Entrevista a María Kosti

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Nacida en Madrid en 1951, María Kosti pertenece a esa rara estirpe de intérpretes que, a día de hoy, han conseguido el difícil mérito de hacerse un hueco en la memoria de los espectadores españoles. En activo desde los quince años, sus múltiples trabajos para teatro, cine y televisión dan buena cuenta de una prolija trayectoria que, solo en la pequeña y gran pantalla, se encuentra próxima a alcanzar la redonda cifra del centenar de trabajos. Aunque para el gran público su figura suele estar asociada a sus intervenciones dentro de la comedia española, donde trabajó a las ordenes de directores tan característicos y fundamentales como Pedro Lazaga, Mariano Ozores, Pedro Masó o Luis María Delgado, en los albores de su carrera María se convertiría en uno de los rostros más característicos de nuestro querido fantaterror. Un bagaje que, durante su última edición, el Festival de Sitges quiso reconocer haciéndole entrega del premio honorífico Nosferatu que año tras año la sección “Brigadoon” concede a un destacado profesional relacionado con el género como reconocimiento a su trayectoria. La mañana siguiente de recibir el reivindicativo galardón en olor de multitudes, una María simpática, cercana y aún emocionada por el homenaje recibido pocas horas antes, repasó con nosotros su experiencia dentro de los márgenes del cine fantástico, así como sus recuerdos de algunas de las personalidades más destacadas con las que coincidió en aquellos tiempos del denominado “terror de pipas”.

María Kosti dirigiéndose al público tras recibir el Premi Nosferatu del Festival de Sitges como reconocimiento a su trayectoria.

María Kosti dirigiéndose al público tras recibir el Premi Nosferatu del Festival de Sitges como reconocimiento a su trayectoria.

– Durante la primera parte de tu carrera son varias las películas de género fantástico en las que intervienes, siendo especialmente numerosas las enmarcadas dentro del cine de terror nacional, corriente en la que te convertirías en una de sus presencias más recurrentes. ¿Esta, llamémosle, especialización fue algo totalmente fortuito o existía en ti un interés especial por este tipo de films?

Fue absolutamente fortuito. Esta especialización vino de la mano de León Klimovsky, con el que había trabajado en La casa de las chivas. Él firmó un contrato en exclusiva con la productora catalana Profilmes, que en ese momento se dedicaba a hacer cine de terror. Empezaron muy fuerte apostando por este género y tenían en plantilla a directores como Amando de Ossorio, Juan Bosch o el propio Klimovsky. Y como a él le gustaba mi manera de trabajar, contó conmigo para varias de estas películas.

– Con la perspectiva que da el paso del tiempo, ¿cómo recuerdas aquella etapa de tu carrera?

Era una etapa en la que trabajaba mucho y por ello estaba muchas veces muy cansada. Tanto es así que en una de estas películas, La saga de los Drácula, me quedé dormida en un ataúd. Estábamos en la Cartuja de Talamanca del Jarama. Durante el rodaje, tenía como una hora libre entre una escena y otra. Para hacer tiempo, me puse a dar una vuelta y llegué hasta la cripta. Allí estaba el ataúd donde descansaba el conde Drácula, que interpretaba Narciso Ibáñez Menta. Lo observé y tenía una pinta con su colchoncito, su almohada de seda… Total, que con el cansancio que arrastraba de simultanear dos funciones diarias en el teatro con la grabación de la película me eché a dormir en él. Pasaron como dos horas y, claro, el equipo comenzó a buscarme como locos por todos los sitios sin que yo apareciera, hasta que bajó un eléctrico a coger una manga. Al escucharle me incorporé desde el ataúd asustada. El hombre pegó un salto que no te puedes imaginar. Para colmo, todo lo que había alrededor del ataúd eran calaveras, tibias, peronés y cosas por el estilo, que yo pensaba que serían de atrezo, pero no: eran los restos de los monjes que estaban enterrados en esa cripta.

– Entrando a repasar tu filmografía fantástica, tu debut en el género se produce en 1969 con El perfil de Satanás. ¿Qué tal fue esta primera experiencia?

Personalmente no considero El perfil de Satanás una cinta de temática fantástica. El demonio no deja de ser una figura alegórica del capitalismo. Digamos que no es de terror puro y duro como lo que haría después. Era otro tipo de terror sobre lo que ahora mismo existe. Es el terror de las ansias de poder, de dinero, la corrupción, la venta de armas y de drogas, el cómo un país se come a otro… Todo lo que ahora mismo estamos viviendo lo denunciaba ya entonces esta película, lo que demuestra lo poco que ha cambiado el mundo en todo este tiempo.

– El máximo artífice de este título sería Juan Logar, todo un hombre orquesta que dirigía, producía, escribía, interpretaba y, en ocasiones, incluso hasta musicaba sus películas…

También era y es actor de doblaje. Precisamente, hará un par de años hizo una película titulada Aún hay tiempo, en la que volví a reencontrarme con él. Lógicamente, era ya un señor muy mayor, pero con muchísima ilusión, y el guion era muy bonito. Aparte de mí, también estaban Ramón Langa y Pedro Peña, que desgraciadamente ha fallecido hace poco.

La peculiar familia vampírica de "La saga de los Drácula". De izda. a dcha.: Helga Liné, Narciso Ibáñez Menta, Cristina Suriani y María Kosti.

La peculiar familia vampírica de “La saga de los Drácula”. De izda. a dcha.: Helga Liné, Narciso Ibáñez Menta, Cristina Suriani y María Kosti.

– No es hasta cuatro años después de esta primera toma de contacto que no retornas al género; lo haces por partida doble con la ya comentada La saga de los Drácula y La rebelión de las muertas, ambas dirigidas por León Klimovsky, a quien siempre se le ha achacado la rapidez con la que despachaba los proyectos que le eran encomendados. Tú que tuviste la oportunidad de trabajar con él repetidamente, ¿hasta qué punto esta leyenda era cierta?

Lo que pasa es que a él le daban un presupuesto del que no podía pasarse, y lo que hacía era no perder el tiempo en dirigir a los actores. Era una persona muy efectista. Sabía mucho de cine y decía que las motivaciones te las trajeras de casa, que allí se iba a rodar un plano tras otro, lo que propiciaba una forma de trabajar en la que el actor tenía que sacar todos sus recursos. Afortunadamente, yo traía una formación del teatro, donde había trabajado con directores muy buenos como José Luis Alonso o Miguel Narros, aunque en realidad luego no te servía de nada, ya que, una vez salía el monstruo, con que gritaras bastaba. Por eso había esas desigualdades en las interpretaciones si quieres, porque entonces no hacíamos sonido en directo. ¿Qué ocurría? Que llegaban actores con su texto aprendido y el personaje preparado y otros que rezaban el padre nuestro porque no se lo habían estudiado, como me ocurrió a mí en cierta ocasión con cierto actor. Entonces, claro, había que tener mucho oficio.

En La saga de los Drácula el papel protagonista correría por cuenta de toda una leyenda del género como Narciso Ibáñez Menta. ¿Cómo fue trabajar codo con codo junto a tan genial intérprete?

A mí me dijo una vez: “María, no esperes enamorar a la cámara ni que la cámara se enamore de ti. Tú tienes que ser la cámara. Tus ojos tienen que traspasar la pantalla y hacer sentir a la gente que te estás metiendo en ellos.” Era una cosa impresionante porque, además, cada personaje que él interpretaba lo mimaba y lo rodeaba de matices. De repente lo veías y tenía una oreja distinta que llevaba picuda. Al otro día tenía la nariz ganchuda, al otro día la boca torcida, al otro día la barbilla… Era algo espectacular. Pero, sobre todo, al trabajar con él frente a frente, y también en pantalla, su presencia provocaba frío. Cuando él estaba metido en el personaje producía como una especie de repelús. En una palabra: imponía. Luego terminado el trabajo era un hombre súper amable. Pero cuando él te miraba mientras estábamos rodando te dejaba como helada.

– Si en La saga de los Drácula coincidirías con el gran Ibáñez Menta, en La rebelión de las muertas lo harías con el tótem por antonomasia del cine de terror español, Paul Naschy, con el que repetirías después en varias ocasiones. Dada su condición de guionista y estrella principal, ¿solía intervenir en el trabajo del director?

No, al contrario. Él se ceñía a su papel de actor y, además, era una persona muy generosa, a quien le gustaban muchos los actores. Siempre me decía: “María, si hago algo que tú no te sientas bien, dímelo y lo trabajamos juntos.” Él respetaba mucho a la gente que había hecho teatro. Yo me llevaba muy bien con Jacinto, la verdad. Una cosa que me hacía mucha gracia era cómo describía en el guion a los personajes que él interpretaba. Siempre ponía lo mismo: “Mirada profunda, nariz ligeramente aguileña, musculoso aunque no muy alto, sensual y atractivo.”

Loreta Tovar y María Kosti convertidas en mujeres leopardo prestas a atacar a Kali Hansa en "La noche de los brujos".

Loreta Tovar y María Kosti convertidas en mujeres leopardo prestas a devorar el cuello de Kali Hansa en “La noche de los brujos”.

– Tras estos dos trabajos, inicias tu serie de colaboraciones con el gallego Amando de Ossorio, comenzando con La noche de las brujas, película rodada en el Safari Park de Madrid haciéndolo pasar por la sabana africana, y en la que uno de sus principales reclamos estaba en un elenco de atractivas féminas compuesto por Loreta Tovar, Kali Hansa, Bárbara Rey y tú misma…

De esta película publicaron una foto graciosísima en Fotogramas en la que salgo yo mientras las otras hacían de mujeres pantera que me intentan morder. En el pie de foto ponía: “María Kosti, Loreta Tower y Barbara King.” ¡Es lo más friki del mundo y a mí me encanta! (Risas) Bárbara era muy graciosa. Decía que era muy atlética, así que empezaba a dar saltos para subir a los árboles y un día se dio un tortazo que no podíamos rodar de la risa que nos entró.

Aunque algún actor, como sin ir más lejos el protagonista masculino de La noche de los brujos, Simón Andreu, me ha desmentido tal extremo, sobre Ossorio pesaba la acusación de estar más pendiente de sus criaturas que de dirigir a los actores. ¿Contigo fue así?

Totalmente. Además te pedía cosas imposibles. A mí un día que había puesto un travelling en alto me dijo: “Durante la escena sáltalo, pero sin que se note”. Por más que le expliqué que aquello que me pedía era imposible, él siguió en sus trece. Así pues hice la toma según sus indicaciones y al intentar saltar el travelling me di una leche de impresión contra el suelo. Sin levantarme, instintivamente, me dirigí a Amando y le dije: “¿Lo ves como no se puede hacer?” Ni corto ni perezoso, ordenó cambiar la posición de la cámara y continúo como si no hubiera pasado nada.

– No obstante, los papeles que interpretarías para él paradójicamente tendrían una mayor carga dramática de lo que solía ser habitual en esta clase de películas…

No. Era porque el texto lo pedía así, nada más. Lo que ocurre es que hay películas donde los personajes tienen carga y otras en las que tienen menos carga. Pero si hubo alguien que confió en mí fue León. Al hilo de esto, la pega que veo a estas películas, que las quiero mucho y me encanta volver a verlas, es lo solos que estábamos los actores. No había una unión. Era muy difícil encontrar a alguien de tu rollo, por así decirlo, y la rara vez que lo hacías te puedes imaginar. Por ponerte un ejemplo, en este sentido, el coincidir en La endemoniada con Julián Mateos, fue divino, porque estábamos encantados preparando nuestras cosas, pero si por el contrario dabas con alguien al que la película le importaba tres narices y solo iba allí a lucirse, lo pasabas mal.

María en una escena perteneciente a "Una libélula para cada muerto".

María en una escena perteneciente a “Una libélula para cada muerto”.

Por las mismas fechas en las que participas en La noche de los brujos, lo haces también en un par de giallos; de nuevo con Naschy y Klimovsky en Una libélula para cada muerto y en la coproducción hispano-italiana Los mil ojos del asesino, protagonizada por Anthony Steffen, por entonces de cierta popularidad gracias a sus personajes en el spaghetti-western…

En realidad, Los mil ojos del asesino fue una de las primeras películas de este tipo que hice. Lo recuerdo porque se rodaba en Portugal y para viajar hasta allí necesitaba tener pasaporte. Por aquella época para sacarte el pasaporte o el carnet de conducir tenías que hacer el auxilio social, pero como a mí no me daba la gana hacerlo, gracias al rodaje de esta película la productora se encargó de que me dieran el pasaporte.

– Volviendo a tus colaboraciones con Ossorio, en 1975 desempeñas el papel de la heroína de La noche de las gaviotas. ¿Cómo afrontaste el reto de enfrentarte a uno de tus primeros personajes protagonistas para la gran pantalla?

Con anterioridad ya había encarnado más personajes protagonistas, y el hecho de que fuera una película de terror tampoco cambiaba mucho las cosas. Para mí el cine de terror no tiene demasiada diferencia con otros géneros. Son sensaciones. Al igual que hay gente que se prepara para conocer el amor o para que le toque la lotería, el actor tiene que estar preparado; tiene que tener toda su psique lista para que de repente se abra una puerta y aparezca una mano, un templario o lo que sea.

– Esta película sería la cuarta y última entrega de la saga de los monjes templarios creada por Amando de Ossorio. ¿En el momento de rodarla conocías los films anteriores?

No. Yo entré en este mundo con estas películas. O mejor dicho, me reencontré con él, porque mi padre, que era un cachondo andaluz, cuando era pequeña y me ponía pesada me contaba la historia del hombre sin cabeza que a mí me daba terror. Así que él siempre me amenazaba con contármela. Después, cuando vi el Frankenstein de Boris Karloff y vi la escena en la que primero tira la margarita y después la niña, se acabó por completo el cine de terror para mí. (Risas)

El personaje de María es observado desde la ventana en un momento de "La noche de las gaviotas",

El personaje de María es observado desde la ventana en un momento de “La noche de las gaviotas”,

– Al igual que en otros títulos en los que participaste, La noche de las gaviotas a día de hoy está considerada un film de culto en todo el mundo. ¿Qué opinas de esta reputación, teniendo en cuenta que en origen se trataba de producciones bastante modestas industrialmente hablando, y por lo general vilipendiadas cuando no ignoradas por la crítica?

