Entrevista a Luigi Cozzi sobre “Little Wizards of Oz/I piccoli maghi di Oz”

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Dos años después de presentar en este mismo marco la que había supuesto su reentré como director de largometrajes de ficción tras veinticinco años alejado del formato con la magnífica Blood on Méliès Moon (2016), Luigi Cozzi regresó a Brigadoon, la sección alternativa y gratuita del Festival de Sitges, para hacer lo propio con su nuevo trabajo, Little Wizards of Oz/I piccoli maghi di Oz (2018), película de la que ya nos adelantaba algunos detalles en la entrevista que mantuvimos con él hace unos meses con motivo del honorífico premio Jess Franco con el que fue galardonado en la séptima edición de CutreCon. En ella, Cozzi narra la historia de un grupo de colegiales que, a raíz de la lectura de su profesora de varios capítulos del clásico de Lyman Frank Baum El maravilloso mago de Oz, se convierten en personajes del cuento. Prolongando la línea iniciada en la previa, con este punto de partida el cineasta italiano articula un nuevo artefacto de metaficción en el que realidad y fantasía se entremezclan por medio de un proyecto que tiene mucho de experimento pedagógico para niños, tal y como él mismo nos explica a continuación.

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¿Cómo nace Little Wizards of Oz?

Es un proyecto que me llegó por casualidad y por encargo. El padre de un niño que estaba estudiando cuarto de elemental[1] y que había visto Blood on Méliès Moon se puso en contacto conmigo y me dijo: “Tengo una idea para hacer un film, pero me parece imposible de hacer. He visto Blood on Méliès Moon y creo que la única persona que lo podría hacer eres tú”. Me explicó la idea que tenía, y que le había surgido a partir de que en la clase de su hijo habían leído El mago de Oz. La maestra era una entusiasta del cine, e incluso él mismo había trabajado en Cinecittà, y querían explicar el cine a los niños implicándoles en la realización de un film basado en El mago de Oz. Me preguntó si me sentía capaz de hacerlo y qué idea tenía y, tras pensarlo un poco, y dado que nunca había hecho nada con niños, y como me gusta  cambiar, le contesté que sí. Después inventé toda la historia…

En la nota de prensa defines la película como “un experimento creativo de un grupo de escolares, acompañado y ayudado por adultos que tienen una amplia experiencia cinematográfica”. ¿Me podrías explicar a qué te refieres?

El experimento duró un año. De ese tiempo, durante seis meses estuvimos llevando una vez al mes a un técnico de cine a clase de los niños: un montador, una script, una escenógrafa, yo mismo… para explicarles a estos niños, que adoran el cine pero que no saben cómo se hace, los secretos del cine; es decir, que sepan cómo aquello que ven en la pantalla está hecho de un cierto modo. Paralelamente, les dijimos que, dado que habían leído El mago de Oz, nos escribieran un resumen del libro. Los niños escribieron un total de treinta ejercicios en clase, en los que mezclaban El mago de Oz que habían leído con lo que habían visto en la televisión. Por ejemplo, en vez de que Dorothy esté en Kansas, vivía en Dubái o Los Ángeles. Cada uno hizo volar su imaginación y en lugar de un tornado como en la novela original, en sus resúmenes había un terremoto, ya que coincidió con los terremotos que hubo en Italia por aquellos momentos y de los que se hablaba constantemente en televisión. Es decir, cambiaron la historia.

Entonces tuvimos la idea de presentar estas versiones de los niños de El mago de Oz dentro de la película. Construí el guion de forma que encajaran estas versiones, haciendo un salto al libro añadiendo escenas sacadas de él. También los niños se encargaron de diseñar a los personajes. Por ejemplo, el vestuario fue creado a partir de sus diseños. Es decir, hemos hecho que los niños participaran activamente en la elaboración del film.

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El punto de partida de la película me recuerda al inicio que rodaste para Simbad, el rey de los mares (Sinbad of the Seven Seas, 1989), con la madre contando un cuento a su hija. Del mismo modo, la idea de los alumnos viviendo el cuento de Frank L. Baum es similar al concepto que utilizaste en Il gatto nero (1989). ¿Se trata de una simple coincidencia?

No. Es una temática mía bastante habitual. También en Blood on Méliès’ Moon estaba la lectura de un libro que no es un libro.

No obstante, al igual que tu anterior película, Blood on Méliès’ Moon, posee una evidente carga metalingüística…

Me encuentro a gusto en este tipo de historias. Me gustan. Pero no es algo premeditado; me vienen espontáneamente.

En la película tienen un gran peso los efectos especiales, en los que has vuelto a colaborar nuevamente con Jean Manuel Costa, al igual que en Blood on Méliès’ Moon. ¿Cómo ha sido el proceso?

El presupuesto era superpequeño. Pero sobre la pantalla no se percibe. Es una película digamos mucho más rica respecto a Blood on Méliès’ Moon por cómo está visualizada. Si hubiese tenido estos medios para hacer Blood on Méliès’ Moon habría sido una película mucho más redonda. Pero, en cambio, en esta ocasión tuve que rodar en muy poco tiempo. El rodaje se llevó a cabo en el horario escolar y, aunque los profesores nos habían prometido inicialmente que dispondríamos de varios días, y después nos dijeron que media jornada, finalmente nos dieron para grabar dos horas al día durante diez días. Así que hemos tenido que hacer milagros para llevar la película a cabo. Además, los niños no son actores. Son niños que estaban en la escuela y que lo único que esperaban es que llegara el momento de rodar para escapar de clase y no hacer nada.

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Es conocida la frase de Alfred Hitchcock de que “un director de cine nunca debe trabajar ni con gatos, ni con niños”. En tu caso, ¿cómo ha sido la experiencia?

En la que película verás que se comportan bien. Pero ha sido… (risas). Ha sido una experiencia que hace que entienda perfectamente las palabras de Hitchcock. Veintiún niños que no hacen caso al profesor, que no nos hacen caso a nosotros, que hacen lo que les da la gana porque están acostumbrados a hacer lo que quieren en clase, cuando uno les grita fuerte solo consigue que se callen durante veinte o veinticinco segundos. Y después empiezan de nuevo a hacer lo que quieren sin hacer caso a nadie.

En este punto, ¿cómo te las has apañado para trabajar con estos pequeños actores sin experiencia las muchas escenas de efectos rodadas en pantalla verde que hay a lo largo de la película?

Con los niños solo hacía falta decirles lo que tenían que hacer y lo hacían. El problema era que lo hacían los dos niños que tenían que rodar la escena. Mientras tanto, todos los otros estaban montando bulla. A esto añádele que la clase donde rodábamos era bastante pequeña, y ahí estábamos nosotros con las luces, la cámara… Era fatigoso. El estar allí todo el tiempo y con tan pocas horas para rodar fue un infierno.

Dados sus peculiares planteamientos, ¿qué tipo de distribución va a tener el film? ¿Se va a dirigir a centros educativos o similares o, por el contrario, va a tener una distribución comercial normalizada?

La distribución va a ser como la que hicimos con Blood on Méliès’ Moon, ya que es un film de fantasía simpático. Es un proyecto que otras escuelas tendrían que hacer, porque tras esta experiencia los niños, y no lo digo yo, lo dice su profesora, han cambiado: se han convertido en un grupo. Antes eran anárquicos; estaba la típica niña retraída que no hablaba nunca o el niño que hacía bullying. Pero ahora trabajando, o más siguiendo nuestras instrucciones, que es lo que hicieron más que trabajar, han cambiado. Han hecho piña unos con otros y se han convertido en un equipo. Esto es lo que me ha dicho su profesora a modo de piropo.

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Y tras Little Wizards of Oz, ¿tienes algún nuevo proyecto a corto o medio plazo?

Estoy haciendo una nueva película, pero en esta ocasión se trata de una docuficción histórica. Yo escribí la película de Dario Argento Los cinco días (Le cinque giornate, 1973), que transcurre en 1848, en Milán, durante la revolución popular contra los austriacos. Este hecho sería el inicio del nacimiento italiano y la posterior constitución de la República Italiana. En 1848 esta revuelta popular que se extendió por toda Italia acabó mal. Tiempo después hubo otro alzamiento popular que sí salió triunfante, pero esta primera sublevación terminó con el bombardeo de Roma. En 1849 la última chispa de esta revolución fue la expulsión del Papa de Roma. El Papa pidió entonces ayuda a Francia, que bombardeó también Roma y reintegró al Papa en el altar de Pedro.

La docuficción que estoy haciendo trata de este periodo, de la expulsión del Papa y del bombardeo de Roma que hoy nadie recuerda, a pesar de que fue una gran batalla. No hay ningún componente fantástico en ello. Es una autoproducción que luego probablemente distribuiremos a través de la televisión en canales de historia, o algo de este tipo. Hay muchos grupos de coleccionistas, no solo de fantástico, sino también de uniformes militares: de partisanos, ochocentistas, nazis… Grupos que se prestan de forma gratuita con sus uniformes para hacer reconstrucciones de batalla y en este trabajo incluiremos estas reconstrucciones para ilustrar las diferentes etapas de este periodo histórico. Es algo que me divierte.

José Luis Salvador Estébenez

[1] Nota del traductor: Cuarto de elemental es un grado escolar del sistema de enseñanza italiano para niños de unos ocho o nueve años.

Traducción: Joaquín Torán

Fotografías: Enorm

Published in: on diciembre 12, 2018 at 6:58 am  Dejar un comentario  
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Entrevista a Isaac Ezban, director de “Parallel”

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De un tiempo a esta parte el cine fantástico mexicano se encuentra viviendo una auténtica eclosión de la mano de una nueva generación de realizadores llamados a recoger el testigo de los Fernando Méndez, Carlos Enrique Taboada, Juan López Moctezuma o Guillermo del Toro. Quizás el ejemplo más significativo a este respecto haya sido el triunfo conseguido en este 2018 dentro del circuito de festivales especializados de Vuelven (Tigers Are Not Afraid), film que solo en nuestro país se ha alzado con el premio del público y el destinado al mejor guion en FANT y el de mejor película de la sección “Dark Visions” en NOCTURNA Madrid. Un rotundo triunfo, en definitiva, que ha significado el que su directora y guionista, Issa López, haya sido reclamada por la industria hollywoodiense para que ruede allí su siguiente proyecto.

Pero el de López no es un caso aislado. Otro de estos nuevos talentos mexicanos ha dado ya el salto a la cinematografía de sus vecinos del norte. Hablamos de Isaac Ezban, que tras dos films tan distintos y, al mismo tiempo, interconectados entre sí como El incidente y Los parecidos, ha rodado en Canadá su primera producción en inglés con Parallel. El cambio geográfico, idiomático y el hecho de partir de un guion ajeno no ha influido, sin embargo, en que el joven cineasta azteca retome en él los temas que ya había planteado en sus películas previas, como puede ser los personajes atrapados en el tiempo, las dimensiones alternas o las modificaciones que sufren los caracteres de sus personajes protagonistas, dentro de una historia enmarcada en el mundo de los emprendedores informáticos, en la que no es difícil ver una demoledora crítica hacia la falta de moral y ansias de éxito a toda costa del capitalismo salvaje.

Encuadrada dentro de la sección “Panorama Fantàstic”, Parallel participó en la pasada edición del Festival de Sitges, donde estuvo acompañada de la presencia de Isaac Ezban, a quien durante su estancia en tierras catalanas pudimos entrevistar de forma conjunta con Ferran Ballesta, responsable de la recomendable web “La zona muerta”.

