Entrevista a María José Cantudo

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Una de las señas identificables de la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián desde hace muchos años ha sido la confección de sus carteles oficiales, debido al habitual protagonismo de personajes famosos caracterizados en ambientes fantásticos. Robert Englund, Loquillo, Manuela Vellés, Alaska o Javier Gurruchaga han sido algunas de estas personalidades que se han colocado delante del objetivo fotográfico para dar forma a la imagen oficial de la Semana en las últimas ediciones. Una lista a la que este año se unía María José Cantudo, circunstancia esta que sirvió para reivindicar su papel dentro del cine de terror español de los setenta, en el que participó en al menos una docena de películas. Aprovechando su presencia en Donosti, donde además de participar en la gala inaugural de la vigésimo octava edición de la Semana, sirvió de madrina para la puesta de largo de la exposición fotográfica Mil gritos en la noche, formada por imágenes en blanco y negro de actores y actrices participantes en el denominado fantaterror, la realizamos la siguiente entrevista, en la que repasamos su trayectoria dentro del fantástico.

El pasado 2016 se publicaba tus memorias, María José Cantudo, la trastienda de una actriz, escrito por Tony Aliaga; y ahora te conviertes en la protagonista del cartel de la 28ª Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, además de inaugurar dentro del marco de la Semana la exposición Mil gritos en la noche junto a su comisario Pedro Usabiaga. Un cúmulo de circunstancias que vuelve a ponerte en primera línea del cine de género…

El libro de Tony Aliaga no son exactamente mis memorias, sino una parte de mi trayectoria. Todavía queda mucho por contar… y por hacer… Hemos querido realizar este libro, sobre todo, con el objetivo de llegar a mucha gente joven que desconoce el trabajo de algunos actores y actrices de nuestra época, dando a conocer mi figura y trabajo, pero no para que se convierta en un libro súper ventas con el fin de hacer caja.

El tema del cartel me costó un poco decidirme… pero al final me animé. Yo tengo un cariño especial a San Sebastián, he venido con obras de teatro, y me parece una ciudad preciosa. Tenía ganas de estar por aquí y vi en dicho cartel una oportunidad de volver. Estas tierras me atraen, me han dado mucha suerte, e incluso rodé por aquí La trastienda (1975), con gente del equipo muy maja y agradable. El cariño y los recuerdos me animaron a volver.

Retomando el cartel, es una obra fantástica. Pedro Usabiaga es un absoluto genio detrás de una cámara de fotos. Son unas instantáneas muy bellas. Y me encanta el resultado final del cartel. Creo que no tiene nada que ver con otros carteles que se han confeccionado hasta ahora, es distinto. Además, Josemi Beltrán, el director del certamen, es un ser encantador, una persona la mar de cariñosa y muy atenta. Así que me parece una idea genial poder haber participado en la confección del cartel.

Estás entonces muy contenta con la decisión tomada…

Sí. Es un buen momento de mi vida, donde me siento muy orgullosa de mi trabajo y contenta de ser la imagen del Festival de Cine de Terror de San Sebastián. Fijaos que estas películas las hice cuando era una chiquilla, alguna incluso con 16 años. Fueron cinco o seis películas de terror en las que trabajé al inicio de mi carrera, momento en que dicho género era el que estaba en boga, aunque no era precisamente el más glamuroso. ¡Y mirar lo importante que es ahora el cine fantástico y de terror!

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María José Cantudo junto a Pedro Usabiaga, comisario de “Mil gritos en la noche”, durante la presentación de la exposición a los medios.

Bajo nuestro punto de vista, tu carrera en el mundo del cine se ha movido entre dos aguas: por un lado la constante de haber formado parte de una historia muy importante de la Transición debido a tu papel en la película de Jordi Grau La trastienda y, por otro, tu aportación al Fantaterror, donde prácticamente inicias tu carrera de actriz en el cine con El espanto surge de la tumba (1972). ¿Cómo te llega este primer papel dentro del cine y que te pareció introducirte en el cine de terror en aquel momento?

Exactamente. Yo empiezo muy joven, ya que El espanto surge de la tumba recuerdo que la hice a la temprana edad de 16 años; La trastienda ya la hice con 18 años. Después llegaron muchas otras películas.

En el film de Aured entré para ganar un dinero. Yo estaba en una residencia de chicas. Aparte de la publicidad y la fotonovela me comentaron que había una película, y era El espanto surge de la tumba. Fue algo similar a mi entrada en el film Don Quijote cabalga de nuevo (1973), junto a Cantinflas y Fernando Fernán-Gómez. La hice después del film de Aured, ya que nos ofrecían un mes de trabajo y 75.000 pesetas, así que me apunté con una amiga a la película.

La verdad es que no quería ser actriz, mi idea era ser decoradora, algo que finalmente logré, ya que desde hace muchos años soy decoradora profesional. Yo disfruto tirando una casa entera y luego dándole una vida nueva; es lo más. También me gusta mucho el arte, la pintura y las antigüedades. Mi mundo en la actualidad es ese, apenas estoy metida en el mundo del espectáculo, sino en el arte. Mis amistades están por otro lado. Pero sucede que salía mucho en pantalla y los directores se iban fijando en mí.

No obstante, anteriormente a tu desembarco en el cine habías realizado fotonovela, ¿no es así?

Sí. Y también muchos desfiles de moda y spots de publicidad.

¿Y cómo fue en ese momento encontrarte en una film de terror, con todo el tema del maquillaje, las lentillas, una historia de espíritus y muertos que vuelven a la vida?

Había un maquillador en aquella película que era una eminencia, Julián Ruiz, un extraordinario maquillador, el mejor. Se enamoró de mi cara e hizo maravillas. Para el corte del cuello me tenía horas. Estábamos en La Cabrera, Madrid, hacía un frío espantoso. Nos teníamos que meter dentro del agua en el pantano para rodar alguna secuencia. Con 16 años que tenía entonces lo podía aguantar, pero era para coger una neumonía y morir [risas]. El dinero de estas producciones no daba para mucho. Recuerdo que Emma Cohen, que hacía de mi hermana mayor en la película, necesitaba un camisón un día. Le tuve que dejar el mío de dormir, para que veáis cómo eran las cosas en aquellas películas…

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Siendo tan joven, llegaste incluso a rodar una doble versión…

¡No, yo no! Salen todas desnudas menos yo. Yo no enseñé nada. En El espanto surge de la tumba no enseñé nada. La primera vez que desnudé mi cuerpecito fue en La trastienda, anteriormente en ninguna. Hay doble versión en la película de Aured, pero no de la Cantudo, quizás Helga Liné o Emma Cohen… Debido a la edad que tenía mi padre me hubiera dado una paliza [risas]. Además, en ese momento yo iba a ganar dinero, no a ser una estrella del cine enseñando nada[1].

¿Cómo fue trabajar a las órdenes de Carlos Aured en una cinta donde a tu lado se encontraban, entre otros, Emma Cohen, Helga Line, Vic Winner o Paul Naschy?

A Carlos Aured lo conocí cuando hacía fotonovela. Fue como una especie de flechazo entre actriz y director, de ahí que me seleccionara como protagonista en un momento que podría haber continuado haciendo fotonovela o publicidad… pero Aured me vio y me escogió. Fue un director que me enseñó muchísimo, me daba confianza, como Jordi Grau, con el que trabajé por primera vez en El secreto inconfesable de un chico bien (1976), donde me impuso Frade cuando Grau quería a Ana Belén. Cuando llegó La trastienda, Frade le dijo a Grau que si quería a Ana Belén, y Grau le contestó que no, qué prefería a la Cantudo. Según Grau, lo dice en sus memorias, La trastienda soy yo. Es algo que me ha pasado en diversas ocasiones a lo largo de mi carrera: el director tenía cierta fijación en mí y pedía a los productores mi presencia en sus películas.

Podemos observar que Jordi Grau mantenías una relación especial…

Sí. Por ejemplo, lo cuenta él en sus memorias, yo lloraba pensando que lo hacía mal, y para nada, ya que, a la primera toma, ya estaba mi parte y la de los demás no, y yo tenía un problema pensando que no lo estaba haciendo bien. Tenía esa fama de ser a la vez la actriz más cara y la más barata, ya que gastaba muy poco negativo, era una persona que a la primera toma el director ya la tenía. Supongo que esta profesionalidad hacía que empalmara un rodaje con otro, ya que estaba muy solicitada.

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María José junto a la presentadora de la Semana, Miriam Cabeza, y Josemi Beltrán, director del certamen, dirigiéndose al público del Teatro Principal donostiarra.

Después de El espanto surge de la tumba llegaría la controvertida Autopsia (1973), donde compartes reparto junto a Jack Taylor y Juan Luis Galiardo, y en la que, según se publicitó en su momento, se incluyen imágenes de una autopsia real en su metraje…

Fue una película impresionante. Nosotros en el rodaje no llegamos a tener al muerto delante nuestro, por suerte. Fue un film muy intenso para nosotros. Yo recuerdo que era la mujer de la persona a la que hacen la autopsia, y aquello se convirtió en cierto drama… Creo que nos hubiéramos muerto si aquellas secuencias se llegan a rodar con nosotros delante [risas]. Recuerdo también que la actriz Pilar Velázquez iba a hacer mi papel.

En China es un film de culto. En una ocasión lo pude vivir en primera persona. Ahora que vienen muchos orientales a España, un día al lado de mi casa, en el centro de Madrid, había unos chinos que no dejaban de mirarme… hasta que uno de ellos me preguntó si podía hacerse una foto conmigo. Yo me preguntaba de qué me podían conocer… Y empezaron a hacerse una serie de fotos a mi lado. Al final, la intérprete me explicó que en su país era muy conocida debido a mis películas, algo que me sorprendió muchísimo.

¿Qué ocurrió en la comedia vampírica Las alegres vampiras de Vögel (1974), película que empezó a dirigir José María Elorrieta pero que finalmente acabó en manos de Tabernero?

Sucedió que Elorrieta falleció durante el rodaje. Es un film que empecé a rodar estando embarazada, pero nadie lo sabía, estaba de casi cuatro meses y a punto de casarme, ya que me casé rodando la película. Tengo una anécdota muy divertida al respecto. Me dijeron que me tenían que clavar una estaca en el estómago mientras estaba tumbada dentro de un ataúd. Sin embargo, me comentaron que mi barriga se movía mucho, así que pidieron que me trajeran un bocadillo, ya que se pensaban que se debía a que tenía hambre [risas]. Mientras yo estaba callada como una muerta, y nunca mejor dicho. Me preguntan de qué lo quiero, contesto, me lo traen, y me lo como. Pero, lógicamente, la barriga se me sigue moviendo… así que me tuvieron que clavar la estaca en el pecho como bien pudieron, en lugar de en el estómago, ya que el niño no se quedaba quieto [risas].

Recuerdo que la persona que hacía el personaje del marqués era un marqués de verdad que vivía en el hotel Ritz. Y las sortijas que llevaba en la película me las prestaba él. Creo que en la película era mi tío, e incluso me muerde en una de las secuencias.

Por cierto, que en esta película salgo haciendo un baile flamenco, lo que no le sentó muy bien a una de las actrices, que incluso le llegó a proponer al director aparecer luciendo más lencería a cambio de que eliminara mi escena. Sin embargo, él dijo que de eso nada, y yo hice mi escena bailando flamenco como originalmente estaba previsto.

En aquel inicio de la década de los setenta también te adentras en un film algo desconocido, que se movía en los caminos del thriller o giallo, según se mire, El asesino no está solo (1974), donde resulta bastante llamativo su reparto, encabezado por Lola Flores, Teresa Rabal y el tinerfeño Domingo Codesido, más conocido como David Carpenter.

