El pasado miércoles a través de su perfil de Facebook Luigi Cozzi publicaba dos imágenes de un baile de época correspondientes al rodaje en el castillo de Lunghezza (Roma) de su nueva película, La battaglia di Roma. Producida por Cinemart, firma también responsable de la previa Little Wizards of Oz/I Piccoli maghi di Oz (2018), La battaglia di Roma supone, en principio, un cambio de rumbo en la trayectoria del cineasta italiano, en consonancia con la libertad que está exhibiendo en esta segunda etapa de su trayectoria iniciada con la magnífica Blood on Méliès’ Moon (2016). Al fin y al cabo, el film en cuestión se trata de una docuficción histórica que se ambienta dura la efímera existencia de la República Romana de 1849.
En la entrevista que mantuvimos con Cozzi durante la pasada edición del Festival de Sitges a propósito de Little Wizards of Oz/I Piccoli maghi di Oz, el director de Contaminación: Alien invade la Tierra, nos adelantaba varios detalles de este nuevo proyecto: “Yo escribí la película de Dario ArgentoLos cinco días (Le cinque giornate, 1973), que transcurre en 1848, en Milán, durante la revolución popular contra los austriacos. Este hecho sería elinicio del nacimiento italiano y la posterior constitución de la República Italiana. En 1848 esta revuelta popular que se extendió por toda Italia acabó mal. Tiempo después hubo otro alzamiento popular que sí salió triunfante, pero esta primera sublevación terminó con el bombardeo de Roma. En 1849 la última chispa de esta revolución fue la expulsión del Papa de Roma. El Papa pidió entonces ayuda a Francia, que bombardeó también Roma y reintegró al Papa en el altar de Pedro.
La docuficción que estoy haciendo trata de este periodo, de la expulsión del Papa y del bombardeo de Roma que hoy nadie recuerda, a pesar de que fue una gran batalla. No hay ningún componente fantástico en ello. Es una autoproducción que luego probablemente distribuiremos a través de la televisión en canales de historia, o algo de este tipo. Hay muchos grupos de coleccionistas, no solo de fantástico, sino también de uniformes militares: de partisanos, ochocentistas, nazis… Grupos que se prestan de forma gratuita con sus uniformes para hacer reconstrucciones de batalla y en este trabajo incluiremos estas reconstrucciones para ilustrar las diferentes etapas de este periodo histórico. Es algo que me divierte.”
Pero no es esta la única noticia protagonizada por Luigi Cozzi en los últimos días. Esta semana también se ha puesto a la venta su novela de ciencia ficción “Star Riders. I cavalieri delle stelle”, editada por Profondo rosso. Se da la circunstancia que “Star Riders” es también el título del proyecto de space opera que Cozzi trató de levantar tras Star Crash, choque de galaxias con producción de la Cannon, pero que debido a sus desavenencias por los cambios introducidos en su libreto a instancias de Caroline Munro y su entonces esposo Judd Hamilton no se llevó a cabo. ¿Se tratará de una novelización de aquél guion?
¿Existen restos de pirámides alienígenas en la región de Murcia? Es la insólita pregunta que trata de responder el mediometraje documental Pirámides murcianas, donde el investigador Miguel G. Díaz muestra lo que considera evidencias de una antigua civilización extraterrestre que estuvo asentada en la comunidad murciana en este film que se presentará hoy 16 de marzo en el festival Alacant Desperta y se estrenará el 28 de este mismo mes en la Sección Oficial del C-FEM, el Festival de Cine Fantástico Europeo de Murcia.
Pirámides murcianas recoge tres años de intenso trabajo en los que G. Díaz recorrió los lugares más enigmáticos de Murcia, con el propósito de demostrar la existencia de estructuras piramidales modificadas por el paso del tiempo, amparándose en la conocida como “teoría de los alienígenas ancestrales”. Dicha teoría, popularizada en España por expertos en lo paranormal como los célebres Fernando Jiménez del Oso, J. J. Benítez o Iker Jiménez, es una hipótesis sin base científica que sostiene que seres extraterrestres han visitado la Tierra y han sido responsables del origen y desarrollo de las culturas humanas, las tecnologías y las religiones.
Sin dejar de lado el humor y la ironía, en los más de cuarenta trepidantes minutos que dura el documental, G. Díaz siembra constantes dudas en el espectador, enseñando localizaciones que, en su opinión, demuestran la viabilidad de su planteamiento y la existencia de lo que denomina el “triángulo de poder murciano”. Asimismo, también trata de dar una explicación al amplio historial de extraños sucesos y supuestos avistamientos de Ovnis acontecidos en Murcia durante el último siglo. De esta forma, con un toque humorístico pero sin caer en la parodia, Pirámides murcianas traslada la hipótesis de los alienígenas ancestrales a España, partiendo de una base de datos reales suficiente como para hacer dudar al neófito, divertir al iniciado y, ante todo, intentar hacer pasar un buen rato a todo aquel que se acerque al universo que plantea.
El filme está dirigido por Liana Guadaño junto a Miguel Guirado y cuenta con la intervención de expertos en diversas materias, como la arqueóloga Isabel de Farnesio o el matemático Íñigo Rodríguez. Igualmente, cuenta con una elaborada banda sonora compuesta por formaciones de música electrónica con amplio bagaje en la escena nacional, como son los grupos Substuff y Los Puzzle. De hecho, la música es un elemento tan importante en Pirámides murcianas, que la presentación del documental hoy en Alacant Desperta irá acompañada de un concierto donde ambas formaciones interpretarán en directo las piezas creadas para la película.
Tal y como anunciamos la semana pasada, este mes de marzo llega a los cines Girona de Barcelona la película El pionero (2018), documental que repasa una parte importante de la filmografía del cineasta Sebastià D´Arbó. Aprovechamos la ocasión para charlar con el director de la cinta, Luis Esquinas, para que él mismo nos cuente los detalles del proyecto.
El 14 de marzo llega a los cines El pionero. ¿Con qué se van a encontrar los espectadores que acudan a ver la película?
Yo creo que van a ver una película que habla de cine dentro del cine. Van a poder conocer profundamente la figura de Sebastià D´Arbó, conociendo cómo se forjó un genial director que hizo una gran aportación al cine de género con su trilogía de cine parapsicológico. Además de película, algunos lo han calificado como un trabajo de arqueología cinematográfica, por la gran cantidad de documentación que se aporta, y por contar con el testimonio de muchos de los técnicos, guionistas y actores que trabajaron al lado de D’Arbó. Por otro lado creo que, además, tiene un valor fundamental, que es el de ensalzar la figura de ese gran actor que fue Narciso Ibáñez Menta y que sin duda fue una pieza fundamental en el cine de Sebastià.
