Entrevista a Gustavo Leonel Mendoza, director de “Culto al terror”

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Desde hace algunos años, la sección Brigadoon del SITGES – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya dedica un enorme espacio de su programación a las películas de género documental. Y esta pasada edición de 2017 no ha sido diferente, como pudo comprobarse con la proyección de cintas como Omega Rising (2017), Paco Pérez-Dolz: un cineasta a tiro limpio (2014) o Nos interestícos da realidade ou o cinema de António de Macedo (2016). Otra de las películas que fueron exhibidas a lo largo de las casi dos semanas que duró el certamen fue Culto al terror (2017), reportaje que homenajea al género fantástico en su vertiente más terrorífica examinando los apartados más influyentes y representativos, incluyendo, además, numerosas declaraciones de figuras clave de la industria del cine. El realizador argentino Gustavo Leonel Mendoza es el director de tan interesante largometraje, y con él charlamos para confeccionar la siguiente entrevista.

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Recientemente has estrenado en el Festival de Sitges Culto al terror, un documental en el que realizas un extenso repaso al cine fantástico y de terror a través de las opiniones y anécdotas de personajes tan conocidos como Barbara Crampton, Robert Englund o José Mojica Marins. ¿Es el terror tu género favorito?

Sí, por supuesto. Como dice Pablo Guisa del Festival Mórbido de México “el género de terror es mi desayuno, almuerzo y cena. ¡Es mi vida!”

Y dentro de un género tan amplio como el fantástico y el terror, ¿con qué vertiente simpatizas más como espectador? Slasher movies, cine de zombis, giallo

Creo que de todo un poco. Me gusta mucho la combinación del miedo y gore con el horror, como en los casos de Mal gusto (Bad Taste, 1987), Terroríficamente muertos (Evil Dead II, 1987), Noche de miedo (Fright Night, 1985) o la saga de Freddy Kruegger. El resto de esos géneros los sigo también, claro. Y ver films de horror puro y duro son mis elecciones también.

Anteriormente habías realizado otros documentales, como Nadie inquietó más (2009) -sobre la figura de Narciso Ibáñez Menta- o Ciudadano Piria (2014), en relación al creador de la ciudad de Piriápolis. ¿Cómo nace Culto al terror y en qué momento decides cambiar de registro y examinar un género cinematográfico en lugar de un personaje concreto?

Tenía pensado rodar un documental sobre un personaje importante del género fantaterrorífico, pero por diferentes razones el proyecto no se pudo realizar. Y en 2015, cuando me encontraba volando desde Argentina hacia el Festival de Sitges, pensé “¡hagamos un documental sobre el género de terror!”. Y qué mejor lugar que empezarlo allí, en el festival de festivales…

Como es un tema que conozco de niño, soy coleccionista de películas, libros, fanzines (incluso españoles) y también soy fanático de visitar festivales de cine (¡son las mejores vacaciones!), quise hacer un trabajo sobre los temas que me interesaban. Luego investigué todo lo que podía cubrir en mi país (un bar dedicado a El resplandor (The Shining, 1980) y a Suspiria (Suspiria, 1977), un videoclub dedicado al género de terror, la Comic Con (a la que asistió Robert Englund), la Zombie-Walk argentina…) y posteriormente comencé con el tema de los viajes, visitando determinados lugares de Madrid o Barcelona, por ejemplo.

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Gustavo junto a William Friedkin durante la pasada edición del Festival de Sitges.

Tal y como comentas, en el documental hablas de diferentes temas. Obviamente analizas algunas de las películas más importantes, como la saga de Freddy Kruegger o Psicosis (Psycho, 1960) de Alfred Hitchcock, pero también dedicas un espacio importante a los fanzines de género, a los festivales de cine fantástico o a las tiendas especializadas como Metaluna (Paris), Profondo Rosso (Roma) o Freaks (Barcelona). ¿Fue muy complicado estructurar toda la información para crear una película de dos horas de duración?

¡Absolutamente! Digo que cada proyecto son como pequeños “Fitzcarraldo’s”, como el filme de Werner Herzog que sube un barco a una montaña. Sobre todo si eres del cuarto mundo como yo, donde todo se hace más difícil, sin dinero de subvenciones ni ayudas oficiales. Por suerte, el cine es un trabajo en conjunto, y tuve la colaboración de varios amiguetes, como Jorge Adsuara del Festival Fantasti’cs, que filmó a varios especialistas y fans en Valencia y Castellón, o Ygnacio Cervio que entrevistó a Luiggi Cozzi en Roma y a David Blyth y Pete Ellot en Nueva Zelanda. Y todo ello con el agregado monster-rockero de la banda Motorzombis y su master brain Dani Moreno, del país catalán (jaja).

La edición fue una locura. Para que te hagas una idea conté con cinco editores, sumado a mi compaginación, donde decidía que iba con qué. Realmente puse todo lo que me interesaba acerca del género de terror. Por razones de espacio temporal, quedaron fuera algunas historias de la televisión, un local en un parque de Argentina dedicado a Stephen King y una secuencia sobre cine neozelandés de género. ¡No se puede poner todo! (Jaja)

También tuve colaboraciones de las autoridades de los festivales: Fantaspoa (Brasil), Frightfest (Inglaterra)… Pablo Guisa de Mórbido (México), me cedió unas imágenes impresionantes de lucha libre, y también usé las intros de las presentaciones de los festivales Buenos Aires Rojo Sangre y de Sitges. A todos ellos, les estoy muy agradecido.

 ¿Cuantos años te ha llevado la realización? Imagino que a la hora de editar te enfrentaste a un buen número de horas de brutos…

Dos años, todo un récord si lo comparamos con Nadie inquietó más, que necesité cinco años y medio, y Ciudadano Piria, seis años. Ahora quisiera filmar como hace Takashi Miike, que te hace dos películas por año (jaja).

Ya hemos mencionado a algunos de los profesionales que aparecen en tu película -podríamos añadir a muchos más como Ruggero Deodato, Paco Plaza, Mick Garris o Ángel Sala-, pero ¿hay alguien que no aparezca en el documental y que te hubiera hecho especial ilusión?   

Realmente estoy muy contento con todos los entrevistados que están en esta película y cuánto nos costó a mí y a mi mujer, Maro, conseguirlos. Me hubiera gustado tener a John Carpenter, George Romero y Wes Craven, pero todo no se puede… ¡Ah! Y hubo un periodista de espectáculos argentino que me pidió aparecer en la película, que le llevara a un bar con mujeres bailando y que cada media hora tuviese un trago en la mano. Por razones éticas y económicas no está. Esto es real, aunque sospecho que también bromeaba un poco…

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Maro, mujer y colaboradora de Gustavo, Barbara Crampton y Gustavo.

En tu opinión, ¿Culto al terror está más enfocado a un público que conoce bien el género o a aquellos espectadores que pretendan iniciarse en el mismo?

Es claramente una película para fans acérrimos: para el fan coleccionista de fanzines, dvds, blu-rays de género, que compra monstruos de plástico, que va a las comic-con y se disfraza; aquel que no se pierde un Festival de Sitges, o un Buenos Aires Rojo Sangre; aquel que tiene tatuajes de Bruce Cambpell o del monstruo de la laguna negra; aquel “camiseta negra” que usa imágenes de pesadillas en su pecho y que por supuesto, las luce con orgullo freaky. Aunque también son bienvenidos los vírgen@s del terror. ¡Nadie nace sabiendo!

Siguiendo un poco con la pregunta anterior, ¿qué películas son, según tu criterio, fundamentales en el género? Aquellas que nadie debería perderse…

Ahh, ¡esta es la difícil! En este documental una de las premisas era escuchar a los fans, especialistas y estrellas mundiales, y preguntarles cuál era su película preferida o la que le había dado más pavor. En mi caso, comienzo con El más allá (…E tu vivrai nel terrore! L’aldilà, 1981) de Lucio Fulci, pasando por La cosa (The Thing, 1982) de John Carpenter, Demons (Dèmoni, 1985) de Lamberto Bava, Suspiria de Argento, El exorcista (The Exorcist, 1973) de William Friedkin, La matanza de Texas (The Texas Chain Saw Massacre, 1974) de Tobe Hooper, Nosferatu (Nosferatu, eine Symphonie des Grauens, 1922) de Murnau, The Ring (El circulo) [Ringu (The Ring), 1998], de Hideo Nakata, La residencia (1969) y ¿Quién puede matar a un niño? (1976) de Chicho Ibáñez Serrador, Babadook (The Babadook, 2014) de Jennifer Kent, It Follows (It Follows, 2014) de David Robert Mitchell, Sinister (Sinister, 2012) de Scott Derrickson, Obras maestras del terror (1960) de Enrique Carreras, Narciso Ibáñez Menta y Chicho Ibáñez Serrador, las películas de Paul Naschy… ¡Hay mil más!

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Gustavo durante un momento de la presentación de “Culto al terror” en su pase en la sección Brigadoon del Festival de Sitges.

Como hemos dicho, Culto al terror conoció su estreno al público en la pasada edición del Festival de Sitges, concretamente en la sección Brigadoon. ¿Cómo fue la proyección?

¡Fantástica! Tuvimos a la misma hora el cierre del festival con un King Kong y La Fura dels Baus, y aun así… ¡la sala estuvo llena! Hubo una gran recepción por parte del público, y fue curioso ya que algunos espectadores se reconocieron en la pantalla, por ejemplo en la escena en que se ve a un grupo de gente haciendo cola para entrar en el cine Prado de Sitges. Sitges es todo.

¿Qué recorrido le espera a Culto al terror

Después de Sitges se ha pasado en Ciudad de México, y luego irá por varios festivales que ya me han confirmado. Y esta película está realizada sin ánimo de lucro, por eso, donde la inviten, estará.

Y en tu faceta de espectador, ¿te gusta el género documental? ¿Tienes algún título de referencia?

