Intérpretes: Amparo Muñoz (Clara), Juan Luis Galiardo (Jorge), Máximo Valverde (Juan), Ivón Sentís (Marta), Víctor Petit (Tito), Mario Pardo (Miguel), Alejandro Ulloa (Kellerman), Carmen de Lirio (Gladys)…
Sinopsis: Clara es una joven casada con un mediocre arquitecto, ésta trabaja haciendo películas pornográficas para hacer frente a su fallido matrimonio.
Clara es el precio es el atractivo título de la que sería la segunda película en la que la ex Miss Universo, Amparo Muñoz, ejercería de protagonista absoluta tras el éxito de taquilla conseguido por, Tocata y fuga de Lolita, su primer papel de peso en el cine, donde la malagueña compartía cartel con Arturo Fernández. De hecho, ella es el principal reclamo del presente filme desde su propia carátula, encabezada por su nombre del siguiente modo: “Amparo Miss Universo es Clara”, leyenda que es acompañada por una foto de la Muñoz desprendiéndose de sus atuendos, sirviendo esto de gancho para todos aquellos espectadores que quisieran contemplar en toda su plenitud a la que un año antes, en un acto de rebeldía, había renunciado al codiciado título de la más bella.
Para ello se dispuso de un guión realizado a mayor gloria de la estrella en ciernes, escrito por un casi debutante Pedro Carvajal -posteriormente realizador de la mediocre El baile de las ánimas-, y dirigido por el ya experimentado Vicente Aranda para el que sería el segundo proyecto de su propia productora, Morgana Films. Amparo estaría además acompañada por dos de los galanes oficiales del cine patrio de la época: Máximo Valverde, con el que había estado relacionada sentimentalmente, y Juan Luis Galiardo, ambos disputándose la cabeza de cartel en una batalla de egos, ya que, de hecho, en los créditos iniciales sus nombres se alternan de forma repetida e incluso preceden al de la actriz y modelo.
Como decimos, el filme se abre con unos modernos y psicodélicos títulos de créditos ilustrados por imágenes en negativo de la ex Miss Universo desnuda y con el rostro cubierto por una máscara china, algo que en cierta manera adelanta el tono general de la cinta en la que Aranda recupera el surrealismo de sus inicios, como el utilizado en la primeriza Fata Morgana. Un surrealismo en ocasiones de auténtico disparate -la secuencia que transcurre en la casa del gurú hindú Kellerman es buena muestra de ello-, para dar finalmente sentido a todo el entramado en su desenlace, ya que Clara es el precio termina por convertirse en un mediano thriller con entresijos propios de culebrón, y mejores intenciones que resultados, en el que la mujer objeto descubre que ha sido utilizada como una mera herramienta de la ambición masculina.
El argumento es por tanto más prometedor que lo que termina resultando, debido a un guión tosco, atropellado y disperso, que no aprovecha sus posibilidades y que cierra de manera abrupta. Tampoco ayudan las actuaciones; Amparo, a pesar de su poca experiencia en el cine, se atreve a doblarse su propia voz, algo muy poco habitual en el cine de la época en el que la mayoría de las actrices del destape eran dobladas por especialistas – aunque en algunas secuencias se nota el cambio de voz al optar por una profesional del doblaje, algo que resulta más que chocante-, y aunque en ocasiones su trabajo peque de amateur, tampoco desentona con lo caótico del conjunto. Además del siempre correcto Juan Luis Galiardo, y un Máximo Valverde doblado al andaluz en otro sinsentido más de la película, dando vida a un personaje que termina quedando muy disperso en el guión, el reparto se completa en sus papeles principales con la fugaz estrella Ivonne Sentís, compitiendo en belleza con la Miss Universo, y Alejandro Ulloa y Carmen de Lirio, haciendo respectivamente el papel del gurú Kellerman y su desequilibrada esposa, ambos imitando un acento extranjero que resulta de lo más postizo.
El filme finalmente termina siendo un “todo vale”: pretende resultar disparatado, partiendo de la incongruencia de su protagonista, una actriz porno virgen, y termina ofreciendo un thriller con pinceladas de astracanada, algo que acaba por confundir totalmente al espectador que anda desorientado ante tan desconcertante guión, quedando todo como un ambicioso pero fallido vehículo de lucimiento para la entonces inexperta actriz.
Continuamos con el prometido repaso por parte de diferentes colaboradores de los títulos que conforman la colección “Inéditos de Jesús Franco”, la cual de la mano de Tema Distribuciones y Cameo recupera para nuestro país algunos de los títulos que el tío Jess rodara junto al productor suizo Erwin C. Dietrich a mediados de los setenta. En esta ocasión es Ángel Chatarra quien se encarga de desgranar Sexy Sisters, película estrenada originalmente en España con el inequívoco título de Aberraciones sexuales de una rubia caliente.
LA PELÍCULA
Sexy sisters o hermana, ¿por qué me haces esto si yo te quiero?
Sexy Sisters se presenta como un clásico soft core; una de esas cintas clasificadas como “S” en España y que tan comúnmente inundaron primero cines y luego videoclubs a partir de la segunda mitad de los años setenta en Europa y que muchos de nuestros compatriotas fueron a ver a Perpiñán cuando aquí quedaban fuera de la cartelera por aquello del decoro ultraconservador propio de la moralidad católica y castrense imperante hasta el 20 de noviembre de 1975.
Ineludiblemente influenciada, como todas las de la época, por el blockbuster erótico por excelencia, Emmanuelle –algo que se certifica cuando no se enfatiza con ciertas secuencias de mar y arena, ciertos arreglos musicales, el corte a lo garçon de Millie, los largos collares de cuentas de Edna, sus tacones o su bata de seda floreada siempre bien abierta y, como no, el icónico sillón de mimbre de la cinta francesa que aparece en esta pieza de Jess Franco por duplicado– , la película cuenta con lo que, en un primer vistazo, podría ser el argumento típico de una típica película S. Argumento que también podría pasar por el típico argumento de película pornográfica típica si contara con los planos anatómicos de detalle necesarios para tal catalogación –la única diferencia entre muchas de las S y las X de entonces, antes de que la cámara al hombro y la ausencia absoluta de postproducción inundaran la escena porno–, es decir, un cúmulo de situaciones, mejor o peor hiladas, en las que chicas pérfidas e hipersexuales aunque, en el fondo, algo ingenuas son montadas sin descanso por hombres superdotados física y/o intelectualmente –en función de lo que pudiera mostrarse en pantalla–, viriles, muy viriles, claramente superiores a ellas en todos los sentidos, incluido el moral, y que se someten a los requerimientos eróticos de las hermosas féminas más por hacerles el favor que por iniciativa propia. Tan características con éstas, son las situaciones espejo en las que, en ausencia del macho alfa, siempre ocupado en otra cosa, la que sea, de mayor trascendencia que el burdo acto carnal, son las hermosas féminas las que juguetean jocosas más que intiman entre ellas, más para el deleite del espectador que para el propio. Si a esto le añadimos un trío, algún sometimiento físico no carente de violencia o un ejercicio circense de algún tipo tenemos todos los elementos necesarios para una cinta eróticofestiva al uso. Si a todo esto le sumamos un happy ending sin necesidad de fluidos corporales –obligatorios en las X– la cinta S estará completa.