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Parallel supone tu primera película con producción internacional y rodada en inglés. ¿Cómo ha sido la experiencia? ¿Has encontrado diferencias a la hora de trabajar con la forma en que lo habías hecho en México en tus dos anteriores largos?

Ha sido un proceso muy interesante, porque como bien dices ha sido muy distinto al de mis anteriores películas, donde yo era el guionista, el productor y el director. Y ahora estaba ante mi primera película en inglés, mi primera película que no he escrito yo, mi primera película fuera de México y mi primera película en Canadá. Pero en realidad estuve muy contento en todo el proceso. Bron Studios es una compañía grande, con mucha experiencia, que ha hecho muchas películas grandes. Y también Vancouver es una ciudad donde se filma muchísimo, por los incentivos fiscales, por el paisaje y el relieve de la ciudad, por lo que los equipos de trabajo son muy experimentados. Fue una experiencia increíble filmar allá. Además, ha sido la primera vez en la que trabajaba solo de director. En este sentido, en mis anteriores films al mismo tiempo que dirigía me tenía que preocupar de otras cosas como si llegaba el catering a tiempo; esta vez yo llegaba al set y a dirigir.

En cuanto al guion, aunque no lo escribí yo, es una historia que siento que se relaciona muchos con los temas que suelo tratar. No solo el tema de los mundos paralelos o las realidades alternas, sino también la idea general de usar la ciencia ficción como una especie de metáfora para reflexionar sobre un tema humano, un tema real. Si en El incidente fue el paso del tiempo y en Los parecidos fue la identidad, en Parallel es la ambición y la avaricia, y cómo esto nos puede destruir. Fue un guion que me gustó mucho desde el principio y que lo hice mío, y cuando estaba dirigiendo en el set ni siquiera me sentía como si estuviera trabajando con el guion de otros, sino que era como si fuera mi guion. En este sentido fue muy buena la experiencia.

Es en la parte en la que estamos ahora la que creo que ha sido la más difícil, porque en todo el proceso creativo fueron muy respetuosos conmigo y nunca me impusieron nada, aun siendo una película que la editamos en Los Ángeles, con todo ese proceso de estudio con proyecciones de prueba en las que se comprueban las reacciones de la gente. Pero aun así, siempre mi visión como director fue respetada hasta el final, hasta que llegamos a un corte con el que todos estábamos contentos. Pero, como digo, en el punto en que está la película ahora mismo, que es el momento de la distribución, es lo que personalmente más me ha costado, en el sentido de que yo no tengo el control de qué pasa con la película, dónde se vende o cómo se ve, cuando en mis anteriores películas yo era el que hablaba con un agente de ventas o con una distribuidora. Sin embargo, ahorita yo soy simplemente el director que hizo la película y ahí ha terminado mi trabajo. La película es de una productora y es la que se encarga de estos temas. Pero es como si tuvieras un hijo, lo llevaras a la escuela y te dijeran que es suyo y no lo ves hasta dentro de veinte años. “No, no, no. Yo lo quiero ver cada semana”. Y eso es lo que me pasa a mí. Estoy cada semana preguntando cuándo sale el póster, cuándo se estrena en tal país… Así que quizás ha sido toda esta parte la más complicada para mí, pero por lo demás bien.

Comentas que te gustó el guion ya desde un inicio, pero también que lo hiciste tuyo. ¿Quiere esto decir que lo modificaste de algún modo para aproximarlo más a tus intereses?

Desde la primera vez que lo leí pensé: “Guau, tengo que hacer esta película”. De hecho, antes estuve leyendo varios guiones porque tenía ganas de dirigir una película escrita por otra persona que tratara un poco mi estilo. Pero me topaba con muchos guiones que se sentían, quizás, un tanto genéricos, y no me sentía totalmente absorbido por ellos, hasta que de pronto leí Parallel y entonces vi claramente que esta película era muy de mi onda. Es ciencia ficción pero con un lado humano, reflexionando sobre los personajes. Como yo la veo es más un drama de personajes con tintes de ciencia ficción. Pero sí le cambié varias cosas. Cambié por ejemplo el final por este que nos deja cuestionando sobre lo que acaba sucediendo, en sustitución del que había, en el que el espectador debía de creer que estaba en el universo principal, para descubrir que no, que hay alguien más haciendo lo mismo. Todo eso lo cambié y algunas a otras cosas, como darle más toques y texturas a los personajes, junto a otros detalles. Pero aunque tuve libertad para cambiar cosas, en general la estructura y la idea principal del guion permanecen intactas.

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A través de su argumento, Parallel puede verse también como una alegoría de la falta de ética del mundo empresarial actual y sus ganas de triunfar a toda costa. ¿Era tu intención realizar una especie de llamada de atención sobre este aspecto?

Sí, precisamente venía escrito en el guion y yo lo potencié. A mí me encanta utilizar la ciencia ficción para poder reflexionar sobre algún tema humano, sobre algún tema real que no sea fantasioso. Como decía antes, la reflexión de El incidente es el paso del tiempo y en Los parecidos sobre la identidad, y ahora en Parallel quiero trabajar un tema también muy humano, algo que nos caracteriza mucho como personas, que nos da fortaleza, pero que también nos puede destruir, que es la ambición y la avaricia. Creo que es un tema muy vigente, sobre todo hoy en el mundo de los jóvenes emprendedores, donde cada vez hay más hambre y fervor de utilizar la tecnología y descubrir algo nuevo. A mí me encanta que la historia de Parallel tome lugar entre estos chicos que aspiran a ser los nuevos Steve Jobs o Mark Zuckerberg, porque la película se pregunta qué pasaría si estas personas encontraran estos portales infinitos. Por otra parte, esto nunca lo habíamos visto antes aplicado a mundos paralelos. Sí que habíamos visto historias de mundos paralelos, pero era más en un sentido de cambiar el tiempo y así, pero nunca habíamos visto una historia de mundos paralelos donde se trate específicamente sobre la idea de ir a robar ideas, propiedad intelectual, arte, tecnología… y traerla a este mundo. Me pareció una mezcla curiosa, una mezcla interesante, y fue la parte que más me gustó del guion; era ciencia ficción, pero solo una pincelada justa para hablar sobre un tema humano muy real, como es la ambición desmedida y el hambre por tener más.

En cuanto al aspecto visual, destaca el contraste que realizas entre los tonos ocres que dominan las escenas que discurren en nuestro mundo y los azulados de aquellas que suceden en el universo paralelo. ¿Cómo trabajaste este apartado y cómo ha sido la experiencia de trabajar con alguien de Karim Hussain, en mi opinión uno de los mejores directores de fotografía del cine fantástico independiente actual?

Sí, Karim Hussain es casi una leyenda aquí en Sitges. Él fue un gran elemento en la película, fue un elemento increíble. Porque Karim es un fotógrafo que antes ha sido director, hizo tres películas como director, y por ello conoce a los directores y sabe cómo trabajar para enriquecer las películas desde la fotografía. Además, es una enciclopedia de cine. Tiene muchos conocimientos de narrativa visual y de cómo contar una historia. Y juntos teníamos varios retos. Parallel es una película que tiene mucho diálogo, con personajes hablando durante mucho tiempo, pero no queríamos que las tomas se vieran como muy televisivas, con un plano de ti y un contraplano de mí. No. Así que el reto era buscar la manera de que una película con tanto diálogo la cámara fuera inventiva. Entonces decidimos usar mucho la steady cam, con mucho movimientos como espirales, por ejemplo, cuando un personaje toma una decisión y giramos la cámara a su alrededor. Pero además de esto teníamos la situación que comentas tú del contraste entre los dos mundos. Es un guion que va rapidísimo y, de hecho, ayer se me olvidó decirle al público durante la presentación de Parallel en Sitges que no fueran al baño durante la proyección, porque si lo hacían en ese poco tiempo iban a perderse cuatro detalles importantes. Entonces, como el guion avanza tan rápido y como íbamos a ir cambiando tan rápido de universos, para saber que siempre el espectador tuviera claro dónde estamos hicimos una propuesta basado en trucos de ópticas: todas las escenas en el mundo normal están filmadas con lentes esféricas, y todas las escenas en el mundo paralelo lo están con lentes anamórficas. Al principio, cuando está la pareja en la cama, y en la cámara se siente la distorsión de la lente es porque es anamórfica. Y también está el uso de la cámara. Todo lo que es en este mundo es con un estilo de cámara más clásica, y todo lo que es en el mundo paralelo está más basado en el uso de la steady cam, más loco, para aportar una sensación de estar entrando en algo prohibido, a una aventura. Y, por último, la corrección de color. Todo lo que es en este mundo es un poco más ámbar, más saturado, mientras que en los mundos paralelos tendemos más hacia el azul. Eso luego fue incluso acentuado en la postproducción cuando sentimos que había gente que se confundía cuándo los personajes estaban en este mundo y cuándo en el paralelo. Todo esto es parte de lo que más orgulloso me siento de la película, que es el aspecto visual, además de lo increíble que fue trabajar en conjunto con Karim, y hablar de ideas, de referencias, de películas y poco a poco construir esta faceta visual que ha resultado ser una parte muy importante del proceso creativo de Parallel.

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Presentación del pase en el cine Retiro de “Parallel” durante el Festival de Sitges

En estos momentos te encuentras trabando en tu siguiente película, también con producción estadounidense, la adaptación de la novela de Dan Simmons Un verano tenebroso (Summer of Night), a producir por nada menos que Sony. ¿En qué momento se encuentra ahora mismo el proyecto?

En realidad ahora estoy evaluando varios proyectos en desarrollo. Uno es este, el de Summer of Night. Es un proyecto que yo busqué. Es una novela que yo leí cuando era adolescente, con catorce o quince años, y de hecho la leí antes que It de Stephen King[1]. Me marcó mucho esta historia de unos chicos en un pueblo de los años sesenta que combaten un mal sobrenatural. Puede parecer un poco arquetípica, pero la historia tiene más garra y más huevos que otras historias similares. Desde que la leí siempre tuve el sueño de poder hacer una película con ella. Años después, cuando hice El incidente y empecé a trabajar con un agente en Los Ángeles, éste me preguntó si tenía alguna novela que me gustara adaptar, y le dije: “Sí, ésta”. Años después de esto me pusieron en contacto con un productor al que también le gustaba mucho esta novela y él fue quien llevó el proyecto a Sony. Y en estos momentos estamos en el desarrollo del guion con Sony, y como siempre una adaptación literaria es compleja, pues seguimos todavía en el trabajo del guion. Pero sí, es uno de los proyectos que tengo próximos y espero que pueda suceder pronto.

¿Quiere esto decir que, de momento, no tienes pensado volver a la industria mexicana?

Sí, también. Mi idea es tener un pie en México, otro en Estados Unidos, y lo que suceda primero. Además de Summer of Night, tengo una película de terror que estoy desarrollando en México y también tengo otros proyectos en Estados Unidos. No estoy en un punto de mi carrera en el que haya dicho “Adiós, México, me voy a Estados Unidos”, pero tampoco al revés. Lo que quiero es hacer películas en las que pueda contar mis historias, ya sea en México, en Estados Unidos, o en España, donde también me encantaría si hay una oportunidad; donde pueda contar mis historias.

Ferran Ballesta & José Luis Salvador Estébenez

[1] La novela de Simmons es, de partida, una evidente imitación de la de King, con un grupo de chicos y una chica. , en 1960, enfrentados a una fuerza sobrenatural, pero que de inmediato adquiere rasgos y personalidad propios.

