robert Wise.

La Cumbre Escarlata, escrita por Guillermo del Toro y Matthew Robbins, que colaboraron juntos en Mimic (Mimic, 1997) y en la infravalorada No tengas miedo a la oscuridad (Don’t Be Afraid of the Dark, 2010) dirigida por Troy Nixey, aunque se nota mucho la mano de Del Toro, es un intento de trasladar el ambiente fantasmagórico de esa obras al cine, y lo consigue. El guion nos presenta una historia clásica de fantasmas que bebe de la tradición y la vez intenta darle otra vuelta de tuerca, nunca mejor dicho, a esa misma tradición. La historia es sencilla, aunque con ciertas aristas, y no deja de ser interesante. El desarrollo de los personajes está bien trabajado y el ritmo no decae en ningún momento. Y también tiene concomitancias con otra historia de fantasma del realizador, El espinazo del diablo (2001): ambas comienzan con una voz en off hablando sobre fantasmas y acaba de igual forma; todavía aún hoy en día los aficionados recuerdan la maravillosa voz de Federico Luppi. También algunas apariciones fantasmales se muestran de forma parecida, y muchos diseños arquitectónicos son similares a otras películas de Guillermo, como esos pasillos con arcos en forma de cerraduras.

La dirección de Guillermo del Toro es sobria y a la vez poderosa, ya que mientras las primeras escenas, las que no acontecen en el inmenso castillo sino en la ciudad, parecen menos espectaculares en comparación, sin embargo nos muestra de forma sutil lo que subyace dentro de esa comunidad. Las envidias, tejemanejes y la opresión que siente el personaje que interpreta Mia Wasikowska, Edith Cushing, aspirante a escritora que se ve castrada por las imperativos sociales, que está rodado con tonos dorados y sepias. Ya con la llegada a la mansión vemos como la imaginación del realizador se desborda, no solo por esa inmensa casa, sino por los alrededores, casi siempre impregnados por el rojo de la arcilla, como se ve cuando la nieve comienza a tornarse de ese color; en toda esta parte los colores primordiales son el magenta y los azules.

Se pueden ver muchas referencias a cintas como El resplandor (The Shining, 1980) de Stanley Kubrick, de la que se hace un guiño, pasando por, de nuevo, a Suspense o al ciclo que Roger Corman dedicó a Poe, si bien la mayor influencia es la del director italiano Mario Bava, con Operazione paura (1966), o el episodio “La gota de agua” (“La goccia”) de la película Las tres caras del miedo (I tre volti della paura, 1963), con el estupendo juego de luces, sombras y colores que muestra la cinta de Guillermo del Toro.

Así mismo, los actores consiguen hacer creíbles sus personajes y sostener el argumento en todo momento, así el trío protagonista, Mia Wasikowska, Jessica Chastain y Tom Hiddleston. Pero Charlie Hunnam, como el otro pretendiente y lector de Arthur Conan Doyle,  ero ademta  argumento en todo los momentos, el trio protagonista ava dem de igual formasos muy conseguidos como  dfeasw4r54  ggggggy Jim Beaver, el padre de Edith, Carter Cushing, elevan sus difíciles personajes, que podían caer en el ridículo con malos actores. También hay que señalar al actor Burn Gorman, actor muy conocido por la serie Torchwood (Torchwood; 2006-2008), en un pequeño papel pero con mucha importancia.

En definitiva, La Cumbre Escarlata es una película muy bien dirigida, con una fotografía y un juego de luces maravilloso, con actores en estado de gracia y una música de Fernando Velázquez estupenda. Un film que hay que ver en los cines, en pantalla grande, para saborear cada secuencia y cada minuto. Un espectáculo para los ojos del público ansioso de deleitarse con lo que están viendo.