Al fin y al cabo, el público masivamente masculino consumidor de este tipo de género nunca ha sido demasiado exigente a este respecto y, tanto en las cintas S como en las cintas X de esa época, lo que siempre contó fue la belleza, la sensualidad y el morbo que fuera capaz de generar la actriz protagonista o, si el talento del guionista o el director lo permitían, la situación en sí, así como el número total de metros cuadrados de piel desnuda que se pudieran contabilizar. Si a eso se le añadían unas gotitas de autoafirmación varonil con cierto buqué misógino, la pieza resultaba un éxito seguro.
Y, sí, desde luego, no hay duda de que si alguien hace inventario –por poco versado que esté en el género– de estos elementos con Sexy Sisters, listado en mano, le salen las cuentas. Pero, además de una película de porno blando setentera, Sexy Sisters es una cinta de Jess Franco y ahí encontramos la principal diferencia con el resto de las de su género al que sin duda pertenece sin ambages ni artificios. Porque, en esta ocasión, no estamos ante una cinta de experimentación artística o expresiva, ante un ejercicio de ahondamiento en las obsesiones de su creador o ante una película de género que se niegue a sí misma, como ocurre en tantas cintas de Jesús Franco. Más bien al contrario, Sexy Sisters se muestra orgullosa de ser lo que es y es sólo la personalidad de su director la que le da ese plus diferenciador.
Como decíamos, no hay nada desde el punto de vista técnico que resulte reseñable, no hay nada desde el punto de vista argumental que sea destacable, no hay ningún hallazgo especialmente significativo en las actuaciones, ni nada en el total de la cinta que resulte especialmente novedoso ni siquiera dentro de la propia filmografía de su creador. Sin embargo, desde el minuto uno, que comienza con la muy habitual performancede apertura de las cintas del tito Jessie, hasta el amable último minuto la película, el espectador verá a Jesús Franco en estado puro. Un Jesús Franco en forma, más comercial que de costumbre, con sus arreglos musicales habituales de la época, su estética mezcla entre el pop art y el funky urbano, más accesible, más cómodo de ver pero que en ningún momento se traiciona a sí mismo.
Y no se traiciona porque, más allá del argumento en sí, de la aparente trivialidad de la pieza, la cinta contiene muchas de las constantes que hacen del cine del tito Jess una marca registrada, un sello único, desde la reiterativa dicotomía entre la bondad y la maldad humanas, encarnadas, esta vez, de manera alterna por una y otra hermana –como las máscaras teatrales del happening de apertura– según va avanzando el metraje y por el resto de personajes, cada uno en su rol benéfico o maligno; pasando por las luces proyectadas por la imagen pública de sus protagonistas y las sombras que genera la parcela privada de los mismos; el mensaje social típico de Jesús Franco en el que irremediablemente se retrata a los herederos de ascendencia aristocrática como personajes de insaciable codicia, libertinos y decadentes, rodeados muy a menudo de merodeadores de lo ajeno, de extracto social más bajo pero embriagados por la ambición de medrar socialmente, aprovechándose del dinero, el poder y la mezquindad que comparten con esos herederos moralmente lisiados; hasta una amplia retahíla de otras referencias fijas en muchas de las obras de Jesús Franco como lo son el castillo de rancio abolengo, la isla, la mansión apartada y solariega, el testamento frente al notario, el psiquiatra firmando diagnósticos incapacitantes falsos, el juego entre lo onírico y lo real, la alucinación y lo racional, el agua estancada –en forma de lago, de estanque o de piscina como es el caso– frente a la libertad del mar de espumosas olas, el sol radiante y la sombra tenebrosa, el bosque salvaje y la naturaleza domada, etc. Y, como no, aunque en cantidades esta vez mucho más digeribles su gusto por mostrar la perversión, lo tabú, lo excesivo, la identificación entre lo femenino y lo felino –con los cuadros repartidos por la casa, la jaula dorada y las cadenas de la ‘tigresa’-, lo canino y lo masculino –también mediante un cuadro de la casa donde se sienta el falso médico en un momento dado–, la excitación que (le) generan unos tacones negros y un par de medias negras en el cuerpo desnudo de la mujer, una vez más retratada como origen de todo placer y todo pecado, aunque en este caso también origen de redención para los bondadosos, para los puros de corazón, para los amantes que son capaces de amar con ese amor puro que consigue liberar a la hermosa, dulce e inocente Millie de las cadenas, literales y mentales, de su hipersexualidad, inoculada y acrecentada por su pérfida hermanastra.
A las referencias a otras cintas ya señaladas, cabe añadir las autorreferencias tan comunes en el cine de Jesús Franco y que forman parte de su genuino sello. En Sexy Sisters hay guiños a cintas suyas tan celebradas como Las vampiras, Venus in Furs o Succubus / Necronomicon tanto en lo argumental como en lo formal e incluso recordando en su esbozo general, en la forma de armar la historia, a Los ojos de la noche. Así mismo, es curioso prestar atención a como vuelve a hacer uso de elementos eminentemente aristocráticos para mostrarnos la oscuridad del alma de sus personajes de alta cuna, siendo capaz de presentarnos el Rolls Royce negro usado por Edna para reclutar amantes para su hermana Millie como una evolución lógica de la no menos siniestra calesa con la que el doctor Orloff cometía sus fechorías en la mítica Gritos en la noche, apellido de doctor que acababa de desempolvar hacía apenas un año para bautizar al asesino de su particular versión de Jack, the Ripper. También están presentes elementos y localizaciones similares a las que después utilizará en películas como Las diosas del porno, Bahía blanca, El hundimiento de la casa Usher o, de manera más obvia, en Las orgías inconfesables de Emmanuelle, menos emmanuelliana bien es cierto de lo que cabría pensar e, incluso, que esta misma. Como vemos, una innumerable lista de lugares comunes del tito Jess tan amables en esta ocasión como reconocibles.