A mí todo lo que suceda para bien me encanta. Si hay una satisfacción grande que me he llevado en mi vida ha sido venir a Sitges y ver a gente que podría ser mis hijos pidiéndome hacerse fotos conmigo y trayéndome películas para que se las firme. Es algo que te cuentan y no te lo crees. Te puedo jurar que ni una noche de estreno en el Español siendo la primera actriz me ha dado la misma emoción que he sentido al recibir en el Auditori el premio Nosferatu del Festival, porque es algo que no te esperas. Sobre todo en este momento, en que no estoy tan activa como en aquella época en la que simultaneaba teatro, cine y televisión, y estaba continuamente trabajando. Ahora, con esto de que la industria no está muy boyante y que las actrices mayores parece que no tenemos cabida, es muy difícil. Tanto es así que, en mi caso, durante los tres últimos años he hecho dos películas. Por cierto que una de ellas, El señor Manolo por las buenas o por las balas, roza el cine de terror aunque de otra manera. Mi personaje es muy bonito. Es una mujer que tiene alzhéimer, pero también dispone de momentos de lucidez. Y cuando vuelve, lo hace como un terremoto.

– Coincidiendo con la realización de El exorcista, participas de dos exploits autóctonos concebidos con el propósito de adelantarse al estreno de este film norteamericano en España. Me refiero a La endemoniada, tu tercera y última colaboración con Amando de Ossorio, y Exorcismo, en la que te reencuentras con otros dos viejos conocidos, Paul Naschy y Juan Bosch, el director de Los mil ojos del asesino. ¿Eras consciente de la naturaleza de estas propuestas? ¿Conocías el film de William Friedkin en ese momento?

Por supuesto que el equipo lo sabíamos pero, al menos yo, no había visto la película.

Dos Marías, Kosti y Perschy, atienden a una endemoniada Grace Mills en “Exorcismo”.

– Respecto a La endemoniada, algunas fuentes indican que su rodaje se desarrolló en poco más de siete días y que, en tu caso, entraste en el reparto en sustitución de la inicialmente prevista María Silva, después de que, tras el primer día, sus responsables comprobaran que no daba el tipo que el personaje requería. ¿Fue así?

En siete días no fue. Creo. Sí puedo decir que a lo mejor estuve cuatro días, porque ya sabes que las secuencias se agrupan y ruedas toda tu parte seguida. Y lo de María no lo sé. He trabajo mucho con ella y me lo podría haber dicho.

– Siguiendo con las informaciones confusas, en algunas de tus filmografías que circulan por la red figura tu participación de forma no acreditada en Leonora, el tercer film del hijo de Luis Buñuel, Juan Luis. ¿Interviniste realmente en esta película?

No participé, pero sí es verdad que me llamaron para el papel que finalmente haría Carmen Maura y yo lo rechacé. Preferí hacer otra película que ahora mismo no recuerdo, en la que el personaje que me ofrecían tenía mayor importancia. La verdad es que soy poco mitómana en este sentido, y en ese momento no le di ninguna importancia a que fuera una película de Juan Luis Buñuel. Por estas cosas del destino, curiosamente años después sí que trabajaría con él en una cosa que hicimos para televisión titulada El laberinto de Adriana, con Emma Suárez y Jean-Pierre Cassel de protagonistas. [N.d.a. Se refiere a Ariadna, capítulo perteneciente al formato Alta tensión, compuesto por un total de quince episodios de temática policiaca.]

– Otro film en que también se te nombra como parte del reparto es El espiritista, una coproducción hispano-portuguesa que tenía en Vicente Parra a su actor protagonista…

Tampoco participé.

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– El final de la Dictadura coincide con el despegue definitivo de tu carrera y tu desvinculación de este tipo de películas. ¿Cuáles han sido las causas para que desde entonces no hayas vuelto a incidir en el género fantástico?

No me han llamado más. También coincidió que al final de la dictadura comenzó el destape puro y duro, además de barato. Entonces, si tú haces la misma historia pero encima enseñando las tetas, como que no.

– Una última curiosidad. ¿De dónde viene tu nombre artístico?

Mi padre se llamaba José Mesa Kosti, y como a Ana Mariscal, con la que di mis primeros pasos en el oficio, el nombre de María Soledad Mesa no le gustaba, comenzó a jugar con mis apellidos hasta que dio con María Kosti. Le sonó bien y lo adapté.

José Luis Salvador Estébenez

Published in: on abril 1, 2015 at 5:24 am  Dejar un comentario  
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Nace el festival itinerante “Sitges Tour A Contracorriente”

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El martes de la pasada semana los madrileños cines Conde Duque-Santa Engracia acogieron la puesta de largo de cine “Sitges Tour A Contracorriente”, una atractiva y aplaudible iniciativa surgida de la asociación del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya y la distribuidora y productora A Contracorriente Films. Se trata de una suerte de festival itinerante que acercará a distintos lugares del país una selección de cuatro películas programadas en la pasada edición del certamen catalán y que de otro modo tendrían muy difícil su acceso a nuestras salas comerciales debido a la complicada situación en la que se encuentra sumida la distribución cinematográfica en España.

Para esta primera edición, el “Sitges Tour A Contracorriente” contará con cuatro títulos que, además de sus cualidades artísticas, representan de un modo inmejorable la que vienen siendo las corrientes más predominantes en el Festival de Sitges; desde la propuesta genérica pura y dura de la notable OculusEl espejo del mal, hasta The Target (El objetivo), representante de la inagotable cantera de exponentes surgidos de último thriller asiático, pasando por el humor cafre y desenfadado de la delirante Zombeavers (Castores zombies), sin olvidar a Lawless (Sin ley), sin duda el título más valioso del cuarteto, al que ni su calidad, ni el estar protagonizada por importantes estrellas hollywoodienses le ha librado de dormir el sueño de los justos por estos lares hasta la fecha durante más de dos años.

Con estos mimbres, la iniciativa echará a andar en Madrid, donde a partir del 6 de marzo los propios cines Conde Duque Santa Engracia proyectarán los films seleccionados durante un tiempo limitado de una semana. En estos cines se podrá adquirir un abono para poder disfrutar de las cuatro películas por 12 euros. Tras su paso por la capital, el Sitges Tour A Contracorriente viajarápor toda España. Aunque la confección final de su recorrido aún no está cerrada, de momento es seguro que visitará Barcelona (Phenomena), Alcalá de Henares (Cine La Dehesa Cuadernillos), Barakaldo (Cinesa Max Ocio), Cornellà de Llobregat (Cines Full HD), Granada (Kinepolis), Lleida (Espai Funàtic), Majadahonda (Cines Zoco), Mairena de Aljarafe (Metromar Cinemas 12 UCC), Oviedo (Cinesa Parque Principado) Santander (Cines Peñacastillo), Valladolid (Cines Broadway / Manhattan), Málaga (Cine Albéniz), Palma de Mallorca (Cineciutat), Pamplona (Golem La Morea), Puerto de Santa María (Multicines Bahía Mar) y Sevilla (Cines Avenida).

Más información: http://www.acontracorrientefilms.com/

Published in: on marzo 2, 2015 at 6:25 am  Dejar un comentario  
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Entrevista a Milan Todorovic, director de “Nymph”

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En su cuadragésimo séptima edición, el Sitges-Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya hizo entrega de su galardón denominado Màquina del Temps a Dick Miller y Franco Nero. En los dos casos, además de recoger el premio honorífico que el certamen les concedía como reconocimiento a su trayectoria, los veteranos actores aprovecharon su estancia en la localidad catalana para presentar diferentes trabajos en los que estaban involucrados. Mientras el norteamericano arroparía el pase de su documental biográfico That Guy Dick Miller, el italiano haría lo propio con un par de títulos: el también documental Electric Bogaloo. The Wild, Untold Story of Cannon Films y Nympha, una monster movie de nacionalidad serbia en la que el inolvidable intérprete de Django da vida a un personaje secundario, pero de vital importancia en el devenir de la trama.

También conocida con los títulos de Mamula y Killer Mermaid, el film en cuestión ha supuesto el debut en solitario como realizador de Milan Todorovic, quien en 2009 hiciera sus primeros pinitos tras las cámaras junto a Milan Konjevic en Zone of the Dead, incursión en la temática zombi con participación española de la que en estos momentos se encuentra preparando una secuela. Así nos lo hizo saber en la conversación que mantuvimos escasas horas después de que el cine Retiro acogiera la proyección de Nymph dentro de una maratón completada con el pase de Wolfcop, Knights of Badassdom, Premature y el cortometraje Nighsatan and the Loops of Doom.

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– Desde el estreno de la que fuera tu ópera prima, Zone of the Dead, hasta esta Nymph han transcurrido cinco años. ¿Por qué has tardado tanto tiempo en dirigir tu segunda película?

Lleva tiempo hacer una película, especialmente cuando eres de un país como Serbia, donde hacer una película de terror lleva aún más tiempo. Allí dependes mucho de la financiación del gobierno, y si no la tienes te toca buscar el dinero por otras vías. De hecho, estaba preparando dos películas más, pero una de ellas he debido posponerla de manera indefinida, mientras que la segunda, que será la secuela de Zone of the Dead, estamos actualmente buscando los medios que nos permitan rodarla para el año que viene. Espero que no tenga que esperar cinco años más, ya que mi intención es la de filmar una película por año.

– Es curioso, teniendo en cuenta las dificultades que comentas para hacer cine de terror en Serbia, que hace unos pocos años se produjera una especie de eclosión de este tipo de películas procedentes de tu país, con ejemplos como la propia Zone of the Dead, The Life and Death of a Porno Gang o la célebre y polémica A Serbian Film. ¿Fue coincidencia la aparición en un corto espacio de tiempo de todos estos films, o realmente se estaba formando una especie de escenario dedicado al cine fantástico y de terror?

De hecho tenía esperanzas de que, cuando rodamos Zone of the Dead, fuera de algún modo el pistoletazo de salida para la creación de un movimiento dedicado a este tipo de cine y, sobre todo, que esta iniciativa iba a estar apoyada por el estado. Creo que las películas de este género pueden tener un tirón mayor entre el público que, por ejemplo, los dramas. Personalmente, he estado promoviendo este cine en Serbia para que sea reconocido y que la gente entienda que las películas fantásticas y de terror pueden ser mucho más importantes que otras con un perfil, digamos, más artístico. Pero hasta ahora todo ello no ha ido más allá de las tres películas que citas, aunque parece que algo está cambiando. De momento, con Nymph hemos conseguido una subvención con dinero público para la producción, lo que supone un hito muy importante por cuanto de reconocimiento tiene a la calidad de la película. Eso, por un lado. Y por otro, porque viene a reconocer la importancia del cine fantástico. Esperemos que no se trate de un caso aislado, sino el inicio de una nueva tendencia.

– Comparadas con The Life and Death of a Porno Gang y A Serbian Film, los discursos de tus películas quizás sean menos personales, pero sus propuestas resultan mucho más universales. Debido a lo que comentas, parece claro que tienes más que asumido que tu obra no se debe centrar en el mercado serbio, sino que debe aspirar a abrirse paso internacionalmente…

Siempre he querido hacer películas que no fueran para mí, para verlas en mi casa con mis amigos. Por el contrario, mi intención siempre ha sido llegar al máximo público posible. Es por eso que intento hacer películas que entretengan y que lleguen así a esa audiencia. Este es uno de los motivos que me lleva cinco años para rodar un nuevo título; se lo enseño a todo el mundo para que me digan lo que les parece. Además, en mi opinión, parte del arte y del entretenimiento que supone el cine es la de llegar a un amplio espectro de espectadores. Es decir, mi objetivo principal es entretener a la audiencia y, a partir de ahí, añadir otros elementos que quizás no sean tan visibles a primera vista, como puede ser el comentario sobre la caída de Yugoslavia que he incluido en Nymph.

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– Ya que lo comentas, en cierto sentido en Nymph vinculas la presencia de la criatura monstruosa con el pasado político vivido en la isla en la que transcurre la historia, lo que en cierto modo la hermana con otros títulos recientes, como puede ser el díptico Dead Snow, la española Panzer Chocolate o la saga Outpost, en la que el terror proviene de esa Europa de mediados del pasado siglo dominada por los totalitarismos de uno u otro signo político…

Bueno, a decir verdad el régimen comunista no fue demasiado duro, aunque, obviamente, sí que era un tipo de totalitarismo. Como comentaba antes, he intentado relacionar de alguna forma la película con la política, pero no de una manera directa. Inicialmente, en Nymph era un elemento que no estaba presente. Había un monstruo sirena y fue después cuando apareció esa metáfora política. El significado para mí era el que Yugoslavia aún existe como concepto en la memoria de las personas, lo que no deja de ser paradójico, en tanto una vez este concepto de nación fue aceptado por sus habitantes el país desapareció para siempre. Entonces, intentaba hablar sobre la carga que ello supone para toda esa gente, aunque también del totalitarismo. El lugar donde transcurre la acción tenía que ser una de las seis repúblicas yugoslavas, aunque finalmente no fuera así. Pero, si te fijas, en la película puedes ver tanto una cruz ortodoxa como una estrella comunista roja. Mi intención con ello era enfrentar dos símbolos opuestos. Desgraciadamente, como nos tocó rodar en muy poco espacio de tiempo, tuvimos que centrarnos en que el resultado fuera entretenido, dejando de lado un poco estos significados. Es por ello que dudo que alguien en su versión final sea capaz de considerar a Nymph una alegoría en contra de los totalitarismos.

– Otra idea que aparece muy presente en la película es el tema de la belleza, expuesta tanto en la dualidad que enfrenta la fragilidad de esas dos atractivas turistas con una sirena que, en realidad, esconde una horrible bestia sedienta de sangre, como por los fotogénicos parajes en los que discurre el relato. ¿Responde a la repetición de un arquetipo tan asentado en el género o, por el contrario, hay algo más?

Realmente, el argumento de Nymph es una historia muy arquetípica, como indicas. La primera vez que me hablaron de él no había monstruo ni sirena por ningún lado. Pero cuando apareció la idea de que el mal viniera de una bella sirena que hipnotiza a sus víctimas para después intentar matarlas fue un elemento que me atrajo. De hecho, siempre estuve fascinado por La Odisea de Homero, hasta el punto que el  personaje de Scylla, la sirena, está inspirado en esta obra. Por otra parte, quería filmar una película que estuviera ubicada en un emplazamiento realmente bello que sirviera de escenario a la historia. En el caso de la sirena, estuvimos desarrollando el concepto del monstruo durante mucho tiempo. Pensamos que lo más correcto sería mostrar su belleza externa y que en el momento en que atrajera a los hombres fuera cuando enseñara su verdadera cara. Quería que lo hiciera de una forma muy plástica, que acentuara ese contraste entre una mujer muy bella que en realidad es un monstruo.

