Entrevista a Manuel Ríos San Martín a propósito de la publicación en papel de su novela “Círculos”

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A finales de julio del pasado 2015 entrevistábamos al productor, realizador y guionista televisivo Manuel Ríos San Martín a propósito de la publicación en formato digital de su primera novela, Círculos, un thriller ambientado en un futuro cercano en el que la gente vive obsesionada con la televisión. Pues bien, el pasado 12 de enero, hace apenas un mes, Círculos salía a la venta en soporte físico de la mano Penguin Random House a través de su sello Suma de Letras. Por si fuera poco, hace escasos meses lanzaba “Fantasma TV”, un nuevo proyecto destinado a poner en marcha series televisivas y películas cinematográficas. Motivos pues más que suficientes para volver a conversar con Manuel y conocer de primera mano que le ha deparado en lo profesional el tiempo transcurrido desde nuestra anterior conversación.

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Hace año y medio charlábamos a propósito del lanzamiento de tu novela Círculos en formato digital. ¿Cómo ha sido su evolución desde entonces?

Han sucedido muchas cosas. La principal es que ahora está editada en papel por un sello potente como es Suma de Letras y que lo podéis encontrar en papel en todas las librerías.

Junto con esas entrevistas hice también una campaña en redes sociales. Por lo visto, Pablo Álvarez, de Penguin Random House, la vio y le llamó mucho la atención, así que se puso en contacto conmigo precisamente a través de Facebook (muy propio de la novela). Me pidió que se la dejase leer. Se la envié, la leyeron y me dijeron que querían publicarla, así que la retiré de la venta. No estuvo en mi web más de diez o quince días.

A partir de ahí me hicieron algunas notas que me ayudaron a reflexionar y me dijeron que los thrillers deberían tener más páginas. Me hizo gracia porque ellos miden la longitud en caracteres. Puedo decir que Círculos ha pasado de trescientos noventa y seis mil a más de quinientos treinta mil caracteres.

En el momento de su lanzamiento, uno de los aspectos que remarcabas es que, dado que su distribución se realizaba desde la web que habías creado al efecto, podías controlar la repercusión que iba teniendo la novela en la red. ¿Estás contento con el resultado que tuvo la propuesta, tanto por parte del público como de la industria?

La verdad es que sí. En esos días se vendieron más de cien ejemplares. Teniendo en cuenta que era un sistema complicado, me pareció muy bien. Había que darse de alta en la web, meter el correo, pagar casi cinco euros por PayPal… Y en cuanto a la industria creo que conseguí lo que en el fondo pretendía con esto, que era llamar la atención y que alguna editorial potente quisiera publicarla en papel. Salió sorprendentemente bien todo el proceso.

Por cierto, según he leído, tuviste ciertos problemas con la campaña publicitaria de Círculos en Facebook…

Cierto. Ya sabemos que Facebook es muy particular. Me hicieron quitar de la portada de la web el vídeo que la promocionaba, en el que se dice “os voy a joder la vida a todos”. Yo creo que les sonaba a amenaza real y no a un tráiler de una novela. Se lo expliqué pero no hubo manera.

Ahora también he tenido algún problema con la portada de la novela porque la chica sale con la espalda desnuda. Pero esta vez recurrí y al final me lo aprobaron.

Círculos inicialmente era un proyecto interactivo que incluía diferentes contenidos extras multimedia para sus lectores. ¿Cómo ha sido el proceso de adaptación al nuevo formato? ¿Se ha perdido algo por el camino?

Todo el material sigue estando vigente en la web de la novela www.circuloslanovela.com y también se han metido las fotos en la edición de papel, aunque no en color. Es verdad que esta novela tenía mucho sentido en digital, pero todavía la mayor parte de la gente prefiere leer en papel, así que hay que estar también en papel. Según creo, lo digital no pasa del veinte por ciento de las compras. Todavía es muy poco. Pero animo a los lectores a que entren en la web y naveguen por ella, hay mucho material. Al final de la novela se incluye un usuario y una contraseña para entrar en la “zona privada” donde hay links e informaciones un poco más comprometidas.

Más allá de esto, la versión en papel tiene unas ochenta páginas más que su versión digital. ¿Qué cambios has efectuado?

Ahora tiene unas ochenta páginas más, aunque es difícil de medir por la edición, también hay que tener en cuenta los márgenes y demás. Ya digo, unos ciento treinta mil caracteres más.

