“Los márgenes de La movida” este viernes en “Sala:B” de Filmoteca Española

Un día en el triángulo-1

Este viernes a las 20 horas arranca la tercera temporada de «Sala:B», el espacio comisariado por Álex Mendíbil dentro de la programación del Cine Doré consagrado a la recuperación de perlas raras de los sótanos de Filmoteca Española. Lo hace con una programa doble bautizado como “Los márgenes de la movida” compuesto por los largometrajes La pantalla diabólica (Joaquín Hidalgo, 1985) y Un día en el triángulo (Fernando de Bran, 1983), “dos películas que derrochan posmodernidad y artificio desde la periferia de la Movida madrileña”, en palabras de Mendíbil. El pase contará con la presencia de Joaquín Hidalgo y del actor José Lifante y supondrá una oportunidad única de visionar dos films que hoy en día es prácticamente imposible hacerlo, ya que, tras su estreno, desaparecieron casi por completo, no siendo distribuidas en video y raramente emitidas en televisión. En ambos casos, serán proyectadas en dos copias en 35mm pertenecientes a los Archivos de Filmoteca Española y que se encuentran en perfecto estado.

Un día en el triángulo-2

Sobre esta doble sesión, Mendíbil comenta: “cuando se habla del cine de la Movida madrileña, y se menciona a Almodóvar, Zulueta, Trueba o Colomo, cuesta encontrar un discurso común más allá de generalidades como la presunta transgresión, la contracultura y el desenfreno callejero. En cambio, existe una corriente continua en la televisión juvenil de la época: “Popgrama”, “La edad de oro”, “La bola de cristal”, muy ligada a la música, a las artes contemporáneas y a publicaciones como “Madriz”, “La Luna de Madrid”, “El Víbora”, “Cairo”, “Makoki”… Esta cohesión estética y conceptual, destacada por el uso del sampleado y el pastiche, la mezcla de géneros, o la reivindicación de lo popular, encaja mejor con los preceptos de la Posmodernidad de entonces que el cine de la Movida oficial, y desde luego, encaja como un guante con las películas que presentamos en esta sesión de «Sala:B». Cuesta encontrar un programa doble tan posmoderno, y tan insólito hasta para los cánones de «Sala:B»”.

La pantalla diabólica

En cuanto a los dos títulos programados, de La pantalla diabólica Mendíbil explica que “cuenta la pesadilla febril de un cinéfilo fanático y paranoico, como los que pululan por cualquier Filmoteca que se precie. Es la película de un arrebatado por el cine y sus iconos como Joaquín Hidalgo, fundador en 1974 de la Escuela Tai con Pilar Ruiz, que ejerce como productora. Se trata de una ambiciosa y compleja distopía con varios niveles de realidad y de lectura, sin parangón en la cinematografía española, anticipando los universos neo-expresionistas de Jeunet-Caro o Alex Proyas. Cine dentro del cine, esperpento, fantasía bordeando el musical, por incluir la película incluye hasta una secuencia de cómic que parece sacada de un tebeo underground ochentero. Si a eso unimos la aparición de actores tan carismáticos como José Lifante, Blaki, Eva Lyberten, Pilar Alcón o el misterioso Elmer Modlin, tenemos la definición exacta de película de culto”.

Un día en el triángulo

“Un día en el triángulo no alberga menos maravillas”, refiere Mendíbil con respecto a la otra integrante de la sesión doble preparada. Según su testimonio, se trata de “una parodia de la Movida desde los márgenes de la Movida, que supo ver en aquel preciso momento que la dialéctica moderna entre punkis y rockers no estaba modificando sustancialmente la naturaleza sainetera y zarzuelera de la juventud española. La inspiración de Fernando de Bran no acaba ahí, puesto que cruza los subgéneros castizos con el videoclip, la comedia de los Marx y una dirección de arte que ni la Bruja Avería. Este cóctel explosivo mantiene con la paciencia del espectador varios duelos de resistencia, alargando gags hasta lo absurdo, con una osadía prácticamente experimental. ¿Qué otra película engarza con aliento poético frases como “demasiao pal body”, “nasti de plasti” o “no te enrrolles Charles Boyer”?

Published in: on septiembre 24, 2019 at 6:12 am  Dejar un comentario  

Necrológica de Eduardo Fajardo

Eduardo Fajardo.jpg

Durante los pasados 3 y 4 de julio se vivieron momentos aciagos para el cine de género español. Y es que con escasas horas de diferencia nos dejaban tres de sus nombres más emblemáticos, a diferentes niveles. A la mediatizada muerte de Arturo Fernández y la de José Luis Merino, de la que ya nos hacíamos eco por aquí el pasado viernes, se le unía la de Eduardo Fajardo, quien fallecía a los 94 años de edad la madrugada del jueves en México, donde residía a caballo con Almería. Con él se va uno de los actores más prolíficos de nuestra escena, como atestiguan un abultado curriculum formado por más de ciento ochenta películas, setenta y cinco obras de teatro y más de dos mil intervenciones televisiva. Fue también, además, presidente del sindicato de actores. Una extensa trayectoria en la que destaca su trabajo dentro de las coproducciones de género que emprendiera nuestra industria desde mediados de la década de los sesenta hasta comienzos de los ochenta, y de las que el actor se convertiría en uno de sus intérpretes más característicos, alcanzando una fama a nivel internacional entre los seguidores de este tipo de cine.

Eduardo Fajardo nació el 14 de agosto de 1924 en la localidad pontevedresa de Meis. No obstante, cuando apenas cuenta con ocho días de vida su familia se traslada a La Rioja, donde Eduardo pasará su juventud, primero en Gimileo y después en Haro. Tras el fallecimiento de su padre, su madre funda una fábrica de productos lácteos en Santander, donde el futuro actor cursa el Bachillerato. Y es en la capital cántabra donde contrae el veneno de la interpretación, por lo que decide marchar a Madrid con tan solo dieciocho años para hacer realidad sus sueños. Sus primeros pasos en la profesión los hace como actor de doblaje, actividad que compagina con sus estudios para la carrera de leyes que, aunque finaliza en 1945, nunca llega a ejercer. Poco a poco va haciéndose un hueco en la profesión y, así, a sus labores de doblador se le une su entrada en las tablas escénicas como actor dentro de la compañía de María Fernanda Ladrón de Guevara. Por cierto que, como curiosidad, Fajardo contaba que le dieran el carné profesional obligatorio para trabajar como actor en el teatro tuvo que mentir y poner que era más mayor, ya que en aquel momento no tenía la edad mínima necesaria.