El documental está producido y co-escrito por el propio Sebastià D´Arbó. ¿Cómo nació el proyecto? ¿Fue un encargo por su parte o, por el contrario, tuviste tú la primera idea y acudiste a él con unos esbozos de guion?
El proyecto nace en mi búsqueda por encontrar una temática para mi siguiente documental. Estuve barajando varias posibilidades y finalmente me decanté por la filmografía de este genial director del cine español. Como ya he contado en varias ocasiones, se daban una serie de características que lo hacían atractivo: la originalidad de su obra, sobre todo de Viaje al más allá (1980), que sin duda marcó un antes y un después en el cine de la época. También estaba el hecho de que fuera una producción abarcable, ya que al tratarse de una trilogía -aunque más tarde incorporamos Acosada (1985) como una magnífica intromisión en la trilogía- se acotaba la temática a estas tres películas. Y, por último, que el propio Sebastià era productor o coproductor de todas ellas, lo que sin duda facilitaría enormemente la incorporación de imágenes de las películas tratadas al documental.
Así que el documental nace como una propuesta mía al propio Sebastià. Los que le conocen saben que es muy exigente y no se conforma con cualquier cosa. Yo tenía clara la estructura, y cuando me pidió que le enviase el primer borrador del guion así lo hice y fue a partir de él cuando surgió el texto definitivo, que sin duda mejoró con sus aportaciones y por la mutua colaboración, que por otro lado ha sido fantástica.
Intuyo entonces que trabajar con D´Arbó ha sido una buena experiencia…
Sí, muy grata por varias razones. Lo primero es resaltar que en mis anteriores documentales que he producido yo mismo, The Simon´s Jigsaw (2014) y Satan´s Blood. Recuerdos de “Escalofrío” (2016), trabajé con mucha libertad al no tener que discutir ningún aspecto de la producción. Sin embargo, en esta ocasión debía acordar los detalles con el productor, lo que me ha enseñado como director a ser más flexible con las opiniones de otros, algo que sin duda me ha enriquecido. Sebastià es un perfeccionista y esto me ha hecho afinar hasta el más mínimo detalle a la hora de finalizar esta película de las que estamos, los dos, muy orgullosos.
Por otro lado, ha sido un placer trabajar con él, porque es un gran conocedor del cine y de los temas parapsicológicos. Nos podíamos pasar horas hablando y hemos mantenido una gran relación epistolar digital con cientos de correos electrónicos comentando los diferentes aspectos de la producción. Ha sido un placer ser el encargado de recuperar para los espectadores y amantes del cine de género la obra de este magnífico director, con un oficio incuestionable y que ha sabido poner en su obra un sello personal indiscutible.
Sebastiá D’Arbó durante un momento de la filmación
La estructura de la película se basa en la recuperación de imágenes de archivo acompañados detestimonios de numerosos invitados, explicando las producciones en orden cronológico. ¿Tuviste clara esa planificación desde el principio o pensaste en ficcionar algunas secuencias, tal y como hiciste, por ejemplo, en tu documental sobre Juan Piquer?
Desde el principio tuve clara la planificación, porque creo que teníamos que aprovechar la ingente cantidad de documentación y archivos que D´Arbó ha guardado a lo largo de los años. Los espectadores tenían que poder ver algunos documentos, lo que sin duda marca una impronta característica a la película, con la que estoy muy contento. Nunca me planteé ni ficcionar ninguna secuencia, ni utilizar la voz en off para guiar el desarrollo del documental. Teníamos que oír a los propios protagonistas contando sus experiencias. Además creo que algunos, han dado auténticas clases magistrales de guion (Luis Murillo), de montaje (Jose María Aragonés), maquillaje (Joanna Marti) o interpretación (Victoria Vera, Berta Cabré o Ramiro Oliveros).
Además el uso de las imágenes de archivo han convertido algunos pasajes en un auténtico “como se hizo”, lo que aporta un cierto estilo didáctico. También aquellos que lo han visto han afirmado que debería ponerse en todas las escuelas como un documento para enseñar a los estudiantes cómo se hacía el cine, cuando los recursos digitales eran inexistentes. Es un cine rodado en 35 mm y los efectos visuales y ópticos tenían una gran dificultad para la época, lo que le otorga aún más mérito.
Tal y como has avanzado, uno de los puntos más destacables que aparecen en el documental es la gran cantidad de fotografías e imágenes de making of de los rodajes de D´Arbó…
Fue cómo encontrar un tesoro. Cuando Sebastià, en su primer viaje a Madrid para hacer la entrevista, llegó con una maleta roja y al abrirla me enseñó toda la documentación que poseía para poder documentar la película, fue un momento mágico que nunca olvidaré. ¡Por fin no tendría que andar rebuscando fotos de rodaje, materiales audiovisuales o guiones! Creo que sin duda esto ha enriquecido mucho el documental, convirtiéndolo en un documento audiovisual único, que seguramente con el tiempo se valorará.
También tengo que decir que el trabajo de digitalización de todos los materiales ha sido costoso en tiempo y dinero. Pero esto va a permitir a los espectadores ver imágenes de las películas que son digitalizaciones en alta definición de los negativos de 35 mm originales. Cómo ya he comentado es una oportunidad única.
Luis con Ramiro Oliveros durante el rodaje del documental
A lo largo del documental abordas cuatro de los seis largometrajes dirigidos por D´Arbó: Viaje al más allá, El ser (1982), Acosada y Más allá de la muerte (1986), quedando fuera, por lo tanto, Cena de asesinos (1989) y El misterio Fassman (2011). ¿Por qué? ¿Piensas tal vez en la posibilidad de una secuela?
Yo tenía claro desde el principio que esta aventura debería terminar con Más allá de la muerte, e incluso como te comentaba hemos tenido varias discusiones sobre si deberíamos haber metido en este documental Acosada. Pero yo creo que los dos trabajos que citas también tienen cierta relevancia, porque muestran dos momentos importantes en la trayectoria profesional de Sebastià; Cena de asesinos por suponer su la retirada de la realización cinematográfica, marcado por la tormentosa relación vivida con el productor de esta película, Vincenzo Salviani; y El misterio Fassman por suponer su regreso para analizar la figura de este enigmático personaje catalán.
Dicho esto, efectivamente, estamos planteándonos afrontar una segunda parte de El pionero en un segundo documental, pero hay que estudiar su enfoque para que esté a la altura del primero. Se desarrrollarían varios aspectos de la situación del cine de género a través de lo que podríamos denominar esta “obra fallida” que fue Cena de asesinos, pero tenemos que recordar que su historia parte de un guión de Luis Murillo, que a su vez toma como base El pulpo negro (1985), serie ya mítica en la televisión argentina y de que la que en fechas cercanas tendremos novedades.
