César del Álamo regresa con el thriller minimalista “De la piel del diablo”

De la piel del diablo

El director de cine de guerrilla, tal y como él mismo se define, César del Álamo tiene nueva película. Cuatro años después de su anterior La mujer que hablaba con los muertos, Del Álamo regresa con De la piel del diablo, un tenso thriller de corte minimalista, sustentado sobre dos personajes en otros tantos escenarios. Basada en un argumento de Norberto Ramos del Val y el propio César, la historia se centra en la atracción que se desata entre un hombre y una mujer que se conocen en una galería de arte. Comparten gustos y aficiones, y ambos parecen ser justo lo que el otro necesita. Pero lo que debería haber sido una noche de pasión, pronto se convertirá en un juego perverso, lleno de trampas y mentiras, en el que nada es lo que parece.

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César y la actriz Ruxandra Oancea durante una pausa del rodaje

Sobre los motivos que han dilatado tanto la aparición de una nueva película tras su anterior trabajo, César nos comenta que se debe a que: “empecé otro proyecto, que llevó más de un año de preproducción, pero que se vino abajo cuando estábamos a medias… Fue muy frustrante. Luego tardé mucho en recuperarme, tanto anímica como económicamente. Al final, surgió este proyecto que fue como un maravilloso y siniestro salvavidas”. Es por ello que De la piel del diablo se gesta “desde la depresión y el resentimiento”, bromea César. “Como debe ser”, apostilla entre risas. “Estaba buscando una idea para hacer algo pequeño y manejable, y de pronto recordé un viejo proyecto que inicié con Norberto Ramos hace más de diez años. Comencé a darle vueltas, a simplificarlo, a dejarlo en los huesos (pero con sabor concentrado), y así nació De la piel del diablo”.

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Al tratarse de una producción low cost, el corte minimalista que luce la propuesta lleva asociada la irremediable pregunta de si se debe a cuestiones financieras o a una elección estilística, acorde a esa buscada simplificación y concentración a la que aludía su responsable al hablar de la evolución del proyecto desde su planteamiento primigenio. “Tenía una necesidad fisiológica de rodar algo para salir del agujero, así que se imponía algo que se pudiera controlar fácilmente”, explica César al señalar las razones que le empujaron a decantarse por esta opción. Aunque matiza: “Soy un enamorado de esas películas con pocos escenarios y que se plantean como un juego del ratón y el gato entre los personajes, tipo La huella o La trampa de la muerte. Partiendo de ahí, comencé a encajar otros elementos con la ayuda de Virginia Castro, que me ayudó a dar forma a la historia, y conseguí meter un montón de obsesiones que me encantan, como ciertos juegos de metalenguaje. Poco a poco, aquel guioncito, que estaba destinado a ser un pequeño divertimento sin más pretensiones, se convirtió en uno de mis favoritos. De verdad: estoy loco por esta peli”.

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Dadas las circunstancias expuestas, el trabajo de los dos actores protagonistas se antoja fundamental al recaer sobre sus espaldas prácticamente en solitario todo el peso de la película. Algo de lo que su director es muy consciente: “Al ser una historia tan basada en la relación entre los personajes, necesitaba dos actores en los que confiar ciegamente. Al principio, mientras escribía, enseguida vinieron a mi mente Chema Coloma y Ruxandra Oancea. Rux tiene una cualidad muy angelical, pero puede llevar a sus personajes al mal absoluto con sólo mirar un poco escorado. Y Chema es un actorazo, capaz de sacar con nota cualquier desafío que le propongo: ya llevamos cuatro pelis juntos… y las que vendrán. Es mi fetiche, mi Dick Miller (risas). Los dos están tremendos, de verdad”.

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Como en los anteriores títulos de su director, De la piel del diablo luce un cuidado aspecto visual, apartado este del que el propio cineasta madrileño se ha ocupado en esta oportunidad en primera persona, asumiendo el mismo la dirección de la fotografía. “Me apetecía mucho hacer la foto de la película yo mismo, y busqué muchos trucos de luces para disfrazar la casa, y hacer que pareciera más grande. Jugamos con reflejos de agua en las paredes (la lluvia es muy importante en la historia) y pequeños destellos fuera de foco en segundo término. Elementos que llenaran los espacios vacíos”.

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En cuanto a la posible distribución comercial de la película, auténtico talón de Aquiles de este tipo de producciones ultra independientes en España, va “poco a poco”, en palabras de César. No obstante, de momento De la piel del diablo ya ha conseguido ser vendida a “Gran Cine”, un canal de los Estados Unidos especializado en cine en español, donde se puede ver desde el pasado 27 de febrero, cuatro días después de que el film viviera en Madrid su première mundial, coincidiendo con el cuarenta y un cumpleaños de su director. “Esperamos colocarla en más sitios, así como darle unos cuantos pases en salas, que es lo suyo”, resume el cineasta al referirse a los planes de distribución previstos para su nuevo film. Habrá pues que estar atentos a futuros pases de De la piel del diablo.

José Luis Salvador Estébenez

Published in: on marzo 9, 2019 at 9:00 am  Dejar un comentario  

Trancers [vd/dvd/bd: Trancers]

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Título original: Trancers

Año: 1984 (Estados Unidos)

Director: Charles Band

Prorductor: Charles Band

Guionistas: Danny Bilson, Paul De Meo

Fotografía: Mac Ahlberg

Música: Phil Davies, Mark Ryder

Intérpretes: Tim Thomerson (Jack Deth), Helen Hunt (Leena), Michael Stefani (Whistler / Detective Weisling), Art LaFleur (McNulty), Telma Hopkins (Engineer Raines), Richard Herd (gobernador Spencer), Anne Seymour (gobernador Ashe), Miguel Fernandes (oficial Lopez), Biff Manard (Hap Ashby), Peter Schrum (Santa Claus), Barbara Perry (Sra. Santa Claus), Brad Logan (Bull), Minnie Summers Lindsey (“Mama”), Richard Erdman, Wiley Harker, Alyson Croft, Michael McGrady, Ed McClarty, Don Ross, Michael Heldebrant, Kymberly Sheppard, Steve Jensen, Nickey Beat, Tony Malone, Lantza Krantz…

Sinopsis: Los Ángeles año 2247. Jack Deth es un policía que ha estado dando caza a los Trancers, creados por el peligroso Martin Whistler quién asesinó a su esposa antes de ser eliminado por nuestro protagonista. Sin embargo, nuestro villano reaparece y viaja al pasado para aniquilar a los antepasados de los miembros del consejo. Deth debe viajar en el tiempo para evitar la masacre y dar caza definitiva al peligroso Whistler.

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El mismo año que James Cameron engendraba una de sus criaturas más (im)perecederas y, a la postre, más rentables de su filmografía, Charles Band ofrecía una variación rauda y veloz nada acomplejada pero con abiertas diferencias. Curiosamente, Terminator (The Terminator, 1984) y Trancers [vd/dvd/bd: Trancers, 1984] juegan en la misma división temática y estética. Ambas recrean desde un espíritu abiertamente de cine B una serie de parámetros conocidos de la literatura de ciencia ficción y del cine de género de décadas pasadas. Sin embargo, la primera lo hace con un presupuesto ampliamente superior (aún siendo medio-bajo para los parámetros de la época), lo que provoca que las debilidades del filme de Band sean más notables y más evidentes.

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Desde 1975 las grandes y medianas compañías de Hollywood iniciaron el expolio del cine de bajo presupuesto recreándolo en lujosas producciones. Esto provocó un movimiento en los mercados y una nueva perspectiva a la hora de entender el espectáculo cinematográfico. No supuso el fin de las pequeñas compañías pero si un cambio en sus estrategias creativas. Hasta entonces, el cine de Serie B y su descendencia ofrecía variaciones a escala pequeña de grandes éxitos de las grandes compañías o, en su defecto, incidía en géneros y temáticas en las que estas compañías jamás entraban. Como películas de complemento había una cierta sinergia entre ambas formas de trabajar. Esto no desapareció con la llegada de los blockbusters pero provocó una situación insólita y a la larga letal: las pequeñas productoras se vieron obligadas a imitar películas cuyo campo de acción les había pertenecido desde antaño. Una situación absurda y realmente confusa: generar replicas de sus propias replicas.

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Podemos decir sin equivocarnos que con la llegada de Tiburón (Jaws, 1975), el cine B o de explotación se convirtió en mera obra replicante. Un fin y un nuevo principio en un territorio ignoto con expectativas cada vez más dudosas y costes cada vez más altos. Algunas compañías tan representativas como la A.I.P. desaparecieron en esos años (1980). Otros, como es el caso de Roger Corman, lograron reciclarse antes de adaptarse a los nuevos tiempos y perder sus señas de identidad. Por último, están los jóvenes productores-directores independientes que se iniciaron en esa época, como es el caso de Charles Band.

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Trancers supuso para el director y productor norteamericano una cierta decepción. Fue la película de la Empire que peor funcionó dentro de la primera hornada de producciones que engendró la compañía, siendo además su primer largometraje como realizador para el nuevo sello. La película seguía perfectamente la trayectoria que el cineasta había seguido hasta ese momento: películas de ciencia ficción de presupuesto pequeño con débitos a obras coetáneas populares, tal y como había sucedido en Laserblast (1978), The Day Time Ended (1979), Parasite (1982) o Metalstorm (1983), y cierta incidencia en un espíritu retro que siempre ha seducido a Charles Band. Las aventuras del policía del futuro Jack Deth tienen además un sabor a comic-pulp muy del gusto de su realizador.

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Entrando en materia, Trancers sirve de buen ejemplo para entender el cine de Charles Band. Un film B de género fantástico de escaso presupuesto, rodado con celeridad aunque sin precipitación, que asimila temas conocidos y aporta algunas ideas novedosas sin que ninguna de ellas quede completamente desarrollada. La realización es plana y efectiva ajustándose en los encuadres a las limitaciones a las que se enfrenta, especialmente en sus secuencias futuristas. Las escenas de FX son escasas y diseminadas con el fin de provocar una sensación mayor en el  espectador. Por otro lado, se utilizan algunos recursos imaginativos para compensar ciertas carencias. Escenarios desolados, calles oscuras y mal iluminadas, neones y vapores para dar sensación de irrealidad, o utilización del ralentí en algunas escenas. Como suele ser marca de la fábrica, es un modesto entretenimiento donde el ingenio y cierta desvergüenza se van apagando a medida que el metraje va avanzando, si bien no hay tiempo material para que el planteamiento acabe naufragando.