Eduardo Fajardo-Luis Prendes

Luis Prendes y Eduardo Fajardo en un fotocromo promocional de “Balarrasa”

Sin abandonar estas dos labores, su entrada en el mundo del cine se produce en 1946 en la película Dulcinea, si bien su primer papel importante no llega hasta un año después con Héroes del 95, film basado en la figura de Eloy Gonzalo. Poco después, la entonces todopoderosa CIFESA le contrata en exclusiva por un periodo inicial de un año que acabarían por prorrogarse hasta cuatro. En este tiempo, Eduardo interviene incorporando roles secundarios en algunos de los mayores éxitos del cine español del final de la Posguerra, caso de Don Quijote de la Mancha (1947), Locura de amor (1948), Alba de América (1951) o La leona de Castilla (1951), sin olvidar su participación fuera del abrigo de la popular compañía en Balarrasa (1951). Por su fuera poco, en este tiempo funda también su propia compañía teatral, que mantendría durante dos años, y continua como actor de doblaje. Y es, precisamente, ejerciendo esta última faceta cuando se produce un hecho que le cambiaría la vida. Él lo recordaba así: “cuando me encontraba en los Estudios Chamartín doblando la película Othello, alguien preguntó por ese joven que estaba doblando la voz de Orson Welles. Le dijeron que era un tal Fajardo, que llevaba pocos años en el cine. Este señor quiso conocerme y me invitó a cenar. En aquella cena me ofreció un contrato para irme a Méjico. Estuvimos hablando varios meses y al final decidí irme para allí[1].

Eduardo Fajardo-Esposa

Eduardo Fajardo junto a la que fuera su esposa, la también actriz Carmelita González

Eduardo Fajardo llega a México en 1953 con la intención de rodar una película sobre Hernán Cortes que finalmente no acaba por materializarse en previsión de los posibles problemas que podían surgir entre las diferentes ópticas española y mexicana sobre el personaje. Pese a lo que podría augurar este mal comienzo, lo cierto es que el actor español no tarda en hacerse un hueco en la industria del país azteca, debutando con Tehuantepec (1954), en la que coincide con Katy Jurado. No es la única gran estrella de la edad dorada del cine mexicano con la que coincide durante aquellos años. También lo hace con María Félix, Arturo de Córdova o el cantante Pedro Infante, quien fue el padrino de uno de sus hijos. No solo eso, sino que dentro de su faceta personal contrajo matrimonio con la popular actriz Carmelita González, con la que tuvo dos hijos y de la que después se separaría. En cuanto a su trayectoria profesional en el país norteamericano, que además de cine también comprendió teatro, radionovela y televisión, destaca su participación en dos clásicos mayúsculos del cine fantástico mexicano: La llorona (1960) y, sobre todo, la excepcional Macario (1960).

Eduardo Fajardo-Paco Martínez Soria-La ciudad no es para mi

Junto a Paco Martínez Soria en “La ciudad no es para mí”

Tras enviudar de su segunda esposa, Eduardo decide entonces regresar a España. Estamos a mediados de los sesenta, una época en el que nuestro cine está atravesando una de sus épocas más fecunda en lo que a la realización de número de films se refiere, alentado por la fiebre de las coproducciones con terceros países adscritas a la política de géneros. Aunque el actor frecuenta toda clase de estilos, desde comedias –La ciudad no es para mí (1966), Cuatro noche de bodas (1969)-, hasta películas de terror –El diablo se lleva los muertos/Lisa e il diabolo (1970) , La mansión de la niebla/Quando Marta urlò dalla tomba (1972), La cruz del diablo (1975)-, pasando por cintas de ciencia ficción –Trasplante de un cerebro/Crystalbrain, l’uomo dal cervello di cristallo (1970), Espectro (Más allá del fin del mundo) (1978)-, de euroespías –3S3, agente especial/Agente 3S3, massacro al sole (1966), 087, misión Apocalipsis/ Missione apocalisse (1966)-, de supercriminales –Asalto a la corona de Inglaterra (Come rubare la corona d’Inghilterra, 1967)-, bélicas –El largo día del águila/La battaglia d’Inghilterra (1969)-, giallos Una maleta para un cadáver/Il tuo dolce corpo da uccidere (1970), Coartada en disco rojo/I due volti della paura (1972), L’assassino è costretto ad uccidere ancora (1975)-, y hasta de gánsteres –Tiempos de Chicago/ Tempo di Charleston – Chicago 1929 (1969), ¡Viva América!/La vera storia di Frank Mannata (1969), Homicidios en Chicago (1969)-, si hay un género en el que Eduardo Fajardo se especializaría este es, sin duda, el del entonces populoso eurowestern. Tanto es así que entre 1965 y 1973 participa en casi una treintena de películas pertenecientes al estilo, donde desempeña por norma general roles de villano. Para no repetirse, el actor comentaba que para dar forma a este tipo de papeles se inspiraba cada vez en la psicología de un animal distinto.

Eduardo Fajardo-Django

Eduardo Fajardo como el Mayor Jackson en “Django”

De los distintos spaghetti-westerns en los que interviene, destaca por derecho propio uno de los títulos capitales del subgénero, la magistral Django (1966), donde daría vida a uno de sus papeles más recordados, el del racista Mayor Jackson. Una película de la que, por cierto, Eduardo Fajardo guardaba una curiosa anécdota, que a punto estuvo de terminar en desgracia: “El director Sergio Corbucci me puso la cámara delante y me dijo: ahora en este momento entra el bandido tal y lo van a matar, tú sólo tienes que mover los ojos. Yo iré disparando para que primero mires a tu derecha. Él metido en situación, no se dio cuenta y disparó pegándome todo el fogonazo en los ojos. Estuve quince días sin poder ver, y creyendo que no volvería a ver más[2]. Pese a este incidente, la colaboración entre el actor y el cineasta se prolongaría a lo largo de los años, lo que posibilitó que Fajardo formara parte del reparto de otros títulos tan destacados del spaghetti-western como Salario para matar/Il mercenario (1968), Los compañeros/Vamos a matar, compañeros (1970) o ¡Qué nos importa la revolución!/Che c’entriamo noi con la rivoluzione? (1972). Otra película a destacar dentro de sus andanzas por el western mediterráneo es El bandido Malpelo/ Il lungo giorno della violenza (1971), al contener uno de los escasos papeles protagonistas para la gran pantalla de toda su carrera.