Para esta nueva versión he trabajado mucho los personajes. Para ello hablé con una amiga, que es psicóloga clínica, y le dejé leer la novela. Ella se sorprendió porque los personajes le parecían muy coherentes, era capaz de decir qué patologías tenía cada uno de ellos. A partir de ahí nos reunimos varias veces, me pasó algunos textos para leer y me explicó maneras de comportarse de ese tipo de personalidades. Gracias a esto, pude enriquecer muchas situaciones de la novela. En estos meses he hecho un curso de Criminalística y eso me ha servido para hilar más la parte de la investigación policial, ahora se cierran muchos flecos que antes quedaban abiertos. La versión anterior se movía más por impactos. Funcionaba, pero era menos literario, por decirlo de alguna manera. Y he aprovechado para meter algunas técnicas de investigación a través de redes sociales que antes no conocía. Por ejemplo, hay una aplicación con la que puedes ver todas las fotos que se hayan hecho a una hora en un sitio (si las han subido a redes sociales). Se puede utilizar para ver si la persona que buscas estaba por esa zona. También he desarrollado más el grupo antisistema. En esta versión resulta más amenazante.

A nivel personal, ¿consideras que el hecho de que Círculos aparezca en formato impreso le da mayor relevancia a tu trabajo? ¿Es una especie de reconocimiento, por así decirlo?

Claramente. Yo ya me daba cuenta de que en formato digital mucha gente se quedaba fuera. Me decían, “yo espero al papel”. Y yo pensaba… “pues imprímetelo, porque a lo mejor no hay papel”. Pero sí, aquí está. (Ya no tienen excusa).

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En nuestra anterior conversación comentabas la posibilidad de que Círculos fuera llevada a la pequeña pantalla en formato de miniserie. ¿Ha habido algún avance sobre esta posibilidad en todo este tiempo?

No he querido avanzar hasta que no estuviese publicada. He querido respetar los tiempos. Ahora ya estamos por la segunda edición y quiero seguir luchando porque viva más como novela. Pero en cuanto pasen unas semanas sí me pondré en serio a ver la posibilidad de adaptación, aunque no creo que sea fácil. No es una serie barata, transcurre en Londres…

Precisamente, esta adaptación al medio es uno de los proyectos de “Fantasma TV”, la compañía que has formado junto a Mónica Martín-Grande, centrada en la creación de series y desarrollo de guiones. ¿Qué te ha llevado a crearla y cuáles son los planteamientos que perseguís con ella?

No es una compañía. Simplemente una web con una marca donde podemos colgar lo que estamos haciendo. Ahora hay muchos guionistas que se están metiendo a productores. A mí no me gusta eso, me parece que cada cual tiene que hacer su trabajo. Nosotros estamos ofreciéndonos para colaborar con las productoras o con las cadenas de televisión para desarrollar series propias o algunas que nos propongan desde fuera. Pero la colaboración puede ser muy diferente: unas productoras quieren que vayas como partner y otras te contratan tus servicios. Nosotros estamos abiertos, somos dinámicos y ofrecemos distinto grado de colaboración.

Visitando la web de “Fantasma TV” me ha llamado la atención el que gran parte de los proyectos que tenéis en cartera se traten de thrillers. ¿Se debe a una inclinación personal por este género o, de algún modo, está también influenciado por la buena aceptación que tuviste con Sin identidad, serie en la que ejerciste de director argumental?

Se ha juntado un poco todo. Con Sin identidad aprendí mucho y me lo pasé muy bien. Antes ya había hecho Soy el Solitario y también había disfrutado del género policiaco. También ha influido lo que te decía de los cursos que hemos hecho de Criminalística. Estamos empezando a trabajar ahora en una comedia más familiar. Hay que tener un poco de todo. Estamos en una época interesante, hace dos o tres años nadie quería thrillers.

Pese a su nombre, en “Fantasma TV” también tenéis un apartado dedicado al cine. ¿De qué depende que un proyecto lo enfoquéis como serie o película?

Normalmente ya surgen los proyectos de una manera o de otra. Una película empieza y acaba y tiene una historia que se puede contar de manera más breve. Es la gran diferencia con las miniseries. Cuando las estructuras ves si te da para una historia de dos horas o para una de diez-doce. Otra cosa diferente son las series de larga duración, ahí los personajes te tienen que ofrecer menos evolución pero más capacidad de adaptarse a lo que les vaya sucediendo en “su vida”.

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De un tiempo a esta parte plataformas de pago como Movistar o Netflix están consiguiendo una gran aceptación entre el público español. Dado que una de sus principales ofertas son las series, ¿cómo ves su implantación como profesional del medio? ¿Abre nuevas oportunidades o, por el contrario, en el caso de Netflix, al ofrecer productos propios y en su mayoría realizados desde los Estados Unidos cierra el mercado para las producciones españolas?

Tampoco creas que tiene tanto éxito. Dicen que rondan los doscientos mil abonados. No está mal, pero piensa que cualquier serie en una generalista tiene tres millones de espectadores. Aun así, claro que abre oportunidades. Sobre todo, Movistar, que sí que va a apostar en serio por el producto español. Piensa que ellos harán unas ocho-diez series al año frente a una o dos de Netflix.