Otra de las virtudes del documental es el gran número de entrevistados con los que has podido contar: desde su biógrafo Diego Peñalver hasta expertos en cine fantástico como Ángel Sala, Pere Vall o Diego López, pasando, por supuesto, por multitud de profesionales que trabajaron con D´Arbó: actores como Ramiro Oliveros, Berta Cabré, Victoria Vera o Martín Garrido, el guionista Luis Murillo, la maquilladora Joana Martí… Imagino que el poder reunirlos a todos y cuadrar las agendas fue complicado…
Cualquiera que se dedica a hacer entrevistas, ya sea para incluirlas en un documental o cualquier otro fin, sabe la complicación a nivel de producción que supone esta ardua tarea. Sin duda ha sido muy complicado y quiero agradecerles a todos ellos su colaboración y cercanía. Además hay que destacar que el documental ha sido rodado en Madrid y Barcelona, lo que ha supuesto el traslado del equipo hasta la Ciudad Condal para realizar las entrevistas de algunos de ellos. Aprovecho la ocasión para agradecer a Luz Arnau por habernos prestado su estudio para la realización de las entrevistas. Sin duda ha sido un marco incomparable y cargado de buena energía.
¿Has echado en falta a alguien a quién poder entrevistar? Tal vez Mercedes Sampietro o Tony Isbert…
Ha sido para mí una pena no poder contar con alguno de los que estaban en mi relación ideal. Por supuesto, la aparición de los que tú citas hubiera sido muy importante, pero por diferentes razones no ha sido posible su participación. Y también me hubiera gustado contar otros como Emilio Gutiérrez Caba, Tomás Muñoz o Ignasí Ferré, por ejemplo.
Luis con Victoria Vera
Una vez acabe su paso por Barcelona, ¿qué futuro le espera a la película? ¿Se proyectará en otras salas? ¿Crees qué podremos verla en formato físico o en plataformas VOD?
Tras su estreno en los cines Girona de Barcelona el día 14 de Marzo de 2019, debo decir, porque hay mucha gente que nos lo pregunta, que esperemos poder tenerla en diferentes formatos. Estamos trabajando en ello y ya tenemos casi cerrada la edición de DVD y la proyección en dos salas de Madrid, Artistic Metropol y Filmoteca Española. Y también estamos en conversaciones con algunas plataformas VOD.
Estoy muy feliz por saber que la cinta ha generado expectación e interés. Tengo que destacar el gran trabajo que está realizando en este aspecto el propio Sebastià en labores de producción.
¿Tienes alguna película favorita de las realizadas por Sebastià D´Arbó?
Es como preguntarle a un niño “¿quieres más a mamá o a papá?”, pero me voy a mojar. Aún valorando a todas ellas, porque cada una aporta un aspecto diferente, mi favorita es sin duda alguna Viaje al más allá, por la propia estructura (episódica) del guion, por el ambiente conseguido, por los excelentes actores e interpretaciones que nos regalan, por la base científica de los temas que trata, y por suponer el comienzo de un género cinematográfico pionero hasta el momento, “el cine parapsicológico”.
Tu documental puede generar interés por D´Arbó entre aquellos que no conociesen su figura. ¿Cómo crees que recibiría este tipo de espectador un filme como Acosadao El ser, por citar dos títulos?
Yo creo que a través del documental muchos espectadores van a sentirse interesados por el cine de D´Arbó. Y creo que, además, hay una cuestión a favor de la expectación que se puede generar, y es que su cine nos es fácil de ver, lo que aún incrementa más ese aspecto de cine de culto que rodea a sus películas.
En cuanto a cómo recibiría este público los títulos que mencionas, te puedo contestar con un caso real. Hace unos meses Alex Mendíbil decidió programar en Filmoteca Española la película Acosada, con la presencia de Victoria Vera, el propio Sebastià y Luis Murillo, y el comentario de los espectadores que no la habían visto es que aún mantenía su frescura y que había soportado muy bien el paso del tiempo. Pero siempre tienes que plantearte que los espectadores de este cine, aunque nuevos en el cine de Sebastià, están siempre muy receptivos y saben valorar este tipo de cine, tomando la distancia necesaria para no caer en la injusticia de la comparativa deshonesta.
Pero, por ejemplo, en El ser los espectadores pueden disfrutar de una interpretación maravillosa de actores de la talla de Mercedes Samprieto, que en eso año 1980 recibió el Fotogramas de Plata a la Mejor Intérprete del cine español por su trabajo en Gary Cooper, que estás en los cielos (1980), o de Narciso Ibáñez Menta que vuelve a darle a su personaje una profundidad sólo al alcance de genios de la interpretación como él. Sin olvidar a Ramiro Oliveros, que creo que en esa película está magnífico, aunque también considero que su mejor papel de la trilogía es el de parapsicólogo en Viaje al más allá. En mi opinión, gracias a El ser los espectadores pueden descubrir unos efectos especiales muy interesantes, sobre todo teniendo en cuenta que se realizaban por procedimientos ópticos y fotoquímicos, de manera muy artesanal, y que creo que rayan en la genialidad, sobre todo en la última secuencia de la película. Por cierto, en el documental podrán disfrutar de imágenes inéditas de cómo se realizaron muchos de los efectos y trucajes de este filme.
Momento de la grabación de la entrevista a Ángel Sala
¿Actualmente estás trabajando en algún nuevo documental?
Como ya he comentado estamos trabajando en la segunda parte de El pionero, pero también estoy muy ilusionado por un documental en el que estoy trabajando sobre Transcomunicación Instrumental, un tema apasionante y que la gente conocerá por películas como White Noise (White Noise, 2005). Se va a salir de la línea de mis trabajos habituales y va a adentrarse en el terreno de la investigación, contando con la participación de expertos en la materia como Iñaki Carmona o Anabela Cardoso.
Además, están en preparación otros documentales sobre directores míticos del cine español, pero prefiero de momento esperar a tenerlo todo concretado antes de anunciar de quienes se tratan. Mi cabeza siempre está en marcha imaginando nuevos proyectos. Esto me mantiene la ilusión y me da fuerzas para seguir trabajando.
¿Crees que en la actualidad el género documental vive un buen momento en España?