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Jack Deth (un sólido Tim Thomerson) es un policía malhumorado y ajeno a las normas. Está más cerca del caza recompensas que del servidor del orden. Su campo de acción es la ciudad de Angeles en el año 2247, situada donde antaño estuvo L.A., abnegada y destruida por las aguas después de un gran cataclismo. La secuencia inicial plantea diversas acciones para presentar al personaje, sus motivaciones y el mundo que le ha tocado habitar. Sam Spade, Harry el Sucio y Rick Deckard en un solo hombre cuyo aspecto vintage parece situarle como naufrago de otro tiempo. Sus andares, su gesto cansado, su manera de pensar lo asemeja a los detectives clásicos de la novela negra. Su aparición inicial conduciendo un coche abiertamente demodé y su posterior entrada en un solitario restaurante es un buen punto de partida. El lugar parece anclado en un cruce temporal: no parece que el tiempo y las catástrofes hayan hecho evolucionar al negocio. Es un inicio que entronca con el cine negro de los años cuarenta surtido por compañías legendarias como la RKO o la PRC. El blanco y negro le hubiese ido mejor aunque habría delatado la inspiración de los guionistas. Azules y naranjas nutren la iluminación del interior mientras Jack hace su trabajo. Le cuesta el puesto, tal y como le informa su jefe. Para alguien hastiado de su situación es casi una bendición.

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Como buen filme B asistimos a una secuencia de los hechos iniciada algún tiempo atrás, generando un momento de acción para entonar al espectador. Espectacularidad la mínima. Escenario único sin adornos ni grandes panorámicas para que la imaginación haga el resto. Se añade información a medida que se nos presentan nuevos personajes. Deth persigue a los Trancers (aunque se nos señala que está prohibido), humanos que no están muertos ni tampoco vivos, creados por el malvado Whistler, villano de poderes psíquicos que acabó con su esposa y al que aparentemente nuestro anti-héroe eliminó. Los neones coronan los exteriores del siglo XXIII (lección que tendrá muy en cuenta un director como Albert Pyun en sus epopeyas posteriores) y sirven para enmascarar una ciudad futura cuya visión real se nos ocultará a lo largo del metraje. Tan solo un matte-painting nos detalla a continuación la situación geográfica de la antigua ciudad angelina. Su indudable encanto artesanal nos retrotrae a décadas pasadas cuando unas cuantas miniaturas servían para fascinar y engrandecer la imaginación de las plateas. La sociedad venidera que se presenta no ofrece demasiadas novedades y recicla elementos conocidos por el habitual seguidor de oscuras distopías. Priman los interiores metalizados y fríos a la visión general de la gran urbe.

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El viaje en el tiempo es el giro argumental para que la narración avance y cambie de espacio. El mcguffin no es precisamente original: Whistler no murió y huyó al pasado para eliminar a los antepasados de los miembros que lideran el Consejo de la ciudad. En este caso nos referimos a un momento conocido y coetáneo al espectador de la época: mediados de los ochenta y en fechas navideñas (no podía ser otra de otra forma). La novedad está en la transferencia. No hay maquinas ni viajes astrales, una droga sustituye el proceso. El viajero ocupa el lugar y el cuerpo de un antecesor mientras permanece en su presente en estado inanimado en una sala bajo vigilancia. Por primera vez asistimos al viaje en el tiempo en una forma parasitaria. Como la idea es excesivamente provocadora para una producción como la que nos ocupa rápidamente aparece su contrapunto más burdo y superficial: Deth elimina la carcasa de Whistler convirtiendo la amenaza en una venganza sin retorno. El duelo está servido.

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El resto del metraje transcurre por los terrenos esperados sin que haya excesivas novedades. Charles Band se acomoda en una realización “direct-to-video” que acentúa la simplicidad con que el libreto desarrolla las acciones. La extrañeza inicial del viajero del futuro se ve rápidamente olvidada por una persecución impostada sin que los efectos dramáticos tengan el deseado espesor. Deth es emparejado con Lena (una jovencísima Helen Hunt), ligue de su antepasado que servirá de guía en la nueva época. La misión se sucede entre tiroteos (escuetos y minimizados), choques espacio-generacionales, visitas ocasionales a la escena punk de L.A. sin ningún ánimo contracultural (entendemos que no es la misma que sedujo al cineasta Alex Cox), el consabido romance de la pareja (hurtado en sus momentos más delicados) y algo de humor para no caer en el abatimiento. La sensación de movimiento es constante si bien el ritmo es completamente irregular. La búsqueda de víctimas lleva a la película a zonas suburbiales y abandonadas lo que permite ahorrar en producción. Sin embargo, Band opta por la tosca acumulación en lugar de lograr un deseado clima de thriller frenético, oscuro y acompasado.

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Algunos destellos surgen entra tanta monotonía. El arma secreta de Deth que ralentiza el tiempo hasta casi congelarlo ofrece unos de los escasos momentos de cierta brillantez, si bien su repetición carece del esperado efecto. Por otro lado, destaca la química entre sus dos protagonistas. Jack vuelve a ser un dinosaurio para la nueva época. Sus gustos chocan con la efervescencia ochentera. Su gabardina y su cigarro casan más con los programas de televisión que ocasionalmente visiona en los momentos de descanso (el Peter Gunn creado por Blake Edwards). Es un constante guiño que fortalece a su personaje y a su carisma. Sin embargo, el guion no se centra demasiado en estos aspectos ni tampoco logra que el enfrentamiento adquiera el toque definitivo esperado. Martin Whistler es un némesis desaprovechado y eliminado en un clímax desangelado y algo ramplón. Final cerrado con un ligero resquicio para la continuación.

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Durante años se especuló por la existencia de un capítulo intermedio entre Trancers y su primera secuela. Se trataba de uno de los segmentos del abortado proyecto Pulse Pounders (1985), una película que quedó inconclusa debido a la prematura desaparición de Empire Pictures. En el año 2011 se recuperaron dos de los capítulos del citado proyecto, ambos dirigidos por Band, siendo editados posteriormente. The Evil Clergyman (2012) y Trancers: City of Lost Angels (2013).

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Las aventuras de Jack Deth prosiguieron en los años noventa dentro de la Full Moon. Charles Band recuperó el personaje y le hizo protagonizar cinco secuelas, si bien en la última se optó por la fórmula del “nuevo comienzo” : Trancers II (1991, Charles Band), Trancers III (1992, C. Courney Joyner), Trancers 4: Jack of Swords (1994, David Nutter), Trancers 5: Sudden Deth (1994, David Nutter) y Trancers 6 (2002, Jay Woelfel). Además, le hizo protagonizar un par de comics books y se sacó de la manga una versión apócrifa y en miniatura llamada Dollman (1991, Albert Pyun) que tuvo su esperada continuación.

Fernando Rodríguez Tapia

3 Days of a Blind Girl / Mang nui 72 siu see

3 Days of a Bling Girl

Título original: Mang nui 72 siu see

Año: 1993 (Hong Kong)

Director: Chan Wing-Chiu

Productor: Alfred Cheung

Guionista: So Man Sing

Fotografía: Tam Chi Wai

Música: Johnny Yeung

Intérpretes: Anthony Chau-Sang Wong (Sam), Veronica Yip (Sra. Ng), Anthony Chan (Dr. Ng), Alfred Cheung (Dr. Wong), Fruit Chan (ladrón), Jaime Luk (policía)…

Sinopsis: La Sra. Ng es operada de la vista y durante tres días no podrá ver. Su marido, el Dr. Ng, marcha durante este periodo a Macao y la asistenta también se encontrará fuera. En el transcurso de estas ausencias y con la mujer carente del sentido de la vista, se presenta en la casa un tipo llamado Sam que dice querer darle las gracias al doctor por salvar la vida de su esposa. Pero las verdaderas intenciones del hombre son bien distintas.

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Terminando la década de los ochenta se constituye en Hong Kong, por entonces aún colonia británica, la calificación denominada categoría III con la intención de no “cortar” las películas extranjeras y que provocó, de rebote, una enorme avalancha de productos autóctonos, generalmente psycho-thrillers, amparados bajo dicha etiqueta y cargados de sexo y violencia (repletos de violaciones, agresiones, torturas, asesinatos gráficos, etc…), terminando por asociarse tal clasificación con estas últimas[1].

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3 Days of a Blind Girl bebe de los films de intriga con “chica invidente acosada por un maníaco”, cuyo modelo principal es la cinta británica Sola en la oscuridad (Wait Until Dark, 1967) que dirigiera Terence Young y protagonizara la eterna Audrey Hepburn[2]. Eso sí, bajo las directrices (repetidas tantas veces) de los thrillers de categoría III, con sus habituales giros bruscos de guión, humor absurdo propiamente cantonés incluso en los momentos más crudos, violencia contra las féminas, hombres arrastrados por sus más bajos instintos(…), aunque en este caso en un tono más ligero que en los ejemplos más recordados del género, caso de The Untold Story (Bat sin fan dim: Yan yuk cha siu bau, 1993) de Herman Yau y Danny Lee, Daughter of Darkness (Mit moon cham on: Yit saat, 1993) de Ivan Lai, o Red to Kill (Yeuk saat, 1994) de Billy Tang. De hecho, parte del gore y los momentos violentos en la que nos ocupa suceden fuera de cámara, lo que motivaría que en su estreno acabara clasificada como categoría II[3].

