El próximo miércoles 21 de agosto Cameo lanza al mercado en formato doméstico Drácula, Barcelona (2017), documental dirigido por Carles Prats que reconstruye el rodaje de la versión que Jesús Franco emprendiera a finales de los sesenta en la Ciudad Condal del “Drácula” de Bram Stoker y que, a su vez, diera origen al film experimental de Pere Portabella Vampir Cuadecuc (1970). Para ello, la película cuenta con varios de los protagonistas de aquella filmación, caso de los actores Teresa Gimpera, Christopher Lee o Jack Taylor, el productor Arturo Marcos o los propios Jesús Franco y Pere Portabella, a los que se le añade el testimonio de varios historiadores y especialistas cinematográficos entre los que se encuentran Carlos Aguilar o Álex Mendíbil.
Sinopsis: Barcelona 1970. A pesar de la dictadura, Barcelona pretende ser una ciudad abierta y moderna. En ese momento, el brillante, ultraproductivo y transgresor Jess Franco, decide rodar su Drácula en Barcelona. Y el cineasta experimental Pere Portabella registrará aquel singular rodaje a través de un making of de vanguardia. El cine dentro del cine en un documental que plasma el encuentro entre dos cineastas que han impuesto su personalidad en los márgenes de la industria. Jess Franco desde el fantástico, el terror o el erotismo. Portabella desde la experimentación y el compromiso político.
La edición comercializada por Cameo de Drácula, Barcelona ofrece el documental en formato DVD con audio en versión original, subtítulos en castellano e inglés e imagen en su aspecto ratio original 1.85:1 anamórfica. A ello se le añaden más de veinte minutos de contenidos extras formados por el tráiler de la película, un montaje alternativo de la secuencia sobre Soledad Miranda, secuencias inéditas de Jack Taylor, Arturo Marcos, Annie Settimó y Christopher Lee, “Fascination” demo del tema principal de la banda sonora de The Divine Rodilos, y la pieza titulada “Work in progress: el primer logo de Dracula Barcelona”
La perversa señora Ward,Los profesionales del oro, La cola del escorpión, Las pistolas cantaron la muerte y fue… tiempo de masacre, Sumario sangriento de la pequeña Estefanía, Todos los colores de la oscuridad, Voy, le mato y vuelvo o Vende la pistola y cómprate la tumba son solo algunos de los títulos más destacados de la filmografía del actor de origen uruguayo George Hilton. Nacido el 16 de julio de 1934 en Montevideo con el nombre de Jorge Hill Acosta y Lara, este hijo de una familia acaudalada acabó por convertirse en uno de los rostros más emblemáticos del cine popular europeo, en especial del italiano, durante su edad de oro, en la década comprendida entre mediados de los sesenta y los setenta. A pesar de que a lo largo de su carrera incursionó en otras corrientes, como el bélico, la comedia o el poliziesco, dos fueron principalmente los estilos en los que se especializaría, como puede deducirse a tenor de los films enumerados más arriba: el giallo y, sobre todo, el spaghetti western, donde devino como uno de los más recurrentes y reconocibles protagonistas con los que contó el subgénero dentro de su particular star system.
Todo este bagaje es la base ahora de George Hilton – Il mondo è degli audaci, un documental que, por medio del testimonio de familiares, compañeros y de él mismo, repasan la vida y obra de un actor que decidió abandonar una vida acomodada y lanzarse a la aventura para lograr su sueño de triunfar en la gran pantalla. Días antes de su estreno mundial el próximo sábado 13 de julio en Milán, mantuvimos la siguiente entrevista con su director, el debutante cineasta brasileño Daniel Camargo, quien muy amablemente aceptó responder a nuestras preguntas acerca de la gestación, realización, distribución e intenciones de tan interesante y necesario proyecto.
¿Qué te lleva a hacer un documental sobre George Hilton?
Quería honrar a alguien en la vida. No solo a alguien que admiro, sino a alguien que fue uno de los grandes protagonistas de la edad de oro del cine popular italiano, cuando pistoleros y asesinos misteriosos se enfrentaron por las pantallas de cine con Pasolini, Fellini, Visconti y Antonioni. A través de la vida y la carrera de George Hilton quise contar qué era el universo de la serie B italiana, que era odiada por la crítica pero adorada por el público. De esta manera nació George Hilton – Il mondo è degli audaci.
¿Y cómo se tomó Jorge tu propuesta de rodar un documental sobre él?
George Hilton se convirtió en mi personaje a través de su primo Pablo de Arteaga Hill, mi amigo Ovadia Saadia y el recientemente fallecido y fabuloso crítico de cine brasileño Rubens Ewald Filho. Gracias a ellos, supe que George Hilton estaba de vacaciones en Brasil. En este momento, sabía que tenía que hacer una película sobre él. Con la cara y el coraje, crucé 433 kilómetros (la distancia entre Río de Janeiro, donde yo vivía, y São Paulo, donde él estaba), me presenté y le expuse mi idea. Al principio sospechaba, pero gracias a Pablo y a la novia de George, la encantadora Gabriela Reston, él aceptó hacer la película.
Previamente, habías escrito un libro sobre Anthony Steffen, un actor con una trayectoria que guarda numerosos puntos en común con la de Hilton. Además de proceder de Latinoamérica, ambos harían carrera dentro del cine de género italiano, significándose dentro del western y el thriller. ¿Cuán útil te ha sido ese trabajo previo a la hora de plantear George Hilton. Il mondo è degli audaci y qué diferencias establecerías entre tus respectivos objetos de estudio?