Eduardo Fajardo-La Barraca

Como Tío Barret en “La barraca”

Lejos de resentirse, el final de la edad dorada del cine de género europeo a comienzos de los ochenta no repercutió en el febril ritmo de trabajo que venía desarrollando Eduardo Fajardo desde mediados de los sesenta. Algo a lo que contribuyó su participación en varias series producidas por Televisión Española que aún a día de hoy gozan de una gran popularidad, caso de Curro Jiménez (1976-1977), La barraca (1979), Los gozos y las sombras (1982), Tristeza de amor (1986) o Turno de oficio (1986). De ellas, guardaba un especial cariño a su papel de Tío Barret en La barraca, hasta el punto que llegó a bautizar a una de sus casas con el nombre de la novela de Vicente Blasco Ibáñez. Junto con sus apariciones en el medio catódico, el actor retoma su labor de doblador, mostrándose especialmente activo en los doblajes que se producen de forma masiva con la eclosión del video, y sin dejar de lado su trabajo para la gran pantalla. Fruto de ello es su aparición en títulos como Polvos mágicos (1979), La invasión de los zombies atómicos/ Incubo sulla città contaminata (1980), Hundra (1983), El exterminador de la carretera/Il giustiziere della strada (1983), Mordiendo la vida (1986) o Hermano del espacio/Fratello dello spazio (1988), tardía respuesta a ET, el extraterrestre (E.T. The Extraterrestrial, 1982) en clave cristiana, en la que Fajardo aparecería acreditado con el seudónimo de Edward Hamilton y que a la postre se convertiría en su último papel para la gran pantalla.

Eduardo Fajardo-homenaje

En los últimos años el actor había perdido la movilidad en sus piernas, por lo que debía de desplazarse en silla de ruedas. En la imagen, en una de sus últimas apariciones públicas, durante el homenaje que le brindó a finales de diciembre del pasado año el Almería Western Museo del Cine

Retirado en Almería, de donde era su última esposa, Fajardo dedicó sus últimos años de vida a un proyecto escénico inclusivo para personas discapacitadas llamado “Teatro sin barreras” que desarrolló en la provincia andaluza desde 2002. Mientras tanto, también tuvo tiempo de recibir numerosos homenajes por su trayectoria, entre los que figuran la Orden del mérito con la que le condecoró Juan Carlos I, la placa y medalla Ignacio de Monfort que le fue entregada en el Palacio Presidencial por parte del gobierno mexicano o la primera estrella del paseo de la fama de Almería, entre muchos otros. No obstante, los reconocimientos más importantes para él eran las cinco calles que llevan su nombre, repartidas en Almería, Roquetas de Mar, Mojacar, Málaga y Gimileo. Y es que, al final, “el villano no era tan villano”, como él mismo dijo en el emocionado discurso con el que agradeció el homenaje que le tributaba el Almería Western Museo del Cine el 29 de diciembre del pasado año.

Descanse en paz.

José Luis Salvador Estébenez

Eduardo-Fajardo

[1] Declaración extraída de “El hombre que siempre estuvo aquí”, entrevista realizada por Luis Alberto Cabezón García y publicada en el número 8 de “Belezos: Revista de cultura popular y tradiciones de La Rioja” (octubre de 2008), páginas 64-71.

[2] Ibídem.

Published in: on julio 7, 2019 at 2:24 pm  Comments (2)  

El show de humor “CineCutre en vivo” celebrará Halloween riéndose del peor cine de terror el 28 de octubre en Madrid

Poster Halloween CC en Vivo

El espectáculo de humor “CineCutre en vivo ” celebrará Halloween el 28 de octubre con un repaso por el peor cine de terror de todos los tiempos, donde demonios con caretas de goma, posesiones sobreactuadas y sectarios disfrazadas con sábanas y manteles serán los protagonistas, en una entrega especial dedicada al Señor de las Tinieblas que tendrá lugar a las 18 y a las 20 horas en el local El Chico Feo (C/ Covarrubias, 21) de Madrid.

“CineCutre en vivo ” es un show multiformato único en España, que combina monólogos de humor, sketches en directo y extractos de películas, para recorrer en clave de comedia lo peor del cine de serie B/Z. Sus responsables, veteranos de la web de cine y humor Cinecutre.com, lo definen como “un viaje a las profundidades abisales del celuloide”, donde se dan a conocer algunas de las películas “más delirantes, ignotas y chapuceras de todos los tiempos”. Además, una de las principales características que definen a este show es la cercanía con el espectador, ya que durante la función se permite al público interaccionar con los presentadores y hacer preguntas, como si de una clase se tratara.

Los conductores del montaje son Carlos “Oso” Palencia, director del festival CutreCon y colaborador habitual de “Hoy empieza todo en Radio 3”, y Vera Montessori, cómica profesional y guionista de televisión en programas como “LocoMundo” del canal #0 de Movistar +. Con más de 15 años de existencia, Cinecutre.com ha acumulado durante ese tiempo gran información sobre cine marginal y a sus responsables se les puede considerar verdaderos expertos en la materia, por lo que aquellos que estén interesados en ampliar sus conocimientos sobre cine y no le hagan ascos a ningún tipo de películas, tienen con “Cinecutre en vivo” una “gran oportunidad de divertirse y aprender al mismo tiempo”, señala Palencia.

Las entradas para esta entrega especial de “CineCutre en vivo” dedicada al peor cine de terror de todos los tiempos se encuentran a la venta por 8 euros con consumición incluida, en Atrapalo y en Woutick.

 

Published in: on octubre 23, 2018 at 7:06 am  Dejar un comentario  

La película “90 años sin dormir” y “El libro de las mujeres y los hombres malos”, nuevos lanzamientos de “Vial of Delicatessens”

90 AÑOS SIN DORMIR FRONTAL

Mañana miércoles 10 de octubre “Vial of Delicatessens” lanza dentro de su línea underground un nuevo título del realizador barcelonés Juan Carlos Gallardo. Se trata de 90 años sin dormir, remake de 90 Years Without Slumbering, mítico episodio de The Twilight Zone escrito por Richard de Roy a partir de una historia de George Clayton Johnson. Ciencia ficción post-apocalíptica y puro cine de vanguardia se dan la mano en este revolucionario largometraje que hasta ahora solo había podido verse en diversos festivales. Antes de que Xavier Dolan emplease el formato de rodaje 1:1 en Mommy (2014), otra distopía que ganó el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes, Juan Carlos Gallardo utiliza en 90 años sin dormir dicho formato para transmitir implacablemente la sensación de apresamiento e incomunicación que sufre su protagonista. El resultado es una sorpresa continua e increíble, que “revela más sobre el poder y el potencial de la imagen en movimiento que cualquier otra cosa filmada en años recientes”, en palabras de Maximilian Le Cain.

La edición en DVD comercializada por “Vial of Delicatessens” de 90 años sin dormir ofrece la película en su versión original en pista estéreo y formato de pantalla 16:9 Pillarbox. Le acompañan como contenidos extras un making of del film y el cortometraje 14 de Abril del cineasta underground Braña Álvarez. El P.V.P. de la edición es de 5,99 más gastos de manipulación y envío, y sólo puede adquirirse a través de la web del sello.