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La (corta) carrera como director de Chan Wing-Chiu comenzó en 1993 con dos títulos, el que protagoniza estas líneas más (la, ésta sí, clasificada categoría III) Emotional Girl – Doubt of Distress (Na ge shao un bu duo ping zhi tuo de yi). 3 Days of a Blind Girl fue producida por el (principalmente) actor Alfred Cheung, con quien Wing-Chiu había coincidido como asistente de dirección en cintas como My Americanize Wife (Liang wu yi qi, 1992) de Anthony Chan. Metido a realizador, y sin pretender hacer muchos alardes ni buscar una puesta en escena innovadora y/o personal, el cineasta consigue sacarle punta al modesto presupuesto que maneja y se esfuerza en crear suspense en lugar de regodearse sólo en los desnudos y la violencia.

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La actriz, cantante y ex-Miss Asia Veronica Yip encarna a la protagonista, la señora Ng, que no sólo tendrá que pasar varios días sin poder ver debido a una operación, sino que sufrirá un infierno entre las paredes de su hogar tras la intromisión de un psicópata que busca venganza contra el marido de la mujer. El papel del intruso recae en el harto ocupado Anthony Wong, muy dado en aquellos años a roles desquiciados dentro de la categoría III[4], componiendo aquí un personaje muy peligroso a la par que de lo más patético, lleno de odio y ansias de desquite a la vez que de incertidumbres y miedo, llegando a momentos de lo más bizarros junto a otros ciertamente delirantes que ayudan a bajar la tensión en la película. Fruit Chan, futuro realizador de la conocida Dumplings (Jiao zi, 2004), aparece en una breve intervención como un ladronzuelo que pretende también violar a la indefensa joven. No saldrá bien parado.

Llama la atención que el encargado de la fotografía, Tam Chi Wai, optara por una paleta de colores más naturales, cuando los psycho-thrillers made in Hong-Kong de esos años prefirieron una saturación de agresivos tonos azules y verdes que los dotaba de un estilo más cercano al cómic y al giallo italiano[5].

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El libreto, firmado por So Man Sing, recorre los lugares comunes en este tipo de producciones, pero procura no ser del todo previsible, así como dotar al personaje principal femenino de más matices que el de la mera “chica indefensa acosada por el loco de turno”, como parece presentársenos en un principio. Suele ser moneda común en estos thrillers que los personajes masculinos sean altamente negativos[6], y el que tenemos aquí no es una excepción; el menos malo de ellos es un bobo. En esta ocasión la propicia víctima femenina termina alzándose triunfadora, pasando de ser la muchacha desamparada a sacar fuerzas para derrotar a su adversario/acosador y, finalmente, para enfrentarse a un mundo machista dominado por los hombres, como viene a indicar el simpático epílogo.

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Pese a parecer enmarcarse en el esquema, tan habitual esos años, sobre todo en Estados Unidos, del psycho-thriller con extraño metido en casa de una familia perfecta, no van por ahí los tiros. El matrimonio Ng ni tiene niños (como se le presume a una familia modelo), ni es tan pulcro como a priori podría parecer. Es más, queda lejos de las intenciones del guionista y del director representar a ese invasor externo como un cáncer para con la sacrosanta institución familiar (que ésta habrá de exterminar para que todo vuelva a su sitio[7]), y sí como un (otro) obstáculo en la vida de la esposa (causado, para más inri, por el marido), cuya superación significará una revelación para ella, saliendo además del entuerto más fuerte y segura de sí misma, más independiente. Vencido el trance, la Sra. Ng “verá” mejor la vida, con otros ojos, en todos los sentidos.

Alfonso & Miguel Romero

[1] Al igual que pasara en España durante el franquismo con las peregrinaciones a Perpignan para ver las películas que aquí, por la dichosa censura, no se estrenaban, desde Hong Kong se desplazaba la gente a otros puntos para poder visionar íntegros los filmes que se estrenaban “cortados” o aquellos que no llegaban a las salas de la colonia. De igual modo, la clasificación “S” que tuvimos durante la Transición y hasta la permisión de las producciones “X”, para “aquellas películas que por su temática o contenido puedan herir la sensibilidad de espectador”, propició un aluvión de producciones con alto contenido erótico (cuando no era éste su razón de ser) acabándose por identificar tal calificación con aquellas películas; la categoría III que se establece en Hong Kong a finales de los ochenta produjo una oleada de psycho-thrillers violentos y sexuales que terminaron por confundirse con dicha etiqueta.

[2] En los primeros noventa, cuando en los USA se pusieron de moda los thrillers con “intruso invadiendo el hogar familiar” debido a títulos como La mano que mece la cuna  (The Hand tThat Rocks the Cradle, 1992) de Curtis Hanson o Mujer blanca soltera busca… (Single White Female, 1992) de Barbet Schroeder, no faltó una reinterpretación de Sola en la oscuridad con Sola en la penumbra (Blink, 1994), dirigida por Michael Apted y con Madeleine Stowe en el rol de la muchacha invidente.

[3] Cine para adultos pero en el que se permitía la entrada de menores. Algo así como la calificación “R” norteamericana o nuestra “autorizada para mayores de 18 años”.

[4] Fuera de tal clasificación, Anthony Wong se daría a conocer internacionalmente, entre otros papeles, con un nuevo desequilibrado personaje: el villano Johnny Wong que compone en la modélica Hardboiled (Hervidero) (Lat sau san taam, 1992) de John Woo.

[5] De igual forma, el policiaco hongkonés, que vivió su época de esplendor durante las décadas de los ochenta y noventa, tuvo muchas veces como referente al poliziesco transalpino que en los setenta hicieran gente como Enzo G. Castellari, Fernando Di Leo o Umberto Lenzi.

[6] Sin querer entrar mucho en teorías freudianas, llama la atención la cantidad de elementos fálicos que aparecen durante todo el metraje: como los plátanos que come con gula el personaje de Anthony Wong (uno incluso se lo mete en la boca al ladrón interpretado por Fruit Chan), o el enorme salami congelado que utilizará la joven para golpear a su agresor hacia el final de la cinta.

[7] Pongamos por caso En el silencio de la noche  (Hider in the Night, 1989) de Matthew Patrick –un film harto similar a la TV-movie Ronald el malo (Bad Ronald, 1974) de Buzz Kulik-. En aquélla Tom Sykes (un muy adecuado Gary Busey) escapa del sanatorio, tras dieciocho años recluido por matar a sus padres después de sufrir abusos, y se esconde en el desván de una enorme casa. Una familia compra la hacienda y Tom quiere que ellos sean “su” familia. Será un elemento disonante que amenace con romper tan sagrada institución, un tumor por tanto que habrá que arrancar de raíz. Afortunadamente, algunos cineastas, más mordaces y menos reaccionarios, parecen plantearse si el mal no estará en la misma familia, uno de los pilares básicos del país de las barras y estrellas; sería el caso de Joseph Ruben en títulos como El padrastro (The Stepfather, 1987), Durmiendo con su enemigo (Sleeping with the Enemy, 1991) o El buen hijo (The Good Son, 1993).

Published in: on marzo 4, 2019 at 6:50 am  Dejar un comentario  
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Entrevista a Sergio Stivaletti, director de “Rabbia furiosa”

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Leyenda viva del cine fantástico italiano, Sergio Stivaletti visitó la pasada edición del Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya-Sitges. En esta ocasión no acompañaba ninguna de las películas en las que habitualmente participa con su reconocido buen hacer como técnico de efectos especiales, sino que lo hacía para presentar la proyección dentro de la sección “Brigadoon” de Rabbia furiosa (2018), el que ha supuesto su tercer largometraje como director tras La máscara de cera (M.D.C. – Maschera di cera, 1997) e I tre volti del terrore (2004). Casi una década y media después de esta última, Stivaletti vuelve a ponerse detrás de las cámaras para dar forma a un thriller visceral y no apto para estómagos sensibles basado en un hecho real sacado de la crónica negra italiana, que tiene uno de sus principales valores en su impactante empleo de violencia, a tal punto de convertir a su segunda mitad en una catártica orgía de sangre.

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Tras una destacada trayectoria como técnico de efectos especiales, das el salto a la dirección con La máscara de cera, producida por Dario Argento. ¿Cómo se fragua este proyecto y qué hay de cierto en que se basaba de forma no acreditada en un relato del autor de El fantasma de la ópera, Gaston Leroux?

Tengo que decir que ese film lo tenía que haber hecho Lucio Fulci. En cuanto al tema de la adaptación literaria, si nos fijamos, el relato de Leroux es muy breve. Es solamente el inicio de un muchacho que muere de un susto. Fin. Ese es todo el cuento. Y todo lo que se ha hecho después a partir de este relato, como Los crímenes del museo de cera (House of Wax, 1953) y demás, se inspiran en un mismo hecho terrorífico, el museo de cera, pero cada uno es de su padre y de su madre. También Fulci hizo esto, pero convirtiéndolo en un gran film de reconstrucción histórica italiana: se ambientaba en Turín, aparecían personajes italianos reales del siglo XIX… Después de la muerte de Fulci, hice una revisión del guion con Daniele Stroppa, y aun no pudiendo cambiar mucho de aquel libreto, ya que había sido presentado al Ministerio del Espectáculo italiano, lo que hice fue introducir unas diferencias visuales muy importantes, pero sin cambiar su esencia. Seguramente lo único del film que verás que pertenece al relato es la secuencia inicial con el chico que muere; todo lo demás es inventado.

Tras La máscara de cera tu siguiente película como director llega con el film de episodios I tre volti del terrore. ¿Por qué te decantaste por esta estructura? ¿Toda la carga referencial que tiene la película puede verse como un homenaje consciente a tus referentes?

Tras La máscara de cera Dario me comentó que quería hacer conmigo La momia, que era una idea anterior, pero no hubo quórum para hacerse. Es un proyecto que desde entonces siempre me ronda por la cabeza, incluso tengo un guion por ahí guardado en un cajón, pero no hay forma de poder sacarlo adelante.