Aparte de los proyectos que estás intentando levantar con “Fantasma TV”, ¿en qué te encuentras trabajando ahora mismo?

De momento estoy volcado con la promoción de la novela que es una dedicación casi a tiempo completo. Espero que, en un par de semanas, ya pueda estar de nuevo centrado en el desarrollo de mis series.

Pues por mi parte es todo. Si quieres añadir algo más…

Podéis seguir mis perfiles relacionados con la novela. Twitter @fantasma @circulosnovela @shultheiss65; Instagram @patriziacirculos; o la página de facebook https://www.facebook.com/circulosnovela/

Muchas gracias.

José Luis Salvador Estébenez

 

Published in: on febrero 17, 2017 at 6:56 am  Dejar un comentario  

Desierto

Título original: Desierto

Año: 2015 (México, Francia)

Director: Jonás Cuarón

Productores: Alfonso Cuarón, Carlos Cuarón, Jonás Cuarón, Alex García, Charles Gillibert

Guionistas: Jonás Cuarón, Mateo García

Fotografía: Damián García

Música: Woodkid

Intérpretes: Gael García Bernal (Moisés), Jeffrey Dean Morgan (Sam), Alondra Hidalgo (Adela), Diego Cataño (Mechas), Marco Pérez (Lobo), Óscar Flores (Ramiro), David Lorenzo (Ulises), Lew Temple (agente fronterizo)…

Sinopsis: Un grupo de indocumentados se disponen a cruzar la frontera entre México y Estados Unidos. Cuando el vehículo que les conduce hacia su destino se estropea, su guía se ve obligado a llevarlos a pie a través del desierto. En su camino son descubiertos por Sam, un desquiciado estadounidense que, rifle en mano, y con ayuda de su perro, comienza a darles caza. Desde ese momento, el viaje de los inmigrantes hacia un futuro mejor se convierte en una lucha por sobrevivir.

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En Año uña (2007), el que supusiera su debut como realizador en el formato largo hace casi diez años, Jonás Cuarón narraba el flirteo entre una estadounidense de viaje a México con un adolescente que habita en la casa en la que la joven se aloja durante su estancia en el país azteca. Asimismo, su nominado guion para Gravity (Gravity, 2013), co-escrito junto a su padre Alfonso, se desarrollaba en la inmensidad del espacio, donde una lluvia de basura espacial dejaba a los dos astronautas protagonistas a merced de los elementos, tras impactar con la nave en la que se encontraban. Estos dos ingredientes, el extranjero en tierra extraña y la ambientación en un entorno tan inmenso como yermo e inhóspito, confluyen en Desierto (2015), su segunda película detrás de las cámaras. En lo que supone un intercambio de roles, esta vez es un mexicano el que se interna en los Estados Unidos, mientras que el hábitat en el que transcurre la historia resulta igual de deshumanizada y vasto en su monótona extensión como el espacio: ese desierto que da nombre a una cinta que, según parece, en sus primeros estadios inspiraría la idea original para el referido y oscarizado film de ciencia ficción de Alfonso Cuarón.

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Lo expuesto en el anterior párrafo pone de relieve el modo en el que los componentes de Desierto conectan con la obra previa de su máximo responsable. Sin embargo, a pesar de este teórico grado de autoría, su planteamiento se encuadra en la forma y en el fondo dentro de un subgénero tan codificado como el de los films centrados en la caza del hombre por el hombre, repitiendo a grandes rasgos el patrón argumental y los principales lugares comunes acuñados por el estilo de algún modo canonizado por el clásico El malvado Zaroff (The Most Dangerous Game, 1932). Así las cosas, su mayor grado distintivo reside en seguir los pasos de un grupo de espaldas mojadas que, mientras atraviesan a pie la desértica frontera entre los Estados Unidos y México, son descubiertos por un enloquecido vecino del norte que comienza a darles caza de forma inmisericorde. La alusión de este tema de tan candente actualidad dota al conjunto de un innegable pátina de crítica social, sobre todo al coincidir en el tiempo con la llegada a la presidencia de la principal potencia del mundo de un personaje de la ralea de Donald Trump, cuya campaña se ha basado en gran medida por su fuerte oposición a la inmigración ilegal, ejemplificada en su promesa electoral de construir un muro en la frontera con México con el que frenar la llegada de oleadas de indocumentados; máxime, viniendo de un cineasta mexicano que ha desarrollado parte de su trayectoria en los States.

