AMC estrenará en 2019 la nueva serie de terror “NOS4A2”, adaptación de la novela homónima de Joe Hill

NOS4A2

AMC ha anunciado esta semana que estrenará en España a lo largo de este año su nueva serie de terror sobrenatural NOS4A2, protagonizada por el actor y productor nominado a los Emmy Zachary Quinto (Star Trek, American Horror Story) y la actriz Ashleigh Cummings (The Goldfinch, Hounds of Love). La directora Kari Skogland, nominada a los Emmy (El cuento de la criada, Sons of Liberty), dirigirá los dos primeros episodios de la serie, que se basa en la exitosa novela de Joe Hill del mismo nombre. La producción, compuesta por diez episodios de una hora de duración cada uno, se llevará a cabo en Rhode Island (Estados Unidos).

Zachary Quinto interpreta a Charlie Manx, un seductor inmortal que se alimenta de las almas de los niños y deposita lo que queda de ellas en Christmasland, un pueblo de Navidad helado y enrevesado, producto de la imaginación de Manx, donde todos los días son Navidad y la infelicidad está considerada como un delito. Pero Manx ve todo su mundo amenazado cuando una joven de Nueva Inglaterra (Cummings) descubre que posee un peligroso don.

Ashleigh Cummings encarna a Vic McQueen, una joven artista de clase obrera cuya creatividad despierta en ella una capacidad sobrenatural de rastrear a Charlie Manx. Vic compensa su falta de seguridad en el trato con los demás con valentía, humor y una determinación dura como el acero. Se esfuerza por derrotar a Manx y rescatar a sus víctimas sin perder la cordura en el intento ni caer ella misma en sus redes.

NOS4A2 es una producción de AMC Studios en asociación con Tornante Television. El equipo de producción ejecutiva estará compuesto por Joe Hill, Jami O’Brien (Fear The Walking Dead, Infierno sobre ruedas), quien creó la serie para la televisión y trabajará como showrunner, y Lauren Corrao, copresidente de Tornante Television. Además de Quinto y Cummings, el reparto incluye los nombres de Olafur Darri Olafsson (Lady Dynamite) como Bing Partridge; Virginia Kull (The Looming Tower) como Linda McQueen; Ebon Moss-Bachrach (The Punisher) como Chris McQueen; y Jahkara Smith (también conocido como Sailor J) en la piel de Maggie Leigh.

 

Published in: on febrero 9, 2019 at 8:38 am  Dejar un comentario  

Presentación en Madrid este viernes de los libros coordinados por Ángel Gómez Rivero “La huella de Drácula” y “Abecedario del Horror”

Este viernes 8 de febrero de 2019, de 20:00 a 21:00 horas tendrá lugar la presentación de los libros La huella de Drácula. Antología de relatos y Abecedario del Horror. Personajes y mitos clásicos del cine de terror, ambos coordinados por Ángel Gómez Rivero, y publicados por Calamar Ediciones. El primero de los libros es una selección de relatos en torno a la figura y la novela de Drácula, con historias que suponen prefacios, secuelas o spin-offs de la inmortal obra de Bram Stoker; el segundo es una guía alfabética de personajes clásicos del cine de terror, repasando todo el ingente mundo de criaturas que han convocado.

El acto tendrá lugar en la librería Estudio V, sita en Calle de las Canarias 9BIS de Madrid, y estarán presentes tanto Ángel como gran parte de los autores que han colaborado en ambos libros, entre los que se encuentran otros amigos y colaboradores de esta abadía como Carlos Díaz Maroto y Miguel Ángel Plana.

Published in: on febrero 5, 2019 at 4:32 pm  Dejar un comentario  

Muerte en la mansión del amor [vd: El sepulcro de Lorna Love]

El sepulcro de Lorna Love cartel

Título original: Death at Love House

Año: 1976 (Estados Unidos)

Director: E. W. Swackhamer

Productor: Hal Sitowitz

Guionista: James Barnett

Fotografía: Dennis Dalzell

Música: Laurence Rosenthal

Intérpretes: Robert Wagner (Joel Gregory Sr/Jr), Kate Jackson (Donna Gregory), Sylvia Sidney (Clara Joseph), Marianna Hill (Lorna Love), Joan Blondell (Marcella Geffenhart), John Carradine (Conan Carroll), Dorothy Lamour (Denise Christian), Bill Macy (Oscar Payne)…

Sinopsis: Con el objetivo de escribir el guion para un biopic, un escritor llamado Joel Gregory se instala en la vieja mansión de una famosa actriz llamada Lorna Love y fallecida en 1935. El padre de Joel fue el gran amor de la intérprete, un hecho que inmortalizó en varios cuadros. Al llegar al lúgubre lugar junto a su esposa Donna, el autor comienza a sufrir diversos fenómenos paranormales.

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Dentro de la fructífera producción de telefilmes de temática de terror y misterio que se dio en los 70, no es de extrañar la presencia de Kate Jackson en no pocos títulos, dado que la actriz comenzó su carrera en el medio con el papel de Daphne Collins en la serie de Dan Curtis Sombras en la oscuridad (Dark Shadows, 1970-1971). Tras repetir con Curtis en Una luz en la oscuridad (Night of Dark Shadows, 1971), segundo largometraje televisivo sobre dicha serie, la Jackson sería protagonista de otras cinco películas catódicas del género, dos producidas por la RSO: Abejas asesinas (Killer Bees, 1973) de Curtis Harrington y Gritos de muerte (Death Scream, 1975) de Richard T. Heffron; y las otras tres contaron con la mano maestra del rey del prime-time Aaron Spelling[1] [1]: Escuela satánica para señoritas [vd: El colegio de Satán] (Satan’s School for Girls, 1973) de David Lowell Rich[2], El crucero de la muerte (Death Cruise, 1974) de Ralph Senensky[3], y Muerte en la mansión del amor [vd: El sepulcro de Lorna Love] (Death at Love House, 1976) de E.W. Swackhamer, todas estrenadas por el canal ABC.