Milan Todorovic y Franco Nero junto a otros miembros del reparto durante un descanso del rodaje.

Milan Todorovic y Franco Nero junto a otros miembros del reparto durante un descanso del rodaje.

– Sin lugar a dudas, uno de los principales atractivos que guarda el film es la presencia de Franco Nero. ¿Cómo conseguiste involucrarle en el proyecto y qué tal ha sido la experiencia de rodar con él?

El trabajar con Franco Nero seguramente sea uno de los puntos culminantes de mi carrera hasta el momento. Es un gran profesional que nos ha ayudado mucho a desarrollar su personaje e, incluso, se ha involucrado en parte del guion. Lo conocimos a raíz de coincidir en un festival de cine. Comenzamos a hablar, le caí muy bien y así empezó nuestra relación. No obstante, en honor a la verdad habrá que decir que fue un encuentro algo premeditado por mi parte. Este festival se celebraba en Eslovenia y todo el mundo estaba muy borracho durante todo el tiempo. Pero yo sabía que Franco Nero iba a asistir, y mi idea era conocerlo y convencerle de que participara en mi película. Con este fin no bebí nada y automáticamente me convertí casi en la única persona con la que podía hablar durante todo el festival. Cuando le dejé el guion no le gustó nada, pero me dejó su número de teléfono y me dijo que le llamara. Lo hice, y me comentó que no era solo que no le gustara el guion, sino que quería introducir algunos cambios en su personaje. Y lo convirtió  en algo totalmente diferente, con unos orígenes diferentes, aunque debo reconocer que sus ideas me gustaron mucho más que las originales. Así que acepté todas sus ideas y las incorporé, lo que él interpretó como una muestra de respeto hacia su persona.

Aparte de Nero, me gustaría que me comentaras algo más de un reparto en el que has vuelto a contar con la norteamericana Kristina Keble, quien ya fuera la protagonista de Zone of the Dead…

El proceso de casting fue bastante rápido, como la propia concepción de la película. Queríamos hacer el film durante el año pasado y nos propusimos tenerlo listo para el final del verano. Todo empezó con un par de ideas que nos envió un amigo nuestro. Como ya estaba en contacto con Kristina antes de que naciera el proyecto, decidí llamarla inmediatamente para preguntarle si quería formar parte de él. Ella me preguntó que de qué trataría, y le respondí que básicamente de una sirena asesina. “Perfecto”, me contestó. “Mándame el guion y lo vemos.” Le tuve que explicar que, de momento, no teníamos guion, y que lo único que había era la historia de una sirena asesina. Pese a ello aceptó, entre otras cosas porque decía tener muchas ganas de volver a trabajar conmigo. Tras ella vino el resto del elenco. En este sentido, he de decir que todos los personajes fueron escritos pensando en los actores que iban a interpretarlos. A Natalie Burn la había conocido anteriormente en Cannes y cuando estábamos discutiendo de quién sería la actriz idónea para dar vida al otro personaje protagonista pensé en ella, ya que era perfecta para la película. Había visto parte de su trabajo anterior y me pareció que haría un gran trabajo, como así ha sido.

– Al contrario que en Zone of the Dead, en la que compartiste labores con Milan Konjevic, esta vez has asumido la realización en solitario, si bien es cierto que Milan ha participado en el guion. ¿Ha cambiado mucho tu forma de trabajo?

Zone of the Dead era un proyecto mucho mayor que Nymph. Había muchos extras, muchas escenas de acción y, en fin, todo era más ambicioso. Aunque en un principio debía de haber sido su único director, dado que también era el productor resultaba mucho trabajo para mí solo. No me podía concentrar, y además se trataba de mi primera película, así que pedí a Milan, que era el guionista, que me ayudara a dirigir, puesto que él también es director. Pero cuando concebimos el proyecto de Nymph, enseguida vimos que no había necesidad de que hubiera dos directores, por más que algunos días durante el rodaje le echara muchísimo de menos al tener que estar haciendo demasiadas cosas a la vez. Pese a todo, me las apañé y creo que he hecho un buen trabajo. No obstante, nuestra idea para la secuela de Zone of the Dead es hacerla de nuevo juntos. Somos un poco como Jaume Balagueró y Paco Plaza, que tenemos proyectos independientes pero que de vez en cuando nos unimos para hacer algo en común.

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– Si no me equivoco, Nymph ya ha sido estrenada en Serbia. ¿Qué tal ha sido recibida por el público?

Por lo general la ha acogido bien en todos los sitios donde la hemos presentado, no solo en Serbia, porque es entretenida y, al fin y al cabo, se hace divertida de ver. Lo que sí es interesante es que, al ser una película local, si se proyecta en un pueblecito de Serbia ves que la gente está realmente aterrorizada viéndola, entre otras cosas porque no es lo que se esperan. Al ser serbia, piensan que van a ver un drama o una comedia, y se encuentran con algo totalmente distinto. En cada pase al que hemos asistido, siempre que llega la escena en la que cortan la cabeza a uno de los personajes hay gente que se va de la sala o que miran para otro lado porque es demasiado para ellos. Y es algo muy extraño, porque a mí la película no me parece muy aterradora; se trata de un terror muy light.

– Además de en Serbia, también ha sido distribuida en formato doméstico en mercados tan potentes como Alemania o los Estados Unidos, lo que en cierta medida respalda esa idea de realizar un cine con vistas al extranjero de la que hablábamos antes…

Normalmente, para el cine independiente es muy difícil acceder a las salas comerciales. Incluso en Serbia la mayoría de los títulos que llegan a los cines suelen ser grandes superproducciones estadounidenses del tipo de Transformers y similares. Aunque es cierto que el formato DVD está muriendo en estos momentos, el video bajo demanda lo está sustituyendo. Alemania es uno de los pocos sitios en el que el mercado del DVD continúa con fuerza, entre otras cosas porque las multas por piratería pueden alcanzar los dos mil euros si te pillan bajando una película. Alemania a un lado, la verdad es que Nymph se está vendiendo muy bien en países como Japón, China, Corea, el Reino Unido o el Benelux. Aparte, también ha sido estrenada en cines en Filipinas. Fue algo muy curioso ver en un multicine el cartel de nuestra película junto al de Sin City, sobre todo al saber que ponía que se basaba en una historia real (risas).

– Para terminar, hablemos de tus próximos proyectos. Ya has hablado de la secuela de Zone of the Dead que te encuentras preparando. Junto a ella, creo que también andas involucrado como productor en otra película llamada 6Dana66Godina, en cuyo reparto figura Geretta Geretta, actriz de color a la que los aficionados recordarán principalmente por su participación en Demons y en varias películas de Bruno Mattei, lo que junto a la presencia de Franco Nero en Nymph evidencia cierta influencia del cine de género italiano en tu trabajo. ¿La reconoces como propia?

Exactamente 6Dana66Godina no es una producción mía. Es un proyecto en el que ayudo como coproductor, pero en el que mi participación no va más allá. Es decir, ellos eligieron el reparto sin que yo interviniera para nada. Pero es verdad que crecí viendo mucho cine italiano, especialmente de terror, aunque la mayoría de las veces ignoraba que aquellas películas fueran italianas, bien porque estaban dobladas o subtituladas, o bien porque prácticamente la mayoría del reparto y el equipo técnico aparecía escondido tras seudónimos. Sin ir más lejos, uno de mis actores favoritos, Fred Williamson, apareció en muchos títulos de acción producidos en Italia. Por otra parte, uno de mis directores predilectos es Enzo G. Castellari; me gusta mucho su estilo de hacer películas a lo estadounidense sin moverse de Italia. Además, durante mi adolescencia leí muchos cómics italianos, como puede ser el caso de Dylan Dog o Mister No, así que, sí, puede decirse que estoy influenciado por la cultura italiana, especialmente la cinematográfica.

José Luis Salvador Estébenez

Published in: on diciembre 12, 2014 at 6:09 am  Dejar un comentario  
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47 Festival Internacional de Cinema Fantástic de Catalunya – SITGES

Entre los pasados 3 y 12 de de octubre tuvo lugar la 47 edición del Festival Internacional de Cinema Fantástic de Catalunya – SITGES. Durante diez días la ciudad costera barcelonesa volvió a vestir sus mejores galas para convertirse un año más en el epicentro mundial del cine fantástico, ofreciendo un perfecto escaparate en el que tomar el pulso a la última hornada de producción genérica, gracias al centenar largo de títulos proyectados en sus cuatro sedes y repartidos entre sus diferentes secciones. Ante la imposibilidad material de comentar todos los films que allí se proyectaron, a continuación presentamos una selección representativa a través de la cual pretendemos ofrecer nuestra personal visión de lo que fue el certamen y de las realidades que en él se vivieron.

WHAT WE DO IN THE SHADOWS (Taika Waiti & Jemaine Clement, 2014)

Acreedor además de una mención especial por parte del Jurado oficial, la comedia neozelandesa What We Do In The Shadows se alzaría con el siempre democrático premio del público destinado a la mejor película. Con evidentes puntos en común con otro falso documental de hace un par de temporadas, la belga Vampires de Vincent Lannoo, la cinta coescrita y codirigida por Taika Waiti y Jemaine Clement, intérpretes también de dos de los papeles principales, se sumerge en el día a día de un grupo de vampiros que comparten piso en la Wellington actual. El contraste entre la cotidianidad habitual del modo de vida de la juventud de hoy pasado por el tamiz de la singular mitología de sus personajes protagonistas conforman la base de una propuesta en la que Waiti y Clement satirizan algunas de las encarnaciones vampíricas más extendidas dentro de la cultura popular. Un planteamiento interesante, sin duda, pero que no daba para un largometraje, lo que provoca que, transcurrido el ecuador del metraje, empiecen a flaquear las ideas y su discurrir acabe pecando de reiterativo, perdiendo así gran parte de la chispa y brillantez que poseía hasta el momento. Ello no quita para que se trate de un título simpático y divertido, aunque carente del nivel que cabría esperar a tenor de los reconocimientos conseguidos.

housebound

HOUSEBOUND (Gerard Johnstone, 2014)

What We Do In The Shadows no sería la única parodia genérica procedente de Nueva Zelanda que pudo verse durante esta cuadragésimo séptima edición. A ella habría que añadirle la presencia de Housebound. Escrita y dirigida por Gerard Johnstone, el film en cuestión se inscribe en teoría dentro de un subgénero tan transitado en los últimos tiempos como es el de las casas encantadas, si bien lo hace de forma un tanto particular. El arresto domiciliario de la protagonista en el hogar materno, donde tienen lugar fenómenos en principio sobrenaturales, es el punto de partida de una narración que entremezcla comedia, terror y thriller, sin cargar las tintas en ninguna de las vertientes, y haciendo un inteligente uso de los resortes característicos de este tipo de relatos, hasta desembocar en un último tramo plagado de giros de guion a cada cual más sorprendente. Esta manifiesta capacidad para reinventar continuamente su metraje sobre la marcha y, con ello, las expectativas creadas por el espectador, es a la vez uno de los mayores logros y la principal pega de un conjunto cuya falta de definición genérica acaba por dejarla un poco en tierra de nadie, sin que resulte tan hilarante como se propone ni tan terrorífica como debiera. Con todo, se trata de un trabajo hasta cierto punto simpático, aunque solo sea por las excelentes prestaciones de su elenco interpretativo.

Ana Lily Amirpour, directora de "A Girl Walk Home Along at Night", posando ante los medios en el photocall.

Ana Lily Amirpour, directora de “A Girl Walk Home Along at Night”, posando ante los medios en el photocall.

A GIRL WALKS HOME ALONE AT NIGHT (Ana Lily Amirpour, 2014)

Apadrinada por un viejo conocido del certamen, Elijah Wood, no por casualidad acreedor de la honorífica “Màquina del Temps” hace un par de años, A Girl Walks Home Alone At Night acumularía un total de tres galardones en su paso por tierras catalanas, lo que le convertiría en uno de los títulos más galardonados de esta edición. Para ella sería el premio del Jurado Joven, el premio “Citizen Kane” que nombraría a Ana Lily Amirpour mejor director novel, así como una mención especial por parte del Jurado de la Sección Oficial. De este modo, el Festival de Sitges reconocería una de las apuestas más singulares de esta temporada, tanto por el origen persa de su directora y guionista, como por su condición de neowestern vampírico rodado en riguroso blanco y negro. No obstante, el atractivo de la ópera prima de Amirpour no se limita a la exótica conjunción de tan pintorescos ingredientes, sino que se encuentra plagada de múltiples aciertos, especialmente en lo referente a su acabado formal. Por un lado, gracias a una depurada estética más propia de una novela gráfica, derivada de la extraordinaria mano de su realizadora para la composición de planos en combinación con la contrastada fotografía de Lyle Vincent, pero también de la audaz idea de trasladar los usos y costumbres de la sociedad iraní a un entorno más propio del American Way of Life de los años cincuenta. Fruto de ello son estampas tan poderosas como las apariciones en medio de la noche de su protagonista por las solitarias calles de un típico barrio residencial de los Estados Unidos, ataviada con el tradicional chador en lugar de la habitual capa vampírica, en lo que supone una ingeniosa analogía. Esta idea de mezclar dos culturas tan distintas como la árabe y la occidental, y que en buena parte resume la razón de ser de un film producido en los Estados Unidos en lengua persa con actores originarios de aquellas latitudes, es también trasladada a su banda sonora, formada a base de una interesante mezcla de ritmos tradicionales y canciones pop iraníes, junto a otros temas anglosajones. Pero si visual y sonoramente A Girl Walks Home Along At Night resulta un film de una riqueza extraordinaria, en materia narrativa no lo es tanto. Los ropajes indies y fantásticos no logran ocultar el parecido que su rutinaria historia sobre seres marginales que consumen su vida con la noche como testigos guarda con la de esos dramas iraníes que tanto triunfan en según qué tipo de festivales cinematográficos. Con ellos también comparte una languidez narrativa que mediado el metraje desemboca en pura deriva, sin que el preciosismo de sus imágenes consiga hacer nada para espantar el tedio al que conduce.