Fotografías: Ferran Ballesta

Published in: on noviembre 21, 2018 at 6:58 am  Dejar un comentario  
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Entrevista a Oskar Tejedor y Gurutz Albisu, director y guionista de “Director Z. El vendedor de ilusiones”

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El pasado 2011 Gurutz Albisu publicaba José María Zabalza. Cine, bohemia y supervivencia, una completa y reveladora obra que servía para arrojar luz sobre la figura y la personalidad del cineasta irunés, responsable de films como Entierro de un funcionario en primavera (1958), La furia del hombre lobo (1970) o Al oeste de Río Grande (1983). Siete años después de este primer acercamiento ha visto la luz Director Z. El vendedor de ilusiones (2018), documental que de algún modo completa lo ya expuesto por José María Zabalza. Cine, bohemia y supervivencia, aunque desde una perspectiva diferente. Sin despreciar la exhaustividad de Albisu, no por casualidad guionista del documental, Director Z. Vendedor de ilusiones se centra en resaltar la faceta humana del realizador guipuzcoano, contando para ello con el testimonio de familiares, amigos y profesionales del medio que trabajaron en algún momento de su carrera a las órdenes de Zabalza.

Dirigido por Oskar Tejedor, tras su preestreno en la Irún natal de Zabalza el pasado 20 de abril, Director Z. Vendedor de ilusiones pudo verse durante la 51 edición del Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya – Sitges, dentro de la programación del espacio “Brigadoon”, antes de su reciente estreno en salas comerciales. Aprovechando su presencia en Sitges, donde estuvieron acompañando su proyección, no perdimos la oportunidad de conversar con Oskar Tejedor y Gurutz Albisu acerca de los pormenores del documental y las vicisitudes de su rodaje.

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Imagino que el origen de Director Z. El vendedor de ilusiones se remonta al libro que escribiera Gurutz sobre José María Zabalza hace unos años. En tu caso, Oskar, ¿qué te atrajo de la figura de Zabalza para embarcarte en la realización del documental?

Oskar: La esencia del documental parte de una foto donde se ve a Zabalza junto a Truffaut, vestidos ambos de esmoquin blanco en el Festival de Cine de San Sebastián. Esa foto refleja muy bien las dos caras del cine; siempre se habla de los triunfadores, pero nunca de los fracasados o de aquellos que nunca han llegado a conseguir el éxito con su trabajo pero que en realidad forman parte de nuestra historia.

Al investigar sobre el tema, me pareció que muchos realizadores y cineastas actuales nos podíamos identificar con el personaje “Zabalza”. Personalmente siempre me ha interesado rescatar del olvido a gente anónima que me hace reflexionar, y la historia de Zabalza me parecía que se acercaba mucho a esta línea editorial que desde hace mucho tiempo vengo explorando en mis trabajos. De Zabalza me gusta esa pasión por el cine, ese desenfreno de decir “Me apunto a lo que sea porque mi vida es contar historias, aunque esto me arrastre en lo personal”. Todo esto fue un poco lo que más me motivó.

A pesar de las raíces literarias, lo cierto es que el documental es muy cinematográfico. A este respecto me ha gustado mucho la idea de interrelacionar los testimonios de los entrevistados sobre la personalidad y la vida de Zabalza con extractos de sus películas que vienen a confirmarlos, lo que revela una laboriosa tarea de edición…

Oskar: Exactamente. Ha sido un arduo y laborioso trabajo de investigación el hecho de buscar analogías entre la vida de Zabalza y lo que cuenta en sus películas. Ese trabajo se ve recompensado cuando encuentras esas relaciones entre lo personal y lo imaginado, y entonces te dices “lo tengo”.

Era necesario verse las veintiuna películas y sus cortometrajes para entender la evolución emocional del personaje. Al ver las películas me surgían nuevas pistas que explorar y, de alguna manera, me permitía identificar el discurso de las personas que había entrevistado y el momento que vivieron con él.

En realidad el trabajo de un creador revela mucho de la persona y, de alguna manera, lo que contamos los cineastas la mayoría de las veces forma parte de nuestra vida personal. Aunque retratemos vidas diferentes a las nuestras, siempre acabamos reflejándonos en ellas. Luego fue muy interesante analizar sus películas en función del estadio en el que se encontraba en su vida personal.

Gurutz: ¿Al final qué es lo que ocurre? Que no teníamos a Zabalza en carne y hueso, pero le teníamos actuando en sus películas. Decidimos aprovechar esas imágenes para mostrarlo a través de sus filmes. Lo increíble fue comprobar cómo siguiendo cronológicamente sus diferentes apariciones ante la cámara, se hacía patente su propia deriva personal.

En este sentido, ¿cambió mucho el enfoque que teníais previsto originalmente a medida que ibais entrevistando a gente que le había tratado tanto personal como profesionalmente?

Oskar: Hombre, primeramente el hecho de que Gurutz haya escrito un libro y se haya pasado tanto tiempo investigando a mí me ha facilitado el trabajo de una forma increíble. Es verdad también que del libro a la película hay mucha diferencia, porque él tenía mucha información escrita, pero el problema era encontrar las personas que nos contaran esa información en el documental. La mayoría de la gente que vivió aquellos acontecimientos ya había desaparecido o los que estaban, su cabeza ya no la tienen para poder acordarse. En ese sentido, la búsqueda de testimonios ha sido realmente dificultosa.

Y sí, la idea original fue evolucionando y retroalimentándose. A medida que iba encontrando gente, me iban dando pistas para construir mi relato. Fue una verdadera lástima que la familia directa, sus hijas, no quisieran participar, pero pese a la insistencia que tuvimos, tanto Gurutz al principio como yo después, nos fue imposible convencerles para que estuvieran en el documental. De hecho se habla de ello en el filme. Tan solo su sobrina aparece, aportando las piezas necesarias para entender la relación de los dos hermanos y reconstruir el universo Zabalza.

Gurutz: Hemos conseguido contactar con sus hijas. Yo en el libro ya apunté que por informaciones que me habían dado sabía que tuvo tres hijas. Finalmente contactamos con una de ellas que vive en Luxemburgo, pero no ha querido saber nada. Fue curioso cómo dimos con ella, porque fue un poco como en Searching for Sugar Man. Hemos buscado a través de la SGAE, quien cobraba los derechos. Vimos que había una persona que los percibía, pero no nos daban ni su nombre, ni su dirección, ni su teléfono. No obstante, nos propusieron que les diéramos nuestro correo electrónico para que ellos se lo hicieran llegar. Y fue entonces cuando una de las hijas nos contactó. Le propusimos participar en el documental, pero fue un muro, negándose en todo momento a cualquier colaboración. Por otra parte, nos llamó la atención que, a pesar de las difíciles situaciones que les hizo pasar, el recuerdo que conservan del padre es muy bueno. Pero la familia se muestra muy dolida con el mundo del cine, por cómo ha tratado a su padre, al que sienten que no le ha hecho justicia. Por ejemplo, cuando falleció solo tres personas acudieron al funeral; nadie de la gente del cine se acordó de él.

Oskar: En cualquier caso, poquito a poquito, hemos encontrado joyas. De hecho, cuando tenía el proyecto bastante avanzado encontramos a gente muy interesante, pero desgraciadamente debido a la falta de tiempo para acabar la película tuvimos que declinar la presencia de estos personajes.

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Oskar Tejedor

He de confesaros que me ha gustado mucho el enfoque que le habéis dado al documental, ya que en otras manos lo más probable, dados los antecedentes del personaje, es que se hubiera hecho una cosa que se centrara más en destacar los aspectos más sensacionalistas. Sin embargo, vosotros os centráis más en la persona que en el personaje…

Oskar: Exactamente. En realidad, la historia de Zabalza se ha construido por medio de piezas, como si fuera un puzle. Partiendo de una línea principal de trabajo, fui alimentando mis hipótesis a medida que iba avanzando en la investigación. Yo tenía muy claro que, con un personaje como éste, denostado por la crítica y olvidado por la prensa, mi intención tenía que ser otra y contar la historia desde su lado humano. De alguna manera quería hacer héroe al antihéroe. Me interesaba conocer qué había detrás del cineasta locuelo y precipitado.

Por otro lado, era consciente que tenía que ensalzar los hitos más importantes logrados por este hombre que le diferencian de los demás a través de la gente que estuvo en ese momento con él. Por eso, he intentado subrayar el hecho de que rodara una película en un día, filmara tres películas a la vez, etcétera, etcétera. Es decir, remarcar aquellas peculiaridades que le hacían único en el panorama cinematográfico del momento.

Por cierto, Oskar, en las entrevistas te colocas compartiendo plano con los entrevistados. ¿Era una forma de dar a esos momentos de un poco de intimidad?

Oskar: En primer lugar quería que el artificio fuera evidente para hacerlo más cercano y humano. Carece de mi voz en off, porque no quería que mi presencia eclipsara al verdadero protagonista, pero sí que consideraba necesario ese acercamiento a los personajes, que sintiera el público que yo estoy viviendo las experiencias de ellos, que las estoy compartiendo. De hecho, se ve muchas veces al equipo técnico y se hace palpable que estamos grabando, queriendo convertir el artificio en algo natural. Me apetecía que fuera un documental muy de colegas charlando.

Has dicho, Oskar, que no hay narración en off tuya, pero sí que se incluye una voz que hace de Zabalza. ¿Los textos que lee pertenecen realmente al propio Zabalza?

Gurutz: En toda labor de documentación que hice para escribir el libro, y que me llevó diez años prácticamente, tuve la suerte de encontrar una revista local que se llama El Bidasoa, en la que Zabalza escribió durante varios años, a comienzos de los sesenta. Y la mayoría de estos textos que aparecen proceden de allí.

Oskar: Entonces, cuando Gurutz me enseñó estos documentos escritos por el propio Zabalza, enseguida vi que eran una joya, pero tenía la duda de cómo incorporarlos en la narrativa del documental sin que quedaran falsos. Me parecía que esos textos narraban muy bien algunos momentos importantes en su vida.

Para dar voz a estos textos buscamos un actor que tuviera una voz que se asemejara a la de Zabalza, para entrar así en su intimidad. A lo largo del documental su voz permitía que estuviera presente y pudiéramos conocer sus reflexiones de cada momento de su trayectoria. Por ejemplo, en la parte del documental cuando se habla de la censura es la propia voz de Zabalza dentro de una de sus películas, que dentro del metraje se entremezcla con la voz del actor que hace de él leyendo uno de sus textos. Es una broma muy para cinéfilos, que, no obstante, quizás a mucha gente le pase desapercibida.

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Gurutz Albisu

Ya que hablamos de la labor de documentación, me ha supuesto una grata sorpresa la inclusión dentro del documental de escenas descartadas de la que fuera la ópera prima de Zabalza, También hay cielo sobre el mar. ¿Cómo conseguisteis acceder a este material?

Oskar: Pues la verdad es que no fue fácil para Gurutz, y a mí, aun teniendo todo el trabajo ya hecho por Gurutz, tampoco me fue fácil. Hemos trabajado mucho con Filmoteca Española de Madrid, donde nos han facilitado mucha información y de hecho nos permitieron rodar en la misma Filmoteca.