Luis Alboreca

Terminator: Génesis

Titulo original: Terminator Genisys

Año: 2015 (Estados Unidos)

Dirección: Alan Taylor

Productores: David Ellison, Dana Goldberg

Guionistas: Laeta Kalogridis, Patrick Lussier, según los personajes creados por James Cameron y Gale Anne Hurd

Fotografía: Kramer Morgenthau

Música: Lorne Balfe

Intérpretes: Arnold Schwarzenegger (Guardián), Jason Clarke (John Connor), Emilia Clarke (Sarah Connor), Jai Courtney (Kyle Reese), J.K. Simmons (O’Brien), Dayo Okeniyi (Danny Dyson), Matt Smith (Alex), Courtney B. Vance (Miles Dyson), Byung-hun Lee (policía / T-1000), Michael Gladis (teniente Matias), Sandrine Holt (detective Cheung), Wayne Bastrup (O’Brien de joven), Gregory Alan Williams (detective Harding), Otto Sanchez (detective Timmons), Matty Ferraro (agente Janssen), Griff Furst (agente Burke), Ian Etheridge (Skynet a los 10 años), Nolan Gross (Skynet a los 12 / 14 años), Seth Meriwether (Skynet a los 18 años), Afemo Omilami (Perry), Teri Wyble (Mariam), Kerry Cahill (teniente Whitley), Mark Adam (padre de Kyle), Kerry O’Malley (madre de Kyle), Willa Taylor (Sarah de joven), Bryant Prince  (Kyle de niño), James Moses Black, Terry Dale Parks, Anthony Michael Frederick, Brandon Stacy, Brett Azar, Douglas M. Griffin, Thomas Francis Murphy, Joshua Mikel…

Sinopsis: John Connor envía a Kyle Reese a 1984, con el fin de proteger la vida de Sarah Connor. Pero llega a una realidad distinta: años atrás, ya fue enviado otro Terminator para protegerla. Ahora, el futuro será diferente…

Terminator (The Terminator, 1984) de James Cameron comenzó una saga con desigual suerte entre el público y crítica. Ahora llega Terminator Génesis (Terminator Genisys), un reboot, aunque manteniendo los elementos originales de igual forma que las nuevas películas de Star Trek de J. J. Abrams, si bien de igual modo han cogido situaciones de la serie televisiva que no se pueden explicar para no adelantar acontecimientos a los futuros espectadores.

El guion de Laeta Kalogridis y Patrick Lussier sigue básicamente la primera cinta de Cameron, con situaciones y subtramas nuevas que pretenden ser novedosas, aunque se quedan en meras anécdotas que no hacen avanzar la historia, ya que todo está desarrollado para dar constantes giros argumentales y sorprender al espectador, cosa que no consiguen, pues en realidad se vuelve una y otra vez a lo mismo. Así que se introducen personajes que nada aportan o que no explican cómo han llegado allí y se pretende que el público rellene esos huecos con su imaginación. Así mismo, las relaciones entre los personajes no están bien construidas, y sus reacciones son exageradas e incoherentes, siendo un gran ejemplo la constante testarudez de Kyle Reese en relación con el personaje de Schwarzenegger.

Los actores tampoco es que consigan que todo el conjunto avance hacia alguna parte. Intérpretes que en otros films han demostrado su valía, como Jason Clarke, que fue el protagonista de El amanecer del planeta de los simios (Dawn of the Planet of the Apes, 2014) de Matt Reeves, donde hizo un trabajo excepcional, o J. K. Simmons, el J. Jonah Jameson de tríptico de Spider-Man dirigido por Sam Raimi, están por completo desganados, sobre todo Simmons, con ese personaje sacado de Expediente X. Emilia Clarke sabe sacar más partido a Daenerys Targaryen que a Sarah Connor. Arnold Schwarzenegger está muy en su papel a pesar de sus limitaciones; nunca ha sido un gran actor, pero en ocasiones sabía brillar con decencia delante de otros intérpretes, pero aquí se esfuerza pero no lo consigue. Después de ser político se ha dejado algo por el camino.

Alan Taylor, director de aquel desastre total titulado Thor: El mundo oscuro (Thor: The Dark World, 2013), vuelve a hacer lo mismo. Una realización plúmbea, sin fuerza ni emoción, llevada a la creación de persecuciones y explosiones, todo ello construido sin garra y sin arriesgar nada, mostrando lo mil veces visto y mucho mejor ejecutado. En su trabajo en Juego de tronos (Game of Thrones; 2011–…) se ve más pasión y espectáculo, tal vez porque detrás de él hay gente que sabe cómo encauzarle y pide algo más que meros artificios.