Como dices, mi siguiente película llegaría finalmente con I tre volti del terrore. La idea era intentar hacer un film igual a como lo hubiera hecho gente como Mario Bava, Riccardo Freda o Antonio Margheriti también. Siempre desde el respeto, por supuesto. Hacer un film como de aquellos años, pero sabiendo que ahora no iba a ser fácil. ¿Y por qué un film de sketches? Porque la película nace como consecuencia de no encontrar un productor que fuera lo suficientemente inteligente como para estar dispuesto a meterse en un film de gran producción. El desafío era entonces hacer una película que estuviera formada por cortometrajes. Era la única posibilidad, con este formato, de que esta idea pudiera salir adelante. Entonces, con esta estructura, convencí al productor para que me diera el dinero necesario para hacer un episodio con la idea de que, en el caso de que no quisiera seguir adelante, al menos habríamos hecho un cortometraje y no habría perdido el dinero.

Aunque mi planteamiento original era que cada uno de los episodios fuera dirigido por un director distinto, finalmente, dadas estas condiciones, asumí en solitario la responsabilidad de dirigir los tres cortometrajes, lo que influyó en que el proyecto pudiera asemejarse aún más a ese homenaje que pretendía realizar al cine de género italiano, a la Hammer, a Mario Bava, a Ray Harryhausen y a todos estos referentes que amo.

Por el camino, yo había encontrado a cierto actor con la idea de que interpretara al personaje protagonista de mi proyectada secuela de La máscara de cera que era John Phillip Law. Por este motivo, por aquella época John Phillip Law me llamaba constantemente por teléfono para hablar del proyecto e incluso seguimos manteniendo el contacto después. Así fue que, llegado el momento, cuando estaba preparando I tre volti del terrore, pensé inmediatamente en él. La idea en un principio era que apareciera en un episodio, pero caí en la cuenta de que John Phillip Law, que había aparecido en Barbarella (Barbarella, 1967), Diabolik (Diabolik, 1968) y en tantas otras películas, era un icono de ese cine al que quería rendir homenaje y que estaba desapareciendo. Así que pensé: “Tengo este icono y voy a hacer un film que homenajea aquella época. Voy entonces a utilizar a este actor “, e hice esa especie de juego. Y así se fraguó este saludo melancólico a ese cine que ya no existe. En la recepción del film hubo gente que quedó decepcionada porque el terror que habíamos hecho no era el que se hacía hoy, realizado con grandes medios. Pero ese era el planteamiento de la película: I tre volti del terrore es un juego que pretende introducir al espectador en un túnel del terror pero sin que salga esquilmado.

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Catorce años después de aquella película vuelves a ponerte detrás de las cámaras con Rabbia furiosa. ¿Por qué has tardado tanto tiempo en volver a dirigir?

Me han hecho muchas veces este tipo de pregunta, como si yo no hubiera querido volver a dirigir hasta ahora. Pero nada más lejos de la realidad. El problema es que dirigir actualmente en Italia es muy difícil. No existe una industria como tal. Tengo muchos proyectos que intento levantar, pero para los que no encuentro productores que me apoyen. Es por eso que recientemente decidí cambiar y comenzar a ser yo mismo el productor. En I tre volti del terrore di un primer paso, siendo coproductor del film, y posteriormente he continuado convirtiéndome en coproductor de pequeñas películas en las que he colaborado haciendo efectos especiales.

Viendo lo difícil que es en Italia encontrar un productor, he pensado en buscar el dinero por mi cuenta. Pero el problema es que en mi país no hay dinero para rodar cine de terror. Se encuentra muy poco dinero. Es por eso que he decidido hacer una película intencionadamente sobre el mismo tema sobre el que se había anunciado otra película, y que era un proyecto que había tenido durmiendo veinte años en un cajón, ya que no había conseguido convencer a ningún productor porque era una historia muy fuerte y sangrienta. Así que tomé la decisión de producir la película yo solo a través de mi propia productora, Apocalypsis.

Rabbia furiosa se basa en un hecho de crónica negra, el conocido como “El crimen de Canaro”, sucedido en Roma a finales de los ochenta. ¿Qué es lo que te atrajo de este suceso para querer llevarlo a la gran pantalla?

La verdadera historia de por qué he hecho este film pienso que se entenderá más adelante. Hace mucho tiempo, unos dos años después de hacer La máscara de cera, un productor me convocó para hacer un film basado en varios hechos de crónica negra que el escritor italiano Vincenzo Cerami, que fue también guionista e incluso estuvo nominado al Oscar por su libreto para La vida es bella (La vita è bella, 1997), había recogido en uno de sus libros titulado Fattacci. Este libro de Cerami tenía cuatro historias, dos de las cuales eran “El enano de la estación” y “Er Canaro”. Yo decidí adaptar en un film “Er Canaro”, pero el productor al final decidió no hacer nada y ninguna de estas historias llegó a ver la luz. Tengo la impresión de que este productor contactó también con Matteo Garrone y que éste en su película El taxidermista  (L’imbalsamatore, 2002) se basó en “El enano de la estación”. Cuando vi esta película pensé: “Qué raro. ¿Cómo ha podido Garrone adaptar, precisamente, esta historia que estaba en aquel libro que me habían ofrecido para que lo sometiera a mi criterio?”

Años después yo seguía pensando en la historia de “Er Canaro”, ya que en su día fue un suceso que viví muy de cerca, ya fuera como lector de periódicos, radioyente o televidente. Se convirtió en un tema de conversación habitual en los bares, ya que fue un hecho muy terrible, muy sangriento. Llegué a escribir algún guion junto con algunos amigos guionistas, pero nunca pasó de eso. No obstante, tiempo después, mientras buscaba ideas para un nuevo film, la musa me llevó de nuevo hasta esta historia, pero tenía el inconveniente de que era muy dura y difícil de llevar a la pantalla, al ser tan violenta. En este punto busqué otras historias que fueran más sencillas y que los productores pudieran aceptar. Sin embargo, en aquel momento coincidió que Garrone anunció que iba a rodar Dogman (Dogman, 2018), y que era la historia de “Er Canaro”. En ese momento decidí que no iba a renunciar a hacer este film, aunque otro director estuviera adaptando la misma historia. Hay que tener en cuenta que muchas buenas historias han dado lugar a excelentes películas contadas de formas muy distintas. Uno no tiene por qué tener la exclusividad de una historia. Lo que hice entonces fue anunciar en los periódicos que iba a rodar la misma historia que Garrone, de forma que estuviera así obligado de alguna manera a llevarla a cabo. Por este motivo tuve que ser esta vez mi propio productor, para evitarme problemas.

No obstante, debo reconocer que el no depender de ninguna productora y ser un film independiente me ha permitido ser totalmente libre a la hora de hacer la película. Eso me ha brindado la oportunidad de poder llevarla a mi terreno, guiándome por mis intereses y mis gustos. La mayoría de los actores son amigos con los que había trabajado anteriormente: Romina Mondello había hecho uno de los papeles principales en La máscara de cera; con Virgilio Olivari había coincidido en una película de terror llamada Bloodline (2010), en la que también había escrito la historia; también están Giovanni Lombardo Radice, Gianni Ferro… Para el papel protagonista aposté por Riccardo De Filippis, que se hizo muy famoso en Italia por interpretar uno de los papeles protagonistas de la serie de televisión Roma criminal (Romanzo Criminale, 2008-2010). Creo que lo mejor del film son los actores. Para contar una historia como esta, en la que se entremezclan sentimientos como la amistad, el amor, el odio y la venganza, era muy importante el trabajo de los actores, por más que yo haya introducida algunas escenas metafísicas que le dan un toque más fantástico a la película.

¿Hasta qué punto te ha perjudicado o beneficiado el que, como dices, la película de Garrone se base en este mismo hecho?

Después de que Dogman pasara por Cannes yo también me hice esa misma pregunta. “El hecho de que mi película trate la misma historia ¿va a beneficiarla o a perjudicarla? Vamos a ver qué ocurre”, me dije. De este modo, las dos películas se estrenaron de forma prácticamente simultánea, y ambas recibieron muy buenas críticas. En el caso de la mía la prensa destacó una cosa que me ha gustado mucho, al reconocer por un lado que no era lo mismo que Dogman, sino que había una gran diferencia y, sobre todo, que era como un retorno a las esencias del género. Me gustó mucho, porque era algo en lo que estaba trabajando y que me interesaba.

En cualquier caso, he de decir que el rodaje de Rabbia furiosa terminó antes que el de Garrone. Es más, creo que él aún estaba preparando la suya cuando yo comencé a rodar la mía. No obstante, la película de Garrone, al contar con un gran presupuesto, se estrenó antes. Entre otras cosas esto se debió a que en el caso de la mía el proceso de post-producción fue mayor, ya que quería introducir un gran número de efectos especiales. Obviamente, esto hizo que se tardara más. Por otra parte, el hecho de ser una producción muy pequeña influyó en que todo fuera más complicado. Viendo que mi película tardaba en salir, debido a la participación de Dogman en Cannes y demás decidí que, antes de que la historia muriera y perdiera interés, debía también convertirme en el distribuidor de mi propia película para que pudiera tener vida comercial.

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En alguna ocasión has comentado que entre tus proyectos futuros se encuentra la realización de una nueva película de la saga Demons en 3D. ¿En qué punto se encuentra actualmente esta idea?

Buena pregunta. Parece que estemos desenterrando todos los proyectos en los que estoy trabajando y no consigo levantar. Siempre he creído en una nueva secuela de Demons. Mi idea es que esta nueva película inspirada en la saga Demons fuera una versión en 3D. Le he presentado el proyecto a muchos pequeños productores para ver si les interesaba e incluso he preparado guiones con esta idea, pero el problema son los derechos, y yo no sé cómo gestionar este tema. Necesitaría encontrar un productor italiano de escala internacional para poder sacar adelante una nueva película de Demons. Debería de asegurar primero esto antes de seguir haciendo más guiones. Además, en este caso necesito contar con el dinero necesario que me permita hacer la película como la tengo pensada, que es muy costosa. Además, si me embarco en hacer una película de Demons, es para hacerla bien. No se puede hacer el film con veinte mil euros solamente.

Junto con Dario Argento, Lamberto Bava o Michele Soavi perteneces a la última horneada de cineastas italianos de cine de terror que han contado con proyección internacional. Tú que lo has vivido desde dentro, ¿qué ocurrió para que aquel cine, que competía de tú a tú con la industria hollywoodiense, desapareciera de la noche a la mañana como aquel que dice?