Era de las primeras películas que hice. Castellví, que ejercía como mi asesor, y que también llevaba a David Carpenter, nos metió a los dos en la cinta, pero sinceramente, no recuerdo gran cosa, al margen de mi admiración por Lola Flores. Intuí que sería una película sin apenas recorrido. Suelo captar cuando una cinta no va a conectar con el público y esta pasó desapercibida. Estuve encantada de trabajar al lado de Lola Flores y, sobre todo, por ir abriéndome camino en el mundo del cine en una época donde tampoco tenía muy claro si ser actriz, donde me iba haciendo un espacio en la interpretación, pero donde nunca puse la zancadilla a ninguna compañera de reparto. Al contrario, prefería estar en muchas ocasiones en un segundo término, y si salía mucho en algunos medios, como en la revista Fotogramas, era más debido a los contratos firmados, pero nunca fui una amante del mundo de la farándula.

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María José junto a Paul Naschy en una escena de “Secuestro”.

Después de tus trabajos al lado del realizador catalán Jordi Grau te llega el papel protagonista en el film de León Klimovsky Secuestro (1976), un cambio de registro importante en ese momento debido a la ejecución de tu papel y al lado, otra vez, de Paul Naschy, al que hay que sumar a Teresa Gimpera, Tony Isbert, Luis Induni o Máximo Valverde…

Se abren las puertas a papeles protagonistas, películas con Antonio Mercero, otras de género, etcétera. Entro en otro círculo y se me cotiza mucho, pasando a ser una actriz cara de contratar. Además, vuelvo a encontrarme con Paul Naschy en la película. Fue una historia que me llamó mucho la atención y además tuve de compañeros a excelentes actores.

Y de la mano de Jacinto Molina llegamos a uno de tus papeles más importantes dentro del género: El huerto del Francés (1977). Cuando Molina te presenta la oportunidad de trabajar en la cinta, ¿qué te pareció su argumento centrado en una historia macabra y real?

Paul Naschy, desde el primer momento, se enamoró de mi trabajo. Era como una especie de musa para él y siempre estaba detrás mío para que trabajara en todas sus películas. Yo le decía que no podía estar en todos sus trabajos, ya que por aquel tiempo llegaba a firmar contratos de hasta doce películas. Siempre le prometía que le haría una, y fue El huerto del Francés, que es genial. Yo normalmente no veo mis películas, pero esta sí y me parece maravillosa. El trabajo que hacemos todos es muy digno, y tanto El huerto del Francés como Autopsia son mundialmente conocidas en países del mundo entero.

Yo no soy de redes sociales, soy un poco desastre, pero cuando Tony Aliaga me enseña la repercusión por Internet de estas cintas, o viene una amiga mía de EE.UU. con una camiseta de alguna de estas películas, ¡me parece lo más! Incluso en alguna de estas camisetas aparece mi rostro. Me sorprende mucho el éxito, ya que también he realizado otras películas muy buenas con otros directores, y no únicamente en España, también en otros países de Europa.

Sin duda, aquí reside el fenómeno fan de los amantes del cine de terror…

Claro, claro, sin duda. Y mira que en aquel inicio me negué mucho a trabajar en películas de terror. Al principio acepté algunos papeles, pero luego los rechazaba. Por eso a Paul Naschy siempre le decía que no, aunque al final trabajé dos veces con él. La verdad que era un señor muy trabajador, el guion de El huerto del Francés lo escribió en una semana. Ahora, viendo el significado de todas aquellas películas, me arrepiento de no haber trabajado en más cintas de terror, en estos momentos lo haría encantada. Ahora me ofrecen un papel en una nueva película y, seguramente, diría que no; pero si me ofrecen un buen papel en un film de terror, con un buen director, diría que sí. Creo que estoy en un buen momento para un papel, con la edad justa, las expresiones, la experiencia, el peso que tengo como actriz en la cinematografía española, en el teatro, mi carrera en general… creo que sería algo importante y lo aceptaría sin duda. Y mira que me llaman, pero digo que no, no me gusta el cine que me ofrecen. No me gustan los temas, pero una cinta de terror me apetecería.

Debido a la relación laboral que venías manteniendo con Naschy, y dado que comentas que él te iba ofreciendo papeles en los films que realizaba, ¿El huerto del Francés era un proyecto que venía de lejos?

Así es. Como decía, película que ponía en marcha, película que me llamaba para trabajar. Pero siempre le tenía que decir que no, e incluso en alguna ocasión se enfadó conmigo. A su vez, me iba enseñando los guiones que escribía. Y uno de estos proyectos fue el de El huerto del Francés. Me habló de dicho proyecto y luego me enseñó el guion, ya que era una historia andaluza. Era un tema que también me gustaba y además había una historia más interesante detrás que el simple film de terror.

El huerto del Francés - Cantudo

Se ha escrito y hablado mucho acerca de aquel rodaje debido a las supuestas desavenencias que mantuviste con Ágata Lys. ¿Hasta dónde es cierto y hasta dónde es leyenda o habladuría?

Sí, hubo ciertos problemas en el rodaje con “ella”. En ese momento, que yo encabezara el cartel por delante de “ella”, e incluso de Naschy, dio mucho que hablar, ya que a “ella” no le gustó mucho. Teníamos una escena donde debíamos pelear y ella me arañó el cuello. No quiero decir que lo hiciera a propósito, pero sucedió y allí me planté. Dije que para mí se había acabado la película.

¿Y cómo continuó el rodaje?

Sucedió que prácticamente ya estaba terminada. Además, ella montó un buen escándalo y yo, que no soy una mujer polémica, le dije a Naschy que aquello había llegado a su punto y final.

Según me ha explicado Tony Aliaga en alguna ocasión, ya que ellos están en contacto, parece ser que está muy arrepentida de muchas cosas del pasado. Pienso que lo haría sin darse cuenta, pero bueno, sucedió y ya está. Digamos que ese fue el único problema, debido en gran parte a mi estatus en aquel tiempo.

Momentos complicados para una película convertida en cult movie

Sí, en la actualidad es una película de culto, y tiene razón de ser la distinción. Hay mucho trabajo detrás de ella. Era una cinta con una buena financiación y donde yo empezaba a despuntar, gracias al trabajo al lado de grandes directores, algo que me llevó a ser la protagonista y tener un cachet alto, ya cobraba mucho dinero por interpretar.

Para la ocasión, se debió también a mi promesa, ya que le había prometido a Paul que trabajaría en algún título suyo, y la hice encantada. La pena es que la película esté retenida por un banco. Su hijo Sergio, al igual que su padre, han luchado por desatascar dicho tema, pero de momento no han tenido éxito.

Entre finales de la década de los setenta y principios de los ochenta tu carrera te llevó por otras cintas alejadas del fantástico, probablemente debido al cambio de orientación que se produce en España dentro de la industria cinematográfica. ¿Te sentías cómoda en aquellas cintas, que en su mayoría tenían como principal reclamo el tema del erotismo? ¿Fue el encasillamiento en este tipo de films el que de algún modo te hacen abandonar el Séptimo Arte?

Bueno, mi abandono de la industria fue una decisión mía. Las películas que se hacían ya no me interesaban. Pienso que las películas asignadas al destape aparecen después de La trastienda; un cine donde todo valía cara al desnudo de la mujer, aprovechando ese momento de apertura política que vivía el país, y todo sin venir a cuento, por la cara. Y yo dije que no. Ese cine no me gustaba, y aunque había tenido algún desnudo en mis anteriores trabajos, nada tenía que ver con lo que se avecinaba. Cosas muy desagradables para las actrices, con directores muy buenos en algunas ocasiones, pero situaciones dantescas para nosotras. Y no quiero que nadie piense que soy una “estrecha”, pero aquello no lo exigía el guion. De ahí que encaminara mi trabajo de actriz hacia el teatro.

Una carrera también muy fructífera sobre las tablas escénicas…

Sí. Llegó el destape y no quería entrar. Aunque mucha gente asocie mi nombre a esas películas, aunque hice algún desnudo, sí, lo cierto es que en realidad no intervine en el llamado cine del destape. Supongo que quedó la etiqueta de La trastienda… Así que, cuando empezó ese tipo de cine, me negué. Entré en el teatro, ya que me ofrecieron trabajar en Las leandras. El cine en España en ese momento no me gustaba, y me marché a trabajar a México en alguna película. Al volver me centré en el teatro.

Incluso llegaste a producir algunas obras…

Correcto. Gracias al dinero que había ganado en el cine pude empezar a producir obras de teatro. Por ejemplo, un montaje de Doña mariquita de mi corazón, con sesenta actores sobre el escenario y un buen número de músicos en el foso. Fue una de las grandes comedias musicales, una zarzuela, con un éxito fulgurante en el Teatro Calderón. Y ahí empezó mi gran éxito en el mundo del teatro, digamos que me forré [risas].

Llegué incluso a producir Las leandras hasta en cuatro ocasiones, y siempre se llenaba. Un clásico como La dama boba de López de Vega, Usted puede ser un asesino, Mariquilla terremoto, El baile o Ventolera fueron otras obras que produje; trabajando, entre otros, con José Luis López Vázquez. Al final he tenido una carrera muy curtida, tanto en cine como en teatro. Me metí tan de lleno que cuando me llegaban ofertas para el cine decía siempre que no. Sí que he colaborado en estos últimos tiempos en una película en apoyo a las mujeres maltratadas y otra donde hacía un homenaje a los médicos rurales de los pueblos. Dos colaboraciones especiales, muy bonitas, de las que me siento muy orgullosa de haber participado. Al igual que ser miembro de honor de la Unesco.

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¿Tenías una vocación hacia el teatro? Ya que vas más allá de la interpretación, tal y como explicas…

Digamos que le tengo mucho respeto. Y yo, como mujer recta en mi vida y en mi trabajo, y comprometida con todo lo que hago, en el teatro descubrí una serie de cosas por las que tenía que luchar, como, por ejemplo, dar a Las leandras lo que se merecía y producir yo misma la obra. Y así continúe. Invertí mi dinero e hice teatro con los mejores. Creo que todo lo hacía por prestigio hacia el teatro, no por ganar dinero, que también lo ganaba. Si ibas a ver una obra de teatro donde yo estaba detrás veías una gran obra de teatro, con sus grandes decorados, una vestimenta cuidada hasta el mínimo detalle, muebles de la época en la que transcurría la obra de verdad… un gran desembolso, pero necesario para dar prestigio al teatro. Yo con mi sueldo como actriz tenía suficiente e invertía el dinero en mi obra.

A partir de la década de los noventa las series para la televisión han sido una constante en tu carrera. ¿No te han surgido nuevos papeles para el cine?

En la actualidad la situación dentro del mundo del cine no me gusta. Además, ya no se gana mucho dinero; se ofrece muy poco a los actores, nada que ver con mi época, que con una película podías ganar siete u ocho millones de pesetas. Ahora te dan dos duros y tienes que estar vigilando qué hacen contigo. En la televisión he trabajado en ¡Señoras y señores!, comedias musicales, y más recientemente en Cuéntame cómo pasó. Pero en la actualidad en la televisión pasa como en el cine: se paga muy poco y se aboga por contratar a actores desconocidos.

Así que sigo como decoradora y amante del arte y las antigüedades, en esa vía. Trabajo en interiores, en el descubrimiento de obras, pero no cierro la puerta a un buen director o guion… siempre y cuando me guste la propuesta, me apetezca y me motive. Me ha costado mucho estar donde estoy, así que antes de meterme en cualquier proyecto lo tengo que ver muy claro.

Donde yo estoy es perfecto, pero para atrás no voy. Estoy bien en mi casa con mis diseños y trabajo. Por eso digo que, en este momento, no aceptaría cualquier cosa.

                                           Diego L & José Luis Salvador Estébenez

[1] Pese a que ella no lo recuerde, lo cierto es que en la doble versión de El espanto surge de la tumba rodada para el mercado internacional María José aparece desnuda, precisamente, en la escena en la que un zombificado Luis Ciges degüella a su personaje.