GOODNIGHT MOMMY (Severin Fiala & Veronika Franz, 2014)

Otra ópera prima que no se iría de vacío en su visita al Festival de Sitges sería el primer largo de ficción formado por Severin Fiala y Veronika Franz, quienes con Goodnight Mommy, título internacional del original alemán Ich seh, Ich seh, se llevarían a su Austria natal el Méliès d’Argent y una mención especial del Jurado de la Crítica. Una excesiva recompensa para un título que, en realidad, se limita básicamente a entremezclar el clásico setentero El otro con la asepsia estética y perversidad discursiva de su paisano Michael Haneke, adaptando para ello determinado estilo muy característico de cierto cine europeo de pretensiones autorales. No por casualidad, la exagerada influencia que a nivel argumental y de puesta en escena ejerce el citado film de Robert Mulligan, hasta el punto de antojarse una suerte de remake encubierto, junto a su frialdad expositiva, provoca que su discurrir narrativo resulte en todo momento tedioso y previsible, tan solo animado por la sequedad con la que es mostrada la violencia y vejaciones que los dos infantes protagonistas someten a la que ellos no reconocen como su madre y que ocupa el último tercio de metraje.

Aaron Moorhead y Justin Benson durante la presentación de "Spring" en el Auditori.

Aaron Moorhead y Justin Benson durante la presentación de “Spring” en el Auditori.

SPRING (Aaron Moorhead & Justin Benson, 2014)

Uno de los aspectos que puso de relieve esta edición del Festival de Sitges fue la abundancia de títulos dentro del fantástico actual en sus diferentes variantes dirigidos por parejas de directores. Algo que pudo comprobarse en el propio cuadro de ganadores. Además de los mencionados Severin Fiala y Veronika Franz, los norteamericanos Aaron Moorhead y Justin Benson conseguirían una mención especial para Spring, reconocimiento que se antoja insuficiente para reconocer los atributos de la que, sin dudas, fue una de las mejores y más completas obras vistas a lo largo del certamen. Dos años después de su presentación en sociedad con la atmosférica y sensorial Resolution, la pareja de cineastas da un gigantesco paso adelante en su evolución con una obra que, compartiendo ciertos elementos comunes con la previa, resulta mucho más ortodoxo desde el punto de vista cinematográfico, evidenciando la extraordinaria madurez alcanzada en tan corto espacio de tiempo por sus responsables. El que su argumento funcione independientemente tanto como una cinta de género al uso como una fábula romántico-fantástica ejemplifica la riqueza de matices que posee una película repleta de lecturas y plena de sugerencias, basada en el desarrollo de sus personajes. La contraposición entre la mentalidad mediterránea y anglosajona, aprovechando su ambientación en Italia, es solo uno de los muchos diálogos interesantes de un conjunto que reflexiona sobre el amor, la muerte y la vida. Temas profundos y complejos, pero que son tratados con una total sencillez y naturalidad, sin caer en ningún momento en la pretenciosidad que podría esperarse en un principio. Sin lugar a dudas, uno de los títulos más redondos vistos a lo largo de la Muestra, al que puestos a buscarle peros solo cabe reprocharle la excesiva dilatación de su último acto.

POS ESO (Samuel Ortí Martí “Sam”, 2014)

Siguiendo con las menciones especiales otorgadas por el Jurado de la Sección oficial, la concedida a Pos eso serviría para que esta cinta de animación por clymation se convirtiera en la única representante nacional dentro del palmarés de este año. De entrada, y más allá de cualquier otro tipo de consideraciones, hay que reconocer la valentía y el empeño puesto por su director principal ideólogo,  Sam, en lo que ha supuesto su debut en el formato largo tras una larga y dilatada trayectoria dentro del cortometraje, por sacar adelante un producto de estas características, máxime teniendo en cuenta la miopía dominante en la producción cinematográfica patria. Claro que culminar con éxito semejante empresa no ha sido tarea fácil. Nada menos que tres años le ha llevado al valenciano materializar un proyecto cuyos resultados, desgraciadamente, no se corresponden con las esperanzas depositadas. Y no será porque Sam traicione sus orígenes. Al igual que en sus anteriores cortometrajes, Pos eso se apunta a la comedia costumbrista típicamente cañí, en este caso entremezclando la sátira al mundo de los famosos con una historia de posesiones. El problema estriba en que el cambio de formato se le atraganta al novel cineasta, a lo que tampoco ayuda una historia demasiado simplona, haciendo que el conjunto funcione mejor si se le considera una sucesión de secuencias aisladas, es decir, una serie de cortos, en lugar de un todo.

JAIME MARK IS DEAD (Carter Smith, 2014)

Dentro del apartado técnico, a la norteamericana Jaime Marks is Dead le correspondería el premio a la mejor fotografía por el trabajo de su operador Darren Lew, cuyo uso de una paleta apagada que, por momentos, dota al conjunto de un aspecto cercano al blanco y negro, plasma a la perfección la atmósfera melancólica e intimista que pretende transmitir esta singular historia de fantasmas morales y espirituales. Perteneciente a esa veta fantástica del cine indie norteamericano que tan activa se encuentra de un tiempo a esta parte, y en la que también se inscribiría la justa ganadora de esta edición, I Origins de Mike Cahill, Jaime Marks is Dead supone el más reciente trabajo de Carter Smith, cineasta al que algunos recordarán por ser el responsable hace unos años de la cinta de terror Las ruinas, por más que se trate de la excepción que confirma la regla dentro de una obra caracterizada por el tratamiento de temáticas homosexuales bajo un envoltorio fantástico. Por si hubiera alguna duda, Jaime Marks is Dead prosigue esta senda. La relación de amistad más allá de la muerte surgida entre el espíritu de un estudiante fallecido y uno de sus compañeros de clase, no carente de cierta pulsión sexual, es la excusa empleada por Smith para hablar del mobbing escolar o el rechazo al diferente, en esta mirada a los conflictos propios de una edad de desorientación y cambios como es la adolescencia. Demasiadas pretensiones para un conjunto que, una vez presentada su premisa, se dedica a dar vueltas de forma machacona y cansina sobre sí mismo, posiblemente al no tener otra cosa que decir, a pesar de la impostada trascendencia con la que se trata de envolver al relato y que contrasta con la puerilidad de sus metáforas. De entre ellas, la más evidente y risible se encuentra en que la puerta de entrada interdimensional del homosexual espectro se encuentre en el interior de los armarios.

WELP [CUB] (Jonas Govaerts, 2014)

Sin llegar a la cantidad de representantes protagonizadas por muertos vivientes y/o infectados, una corriente que contaría con una destacada presencia dentro de la programación de esta edición de Sitges sería el de aquellas cintas influenciadas por el cine de décadas pasadas y, muy especialmente, el realizado durante los años ochenta. Quizás el film más representativo a este respecto sería la belga Cub, aunque solo fuera por el reconocimiento conseguido como mejor director por Jonas Govaerts. A caballo entre el survival y el slasher, su propósito no pasa por la de intentar reformular tan asentados estilos dándole la vuelta a sus rasgos más asumidos, sino que se conforma, simple y llanamente, en ofrecer un ejemplar canónico en cuanto a sus características, pero narrado de una forma distinta. En este sentido, la escena con la que se abre la cinta no puede ser más clarificadora al respecto. En ella se muestra a una chica corriendo por un bosque mientras trata de escapar de lo que a primera vista parece una criatura monstruosa, pero que más tarde descubrirá ser un niño asilvestrado con una máscara de un ser cornudo; de fondo, unos acordes a base de sintetizadores de indudables ecos carpenterianos suenan como banda sonora. Toda una declaración de principios de cómo, sin inventar nada nuevo, Cub da una ingeniosa vuelta de tuerca a este tipo de historias, ofreciéndolas desde un novedoso punto de vista. Para ello, la habitual pandilla de jóvenes ávidos de juerga, sexo y alcohol en algún remoto paraje son sustituidos por un grupo de boy scouts dispuestos a pasar un fin de semana en contacto con la naturaleza. Semejante cambio repercute en que durante su primera parte la mayoría de los mecanismos y lugares comunes acuñados por esta clase de cintas sean omitidos en favor a una mayor atención al desarrollo de los personajes y las relaciones existentes entre ellos, por más que no dejen de ser los mismos estereotipos de siempre. Para cuando una vez se inicie la cacería, y con ella la llegada de tropos más familiares, la película se desenvuelve con una precisión y eficacia dignas de elogio, destacando en el cómputo global del conjunto las ingeniosas trampas empleadas por el matarife de turno con el fin de atrapar a sus víctimas.

Alexandre Bustillo y Julien Maury, directores de " ".

Alexandre Bustillo y Julien Maury, directores de “Aux yeux des vivants “.

AUX YEUX DES VIVANTS (Julien Maury & Alexandre Bustillo, 2014)

En la misma corriente revisionista también se encuadraría Aux yeux des vivants, el nuevo trabajo dirigido por el tándem compuesto por Julien Maury y Alexandre Bustillo. Tras ofrecer su particular visión del giallo italiano en À l’intérieur, su celebrada ópera prima, y tratar de recuperar la belleza poética de cierto cine fantástico francés en Livide, personal y poco conseguida aproximación al mito vampírico, en esta su tercera película los dos cineastas se encargan de homenajear la producción de principios de los ochenta de Steven Spielberg en general, y de la Amblin en particular, a la que le son dedicados numerosos guiños a lo largo del metraje, con Los Goonies y Cuenta conmigo a la cabeza. Siguiendo la senda de estos modelos, el leitmotiv argumental tiene su nexo de unión en las relaciones paterno-filiales, lo que llegado el momento hace que la película se aproxime en su vertiente terrorífica a ciertos clásicos del American Gothic construidos sobre idénticas premisas, como puede ser el caso de La matanza de Texas o Las colinas tienen ojos. No obstante, esta vena referencial no exime que Aux yeux des vivants sea un perfecto corolario de lo ofrecido por sus responsables en sus obras precedentes. Así, de la primera recupera, al menos en parte, sus desmanes hemoglobínicos, mientras que repite el esquema de la segunda, con un grupo de jóvenes metiendo las narices donde no les llaman para acabar topándose con el horror. Lo malo es que con ello también reaparecen sus principales defectos, entre los que sobresale la falta de verosimilitud que se apodera de muchas de las situaciones planteadas por un inconsistente libreto que, para colmo de males, desaprovecha cuando no abandona sus pocas ideas sugerentes.

IT FOLLOWS (David Robert Mitchell, 2014)

Similares referentes a los manejados por la cinta francesa se volverían a dar cita en It Follows, al igual que varios de los exponentes comentados a lo largo de este repaso, integrada dentro de esa nutrida veta fantástica de contornos indies que tanto auge viene tomando en los últimos tiempos. De nuevo la sombra de la Amblin vuelve a planear sobre un título que puede verse como una versión más adulta de la fórmula empleada por la factoría de Spielberg, al trasladar algunos de sus temas característicos de la infancia a la adolescencia. Repitiendo lo visto en aquellos films, la película dirigida por David Robert Mitchell mantiene en off narrativo el mundo de los adultos para centrarse en las vicisitudes sufridas por sus jóvenes protagonistas, en este caso un grupo de amigos perseguidos por una extraña identidad de naturaleza intangible. El que dicho ser esté representado como una figura abstracta conecta por otra parte con el modus operandi que John Carpenter empleara en su icónica La noche de Halloween, similitud subrayada por la banda sonora a base de sintetizadores de innegables ecos carpenterianos que acompaña a sus fotogramas. Pero si en su primigenia condición de producto terrorífico su balance ya es de por sí positivo, su valoración se eleva a la categoría de obra maestra si nos atenemos a la brillante reflexión en torno al tránsito de la adolescencia a la edad adulta con el sexo como elemento vector que subyace bajo sus imágenes. Un subtexto complejo y rico en niveles de lecturas al que contribuye de forma determinante la estudiada puesta en escena de la que hace gala su director, David Robert Mitchell, hasta el punto de que se hagan necesarios varios visionados para alcanzar a descifrar la magnitud de la obra.

BURYING THE EX (Joe Dante, 2014)

Por todo lo que ello conllevaría, la decisión de escoger un film de la particular idiosincrasia de Burying the Ex para protagonizar la mediática gala de clausura se antojaría toda una declaración de principios con la que el equipo organizativo encabezado por Ángel Sala hacía un guiño a los aficionados, al tiempo que se reafirmaba en las que vienen siendo sus principales líneas de trabajo desde que tomaran las riendas del certamen: el amor por el género fantástico puro y duro, y el respeto, preservación y reivindicación de su historia. Cuestión bien distinta es que la apuesta no se saldara del modo esperado en lo que a términos cualitativos se refiere, careciendo del nivel necesario que habría que pedir a la encargada de echar el cierre a un festival de la repercusión e importancia del que nos ocupa. Cinco años después de su anterior Miedos 3D, Joe Dante se vuelve a poner detrás de las cámaras con esta comedia romántica de terror con la que, sin traicionar sus raíces, intenta rejuvenecer su cine acorde a los nuevos tiempos. Pero ni la adopción de un argumento centrado en los devenires de un triángulo amoroso formado por veinteañeros, ni la participación de varias promesas del Hollywood actual como Anton Yelchin, Ashley Green o Alexandra Daddario sirven por sí solos para aportar savia nueva a una propuesta que suena a ya vista, y que, lo peor de todo, tampoco es que haga nada por ocultarlo. Por el contrario, su responsable parece estar más preocupado por trufar cada plano de guiños cinematográficos, con especial predilección en los dedicados al cine de terror italiano –cf. la ex-novia que regresa de entre los muertos para complicar la vida del protagonista se llama Evelyn, en clara referencia al film de Emilio Miraglia La noche que Evelyn salió de la tumba-, en lugar de intentar apartarse de caminos demasiado trillados a estas alturas. No quiere decirse con ello que se trate de un mal film. Es más bien una cuestión de expectativas. Y que, viniendo de alguien que entre finales de los setenta y principios de los ochenta legaría gemas indiscutibles del fantástico como Pirañas, Aullidos o Gremlins, por solo citar las más célebres, uno esperaba algo más que un trabajo tan insustancial como el presente, cuyo único valor reside, precisamente, en evidenciar las dificultades de su veterano director para conectar con los gustos del público actual.