Yo mismo me pregunto a veces si no habré yo desaparecido también, si soy una reliquia. Aunque no me siento desaparecido. Estoy en activo y quiero insistir en este tipo de cine, buscar de algún modo su renovación, encontrar un camino que sirva para que pueda sobrevivir y renacer. Pero claro, también soy consciente de que cuando alguien dice que va a resucitar este género es porque ya está clínicamente muerto, y no me considero la persona más adecuada para hacer renacer el género en Italia. Yo me dedicaré, simplemente, a rodar buenos films hechos con pasión, que sirvan para mantener viva esta tradición cinematográfica, sin compromisos televisivos. Ese es el cine que se hizo una vez, y esa es su receta justa. No hay una película justa, hay un modo de hacer cine justo, que es como se hacía antes: divirtiéndose, con honradez y pocos medios.

Con buenas ideas se pueden hacer películas con contenido, aunque no tengas mucho dinero. Hay que recordar que las películas no solo están compuestas de efectos especiales, y te lo digo yo, que soy un especialista en este campo; por el contrario, están hechas del trabajo de los actores, de sentimientos y emociones. Yo me aburro viendo un film que solo tiene efectos especiales, porque como espectador me involucro más en la acción de los personajes que en mirar los efectos. Mi film ideal es un actor en un único escenario. Es una idea a la que llevo dando vueltas desde hace años y para la que ya tengo algún tratamiento que podría llevar a cabo dentro de poco.

José Luis Salvador Estébenez

Traducción: Joaquín Torán

Fotografías: Enorm

Published in: on marzo 1, 2019 at 7:25 am  Dejar un comentario  
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El último hombre íntegro

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Título original: The Last Man Standing

Año: 1995 (Estados Unidos)

Director: Joseph Merhi

Productores: Richard Pepin, Joseph Merhi

Guionista: Joseph Merhi

Fotografía: Richard Pepin

Música: Louis Febre

Intérpretes: Jeff Wincott (detective Kart Bellmore), Jillian McWhirter (Anabella Bellmore), Jonathan Fuller (“Snake” Underwood), Steve Eastin (teniente Darnell Seagrove), Robert LaSardo (Kazz), Jonathan Banks (detective Frank “Doc” Kane), Michael Greene (capitán Demayo), Ava Fabian (Lucretia), Shannon Welles (Sra. Kane)…

Sinopsis: Tras perder a su compañero en una peligrosa operación y ser suspendido del servicio, el detective Kart Bellmore no cesará hasta acabar con quienes mataron a su viejo amigo y desenmascarar toda la corrupción del departamento de policía.

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Joseph Merhi creó en 1986, junto a Ronald L. Gilchrist, la compañía City Lights, donde ambos produjeron unas cuantas películas de terror, de acción y alguna comedia descerebrada; filmes de explotación con el público juvenil como principal objetivo. En 1989, tras disolver su sociedad con Gilchrist, Merhi se aliaba con Richard Pepin, con quien había trabajado en aquella, para dar luz verde a PM Entertainment[1]. No tardó en unírseles un tercer socio, George Shamieh, y pronto tendrían preparada una ristra de títulos en la misma onda y destinada principalmente al entonces lucrativo mercado del vídeo doméstico y las televisiones de pago. Eran producciones de presupuesto medio o bajo (en ocasiones muy bajo).

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Las estanterías de los videoclubs se colmaron con los estuches de aquellas casetes que lucían el anagrama de PM Entertainment[2], mayormente de acción[3], siguiendo la estela de los filmes del género que facturara la Cannon en los ochenta como vehículos para Chuck Norris, Charles Bronson o Michael Dudikoff. De hecho, en contenido y forma, muchas de las películas de Merhi & Pepin venían a ser como aquella Crack house (Crack House, 1989) de Michael Fischa que distribuyeran Golan & Globus. Entre los rostros habituales de la casa, rescataron de la época de City Lights a Lauren Hilton Jacobs y Robert Z’Dar, a los que se sumarían Lorenzo Lamas (y su entonces esposa Kathleen Kinmont), Eric Estrada, Don “the Dragon” Wilson, Jeff Wincott, Gary Daniels, Wings Hauser, William Smith, Jeff Conaway, Traci Lords, etc… Barriendo para dentro, en el apartado técnico Joseph Merhi se solía encargar de los guiones y de dirigir muchas cintas, y Richard Pepin se ocupaba de la fotografía.

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Por la segunda mitad de los noventa, pese a seguir haciendo películas de presupuesto mediano, la verdad es que las inversiones fueron notablemente mayores, consiguiendo rentabilizarlas con unos buenos resultados. Se dice siempre de Roger Corman, pero esta gente sabía aprovechar cada centavo invertido, logrando muy efectivas y bien resueltas escenas de acción y contratando a actores bien conocidos de cara al público, como Dennis Hopper, Chris Sarandon, Michael Madsen, Robert Vaughn, Gary Busey, Jeff Fahey, Ed Lauter, Pam Grier o C. Thomas Howell. A esta etapa, con producciones más elaboradas, pertenecen títulos como Furia (Rage, 1995) de Joseph Merhi, Los Caballeros de la Muerte (Steel Frontier, 1995) de Jacobsen Hart y Paul G. Volk, Trampas sin límites (No Tomorrow, 1999) del rapero Master P, o esta El último hombre íntegro (The Last Man Standing, 1995)[4].

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Jeff Wincott, una de las estrellas de PM, protagoniza en el papel del detective de policía Kart Bellmore, un tipo en la onda del Harry Callahan que inmortalizara Clint Eastwood, que actuará extralimitándose en sus funciones, saltándose leyes, superiores y burocracia, para lograr hacer justicia[5]. Esos héroes de una pieza, patrióticos y reaccionarios, que tan bien habían funcionado en el cine en los ochenta (en la derechista era de Ronald Reagan, presidente que declaró que John Rambo era un modelo a seguir) y que para la década siguiente (ya con Clinton en la Casa Blanca) quedaron relegados principalmente a las películas direct-to-video. Wincott aunaba aquí el papel de policía por el que ya se le reconocía de la serie Tensión en la noche (Night Heat, 1985-1989), donde interpretó al detective Frank Giambone, con las artes marciales que empezó a mostrar en la pantalla en cintas de acción a partir de Ley marcial II (Martial Law II: Undercover ,1991) de Kurt Anderson. No deja de ser curioso que, en su mensaje reaccionario, el malhechor Kazz (un joven pero ya muy tatuado Robert LaSardo) le espeta a Bellmore que no irá a prisión, que su abogado le librará de todos los cargos, y alude a los casos de O.J. Simpson[6] y los hermanos Menéndez[7] [7], cuando el primero de éstos había trabajado en algún título de la casa, véase CIA. Operación contra el Estado (CIA. Code Name: Alexa, 1992), del propio Joseph Merhi.

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El último hombre íntegro incluye los ingredientes característicos de este tipo de películas en general y de las cintas de Pepin y Merhi en particular: tiroteos con muchas muertes[8] y destrozos (a ser posible en lugares públicos), peleas (donde Wincott puede lucirse), persecuciones de coches, explosiones, la presencia del sempiterno Pink Motel, alguna escena de cama (muy discretita) y la usual sala de strip-tease con unas cuantas féminas mostrando sus encantos contoneándose en tanga[9]. Sin olvidar la presencia de la chica mala, Lucretia (Ava Fabian), sexy y dura, que se acoge al arquetipo de la chick-with-gun[10]. Por otro lado, también Wincott, como solían hacer los héroes de las action-movies de la PM, sale sin camiseta a la menor ocasión, exhibiendo sus músculos. En definitiva, una exploitation en toda regla.

Alfonso & Miguel Romero

[1] La compañía coge la denominación de las iniciales de sus apellidos: Pepin-Merhi.

[2] En España las distribuyó en el mercado videográfico Record Visión, a la vez que Tele 5 las emitía por el medio catódico en horario de prime-time. Subsiguientemente, canales como Antena 3, Showtime o Canal 18 las incluyeron también en sus parrillas. En cuanto a su comercialización posterior en DVD, pocas películas (en comparación con los VHS) han conocido edición digital, corriendo estas a cargo de Eurocine, Manga Films o RSR. Junto a ellas, por el año 2005 se encontraron en las grandes superficies y a precio muy módico un puñado de títulos doblados al español neutro y cuyas carátulas no indicaban distribuidora alguna.

[3] Con preferencia por el policiaco y las artes marciales, sobre todo por el kickboxing -dados los buenos resultados en taquilla del Kickboxer (Kickboxer, 1989) de Mark DiSalle y David Worth protagonizado por Jean Claude Van-Damme-. Al igual que en la previa City Lights, también hubo espacio en PM Entertainment para alguna cinta de terror y un puñado de comedias adolescentes –sobre todo de ambiente playero-; cuando se ponían serios y tiraban para el drama era un horror.

[4] PM Entertainment fue vendida a The Harvey Entertainment en el 2000 y unos años después, en 2003, cerraba. El catálogo de la compañía sería adquirido por el Film Library Acquisition Corporation (FLAC), el hoy llamado Echo Bridge Home Entertainment. Pepin y Merhi seguirían unos años más, cada uno por su cuenta, facturando películas, por norma general, del mismo estilo.

[5] Los policías justicieros abundan en las producciones de la compañía: véanse Demasiado peligrosa (Intent to Hill, 1992) de Charles T. Kanganis, o Con su propia justicia (The Sweeper, 1996) de Joseph Merhi.

[6] El exjugador de fútbol americano, reconvertido a actor, Orenthal James Simpson fue arrestado en junio de 1994, tras una persecución digna de una película de acción, acusado de matar a puñaladas a su exmujer y a la pareja de ésta. El juicio, que fue un auténtico fenómeno mediático, acabó siendo favorable para el acusado, resultando inocente de los cargos frente a los más negros pronósticos iniciales.