¡Ahh! ¡Me fascina! En el documental puedes hacer política y al mismo tiempo hablar de lo que te gusta. Por eso es tan importante el tema que elijas, porque puede hacerse denso con el tiempo y si no lo amas, te costará más. Sigo mucho la obra de los maestros Werner Herzog y Michael Moore, ¡tienen ediciones geniales! Amo también la estética sobrenatural de los films de Godfrey Reggio, con sus maravillosas Powaqqatsi (1988) y Koyaanisqatsi (1982). Puro arte. ¡Y hay muy buenos sobre el género! Ah, pero vean Culto al terror que es mejor, jajaja.

Tras haber realizado varias obras de carácter documental, ¿te gustaría incursionar en la ficción?

Sí, por supuesto. Ya en mis comienzos, años 2002, 2003, había hecho cortometrajes en Super 8 y en 16 mm de ficción. Planeo filmar unos guiones que escribe mi mujer, Maro Villamarin, sobre leyendas autóctonas argentinas, que son geniales. Ella también me asiste e hizo sonido, cámara y DF para mis dos últimas películas.

Por último ¿estás trabajando en algún nuevo proyecto?

Ahora no, estoy en plena campaña para mostrar Culto al terror. Y tengo que analizar estos guiones que te contaba antes. ¡Todos son muy buenos!

Muchas gracias Gustavo, si quieres añadir algo más…

¡Que consuman lectura y cine de género! La cultura nos hace disfrutar de nuestra existencia y pensar. De esa manera seremos individuos originales y creativos.

Javier Pueyo

Published in: on noviembre 22, 2017 at 6:56 am  Dejar un comentario  
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Entrevista a Lex Ortega, ideólogo del proyecto “México bárbaro”

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Coincidiendo con la moda que por aquellos momentos se vivía por los films corales de episodios, representada por las franquicias ABCs of Death o V/H/S, el pasado 2014 veía la luz México bárbaro. Con la reinterpretación de los mitos y leyendas del folclore autóctono como principal hilo conductor, el film ofrecía un inmejorable escaparate con el que tomar el pulso al presente y futuro del cine fantástico mexicano, al estar compuesto por ocho segmentos correspondientes a otros tantos jóvenes cineastas, en su mayoría pendientes de dar el salto al formato largo. Tan atractivo planteamiento ayudó a que México bárbaro fuera acogida con un gran entusiasmo en los muchos festivales especializados en los que fue seleccionado, consiguiendo además ser distribuido comercialmente en los principales mercados internacionales. Tres años más tarde, la propuesta regresa con una segunda entrega que renueva en forma y fondo la propuesta de su predecesora, merced a la remozada nómina de realizadores convocados que permite ampliar la visión sobre el talento existente actualmente dentro del cine fantástico del país azteca. Aprovechando su presencia en el pasado Festival de Sitges, donde México bárbaro II compitió dentro de la sección “Midnight X-Treme”, tuvimos la oportunidad de charlar con Lex Ortega, creador y principal impulsor del proyecto, además de partícipe en sus dos entregas en calidad de director.

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¿Cómo te surge la idea para el proyecto de México bárbaro?

Principalmente, México bárbaro surge por la necesidad de expandir nuestro trabajo. En el momento en el que se me vino a la mente hacer esta antología me había encontrado en muchos festivales con los directores que posteriormente participarían en la película presentando sus trabajos, en la mayoría de los casos cortos. Entonces era obvio que, en lugar de estar luchando cada uno por nuestro lado, era mejor que uniéramos fuerzas e hiciéramos algo más sólido que incluso se pudiera comercializar, ya que todos sabemos que el corto es casi imposible que se comercialice, cuando, sin embargo, una antología sí tiene esa posibilidad. De ahí surgió la idea de convocar a los directores participantes, a los que conocía por su trabajo y admiraba por ello. Esa fue un poco la forma de seleccionarlos.

La idea implícita era también dar a conocer esa nueva generación de cineastas mexicanos dedicados al cine…

Desde luego. Estoy muy convencido de que el talento existe, pero no se nos han dado las piezas para poder armar un largometraje. Sin embargo, eso no quiere decir que no lo podamos hacer. Por el contrario; estamos listos para hacerlo. Por lo que sí, definitivamente, uno de los propósitos de México bárbaro es exponerle al mundo la capacidad y el talento que existe en México.

La primera entrega de México bárbaro fue muy bien acogida internacionalmente. ¿Cómo la recibieron en vuestro país?

Cierto que tuvo una buena aceptación en el extranjero. Incluso en cada país la recepción fue diferente. Centrándonos en el ámbito latinoamericano, fueron diferentes las reacciones que tuvo el público en España, a las que tuvieron en Argentina o Brasil, pese a tratarse de un público con un legado cultural similar. La gente empatizaba con diferentes momentos de los segmentos.

En cuanto a México en el tema, digamos, de industria, a mí me viene a la mente la frase de que “nadie es profeta en su tierra”. Tuvo justo como lo mencionas muy buena acogida en festivales internacionales, ventas internacionales a países como Estados Unidos, en Japón, en China, en Canadá, recientemente en España… Sin embargo, México bárbaro no existe en México. Existe, porque la empresa norteamericana que la compró, Dark Sky, la vendió a su vez a Netflix para toda América, y gracias a ello ha podido verse en México. Pero si no llega a ser por eso no existiría. Obviamente, intentamos salir a salas, incluso con pocas copias destinadas a cinetecas, pero nada cuajó. Es una pena, ya que no pudimos demostrar el talento que existe en el país dentro del género fantástico. Al menos desde un punto de vista comercial, ya que sí participó en varios festivales en México, y fue como llegó a mucha gente.

¿Qué repercusión tuvo la realización de esta primera entrega de México bárbaro en la carrera de los directores participantes? Lo digo porque tú, por ejemplo, rodaste casi a continuación tu primer largo…

Sí. Creo que es una muy buena plataforma para los directores y ha sido muy motivador para todos nosotros, ya que nos ha permitido ver cómo a través del trabajo en equipo hemos conseguido cosas que habrían sido muy difíciles de lograr individualmente. Pero también depende de uno, de que siga trabajando y siga creando y filmando. En el momento en el que rodamos ese primer México bárbaro los únicos que tenían un largo eran Ulises Guzmán, Jorge Michel Grau y estaba estrenando su primera película en aquellas fechas Isaac Ezban. El resto aún no habíamos dado el salto. Y en este tiempo Gigi Saúl Guerrero, que es mexicana, aunque vive en Canadá, acaba de filmar una serie para Warner, yo hice Atroz y Edgar Nito acaba de filmar su primera peli, Guachicalero. Así que pude decirse que sí, que México bárbaro nos ha demostrado que se podía llegar y conseguir lo que buscábamos.

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¿Qué te lleva a poner en marcha esta segunda entrega de México bárbaro?

Pues justo el conocer más directores y, a través de ellos, seguir dando a conocer todo el talento que hay en el cine de género de terror mexicano. He tratado con los directores invitados que fuera gente que conociera el género. No especificábamos que cada quien se encargara de un subgénero distinto. No era tan estricto. Pero el hecho de que conocieran el género nos permitía que pudieran aportar cierta diversidad a la antología.

Como ya has adelantado, la lista de directores invitados se ha renovado con respecto a la primera entrega. ¿Qué criterios has seguido a la hora de seleccionarlos?

El criterio fue el mismo que en la primera parte. Que me gustara su trabajo y que hubieran hecho cosas de terror. Es prácticamente la misma fórmula, con la salvedad de que esta vez somos nueve directores, aunque siguen siendo ocho segmentos, ya que uno de ellos está codirigido. El único que repito soy yo, y eso que en un primer momento no sabía si nada más producir la película, hasta que me llegó a la mente la historia que he acabado contando y, como decimos en México, “es mi perro y yo lo baño”.

De nuevo el hilo conductor vuelve a ser los mitos del folclore mexicano. ¿Cómo hacéis el reparto de qué mito va a abordar cada uno?

Dado que ya existía el precedente de la primera parte, partimos de la premisa de no rehacer nada que ya se hubiera tocado en ella. En cualquier caso, la verdad es que son muchas las leyendas que existen en mi país, además de tradiciones, como puede ser el caso de Fernando Urdipalleta, que tira más por este lado, inspirándose en cómo se hacía el platillo de pozole en el México de los aztecas, aunque en un ambiente contemporáneo. Así que cada vez que uno comunicaba cuál era la leyenda sobre la que iba a rodar el resto que aún no se habían decidido la eliminaba de su lista, para evitar caer en la repetición. Sin embargo, como cada cabeza es un mundo, probablemente de haberse dado esta repetición no habrían salido dos segmentos iguales.

En la primera parte los directores participantes os autofinanciasteis vuestros respectivos cortos, lo que provocó que existiera una diferencia entre los medios disfrutados por unos y otros. ¿En esta segunda entrega habéis repetido la misma fórmula o, por el contrario, habéis optado por una producción normalizada?

En el tema de la financiación volvimos a utilizar la misma fórmula, si bien todos buscamos conseguir un estándar. Entre todos lo financiamos, o buscamos cómo financiarlos por otros medios, incluso con ayudas del gobierno, como es el caso de Abraham Sánchez, que es de Tijuana y contó con la ayuda del estado de Baja California. Es un arma de doble filo, porque, lógicamente, hace que existan diferencias entre unos y otros capítulos, pero es algo que irremediablemente sucede en todas las antologías, tengan o no los mismos medios. Tenemos el caso de The ABCs of Death, que contaban con el mismo budget, pero aun así había diferencias. No obstante, en esta segunda entrega teníamos un listón fijado por la anterior película que nos obligaba a que lo que hiciéramos no tuviera unos medios inferiores a los que se habían visto en aquella. No podíamos ir para atrás, por así decirlo. Obviamente, esta fórmula también te puede jugar en contra porque no puedes hacer todo lo que te gustaría, y te tienes que limitar a rodajes o sesiones mucho más cansadas, con mucho tiempo de filmación.

Teniendo la experiencia previa de la primera película, ¿marcasteis alguna pauta que seguir a la hora de plasmar la violencia, o los modos narrativos, para evitar problemas que os hubierais podido encontrar entonces?

No. Fíjate que uno de las reglas que convenimos es que no hubiera ningún tipo de censura, y mucho menos en la parte creativa. Nadie fue limitado, salvo en el tema que te comentaba antes de no repetir las leyendas utilizadas, o ciertas especificaciones técnicas del modo en el que se debían de presentar los segmentos. Más allá de eso no hubo ninguna restricción.