Robert Wagner, quien le había proporcionado buenos dividendos a la Fox en la década de los 50, vio estancarse su carrera a finales del decenio siguiente, reciclándose con éxito en la pequeña pantalla, en una amplísima producción donde no faltaron cintas de género como La ciudad bajo el agua (City Beneath the Sea, 1972) de Irwin Allen, la jamesbondiana El mundo extraño de Madame Sin (Madame Sin, 1972) de David Greene, o Conspiración mortal (The Abduction of Saint Anne, 1975) de Harry Falk. Wagner es el protagonista principal del film que aquí nos ocupa, interpretando un doble papel como el escritor Joel Gregory y el padre de éste, el verdadero amor de todos los que tuvo la difunta Lorna Love. Una vez instalado en el caserón y comenzada su labor, Joel comenzará a trastornarse, creyendo estar en tiempos pasados y ser su progenitor, enamorándose perdidamente de la estrella y aborreciendo a su esposa Donna (Kate Jackson), a quien además alguien parece querer quitar de en medio.

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El rol de la diva recae en Marianna Hill, actriz televisiva que en los 70 se dejó ver en películas tan variadas como los westerns El Condor (El Condor, 1970) de John Guillermin o Infierno de cobardes (High Plains Drifter, 1973) de Clint Eastwood, cult-movies como la bizarra Jaula sin techo (The Baby, 1973) de Ted Post, o clásicos del Nuevo Hollywood como la aclamada El Padrino: Parte II (The Godfather: Part II, 1974) de Francis Ford Coppola. En créditos secundarios, muy atinado tratándose de una película que versa sobre una vieja star de la Meca del Cine, encontramos a antiguas glorias hollywoodienses como Sylvia Sidney (en el papel del ama de llaves), Dorothy Lamour (como la antigua rival de Lorna Love), y el incombustible John Carradine (encarnando al pigmalión que fraguó la carrera de la Love para que luego ella lo destruyera).

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El film de Swackhamer bebe de la tradición en el cine (y la televisión) usamericano de desarrollar sus tramas en el propio mundillo de Hollywood y su star-system, algo que se remonta a los tiempos del silente, pero sobre todo comparte esa contemplación entre la admiración y el desdén, entre la ironía[4] [4] y el rapapolvo que instauró Billy Wilder con El crepúsculo de los dioses (Sunset Boulevard, 1950) y que continuarían títulos tan desgarradores como ¿Qué fue de Baby Jane? (What Ever Happened to Baby Jane?, 1962) de Robert Aldrich (en este caso cambiando el séptimo arte por la farándula), dos cintas de las que la que Muerte en la mansión del amor fagocita algunos (no pocos) elementos[5]. Pero, fruto de su tiempo, también aprovecha la moda por el satanismo y el Maligno en las películas que comenzaría con La semilla del diablo (Rosemary’s Baby, 1968) de Roman Polanski y terminaría por afianzarse con El exorcista (The Exorcist, 1973) de William Friedkin para quedarse en las pantallas durante toda la década; y en especial fija su mirada en la conocida relación entre Jayne Mansfield y el autoproclamado Papa Negro Anton LaVey, así como en el trágico y aparatoso óbito de la rubia platino en junio de 1969 y la leyenda urbana (que el mismo LaVey ayudó a difundir) que lo rodeó[6]. Cambiando aquí el accidente automovilístico por un incendio involuntario que, faltaría más, volverá a repetirse en el catártico final, que recuerda conscientemente, y no sólo por el arrasador paso de las llamas, al clásico por excelencia de Gastón Leroux “El fantasma de la ópera” (por supuesto también inmortalizado en el Hollywood mudo). Acabando dicho fuego de paso con el arcaico palacio (y todos sus recuerdos) y recuperando el matrimonio su estabilidad.

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E. W. Swackhamer, todo un veterano de las 365 líneas, filma con profesionalidad y eficacia, sin recursos narrativos o estéticos osados pero igualmente sin estridencias, sin abusar de los tan usuales en esos años zooms y demás. Un clasicismo en la forma que se corresponde también con el fondo, en el guion de James Barnett, que elige de protagonistas a una pareja casada y de éxito (ella además embarazada), en lugar de los perdedores y vagabundos habituales en la década, destinados a deambular buscando un destino pocas veces cierto o atinado; una historia más próxima a los melodramas góticos de décadas anteriores, con el amor fou siempre presente, que al terror sórdido y feista que asolaba las pantallas norteamericanas de su tiempo, poblado por psicópatas y matarifes, y que impusieran los nuevos bárbaros de Craven, Cunningham o Hopper. Y optando por el tradicional happy end, volviendo todo al status quo, en lugar del nonsense y el angst existencial de tantas producciones contemporáneas. Claro que estamos hablando de una tv-movie (para más inri con el sello de Spelling), pero cabría añadir que Curtis Harrington, en Abejas asesinas sin ir más lejos, se marcaba un burlón final (no feliz para todos, más bien sólo para unos pocos) con la sonrisa de la misma Kate Jackson.

Alfonso & Miguel Romero

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[1] Quien terminó de encumbrarla como estrella televisiva a raíz de sus papeles de Hill Danko en Los patrulleros (The Rookies, 1972-1976) y, sobre todo, la Sabrina Duncan de Los ángeles de Charlie (Charlie’s Angels, 1976-1981).

[2] Donde la Jackson coincidiría con Cheryl Ladd, futura compañera en Los ángeles de Charlie al abandonar la serie Farrah Fawcett. En el 2000 Spelling produjo una nueva Satan School, con realización de Christopher Leitch donde no podía faltar un personaje para Kate Jackson, pero esta vez protagonizada por otra musa del productor, Shannen Doherty –Sensación de vivir (Beverly Hills, 90210, 1990-1994), Embrujadas (Charmed, 1998-2008)-.

[3] Curiosamente, Kate Jackson volvía aquí a hacer pareja con Eddie Albert Jr, al igual que en su otro film fantaterrorífico de ese año, la arriba citada Abejas asesinas. No sería la última vez que ambos trabajaran juntos. En 2004, dos años antes de la defunción de Albert, coincidieron en No regrets de Curt Hahm.

[4] Representativo ese cartel anunciando el “Museo de cera de Hollywood” en el inicio del film. Es a lo que han quedado reducidos aquellos primeros años de la industria, amén de la misma Lorna Love exhibida.