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Y algo de ello hay, a poco que se analice el contenido de Desierto. En este sentido, no es difícil ver una representación alegórica de esa mayoría silenciosa ultraconservadora que, contra todo pronóstico, ha aupado al poder al polémico magnate inmobiliario en el alcoholizado cazador que sin mayores explicaciones convierte al grupo de inmigrantes en las presas de su particular cacería, al modo de una especie de guardián de la pureza de su país y sus valores tradicionales. No parece pues casual, ni mucho menos, que para bautizarle se escoja el nombre de Sam, el mismo del popular personaje que sirve para personificar dentro del imaginario popular al gobierno de los Estados Unidos, dentro de una carga simbólica que tiene su correspondencia en su némesis, el espalda mojada que le plantará cara y que es llamado Moisés, al igual que el profeta que guió al pueblo hebreo en su éxodo hacia la tierra prometida. Quizás el momento que mejor justifica esta interpretación se encuentra en las palabras pronunciadas por el personaje nada más realizar su primera acometida. Tras acabar desde lo alto de una atalaya con su rifle de mira telescópica con el grueso de ilegales mexicanos como si de conejillos se tratará, en la intimidad de su vehículo y en medio de un evidente subidón de adrenalina, exclama: “Es mi hogar. Ya no se van a meter conmigo, ¿verdad?” Toda una suerte de autojustificación que adquiere el rango de un tan certero como básico resumen de los pensamientos y temores del prototípico votante de Trump, blanco, racista, republicano y firme defensor de la Segunda Enmienda, esa que les asegura el derecho a portar armas y utilizarlas para defenderse en caso de invasión y/o amenaza.

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No obstante, a la hora de la verdad todo el comentario político-social de la película no va más allá de pequeños apuntes como los ya comentados, decantándose en cambio por su vertiente más puramente genérica. Una vez presentada la situación de base, el grueso del metraje se centra en el juego del gato y el ratón que se establece entre el cazador y su(s) presa(s), a través de un desarrollo esquemático y minimalista en lo moral y psicológico, y previsible en su progresión dramática. De este modo, todo el potencial de la propuesta es confiado a la pericia de la realización de su principal responsable. Y es ahí donde, contra todo pronóstico, el film brilla con luz propia. Haciendo gala de un sorprendente oficio teniendo en cuenta su escasa filmografía, el pequeño de los Cuarón se desmarca con un ejercicio de estilo, articulando un thriller extremadamente físico que destaca por el vigor y la intensidad de una puesta en escena en el que el cansancio se palpa, los tiros ensordecen y cada golpe se siente casi como si impactara en la piel propia.

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Visto desde esta perspectiva, pocos peros pueden ponerse a Desierto, erigiéndose en un competente y apreciable exponente genérico. Sin embargo, ello no quita para que la valoración de sus resultados deje un sabor cuanto menos agridulce. Y es que, teniendo en cuenta todo el potencial que sobre el papel poseía el componente político que su premisa le brindaba dada la coyuntura del momento, uno no puede dejar de echar de menos una mayor profundización en este aspecto, en lugar de desdeñar su aparato discursivo en favor de un tratamiento más acomodaticio y formulario, teniendo la sensación de estar ante un producto un tanto desperdiciado. Sobre todo, teniendo en cuenta la repercusión de la que ha sido objeto, siendo incluso nominado para representar a México en la categoría de mejor película de habla no inglesa en la gala de los Óscar, por más que no consiguiera entrar en la selección final de la Academia. Unos reconocimientos, en cualquiera de los casos, muy por encima de los verdaderos valores que atesora como obra cinematográfica, y que, tampoco nos engañemos, difícilmente habría disfrutado si su director no tuviera Cuarón como primer apellido.

José Luis Salvador Estébenez

Published in: on enero 10, 2017 at 6:32 am  Dejar un comentario  

The Monster Walks [dvd: El monstruo asesino]

Título original: The Monster Walks

Año: 1932 (Estados Unidos)

Director: Frank R. Strayer

Productor: Cliff P. Broughton

Guionista: Robert Ellis

Fotografía: Jules Cronjager

Música: Charles Dunworth

Intérpretes: Rex Lease (Dr. Ted Clayton), Vera Reynolds (Ruth Earlton), Sheldon Lewis (Robert Earlton), Mischa Auer (Hanns Krug), Martha Mattox (Sra. Emma “Tata” Krug), Sidney Bracey (Herbert Wilkes), Willie Best [acreditado como Sleep n’ Eat] (Exodus)…

Sinopsis: Durante una tormentosa noche Ruth Earlton y su novio, el doctor Ted Carver, llegan a la casa del padre de Ruth, repentinamente fallecido, para asistir a la lectura de su testamento. El difunto señor Earlton lega todo a su hija, pero en caso de que ella muera, las posesiones irán a parar manos de su inválido tío Robert, quien vive en la casa familiar junto con el ama de llaves y el extraño hijo de ésta. Durante la noche, una mano grande y peluda intenta estrangularla desde el cabecero de la cama a Ruth, recayendo las sospechas en el mono que se encuentra enjaulado en el laboratorio de su finado padre.

