Entrevista a David Pizarro y Diego López, directores del documental “Herederos de la bestia”

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A estas alturas no cabe duda de la importancia como punto de inflexión que El día de la bestia ha ejercido en el devenir del cine fantástico patrio de las últimas tres décadas. Su estreno en 1995 oficializaría de algún modo la recuperación a nivel industrial y popular del género tras años de marginación y desprecio por parte de los estamentos oficiales. No solo eso, sino que, tras el ensayo general que había supuesto en este sentido su ópera prima, Acción mutante, con ella Álex de la Iglesia mostraba el camino a seguir a las nuevas generaciones de cineastas a la hora de abordar el género, dando el pistoletazo de salida a la que, con todo derecho, ha sido la edad dorada del cine fantástico español, con permiso de la primera mitad de los años setenta.

De su impacto y de lo que en su momento supuso la aparición de El día de la bestia se ocupa Herederos de la bestia, el nuevo trabajo de David Pizarro y Diego López. A través de los testimonios de varios de sus protagonistas el documental reconstruye cuál fue la gestación del proyecto y todo lo que lo rodeó, al tiempo que calibra el porqué de su importancia histórica y explica los motivos que lo hacen un film tan especial de la mano de críticos y cineastas. Tras su puesta de largo a escala mundial durante la última edición del Festival de Sitges, Herederos de la bestia se encuentra actualmente iniciando su recorrido por el circuito de festivales, previo a su ya cerrado estreno en salas comerciales.

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Herederos de la bestia supone vuestro tercer trabajo conjunto tras el también documental Los perversos rostros de Víctor Israel y el libro Silencios de pánico, todos ellos hermanados por poner su foco de atención en mayor o menor medida sobre la historiografía del cine fantástico español. ¿A qué se debe esta especialización? ¿Es algo premeditado?

Diego López: Cero premeditación, y hablo por los dos. Tanto David como yo siempre hemos sido seguidores del cine fantástico y de terror español desde muy jóvenes. Nuestros fanzines, y los trabajos que citas, nacen de la pasión, pero con un alto grado de reivindicación hacia un cine vilipendiado durante muchísimos años. Sus películas, directores, actores y actrices no se merecen lo que a veces, desde su propio país, se ha dicho o escrito acerca de ellos.

David Pizarro: Aunque también nos gusta otro tipo de cine, nuestra pasión es el fantástico español y estos trabajos que comentas suponen nuestro granito de arena a esa reivindicación hacia este cine tan desprestigiado y/u olvidado por algunos sectores.

En los seis años transcurridos desde que rodasteis Los perversos rostros de Víctor Israel hasta este Herederos de la bestia el formato documental consagrado a la temática ha experimentado en nuestro país un auge considerable, siendo cada vez mayor el número de trabajos realizados, lo que contrasta con la paupérrima situación que se vivía hace no mucho tiempo. Vosotros, que de algún modo habéis vivido esta evolución desde dentro, ¿cuáles pensáis que son las causas que han motivado este cambio?

D.L.: Como decía en mi anterior respuesta, creo que hemos entrado en una fase de reivindicación de un género repleto de grandes films y una cinematografía con nombres ilustres, que fuera de nuestras fronteras se ha tratado con mucho cariño y aquí, diversas voces a lo largo de los años se han centrado en destruir en vez de estudiar y valorar. Pienso que podría ser una de las razones de mayor peso. Como ejemplo, la figura de Álex de la Iglesia, una parte importante de Herederos de la bestia, que en España se le sigue viendo como un freak pero fuera es considerado un autor, ¡que lo es!, donde con algunas de sus películas ha llegado a ganar incluso festivales tan importantes como el de Venecia, como fue el caso de Balada triste de trompeta en la edición del 2010.

D.P.: El interés del público es el que marca las tendencias. Durante los últimos años se ha experimentado una demanda de este tipo de productos. El espectador anhela descubrir ciertos aspectos ocultos de algunos films emblemáticos, realizadores de culto o géneros subterráneos.

Entrando ya a hablar de lleno de Herederos de la bestia, ¿qué os ha llevado a decantaros por El día de la bestia para dar forma a vuestro nuevo documental?

D.L: Sin duda, nuestra admiración hacia la película de Álex; y el significado que ha tenido para diversas generaciones, siendo la piedra angular del fantástico contemporáneo de nuestro país. Una visión que está muy presente en el documental, gracias a las voces de muchos realizadores que ven en Álex y en su cine una nueva vía de realizar género en España tras el declive que había sufrido en los años ochenta.

D.P.: Tras realizar Los perversos rostros de Víctor Israel, mantuvimos diversas charlas para plantearnos realizar un nuevo documental. Entre distintas propuestas que surgieron, hablamos de hacer uno sobre el cine de terror español contemporáneo, lo cual cayó por su propio peso al ser algo difícil de condensar en noventa minutos. Siempre que hablábamos del proyecto nos venía una película a la mente como punto de partida de toda esa hornada de realizadores que se adentraron en el fantástico en los últimos años. Ese film en concreto es El día de la bestia, el cual puso de manifiesto que en nuestro país el cine fantástico y la comercialidad no estaban reñidos, además de dar el pistoletazo de salida para una nueva manera de entender el cine de terror. La lógica nos llevó a centrar el documental en el film de Álex.

El equipo de "Herederos de la bestia" posando junto a Álex de la Iglesia en un descanso del rodaje del documental.

El equipo de “Herederos de la bestia” posando junto a Álex de la Iglesia en un descanso del rodaje del documental.

Ya desde su título, uno de los aspectos que pone de relieve Herederos de la bestia es la importancia que su objeto de estudio ha tenido en el devenir del último cine fantástico español. ¿Cómo la tasáis, y cuál pensáis que ha sido su influencia en los films fantásticos españoles que han venido después?

D.L.: Pienso que la fuerza de El día de la bestia reside más en la capacidad de la cinta y de su autor, ¡ahí está la influencia de la película! Pero no en films posteriores que surgen a raíz del citado título… Me atrevería a decir que Acción mutante, la opera prima de Álex, dejó más poso en nuestro país, ya que a partir de ahí surgen films como Atolladero o Supernova.

El día de la bestia traza un camino, una nueva línea a seguir, donde la industria y los espectadores se reencuentran con el fantástico, avalan la segunda y determinante película de Álex, y una nueva generación de realizadores ve una puerta abierta hacia el género.

D.P.: Más que una influencia directa por tratamiento, El día de la bestia fue el punto de mira de la generación coetánea y posterior a Álex, quien allanó el camino para que esa nueva hornada de realizadores se convenciera de que sus sueños de plasmar fantasía y terror en el celuloide no era una quimera.

Para ilustrar esta aludida influencia ejercida por El día de la bestia en generaciones posteriores, aparte del equipo de la película y gente de su entorno, habéis contado con la presencia de cineastas como Jaume Balagueró o Paco Plaza. ¿Qué criterios seguisteis a la hora de buscar estas voces externas?

D.L.: Justamente esa generación de los noventa, donde también podríamos incluir a Nacho Cerdà, que el cine y la figura de Álex les empuja a debutar en el largometraje y coger el testigo. El ejemplo lo tenemos en Balagueró, que hacia finales de los noventa debuta con Los sin nombre con un enorme éxito, dando una clara muestra de que el terror podía volver a situarse en lo más alto. Posteriormente llegaría J. A. Bayona, Nacho Vigalondo, Eugenio Mira… que con sus propuestas continuarían con la labor de expandir el fantástico a nivel mundial.

D.P.: Deseábamos plasmar esa influencia con las voces más importantes del momento. Balagueró, Cerdà y Plaza son pesos pesados de nuestro fantástico contemporáneo, pero para ser sinceros, sí que nos hubiese gustado contar con alguna voz más, como Alejandro Amenábar o Daniel Monzón, con quienes llegamos a contactar y se interesaron bastante en participar en el proyecto, pero por problemas de agenda fue del todo imposible.

En este sentido, Herederos de la bestia no se queda únicamente en el típico documental sobre los pormenores de la realización de la película, sino que también os ocupáis de calibrarla desde un punto de vista crítico e historiográfico. Ni qué decir tienen que en esta visión tiene que ver, y mucho, vuestros orígenes como escritores cinematográficos…

D.L.: Teníamos muy claro, tanto David como yo, que debíamos entrar en la película a todas sus áreas. Desmenuzar la cinta con sus protagonistas; indagar en sus entrañas; buscar opiniones de gente externa a la producción; y situar la cinta en su lugar.