El director estadounidense Paul Thomas Anderson dijo una vez: “Trabaja con tus amigos”. Esto es muy importante y esto es lo que sucedió con el libro sobre Anthony Steffen, que coescribí con Fábio Velloso y Rodrigo Pereiro, dos personas notables. La primera idea fue hacer un documental, pero como Steffen estaba luchando contra un cáncer no pudimos continuar. La idea de hacer el libro surgió después de su muerte y publicamos Anthony Steffen – A Saga do Brasileiro Que Se Tornou Astro do Bangue – Bangue À italiana (Bangue – Bangue à italiana era cómo se llamaba el spaghetti western en Brasil) en 2007. Lo que aprendí de esta experiencia es que no debes perder el tiempo. Las condiciones nunca serán ideales. Hazlo, y de la manera que puedas. El mundo es de los audaces es el lema de Hilton y también el mío.
A pesar de las similitudes, las trayectorias de Steffen y Hilton son bastante diferentes. Mientras Hilton abandonaba su Uruguay natal para probar suerte en otro país, Steffen creció en Italia, prácticamente criado por su madre, con muy poco contacto con su padre brasileño. Comenzó ayudando en la producción de películas hasta que, por su belleza y fotogenia, lo llamaron para que apareciera frente a la cámara. Con el tiempo maduró como actor, mientras que Hilton había trabajado como actor en Uruguay y Argentina, donde comenzó y fortaleció su carrera. Hilton y Steffen fueron valientes legionarios del cine italiano popular con una impresionante cantidad de películas.
Según creo, la realización del documental te ha llevado tres años. ¿Cómo ha sido la evolución del proyecto en todo este tiempo? ¿Ha cambiado mucho el producto resultante de la idea que tenías al comenzar el rodaje?
La idea inicial era hacer un documental mucho más simple, siguiendo el estilo de De Palma, el documental que Noah Baumbach y Jake Paltrow hicieron sobre el director Brian De Palma. Pero a medida que mi amistad con George se hizo más fuerte vi que podía traer a nuevas personas para hablar y así dar una imagen más amplia, abordando el aspecto cultural, social y antropológico de ese período del cine italiano. El retraso fue porque lo hice todo yo mismo. Muy pocas personas e instituciones ayudan o apoyan. Además de Hilton y las otras personas que he mencionado, esta película existe gracias a mi esposa, la espectacular arquitecta y designer Rosa Topputo, que coprodujo la película a través de su compañía D’Arc Studio (http://darcstudio.net/). Además de ser muy talentosa, ella es una compañera increíble. Sin ella esta película no existiría.
Dentro del recorrido que haces por la trayectoria de Hilton prestas una especial atención a su trabajo dentro del spaghetti-western, en comparación con el espacio que dedicas a sus interpretaciones en el giallo o la comedia. ¿Se debe a una preferencia personal?
Sabía la historia que quería contar y George habló con más cariño de ciertas películas. El primer corte fue casi de cuatro horas. Tuve que renunciar a mucho para que la película tuviera ritmo y fluidez. Tal vez alguien que no admire el cine de Hilton encuentre el documental largo. Otra cosa que no me permitió profundizar en ciertas películas, muchas de las cuales me gustan, eran los derechos. Una de las cosas más difíciles de hacer en esta película fue encontrar y obtener permiso para usar extractos de películas, fotos y música. Y el hecho de que sea una película independiente que tiene la intención de preservar la historia del cine no le importa a nadie. A mí, un productor independiente con presupuesto limitado, me pidieron el mismo dinero que le piden a un gran estudio de Hollywood. Lea Martino, hija del gran productor Luciano Martino, fue un ángel que amablemente me permitió usar el material de su padre. Mi sincero agradecimiento también a María Teresa Tarantini, ex esposa de George Hilton y hermano del director Michele Massimo Tarantini. Fue una persona primordial para la película.
George Hilton en la actualidad, durante un momento del documental
Pese a lo dicho, George Hilton. Il mondo è degli audaci no solo se centra en el actor, sino que también se encarga de profundizar en sus aspectos personales, y de cómo ciertas circunstancias de su vida íntima influyeron de forma determinante en el desarrollo de su carrera…
¿Pero no es así la vida de todos? Llámalo destino, Dios, suerte, oportunidad, karma, no importa. Somos el fruto de las decisiones que tomamos. Vivimos las consecuencias de nuestras acciones. De los ejemplos de otros espero que podamos aprender a tomar buenas decisiones en nuestras vidas.
Otro valor añadido que tiene el documental, en mi opinión, y que ya has adelantado, es el retrato que ofrece de la edad dorada del cine de género italiano, en dos direcciones además. Por un lado reivindicando la figura de muchos de los profesionales que lo hicieron posible, ya sea mediante su aparición o la mención de sus nombres en los testimonios de los participantes, a través de los cuales también se esboza el modo de funcionar de aquella industria. Tanto es así que, incluso, varios intervinientes señalan las posibles causas que provocaron su declive…
Lo que quería hacer era contar la historia no solo del individuo George Hilton, sino también del universo en el que vivía. Intenté dar voz a colegas y amigos de George y reconocer a muchos otros profesionales que fueron fundamentales para el cine italiano popular de esa época.
George y Gianni Garko en un momento del documental
Como decimos, para dar forma al documental has contado con el testimonio de diversos profesionales que trabajaron en el cine de género italiano de la época. Para ello has entrevistado a personalidades tan representativas de este tipo de cine como Gianni Garko, Sergio Martino, Luigi Cozzi, Michele Massimo Tarantini o Malisa Longo, además de contar con grabaciones de otros nombres propios, como puede ser el caso de Edwige Fenech. ¿Qué criterios seguiste a la hora de escoger a las diferentes participantes que intervienen a lo largo del film y a qué obedeció la inclusión de fragmentos de entrevistas previas? ¿Acaso se debió a la imposibilidad de contar con la participación de estas personas?