En conclusión, una película de Jesús Franco que se deja ver sin presentar batalla quizá por el happy end del que hablamos –a buen seguro debido más a Erwin C. Dietrich que al tito Jess, conocido productor suizo del género con el que llegaría a firmar una docena de películas y a la sazón firmante del libreto de la presente, más que autor propiamente dicho–, quizá por su erotismo franco y, por momentos, incluso romántico, por el personaje de caballero salvador y la que a la postre será princesa cautiva y rescatada, que le confiere a la película ese aire de cuento clásico –con la correspondiente tentación de caer en la moralina fácil, lo que sí constituiría una verdadera antítesis del cine de Jess Franco– o por la linealidad formal de la historia en sí. O quizá por el callo del que les escribe, verbigracia, pero en cualquier caso me reitero, si me preguntan Sexy Sisters es la cinta perfecta para recomendársela al no iniciado en el cine de Jesús Franco, púber y virginal espectador intrigado por el aura del gran maestro que no se ha atrevido aún a abrir su caja de pandora y que no sabe lo que le espera cuando promocione de curso. Y para aquellos que ya le tienen cogida la medida al genio, ¿qué mejor acicate que decirles, si aún no la han visto, que es una película de Jess Franco en la que salen el mítico Jack Taylor y las hermosas Karine Gambier y Pamela Stanford en todo su esplendor?
Ángel Chatarra
LA EDICIÓN
Como viene siendo norma en los lanzamientos que integran la “Inéditos de Jesús Franco”, la edición de Sexy Sisters. Aberraciones sexuales de una rubia caliente comercializada por Tema Distribuciones posee una calidad más que contrastada. Tal y como se anuncia en la carátula con el diseño característico de la colección, el máster de imagen utilizado procede de una copia restaurada a partir del negativo original de 35 mm., siendo análogo al Blu-ray de la película aparecido dentro de la “Jess Franco Golden Goya Collection” por parte del sello centroeuropeo “Ascot Elite Home Entertainment”, propiedad del propio Dietrich. La imagen pues posee una apreciable nitidez que se refleja en la forma en que es reproducida la fotografía de Peter Baumgartner, ofreciéndose en formato anamórfico con un aspect ratio de 1.78:1.
Además de la consabida pista en alemán, codificada en Dolby digital 5.1, aprovechando su comentado estreno en nuestro país en esta ocasión se incluye también una pista en steréo con el doblaje español. No obstante, ello no es óbice para la comparecencia de los perceptivos subtítulos en castellano destinados a todos aquellos espectadores que quieran visionar el film en su versión original. Como extras, se incluye el tráiler del título en cuestión, así como el del resto de sus compañeros de colección, o en teoría, ya que, como ya comentamos a propósito de la edición de Mujeres en el campo de concentración del amor – Love Camp, en lugar del de esta película aparece el de Frauen für Zellenblock 9 (1978), otra película de temática wip rodada por aquellas mismas fechas por Jesús Franco bajo el paraguas financiero de Dietrich. Sea como fuere, todos ellos corresponden a su versión alemana, en algunos casos con subtítulos en francés quemados en la imagen, formato 16:9 y una calidad de imagen variable, aunque aceptable en líneas generales. El apartado de materiales extras se completa con una galería compuesta por fotocromos y material promocional del estreno de Sexy Sisters. Aberraciones sexuales de una rubia caliente en países de habla germana.
FICHA TÉCNICA
Título original:Die teuflischen Schwestern
Año: 1977 (Suiza)
Director: Jesús Franco
Productor: Erwin C. Dietrich
Guionista: Erwin C. Dietrich (acreditado como Manfred Gregor)
Fotografía: Peter Baumgartner
Música: Walter Baumgartner
Intérpretes: Pamela Stanford (Edna von Stein), Karine Gambier (Millie von Stein), Jack Taylor (Dr. Barnes), Esther Moser (Sarah), Kurt Meinicke (Joe), Marianne Graf (Maria), Eric Falk (Tom), Walter Baumgartner (Prof. Sebesky), Mike Montana (Giglio)…
Sinopsis: Un doctor sin escrúpulos y una ambiciosa señorita traman un maquiavélico plan para adueñarse de una copiosa herencia: estimularán hasta límites insospechados la ninfomanía que padece la hermana de ella, con el objetivo de conducirla a la locura.
*Todas las imágenes de la película que ilustran este artículo pertenecen a capturas de la edición comentada.
Productores: Travis Stevens, Gabriel Cowan, John Suits,
Guionistas: Trent Haaga, David Chirchirillo
Fotografía: Sebastian Wintero Hansen
Música: Mads Heldtberg
Intérpretes: Pat Healy (Craig), Ethan Embry (Vince), Sara Paxton (Violet), David Koechner (Colin), Amanda Fuller (Audrey)…
Sinopsis:Juegos Sucios (Cheap Thrills) cuenta la historia de un padre primerizo amenazado de desahucio. Su vida da un vuelco cuando conoce a una pareja adinerada que puede conducirle a una vida mejor…pero a un altísimo precio.
¿Hasta dónde llegarías si tuvieses una familia a tu cargo, te encuentras sin trabajo y tu casero pretende desahuciarte? Con esta sencilla (y desgraciadamente muy realista) premisa arranca Cheap Thrills (2013), bautizada para nosotros con el título de Juegos sucios. Se trata de la ópera prima de E. L. Katz que, tras pasar por más de veinte festivales y obtener diferentes premios, llega a nuestras carteleras de la mano de la distribuidora La Aventura Audiovisual.
Rodada en tan sólo catorce días, con un presupuesto de poco más de 100.000 dólares y un guión escrito por Trent Haaga (responsable anteriormente de El vengador tóxico IV: ciudadano Toxie) y David Chirchirillo, Katz construye una excelente película encuadrada dentro de la cada vez más sonada ola del mumblegore tan apreciada por las nuevas generaciones. En Juegos sucios el protagonista es Craig, un treintañero que se encuentra en la triste situación antes comentada, pero cuya vida sufre un vuelco cuando, acompañado de un antiguo amigo, conoce en un antro a dos excéntricos millonarios que le ofrecen dinero a cambio de superar algunas pruebas: beber unas cuantas copas, palpar los culos de las strippers, golpear a un guardia de seguridad, defecar en un salón… Poco a poco la cosa se va calentando y las apuestas adquieren un tono cada vez más salvaje, mientras que las sumas de dinero aumentan sin parar.
La cinta se presenta ante nosotros, los espectadores, en voz baja y con un tono bastante suave, como si de un drama social se tratara, para poco a poco convertirse en una impresionante espiral de locura y violencia capaz de golpear al más experimentado. Katz, el director, asegura que el objetivo no es que haya mucha violencia, sino que cuando aparezca, que se note¹. Sin duda es un máxima que los responsables han sabido aplicar perfectamente, pues si bien es cierto que no estamos ni de lejos ante un torture porn, Juegos sucios hace que nos estremezcamos en más de un momento con esta extraña (y quizás necesaria) reflexión sobre lo que es capaz de hacer un ser humano en un momento de crisis económica, cuando el pan de su familia está en juego; pero mejor no dar muchas pistas sobre los caminos por los que transcurrirá la trama, pues el factor sorpresa siempre es positivo.