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¿Qué me puedes contar del segmento que tú diriges, Exodoncia?

Mi segmento surgió a raíz de haber visto un cortometraje que se titula Sedienta, que es también de un chico mexicano. Me gustó mucho su interpretación del hada de los dientes, hablé con él, y le dije que me gustaría mucho escribir mi segmento para México bárbaro II partiendo de su corto. Lo que ocurre es que, mientras que en el norte del país tienen al hada de los dientes, en el centro esta figura es sustituida por el ratón, por lo que hice un híbrido entre el hada y el ratón, lo cual me resultó muy interesante, ya que el crear un personaje así de fantasioso era algo que no había hecho hasta ahora. Sin embargo, esto no quita para que en el segmento hable de las temáticas sociales que siempre me gusta tocar. En este caso es el descontento que arrastramos, a pesar de todo lo que tenemos. Nunca nos parece suficiente con lo que tenemos, y siempre queremos más. En el corto lo enfoco en temas de adicción de drogas y demás, pero va un poco por ahí.

Ya que lo comentas, en la primera parte había un claro componente social subyacente en todos los segmentos. ¿Es algo buscado o surge de una forma natural de cada uno de vosotros?

No fue algo acordado. Cada autor lo ha metido porque ha querido. A mí personalmente me gusta que, independientemente de que la historia sea de fantasía, de repente toque estas fibras sociales. Como dice Guillermo del Toro, el cine tiene que ser de denuncia, y sobre todo el cine fantástico. Y muchos de los directores que participamos, tanto en la primera película como en esta, hemos coincidido en estas palabras.

Junto a México bárbaro II en esta edición del Festival de Sitges hemos podido ver al menos otras dos películas mexicanas de temática fantástica, como es el caso de El habitante o Belzebuth. ¿Cuál es la situación real que atraviesa el cine fantástico mexicano en este momento?

Sigue habiendo mucha producción. De hecho, el año pasado se superaron las cifras de producción de anteriores ejercicios, no solo de cine de terror y fantástico, sino que en general se está produciendo más. El problema que tenemos es más de distribución. Ahora con Netflix parece que la cosa poco a poco se está arreglando y tenemos una ventana a través de la que dar a conocer nuestras películas a todo el mundo. Pero sin embargo sigue existiendo el tema del idioma. Para un agente resulta más complicado hacer una venta internacional de una película rodada en castellano que de una en inglés.

Sin embargo, eso no deja de ser paradójico, dado el enorme mercado existente en los países latinoamericanos que compartimos el mismo lenguaje y una cultura más o menos similar…

Sí, es raro pero sucede. También está que tanto Latinoamérica como España no son mercados principales que los agentes quieran atacar, como sí lo es Estados Unidos y el resto del mundo anglosajón. Ello está llevando a que muchas películas se comiencen a rodar en inglés o, como puede ser el caso de Belzebuth, mezclando el inglés y el castellano e incorporando además a sus repartos actores norteamericanos. Es algo que tiene también que ver con la cultura de los espectadores. Nosotros como fans del terror no tenemos problemas en leer subtítulos, pero hay mucha gente que esto le molesta mucho y es incapaz de ver una película si tiene que estar leyendo los subtítulos.

Pues esto es todo por mi parte. Solo queda agradecerte tu disponibilidad, si no tienes nada que añadir…

Nada más comentar algo que espero que los espectadores perciban cuando vean México bárbaro II. A lo largo de la película hay una serie de elementos que se interconectan entre los segmentos. Por poner un ejemplo, en mi segmento se puede ver un cuadro que remite al que dirige Michelle Garza. Son detalles que no pasa nada si no los pescas, pero para quien los perciba pienso que les dará un atractivo más al visionado. Además nos viene muy bien para aquellos que piensan que la película es una recopilación de cortos ya existentes. Nada de eso. Se hicieron expresamente para la antología y con esto podemos demostrarlo.

José Luis Salvador Estébenez

Published in: on noviembre 14, 2017 at 6:32 am  Dejar un comentario  
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Entrevista a Gary Sherman sobre su película “Death Line”

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Aunque quizás su figura no sea muy popular entre los aficionados al género, no hay duda de la importancia que el nombre de Gary Sherman goza dentro del cine fantástico y de terror de los setenta y los ochenta. Lo más curioso del caso es que esta relevancia se sustenta, básicamente, en la aportación que harían al género sus dos primeros films: Death Line [vd: La línea de la muerte; dvd: Sub-humanos, 1972] y Muertos y enterrados (Dead and Buried, 1981). Ambas películas formarían parte de la programación de la pasada edición del Festival de Sitges, coincidiendo con la presencia en la localidad barcelonesa de Gary Sherman, quien formaría parte del jurado de Oficial Fantástic, la sección principal del certamen.

Mientras que a estas alturas huelga hacer presentaciones de Muertos y enterrados, convertido en un film de culto desde prácticamente su aparición, Death Line en cambio ha permanecido semi-olvidado desde su estreno, hace ahora justamente cuarenta y cinco años, no siendo reivindicado hasta hace relativamente poco tiempo, a lo que no ha sido ajeno el entusiasmo que sobre sus bondades han demostrado en repetidas ocasiones cineastas de la talla de Guillermo del Toro, a la sazón padrino de este cincuenta aniversario del Festival de Sitges.

Durante su estancia en tierras catalanas, mantuvimos la siguiente conversación con Gary Sherman acerca de su ópera prima, la cual realizamos compañía de Àlex Aguilera de “Cinearchivo” y de Ferran Ballesta del blog “La zona muerta”.

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La premisa de Death Line es la existencia de un clan endogámico de caníbales que sobrevive en los túneles abandonados del metro londinense. ¿Quisiste reflejar con ello ese submundo desconocido, o la degeneración de una sociedad que esconde sus miserias?

Ya desde pequeño me ha fascinado el submundo. Siendo muy joven, cuando me interesaba la música, una de las primeras canciones que escribí trataba sobre un accidente en una mina de carbón. No sé por qué, ya que tampoco conocía el tema. Cuando me mudé por primera vez a Londres cogía mucho el metro, que utilizaba un sistema mucho más antiguo y complejo que el de Chicago, que es el lugar donde vivía anteriormente. Me interesé mucho por cómo se construyó el metro y las personas que murieron cuando se empezó a hacer. Eso me impactó. Para mí era una alegoría de cómo funciona la sociedad; la clase alta coge a las personas que considera que están por debajo de ella y les dicen qué tienen que hacer, los convierten en soldados y los llevan a la guerra o a excavar minas. Me interesa la política en mis películas. Había escrito guiones en esa línea, pero nunca conseguía llevarlos a la pantalla porque eran demasiados políticos y trataban temas demasiado trillados. Entonces, alguien me sugirió que lo escribiera como cine de terror y así la gente no se daría cuenta del trasfondo político. De ahí que toda mi fascinación por el submundo y la gente que está debajo, menos privilegiada, sirvió como origen para la idea de la película.

Como parte de la producción, nos introdujimos en los túneles y, efectivamente, había gente viviendo allí. Eso reforzaba la idea de que la sociedad hacía que ciertas personas vivieran en el subsuelo. Había vagabundos que buscaban refugio en esos túneles abandonados. Era horrible, estaban mojados, sucios y conviviendo con ratas, pero vivían allí abajo, no tenían otro sitio donde ir. Eso nos abrió los ojos. Una de las cosas positivas de hacer Death Line fue que nos permitió poder recolocar a muchas de esas personas y ayudarles a encontrar un lugar alternativo donde vivir.

En la película hay un caníbal que resulta aterrador, pero al mismo tiempo es un personaje trágico e inocente. ¿La gente en teoría mala en realidad es víctima del sistema capitalista?

Creo que hasta cierto punto hay víctimas de la sociedad que luego hacen cosas terribles, sean de por sí malvadas o no. Que hacen cosas terribles para vivir. El personaje en Death Line no sabe qué es malvad; en su interior no se ve como alguien malo, solo trata de sobrevivir. Es la sociedad la que le ha forzado a esta situación. Y sí, existen ejemplos así en la vida real, lo cual no lo justifica. Algunas personas toman la decisión consciente de ser malos, aunque no es el caso del personaje de Death Line. Él no tenía otra opción y es por eso que es tan compasivo. Espero que la gente se dé cuenta de eso: él no eligió ser un monstruo, no tenía elección, se convirtió en un depredador salvaje porque era el único modo en el que podía sobrevivir. Yo creo que en la sociedad la gente sí tiene elecciones, pero también que la sociedad arrincona a los demás y, si arrinconas a una persona, ésta va a luchar. Yo he investigado y escrito sobre el mal, la sociedad y en lo que se puede convertir la gente. No justifica lo que pueden llegar a hacer, pero sí lo explica.

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William Lustig y Gary Sherman durante el encuentro con el público que tuvo durante el pase de “Death Line” en Sitges 2017,

Antes de rodar Death Line habías trabajado en el mundo de la publicidad. Y lo cierto es que, viendo la película, puede percibirse una crítica hacía la publicidad, patente en el protagonismo que se da en las escenas ambientadas en el metro a los carteles publicitarios que cuelgan de las paredes o, incluso, con la única frase que sabe vocalizar el caníbal y que repite numerosas veces: “cierren las puertas”. ¿Era su intención?

Death Line es una crítica a la sociedad en general y de cómo se sustenta sobre un sistema de clases: están las clases dominantes y luego están los desatendidos. El protagonista es una representación de esos desatendidos y todo lo demás representa a las clases altas y la manipulación de la sociedad. Pero no sé si realmente tuve en cuenta el tema de la publicidad.