D.P.: Efectivamente, ya que el documental se centraba en el film de Álex, teníamos claro que debíamos indagar en todos sus aspectos. La visión crítica que nos aportan Ángel Sala o Quim Casas resulta imprescindible para entender tanto la situación caótica que vivía nuestro país en lo referente al cine fantástico antes de la irrupción de El día de la bestia, como todos los referentes de los que bebe el film.

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Siguiendo con lo comentado, antes de entrar a hablar de El día de la bestia hacéis un recorrido por la carrera previa de Álex de la Iglesia a fin de poner a los espectadores en antecedentes. ¿Se os pasó en algún momento por la cabeza cambiar el enfoque de vuestro trabajo y ocuparos de toda la filmografía del cineasta bilbaíno?

D.L.: Nunca pensamos en hacer un documental sobre la vida y obra de Álex, ¡algo que me encantaría poder ver algún día! Pero trazar durante el inicio del documental cómo llega Álex a El día de la  bestia nos parecía esencial. Sobre todo para poner al espectador en situación. Y ahí tuvimos la suerte de contar con dos maravillosas personas como son los realizadores Enrique Urbizu y Pablo Berger. Parte de esa comitiva euskaldun que aterriza en Madrid para realizar cine.

D.P.: No se nos pasó por la cabeza, pero no estaría de más ver un documental así. Nosotros queríamos hacer otra cosa diferente a un documental sobre la filmografía del cineasta bilbaíno.

Desde un punto de vista formal, Herederos de la bestia es un documental muy clásico, lo que resulta un tanto singular en estos tiempos en los que este tipo de títulos recurren a otras herramientas como el juego ficcional, por poner un ejemplo…

D.P.: Es posible que a primera vista sea un documental clásico, de “bustos parlantes”; es cierto que, a medida que avanzaba el proyecto, nos fuimos planteando utilizar otros recursos, como la recreación o el juego ficcional; incluso planteé rodar un cortometraje que iríamos injertando en el documental simulando las escenas que Álex y compañía no llegaron a rodar, pero finalmente, por diferentes motivos, fuimos descartando estas opciones. Aunque si profundizas un poco más en nuestro trabajo, advertirás que hay una serie de elementos que no son fruto de la casualidad y que otorgan un sutil toque de “modernidad”. Por ejemplo: El día de la bestia se promocionó como “una comedia de acción satánica”. Nosotros quisimos incluir estos tres elementos definitorios en nuestro documental. Así, es evidente que hay muchos momentos de humor con las anécdotas descacharrantes que nos explican Santiago Segura, Armando de Razza…; la acción la encontramos en el trepidante ritmo que hemos querido imponer y, por último, la banda y efectos sonoros, con esos “pasos demoníacos” que son un recurso cíclico, junto con la atmósfera aportan ese toque de “horror” necesario.

D.L.: También añadiría su look, donde buscábamos ese tono oscuro que tiene El día de la bestia y que, gracias al trabajo de Albert Calveres, director de fotografía, hemos logrado materializar en el documental.

A propósito, ambos procedéis del mundo del fandom, por lo que en principio no ocurre como en otros casos de parejas de directores en los que los roles parecen estar más definidos y uno se ocupa de la parte historiográfica y otro de la técnica. ¿Cómo os repartís las funciones?

D.L.: Ambos hemos realizado de todo: contactar con los entrevistados, confeccionar las entrevistas, clasificar los materiales que necesitábamos, visionar una y otra vez el documental… pero todo de forma natural, tal y como iba llegando el trabajo se iba desarrollando. Digamos que no ha habido ningún tipo de jerarquía o repartición  a la hora de trabajar.

D.P.: Aunque no ha habido jerarquías, como es natural en estos casos que cuatro manos hacen un trabajo, en algunos momentos discrepamos con alguna idea del uno o del otro, pero todo llegó a buen puerto. Diego y yo nos conocemos hace años y nos entendemos muy bien.

Entre los testimonios que se dan cita en el documental se encuentra el del lider de Def Con Dos, César Strawberry, grupo responsable del tema principal de la banda sonora de "El día de la bestia".

Entre los testimonios que se dan cita en el documental se encuentra el del lider de Def Con Dos, César Strawberry, grupo responsable del tema principal de la banda sonora de “El día de la bestia”.

Dados los muchos entrevistados con los que cuenta el documental, supongo que la labor de edición ha debido de ser una tarea ardua y compleja…

D.L.: Aquí tendría que contestar Albert Calveres, también montador del documental. A partir de nuestras indicaciones y visiones acerca del documental que David y yo teníamos en la cabeza, Alberto iba dando forma a la pieza, aportando, lógicamente, su experiencia e ideas. Y finalmente nos encontramos con un documental muy sólido e interesante.

D.P.: La edición fue una tarea larga y compleja. Al tener las entrevistas, fuimos rescatando las declaraciones que nos interesaban a partir de la idea y del guion que hicimos, haciendo como un puzle, donde cada pieza debía encajar a la perfección. A partir de ahí, nuestras indicaciones fueron seguidas por Albert, quien se pegó la currada del siglo montando (y aportando también ideas durante la marcha) para que todo encajara a la perfección.

¿Los testimonios recogidos hicieron que variarais la idea que teníais inicialmente prevista?

D.L.: No. Justamente los testimonios que aparecen en el documental fueron seleccionados por nosotros, así que todo siguió la pauta marcada por ambos.

D.P.: Ten en cuenta que antes de ponernos a entrevistar a nadie, hicimos una ardua labor de investigación para empaparnos del film y conocer todos sus pormenores, y así encaminar las entrevistas hacía donde queríamos. Por ejemplo: las anécdotas del vértigo de Armando de Razza o la opción de querer contratar a Javier Bardem en lugar de Santiago Segura ya lo conocíamos. Todo era cuestión de formular las preguntas adecuadas a cada entrevistado.

Diego y David flanqueando a Terele Pavéz durante la presentación de "Herederos de la bestia" en el Festival de Sitges.

Diego y David flanqueando a Terele Pavéz durante la presentación de “Herederos de la bestia” en el Festival de Sitges.

Herederos de la bestia tuvo su premier mundial durante el pasado Festival de Sitges. ¿Cómo fue la experiencia?

D.L.: ¡Maravillosa! Poder estrenar el documental en el marco del SITGES 2016, y además junto a una de sus protagonistas, la actriz Terele Pávez, fue inolvidable. Y al acabar, ver que a todo el mundo le había encantado, ¡todavía mejoró mucho más la velada!

D.P.: Fue una experiencia increíble. Aparte de contar con la presencia de Terele, a la gran mayoría de asistentes les encantó. Recuerdo que al finalizar la proyección unos chicos se me acercaron para felicitarnos y dijeron que habían venido expresamente desde el País Vasco para ver el documental y les había valido la pena. Lógicamente, que te digan una cosa así te llena de orgullo. Hacer feliz a la gente, sacarles una sonrisa o un aplauso espontáneo durante los ochenta minutos que dura este humilde documental, merece la pena todo el esfuerzo y el tiempo dedicado.

Recientemente, también habéis estado presentando el documental en el Ventana Sur de Buenos Aires. ¿Cómo ha sido tomada vuestra propuesta por el público argentino?

D.L.: Correcto. Hasta Buenos Aires he viajado yo solo, ya que también se ha juntado con temas de trabajo del SITGES 2017 dentro del mercado de Ventana Sur. La experiencia ha sido estupenda y la acogida también. En Argentina hay mucha pasión hacia El día de la bestia y el cine de Álex de la Iglesia. Justamente, en el cine Gaumont, donde se proyectó el documental, Álex había estado años atrás presentando 800 balas. Estreno que recordaban muy bien en Buenos Aires debido al acontecimiento en que se convirtió la proyección debido a la visita de Álex a la ciudad.

Circuito de festivales a un lado, ¿cuál va a ser su distribución comercial? ¿Veis factible un hipotético estreno en salas?