Filmada cámara en mano casi en su totalidad y sin virguerías técnicas que adornen la pantalla, la acción de la película transcurre casi en un setenta por ciento en la vivienda de los millonarios, pues nuestros protagonistas no pueden salir de la casa al atraparles sus peligrosas ansias de conseguir dinero fácil (¿fácil?). De alguna manera, Katz y su equipo le dan la vuelta al subgénero de las home invasion que tan buenos resultados ha proporcionado en propuestas como Funny Games (Funny Games, 1997), Tú eres el siguiente (You’re Next, 2011) o la patria Secuestrados (2010), y sitúa a sus personajes en el punto opuesto, encerrados en una vivienda ajena. Pero que nadie espere conexiones buñuelescas ni un trasfondo filosófico. Aquí la cosa es mucho más directa, sin trampa ni cartón, pura avaricia. Juegos sucios posee además una extraña facilidad para pasar del drama a la comedia en un tiempo récord y siempre en las coordenadas del thriller ultra-violento, modalidad en la que es sencillo caer en el gore facilón, aquí apenas presente salvo en momentos muy pensados, algo de agradecer en los tiempos que corren acostumbrados a que la sangre se imponga a la historia en bestiales ejercicios que a día de hoy han dejado de sorprender (salvo excepciones, claro). Así, vemos que todo está en su sitio, desde el inicio, de corte sereno, hasta el arrollador final, convirtiéndose Juegos sucios en una auténtica lección de montaje, pues con una duración no superior a la hora y media, su ritmo es brillante, la acción transcurre a toda velocidad y la trama no decae en ningún momento, dejando al espectador con la boca abierta al igual que a los personajes de Healy y Embry.
En resumen, Cheap Thrills es divertida, salvaje y la mejor reflexión sobre el vil metal vista por un servidor en muchos años. No hay que perdérsela.
En cuanto al reparto, decir que los cinco protagonistas ofrecen unas interpretaciones excelentes, especialmente Pat Healy, al que recientemente vimos en Los huéspedes (The Innkeepers, 2011) de Ti West (en la que coincidiría, precisamente, junto a Sara Paxton) y que acaba de participar en otro importante mumblegore titulado Starry Eyes (2014). Healy da vida a Craig, el anti-héroe de la historia, un papel complicado dada la gran cantidad de matices requeridos, y cuya transformación a lo largo del filme es digna de análisis. Le acompaña Ethan Embry (Vince, el amigo en la ficción), que de intervenir en títulos junto a Jennifer Love Hewitt o Reese Witherspoon parece haber querido cambiar de rumbo y dejarse ver en otro tipo de producciones, como las series Masters of Horror o Fear Itself, por ejemplo. Sin duda, preferimos este nuevo camino. Por su parte, David Koechner (cuya carrera discurre más por la comedia pura y dura) es Colin, el millonario drogadicto casado con la bellísima Violet (Sara-Los huésedes-Paxton). Ambos están perfectos con sus excentricidades, dando en el clavo con su manera de enfocar a unos ricachones. Completando el cast tenemos a Amanda Fuller (una de las protagonistas de la ya citada Starry Eyes), aquí en la piel de la sufrida esposa de Craig-Healy, un rol secundario pero importante de cara a puntualizar determinados momentos dramáticos.
De E. L. Katz podemos decir que tras esta primera experiencia en la silla de director, se ha encargado de realizar uno de los capítulos de la más reciente The ABCs of Death 2 (2014). En cualquier caso, contando con Juegos sucios como carta de presentación, sin duda se convierte en un cineasta al que habrá que seguirle la pista.
Javier Pueyo
(1) Declaración extraída del pressbook de la película, cortesía de La Aventura Audiovisual.
Dentro de la tanda de títulos puestos a la venta por Tema Distribuciones a finales del pasado mes de agosto, se encuentra La hora cero, una atractiva cinta de acción venezolana que cuenta con la particularidad de ser el film más taquillero de la historia de su país, y el cual además tuvimos la ocasión de disfrutar en la I Muestra de Cine Fantástico Latinoamericano, que acogiera en sus prolegómenos el último Festival Nocturna de Madrid.
LA PELICULA
Entre otras novedades, el comienzo del nuevo milenio nos brindó el insólito hecho de que cinematografías tan poco exportables fuera del ámbito hispanoamericano, tales como la mexicana, la brasileña o la argentina, dieran a luz títulos de gran éxito comercial y crítico a nivel global como Amores perros (Alejandro G. Inárritu, 2000), Ciudad de dios (Fernando Meirelles, 2002) o Nueve Reinas (Fabián Bielinsky, 2000) – ésta última contando incluso con su propio remake hollywoodiense-, por citar tan sólo algunos ejemplos.
Fue ésta sin duda alguna una consecuencia lógica y directa de la condición renovadora de unos creadores socialmente comprometidos, pero decididos al fin a narrar este tipo de historias desde una óptica de cine de género (condición ésta desde siempre poco habitual, quizás con la excepción de la cinematografía azteca, dentro de los estrechos márgenes presupuestarios de la industria sudamericana) y que, sin renunciar a la idiosincrasia propia e intransferible de sus países de origen, no dudaban en mostrar la influencia que sobre ellos ejercieron tanto el cine norteamericano manufacturado por la joven generación que surgió a principios de los 70, como la audacia narrativa y el riesgo formal del post-tarantinismo de los 90.
Perfectamente encuadrable dentro de esta corriente, la venezolana La hora cero se sirve del hecho real de la huelga médica que la profesión en pleno del país realizara a finales de 1996 como trasfondo a una, por otra parte, improbable pero bastante bien llevada historia de secuestros, que debe tanto al clásico del subgénero Tarde de perros (Dog Day Afternoon, 1975) de Sidney Lumet, en lo relativo a su estructura, situaciones y dinámica entre personajes, como en su aspecto visual al vigor, el montaje frenético y la apuesta por el realismo casi documental propios de la televisión americana actual.
En este sentido es admirable el férreo propósito del aquí primerizo realizador Diego Velasco por no aburrir en ningún momento al espectador, imprimiendo desde el primer minuto a su ópera prima un ritmo trepidantemente endiablado, por mucho que esta excesiva inclinación hacia los elementos de la acción vaya en detrimento de un desarrollo más detallado de la personalidad de sus carismáticos protagonistas e, incluso, de una exposición más reposada de componentes clave dentro de la compresión de la propia historia.
Dicho de otro manera, el sonido y la furia – absolutamente consustanciales a situaciones de conflicto como la que aquí se describe – están tan magníficamente retratados que se corre incluso el riesgo de que el ruido de las balas y el humo de los cañones (metafóricamente hablando, claro está) dificulten captar en su integridad su por otra parte impecablemente construido guión.