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LIFE AFTER BETH (Jeff Baena, 2014)

Sin entrar en comparaciones cualitativas, resultaría curioso el comprobar la similitudes argumentales que el film de Joe Dante mantendría con Life After Beth, debut tras las cámaras del hasta ahora guionista Jeff Baena, autor asimismo del libreto. Su estreno dentro de la Sección Oficial del último Festival de Sundance da una pista muy aproximada del tono y el estilo que maneja una cinta que también comparte con la coetánea avalancha de títulos indies el protagonismo de jóvenes veinteañeros ajenos al resto del mundo, absortos en sus problemas personales. Eso es lo que le ocurre a Zack, su protagonista, sumido en una profunda depresión a causa de la pérdida de su novia, de la que sólo se repondrá cuando descubra que la muchacha ha regresado de entre los muertos. A partir de esta premisa, que en cierto sentido puede interpretarse como la otra cara de la moneda de la reciente Memorias de un zombie adolescente, el debut de Baena cuestiona la idealizada visión del amor de cierta parte de la población, al tiempo que aboga por la necesidad de pasar página sean cuales fueren las circunstancias. Todo ello es expuesto mediante los bruscos e inexplicables cambios de conducta que la tal Beth experimenta debido a su nueva condición, si bien se eche en falta una mayor hondura en su trazado dramático, especialmente detectable en su acomodaticio desenlace. Lo que queda, así las cosas, es una agradable comedia con un sentido del humor un tanto delirante, que se beneficia del trabajo de un espectacular reparto encabezado por Dane DeHaan y Aubrey Plaza, magnífica en su papel de muerta viviente, bien secundados por el veterano John C. Reilly.

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MONSTERS: DARK CONTINENT (Tom Green, 2014)

Monsters: Dark Continent (2014) es una secuela —otras fuentes la definen como un remake situado en otro entorno— del aburridísimo film Monsters (2010) de Gareth Edwards. Ahora, otro director, Tom Green (en su debut en el cine y el formato largo, tras trabajar en series como Misfits o Blackout) aporta una idea similar al concepto de la previa: tenemos de nuevo a los monstruos colonizando la Tierra, y el ejército norteamericano tratando de combatirlo. La película busca ser una alegoría sobre el intervencionismo yanqui, y en ese sentido es una cinta de guerra descrita con las constantes del último cine de la temática, con una narración nerviosa, cámara en mano y colores saturados. Desde esa perspectiva, el resultado es más directo y nítido que en la entrega anterior, y además la película está mejor narrada y es incluso más entretenida. No parece casualidad que, precisamente, pierda parte de su fuerza durante un último tramo en el que trata de emular el tono melancólico e intimista de su predecesora, lo que hace que el saldo no llegue a ser tan positivo como en un principio pareciera. En cualquier caso se trata de una secuela que supera ampliamente a la original, tomando los mismos ingredientes de aquella y enfocándolos hacia una conformación más elaborada en todos los aspectos. Carlos Díaz Maroto

backcountry

BACKCOUNTRY (Adam MacDonald, 2014)

Backcountry (2014) es un film canadiense basado en hechos reales, escrito y dirigido por Adam MacDonald, habitual actor de la simpática serie Rookie Blue, y que aquí debuta en el formato largo tras dos cortos, contando con su excelente compañera y protagonista de la serie, Missy Peregrym, al frente del escaso reparto. Una pareja, de excursión por el bosque, es atacada por un oso. Con esa breve premisa MacDonald realiza un sólido ejercicio de estilo incursionando, con una gran capacidad para el uso del formato panorámico y el sonido, dentro de la modalidad del terror que un estudioso como Juan Antonio Molina Foix denominó como “naturaleza en rebeldía”, basada en el ataque al ser humano por representantes de esta, como los animales. MacDonald efectúa un estudio de caracteres donde la falta de auto-confianza del novio conduce a todo lo que acontece en la cinta. Un pequeño gran film. Carlos Díaz Maroto

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DEAD SNOW 2: RED VS. DEAD (Tommy Wirkola, 2014)

Como su propio título indica, Dead Snow 2: Red Vs. Dead prolonga las andanzas de los zombis nazis que colocaran en el mapa cinematográfico a su director, el noruego Tommy Wirkola, hace ya cinco años. En este sentido, la fórmula empleada no difiere mucho de lo visto entonces. La diferencia estriba en la efectividad con la que es llevada a cabo, pudiendo decirse que esta secuela consigue todo aquello que su supravalorada predecesora prometía pero ofrecía solo a medias. Lo hace, además, sin limitarse a ser un calco al cuadrado de lo recogido por aquélla, como parece ser moneda común en un buen número de continuaciones coetáneas. Por el contrario, si la primera parte trataba de emular de forma más o menos descarada el tono y la estructura de Posesión infernal, Dead Snow 2: Red Vs. Dead se aparta de manoseados modelos para buscar un camino más original y acreedor de una propia mitología, que a la postre se traduce en un festín de sangre y miembros amputados, preñado de momentos absolutamente antológicos. Nadie está a salvo de las hordas de revividos soldados, ya se trate de ancianos, niños, gays o minusválidos, lo que da una idea del sentido del humor gamberro, irreverente y políticamente incorrecto que se gasta un título que no tiene nada que envidiar a films de similar ralea tan mitificados como puede ser el Braindead de Peter Jackson.

Fabrice Du Welz junto a dos de las protagonistas de "Alléluia": su pareja en la vida real Helena Noguerre y Lola Dueñas.

Fabrice Du Welz junto a dos de las protagonistas de “Alléluia”: su pareja en la vida real Héléna Noguerra y Lola Dueñas.

ALLÉLUIA (Fabrice Du Welz, 2014)

Tras seis años de silencio, Fabrice Du Welz ha reaparecido en este 2014 con dos nuevos trabajos, los cuales formarían parte de diferentes secciones de esta edición del Festival de Sitges. De este modo, “Órbita” programaría Colt 45, un soberbio thriller que recoge y actualiza la herencia del mejor polar francés clásico, con el que el cineasta belga se aparta de su estilo acostumbrado para brindar un film mucho más asequible de cara a la gran audiencia. Todo lo contrario ocurriría con su otro título proyectado, encuadrado dentro de la sección “Oficial Fantàstic Competición”. En Alléluia, Du Welz retoma los principales elementos temáticos sobre los que pivotaran sus anteriores Calvaire y Vinyan, acentuando si cabe su propensión por las historias sobre relaciones enfermizas, y mostrando una vez más su capacidad para la creación de atmósferas decadentes. Dividida en cuatro actos, desarrollados en torno a las otras tantas conquistas amorosas de Michel, su protagonista masculino, la trama desgrana la tormentosa historia de amor entre éste, un maduro gigoló acostumbrado a timar a las mujeres con las que contacta, y Gloria, una cuarentona inmigrante que se gana el sustento limpiando cadáveres en una morgue; dos seres solitarios cuya mutua e irracional atracción les hará recobrar la ilusión en sus grises vidas, para poco a poco ir dejando a la luz la parte oscura de su personalidad, empujándoles a una espiral de engaños, sexo y muerte. Un planteamiento ya conocido, hasta el punto de ser inevitable la alusión al clásico de culto Los asesinos de la luna de miel, pero que es encarado por su director con una ilusión y mimo propios de un principiante. Esto no quita para que se trate de un plato no apto para todos los gustos, al que sus molestas y nada disimuladas ínfulas autorales suponen un pretencioso lastre, víctima de una evidente falta de ritmo, y al que, incluso, le sobra metraje. Pero no menos cierto es que, junto a estos defectos, convive un riguroso trabajo de puesta en escena que tiene su máxima expresión en el empleo de los gestos y detalles como herramientas para definir las complejas psicologías de sus roles principales, acumulando momentos de pura magia cinematográfica, como aquel en el que Gloria entona una melodía en la que comenta la falta de comprensión que la gente puede tener por un amor como el que se procesa con su pareja, mientras se dispone a descuartizar a la primera de sus víctimas; sobre el papel una situación de lo más absurda, pero que vista en pantalla posee una fuerza arrebatadora, a lo que contribuye de forma decisiva el excepcional trabajo interpretativo desplegado en todo momento por una Lola Dueñas en estado de gracia.

MUSARAÑAS (Juanfer Andrés & Esteban Roel, 2014)

Poco le tendría que envidiar en este sentido el trabajo ofrecido por Macarena Gómez en Musarañas, película que ha significado el bautismo de fuego de Pokeepsie Films, productora propiedad de Álex de la Iglesia y de la que ahora es su esposa, Carolina Bang, la cual encarna también un pequeño personaje. No en vano, la entregada performance de la menuda actriz cordobesa se erige en el principal foco de interés con el que cuenta el salto al formato largo como directores de Juanfer Andrés y Esteban Roel, quienes para su debut en la gran pantalla se descuelgan con una historia de lo más típica. Ambientada en la España de la posguerra, su trama se desarrolla siguiendo el prototípico esquema del hogar enclaustrado y formado solo por féminas en el que la irrupción de un elemento masculino será el detonante que rompa el ya de por sí frágil estatus imperante, sacando a la luz oscuros secretos durante largo tiempo callados, un poco a la manera de como lo hacían Los ojos azules de la muñeca rota o Luto riguroso, por solo poner dos ejemplos cercanos. La similitud con estos modelos añejos deja entrever las debilidades de una película cuya ambientación temporal es utilizada con la previsible intención de articular la consabida metáfora sobre la España de la época, dominada por la represión sexual, moral y ética derivada del nacionalcatolicismo reinante. Y es que, si algo se puede recriminar a la ópera prima de Andrés y Roel, es el de ser un trabajo demasiado formulario en todos sus aspectos, echándose en falta un mayor arrojo por parte de los noveles cineastas a la hora de asumir ciertos riesgos, en lugar de conformarse con lograr la corrección formal que exhiben a todos los niveles. Prueba de ello son los golpes de efecto que, a modo de giros de guion, se acumulan durante el tercio final, con el propósito de crear un continuo efecto sorpresa en la audiencia, pero que a la hora de la verdad se revelan de lo más previsibles para cualquier espectador mínimamente avezado, haciendo que su, en teoría, espectacular y desmadrado clímax se siga con interés, pero sin un ápice de emoción alguna.

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THE GUEST (Adam Wingard, 2014)

En vista de los excelentes resultados cosechados entre crítica y público por su anterior y magnífica Tú eres el siguiente, quien más y quien menos esperaba con un mínimo de expectación lo que podía dar de sí el nuevo trabajo de Adam Wingard y su inseparable guionista Simon Barrett. Al igual que su predecesora, The Guest se inscribe en los terrenos del thriller, aunque esta vez desechando los ribetes terroríficos, ubicando de nuevo su trama en el corazón de una prototípica familia norteamericana. Empero, aquí comienzan y terminan los paralelismos entre una y otra, ya que su nuevo film se aparta radicalmente del estilo acostumbrado hasta el momento por sus responsables, antojándose una obra mucho más personal y ambiciosa, fruto inequívoco de una mayor madurez artística, con la que Wingard y Barrett diríase que reclaman el lugar que sin duda merecen entre los más interesantes creadores actuales de cine de género. Una apuesta no exenta de riesgos debido al acentuado cambio de registro, pero también al heterodoxo cóctel de elementos sobre el que se cimenta la propuesta, pero que, sin embargo, se salda de forma netamente positiva. Gran parte del mérito hay que atribuírselo al hábil manejo de un material tan sensible y a la perfección y equilibrio con la que se conjuntan todos los apartados implicados. Desde la interpretación que Dan Stevens efectúa de ese nada fácil invitado, pasando por la modélica construcción dramática que Barrett realiza partiendo de un argumento en apariencia sencillo, hasta terminar por la inspirada puesta en escena de Wingard, basada en la combinación de una violencia áspera y seca con cierto manierismo estético, reservado, no obstante, para los compases finales, todo funciona a las mil maravillas, hasta el punto de que los bruscos cambios de tono o la existencia de un buen puñado de situaciones que, en otro contexto, parecerían forzadas, deban interpretarse como aciertos antes que como errores. Como no podía ser de otro modo, el fruto resultante se traduce en un apreciable actioner, que algunos han querido equiparar al Drive de Nicolas Winding Refn, y no solo por el parecido físico existente entre sus actores principales.

TOKYO TRIBE (Sion Sono, 2014)

La maratón sorpresa del último sábado en el Auditori daría la oportunidad de visionar Tokyo Tribe, el más reciente trabajo de Sion Sono, considerado el enfant térrible del cine japonés, lo que viniendo de una filmografía tan tendente a lo bizarro y la psicotronía como la nipona no es decir poco. Por si hubiera alguna duda, en su última película Sono demuestra el porqué de este calificativo, con un trabajo que en más de un sentido prolonga lo expuesto en su anterior Why Don’t You Play in Hell? Tanto es así que, si en aquella ofrecía su personal homenaje al séptimo arte, esta vez es la cultura hip-hop la que centra este alucinado cruce de caminos entre The Warriors y West Side Story, basado en un manga de Santa Inoue. El partir de un material ajeno no es impedimento para que Sono se lo lleve a su terreno, dando forma a un musical de dos horas de duración sobre una guerra de bandas callejeras a ritmo de rap, rodado según los cánones estéticos y narrativos de la serie Z del país del Sol Naciente, pero con una factura visual, un apabullante dominio de la técnica y, en fin, un nivel productivo que para sí quisiera este tipo de cintas. El resultado es tan excesivo como se podría antojar en un principio, siendo uno de esos ejemplares incapaz de dejar indiferente a nadie: o se le ama o se le odia, así de simple. De lo que no hay duda es de la capacidad de atrevimiento y transgresión, expuesta en el modo en que sintetiza la mentalidad de cierto tipo de rap al hacer que el desencadenante de toda la trama sea el ego por convertirse en el que la tiene más grande.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías: Julio Cerrillo

Published in: on noviembre 19, 2014 at 9:08 pm  Dejar un comentario  
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Entrevista a Marc Carreté, director de “Asmodexia”

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A finales de septiembre del pasado año os informábamos del rodaje de Asmodexia, una cinta de temática satánica que iba a suponer, por un lado, la puesta de largo como director del hasta entonces cortometrajista Marc Carreté y, por otro, la primera producción de M’s Entertainment, una nueva firma española centrada en la realización de films de terror con vocación internacional. Tras un exitoso recorrido por certámenes cinematográficos de medio mundo en los que ha cosechado diversos reconocimientos en forma de premios, y luego de ser estrenada en los Estados Unidos, Asmodexia pudo verse por fin en nuestro país durante el pasado Festival de Sitges en un único pase. Tras su visionado, nos pusimos en contacto con Marc Carreté, quien muy amablemente se prestó a someterse a la presente entrevista que hoy publicamos coincidiendo con el estreno limitado en salas comerciales de su ópera prima, al que seguirá su lanzamiento en diferentes formatos domésticos en los próximos meses.