D.L.: De inicio, a lo largo del 2017 tendrá un estreno limitado en salas. Aunque estamos todavía en conversaciones con la distribuidora y faltan por cerrar algunos flecos.

D.P.: La idea es que siga el recorrido habitual de cualquier trabajo videográfico. Como es lógico, los productores quieren recuperar la inversión para poder financiarnos otro documental…

Ya que sacas el tema… Mirando hacia el futuro, ¿qué próximos proyectos tenéis entre manos, ya sea juntos o por separado?

D.L.: Pues en conjunto seguir disfrutando de Herederos de la bestia, ¡su viaje acaba de empezar! Y en solitario, continuar con el fanzine El Buque Maldito, futuras ediciones en DVD, y el trabajo que nos espera en SITGES con el motivo del 50 aniversario del certamen; de por medio hay otros proyectos, pero veré cómo avanza todo y qué puedo abarcar.

D.P.: Proyectos para un futuro próximo hay varios. Todo depende de cómo se desarrollen las cosas… Pero, emulando a Ángel Sala, me queda por decir que a quienes no les haya gustado Herederos de la bestia, de antemano les avisamos que volveremos; y a quienes sí les haya gustado, pues lo mismo, también volveremos. ¡Mala hierba nunca muere!

José Luis Salvador Estébenez

Published in: on enero 13, 2017 at 6:56 am  Dejar un comentario  
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Entrevista a Paco Limón y Julio César Sánchez, directores del documental “Sesión salvaje”

Dentro del marco de actividades paralelas de La Mano, el festival que se celebra en Alcobendas cada octubre desde 2013, el pasado martes 25 se programó una presentación del documental Sesión salvaje, a cargo de sus directores Paco Limón y Julio César Sánchez, y del actor Antonio Mayans, con presentación del teaser incluida. Un documental que servirá de homenaje al cine de género que se hizo en España desde finales de los 60 hasta principios de los 80, en el cual cuentan con la presencia de unos cuantos actores y directores de aquel cine (Simón Andreu, José Lifante, Emilio Linder, Lone Fleming, Esperanza Roy, Antonio Mayans, Javier Aguirre, Mariano Ozores…) así como de los de ahora (Nacho Vigalondo, Paco Cabezas, Diego San José, Fernando Guillén Cuervo, Enrique López Lavigne…). Finalizada la presentación, tuvimos la oportunidad de charlar con Limón y Sánchez para que nos contasen más detalles acerca del proyecto.

De izda. a dcha.: Paco Limón, Antonio Mayans y Julio César Sánchez posan con el cartel de "La Mano 2016".

De izda. a dcha.: Paco Limón, Antonio Mayans y Julio César Sánchez posan con el cartel de “La Mano 2016”.

¿Cómo surge la idea de Sesión salvaje?

Julio César Sánchez: Surge hace cosa de seis años. Tuvimos una oportunidad de hacerlo, con subvención y productora de por medio, pero finalmente no cuajó. Hace un año y poco, Paco y yo pensamos que, si no salió de esa forma, lo haríamos por nuestra cuenta, y nos liamos la manta a la cabeza. “¿Por qué este cine?” es una pregunta que nos hacen mucho. Lo primero, porque es una forma de dar las gracias a estos profesionales que nos han dado tanto, y que creemos que están olvidados y ninguneados, tanto a nivel de público como de crítica, y sin embargo, bastantes de ellos tienen cierto reconocimiento fuera de España. Hay algunas películas que son reconocidas fuera, como No profanar el sueño de los muertos, muchas de Paul [Naschy], ¿Quién puede matar a un niño?… pero aquí no. Teníamos la necesidad de dar las gracias a esta gente, y reivindicar un cine que se hacía sin mayor pretensión que divertir y llevar a la gente al cine, y que además lo conseguía.

En el cartel se hace referencia a películas como La noche de Walpurgis, Un verano para matar, Navajeros o Supersonic Man. ¿Qué va a encontrarse el espectador en el documental?

Paco Limón: Se va a encontrar con todas las películas que merecen la pena; con todas las películas que durante una década y media epataron al público, que además tuvieron mucha recaudación, que llenaron salas… Hemos escogido las más representativas de cada género: westerns, fantaterror, cine “S”, cine quinqui… y por último, lo que de pequeños encontrábamos en los videoclubs, que veíamos que habían traído desde Italia películas como Terminator 2, y no era el verdadero Terminator 2. Es una amalgama de las películas más representativas de cada género.

J.C.S.: Es un recorrido histórico, porque la historia nos lleva, a medida que transcurre el documental, al momento en que llegan los americanos y empiezan a hacerse coproducciones, y eso nos lleva al western y al cine de terror. De repente se descubre que el cine español vende fuera. Muere Franco, llega la Transición, se empieza a hacer todo lo que no podía hacerse antes…

P.L.: Cada época del país parece que impulsa un tipo de cine diferente. La situación política o social del momento, de cada año, incluso de meses… pasar de repente de una dictadura a una democracia hace que el cine cambie radicalmente. Los productores se subían con una rapidez pasmosa a cualquier tren en el que viesen que había negocio. En el documental se habla de la capacidad de Mariano Ozores de crear una película a partir de lo que se hablaba en un telediario dos meses antes: ¿que van a ganar los socialistas?, pues él rodaba ¡Que vienen los socialistas!; ¿que se legalizaba el bingo?, pues él rodaba Los bingueros; a una velocidad de vértigo. Como dice Jorge Grau en el documental, “el cine fantástico y de terror no nace de una necesidad”; en España no había necesidad de ese tipo de cine, se hacía para el público extranjero, por las coproducciones. Al morir Franco, las tramas de este cine por fin se pueden ambientar en España y los personajes pueden ser españoles, porque hasta ese momento no era posible.

J.C.S.: Waldemar Daninsky se llama así porque la censura no dejó que la historia del hombre lobo fuese en España, entonces tenía que ocurrir en Centroeuropa.

P.L.: En el documental hablamos de esas películas, pero es también la historia del país. Y la historia del país a través de su cine.

J.C.S.: Y de los profesionales que las hicieron.

Un momento de la presentación de "Sesión salvaje" en su presentación en "La Mano".

Un momento de la presentación de “Sesión salvaje” en su presentación en “La Mano”.

El documental ha sido codirigido entre ambos. ¿Por qué habéis optado por esta fórmula de la realización compartido? ¿Habéis tenido problemas en ese aspecto?

P.L.: Nos compenetramos muy bien. Yo soy más burro y Julio es mucho más comedido.

J.C.S.: Lo que pasa es que donde yo soy comedido, otro diría que soy un bárbaro. [Risas]

P.L.: Es difícil, porque a veces es como bailar un vals, y otras como bailar un ska. Yo, por ejemplo, el fantaterror no lo conocía tanto como el cine quinqui. Julio me ha introducido en este cine, y he descubierto clásicos alucinantes que yo jamás hubiera visto por mi propia iniciativa. Había temas de los cuales los dos sabíamos mucho y ahí chocábamos un poco. Aún así, la experiencia ha sido muy buena, porque yo sé que a veces me paso, pero también que a veces no llego. Y en eso nos compenetramos.

J.C.S.: Sí, en general ha sido muy fluido. Vamos los dos prácticamente en la misma dirección.

P.L.: Esto que voy a decir va a sonar muy ñoño. En algún momento dado, nuestra concepción del documental iba por un lado, y el documental ha empezado a cobrar vida propia. Las entrevistas han hecho que el documental no sea sobre gente hablando de sus películas, sino que va hablando de lo que es la historia del país a través de su cine, y cómo se las apañaban para hacer el cine que querían en tiempos muy tenebrosos.

El montaje ha sido realizado por Paco. ¿Habéis tomado ambos las decisiones sobre el montaje final?

J.C.S.: El guión está escaletado entero entre los dos, y él, como editor, tiene la libertad de tomar decisiones de edición. Pero una vez editado, lo revisamos.

P.L.: Pero curiosamente el ochenta por ciento está tal cual. En general ha sido bastante fluido. Los dos teníamos la misma visión.

J.C.S.: Teníamos entre veinte y veinticinco horas de entrevistas que ha habido que minutar.

P.L.: A la vez que se editaba, se hacían los extras del Blu-ray. Los extras duran más que el documental, porque se hablan de películas y directores que no aparecen en el documental.