Al hilo de esto tengo una divertida anécdota. Mi madre es inglesa, y tengo familia y allí, el primo de mi madre se llamaba Frank Kaplan, Sir Frank Kaplan ya que fue nombrado caballero por la reina porque inventó el para el sistema de movimiento “Centurion Tank”[1]. Un día, durante una cena, me dijo: “¿Cómo puedes vivir contigo mismo?” Esto fue antes de que yo hiciera películas, cuando todavía hacía publicidad. Me dijo “Te ganas la vida engañando a la gente”. Entonces le miré y le respondí: “Cómo me puedes decir eso, cuando tú te ganas la vida matando a gente?”. No podía creérmelo, él creía que fabricar armas era mejor que hacer publicidad (risas). La publicidad en la industria es una extensión del resto de la sociedad. Mi pensamiento es que lo importante son siempre las personas, y todas las personas son personas, no importa si están arriba o abajo, las personas son siempre personas y deben ser tratadas como tal. Para mi esa es la esencia de Death Line, y quizá también la esencia de mi vida.

En Death Line se dan cita detalles que parecen preludiar la llegada del American Gothic norteamericano. Incluso hay elementos iconográficos de la guarida del caníbal que recuerdan a obras como Las colinas tienen ojos (The Hills Have Eyes, 1977) o La matanza de Texas (The Texas Chainsaw Massacre, 1974). ¿Puede decirse que su película fue algún modo precursora de ese movimiento?

Eso espero (risas), pero no era mi intención influir con las películas que he hecho. Tengo que reconocer que cuando conocí a Wes Craven o a Tobe Hooper nunca discutí sobre mi influencia en ellos. Hubiese sido muy ególatra por mi parte siquiera preguntar. En cambio, Guillermo del Toro escribió un artículo en la revista Sight & Sound[2] sobre cómo Death Line cambió su vida cuando la vio de pequeño y fue una de las cosas que le hizo querer ser director. He dicho en muchas ocasiones que si lo único que he conseguido en mi carrera es lograr que Guillermo del Toro se convirtiese en director de cine, entonces he dado al mundo todo lo que podía darle. No podría estar más orgulloso de que Guillermo del Toro diga que ver mi película fue el motivo de que se interesara en hacer películas. Es un genio, como ha demostrado en El espinazo del diablo (2001), Cronos (Cronos, 1993) o El laberinto del fauno (2006), que es una obra maestra. Me muero de ganas de ver La forma del agua (The Shape of Water, 2017) esta noche y verle a él. Nuestras vidas van en distintas direcciones, pero cuando nos encontramos nos damos muchos abrazos. Es increíble. Si lo único que mis películas han hecho es influir a Guillermo o si hay gente que quiere copiar mis películas, yo estoy encantado. Yo solo hacía mis películas por el hecho de hacerlas y decir lo que quería decir.

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Gary Sherman y Robert Englund presentando la proyección de “Muertos y enterrados” en Brigadoon.

Para su estreno en los Estados Unidos, Death Line fue remontada y rebautizada con el título de Raw Meat. Según tengo entendido, esta versión norteamericana no es de su agrado, ya que cambiaron la película por completo…

No hay justificación posible para hacer con Death Line lo que hicieron. Me hizo no querer volver a hacer otra película. Tardé ocho o nueve años en hacer mi siguiente película, Muertos y enterrados. Si no fuera por su productor, Ronald Shusett, no hubiese hecho otra película. Lo que pasó con Death Line y cómo se convirtió en Raw MeatRaw Meat simplemente no es mi película, no tiene nada que ver con Gary Sherman. Raw Meat es una versión bastarda de Death Line, en la que cortaron planos, secuencias e incluso doblaron a Donald Pleaseance, porque creían que su acento no se entendería entre el público norteamericano; pensaban que no se entendería su humor.

El que mejor definió lo que hicieron fue el crítico estadounidense Robin Wood en un artículo para The Village Voice[3] que tituló “Butchered. Turning Death Line into Raw Meat”[4] en el que decía: “No vayáis a ver Raw Meat, Raw Meat no es Death Line. Death Line es una película importante y Raw Meat es una mierda”. La verdad es que me destrozó ver que la gente tenía tan poco respeto por el trabajo de otro… Al distribuidor, Samuel Z. Arkoff de AIP, le odiaré hasta el día en que muera por lo que hizo con mi película. Y bueno, aquí estamos, han tenido que pasar cuarenta y cinco años para que el público norteamericano pueda tener la oportunidad de ver Death Line por primera vez en su versión original tal como se concibió, gracias a la reciente edición que ha comercializado Blue Underground. Y este montaje es también el que se va a ver aquí en Sitges, justo cuando se cumplen cuarenta y cinco años de su estreno en octubre de 1972.

José Luis Salvador Estébenez

Traducción: Tarik Amorouch García

Fotografías: Juan Mari Ripalda

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[1] Nota del traductor: El carro de combate “Centurión” fue el principal tanque británico durante el período de posguerra y demostró tener un exitoso diseño en las décadas posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Su éxito se debe principalmente a su grueso blindaje, su potencia de fuego, la adaptabilidad de su chasis a diversas tareas, y a sus numerosas actualizaciones. (Extraído de Wikipedia)

[2] N.d.t.: Sight & Sound es una revista mensual de cine publicada por el BFI (Instituto de Cine Británico).

[3] N.d.t. The Village Voice es un magacín semanal editado en formato web, que informa sobre noticias en la ciudad de Nueva York. Realiza artículos de investigación, análisis de eventos actuales y culturales, arte y música. Robin Wood, por su parte, fue uno de los críticos norteamericanos de mayor prestigio, con libros sobre Alfred Hitchcock o Howard Hawks, por ejemplo.

[4] N.d.t.: Butchered podría traducirse como “Carnicería” en el sentido de “destrozo” jugando con el doble sentido del título Raw Meat, que traducido significa “Carne Cruda”, y la carnicería hecha en la película. Así que la traducción literal del título del artículo podría ser “Carnicería: Convirtiendo la línea mortal en carne cruda”.

La fábula fantástica “Jupiter’s Moon” gana Sitges 2017

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La 50a edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya terminó oficialmente ayer con un palmarés que premia al cine europeo. El húngaro Kornél Mundruczó –director que siempre ha introducido el elemento fantástico de manera inteligente en sus películas– ha conseguido el premio a la Mejor Película con Jupiter’s Moon, una fábula fantástica que cuenta con un deslumbrante diseño de producción. Jupiter’s Moon también se ha hecho con el premio a los mejores efectos visuales. El premio a la Mejor Dirección ha recaído en la francesa Coralie Fargeat que con una violenta cinta que contiene guiños a los clásicos de los años 70, ha firmado una brillante ópera prima: Revenge. El palmarés de Sitges 2017 ilustra un Festival que ha conseguido cifras de récord, con un aumento del diez por ciento en la venta de entradas.

Jupiter’s Moon ha deslumbrado y su director Kornél Mundruczó –autor de la extraordinaria White God– ha paseado complicidad por Sitges y ha reclamado conciencia social sobre uno de los grandes dramas de nuestro tiempo como es la inmigración. La lista de premios de Sitges 2017 reconoce también los papeles de Marsha Timothy en Marlina the Murderer in Four Acts y de Rafe Spall en The Ritual. También han sido premiados los realizadores catalanes Pintó & Caye, que han recibido el premio al mejor cortometraje con R.I.P y el premio del público por Matar a Dios. El Premio de la Crítica José Luis Guarner ha resultado ex aquo para dos películas que llegaban a Sitges avaladas por los premios cosechados en los festivales de Austin y Locarno, la brasileña As boas maneiras; y el de mejor guion en el Festival de Cannes, la película del griego Yorgo Lantinos The Killing of a Sacred Deer.

PALMARÈS SITGES 2017

Secció Oficial Fantàstic Sitges 50

Mejor película: JUPITER’S MOON, de Kornél Mundruczó

Premio especial de Jurado: THELMA, de Joachim Trier

Mejor dirección: Coralie Fargeat, por REVENGE

Mejor interpretación femenina: Marsha Timothy, por MARLINA THE MURDERER IN FOUR ACTS

Mejor interpretación masculina: Rafe Spall, por THE RITUAL

Mejor guion: Joachim Trier y Eskil Vogt, por THELMA

Mejores efectos especiales: Ferenc Deák, por JUPITER’S MOON

Mejor fotografía: Andrew Droz Palermo, por A GHOST STORY

Gran premio del público: MATAR A DIOS, de Albert Pintó & Caye Casas

Mejor cortometraje: R.I.P, de Pintó & Caye

Focus Àsia

A SPECIAL LADY, de Lee An-kyu

Mención especial: MARLINA THE MURDERER IN FOUR ACTS, de Mouly Surya

Òrbita

Mejor película: THE BATTLESHIP ISLAND: DIRECTOR’S CUT, de Ryoo Seung-wan

Panorama Fantàstic

Mejor película: CREEP 2, de Patrick Brice

Panorama Documenta

Mejor película documental: 78/52, de Alexandre O. Philippe

Anima’t

Mejor película: TEHRAN TABOO, de Ali Soozandeh

Mejor cortometraje: HYBRIDS, de Florian Brauch, Matthieu Pujol, Kim Tailhades, Yohan Thireau y Romain Thirion

Noves Visions One

DAVE MADE A MAZE, de Bill Watterson

Mención especial: KUSO, de Flying Lotus 

Noves Visions Plus

Mejor película: DAWSON CITY: FROZEN TIME, de Bill Morrison

Noves Visions Petit Format

Mejor cortometraje: HOISSURU, de Armand Rovira

Jurado de la crítica

Premio de la crítica – José Luis Guarner

Ex aequo

AS BOAS MANEIRAS, de Juliana Rojas y Marco Dutra

THE KILLING OF A SACRED DEER, de Yorgos Lanthimos

Premio Citizen Kane a la mejor dirección novel

Coralie Fargeat, por REVENGE

Mejor película Discovery

BRIGSBY BEAR, de Dave McCary

Jurado Carnet Jove

Mejor película: A GHOST STORY, de David Lowery

Mejor película Midnight X-Treme: ANNA AND THE APOCALYPSE, de John McPhail

Premio Brigadoon Paul Naschy

CUERNO DE HUESO, de Adrián López

Samsung Sitges Cocoon

Mejor película en realidad virtual: KNIVES, de Adam Cosco

Mención especial: RAY, de Rafael Pavón

Premio del público a la mejor película: ALTERATION, de Jérôme Blanquet

Méliès

Meliés de plata a la mejor película: THELMA, de Joachim Trier

Meliés de plata al mejor cortometraje: EXPIRE, de Magalí Magistry

Blood Window

MADRAZA, de Hernan Aguilar

Mención especial a la mejor actriz: Isabél Zuaa, por AS BOAS MANEIRAS

Premios SGAE Nova Autoria

Mejor cortometraje: CELEBRACIÓ, de Pau Cruanyes y Gerard Vidal

Mejor guion: Anna Agulló, por UNA CAJA CERRADA

Mejor música original: Joan Masats, por SESGO, UNA HISTORIA DE PREJUICIOS Y GOLOSINAS