Terminator Génesis es más de lo mismo; no es que la saga del robot asesino haya sido nunca una maravilla, pero se nota que por el camino desde ese lejano 1984 se han perdido talento, imaginación y buen hacer. En cuestión de efectos especiales y animación infográfica se ha adelantado mucho en este tiempo, pero en este film en un punto alguien se equivocó, pues no se comprende que en algunos momentos los efectos sean estupendos y en otros sean bastante chapuceros.

Se supone que después vendrán nuevas secuelas; pues esperemos que sepan hacer algo digno. Una pregunto que dejo en el aire: ¿por qué no se menciona Harlan Ellison en ningún momento en los créditos?

Luis Alboreca

El amanecer del planeta de los simios

Título original: Dawn of the Planet of the Apes

Año: 2014 (Estados Unidos)

Director: Matt Reeves

Productores: Peter Chernin, Dylan Clark, Rick Jaffa, Amanda Silver

Guionistas: Mark Bomback, Rick Jaffa, Amanda Silver basados en los personajes creados por Rick Jaffa, Amanda Silver

Fotografía: Michael Seresin

Música: Michael Giacchino

Intérpretes: Andy Serkis (Caesar), Jason Clarke (Malcolm), Gary Oldman (Dreyfus), Keri Russell (Ellie), Toby Kebbell (Koba), Kodi Smit-McPhee (Alexander), Kirk Acevedo (Carver), Nick Thurston (Blue Eyes), Terry Notary (Rocket), Karin Konoval (Maurice), Judy Greer (Cornelia), Jon Eyez (Foster), Enrique Murciano (Kemp), Larramie Doc Shaw (Ash), Lee Ross (Grey), Keir O’Donnell (Finney), Kevin Rankin (McVeigh)…

Sinopsis: Han pasado diez años desde que la gripe de los monos comenzó a diezmar la población humana. En ese lapso, César ha creado una civilización simia en el interior del bosque. Todo cambia cuando, de pronto, un humano incursiona entre la floresta…

 

Dado el éxito obtenido por El origen del planeta de los simios (Rise of the Planet of the Apes, 2011), de Rupert Wyatt, un reboot ―palabra tan en boga últimamente― de la saga de los simios, era inevitable que se realizase una secuela.

 

El director anterior, Wyatt, fue reemplazado por Matt Reeves, realizador con suficientes méritos como para continuar la senda marcada por la primera cinta; su labor en Monstruoso (Cloverfield, 2008) o Déjame entrar (Let Me In, 2010) demuestra que puede encargarse de llevar a cabo semejante propuesta. En realidad la previa dejó muy marcados los parámetros para esta continuación, delimitando por dónde debería ir y presentando la historia de forma lógica, no en vano repiten los guionistas de la anterior.

 

Si El origen del planeta de los simios era una versión bastante libérrima de La rebelión de los simios (Conquest of the Planet of the Apes, 1972), de J. Lee Thompson, la presente lo es también de la siguiente entrega de la saga cinematográfica originaria, Battle for the Planet of the Apes [tv: Batalla por el planeta de los simios; vd/dvd/bd: La conquista del planeta de los simios, 1973], también de Thompson, mezclados con las semillas plantadas en la previa, aunque se pueden ver también ciertos elementos sacados de La carretera (The Road, 2009) de John Hillcoat, sobre todo en la fotografía y en la relación de los padres con los hijos, César y Ojos Brillantes por parte de los simios, y Malcolm y Alexander por los humanos, afectuosos pero a la vez distantes, queriéndose pero sin demostrarlo.

 

Mucho de lo valioso se debe a los actores, en especial Andy Serkis, que demuestra maestría en su forma de actuar para que su personaje César, a pesar de la captura de movimientos, se muestre real, cosa que no todos los simios consiguen, también debido a que en su mayoría los rasgos parecen más humanos que simiescos. Los intérpretes humanos, tal vez porque en el guion se ha desarrollado más a los simios que a estos últimos, que en muchos casos son muy planos, no consiguen salirse de lo esquemático, aunque hacen esfuerzos para sobresalir, quedando muy en segundo plano debido a ese pequeño fallo del guion.