Yo creo que el cine documental, aunque parece vivir un resurgimiento, no pasa por un buen momento. Como dijo recientemente Larry Levene en El Confidencial: “Hay cientos de trabajos magníficos hechos de forma individual que encuentran formas públicas para producirse y tienen vida en festivales, pero el proyecto nace y muere en sí mismo. No hay detrás una productora con continuidad. Eso no genera industria, la gente trabaja por amistad o por cantidades irrisorias. Esa es la realidad. Además, son productos que difícilmente llegan a tener audiencia. La lista de los documentales que compiten por los Goya, ¿dónde se han visto? ¿Se han emitido o se emitirán en alguna cadena? Pues desgraciadamente, la mayor parte, no”. Estoy totalmente de acuerdo con esa opinión, pero todavía quedamos unos pocos locos que creemos en el formato y que vamos a seguir trabajando para dignificarlo. Lo importante es hacer las cosas bien y creo que, con el tiempo, este trabajo será valorado.
También quiero darle las gracias a los festivales de cine y las salas alternativas por confiar en nuestro trabajo y darnos la oportunidad de llegar al público. Parece ser que esta es la única manera de que nuestras películas se puedan ver.
Después de tres documentales dirigidos, ¿te gustaría incursionar en la ficción cinematográfica?
¿A qué director no le gustaría dar el salto a la ficción? Por supuesto que me encantaría poder producir una ficción cinematográfica. Este año nos estamos planteando la posibilidad de producir de manera independiente nuestro primer largometraje. Si las cosas marchan como espero tal vez podamos verlo pronto. Pero tampoco quiero dejar de lado algunos proyectos ajenos que me han propuesto, porque a mí me gusta cumplir con mis compromisos. Pero como todo el mundo sabe, llevar adelante un proyecto siempre tiene una gran dificultad y sobre todo sin tener detrás un presupuesto que lo permita. Tenemos que trabajar apoyándonos en profesionales que nos ayudan a realizar un trabajo por cantidades irrisorias o nulas, pero creo que con ilusión, esfuerzo y una pizca de talento los proyectos se pueden llevar a buen término. Mi mujer tiene una frase estupenda que puede reflejar esto que te cuento: “No necesito que sea fácil, tan sólo que sea posible”.
Muchas gracias por tu tiempo, Luis. Si quieres añadir algo más…
Quiero aprovechar esta entrevista para agradecerles a todos aquellos que han confiado en mí por su apoyo desinteresado. A lo largo de estos últimos cuatro años mucho han sido lo que se han prestado a ayudarme ofreciendo su testimonio, su experiencia personal y su sabiduría para que los espectadores puedan conocer las bambalinas de un cine menospreciado o poco valorado por el mercado generalista, pero que tiene detrás a grandes profesionales que han sabido hacernos soñar, sentir, llorar… Por supuesto agradecerle a Sebastià D´Arbó su fe en este proyecto desde el principio y a Manuel López Villegas, mi director de fotografía y amigo, su apoyo incondicional en esta aventura. A todo ellos, ¡gracias!
El próximo jueves 14 de Marzo a las 21:30 se estrenará en los Cines Girona de Barcelona ( Carrer de Girona nº 175)El pionero. Se trata de la llegada a salas comerciales de este documental dirigido por Luis Esquinas, centrado en la figura del director catalán Sebastià D´Arbó. Será una gran oportunidad para poder disfrutar de la película junto a su protagonista y a su director, quienes acudirán a la sala para presentarla; y también será una gran oportunidad para disfrutar de la experiencia del cine dentro del cine. De la mano de los testimonios de actores, técnicos, guionistas y del propio D’Arbó, los espectadores asistentes podrán conocer más acerca de la filmografía del director a través de sus experiencias, anécdotas y documentación inédita acerca del proceso de producción de la denominada “Trilogía de cine parapsicológico de Sebastián D’Arbó”, una triada de títulos sin apenas parangón en la historia del cine fantástico español.
Hace unos meses os hablábamos de Los albores del kaiju eiga, documental dirigido y producido Jonathan Bellés que estudia los orígenes del icono japonés Godzilla y de cómo la amenaza nuclear ha ido concibiendo al monstruo, contando para ello con el testimonio de diferentes cineastas que han participado en la franquicia, como Akira Takarada, Haruo Nakajima, Akira Kubo, Yukiko Kobayashi, Shusuke Kaneko, Kenpachiro Satsuma, Koichi Kawakita, Ishii Yoshikatzu o Shinji Higuchi.
Pues bien, Los albores del kaiju eiga ya tiene fecha para su pre-estreno. Será el 2 de abril en el Instituto Cervantes de Tokio a las 18:30 (hora local). Además de la proyección del documental, se realizará un coloquio con algunas de las leyendas del kaiju eiga aún por desvelar.
Tras esta premiere mundial, está previsto que Los albores del kaiju eiga se proyecte en los Estados Unidos, en un pase aún pendiente de cerrar. En cuanto a nuestro país, en estos momentos se está trabajando en su estreno.
Desde la semana pasada ya se encuentra disponible en la web del canal ARTE subtitulada en castellano la segunda temporada de Nanaroscope, serie documental a cuyos directores, Régis Autran y Régis Brochier, entrevistáramos hace unos meses aprovechando su visita a la pasada edición de CutreCon, donde la primera temporada de Nanaroscope fue proyectada dentro de la sección “Documentrash”. Bajo el formato documental y con piezas que no superan los diez minutos, la serie analiza diversas corrientes, nombres propios y títulos emblemáticos del cine de género de serie B/Z, contando para ello con el testimonio de sus propios protagonistas, así como de diversos especialistas cinematográficos. Star Crash, choque de galaxias, Megaforce, el Superman turco o Año 225, después del holocausto son algunas de las películas que son tratadas en esta segunda temporada de Nanarascope, en la que también hay cabida para el cine español, con el capítulo dedicado a la cinta de artes marciales rodada en canarias Karate contra mafia.
Además de ofrecer en primicia estrenos de género y recuperar clásicos, el Festival de Cine Fantástico de Canarias – Isla Calavera busca ser un espacio de didáctica y reflexión sobre autores, producciones, tendencias y fenómenos próximos al fantástico. Por ello, en su segunda edición abrirá su programación a un espacio documental mediante el que ofrecerá una destacada selección de títulos a través de dos sesiones que tendrán un precio de entrada de 3 euros cada una y que ya pueden adquirirse en la taquilla de Multicines Tenerife.