Mención especial: LA FUGA DE LOS 45, por Cristina Caamaño

Más información: http://sitgesfilmfestival.com/

Published in: on octubre 15, 2017 at 8:44 am  Dejar un comentario  
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Entrevista a Diego López sobre la programación de “Brigadoon” 2017

Apenas dentro de quince días, el Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya – SITGES arrancará su próxima edición. Una edición de lo más especial, ya que en ella el certamen catalán celebrará sus bodas de oro, motivo por el que la organización ha tirado la casa por la ventana, como suele decirse. De entrada, ha alargado su duración en un día, además de preparar una nómina de ilustre invitados que a buen seguro hará la delicia de todos los fans que se congreguen en Sitges durante la celebración del Festival. William Friedkin, Dario Argento o Guillermo del Toro, padrino de este cincuenta aniversario y quien además presentará su último trabajo, The Shape of Water, reciente ganadora del León de Oro de Venecia, son la punta de lanza de un listado en el que, como no podía ser de otro modo, tampoco falta la presencia española, con nombres como los de Álex de la Iglesia, Jaume Balagueró o Tony Isbert, al que este año se le entregará el Premio Nosferatu como reconocimiento a toda su trayectoria.

Como viene siendo habitual en los últimos años, ante la inminente celebración de esta nueva edición del Festival de Sitges mantuvimos la siguiente entrevista con Diego López, miembro del comité de programación del certamen, responsable de la sección alternativa y gratuita “Brigadoon” y este año comisario de las dos exposiciones que se han organizado con motivo del cincuenta aniversario, para que nos comenté diversos pormenores, en especial los relacionados con la programación de la sección que él dirige.

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Ya se aproxima la esperada quincuagésima edición del Festival de Sitges. ¿Cómo se presenta para la organización cuando queda poco más de dos semanas para su arranque?

Se presenta como ha sido todo el año: muy movido al ser el cincuenta aniversario. Ha sido una edición en la que ya empezamos a trabajar a finales de octubre de 2015, sobre todo con materiales de archivo de cara a posicionarnos en qué tipo de exposición queríamos hacer, aunque en lugar de una finalmente hemos acabado haciendo dos; una en la Filmoteca de Catalunya y otra en el Reial Cercle Artístic de Barcelona. Por otro lado, se ha trabajado en el libro conmemorativo y se han preparado varios eventos especiales como, por ejemplo, la proyección que haremos este mes de septiembre de Aelita, la primera película que se pasó en la historia del festival en el cine Prado.

Sabíamos que, debido al cincuenta aniversario, iba a ser un 2017 muy potente, de viajes a festivales para celebrar la efeméride, como hicimos en Cannes o Corea del Sur. Está siendo un año muy bonito, la verdad, al poder ser partícipe junto con el resto del equipo de este aniversario, que es algo que solo nos va a ocurrir un vez en la vida.

¿Habéis notado una presión mayor por parte de la expectación existente entre los aficionados por lo que podía dar de sí esta edición, al tratarse del cincuenta aniversario?

Presión no es la palabra. Estamos en una dinámica en la que el festival funciona, tanto nosotros a nivel interno, como el público a nivel externo. Yo creo, sin ir más lejos, que la del año pasado podemos catalogarla como una de las mejores ediciones del festival por el número de películas, su calidad, y la oportunidad de tener entre nosotros a gente como Max Von Sydow, Bruce Campbell, Rob Zombie o Christopher Walken. Y en ese aspecto este año va a ser igual. Ya hemos anunciado la presencia de nombres como los de William Friedkin, que va a ser la primera vez que venga a Sitges, Guillermo del Toro, que como padrino de este aniversario se está comportando como una persona excelente, o Dario Argento, al frente del desembarco de realizadores italianos que nos van a visitar, caso de Lamberto Bava, al que a Guillermo del Toro le hacía mucha ilusión que estuviera a su lado en este cincuenta aniversario, o Sergio Martino. Aparte, también estará Gary Sherman o William Lustig.

Hay que tener en cuenta que por Sitges ha pasado ya todo el mundo en estos cincuenta años, con el añadido de que la gente a la que se suele invitar por lo general está en activo, lo que complica entre comillas un poco todo, ya que la gente trabaja, está haciendo películas, y cuadrar las fechas es difícil. Independientemente de ello, pienso que hemos reunido un plantel de personalidades muy importantes dentro del fantástico, a lo que hay que sumar todos los directores de cortometrajes y largos que también estarán. En este sentido, la presencia de films estatales será muy potente, con la nueva película de Jaume Balagueró, Muse, Errementari, la ópera prima de Paul Urkijo, que está producida, entre otros, por Álex de la Iglesia y Carolina Bang, o Dhogs, una película gallega bastante perturbadora.

Así que estamos muy contentos. Todas las películas más importantes del género de esta temporada están incluidas en la programación, y aquellas que no lo están es porque han sido estrenadas antes, cosa que lo hacía imposible. Será una edición muy recordada al ser el cincuenta aniversario, pero también por tener sesiones maravillosas, como la que juntará La cumbre escarlata y Suspiria con Del Toro y Argento en el Auditori hablando de sus películas y sus referentes, lo que a buen seguro deparará un evento muy bonito.

Con motivo de este aniversario has sido comisario de dos exposiciones que a través de documentos, fotografías y otros materiales recorren este medio siglo de vida del certamen. ¿Cómo ha sido la experiencia?

Pues francamente una de las mejores experiencias que he tenido a lo largo de mi vida. He disfrutado mucho escarbando todo el material que había tanto en el Arxiu Històric Municipal de Sitges como en el archivo del propio festival. Gracias a ello pude descubrir, por ejemplo, como en 1974 Jordi Grau, gracias a la amistad que tenía con Sergio Leone, mantuvo conversaciones con este por petición del que entonces era el director del certamen, Antonio Ráfales, para que fuera miembro del jurado. Y la verdad es que se quedó a las puertas. En la correspondencia que existió entre Jordi Grau y Ráfales puede detectarse que el italiano estuvo muy cerca. De hecho, llegó a escribir a Grau diciéndole que estaría en Sitges siendo jurado de la Sección Oficial, aunque finalmente por una serie de incidencias la cosa no se materializó. También por esas cartas pude ver como Jordi Grau le explicaba a Ráfales que había terminado una película de terror que se llamaba El valle de los muertos, y se la ofrecía para el festival. Esa película era No profanar el sueño de los muertos, que ganaría varios premios en Sitges y que con el tiempo se convertiría en el título que hoy es.

Hay mucha documentación a ese nivel; las visitas de Forrest J Ackerman, de Terence Fisher, de Christopher Lee, de Mojica Marins… Se ha reunido un material maravilloso en el que puede comprobarse las dificultades que en los años setenta el equipo organizador tenía para conseguir llevar adelante el festival. E incluso en los años ochenta, en un ámbito político muy distinto, el equipo que en ese momento dirigía Goas tuvo que sortear muchos problemas para conseguir que el certamen continuara hasta llegar a día de hoy. Y luego hay mucho material gráfico, que se puede ver en las dos exposiciones. Para el público más reciente, aquel que ha conocido el festival durante estos últimos diez o quince años, les gustará descubrir los programas de mano y catálogos de todas las épocas, o ejemplares originales de los primeros diarios del festival. Ha sido muy interesante recuperar todo este material y dar forma de algún modo a la historia del festival con las dos exposiciones organizadas que, aunque son distintas, son complementarias. Mientras que la de la Filmoteca de Catalunya, “El cinema és fantàstic”, repasa estos cincuenta años, “Memòria del fantàstic”, la que se expone en el Real Cercle Artístic de Barcelona, se centra en los orígenes del festival.

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Entrando ya a repasar la sección que programas, a decir de los avances de programación publicados está claro que “Brigadoon” va a seguir por la línea continuista que la ha caracterizado en estos últimos años, desde que tú tomaras las riendas…

Continuamos igual, sí. Volvemos a reivindicar la figura de un actor, como es Tony Isbert, al que en la década de los setenta le viéramos en tantísimas películas del género, en las que trabajó a las órdenes de gente como Eloy de la Iglesia, León Klimovsky o Juan Piquer Simón, muchas de ellas muy importantes a día de hoy. Era obligatorio hacerle este reconocimiento, aparte de que a mí me daba la oportunidad de programar El espectro de Justine, la película maldita de Jordi Gigó, y que la gente pudiera así tener la oportunidad de verla.

Luego hay varios recuerdos a personalidades que han fallecido este último año. De ellos es muy especial el que dedicaremos a Terele Pavéz, que el año pasado estuvo en el festival recogiendo, precisamente, el Premio Nosferatu, y que este verano nos ha dejado. La homenajearemos con el pase de Las brujas de Zugarramurdi, el cual estará presentado por Álex de la Iglesia y Carolina Bang. Algo parecido sucederá con George A. Romero, del que proyectaremos Los ojos del diablo, con la presencia de Dario Argento, amigo y codirector de la película. Será un homenaje muy necesario a la figura de alguien tan importante dentro del cine de terror como Romero, el cual, por cierto, nos visitó un par de veces; la primera en el año 85 y después en 2007.

En cuanto al resto, más o menos seguirá en la misma línea de reivindicación del cortometraje, el documental, las óperas primas en el formato largo de jóvenes directores, el cine fantástico más independiente y la programación de ciclos retrospectivos.