 

Tal vez lo peor de la película sea que el argumento no está del todo bien desarrollado. Existen elementos que no acaban de encajar: en un momento dado los simios hablan de que hace tiempo que no han visto humanos y sus dudas de si han sobrevivido, cuando al instante aparecen de sopetón sin que sean descubiertos. Además, la reacción principal propiciada por uno de los protagonistas contradice el mensaje que presenta el film, que los simios se han “humanizado” y los hombres se han “deshumanizado”. Se intenta que el espectador empatice con los primates y sus problemas, pero a la vez nos quieren decir que no todos los simios son buenos para no parecer maníqueos. Pero el problema estriba en que los humanos no están bien desarrollados y el “malo” más bien parece un idiota, quitando fuerza a las reacciones de los personajes, tanto humanos como simios.

 

Matt Reeves consigue llevar con muy buen pulso la cinta, a pesar de alguna sobreabundancia de secuencias de acción, mostrándonos la interactuación de los personajes con fuerza y ritmo, que no decae en ningún momento, haciendo estas secuencias las más interesantes. Así la evolución de los personajes, con César a la cabeza aceptando las consecuencias de sus actos y las de otros, convierte la película en un deleite para los sentidos del espectador, aunque la acción no moleste y sea consecuente con los actos de los personajes.

 

El amanecer del planeta de los simios es una digna secuela que agradará a los espectadores, con una dirección firme que mantiene al público atento a los sucesos, narrando con maestría una aventura épica sobre las decisiones que se toman y cómo se deben aceptar las consecuencias. Lección aprendida por los simios pero no por la humanidad… Así nos va.

Luis Alboreca

Historias de Bruguera

El pasado 14 de mayo Cameo ponía a la venta en formato Dvd Historias de Bruguera, documental del pasado 2012 dirigido por Carles Prats que repasa la trastienda y el funcionamiento de la que fuera la principal y más importante editorial española dedicada a la cultura popular del pasado siglo XX. En el siguiente texto, nuestro especialista Luis Alboreca nos desgrana su contenido así como las características de la edición comercializada.

LA PELÍCULA

La editorial Bruguera tiene mucha raigambre en la cultura de España, pues la gran mayoría recuerda a muchos de los personajes salidos de esta factoría del tebeo, como Mortadelo y Filemón, o Zipi y Zape. Ahora vuelve a estar en el candelero con el estreno de la película Zipi y Zape y el club de la canica (2013), dirigida por Oskar Santos, o la reciente sobre el Capitán Trueno, entre otras tantas. 

Carles Prats, documentalista entre cuyos trabajos previos podemos destacar Llámale Jess (2000), sobre Jesús Franco, o Loquillo. Leyenda urbana (2008), centrado, obvio es, en el cantante Loquillo, es el encargado de contarnos la historia de la editorial Bruguera desde un punto de vista más laboral, con entrevistas a familiares y trabajadores, tanto técnicos industriales como dibujantes y guionistas, donde nos narran los comienzos de la compañía en 1910, fundada por Joan Bruguera Teixidó como “El Gato Negro”, hasta su final en 1986.

Por parte de la familia escuchamos a Antonia Bruguera -hija del fundador-, Amélia Bruguera -hija de Francisco Bruguera Grane, continuador, junto a su hermano Pantaleón, de la empresa-, Consol Bruguera -hija de Pantaleón Bruguera Grane-, Joan Bruguera o Guillem Molinas, director industrial y esposo de Antonia Bruguera. También se entrevista a autores como Pura Campos, creadora de Esther, Jordi Bernet -hijo de Miguel Bernet “Jorge”, creador de Doña Urraca-, Guillem Cifré -hijo de Guillermo Cifré, creador de El repórter Tribulete-, Jesús Durán, Enrich (Enric de Manuel González) o Carrillo (Antonio Pérez García), así como a varios técnicos editoriales de la casa como Jordi Bayona, Antoni Guiral, editor de la “Línea Laberinto” para Planeta-DeAgostini y autor de 100 años de Bruguera, de El Gato Negro a ediciones B, o Vicent Palomares, también historiador de Bruguera.