La primera de estas sesiones está fijada para el sábado 24 a partir de las 12:30 horas, en la que podrán verse los títulos Jack Taylor, testigo del fantástico, El traje de Superman y Un chico de portada: El arte de Macario Gómez. Escrito y dirigido por Diego López, el mediometraje de treinta minutos de duración Jack Taylor, testigo del fantástico repasa a través de una entrevista con su protagonista la trayectoria de uno de los rostros imprescindibles del cine de género europeo de la década de los sesenta, setenta y ochenta. El propio Diego López visitará el Festival Isla Calavera para presentar su trabajo al público y recoger en el marco de la Gala de Clausura el Premio Isla Calavera a la Difusión del Fantástico. Este galardón nace este año con el objetivo de reconocer la labor de estudiosos del género, periodistas especializados, críticos o entidades dedicadas a la investigación o promoción del fantástico. Diego López lo inaugura como reconocimiento a su trayectoria como miembro del comité de programación del Festival de Sitges, responsable de la sala Brigadoon del certamen catalán, editor del fanzine “El buque maldito”, autor y colaborador de numerosas publicaciones y libros, además de su faceta como documentalista.
El traje de Superman (2017) es un trabajo de Juan Manuel Díaz Lima que cuenta cómo Yvonne Blake diseñó la vestimenta del superhéroe para las adaptaciones dirigidas por Richard Donner y Richard Lester, a partir del personaje creado para el cómic por Jerry Siegel y Joe Shuster. Ganadora del Oscar en 1971 por su trabajo en la película Nicolás y Alejandra y de cuatro premios Goya, la figurinista hispano-británica presidió la Academia española de las Artes y las Ciencias Cinematográficas en los últimos dos años. La presentación del documental contará con la presencia de Víctor Matellano, autor del libro “Diseñado por… Yvonne Blake. Figurinista de cine”, quien trabajó con ella en varias ocasiones.
Además, el festival recuperará Un chico de portada: El arte de Macario Gómez (2012), de David Muñoz, en el que se ofrece un recorrido por la vida y la carrera artística del prolífico cartelista desde el salón de su propia casa. Al artista catalán, conocido artísticamente como “Mac”, se deben piezas tan representativas del género como los carteles españoles de La noche de los muertos vivientes, de George A. Romero, o Re-Sonator, de Stuart Gordon. La proyección de Un chico de portada: El arte de Macario Gómez y El traje de Superman supondrá el homenaje del Festival Isla Calavera a Yvonne Blake y a Macario Gómez Quibus, quienes fallecían el pasado mes de julio.
La segunda de las citas con el documental llegará el domingo 25 a las 18:30 horas con la proyección de El último truco. Emilio Ruiz del Río. Dirigido por Sigfrid Monleón y nominado al Goya en 2009 a la Mejor Película documental, revela uno de los secretos mejor guardados del cine a través del arte de Emilio Ruiz del Río, quien a lo largo de su carrera, que abarca más de quinientas películas, recurrió a todo tipo de trucajes trabajando a las órdenes de directores como Enzo G. Castellari, Guillermo del Toro, David Lynch o Fernando Trueba.
Productores: Fredrik Heinig, Cecilia Nessen, Mattias Nohrborg.
Fotografía: Emil Klang
Música: Jonas Beckman, Lars Kumlin
Intérpretes: Jane Magnusson (narradora, solo voz), Ingmar Bergman (material de archivo), Lena Endre, Thorsten Flinck, Elliott Gould, Barbra Streisand, Liv Ullmann, Lars von Trier, Dag Bergman, Gösta Ekman, Gunnel Lindblom
Sinopsis: Es en 1957 cuando Ingmar Bergman realiza dos de sus más míticas películas, El séptimo sello y Fresas salvajes. También hace un telefilm y dirige cuatro obras teatrales. Jane Magnusson dirige este documental explorando, por medio de entrevistas de archivo y actuales efectuadas ex profeso, ese glorioso año.
Jane Magnusson, documentalista y directora, ya ha tratado al gran director Ingmar Bergman en otras ocasiones: en 2012 realizó para la televisión, junto a Hynek Pallas, ambos guionistas también, la mini-serie documental Bergmans video, donde destacados cineastas como Woody Allen, Martin Scorsese, Wes Craven, Francis Ford Coppola, Wes Anderson o Agnieszka Holland, por mencionar a unos pocos, hablaban sobre él. En 2013 incidió en el personaje, de nuevo con Pallas, con Descubriendo a Bergman (Trespassing Bergman, 2013), donde esta vez, en la casa del propio Bergman, se habla sobre su legado, repitiendo algunos nombres arriba citados y otros como los directores Ang Lee, John Landis, Michael Haneke, Claire Denis o Alejandro González Iñárritu, y también hay declaraciones de actrices que trabajaron con Bergman, como Harriet Andersson, protagonista de Un verano con Mónica (Sommaren med Monika, 1953), o Pernilla August, que apareció en Fanny y Alexander (Fanny och Alexander, 1982) y en Las mejores intenciones (Den goda viajan, 1992), con guion de Ingmar Bergman y dirigida por Bille August, su esposo por aquel entonces. La tercera vez es esta, Bergman, su gran año, focalizado en 1957, un año muy importante en la filmografía del gran realizador.
En verdad, ese año es la excusa para hablar de Bergman en un amplio espectro, desde la creación de las memorables películas que vieron la luz en esa época, El séptimo sello (Det sjunde inseglet) y Fresas salvajes (Smultronstället), además del trabajo en la televisión y el teatro, como en su vida personal, con su padre y hermano, sus influencias, tanto artísticas como vitales o cómo le veían los demás.
A pesar de ser un documental donde se van intercalando imágenes reales del director, los familiares o amigos con otras donde se ven a personas, directores, actores o conocidos, además de escenas de sus películas, contando la historia de Bergman, la directora sabe montar todo esto con soltura y ritmo, lo cual hace que te interese la cinta no solo por el contenido, sino por la forma de narrar. El espectador descubre cómo era el director, pero también cómo era la persona, con sus luces y sombras; hay momentos que Bergman no queda bien parado, pero aún así puedes ver al genio cinematográfico y teatral que fue. Ves que todo su legado dentro de la cultura permanece.
Bergman, su gran año es un documental que debería tener la mayor difusión posible; no solo entretiene y nos muestra a un gran realizador tal como era, sino que nos enseña que hubo un tiempo en el que hacer cine era maravilloso y que tal vez no esté del todo perdido.