No obstante, a decir de los datos publicados, da la impresión que este año va a resentirse una de las que han sido tus principales apuestas en estos últimos años, como es el formato documental…

A nivel documental hay bastante. Por un lado está el centrado en el director António de Macedo, del que también hacemos una retrospectiva, Maniacos de la Serie B, sobre el fanzine 2000 Maníacos, que a su vez también estarán presentando su nuevo número Manuel Valencia y Josemi Beltrán. Un trabajo sobre el mundo del VHS que se llama Rebobinando, la edad de oro de los videoclubs, de José Fernández Riveiro; Tax Shelter Terrors, dirigido por Xavier Mendik, en el que se repasa el cine de género canadiense; el documental italiano centrado en la figura de Joe D’Amato, Omega Rising; el dedicado a Paco Pérez Dolz, Un cineasta a tiro limpio, de Jordi Marcos, un documental que aunque es del 2014 se ha programado en relación al homenaje que dedicamos por el fallecimiento de su protagonista; o Culto al terror, la nueva obra de Gustavo Leonel Mendoza, que ya nos visitara años atrás con su documental sobre Narciso Ibáñez Menta Nadie inquietó más.

Así, a voz de pronto estamos hablando de seis o siete documentales.  Al margen de los programados en la sección “Panorama Documenta”, creo que es una selección muy representativa de lo que ha habido en este año dentro de este formato. Hemos sondeado otros trabajos de los que hemos podido ver metraje y recibir información, como el que se está realizando sobre José María Zabalza, pero que aún sigue inacabado, otro sobre George Romero, que estaba ya en marcha antes de su fallecimiento, pero que tampoco llega a tiempo, u otro sobre Charles Band. Para el 2018 creo que ya los podremos ver.

En cuanto a la presencia de films actuales, destaca la premiere mundial de Los resucitados, la esperada película de Arturo de Bobadilla, que verá la luz dos décadas después de ser rodada…

Sí, tenemos Los resucitados de Arturo de Bobadilla, que después de veinte años de un material guardado por razones equis, finalmente Arturo ha conseguido desempolvar todo eso y construir un film de setenta minutos, y sacarse un poco de la manga esta cinta que a los fans del fantaterror o del fantástico español, como queramos llamarlo, les hará ilusión ver. La película tiene cierta precariedad en algunos momentos, como se puede ver en el tráiler que circula, incluso combina formatos, pero yo creo que tiene un valor como rareza, que cuenta además con la presencia de Paul Naschy, Antonio Mayans o Santiago Segura en sus inicios. Será bonito recuperar la cinta y que la gente la pueda ver con la presencia de Arturo y de Santiago Segura en la sala.

Los resucitados a un lado, ¿qué puedes comentar de la selección de films actuales de ficción que podrán verse en “Brigadoon”?

Hay una película que es premiere mundial, The Song of Solomon, de Stephen Biro, que es el dueño de la mítica Unearthed Films, que pienso que puede ser una de las bombas del festival. Es una película totalmente loca, donde hay algo del universo de Lucio Fulci, hay posesiones, y está muy pasada de vueltas, muy terrorífica, y cuenta con unos efectos especiales alucinantes. Aparte estará Sheborg, de Daniel Armstrong, que juega un poco a ser la nueva Turbo Kid aunque con menos presupuesto, o una peli muy loca de acción rodada en Uganda como Bad Black. Siguiendo por esta línea exótica, también tenemos la primera película de género que se realiza en Albania, si bien con coproducción australiana, que se llama Bloodlands, de Steven Kastrissios. Más allá de su procedencia, es una cinta muy interesante y curiosa, aunque se trate de una película independiente pequeña, sobre todo por el modo en el que aborda la brujería desde una óptica muy mística. Va a ser todo un descubrimiento.

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Junto con el largo, el cortometraje volverá a tener su espacio con el tradicional concurso Premio Brigadoon – Paul Naschy. ¿Se conoce ya cuál va a ser la composición del jurado encargado de decidir al ganador?

El jurado está conformado como cada año por tres honorables personas. Una de ellas es Paco Plaza, que recientemente ha estrenado el que para mí es uno de los títulos del año, Verónica; Àlex Blasco, que es programador del Festival Fastcurt, un certamen de cortometrajes catalán muy sólido con quince ediciones a sus espaldas; y Ana Bogutskaya. Anna, junto con Olivia Howe, forma el colectivo londinense “The Final Girls” que trabaja, como bien dicen ellas, en poner sobre la mesa las intersecciones del cine de género y el papel de la mujer en el cine de terror, es decir, esas conexiones entre el cine fantástico y el elemento femenino, sobre todo a raíz de esta oleada de realizadoras femeninas con películas como pueden ser The Invitation, The Love Witch, XX, el reciente film de segmentos dirigido por mujeres, o las películas de Ana Lily Amirpour. Con esta premisa, ahora han comenzado a mover una serie de cortometrajes también dirigidos por mujeres y que tendrá un pase especial en Brigadoon con la presencia tanto de Anna como de alguna de las realizadoras de los cortos.

¿Qué nos puedes adelantar de los trabajos a concurso?

Es una selección pequeñita de ocho cortometrajes, como solemos hacer todos los años, pero que tiene cosas muy interesantes, tanto a nivel nacional como internacional, y que espero que le ponga las cosas difíciles al jurado para elegir el ganador, y que el público la disfrute, obviamente.

Aunque ya has mencionado a varios de ellos, ¿qué invitados van a visitar “Brigadoon” a lo largo de esta edición?

Va a haber una serie de sesiones especiales que nos van a llevar a realizadores y actrices. Celebraremos el cuarenta y cinco aniversario de Todos los colores de la oscuridad con la presencia de su director, Sergio Martino, que también presentará en el Espai FNAC su autobiografía, recientemente editada en Italia. Hay otra sesión especial en homenaje al recientemente desaparecido director italiano Tonino Valerii, en la que se proyectará Sumario sangriento de la pequeña Estefanía, en el que estará Mónica Randall para presentar la película. Y luego aparte muchos de los directores de los largometrajes, documentales y cortos que hemos comentado, caso del director de Sheborg; Gustavo Leonel Mendoza presentando su documental; o Francesc Xavier Capell, que estará presentando la nueva edición en DVD de Científicamente perfectos en una sesión centrada en la figura de Paul Naschy donde también se va a presentar el libro coral Paul Naschy/Jacinto Molina: La dualidad de un mito, con varios de sus autores, aunque esto último lo sabes tú mejor que yo.

Qué me vas a contar… Para ir terminando, ¿qué citas consideras que son las imprescindibles de toda la programación de “Brigadoon”?

A nivel estatal, el recuperar la figura de Tony Isbert con el pase de La grieta, que será la película que justamente él presente, El espectro de Justine o Tres días de noviembre, que formarán parte del mini-ciclo que le dedicaremos. También me parece muy interesante la retrospectiva sobre António de Macedo, un director portugués muy desconocido, del que proyectaremos cuatro películas y un documental. Hay en él un director muy interesante que comienza en los años sesenta, donde ya en los spots de publicidad que se pueden ver en el documental sobre su figura mezclaba cine experimental. Y ya en el cine no tuvo ningún reparo por moverse en todos los géneros, ya fuera el fantástico o el western, como ocurre en una de las películas que proyectamos, A promessa. Es un cine hecho en Portugal en décadas pasadas muy curioso por parte de un realizador que aún sigue vivo. Creo que tanto las películas como el documental sobre António de Macedo serán muy interesantes para todos aquellos que nos gusta descubrir rarezas en los festivales.

Ya en otro registro, Bloodlands, que ya comentábamos antes, aunque bueno, en general, creo que todo es interesante de verse, tanto las películas de Ted V. Mikels que programamos o la serie de Zé Do Caixão dirigida por Vitor Mafra, del que se proyectarán sus seis capítulos dentro de la franja “Serial Sitges” en versión original subtitulada al castellano, donde se desgrana la obra de José Mojica Marins, una figura muy importante para mí, a nivel personal, como para la historia del festival, ya que estuvo presente desde las primeras ediciones, allá por los años setenta.

 Y del festival en general, ¿cuáles son tus recomendaciones?

El pase de La cumbre escarlata junto a Suspiria en el Auditori con la presencia de Guillermo del Toro y Dario Argento puede ser uno de esos eventos que pasen a la historia. O los de El exorcista con William Friedkin en la sala o The Rocky Horror Picture Show con Susan Sarandon. Y en un registro más actual, la sesión dedicada a una serie que está rompiendo los moldes actualmente como es Stranger Things con algunos de sus protagonistas en Sitges es también digna de destacar. Estos eventos junto a las personalidades congregadas van a ser los colofones a esta edición tan especial del festival.

Y hablando de películas, algunas ya las hemos comentado.  Errementari o Muse son dos de los puntales de nuestro cine fantástico que se esperan con ganas. Y a nivel internacional podríamos estar hasta mañana hablando de todos los títulos que hay.

Entre las más interesantes podría destacar The Shape of Water, la nueva película de Guillermo del Toro, que acaba de ser la ganadora en Venecia del León de Oro hace escasos días, The Killing of a Sacred Deer, November, Game of Death, Tragedy Girls, o la nueva película de Hélène Cattet y Bruno Forzani, que se dieran a conocer hace unos años con Amer, y que ahora vuelven con su tercera película, Laissez bronzer les cadavres, a título personal el mejor film que han dirigido hasta el momento. Pero ya te digo que es muy difícil destacar unos títulos por encima de otros. Mejor que la gente acuda al Festival y lo vaya descubriendo por sí misma.

José Luis Salvador Estébenez

Published in: on septiembre 19, 2017 at 5:55 am  Dejar un comentario  
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El Festival de Sitges anuncia las líneas maestras de la programación de su cincuenta aniversario

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Sitges alcanza el medio siglo de vida, y lo hace fiel a sus raíces: recordando a los clásicos del cine fantástico que han pasado por sus salas desde aquella primera proyección que tuvo lugar en el Prado en 1968. Para recordar esta efeméride, el cine de esta centenaria entidad local acogerá el próximo jueves 28 de septiembre la proyección de Aelita (Yakov Protazanov, 1924), un clásico soviético de la ciencia ficción con la que se inauguró la primera edición del Festival. Pero habrá más. De la mano de Guillermo del Toro, Dario Argento y William Friedkin, Sitges recuperará films como El exorcista (1973), Suspiria (1977) o La cumbre escarlata (2015), claves para entender la evolución del fantástico desde finales del siglo XX hasta llegar al nuevo milenio. Además, el Festival rendirá homenaje a la actriz Susan Sarandon, protagonista de la película de culto, The Rocky Horror Picture Show (1975), antes de convertirse en una de las grandes damas de Hollywood. Otro de los protagonistas será el director irlandés Brian O’Malley, encargado de clausurar la cincuenta edición de Sitges con The Lodgers, un cuento gótico de horror situado en la Irlanda rural de principios del siglo XX, que acaba de presentarse en el Festival de Toronto.