[7] Los hermanos Joseph Lyle y Erik Galen Menéndez, pertenecientes a una adinerada familia de origen hispano residente en Beberly Hills, acabaron en prisión en 1994 al ser declarados finalmente culpables de asesinar a sus padres. El juicio fue también televisado, consiguiendo una enorme audiencia. Además pronto estaría listo el telefilm de rigor, Los hermanos Menéndez (Menendez: A Killing in Beberly Hills, 1994), de Larry Elikann.

[8] Ejemplar es el final del Comando (Commando, 1985) de Mark L. Lester. Cuando John Matrix (Arnold Schwarzenegger) ha liquidado a todos los malos y rescatado a su hija, llega el ejército. A la pregunta de “¿Has dejado algo para nosotros?” Matrix contesta con un conciso “Cadáveres”.

[9] Si bien en las últimas producciones de la casa el sexo (al igual que la violencia) iría menguando su presencia, fue un ingrediente muy habitual de la PM. Una de las cintas que más acusó de ello fue Apuesta mortal (Living to Die, 1991), dirigida y protagonizada por Wings Hauser.

[10] Chicas con armas de fuego (y a ser posible en bikini, como dirían los Cramps) sería un cliché de la sexploitation desde los años dorados de ésta, los sesenta, y llega hasta nuestros días. Hubieron directores, pongamos el caso de Andy Sidaris, que hicieron de ello el auténtico leitmotiv de sus películas, siempre repletas de curvilíneas y agresivas muchachas blandiendo todo tipo de pistolas, fusiles, ametralladoras, etc.

Published in: on febrero 27, 2019 at 6:55 am  Dejar un comentario  
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El 1 de marzo llega a los cine la producción internacional “Feedback”, ópera prima de Pedro C. Alonso

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El 1 de marzo es la fecha elegida por Entertainment One para el estreno en España de Feedback, thriller que supone la ópera prima de Pedro C. Alonso, quien debuta en el formato largo tras una exitosa carrera en el mundo de la publicidad. Se trata de una producción internacional a cargo de Vaca Films (La sombra de la ley, Cien años de perdón, El desconocido, El niño, Celda 211) y Ombra Films (El pasajero, Mindscape), rodada en inglés y con la producción de uno de nuestros directores más internacionales, el catalán Jaume Collet-Serra (La huérfana, La casa de cera, Infierno azul).

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Con guion escrito por el propio Pedro C. Alonso en colaboración con Alberto Marini, Feedback cuenta con un reparto en el que destacan los actores británicos Eddie Marsan (Ray Donovan, Deadpool 2), Paul Anderson (Peaky Blinders, El renacido), la española Ivana Baquero (Alta mar, Las crónicas de Shannara y El laberinto del fauno -Premio Goya a la Mejor Actriz Revelación-), Richard Brake (Kingsman), Alexis Rodney (Guardianes de la galaxia) y los jóvenes Oliver Coopersmith (Tin Star) y Alana Boden (I am Elisabeth Smart).

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Sinopsis: Jarvis Dolan es el periodista estrella del exitoso late night radiofónico londinense “The Grim Reality” (“La cruda realidad”). Al comienzo de su programa, unos macabros encapuchados irrumpen en el estudio, tomando el control a punta de pistola. Están allí para sacar a la luz un escándalo que podría suponer el final de Jarvis. Obligado a continuar con el programa en directo, siguiendo el guion de los asaltantes, la noche se convertirá en una pesadilla.

En palabras de su director, Pedro C. Alonso: “Me gusta pensar que hemos hecho una película a la que le va la etiqueta de #elevatedhorror o que podemos calificar como un social horror thriller. Los personajes de Feedback son complejos, contradictorios y descarnadamente humanos. El espectro temático resuena en los titulares de cualquier medio de comunicación, en las redes sociales y las conversaciones que cualquiera de nosotros hemos podido tener esta misma mañana. Esta película es también una revisión profunda del home invasión, con su “monstruo sobrenatural” encarnado en dos individuos que van siempre por delante de los protagonistas, poderosos, inasequibles a la derrota, ajenos a la empatía y la moral. Y por tanto, aterradores. Si algo he tenido claro durante todo el proceso de trabajo, es que una vez que entres en el mundo que Feedback te ofrece, no debes -como le sucede a nuestros personajes- poder escapar. La historia tiene que atraparte y no soltarte, hasta que seas tú el que no la quiera soltar”.

Más información: tuvidadestruidaendirecto.es

Published in: on febrero 23, 2019 at 8:38 am  Dejar un comentario  

Generación “Mr. Robot”

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Artilugio: Creado por Sam Esmail. El mundo hace ocho años pintaba distinto, se presentaba como algo muy diferente a lo que ahora nos devuelve la imagen de los noticiarios. Precisamente por esto, la alegoría que ha pergeñado su creador de aquel instante y de los que se han ido sucediendo después no puede haber sido más oportuna. En poco tiempo puede que nos parezca que ha quedado desfasada, que ha envejecido muy rápidamente, pero estoy convencido de que en cuanto pasen un par de años más la veremos como lo que es, la crónica de un tiempo, el nuestro, el de la generación Mr. Robot.

Acción: Allá por diciembre de 2010 nos levantamos una buena mañana con la noticia de que se estaban produciendo multitudinarias manifestaciones en Ciudad de Túnez por un tal Mohamed Bouazizi, un vendedor ambulante, que se había inmolado en repuesta al brutal trato opresor recibido por la policía del país que, no contento con detenerlo, incautarle la mercancía y maltratarlo, le habían despojado incluso de sus cuentas corrientes.

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Nos extrañó un poco tanta presencia mediática porque todos dimos por seguro que hechos así pasaban a diario en esos países pero aquella ocasión tenía sus matices. A la gente joven del país, por lo que fuera, le pareció realmente mal ese episodio, de repente tomó consciencia – palabra clave – de hasta qué punto sus gobernantes les oprimían, despertaron y, dando por fin un buen uso a sus redes sociales, a través de sus ordenadores, sus móviles, sus tablets, en los cibers, en los edificios con acceso a wifi, etc., decidieron que igual era buen momento para quedar en la calle, para gritarlo y para hacérselo saber a su clase dirigente y, de paso, al resto del mundo.

Aquello que nació en Túnez se extendió rápidamente a Egipto, Libia, Siria, Argelia, Yemen, Omán, Barhéin, Marruecos, Sahara Occidental, Líbano, etc., etc., etc. Los medios occidentales, siempre tan preocupados de aquello del relato, decidieron bautizarlo como La primavera árabe por las reminiscencias que nos traería a todos de la Primavera de Praga, que ya venía bien para que entendiésemos de qué iba a ir la cosa y de cómo iba a acabar.

Es cierto que un año antes, en 2009, ya había habido ambientillo en Irán tras las elecciones presidenciales y en Grecia medio año antes a un chaval de 15 años, un tal Alexandros Grigorópulos, le había matado la policía griega en los disturbios anarquistas de Atenas por unas protestas contra no sé qué recortes centrados en los trabajadores a manos del gobierno del PASOK por no sé qué de una crisis mundial. Pero, claro, ¿cómo llamas primavera a algo que nace año, año y medio antes, y árabe a algo que también ocurre en países cristianos ortodoxos?

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Reacción: Demasiado lío para el público, nos dijeron que aquello a los españoles nos vendría genial porque vendrían más turistas y así capearíamos aquello de la crisis, ¿os acordáis?, que nos había caído encima por no sé qué era, no recuerdo bien, dos o tres años antes. Ah, sí, por vivir por encima de nuestras posibilidades siendo pobres. Y ya está, circulen que aquí no hay nada más que ver. Y, oye, que algo lograron, algunos sátrapas cayeron, a otros los sustituyeron, pero en el global no es que acabase la historia demasiado bien, que le pregunten a los sirios y a los yemeníes pero, bueno, al fin y al cabo era el tercer mundo, ¿no? ¿A quién podía importarle?

El problema para el primer mundo fue que a sus jóvenes, de la misma edad que los árabes, con las mismas redes que los de estos países y, sin duda, con muchos más recursos – a pesar de la crisis mundial –, más formación, más información, les dio por unir los puntos, por echar las mismas cuentas y les acabó dando el mismo resultado. Aquí el malo no era un sátrapa, eran sus gobernantes democráticamente elegidos y – ALERTA SPOILER – las empresas, la bolsa, las agencias de riesgo, los bancos, la UE, el FMI… El sistema, en definitiva, tan metódicamente globalizado.

Cierto era que el movimiento antiglobalización llevaba reventando reuniones del G-20 desde hacía una década advirtiendo de lo mismo pero, claro, ¿violentos? No podían tener razón.

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Consecuencias: Todo esto cristalizó en aquello tan histórico y tan modélicamente pacífico que se llamó 15-O, fecha que no os sonará tanto como otras aunque fuesen mucho menos importantes que ésta. Noventa países y más de mil ciudades ya no árabes, ya no en primavera, se unieron para pedir algo tan obvio como que sus gobernantes y clases dirigentes entendiesen que esto del mundo va de la gente, de no acabar con el planeta y no de los intereses de los mercados.

A esta fecha se sumaron desde las revueltas estudiantiles de media Iberoamérica, a la lucha del pueblo griego por vivir con dignidad, desde el “Occupy Wall Street” con su “We are the 99%” estadounidense, a las protestas ciudadanas del resto de Europa, Canadá, Australia, Corea del Sur, Hong Kong y el largo etcétera. Noventa países y más de mil ciudades como decía.

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No os acordaréis demasiado porque se empeñaron desde todos los medios y por todos los medios en que nos quedase claro que ese día no existió nunca y que, bueno, las protestas que hubiese habido – con tratamiento ya local, por supuesto – eran fruto de que los chiquillos del Twitter y del Facebook que, criados en la opulencia, le habían visto las orejas al lobo por primera vez en su vida. Y como el cronista del rey es el que decide qué pasa a la historia y qué no, qué rey ha muerto y qué rey goza de buena salud a pesar de las moscas, no importó que ese día muriese la mentira de la globalización a manos de la verdadera red globalizada. Nadie tomó nota.