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90 años sin dormir se une así al lanzamiento la pasada semana de “El libro de las mujeres y hombres malos” de la escritora e ilustradora Aida García, por parte de “Víal Books”, la división editorial de “Vial of Delicatessens”. Se trata de un compendio de micro-cuentos de terror para adultos, cada uno de los cuales es acompañado de su correspondiente ilustración a color, que crean un universo cargado de horror, surrealismo y violencia.

Compuesto por 66 páginas en color, “El libro de las mujeres y hombres malos” sale a la venta a un P.V.P de 18,00 €, con gastos de manipulación y envío certificado incluidos, y se puede adquirir exclusivamente a través de la web de “Vial of Delicatessens”: vialofdelicatessens.blogspot.com

Published in: on octubre 9, 2018 at 8:12 am  Comments (2)  

El último sharknado: Ya era hora

El último sharknado

Título original: The Last Sharknado: It’s About Time

Año: 2018 (Estados Unidos)

Director: Anthony C. Ferrante

Productor: David Michael Latt

Guionista: Scotty Mullen basándose en los personajes de Thunder Levin

Fotografía: Pãtru Pãunescu

Música: Christopher Cano, Chris Ridenhour

Intérpretes: Ian Ziering (Fin), Tara Reid (April), Cassandra Scerbo (Nova), Judah Friedlander (Bryan), Vivica A. Fox (Skye), Debra Wilson (nuevo Bryan), Alaska Thunderfuck (Morgana), Neil deGrasse Tyson (Merlin), Leslie Jordan (Benjamin Franklin), Darrell Hammond (George Washington), Ben Stein (Alexander Hamilton), Roy Taylor (Jebediah Clarke), Constantin Viscreanu (Paul Revere), Dexter Holland (capitán británico), Dee Snider (Sheriff), Jonathan Bennett (Billy el niño), Chris Owen, James Murray (Eastwood), Gilbert Gottfried (Rand McDonald), Tori Spelling (Raye), Dean McDermott (Gilly), Benjy Bronk (Connor Beale), Robbie Rist, Anthony C. Ferrante, Joel Valder, Thom Bowers (miembros del grupo Quint), Christopher Knight (abuelo Clarke), Catarina Scerbo (Nova de niña), Bernie Kopell (capitán de embarcación), Juliana Ferrante, Emma Neal, Charles Hittinger (Matt Shepard), Ryan Newman (Claudia), Israel Sáez de Miguel (capitán Santiago), Marcus Choi (Palmer), Alexandre Ottoni (Azzinaro), Latoya Jackson (Cleopatra), James Hong (Confucio), Eileen Davidson (María Antonieta), Shad Gaspard (Muhammad Ali), Jayson Paul (Joe Lewis), Kato Kaelin (rey vikingo), Patrick Labyorteaux (César), Brendan Petrizzo, M. Steven Felty, Matie Moncea, Todd Rex, Marina Sirtis, Audrey Latt, Ana Maria Varty Mihail, Tiberiu Harsan, Andrei Olteanu (Frodo), Noodles, Ian Ridenhour, Kathrine Ridenhour, Chris Ridenhour, Kim Little, Brady Latt, Moise Latt, Aiden Cano, Zachary Cano , Raine Michaels, Bob Ellis, Erin Ziering, Mia Ziering, Penna Ziering, Roxanna Bina, Kacie Flowers, Courtney Quod, Brandon Quod, Nick Grothe, Tammy Klein, Anna Rasmussen, Ana Florit, Paul Logan, Julia LaJuett (Amelia Earhart), Al Roker, Petunia, Thunder Levin, Sharon Desiree (Juana de Arco), Bo Derek (May), Gary Busey (Wilford Wexler), Mark McGrath, Masiela Lusha, John Heard, Adolph Tengi, Adrian Boanta, Adriana Saus, Alecu Ciocoi, Alexandra Gaspar, Alexandru Cernat, Alexandru Chiru, Alin Pauna, Andreea Prodan, Andreea Mailat, Andreea Guef, Andreea Prichinet, Andrei Irimia, Andrew Jackson, Anna Kachmaryk, Anna Valendez, Anthony Manasi, Antiwne Grant, Justin Allen …

Sinopsis: Tras enfrentarse a tiburones por todo el planeta, Fin Shepard deberá viajar en el tiempo para salvar al mundo de los sharknados, al tiempo que intenta resucitar a su familia.

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Si hace cinco años alguien nos dice que un modesto telefilm de ciencia ficción realizado para un canal temático iba a convertirse en un fenómeno de culto sin precedentes en el medio catódico le habríamos tomado por loco. Pero, contra todo pronóstico, así ha sido. El revuelto mediático generado en redes sociales durante su primera emisión en los Estados Unidos el 11 julio de 2013 convirtió a Sharknado en acreedora del oficioso título de “película más tuiteada de la historia”, siendo la palanca a partir de la cual se ha cimentado toda una saga prolongada a través del tiempo con cinco secuelas de periodicidad anual que se han encargado de exprimir los motivos que propiciaron la repercusión obtenida por la originadora; esto es, la ridiculez propia de un demencial planteamiento conceptual consistente en la fusión entre el cine de catástrofes naturales con el de las películas de escualos asesinos que resume el acrónimo que le da título y que se podría traducir como “Tornado de tiburones”. Nada más.

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Gran parte del mérito que explica la aceptación disfrutada por la saga, si no la única, ha sido la manifiesta habilidad de sus responsables a la hora de conseguir que su producto conectara con las apetencias del público. Nada raro, por otra parte, en vista de los antecedentes comentados, y que ha llevado a que los ingredientes de la propuesta se fueran amoldando según los gustos de la audiencia, hasta el punto de poner en manos de esta la suerte a correr por determinados personajes. Como explica su actor protagonista, Ian Ziering, la serie «ha ido cambiando en función de la respuesta de la audiencia. Utilizan unos grupos de sondeo cuyos comentarios cuantifican mediante análisis, y lo que sea que puntúen algo se añadirá en mayor medida en la siguiente película»[1]. Así, tras el inesperado éxito del primer film, las siguientes entregas han hecho de la autoparodia su razón de ser, en una jugada de lo más inteligente, al elevar al paroxismo las carencias y defectos de toda índole que presentaba el primer Sharknado hasta convertirlas en su principal aliciente.