J.C.S.: Cada vez que cortábamos algo, nos dolía mucho.

P.L.: En el teaser no hay escenas de películas. No podemos mostrar nada por no tener aún los derechos. La película está editada con imágenes de otras películas, pero aún no podemos mostrar nada por estar en negociaciones.

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En el documental tenéis como invitados a Nacho Vigalondo, Javier Aguirre, Antonio Mayans, Fernando Guillén Cuervo, Esperanza Roy o Paco Cabezas. ¿Hay alguien con quien os hubiera gustado contar y no ha podido ser?

J.C.S.: Dos personas. Una de ellas además nos dijo que no quería que se asociase su nombre a este cine.

P.L.: Ha habido gente que muy amablemente han declinado la propuesta, y ha habido otros que nos han mandado a tomar viento. Pero quienes finalmente participaron, gente muy amable y abierta, han estado encantados con colaborar en el documental. Estamos negociando con un director, uno de los más importantes, pero todavía no es seguro.

¿Qué tipo de distribución tendrá Sesión salvaje? ¿Tiene ya fecha de estreno?

P.L.: Estamos en negociación con dos productoras, y de momento hasta ahí podemos hablar.

J.C.S.: Nuestra idea es ir a festivales el año que viene, pero como de momento no hay cerrado nada, no podemos decir una fecha.

P.L.: Hay muchas cosas en el aire. Si las negociaciones llegan a buen puerto, podremos hacer el documental con imágenes de películas, y sino será sin imágenes, pero nos gustaría que fuese con imágenes.

En los últimos años ha habido un aumento de documentales en nuestro país acerca de este tipo de cine, caso de ¡Zarpazos!, Contra el tiempo o Queridos monstruos. ¿Os ha servido como estímulo para lanzaros a hacer el vuestro?

P.L.: A mi los que me han servido como estímulo han sido Not Quite Hollywood y La loca historia de la Cannon.

J.C.S.: Como te digo, el documental nació hace seis años, y fue tras ver Not Quite Hollywood; pensamos: “Esto hay que hacerlo en España”. Hay una idiosincrasia que no tiene Not Quite Hollywood, y es que, a diferencia de Hollywood, en aquella época en España se trabajaba con censura, y sin embargo tocábamos todos los palos que tocaban ellos. Luego, orgánicamente, con lo que nos han dado los entrevistados, se ha convertido en una cosa completamente diferente, pero el germen era algo parecido.

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Tenéis pendiente de estreno un cortometraje dirigido por Paco pero escrito entre los dos, La silla del peluquero, donde habéis contado de nuevo con Antonio Mayans. ¿Qué nos podéis avanzar de este proyecto?

P.L.: Eso está pendiente de rodaje. La fase de pre-producción acabó. Se han rodado algunas partes, pero no el grueso. Se va a intentar rodar en diciembre. Si se rueda, nos pueden echar de España. [Risas]

Paco, tú has estado en el montaje de Los resucitados, un capítulo piloto de 1995 que nunca llegó a emitirse. ¿Qué nos puedes contar de él?

P.L.: Se rodó en 1995, pero yo lo monté el año pasado. Es una cosa mítica que está en manos de Arturo de Bobadilla. Es una maravillosa locura. Salen Jacinto Molina, Antonio Mayans, Tony Fuentes, Flavia Mayans, Santiago Segura, Manuel Tallafé, Zoe Berriatúa… Tiene un repartazo. Es una historia de templarios, viajes en el tiempo… Una locura.

Julio, el año pasado estuviste involucrado en la producción de dos películas mexicanas, Scherzo Diabólico y Atroz (Atrocious). ¿Cómo se fraguó tu participación en ellas?

J.C.S.: El director de Scherzo Diabólico, Adrián García Bogliano, y yo, somos amigos desde niños. Fue un tema de producción monetaria. Tuve poco que ver en la creación de la película. Y Atroz igual. Es de otro amigo, Lex Ortega, y mi aportación volvió a ser monetaria.

P.L.: Yo también estuve en la producción de Atroz. Y puse más dinero que Julio. [Risas].

Al margen de lo comentado, ¿tenéis nuevos proyectos a la vista?

P.L.: Sí, juntos y por separado. Si esto sale bien, nos gustaría hacer una trilogía de documentales, que estarían relacionados con esta temática. Tenemos varios cortos escritos juntos, los guiones de dos películas que estamos moviendo, y luego cada uno sus proyectos.

¿Queréis añadir algo más?

P.L.: Tenéis que ir todos a ver Sesión salvaje. Yo espero, sinceramente, que podamos hacer el documental que tenemos en mente. Va a ser complicado, pero nuestro sueño es que lo que tenemos en la cabeza podamos compartirlo con el resto del público, y estamos luchando por ello.

Carlos J. Rodríguez

Published in: on noviembre 11, 2016 at 6:58 am  Dejar un comentario  
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La 58ª edición de ZINEBI se celebrará del 18 al 25 de noviembre

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El Festival Internacional de Cine Documental y Cortometraje de Bilbao (ZINEBI), organizado por el Ayuntamiento de Bilbao, celebrará su cincuenta octava edición entre los días 18 y 25 de noviembre. Una vez cerrado el plazo de presentación de trabajos, ZINEBI ha recibido un total de 4.109 películas, de entre las que se seleccionarán las que tomaran parte en la Sección Oficial a Concurso, en la que podrán optar a los Mikeldis de Oro y Plata para los tres géneros en competición: ficción, documental y animación.

En cuanto a la procedencia de los trabajos recibidos desde ciento ocho países, destacan, como suele ser habitual, las producciones estatales (814 películas, entre ellas, 92 vascas), seguidas de las llegadas desde Francia (539), Alemania (217), EE.UU. (177) y Reino Unido (157). En el ámbito latinoamericano, la mayor parte de los cortos presentados proceden de Brasil (167), México (143) y Argentina (154), habiéndose recibido también películas de Colombia (74), Chile (39), Venezuela (14), Cuba (19) y Uruguay (18), entre otros lugares.

Entre los países cuya producción cinematográfica es muy escasa y resulta desconocida para el público occidental, cabe mencionar: Afganistán (1), Albania (3), Arabia Saudí (6), Burkina Fasso (2), Chipre (5), Costa de Marfil (1), Emiratos Árabes Unidos (14), Irak (8), Jamaica (1), Kirguizistán (3), Palestina (1), Sri Lanka (1), Sudán (1) y Trinidad y Tobago (2). Esta participación tan variada de países y áreas geográficas y culturales, pone una vez más de relieve la dimensión internacional de este veterano certamen.

En cuanto al reparto de géneros entre las películas inscritas, según las tres categorías establecidas en el reglamento del festival, 2.497 de ellas son ficciones (60’76%), 1.202 documentales (29’25%) y 410 de animación (9’99%).

Por otra parte, ya se ha dado a conocer el que será el cartel oficial de esta próxima edición de ZINEBI. Obra del diseñador y dibujante Óscar Mariné tiene como protagonista a Philip Seymour Hoffman. Mariné ha elegido una imagen del fallecido actor estadounidense en su recreación del escritor Truman Capote para la muy exitosa Capote, una película dirigida en 2005 por Bennett Miller, que le valió el Oscar a la mejor interpretación masculina. La imagen del cartel muestra a Seymour Hoffman elegantemente vestido y mirando de lado a la cámara con una media sonrisa entre incisiva e irónica, muy acorde con la poderosa y compleja personalidad del gran escritor que le sirvió de base para su brillante trabajo como actor.

Con este cartel ZINEBI quiere rendir un homenaje especial a este intérprete fuera de norma, poseedor de recursos actorales poco comunes, entre ellos un físico, una mirada, una voz y un repertorio gestual ilimitado, características por los que Hoffman ha sido admirado en todo el mundo. Esta imagen sencilla y directa quiere recordar también que una de las condiciones que hacen posible el vínculo emocional y persuasivo del cine en su relación con el público, se ha basado desde sus orígenes y se basa hoy mismo, en el rostro de sus actrices y actores, en su talento y en su credibilidad, de los que hizo gala Philip Seymour Hoffman.