Todos ellos nos narran la vida cotidiana de los trabajadores, autores y dibujantes de la editorial, así como anécdotas y la trastienda de esta gran empresa, como la contratación de muchos artistas que eran represaliados del régimen de Franco o ciertas peripecias desconocidas sobre Corín Tellado y Marcial Lafuente Estefanía, entre otras muchas cosas por las que vale la pena ver este documental. Se habla de tebeos y de bolsilibros (poco de estos últimos, por desgracia, ninguneándose a los autores), aunque más en el contexto industrial, cosa que puede ahuyentar a algunos espectadores, pero lo que se cuenta y la forma de hacerlo es muy interesante, sobre todo por los comentarios de los entrevistados y la forma en que vivieron esa etapa, tanto en el concepto laboral como en el político. Solo tienen una pequeña mácula: la machacona música de Jaime Stinus y esa constante cortinilla…

LA EDICIÓN

La edición en DVD por parte de Cameo es positiva, con una buena imagen y unos menúes muy simpáticos, con dibujos de algunos personajes de la editorial. El documental es en un 80 % o así hablado en catalán, y el resto en castellano, con los consiguientes subtítulos en castellano para las partes en catalán (opcionales). Los extras presentan elementos muy interesantes como “El cumpleaños del gran Vázquez”, una graciosa anécdota contada por el dibujante Carrillo, o “La crisis de Bruguera”, una versión ampliada sobre este tema, que se podría haber incluido dentro del propio documental, ya que aporta mucha más información sobre un tema fundamental. De hecho, todos los extras podrían muy bien haberse incorporado al propio film, y haberlo editado como “edición ampliada”, pues su interés lo merece.

Luis Alboreca

FICHA TÉCNICA

Titulo original: Històries de Bruguera / Historias de Bruguera

Año: 2012 (España)

Director: Carles Prats

Productoras: Sinfín, 3tv Televisió de Catalunya

Guionistas: Carles Prats, Jaume Vidal

Fotografía: Pere Ballesteros

Música: Jaime Stinus

Sinopsis: Documental sobre la editorial Bruguera desde el punto de vista industrial, con entrevistas a los trabajadores, tanto a los de las oficinas como a dibujantes y guionistas.

* Todas las imágenes del documental que acompañan el presente artículo corresponden a capturas de la edición reseñada.

Jack Ryan: Operación Sombra

Titulo original: Jack Ryan: Shadow Recruit

Año: 2014 (Estados Unidos)

Director: Kenneth Branagh

Productores: David Barron, Lorenzo di Bonaventura, Mace Neufeld, Mark Vahradian

Guionistas: Adam Cozad, David Koepp, basado en los personajes creados por Tom Clancy

Fotografía: Haris Zambarloukos

Música: Patrick Doyle

Intérpretes: Chris Pine (Jack Ryan), Keira Knightley (Cathy Muller), Kevin Costner (Thomas Harper), Kenneth Branagh (Viktor Cherevin), Lenn Kudrjawizki (Constantin), Alec Utgoff (Aleksandr Borovsky), Peter Andersson (Dimitri Lemkov), Elena Velikanova (Katya), Nonso Anozie (Embee Deng), Seth Ayott (Teddy Hefferman), Colm Feore (Rob Behringer), Gemma Chan (Amy Chang), Aleksandar Aleksiev, Andrew Byron, Derek Lea, Andy Butcher, Lloyd Bass, Marat Berdyyev, Leonard Redlich, Nick Court, Nathan Wiley, Parker Sawyers, Georg Nikoloff…

Sinopsis: Mientras está estudiando en Londres, Jack Ryan asiste por televisión al atentado del 11–S. Ello le impulsa a luchar en la guerra a favor de su país, salvando a varios compañeros, pero quedando gravemente lesionado. Mientras está recuperándose recibe la visita de Thomas Harper, de la CIA. Quiere reclutarlo…