George Hilton fue un instrumento con el que llevar a estas personas a la película. Ellos son sus amigos y permitieron ser entrevistados por George Hilton. Solo tuve que organizar su horario y disponibilidad. Franco Nero lamentablemente no estaba en Italia en el momento de las grabaciones. Tampoco Edwige Fenech. Y Luciano Martino ya había muerto, como tantos otros. Utilicé lo que estaba a mi alcance para poder dar voz a estas personas tan imponentes en la carrera de George Hilton. Tenía muchas ganas de hablar con Anita Strindberg, Carroll Baker, Jean Sorel, Marilu Tolo, Rosalba Neri, por nombrar algunos nombres, pero desafortunadamente no fue posible. Pero estoy muy contento con lo que tengo. Pasar estos momentos con personas como Gianni Garko, Sergio Martino, Michele Massimo Tarantini y todos los que tuve el honor y la suerte de conocer en este viaje fue muy gratificante.
Por cierto, una curiosidad. Hilton aparece en el documental hablando indistintamente en italiano y castellano. ¿Se debe a alguna razón especial?
Dejé a George libre para hablar como se sintiera mejor. A veces prefería el italiano. También sirve para reflexionar un poco en cómo eran los sets de sus películas, donde había profesionales de diferentes nacionalidades. El cine italiano de esa época fue una verdadera torre de Babel.
George Hilton en una escena de “La cola del escorpión” de Sergio Martino
Durante su visionado, llama la atención la numerosa documentación gráfica con la que cuenta el documental, ya sea a través de clips de algunas de las películas en las que intervino Hilton, de lo que ya me has hablado antes, como de imágenes o carteles. ¿Fue muy difícil reunir todo este archivo fotográfico? ¿Qué criterios seguiste en el montaje a la hora de elegir el material que ibas a incluir?
A pesar de una relación con muchas fricciones, el padre de George Hilton fue su mayor fan. Él recogió mucho, especialmente desde el principio de su carrera. George también conserva mucho. Como arqueólogo, busqué y encontré muchas cosas, con la ayuda de maravillosos profesionales como el investigador, periodista y escritor brasileño Sergio Martorelli y el especialista en fotonovelas João Piol. Estos dos fueron responsables de estas bellas imágenes que, para mí, le dan sabor al documental. En cuanto a qué usar y a qué hora utilizar, este es el trabajo de un director: elegir los elementos a su disposición para contar una historia. Espero haber contado bien.
George Hilton. Il mondo è degli audaci vivirá su premier mundial este próximo sábado. ¿Qué recorrido va a tener el documental a partir de entonces? ¿Tienes intención de comercializarlo?
Mi objetivo es que la película pueda estar lo más disponible posible. Pero esta es una pelea muy difícil también. En este trabajo no hay parte fácil. Rodar es una guerra, venderla es otra. Pero he escuchado algunas propuestas, la gente ha mostrado interés y ven las posibilidades que tiene el documental. Además del Agenda Brasil Festival en Milán, una increíble iniciativa organizada por la Asociación Vagaluna y producida por Christoffel Promozioni y Produzioni, espero que otros festivales acepten George Hilton – Il mondo è degli audaci y contribuyan así a la preservación de este importante aspecto de la historia del cine italiano que influyó el cine mundial, gusten o no gusten las películas.
Y mirando ya al futuro, ¿te encuentras trabajando en algún nuevo proyecto?
Estoy desarrollando varios proyectos, tanto de ficción como de documentales interesantes e innovadores, pero esta vez quiero hacerlo con productoras. El cine no se hace solo.
Este mes, la propuesta de “Sala:B” estará dedicada a la figura de Pierrot, artista, escritor, director y showman del cabaret barcelonés de los setenta en una ocasión única para descubrir la obra de este influyente personaje de la escena del fantaterror, Sitges y el transformismo. La cita será el próximo viernes 31 de mayo a las 20:30 horas en el cine Doré, sede de la Filmoteca Española. De este modo, el programa doble dispuesto estará compuesto por la película de Gregorio Almendros La tercera luna (1984), que será proyectada en 35mm, y Lentejuelas de sangre (2012), documental sobre Pierrot dirigido por Eduardo Gión, quien presentará la sesión junto a la actriz Ana Valdi. Además, se pasarán tres cortos inéditos dirigidos por Pierrot en Super 8 y digitalizados para la ocasión: El diario de Eredio C. (1975), Mistress Dracula (1976) y Mis Drácula y el imperio de la leche (1976).
Pierrot (en el centro de la imagen)
Tal y como explica Álex Mendíbil, comisario de “Sala:B”, “Pierrot (1942-2011) nace en Barcelona como Antonio Gracia José y su pasión por el cine fantástico y el espectáculo rápidamente se vuelca en obras de teatro amateur que denomina “Teatro de impacto”, y que guardan relación directa con Artaud y el Grand-Guignol parisino, con inclinación al gore. Las Producciones Pierrot dan el salto al Super8 cuando Antonio frecuenta los círculos del Festival de Sitges y la revista Terror Fantastic, para los que ilustra carteles y escribe artículos. Además está muy vinculado al mundo del cabaret y el transformismo, como mostró su revista Vudú, una atrevida y fascinante publicación sobre cine fantástico y travestis, probablemente única en el mundo. Los cortometrajes que dirige son fiel reflejo de esa coctelera de influencias; cine primitivo pero lleno de energía y carisma, con soluciones insólitas entre el pop, el cómic, el cine trash y el experimental que remiten claramente a los citados maestros del underground”. Algo que se podrá comprobar en la sesión de “Sala:B” con la proyección de los tres citados cortos.
Tras debutar como actor en el formato largo con Los Caraduros (1983) de Antonio Ozores, donde, significativamente, interpreta el papel de travestí, su papel más importante en el medio llega poco tiempo después en la proyectada La tercera luna, “un homenaje al mundo de la revista y el transformismo, con tintes de melodrama kitsch y cine quinqui, pero pasado por un filtro rosa que parece alejarse del mensaje panfletario y abrazar la fábula”, en palabras de Méndibil, quien añade: “quizá se pueda malinterpretar su candidez con falta de compromiso, pero precisamente el happy-end es lo revolucionario en el cine militante”. En cuanto a Lentejuelas de sangre, el otro componente del programa doble anunciado, ahonda en la figura de Pierrot. Precisamente, su origen surge tras que su director, Eduardo Gión, realizara Madame Arthur (2010), en el que abordaba la figura de otro pionero al que Pierrot dedicó su libro Memorias trans (2006). Y es que, como bien señala Méndibil, “Gión va camino de convertirse en el cronista oficial del queer barcelonés con el siguiente documental que cerrará esta imprescindible trilogía”.