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Asmodexia ha supuesto tu ópera prima como realizador tras dirigir un par de cortos. Para aquellos que desconozcan tu trayectoria, ¿cuál es tu recorrido hasta llegar a tu debut en el formato largo?

Llevaba unos años dedicado a la producción y realización audiovisual enfocada al marketing y a la comunicación. Por circunstancias de la vida, en 2010 decidí dejar la productora en la que había estado trabajando durante años, para establecerme por mi cuenta y tratar de recuperar el viejo sueño de abrirme camino en el mundo de la ficción. Escribí, produje y dirigí Mal cuerpo en 2011, un año más tarde hice lo propio con Castidermia y en 2013 rodábamos Asmodexia.

¿Y cómo se te presenta la tan ansiada oportunidad de dar el salto?

Trabajando duro. Mi perfil profesional viene seguramente de la parte más estratégica del negocio de la producción, así que me gusta pensar que suelo ser proactivo en la identificación y generación de oportunidades… Nunca vienen solas y, lo más importante, nunca llegas solo a ellas, hay que trabajarlas y acordarse de dar las gracias a todos los que te ayudan a alcanzarlas.

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Argumentalmente, Asmodexia se encuadra dentro del cine de temática satanista que tantos representantes ha tenido en los últimos tiempos. ¿Piensas que la proliferación de esta clase de productos responde a una simple moda o, por el contrario, viene de algún modo a reflejar la convulsa situación sociopolítica en la que nos encontramos inmersos, especialmente el temor a los extremismos religiosos?

Interesante planteamiento. Las modas están ahí, de eso no hay duda, sin embargo me quedo con la segunda parte de la pregunta. De hecho, efectivamente, de ahí nace parte de la idea original de la película.

La escasez de recursos y la falta de formación hacen al hombre vulnerable y la vulnerabilidad lo hace manipulable. El extremismo religioso ha llevado a una parte de la humanidad a justificar guerras, llamadas santas, contra sus semejantes, pero ¿quiénes son los buenos y quienes los malos? ¿O los hay en ambos lados? El bien y el mal convergen a menudo en un territorio moral de ambigüedad que los confunde…

Además de la vena satanista, por así decirlo, el guion también da cabida a las teorías mayas que cifraban el final del mundo para finales del pasado 2012, desarrollándose precisamente la trama durante aquellos días. ¿Quiere decirse con esto que el germen inicial de Asmodexia era anterior a estas fechas?

Bien, el guion de Asmodexia se gestó y escribió entre finales de 2012 y principios de 2013, así que supongo que la presencia de la profecía maya en la película no es mero fruto de la casualidad….

Por cierto, ¿de dónde viene el título?

Es un juego de palabras (Asmodeus + Anorexia) que da nombre científico a la virtual patología de una posesión demoníaca. Tiempo atrás tuve la oportunidad de conocer el caso de una joven que padecía este terrible trastorno alimenticio, como consecuencia de un grave conflicto moral que vivía en su propia casa. La alteración de su conducta, el deterioro físico y la hostilidad y malicia de determinadas reacciones de la joven enferma hacia su madre, me hicieron pensar que seguramente en otro tiempo, y en el seno de una familia religiosa, su patología habría sido claramente interpretada como una posesión.

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Según tus palabras, tu ópera prima es “una película oscura e intimista, a caballo entre la melancolía y el horror”. Me gustaría que ahondaras en tan atractiva definición…

Por supuesto. Además, es un concepto que para mí es muy importante que se entienda, ya que, sin darnos cuenta, dejamos que se situara la expectativa sobre la película en un relato típico de exorcismos, algo que precisamente y de forma expresa, nunca pretendió ser, y que probablemente raras veces jugará a nuestro favor. Aún siendo cierto que tratamos la temática de posesiones, e incluso mostramos algunos exorcismos a lo largo de la película, Asmodexia cambia de punto de vista y huye del susto habitual, para sumergirnos en una historia pretendidamente más dramática y cercana, ahondando en la singular relación entre un pastor exorcista y su nieta adolescente a los que acompañaremos muy de cerca en una especie de viaje espiritual hacia alguna parte. El bien y el mal se baten y confunden entre líneas a lo largo de todas las subtramas del relato, y el pasado emocional y espiritual de todos los personajes cobra una importancia relevante en el desenlace. Dosificamos la información en cuentagotas, e invitamos al espectador a componer un puzle narrativo sencillo y complejo a la vez. De alguna forma zanjamos una batalla entre bíblica y universal, pero lo hacemos huyendo de toda épica.

Viendo el film se detectan ciertas similitudes con Memorias del ángel caído. ¿Se encontraba este título entre tus influencias? ¿Qué otras referencias manejabas?

Sinceramente, no, aunque hay que recordar que el guion está escrito a dos manos con Mike Hostench, un tipo lleno de influencias… Mis referentes para la película, en este caso, fueron de modo expreso más literarios que cinematográficos, lo que se debería notar especialmente en la estructura y el tempo narrativo de la historia, inspirados en mi particular visualización de los relatos cortos de los grandes maestros de lo extraño, especialmente de Poe, y de la forma que tiene de “contarme” sus historias: parece que no te está contando nada trascendente y utiliza una narrativa contemplativa, sin embargo intuyes que algo se te escapa, y luego, el giro final, hace que todo cobre sentido y trascendencia. A partir de aquí tenía muy claro que había que intentar dar personalidad a la película; sería muy difícil acercarse siquiera al cine de la industria tradicional y quería huir de las técnicas cinematográficas más recurridas del bajo presupuesto, para tratar de conseguir una factura singular, cuidada y sugerente, que de alguna forma nos permitiera tentar al espectador para tratar sumergirle luego en el universo visual y estético de la película.

Como acabas de indicar, el guion está firmado a cuatro manos por Mike Hostench y tú. ¿Cómo ha sido el proceso de escritura? ¿Os repartisteis las funciones de algún modo?

Siendo fieles al tópico, pero honestamente, me gusta decir que ha sido una muy buena experiencia. Mike es un tipo ilustrado, con un talento indiscutible para la escritura y una persona terriblemente disciplinada a la hora de trabajar. Lo del reparto de funciones no es una fórmula exacta, pero a grandes rasgos podríamos decir que yo escribí la idea original y el perfil de los protagonistas y el tiró del carro con el desarrollo de un guion que revisábamos y evolucionábamos de forma conjunta, a veces online, y a otras veces de forma presencial.

Luego vino el recorte final, por aquello de las limitaciones de producción, y ahí, como director y coproductor ejecutivo de la película, me tocó a mí sacar y pasar la tijera.

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En distintas declaraciones habéis comentado que Asmodexia era una producción independiente realizada con capital privado. El que optarais por este sistema ¿fue fruto de las circunstancias o una consecuencia lógica de vuestras pretensiones, una forma, por así decirlo, de saliros del sistema tradicional?

De entrada es una realidad. Luego, según a quién se le formule la pregunta, puede haber distintas respuestas. Personalmente, como creador y responsable del proyecto asmodéxico, mucho antes de que este se convirtiera en película, simplemente te diría que esas fueron las circunstancias, y esta fue la oportunidad. A partir de aquí habría que preguntar a los productores sobre su proyecto de continuidad.

El que dispusierais de unos medios limitados ¿varió en algo la visión que teníais originalmente de la película, o desde un principio erais conscientes que tenía que tratarse de una película muy modesta en términos financieros?

Ocurre un poco como en la pregunta anterior. Podríamos decir que en ocasiones uno puede dejarse llevar por el frenesí creativo, pero personalmente desde un principio tuve muy claro lo que teníamos entre manos y por lo tanto que tenía que tratarse de una película muy modesta en términos presupuestarios.

Marc junto a Clàudia Pons y Luís Marco, protagonistas de "Asmodexia", durante su presentación en el pasado Festival de Sitges.

Marc junto a Clàudia Pons y Luís Marco, protagonistas de “Asmodexia”, durante su presentación en el pasado Festival de Sitges.

En cuanto al reparto, este se compone de una heterogénea mezcolanza de actores veteranos como Luís Marco, junto a otros jóvenes intérpretes, caso de Clàudia Pons, que otorga un interesante contraste. ¿Cómo fue el proceso de casting y la forma que tuviste de trabajar con los actores, dado el apretado plan de rodaje del que dispusiste?

Cierto. Tuve a Luís Marco y a Clàudia Pons en mente desde el principio; de hecho, escribí la idea original pensando en ellos. A Clàudia la conocí porque fue la protagonista de Castidermia, mi segundo corto, y a Luís, aparte de su conocida y dilatada trayectoria profesional, tuve la suerte de conocerle y codirigirle en un teaser para un proyecto de serie de televisión y conectamos muy bien.

Luego, Sergi Doladé, director de casting de la película, me ayudó con el resto del reparto. La primera en incorporarse fue Irene Montalà, que se mostró muy ilusionada con la idea de participar en la película y se convirtió muy rápido en coprotagonista de la misma. Y tras el casting llegó el resto del reparto.

Lo del plan de rodaje es otro tema… Lógicamente, se hace muy difícil rodar una película como esta en tan solo cuatro semanas, pero las exigencias y limitaciones de producción eran ineludibles y conocidas, de entrada, por todos, así que sin duda este fue uno de los grandes desafíos del rodaje.

Otro personaje más de la película es la ciudad de Barcelona…

Sí. Bueno, más que Barcelona, diría que todas las localizaciones de la película se convierten en un personaje más. Su singularidad, la sugerencia y su atractivo visual a la retina las debería de convertir en una herramienta imprescindible para seducir al espectador. Es un tema que trabajamos y cuidamos mucho, aun encorsetados también aquí por las limitaciones de producción.

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En los últimos años viene siendo cada vez más habitual en España la existencia de pequeños films de temática fantástica proyectados hacia el mercado internacional. Se me ocurre el caso de Wax o Vampyres, ambas de Víctor Matellano, Panzer chocolate, dirigida por Robert Figueras, o la propia Asmodexia. Como implicado en el tema que eres, ¿a qué se debe la existencia de esta corriente?

Sin conocer aun personalmente a Víctor y a Robert, creo no equivocarme si digo que si preguntas a los directores, solo hay una respuesta posible. Se debe a la pasión, a las ganas, al empeño y sobre todo a la ilusión. Luego hay que recordar que detrás de cada director hay unos productores y todo un equipo de profesionales, para muchos de los cuales, y muy especialmente en este tipo de películas, sigue habiendo un mismo denominador común: queremos trabajar en esto y no lo hacemos solo por dinero, de lo contrario no existirían ni estas tres, ni muchas otras de las películas que se han hecho en este país. Contar historias y hacer cine es, si se me permite, adictivo, y de ello también son testimonio la cantidad de cortos que se producen cada año en todo el mundo y muy especialmente en España.

Imagino que uno de los aspectos que quizás han influido a que optarais por esta perspectiva ha sido el buen nombre que el cine fantástico español viene disfrutando en los últimos años en todo el mundo, lo que no deja de ser un arma de doble filo, ya que si por un lado puede facilitar el desembarco en mercados foráneos, por otro exige de un esfuerzo por responder a lo que el público internacional espera encontrar en términos de calidad en una cinta con la denominación de origen “made in Spain”. ¿Ha supuesto un plus de presión?

No, no, en absoluto. A mí lo de la pasión por el cine de terror me viene desde muy jovencito, pero estoy completamente de acuerdo en que la buena reputación internacional que directores como Amenábar, Balagueró, Bayona, Plaza, Cortés, etc. han dado al cine fantástico “made in Spain” se ha convertido en una especie de denominación de origen. Pero lo que no tiene mucho sentido es equiparar producciones de Filmax, Nostromo, Rodar, etc., con producciones como las de Wax, Panzer chocolate o Asmodexia. Es, si se me permite el símil, como comparar un jamón del país con Jabugo 5J. El coste no es el mismo, y el sabor tampoco, sin embargo ambos son jamones, ambos son españoles y ambos tienen su mercado. El problema se produce cuando a alguien que quiere un 5J le das un país, y por algún motivo, y curiosamente esto nos ocurre mucho más aquí que en el extranjero. A veces parece que, jugando en casa, si queremos producir jamón, tiene que ser siempre un 5J, pero como la realidad es mucho más dura, nos tenemos que ir fuera a vender lo que hemos producido.

A tenor de estos antecedentes, sorprende en cambio que hayáis rodado la película en castellano y no en inglés, como en un principio sería lo esperable…

Un debate interesante el del idioma. No te sabría decir dónde está la verdad absoluta. Sin embargo, con un presupuesto bajo y siendo director novel siempre pensé que la proximidad geográfica del reparto, la fluidez de comunicación y el hecho de que hablásemos todos un mismo idioma, contribuiría a la contención presupuestaria, agilizaría el rodaje y daría más verdad al trabajo de los actores. Así que para la primera, siempre lo tuve muy claro. Luego, el tiempo dirá.

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En el caso de Asmodexia, parte del objetivo se ha cumplido, ya que la película ha sido estrenada en los Estados Unidos. ¿Cómo ha sido su distribución y qué tal ha sido acogida por aquellos lares? ¿Tenéis cerrados ya acuerdos con otros países?

Cierto. Estamos muy contentos con el estreno de la película en USA, sobre todo teniendo en cuenta que lo hemos hecho de la mano de IFC Midnight, una de las distribuidoras de cine de terror independiente más prestigiosas de Norteamérica y del mundo. Estrenamos el día 26 de septiembre y lo hicimos de forma simultánea en una selección de salas del circuito independiente, así como en blu-ray y DVD, además de las principales plataformas de VOD, vídeo a la carta, como, iTunes, Xbox, PlayStation, Amazon Instant Video, Google Play y SundanceNow. A día de hoy parece que la película está funcionando bastante bien y seguramente se lo debemos a la reputación del de la D.O., la del distribuidor y a la más que positiva valoración general de la crítica de Estados Unidos, que al parecer ha visto en Asmodexia un producción singular e interesante de cine de terror español de bajo presupuesto.