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El esqueleto que sustenta la programación que podrá verse en el Festival, del 5 al 15 de octubre, está conformada por la obra de jóvenes realizadores procedentes de Estados Unidos, Latinoamérica, Asia y Europa, que están llamados a convertirse en los líderes del fantástico de los próximos años. Brian Taylor, Hélène Cattet, Bruno Forzani, Emilio Portes, Cho Sun-ho, Andrés Goteira, entre otros, van a dejar su huella en un Festival que, lejos de acomodarse, busca nuevo talento capaz de reinventar el género tanto en su lenguaje, como en sus argumentos. El escritor y director Brian Taylor dirige Mom and Dad, su primera película en solitario tras la imprescindible Crank: veneno en la sangre. Lo hace con un argumento delirante: una extraña epidemia provoca ataques de violencia letal de padres contra hijos. Protagonizada por Nicolas Cage y Selma Blair, Mom and Dad es una fiesta para el fan del género. Por su parte S. Craig Zahler –que deslumbró con su ópera prima, Bone Tomahawk– regresa a Sitges con la brutal Brawl in Cell Block 99, en la que un ex-boxeador reconvertido en traficante de drogas aterriza en una prisión que se convertirá en un auténtico campo de batalla. Procedente de Estados Unidos también podrá verse Happy Death Day, una divertida comedia de terror firmada por Christopher Landon, que mezcla los argumentos de Scream y Atrapado en el tiempo, hasta enloquecer a Jessica Rothe (La La Land), que ve como un enmascarado la mata, una y otra vez.

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Un argumento, el del tiempo, que también será el protagonista de la película coreana A Day, del debutante Cho Sun-ho, en la que un famoso cirujano es testigo de un accidente en el que ve morir a su hija. Una escena que se repetirá en un bucle sin fin, y en la que el padre intentará cambiar el destino de su hija. Después de un año 2016 en el que los grandes autores asiáticos coparon la programación del Festival de Sitges, en la presente edición, el espectador podrá comprobar que hay vida más allá de grandes títulos como La doncella, con películas como, por ejemplo, la taiwanesa mon mon mon Monsters, de Giddens Ko, que combina el bullying escolar con el terror sobrenatural en un film que desborda talento, ingenio y que se encuentra entre las sorpresas que el Festival presenta cada año. Otros debuts destacados de la selección asiática son el de Jonathan Li (asistente de dirección en la trilogía de Infernal Affairs) que presenta The Brink, un thriller cien por cien hongkonés, protagonizado por Shawn Yue, que va a sorprender; y el de Lee Sa-Rang que consigue con Real, un cruce entre Nicolas Winding Refn y el mejor thriller coreano.

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La canadiense Les affamés, de Robin Aubert –conocido por la inquietante Saints-Martyrs-des-Damnés–, reinventa el género de zombis, con una visión intelectualizada y casi ya de culto tras su pase por los festivales de Toronto y Austin. Otro de los grandes debuts del año, que consolida el papel de las mujeres realizadoras dentro del cine de género, es el de la directora francesa Coralie Fargeat. Su ópera prima, Revenge, destila una violencia con guiños a los clásicos de los años 70, y contiene un clímax final que será un sueño para los amantes del fantástico. De Hungría llegará Jupiter’s Moon, de Kornél Mundruczó –autor de la extraordinaría White God–, director que siempre ha introducido el elemento fantástico de manera inteligente en sus películas, convirtiéndolo en un mecanismo visual perfecto. Por su parte, el británico David Bruckner, juega en The Ritual con texturas que van más allá de La bruja de BlairLa bruja, para conseguir una película de horror, que ha gozado de una excelente recepción en Toronto. Habrá más talento europeo en Sitges con Thelma, del noruego Joachim Trier, que desde un punto de vista autoral, presenta un thriller sobrenatural que ahonda en la existencia humana; con la superproducción rusa Salyut-7, film que narra el rescate de la estación espacial Salyut 7 en 1985; o con el espectacular western holandés Brimstone, protagonizado por Dakota Fanning y Guy Pearce.

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Latinoamérica sigue su apuesta por el fantástico con la película brasileña As boas maneiras, un relato ente lo real y lo onírico sobre el poder del amor materno, dirigido por Marco Dutra y Juliana Rojas; El habitante, del uruguayo Guillermo Amoedo, ganador del Premio a la Mejor Película Iberoamericana con The Stranger en 2014; o la terrorífica Belzebuth, del mexicano Emilio Portes. Dentro de la producción española, el talento catalán estará presente con diversas producciones, entre las que figura el último trabajo de Jaume Balagueró: Muse. Sitges también contará con el debut de Sergio G. Sánchez, con Marrowbone, y programará films como Dhogs de Andrés Goteira, una producción independiente que narra el encuentro casual entre un hombre de negocios y una misteriosa mujer, que nos conduce a una aventura furtiva, a un desierto y a un crimen; y Black Hollow Cage, de Sadrac González-Perellón, un film que mezcla el género del terror con el de ciencia ficción. Completan el panorama nacional Errementari, la última producción de Álex de la Iglesia y Carolina Bang, dirigida por Paul Urkijo; Most Beautiful Island, dirigida por la realizadora Ana Asensio, que abrirá la sección de Noves Visions One, y Arder, Compulsión y The Biggest Thing That Ever Hit Broadway, tres títulos del más actual cine independiente español.

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El documental, presente siempre en la programación del Festival, tendrá su representación con títulos como 78/52, de Alexandre O. Philippe –que ha presentado varios documentales en ediciones pasadas del Festival–, que estará en la Sección Oficial a competición. La pieza analiza minuciosamente la escena de la ducha de Psicosis, de Alfred Hitchcock. Junto a este, podrá verse tras su paso por la Mostra de Venecia Caniba, film dirigido por Lucien Castaing-Taylor y Verena Paravel, que refleja la desconcertante importancia del deseo caníbal en la existencia humana.

Samsung Sitges Cocoon, series, animación…

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En su cincuenta aniversario, el Festival de Sitges da un paso adelante y refuerza la presencia de la realidad virtual a través de Samsung Sitges Cocoon, que este año amplía su programación con dos nuevos espacios, y que cuenta con una sección oficial a competición que será valorada por un jurado oficial, compuesto por Jaume Balagueró y Javier Olivares. Dentro de la programación podrá verse el estreno mundial de Campfire Creepers, la primera serie de terror en realidad virtual y con una visión de 360º, dirigida por el realizador francés Alexandre Aja, además de Night, Night, una experiencia terrorífica sobre los miedos infantiles, realizada por Guy Shelmerdine, director de Catatonic, pieza impactante que se vio en Samsung Sitges Cocoon en la edición pasada.

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Las producciones de series de género también protagonizan este año un papel destacado con proyecciones en el mismo Auditori. Movistar+ estrena La Zona, y se presentará la segunda temporada de Stranger Things –con las presencias de Millie Bobby Brown y Noah Schnapp, dos de sus protagonistas– o la proyección de los films Okja, y What Happened to Monday?, dirigida por un director muy conocido en el Festival, el noruego Tommy Wirkola.

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En cuanto al cine de animación, el certamen rendirá homenaje en la presente edición a los cien años de animación japonesa. Lo hará con la programación de cinco películas de animación procedentes de Japón en la sección Anima’t, entre las que destacan la multipremiada Lu Over the Wall, o A Silent Voice, que ha tenido un recorrido espectacular por las pantallas asiáticas. Todo ello sin descuidar la animación europea, con joyas como la francesa Loving Vincent.

Por último, la organización ha informado que este lunes 18 de septiembre a partir de las 13 horas se iniciará la preventa de entradas –para poseedores de packs de entradas–, y el martes 19, también a las 13 horas, la venta de entradas general.

Más información: http://sitgesfilmfestival.com/cas

Published in: on septiembre 14, 2017 at 5:59 am  Dejar un comentario  
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Brigadoon rendirá homenaje a Terele Pávez y George A. Romero

El festival de Sitges ya ha dado a conocer los principales contenidos de Brigadoon de cara a su próxima edición. Un año más, la sección alternativa y gratuita del certamen entregará su honorífico Premio Nosferatu como reconocimiento a la trayectoria de una personalidad cinematográfica relacionada con el género fantástico. En esta oportunidad, el elegido ha sido el actor madrileño Tony Isbert.

Hijo de María Isbert, y nieto del mítico Pepe Isbert, Tony entró en contacto con el mundo de la interpretación desde una temprana edad. Sus primeros créditos se encuentran en la serie de televisión Historias para no dormir, y desde entonces, su relación con el fantástico se ha mantenido a lo largo de su carrera en films como La saga de los Drácula de León Klimovsky (1973), Nadie oyó gritar de Eloy de la Iglesia (1972) o La grieta de Juan Piquer Simón (1990). Además del Premio Nosferatu, Tony Isbert será también protagonista de una retrospectiva que permitirá visionar varios de sus largometrajes. Entre otros títulos podrán verse Tres días de noviembre, de León Klimovsky (1971) y El espectro de Justine, de Jordi Gigó (1986), película que no ha conocido distribución comercial, tanto en cines como en formato doméstico.

Otra de las secciones destacadas en la presente edición de Brigadoon será la dedicada a los films de estrenos. Así, dentro de la programación de la sección encontramos a The Song of Salomon, de Stephen Biro, director y alma mater de la mítica Unearthed Films y que ahora dirige uno de los films más extremos de terror de los últimos tiempos; Los resucitados, la película  que Arturo de Bobadilla empezó a rodar a mediados de los noventa y que, después de dos décadas, ve finalmente la luz. Como es sabido, Los resucitados cuenta con un reparto estelar en el que destacan varios nombres emblemáticos de nuestro cine fantástico, caso de Santiago Segura, Antonio Mayans y Paul Naschy, entre otros. Paul Naschy, además, será protagonista por partida doble en Brigadoon, donde también se presentará un libro muy cercano a esta Abadía, Paul Naschy/Jacinto Molina: la dualidad de un mito, editado por Vial Books y del que pronto tendréis más noticias.