Esta inmersión sin concesiones dentro de la vorágine se ve sin embargo puntualmente interrumpida por los recuerdos a modo de flashbacks que asaltan a su protagonista (elocuentemente apodado La Parca), valederos tanto como preciso retrato de la génesis de su personalidad delictiva, como también para conocer las verdaderas motivaciones del secuestro de la clínica privada por parte de éste y de su banda: en apariencia toda la operación parece responder al altruista propósito de salvar la vida a una joven embarazada, aunque a medida que transcurre el metraje iremos viendo que no todo es tan sencillo como parece.
En cuanto a la tan temida presencia de contenido social en el film, y como ya apuntábamos más arriba, ésta se limita prácticamente a ser la mecha que enciende la llama del conflicto, demostrando sus responsables bastante imparcialidad no sólo al no situarse claramente de lado de ninguna de las partes implicadas si no, por el contrario, repartiendo estopa a todos y cada uno de los colectivos y clases sociales aquí representados. Así las cosas, los secuestradores (a pesar de su brutal forma de actuar) pecan de ingenuos, los medios de comunicación de oportunistas y la policía se revela peligrosamente incapaz de enfrentarse y resolver el problema que se le plantea; aunque quizás sean los representantes políticos (pre-chavistas, por supuesto) los que se acaben llevando con diferencia la peor parte en este sentido.
Absolutamente libre de soflamas baratas, insoportables planfetarismos y sonrojantes victimismos (a los que nos tienen tan acostumbrados a este lado del charco cineastas como Ken Loach, Fernando León de Aranoa & Cía.), a pesar del tema a tratar- y de la condición marginal de sus personajes principales – en La hora cero se opta por suerte desde su mismo comienzo por el cine-espectáculo, que si bien también corre el serio riesgo de caer en el estereotipo, el efectismo y la falta de credibilidad (por ejemplo, dudo mucho que en toda Venezuela exista un sólo policía tal y como se ofrecen de americanizados aquí los representantes de la ley), se acaba ganando sin ningún género de dudas en vigor, consistencia y entretenimiento en el relato, que es lo que a fin de cuentas importa.
En definitiva, si a pesar de la diversidad de films latinos que nos han llegado estos últimos años aún existen espectadores dispuestos a meter todo el cine sudamericano en un mismo saco, La hora cero logrará hacerles olvidar – en menos de cien vibrante minutos – todos esos injustificados prejuicios.
LA EDICION
En lo que respecta a la imagen y al sonido se puede decir que son más que correctos… por mucho que en ocasiones resulten ininteligibles los diálogos recitados por más de un personaje, achacable exclusivamente a la jerga y/o acento utilizados por éstos (en muchos casos bastantes difíciles de entender por el espectador castellano hablante) antes que por consideraciones meramente técnicas, por supuesto.
Lamentablemente, y en lo que respecta a los contenidos adicionales, la presente edición sólo se puede calificar de paupérrima, teniéndonos que contentar con un mísero tráiler cinematográfico y la consabida selección de escenas.
Sinopsis: Durante una huelga médica en Caracas, un delincuente de poca monta llamado La Parca se ve obligado a secuestrar una clínica privada para salvar al amor de su vida. Lo que parecía un plan perfecto terminará en un frenético desenlace donde el protagonista se verá obligado a enfrentarse con los errores de su pasado y a descubrir que sus peores enemigos están más cerca de lo que él imagina.
*Todas las imágenes de la película que ilustran este artículo pertenecen a capturas de la edición comentada.
Tras las obras colectivas John Carpenter. Ultimátum a la Tierra y A tumba abierta. El cine kamikaze, Macnulti Editores apuesta por un libro de temática cinematográfica de autor único. Se trata de Nicolas Winding Refn. Luces y sombras del thriller contemporáneo, que escribe Óscar Brox Santiago, y que supone tanto el segundo libro de la colección “Hamsterdam” como el tercero de la historia de esta editorial surgida del deseo de los miembros de la revista on-line “Miradas de cine” de trasladar su filosofía de trabajo colectivo y el talento de sus colaboradores a las publicaciones de papel.
Nicolas Winding Refn. Luces y sombras del thriller contemporáneo aborda la obra del director danés como un estimulante punto de partida para reflexionar sobre el presente, pues en sus manos el thriller se transforma en un vehículo para investigar no solo los nuevos senderos del género, también del mismo cine. Tan estéticamente arrebatador como psicológicamente profundo, el cine de Winding Refn ha alcanzado, con sus historias repletas de claroscuros y personajes turbios, un papel protagonista para entender el thriller de nuestro tiempo. Entre la renovación y el cuestionamiento, entre el tormento y el éxtasis.
El volumen, que saldrá a la venta hoy 15 de septiembre, contará con una presentación oficial del libro el próximo día 18 a las 20:30, en la tienda Sin Tarima Libros (c/Príncipe, 12 – Metro Sol) de Madrid, y contará con la presencia de su autor, Óscar Brox.
Tras la salida de Nicolas Winding Refn. Luces y sombras del thriller contemporáneo, está previsto que el próximo trabajo en aparecer dentro de la colección “Hamsterdam” será una obra dedicada a la figura del cineasta Tod Browning. Por su parte, la colección mayor de Macnulti Editores tendrá continuidad con un libro sobre Adam Sandler, coordinado por Roberto Alcover Oti y Pablo Vázquez.
Intérpretes: Elijah Wood (Nich Chambers), Neil Maskell (Chord), Sasha Grey (Jill Goddard), Nacho Vigalondo (Richi Gabilondo), Iván Gonzalez (Tony), Adam Quintero (Pierre), Daniel Pérez Prada (Triop), Jake Klamburg (Triop#2), Jaime Olías, Rachel Arieff, Raúl Cimas, Carlos Areces, Julián Villagrán, Michelle Jenner, Miguel Noguera…
Sinopsis: Nick Chambers, webmaster de una página dedicada a la sensual Jill Goddard, podrá conocer al fin a su actriz favorita gracias a un concurso que ha ganado. Sin embargo, una vez en la habitación del hotel recibe una misteriosa llamada que le convertirá en la única persona capaz de salvar a Jill Goddar del terrible peligro que corre…
La última película de Nacho Vigalondo ha levantado bastante polvareda y pasiones de todo tipo. Los hay que enseguida se han apresurado en denominarla como “La ventana indiscreta del siglo XXI” o se han inventado términos como tecnothriller o tecnogiallo para definirla. Sin embargo, hay otros que la ven como una tomadura de pelo sin pies ni cabeza, llena de giros incoherentes y “sacados de la manga”. En la sala en la que la vi, preguntas como “¿pero esto qué es?” acompañaron la proyección formando una extraña banda sonora a lo largo de la película. Efectivamente, estamos ante una obra desconcertante; una locura que se desmadra más y más. Pero aún así, y aunque no lo sepa, ese espectador que se queja en su butaca está formulando la pregunta correcta: “¿PERO ESTO QUÉ ES?”.