Hablando de otros mercados, la película también tiene cerrada distribución en China, Taiwán, Corea del Sur, Canadá y parte de Sudamérica, y esperamos que Raven Banner Entertainment, nuestro agente internacional de ventas, nos comunique la formalización de nuevos territorios en los meses venideros.

También, y muy importante, tenemos distribución en España. La aventura distribuirá Asmodexia en VOD (vídeo a la carta) y DVD de alquiler y venta. Así que nos hace especial ilusión ser la primera película hablada en español distribuida por esta pequeña-gran distribuidora nacional de cine de terror. Además, como probablemente sabréis, la película se estrenará en salas españolas del circuito independiente el próximo 14 de noviembre.

Según se informó en su momento, Asmodexia es el primer proyecto de M’s Entertainment, una nueva productora nacional dedicada a la confección de cine fantástico. ¿Sabes si ya están trabajando en nuevos proyectos? ¿Qué nos puedes contar de ellos?

Sí, conozco muy bien el proyecto de M’s Entertainment, pues diría que fui uno de los detonantes de su creación, dado que senté juntos por primera vez a sus fundadores en una mesa para producir Asmodexia.

Actualmente M’s Entertainment tiene todos sus esfuerzos centrados en el lanzamiento de una plataforma especializada en contenidos de terror (Dearfear), cuya salida al mercado se ha retrasado más de lo previsto, debido especialmente a la constante redimensión del proyecto y a la dificultad de gestionar la distribución multiplataforma de contenidos a nivel internacional.

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Y en tu caso, ¿en qué andas trabajando actualmente?

Sigo involucrado en el proyecto Asmodexia, acompañando a la película a los festivales que así lo solicitan, y sigo comprometido con M’s Entertainment en cuanto a labores propias de la coproducción ejecutiva de la película se refiere, algo que sin duda me permitirá realizar un análisis completo de lo que ha sido el proyecto en toda su extensión y complejidad. Mientras tanto y tras poner mis contadores vitales a cero, después de Sitges, sigo documentándome, escribiendo y desarrollando el proyecto de mi segunda película, algo sobre lo que espero poder contaros cosas interesantes muy pronto.

Si quieres añadir algo más…

Daros las gracias por vuestro interés y apoyo a la película, y mandar un afectuoso saludo a vuestra comunidad de seguidores.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías de cabecera y del Festival de Sitges: Julio Cerrillo (crprisma@gmail.com)

Published in: on noviembre 14, 2014 at 6:31 am  Dejar un comentario  
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Entrevista a Javier Pueyo, director de “Diario íntimo de una actriz”

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El pasado Festival de Sitges fue testigo de la puesta de largo de Diario íntimo de una actriz, un recomendable cortometraje que repasa la carrera como intérprete de Montserrat Prous, musa a comienzos de los setenta de Jesús Franco, con el que trabajaría en títulos como Los ojos siniestros del doctor Orloff, Un silencio de tumba o Maciste contre la reine de amazons, para posteriormente desempeñar papeles de diversa importancia en El pez de los ojos de oro, Viaje al más allá o El fontanero, su mujer y otras cosas de meter, por solo citar unas cuantos películas de las que intervino. Pero además de por arrojar luz sobre la trayectoria de una actriz que el paso del tiempo había dejado en un segundo plano, el interés de este corto documental también se encuentra en un interesante acabado formal que sabe apartarse muy inteligentemente del modelo acostumbrado en este tipo de trabajos, sin por ello traicionar su espíritu. El principal ideólogo y responsable de semejante acierto es Javier Pueyo, un viejo conocido del fandom patrio que no tuvo el menor inconveniente en someterse a este interrogatorio sobre su más reciente trabajo.

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De entrada, debo reconocer que hasta ahora solo te conocía en tu vertiente de crítico cinematográfico. ¿Qué nace antes, el Javier Pueyo ensayista o el cortometrajista?

En realidad se podría decir que las dos líneas van de la mano. De niño siempre me gustó el cine y, en cuanto pude, me puse a escribir críticas en fanzines de fotocopias y a rodar cortos amateur. El primer artículo que escribí, digamos, en una revista profesional fue en 2008 (y casualmente fue un reportaje relacionado con la entrega del Goya de honor a Jesús Franco). Y mi primer cortometraje “oficial” lo rodé en 2009. Procuro que ambas funciones vayan en paralelo.

Precisamente, en el que hasta la fecha es tu más reciente trabajo detrás de las cámaras, Diario íntimo de una actriz, combinas ambas facetas al tratarse de una suerte de documental sobre Montserrat Prous. ¿Fue algo deliberado?

Más que deliberado, diría que lógico. Conociéndome, creo que es natural  que mi primera incursión en el documental (un género que me gusta muchísimo) trate sobre temas cinematográficos. Además, Prous ha incursionado más de una vez en el fantaterror español, que es una corriente que me encanta y de la que he podido escribir en varias ocasiones.

Desde hace años Montserrat se encontraba retirada de la profesión. ¿Cómo conseguiste contactar con ella?

Todo empezó cuando leí el libro sobre Jesús Franco que Carlos Aguilar escribió para Cátedra. En el capítulo relacionado con Montserrat Prous se indica que ella es la hermana de los técnicos de cámara Alberto y Juan Prous. Yo conozco a Juan Prous desde hace casi diez años, ya que hemos coincidido en muchos rodajes (ambos trabajando como técnicos), pero jamás le había relacionado con Montserrat. Llamé a Juan y me lo confirmó. Desde ese momento le pregunté en varias ocasiones por su hermana, y me contó que ella, aparte de cine de terror y erótico, había trabajado en teatro musical y en series de televisión de carácter infantil. Toda aquella mezcla de géneros me desconcertó (positivamente hablando) y me hizo pensar que sería interesante contar su historia. Juan nos puso en contacto, le mandé una primera estructura del corto indicándole cómo lo pretendía filmar y aceptó encantada.

¿Qué es lo que te llamaba la atención de Montserrat o de su trayectoria para que te fijaras precisamente en ella para dar forma a este trabajo?

Primero la mezcla de géneros de la que te hablaba antes. También me interesó el hecho de que ella fuera de las menos conocidas (hoy en día) de las musas que tuvo Jesús Franco. Existen muy pocos textos en los que aparezca resaltada su figura, y es algo que no entiendo, pues creo que Montserrat es una actriz estupenda que ha mostrado una interesante versatilidad. Además, me atraía mucho que hubiese trabajado con cineastas cuyas carreras siempre me han parecido interesantes, no sólo Jesús Franco, también Sebastián D’Arbó (Viaje al más allá, 1980), Luciano Berriatúa (El buscón, 1975), Amando de Ossorio (La endemoniada, 1975) o Carlos Aured (El fontanero, su mujer y otras cosas de meter, 1981).

Una vez se lo propones, ¿te costó mucho convencerla para que participara en el proyecto?

Al contrario, su actitud ante el documental siempre fue muy positiva. A ella le hace gracia que la gente joven conozca sus películas y se interese por su trayectoria. Yo le estoy muy agradecido, se ha portado muy bien con todo el equipo.

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Centrándonos ya en el contenido de Diario íntimo de una actriz, en contra de lo que pudiera parecer en un principio, su título dista de ser un juego de palabras con el de una de sus más populares películas, siendo, efectivamente, el hilo conductor del relato las confidencias que ella misma va narrando en su diario. ¿Por qué te decantaste por esta estructura?

Desde el primer momento en que me planteé realizar el documental decidí que no se trataría únicamente de una entrevista grabada. Yo generalmente trabajo en ficción, y me apetecía experimentar con un juego de realidad y ficción. Intenté plantarme cómo debe sentirse una persona alejada del cine desde hace veinte años y que de repente un día, sin previo aviso, la llamaran por teléfono para pedirle una entrevista. ¡Creo que cualquiera se sentiría descolocado! Me imaginaba a Montserrat en esa situación, en su casa buscando antiguas fotografías, revisando sus películas para poder hablar de ellas, etc. Con esa idea, pude plantear los momentos de “ficción”, pero, de alguna manera, basados en hechos reales.

El resumir toda una carrera de varias décadas en tan escaso espacio de tiempo reclama un afilado poder de concisión a poco que se pretenda ser riguroso, algo de lo que sales bien parado y que, supongo, no debió de ser fácil. ¿Cómo te las apañaste?

Tenía muy claro que el documental tenía que durar entre ocho y doce minutos, y así se planteó en el rodaje. Pero debo decir que quién realmente consiguió que eso se cumpliese fue Jaume Carrió, co-productor y montador del cortometraje. Desde su sala de montaje, Carrió supo perfectamente cómo aplicarle ese ritmo que necesitaba la historia, para que adecuadamente se contaran tantas cosas en tan poco tiempo.

No sé si será lo que buscabas, pero lo cierto es que la aludida forma en la que juegas con la ficción y la figura del narrador se asemeja, salvando las distancias, a uno de los rasgos más distintivos del tío Jess, convirtiendo el contenido del corto en todo un ejercicio metaficcional…

Sí, fue intencionado. Ya desde los títulos de crédito (también diseñados por Carrió) se anuncia sobre qué época estamos hablando. También hablé mucho del tema con Kiko Prieto, el director de fotografía, para darle al corto cierto aire de tenebrismo en algunos momentos. Nunca se llega a adivinar concretamente dónde transcurre la historia, quería que se creara esa sensación extraña de no saber exactamente dónde estás. Creo que Prieto hizo una gran labor respecto a la fotografía.

Tras su visionado, la sensación que deja Diario íntimo de una actriz es la de invitar a seguir ahondando en la figura de Montserrat, dado lo desconocido e interesante de su carrera, pero también por la corta duración del corto. ¿En ningún momento se te pasó por la cabeza el realizar un trabajo más extenso?

Como te decía antes, siempre tuve claro que este documental no tenía que tener una duración muy extensa. Es un formato que me gusta y me parece apropiado para este tipo de propuestas. Algunos de mis documentales favoritos tienen una duración parecida al mío: A. k. a. Robert Foster (2001), El anónimo Caronte (2007), Gritos de terror en el tren (2008)…

Dado que, como decimos, es la propia Montserrat la que en primera persona narra su vida, me gustaría que me cuentes cómo fue el proceso de escritura del guion. ¿Llegó a intervenir ella, aunque fuera indirectamente?

Desde el primer momento en que decidí que rodaría un documental sobre Montserrat Prous me puse en contacto con Jaume Masegosa (colaborador en otros proyectos míos y fan a rabiar de Jess Franco) para pedirle que me echara una mano. Él aportó muchas ideas sobre cómo distribuir las películas a lo largo del metraje, y me ayudó a decidir cuáles serían finalmente los títulos que cobrarían mayor importancia en la narración. Y claro, Montserrat aportó multitud de datos que a nosotros se nos escapaban, por ejemplo, su etapa en teatro y televisión. Antes de rodar charlamos varias veces con ella para que nos contase anécdotas con la intención de incluirlas en nuestro guion.

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De momento,  Diario íntimo de una actriz ha participado en el Festival de Sitges y en el Suspiria Fest de Alicante. ¿En qué otros certámenes va a poder ser visto?

Poder estrenar en el Festival de Sitges fue algo maravilloso para nosotros, el equipo del cortometraje. Eso te da energía para seguir enviándolo a festivales. En estos momentos estamos esperando respuesta por parte de varios programadores. De modo que habrá que cruzar los dedos…

Y para aquel interesado que no pueda acercarse a estos festivales, ¿manejáis otras vías para que pueda acceder al corto? ¿Entra entre tus planes intentar distribuirlo comercialmente?

Sí, la distribuidora Vial of Delicatessens incluirá el cortometraje, a modo de “extra”, en la edición en DVD de una de las últimas películas dirigidas por Jesús Franco.

Ya por último, ¿cuáles son tus próximos proyectos, bien en imagen o por escrito?

Mi siguiente cortometraje (que ya hemos empezado a rodar) será otro documental, esta vez sobre la figura de Víctor Uris, un músico de blues excelente, que vive en Mallorca. Por otro lado, estoy escribiendo un libro sobre Lucio Fulci para Tyrannosaurus Books, que espero poder terminar a mediados de 2015. Por último, quería agradecerte enormemente esta entrevista. Es un honor poder aparecer en La abadía de Berzano.

Muchas gracias a ti por tu amabilidad y toda la suerte del mundo con tus próximos proyectos.

José Luis Salvador Estébenez

Published in: on noviembre 7, 2014 at 6:30 am  Dejar un comentario  
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Ya a la venta “[REC] El libro oficial”

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En 2007 una modesta producción española de terror se convirtió en la revelación del festival de Sitges, alzándose con el Gran Premio del Público, el Premio a la Mejor Dirección, el Premio a la Mejor Actriz y el Premio de la Crítica. La película era [REC] y allí empezaba su revolución.

Con cuatro películas y varios premios a sus espaldas, además de un remake, un cómic y una antología de relatos, la creación de Jaume Balagueró y Paco Plaza se ha convertido no sólo en la franquicia más solvente e influyente de nuestra producción cinematográfica, sino que también ha supuesto la oportunidad de renovar el género nacional y de crear una cantera a la altura de esta nueva manera de entender el cine de terror.

[REC]. El libro oficial hace un minucioso recorrido por los rodajes de las cuatro películas recogiendo los testimonios de aquellos que los vivieron de primera mano: el fantástico equipo técnico y artístico que las ideó y protagonizó. Este libro contiene material extraíble único: los inquietantes recortes que Ángela Vidal halló en el ático de [REC], los expedientes de los malsanos experimentos llevados a cabo por el padre Albelda con los que los GEO se toparon en [REC] 2 y unas especiales invitaciones de boda de la pareja de novios protagonista de [REC] 3, además de storyboards, fotografías del rodaje y diseños de escenarios y personajes.

Escrito por Guillermo Tato Reig, [REC]. El libro oficial se encuentra ya a la venta desde el pasado día 2 de la mano de Timunmas dentro de su sección narrativa. En total, se tratan de 224 páginas con tapa dura y unas dimensiones de 22,5 x 26 cm. con un precio de venta al público recomendado de 42 €, IVA incluido.