Fotografías: Juan Mari Ripalda

Entrevista a Alan Hofmanis

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El fenómeno Wakaliwood aterrizó en la última edición de la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián con uno de sus últimos exponentes, Bad Black, película ganadora el pasado año del premio del público del Fantastic Fest de Austin (Texas). Lo hizo de la mano de Alan Hofmanis, un norteamericano que, tras ver el tráiler de una de estas películas, decidió viajar hasta Uganda, lugar de procedencia de este cine caracterizado por sus presupuestos ínfimos, acción alocada y carencia de cualquier tipo de prejuicios, para conocer de primera mano al responsable de semejante material, Isaac Nabwana. Prendado desde un primer momento por la forma de entender el cine que encontró en el país africano, Hofmanis se ha convertido desde entonces en una piedra angular del sistema de producción de Wakaliwood, participando en diferentes tareas tales como actor, productor o guionista, aunque quizás su labor más importante sea la de ejercer de embajador en Occidente de la factoría, tal y como demostró en su visita a Donosti.

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¿Qué te llevó a dejarlo todo y marcharte a Uganda?

En Estados Unidos trabajaba dentro del mundo de la producción cinematográfica, y había sido programador y director de un festival. Cuando eres director de un festival te planteas unas cuantas cosas al ver una película: ¿Qué están intentando contarnos? ¿Qué es lo que nos quieren decir? ¿Y qué tratan de hacer y cómo lo están haciendo? Por lo general, la mayoría de las películas suelen estar muy bien hechas, pero rara vez resultan interesantes. Así que el sueño, la esperanza de todo programador, es justo lo contrario: encontrar algo que sea genial, aunque no esté muy bien hecho. Y el cine de Wakaliwood lo es.

Cuando vi por primera vez el tráiler de Who Killed Captain Alex en el iphone de un amigo mientras estábamos en un bar me quedé maravillado. Era obvio que no tenían pasta. En Occidente, cuando no tienes dinero, lo que haces es rodar una historia de amor, o una película sobre una reunión familiar en una casa en medio del campo, pero no haces una película de guerra como habían hecho ellos, con ciento treinta tíos, kung fu y helicópteros. Pese a que eran solo treinta segundos, se veía que la película estaba rodada a una escala muy grande para los estándares occidentales, por lo que tenía que haber alguien detrás que estuviera al mando organizando. Así que, aunque la gente me decía que estaba loco, decidí ir a Uganda para descubrir quién se encontraba detrás de todo esto. Quería comprender cómo alguien podía haber rodado aquello. En aquel momento no sabía que iba a acabar trabajando allí, pero sí que pensé que comprando ese billete de avión me había comprado una entrada de cine más importante que si tuviera un abono para ver todas las películas del Festival de Cannes. Eso sí que lo tenía claro.

¿Cómo es el proceso de realización de una película de Wakaliwood?

En tres semanas o un mes realizamos las películas desde la nada hasta su volcado a DVD. Normalmente, tenemos cinco o seis películas en producción. Cuando una se está rodando, otra está en post-producción y otra se está preparando. El motivo de que trabajemos aquí son los mismos por lo que el capitán de un barco pirata necesita mantener a su tripulación entretenida: habría un motín y la gente se iría. Si trabajamos en el montaje de una película durante dos meses, los actores, si no tienen nada que hacer, se marcharán, ya que ellos quieren trabajar. La vida es así en Uganda. Es difícil conseguir dinero. Así que, aunque tú seas actor, si te ofrecen un buen trabajo bueno durante un mes lo aceptarás y te irás durante ese tiempo. Así que para conseguir que todo nuestro sistema siga en funcionamiento, tenemos que estar montando, al mismo tiempo que ensayamos una película, rodamos otra y escribimos un nuevo guion. Y todo ello además de buscar la distribución, fabricar el vestuario…

La idea es que la rueda siempre esté moviéndose. La pregunta es: ¿qué sucedería si Wakaliwood se centrara en realizar una película durante dos años? Si destinaran cincuenta mil dólares para hacer una película de acción, ¿qué coño pasaría? Yo vivo allí y no sé qué pasaría en estas circunstancias. Hay gente que prefiere que todo siga igual, pero mi idea, en un futuro cercano, en cosa de un año, es que se pudiera hacer algo así. Es como si a Spielberg cuando hizo su primer cortometraje con doce años en super 8 le hubieran dicho que se dedicara el resto de su vida a trabajar en super 8. Pues esto es igual. Wakaliwood ya tiene todo un catálogo de películas a sus espaldas, pero hay que animarlos y seguir alimentándolos para que dé un paso hacia adelante y evolucione. Pero es algo que en cualquier caso tendrán que decidirlo ellos mismos. Y por el momento esto parece ser que es lo que quieren.

¿Y por qué esta especialización en cine bélico de comandos?

En primer lugar, al público local los géneros que más les gustan son el cine de terror y de acción. Eso es lo que quieren y por eso es lo que hacemos. E Isaac está muy centrado en el público. Quiere tener esa conexión con la gente que va a ver sus películas, que es al fin y al cabo lo mismo que quieren conseguir directores como Steven Spielberg o James Cameron con su cine.

Pero, además, esas son las películas que le gustan a Isaac. Él es muy fan de Rambo, aunque no intenta imitarlo. No se trata de eso. No es como Tarantino. Y eso que a Isaac le llaman el Tarantino africano, a pesar de que él hasta hace muy poco no sabía ni quién era Tarantino. Pero al contrario de Tarantino, Isaac nunca copiaría ángulos de cámara, ni tomaría prestado ningún elemento de otro film. Por eso, cuando ves unas de sus películas, o uno de sus tráileres, te das cuenta de que, aunque ha visto ciertas películas, está intentando hacer algo diferente.

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Alain presentando el pase de “Bad Black” en el Teatro Principal durante la noche de Halloween de la Semana, en compañía de la presentadora Miriam Cabeza y un zombificado Josemi Beltrán, director del certamen.

En tu opinión, ¿a qué se debe el fenómeno a escala mundial que está cosechando el cine de Wakaliwood, siendo incluso premiado en festivales de renombre como el de Austin?

Realmente no es algo que haya surgido ahora mismo. La tecnología necesaria para hacer una película con prácticamente nada tiene unos diez años de antigüedad. La que es nueva es la tecnología que permite que esa película pueda llegar a todo el mundo. Ahora internet llega a todas partes. Pienso que en nuestro caso es una combinación de trabajo duro, suerte y estar en el momento justo en el lugar adecuado. Por supuesto, necesitamos trabajar los subtítulos y ciertos temas técnicos, pero lo cierto es que las películas funcionan.

En cualquier caso, he de decir que no somos los únicos. Es un fenómeno que se está produciendo a escala mundial y que no tiene ni siquiera nombre. Acabo de volver de un suburbio de la India donde llevan diez años haciendo películas de acción. Cogen, por ejemplo, Superman y hacen un remake. Pero lo hacen también para utilizarlo como ejemplo para la gente que vive en el suburbio; si el agua que tienen está contaminada, entonces el villano es alguien que contamina. También hay un tipo en Malasia, creo, que hablan de él como el hombre más feo del país. Sin embargo, rueda películas de amor junto a las mujeres más guapas de Malasia, y a la gente le encanta y él es toda una estrella. Hace poco también estuve invitado en Kazajistán y me contaron que hay un pueblo de Siberia donde llevan unos diez años haciendo películas de brujería que tienen un gran éxito entre el público local. Y en breve voy a ir a Afganistán en enero porque hay un tipo que está haciendo también allí algo parecido. ¡Es una locura!

Y todo esto está pasando a la vez en diferentes lugares del mundo. Así que pienso que la fase siguiente es que haya coproducciones entre estas cinematografías emergentes. Hacer una película rodada por un director de un suburbio indio en un gueto de Uganda que sea vendido a estudiantes de cualquier facultad occidental. Ese es el futuro.

¿Y cómo se toman todo este fenómeno en Uganda?

Los actores no tienen ni internet, por lo que no saben ni se enteran de lo que pasa. Así que por esa parte el impacto es nulo, ya que su vida va a seguir igual. En cambio, con Isaac no ocurre lo mismo. Puede que yo sea el norteamericano más pobre, pero en el pueblo la gente piensa que soy rico y, por tanto, que Isaac también lo es, ya que vivo en su casa, por lo que le piden dinero. La gente tiene ese tipo de ideas. Así que cuando vienen a visitarle los periodistas, le acaba por afectar a Isaac, ya que sus vecinos creen que es famoso y, por tanto, piensan que es millonario.

Por otra parte, Isaac es consciente de que comienza a tener cierta repercusión internacional. En cambio en Uganda a nivel cinematográfico es despreciado totalmente, lo que le descorazona. Si no me equivoco, actualmente hay tres festivales de cine en el país. Pues bien, ninguno de ellos le ha invitado alguna vez para mostrar sus películas, cuando, sin embargo, sí que han llegado a llevar a alguna gente que trabaja en diferentes apartados de producción con Isaac. Creo que las cosas tienen que cambiar y que llegará un momento en el que Isaac y su cine serán aceptados, pero puede que se necesiten diez o quince años para ello. Hará falta que vengan los que ahora son jóvenes y le reivindiquen. Hace falta tiempo para que se gane ese respeto, como le pasó a John Carpenter en los Estados Unidos, salvando las distancias.

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Alan junto a Daniel García, responsable del blog “Cine The Warrior”, durante la rueda de prensa de “Bad Black” en la Semana.

Y ya que hablamos del posible legado del cine de Isaac, ¿han surgido nuevos directores en su país que se hayan animado a seguir sus pasos?

Sí y no. Sí, pero desalientan muy pronto y tiran la toalla, porque ellos están convencidos, como te comentaba antes, de que Isaac se ha hecho rico. Entonces hacen una película o dos, pero lo dejan en cuanto ven que no hacen el dinero que esperaban, porque además es imposible hacer dinero con este tipo de películas. El cine de acción es uno de los géneros más difíciles de hacer porque no lo puedes falsificar. No es como, por ejemplo, la ciencia ficción, donde puedes decir que el protagonista viene del futuro y ya está. Pero para el cine que hace Isaac necesitas los comandos, necesitas efectos sonoros, los helicópteros digitales, kung fu… Todo eso necesitas saber hacerlo, tener la técnica que lo haga posible. Y la gente intenta hacer las cosas pero no les sale. Y eso que Isaac pasa mucho tiempo enseñándole a la gente que se lo pide lo que sabe, ya que a él le gustaría realmente crear una industria cinematográfica en su país con proyección internacional. A mí personalmente me encantaría que eso sucediera, sobre todo si se dedicaran a hacer cosas diferentes como, por ejemplo, películas de amor. Sin embargo, la mayoría prefiere rodar videos musicales, con los que al menos ganan algo de dinero.

En Occidente hay mucha gente que solo se acerca a este tipo de cine por lo involuntariamente gracioso que pueden resultar sus imágenes. ¿Qué le dirías a esta gente?

Nada. ¡Es genial que conozcan el cine de Isaac! Mi lucha ha sido introducirle en las conversaciones sobre cine, simplemente. Bad Black es la trigésimo quinta película que hace, pero no mucha gente le conoce. Y cuando yo vi el tráiler de Who Killed Captain Alex nadie sabía si eso realmente era parte de una película o de dónde demonios había salido. Así que, con que la gente conozca su nombre y sepa quién es, me doy por satisfecho. Alguien podrá decir que sabe quién es Isaac pero que no le gustan sus películas. De acuerdo, es su opinión, pero al menos le conoce.