Nacho Vigalondo, gran amante del cine de Hitchcock, ha creado un thriller excesivo muy en la línea de Brian De Palma. Es inevitable que películas como Doble cuerpo o Femme Fatale, ambas dirigidas por el realizador estadounidense, se vengan a la cabeza mientras toda esa vorágine de ventanas se abren frente a uno. En Open Windows,como ocurre en el cine de De Palma e incluso en el giallo (otro género que sale bastante a colación a la hora de hablar de ella), se traza una trama (a menudo débil) que se sujeta sobre giros increíbles e intrigas desorbitadas. Pero Vigalondo no se conforma con ello y se sirve además de la ciencia ficción, el mundo de los videojuegos e, incluso, el del cómic, para realzarla y llevarla aún más al extremo. Y todo ello para hablarnos de los peligros de Internet y la falta de privacidad que existe en sus usuarios a la hora de exponerse en redes sociales y demás. Internet nos ofrece una alternativa más excitante en la que podemos crearnos otra identidad, pero el precio que nos pide a cambio es que abandonemos nuestra propia vida. En este sentido encontramos un punto extra en el hecho de que Chord, el hacker psicópata interpretado por Neil Maskell, aparezca casi toda la película con el rostro cubierto y que otro hacker (“pequeño” SPOILER) simplemente no tenga rostro. Ambos juegan a ser dioses en un mundo que controlan y en el que pueden hacer prácticamente todo lo que quieran gracias a su anonimato y a las herramientas que les proporciona Internet y la tecnología, aunque paradójicamente una vez llegados al desenlace descubrimos que el único personaje que parece “real” es el de la víctima, Jill Goddard (Sasha Grey).
Pero me estoy desviando un poco de lo que pretendo explicar. Al inicio de este texto decíamos que el espectador confuso (y/o cabreado) de Open Windows se estaba planteando la pregunta correcta y esta era “¿PERO ESTO QUÉ ES?”[1]. Todas las películas tienen distintas capas de lecturas, unas más y otras menos, por supuesto, pero hay algunas que se prestan más a que podamos indagar en ellas. Cuando escuché “¿pero esto qué es?” en la sala yo también lo hice (aunque interiormente, por cierto) y me puse a darle vueltas. Pensé que no era casual que Open Windows arrancase con un ejercicio de metacine, ni que tras ese falso tráiler pasásemos a la presentación de la misma en el Festival de Austin (Texas), dónde Nacho Vigalondo, en un pequeño papel de director (llamado Richi Gabilondo), tiene un rifirrafe con la actriz protagonista de su película, Jill Goddard. También deberíamos tener en cuenta que en un momento de esta presentación Richi Gabilondo dice que no le gusta meter pesadillas en sus películas, pero Open Windows termina siéndolo de algún modo. ¿Casualidad? No lo creo. Como tampoco me lo pareció el hecho de que en el film se den falsas identidades a lo Edgar Wallace o que haya un personaje “amorfo”. Prestemos también atención al tema Ghost Rider de Suicide que se repite hasta en tres ocasiones a lo largo de la cinta, y al hecho de que en dos de ellas es quitada abruptamente por orden del personaje de Maskell, que dice textualmente que es una mierda. Tampoco es del gusto del personaje principal, Nick Chambers (Elijah Wood), así que, ¿qué pinta esta canción en la película? “¿PERO ESTO QUÉ ES?”, esa es la pregunta. La pista nos la da Vigalondo en un último giro de la trama en la que se desvela el misterio y alguien dice: “Este CD es mío, se llaman Suicide y son la hostia”. Es entonces cuando comprendemos que el que habla no es Nick Chambers, ni Nevada, ni siquiera Elijah Wood… Sino Nacho Vigalondo que, raudo y veloz, corre a salvar a la chica en peligro.
Open Windows es la fantasía que todo director de cine parece anhelar, y es la de convertirse en el héroe de su función para rescatar a la chica de la película (prototipo de la mujer de sus sueños que no puede conseguir, tal vez) y comenzar quizás una bonita historia de amor con ella. No hace falta irse demasiado lejos para encontrar ejemplos. Ahí tenemos a Alfred Hitchcock y sus amores platónicos (y enfermizos) con Janet Leigh, Tippi Hedren o Grace Kelly. Nacho Vigalondo, al igual que Hitchcock (y muchos otros directores), se vale de su protagonista (en este caso Elijah Wood) para ver cumplida su fantasía[2]. El director, mediante su protagonista, se deja hacer por el malvado de la historia y accede a pasar por todas esas trampas imposibles, para después tomar el control de forma magistral en ese último giro final de la película que decíamos.
Open Windows es un canto de amor al cine y sobre todo a la figura del director. Su narración se va viciando conforme avanza y se distancia progresivamente de la realidad. Pero no nos equivoquemos, lo hace de un modo premeditado, así que dejémonos llevar por ella del mismo modo que lo hace su protagonista y gocemos del viaje que nos propone. Estamos ante un ejercicio de estilo, de cine puro, y cuanta más realidad le exijamos más lejos estaremos de lograr disfrutarlo. Esa pregunta que emerge en el espectador está ahí por algo, así que busquemos posibles respuestas. Estamos ante una película que gana más y más con cada visionado, así que ¡bienvenida sea! Por desgracia cosas como Open Windows no ocurren todos los días.
Juan Pedro Rodríguez Lazo
[1] Debería aclarar que no siempre se repetía esa misma pregunta durante la proyección y que había variaciones. Algunas hasta mal sonantes.
[2] En sus dos anteriores películas, Los cronocrímenes y Extraterrestre se daban unas relaciones hombre-mujer de lo más frustrantes.
A finales del pasado mes de febrero, Bang Bang Movies, distribuida por Absolute, presentó tres novedades:
- EL POZO DE LA ANGUSTIA (The Well, 1951) – BB1058
Una película de Leo Popkin y Russell Rouse
Con Richard Rober, Barry Kelley, Harry Morgan, Christine Larsen, Maidie Norman
Cuando una niña afroamericana de cinco años no se presenta a la escuela, sus familiares denuncian su desaparición al sheriff. Pero lo que se forja al calor de sus pesquisas es una terrible acusación: varios testigos aseguran que vieron a la niña con un hombre blanco. Se desatan entonces en el pueblo unos terribles enfrentamientos raciales…
El pozo de la angustia es una película extraordinaria, un drama policiaco-racial que escapa a todas los formulismos de Hollywood. Basada en hechos reales, sin apenas actores conocidos y dirigida por Russell Rouse y Leo C. Popkin (respectivamente guionista y productor de Con las horas contadas) en un estilo casi documental, era demasiado moderna y política para su época. En la línea de películas de John Ford y Fritz Lang sobre la locura colectiva, anticipa El intruso (1962), la obra más personal de Roger Corman, y la más reciente Tiempo de matar (1996) de Joel Schumacher. Rara vez se había retratado de una manera tan brutal en una pantalla semejante violencia.