[5] Del film de Wilder tenemos la hacienda, otrora escenario de fiestas y opulencia, de momentos felices, que se ha visto convertida con el devenir de los tiempos en triste mausoleo, en museo macabro, en cámara mortuoria; el intento por parte de la diva de reverdecer viejos laureles, anclada en pasadas épocas de gloria, e incapaz de aceptar el transcurrir de los años; e incluso un personaje (sin mucha trascendencia en la trama), un director del primer Hollywood, Eric Herman (John A. Zee) que no deja de ser un socias de Eric Von Stroheim. Y siguiendo con Billy Wilder, resultan curiosas las afinidades de Muerte en la mansión del amor con la posterior Fedora (Fedora, 1978), pero no diremos nada más para no reventar la conclusión. De la película de Aldrich tenemos el excesivo y grotesco maquillaje que llega a lucir Lorna Love, descaradamente sacado del que porta una madura Baby Jane (Bette Davis) en su patético intento de volver a los escenarios.

[6] Si hay un accidente de coche que rivalice en el imaginario colectivo de los estadounidenses con el de James Dean y su Porsche 550 Spyder, apodado Little Bastard, es sin duda el que acabó con la vida de la pin-up y actriz Jayne Mansfield. De ello daba constancia Cronenberg según Ballard, en Crash (1996). La mañana del 28 de junio de 1967, el auto en el que viajaban la explosiva sex-symbol, su amante el abogado Sam Brody, tres hijos de la actriz, más el chofer, chocó contra un camión aparcado en la autopista 90, entre Biloxi, Mississippi, y Nueva Orleáns. La capota del coche salió disparada, causando un grave traumatismo craneoencefálico a la bombshell, una foto policial con lo que parecía una cabeza rubia sobre el capó, en realidad una peluca, dio pie a la leyenda urbana de que había sido decapitada. Los otros dos adultos también perecieron, mas los niños sólo sufrieron lesiones leves. Se culpó a Anton LaVey y la maldición que echó sobre la pareja cuando Brody se burló de aquél y su liturgia durante una visita de los amantes a la mansión del Papa Negro. El letrado notó la química sexual entre el anfitrión y su partenaire y no lo soportó (hechos corroborados por el biógrafo oficial de la actriz, May Mann). La protagonista de La rubia y el sheriff  (The sheriff of Fractured Jaw, 1958) estuvo muy involucrada en las actividades de la Iglesia de Satán, para mayor cabreo de Brody. La relación entre los dos machos alfa siempre fue competitiva y hostil. LaVey le llegó a decir a su rival que moriría en un accidente en la carretera. Y para seguir echando leña al fuego, unos días después del fatal choque, declaraba: “Estaba en mi despacho, recortando una fotografía del periódico en la que aparecía yo depositando unas flores en la tumba de Marilyn Monroe. Y cuando volví la página vi que había una fotografía de Mansfield al otro lado y que yo había cortado su garganta con total exactitud”. La polémica estaba servida para las revistas de cotilleos, y de paso era una buena publicidad para el satanista y sus actividades. Con el paso de los años, él mismo rectificaría alegando que todo había sido una simple coincidencia. Para quienes estén interesados en el tema, resulta muy recomendable el documental Mansfield 66/67 (2017) de Todd Hughes y P. David Ebersole, centrado en la relación entre estos dos iconos pop. Y para terminar, sin enrollarnos más, comentar que los restos del automóvil de la letal colisión sería exhibido por el país de las barras y estrellas, como muestra la película titulada precisamente Jayne Mansfield’s Car [DVD:Infierno en Alabama, 2012] de Billy Bob Thorton.

Fant acoge mañana la proyección de “Verano del 84”, la nueva película de los directores de “Turbo Kid” que se estrena este viernes

verano del 84

Tras haber pasado por varios de los principales festivales especializados en género fantástico del país, caso del Festival de Sitges, el Nocturna de Madrid, la Semana de Terror de San Sebastián, el Fancine de Málaga y el TerrorMolins, este viernes 1 de febrero llega a las salas españolas de la mano de A Contracorriente Films Verano del 84 (Summer of 84, 2018), la nueva película de los directores de la aclamada Turbo Kid (Turbo Kid, 2015), Anouk Whissell, François Simard y Yoann y Karl Whissell, también conocidos como RKSS.

Siguiendo la senda del fenómeno televisivo Stranger Things o la reciente versión de ItVerano del 84 es un thriller de terror y suspense que rinde homenaje al cine fantástico comercial de los años ochenta protagonizado por adolescentes. Con tal propósito traslada su acción a aquella década para narrar las aventuras en las que se ven inmersos unos jóvenes detectives aficionados que sospechan que un agente de policía vecino del barrio es, en realidad, un asesino en serie. Por tal motivo, deciden pasar el verano vigilándole, para obtener así las pruebas que confirmen su teoría. Pero a medida que se van acercando a la verdad, aumenta también el peligro que se cierne sobre sus vidas.

Un día antes, el jueves, y dentro de la serie de preestrenos a nivel nacional que el Festival de Cine Fantástico de Bilbao – FANT organizará hasta el próximo mes de mayo con motivo de su vigésima edición, a celebrar entre los próximos 2 y 11 de mayo, proyectará Verano del 84 en una sesión que tendrá lugar en los Cines Golem – Alhóndiga de la capital vizcaína a las 20 horas con entrada gratuita por invitación a recoger en taquilla el mismo jueves a partir de las 16horas –máximo dos por persona–.

Tras el de Verano del 84, los siguientes preestrenos que tendrán lugar dentro de estas actividades en los Cines Golem – Alhóndiga serán el del drama de acción protagonizado por Nicole Kidman Destroyer (2018), de la realizadora estadounidense Karyn Kusama el 21 de febrero, y el 7 de marzo el de la última película de Koldo Serra, 70 binladens, thriller ambientado en el propio Bilbao y protagonizado por Emma Suárez, Nathalie Poza y Hugo Silva.