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Fotografía del instante: No se tomó nota pero alguien sí tomó una foto. Poniendo el foco en este inmenso caldo de cultivo y utilizando el filtro de la cultura hacker y el hacktivismo, sin huir en ningún momento del uso que de éste han hecho tanto los gobiernos como los conglomerados empresariales, el tal Sam Esmail, total desconocido para el gran público, estrena, allá por 2015, en primavera, en todas las plataformas de visionado en línea bajo demanda que se le ponen a tiro, el mejor piloto sin duda del año y, probablemente, de buena parte de la década. Primera entrega de alto nivel de lo que a la postre serían cuatro temporadas, la última aún por estrenar en algún momento de este 2019. Os reto a que lo veáis hoy mismo y a que me digáis que no os interesa nada de todo lo que cuenta.

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Sí he de decir que, tomada cierta distancia, se puede notar que no iba para piloto de una serie, sino para la película que en un principio Sam Esmail pensó hacer hasta que comprobó cómo Elliot y todo su mundo había crecido y crecido y tomado vida propia hasta superar el volumen de una tetralogía. Veremos cómo de recurrente es este hecho en cantidad de series que por aquí reseñemos.

El piloto une gotas de nostalgia pop, por fin ya no tan centrada en los ochenta sino también en los noventa – su tipografía, por ejemplo, es la de Sega, la alternativa a Nintendo, el iphone de las consolas del momento –, referencias casi literales a los títulos más lúcidos e irreverentes del cine de masas de los ultimísimos noventa y primerísimos dos mil – Matrix, El Club de la lucha o V de Vendetta – y, por tanto, a las novelas gráficas y a la cultura del cómic, el fascinante magnetismo de Rami Malek, mucho del espíritu conspiranoico que también prima entre los contestarios del poder más marginales – referencia explícita a JFK, caso abierto y a su Mr. X incluida en el segundo capítulo –, mucho costumbrismo urbanita de la clase media trabajadora, de los altos ejecutivos – con su homenaje tampoco disimulado a American Psycho también desde el segundo capítulo –, con sus vicios y sus serios problemas psiquiátricos, en ambos casos, para armar un tecno-thriller que, más allá del interés de su propia trama, sirve de alegoría de un momento que, por desgracia para nosotros y para suerte del 1% del 1%, me temo, ya ha sido balanceado por la ecuación.

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A ver, que nadie se confunda, esto no es un documental ni lo pretende. Es ficción y de la buena. La premisa es clara, Elliot Alderson, con nombre y apellido para nada casuales[1] lucha contra sus problemas más psiquiátricos que psicológicos, para mayor frustración de Krisa, su psicóloga, la encargada de que no acabe a lo Travis Bickle de Taxi Driver – aunque parece que son sus soliloquios internos, que escuchamos a veces en voz en off, a veces en secuencias alternativas de su realidad, los que lo eviten–, en un mundo repleto de relaciones humanas desnaturalizadas, cargadas de pose e hipocresía, podrido y corrupto hasta el punto de que si entras en una cafetería y su wifi tiene el ancho de un tera y además su consumo es gratis, sospecha porque algo turbio hay detrás.

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Elliot que, a pesar de su ansiedad social, su depresión clínica y de ganarse la vida trabajando en ciberseguridad por ofrecimiento de su amiga de la infancia, Angela Moss – creedme es de los buenos, Elliot said –, no desaprovecha una oportunidad para hacer justicia, es reclutado por una banda de hacktivistas para atacar E Corp., donde trabaja el que a la postre será su némesis ¿o aliado?, el perturbador Tyrell Wallick – sosias sueco del Patrick Baterman de American Psycho con ¿reminiscencias del Tyler Durden de El club de la lucha? Sí, con reminiscencias del Tyler Durden de El club de la lucha, creedme –, tomarla y acabar de un plumazo con el sistema de crédito mundial. En resumen, hackear el mundo para empezar de cero.

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En un perfecto equilibrio, Sam Esmail, apoyándose ya en la pericia de Franklin Peterson, nos va dibujando inmensos personajes extraordinariamente defendidos por todo el elenco – el foco se lo lleva Malek pero no hay una mala actuación –, en el que cada papel es un retrato de las diferentes capas sociales que van participando en la trama, sin tratar de ocultar en ningún momento que estamos ante un producto comercial, con sus recursos arquetípicos de culebrón venezolano y sus epatantes giros de guion incluidos, que encontrará su acomodo en el canal por cable norteamericano USA-network aunque se siga distribuyendo en las diferentes plataformas digitales.

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Mientras la primera temporada se centra en armar el ataque, en irnos presentando los diferentes personajes y en mostrarnos cómo los chicos de F-Society dan el golpe, la segunda lo hace en mostrar las consecuencias y las diferentes formas que las partes implicadas tienen de asumirlas. La tercera, en comprender, como Neo en su visita al arquitecto en la muy maltratada por público y crítica Matrix Reloaded, que el sistema ya contaba con ellos y que, bueno, al final les dejaron crecer para hacer los cambios que de otra manera ni siquiera Evil Corp. se habría atrevido a llevar a cabo. ¿La vida misma? Otra vez sí, la vida misma.

Y la cuarta… pues la cuarta la estamos viviendo en el mundo real y de la de la serie os daré cumplida cuenta cuando en ese “algún momento a lo largo de 2019” que nos han anunciado llegue y pueda verla gracias a mi suscripción a Amazon Prime Video si es que Movistar+ me lo permite, claro. Ironías del mercado, amigos. Sociedad de mierda. A Elliot Anderson le gusta esto.

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Personajes: Si algo caracteriza a Mr. Robot es el crecimiento exponencial, capítulo a capítulo, temporada tras temporada, de su mundo hasta convertirla en esa clase de ficciones en las que te quedarías a vivir, si es que no vives ya en ella. Además del interés que despiertan sus tramas y subtramas principales, unas pueden engancharte más, otras menos, el gran acierto de sus responsables es la forma de ir incorporando nuevos y cada vez más fascinantes personajes a las mismas.

Mr. Robot - Season 2

La primera temporada, como ya he comentado, sirve para presentarnos la historia, a sus protagonistas y mostrarnos un poco de sus rutinas diarias – con una entrada algo atropellada de la trama Elliot- Shayla-Fernando Vera-, sin embargo, ya desde la segunda parte de ésta Mr. Robot marca lo que para mí es su elemento diferencial respecto al resto de las series, su arriesgada apuesta por incorporar nuevos personajes en las tramas – normal hasta ahí – que son universos en sí mismos, con color propio, su propio sonido y su propio olor.

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Si en la primera el escalofriantemente real personaje de Terry Colby – su acting en la secuencia del falso noticiario de su detención es más auténtico que el del propio Bernard Madoff en el mundo real – y una a priori legendaria White Rose hecha carne acaparan la atención de los espectadores, en la segunda los mundos del diabólico Phillip Price, de la atormentada agente Di Piero y los del oscuro Zhang por un lado; y los del ensoñador poeta-filósofo-criminal Ray y los de me-jode-muchísimo Leon – no se puede tener más flow – por el otro, son los encargados de robarte los ojos. La tercera, obviamente, es para los de Irving y, en menor medida, para los de Grant, pero es que los de Irving son gigantes. Tan gigantes como para protagonizar su propio spin off. Los de la mayoría dan para spin off pero lo de Irving es otro nivel.

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Un capítulo, una cadena de palabras: Otra seña de identidad propia de la serie, otra más, es el nombre de sus capítulos, cadenas de palabras y caracteres, cada uno con una extensión falsa propia, al más puro estilo hacker, algo en lo que Mr. Robot, por su retrato realista y precisión técnica, también se ha ganado el reconocimiento de los expertos. Vamos con algunos que brillan con luz propia por su temática, su formato o sus hallazgos.

Temporada 1

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Ya lo hemos desgranado lo suficiente, paro en el él para volver a recomendarlo y para que prestéis atención a cómo empieza esta noria. Hola, amigo.

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Por si a estas alturas aún no sabes hasta dónde puede crecer la serie, espérate a que Elliot sufra su síndrome de abstinencia. Eso sí, recuerda que no todo es Lost, ¿vale? A veces uno alucina y ya está, no le busques tres pies a Qwerty que sólo tiene aletas.

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Antes del espectacular y epatante, como deben ser estos siempre, doble capítulo desenlace de la primera temporada hay tiempo para más cosas, por ejemplo, para que conozcas a White Rose. Cuidado que te hackea el tiempo, no dejes que te pegue su paranoia. Tic, tic.

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Temporada 2

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En un cambio de paso arriesgadísimo, como lo es la apuesta de la serie continuamente, se nos presenta al nuevo Elliot, uno que ha dejado todo lo digital atrás, vive con su odiada madre, sigue escrupulosamente su nueva rutina y… le da igual porque de la cabeza mejorar no es que mejore, el pobre.

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El mejor capítulo de largo de la serie por méritos propios y, precisamente, por hasta qué punto resulta extemporáneo. No lo verás venir. Palabra clave: Alf.

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Lo traigo a esta lista por sus últimos cuatro minutos que, en realidad, son los primeros cuatro del siguiente, el eps2.7_init_5.fvees que es, a su vez, el eps2.0_umm4sk-pt1.tc sin máscara. ¿Tramposo? Claro, y ¿qué? Es mágico y en esos cuatro minutos está la verdadera esencia de la serie. Todo empieza y acaba en Elliot. Además, sólo por ver cómo juegan los responsables de los VFX arquitectónicos a quitar los VFX arquitectónicos, por ese retirar el velo del constructo para mostrar la realidad que, realmente, tampoco es del todo la real, sólo por eso, insisto, ya valdría la pena el engaño. Master class de montaje y planificación de planos en cuatro minutos, por cierto.

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Temporada 3

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Segundo capítulo de la tercera temporada y tercer intento de Elliot de reescribir su historia, de afrontar su paso por el mundo. Convencido por fin de que el camino no es asaltar los cielos sino hacer los cambios desde dentro -¿de qué me suena esto?- vuelve a medicarse y a tratar de cambiar al enemigo utilizando sus propias reglas. SPOILER: sale mal.