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Con una filmografía compuesta por noventa títulos condensados a lo largo de veinticinco años, lo que de entrada da una idea muy aproximada de su fecundidad, la trayectoria del cineasta norteamericano Frank R. Strayer suele ser evocada, principalmente, por tres de sus aportaciones al cine de terror y misterio, curiosamente todas ellas datadas durante los albores del sonoro. Hablamos de su considerada obra maestra ¿Vampiros? Sombras trágicas (The Vampire Bat, 1933), Condemned to Live [dvd: Condemned to Live, 1935] y el film que nos ocupa, The Monster Walks (1932), editado en nuestro mercado doméstico con el título de El monstruo asesino, el mismo que recibió en su estreno mexicano, dicho sea de paso. Una fama que, en este caso, parece claro que no responde tanto a sus posibles logros cinematográficos, muy limitados en todos los sentidos, como a cuestiones secundarias del tipo que su estreno en Gran Bretaña no fuera aprobado por las autorizadas censoras de las Islas en su momento, prohibición que no fue abolida hasta casi ochenta años más tarde, durante el pasado 2010.

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Escrita por el otrora actor Robert Ellis, a la sazón esposo por aquel entonces de su actriz protagonista, Vera Reynolds, la propuesta de The Monster Walks se encuadra dentro de las denominadas “Dark House Mysteries”, corriente surgida sobre las tablas escénicas y trasplantada poco después al medio cinematográfico, la cual viviría su particular edad de oro durante la década de los veinte del pasado siglo. A pesar que para su fecha de realización las “Dark House Mysteries” comenzaban a estar de capa caída ante el empuje que había supuesto el inicio del ciclo sobre monstruos clásicos de la Universal, esta modesta producción de la Ralph M. Like Productions, desarrollada en apenas tres escenarios y con poco más de media docena de personajes, repite a pies juntillas el inamovible esquema sobre el que se sustentaba esta clase de propuestas junto a sus principales ingredientes característicos. A saber: una asilada mansión, la lectura de un testamento, y el consiguiente baile de muertes en medio de la tormentosa noche que tienen como víctimas a algunos de los beneficiarios de la fortuna en liza a manos de un misterioso asesino de peculiar apariencia. Poco más. Como puede apreciarse, todo de lo más elemental, consistiendo el principal aliciente de la intriga urdida el descubrimiento de la identidad del autor de los crímenes, haciéndose para ello eco de las formas acuñadas por el más clásico whodunit literario.

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Dentro, pues, de lo formulario de la propuesta, tres son los elementos que dotan de cierta diferenciación a The Monster Walks con respecto al resto de sus congéneres. El principal, aquel que le brinda su primordial rasgo identificativo, es la presencia de un enjaulado chimpancé en los sótanos de la casona, al que en un principio se le creerá causante de los crímenes, en lo que puede verse como una reminiscencia a “Los crímenes de la calle Morgue” (“The Murders in the Rue Morgue”, 1841) de Edgar Allan Poe, y cuyo concurso es empleado para emular una imagen icónica de uno de los más distinguidos exponentes del subgénero, El legado tenebroso (The Cat and the Canary, 1927), mediante la aparición de las peludas manos del supuesto simio emergiendo por detrás del cuello de la desvalida protagonista. Frente al sesgo derivativo que revela este componente, los dos restantes funcionan por oposición a lo que era norma en el estilo, aunque su importancia sea meramente anecdótica. Por un lado, debido al exiguo número de muertes acaecidas durante el relato, tan sólo una, y por otro, por la escasa injerencia de la que goza el alivio cómico de turno, el chofer negro de uno de los personajes[1] que, no obstante, es caracterizado según los estereotipos raciales y racistas con la que eran presentados este tipo de roles durante la época. Sirva de muestra su comentario con el que se cierra la cinta, tras conocer que el anterior dueño de la mansión era seguidor de las teorías evolutivas de Darwin y, por ello, la presencia del mono en su laboratorio: “Yo tenía un abuelo que se le parecía un poco, pero no era tan activo”, dirá refiriéndose al simio.