El pasado miércoles a través de su perfil de Facebook Luigi Cozzi publicaba dos imágenes de un baile de época correspondientes al rodaje en el castillo de Lunghezza (Roma) de su nueva película, La battaglia di Roma. Producida por Cinemart, firma también responsable de la previa Little Wizards of Oz/I Piccoli maghi di Oz (2018), La battaglia di Roma supone, en principio, un cambio de rumbo en la trayectoria del cineasta italiano, en consonancia con la libertad que está exhibiendo en esta segunda etapa de su trayectoria iniciada con la magnífica Blood on Méliès’ Moon (2016). Al fin y al cabo, el film en cuestión se trata de una docuficción histórica que se ambienta dura la efímera existencia de la República Romana de 1849.
En la entrevista que mantuvimos con Cozzi durante la pasada edición del Festival de Sitges a propósito de Little Wizards of Oz/I Piccoli maghi di Oz, el director de Contaminación: Alien invade la Tierra, nos adelantaba varios detalles de este nuevo proyecto: “Yo escribí la película de Dario ArgentoLos cinco días (Le cinque giornate, 1973), que transcurre en 1848, en Milán, durante la revolución popular contra los austriacos. Este hecho sería elinicio del nacimiento italiano y la posterior constitución de la República Italiana. En 1848 esta revuelta popular que se extendió por toda Italia acabó mal. Tiempo después hubo otro alzamiento popular que sí salió triunfante, pero esta primera sublevación terminó con el bombardeo de Roma. En 1849 la última chispa de esta revolución fue la expulsión del Papa de Roma. El Papa pidió entonces ayuda a Francia, que bombardeó también Roma y reintegró al Papa en el altar de Pedro.
La docuficción que estoy haciendo trata de este periodo, de la expulsión del Papa y del bombardeo de Roma que hoy nadie recuerda, a pesar de que fue una gran batalla. No hay ningún componente fantástico en ello. Es una autoproducción que luego probablemente distribuiremos a través de la televisión en canales de historia, o algo de este tipo. Hay muchos grupos de coleccionistas, no solo de fantástico, sino también de uniformes militares: de partisanos, ochocentistas, nazis… Grupos que se prestan de forma gratuita con sus uniformes para hacer reconstrucciones de batalla y en este trabajo incluiremos estas reconstrucciones para ilustrar las diferentes etapas de este periodo histórico. Es algo que me divierte.”
Pero no es esta la única noticia protagonizada por Luigi Cozzi en los últimos días. Esta semana también se ha puesto a la venta su novela de ciencia ficción “Star Riders. I cavalieri delle stelle”, editada por Profondo rosso. Se da la circunstancia que “Star Riders” es también el título del proyecto de space opera que Cozzi trató de levantar tras Star Crash, choque de galaxias con producción de la Cannon, pero que debido a sus desavenencias por los cambios introducidos en su libreto a instancias de Caroline Munro y su entonces esposo Judd Hamilton no se llevó a cabo. ¿Se tratará de una novelización de aquél guion?
¿Existen restos de pirámides alienígenas en la región de Murcia? Es la insólita pregunta que trata de responder el mediometraje documental Pirámides murcianas, donde el investigador Miguel G. Díaz muestra lo que considera evidencias de una antigua civilización extraterrestre que estuvo asentada en la comunidad murciana en este film que se presentará hoy 16 de marzo en el festival Alacant Desperta y se estrenará el 28 de este mismo mes en la Sección Oficial del C-FEM, el Festival de Cine Fantástico Europeo de Murcia.
Pirámides murcianas recoge tres años de intenso trabajo en los que G. Díaz recorrió los lugares más enigmáticos de Murcia, con el propósito de demostrar la existencia de estructuras piramidales modificadas por el paso del tiempo, amparándose en la conocida como “teoría de los alienígenas ancestrales”. Dicha teoría, popularizada en España por expertos en lo paranormal como los célebres Fernando Jiménez del Oso, J. J. Benítez o Iker Jiménez, es una hipótesis sin base científica que sostiene que seres extraterrestres han visitado la Tierra y han sido responsables del origen y desarrollo de las culturas humanas, las tecnologías y las religiones.
Sin dejar de lado el humor y la ironía, en los más de cuarenta trepidantes minutos que dura el documental, G. Díaz siembra constantes dudas en el espectador, enseñando localizaciones que, en su opinión, demuestran la viabilidad de su planteamiento y la existencia de lo que denomina el “triángulo de poder murciano”. Asimismo, también trata de dar una explicación al amplio historial de extraños sucesos y supuestos avistamientos de Ovnis acontecidos en Murcia durante el último siglo. De esta forma, con un toque humorístico pero sin caer en la parodia, Pirámides murcianas traslada la hipótesis de los alienígenas ancestrales a España, partiendo de una base de datos reales suficiente como para hacer dudar al neófito, divertir al iniciado y, ante todo, intentar hacer pasar un buen rato a todo aquel que se acerque al universo que plantea.
El filme está dirigido por Liana Guadaño junto a Miguel Guirado y cuenta con la intervención de expertos en diversas materias, como la arqueóloga Isabel de Farnesio o el matemático Íñigo Rodríguez. Igualmente, cuenta con una elaborada banda sonora compuesta por formaciones de música electrónica con amplio bagaje en la escena nacional, como son los grupos Substuff y Los Puzzle. De hecho, la música es un elemento tan importante en Pirámides murcianas, que la presentación del documental hoy en Alacant Desperta irá acompañada de un concierto donde ambas formaciones interpretarán en directo las piezas creadas para la película.