Más información: www.zinebi.com

Published in: on noviembre 2, 2016 at 6:10 am  Dejar un comentario  

Entrevista a Eduardo Gión

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Ya hace unos cuantos años que se filmó el documental Madame Arthur, sobre la figura de Modesto Mangas -figura clave del cabaret en los años 70-, pero ha sido recientemente que al fin ha conocido distribución en Dvd gracias a la empresa Vial of Delicatessens. Aprovechamos la situación para entrevistar a su director, Eduardo Gión, cineasta conocido principalmente gracias a Lentejuelas de sangre, retrato de Pierrot que se estrenó en el Festival de SITGES -2012.

Antes de centrarnos en tus películas, háblanos de tus inicios. ¿De dónde viene tu pasión por el cine? 

Amo el cine desde que era un niño, era un poco rarito y entonces prefería ir a ver películas yo solo al cine que jugar con mis amigos en la calle. Recuerdo que en aquellos años el acomodador era un amigo de la familia, y me dejaba entrar gratis a ver las películas que yo deseaba, como las obras de John Waters, las primeras de Almodóvar o reposiciones de Bergman y, sobre todo, el cine de terror que proyectaban, como Viernes 13, Aquella casa al lado del cementerio o Mil gritos tiene la noche. En esos momentos decidí que quería hacer cine y contar a través de imágenes las historias que rondaban en mi cabeza. Luego con los años me puse a estudiar cine, audiovisuales, pero realmente creo que aprendes mucho más asistiendo a la Filmoteca y viendo a los clásicos que lo que te pueda explicar un profesor.

¿Cuáles son tus referentes cinematográficos?

Tengo varios, soy muy ecléctico. Me encanta todo el cine de Dreyer, sus planos son obras de arte, cuadros pictóricos. Amo el cine de Bergman, la fotografía, las historias que cuenta, la manera de dirigir a los actores y, sobre todo, a las actrices. Esas miradas, esos gestos; Bergman es mi pasión. Me enamora también Pasolini. Su obra Accatone es siempre un referente para mí.

Luego está todo el tema del cine underground y experimental del que también soy muy amante, como Arrebato de Zulueta. Jack Smith, Derek Jarman o Keneth Anger serían mis tres reyes magos particulares. En el tema experimental o super8 y 16mm está el maestro Jonas Mekas o Stan Brakhage. Ahora mismo con mi socio y amigo Raúl Hidalgo estamos trabajando sobre estas técnicas. Y para divertirme un rato, pues Waters, todo el cine de la factoría Warhol-Morrissey, y mucho trash.

Madame Arthur

Madame Arthur

Hace pocos meses Vial of Delicatessens estrenó en Dvd Madame Arthur (2011), tu debut como director de documentales, un recorrido por la trayectoria profesional de uno de los primeros transformistas de España. ¿Cómo nació este proyecto? ¿Por qué te decides a realizar una película sobre él?

En esos momentos andaba buscando un personaje para realizar un documental, y tenía claro que tenía que ser único, irrepetible y pionero.  Leyendo el libro Memorias Trans de Pierrot me quedé con la boca abierta cuando leí el capítulo dedicado a Madame. Justo era lo que buscaba. Un ser único y potente, pero sobre todo valiente. Me puse en contacto con Pierrot y a partir de ahí empecé a confeccionar el guión y la estructura, y más tarde el calendario de rodajes en diferentes partes de España.

¿Cuánto tiempo te llevó filmar este documental?

Un par de años, ya que había diferentes localizaciones: Barcelona, Madrid, Salamanca y Villavieja de Yeltes, su pueblo natal. Quisimos documentarnos bien y luego rodar.

¿Pudiste conocer en persona a Madame Arthur?

No, el murió mucho antes. Una pena, porque hubiese sido maravilloso charlar con él sobre todo lo que él mismo contaba, su amistad con Fellini, su romance de juventud con Burt Lancaster… Pero tuve la suerte de que en el documental el espectador puede escucharlo de su propia voz, ya que encontramos un documento en super8 donde él cuenta todo. Un lujo.

¿Cómo crees que ha evolucionado el tema del transformismo en el espectáculo? ¿Podemos considerar a Madame Arthur como un pionero?

Pues realmente no veo una evolución, más bien un retroceso. O ni eso; para mí particularmente no existen ya espectáculos como los que hacían Madame Arthur, Pierrot o Pirondello, artistas como Dolly Van Doll con su Belle Epoque… Creo que tampoco existen salas ni locales para que se puedan realizar, pero lo que no queda seguro son artistas como antes. Mejor dicho quedan muy pocos, como Gilda Love que trabajó en todos esos locales o Victor Guerrero, presentador estrella de aquella época. Por suerte esos dos artistas forman parte de mi espectáculo, “El Desplume”, en Antic Teatre de Barcelona.

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Ya has hablado de Pierrot, que además aparece en la película, no sólo como entrevistado, sino también a modo de maestro de ceremonias. ¿Cómo le conociste?

Como te comentaba anteriormente, me puse en contacto con él tras leer el libro de Madame Arthur, y él amablemente me abrió las puertas de su casa durante todos los jueves por la tarde durante el tiempo en que duró nuestra amistad. Mirábamos vídeos de la época, hablábamos, me enseñaba todo su trabajo desde los 60 y ahí fue cuando descubrí su faceta de “Terror”. Una tarde le comenté que mi próximo proyecto quería que fuese sobre su faceta de showman, y cuál fue mi sorpresa cuando abrió un armario lleno de películas en super8 de terror, guiones, fotos, revistas, fanzines, todo dedicado al mundo del terror y me dije: “Este va a ser el documental: su faceta de terror y travestismo”.     

El proyecto se materializó en lo que acabó siendo tu segundo largometraje, Lentejuelas de sangre (2012), que en 2014 se estrenó en Dvd también de la mano de Vial of Delicatessens. En mi opinión se trata de un extraordinario trabajo que, como dices, nace como consecuencia de tu anterior película.

Eso es. Yo planteé una trilogía iniciada por Madame Arthur, luego Pierrot y terminar con un documental de Dolly Van Doll. Ese armario que me abrió Pierrot era tan potente que sacamos todo, empezamos a verlo y a organizar una mesa de trabajo con todo el material. Digitalizar super8, escanear fotos y fanzines, cartelería del Festival de Sitges que él había realizado… Y hacer una lista de testimonios para el documental.  Así empezó Lentejuelas de sangre.

En Lentejuelas de sangre aparecen entrevistados profesionales directamente relacionados con el cine de terror español, como José Lifante, Sebastià D´Arbó o Salvador Sáinz. A ti como espectador, ¿te gusta este movimiento cinematográfico, en ocasiones denominado “fantaterror español”?

Sí, claro, me fascina todo lo relacionado con el terror. Del fantaterror no era muy conocedor, es verdad, pero gracias a Pierrot me puse al día. Yo era muy amante de la Hammer y del terror de los 80 y 90. Por eso también me fascinó conocer todo el material fílmico de Pierrot basado e inspirado en la Hammer, así como sus pinturas y dibujos totalmente influenciado por ellos.

Y contar en la película con alguien tan importante como Lifante, pues fue un sueño; es un actor al que yo siempre identificaba con el cine de terror, y al poder trabajar con él descubrí que es un amor de persona. Se ha creado una bonita amistad, y de vez en cuando nos vemos y charlamos. Ahora estoy planeando un viaje a Madrid para verlo en el teatro.

D’arbó fue otra maravilla de persona, él fue muy amigo de Pierrot, y así lo demostró ayudando con el documental. También hay que mencionar a Ricard Reguant, otro gran amigo que desde el primer momento me dijo: “Sí, quiero estar en este trabajo”. Él fue tan agradable… Tenemos que pensar que en el momento de rodaje Pierrot ya había muerto y todos fueron muy amables y generosos.

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Pierrot también trabajó, en varias ocasiones, con Paul Naschy, y sorprende escuchar, casi al inicio de tu documental, la voz del propio Naschy a modo de introducción. Un off que originariamente pertenece a uno de los espectáculos que Pierrot dirigió en los 80. ¿Cómo encontraste esa pieza? ¿Te la cedió Pierrot o la familia de Naschy?