Yo tengo confianza y pienso que hay un motivo por el que hemos llegado hasta aquí, y nos invitan a ir a París, Austin, Kazajistán, India, San Sebastián o Sudamérica; no es porque sus efectos especiales sean un poco tontos, sino porque le gente ve que hay mucho más detrás. Pero eso lleva su tiempo. Aparte, en todos estos años he aprendido que es la gente la que tiene que venir a nosotros. Si yo empiezo a hablar de Wakaliwood puede que los que me escuchen se hagan una idea equivocada. Pero si ven una película de Isaac con sus propios ojos, puede que cambien de idea, o cuanto menos que puedan hablar de nosotros con conocimiento de causa. Así que ahora mismo se trata de que nos conozcan, conozcan nuestro cine y que Isaac sea considerado un artista a escala mundial.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías: Juan Mari Ripalda

Entrevista a Yoshihiro Nishimura, director de “Meatball Machine Kodoku/Kodoku: Mitoboru Mashin”

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Un año después de ser uno de los grandes protagonistas de la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, el cine japonés volvió a contar con una presencia destacada dentro de la programación de la vigésimo octava edición del certamen donostiarra como, por otra parte, viene siendo habitual. Cuatro fueron las cintas procedentes del país del Sol Naciente que formaron parte de la Sección Oficial de entre un total de veinte títulos seleccionados; esto es, el veinte por ciento de los films a concurso. El cuarteto de exponentes escogidos serviría además para ilustrar la variedad de vertientes que disfruta la filmografía fantástica japonesa en la actualidad. Así, habría desde cintas de animación, caso de la coproducción con Francia Mutafakaz, hasta trabajos de corte autoral, representados por Before We Vanish/Sanpo Suru Shinryakusha de Kiyoshi Kurosawa, pasando por una de las más recientes películas del prolífico e inclasificable Takashi Miike, Jojo’s Bizarre Adventure: Diamond is Unbreakable, adaptación del popular manga de Hirohiko Araki.

Este preminencia de propuestas niponas llevaría incluso a que la organización dedicara una noche japonesa en la jornada del jueves en colaboración con las entidades EU-Japan Fest y la Japan Foundation de Madrid, consistente en una sesión doble formada por la mencionada Jojo’s Bizarre Adventure: Diamond is Unbreakable y Meatball Machine Kodoku/Kodoku: Mitoboru Mashin. La nueva entrega de la franquicia originada por Meatball Machine estaría acompañada en su visita a la capital guipuzcoana de su director, Yoshihiro Nishimura, responsable dentro de su faceta de director de algunos de los títulos más celebrados por parte de los aficionados al cine más bizarro de los últimos tiempos, como pueden ser Tokyo Gore Police, Vampire Girl vs. Frankenstein Girl o Helldriver, algunos de ellos vistos en su momento dentro de este mismo marco. En paralelo, Nishimura pasa por ser uno de los más reputados técnicos de efectos especiales del cine japonés actual, como lo atestigua su trabajo en la reciente Shin Godzilla, así como en Suicide Club o RoboGeisha, entre otras.

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En el 2005 interviniste como supervisor de los efectos especiales de Meatball Machine y en el 2007 dirigiste el corto Meatball Machine: Reject of Death. ¿Qué te ha llevado a volver a la franquicia una década después con Meatball Machine Kodoku?

Como dices, en la película de 2005 dirigida por Yûdai Yamaguchi y Jun’ichi Yamamoto fui el director de los efectos especiales y maquillajes. En aquella ocasión quisimos rodar la película en diez días, cosa que no pudimos. Esto nos obligó a estar medio año más de trabajo voluntario. Entonces, ¿por qué he decidido volver a este mundo diez años más tarde, sobre todo cuando esta vez el presupuesto no era muy diferente con el que contábamos en la anterior película? Digamos que era una especie de desafío. Mi pensamiento era rodar la película en doce días y lo he conseguido. En este sentido puede decirse que he tenido una voluntad muy fuerte por hacer esta obra en la que, como anécdota, te diré que he utilizado cuatro toneladas de sangre.

Otra razón para querer hacer esta película ha sido por el tema laboral. Antes de ella había trabajado como productor especial en Shin Godzilla. Creé el modelo de la criatura y me metí dentro de ella como un mes para darle vida. Pero aunque Shin Godzilla es una producción japonesa de gran presupuesto, invertí demasiado en ella, hasta el punto de que mi empresa quedó en números rojos a raíz de ello. Entonces pensé, ¿cómo hacer para resarcir de este déficit a mi empresa? Y recuperar esas pérdidas fue otro de los motivos por los que decidí hacer Meatball Machine Kodoku.

¿Cuál es la relación de Meatball Machine Kodoku con las anteriores entregas de la franquicia?

Solo he mantenido la estructura; el resto lo he cambiado a mi estilo. El diseño de los personajes, de los monstruos, los he cambiado de arriba abajo con respecto a las previas siguiendo esta máxima. Por ejemplo, en las películas anteriores, aunque a mí me gustaban los monstruos, no quedaba claro por qué había ocurrido esa metamorfosis. Así que en mi película me he preocupado en mostrar por qué se produce ese cambio, añadiendo más detalles explicativos.

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Yoshihiro Nishimura junto a Josemi Beltrán, director de la Semana, durante la rueda de prensa de la película en el certamen donostiarra.

Uno de los platos fuertes de la película es, sin duda, las escenas de efectos especiales. ¿Cómo trabajaste el guion? ¿Primero escribiste el guion tal cual y sobre eso fuiste añadiendo las escenas de efectos, o primero se te ocurrían las escenas y luego ibas hilando el libreto?

Por regla general en mis películas lo primero que hago es pedirle a un guionista, que en el caso de Meatball Machine Kodoku fue Sakichi Satô, que escriba el guion. Una vez hecho esto, divido el guion en escenas que después dibujo como un story-board, cambiando aquellas cosas que veo que se pueden mejorar o llevarlas a mi terreno. Visualizada la película, vuelvo a reescribir el guion y lo traslado junto con los dibujos que he hecho al guion definitivo.

Siendo las tuyas habitualmente producciones de bajo presupuesto, ¿encuentras muchas diferencias con las películas de mayor nivel productivo en las que intervienes como técnico de efectos?

Es un poco difícil de contestar, ya que es algo en lo que aprovecho mi larga experiencia. Por ejemplo, cuando trabajo como artista de efectos especiales en obras de otros directores, compro el material que necesito para que el efecto determinado que me han pedido quede bien, sin pararme a mirar en cuál es su precio. Sin embargo, en mis películas primero pienso en cómo puedo reducir el costo del efecto, ya sea empleando ángulos diferentes o mostrándolo de una forma distinta a como inicialmente lo tenía previsto. En resumidas cuentas, tengo que bajar la calidad del efecto de forma minuciosa para que pueda cuadrar con el presupuesto del que dispongo, procurando al mismo tiempo que no se resienta el acabado del efecto.

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Dentro del reparto de Meatball Machine Kodoku destaca el papel de villano que realiza Yôji Tanaka, un actor al que estamos acostumbrados a ver desempeñando personajes secundarios, pero que aquí encarna uno de los roles protagonistas…

A Yôji Tanaka le conozco desde al menos hace veinte años y somos amigos. Dado que en esta película había una historia de amor entre una chica joven y un hombre maduro, instantáneamente pensé en él para que encarnara a este último personaje. Como dices, habitualmente suele hacer pequeños papeles. Tanto es así que esta ha sido su primera película con un personaje protagonista, por lo que está muy contento con la experiencia, lo mismo que he quedado yo con su trabajo. Yôji Tanaka y yo tenemos más o menos la misma edad; si no me equivoco, él es dos años mayor que yo. Y esta cercanía de edad, junto a nuestra amistad, nos ha ayudado mucho a la hora de crear su personaje.

No obstante, esta elección rompe con el protagonismo femenino que ha sido prácticamente norma en tus anteriores trabajos como director. ¿Por qué esta fijación con que sean mujeres las que protagonicen tus películas?

Mi forma de pensar, mi opinión personal, es que las mujeres son fuertes. Entonces, dado que los personajes protagonistas de mis películas tienen que ser personas fuertes, en consecuencia tienen que ser de sexo femenino. Y aunque en Meatball Machine Kodoku parezca en principio que esto no se cumple, lo cierto es que a mitad del metraje también aparece un personaje femenino fuerte.

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Yoshihiro Nishimura sobre las tablas del Teatro Principal donostiarra presentando la proyección de “Meatball Machine Kodoku”.

Siguiendo con los rasgos de tu cine, todas tus películas mezclan ciencia ficción y splatter. ¿Se debe a un gusto personal por estos estilos?

Desde hace treinta años he trabajado en las películas de Sion Sono, y aunque este trabajo es muy importante para mí, yo quiero hacer los efectos de otros géneros diferentes a los que suele tratar Sono en sus películas. Es por eso que cuando tengo la oportunidad de dirigir me inclino por estos géneros que, de lo contrario, rara vez tendría la oportunidad de incursionar siendo artista de efectos especiales para otros directores.

Otro elemento característico de tu obra como director es la cantidad de sangre y momentos gore que contienen sus imágenes. ¿Tienes algún tipo de censura en este sentido por parte de los productores o te dan toda la libertad del mundo para que ruedes tus películas como quieras?

Lo hago sin decir nada al productor. Aunque si le dijera algo tampoco sabría muy bien lo que voy a hacer, por lo que tampoco merece la pena comentárselo. (Risas)

En tu trabajo como técnico de efectos especiales has simultaneado grandes producciones como puede ser la mencionada Shin Godzilla, con otras más modestas, del estilo de las que tú mismo diriges. ¿Qué criterios sigues para elegir los proyectos en los que participas?

Trabajo mucho como artista de efectos especiales, porque de lo contrario no podría ganarme la vida con este oficio. Lógicamente, esto hace que trabaje para muchas empresas, tanto grandes como pequeñas y medianas. Pero más allá de eso, no hago ningún tipo de distinción entre unas y otras. Sea una producción grande o una pequeña, yo me implico al cien por cien de mi capacidad. Siempre manteniéndome dentro de los diferentes presupuestos que dedican a mi apartado unos y otros, claro. Esa es la mayor diferencia que puede haber. Pero en cualquier caso yo pongo siempre el mismo trabajo, el mismo empeño y la misma entrega.

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Dentro de tu faceta de técnico de efectos especiales has rodado regularmente con directores tan variopintos como el referido Sion Sono o Noboru Iguchi. Más allá de las diferencias existentes entre el cine de unos y otros, ¿puede decirse que sois un grupo de amigos que os gusta trabajar juntos?

Sí. Por ejemplo, si tengo una oferta para participar en una película de Sion Sono nunca voy a decir que no, entre otras cosas porque Sono es el amigo más viejo que tengo. Iguchi también es mi amigo, pero como él es bastante más joven que yo, existe una cierta distancia, aunque si él me pide que trabaje en una de sus películas yo lo hago. No obstante, en la película que está haciendo ahora Noboru Iguchi, Gôsuto sukuwaddo, los efectos los ha hecho el que considero mi sucesor.

En la rueda de prensa has comentado que estás intentando ayudar a jóvenes cineastas. ¿Cuáles consideras que son los nombres de esta nueva hornada de directores japoneses a los que hay que estar atentos?

Entre los directores jóvenes, el que más destaca bajo mi punto de vista es Yûki Kobayashi. Precisamente acaba de estrenar en Japón su nueva película, Zen’in shikei, que va a ser distribuida internacionalmente con el título de Death Row Family, y en la que he participado como productor, además de desempeñar otras labores. Hasta ahora, Yûki Kobayashi venía trabajando en el mundo de las películas no comerciales, pero con este film ha dado el salto al cine comercial.