Desgraciadamente no se ha conservado mucho material auténtico en la Filmoteca Vasca, salvo el que aportó en su día Gurutz y la primera película rodada en Pasajes. Sin embargo, un buen día investigando en la Filmoteca, una maravillosa técnica de la Filmoteca Vasca me comentó que habían encontrado bobinas con descartes que no se utilizaron en la película primera película de Zabalza, También hay cielo sobre el mar. No me lo podía creer. Realmente eran pocos cortes, pero fue un hallazgo increíble. Con su ayuda, telecineamos ese material, y aprovechamos esos cortes para poder incluirlos en el documental. Era un poco lo que te decía antes: al final las piezas del puzle fueron encajando a medida que las iba encontrando.

Desde que se anunció la puesta en marcha del documental hasta que finalmente ha visto la luz han pasado varios años. ¿A qué se ha debido esta producción tan dilatada?

Gurutz: Bueno, originalmente el documental lo iba a dirigir Javier Barajas, pero pasado un tiempo tenía otros proyectos y lo dejó. Y al tiempo entró Oskar.

Oskar: Cuando la productora me propuso el documental y me enseñaron el material que habían construido con el anterior director no me interesó demasiado la visión denostada que se hacía del personaje.

Gurutz: En ese momento, la idea tiraba más de hacer paralelismos con Ed Wood y Jess Franco. Pero mientras que Ed Wood era una especie de visionario, Zabalza había estudiado cine en la segunda promoción del Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas, por lo que disponía de una formación de la que Wood carecía. Y también era muy diferente a Jess Franco. Franco tenía detrás diversas productoras y distribuidoras, elementos de los que Zabalza apenas disfrutó. Él se tiraba al ruedo con la única intención de hacer una película y no pensaba ni en la distribución.

Oskar: Estudiando a los personajes, no tenían nada que ver. Así que la única condición para ponerme al frente del documental era que primero tenía que empaparme del personaje y ver cómo lo sentía para encontrar mi mirada personal y ser fiel a mí mismo.

Obviamente, al tener claro mi punto de vista, todo el tiempo previo que se había estado entrevistando a gente a mí no me valía, por lo que tuve que empezar de cero, con las consecuentes limitaciones de producción. Así que con tan solo siete días de rodaje tuve que atinar para dar en la diana sin margen de error. Por eso fue fundamental el hecho de jugar con los archivos de sus películas para poder contar la historia que tenía en la cabeza.

Por otro lado, ha sido complicado el tema del montaje, por falta de tiempo y presupuesto. Así que cuando dices que ha sido una producción dilatada, para mí ha sido muy corta. Tanto es así que ha habido gente importante que se ha tenido que quedar fuera de la narración.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías: Juan Mari Ripalda

Published in: on noviembre 13, 2018 at 6:53 am  Dejar un comentario  
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Entrevista a Sir Christopher Frayling

Biografo Leone 01

Uno de los testimonios convocados por el documental Desenterrando Sad Hill es el de Sir Christopher Frayling. Nombrado caballero del imperio británico en 2001 por sus “servicios a la educación en arte y diseño”, su obra se ha especializado en el estudio de la cultura popular. Dentro de este apartado destaca su papel de biógrafo de Sergio Leone, labor que cristalizaría en el imprescindible volumen Sergio Leone: algo que ver con la muerte. Nadie pues más indicado para hablar del cine del italiano y explicar los motivos por los que, más de medio siglo después de su estreno, estas películas continúan más vivas que nunca, despertando un fervor casi religioso entre sus espectadores. Eso es lo que hicimos en la siguiente charla que pudimos mantener con él aprovechando su presencia en la pasada edición del Festival de Sitges, donde Sir Christopher Frayling estuvo acompañando la presentación de Desenterrando Sad Hill.

Biografo Leone 02

¿Cómo le llega la noticia de que hay un grupo de gente que está desenterrando el mítico cementerio de Sad Hill y cuál es su reacción al conocerla?

Cuando Guillermo, el director de Desenterrando Sad Hill, se puso en contacto conmigo y me explicó el proyecto con fotografías de cómo se estaba restaurando el cementerio —esto sería en 2014 o 2015—, me dejó totalmente intrigado. La idea de que los fans estuviese haciendo suya la película, que hubiera gente tan apasionada por El bueno, el feo y el malo que cincuenta años más tarde estuviese interesada en pasar sus fines de semana para excavar con sus propias manos y poder recuperar el decorado original de la escena final de la película, me pareció muy conmovedora. Creo que es un ejemplo muy ilustrativo de cómo el público quiere formar parte de la historia de las películas y de cómo en estos tiempos, gracias al impacto de las redes sociales, los fans y los espectadores tienen la oportunidad de convertirse en parte de las películas e, incluso, pueden interactuar con ellas, lo cual me parece muy importante.

Originalmente Desenterrando Sad Hill estaba pensado para ser un cortometraje documental de veinte minutos sobre la restauración del cementerio de Sad Hill, pero más adelante pensamos que sería una buena idea añadir el enfoque del making of de cómo se hizo El bueno, el feo y el malo. Así que el documental habla de cómo se hizo la película de Leone hace cincuenta años, los efectos que sigue causado en los espectadores en la época actual, de lo que se decía de ella en su momento de estreno y de lo que se dice hoy. También se incluyen imágenes de conciertos del grupo de heavy metal Metallica, que desde sus inicios utiliza el tema de la banda sonora de la película “The Ecstasy of Gold” para abrir sus conciertos. Es un documental que reúne muchísimas ideas y que, de algún modo, explica cincuenta años de la relación de amor que muchos espectadores tenemos con El bueno, el feo y el malo y de los secretos que esconde la propia película.

Biografo Leone 03

Usted ha basado gran parte de su carrera en investigar sobre Sergio Leone y su obra, algo que entronca en parte con lo que habla el documental. ¿Qué tiene el cine del director italiano para despertar este fervor casi religioso entre los espectadores?

Creo que en primer lugar tiene que ver el hecho de que Leone fuera un italiano que hablaba de un género tan propio de los Estados Unidos como el western y que lo hiciera desde un punto de vista europeo. Esto era muy válido para la gente que amaba la cultura de los Estados Unidos pero que necesariamente no tenía por qué amar los valores que esta cultura representaba, y aquí me parece importante que hay que hacer una diferenciación entre estos dos conceptos.

En segundo lugar, los films de Leone crearon el concepto del héroe de acción moderno, que no se centra tanto en la batalla, en la lucha, en el duelo, sino en el estilo. En este sentido, Leone utilizaba la música como años después lo ha hecho Tarantino, que coge una canción que es un éxito de una banda de rock y hace una película que gira alrededor de esta canción. Esto es exactamente lo que Leone hizo con la música que Morricone componía para sus películas.

Y en tercer lugar también está el que el cine de Leone sea, en realidad, un cine sobre el cine. No habla sobre la vida real, sino que se basa en películas italianas y españolas que emulaban a películas de los Estados Unidos, y no a la vida real. Es decir, Leone es un director vanguardista, pero que al mismo tiempo es querido por el público. Y eso es muy, muy raro y muy exclusivo, porque normalmente el público va a ver películas de los directores de vanguardia, como por ejemplo pueden ser las de Godard, pero después se desvincula. Sin embargo, en el caso de Leone la gente se siente muy ligada tanto a él como artista como a sus películas.

Por todos estos motivos a mí siempre me ha encantado el trabajo de Leone y por eso me enfrasqué en estudiar su obra. Incluso, en una ocasión el propio Leone me dijo que me fijase en que tenía que haber sido un inglés el que convenciera a los italianos para que le gustasen sus películas, lo que es muy extraño.

¿Y cómo se explica que haya sido esta versión externa del western la que se haya impuesto como canon dentro del género? Es un hecho que los westerns norteamericanos modernos beben más de las películas de Leone que de las de Nicholas Ray, John Ford o Henry Hathaway…

Cuando las películas de Sergio Leone aparecieron, entre 1964 y 1968, había un contexto político en Estados Unidos muy difícil, y el ambiente estaba muy crispado. Había un sentimiento muy crítico con la Guerra del Vietnam, lo cual se reflejó en el mundo de la cultura, como pueden ser las canciones protesta de Bob Dylan. Y las películas de Leone surgieron en este contexto, tratando además un género tan representativo de la identidad estadounidense como son las películas del Oeste, que por lo general habían representado los valores más tradicionales de la sociedad estadounidense. Y lo que consiguieron fue que todas las personas que amaban a los Estados Unidos pero no estaban de acuerdo con los valores que representaba pudieran verse identificadas en aquellos films, que no obstante bebían de toda esa tradición de las películas del Oeste. Se considera que incluso Leone devolvió al pueblo de los Estados Unidos con sus películas esa especie de cuento de hadas que habían perdido. Sus películas fueron un éxito rotundo en los Estados Unidos y de ello han bebido posteriores personalidades cinematográficas hollywoodienses, no solo dentro del western, sino también en el cine de acción y de otros géneros. El caso más evidente sería el de Sam Peckinpah, pero tampoco nos podemos olvidar que las personalidades cinematográficas de Charles Bronson, Sylvester Stallone o Arnold Schwarzenegger han bebido de forma clara del personaje que Clint Eastwood interpretara para Leone en la Trilogía del Dólar. Se podría decir que Leone es la mayor influencia en la historia de un cineasta europeo en el cine de los Estados Unidos.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías: Juan Mari Ripalda

Published in: on noviembre 9, 2018 at 9:09 am  Dejar un comentario  
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Entrevista a Guillermo de Oliveira, director de “Desenterrando Sad Hill”

Sad Hill 01

Ganadora del premio a la mejor película en la sección Noves Visions del pasado Festival de Sitges, Desenterrando Sad Hill supone el debut en el formato largo del realizador vigués Guillermo de Oliveira. Nacido de forma un tanto accidental, el documental surge a raíz de la exhumación y restauración por parte de un grupo de fervorosos aficionados llegados a Burgos desde todas partes del mundo de los restos del decorado del cementerio de Sad Hill donde se ambienta el desenlace de El bueno, el feo y el malo. Con este punto de partida, Desenterrando Sad Hill radiografía a través de los testimonios de los propios protagonistas de esta historia el impacto que la película de Sergio Leone ha provocado en varias generaciones de espectadores, al tiempo que rememora los pormenores de la realización de tan emblemático film de la mano de sus participantes aún vivos, caso de Ennio Morricone, el montador Eugenio Alabiso o el mismísimo Clint Eastwood. Emocionante y emotivo, el resultado es un trabajo excepcional y único que trasciende su propia naturaleza documental para erigirse en una atinada reflexión sobre la magia del cine y nuestra búsqueda como espectadores por interactuar y, de algún modo, formar parte de las películas que amamos. De ello y de las circunstancias en las que se fraguó el film hablamos con su director en la siguiente entrevista.

Sad Hill Unearthed

Según parece, Desenterrando Sad Hill nace de forma un poco casual, ya que en un principio no tenías pensado realizar este documental…

Ni este documental ni ningún documental. Yo no pensaba hacer ningún documental jamás. A mí me gusta hacer ficción, que es lo que disfruto. Pero esta historia se me cruzó. Yo soy muy fan de las localizaciones de cine, y en mi tiempo libre, cuando viajo me gusta ir a los sitios con fotogramas de las películas que se han rodado en aquel lugar y colocarme en los sitios, buscar el encuadre, ver qué trampas se hicieron, a qué altura estaba el trípode…  Cosas de esas. Y un amigo que sabe que soy muy mitómano de las localizaciones escuchó en la radio que el cementerio de Sad Hill de la mítica escena de El bueno, el feo y el malo seguía existiendo, lo que pasa que cubierto bajo veinte centímetros de manto vegetal y que había una asociación de fans de la película en Burgos que querían desenterrarlo. A mí eso me pareció una idea muy poética y una historia fascinante. Creo que había algo que contar ahí, aunque todavía no podía imaginar el qué.