CARACTERÍSTICAS DE LA EDICIÓN:
Libreto (historia de la película ilustrada)
Idioma: inglés
Subtítulos: español
Formato: fullscreen 1.33:1 – 4/3
Imagen: blanco y negro
Sonido: Dolby Digital 2.0
- LA SENTENCIA(Nora Prentiss, 1947) – BB1059
Una película de Vincent Sherman
Con Ann Sheridan, Kent Smith, Bruce Bennett, Robert Alda
El respetado doctor Talbot, casado y con dos niños, conoce a la cantante de night-club Nora Prentiss cuando ésta sufre un accidente en la calle. A pesar de sus temores, no puede evitar enamorarse de ella, pero entonces tendrá que enfrentarse a un dilema: o dejar a Nora o divorciarse de su mujer. La muerte de un paciente en su consulta provoca que surja en su mente una tercera posibilidad…
Intenso y sugerente drama noir que impulsó la carrera de Ann Sheridan, La sentencia explora, por medio de los entresijos de un amor tortuoso, el triste mundo de la mentira y de la autodestrucción. Por la performancede sus actores, la siempre espectacular fotografía de James Wong Howe, la poderosa música de Franz Waxman y la excelente puesta en escena del subvalorado Vincent Sherman (A través de la noche, La dama de Trinidad, Bestias de la ciudad) este filme merece ser rescatado del olvido en el que cayó injustamente.
CARACTERÍSTICAS DE LA EDICIÓN:
Libreto (historia de la película ilustrada)
Idioma: inglés
Subtítulos: español
Formato: fullscreen 1.33:1 – 4/3
Imagen: blanco y negro
Sonido: Dolby Digital 2.0
- LA TRAMPA(The Trap, 1959) – BB1060
Una película de Vincent Sherman
Con Richard Widmark, Lee J. Cobb, Tina Louise, Earl Holliman
Ralph Anderson, un abogado que ha amasado una fortuna defendiendo a mafiosos de alto rango, regresa a su ciudad natal, limítrofe con el desierto de California, para pedir a su padre, sheriff de la localidad, que no intercepte al huido Victor Massonetti, uno de sus clientes. Pero su hermano Tipp, celoso del éxito de Ralph y de la fascinación que éste ejerce sobre su esposa Linda, antigua novia de Ralph, decide echarle el guante al fugitivo…
Presentada aquí en una soberbia copia en Technicolor, La trampa es una arriesgada y estimulante mezcla de géneros como el thriller, el cine negro, el western y el drama familiar. Película de Norman Panama, goza de la dirección artística del mítico Henry Bumstead (Vértigo, Matar a un ruiseñor), de la fotografía de Daniel L. Fapp (West Side Story), y de la excelentísima interpretación de Richard Widmark, Tina Louise, Earl Holliman y Lee J. Cobb.
Productores: David Barron, Lorenzo di Bonaventura, Mace Neufeld, Mark Vahradian
Guionistas: Adam Cozad, David Koepp, basado en los personajes creados por Tom Clancy
Fotografía: Haris Zambarloukos
Música: Patrick Doyle
Intérpretes: Chris Pine (Jack Ryan), Keira Knightley (Cathy Muller), Kevin Costner (Thomas Harper), Kenneth Branagh (Viktor Cherevin), Lenn Kudrjawizki (Constantin), Alec Utgoff (Aleksandr Borovsky), Peter Andersson (Dimitri Lemkov), Elena Velikanova (Katya), Nonso Anozie (Embee Deng), Seth Ayott (Teddy Hefferman), Colm Feore (Rob Behringer), Gemma Chan (Amy Chang), Aleksandar Aleksiev, Andrew Byron, Derek Lea, Andy Butcher, Lloyd Bass, Marat Berdyyev, Leonard Redlich, Nick Court, Nathan Wiley, Parker Sawyers, Georg Nikoloff…
Sinopsis: Mientras está estudiando en Londres, Jack Ryan asiste por televisión al atentado del 11–S. Ello le impulsa a luchar en la guerra a favor de su país, salvando a varios compañeros, pero quedando gravemente lesionado. Mientras está recuperándose recibe la visita de Thomas Harper, de la CIA. Quiere reclutarlo…
Jack Ryan, personaje creado por Tom Clancy, ha tenido varios rostros en las adaptaciones cinematográficas de algunas novelas donde aparece. El primero fue Alec Baldwin en La caza del Octubre Rojo (The Hunt for Red October, 1990), dirigida por John McTiernan, después fue encarnado por Harrison Ford en dos películas más, y por último con Ben Affleck se intentó un nuevo inicio en Pánico nuclear (The Sum of All Fears, 2002), de Phil Anden Robinson. Ahora, con la presente se intenta de nuevo comenzar la franquicia con otro intérprete, Chris Pine, el capitán Kirk en el relanzamiento de la saga espacial Star Trek, donde se nos muestra el “origen” del personaje pero actualizando el concepto. La historia transcurre en una actualidad post 11 de septiembre, muy en la línea de las aventuras protagonizadas por su hijo, Jack Ryan Jr., y que comenzaron con la novela The Teeth of the Tiger de 2003. Así que vemos un personaje más joven para que atraiga al público potencial que ahora va al cine, los jóvenes.
El guion original de Adam Cozad fue reescrito por el propio autor para convertirse en una aventura de Jack Ryan, y en algún momento se contrató a David Koepp, reputado guionista cuyos trabajos son muy valorados, aunque no debió poder arreglar mucho, ya que este es el principal defecto de Jack Ryan: Operación Sombra. El argumento parece sacado de otras tantas películas de espías, con momentos bastante ridículos que hacen parecer la cinta una comedia romántica, u otros que en nada aportan al devenir de los acontecimientos, como la inclusión en la trama de la novia de Ryan, que solo sirve para la típica persecución. Los personajes son estereotipados y sin un gramo de personalidad, ni siquiera con carisma para atraer al público, salvo en algunos momentos con el personaje interpretado por Kenneth Branagh, que es sin duda tarea del actor, y que, tal vez, lo convierta en el más interesante: un villano que no es tonto ni tiene berrinches.