El pasado 2011 Gurutz Albisu publicaba José María Zabalza. Cine, bohemia y supervivencia, una completa y reveladora obra que servía para arrojar luz sobre la figura y la personalidad del cineasta irunés, responsable de films como Entierro de un funcionario en primavera (1958), La furia del hombre lobo (1970)o Al oeste de Río Grande (1983). Siete años después de este primer acercamiento ha visto la luz Director Z. El vendedor de ilusiones (2018), documental que de algún modo completa lo ya expuesto por José María Zabalza. Cine, bohemia y supervivencia, aunque desde una perspectiva diferente. Sin despreciar la exhaustividad de Albisu, no por casualidad guionista del documental, Director Z. Vendedor de ilusiones se centraen resaltar la faceta humana del realizador guipuzcoano, contando para ello con el testimonio de familiares, amigos y profesionales del medio que trabajaron en algún momento de su carrera a las órdenes de Zabalza.
Dirigido por Oskar Tejedor, tras su preestreno en la Irún natal de Zabalza el pasado 20 de abril, Director Z. Vendedor de ilusiones pudo verse durante la 51 edición del Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya – Sitges, dentro de la programación del espacio “Brigadoon”, antes de su reciente estreno en salas comerciales. Aprovechando su presencia en Sitges, donde estuvieron acompañando su proyección, no perdimos la oportunidad de conversar con Oskar Tejedor y Gurutz Albisu acerca de los pormenores del documental y las vicisitudes de su rodaje.
Imagino que el origen de Director Z. El vendedor de ilusiones se remonta al libro que escribiera Gurutz sobre José María Zabalza hace unos años. En tu caso, Oskar, ¿qué te atrajo de la figura de Zabalza para embarcarte en la realización del documental?
Oskar: La esencia del documental parte de una foto donde se ve a Zabalza junto a Truffaut, vestidos ambos de esmoquin blanco en el Festival de Cine de San Sebastián. Esa foto refleja muy bien las dos caras del cine; siempre se habla de los triunfadores, pero nunca de los fracasados o de aquellos que nunca han llegado a conseguir el éxito con su trabajo pero que en realidad forman parte de nuestra historia.
Al investigar sobre el tema, me pareció que muchos realizadores y cineastas actuales nos podíamos identificar con el personaje “Zabalza”. Personalmente siempre me ha interesado rescatar del olvido a gente anónima que me hace reflexionar, y la historia de Zabalza me parecía que se acercaba mucho a esta línea editorial que desde hace mucho tiempo vengo explorando en mis trabajos. De Zabalza me gusta esa pasión por el cine, ese desenfreno de decir “Me apunto a lo que sea porque mi vida es contar historias, aunque esto me arrastre en lo personal”. Todo esto fue un poco lo que más me motivó.
A pesar de las raíces literarias, lo cierto es que el documental es muy cinematográfico. A este respecto me ha gustado mucho la idea de interrelacionar los testimonios de los entrevistados sobre la personalidad y la vida de Zabalza con extractos de sus películas que vienen a confirmarlos, lo que revela una laboriosa tarea de edición…
Oskar: Exactamente. Ha sido un arduo y laborioso trabajo de investigación el hecho de buscar analogías entre la vida de Zabalza y lo que cuenta en sus películas. Ese trabajo se ve recompensado cuando encuentras esas relaciones entre lo personal y lo imaginado, y entonces te dices “lo tengo”.
Era necesario verse las veintiuna películas y sus cortometrajes para entender la evolución emocional del personaje. Al ver las películas me surgían nuevas pistas que explorar y, de alguna manera, me permitía identificar el discurso de las personas que había entrevistado y el momento que vivieron con él.
En realidad el trabajo de un creador revela mucho de la persona y, de alguna manera, lo que contamos los cineastas la mayoría de las veces forma parte de nuestra vida personal. Aunque retratemos vidas diferentes a las nuestras, siempre acabamos reflejándonos en ellas. Luego fue muy interesante analizar sus películas en función del estadio en el que se encontraba en su vida personal.
Gurutz: ¿Al final qué es lo que ocurre? Que no teníamos a Zabalza en carne y hueso, pero le teníamos actuando en sus películas. Decidimos aprovechar esas imágenes para mostrarlo a través de sus filmes. Lo increíble fue comprobar cómo siguiendo cronológicamente sus diferentes apariciones ante la cámara, se hacía patente su propia deriva personal.
En este sentido, ¿cambió mucho el enfoque que teníais previsto originalmente a medida que ibais entrevistando a gente que le había tratado tanto personal como profesionalmente?
Oskar: Hombre, primeramente el hecho de que Gurutz haya escrito un libro y se haya pasado tanto tiempo investigando a mí me ha facilitado el trabajo de una forma increíble. Es verdad también que del libro a la película hay mucha diferencia, porque él tenía mucha información escrita, pero el problema era encontrar las personas que nos contaran esa información en el documental. La mayoría de la gente que vivió aquellos acontecimientos ya había desaparecido o los que estaban, su cabeza ya no la tienen para poder acordarse. En ese sentido, la búsqueda de testimonios ha sido realmente dificultosa.
Y sí, la idea original fue evolucionando y retroalimentándose. A medida que iba encontrando gente, me iban dando pistas para construir mi relato. Fue una verdadera lástima que la familia directa, sus hijas, no quisieran participar, pero pese a la insistencia que tuvimos, tanto Gurutz al principio como yo después, nos fue imposible convencerles para que estuvieran en el documental. De hecho se habla de ello en el filme. Tan solo su sobrina aparece, aportando las piezas necesarias para entender la relación de los dos hermanos y reconstruir el universo Zabalza.
Gurutz: Hemos conseguido contactar con sus hijas. Yo en el libro ya apunté que por informaciones que me habían dado sabía que tuvo tres hijas. Finalmente contactamos con una de ellas que vive en Luxemburgo, pero no ha querido saber nada. Fue curioso cómo dimos con ella, porque fue un poco como en Searching for Sugar Man. Hemos buscado a través de la SGAE, quien cobraba los derechos. Vimos que había una persona que los percibía, pero no nos daban ni su nombre, ni su dirección, ni su teléfono. No obstante, nos propusieron que les diéramos nuestro correo electrónico para que ellos se lo hicieran llegar. Y fue entonces cuando una de las hijas nos contactó. Le propusimos participar en el documental, pero fue un muro, negándose en todo momento a cualquier colaboración. Por otra parte, nos llamó la atención que, a pesar de las difíciles situaciones que les hizo pasar, el recuerdo que conservan del padre es muy bueno. Pero la familia se muestra muy dolida con el mundo del cine, por cómo ha tratado a su padre, al que sienten que no le ha hecho justicia. Por ejemplo, cuando falleció solo tres personas acudieron al funeral; nadie de la gente del cine se acordó de él.
Oskar: En cualquier caso, poquito a poquito, hemos encontrado joyas. De hecho, cuando tenía el proyecto bastante avanzado encontramos a gente muy interesante, pero desgraciadamente debido a la falta de tiempo para acabar la película tuvimos que declinar la presencia de estos personajes.