La película está basada en un hecho real ocurrido hace unos años en la ciudad de Omutu, en la prefectura de Fukuoka, en Kyūshū, la isla sur de Japón; cuatro miembros de una familia mataron a cuatro de otra familia. Los asesinos fueron sentenciados a pena de muerte, aunque a día de hoy aún no han sido ejecutados. Partiendo de este sangriento episodio se escribió una novela que ahora ha servido de base para el guion de la película.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías: Juan Mari Ripalda

Crónica de la XXVIII Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián

No lo tenía fácil la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián 2017 tras el listón tan alto dejado por la edición del año pasado, sin duda una de las mejores en la historia reciente del certamen donostiarra. Por si fuera poco, terminados los fastos de la capitalidad cultural europea, la Semana tenía que volver a enfrentarse a un presupuesto de lo más ajustado que, entre otras cosas, se llevaba por delante la publicación del tradicional volumen monográfico, recuperado para la causa el año pasado tras largo tiempo de ausencia. A todas estas dificultades se le sumaba, además, el hándicap de una programación que, al menos sobre el papel, se presentaba huérfana de títulos mediáticos o avalados por nombres propios del género, si bien en su descargo hay que señalar que contaba con varios de los títulos premiados en el cercano Festival de Sitges.

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Paul Urkijo, director de “Errementari”, presentando su película al público de la Semana.

Sin embargo, a pesar de este cúmulo de condicionantes en principio nada halagüeños, lo cierto es que el equipo dirigido por Josemi Beltrán ha conseguido solventar la papeleta y brindar una Semana que ha logrado brillar a gran altura, dentro de las circunstancias. La aludida ausencia de títulos de relumbrón, más allá del tanto que suponía el estreno español de la octava entrega de la saga Saw, fue compensada por una selección de films de lo más heterogénea en su forma de acercarse y entender el hecho fantástico, y que arrojaría un nivel bastante alto. Buena muestra de ello lo tenemos en Errementari, la película encargada de protagonizar la gala inaugural, el sábado 28 de diciembre. En el que suponía su estreno ante sus paisanos, la ópera prima del cineasta alavés Paul Urkijo se alzaría con el máximo galardón del certamen gracias a los votos del público. Qué duda cabe que en tal consideración pesaría el que su versión original sea en euskera -en una variante alavesa procedente del siglo XIX en el que se ambienta la historia, para ser más exactos- y el basarse en una leyenda autóctona. Pero no menos cierto es que la cinta se encuentra plagada de hallazgos, en especial por su tono clásico, su sentido de la atmósfera, su gusto estético, su inventiva visual y un sentido del humor bien engrasado que lo convierten, de facto, en uno de los debuts más prometedores del cine fantástico español reciente y, al mismo tiempo, uno de los títulos de la temporada dentro del género en nuestro país.

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Panel con las puntuaciones de los films y cortometrajes a concurso de esta edición.

No obstante, quizás el film más notable de cuantos desfilaron por la pantalla del Teatro Principal a lo largo de esta Semana fue Jupiter’s Moon, la cual llegaba a la capital guipuzcoana tras haber logrado el premio a la mejor película en la Sección Oficial de Sitges. Tras darse a conocer internacionalmente con su anterior White Dog (Dios blanco), el húngaro Kornél Mundruczó regresa con otra fábula social de contornos fantásticos que pone el dedo en la llaga sobre la impasibilidad de la Vieja Europa ante el drama de los refugiados sirios. A la valentía de su discurso en un tema tan controvertido y candente, máxime teniendo en cuenta la dura posición de su país con el tema, hay que añadirle el virtuosismo de una puesta en escena caracterizada por una cámara inquieta que tiene su mejor ejemplo en la persecución automovilística que tiene lugar en los últimos minutos, y que consigue un efecto igual de espectacular, si no más, que el de cualquier escena de este tipo vista en una superproducción estadounidense, pero sin caer ni un ápice en su vacua aparatosidad.

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Imagen de la exposición “Ink of Dracula – A Comic Tribute” en la sala de activididades de la Biblioteca Central.

Menos positivo fue en cambio el sabor de boca dejado por otra película que venía precedida por los premios obtenidos en su paso por Sitges. Fue el caso de la cinta francesa Revenge. Con un claro regusto retro, haciendo honor a su título se trata de una rape & revenge en toda regla que, si bien justifica el doble galardón a la mejor dirección y dirección novel obtenido en el certamen catalán por su directora, Coralie Fargeat, merced a una estilizada y esteticista puesta en escena a caballo entre el cine italiano de los años setenta y un anuncio de colonas, se ve en cambio lastrada por su tendencia a hacer inverosímil todo lo narrado.

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Un año más la actriz Miriam Cabeza y Josemi Beltrán, director de la Semana, ejercieron de maestros de ceremonias en las presentaciones previas a las proyecciones del Teatro Principal.

Un peldaño por debajo de Errementari y Jupiter’s Moon se situaría un nutrido grupo de films que pondrían de relieve el buen nivel arrojado por la selección de films proyectados. Entre ellos, podemos mencionar a Dave Made a Maze, acreedor del tercer puesto en el cómputo global de los votos del público. Partiendo de una premisa mínima, de lo más absurda y surrealista por si no fuera bastante, el debutante Bill Watterson construye una de las propuestas más marcianas, bizarras, originales e imaginativas de la temporada, llamada a convertirse en un título de culto instantáneo y, si no, al tiempo. También es digna de destacar Mom and Dad, película protagonizada por Nicolas Cage y Selma Blair que da una inteligente vuelta al cine sobre infectados, para articular una negrísima comedia que reflexiona sobre las relaciones paternofiliales y el proceso de forzosa maduración que conlleva la paternidad. Lástima que la inclusión de diferentes flashbacks que solo sirven para subrayar de forma molesta la verdadera naturaleza de su discurso, como si este no estuviera suficientemente claro, acaben por torpedear la progresión de la cinta, provocando que esta no resulte tan alocada como promete.

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Nic Wassell, director del cortometraje inspirado en H.P. Lovecraft “The Distant Sea” y Josemi Beltrán. “The Distant Sea” se alzaría con el premio del jurado al mejor cortometraje.

El tema de las relaciones familiares enunciado por Mom and Dad, presente también en Errementari, se erigiría en el principal leitmotiv temático de los films a concurso de esta Semana. Sin ir más lejos, lo localizaríamos a distintos niveles en al menos otras tres películas. Precisamente, en la australiana Hounds of Love este elemento sirve para dar una vuelta de tuerca a lo que en principio se antoja una nueva historia sobre la enfermiza relación amorosa de una pareja de asesinos que se dedica a secuestrar y asesinar jovencitas, en la línea de The Honeymoon Killers. El buen nivel del conjunto se ve beneficiado por las esforzadas composiciones de su elenco interpretativo, en especial por parte de sus dos protagonistas femeninas, y un cuidado estético que tiene su mejor ejemplo en el simbolismo que adquiere la utilización de los tonos ocres dentro de su fotografía. Por su parte, House of the Disappeared, el remake surcoreano de La casa del fin de los tiempos, malgasta los hallazgos de guion del film venezolano que toma como base para componer un soporífero melodrama lacrimógeno, muy al gusto del público de su país.

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Presentación de la proyección de “Matar a Dios” con su equipo.

La triada de títulos referidos se completaría con Matar a Dios, el debut en el formato largo de Caye Casas y Albert Pintó, cuyo cortometraje RIP se llevaría el premio del Público en el concurso de cortos españoles y el concedido por Syfy al mejor corto español. Centrándonos en su ópera prima, durante su primera parte Matar a Dios resulta una fiel heredera de la comedia negra española de los Ferreri, Azcona y Berlanga, tanto por la acidez de su humor como por su aprovechamiento de un reparto compuesto por habituales secundarios, encabezado por dos actores habitualmente tan desaprovechados como Eduardo Antuña y Emilio Gavira. Sin embargo, el buen tono bajo el que hasta entonces transcurre el relato se resiente una vez superado el ecuador y se impone el componente dramático y reflexivo que persigue la película. Y ya que hablamos de films españoles, no podemos por menos que mencionar el otro representante patrio dentro de la sección competitiva, Black Hollow Cage. Curiosamente, y al igual que los dos restantes, se trataría del trabajo de un director novel, en este caso Sadrac González-Perellón, quien para su debut se descuelga con un thriller de ciencia ficción que, tanto argumental como estéticamente, remite a la británica Ex Machina y a la española Los cronocrímenes, destacando por su atractivo diseño de producción y aspecto visual.

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Sadrac González-Perellón posando junto al cartel de su película en la rueda de prensa.

Frente a la mayoría de los films referidos hasta el momento, cuya vinculación con el fantástico resulta más o menos tangencial, o, mejor dicho, nada formularios, los exponentes realizados desde planteamientos más puramente genéricos ofrecerían un resultado menos positivo. Con la excepción de Housewife, la nueva locura de Can Evrenol, en la que el director turco explicita aún más su deuda con el cine de terror italiano de los años ochenta que ya desplegara en su anterior Baskin, y más concretamente con la obra en el periodo de Lucio Fulci, del que hereda su dinamitado de las convenciones narrativas, el resto de títulos sorprendería por la pobreza de sus resultados. Quizás la mayor decepción vendría por parte de The Crucifixion, dada la identidad de su director, el francés Xavier Gens, y su relativo aparato productivo, pero a la que partir de hechos reales no la libra de caer en todos los tics de manual del thriller terrorífico actual más mainstream. Al menos, cabe agradecer su intento por escapar de los lugares comunes del cine sobre exorcismos, que aunque brinda un par de escenas bastante potentes, a la hora de la verdad se quede solo en eso; en intentos. Algo parecido puede decirse de Downrange, en la que el japonés Ryuhei Kitamura plantea un aburrido ejercicio de estilo sustentado sobre una situación única solamente animado por la aparición de puntuales ramalazos gore. En cuanto a Rescate en Osiris, mejor correr un tupido velo sobre el contenido de esta cinta de ciencia ficción australiana de verborreicos diálogos y escasa sustancia.

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Alan Hofmanis posa con el cartel original de “Bad Black” confeccionado a mano sobre piel de cerdo.

Al margen de la Sección Oficial, la Semana también programó fuera de concurso dos proyecciones pensadas para alimentar el particular ambiente festivo y gamberro que caracteriza al público que, año tras año, llena la platea del Teatro Principal donostiarra, sede principal del certamen. Procedente de Uganda, la Semana acogía la noche de Halloween el desembarco en San Sebastián del fenómeno Wakaliwood con el pase de una de sus últimas muestras, Bad Black, ganadora el pasado año del premio del público del Fantastic Fest de Austin de Texas. Lo hizo de la mano del que viene siendo el embajador de este tipo de cine de presupuestos ínfimos, acción máxima y libre de prejuicios, Alan Hofmanis, quien llegó acompañado de una selección de tráileres de otras películas de la factoría. Para completar aún más la psicotrónica experiencia, en los prolegómenos al pase se rodaría una secuencia con el público de la Semana de cara a incluirla en una de las próximas producciones de Wakaliwood, Ebola Hunter, repitiendo lo que ya hiciera Hofmanis en su visita a la CutreCon madrileña hace ahora más de año y medio. Todo ello hizo de esta sesión uno de los puntos culminantes de este año y una de las más especiales para los asistentes, a decir de los comentarios que pudieron oírse tras el pase.

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María José Cantudo y el fotógrafo Pedro Usabiego durante la rueda de prensa de presentación de la exposición fotográfica “Mil gritos en la noche”.

El éxito no volvería a repetirse sin embargo con Los resucitados, el film maldito de Arturo de Bobadilla recuperado más de dos décadas después de su rodaje, cuya proyección el último día del festival no suscitó la reacción que en un principio cabría esperar del siempre ruidoso público de la Semana, habida cuenta de su contenido. Protagonizado por varios nombres propios del estilo, como Paul Naschy o Antonio Mayans, la presencia en el programa oficial de Los resucitados se situaría dentro del protagonismo que esta edición de la Semana otorgó a nuestro querido fantaterror español. Algo, de algún modo, evidenciado desde el mismo cartel oficial de este año, protagonizado por una María José Cantudo que en su visita a San Sebastián recalcaría los buenos recuerdos que guarda de sus películas dentro del género, así como su disponibilidad a volver a trabajar en él. Así, dentro del marco de la Semana, el Centro Cultural Okendo acogería una interesante exposición comisariada por el fotógrafo Pedro Usabiaga que, bajo el título “Mil gritos en la noche”, reunió una serie de imágenes en blanco y negro, en su mayoría inéditas, de actores y actrices que en algún momento participaron en nuestro cine fantástico durante los años setenta.