Tal y como anunciamos la semana pasada, este mes de marzo llega a los cines Girona de Barcelona la película El pionero (2018), documental que repasa una parte importante de la filmografía del cineasta Sebastià D´Arbó. Aprovechamos la ocasión para charlar con el director de la cinta, Luis Esquinas, para que él mismo nos cuente los detalles del proyecto.
El 14 de marzo llega a los cines El pionero. ¿Con qué se van a encontrar los espectadores que acudan a ver la película?
Yo creo que van a ver una película que habla de cine dentro del cine. Van a poder conocer profundamente la figura de Sebastià D´Arbó, conociendo cómo se forjó un genial director que hizo una gran aportación al cine de género con su trilogía de cine parapsicológico. Además de película, algunos lo han calificado como un trabajo de arqueología cinematográfica, por la gran cantidad de documentación que se aporta, y por contar con el testimonio de muchos de los técnicos, guionistas y actores que trabajaron al lado de D’Arbó. Por otro lado creo que, además, tiene un valor fundamental, que es el de ensalzar la figura de ese gran actor que fue Narciso Ibáñez Menta y que sin duda fue una pieza fundamental en el cine de Sebastià.
El documental está producido y co-escrito por el propio Sebastià D´Arbó. ¿Cómo nació el proyecto? ¿Fue un encargo por su parte o, por el contrario, tuviste tú la primera idea y acudiste a él con unos esbozos de guion?
El proyecto nace en mi búsqueda por encontrar una temática para mi siguiente documental. Estuve barajando varias posibilidades y finalmente me decanté por la filmografía de este genial director del cine español. Como ya he contado en varias ocasiones, se daban una serie de características que lo hacían atractivo: la originalidad de su obra, sobre todo de Viaje al más allá (1980), que sin duda marcó un antes y un después en el cine de la época. También estaba el hecho de que fuera una producción abarcable, ya que al tratarse de una trilogía -aunque más tarde incorporamos Acosada (1985) como una magnífica intromisión en la trilogía- se acotaba la temática a estas tres películas. Y, por último, que el propio Sebastià era productor o coproductor de todas ellas, lo que sin duda facilitaría enormemente la incorporación de imágenes de las películas tratadas al documental.
Así que el documental nace como una propuesta mía al propio Sebastià. Los que le conocen saben que es muy exigente y no se conforma con cualquier cosa. Yo tenía clara la estructura, y cuando me pidió que le enviase el primer borrador del guion así lo hice y fue a partir de él cuando surgió el texto definitivo, que sin duda mejoró con sus aportaciones y por la mutua colaboración, que por otro lado ha sido fantástica.
Intuyo entonces que trabajar con D´Arbó ha sido una buena experiencia…
Sí, muy grata por varias razones. Lo primero es resaltar que en mis anteriores documentales que he producido yo mismo, The Simon´s Jigsaw (2014) y Satan´s Blood. Recuerdos de “Escalofrío” (2016), trabajé con mucha libertad al no tener que discutir ningún aspecto de la producción. Sin embargo, en esta ocasión debía acordar los detalles con el productor, lo que me ha enseñado como director a ser más flexible con las opiniones de otros, algo que sin duda me ha enriquecido. Sebastià es un perfeccionista y esto me ha hecho afinar hasta el más mínimo detalle a la hora de finalizar esta película de las que estamos, los dos, muy orgullosos.
Por otro lado, ha sido un placer trabajar con él, porque es un gran conocedor del cine y de los temas parapsicológicos. Nos podíamos pasar horas hablando y hemos mantenido una gran relación epistolar digital con cientos de correos electrónicos comentando los diferentes aspectos de la producción. Ha sido un placer ser el encargado de recuperar para los espectadores y amantes del cine de género la obra de este magnífico director, con un oficio incuestionable y que ha sabido poner en su obra un sello personal indiscutible.
Sebastiá D’Arbó durante un momento de la filmación
La estructura de la película se basa en la recuperación de imágenes de archivo acompañados detestimonios de numerosos invitados, explicando las producciones en orden cronológico. ¿Tuviste clara esa planificación desde el principio o pensaste en ficcionar algunas secuencias, tal y como hiciste, por ejemplo, en tu documental sobre Juan Piquer?
Desde el principio tuve clara la planificación, porque creo que teníamos que aprovechar la ingente cantidad de documentación y archivos que D´Arbó ha guardado a lo largo de los años. Los espectadores tenían que poder ver algunos documentos, lo que sin duda marca una impronta característica a la película, con la que estoy muy contento. Nunca me planteé ni ficcionar ninguna secuencia, ni utilizar la voz en off para guiar el desarrollo del documental. Teníamos que oír a los propios protagonistas contando sus experiencias. Además creo que algunos, han dado auténticas clases magistrales de guion (Luis Murillo), de montaje (Jose María Aragonés), maquillaje (Joanna Marti) o interpretación (Victoria Vera, Berta Cabré o Ramiro Oliveros).
Además el uso de las imágenes de archivo han convertido algunos pasajes en un auténtico “como se hizo”, lo que aporta un cierto estilo didáctico. También aquellos que lo han visto han afirmado que debería ponerse en todas las escuelas como un documento para enseñar a los estudiantes cómo se hacía el cine, cuando los recursos digitales eran inexistentes. Es un cine rodado en 35 mm y los efectos visuales y ópticos tenían una gran dificultad para la época, lo que le otorga aún más mérito.
Tal y como has avanzado, uno de los puntos más destacables que aparecen en el documental es la gran cantidad de fotografías e imágenes de making of de los rodajes de D´Arbó…
Fue cómo encontrar un tesoro. Cuando Sebastià, en su primer viaje a Madrid para hacer la entrevista, llegó con una maleta roja y al abrirla me enseñó toda la documentación que poseía para poder documentar la película, fue un momento mágico que nunca olvidaré. ¡Por fin no tendría que andar rebuscando fotos de rodaje, materiales audiovisuales o guiones! Creo que sin duda esto ha enriquecido mucho el documental, convirtiéndolo en un documento audiovisual único, que seguramente con el tiempo se valorará.