Volviendo a los estrenos, otros de los títulos que formarán parte de la programación de Brigadoon son la primera película de terror de origen albanés en coproducción con Australia, Bloodlands, de Steven Kastrissios; The Terror of Hallow’s Eve, dirigida por Todd Tucker, responsable de los efectos de maquillaje de cintas como El hombre sin rostro o El curioso caso de Benjamin Button; o el documental Culto al terror de Gustavo Leonel Mendoza. Coincidiendo con la presencia en la Sección Oficial del Festival de su reciente La villana (2017), la sección también proyectará la primera película del surcoreano Jeong Byeong-gil, Confession of Murder (2012).

Por otra parte, Brigadoon rendirá homenaje a dos figuras destacadas del fantástico nacional e internacional que nos han dejado a lo largo del presente año: por un lado se proyectará Las brujas de Zugarramurdi, que rendirá homenaje a la gran Terele Pávez (Premio Nosferatu 2016), en una proyección que contará con la presencia de Álex de la Iglesia y Carolina Bang; y por otro lado, podrá verse Los ojos del diablo, película dirigida por Dario Argento y George A. Romero. Dicha proyección servirá para rendir homenaje al realizador estadounidense y contará con la presencia del mítico director italiano Dario Argento.

Dejando a un lado el formato largo, como es habitual los cortometrajes también tendrán un protagonismo destacado dentro de la oferta de la sección. En la presente edición destacan el Focus Cortometrajes Fantástico Panamá, una selección de diversos trabajos en formato corto que van desde la década de los ochenta hasta la actualidad; y The Final Girls Present: We Are the Weirdos, selección de cortometrajes del colectivo inglés “The Final Girls”, una agrupación cinematográfica con sede en Reino Unido dedicado a explorar las intersecciones del cine de género y el feminismo.

Por último, la tradicional Sitges Zombie Walk volverá a tener lugar durante el primer sábado del Festival, el 7 de octubre, llenando la ciudad de zombis llegados de todas partes.

Al igual que venimos haciendo en los últimos años, en breves fechas os ofreceremos una entrevista exclusiva con el responsable de Brigadoon, Diego López, en el que nos comentará más detalles sobre la programación de la sección para este año.

Más información: www.sitgesfilmfestival.com

Published in: on septiembre 11, 2017 at 5:10 am  Dejar un comentario  
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La exposición “Memòria del fantàstic” llega al Reial Cercle Artístic de Barcelona

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La cincuentava edición del Festival de Sitges está cada vez más cerca. La agenda de actividades especiales conmemorativas del cincuenta aniversario no se detiene y desde el pasado martes 5 de septiembre el Reial Cercle Artístic de Barcelona acoge la exposición “Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya. 1968-2017: Memòria del Fantàstic”.

Diarios, programas de mano, carteles, libros, catálogos, cuadros y documentación en general conforman y conectan la memoria histórica de cincuenta años de Festival; una efeméride clave para recuperar un archivo esencial con el objetivo de comprender y visualizar su historia. La muestra, comisariada por Diego López, estará en el Reial Cercle Artístic hasta el 24 de septiembre y se trasladará a Sitges durante el mes de octubre, donde se podrá visitar en el Centre Cultural Miramar entre los días 5 y 22.

Por su parte, la exposición “El cinema és fantàstic”, ubicada en la Filmoteca de Cataluña desde el pasado 22 de junio, finalizará el próximo 17 de septiembre y también se podrá ver en el Centre Cultural Miramar de Sitges entre el 5 y el 22 de octubre.

Más información: http://sitgesfilmfestival.com/

 

Published in: on septiembre 7, 2017 at 6:27 am  Dejar un comentario  
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La última producción de Álex de la Iglesia y Carolina Bang, “Errementari”, tendrá su estreno mundial en Sitges 2017

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El próximo 5 de octubre arrancará la cincuenta edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya con una parrilla que exhibirá lo mejor del cine de género de última generación más esperado para los fans. Un fantástico innovador y diverso se dará cita en el cincuenta aniversario, que ya ha anunciado premios honoríficos a Susan Sarandon y William Friedkin y buena parte de su extensa programación a la cual se suma la última producción de Álex de la Iglesia y Carolina Bang, Errementari, que vivirá su estreno mundial en el certamen.

Errementari, dirigida por Paul Urkijo, está inspirada en un cuento popular vasco sobre un herrero tan malvado como astuto, capaz de engañar al mismo diablo. La cinta, gótica y fantástica, está rodeada de misterio, emoción y extrañas criaturas.

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Junto con Errementari, Sitges 2017 contará con otras producciones del cine de género más esperado, como Leatherface, el nuevo largometraje de Julien Maury y Alexandre Bustillo –habituales en Sitges, donde han presentado A l’interiéur, Livide y Aux yeux des vivents– sobre el mítico personaje creado por el recientemente desaparecido Tobe Hooper. También estará Annabelle Creation, el último gran éxito de la saga The Conjuring, dirigido por David F. Sandberg.

En lo que supondrá su première europea, Sitges presentará Mom and Dad, de Brian Taylor, un terrorífico thriller independiente protagonizado por Nicolas Cage y Selma Blair, ambientado en una realidad donde los padres se comportan de manera violenta con sus propios hijos. También tendrá estreno europeo el film canadiense de zombis Les affamés, de Robin Aubert; el francés Revenge, opera prima de Coralie Fargeat, sobre la transformación de una mujer en un contexto de caza masculina despiadada, y el británico The Ritual, de David Bruckner, una adaptación de la novela de terror de Adam Nevill, situada en un bosque escandinavo.

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Un año más, el fantástico más vanguardista y de autor tendrá cabida dentro de la sección Noves Visions, que se abrirá con Most Beautiful Island, película dirigida por la realizadora Ana Asensio, que ganó el premio a mejor película en el South by Southwest de Austin. La clausura de la sección irá a cargo de la comedia How to Talk to Girls at Parties, del director de culto John Cameron Mitchell, presentada a Cannes 2017 y con Nicole Kidman y Elle Fanning en su reparto.

También se podrán ver Marjorie Prime, aclamada película de ciencia ficción dirigida por Michael Almereyda con un elenco encabezado por Jon Hamm, Geena Davis, Lois Smith y Tim Robbins, y The Crescent, del canadiense Seth A. Smith, una de las cintas de terror más esperadas del año, con una fuerza misteriosa que surge del mar.

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Por su parte, la sección Panorama Fantàstic se inaugurará con la impactante Jackals, una home invasion dirigida por Kevin Greutert y protagonizada por Stephen Dorf y Deborah Kara Unger. Creep 2, la segunda entrega de la odisea de terror indie apadrinada por Mark Duplass y dirigida por Patrick Brice, cuya primera parte fue presentada en Sitges 2014, formará también parte de esta sección, que sigue fiel a su línea de cine independiente. También se proyectará Housewife, la última pesadilla de Can Evrenol, que con su segunda película demuestra ser uno de los más prometedores talentos jóvenes del cine de terror.

En cuanto a Midnight X-treme tendrá en la sangrienta Downrange, de Ryuhei Kitamura, uno de los platos fuertes de la medianoche del Festival, con un grupo de amigos atrapados en una carretera de montaña que se convierte en objetivo de un francotirador. Otras propuestas, como el sorprendente musical zombi Anna and the Apocalypse, dirigido por John McPhail, o el estreno mundial del slasher argentino Los olvidados, de los hermanos Luciano y Nicolás Onetti –responsables del giallo Francesca– auguran sensaciones fuertes en la sección noctámbula de Sitges 2017.

En los próximos días está previsto que la organización de a conocer la programación completa de esta edición del certamen, distribuida por días y salas, así como la fecha de salida a la venta de las entradas.

Más información: www.sitgesfilmfestival.com

Published in: on agosto 31, 2017 at 5:36 am  Dejar un comentario  
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Sitges 2017 acogerá el estreno mundial de “La Zona”, una serie original de Movistar+

Un año más, Movistar+ va a convertir el Festival de Sitges en su mejor escaparate de cine y series de género, con una programación que se desvelará próximamente. De este modo, el cincuenta aniversario del certamen acogerá el estreno mundial de La Zona, un proyecto original de Movistar+ firmada por Jorge y Alberto Sánchez-Cabezudo –creadores de la aclamada serie Crematorio– y protagonizado por Eduard Fernández, Álvaro Cervantes, Alba Galocha, Alexandra Jiménez, Manolo Solo y Emma Suárez, entre otros.

El argumento de La Zona se sitúa tres años después del accidente del reactor nuclear que devastó una región del norte de España, cuando el inspector Héctor Uría vuelve al servicio tras ser el único superviviente del primer grupo que acudió en socorro de la central. La aparición de un hombre brutalmente asesinado en la Zona de Exclusión le arrastrará a una investigación que pondrá en cuestión el nuevo orden establecido en el mundo surgido tras la catástrofe.

“Podríamos decir que La Zona plantea un presente distópico en el que la acción es contemporánea y transcurre en un entorno hiperrealista, cercano a nuestra realidad”, comenta Jorge Sánchez-Cabezudo. “Nos planteamos traer el mundo de Chernóbil o Fukushima a un escenario local. Un entorno cotidiano en el que, después de un accidente, las reglas y los roles sociales se dan la vuelta. Sobre ese universo que se genera, planteamos un thriller policiaco”.

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La serie, rodada en su totalidad en localizaciones exteriores de Asturias y Madrid, se estrenará en Movistar+ el próximo 27 de octubre, con una primera temporada formada por ocho capítulos de cincuenta minutos de duración cada uno.En Sitges se estrenará el piloto.

Más información: www.sitgesfilmfestival.com

Published in: on agosto 24, 2017 at 5:38 am  Dejar un comentario  
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