Fui a ver el cementerio —estamos hablando de finales de 2014— y me puse en contacto con la asociación. Les seguí la pista durante meses, hasta que en septiembre de 2015, nueve meses después, les dieron permiso la Junta de Castilla y León y Medioambiente para desenterrarlo; un trámite burocrático que les llevó mucho tiempo. Entonces fui a grabar el cementerio antes de que empezara la intervención y luego, en los sucesivos fines de semana, les fui acompañando en ese proceso. Al principio, como era algo único y no había nadie más grabando, pensé que debía de documentar todo eso con la idea de que tal vez con ese material podía hacerse un interesante reportaje para YouTube. Pero enseguida las cosas vinieron rodadas y mi idea fue cambiando. Si los trabajos de desentierro comenzaron en octubre, en noviembre me fui a Londres a entrevistar a Sir Christopher Frayling. Y a Frayling no le podía meter en un reportaje para YouTube.

Pensé entonces en hacer un cortometraje documental, que tampoco es que sea un género que tenga demasiada distribución, pero que al menos en festivales se podía mover algo. Esa fue mi idea hasta que fui consiguiendo más entrevistas y más entrevistas. Al mismo tiempo yo veía una historia bonita en que quisieran desenterrar el cementerio, pero no me podía imaginar que fueran a conseguirlo. Y al final esta historia ha acabado convirtiéndose en mi primera película.

Teniendo en cuenta esta génesis, parece claro que fuiste dando forma al documental según ibas avanzando…

Claro. Fui cambiando hasta la forma de grabar. Al principio utilizaba un Slayer, que es un travelling pequeñito. Estaban los voluntarios cavando y grababa un plano de cinco segundos con el Slayer. Para una pieza corta de cinco minutos, que era lo que pensaba hacer, era perfecto, porque solo necesitaba un recursito. Pero, claro, luego pensé: “Dejemos la cámara ahí quieta y detengámonos a escuchar lo que están diciendo”. Por supuesto, también fui mejorando, cambiando la cámara con la que grababa. Empecé con una 5B y cuando vi que lo mismo aquello quizás podía acabar viéndose en cines terminé grabando en 4K. Así que de algún modo sí que tuve que ir adaptando. Y aprendí un huevo en todo este proceso.

Sad Hill 04

Aunque la base principal sea la labor arqueológica de recuperar el cementerio de Sad Hill, en el documental cuentas con el testimonio de varios participantes de El bueno, el feo y el malo, como puede ser Clint Eastwood, Ennio Morricone y varios técnicos del film, así como personalidades externas, caso del vocalista de Metallica, James Hetfield, Álex de la Iglesia o Joe Dante. ¿Qué pautas seguiste a la hora de escoger a los entrevistados que dan esa visión externa de lo que supone la película de Leone?

Yo identifiqué a cuatro megacelebrities que tenían una conexión muy fuerte con El bueno, el feo y el malo que sería la leche tener en el documental: Clint Eastwood y Ennio Morricone porque participaron en la película directamente. Otro era James Hetfield, cantante de Metallica que desde hace treinta años antes de sus conciertos utilizan el “The Ecstasy of Gold” y proyectan la escena del cementerio, y el otro era Quentin Tarantino, al que perseguí durante muchísimo tiempo. Tanto es así que estaba el documental editado y yo seguía intentando conseguir a Tarantino. Pero no le conseguimos. Pero no fue porque Tarantino no nos quisiera dar una entrevista, sino por las barreras que hay y que hacen que no consigas llegar a él. Si nos costó nueve meses con Eastwood y ocho meses con Morricone, con Tarantino quizás habría necesitado diez años.

Aparte, yo quería alguien que, desde un punto de vista racional, analizara todo este fenómeno irracional que hacía que alguien desde Italia recorriera mil doscientos kilómetros en coche para cavar un fin de semana. Y esa visión racional me la podía aportar Sir Christopher Frayling, que es biógrafo de Leone y uno de los grandes divulgadores de la cultura popular del siglo XX; Joe Dante, que es otro fanático de la película; y Álex de la Iglesia, que como había hecho 800 balas y estaba tan puesto en el tema pensaba que iba a ser un gran fan de Leone y aunque resultó no serlo sí que nos dio una visión muy interesante de cómo interpretaba este fenómeno. Él mismo lo dice en la entrevista: “Yo iría a cavar a Sad Hill”.

Al hilo de lo que comentas, los testimonios de estas personalidades que aportan la visión externa hacen mucho hincapié en el poder que ejerce el cine en la gente. ¿Fue algo buscado por ti o surgió de forma espontánea en las declaraciones de los participantes?

Yo tenía, entre comillas, mi tesis cuando empezaba a hacer el documental. Incluso en la primera entrevista que hice, que fue la de Frayling, le pregunté por la religiosidad que hay en el hecho de que la gente peregrine a localizaciones cinematográficas. Es decir, a mí lo que más me interesaba era explicar esta parte del fenómeno. Y no hay una única respuesta y creo que es lo que dice el documental; cada uno tiene sus motivaciones para ir allí.

Y tú que lo has vivido con ellos desde dentro, ¿qué tiene El bueno, el feo y el malo para levantar semejantes pasiones entre los espectadores?

Por un lado, El bueno, el feo y el malo lo que tiene es que es una película perfecta. Cuando dentro de quinientos años se vean contadísimas películas del siglo XX, porque la mayoría están destinadas a caer en el olvido como pasa hoy con la mayoría de obras de arte y de música realizada en siglos anteriores, El bueno, el feo y el malo será una de ellas. Y lo será por un director en estado de gracia que es Sergio Leone, por la música de Morricone y por ese trío de actores formado por Clint Eastwood, Eli Wallach y Lee Van Cleef que con su sola presencia llenan la pantalla.

Sad Hill 02

Junto a las entrevistas, otro de los valores que atesora el documental es el impresionante material visual que tiene como apoyo, con imágenes muy poco vistas. ¿Cómo accediste a él?

La verdad es que comparado con otras cosas no fue muy complicado. Nos fue de mucha ayuda el libro de Peter J. Hanley, que sale además entrevistado en el documental. Peter es un biólogo de la Universidad de Münster, con lo que te quiero decir que es una persona muy científica, muy cuadriculada. Y Peter se estuvo quince años escribiendo ese libro. No porque fuera despacio, sino porque él estudiaba todo hasta las últimas consecuencias y se metió a fondo en todos los archivos italianos, como la Cineteca de Bolonia, la Cineteca Nacional de Roma o Reporters Associati, y encontró joyas fotográficas. Así que todo ese trabajo de investigación no los adelantó él, por así decirlo. A la hora de elegir fotografías para el documental era tan sencillo como llamarle y preguntarle si esa imagen era de Reporters Associati o de la Cineteca Nacional e iba haciendo como mi carta a los Reyes Magos. Sí que hubo algunas fotografías como, por ejemplo, de la Cineteca Nacional, que no pudimos comprar porque se les fue la cabeza con el precio que pusieron. Nos pedían mil euros por foto. Una cosa totalmente fuera de mercado, cuando las demás agencias nos estaban pidiendo cincuenta euros o hasta setenta y cinco, dependiendo de los usos.

Has comentado que hubo otros apartados que fueron más difíciles de gestionar. Me imagino que te refieres al tema de los derechos de las películas y de la música…

Eso fue… Porque llegas a pensar: “Coge mi dinero. Quiero pagarte, pero no me marees” (risas). Solo para que te contesten, para que te hagan caso, te tiras seis meses llamando por teléfono, dejando mensajes en contestadores, enviando un fax, además de correos electrónicos. Y cuando por fin te contestan te dicen: “Ah, sí, yo tengo los derechos, pero solo para Uganda, Malta y Bielorrusia”. Fue muy duro y nos chupó mucha energía todo este proceso. En el futuro no quiero hacer otro documental que implique todo esto en la vida (risas).

Por cierto, ¿no has intentado contar con la familia de Leone?

Sí contactamos con la familia de Leone. De hecho, los derechos de la película para Italia la tienen ellos y por esa parte les contactamos. Lo que pasa es que la única persona que estuvo viva en el rodaje de El bueno, el feo y el malo y que nos podía interesar de cara a una entrevista era su mujer, Carla Leone, quien falleció hace año y medio o dos años. La intentamos contactar, pero para entonces ya no debía de estar muy bien y nunca nos contestaron a este respecto. Pero nosotros intentamos contactar con todos los que participaron en la película y seguían vivos cincuenta años después, que cada vez son menos. Solo en el proceso del documental se nos han ido unos cuantos.

Sad Hill 03

Aparte de la documentación del desentierro de los restos del escenario del triello de El bueno, el feo y el malo y de las personas que lo llevaron a cabo, o de lo que ha supuesto la película de Leone para muchos espectadores, Desenterrando Sad Hill habla sobre todo de la magia del cine y de la búsqueda de los espectadores por lograr que esa magia se haga tangible y de algún modo pueda formar parte de ella…

Eso fue lo que me indujo a pensar que aquí había una historia, y la historia era esa. Making of de El bueno, el feo y el malo hay un montón y a mí no me interesaba ese enfoque. Y el hecho de que la gente fuera a cavar, hay gente que cava en obras todos los días. Esto, sin embargo, conjuntaba las dos cosas. Ya desde el principio la tesis tiraba hacia eso: ¿Qué motiva a una persona a hacer mil doscientos kilómetros en coche para tirarse cavando todo el fin de semana?, como te comentaba antes. Puedes decir que te gustan las localizaciones de cine y visitarlas, como hago yo. Pero una cosa es visitarlas y tirarte una foto y otra pasarte los fines de semana cavando para desenterrarlas.

Desenterrando Sad Hill ha podido verse en varios festivales extranjeros y, dado que toca un tema bastante global, ¿va a contar con distribución comercial fuera de España?

Nosotros pensábamos que íbamos a estrenarla en España en un festival, luego a cines y después nos lanzaríamos a recorrer el mundo. Pero nos ha sucedido justo al revés. Nuestro primer festival de cine fue hace un año en Tokio, después estuvimos en Santa Barbara en Estados Unidos, en Argentina, en Colombia y, ahora por fin, nos han querido aquí. Lo bueno es que nos quieren en Sitges y en el Almería Western Film Festival y después ya vamos a cines. Así que por ese lado muy bien.

En cuanto a la distribución internacional es muy complicado porque cuesta mucho ir abriendo cada mercado y no tenemos la capacidad de hacerlo al ser un proyecto tan pequeño. Así que probablemente acabe en VOD. Eso es todo cuanto puedo contarte en este sentido, al menos en estos momentos.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías: Juan Mari Ripalda

Published in: on noviembre 6, 2018 at 7:14 am  Dejar un comentario  
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Palmarés completo de la 51ª edición de Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya

Hoy finaliza la 51ª edición de Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya. Una edición que ha contado con un palmarés muy repartido en el que la gran vencedora ha sido Climax de Gaspar Noé. Tras ganar hace unos días el Premio Méliès de Oro a la mejor producción fantástica europea del año, la nueva película del director argentino afincado en Francia ha convencido al jurado de la Sección Oficial, conseguido el Premio a la Mejor Película de Sitges 2018. Por su parte, el Premio Especial del Jurado ha recaído en la fábula fantástica italiana Lazzaro Felice, tercera película de la guionista y realizadora Alice Rohrwacher, que entusiasmó en Cannes, donde se llevó el premio al mejor guion, y que en Sitges se ha llevado dos galardones más, el Premio de la Crítica y del Jurat Carnet Jove. Por su parte, el realizador Panos Cosmatos se ha proclamado el mejor director por Mandy, un impactante film de acción y venganza con una estética deslumbrante protagonizado por una de las más mediáticas visitas con las que ha contado la edición del festival: Nicolas Cage.