También tengo que decir que el trabajo de digitalización de todos los materiales ha sido costoso en tiempo y dinero. Pero esto va a permitir a los espectadores ver imágenes de las películas que son digitalizaciones en alta definición de los negativos de 35 mm originales. Cómo ya he comentado es una oportunidad única.
Luis con Ramiro Oliveros durante el rodaje del documental
A lo largo del documental abordas cuatro de los seis largometrajes dirigidos por D´Arbó: Viaje al más allá, El ser (1982), Acosada y Más allá de la muerte (1986), quedando fuera, por lo tanto, Cena de asesinos (1989) y El misterio Fassman (2011). ¿Por qué? ¿Piensas tal vez en la posibilidad de una secuela?
Yo tenía claro desde el principio que esta aventura debería terminar con Más allá de la muerte, e incluso como te comentaba hemos tenido varias discusiones sobre si deberíamos haber metido en este documental Acosada. Pero yo creo que los dos trabajos que citas también tienen cierta relevancia, porque muestran dos momentos importantes en la trayectoria profesional de Sebastià; Cena de asesinos por suponer su la retirada de la realización cinematográfica, marcado por la tormentosa relación vivida con el productor de esta película, Vincenzo Salviani; y El misterio Fassman por suponer su regreso para analizar la figura de este enigmático personaje catalán.
Dicho esto, efectivamente, estamos planteándonos afrontar una segunda parte de El pionero en un segundo documental, pero hay que estudiar su enfoque para que esté a la altura del primero. Se desarrrollarían varios aspectos de la situación del cine de género a través de lo que podríamos denominar esta “obra fallida” que fue Cena de asesinos, pero tenemos que recordar que su historia parte de un guión de Luis Murillo, que a su vez toma como base El pulpo negro (1985), serie ya mítica en la televisión argentina y de que la que en fechas cercanas tendremos novedades.
Otra de las virtudes del documental es el gran número de entrevistados con los que has podido contar: desde su biógrafo Diego Peñalver hasta expertos en cine fantástico como Ángel Sala, Pere Vall o Diego López, pasando, por supuesto, por multitud de profesionales que trabajaron con D´Arbó: actores como Ramiro Oliveros, Berta Cabré, Victoria Vera o Martín Garrido, el guionista Luis Murillo, la maquilladora Joana Martí… Imagino que el poder reunirlos a todos y cuadrar las agendas fue complicado…
Cualquiera que se dedica a hacer entrevistas, ya sea para incluirlas en un documental o cualquier otro fin, sabe la complicación a nivel de producción que supone esta ardua tarea. Sin duda ha sido muy complicado y quiero agradecerles a todos ellos su colaboración y cercanía. Además hay que destacar que el documental ha sido rodado en Madrid y Barcelona, lo que ha supuesto el traslado del equipo hasta la Ciudad Condal para realizar las entrevistas de algunos de ellos. Aprovecho la ocasión para agradecer a Luz Arnau por habernos prestado su estudio para la realización de las entrevistas. Sin duda ha sido un marco incomparable y cargado de buena energía.
¿Has echado en falta a alguien a quién poder entrevistar? Tal vez Mercedes Sampietro o Tony Isbert…
Ha sido para mí una pena no poder contar con alguno de los que estaban en mi relación ideal. Por supuesto, la aparición de los que tú citas hubiera sido muy importante, pero por diferentes razones no ha sido posible su participación. Y también me hubiera gustado contar otros como Emilio Gutiérrez Caba, Tomás Muñoz o Ignasí Ferré, por ejemplo.
Luis con Victoria Vera
Una vez acabe su paso por Barcelona, ¿qué futuro le espera a la película? ¿Se proyectará en otras salas? ¿Crees qué podremos verla en formato físico o en plataformas VOD?
Tras su estreno en los cines Girona de Barcelona el día 14 de Marzo de 2019, debo decir, porque hay mucha gente que nos lo pregunta, que esperemos poder tenerla en diferentes formatos. Estamos trabajando en ello y ya tenemos casi cerrada la edición de DVD y la proyección en dos salas de Madrid, Artistic Metropol y Filmoteca Española. Y también estamos en conversaciones con algunas plataformas VOD.
Estoy muy feliz por saber que la cinta ha generado expectación e interés. Tengo que destacar el gran trabajo que está realizando en este aspecto el propio Sebastià en labores de producción.
¿Tienes alguna película favorita de las realizadas por Sebastià D´Arbó?
Es como preguntarle a un niño “¿quieres más a mamá o a papá?”, pero me voy a mojar. Aún valorando a todas ellas, porque cada una aporta un aspecto diferente, mi favorita es sin duda alguna Viaje al más allá, por la propia estructura (episódica) del guion, por el ambiente conseguido, por los excelentes actores e interpretaciones que nos regalan, por la base científica de los temas que trata, y por suponer el comienzo de un género cinematográfico pionero hasta el momento, “el cine parapsicológico”.
Tu documental puede generar interés por D´Arbó entre aquellos que no conociesen su figura. ¿Cómo crees que recibiría este tipo de espectador un filme como Acosadao El ser, por citar dos títulos?
Yo creo que a través del documental muchos espectadores van a sentirse interesados por el cine de D´Arbó. Y creo que, además, hay una cuestión a favor de la expectación que se puede generar, y es que su cine nos es fácil de ver, lo que aún incrementa más ese aspecto de cine de culto que rodea a sus películas.
En cuanto a cómo recibiría este público los títulos que mencionas, te puedo contestar con un caso real. Hace unos meses Alex Mendíbil decidió programar en Filmoteca Española la película Acosada, con la presencia de Victoria Vera, el propio Sebastià y Luis Murillo, y el comentario de los espectadores que no la habían visto es que aún mantenía su frescura y que había soportado muy bien el paso del tiempo. Pero siempre tienes que plantearte que los espectadores de este cine, aunque nuevos en el cine de Sebastià, están siempre muy receptivos y saben valorar este tipo de cine, tomando la distancia necesaria para no caer en la injusticia de la comparativa deshonesta.