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Acorde a la tónica reinante, la dirección de Strayer se encuentra sujeta a los convencionalismos del subgénero. No faltan pues las imágenes destinadas a sembrar las sospechas entre la audiencia, en las que se muestran los rostros aviesos del elenco, caracterizados según la tipología habitual y definidos a través de lo que se dice en los diálogos y no de lo que revelan sus acciones. Una práctica que, a la hora de la verdad, da como resultado algún momento un tanto jocoso, representado por la conversación entre el notario y el novio de la heredera momentos después de la lectura del testamento, cuya función en la historia es suministrar al espectador la información necesaria sobre los diferentes personajes que moran en la casa, pero que vista en su contexto hacen parecer al joven una suerte de cazadotes, informándose de los bienes recibidos por su prometida. En lo que a su uso de la técnica se refiere, la puesta en escena de Strayer hace gala de una planificación estática, supeditada a tomas generales fijas tan solo violentada por la puntual inclusión de primeros planos destinados a recoger las ya de por sí gesticulantes reacciones de los personajes, dentro de una dirección de actores más propia del cine mudo que del sonoro. Con todo, cabe reconocer que, dentro de los escasos alicientes que oferta el conjunto, la trama está llevada con buen ritmo, a lo que contribuye que su exceso de verborrea no llegue al exagerado nivel de otras talkies, lo que unido a un componente cómico no tan molesto como en otros exponentes, como ya se ha dicho, y una ajustada duración no superior a los sesenta minutos, hacen que su visionado, si no apasionante, sí que pueda ser seguido con un relativo agrado. Algo es algo.

José Luis Salvador Estébenez

[1] Acreditado con el denigrante seudónimo de Sleep ‘n’ Eat, dicho papel es interpretado por un principiante Willie Best, con los años uno de los actores cinematográficos afroamericanos más populares de su tiempo gracias a pequeños papeles en films como El último refugio (High Sierra, 1941) o El castillo maldito (The Ghost Breakers, 1940). Precisamente, la estrella principal de esta última, Bob Hope, diría de él que era el mejor actor que conocía. Claro que Best no es el único miembro del reparto que alcanzaría posteriormente cierta notoriedad. A este respecto cabe indicar que el personaje del siniestro criado es un, por entonces, desconocido Mischa Auer, cuatro años antes de ser nominado al Oscar al mejor actor de reparto por su trabajo para Al servicio de las damas (My Man Godfrey, 1936), a partir de lo cual se especializaría en los registros cómicos por los que hoy es recordado.

Published in: on enero 2, 2017 at 5:14 am  Dejar un comentario  

Jack Reacher: Nunca vuelvas atrás

Titulo original: Jack Reacher: Never Go Back

Año: 2016 (Estados Unidos, China)

Director: Edward Zwick

Productores: Tom Cruise, Don Granger, Christopher McQuarrie

Guionistas: Richard Wenk, Edward Zwick, Marshall Herskovitz, según la novela Never Go Back de Lee Child

Fotografía: Oliver Wood

Música: Henry Jackman

Intérpretes: Tom Cruise (Jack Reacher), Cobie Smulders (Turner), Aldis Hodge (Espin), Danika Yarosh (Samantha), Patrick Heusinger (el cazador), Holt McCallany (coronel Morgan), Judd Lormand, Christopher Berry, Hunter Burke, Jason Douglas, Lizeth Hutchings, Marisela Zumbado, Alexandra Lucchesi, Madalyn Horcher, Robert Catrini, Anthony Molinari, Theo Kypri, Talbott Lin, M. Serrano, Nicole Barré, Jessica Stroup, Craig Henningsen, Giovanni Silva…

Sinopsis: Una aparente trifulca en un bar hace que acuda al lugar la policía. Cuando esta llega, el causante está sentado tranquilamente en la barra, y dice al inspector que en breve hará presencia la policía militar, y que él será detenido por corrupción. Así sucede. Pronto, Jack Reacher, que ese es el causante de todo, toma contacto con una antigua compañera del ejército, pero al día siguiente será destituida de su cargo por acusaciones absurdas…

Jack Reacher: Never Go Back

Jack Reacher es un personaje creado por el escritor Lee Child, cuya primera novela fue publicada en 1997 con el título de Killing Floor -en España se tradujo como Zona peligrosa por RBA en 2015-. En 2012 el personaje fue trasladado al cine por Christopher McQuarrie como guionista y director, siendo el actor Tom Cruise el encargado de interpretarlo. La novela adaptada, sin embargo, fue Un disparo (One Shot, 2005), el noveno libro de la serie, y el título fue un escueto Jack Reacher.

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Dado el relativo éxito de la cinta -con un exiguo presupuesto de sesenta millones de dólares recaudó poco más de 218 a nivel mundial-, se planteó hacer una secuela. Para ello se optó por adaptar la novela Never Go Back de 2013 -el número dieciocho de la saga de, hasta el momento, veintiún libros-, publicada en España recientemente como Nunca vuelvas atrás debido al estreno de la película. Esta vez, el film viene de la mano de los guionistas Richard Wenk, Edward Zwick, Marshall Herskovitz y como director Zwick, quien ya había trabajado con Cruise en El último samurái (The Last Samurai, 2003), con bastante éxito.