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Foto de familia de los ganadores de esta edición de la Semana.

Del mismo, el cartel oficial de este año también pondría de relieve el protagonismo femenino dentro del género, el cual tendría su eco en el ciclo retrospectivo de esta edición que, como viene siendo costumbre, se desarrolló en paralelo a la programación oficial en el teatro Victoria Eugenia, sede reservada por el certamen a las proyecciones en versión original subtitulada al euskera. Organizado en colaboración con Zinemakumeak Gara! Muestra de Cine Dirigido por Mujeres de Bilbao, “El ataque de las mujeres cineastas”, que tal es su nombre, acercaría una selección de ocho títulos de temática fantástica dirigido por féminas, que irían desde exponentes ochenteros como Los viajeros de la noche o Cementerio de animales, hasta otros ejemplos más actuales, caso de las recientes Una chica vuelva a casa sola de noche o The Love Witch.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías: Juan Mari Ripalda

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Balance en datos de la XXVIII Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián

Tras la finalización el pasado sábado día 3 de noviembre de las proyecciones oficiales y de otros actos de la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián 2017, la organización he hecho públicos los datos de esta vigésimo octava edición.

En total, 21.625 espectadores han disfrutado del total de las actividades de la Semana hasta el pasado 5 de noviembre. El número de personas que ha asistido a las proyecciones cinematográficas ha sido de 10.887, mientras que 10.738 han participado en el resto de actividades.

En cuanto a la presencia del euskera en la programación de la Semana, en colaboración con el Servicio de Euskera del Ayuntamiento, se han proyectado, por un lado, dos sesiones infantiles y, por otro, en el Teatro Victoria Eugenia y en el Teatro Principal se han exhibido un total de doce películas y catorce cortometrajes. En total han sido 3.233 espectadores los que han disfrutado de la Semana en euskera. Además, por primera vez en la historia una película en euskera inauguraba el festival, y obtenía además el premio del público: Errementari.

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Varios de los premiados y miembros del Jurado de la Semana 2017 posando tras la entrega de galardones en el Teatro Principal.

Por último, cabe recordar que, aunque la Semana en lo que respecta a proyecciones ha terminado, cuatro de sus exposiciones permanecen aún abiertas:

Mil gritos en la noche. Actrices y actores del cine de terror español de los 70
C. C. Okendo (hasta el 9 de diciembre)

Euskadi Fantastikoa XIII: Ernest Sala – El guardián invisible
Biblioteca Central (hasta el 18 de noviembre)

Cabezones Hall of Fame (Enrique V. Vegas)
FNAC (hasta el 30 de noviembre)

Art Toys
Kutxa Kultur Plaza (Tabakalera) (hasta el 19 de noviembre)

Más información: http://www.sansebastianhorrorfestival.eus/2017/

Palmarés de la XXVIII Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián

Errementari ha sido la ganadora de la XXVIII Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián que concluía ayer tras siete días en los que el certamen guipuzcoano ha proyectado algunos de los títulos más destacados de la última hornada genérica. La ópera prima del cineasta alavés Paul Urkijo, encargada de inaugurar esta edición del certamen, se alzó con el premio otorgado por los votos del público con una elevada nota de 8,34. Tras ella se colocaría la cinta de animación franco-japonesa Mutafukaz y Dave Made a Maze, inclasificable film que partiendo de una premisa de lo más surreal consigue brindar una de las propuestas más originales que se ha visto en las pantallas de cine en los últimos años.

Junto con Errementari, la otra ganadora en el formato largo fue The Endless, la tercera película de los estadounidenses Aaron Morhead y Justin Benson, ganadora del Premio Blogos de Oro al Mejor Largometraje, que por segundo año consecutivo ha concedido un jurado formado por cincos miembros de la homónima asociación que da premio al galardón. El jurado basaría su fallo por la capacidad de Morhead y Benson por “lograr un producto de artesanía cinematográfica con una atmósfera muy particular gracias al total control creativo sobre la misma.”

Pasando al formato corto, dos han sido los grandes triunfadores de esta edición del certamen. Por un lado When Demons Die, producción alemana ganadora de los premios del Público y del Jurado Joven al Mejor Cortometraje. Por su parte, el español RIP, dirigido por Pintó & Caye, directores cuyo debut en el largometraje, Matar a Dios, ha formado también parte de la Sección Oficial de la Semana, se ha llevado el premio del Público en el concurso de cortometrajes españoles y el concedido por Syfy al mejor cortometraje español.

En cuanto a los premios del Jurado, que en esta ocasión ha estado compuesto por la youtuber Sara G, el guionista Diego San José y la DJ y actriz Vinila von Bismark, se han repartido entre The Distant, ganador del galardón al Mejor Cortometraje, mientras que el “Méliès de plata” al mejor cortometraje fantástico europeo ha sido para Clanker Man.

El resto del palmarés se completa con el Premio del Público al Mejor Cortometraje de Animación para Catherine, producción belga que se alzó como vencedora de un concurso que destacó por el bajo nivel de los trabajos a concurso, y fuera ya del audiovisual, el Premio del Público al Mejor Fanzine, patrocinado por la FNAC Donostia, y que ha premiado el trabajo de “La valla”.

Más información: http://www.donostiakultura.com/terror/2017/

Entrevista a Josemi Beltrán, sobre la XXVIII Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián

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Mañana sábado 28 de octubre y hasta el próximo viernes 3 de noviembre, el Teatro Principal de la capital guipuzcoana volverá a convertirse en la sede central de la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, que vivirá así su vigésimo octava edición. Un año más, durante una semana el certamen donostiarra aglutinará varias de las propuestas más interesantes de la última hornada de cine fantástico, junto a un completo calendario de actividades paralelas entre las que no faltarán ciclos retrospectivos, exposiciones y publicaciones.

Tal y como venimos haciendo en los últimos años, hemos vuelto a buscar el testimonio de Josemi Beltrán para comentar qué nos va a deparar esta nueva edición del certamen que él dirige.

Tras el listón tan alto dejado por la Semana del pasado año, en mi opinión una de las mejores de la historia, ¿cómo habéis afrontado desde la organización esta nueva edición del certamen?

Me alegro mucho de esa impresión vuestra. Teníamos claro que el año pasado era extraordinario, principalmente por la coincidencia y el “músculo” extraordinario que nos dio la celebración de la Capitalidad Cultural Europea, y que en 2017 volveríamos a un modelo similar a los anteriores. Lo hemos hecho, pero gracias, principalmente, al propio ayuntamiento y a otros colaboradores, sujetando más que dignamente en lo presupuestario, y en los contenidos estimulados por vernos capaces de hacer más también, de seguir experimentando…

En el éxito que tuvo la edición del año pasado tuvo que ver, y mucho, el convenio de patrocinio que alcanzasteis con la fundación nipona EU-Japan Fest. ¿Ha habido contactos para lograr un patrocinio semejante con alguna otra entidad de este tipo de cara a este 2017?

No solamente fue EU-Japan Fest, también la Japan Foundation de Madrid. Hay que decir que ambas entidades vuelven a colaborar con nosotros, tras la buena experiencia de 2016. Y gracias a ello contaremos con una noche temática japonesa, alguna película más y la visita de Yoshihiro Nishimura. Así que hicimos una buena “siembra” que permitirá en el futuro consolidar la presencia de Japón, espero, aunque no sea con unas dimensiones como las del pasado año.

El cartel de este año cuenta con el protagonismo de María José Cantudo. ¿De quién fue la idea y cómo se tomó ella la propuesta?

Junto al fotógrafo Pedro Usabiaga hablábamos de rendir un homenaje al fantaterror español, al cual él quería dedicar esa exposición “Mil gritos en la noche”. A la hora de elegir una figura de la época que pudiera ser representativa, no tuvimos dudas. Y la recepción de María José y de su manager fue estupenda, y han sido todo facilidades. Conocían el trabajo fotográfico de Pedro, los carteles que habíamos realizado en ediciones anteriores, y valoraron que quisiéramos hablar de esa parte de su carrera profesional.

El que María José Cantudo sea la imagen de esta edición se antoja también en sintonía con el ciclo retrospectivo de este año, “El ataque de las mujeres cineastas”, que como su nombre indica está dedicado a películas dirigidas por féminas. ¿Por qué os decantasteis por esta temática?

Es una cuestión que está en el aire en los últimos años, y no por casualidad, se han destacado algunas cineastas como Jennifer Kent, las hermanas Soska, Lucile Hadzihalilovic, Ana Lily Amirpour, Anna Biller… Otra cuestión es debatir si existe o no un punto de vista femenino diferente del terror… Yo creo que en el caso de más de una de ellas es evidente que sí hay intención autoral. Con el ciclo hemos querido rescatar algunas pelis en pantalla grande que no pasaron por nuestra Semana, y sumar también otras cintas más de los ochenta o noventa, donde también había realizadoras, aunque no fueran tan visibles (Mary Lambert, Kathryn Bigelow…).

Desgraciadamente, esta vez no habrá el tradicional libro monográfico, y ello a pesar de la recuperación de la colección de las publicaciones de la Semana el pasado año, tras varios años de ausencia…

Pues la cuestión de los libros sigue dependiendo de fondos “extraordinarios” o de colaboraciones especiales, y el año pasado los tuvimos gracias al evento japonés de capitalidad cultural. Este 2017 volvemos a la situación anterior, pero no dudéis que seguimos peleando por forjar alianzas y, cuando se pueda, volveremos a publicar. Sin olvidar que seguimos apostando por 2000 Maníacos y que este año editamos un estupendo número 50, con contenidos también muy potentes.

Siguiendo con el tema de las publicaciones, lo que sí proseguirá es vuestra apuesta por la “guerra de fanzines” que resucitasteis el año pasado. ¿Qué valoración haces de la respuesta que tuvo la iniciativa hace doce meses y cuál está siendo el nivel de participación para esta nueva edición?

La respuesta de este renacimiento en 2016 fue buena, cuatro grupos participantes, de los cuales se llevó el premio del público un equipo de chicas que además eran “novatas” totalmente en la Semana. Los contenidos eran bastante distintos e ingeniosos entre todos ellos. Para este 2017 de momento ya nos hemos superado con cinco grupos inscritos, si no aparece alguno más a última hora…

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Pasando a la Selección Oficial, lo cierto es que, al contrario de lo que venía ocurriendo en los últimos años, en esta ocasión parece que no os habéis decantado por títulos tan evidentes de la última cosecha genérica, sino que se percibe un intento por arriesgar y saliros un poco de la programación tipo que todos los festivales del género post-Sitges van a tener. ¿Me equivoco?

Hemos intentado una mezcla, como casi siempre; un equilibrio entre puro género y algo más abierto. Este año hemos tardado más tiempo en ver títulos “evidentes”, la cocina ha sido más lenta, pero finalmente, por ejemplo, tenemos casi todos los premios mayores de Sitges (seleccionados antes de que se conocieran). No pensamos en qué programan el resto de festivales, sino en nuestra propia identidad, en nuestro público…

Dentro de la selección efectuada, llama la atención la nutrida presencia de films españoles que, siguiendo con lo comentado, en su mayoría son de corte independiente, lejos pues de los Balaguerós, pieles frías y demás producciones punteras que cabría esperar en un principio…

Algunas de esas producciones “punteras” que mencionas se estrenan antes en la cartelera comercial, otras quizás no eran tan adecuadas para nuestro perfil de festival. Puntera es para nosotros Errementari, desde luego, la primera producción en euskera de fantasía y terror hecha con un alto nivel de profesionalidad, nivel estético e interpretativo. Y es un lujazo oportuno que sea nuestra inauguración, porque su director, Paul Urkijo, ya ha participado en años anteriores con sus cortometrajes en nuestros festivales. Completan el panorama estatal, Black Hollow Cage, ciencia ficción rodada en inglés en Cataluña con muy buen gusto visual, y la divertida comedia negra Matar a Dios, cuya estética es también muy fantástica.