Published in: on enero 30, 2019 at 6:57 am  Dejar un comentario  
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El 8 de febrero Filmax estrena en salas españolas el film de terror “The Prodigy”

the prodigy

Coincidiendo con su estreno en Estados Unidos, el próximo viernes 8 de febrero desembarcará en salas españolas de la mano de Filmax el film de terror The Prodigy. Se trata de la nueva película de Nicholas McCarthy, director de El pacto y Home, y está protagonizada por Taylor Schilling (Orange Is The New Black), Jackson Robert Scott (It: Capítulo 1), Colm Feore (El exorcismo de Emily Rose) y Peter Mooney (serie Rookie Blue). En cuanto a su libreto, es obra de Jeff Buhler (El vagón de la muerte, coguionista de Cementerio de animales y creador de la serie Nightflyers, según la novela de George R.R. Martin), su producción corre por cuenta de Tripp Vinson (El rito, Premonición) y su banda sonora está compuesta por Joseph Bishara (The Conjuring, Insidious).

Sinopsis: El perturbador comportamiento del pequeño Miles (Jackson Robert Scott) hace sospechar a su madre, Sarah (Taylor Schilling), que una fuerza maligna y probablemente sobrenatural se ha apoderado de él. Temiendo por la seguridad de su familia, Sarah debe elegir entre su instinto maternal de amar y proteger a Miles y la desesperada necesidad de investigar qué o quién le está provocando ese inquietante comportamiento. Pronto descubrirá que para poder salvar a Miles se verá obligada a buscar respuestas en un pasado muy peligroso y aterrador.

Más información en la web oficial española de la película: theprodigy.filmax.com

Published in: on enero 27, 2019 at 10:19 am  Dejar un comentario  

Proyección de “El gabinete del Doctor Caligari” con música en directo del grupo “Toundra” el 8 de mayo en la sala 1 de los Cines Capitol.

dr caligari directo

El próximo miércoles 8 de mayo a las 21:30 la sala 1 de los emblemáticos cines Capitol de Madrid, considerada la sala más grande de la capital, acogerá la proyección del clásico del expresionismo alemán El gabinete del Doctor Caligari acompañado de la banda sonora creada e interpretada en directo por el grupo madrileño de post rock instrumental “Toundra” dentro de su primera gran gira mundial, en lo que supondrá el estreno de dicha banda sonora.

Considerada una de las obras de cine mudo más famosas de la historia, la fuerza expresiva, la unidad, la disciplina y la cohesión de las imágenes de El gabinete del Doctor Caligari demuestra la superioridad aplastante de una obra compuesta por un visionario. Robert Wiene comprendió que lo que podía ser explotado eficazmente sobre el escenario, lo sería aún mejor en la pantalla. Los decorados de la película desempeñan así un papel protagonista y tienen la posibilidad de elevar los accesorios a la dignidad de intérpretes.

No obstante, en su estreno la película se enfrentó frecuentemente a una incomprensión que llegó a veces a la mala intención, principalmente en Estados Unidos donde la agrupación de productores movilizó a los estudiantes de Los Ángeles para que impidieran la entrada del público en la sala. Casi cien años después, esta joya pionera del expresionismo alemán es reconocida como una obra que revolucionaría no solo el género por su estética sombría y su estructura narrativa, sino por ser considerada la auténtica primera película de terror de la historia.

toundra

En cuanto a “Toundra”, desde su aparición en 2007 se han convertido en una de las bandas de rock instrumental más importantes de Europa, gracias a una música que mezcla riffs poderosos con hermosas melodías e intrincadas atmósferas, ejecutada en incendiarios directos. Todo ello les ha llevado a firmar un contrato discográfico con el sello de rock progresivo más importante del mundo, “InsideOut”, alcanzar la segunda posición en las listas de ventas en España, obtener el reconocimiento unánime de la prensa española e internacional y pasear su propuesta musical, agotando entradas, por salas de Europa, México y Estados Unidos, convirtiéndose en una de las bandas españolas que más actúa en directo.

Entradas ya a la venta en:­ https://entradium.com/entradas/cafe-kino-presenta-el-gabinete-del-doctor-caligari-con-banda-sonora-en-directo-de-toundra#tickets

 

Published in: on enero 24, 2019 at 6:54 am  Dejar un comentario  

Entrevista a Downey Jordan y Kevin Stewart, responsables de la película de fantasía heroica y terror “The Head”

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Una de las diferentes premieres mundiales que acogió la quincuagésimo primera edición del Festival de Sitges fue el de la película estadounidense The Head (2018). Tras darse a conocer con el díptico de comedias terroríficas ThanksKilling, sobre las andanzas de un pavo asesino llamado Turkie que se dedica a asesinar a incautos durante la festividad de acción de gracias, convertidas en todo un fenómeno de culto en su país de procedencia, el tándem formado por el director y guionista Jordan Downey y el también guionista y operador de fotografía Kevin Stewart regresan con un trabajo radicalmente distinto en planteamiento e intenciones. De concepción minimalista, se trata de un oscuro y tenebroso exponente de espada y brujería, un tanto en la línea de Robert E. Howard, habitado por un único personaje y sin prácticamente diálogos que narra la venganza de un guerrero contra el monstruo que asesinó a su hija.

Horas antes de la puesta de largo de The Head en el cine El Retiro dentro de la sección “Panorama Fantàstic”, tuvimos la oportunidad de charlar con Jordan y Kevin en una entrevista que también contó con la presencia del productor del film, Ricky Fosheim.

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De izda. a dcha.: Ricky Fosheim (productor), Kevin Stewart (director de fotografía y co-guionista) y Jordan Downey (director y co-guionista)

Tras la saga de comedias terroríficas Thankskilling, en The Head cambiáis radicalmente de registro. ¿Cómo surge el proyecto?

Jordan: ¿Por qué el cambio? ¿Por qué cambiar a un tipo de película completamente diferente? Bueno, para ser honesto, Thankskilling es un tipo diferente de película, y The Head se acerca más a lo que siempre quisimos hacer; de lo que yo quería hacer y de lo que Kevin siempre quería hacer. The Head es mucho más, mucho más propia, y es lo que queríamos hacer ahora. Thankskilling (2008) la rodamos cuando teníamos veintiún años y estábamos en la universidad. Era solo una broma, una especie de película de universidad divertida. No hubo nada que provocara que nos alejáramos de lo que siempre habíamos sentido que éramos nosotros. Thankskilling era la anomalía y The Head nos representa más.

¿Ha cambiado mucho la forma de trabajar en The Head con respecto a como lo habías hecho en las dos Thankskilling, que, como dices, estaban hechas entre amigos sin más pretensión que divertiros?