A continuación reproducimos el palmarés completo de esta 51ª edición de Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya:

Secció Oficial Fantàstic

Mejor película: Climax, de Gaspar Noé

Premio especial del jurado: Lazzaro Felice, de Alice Rohrwacher

Mención especial del jurado: L’heure de la sortie, de Sébastien Marnier

Mejor dirección: Panos Cosmatos, por Mandy

Mejor interpretación femenina: Andrea Riseborough, por Nancy

Mejor interpretación masculina: Hasan Ma’jun, por Pig

Mejor guion: Quentin Dupieux, por Au Poste!

Mejores efectos especiales: Atsushi Doi, por Inuyashiki

Mejor fotografía: Panjar Kumar, por Tumbbad

Mejor música: Chu Ishikawa, por Killing

Gran premio del público: Upgrade (Ilimitado)

Premio del Público Panorama Fantàstic: Monstrum

Premio del Público Sitges Documenta: Goodbye Ringo

Mejor cortometraje: Post Mortem Mary, de Joshua Long

Noves Visions

Mejor película Noves Visions: Desenterrando Sad Hill, de Guillermo de Oliveira

Mejor director: Philip Groning, por  My Brother’s Name is Robert and He is and Idiot

Mejor cortometraje Noves Visions Petit Format: Deer Boy, de Katarzyna Gondek

Mención especial: Domestik, de Adam Sedlák

Mención especial a la mejor actriz: Jessie Buckley, por Beast

Mención especial: Chernobyl, 1986, de Toni Comas

Blood Window

Mejor película: Muere, monstruo, muere, de Alejandro Fadel

Méliès

Méliès de Plata mejor película: Fugue, de Agnieszka Smoczynska

Méliès de Plata al mejor cortometraje: The Death of Don Quixote, de Miguel Faus

Focus Àsia

Tumbbad, de Rahi Anil Barve, Anand Gandhi Lee An-kyu

Mención especial: May the Devil Take You, de Timo Tjahjanto

Anima’t

Mejor película: Mirai, de Mamoru Hosoda

Mención especial largo de animación: Tito e os pássaros, de Gustavo Steimberg, Gabriel Bitar, André Catoto

Mejor cortometraje: The Wheel Turns, de Sang Joon Kim

Mención especial corto de animación: Untravel, de Ana Nedljkovi y Nikola Majdak Jr.

Órbita

Mejor película: American Animals, de Bart Layton

Mención especial: Fleuve Noir, de Erick Zonca

Fantàstic Discovery

Mejor película: Maquia: When the Promised Flower Blooms, de Mari Okada

Midnight X-Treme

Mejor película: May the Devil Take You, de Timo Tjahjanto

Premi Brigadoon Paul Naschy

Baghead, de Alberto Corredor

Jurado de la Crítica

Premio de la crítica Josep Lluis Guarner: Lazzaro Felice, de Alice Rohrwacher

Premio Citizen Kane a la mejor dirección novel: Domestik, de Adam Sedlák

Mención especial Premio de la crítica Josep Lluis Guarner: Under the Silver Lake, de David Robert Mitchel

Slatix Sitges Cocoon

Mejor película de realidad virtual: Deerbrook, de Grayson Moore, Aidan Shipley, John Riera, Connor Illsley

Premis SGAE Nova Autoria

Mejor dirección: Jauría, de Gemma Blasco

Mejor guion: Aleix Abulí, por Ciutat I Selva

Mejor música original: Natasha Arizu, por Dot

Jurat Carnet Jove

Mejor película: Lazzaro Felice, de Alice Rohrwacher

Published in: on octubre 14, 2018 at 10:23 am  Dejar un comentario  
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Sitges 2018: una odisea de títulos e invitados fantásticos

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Han pasado cerca de 365 días desde que Ángel Sala, director del Festival de Sitges anunciara el leitmotiv de la inminente 51ª edición del Festival de Sitges, que arranca mañana y se prolongará hasta el próximo domingo 14. El legado del realizador Stanley Kubrick y su innovadora 2001: Una odisea en el espacio estará presente en la villa costera a lo largo de todo el Festival y tendrá su punto culminante con la proyección de la referencial película restaurada en 4K del realizador estadounidense durante la gala de clausura. El Festival también conmemorará el estreno en 1978 de La noche de Halloween, la popular película de John Carpenter que dio origen al slasher, género que dominó el cine de terror desde finales de los años 70 y durante la década de los 80, y del que el Festival de Sitges ofrecerá una amplia retrospectiva. Para la inauguración, el Festival ha seleccionado la esperada nueva versión del clásico de Dario Argento de 1977, Suspiria, una de las cintas que más expectación despierta entre los amantes del terror y que será presentada por su director, Luca Guadagnino, y la actriz Tilda Swinton, que recibirá el Gran Premio Honorífico del Festival.

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Tilda Swinton es sólo una de las integrantes de una lista casi interminable de estrellas que desfilarán por la alfombra roja de Sitges. El director australiano Peter Weir, una de las grandes figuras del cine contemporáneo, recibirá también el Gran Premio Honorífico y se le rendirá homenaje con la proyección de uno de sus films icónicos, El show de Truman (1998), en una sesión en la que también se honrará al actor, productor y director estadounidense Ed Harris –coprotagonista de la película de Weir– que recibirá el máximo reconocimiento del Festival. Un galardón que recogerán, además, dos figuras destacadas del fantástico: el actor Nicolas Cage, que aterrizará en Sitges para presentar Mandy, el thriller de Panos Cosmatos que protagoniza, y el director indio-estadounidense M. Night Shyamalan, que visitará Sitges en su recta final para presentar un avance de su esperada nueva película, Glass.

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En lo que a films a concurso se refiere, Sitges ofrecerá el mejor cine de género del momento en una Sección Oficial donde destacan los nombres de Lars Von Trier, David Robert Mitchell, Gaspar Noé, Agnieszka Smoczynska, Gareth Evans, Claire Denis o Lee Chang-dong. En esta edición destacan también Òrbita, la sección dedicada a recoger las últimas tendencias del thriller, Noves Visions con su apuesta por la innovación y la experimentación de lenguajes cinematográficos, y el replanteamiento de la sección Seven Chances hacia la recuperación de películas de repertorio fantásticas, olvidadas, maltratadas o sencillamente perdidas en el tiempo. Todo ello sin olvidar una sección de Brigadoon donde el cine italiano y el documental se convierten en los protagonistas de una edición que otorgará su premio Nosferatu a la actriz alemana Helga Liné.

El Festival continuará manteniendo sus cinco pantallas donde se proyectarán la mayoría de las películas integradas en sus secciones oficiales: Auditori Meliá Sitges, el Retiro, Prado, Brigadoon y la Sala Tramuntana. Pero también podrán verse algunas de ellas en otras de las salas del certamen, con entrada gratuita, como el Espacio Movistar+ Virtual Hero, el Hort de Can Falç o el Centre Cultural Miramar, donde se vivirán las experiencias de realidad virtual de la mano de Slatix.

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Por otra parte, no faltará un completo calendario de actividades paralelas. Presentaciones de libros, festivales y ediciones en dvd y blu-ray, encuentros y sesiones de firmas tendrán lugar en la ya habitual Carpa FNAC. Cerca de una decena de publicaciones –novelas, ensayos, etc.- tendrán lugar a lo largo del Festival en este espacio, entre ellas Nieve en Marte de Pablo Tébar, ganadora del Premio Minotauro, Poyejali! de la colección Filmografías Esenciales, o el propio libro oficial de Sitges 2018: Michelle Soavi, cineasta de lo macabro, con la presencia de sus autores. También habrá distintos encuentros con invitados del Festival, caso de la actriz Traci Lords, el especialista en efectos especiales y productor Greg Nicotero o el escritor Marc Pastor, autor de la novela El año de la plaga.

Otro espacio de encuentro será el Fantàstic Kids, que el Festival pone este año en marcha en colaboración con la Obra Social La Caixa. Talleres sobre escritura de guion, o sobre el proceso de creación de un cortometraje se impartirán en el Hort de Can Falç, para todo tipo de público, por parte de expertos en el tema. En este mismo lugar, se ubicará también el ya tradicional espacio Cinema a la fresca. Y, después del éxito de la primera edición, Sitges 2018 vuelve a unir cine y gastronomía en la Sitges Bacanal, una propuesta gastronómica que reinterpreta el leit motiv del Festival de este año de la mano de Oriol Castro como padrino del evento y la colaboración del Restaurante Disfrutar y el chef Daniel Aguilar del Hotel ME Sitges Terramar.

En cuanto a las tradicionales exposiciones, este año serán un total de seis las que podrán verse durante el Festival. A la dedicada al leit motiv del certamen, el 50ª aniversario de 2001: Una odisea del espacio, y que ocupará dos plantas del Centre Cultural Miramar, se unirá la exposición Psycho Killers Superstars – A Bloody Comic Tribute, un tributo al segundo eje temático del Festival de este año, el género slasher. La exposición, comisariada por Borja Crespo y coordinada por Diego López y Marta Andreu, rinde homenaje a los psycho-killers más populares y estará ubicada a la salida del Auditorio del Hotel Meliá Sitges.

Otra de las figuras a las que se rendirá homenaje será a Frankenstein, en la exposición Frankenstein resuturado que podrá contemplarse en el Saló Blau del Palau Maricel. Homenaje también el que se hará al mítico personaje Pepe Carvalho con motivo del quince aniversario de la muerte de su creador, Manuel Vázquez Montalbán, con una exposición de distintos artistas en el Cau Ferrat y el Museu de Maricel.

El fotógrafo Pedro Usabiaga es el comisario de la quinta exposición de Sitges 2018 titulada Mil gritos en la noche, compuesta por una selección de fotografías de actores y actrices del cine de género español de los años sesenta y setenta, y que podrá verse en el Centre Cultural Miramar. Y, por último, en el Estudi Vidal de Sitges, en la exposición La textura del crit, podremos disfrutar de una selección de pósters originales italianos de películas españolas, provenientes de la colección de Roberto D’Onofrio.

Castle-Rock

Asimismo, el Festival continúa con su apuesta por el formato de las series de género, con una selección en la que destacan, entre otras, la proyección de los primeros episodios de La maldición de Hill House y Las escalofriantes aventuras de Sabrina, ambas de Netflix, Castle Rock y Dorien de Movistar+, o el primer capítulo de la novena temporada de The Walking Dead de la cadena Fox.