Pero, por ejemplo, en El ser los espectadores pueden disfrutar de una interpretación maravillosa de actores de la talla de Mercedes Samprieto, que en eso año 1980 recibió el Fotogramas de Plata a la Mejor Intérprete del cine español por su trabajo en Gary Cooper, que estás en los cielos (1980), o de Narciso Ibáñez Menta que vuelve a darle a su personaje una profundidad sólo al alcance de genios de la interpretación como él. Sin olvidar a Ramiro Oliveros, que creo que en esa película está magnífico, aunque también considero que su mejor papel de la trilogía es el de parapsicólogo en Viaje al más allá. En mi opinión, gracias a El ser los espectadores pueden descubrir unos efectos especiales muy interesantes, sobre todo teniendo en cuenta que se realizaban por procedimientos ópticos y fotoquímicos, de manera muy artesanal, y que creo que rayan en la genialidad, sobre todo en la última secuencia de la película. Por cierto, en el documental podrán disfrutar de imágenes inéditas de cómo se realizaron muchos de los efectos y trucajes de este filme.
Momento de la grabación de la entrevista a Ángel Sala
¿Actualmente estás trabajando en algún nuevo documental?
Como ya he comentado estamos trabajando en la segunda parte de El pionero, pero también estoy muy ilusionado por un documental en el que estoy trabajando sobre Transcomunicación Instrumental, un tema apasionante y que la gente conocerá por películas como White Noise (White Noise, 2005). Se va a salir de la línea de mis trabajos habituales y va a adentrarse en el terreno de la investigación, contando con la participación de expertos en la materia como Iñaki Carmona o Anabela Cardoso.
Además, están en preparación otros documentales sobre directores míticos del cine español, pero prefiero de momento esperar a tenerlo todo concretado antes de anunciar de quienes se tratan. Mi cabeza siempre está en marcha imaginando nuevos proyectos. Esto me mantiene la ilusión y me da fuerzas para seguir trabajando.
¿Crees que en la actualidad el género documental vive un buen momento en España?
Yo creo que el cine documental, aunque parece vivir un resurgimiento, no pasa por un buen momento. Como dijo recientemente Larry Levene en El Confidencial: “Hay cientos de trabajos magníficos hechos de forma individual que encuentran formas públicas para producirse y tienen vida en festivales, pero el proyecto nace y muere en sí mismo. No hay detrás una productora con continuidad. Eso no genera industria, la gente trabaja por amistad o por cantidades irrisorias. Esa es la realidad. Además, son productos que difícilmente llegan a tener audiencia. La lista de los documentales que compiten por los Goya, ¿dónde se han visto? ¿Se han emitido o se emitirán en alguna cadena? Pues desgraciadamente, la mayor parte, no”. Estoy totalmente de acuerdo con esa opinión, pero todavía quedamos unos pocos locos que creemos en el formato y que vamos a seguir trabajando para dignificarlo. Lo importante es hacer las cosas bien y creo que, con el tiempo, este trabajo será valorado.
También quiero darle las gracias a los festivales de cine y las salas alternativas por confiar en nuestro trabajo y darnos la oportunidad de llegar al público. Parece ser que esta es la única manera de que nuestras películas se puedan ver.
Después de tres documentales dirigidos, ¿te gustaría incursionar en la ficción cinematográfica?
¿A qué director no le gustaría dar el salto a la ficción? Por supuesto que me encantaría poder producir una ficción cinematográfica. Este año nos estamos planteando la posibilidad de producir de manera independiente nuestro primer largometraje. Si las cosas marchan como espero tal vez podamos verlo pronto. Pero tampoco quiero dejar de lado algunos proyectos ajenos que me han propuesto, porque a mí me gusta cumplir con mis compromisos. Pero como todo el mundo sabe, llevar adelante un proyecto siempre tiene una gran dificultad y sobre todo sin tener detrás un presupuesto que lo permita. Tenemos que trabajar apoyándonos en profesionales que nos ayudan a realizar un trabajo por cantidades irrisorias o nulas, pero creo que con ilusión, esfuerzo y una pizca de talento los proyectos se pueden llevar a buen término. Mi mujer tiene una frase estupenda que puede reflejar esto que te cuento: “No necesito que sea fácil, tan sólo que sea posible”.
Muchas gracias por tu tiempo, Luis. Si quieres añadir algo más…
Quiero aprovechar esta entrevista para agradecerles a todos aquellos que han confiado en mí por su apoyo desinteresado. A lo largo de estos últimos cuatro años mucho han sido lo que se han prestado a ayudarme ofreciendo su testimonio, su experiencia personal y su sabiduría para que los espectadores puedan conocer las bambalinas de un cine menospreciado o poco valorado por el mercado generalista, pero que tiene detrás a grandes profesionales que han sabido hacernos soñar, sentir, llorar… Por supuesto agradecerle a Sebastià D´Arbó su fe en este proyecto desde el principio y a Manuel López Villegas, mi director de fotografía y amigo, su apoyo incondicional en esta aventura. A todo ellos, ¡gracias!
El próximo jueves 14 de Marzo a las 21:30 se estrenará en los Cines Girona de Barcelona ( Carrer de Girona nº 175)El pionero. Se trata de la llegada a salas comerciales de este documental dirigido por Luis Esquinas, centrado en la figura del director catalán Sebastià D´Arbó. Será una gran oportunidad para poder disfrutar de la película junto a su protagonista y a su director, quienes acudirán a la sala para presentarla; y también será una gran oportunidad para disfrutar de la experiencia del cine dentro del cine. De la mano de los testimonios de actores, técnicos, guionistas y del propio D’Arbó, los espectadores asistentes podrán conocer más acerca de la filmografía del director a través de sus experiencias, anécdotas y documentación inédita acerca del proceso de producción de la denominada “Trilogía de cine parapsicológico de Sebastián D’Arbó”, una triada de títulos sin apenas parangón en la historia del cine fantástico español.