Oskar Tejedor
He de confesaros que me ha gustado mucho el enfoque que le habéis dado al documental, ya que en otras manos lo más probable, dados los antecedentes del personaje, es que se hubiera hecho una cosa que se centrara más en destacar los aspectos más sensacionalistas. Sin embargo, vosotros os centráis más en la persona que en el personaje…
Oskar: Exactamente. En realidad, la historia de Zabalza se ha construido por medio de piezas, como si fuera un puzle. Partiendo de una línea principal de trabajo, fui alimentando mis hipótesis a medida que iba avanzando en la investigación. Yo tenía muy claro que, con un personaje como éste, denostado por la crítica y olvidado por la prensa, mi intención tenía que ser otra y contar la historia desde su lado humano. De alguna manera quería hacer héroe al antihéroe. Me interesaba conocer qué había detrás del cineasta locuelo y precipitado.
Por otro lado, era consciente que tenía que ensalzar los hitos más importantes logrados por este hombre que le diferencian de los demás a través de la gente que estuvo en ese momento con él. Por eso, he intentado subrayar el hecho de que rodara una película en un día, filmara tres películas a la vez, etcétera, etcétera. Es decir, remarcar aquellas peculiaridades que le hacían único en el panorama cinematográfico del momento.
Por cierto, Oskar, en las entrevistas te colocas compartiendo plano con los entrevistados. ¿Era una forma de dar a esos momentos de un poco de intimidad?
Oskar: En primer lugar quería que el artificio fuera evidente para hacerlo más cercano y humano. Carece de mi voz en off, porque no quería que mi presencia eclipsara al verdadero protagonista, pero sí que consideraba necesario ese acercamiento a los personajes, que sintiera el público que yo estoy viviendo las experiencias de ellos, que las estoy compartiendo. De hecho, se ve muchas veces al equipo técnico y se hace palpable que estamos grabando, queriendo convertir el artificio en algo natural. Me apetecía que fuera un documental muy de colegas charlando.
Has dicho, Oskar, que no hay narración en off tuya, pero sí que se incluye una voz que hace de Zabalza. ¿Los textos que lee pertenecen realmente al propio Zabalza?
Gurutz: En toda labor de documentación que hice para escribir el libro, y que me llevó diez años prácticamente, tuve la suerte de encontrar una revista local que se llama El Bidasoa, en la que Zabalza escribió durante varios años, a comienzos de los sesenta. Y la mayoría de estos textos que aparecen proceden de allí.
Oskar: Entonces, cuando Gurutz me enseñó estos documentos escritos por el propio Zabalza, enseguida vi que eran una joya, pero tenía la duda de cómo incorporarlos en la narrativa del documental sin que quedaran falsos. Me parecía que esos textos narraban muy bien algunos momentos importantes en su vida.
Para dar voz a estos textos buscamos un actor que tuviera una voz que se asemejara a la de Zabalza, para entrar así en su intimidad. A lo largo del documental su voz permitía que estuviera presente y pudiéramos conocer sus reflexiones de cada momento de su trayectoria. Por ejemplo, en la parte del documental cuando se habla de la censura es la propia voz de Zabalza dentro de una de sus películas, que dentro del metraje se entremezcla con la voz del actor que hace de él leyendo uno de sus textos. Es una broma muy para cinéfilos, que, no obstante, quizás a mucha gente le pase desapercibida.
Gurutz Albisu
Ya que hablamos de la labor de documentación, me ha supuesto una grata sorpresa la inclusión dentro del documental de escenas descartadas de la que fuera la ópera prima de Zabalza, También hay cielo sobre el mar. ¿Cómo conseguisteis acceder a este material?
Oskar: Pues la verdad es que no fue fácil para Gurutz, y a mí, aun teniendo todo el trabajo ya hecho por Gurutz, tampoco me fue fácil. Hemos trabajado mucho con Filmoteca Española de Madrid, donde nos han facilitado mucha información y de hecho nos permitieron rodar en la misma Filmoteca.
Desgraciadamente no se ha conservado mucho material auténtico en la Filmoteca Vasca, salvo el que aportó en su día Gurutz y la primera película rodada en Pasajes. Sin embargo, un buen día investigando en la Filmoteca, una maravillosa técnica de la Filmoteca Vasca me comentó que habían encontrado bobinas con descartes que no se utilizaron en la película primera película de Zabalza, También hay cielo sobre el mar. No me lo podía creer. Realmente eran pocos cortes, pero fue un hallazgo increíble. Con su ayuda, telecineamos ese material, y aprovechamos esos cortes para poder incluirlos en el documental. Era un poco lo que te decía antes: al final las piezas del puzle fueron encajando a medida que las iba encontrando.
Desde que se anunció la puesta en marcha del documental hasta que finalmente ha visto la luz han pasado varios años. ¿A qué se ha debido esta producción tan dilatada?
Gurutz: Bueno, originalmente el documental lo iba a dirigir Javier Barajas, pero pasado un tiempo tenía otros proyectos y lo dejó. Y al tiempo entró Oskar.
Oskar: Cuando la productora me propuso el documental y me enseñaron el material que habían construido con el anterior director no me interesó demasiado la visión denostada que se hacía del personaje.
Gurutz: En ese momento, la idea tiraba más de hacer paralelismos con Ed Wood y Jess Franco. Pero mientras que Ed Wood era una especie de visionario, Zabalza había estudiado cine en la segunda promoción del Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas, por lo que disponía de una formación de la que Wood carecía. Y también era muy diferente a Jess Franco. Franco tenía detrás diversas productoras y distribuidoras, elementos de los que Zabalza apenas disfrutó. Él se tiraba al ruedo con la única intención de hacer una película y no pensaba ni en la distribución.
Oskar: Estudiando a los personajes, no tenían nada que ver. Así que la única condición para ponerme al frente del documental era que primero tenía que empaparme del personaje y ver cómo lo sentía para encontrar mi mirada personal y ser fiel a mí mismo.
Obviamente, al tener claro mi punto de vista, todo el tiempo previo que se había estado entrevistando a gente a mí no me valía, por lo que tuve que empezar de cero, con las consecuentes limitaciones de producción. Así que con tan solo siete días de rodaje tuve que atinar para dar en la diana sin margen de error. Por eso fue fundamental el hecho de jugar con los archivos de sus películas para poder contar la historia que tenía en la cabeza.
Por otro lado, ha sido complicado el tema del montaje, por falta de tiempo y presupuesto. Así que cuando dices que ha sido una producción dilatada, para mí ha sido muy corta. Tanto es así que ha habido gente importante que se ha tenido que quedar fuera de la narración.