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Pero además de la autoconciencia con la que han asumido sus limitaciones para reírse de ellas, en sus cinco continuaciones la saga ha conformado una suerte de personalidad propia derivada de la reiteración de una serie de ingredientes de uno a otro título. La articulación de una trama itinerante protagonizada por los esfuerzos de Fin Shepard para reunirse con su familia en medio de un tornado de tiburones como pretexto con el que enlazar una escena de acción tras otra, cuanto más grotesca y ridícula mejor; la proliferación de cameos de viejas glorias cinematográficas y celebridades locales, en su mayoría desconocidas fuera de su país de origen; o los continuos guiños y referencias a famosos films, por lo general localizados en la década de los ochenta, suponen los principales rasgos característicos de una fórmula basada antes en la pretendida creación de un juego cómplice para con el espectador que en sus posibles cualidades artísticas, por lo demás inexistentes.

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Sin embargo, nada dura eternamente y, con su sexta entrega la saga Sharknado ha creído oportuno poner el fin. Aunque de momento no han trascendido los motivos que han llevado a sus responsables a adoptar semejante decisión, parece claro que una de las razones que han ejercido mayor fuerza son los evidentes síntomas de agotamiento que a estas alturas acusa una fórmula repetida ad nauseam de un film a otro sin apenas variación, más allá del cambio del marco escénico en el que se desarrolla cada una de sus tramas. De este modo, tras visitar Los Ángeles, Nueva York, Washington, la Costa Este, distintas localizaciones internacionales e, incluso, el espacio, pocas bazas les quedaban a los guionistas para presentar una ambientación que resultara novedosa, máxime siendo este el principal rasgo distintivo de cada nueva película con respecto a sus precedentes, decantándose en esta oportunidad por los viajes temporales. Una falta de ideas que, en cierto sentido, su propia coprotagonista, Tara Reid, ha reconocido de forma consciente o inconsciente en algunas de las entrevistas realizadas durante la gira promocional del film, al declarar: «Ya hemos hecho “espacio exterior”, hemos viajado alrededor del mundo… ¿qué más podíamos hacer? Viajes en el tiempo»[2].

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La utilización de este esquema, que tal y como es expuesto recuerda en cierto sentido al de la novela La máquina del tiempo de H. G. Wells y que propicia la aparición de diferentes personajes históricos y/o legendarios —de Merlín a Billy el Niño, pasando por George Washington o Benjamin Franklin—, facilita también el abaratamiento de costes que conlleva el reciclaje de decorados, atrezzo y diseños de efectos infográficos procedentes de otras películas de su productora, The Asylum, en consonancia con cierto rasgo oportunista patente en mayor o menor medida a lo largo de la saga, antojándose la elección de las diferentes épocas en las que discurre la episódica trama a partir de tal circunstancia. Por lo demás, la película repite a pies juntillas el modelo ya conocido, sin más novedad que la aparición de personajes históricos y/o legendarios aprovechando la oportunidad que en este sentido le ofrece su premisa, caso de Benjamin Franklin, Billy el niño o George Whasington, lo que reincide la comentada búsqueda de sus responsables de establecer un vínculo de complicidad con el espectador, así como la reaparición de varios personajes que se creían muertos en anteriores entregas y otros apuntes pretendidamente emotivos dirigidos a los seguidores de la saga que denotan su condición de cierre de la misma.

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Antes que en sus resultados, de nuevos incapaces de despertar la hilaridad que se presupone de una película supuestamente hecha mal a propósito, quizás lo más interesante de este El último Sharknado: Ya era hora es la forma en que se ríe de sí misma, ya sea por las connotaciones que guarda su título, como porque el punto partida de esta entrega sea detener el primer sharknado de la historia y evitar así que se produzcan los hechos relatados en las anteriores películas; esto es, impedir la propia existencia de la saga en última instancia. Exigua recompensa, sin ninguna duda, pero que incita a plantearnos ciertas preguntas. Y es que si comenzábamos estas líneas aludiendo a la excepcionalidad de lo conseguido por la saga Sharknado en sus cinco años de existencia, ¿cuál será su huella en un futuro ahora que su producción entra en vía muerta? ¿Será recordada o, por el contrario, caerá en el olvido más profundo una vez pasada la moda? ¡Ay!, quién pudiera viajar en el tiempo y poder comprobarlo…

José Luis Salvador Estébenez

[1] “Ian Ziering afronta El último Sharknado: ‘Hollywood se ha fijado en nuestra fórmula para ver qué hacían mal’” de Lorenzo Ayuso, entrevista publicada en el portal vertele! el 23 de agosto de 2018 (http://vertele.eldiario.es/noticias/Entrevista-Ian-Ziering-Sharknado-Hollywood_0_2039496059.html).
[2]El último Sharknado: Hablamos con sus protagonistas” de Juan Arcones, entrevista publicada en la versión web de Fotogramas el 23 de agosto de 2018 (https://www.fotogramas.es/noticias-cine/a22806407/sharknado-6-tara-reid-ian-ziering-cassie-scerbo-entrevista/)

Published in: on agosto 29, 2018 at 5:58 am  Dejar un comentario  

FIMUCITÉ proyectará por primera vez en España “Encuentros en la tercera Fase” con su banda sonora en directo

Dentro de la duodécima edición del Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife (FIMUCITÉ) se proyectará por primera vez en España el clásico de ciencia ficción Encuentros en la tercera fase con su banda sonora interpretada en directo, en un concierto live to picture que tendrá lugar en el Auditorio de Tenerife el viernes 28 de septiembre. El periodista y experto en ufología Javier Sierra, Premio Planeta 2017 y colaborador del programa “Cuarto Milenio” de Iker Jiménez, acompañará a Ana Molowny -presentadora oficial del festival- en la presentación del espectáculo protagonizado por el título que Sierra considera su favorito dentro del género de avistamientos de ovnis e invasiones extraterrestres.

Serra

En palabras de Javier Sierra: “Encuentros en la tercera fase se estrenó el mismo año que Star Wars, y para un niño de seis años como yo era en aquel 1977, ambos estrenos fueron toda una epifanía”. “El caso de Encuentros es especial. Spielberg contó como asesor especial de la cinta con el principal experto mundial en ovnis de aquellos años, el astrónomo Joseph Allen Hynek, y fue sensible al terremoto emocional que significa para muchos testigos de ovnis enfrentarse a algo desconocido en lo que la mayoría de las personas no creen. Por otra parte, muchos de los casos que se recrean en los primeros minutos de la película están basados en sucesos reales, y hasta los recortes de prensa que se muestran fueron sacados de periódicos de verdad. Ese amor por el detalle hace que cada vez que me enfrento al filme descubra nuevos guiños y significados”, explica.