Jack Ryan, personaje creado por Tom Clancy, ha tenido varios rostros en las adaptaciones cinematográficas de algunas novelas donde aparece. El primero fue Alec Baldwin en La caza del Octubre Rojo (The Hunt for Red October, 1990), dirigida por John McTiernan, después fue encarnado por Harrison Ford en dos películas más, y por último con Ben Affleck se intentó un nuevo inicio en Pánico nuclear (The Sum of All Fears, 2002), de Phil Anden Robinson. Ahora, con la presente se intenta de nuevo comenzar la franquicia con otro intérprete, Chris Pine, el capitán Kirk en el relanzamiento de la saga espacial Star Trek, donde se nos muestra el “origen” del personaje pero actualizando el concepto. La historia transcurre en una actualidad post  11 de septiembre, muy en la línea de las aventuras protagonizadas por su hijo, Jack Ryan Jr., y que comenzaron con la novela The Teeth of the Tiger de 2003. Así que vemos un personaje más joven para que atraiga al público potencial que ahora va al cine, los jóvenes.

El guion original de Adam Cozad fue reescrito por el propio autor para convertirse en una aventura de Jack Ryan, y en algún momento se contrató a David Koepp, reputado guionista cuyos trabajos son muy valorados, aunque no debió poder arreglar mucho, ya que este es el principal defecto de Jack Ryan: Operación Sombra. El argumento parece sacado de otras tantas películas de espías, con momentos bastante ridículos que hacen parecer la cinta una comedia romántica, u otros que en nada aportan al devenir de los acontecimientos, como la inclusión en la trama de la novia de Ryan, que solo sirve para la típica persecución. Los personajes son estereotipados y sin un gramo de personalidad, ni siquiera con carisma para atraer al público, salvo en algunos momentos con el personaje interpretado por Kenneth Branagh, que es sin duda tarea del actor, y que, tal vez, lo convierta en el más interesante: un villano que no es tonto ni tiene berrinches.

La realización de Kenneth Branagh es bastante plana y poco elaborada, con escenas de acción demasiado aceleradas y adrenalíticas, salvo el momento de la pelea en la habitación que queda resultona. Otras, sin embargo, parecen demasiado recargadas y deudoras del cine de los setenta como La carta del Kremlin (The Kremlin Letter, 1970) de John Huston, por ejemplo, como las rodadas en el bosque. Aunque hay un momento muy logrado, la conversación entre Keira Knightley y Branagh, donde el espectador llega a empatizar con el personaje de este último. Hay que fijarse en el rostro de Branagh mostrando su decepción…

Los actores hacen un encomiable trabajo, destacando Kevin Costner, que con su madurez  ha aprendido mucho sobre cómo ser un buen actor, y Kenneth Branagh, que sabe sacar partido a un personaje demasiado estereotipado. También hay que mencionar a Keira Knightley, actriz con mucho bagaje pese a su juventud y que ha demostrado su buen hacer en películas como Nunca me abandones (Never Let Me Go, 2010) de Mark Romanek o Un método peligroso (A Dangerous Method, 2011) de David Cronenberg, y que a pesar de que su personaje está puesto con calzador en la trama, ella se toma en serio el trabajo y sabe sacarlo adelante, saliendo airosa en su encuentro con Branagh. Chris Pine como Jack Ryan es el eslabón débil dentro de la cadena de buenas interpretaciones; el actor no convence como el héroe de la función, no tiene carisma y su interpretación es plana, sin brío.

Jack Ryan: Operación Sombra nos presenta un nuevo héroe para la nueva generación de espectadores con una película de acción rápida, no demasiado liosa y entendible para su público potencial. Pero con un argumento previsible, poco trabajado y con agujeros que no explican nada. Como siempre, los productores prefieren el ruido y las explosiones que contar una historia bien construida. Prefieren lo efímero a lo duradero, que el espectador degluta en vez de que saboree.