Ese audio me lo regaló Pierrot, en un cassete, totalmente inédito. Es un off grabado en los camerinos del local gay y trans de Madrid “Gayclub”, para un posterior espectáculo sobre trans-terror que quería dirigir Pierrot en ese local, y su amigo Naschy, amablemente, le grabó eso como inicio. Nunca se hizo ese espectáculo, de ahí la importancia de ese off que abre Lentejuelas de sangre.

¿A qué público crees que van dirigidos tus documentales?

En general van dirigidos a todo el mundo. Nunca esta de más descubrir un personaje interesante como puede ser Madame Arthur o Pierrot.

¿Estás contento con las ediciones que Vial of Delicatessens ha hecho de tus películas?

Muy contento. Soy consciente de que detrás de mis documentales no hay una gran productora y la publicidad debo hacerla yo. Tuve la suerte de que Lentejuelas de sangre fuese seleccionada por el Festival de Sitges, y eso fue un empujón grande para la distribución. Vial Of Delicatessens apuesta siempre por mis obras y eso siempre es de agradecer. Les estoy muy agradecido.

ME BY RAUL HIDALGO

Al margen de tus dos largometrajes documentales, has realizado algunos cortometrajes de corte experimental, como Alquimia del dolor. Como director, ¿te atreverías con una historia de ficción de narrativa convencional, o es un formato que no te interesa como creador?

Alquimia del dolor es una pieza experimental realizada conjuntamente con mi amigo y fotógrafo Raúl Hidalgo. Me fascinaban sus fotografías analógicas y decidimos explicar una historia a través de su obra fotográfica, para luego trabajar sobre la emulsión del super 8 y darle vida a esa obra. Estamos muy orgullosos de ella y ya forma parte del archivo de Centre de Cultura Contemporánea de Barcelona (CCCB). Un sueño.

Con Raúl Hidalgo hemos formado un sello llamado “Wams” donde producimos nuestros nuevos films y piezas experimentales, así como trabajos para una revista de tirada internacional donde él fotografía (siempre en analógico) editoriales de moda o retratos a artistas y yo los entrevisto. A raíz de este trabajo hemos podido fotografiar y entrevistar a artistas como Isabel Coixet, Derek Ridgers, Jenny Runacre, Joe D’Allesandro o Jonas Mekas. Tenemos muchos proyectos bajo este sello para este año y el que viene.

Has incursionado varias veces en el mundo del teatro. ¿En que medio te sientes más cómodo? ¿Tu idea es continuar en paralelo tu carrera en el cine y en el teatro?

Me apasionan los dos medios. El cine es mi punto de vista para contar una historia, y el teatro me da la libertad de mostrar al espectador artistas del cabaret que adoro, y no nos funciona mal: este otoño será la 5ª temporada de “El desplume”.

Para finalizar, ¿estás trabajando en algún proyecto nuevo en estos momentos?

Sí, ahora mismo estoy con Raúl Hidalgo trabajando en nuestra nueva película llamada Poeme, rodada en diferentes formatos como vhs, 8mm y super8. Se trata de una película de ocho episodios o piezas experimentales guionizadas por el poeta “Scribe” (Mathiue Landais), que escribió The smell of Us, la última película de Larry Clark. En Poeme tenemos el inmenso placer de haber contado con la colaboración de artistas como Bibbe Hansen (artista de la Factory de Warhol), Michael Alig (Club Kid) o David Croland.

Esperamos estrenarla el año que viene.

 

Javier Pueyo

Published in: on septiembre 2, 2016 at 5:52 am  Dejar un comentario  
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Vial of Delicatessens lanza en Dvd el documental “Madame Arthur”

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El pasado viernes 24 de junio Vial of Delicatessens lanzó al mercado una nueva referencia de su línea underground, dentro de la colección “Motion Pitchers”. Se trata de Madame Arthur, un documental dirigido por Eduardo Gión, de quien el sello ya editara con anterioridad su también documental Lentejuelas de Sangre dedicado a Pierrot.

Precisamente, el fallecido artista multidisciplinar ejerce de presentador en este recorrido por la vida de uno de los primeros transformistas que hubo en la Barcelona franquista. Una historia llena de recuerdos, de duras acusaciones y de libertad. Un escándalo, una incógnita, una Madame. El Maricón con más huevos de España: Madame Arthur.

Además del documental, la edición en DVD comercializada por Vial of Delicatessens incluye diversas actuaciones inéditas de Madame Arthur a modo de extra, pudiendo ya adquirirse a un P.V.P de 5,99 € más 2, 40 € de manipulación y envío a través del blog del sello-fanzine: http://vialofdelicatessens.blogspot.com. Más adelante está previsto que también pueda adquirirse a través de Amazon y tiendas especializadas.

Published in: on junio 27, 2016 at 5:09 am  Dejar un comentario  

El documental de Luis Esquinas “Satan’s Blood” ya a la venta en Dvd

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Tras su estreno durante la pasada edición del Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid – NOCTURNA, ya se encuentra disponible en formato Dvd Satan’s Blood, el nuevo mediometraje documental de Luis Esquinas que narra a través del testimonio de algunos de sus protagonistas los pormenores de la realización del film de culto de Carlos Puerto Escalofrío .

Con un precio de 10€, existen dos alternativas para adquirir la edición en Dvd de Satan’s Blood. Recuerdos de Escalofrío. De forma presencial en “Rosa de Madrid”, la tienda que regenta en el número 7 de la calle Noviciado de la capital una de las protagonistas de la película y el documental, Sandra Alberti, quien estará encantada de dedicar la carátula del Dvd a todos aquellos que se lo soliciten. La otra es por correo a través del mail luisesquinas@gmail.com, donde el propio Luis Esquinas informará a los interesados de los pasos a seguir.

Published in: on junio 9, 2016 at 5:45 am  Dejar un comentario  

La mano en el fuego. 3 cineastas heterodoxos

A comienzos de año Cameo puso a la venta La mano en el fuego. 3 cineastas heterodoxos, una edición en DVD que recopila tres documentales que, aparte de haber sido realizados por el mismo director, el barcelonés Carles Prats, cuentan con el denominador común de ofrecer un acercamiento a la vida y obra de tres cineastas que se salieron de la norma en la época, el país y/o la industria fílmica que les tocó vivir: Luis Buñuel, Sergio Leone y Seijun Suzuki.

LAS PELÍCULAS

Con más de una docena de documentales a sus espaldas, Carles Prats ha conseguido establecer un estilo ya característico a la hora de contarnos las vidas de los variopintos personajes a los que ha ido aproximándose a lo largo de estos años, ya fueran altivas figuras del rock patrio (Loquillo leyenda urbana), directores de culto (Llámale Jess), o Josep Sunyol, aquel político y mandatario del F.C. Barcelona fusilado en plena Guerra Civil y retratado por encargo del club catalán en President Sunyol.

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Prats ha conseguido de este modo que su presencia tras las cámaras se deje notar justamente a base de no ponerse jamás por encima del objeto de su estudio, como por otra parte parece ser la tentación de todos aquellos documentalistas con demasiadas ansías de protagonismo. El director permite de esta manera, y en la mayor parte de sus trabajos, que sean los propios interesados los que den forma al relato de sus vidas, a través de sus declaraciones y con la única ayuda de una cámara; o, como es el caso de los tres documentales que conforman esta antología, con los testimonios de los colaboradores y/ o familiares que trabajaron para ellos.

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Y es que, tal y como escribe Jordi Costa a propósito del documental dedicado a Buñuel, éste está construido a base de “conversaciones casuales en torno a un personaje ausente”, característica ésta que podría extenderse igualmente a los consagrados a Suzuki y Leone, aunque en diferentes grados, como trataremos de explicar a continuación.

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Por ejemplo, en el magnífico Sergio Leone. Cinema, cinema prevalece por encima de cualquier otra consideración el intento de plasmar tanto el lado profesional como el más humano del autor de Hasta que llegó su hora, aspectos a los que se les da más relevancia aquí que al estudio pormenorizado de su propia obra. Aunque algo de análisis cinematográfico, por supuesto, también podemos hallar merced a la participación en el proyecto de Christopher Frayling y el asesoramiento de Carlos Aguilar, sin duda alguna las dos máximas autoridades a nivel mundial acerca de la vida y obra del realizador romano.