Siguiendo la línea de los últimos años, el Festival continuará también aumentando su contribución a la industria y al sector, a través de presentaciones, fórums, debates y encuentros que constituyen oportunidades para financiar proyectos audiovisuales. La plataforma online Filmarket Hub y el Festival de Sitges han seleccionado entre más de doscientos candidatos, los siete proyectos de largometraje que participarán en el “Sitges Pitchbox 2018”. Se tratan de: 9 pasos de Moisés Romera y Marisa Crespo (España), Deus Irae de Pedro Cristiani (Argentina), Eat Me de David Michán (México), The Night of the Crow de Pablo S. Pastor y Fernando Polanco (España), The Occupant de Philip M. Howe (Países Bajos), The Second Child de Isabella Aguilar and Davide Orsini (Italia) y They Vanished de Inti Carrizo-Ortiz (Chile).

El actor estadounidense Ron Perlman (Hellboy) –que presentará la película Asher en la sección Òrbita y recibirá el premio Màquina del Temps del Festival-presidirá el panel inaugural del Sitges Film Hub, “Cryptocurrency and the World of Entertainment”. Otras de las actividades más destacadas son los encuentros con el director australiano Peter Weir y con el actor Ed Harris,; con la actriz Pam Grier, estrella del cine de acción y una habitual en cintas de blaxplotation, que recibirá el Premio Màquina del Temps; una mesa redonda con tres figuras clave del terror de los años 80: los directores Mick Garris y William Lustig y la actriz Barbara Crampton; y una clase magistral a cargo del pionero de los efectos especiales Douglas Trumbull, que explicará sus contribuciones tecnológicas a tres obras clave del género: 2001: una odisea del espacioEncuentros en la tercera fase, y Blade Runner.

Aprovechando el marco del certamen internacional, la iniciativa del Festival que quiere acercar la literatura y el cine fantástico, Taboo’ks, presentará los cuatro proyectos literarios de género fantástico susceptibles de convertirse en adaptaciones cinematográficas. La actividad incluye, además, dos clases magistrales: la primera impartida por John Ajvide Lindqvist, escritor sueco especializado en el género de terror, reconocido en el ámbito cinematográfico por el guion de Déjame entrar, y la segunda impartida por el crítico y escritor Christopher Frayling, que reflexionará acerca del personaje de Frankestein. En colaboración con la Universitat Politècnica de Catalunya, se entregará también el Premio UPC de Ciencia Ficción 2018.

Minotauro, el sello de fantasía y ciencia ficción del Grupo Planeta, participará una vez más como editor oficial del Festival de Sitges. Este año, lo hará presentando sus principales proyectos transmedia (novela, cómic, película) durante las jornadas profesionales del evento. También estará disponible para recibir nuevas propuestas de publicación. Finalmente, Minotauro contará con cuatro conferencias en el espacio FNAC: un encuentro con el escritor Pablo Tébar, otro con la escritora Sofía Róndola, la presentación de la nueva colección Minotauro Games y la presentación de los libros Historia de la ciencia ficción de James Cameron y Alien: Manual de supervivencia con realidad aumentada.

Y ya que hablamos de realidad aumentada, la plataforma de venta de entradas con criptomoneda, Slatix, da nombre este año a la sección de VR 360. Por segundo año consecutivo el Festival contará con una sección oficial a competición dedicada exclusivamente a experiencias de realidad virtual procedentes de todo el mundo. El público podrá disfrutar de forma ininterrumpida y gratuita de veintiuna piezas a competición que valorará un jurado compuesto por el director de cine Paco Plaza, la fundadora del laboratorio de cine y tecnologías emergentes Garage Stories, Marta Ordeig, y el productor, compositor y diseñador Zlaya Hadzic. Las proyecciones, de carácter gratuito, tendrán lugar en la sala de cine VR ubicada en el Centro Cultural Miramar, donde a través de teléfonos móviles y gafas Gear VR de Samsung, colaborador tecnológico del Festival, el espectador podrá disfrutar de experiencias inmersivas.

Por decimonoveno año consecutivo, la SGAE, la Fundació SGAE y el Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya celebran los Premios SGAE Nova Autoria, –dentro de las sección Noves Visions–, que ofrecen a autores emergentes de escuelas de cine de Cataluña la posibilidad de exhibir sus trabajos y darlos a conocer en el marco de un festival de proyección internacional. Este año se cuenta con la participación de doce escuelas, que han presentado un total de treinta trabajos audiovisuales. Según el género, se han presentado diecinueve trabajos de ficción, tres de animación y ocho documentales. Los trabajos que se presentan optan a las categorías de mejor guion, mejor dirección y mejor música original. El jurado de los Premios SGAE Nova Autoría estará formado por Lluís Arcarazo (guionista, director y productor ejecutivo), X avier Capellas (compositor) y Carla Simón (directora y guionista).

Otro jurado, el correspondiente a la sección Oficial Fantàstic, estará compuesto por cinco figuras del fantástico: el escritor sueco John Ajvide Lindqvist, la actriz y productora española Carolina Bang, una de las protagonistas de Las brujas de Zugarramurdi, y que recientemente ha intervenido en la serie Dorien, además de ejercer como productora ejecutiva en films como Errementari. El herrero y el diablo 70 Binladens; el escritor granadino Fernando Navarro, autor de los guiones de Toro Anacleto agente secreto, y que con Verónica y Musa se ha adentrado en el género fantástico y de terror; junto al escritor y periodista Piers Bizony, autor del libro 2001: Filming the Future, uno de los más completos y referenciales acerca de la película de Stanley Kubrick 2001: una odisea en el espacio y la programadora suiza Anaïs Emery, una de las fundadoras del Neuchâtel International Fantastic Film Festival en 1999 y su directora artística desde 2005.

Un año más, la Agencia Catalana de la Juventud a través de su programa “Connecta’t” del Carnet Jove y el equipo de dirección de Sitges 2018 – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya ha seleccionado a cinco jóvenes que formarán parte del XIV Jurat Canet Jove de Sitges, un jurado oficial del Festival que otorgará el premio a la Mejor Película de la Secció Oficial Fantàstic Competició y el Premio Jurat Carnet Jove a la Mejor Película de la Secció Midnight X-Treme. El objetivo de esta colaboración es la de profesionalizar la crítica cinematográfica dando la oportunidad a cinco jóvenes interesados en el mundo del cine de formar parte de uno de los jurados oficiales del Festival de Sitges.

Más información: sitgesfilmfestival.com

Published in: on octubre 3, 2018 at 5:53 am  Dejar un comentario  
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La sección “Slatix Sitges Cocoon” presentará la realidad virtual más innovadora en Sitges 2018

La plataforma de venta de entradas con criptomoneda, Slatix, patrocinador principal de la 51ª edición Festival de Sitges, da nombre este año a la sección dedicada por el certamen a la tecnología VR 360. El Festival de Sitges apuesta por las nuevas tecnologías, y por segundo año consecutivo contará con una sección oficial a competición dedicada exclusivamente a experiencias de realidad virtual procedentes de todo el mundo.

Campfire_Creepers

Un total de veintiún piezas a competición conforman la sección “Slatix Sitges Cocoon”, entre las que cabe destacar el segundo episodio de la serie Campfire Creepers: Midnight March, dirigido de nuevo por Alexandre Aja, que ya presentó el pasado año en primicia mundial el primer episodio de Campfire Creepers.

Dicha serie es un ejemplo de cómo este formato pisa fuerte en el campo de la realidad virtual. De este modo, este año podrán verse en Sitges los dos primeros episodios de Space Explorers: A New Dawn & Taking Flight, una ambiciosa serie documental producida por Felix Lajeunesse y Paul Raphael, cofundadores y directores creativos de la prestigiosa compañía con sede en Montreal, Felix & Paul Studios, y que está narrada por la actriz Brie Larson, que tras su Oscar se convertirá en la próxima Capitana Marvel. Procedente de esta compañía canadiense, también podrá verse la pieza Jurassic World Blue, donde los dinosaurios de la isla Nublar tienen que enfrentarse a amenazas de proporciones épicas para poder sobrevivir.

Los espectadores de Sitges 2018 también podrán disfrutar de la espectacular producción japonesa Ghost in the Shell Virtual Reality Diver, de Production IG; la hipnótica historia real sobre la abducción alienígena Dinner Party, o la perturbadora pieza en la línea de Funny Games, Deerbrook, de la productora y distribuidora Dark Corner, que por tercer año consecutivo brindan al Festival las novedades del género de terror en realidad virtual.

La “Slatix Sitges Cocoon” contará también con varias premieres mundiales, como la experiencia canadiense Wetigo, la estadounidense Diary of a Madman, o la producción catalana La otra vida, del joven director graduado en la ESCAC, Ibai Abad. La sección también contará con trabajos de carácter más independiente, como la producción coreana Horomaru, la británica Mirror Man, o la taiwanesa The Tag-Along VR, que prometen emociones fuertes a los espectadores más valientes. También habrá espacio para otras experiencias que no pierden el sentido del humor, como la producción taiwanesa Your Spiritual Temple Sucks.

El jurado de la presente edición estará formado por el destacado director de cine Paco Plaza, la fundadora del laboratorio de cine y tecnologías emergentes Garage Stories, Marta Ordeig, y el prolífico productor, compositor y diseñador Zlaya Loud, que con la compañía Mach1, está detrás de algunas de las bandas sonoras más importantes del panorama de la realidad virtual, como Alien: Covenant in Utero, The Martian VR o Mr. Robot VR, experiencia que pudo verse hace dos años en el Festival. Los tres tendrán la difícil tarea de decidir la mejor experiencia VR 360 de Sitges 2018.

Por otro lado, la “Slatix Sitges Cocoon” también apadrinará diversas instalaciones, talleres, encuentros y actividades relacionadas con los diferentes tipos de realidad virtual que existen en la actualidad. Uno de los más esperados es la instalación en la carpa de Movistar+ VR Virtual Hero que presenta la experiencia interactiva de la serie de anime Virtual Hero de Rubius, Virtual Hero VR, una apasionante y desenfadada oportunidad de entrar en el dormitorio de Rubius a través de un avatar que el público tendrá la oportunidad de crear. Rubius, el youtuber español más influyente del planeta, acudirá al Festival de Sitges para inaugurar esta instalación que estará abierta de forma gratuita desde el sábado 6 de octubre a las 11 horas, hasta la clausura del Festival.

El domingo 7 de octubre el público podrá asistir a diferentes talleres relacionados con experiencias interactivas que se presentan por primera vez en Sitges. Es el caso de la terrorífica Don’t Look Back, creada en Barcelona por Patricia M. Val y Adrián Ruiz del Cerro, fundadores de Futura VR Studios, que el pasado año aterrorizaron a los espectadores con el cortometraje en 360 Portal. Por su parte, el experto en el sector VR Roberto Romero hablará del videojuego que ha creado para Play Station VR, Legends of Catalonia, producido por Virtual Voyagers y Aftershare.tv con la colaboración de la Agencia Catalana de Turismo.

Aquellos interesados en el futuro de la realidad virtual y de las experiencias inmersivas que ofrece este nuevo medio podrán también apuntarse a un taller de creación de contenidos en VR360, que dará inicio el lunes 8 de octubre –las inscripciones pueden realizarse hasta el 5 de octubre-, y finalizará con la proyección de los cortos realizados dentro de la “Slatix Sitges Cocoon” la tarde del sábado 13 de octubre. Esta iniciativa que se realiza en colaboración con Marta Ordeig, fundadora de Garatge Stories. Los interesados pueden apuntarse a través de la web: garagestories.org/sitgesfilmfestival.