Jordan: Ha sido lo mismo, si te soy honesto. Han cambiado cosas, como la manera en que situábamos las cámaras para hacer los planos, pero la manera de abordarla ha sido la misma. De hecho, creo que en realidad en Thankskilling contamos con más gente en el equipo que en The Head, que ha sido una película muy pequeña. Pero el enfoque es el mismo. La diferencia es que ahora tenemos más oficio, nos hemos vuelto más hábiles y sabemos lo que estamos haciendo un poco más y mejor. Pero por lo demás se trata de lo mismo: hacer la película con nuestras propias manos. Nada ha cambiado.

Al hilo de lo que comentas, The Head es una película construida por medio de su minimalismo, empezando por el hecho de que solo tenga un personaje en pantalla y prácticamente carezca de diálogos. El que optarais por este enfoque ¿se debió a cuestiones presupuestarias o era el estilo que os pedía el modo en el que queríais contar la historia?

Kevin: Es un poco de las dos cosas. El tema del bajo presupuesto era algo que contemplamos desde el principio, y por eso a la hora de plantear la película tuvimos en cuenta ciertas cosas que podíamos utilizar, como el lugar de Portugal del que soy, que fue donde localizamos el rodaje. Pero también nos gustaba mucho la idea de una película con un único personaje y cómo este personaje solitario emprende un viaje de venganza. Realmente nos gustaba enfocarnos en este personaje. Así que fue un poco consecuencia de ambas cosas; por un lado por el presupuesto, pero también porque queríamos enfocarnos en este planteamiento.

Jordan: Había algo en lo que estábamos realmente interesados. Todos fuimos a la escuela juntos y una de las primeras cosas que no enseñaron es que, si haces las películas sin sonido, puedes enfocarte en el lado visual y narrar una historia con imágenes solamente. Y esto ha sido algo con lo que hemos experimentado mucho en nuestros últimos dos cortometrajes, en los que no hemos utilizado apenas sonido, y queríamos probarlo en un formato de largometraje. Así que además del presupuesto limitado también queríamos experimentar con la idea de una película eminentemente visual de este tipo que, además, se puede exportar al resto del mundo. No tiene barreras idiomáticas, por lo que todo el mundo puede entenderla. Cualquier persona puede ver la película y disfrutarla.

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Kevin respondiendo una pregunta del público durante el coloquio que tuvo lugar en el Cine Retiro tras la premiere de “The Head”

Dado que todo el peso de la historia recae en un único personaje, la elección del  actor que lo interpreta se antoja algo fundamental. ¿Cómo llegasteis hasta Christopher Rygh y cómo fue la forma de trabajar con él, teniendo en cuenta que no tiene nadie con el que interactuar a lo largo de la película?

Jordan: Kevin fue el que lo encontró.

Kevin: En realidad fue un trabajo en equipo. Cuando escribimos el guion con este único personaje nos dimos cuenta de que el actor que lo interpretara debía de ser increíble, ya que tenía que llevar todo el peso de la película él solo.

A la hora de hacer el casting comenzamos a rastrear por Internet a través de Google buscando plataformas de actores. Empezamos mirando en diferentes países: Noruega, España… Lo que teníamos claro es que queríamos que el personaje tuviera el aspecto propio de un nórdico, como un vikingo. Comenzamos en Noruega, y la primera imagen que vimos de Chris nos pareció increíble con esa barba. Le enviamos un mensaje de Facebook y le dijimos que íbamos a hacer una película pequeña en Portugal y que queríamos que fuera él la estrella. Anteriormente Chris no había hecho mucha cosa. Había participado en videos musicales y cosas así, pero esta era su primera película. Así que cuando nos contestó, nos dijo que la propuesta le sonaba interesante, por lo que nos pidió que le contáramos un poco más. Le enviamos el guion, le gustó y decidió lanzarse y venir a rodar a Portugal, aunque no nos conocíamos personalmente, ya que, como decimos, el casting lo hicimos a través de un sitio web con una foto. Sin embargo, no hemos podido hacer una mejor elección; su actuación en la película es increíble y lleva todo el peso de la narración muy bien.

Jordan: Hay una historia muy graciosa referente al sitio web donde lo localizamos. Resulta que él estaba cansado de pagar una tarifa mensual a esa plataforma de actores. Estaba harto y había pensado cancelarlo. Tanto es así que cuando lo encontramos fue unas pocas semanas antes de que lo cancelara.

Kevin: Ahora mismo está haciendo una película de temática medieval con Michel Caine y Ben Foster[1]. En adelante va desempeñar papeles bastante buenos. Por ejemplo, va a estar en la nueva temporada de The Last Kingdom (The Last Kingdom; 2015-…). Ves que está subiendo en la profesión y parece increíble que comenzara con nosotros en The Head.

Imagino que el hecho de contar con solo un personaje sería un desafío a la hora de conseguir que la película resultara dinámica…

Jordan: Bueno, más que un desafío nos daba miedo, ya que, si no funcionaba, la película iba a resultar la más aburrida de la historia. Pero una vez que empezamos a ver trabajar a Chris los primeros días de rodaje supimos que iba a ser capaz de llevar toda la película sobre sus espaldas. Teníamos un buen presentimiento.

Recuerdo que la idea era que, al haber un solo un personaje, teníamos que ralentizar todo un poco. Por ejemplo, si nuestro personaje se levantaba del suelo, en una película convencional simplemente se levantaría y cruzaría la habitación… pero en nuestra película debía que tener más historia asociada a cada cosa que hace. Todo movimiento tenía que parecer que dolía y que era más lento de lo habitual. Si tenía que ir del punto A al punto B, tenían que pasar pequeñas cosas entre medias. Un film más grande simplemente lo pasaría por alto y es lo que lo hace interesante la nuestra: es una película con solo un personaje y eso te permite ver aspectos que no salen en otro tipo de películas más tradicionales hechas con más actores. Pero sí, fue un gran desafío.

Al igual que en las dos anteriores películas habéis escrito el guion entre ambos. ¿Os repartís de alguna forma el trabajo a la hora de escribir?