No obstante, también se percibe la elección de títulos escogidos de forma premeditada para que den juego al siempre revoltoso público de la semana, como puede ser Los resucitados o, sobre todo, la ugandesa Bad Black, que a buen seguro marcará uno de los momentos álgidos de esta edición. ¿Qué me puedes contar de ellos?

Ambas participan fuera de concurso y ambas creo que tienen motivo para disfrutarse en nuestro Teatro Principal. Bad Black es un ejemplo de un cine disfrutón, popular, ese Wakaliwood que se hace en Uganda con homenajes a los géneros mainstream y que creemos merece ser conocido. Que el público la juzgue sabiendo en qué contexto se realice y que tengan acceso a esos “otros cines de género”.

En cuanto a Los resucitados es toda una odisea, que ya tuvo su avance de presentación en la Semana hace años, y era lógico presentar el resultado final. Una película realizada a lo largo de dos décadas, con presencias como Paul Naschy o Santiago Segura, y que sirve además de homenaje a ese fantaterror que es uno de nuestros leitmotivs del año.

Y de los títulos seleccionados, ¿cuáles son tus preferidos y cuáles los que consideras que van a funcionar mejor entre los espectadores?

Ya he destacado algunos, pero no me quiero olvidar de Hounds of Love, una película de psicópatas que tiene gran cine dentro, ni de The Endless, lo nuevo de Benson y Moorhead, que demuestran cada vez ser mejores realizadores. Housewife también es la nueva peli del director de Baskin, Can Evrenol, que vuelve a mundos muy lovecraftianos. El Kiyoshi Kurosawa, Before We Vanish, es una mirada muy inteligente y con humor al cine de extraterrestres. Y Mom and Dad, con Nicolas Cage, una comedia negrísima, y más incorrecta de lo que esperaba. Sin duda, esta última y la comercial Feliz día de tu muerte son de las más atractivas entre el público mayoritario, además de Errementari.

Como es habitual, varios de los films proyectados contarán con el respaldo sobre las tablas del Principal de algunos de sus responsables. ¿Qué personalidades van a visitar este año la Semana?

De momento contamos con gran parte del equipo de Errementari, encabezado por su director Paul Urkijo y los protagonistas Kandido Uranga y Uma Bracaglia. De Bad Black el productor y actor Alan Ssali Hofmanis, de Matar a Dios el codirector Caye Casas junto a los actores Itziar Castro y Emilio Gavira. También los directores Sadrac González-Perellón (Black Hollow Cage) y Arturo de Bobadilla (Los resucitados), así como el japonés Yoshihiro Nishimura. No quiero olvidarme de la protagonista de nuestro cartel, María José Cantudo, invitada muy especial, ni del estupendo jurado formado por Vinila Von Bismark, la youtuber Sara G y el guionista Diego San José. Puede haber más incorporaciones en el último momento, además de una gran presencia de cortometrajistas nacionales e internacionales.

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Pasando a las actividades paralelas previstas, un año más las exposiciones volverán a contar con un gran protagonismo. Ya hemos hablado de “Mil gritos en la noche”. ¿Qué nos puedes comentar del resto?

Cómic e ilustración son muy protagonistas. En “Ink of Drácula” integramos la visión de dieciséis autoras del vampiro más ilustre con la versión que Cels Piñol realizó en su “Fanhunter”. Dos de esas ilustradoras, Raquel Meyers y Ana Galvañ, visitarán el festival. Los paisajes fantásticos vascos de la adaptación de El guardián invisible vendrán de la mano del dibujante Ernest Sala, y también tendremos los populares “cabezones” paródicos de Enrique V. Vegas.

Por mi parte es todo. Si quieres añadir algo más…

Bueno, que cada uno encuentre su película o su momento especial, y que sea una nueva experiencia de esas que no se olvidan para todo fan del género, que además está en muy buen momento. Muchas gracias por vuestro apoyo.

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías: Juan Mari Ripalda

Presentada la programación completa de la XXVIII Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián

La organización de la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián dio a conocer en la mañana del pasado jueves la programación de su vigésimo octava edición, que tendrá lugar entre los próximos 28 de octubre y 3 de noviembre. Un año más, el certamen donostiarra aglutinará en su Selección Oficial algunos de los títulos más destacados de la temporada, tanto en formato largo como corto, así como diversas actividades paralelas, con especial predilección por las exposiciones.

De este modo, dentro de la Selección Oficial a concurso se ofrecerán un total de veinte films que tratarán con hacerse con el premio del público, entre los que no faltarán algunos de los títulos más esperados de la temporada. Es el caso de las recientes galardonadas en el Festival de Sitges Jupiter’s Moon (Jupiter holdja) o Revenge, así como los más recientes trabajos de algunos de los talentos emergentes del género, caso de Housewife, la nueva película del director turco Can Evrenol, que se diera a conocer hace ahora dos años con su ópera prima, Baskin.

Junto con estos films, tampoco faltará la presencia de viejos conocidos del certamen. Tras estar presentes en Donosti con sus dos trabajos previos, se podrá ver la tercera película de Aaron Moorhead y Justin Benson, The Endless, mientras que de Xavier Gens, quien sorprendiera hace unos años con Frontière[s], se ofrecerá The Crucifixion. Otro habitual de la Semana, Takashi Miike, competirá con JoJo’s Bizarre Adventure: Diamond is Unbreakable, formando parte de la, como siempre, nutrida presencia japonesa, que se completará con Before We Vanish, Meatball Machina Kodoku, y la cinta de animación coproducida con Francia Mutafukaz.

La representación española, por su parte, estará formada por Errementari (El herrero y el diablo), ópera prima del cineasta vasco Paul Urkijo producida por Álex de la Iglesia que será la encargada de inaugurar oficialmente esta edición, Black Hollow Cage, Matar a Dios y Los resucitados, esta última fuera de concurso.

El resto del listado xe títulos a concurso se completa con el film de zombis canadiense Les Affamés, Dave Made a Maze, Downrange, Felíz día de tu muerte (Happy Death Day), Hounds of Love, House of the Disappeared, Mom and Dad y Rescate en Osiris (The Osiris chile: Science Fiction Volume One, 2016). A los films enumerados hay que añadir la presencia fuera de concurso de Bad Black, film ugandés que promete ser una de las sensaciones de esta Semana, y Saw VIII, la nueva entrega de la popular franquicia que será la encargada de echar el cierre a esta edición protagonizando la gala de clausura.

Para los más pequeños de la casa la organización ha guardado dos films: Oker (Oddball, 2015) y Laban, mamu txikia (Lilla spöket Laban, 2006). Además, el certamen guardará su espacio a los clásicos del género, con la proyección de las spilberianas Encuentros en la tercera fase (Close Encounters of the Third Kind, 1977) y Poltergeist (Poltergeist, 1982), que servirá para homenajear a su recientemente fallecido director, Tobe Hooper. Todo ello, claro está, sin olvidaer el habitual ciclo retrospectivo que este año, organizado en colaboración con Zinemakumeak Gara! Muestra de Cine Dirigido por Mujeres de Bilbao y bajo el título “El ataque de las mujeres cineastas”, servirá para acercar a los espectadores diferentes obras de temática fantástica dirigida por féminas, a través de una selección de ocho títulos, entre los que figuran Los viajeros de la noche (Near Dark, 1987), Cementerio de animales (Pet Sematary, 1989) o las más recientes Una chica vuelve a casa sola de noche (A Girl Walks Home Alone at Night, 2014) y The Love Witch (2016), así como la selección de cortometrajes del colectivo The Final Girls titulado We Are the Weirdos.

Como es costumbre, los cortometrajes disfrutarán también de un peso específico dentro de la programación de la Semana a través de los diferentes concursos dedicados al formato. De este modo, en la Sección Internacional de Cortometrajes participarán trece trabajos que lucharán por tres premios: Premio del Público, Premio del Jurado Internacional (ambos dotado con 1.000 €) y Premio del Jurado Joven. Entre ellos, aquellos de procedencia europea optarán también al MÉLIÈS DE PLATA al Mejor Cortometraje Fantástico y de Terror Europeo. Para los nueve cortos animados seleccionados, la Semana reserva un concurso dotado con 1000 € para el ganador, que será otorgado por los votos del público, al igual que ocurre con el concurso de cortometrajes españoles, en el que competirán otros nueve trabajos. Estos nueve trabajos seleccionados optarán además al Premio Syfy al Mejor Cortometraje Español de 3.000 € que será elegido por un jurado especializado y designado por NBC Universal Global Networks España, SLU y la Semana de Terror.

Pasando a las actividades paralelas organizadas, son varias las exposiciones que acogerán diferentes sedes de la capital guipuzcoana. Así, desde el 28 de octubre al 9 de diciembre el C. C. Okendo expondra una muestra fotográfica de películas de terror españolas, con el nombre “Mil gritos en la noche – Actrices y actores del cine de terror español de los 70”; en la sala de actividades de la Biblioteca Municipal se podrá visitar la denominada “Ink of Drácula – A comic Tribute” ; la dedicada a Ernest Sala – El guardián invisible, dentro de las comiqueras jornadas de “Euskadi Fantastikoa”, estará visible del 28 de octubre al 18 de noviembre en la Biblioteca Central, para después pasar del 22 de noviembre al 12 de diciembre a la Casa de Cultura Carlos Blanco Aguinaga de Irún; mientras que “Cabezones Hall of Fame”, dedicada a la obra de Enrique V. Vegas, adornarán las paredes de la FNAC del 9 de octubre al 30 de noviembre.

Este es, a grandes rasgos, el programa de esta vigésimo octava edición de la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, aunque hay más. No obstante, y al igual que venimos haciendo en los últimos años, el próximo viernes os ofreceremos una entrevista en exclusiva con su director, Josemi Beltrán, en la que el encargado del área de cine de Donostia Kultura repasará con nosotros diferentes aspectos de lo que va a ser esta Semana 2017.

Más información y horarios en: http://www.sansebastianhorrorfestival.eus/2017/

Primer avance de títulos de la Semana de Terror de Donosti, que inaugurará “Errementari”

Ya se ha dado a conocer una primera remesa de títulos que conformarán parte de la Sección Oficial de la vigésimo octava Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, comenzando por el encargado de inaugurar esta edición. Se trata de Errementari (2017), ópera prima del cineasta vitoriano Paul Urkijo, que el sábado 28 de octubre inaugurará esta nueva edición de la Semana en el Teatro Principal donostiarra. Producida, entre otros, por Álex de la Iglesia y Carolina Bang, y protagonizada por Kandido Uranga, Uma Bracaglia, Eneko Sagardoy y Ramón Agirre, Errementari es un cuento gótico rodado en euskera que se inspira en el mítico personaje del folclore vasco Patxi Errementaria.

La historia se sitúa diez años después de la Primera Guerra Carlista en un pequeño pueblo de Álava. Allí, un comisario del gobierno llamado Alfredo investiga un suceso que le lleva hasta una siniestra herrería en lo profundo del bosque, donde vive Patxi, un peligroso y solitario herrero. Los aldeanos de la zona cuentan oscuras historias sobre él relacionadas con robos, asesinatos y pactos demoníacos, hasta que por casualidad una niña huérfana llamada Usue consigue colarse en la misteriosa herrería, destapando la terrible verdad que se esconde tras Patxi el Herrero.

Junto con Errementari, el resto de los títulos anunciados son:

Les Affamés (2017). Robin Aubert. Canadá

En una pequeña localidad quebequesa las cosas han cambiado. Algunos de sus habitantes, cada vez más, no son lo que solían ser. Sus cuerpos se están descomponiendo y manifiestan una gran atracción hacia la carne. Les llaman los affamés, los hambrientos. Unos pocos supervivientes tratan de escapar de ellos. Los zombis han llegado hasta Quebec en esta producción de look realista con escenas sangrientas, momentos de humor absurdo y antihéroes convertidos en última esperanza.