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Por si no te ha quedado claro de qué va la tercera temporada o te habías desubicado un poco con la trama principal con tanto ir y venir, este es tu capítulo. Esto es todo lo que ha pasado desde el capítulo final de la primera y todo lo que va a venir de aquí al final de la tercera desde el reflejo, eso sí, de otro espejo. Todavía le doy vueltas a cómo puede caber todo eso en un capítulo sin ser de Los Simpsons. Magia. Tan espectacular como el que va a continuación de esta lista pero sin tanta repercusión en crítica y público. Máster acelerado para creadores.

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Muy poco antes de esto, menos de tres años antes, Cary Fukunaga había marcado el paso luciéndose con un plano secuencia de cinco minutos y cincuenta y cuatro segundos en un capítulo de True Detective a toma única y sin cortes – eso jura él y corroboran los implicados –. Eso no son maneras, son alardes. Un hito en la historia de las series que dejó en mera filigrana técnica de autor aburrido del éxito a aquel doble plano secuencia de Chris Carter, sincronizado y a pantalla partida, cuidado, en Triángulo de Expediente X. Vale, éste no es a toma única, como no lo fue el de La soga de Hitchcock pero es que dura ¡cuarenta y dos minutos! ¡El capítulo entero!

Ángel Chatarra

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[1] El nombre es el de un niño que ya ha crecido aunque conserva su capucha con la que una vez conoció la verdad gracias a un empático extraterrestre; y el apellido es sospechosamente parecido, una letra los separa, al del mundo real de Neo, el del elegido de la saga de los entonces hermanos y ahora hermanas Wachowski, ¡cómo pasa el tiempo! Toda una declaración de principios.

Coming soon:

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Título original: Mr. Robot

País: Estados Unidos (2015)

Fecha de estreno: 24 de junio de 2015

Duración: 43-49 minutos

Temporadas: 4 (la cuarta pendiente de estreno)

Género: Criminal, Drama. Tecno-Thriller

Calificación: No recomendada para menores de 16 años

Creador: Sam Esmail

Productora: Anonymous Content, Esmail Corp., Universal Cable Productions

Distribuidora: USA Network

Intérpretes: Rami Malek (Elliot Alderson), Martin Wallström (Tyrell Wellick), Portia Doubleday (Angela Moss), Christian Slater (Mr. Robot), Carly Chaikin (Darlen), Stephanie Corneliussen (Joanna Wellick) , Krista (Gloria Reuben), Frankie Shaw (Shyala), Michael Cristofer (Phillip Price), Michel Gill (Gideon Goddard), Bruce Altman (Terry Colby), Grace Gummer (Dominique DiPiero), Leon (Joey Badass), Craig Robinson (Ray), Bobby Cannavale (Irving), BD Wong (White Rose/Zhang), Grant Chang (Grant)…

Published in: on febrero 20, 2019 at 7:07 am  Comments (1)  
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Paco Cabezas regresa al cine español con “Adiós”, coproducción entre Sony Pictures International Productions y Apache Films

Casi una década después de Carne de neón (2010), uno de nuestros directores más internacionales, Paco Cabezas (Penny Dreadful, El Alienista, Fear the Walking Dead), regresará a la industria española para rodar Adiós, un drama criminal en el que volverá a contar con Mario Casas para el papel principal y cuyo rodaje empezará en Sevilla el próximo 18 de febrero, gracias al acuerdo de coproducción alcanzado por Sony Pictures International Productions y Apache Films. Los planes es que la película llegue a salas españolas a finales de este año.

Junto con Mario Casas, el reparto de Adiós se completará en sus papeles principales con la presencia de la dos veces ganadora del Goya Natalia de Molina (Quién te cantará, Techo y comida, Vivir es fácil con los ojos cerrados), y los nominados al Goya Ruth Díaz (Tarde para la ira), y Carlos Bardem (Celda 211). En la futura película Mario Casas dará vida a Juan, preso en tercer grado y padre de familia, que logra un permiso para asistir a la comunión de su hija. Sin embargo, la realidad del barrio en el que vive le impacta con violencia cuando su hija fallece la noche de su comunión.

En palabras de Paco Cabezas “volver a Sevilla, al sur, a las calles donde me crie, a rodar esta película es un sueño hecho realidad. He aprendido mucho en mi trabajo en la industria hollywoodiense, así cada serie, de Penny Dreadful a American Gods, me ha ayudado a crecer como director. Y me moría de ganas de encontrar una historia potente, emocionante, llena de acción, que no solo esté hecha para el público español sino con vocación internacional para contar en mi tierra.”

Enrique López Lavinge, productor de Apache Films, señala que “lo que más me atrae de trabajar con Paco, un director español que se ha curtido en el mercado internacional de la nueva ficción y en Hollywood son los mecanismos para traducir una historia tan emocionante como Adiós a un espectador global que exige una narrativa que combina lo íntimo con el sentido del espectáculo.”

Por su parte, tanto Laine Kline, vicepresidente ejecutivo de Sony Pictures International Productions, como Iván Losada, Director General de Sony Pictures, están de acuerdo con que “a veces los sitios más pequeños pueden albergar las historias más grandes que conectan con los espectadores de todo el mundo, y tanto Paco como Enrique representan para nosotros esa clase de director y de productor de enrome talento con una visión global y única de las historias”.

Sinopsis: Sevilla. La muerte accidental de una niña destapa todo un entramado de corrupción policial y narcotráfico. El caso cae en manos de Eli, una inspectora que tendrá que lidiar con los recelos de un sector de la policía y de Juan, el padre de la niña fallecida, quien quiere tomarse la justicia por su cuenta.

Published in: on febrero 17, 2019 at 8:47 am  Dejar un comentario  

Cameo pone a la venta el próximo 20 de febrero en Dvd y Bluray el thriller argentino basado en hechos reales “El ángel”

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El próximo 20 de febrero Cameo pone a la venta en formato Dvd y Bluray el film argentino El ángel (2018) de Luis Ortega, sin duda una de las grandes sensaciones de la pasada temporada del circuito de los festivales. Seleccionada por Argentina para representar al país suramericano en los Oscar dentro de la categoría a Mejor Película de Lengua No Inglesa, está también nominada a la Mejor película Iberoamericana en la próxima edición de los Goya.

Inspirada en la historia real del criminal más famoso de Argentina, El ángel nos traslada al Buenos Aires de comienzos de los setenta para narrarnos la historia de Carlitos,  (impresionante Lorenzo Ferro), un joven de rostro angelical, rizos dorados y cara de niño. Cuando llega a la adolescencia descubre su verdadera vocación: ser un ladrón. En la escuela conoce a Ramón (Chino Darín), hijo de una familia de delincuentes y preparan juntos su próximo golpe. Ahí dará comienzo una vida llena de pasión, robos, mentiras y asesinatos que convertirán a “El Ángel” en el mayor asesino de la historia de Argentina.

Denominada “brutalmente sarcástica” por “ABC” y comparada con Tarantino y Scorsese por “Fotogramas”, la edición en Dvd y Bluray de El ángel comercializada por Cameo incluye la película en su versión original con subtítulos en castellano e inglés, e imagen en su aspect ratio original de 2.39:1 con mejora anamórfica. Se acompañan como extras quince minutos de contenidos, entre los que destaca un making of con entrevistas.

Más información: cameo.es

Published in: on enero 20, 2019 at 8:53 am  Dejar un comentario  

El próximo 8 de marzo Filmax estrenará “70 binladens”, la nueva película de Koldo Serra

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El 8 de marzo de 2019 Filmax estrenará en salas españolas 70 binladens, thriller dirigido por Koldo Serra y protagonizado por Emma Suárez, Nathalie Poza y Hugo Silva, que tuvo su estreno mundial en la sección Órbita del pasado Festival de Sitges.

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Sinopsis: Raquel (Emma Suárez) es una mujer desesperada. Su situación personal le ha llevado a una coyuntura en la que necesita 35.000 euros (conocidos coloquialmente como “70 binladens”), y los necesita en las próximas 24 horas. Su última esperanza es un préstamo bancario. La irrupción de dos atracadores (Nathalie Poza y Hugo Silva) cuando está a punto de cerrar la transacción complicará su situación: El tiempo corre en su contra y Raquel debe salir de banco con el dinero, sea al precio que sea.

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Koldo Serra, que ya impresionó a crítica y público con su cortometraje El tren de la bruja en 2003 ganando el Melies de Oro y de Plata, entre otros premios, presenta su tercer largometraje después de Bosque de sombras (2006) y Gernika (2016). Con un guion a cargo de Asier Guerricaechevarría, Javier Echániz y Juan Gil Bengoa, su director de fotografía habitual, Unax Mendia y una banda sonora compuesta por Fernando Velázquez, Koldo Serra se rodea de un sólido elenco de actores donde sobresale el trío principal. Les acompañan en la gran pantalla Bárbara Goenaga, Susana Abaitua, Daniel Pérez Prada y Fernando Albizu, entre otros.

Koldo Serra dice sobre la película, rodada en Bilbao, su ciudad natal: “Desde que llegó a mis manos el guion de 70 binladens, siempre he creído que era una película que tenía que hacerse. Por un lado, porque es un thriller clásico con un ritmo endiablado y, por otro, porque no se suelen ver filmes de estas características protagonizados por mujeres. Dos mujeres, interpretadas magistralmente por Emma Suárez y Nathalie Poza, enfrentadas y a la vez necesitadas por exigencias de la tensa trama. Si, había que hacerla.”

Sayaka Producciones (Nahikari Ipiña, Borja Cobeaga, Borja Crespo, Nacho Vigalondo y Koldo Serra), productora de Colossal, Gernika, Negociador yOpen Windows, entre otras, produce 70 binladens junto con Pokeepsie Films, productora de Alex de la Iglesia y Carolina Bang y La panda. La película cuenta con la participación de ICAA, RTVE, ETB y Movistar +.

La prensa ha dicho de la película:

“Personajes altos en voltaje y carisma” “El periódico”

“Trepidante thriller con unas interpretaciones memorables” “Espinof”

“Un reparto coral de aúpa” “El correo”

“Emma Suárez, dueña de la función” “Cine maldito”

Published in: on diciembre 27, 2018 at 6:40 am  Dejar un comentario