Hace unos meses os hablábamos de Los albores del kaiju eiga, documental dirigido y producido Jonathan Bellés que estudia los orígenes del icono japonés Godzilla y de cómo la amenaza nuclear ha ido concibiendo al monstruo, contando para ello con el testimonio de diferentes cineastas que han participado en la franquicia, como Akira Takarada, Haruo Nakajima, Akira Kubo, Yukiko Kobayashi, Shusuke Kaneko, Kenpachiro Satsuma, Koichi Kawakita, Ishii Yoshikatzu o Shinji Higuchi.
Pues bien, Los albores del kaiju eiga ya tiene fecha para su pre-estreno. Será el 2 de abril en el Instituto Cervantes de Tokio a las 18:30 (hora local). Además de la proyección del documental, se realizará un coloquio con algunas de las leyendas del kaiju eiga aún por desvelar.
Tras esta premiere mundial, está previsto que Los albores del kaiju eiga se proyecte en los Estados Unidos, en un pase aún pendiente de cerrar. En cuanto a nuestro país, en estos momentos se está trabajando en su estreno.
Desde la semana pasada ya se encuentra disponible en la web del canal ARTE subtitulada en castellano la segunda temporada de Nanaroscope, serie documental a cuyos directores, Régis Autran y Régis Brochier, entrevistáramos hace unos meses aprovechando su visita a la pasada edición de CutreCon, donde la primera temporada de Nanaroscope fue proyectada dentro de la sección “Documentrash”. Bajo el formato documental y con piezas que no superan los diez minutos, la serie analiza diversas corrientes, nombres propios y títulos emblemáticos del cine de género de serie B/Z, contando para ello con el testimonio de sus propios protagonistas, así como de diversos especialistas cinematográficos. Star Crash, choque de galaxias, Megaforce, el Superman turco o Año 225, después del holocausto son algunas de las películas que son tratadas en esta segunda temporada de Nanarascope, en la que también hay cabida para el cine español, con el capítulo dedicado a la cinta de artes marciales rodada en canarias Karate contra mafia.
Además de ofrecer en primicia estrenos de género y recuperar clásicos, el Festival de Cine Fantástico de Canarias – Isla Calavera busca ser un espacio de didáctica y reflexión sobre autores, producciones, tendencias y fenómenos próximos al fantástico. Por ello, en su segunda edición abrirá su programación a un espacio documental mediante el que ofrecerá una destacada selección de títulos a través de dos sesiones que tendrán un precio de entrada de 3 euros cada una y que ya pueden adquirirse en la taquilla de Multicines Tenerife.
La primera de estas sesiones está fijada para el sábado 24 a partir de las 12:30 horas, en la que podrán verse los títulos Jack Taylor, testigo del fantástico, El traje de Superman y Un chico de portada: El arte de Macario Gómez. Escrito y dirigido por Diego López, el mediometraje de treinta minutos de duración Jack Taylor, testigo del fantástico repasa a través de una entrevista con su protagonista la trayectoria de uno de los rostros imprescindibles del cine de género europeo de la década de los sesenta, setenta y ochenta. El propio Diego López visitará el Festival Isla Calavera para presentar su trabajo al público y recoger en el marco de la Gala de Clausura el Premio Isla Calavera a la Difusión del Fantástico. Este galardón nace este año con el objetivo de reconocer la labor de estudiosos del género, periodistas especializados, críticos o entidades dedicadas a la investigación o promoción del fantástico. Diego López lo inaugura como reconocimiento a su trayectoria como miembro del comité de programación del Festival de Sitges, responsable de la sala Brigadoon del certamen catalán, editor del fanzine “El buque maldito”, autor y colaborador de numerosas publicaciones y libros, además de su faceta como documentalista.
El traje de Superman (2017) es un trabajo de Juan Manuel Díaz Lima que cuenta cómo Yvonne Blake diseñó la vestimenta del superhéroe para las adaptaciones dirigidas por Richard Donner y Richard Lester, a partir del personaje creado para el cómic por Jerry Siegel y Joe Shuster. Ganadora del Oscar en 1971 por su trabajo en la película Nicolás y Alejandra y de cuatro premios Goya, la figurinista hispano-británica presidió la Academia española de las Artes y las Ciencias Cinematográficas en los últimos dos años. La presentación del documental contará con la presencia de Víctor Matellano, autor del libro “Diseñado por… Yvonne Blake. Figurinista de cine”, quien trabajó con ella en varias ocasiones.
Además, el festival recuperará Un chico de portada: El arte de Macario Gómez (2012), de David Muñoz, en el que se ofrece un recorrido por la vida y la carrera artística del prolífico cartelista desde el salón de su propia casa. Al artista catalán, conocido artísticamente como “Mac”, se deben piezas tan representativas del género como los carteles españoles de La noche de los muertos vivientes, de George A. Romero, o Re-Sonator, de Stuart Gordon. La proyección de Un chico de portada: El arte de Macario Gómez y El traje de Superman supondrá el homenaje del Festival Isla Calavera a Yvonne Blake y a Macario Gómez Quibus, quienes fallecían el pasado mes de julio.
La segunda de las citas con el documental llegará el domingo 25 a las 18:30 horas con la proyección de El último truco. Emilio Ruiz del Río. Dirigido por Sigfrid Monleón y nominado al Goya en 2009 a la Mejor Película documental, revela uno de los secretos mejor guardados del cine a través del arte de Emilio Ruiz del Río, quien a lo largo de su carrera, que abarca más de quinientas películas, recurrió a todo tipo de trucajes trabajando a las órdenes de directores como Enzo G. Castellari, Guillermo del Toro, David Lynch o Fernando Trueba.