Luis Alboreca

Star Trek: En la oscuridad

Titulo original: Star Trek Into Darkness

Año: 2013 (Estados Unidos)

Director: J. J. Abrams

Productores: J. J. Abrams, Bryan Burk, Alex Kurtzman, Roberto Orci, Damon Lindelof

Guionistas: Roberto Orci, Alex Kurtzman, Damon Lindelof, según la serie creada por Gene Roddenberry

Fotografía: Daniel Mindel

Música: Michael Giacchino

Intérpretes: Chris Pine (Kirk ), Zachary Quinto (Spock), Zoe Saldana (Uhura), Karl Urban (Bones), Simon Pegg (Scotty), John Cho (Sulu), Anton Yelchin (Chekov), Benedict Cumberbatch (John Harrison), Bruce Greenwood (Pike), Peter Weller (Marcus), Alice Eve (Carol Marcus), Leonard Nimoy (Spock)…

Sinopsis: La Federación de Planetas se enfrenta a un enemigo desconocido que ha causado varios desastres en la Tierra. El capitán Kirk es asignado para capturar al responsable de los ataques, pero Kirk y la tripulación de la Enterprise descubrirán que hay algo más detrás de este poderoso enemigo…

La saga de Star Trek es una de las más longevas del cine y la televisión. Después de seis series, sin contar la serie animada como parte de la clásica, y diez películas, parecía que la saga estaba agotada, hasta que en 2009 la franquicia fue relanzada por Jeffrey Jacob Abrams, exitoso responsable de series como Alias (Alias; 2001–2006) o Perdidos (Lost; 2004-2010) por mencionar unas pocas, y director de las películas Misión: Imposible III (Mission: Impossible III, 2006) o Super 8 (Super 8, 2011). Con el éxito espectacular de esta remozada Star Trek no era difícil de imaginar que una secuela llegase hasta las pantallas de medio mundo.

 

Con guion de la pareja Roberto Orci y Alex Kurtzman, los mismo que la anterior cinta, y con ayuda de Damon Lindelof, esta secuela nos muestra una nueva aventura en este universo alternativo de Star Trek que comparte elementos con el clásico, distorsionado desde la perspectiva más “moderna” del actual director, aunque se nota que los personajes están bastantes más trabajados que en la anterior, a pesar de dejarles con los elementos más identificables de estos, como el insoportable humor de Simon Pegg en su papel de Scotty, o la chulería de Kirk. La trama también está mejor hilvanada, pero como siempre en estos casos, todo se ha construido hacia la acción sin mesura. Hay vueltas de tuerca para despistar al espectador conocedor de las aventuras anteriores de Star Trek, pero de una forma harto simplona y que se ve venir a la legua. Aunque hay un elemento que recuerda a un episodio de la serie Star Trek – La nueva generación, uno que creó no poca polémica en su época…

La realización de Abrams está supeditada a la acción y, por tanto, en las secuencias donde se debería hablar las rueda con planos demasiado cercanos o con los actores soltando sus frases estirados y estoicos, intentando dar emoción a algo que no tiene o dejando paso a un humor pedestre que irrita en vez de hacer reír. La acción es espectacular, explosiva y muy llamativa, hay gritos, carreras y peleas, poco más… No hay tensión, ritmo ni verdadera emoción.

Los actores parecen más asentados en sus personajes, lo cual es decir mucho; todos saben lo que se les pide y lo hacen correctamente, sin esforzarse. Bruce Greenwood es un estupendo Pike, lástima que nunca se le dé mucho provecho, y Benedict Cumberbatch, un excelente Sherlock Holmes, construye un personaje estimable con los pocos elementos que le dan, porque por desgracia el villano de la función solo funciona por el enorme trabajo que realiza Cumberbatch; con otro actor este personaje sería el típico malo de opereta…

Star Trek En la oscuridad es una mala película de ciencia ficción, aunque molesta mucho menos que su predecesora, si bien tiene todos los elementos para ser el éxito que se espera de ella. El guion quiere tomar elementos de una de las mejores películas de la franquicia anterior, pero todo lo supedita a sorprender a los aficionados dando vueltas a los personajes ya conocidos, como por ejemplo Carol Marcus, madre del hijo de Kirk, que apareció en Star Trek II – La ira de Khan (Star Trek: The Wrath of Khan, 1982), aquí como una posible y futura conquista de Kirk, así como otro elemento que en esta versión es partícipe como otro miembro de la tripulación. Lástima que hayan intentado atraer al publico hacia Star Trek por el camino contrario a como eran las series y películas anteriores.

Luis Alboreca