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Así las cosas, podremos disfrutar durante casi dos horas de la avalancha de anécdotas que sobre la figura de Leone van desgranando profesionales de la talla de Fernando Di Leo, Dario Argento, Ennio Morricone, el guionista Sergio Donati y el director de fotografía Tonino Delli Colli, así como los intérpretes españoles Conrado San Martín y Aldo Sambrell, además de la propia esposa del director, Carla Leone. Testimonios estos irrepetibles e impagables por partida doble, ya que, al valor histórico de los mismos, cabría sumar el hecho de que algunos de los nombres citados, desgraciada e inevitablemente por simples cuestiones de edad, ya no se encuentran entre nosotros.

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Prats se aleja asimismo de los tópicos más sobados que, de manera ineludible, parecen salir a colación cada vez que se habla de Leone y/o del spaguetti, y lo hace a través de un relato de la vida profesional del cineasta que se revela sorprendentemente completo aún a pesar de las lógicas restricciones de tiempo. Seguramente este acercamiento forzosamente impresionista, sumado a la gran variedad de puntos de vista que abarca, sea de gran ayuda a la hora de que este documento no sólo represente un primer acercamiento ideal para todos los que quieran iniciarse en la fascinante obra del italiano; por el contrario, también interesará y fascinará a partes iguales, a aquellos cinéfilos más curtidos que a estas alturas crean saberlo todo sobre Leone.

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Rodado a lo largo de más de dos años, y contando entre sus localizaciones con los estudios de Cinecittá y el desierto de Almería, Sergio Leone. Cinema, cinema representa aún a día de hoy, y por indiscutibles méritos propios, uno de los más destacados documentales consagrados a la figura del responsable de Por un puñado de dólares, hasta el punto de que fue elegido por su propia viuda para que fuera proyectado en el homenaje que el Festival de Cine de Taormina rindiera al cineasta italiano el pasado 2002.

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Por otra parte, Él. Buñuel visto por sus colaboradores, al igual que el mucho más ambicioso (y peor) A propósito de Buñuel, se realizó con motivo del centenario del nacimiento del director turolense y, ya desde su mismo título, deja meridianamente claro cual es el principal objetivo de sus responsables: a diferencia del de Leone, y aunque también se detallen en un momento dado los métodos de trabajo de Buñuel, en esta ocasión Prats y su equipo se centran más en extraer detalles concretos de los entrevistados, para a través de los cuales conseguir trazar la tan compleja como contradictoria personalidad del director de El ángel exterminador.

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Más general, impresionista y fragmentado pues que el dedicado al italiano, en este caso apenas se habla de títulos concretos de su filmografía, a no ser, eso sí, que estos estén relacionados con alguna anécdota que pueda revelar al espectador la faceta más íntima y socarrona del aragonés. Así las cosas, y a lo largo de sus poco más de cincuenta provechosos minutos, se va compaginando la anécdota personal con la profesional de la mano de los testimonios de, entre otros, el productor Pere Portabella, el guionista Jean-Claude Carrière, el hijo del director Juan Luis Buñuel, así como los fallecidos Jacques Deray y Francisco Rabal.

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Endiabladamente interesante y ameno, Él. Buñuel visto por sus colaboradores cuenta además con la virtud, compartida con Sergio Leone. Cinema, cinema, de no detenerse en los más trillados lugares comunes a los que inevitablemente se recurre cada vez que se habla del oscarizado director español: personalmente me parece un gran punto a su favor que en ningún momento del metraje se mencionen los tambores de Calanda, el plano del ojo seccionado de Un perro andaluz o la amistad del director con Lorca y Dalí, por citar tan sólo algunos de los más desgastados clichés vinculados a su persona.

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Por último, seguramente sea Seijun Suzuki. Kabuki & yakuzas el menos brillante de los tres documentales reunidos en esta compilación, aún a pesar de compartir las mismas coordenadas y metas que los dedicados a Buñuel y Leone. Y es que, y a pesar de tener la particularidad de contar con el testimonio del propio Suzuki, al igual que en los anteriores aquí cobra mucha más relevancia a la hora de contar la historia del “protagonista principal” la figura del colaborador, representado en este caso por el director artístico Takeo Kimura. Curiosamente Kimura es junto al director de Marcado para matar el único entrevistado de este mucho más modesto documental que apenas alcanza los treinta y cinco minutos de duración.

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Quizás aquí la “fórmula Prats” no funcione tan bien como en otros casos por el simple hecho de que en esta ocasión sí que se opta por centrarse en el análisis de la filmografía de Suzuki (aunque sea un período muy concreto de la misma), antes que en detenerse en el relato de anécdotas concretas o en detallar su recorrido vital. Resulta también obvio que el insuficiente tiempo del que se dispone a la hora de establecer las constantes de estilo del director japonés conlleva que el producto resultante – aunque más que digno en su ejecución – acabe sabiendo finalmente a poco.

LA EDICIÓN

Emitidas en su día por canales de Vía digital como Cinematk, y recuperadas ahora en DVD por Cameo, esta edición de dos discos nos da por fin la oportunidad de jubilar los castigados VHS en los que hasta el momento conservábamos estas imprescindibles piezas. Además, y lo que casi es más importante, su salida al mercado nos permite albergar la esperanza de que algún día llegue a editarse en nuestro país en formato digital Érase una vez en Europa, la serie de trece capítulos dedicada al cine de género y emitida también por esas mismas fechas en los entonces recién nacidos canales digitales.

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En cuanto a los contenidos adicionales, una recopilación de tráilers con algunos de los trabajos de Prats editados por Cameo y un libreto de veinte páginas escrito por Jordi Costa son, por desgracia, los únicos extras que nos podremos encontrar en una edición correcta por otra parte en el apartado técnico, por mucho que se eche de menos la inclusión en la misma de versiones más extendidas de las absorbentes entrevistas de las que se componen estos tres documentales.

José Manuel Romero Moreno

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FICHA TÉCNICA

Título original: La mano en el fuego. 3 cineastas heterodoxos

Sergio Leone. Cinema, cinema

Año: 2001 (España)

Director: Manel Mayol, Carles Prats

Guionistas: Carles Prats, Joan Ferré

Entrevistados: Conrado San Martín, Aldo Sambrell, Ennio Morricone, Carla Leone, Christopher Frayling, Carlos Aguilar, Fernando Di Leo, Sergio Donati, Tonino Delli Colli, Dario Agento, Damiano Damiani, Alessandro Alessandroni…

Sinopsis: Creador de un género innovador y convertido en el gran inspirador de directores como Tarantino, en este documental descubrimos como era su trabajo y su vida cotidiana.

Él. Buñuel visto por sus colaboradores

Año: 2000 (España)

Director: Manel Mayol, Carles Prats

Productora: Media Park

Guionistas: Carles Prats, Joan Ferré

Entrevistados: Francisco Rabal, Pere Portabella, Jeanne Moreau, Jacques Deray, Roberto Cobo, Jean-Claude Carrière, Juan Luis Buñuel…

Sinopsis: En el año 2000, coincidiendo con el centenario de su nacimiento, distintos personajes que habían colaborado en las películas de Buñuel lo recuerdan a través de peculiares y divertidas vivencias.

Seijun Suzuki. Kabuki & yakuzas

Año: 2002 (España)

Director: Carles Prats

Productora: Media Park

Guionistas: Carles Prat

Entrevistados: Seijun Suzuki y Takeo Kimura

Sinopsis: Extremadamente creativo y excéntrico, conoceremos de primera mano como se hicieron sus grandes obras maestras y como fue marginado de la industria cinematográfica.

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*Todas las imágenes de la película que ilustran este artículo pertenecen a capturas de la edición comentada.

Published in: on mayo 27, 2016 at 7:44 am  Dejar un comentario  

Hitchcock/Truffaut

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Título original: Hitchcock/Truffaut

Año: 2015 (Francia, Estados Unidos)

Director: Kent Jones

Productores: Charles S. Cohen, Olivier Mille

Guionistas: K. Jones, Serge Toubiana

Fotografía: Nick Bentgen, Daniel Cowen, Lisa Rinzler (Nueva York), Eric Gautier (Paris), Mihai Malaimare Jr. (Los Angeles), Genta Tamaki (Tokyo)

Música: Jeremiah Bornfield

Intérpretes: Mathieu Amalric, Wes Anderson, Olivier Assayas, Peter Bogdanovich, Arnaud Desplechin, David Fincher, James Gray, Kiyoshi Kurosawa, Richard Linklater, Paul Schrader, Martin Scorsese, Alfred Hitchcock, François Truffaut.