FIMUCITÉ ofrecerá la première española del concierto Encuentros en la tercera fase en formato live to picture, como se ha dicho. Esto significa que mientras se proyecta la película, la Orquesta Sinfónica de Tenerife y el Tenerife Film Choir, interpretarán íntegramente la aclamada partitura de John Williams. El director artístico del Festival, el reconocido compositor y director de orquesta Diego Navarro, se pondrá al frente de esta original propuesta. ”Se trata de un evento histórico, ya que es el primer concierto live to picture sinfónico de un blockbuster de Hollywood que se hace en Canarias” indica Navarro, quien afirma que “será una experiencia sensorial única y una forma inolvidable de disfrutar de esta obra maestra de Spielberg”.

Este evento, que es la tercera vez que se hace en el mundo, incluirá, además, siete minutos de música inédita compuesta por John Williams y rescatada por el autor para esta versión en concierto de la película. Una oportunidad única de escuchar música original del compositor que no se encuentra disponible en los soportes destinados a su proyección en cine o formato doméstico.

“La película retrata a la perfección cómo un encuentro cercano con algo desconocido, aparentemente “superior”, puede llegar a cambiar por completo la percepción de un individuo. Ver un ovni tiene más cosas en común con las experiencias místicas de otras épocas de lo que mucha gente cree, y Spielberg retrata con acierto esa sensación. Por otra parte, Encuentros alejó al espectador de películas de ciencia ficción del tradicional maniqueísmo de terrestres buenos-extraterrestres malos, muy del gusto de la Guerra Fría, e hizo que reflexionáramos seriamente sobre qué implicaría un eventual contacto con una civilización de otro mundo”, añade Javier Sierra sobre la película.

Las entradas para el concierto, que se celebrará el viernes 28 de septiembre a las 20:00 horas, se encuentran ya a la venta a través de www.auditoriodetenerife.com y en la taquilla del propio auditorio.

Published in: on agosto 1, 2018 at 5:39 am  Dejar un comentario  

A la venta el segundo volúmen de “Cine y expedientes X” de Miguel Ángel Plana

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Tras la buena acogida con la que fue recibido la primera entrega, ya se encuentra a la venta el segundo volumen de Cine y expedientes X de Miguel Ángel Plana. En esta nueva obra, que se puede leer de forma independiente a su primera parte, nuestro amigo y colaborador estudia las experiencias cercanas a la muerte y su lógico correlato reencarnacionista, las profecías, las apariciones religiosas, algunos de los más sonados casos de avistamientos O.V.N.I. y sus repercusiones, sin olvidarse de la T.C.I., transcomunicación instrumental, y otras agradables sorpresas para todos los amantes del misterio y del cine.

El propio Miguel Ángel presenta su nueva obra con las siguientes palabras: “Cuando era adolescente mis intereses culturales estaban mediatizados por mi afición a las películas y las novelas de terror. Pronto descubrí que algunas de aquellas experiencias de ficción podrían tener un soporte real y comencé a interesarme por lo oculto y los enigmas. Fui acumulando cierto saber (J.J. Benítez, Jiménez del Oso, la Enciclopedia de las Ciencias Ocultas y la Parapsicología, Mundo Desconocido). Eran los benditos años setenta. Un día me propusieron participar en un programa de radio sobre la temática en la misma emisora en la que ya colaboraba en uno sobre cine. ¿Cómo podría conciliar mis dos preferencias, el cine y los enigmas? El nombre del programa: La puerta secreta. La mía: la de las imágenes y las palabras. Este libro es fruto de esa colaboración. Películas sobre misterios y los misterios que inspiraron esas películas. Espero que disfruten leyéndolo tanto como yo escribiéndolo… y radiándolo. Porque al mismo tiempo, amable y curioso lector, estas páginas podrán serviros de guía para profundizar, y ampliar, desde diversas fuentes, en todo el universo de misterios que se encuentran al abrir esta puerta… La cultura popular asociada a estas temáticas es ingente, y sumamente interesante.

Mientras Miguel Ángel prepara una tercera entrega en la que anuncia que se encargará de tratar temas como la criptozoología, los visitantes de dormitorio, médiums y fantasmas, o posesiones, Cine y expedientes X volumen II se encuentra ya disponible a través de la tienda web de Editorial Rosetta, el sello encargado de publicarlo, a un P.V.P. de 19€ más gastos de envío.

Más información y pedidos: https://www.edicionesrosetta.es/tienda/editorial/cine-y-expediente-x-volumen-2/

Published in: on mayo 7, 2018 at 6:28 am  Dejar un comentario  

Publicado el primer tráiler de “Han Solo: una historia de Star Wars”

Ayer se dio a conocer el primer tráiler de Han Solo: una historia de Star Wars, la nueva película del universo creado por George Lucas que llegará a las pantallas de cine el próximo 25 de mayo. El film, dirigido por Ron Howard en sustitución de Phil Lord y Christopher Miller, narra las peripecias del contarbandista más famoso de la saga antes de que cruzara sus caminos con Luke Skywalker y Obi-Wan Kenobi. A través de una serie de aventuras en un submundo criminal oscuro y  peligroso, Han Solo se hace amigo de su futuro copiloto Chewbacca y conoce al conocido jugador Lando Calrissian, en un viaje que marcará el camino de uno de los personajes más emblemáticos de la saga de Star Wars.

Además del tráiler, también se han presentado los posters de la película centrados en varios de sus personajes principales: Han Solo, Lando Calrissian, Qi’ra y Chewbacca, y que podéis ver a continuación:

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Published in: on febrero 6, 2018 at 7:23 am  Dejar un comentario  

Décimo aniversario de La Abadía de Berzano

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El próximo 15 de diciembre esta Abadía cumplirá diez años desde que viera la luz por primera vez un lejano sábado de 2007. Lo que entonces nacía como poco menos que un experimento en el que no tenía muy claro cuál podía ser su duración en el tiempo, ha conseguido poco a poco, y no sin esfuerzo, consolidarse y adquirir entidad propia, brindándome en el terreno personal múltiples satisfacciones. Gracias a La Abadía he podido cubrir diferentes festivales, entrevistar a personalidades cinematográficas que admiro y me ha abierto las puertas a participar en diferentes publicaciones escritas y libros corales, e, incluso, recibir algún premio, como el que el año pasado nos otorgaba el certamen FANTACTI’CS de Castellón durante sus séptimas jornadas al mejor blog. Pero, lo más importante, me ha permitido conocer a numerosas personas que en algunos de los casos puedo hoy considerar mis amigos. Aunque solo sea por eso, todo este recorrido ha merecido la pena. Quizás por ello, los años transcurridos no han conseguido hacer mella, y uno sigue manteniendo la misma ilusión que el primer día a la hora de preparar contenidos y planificar publicaciones, por más que reconozca que en algunas temporadas no haya podido dedicar a La Abadía el tiempo que merecía.