 

Jordan: El proceso empezó exactamente como estamos ahora: sentados y tomando café en una mesa de madera. Y a partir de ahí simplemente fuimos hablando de diferentes ideas, hasta que se  nos ocurrió la idea de este vikingo que tiene un saco con una cabeza dentro, y que hay un elixir mágico que le ayuda a curar sus heridas y que de forma accidental cae en el saco haciendo que la cabeza reviva. Una vez tuvimos la idea central básica de la película, continuamos manteniendo conversaciones de ida y vuelta. Realmente, Ricky tuvo gran influencia en todo este proceso, ya que organizó un taller de escritura, lo que nos ayudó a escribir la mayor parte del guion en una semana, más o menos.

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Kevin, Jordan y Rickie durante la entrevista

Kevin: El guion tenía cuarenta páginas, lo que nos daba bastante miedo,  porque, por lo general, una página de giuon equivale a un minuto en pantalla. Así que cuarenta páginas suponían cuarenta minutos de metraje, y todos sabemos que eso iba a ser bastante corto para un largometraje. No obstante, todo era descripción, no había diálogos, por lo que era bastante denso. Y al final ha terminado funcionando, convirtiéndose en una película de setenta y dos minutos, que es lo que queríamos.

También surgió la idea de que mi madre y mi bisabuela crecieron en un pequeño pueblo de Portugal en el que ahora solo viven tres personas. Creo que solo mi abuela y un par de primos. Mi madre ahora vive en la ciudad, pero es un lugar al que yo solía ir todos los veranos y que me encanta, aunque hacía mucho tiempo que no iba desde que me mudé a los Estados Unidos. Así que les dije a Jordan y Ricky que teníamos que ir a hacer una película allí, ya que es una localización muy hermosa y nos iba a resultar un gran valor de producción, independientemente de lo que hiciéramos. Así que surgió la idea de cómo usar esta ubicación y comenzamos a discutirlo. Lo hablamos mucho de antemano hasta que pudimos amoldarlo a la idea que teníamos y después nos sentamos y acabamos de escribir el guion en el ordenador. Así que lo hicimos juntos, pero no en términos de que cada uno se encargó del cincuenta por ciento.

Jordan: Se me ocurrió la idea un día que vinieron a mi casa, apagamos todas las luces, encendimos un fuego, se sentaron frente a él y allí hice un pitch de la historia. En ese momento vi que todos los que estaban en la habitación sintieron que era algo especial y único.

Kevin: De esto hace ahora como dos años. Era como la manera de contar historias en los viejos tiempos medievales.

Uno de los aspectos que más sobresalen de The Head a juzgar por las imágenes que he podido ver es su atmósfera y sentido estético. ¿Cuáles fueron los principales referentes que manejabais y cómo os las apañasteis para darle un acabado que se antoja muy por encima del que cabría esperar de una película de bajo presupuesto?

Jordan: Quizás la principal referencia que teníamos era En busca del fuego (La guerre du feu, 1981), la película francesa sobre el hombre de las cavernas, porque teníamos muchos puntos en común. También en ella hay muy poco diálogo, todas las escenas utilizan luz natural, y el tipo de fotografía es muy similar. Otra película que tuvimos muy presente fue, por supuesto, La matanza de Texas (The Texas Chain Saw Massacre, 1974) por el lado terrorífico de la película. Aunque el telón de fondo sea de fantasía medieval, era importante que se sintiera como una película de terror. En lo que nunca pensamos fue en que fuera como Juego de tronos (Game of Thrones, 2011-2019) o El señor de los anillos. Necesitábamos sentir que daba miedo. Algo un poco en la línea de Twin Peaks, en el sentido de que es algo surrealista. La historia que narramos no tiene por qué suceder necesariamente en nuestro mundo. No es forzosamente una historia que en verdad existió en la época medieval. Podría haber tenido lugar en otro planeta, incluso en otro momento, o en algún tipo de vórtice temporal. Pero, volviendo a tu pregunta, las películas que te he citado son las principales influencias que tuvimos, que son películas que hemos visto muchas veces, porque siempre estamos viendo muchas películas. Y algo de eso se queda en el subconsciente.

Kevin: Es posible que viendo The Head pueda venir a la mente del espectador Juego de tronos porque es también de ambientación medieval, por supuesto. Además, como director de fotografía que soy de la película, también me influyó en el apartado de la iluminación, como usar antorchas, fuego, etcétera. Nuestra película básicamente usa luz natural o la luz procedente del fuego, y prácticamente no hay nada de luz artificial.  Así que Juego de tronos sí que tuvo influencia en el apartado fotográfico.

Jordan: Realmente no hay muchas películas medievales de terror. Sí que vimos El guerrero número 13 (The 13th Warrior, 1999), que es una película bastante buena. Pero lo hicimos principalmente para asegurarnos de que no estuviéramos copiando nada. Pero, en realidad, hay muy pocas películas de terror medievales en las que poder fijarse.

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Jordan Downey

Vuestras dos anteriores películas fueron distribuidas en Video on Demand. Tras su premier mundial en Sitges, ¿qué camino le espera por delante a The Head?

Jordan: Ahora estamos hablando con una compañía mucho más grande que cualquiera con la que hemos trabajado hasta ahora. Estamos emocionados, especialmente pensando en el mercado internacional, debido al poco diálogo que tiene la película y a que su concepción es muy internacional: nosotros somos de Estados Unidos, ha sido rodada en Portugal, el protagonista es de Noruega, y el equipo es de diferentes partes del mundo. Incluso tenemos una segunda versión de la película en la que el personaje de Chris habla en noruego. Ya veremos qué pasa.

José Luis Salvador Estébenez

Traducción: Tarik Amarouch García

Fotografías: Juan Mari Ripalda

[1] Nota del autor: Se refiere a Medieval, superproducción checa de reparto internacional escrita y dirigida por  Petr Jákl, que aborda la vida del genio militar Jan Zizka, quien en el siglo XIV derrotó a los ejércitos de la Orden de los Caballeros Teutónicos y del Sacro Imperio Romano, siendo todo un símbolo de la identidad nacional de aquel país.