La realización de Kenneth Branagh es bastante plana y poco elaborada, con escenas de acción demasiado aceleradas y adrenalíticas, salvo el momento de la pelea en la habitación que queda resultona. Otras, sin embargo, parecen demasiado recargadas y deudoras del cine de los setenta como La carta del Kremlin (The Kremlin Letter, 1970) de John Huston, por ejemplo, como las rodadas en el bosque. Aunque hay un momento muy logrado, la conversación entre Keira Knightley y Branagh, donde el espectador llega a empatizar con el personaje de este último. Hay que fijarse en el rostro de Branagh mostrando su decepción…
Los actores hacen un encomiable trabajo, destacando Kevin Costner, que con su madurez ha aprendido mucho sobre cómo ser un buen actor, y Kenneth Branagh, que sabe sacar partido a un personaje demasiado estereotipado. También hay que mencionar a Keira Knightley, actriz con mucho bagaje pese a su juventud y que ha demostrado su buen hacer en películas como Nunca me abandones (Never Let Me Go, 2010) de Mark Romanek o Un método peligroso (A Dangerous Method, 2011) de David Cronenberg, y que a pesar de que su personaje está puesto con calzador en la trama, ella se toma en serio el trabajo y sabe sacarlo adelante, saliendo airosa en su encuentro con Branagh. Chris Pine como Jack Ryan es el eslabón débil dentro de la cadena de buenas interpretaciones; el actor no convence como el héroe de la función, no tiene carisma y su interpretación es plana, sin brío.
Jack Ryan: Operación Sombra nos presenta un nuevo héroe para la nueva generación de espectadores con una película de acción rápida, no demasiado liosa y entendible para su público potencial. Pero con un argumento previsible, poco trabajado y con agujeros que no explican nada. Como siempre, los productores prefieren el ruido y las explosiones que contar una historia bien construida. Prefieren lo efímero a lo duradero, que el espectador degluta en vez de que saboree.
Productores: Peter Block, Hal Lieberman, Aaron Ryder
Guionista: David Loucka, en base a una historia de Jonathan Mostow
Fotografía: Miroslaw Baszak
Música: Theo Green
Intérpretes: Jennifer Lawrence (Elissa), Max Thieriot (Ryan), Elizabeth Shue (Sarah), Gil Bellows (Weaver), Nolan Gerard Funk (Tyler), Eva Link (Carrie Anne)…
Sinopsis: Sarah y su hija Elissa se mudan a una casa que ha devaluado su valor al estar frente a otra en la que se cometió un brutal crimen: Carrie Anne, la hija pequeña de la familia, asesinó a sus padres en un arrebato de locura. Sarah cree que la casa está abandonada, pero una noche descubre que el hijo mayor del fallecido matrimonio sigue habitando en ella.
Cinta del pasado año que no consiguió distribución en España a pesar de contar con una de las estrellas del momento, la actriz Jennifer Lawrence, además de una recuperada – por segunda vez en su carrera- Elizabeth Shue, una vez más en el papel de madre coraje, al igual que hiciera en la gamberra Piraña 3D.
El filme cuenta una prometedora historia protagonizada por Sarah y Elissa, una madre y una hija cuyas vidas se cruzan con la de Ryan, un problemático muchacho que esconde a su demente hermana, desaparecida después de asesinar a sus padres, en el sótano de su casa. Elissa, nueva en el barrio, se sentirá fuertemente atraída por el chaval, hasta que descubra el lado oscuro de su psicótica personalidad.
Mark Tonderai es el realizador encargado de llevar a imágenes este thriller, -al igual que ya hiciera en su debut en el largo Pánico: Hush-, que esconde en su trama una serie de buenos giros muy en la línea de los realizados en los años setenta; de hecho hasta su título nos recuerda a un par de cintas de la época. Aún así, House at the End of the Street no consigue aprovechar una historia con gancho, ya que su guionista, David Loucka, apuesta por un desarrollo típico y facilón, más cercano a las cintas de psicópatas que se realizaban allá por los años noventa -algo ya bastante manido en la presente fecha-, rallando incluso los modos de un telefilm, una pena, ya que hubiera sido más estimulante haberla conducido por otros derroteros más pantanosos.
Es por esto que la cinta se torna rutinaria en su segunda mitad, mermando con esto el consiguiente interés que podía tener el planteamiento ideado por Jonathan Mostow, realizador, por cierto, de Terminador 3: La rebelión de las máquinas, aunque en realidad dicho dato tampoco resulte demasiado positivo. Aún así el filme guarda un as bajo la manga, ya que conserva una vuelta de tuerca final, probablemente ya presente en el original de Mostow, y que cambia el sentido de la historia por completo. Una pena que se produzca cuando sea demasiado tarde ya para salvarla del naufragio.
Dos asesinos a sueldo foráneos llegan a Madrid con el fin de eliminar a un miembro de su propia organización. Un trabajo fácil que de manera insospechada se va complicando poco a poco. Lo imprevisible se adueña de la situación mientras los implacables mecanismos de un reloj vital siguen su curso.
La primera novela de Carlos Aguilar publicada en 1990 por Versal en su colección Crimen & Cia. Un ejercicio noir entretenido, dislocado y en ocasiones delirante. Un grupo de personajes distintos, bien diferenciados, admirables y destinados a encontrarse.
Dos peculiares “Killers” (de nombres Alacrán y Tágalo*), la esposa insatisfecha de un gris profesor universitario, una actriz de cine B que intenta aprovechar la situación emocional de su amiga, un cochambroso detective privado, su avispada y hambrienta secretaria, hampones de cuarta, prostitutas de buen corazón…Una zoología humana que se ve las caras durante una calurosa semana de Julio de 1989 y que van encontrado su destino como las cartas de una baraja mostradas poco a poco por un sabio tahúr.
Priman las situaciones sobre la trama, los diálogos sobre la acción, los personajes y sus pulsiones sobre el hilo narrativo. El resultado es una novela chispeante, directa, desvergonzada, que tiene la frescura inicial necesaria que se le pide a quien debuta en estas lides. Lejos de un arrebatado ejercicio autoral, La interferencia expone bien sus puntos de vista, maneja de forma aceptable el ritmo narrativo y concluye en un estimable climax que se rememora al concluir el relato.
Madrid es descrito con pocas aunque suficientes pinceladas y ofrece una alternativa criminal al universo tabernario-crepuscular desarrollado por Juan Madrid en su excepcional serie sobre Tony Romano. La cinefilia de Carlos Aguilar aparece lógicamente en la novela pero nunca se adueña del relato. No es una obra dependiente del universo fílmico o tan emparentado con aquel como sucederá posteriormente en Coproducción o en Nueve colores sangra la luna. Es un modesto y nada arrogante ejercicio de serie B a la europea que se aleja de los patrones americanos del género para ofrecer una alternativa valida y diferente. Si la encuentran en su camino, no la dejen de lado.