Uno de los testimonios convocados por el documental Desenterrando Sad Hill es el de Sir Christopher Frayling. Nombrado caballero del imperio británico en 2001 por sus “servicios a la educación en arte y diseño”, su obra se ha especializado en el estudio de la cultura popular. Dentro de este apartado destaca su papel de biógrafo de Sergio Leone, labor que cristalizaría en el imprescindible volumen Sergio Leone: algo que ver con la muerte. Nadie pues más indicado para hablar del cine del italiano y explicar los motivos por los que, más de medio siglo después de su estreno, estas películas continúan más vivas que nunca, despertando un fervor casi religioso entre sus espectadores. Eso es lo que hicimos en la siguiente charla que pudimos mantener con él aprovechando su presencia en la pasada edición del Festival de Sitges, donde Sir Christopher Frayling estuvo acompañando la presentación de Desenterrando Sad Hill.
¿Cómo le llega la noticia de que hay un grupo de gente que está desenterrando el mítico cementerio de Sad Hill y cuál es su reacción al conocerla?
Cuando Guillermo, el director de Desenterrando Sad Hill, se puso en contacto conmigo y me explicó el proyecto con fotografías de cómo se estaba restaurando el cementerio —esto sería en 2014 o 2015—, me dejó totalmente intrigado. La idea de que los fans estuviese haciendo suya la película, que hubiera gente tan apasionada por El bueno, el feo y el malo que cincuenta años más tarde estuviese interesada en pasar sus fines de semana para excavar con sus propias manos y poder recuperar el decorado original de la escena final de la película, me pareció muy conmovedora. Creo que es un ejemplo muy ilustrativo de cómo el público quiere formar parte de la historia de las películas y de cómo en estos tiempos, gracias al impacto de las redes sociales, los fans y los espectadores tienen la oportunidad de convertirse en parte de las películas e, incluso, pueden interactuar con ellas, lo cual me parece muy importante.
Originalmente Desenterrando Sad Hill estaba pensado para ser un cortometraje documental de veinte minutos sobre la restauración del cementerio de Sad Hill, pero más adelante pensamos que sería una buena idea añadir el enfoque del making of de cómo se hizo El bueno, el feo y el malo. Así que el documental habla de cómo se hizo la película de Leone hace cincuenta años, los efectos que sigue causado en los espectadores en la época actual, de lo que se decía de ella en su momento de estreno y de lo que se dice hoy. También se incluyen imágenes de conciertos del grupo de heavy metal Metallica, que desde sus inicios utiliza el tema de la banda sonora de la película “The Ecstasy of Gold” para abrir sus conciertos. Es un documental que reúne muchísimas ideas y que, de algún modo, explica cincuenta años de la relación de amor que muchos espectadores tenemos con El bueno, el feo y el malo y de los secretos que esconde la propia película.
Usted ha basado gran parte de su carrera en investigar sobre Sergio Leone y su obra, algo que entronca en parte con lo que habla el documental. ¿Qué tiene el cine del director italiano para despertar este fervor casi religioso entre los espectadores?
Creo que en primer lugar tiene que ver el hecho de que Leone fuera un italiano que hablaba de un género tan propio de los Estados Unidos como el western y que lo hiciera desde un punto de vista europeo. Esto era muy válido para la gente que amaba la cultura de los Estados Unidos pero que necesariamente no tenía por qué amar los valores que esta cultura representaba, y aquí me parece importante que hay que hacer una diferenciación entre estos dos conceptos.
En segundo lugar, los films de Leone crearon el concepto del héroe de acción moderno, que no se centra tanto en la batalla, en la lucha, en el duelo, sino en el estilo. En este sentido, Leone utilizaba la música como años después lo ha hecho Tarantino, que coge una canción que es un éxito de una banda de rock y hace una película que gira alrededor de esta canción. Esto es exactamente lo que Leone hizo con la música que Morricone componía para sus películas.
Y en tercer lugar también está el que el cine de Leone sea, en realidad, un cine sobre el cine. No habla sobre la vida real, sino que se basa en películas italianas y españolas que emulaban a películas de los Estados Unidos, y no a la vida real. Es decir, Leone es un director vanguardista, pero que al mismo tiempo es querido por el público. Y eso es muy, muy raro y muy exclusivo, porque normalmente el público va a ver películas de los directores de vanguardia, como por ejemplo pueden ser las de Godard, pero después se desvincula. Sin embargo, en el caso de Leone la gente se siente muy ligada tanto a él como artista como a sus películas.
Por todos estos motivos a mí siempre me ha encantado el trabajo de Leone y por eso me enfrasqué en estudiar su obra. Incluso, en una ocasión el propio Leone me dijo que me fijase en que tenía que haber sido un inglés el que convenciera a los italianos para que le gustasen sus películas, lo que es muy extraño.
¿Y cómo se explica que haya sido esta versión externa del western la que se haya impuesto como canon dentro del género? Es un hecho que los westerns norteamericanos modernos beben más de las películas de Leone que de las de Nicholas Ray, John Ford o Henry Hathaway…
Cuando las películas de Sergio Leone aparecieron, entre 1964 y 1968, había un contexto político en Estados Unidos muy difícil, y el ambiente estaba muy crispado. Había un sentimiento muy crítico con la Guerra del Vietnam, lo cual se reflejó en el mundo de la cultura, como pueden ser las canciones protesta de Bob Dylan. Y las películas de Leone surgieron en este contexto, tratando además un género tan representativo de la identidad estadounidense como son las películas del Oeste, que por lo general habían representado los valores más tradicionales de la sociedad estadounidense. Y lo que consiguieron fue que todas las personas que amaban a los Estados Unidos pero no estaban de acuerdo con los valores que representaba pudieran verse identificadas en aquellos films, que no obstante bebían de toda esa tradición de las películas del Oeste. Se considera que incluso Leone devolvió al pueblo de los Estados Unidos con sus películas esa especie de cuento de hadas que habían perdido. Sus películas fueron un éxito rotundo en los Estados Unidos y de ello han bebido posteriores personalidades cinematográficas hollywoodienses, no solo dentro del western, sino también en el cine de acción y de otros géneros. El caso más evidente sería el de Sam Peckinpah, pero tampoco nos podemos olvidar que las personalidades cinematográficas de Charles Bronson, Sylvester Stallone o Arnold Schwarzenegger han bebido de forma clara del personaje que Clint Eastwood interpretara para Leone en la Trilogía del Dólar. Se podría decir que Leone es la mayor influencia en la historia de un cineasta europeo en el cine de los Estados Unidos.