Sinopsis: El documental nos cuenta el encuentro entre Alfred Hitchcock y François Truffaut para la famosa entrevista que desembocó en el magnífico libro El cine según Hitchcock

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El director Kent Jones, además coguionista junto a Serge Toubiana, nos relata el encuentro entre los grandes directores de cine Alfred Hitchcock y François Truffaut, en el cual este último formuló una amplia entrevista al mago del suspense que confluyó en la publicación en 1966 de uno de los más importantes libros sobre el Séptimo Arte, El cine según Hitchcock (Le cinéma selon Hitchcock), donde Truffaut repasaba por orden  cronológico todas las películas de la filmografía del maestro inglés —hasta el momento de la publicación—, mostrando cómo Hitchcock las realizó de forma pormenorizada.

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Jones no es novato en la creación de documentales, y tiene en su haber como realizador cuatro, tres centrados en el mundo del cine; con el que nos ocupa, Val Lewton: The Man in the Shadows, de 2007, que hizo para la cadena TCM, y donde Martin Scorsese relata la historia del genial productor de estupendas películas de terror para los estudios RKO. Y A Letter to Elia (2010), sobre el controvertido director Elia Kazan.

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En Hitchcock/Truffaut, aparte de ver, en fotos, y oír las grabaciones de ambos realizadores de la famosa entrevista, Kent nos relata las circunstancias, y cómo era la época de aquella reunión; el cómo surgió la posibilidad de la entrevista y cómo germinó una gran amistad entre ambos. Pero también se centra en la creación de las imágenes que brotaban de la mente de Hitchcock y eran plasmadas en el celuloide, que a su vez quedaban prendadas en las mentes de los espectadores. Es fácil recordar la escena de la ducha en Psicosis (Psycho, 1960) o la persecución de Con la muerte en los talones (North by Northwest, 1959), y la forma en la que el realizador era capaz de construirlas durante el rodaje. Además también nos narra las influencias que tuvo en otros directores como Olivier Assayas, Peter Bogdanovich, David Fincher, Kiyoshi Kurosawa o Martin Scorsese entre otros, quienes confiesan a cámara su deuda con el denominado maestro del suspense.

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El documental está muy bien construido y nos cuenta de forma clara todos los detalles para que se pueda entender cómo fue la entrevista, los eventos ocurridos durante la realización de las películas de Hitchcock y cómo algunos fracasos o éxitos afectaban las posibilidades de hacer esos films. Además explica muy bien cómo se rodaron las míticas escenas que todo el mundo recuerda de la cintas del director inglés. Y las declaraciones de los diversos realizadores son muy interesantes y nos demuestran que tanto uno francés como japonés, con cines tan diferentes, pueden verse influenciados o fascinados por ese cine. Sin embargo, hay un pero: el documental se queda  muy corto, un libro tan fascinante necesita de más tiempo para contarnos todo lo que abarca. Todo el conjunto se asemeja a un primer capítulo de presentación de una serie sobre el libro y, sobre todo, de los directores. Se quedan muchas cosas en el tintero, pero se agradece que se realicen documentales como este y que haya posibilidades de poder verlos en el cine.

A pesar de esos detalles, Hitchcock/Truffaut es muy recomendable a todo aficionado al cine que quiera descubrir la magia de las películas y sus directores.

Luis Alboreca

Published in: on abril 1, 2016 at 6:01 am  Comments (1)  
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“La mano en el fuego”: Leone, Buñuel y Suzuki según Carles Prats

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“La mano en el fuego. 3 cineastas heterodoxos” es el nombre de un pack editado recientemente en formato DVD por Cameo que reúne tres documentales realizados por Carles Prats entre los años 2000 y 2002. A lo largo de estos años, Prats y su equipo rodaron diversos proyectos vinculados con el cine de género en Europa, entre los que destacaría la imprescindible serie de trece capítulos presentada por Christopher Lee Érase una vez en Europa (2001).

Durante el tiempo que duró el rodaje de la serie, unos dos años, el mismo equipo hizo también diversos documentales dedicados a directores fundamentales en la creación de un cine de género genuinamente europeo. El primero en llamar la atención fue el dedicado a Jesús Franco, Llámale Jess (2000), por más que el más ambicioso fuera Sergio Leone. Cinema, cinema (2001) que, tras un largo rodaje en Italia, España, Inglaterra y Alemania, se presentó en el gran homenaje que el Festival de Taormina dedicó al director romano en el 2002.

Este documental que, precisamente, fue reconocido con el premio Sergio Leone, ha tenido mucha más popularidad y difusión en Italia que en nuestro país, tal vez porque busca una interpretación muy italiana del cine de Leone a través de vario testimonios como el de su esposa, Carla, el director de fotografía Tonino Delli Colli, el compositor Ennio Morricone o el guionista Sergio Donati entre muchos otros.

Sergio Leone. Cinema, cinema es uno de los documentales incluidos en el pack. Los otros dos son Él. Buñuel visto por sus colaboradores (2000) y Seijun Suzuki. Kabuki & yakuzas (2002), que, aunque obviamente no pertenecen al proyecto sobre el cine de género europeo, cronológicamente lo enmarcan.

El dedicado a Buñuel se hizo con motivo del centenario de su nacimiento y no tiene una narrativa convencional, ya que es un retrato del director hecho a partir de los recuerdos desestructurados de quienes habían colaborado en sus películas como su hijo Juan Luis Buñuel, el actor Paco Rabal, el guionista Jean-Claude Carrière, o el productor Pere Portabella.

Por su parte, el dedicado a Suzuki se realizó en la recta final de este periodo y estuvo motivado por el gran impacto que hicieron en Prats películas como El vagabundo de Tokio (1966) o Marcado para matar (1967). El trabajo reconstruye, a partir de los testimonios del director artístico Takeo Kimura y del propio Suzuki, la trayectoria del realizador haciendo especial hincapié en el período central de su obra, es decir sus producciones para la productora Nikkatsu.

Más información y características técnicas: http://www.cameo.es/mano-en-el-fuego

Published in: on enero 28, 2016 at 6:25 am  Dejar un comentario  

Se última “Sesión salvaje”, un documental sobre “el otro cine de barrio”

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Desde finales de los 60 hasta comienzos de la década de los 80 el cine denominado exploitation conoció un boom a nivel mundial: Estados Unidos, Italia, Japón… y por supuesto también en España. Un cine de bajo presupuesto, pero de gran aceptación popular, que explotaba las modas cinematográficas del momento. Se trataba de un cine directo, realizado lo más apresuradamente posible, con el fin de ofrecer al público productos sin más preocupación que la de divertir.

De todo ello se ocupa Sesión salvaje, un documental que recorre aquella época dorada en la que los espectadores acudían en masa a ver aquellas películas que tendrían su habitual campo de expresión en los cines de barrio. Desde westerns a películas de terror pasando por comedias sexys y películas de quinquis. Este cine, también denominado de serie “B”,  mantuvo toda una pequeña industria de cineastas, regalando pequeñas y grandes obras.  Un tiempo en el que el cine español contaba con estrellas internacionales y se exportaba al mundo entero.

Dirigido por Paco Limón y Julio César Sánchez, el documental se encuentra en plena fase de rodaje con vistas a tenerlo terminado a comienzos de 2016. De momento, ya han participado en una primera ronda de entrevistas personalidades de la talla de Javier Aguirre, Simón Andreu, Emilio Linder, Enrique López Lavigne, Lone Fleming, Adrián García Bogliano, Jordi Grau, Eugenio Martín, Antonio Mayans y Esperanza Roy.

Sesión salvaje pretende no ser solo un tributo a aquellos artistas que hicieron posible estas películas sino también una ventana para que el público actual se acerque a ellas movido por la curiosidad.

Página de Facebook: https://www.facebook.com/Sesi%C3%B3n-Salvaje-1057514187632131/

Published in: on enero 4, 2016 at 6:55 am  Dejar un comentario