Lo cierto es que en estos diez años La Abadía no ha estado parada. A lo largo de esta década ha publicado más de dos mil setecientas entradas de las que ciento ochenta son artículos, ochocientas diecisiete reseñas de películas, cincuenta y ocho de libros y doscientas entrevistas, que se han traducido en dos millones largas de visitas. Un arduo trabajo que no habría sido posible sin la ayuda de todos aquellos que han colaborado conmigo para mantener viva La Abadía. En especial, Carlos Díaz Maroto, por su apoyo constante y su trabajo en la sombra, y José Manuel Romero Moreno, que a sus siempre jugosos textos se le une su labor como “traductor oficial” de la casa. Claro que también sería injusto olvidarme de los Jesús, Ferran, Juan Pedro, Tarik, Juan Mari, Javi, Rubén, Charly, Adrián, José, Diego, Miguel Ángel, Nacho, Fernando, Luis, David y tantos otros que me dejo en el tintero que me han echado una mano con su trabajo en algún momento de estos diez años. A todos ellos, vaya mi más sincero agradecimiento. Y es que, aunque suene a frase manida, de no haber sido por ellos seguramente todo esto no hubiera sido posible.

Como no podía ser de otro modo, para celebrar este aniversario hemos preparado una programación que pretendemos que sea de lo más especial, y que se prolongará durante varias jornadas. De este modo, desde mañana y hasta el próximo viernes 15 de diciembre, fecha en la que se cumplen los diez años, varios viejos conocidos de la casa, junto con algún nuevo fichaje y yo mismo, comentaremos distintas películas que, por el motivo que sea, nos retrotraen a La Abadía, o bien tienen un significado especial para el autor del film reseñado. Esperamos que así vosotros, los lectores, podáis festejar esta efeméride también con nosotros.

José Luis Salvador Estébenez

Published in: on diciembre 4, 2017 at 6:54 am  Comments (4)  

Entrevista a Gustavo Leonel Mendoza, director de “Culto al terror”

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Desde hace algunos años, la sección Brigadoon del SITGES – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya dedica un enorme espacio de su programación a las películas de género documental. Y esta pasada edición de 2017 no ha sido diferente, como pudo comprobarse con la proyección de cintas como Omega Rising (2017), Paco Pérez-Dolz: un cineasta a tiro limpio (2014) o Nos interestícos da realidade ou o cinema de António de Macedo (2016). Otra de las películas que fueron exhibidas a lo largo de las casi dos semanas que duró el certamen fue Culto al terror (2017), reportaje que homenajea al género fantástico en su vertiente más terrorífica examinando los apartados más influyentes y representativos, incluyendo, además, numerosas declaraciones de figuras clave de la industria del cine. El realizador argentino Gustavo Leonel Mendoza es el director de tan interesante largometraje, y con él charlamos para confeccionar la siguiente entrevista.

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Recientemente has estrenado en el Festival de Sitges Culto al terror, un documental en el que realizas un extenso repaso al cine fantástico y de terror a través de las opiniones y anécdotas de personajes tan conocidos como Barbara Crampton, Robert Englund o José Mojica Marins. ¿Es el terror tu género favorito?

Sí, por supuesto. Como dice Pablo Guisa del Festival Mórbido de México “el género de terror es mi desayuno, almuerzo y cena. ¡Es mi vida!”

Y dentro de un género tan amplio como el fantástico y el terror, ¿con qué vertiente simpatizas más como espectador? Slasher movies, cine de zombis, giallo

Creo que de todo un poco. Me gusta mucho la combinación del miedo y gore con el horror, como en los casos de Mal gusto (Bad Taste, 1987), Terroríficamente muertos (Evil Dead II, 1987), Noche de miedo (Fright Night, 1985) o la saga de Freddy Kruegger. El resto de esos géneros los sigo también, claro. Y ver films de horror puro y duro son mis elecciones también.

Anteriormente habías realizado otros documentales, como Nadie inquietó más (2009) -sobre la figura de Narciso Ibáñez Menta- o Ciudadano Piria (2014), en relación al creador de la ciudad de Piriápolis. ¿Cómo nace Culto al terror y en qué momento decides cambiar de registro y examinar un género cinematográfico en lugar de un personaje concreto?

Tenía pensado rodar un documental sobre un personaje importante del género fantaterrorífico, pero por diferentes razones el proyecto no se pudo realizar. Y en 2015, cuando me encontraba volando desde Argentina hacia el Festival de Sitges, pensé “¡hagamos un documental sobre el género de terror!”. Y qué mejor lugar que empezarlo allí, en el festival de festivales…

Como es un tema que conozco de niño, soy coleccionista de películas, libros, fanzines (incluso españoles) y también soy fanático de visitar festivales de cine (¡son las mejores vacaciones!), quise hacer un trabajo sobre los temas que me interesaban. Luego investigué todo lo que podía cubrir en mi país (un bar dedicado a El resplandor (The Shining, 1980) y a Suspiria (Suspiria, 1977), un videoclub dedicado al género de terror, la Comic Con (a la que asistió Robert Englund), la Zombie-Walk argentina…) y posteriormente comencé con el tema de los viajes, visitando determinados lugares de Madrid o Barcelona, por ejemplo.

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Gustavo junto a William Friedkin durante la pasada edición del Festival de Sitges.

Tal y como comentas, en el documental hablas de diferentes temas. Obviamente analizas algunas de las películas más importantes, como la saga de Freddy Kruegger o Psicosis (Psycho, 1960) de Alfred Hitchcock, pero también dedicas un espacio importante a los fanzines de género, a los festivales de cine fantástico o a las tiendas especializadas como Metaluna (Paris), Profondo Rosso (Roma) o Freaks (Barcelona). ¿Fue muy complicado estructurar toda la información para crear una película de dos horas de duración?

¡Absolutamente! Digo que cada proyecto son como pequeños “Fitzcarraldo’s”, como el filme de Werner Herzog que sube un barco a una montaña. Sobre todo si eres del cuarto mundo como yo, donde todo se hace más difícil, sin dinero de subvenciones ni ayudas oficiales. Por suerte, el cine es un trabajo en conjunto, y tuve la colaboración de varios amiguetes, como Jorge Adsuara del Festival Fantasti’cs, que filmó a varios especialistas y fans en Valencia y Castellón, o Ygnacio Cervio que entrevistó a Luiggi Cozzi en Roma y a David Blyth y Pete Ellot en Nueva Zelanda. Y todo ello con el agregado monster-rockero de la banda Motorzombis y su master brain Dani Moreno, del país catalán (jaja).