Todas las proyecciones tendrán lugar en la sala de cine VR ubicada en el Centro Cultural Miramar, donde, a través de teléfonos móviles y gafas Gear VR de Samsung, colaborador tecnológico del Festival, el espectador podrá disfrutar de experiencias inmersivas. La entrada a todos los espacios, proyecciones y actividades es totalmente gratuita. Para facilitar el acceso, el público podrá recoger a primera hora de la mañana una entrada para la sesión en el horario disponible que más le convenga. Serán sesiones de 45 minutos donde el espectador podrá escoger a la carta los contenidos que más le interesen.

Published in: on octubre 2, 2018 at 9:47 am  Dejar un comentario  
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Movistar+ volverá a contar con una presencia destacada en la próxima edición del Festival de Sitges

Movistar+ se suma un año más a la gran celebración del género fantástico del Festival de Sitges. Así, la plataforma de televisión y Rubius preestrenarán en la próxima edición del certamen su nueva serie original, Virtual Hero, basada en los homónimos cómics que el propio Rubius publicó en 2015, y que adentra al espectador en el mundo de los videojuegos. El día elegido será el domingo 7 de octubre. Los fans de Rubius, el youtuber español de mayor éxito internacional y uno de los más seguidos en el mundo, tendrán la oportunidad de ver los tres primeros episodios de la serie de animación en los que ha estado trabajando durante los últimos años. Virtual Hero se centra en las aventuras de Rubius a través de un mundo virtual para cumplir una misión: liberar a los cien mejores gamers atrapados en el mundo de Trollmask, universo del vengativo Master Mundial de los Juegos, cuyo objetivo es acabar con todos ellos. Para ello, Rubius contará con la ayuda de diferentes personajes: desde la guerrera Sakura, a la alocada zombi Zombirella, pasando por el espectro Slimmer y la inteligencia artificial de G4t0.

Además, dentro de la sección del Festival dedicada a la realidad virtual, la Slatix Sitges Cocoon, los espectadores podrán disfrutar en primera persona de VR Virtual Hero, una experiencia de realidad virtual de siete minutos basada en la serie. Se presentará en Sitges fuera de competición. En ella, el público podrá entrar en la habitación de Rubius, donde podrá jugar, divertirse y trollear, hasta que reciba una llamada de Rubius reclamando su auxilio. ¿Se convertirá el espectador en un aliado o en un adversario del youtuber?

Anime-en-femenino

Al hilo de la animación japonesa y su creciente popularidad, Movistar+ presentará en una sesión especial en el Festival, el documental Anime en femenino, en el que diferentes expertos, youtubers y profesionales del mundo del manga y del anime analizan el auge de la presencia femenina en este sector, con cineastas como Mari Okada o Naoko Yamada y dibujantes como Lolita Aldea, de la serie Virtual Hero.

Por otra parte, los aficionados a la literatura fantástica y de terror del maestro Stephen King podrán ver en el Festival el sábado 6 de octubre el primer episodio de Castle Rock, la esperada serie de terror psicológico de Bad Robot Productions, la productora de J.J. Abrams, en asociación con Warner Bros, que ha sido recientemente adquirida por Movistar Series. La serie acontece en el lugar imaginario de Castle Rock, a apenas unos metros del bosque de Maine, donde se han situado un gran número de las obras del escritor estadounidense, como Cadena perpetua, La zona muerta o Cuenta conmigo. Castle Rock, inspirada en el universo creado por Stephen King, también productor ejecutivo de la serie, cuenta con numerosas referencias y guiños a los fans –como la presencia de Sissy Spacek, que se dio a conocer para el gran público con la película Carrie, basada en la novela homónima del escritor–, y combina la dimensión mitológica con la más intimista, tejiendo una saga de luz y de oscuridad por donde deambularán los personajes.

Castle-Rock

La serie comienza con una misteriosa llamada desde la prisión Shawshank de Castle Rock que trae de vuelta a Henry Deaver (André Holland) al lugar que lo vio crecer. Aún atormentado por los fantasmas de su pasado, Deaver es un abogado defensor especializado en penas de muerte que debe encargarse del caso de un inquietante recluso hallado solo en un recóndito rincón del centro. Los hechos recientemente ocurridos en torno a la prisión abren la caja de Pandora de una sucesión de misterios que lo contamina todo y a todos en el pueblo.

Esta primera temporada –ya está renovada por una segunda–, consta de diez episodios y tiene previsto su estreno durante el próximo mes de octubre. Sus principales protagonistas son André Holland (Selma), Melanie Lynksey (Amor sin escalas), Bill Skarsgärd (el Pennywise de la nueva It), Terry O’Quinn (Perdidos) y cuenta además con la presencia de actores invitados como Sissy Spacek y Scott Glenn (The Letfovers).

ghost_stories

Dentro de la colaboración de Movistar+ con Sitges 2018, los días 4 y 7 de octubre, respectivamente, en Movistar Cine Doc & Roll y Movistar Estrenos podrán verse de forma simultánea a su proyección en el Festival las películas Ghost Stories (4/10), una espeluznante antología de cuentos sobrenaturales, basada en la exitosa obra de teatro de Nyman y Dyson y que cuenta con Martin Freeman como uno de los protagonistas, y I Think We’re Alone Now (7/10), una joya de ciencia ficción en clave de sátira social acerca de lo que lo que la Humanidad entiende como compañía.

Más información: sitgesfilmfestival.com

Published in: on septiembre 30, 2018 at 8:52 am  Dejar un comentario  
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Una renovada sección “Seven Chances” mostrará en siete películas la cara oculta del fantástico

¿Qué hacía Johnnie To, justo antes de convertirse en un referente internacional del noir asiático? ¿De qué humor estaba David Lynch cuando rodaba Blue Velvet? ¿Cómo debía ser la primera y extraviada película de Alex Proyas? Todas estas preguntas, y como mínimo cuatro más, tendrán respuesta este año en “Seven Chances”, la sección que el Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya programa en colaboración con la Associació Catalana de la Crítica i l’Escriptura Cinematogràfica (ACCEC).

La de este año no será una edición cualquiera de “Seven Chances”, que después de llegar al cuarto de siglo de vida, replantea sus cimientos. Cuando nació en 1993 esta sección tenía la vocación de traer al certamen obras no necesariamente fantásticas, de autores consagrados o por descubrir, en proyecciones memorables, y en aquel momento irrepetibles. La tarea llevada a cabo desde entonces tiene un gran valor, reflejado en los nombres que han pasado por la sección: Philippe Garrel, Hirokazu Kore-eda, Claire Denis, Jean-Marie Straub i Danièle Huillet, Chris Marker, Bertrand Bonello, Olivier Assayas, José Val del Omar, Apichatpong Weerasethakul… Pero con el tiempo, los circuitos de exhibición se han transformado, como también lo ha hecho el propio Festival. Por ese motivo, l’ACCEC y Sitges han estado de acuerdo en que era necesario dar un nuevo impulso a la sección, para no perder vigencia, manteniendo su carácter de sesiones únicas (en todos los sentidos), que es lo que caracteriza la semana de la crítica de Sitges.

Este cambio reforzará una vertiente destacada en las últimas ediciones de “Seven Chances”: la recuperación de películas de repertorio fantásticas, o afines al género, olvidadas, maltratadas o sencillamente perdidas en el tiempo, a las que los años pueden haber dotado de culto, pero no del estatus de “clásicos”. Rarezas estimulantes y en muchas ocasiones inéditas, que merecen ser redescubiertas y contextualizadas por la mirada analítica de los críticos que conforman l’ACCEC y que se encargan de presentar las sesiones.

spirit of the air

La película que supondrá el arranque de “Seven Chances 2018” representa toda una declaración de intenciones en este sentido: Spirits of the Air, Gremlins of the Clouds (1989), la excéntrica opera prima del australiano Alex Proyas, realizada antes de su exitoso salto a Hollywood. Una oscura fábula en la que el futuro director de El cuervo y Yo, robot presenta un cruce imposible entre Leone, Jodorowski y Gilliam. La proyección contará, además, con la presencia del propio Proyas, que visitará Sitges para presentar la flamante nueva copia del film, restaurada a partir del negativo original en 16mm.

santo contra el cerebro del mal

El Casino Prado, sede habitual de la sección, recibirá también con todos los honores a uno de los iconos más carismáticos que ha dado la cinematografía mexicana: el luchador enmascarado El Santo, de quien Sitges recupera su primera aventura cinematográfica, Santo contra el cerebro del mal (1959), en la brillante restauración que ha apadrinado, ni más ni menos, que Nicolas Winding Refn, todo un sibarita de la cultura pop cinematográfica.

throw-down

“Seven Chances” también recupera una joya oculta de Johnnie To, uno de los autores más queridos de Sitges, con una de sus películas más personales, inédita hasta hoy en nuestro país. Se trata de Throw Down (2004), emocionante homenaje a los primeros dramas deportivos de Akira Kurosawa, que el cineasta hongkonés convierte en una estilizada y sorprendente mezcla de comedia, musical y épica antiheroica, donde los combates de judo son toda una danza.

dream-demon2

Y siguiendo con películas caídas en el olvido, pocas lo son tanto como Dream Demon (1988) de Harley Cokeliss, realizador todo terreno que fue director de segunda unidad en El Imperio Contraataca y que, en su única incursión en el terror creó una especie de respuesta inglesa a Pesadilla en Elm Street. Sin Freddie, pero repleta de secuencias surrealistas y perturbadoras, surgidas del subconsciente de una protagonista traumatizada, la película tuvo una corta vida en el circuito VHS, para después desvanecerse por completo… Hasta hace unos meses, cuando Cokeliss presentó una restauración director’s cut de la cinta, finalmente dispuesta a reclamar su lugar en la historia del fantástico británico.

La-visita-del-vicio

También habrá un lugar en “Seven Chances” para uno de los nombres propios del cine de género en España: José Ramón Larraz, de quien se proyectará la nueva copia de una de sus obras menos vista, La visita del vicio (1978), en que el cineasta se alejó del fantástico explícito para moverse en la ambigüedad de un drama erótico e inquietante, infestado de imágenes oníricas memorables, con la inconfundible y controvertida mirada que el director barcelonés tenía del cuerpo y de la sexualidad femeninas.

Blue Velvet Revisited

A parte del rescate de tesoros heterodoxos, “Seven Chances” también quiere ser un espacio de reflexión sobre títulos, autores y fenómenos próximos al género fantástico, reservando una parte de su programa al documental y al ensayo audiovisual. En esta línea se enmarca la selección de Blue Velvet Revisited (2016), que en palabras de su director, Peter Braatz, constituye “una meditación” sobre la obra maestra de David Lynch Terciopelo azul, a través de las fotografías y de las cintas en súper-8 que Braatz filmó durante el rodaje de este film inmortal, inéditas durante tres décadas, y que permiten acceder a las bambalinas de la producción y descubrir, por ejemplo, la felicidad de un Lynch preparado para presentar al mundo su escalofriante y fascinante universo.

Wolfmans-Got-Nards

La segunda cita documental recae en la aclamada Wolfman’s Got Nards (2018), donde Gower, protagonista de Una pandilla alucinante, se reencuentra con sus antiguos compañeros de reparto y con los responsables de aquel gran homenaje a los monstruos clásicos ideado por Fred Dekker y Shane Black para reivindicar y celebrar una cinta incomprendida en su primer estreno, pero que poco a poco ha ido generando a su alrededor un fervoroso culto, situándola en el panteón del cine juvenil de la década de los ochenta.

Más información: sitgesfilmfestival.com

Published in: on septiembre 27, 2018 at 5:36 am  Dejar un comentario  
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