Más información: http://www.planetadelibros.com/rec-el-libro-oficial-libro-164766.html

Published in: on octubre 13, 2014 at 7:36 am  Dejar un comentario  
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Palmarés Sitges 2014

Esta mañana se ha hecho público el palmarés de la cuadragésimo séptima edición del Sitges -Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya. I Origins, de Mike Cahill, ha ganado el premio a la mejor película de la Sección Oficial Fantàstic de Sitges 2014. El jurado ha concedido el premio especial a The Babadook, de Jannifer Kent, mientras Cub, de Jonas Govaerts, ha obtenido el premio a la mejor dirección. El premio a la mejor fotografía ha sido para Jamie Marks is Dead, de Carter Smith. El premio a la mejor interpretación femenina lo han ganado, ex-aequo, Julianne Moore en su papel en Maps to The Stars de David Cronenberg, y Essie Davis porThe Babadook.

La mejor interpretación masculina se lo han llevado Nathan Phillips por These Finals Hours, de Zak Hilditch y Koji Yakusho por The World of Kanako, de Tetsuya Nakashima. El premio al mejor guión ha sido para Young Ones, de Jake Paltrow, y los efectos especiales han sido para The Signal, de William Eubank. Oscar desafinado, de Mikel Alvariño, se ha llevado el premio al mejor cortometraje. Por último, han recibido una mención especial los films Pos eso, de Sam; What We do in the Shadows, de Taika Waititi y Jemaine Clement; A Girl Walks Home Alone at Night, d’Ana Lily Amirpour, y Spring, de Justin Benson y Aaron Moorhead.

A continuación os ofrecemos el palmarés íntegro:

Premio a la mejor película: I ORIGINS, de Mike Cahill.

Premio especial del jurat: THE BABADOOK, de Jennifer Kent.

Premio a la mejor dirección (patrocinado por Gas Natural Fenosa): CUB, de Jonas Govaerts.

Premio al mejor actor (patrocinat por Autolica – Mercedes Benz):

Nathan Phillips por THESE FINAL HOURS, de Zak Hilditch.

Koji Yakusho por THE WORLD OF KANAKO, de Tetsuya Nakashima.

Premio a la mejor actriz:

Essie Davis por THE BABADOOK, de Jennifer Kent.

Julianne Moore por MAPS TO THE STARS, de David Cronenberg.

Premio al mejor guión: YOUNG ONES, de Jake Paltrow.

Premio a la mejor fotografía: JAMIE MARKS IS DEAD, de Carter Smith.

Premio a los mejores efectos especiales: THE SIGNAL, de William Eubank.

Premio al mejor cortometraje (patrocinado por Fotogramas): OSCAR DESAFINADO, de Mikel Alvariño.

Mención especial: 

POS ESO, de Sam.

WHAT WE DO IN THE SHADOWS, de Taika Waititi y Jemaine Clement.

A GIRL WALKS HOME ALONE AT NIGHT, de Ana Lily Amirpour.

SPRING, de Justin Benson y Aaron Moorhead.

Gran Premio del Públic (patrocinado por El Periódico de Catalunya) (Sección Oficial Fantàstic en Competició)

Premio a la mejor película (otorgado por votación popular de los espectadors del Festival): WHAT WE DO IN THE SHADOWS, de Taika Waititi y Jemaine Clement.

Premios Sección Oficial Fantàstic Òrbita

Premio a la mejor película: HYENA, de Gerard Johnson.

Premio al mejor director: COLD IN JULY, de Jim Mickle.

Mención especial: ’71, de Yann Demange.

Premios Sección Oficial Fantàstic Panorama

Premio al mejor largometraje: THE TREATMENT, de Hans Herbots.

Mención especial: CREEP, de Patrick Brice.

Premios Méliès d’Argent 

Premio al mejor largometrajee: GOODNIGHT MOMMY, de Veronika Franz y Severin Fiala.

Premio al mejor cortometraje: AUTUMM HARVEST, de Fredrik S. Hana.

Premios de la Crítica

Premio José Luis Guarner a la mejor película: RÉALITE, de Quentin Dupieux.

Mención Especial de la crítica: GOODNIGHT MOMMY, de Veronika Franz y Severin Fiala.

Premios Citizen Kane

Premio al mejor director novel: A GIRL WALKS HOME ALONE AT NIGHT, de Ana Lily Amirpour.

Mención especial: WHEN ANIMALS DREAM, de Jonas Alexander.

Premios Noves Visions

Premio a la mejor película de ficción: HAN GONG-JU, de Lee Su-jin.

Premio a la mejor película de no ficción: NON-FICTION DIARY, de Jung Yoon-suk.

Mención especial: THE DUKE OF BURGUNDY, de Peter Strickland.

Premios Focus Àsia 

Premio a la mejor película: MAD SAD BAD, de Han Ji-seung, Kim Tae-yong y Ryoo Seung-wan.

Mención especial: HWAYI: A MONSTER BOY, de Jang Joon-hwan.

Premios Anima’t 

Premio al mejor llargmetratge de animació: THE SATELLITE GIRL AND MILK COW, de Chang Hyung-yun.

Premi al millor curtmetratge d’animación: PINEAPPLE CALAMARI, de Kasia Nalewajka.

Mención especial: DINNER FOR FEW, de Nassos Vakalis.

Premio Brigadoon Paul Naschy

Premio al mejor cortometraje fantástico presentado en esta sección: LINE UP, de Àlex Julià.

Premios Jurado Carnet Jove

Premio a la mejor película de Sección Oficial Fantàstic Sitges 47:

A GIRL WALKS HOME ALONE AT NIGHT, de Ana Lily Amirpour.

CUB, de Jonas Govaerts.

Premio a la mejor película de la sección Midnight X-Treme: THE HOUSES OCTOBER BUILT, de Bobby Roe.

Premio Emergentes: AMOR ETERNO, de Marçal Forés.

Premio Experimenta: THE TRIBE, de Myroslav Slaboshpytskiy.

Premis Phonetastic Sitges Mobile Film Festival

Premio al mejor cortometraje: SECTOR ZERO 4, de Alfonso García López.

Premio del públic: INTRUSOS, de Iván Mourin.

Premio Blood Window 

THE STRANGER, de Guillermo Amoedo.

Premis SGAE Nova Autoria 

Premio a la mejor realitzación: Víctor Alonso Berbal, por PUÑO Y METAL, de la Universitat Pompeu Fabra.

Premio al mejor guión: Joaquim Barceló por DINOSAURIOS, de Joaquim Barceló y Amanda Gómez, de la Universitat Ramon-Llull-Blanquerna Comunicació.

Premio para la mejor música original: Alain Gómez Reglá y Luis Daniel González por PILATO, PILATO, de Roberto Russo, de la Escola de Cinema Bande à part.

Published in: on octubre 11, 2014 at 6:53 pm  Dejar un comentario  
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El nuevo libro “Manual de Supervivencia para Cinéfagos” será presentado en Sitges

PORTADA FINAL 2

El próximo sábado 4 de octubre a las 16.00 horas se presentará en el marco del Festival de Sitges el “Manual de supervivencia para cinéfagos” en el espacio FNAC que habilita el propio festival.

Timi Abad e Ignacio López son los autores titulares de esta obra que, editada por Tempore, propone una visita guiada por los subgéneros más “imprescindibles”. Para este particular viaje por lo que ellos mismos denominan “los avernos cinematográficos”, Abad y López cuentan con la ayuda y complicidad de un nutrido e ilustre grupo de colaboradores formado por Miguel Juan Payán (Acción), Paco Fox (Canal + Xtra), Ángel Mora, Victor Matellano, Diego López (El buque maldito), Cacaman (CineCutre), Sergio Morcillo, Carlos Palencia (CineCutre), Isaac Vicente Sánchez (evilbrain666), Carlos Díaz Maroto (Pasadizo), Jesús Usero (Acción) Victor Olid, Rubén Pajarón (Aullidos) Óscar Arias (La mansión del terror), Alberto Fernández (Marty McFly no era un gallina) y Antonio Mayans.

Entre todos llevan a cabo un  acercamiento seleccionando de los subgéneros más notorios de cinco a diez películas de las que se analiza, despotrica, se maldice, se cuentan anécdotas y se destripan en general. La legión de los hombres sin alma, La noche de Walpurgis, Keoma, Rey de Reyes, Snakes on a Train, Gritos en la Noche, Nekromantik, Aracnofobia, I Spit on Your Grave, The Lords of Salem, y muchas más se dan cita en este libro que se anuncia como “la Guía de Cine que no te guiará a ninguna parte… ¡pero te librará del tedio!”

Published in: on octubre 2, 2014 at 5:59 am  Dejar un comentario  
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“Serial Sitges”, la nueva sección televisiva de Sitges

El Festival de Cine Fantástico de Cataluña – Sitges abre en esta edición una puerta a la televisión de género con la nueva sección “Serial Sitges”, que recogerá la presentación de series televisivas de género fantástico y thrillers, así como TV movies, web series y formatos similares. La nueva sección se incorpora a la parrilla del Festival con el fin de albergar a un creciente y emergente sector, el de las series de género fantástico, por el que las cadenas televisivas están apostando fuerte en este momento. Patrocinado por FNAC, “Serial Sitges” se proyectará en la Sala Tramuntana del Hotel Meliá, con entrada gratuita.

“Serial Sitges” es la respuesta a la experiencia inicial que el Festival desarrolló el año pasado en la misma Sala Tramuntana con notables resultados por parte del público. La sección ha programado diez títulos este año, entre los que se encuentran preestrenos como Fargo, uno de los actuales éxitos en Estados Unidos.

El primer capítulo de Fargo se emitirá en Sitges el viernes 10 por la noche, dos días antes de que Canal+ lo estrene para sus abonados. Se trata de un thriller inspirado en la particular atmósfera de la película de los hermanos Coen.

En el apartado de estrenos resalta The Knick, realizada por Steven Soderberg y protagonizada por un Clive Owen en el papel de cirujano, y de la que se ha programado el primer episodio. Las otras dos presentaciones de “Serial Sitges” son producciones de animación: Robot Chicken –con un capítulo dedicado a Star Wars– y Rick and Morty, dirigida a un público adulto que narra las aventuras de un científico alcohólico y de su nieto.

A estas producciones se añaden unas sesiones de conocidas series: Juego de Tronos no faltará en esta cita televisiva, con la proyección del último episodio de la cuarta temporada. Canal+ presenta también el primer capítulo de la segunda temporada de la serie británica Utopía. Por otro lado, TNT ofrece el primer capítulo de la octava temporada de The Big Bang Theory, mientras que Warner Bros aporta un episodio de la aclamada serie de intriga True Detective, nominada a los Emmy, entre otros premios.

The Darkside es otra interesante propuesta que podrá verse en “Serial Sitges”, donde se presentarán seis capítulos de esta serie que reúne una colección de cuentos del más allá procedentes de diversos puntos de Australia. Esta proyección se realiza en paralelo al film del mismo nombre que programa el Festival en la sección de “Noves Visions – No Ficció”.

Programación Serial Sitges

The Big Bang Theory. Viernes, 3 de octubre, 22,30h.

La noche para los más frikis del Festival. Proyección del primer episodio de la octava temporada de The Big Bang Theory, cargado de sorpresas.

Robot Chicken. Especial Star Wars. Sábado, 4 de octubre, 15h.

Episodio especial dedicado a Star Wars de la serie Robot Chicken. Una serie de animación que utiliza la técnica stop-motion, creada por Seth Green y Mathew Senreich. La serie parodia una sucesión de situaciones en las que se involucran series de televisión, actores de cine, músicos y video juegos.

Rick and Morty. Sábado, 4 de octubre, 15.45h

Rick and Morty, una serie de animación norteamericana dirigida a un público adulto. Nos presenta a Rick, un científico alcohólico y a su nieto Morty, en sus aventuras en dimensiones alternas, que acostumbran a causar problemas en la familia de Morty, constantemente atrapados en el caos.

Juego de Tronos. Domingo, 5 de octubre, 20h

Proyección del último episodio de la cuarta temporada de Juego de Tronos, una exitosa serie internacional basada en la saga de las novelas de fantasía escritas por el autor norteamericano George R.R. Martin.

Utopía. Lunes, 6 de octubre, 20h.

Iniciada la segunda temporada de la mini serie británica Utopía, creada y escrita por Dennis Kelly, supuso una gran sorpresa la temporada pasada. Jessica Hyde permanece secuestrada en manos de la Red, que sigue observándolo todo, mientras Becky, Ian, Grant y Wilson se han dispersado. Aunque la conspiración en torno al experimento Jano no es algo de los que puedan escapar fácilmente y ellos lo saben…

Gotham / True Detective / The Knick. Martes, 7 de octubre, 20h.

Presentación del primer episodio de Gotham, una de las nuevas series más esperadas de la temporada basada en los personajes creados por Bob Kane de DC Còmics. Una serie que se introduce dentro de los misterios de la ciudad de Gotham antes de la aparición de Pingüi, Catwoman y Batman. Inmediatamente, se proyectará el primer capítulo de True Detective y a continuación se presentará el primer episodio de The Knick, una serie creada por el gran realizador y productor Steven Soderberg y protagonizada por Clive Owen y que penetra por los pasillos del Hospital Knickerbocker de Nueva York, donde un prestigioso cirujano no duda en sobrepasar los límites de la ética y de la moral a favor de la investigación científica. Gotham y The Knick las emitirá Canal+ y True Detective que cuenta con las actuaciones de Vince Vaughn y Collin Farrell en su segunda temporada y que la emitirán por la cadena HBO.

The Darkside. Jueves, 9 de octubre, 21.30h.

Proyección de seis episodios de la miniserie The Darkside, que reúne una colección de cuentos del más allá procedentes de diversos puntos de Australia. Un serie que también cuenta con un largometraje que se podrá ver en Sitges 2014. La proyección será en versión original.

Fargo. Viernes, 10 de octubre, 22h.

Preestreno de la segunda temporada de la serie Fargo, inspirada en el peculiar universo creado por los hermanos Coen en la película homónima de 1996. Un hipnótico thriller cargado de suspense y de humor negro, que se ha consolidado como una de las mejores series del año. Un éxito avalado con tres premios Emmy a la mejor miniserie, mejor dirección de miniserie y mejor casting de miniserie. Fargo también la han premiado con el Critics Choice Award a la mejor miniserie. El preestreno en Sitges coincide con su estreno en Canal+.

Published in: on septiembre 30, 2014 at 5:55 am  Comments (1)  
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