La edición fue una locura. Para que te hagas una idea conté con cinco editores, sumado a mi compaginación, donde decidía que iba con qué. Realmente puse todo lo que me interesaba acerca del género de terror. Por razones de espacio temporal, quedaron fuera algunas historias de la televisión, un local en un parque de Argentina dedicado a Stephen King y una secuencia sobre cine neozelandés de género. ¡No se puede poner todo! (Jaja)

También tuve colaboraciones de las autoridades de los festivales: Fantaspoa (Brasil), Frightfest (Inglaterra)… Pablo Guisa de Mórbido (México), me cedió unas imágenes impresionantes de lucha libre, y también usé las intros de las presentaciones de los festivales Buenos Aires Rojo Sangre y de Sitges. A todos ellos, les estoy muy agradecido.

 ¿Cuantos años te ha llevado la realización? Imagino que a la hora de editar te enfrentaste a un buen número de horas de brutos…

Dos años, todo un récord si lo comparamos con Nadie inquietó más, que necesité cinco años y medio, y Ciudadano Piria, seis años. Ahora quisiera filmar como hace Takashi Miike, que te hace dos películas por año (jaja).

Ya hemos mencionado a algunos de los profesionales que aparecen en tu película -podríamos añadir a muchos más como Ruggero Deodato, Paco Plaza, Mick Garris o Ángel Sala-, pero ¿hay alguien que no aparezca en el documental y que te hubiera hecho especial ilusión?   

Realmente estoy muy contento con todos los entrevistados que están en esta película y cuánto nos costó a mí y a mi mujer, Maro, conseguirlos. Me hubiera gustado tener a John Carpenter, George Romero y Wes Craven, pero todo no se puede… ¡Ah! Y hubo un periodista de espectáculos argentino que me pidió aparecer en la película, que le llevara a un bar con mujeres bailando y que cada media hora tuviese un trago en la mano. Por razones éticas y económicas no está. Esto es real, aunque sospecho que también bromeaba un poco…

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Maro, mujer y colaboradora de Gustavo, Barbara Crampton y Gustavo.

En tu opinión, ¿Culto al terror está más enfocado a un público que conoce bien el género o a aquellos espectadores que pretendan iniciarse en el mismo?

Es claramente una película para fans acérrimos: para el fan coleccionista de fanzines, dvds, blu-rays de género, que compra monstruos de plástico, que va a las comic-con y se disfraza; aquel que no se pierde un Festival de Sitges, o un Buenos Aires Rojo Sangre; aquel que tiene tatuajes de Bruce Cambpell o del monstruo de la laguna negra; aquel “camiseta negra” que usa imágenes de pesadillas en su pecho y que por supuesto, las luce con orgullo freaky. Aunque también son bienvenidos los vírgen@s del terror. ¡Nadie nace sabiendo!

Siguiendo un poco con la pregunta anterior, ¿qué películas son, según tu criterio, fundamentales en el género? Aquellas que nadie debería perderse…

Ahh, ¡esta es la difícil! En este documental una de las premisas era escuchar a los fans, especialistas y estrellas mundiales, y preguntarles cuál era su película preferida o la que le había dado más pavor. En mi caso, comienzo con El más allá (…E tu vivrai nel terrore! L’aldilà, 1981) de Lucio Fulci, pasando por La cosa (The Thing, 1982) de John Carpenter, Demons (Dèmoni, 1985) de Lamberto Bava, Suspiria de Argento, El exorcista (The Exorcist, 1973) de William Friedkin, La matanza de Texas (The Texas Chain Saw Massacre, 1974) de Tobe Hooper, Nosferatu (Nosferatu, eine Symphonie des Grauens, 1922) de Murnau, The Ring (El circulo) [Ringu (The Ring), 1998], de Hideo Nakata, La residencia (1969) y ¿Quién puede matar a un niño? (1976) de Chicho Ibáñez Serrador, Babadook (The Babadook, 2014) de Jennifer Kent, It Follows (It Follows, 2014) de David Robert Mitchell, Sinister (Sinister, 2012) de Scott Derrickson, Obras maestras del terror (1960) de Enrique Carreras, Narciso Ibáñez Menta y Chicho Ibáñez Serrador, las películas de Paul Naschy… ¡Hay mil más!

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Gustavo durante un momento de la presentación de “Culto al terror” en su pase en la sección Brigadoon del Festival de Sitges.

Como hemos dicho, Culto al terror conoció su estreno al público en la pasada edición del Festival de Sitges, concretamente en la sección Brigadoon. ¿Cómo fue la proyección?

¡Fantástica! Tuvimos a la misma hora el cierre del festival con un King Kong y La Fura dels Baus, y aun así… ¡la sala estuvo llena! Hubo una gran recepción por parte del público, y fue curioso ya que algunos espectadores se reconocieron en la pantalla, por ejemplo en la escena en que se ve a un grupo de gente haciendo cola para entrar en el cine Prado de Sitges. Sitges es todo.

¿Qué recorrido le espera a Culto al terror

Después de Sitges se ha pasado en Ciudad de México, y luego irá por varios festivales que ya me han confirmado. Y esta película está realizada sin ánimo de lucro, por eso, donde la inviten, estará.

Y en tu faceta de espectador, ¿te gusta el género documental? ¿Tienes algún título de referencia?

¡Ahh! ¡Me fascina! En el documental puedes hacer política y al mismo tiempo hablar de lo que te gusta. Por eso es tan importante el tema que elijas, porque puede hacerse denso con el tiempo y si no lo amas, te costará más. Sigo mucho la obra de los maestros Werner Herzog y Michael Moore, ¡tienen ediciones geniales! Amo también la estética sobrenatural de los films de Godfrey Reggio, con sus maravillosas Powaqqatsi (1988) y Koyaanisqatsi (1982). Puro arte. ¡Y hay muy buenos sobre el género! Ah, pero vean Culto al terror que es mejor, jajaja.

Tras haber realizado varias obras de carácter documental, ¿te gustaría incursionar en la ficción?

Sí, por supuesto. Ya en mis comienzos, años 2002, 2003, había hecho cortometrajes en Super 8 y en 16 mm de ficción. Planeo filmar unos guiones que escribe mi mujer, Maro Villamarin, sobre leyendas autóctonas argentinas, que son geniales. Ella también me asiste e hizo sonido, cámara y DF para mis dos últimas películas.

Por último ¿estás trabajando en algún nuevo proyecto?

Ahora no, estoy en plena campaña para mostrar Culto al terror. Y tengo que analizar estos guiones que te contaba antes. ¡Todos son muy buenos!

Muchas gracias Gustavo, si quieres añadir algo más…

¡Que consuman lectura y cine de género! La cultura nos hace disfrutar de nuestra existencia y pensar. De esa manera seremos individuos originales y creativos.

Javier Pueyo

Published in: on noviembre 22, 2017 at 6:56 am  Dejar un comentario  
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