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Con un guion bastante endeble, con giros demasiados forzados y con la inclusión de una adolescente para edulcorar la trama, todo ello hace que se pierda mucho de la fuerza que había en la anterior película. Todo lo que hace de Jack Reacher un personaje único y diferente dentro del mundo cinematográfico se tira por la borda al intentar ablandarlo y hacerlo más accesible al espectador medio. Además del escaso trabajo que se ha hecho con los personajes, en muchos casos no se conocen cuales son las motivaciones de ninguno de ellos, salvo las más básicas. La adolescente no pasa de ser una engreída y resabidilla que molesta más que cautiva, dando al traste al carácter solitario y taciturno del protagonista, elemento que le hace mucho más atractivo. Los personajes no terminan de estar bien perfilados. Si la cinta dirigida por Christopher McQuarrie -aquí solo productor- era un interesante thriller muy setentero, esta parece una película de acción familiar con algún toque oscuro, pero demasiado trillado, con esa Nueva Orleans tan típica, por muy sugestiva que luzca.

MISSION: IMPOSSIBLE – ROGUE NATION

La dirección de Edward Zwick es bastante plana, aunque consigue un comienzo potente que, por desgracia, se va diluyendo a lo largo del metraje. Le falta fuerza y ritmo, ya que nunca consigue terminar lo que empieza. Plantea una buena puesta en escena para luego dejar que se disipe por el trayecto quedando en un “quiero pero no puedo”. En las secuencias de lucha también se queda a medio camino, sin saber imprimir la potencia que deberían tener. Sí, vemos a los personajes cansarse y resoplar, pero no se percibe la contundencia de los golpes. En las primeras escenas del film vemos los resultados de la situación, vislumbramos los cuerpos heridos retorciéndose en el suelo, sabemos lo que ha pasado sin necesidad de ver la pelea. Pero eso no ocurre después, todo se queda en agua de borrajas.

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De los actores, los que más destacan son Tom Cruise y Cobie Smulders, esta última conocida por su papel de Maria Hill en las películas de Marvel y por la serie Cómo conocí a vuestra madre (How I Met Your Mother; 2005-2014), quienes saben dotar a los personajes de la fuerza y humanidad que necesitan, a pesar de alguna escena que da un poco de vergüenza ajena. Danika Yarosh, la adolescente de la trama, está insoportable, sin duda por la nula dirección de Zwick y por el propio personaje en sí mismo.

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Esta segunda película de Jack Reacher pierde mucho en comparación con su precedente, al convertirse en una cinta de acción sin ninguna personalidad y desdibujando un excelente personaje que podría dar mucho de sí si no trastocasen su idiosincrasia. Como se suele decir “no lo arregles si no está roto”. Si Jack Reacher funcionó por el guion, la dirección, el personaje y la excelente interpretación de Tom Cruise, no se debería intentar cambiarlo.

Luis Alboreca

Published in: on noviembre 14, 2016 at 6:19 am  Dejar un comentario  
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Elliot Cowan, Ana Ularu y Franka Potente protagonizarán “Muse”, la próxima película de Jaume Balagueró

unnamed-1Elliot Cowan, Ana Ularu y Franka Potente protagonizarán el thriller sobrenatural Muse, la nueva película de Jaume Balagueró. Charlotte Vega, Christopher Lloyd, Leonor Watling y Joanne Whalley completan el nuevo título insignia de Filmax. La que ha sido la productora de gran parte de la carrera de Balagueró, coproduce este film junto a la irlandesa Fantastic Films, la francesa The Jokers Films y la belga Frajas Prods por medio de Carlos Fernández y Laura Fernández, Brendan McCarthy, Jean-Yves Roubin y Manuel Chiche.

Ana Ularu, Franka Potente y Elliot Cowan.

Ana Ularu, Franka Potente y Elliot Cowan.

Muse supone el regreso de Balagueró a la producción cinematográfica de habla inglesa catorce años después de Darkness, un lanzamiento de la productora Miramax/Dimension que recaudó 22.2 millones de dólares en la taquilla estadounidense. El film también representa el primer trabajo post-[REC] del director catalán que, excepto el paréntesis en 2011 que significó Mientras duermes, ha dedicado la última década a dicha saga cinematográfica, la cual ha recaudado aproximadamente 60 millones de dólares a nivel global.

Muse cuenta la historia de Salomon, un hombre en paro desde la trágica muerte de su novia, el cual sufre una pesadilla recurrente sobre el brutal asesinato de una mujer. Cuando ésta aparece muerta en el mundo real, Salomon buscará explicaciones, entrando en un oscuro mundo controlado por unas figuras inspiradoras, las musas. “La combinación de lo sobrenatural, la seducción, rituales macabros y el amor es explosiva y tiene todos los elementos necesarios para crear una película verdaderamente terrorífica”, ha declarado Balagueró sobre su nuevo film, el cual está previsto que sea estrenado en cines el último trimestre del próximo 2017.