“Distortion”, cortometraje de terror dirigido por Grégory Papinutto

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Distortion es un cortometraje de terror dirigido por Grégory Papinutto. Tras más de diez años realizando películas publicitarias corporativas, este cineasta decidió embarcarse en algunos proyectos personales. Primero, dirigió dos documentales sobre artistas, cuyo éxito en el circuito de festivales le dio la confianza para dirigir Distortion, nacido originalmente como un largometraje. “Este proyecto, aunque ambicioso, es simplemente el cumplimiento de una pasión de toda una vida por el cine de género”, explica Papinutto.

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Sinopsis: En un pueblo pequeño, siete amigos de toda la vida acuden a una fiesta organizada por un tipo en un convento abandonado donde es vigilante nocturno. Cuando Dianne se despierta de la eufórica neblina de la rave, las cosas no están del todo bien. Ahí es cuando todo se sale de control. ¿Tienes lo que se necesita para resistir el alucinante horror de la pesadilla de Dianne?

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“Para crear la atmósfera de Distortion, vi cientos de películas y tomé nota de todas las emociones y sacudidas particulares que impregnan al cine de género de su poder único para cautivar a los espectadores”. Para tal fin tomó la decisión de no utilizar efectos infográficos y hacer maquillajes SFX en la pura tradición de las películas de terror, que le llevaron tres meses de creación y tres horas de maquillaje sobre los actores antes del rodaje. En el mismo sentido, para crear la atmósfera buscada la fotografía buscó la luz de fuentes que vinieran casi todas desde el exterior; con un sesgo de colores brillantes, en contra de la tendencia actual del cine de género, un poco en la tradición del giallo. Y, por último, crear una banda sonora formada por una música que resultara original, moderna y brutal, para lo que contó con uno de los miembros del grupo de música electrónica de vanguardia “Lakker”. Por otra parte, el ingeniero de sonido grabó docenas de sonidos (portazos, chirridos de puertas) durante toda la noche en el plató, que Dara Smith sampleó y mezcló para crear la música.

He aquí el resultado:

Published in: on enero 16, 2019 at 7:11 am  Dejar un comentario  

I frati rossi [tv: La maldición de los templarios]

 

Título original: I frati rossi

Año: 1988 (Italia)

Director: Gianni Martucci

Productor: Pino Buricchi

Guionistas: Pino Buricchi, Gianni Martucci sobre una historia de Luciana Anna Spacca

Fotografía: Sergio Rubini

Música: Paolo Rustichelli

Intérpretes: Gerardo Amato (Robert Gherghi), Lara Wendel (Ramona Icardi), Malisa Longo (Priscilla), Chuck Valenti [acreditado como Richard Brown] (Ben), Claudio Pacifico (Lodorisio, el Lord), Mary Maxwell (Lucille), Gaetano Russo [acreditado como Ronald Russo] (Riccardo Gherghi), Ludovico Della Jojo, Luca Intoppa…

Sinopsis: Una mujer joven contrae matrimonio con un aparentemente encantador hombre y se traslada a vivir con él a su mansión. Allí pronto comienza a alertarse por los secretos que oculta su marido, sus actividades nocturnas y lo que hay en la mazmorra del sótano….

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Hacía finales de los años ochenta, y una vez que el impacto cosechado por sus incursiones en la temática zombi de comienzos de década comenzaba a decaer, Lucio Fulci apadrinó una serie de títulos realizados preferentemente con destino al mercado doméstico, en lo que resultaba una indisimulada maniobra publicitaria. Agrupados bajo el inconfundible epígrafe “Lucio Fulci presentes”, la implicación real del cineasta romano se limitaría en la mayoría de los casos a su acreditación en labores de coproductor o supervisor de efectos especiales. Como contraprestación, y aparte de la consabida compensación económica, el director de El más allá utilizaría poco tiempo después material procedente de estas películas para dar forma al que, en muchos sentidos, significó su testamento cinematográfico: Un gatto nel cervello.

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Siguiendo el carácter exploiter que para aquel entonces se había apoderado del escaso cine de género que aún se confeccionaba en el país con forma de bota, no faltó quien trató de subirse al carro imitando el modus operandi descrito. Fue el caso de I frati rossi, cinta dirigida por Gianni Martucci y distribuida como si de una integrante más de la serie se tratara, lo que provocó que Fulci emprendiera acciones legales contra sus responsables con el objetivo de que su nombre fuera retirado de sus títulos de crédito y demás material propagandístico, alegando su nula implicación en el proyecto. Un extremo confirmado años más tarde por los testimonios de varios de los implicados en la gestación de la cinta en cuestión, caso de su secretaria de montaje, Annamaria Liguori, o de su coprotagonista, Malisa Longo.

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Puestos a aprovechar el nombre de un reputado cineasta trasalpino en su beneficio, quizás lo más consecuente es que, en vista de sus particularidades, los ideólogos de I frati rossi, La maldición de los templarios en su televisivo título español[1], hubieran recurrido a los de Mario Bava, Riccardo Freda o Antonio Margheriti. Y es que, en realidad, el film en cuestión se revela como una anacrónica tentativa de retomar la senda cultivada allá en la primera mitad de los sesenta por la denominada “escuela gótica de terror italiana”. De este modo, su argumento recorre con extrema exhaustividad el catálogo de lugares comunes acuñados por aquel estilo, formando un auténtico compendio en el que se entremezclan castillos depositarios de oscuros secretos, con antiquísimas maldiciones familiares dilatadas a lo largo de los siglos, sacrificios rituales que requieren de la sangre de virgen en combinación con singulares conjunciones astrales, o la presencia de una siniestra ama de llaves.

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No obstante, no es la participación de estos elementos la que otorga por si sola su aludida carta de naturaleza al conjunto. Tal filiación se sustenta en base a la invocación de temas y conceptos tan recurrentes dentro de esta vertiente cinematográfica italiana como la dualidad femenina en su doble representación de transmisora de amor y muerte, la importancia que la sexualidad de sus personajes adquiere con respecto al rol a desempeñar en la historia, o la utilización del escenario como prolongación del alma de los que en él moran, sin olvidar la concurrencia de la prototípica estampa en la que una exuberante joven en vaporoso camisón recorre durante la noche los laberinticos pasillos de una mansión. En este sentido, cabe referir sus similitudes contextuales con dos añejos representantes del estilo, con los que comparte, en primera instancia, el hecho de que sus villanos titulares sean encapuchados vestidos totalmente de rojo: la hoy devenida en cinta de culto Il boia scarlatto de Massimo Pupillo –al igual que en ella, la personalidad de la protagonista es poseída por el espíritu de un anterior habitante del lugar, a lo que hay que añadir la utilización que se hace de las arañas con fines terroríficos-, o la poco conocida La casa della paura de William L. Rose –la presencia de un culto pseudoreligioso consagrado a hacer el mal-, con la que también se hermana por la confusión existente entorno a su auténtica autoría.