Bad Black (2016). Nabwana I.G.G. Uganda

Bienvenidos a Wakaliwood, donde se producen “da best of da best movies”. Desde hace unos años, a las afueras de Kampala, Uganda, un grupo de aficionados al cine y a las artes marciales, encabezados por Nabwana Isaac Godfrey Geoffrey, se dedica a rodar de forma artesanal, con presupuestos irrisorios, películas de acción, kung-fu, fantasía, mucho humor y ninguna vergüenza. En esta película, que obtuvo el pasado año el premio del público en el Fantastic Fest de Austin, Texas, un apocado médico es entrenado por un joven del gueto llamado Wesley Snipes para salvar a su familia.

Before We Vanish / Sanpo suru shinryakusha (2017). Kiyoshi Kurosawa. Japón

Después de estar unos días desaparecido, Shinji vuelve a casa completamente cambiado. Cuando se fue su relación con Narumi, su mujer, atravesaba una grave crisis; ahora Shinji es cariñoso y atento con ella y con todo el mundo con el que se encuentra en sus paseos. Al mismo tiempo una familia es brutalmente asesinada en la ciudad. Un periodista empieza a investigar. Sanpo suru shinryakusha es una fábula de ciencia ficción que se adentra en los entresijos del alma humana a cargo de uno de los directores más importantes del cine japonés de las dos últimas décadas, responsable de títulos como Viaje hacia la orilla (Journey to the Shore / Kishibe no tabi, 2014), Creepy (2016) o Le Secret de la chambre noire (2016).

Black Hollow Cage (2017). Sadrac González-Perellón. España

Alice, una niña de trece años, vive con su padre, Adam, en una enorme casa en medio del bosque, tras que en un accidente de tráfico la niña perdiera a su madre y parte de su brazo derecho. Alice está encerrada en sí misma. Odia a su padre, al que culpa del accidente, odia la rehabilitación y odia el nuevo brazo electrónico que tiene que llevar y apenas sabe manejar. La niña tiene un fuerte vínculo con Beatrice, un perro lobo hembra que habla a través de un dispositivo electrónico de traducción que lleva colgado al cuello, y a quien llama “mamá”.

The Crucifixion (2017). Xavier Gens. EEUU

Basada en hechos reales, The Crucifixion cuenta la historia de un sacerdote que es encarcelado en Rumanía por el asesinato de una monja a la que realizaba un exorcismo. La periodista Nicole Rawlins investiga si el asesinato fue a una persona mentalmente enferma o, por el contrario, las acusaciones son falsas y simplemente perdió la batalla contra una presencia demoníaca. Una presencia que ahora podría estar experimentando ella misma… Dirige el francés Xavier Gens, uno de los clásicos del género de la última década con títulos como Frontière(s) (2007), The Divide (2011) o este mismo año La piel fría.

The Endless (2017). Justin Benson, Aaron Moorhead. EEUU

Los hermanos Justin y Aaron se escaparon de niños de la secta donde habían sido criados. Años después reciben una cinta de video procedente de la que fue su “familia”. Tras muchas discusiones entre ellos, ya que llevan media vida intentando olvidar aquel lugar, deciden volver para averiguar qué está sucediendo. Una vez allí comienzan a sucederse diversos fenómenos inexplicables que les hacen replanteárselo todo de nuevo. Justin Benson y Aaron Moorhead vuelven a la Semana, donde se han proyectado sus anteriores largometrajes, Resolution (2012) y la magnífica Spring (2014).

Jupiter’s Moon / Jupiter holdja (2017). Kornél Mundruczó. Hungría-Alemania

Aryan es un refugiado sirio que junto a su padre y otros migrantes trata de cruzar la frontera húngara. Son disparados por la policía y Aryan recibe varios disparos. Pero las heridas no le matan, sino que sorprendentemente le otorgan el poder de levitar. Encerrado en un campo de refugiados, escapa con la ayuda del doctor Stern, que trata de aprovecharse en beneficio propio de los milagrosos nuevos poderes de Aryan. Thriller en el que lo sobrenatural se mezcla con una de las grandes tragedias contemporáneas dirigido por el responsable de la poderosa White God (2014).

Meatball Machine Kodoku / Kodoku: Mitoboru mashin (2017). Yoshihiro Nishimura. Japón

Unos sanguinarios extraterrestres que quieren conquistar el planeta invaden un barrio de Tokio, convirtiendo a sus habitantes en cyborgs asesinos que se lanzan a acabar con todo aquel que se ponga por delante. Un apocado cobrador de deudas a quien los poderes de los necroborgs no afectan debido a su enfermedad terminal se convierte en la última esperanza de la raza humana en este remake de un film del 2005 que dirige el maestro de los efectos especiales Yoshihiro Nishimura, que ha trabajado con los cineastas nipones más importantes del género, además de haber dirigido títulos como Tokyo Gore Police (2008) o Vampire Girl vs Frankenstein Girl (2009), ambos vistos en la Semana.

Rescate en Osiris (The Osiris Child: Science Fiction Volume One, 2016). Shane Abbess. Australia

Cuando una inminente crisis amenaza con acabar con la vida de todos los residentes en el planeta Osiris, el teniente Sommerville, que trabaja para Exor, la compañía que gestiona la colonia y que está a punto de acabar con ella, emprende una carrera contrarreloj para salvar a su hija, que está esos días de visita. Junto al presidiario recién fugado Lombrock y a otros socios que van recogiendo por el camino deberán enfrentarse a unas criaturas monstruosas para conseguir su objetivo: salvar a la niña. Producción australiana protagonizada por Kellan Lutz, Daniel MacPherson, Rachel Griffiths y Temuera Morrison.

Los resucitados (2017). Arturo de Bobadilla. España

Madrid, 1994. Comienza el rodaje del largometraje Los resucitados, de Arturo de Bobadilla, inspirado en leyendas de Gustavo Adolfo Bécquer, un proyecto plagado de misterios que cuenta con la participación, entre otros muchos, de Santiago Segura y Paul Naschy. La película se rueda en varios formatos y se edita en 1997. Algunas personas dicen que la vieron en un pase privado realizado en el marco de la Semana de Terror de aquel año. Poco después la primera copia desaparece y los materiales originales parecen inencontrables. Dos décadas después el material de rodaje aparece y se edita de nuevo partiendo del guion original.

Revenge (2017). Coralie Fargeat. Francia

Tres hombres ricos se reúnen para su juego de caza anual en mitad del desierto. Esta vez uno de ellos viene acompañado por su amante, que despierta rápidamente el interés de los otros dos. Las cosas se complican de una forma dramática para ella… Dada por muerta y abandonada en medio de la nada, la joven vuelve a la vida y el juego de caza se convierte en una venganza implacable. Ópera prima de la realizadora francesa Coralie Fargeat protagonizada por la actriz italiana Matilda Lutz.

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Por otra parte, el sábado 21 de octubre, a las 19:30, el Teatro Principal acogerá una nueva sesión de Bang! Bang! en colaboración con la Semana de Terror. Como aperitivo de la misma y como comienzo del curso para Bang! Bang!, se ha organizado una sesión de cine fantástico en la que se proyectarán Bitelchús (Beetlejuice, 1988), de Tim Burton, y La cosa (El enigma de otro mundo) (The Thing, 1982), de John Carpenter.

Más información:

www.sansebastianhorrorfestival.eus

http://www.facebook.com/beldurrezko.astea

@horrorfestival

La Semana de Cine Fantástico y de Terror presenta su cartel oficial y un avance de contenidos

La actriz andaluza María José Cantudo es la protagonista del cartel de la 28ª Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, que tendrá lugar entre el 28 de octubre y el 3 de noviembre. En la mañana de ayer, la Sala Club del Teatro Victoria Eugenia de la capital guipuzcoana acogió su presentación, en un acto en el que también se dio un primer avance de algunas de los contenidos de esta edición.

Actriz de teatro, cine y televisión con más de cuarenta años de trayectoria profesional, María José Cantudo ha participado en gran cantidad de obras de teatro y series de televisión y en aldededor de treinta películas, entre las que se encuentran Autopsia (1973), La trastienda (1975), Las delicias de los verdes años (1976), Secuestro (1976) o El amor es un juego extraño (1983). Dentro del cine de terror, realizó una de sus primeras incursiones en el género con la emblemática El espanto surge de la tumba (Carlos Aured, 1973), donde coincidiría por primera vez con Paul Naschy. Posteriormente rodaría la comedia Las alegres vampiras de Vogel (Julio Pérez Tabernero, 1975), para dos años después encabezar junto a Naschy el reparto de uno de los títulos más importantes del cine de terror de la época, El huerto del Francés (1977), también escrita y dirigida por Naschy basándose en un caso real.

El cartel de este año, en el que María José Cantudo aparece como una vampira con dos víctimas masculinas yaciendo a su lado, se sitúa en consonancia con el fuerte acento femenino que va a tener la Semana en esta próxima edición, a decir de los contenidos ya anunciados. Así, el habitual ciclo retrospectivo se hará eco de la pujanza que en los últimos años vienen demostrando las mujeres directoras dentro del cine de terror y que será realizado en colaboración con Zinemakumeak Gara! Muestra de Cine Dirigido por Mujeres de Bilbao, que este año celebra su vigesimosegunda edición. Bajo el nombre “El ataque de las mujeres cineastas”, el ciclo pretende ofrecer una pequeña muestra del cine de terror dirigido por mujeres en las últimas décadas, proyectando algunos títulos recientes no proyectados en la Semana y rescatando del olvido películas emblemáticas del género como el pionero slasher The Slumber Party Massacre (1982), de Amy Jones, Los viajeros de la noche (1987), primer largometraje dirigido en solitario por Kathryn Bigelow, Cementerio viviente (1989), de Mary Lambert según la obra de Stephen King, o Buffy, la cazavampiros (1992), de Fran Rubel Kuzui, que dio origen a la posterior serie de culto.

Por otra parte, entre el 28 de octubre y el 9 de diciembre, el Centro Cultural Okendo acogerá la exposición “Mil gritos en la noche”, una muestra fotográfica comisariada por Pedro Usabiaga que se acerca a las actrices y actores que trabajaron en los años setenta en el cine de terror español. Enlazando con el cartel de este año, la muestra quiere rendir homenaje a un género en una época dorada del mismo a través de una colección de fotografías de rodaje, imágenes promocionales y retratos de la época y posteriores, realizados en los propios sets o en festivales como San Sebastián, presente en varias de las obras. Actrices como Ágata Lys, Soledad Miranda, Ewa Aulin, Inma de Santis, Maria Perschy o la propia María José Cantudo y actores como Chris Mitchum, Renaud Verlay o Espartaco Santoni son los protagonistas de esta exposición de fotografías, muchas de ellas inéditas, provenientes de diversos archivos y coleccionistas europeos.

Por último, desde hoy 15 de junio y hasta el próximo 15 de agosto se encontrará abierto el plazo de inscripción de películas para esta 28ª Semana de Cine Fantástico y de Terror, en la que el certamen continuará haciendo una apuesta especial por el formato del cortometraje, con los premios del jurado (dotado con 1.000 €) y del público (1.000 €) al mejor trabajo y con los galardones al mejor corto de animación (1.000 €) y al mejor corto español (1.000 €), también otorgados por la audiencia. El jurado entregará también el Méliès de Plata al mejor corto europeo y un jurado de jóvenes elegirá también su favorito. Además, por cuarto año consecutivo la cadena televisiva Syfy España otorgará un premio al mejor cortometraje español, en esta edición dotado de nuevo con 3.000 €.

Más información: http://www.sansebastianhorrorfestival.eus/2017/