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Semejante amalgama de ingredientes es servido a través de un guion confuso, depositario de ingenuidades y contradicciones varias pero, sobre todo, de lo más tramposo en la forma en la que está planteado, y en el que por si fuera poco también hay cabida para cierto ecos giallescos, twist final incluido, que al menos aportan una de las pocas ideas audaces del libreto, al intercambiar durante su desenlace los papeles de víctima y verdugo que parecían asignados desde un principio. Pero mientras que en los films emulados la existencia de estas rémoras eran solventadas por la vía de la estilización, ya fuera visual, narrativa y/o gráfica, tales cualidades brillan aquí por su ausencia, comenzando por un nivel de violencia sorprendentemente bajo para una película, en teoría, avalada por Lucio Fulci, si bien participe de su proverbial misoginia.

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Lejos de la capacidad plástica de la que hicieran gala los ejemplos más representativos del subgénero, I frati rossi exhibe una marcada estética televisiva, a la que contribuye de forma decisiva la plana fotografía de Sergio Rubili, incapaz de crear con su trabajo algo parecido a una atmósfera. Lo mismo ocurre con la funcional y rutinaria realización perpetrada por Martucci, en lo que a la postre se convirtió en su despedida del oficio. El predominio que en su planificación encuentran los planos americanos y los encuadres abiertos, tienen su reflejo en la inexistente sensación de claustrofobia que cabría esperar en una historia de estas características. Y eso, a pesar de que apenas existan escenas ambientadas más allá de los muros del emplazamiento principal, y que las pocas que hay, caso de las ambientadas en las desiertas calles de una población cercana, se desarrollen bajo una total ausencia de figuración, lo que más que un intento encaminado a conseguir un clima de irrealidad, incide en el bajo presupuesto del que dispuso una producción pobre de solemnidad en todos los sentidos.

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Carente pues de cualquier tipo de atractivo, lo que queda es un film apático, arrítmico y poco recomendable, que solo destaca por la autoconsciencia con la que apela a la identidad propia de la escuela gótica italiana, al tiempo que asume su glorioso legado, coincidiendo con una época en la que las virtudes de este tipo de cine comenzaban a ser reivindicadas por una nueva generación de cinéfilos, tras años de marginación y desprecio. Dentro de la mediocridad que preside el conjunto, tan solo una escena merece ser valorada por encima del resto. Se trata, además, del prólogo, y lo es por la perfecta síntesis que plantea sobre la indivisibilidad del eros y tanatos que fuera razón de ser del cine de terror mediterráneo. Ambientada cincuenta años más tarde del grueso del relato, en ella se narra la llegada del nuevo propietario al castillo en el que se focaliza la historia. Mientras se encuentra inspeccionando el lugar, el hombre observa la presencia de una fémina que se pasea desnuda por las estancias de su, en principio, abandonada propiedad. Atraído por su escultural figura, comienza una persecución que culmina en los sótanos, donde finalmente la da alcance. Cuando esto ocurre, la misteriosa presencia gira sobre sí misma como movida por un resorte, decapitando al hombre con la enorme espada que porta entre las manos, sin que en ningún momento se muestre cuál es su rostro.

José Luis Salvador Estébenez

[1] La sola mención en su título de la famosa orden de monjes guerreros, trae a la memoria de un modo inconsciente la Tetralogía Templaria que dedicara a idénticos personajes el gallego Amando de Ossorio. Y lo cierto es que existen ciertas conexiones entre unas y otra, representadas principalmente en la análoga inclusión de un flashback ambientado en la Edad Media, destinado a rememorar los orígenes de sus respectivas sectas heréticas. Casualidad o no, el modo en el que es incorporada dicha escena en la presente se asemeja sospechosamente a como ocurría en la fundacional La noche del terror ciego, cuando dos de sus protagonistas acudan a visitar a un estudioso del tema para que los ilustre al respecto. Si a eso le añadimos que la caracterización del personaje en cuestión guarda evidentes similitudes físicas con Paco Sanz, el actor que diera vida a su homólogo en la cinta de Ossorio, cabe preguntarse si de verdad podemos hablar de simple coincidencias.

Published in: on enero 14, 2019 at 7:18 am  Dejar un comentario  

Teaser trailer de “Johnny Z”, una película de artes marciales y zombis

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Johnny Z es una película de acción y terror que promete “cadáveres reanimados”, seres humanos infectados por virus y la emocionante acción de las artes marciales·. Su protagonista es un ser mitad zombi, mitad humano llamado Johnny, cuya sangre cura la epidemia de zombis que asola al planeta. Después de escapar de Nordac, una prisión médica experimental, Johnny estará bajo las órdenes de un gran maestro de las artes marciales llamado Jonray, quien lo protegerá y lo ayudará a encontrar a un doctor desaparecido mientras lucha contra sus demonios personales.

Escrita por Ron Bonk (She Kills, House Shark) y dirigida por Jonathan Straiton (Night of Something Strange), la cinta está protagonizada por Michael Merchant (House Shark, Night of Something Strange) y el maestro de las artes marciales Felix Cortes (Daredevil y la próxima Wonder Woman 84). En cuanto a sus efectos especiales corren a cargo de Marcus Koch (Todavía estamos aquí, American Guinea Pig Series) y está producida por Michael Kraetzer, Nicolás Onetti, Brie Straiton, Brett Janeski y Ryan Felker.

A modo de curiosidad, se trata de una película bilingüe, en la que los principales actores hablan inglés y español, y que ha sido rodada en Virginia Central. La previsión es que su recorrido por el circuito festivales se inicie en la primavera de este 2019. Para su distribución mundial, Hurricane Bridge Entertainment, su productora, se ha asociado a Black Mandala (Inbred, Los olvidados).

Más información: johnnyzmovie.com

Published in: on enero 13, 2019 at 9:24 am  Dejar un comentario