Más información: www.filmax.com

Published in: on noviembre 10, 2016 at 6:52 am  Dejar un comentario  

Los intrusos

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Título original: White Settler

Año: 2014 (Gran Bretaña)

Director: Simeon Halligan

Productora: Rachel Richardson-Jones

Guionista: Ian Fenton

Fotografía: James Swift

Música: Jon Wygens

Intérpretes: Pollyanna McIntosh (Sarah), Lee Williams (Ed), Joanne Mitchell (Flo), Garth Maunders, James McCreadie, Dominic Kay (Lugareños)…

Sinopsis: Ed y Sarah deciden abandonar el estresante ritmo de vida londinense y mudarse a una asilada granja situada en los campos de Escocia. Sin embargo, durante su primera noche en el lugar, el paisaje idílico se vuelve inhóspito, y Sarah empieza a sospechar que alguien se ha colado en la casa.

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Una de las cualidades más valoradas y apreciadas del cine fantástico y de terror es su capacidad para, de forma consciente o inconsciente, explorar y exponer los miedos, temores y amenazas que han subyacido en los diferentes momentos históricas y contexto sociales en que se han fraguado sus exponentes. La lista es larga: el primigenio King Kong (King Kong, 1933) y su metáfora sobre el imperialismo cultural y las consecuencias del crack bursátil del 29, el expresionismo alemán como reflejo de los fantasmas dejados tras de sí por la derrota germana en la Primera Guerra Mundial y augurio de la llegada del nazismo, la materialización en el American Gothic de las heridas producidas en el subconsciente colectivo estadounidense por la Guerra del Vietnam y el descubrimiento de escándalos políticos del calado del Watergate o, más recientemente, toda la caterva de títulos que se han alimentado de la paranoia norteamericana post 11-S. Tanto es así, que tampoco en nuestro país han faltado las interpretaciones que han querido buscar en ciertos títulos producidos durante la edad dorada del fantaterror la plasmación de algunos rasgos sociales característicos de la España franquista.

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Dentro de este contexto es donde hay que situar una propuesta de las peculiares particularidades de Los intrusos (White Settlers, 2014), segunda película como director de Simeon Halligan. Los motivos son obvios. Estrenada originalmente de forma no oportunista la semana previa a la celebración del referéndum sobre la independencia escocesa del Reino Unido, la película ahonda en las tensiones y enfrentamientos entre Escocia y sus vecinos ingleses en los que reside buena parte de las raíces del aludido conflicto político. De forma muy inteligente, para ello se sirve de las características propias de un subgénero tan codificado y, a día de hoy, transitado, como es el de las “home invasion“, por medio del traslado de una pareja de londinenses a una aislada granja situada en plena campiña escocesa. Se da la circunstancia, además, que la construcción fue en la antigüedad una fortificación donde se dirimieron distintas batallas entre escoceses e ingleses, lo que otorga al lugar de un alto carácter simbólico. La prototípica situación de invasión en la que se apoya este tipo de relatos se ofrece así en dos direcciones distintas: la que los recién llegados sufrirán por parte de sus nuevos convecinos y la que para los lugareños supone la presencia en el lugar de un par de ingleses.

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Ahora bien, antes que por sentimientos de pertenencia, el debate nacionalista que se establece en la película está formulado atendiendo a factores económicos y sociales. Siguiendo el modelo de reputados referentes como Perros de paja (Straw Dogs. 1971) o Defensa (Deliverance, 1972), el núcleo central del argumento se centra en el enfrentamiento que se deduce del contraste entre los urbanitas y ricos ingleses, y los campesinos y más bien empobrecidos escoceses. No es baladí a este respecto que cuando los protagonistas van a visitar la vivienda que convertirán en su hogar, la agente de la inmobiliaria les informe de que varios vecinos se han interesado por la granja y que si no la han adquirido ha sido por quedar el precio fijado lejos de sus posibilidades económicas, bastante llamativo en vista que a la pareja su adquisición les parece una ganga. Incluso, yendo un poco más allá, no es difícil interpretar su discurso en base a esta división sociológica y despojarlo de cualquier significación nacional. Una visión que parece ser refrendada por la escena con la que se cierra la cinta, si no fuera por el claro contenido político que poseen los planos que la anteceden y en los que se muestra el destino final de la granja en liza.

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Por otra parte, pese a cierto tono neutral que acaba por decantarse por la posición pro-inglesa, por más que solo sea por el reparto de bandos entre atacados y atacantes que se efectúa -lo cual no deja de ser sorprendente habida cuenta que tanto su guionista, Ian Fenton, como su protagonista femenina, la bella Pollyanna McIntosh, son de origen escocés-, la película no se olvida de mostrar los prejuicios y sensación de superioridad que un sector de la población inglesa parece tener sobre sus vecinos del norte, representados por Ed, el hombre de la pareja, despersonalizando en cambio a los asaltantes tanto desde un punto de vista narrativo –no existe ninguna mención explícita a las motivaciones a las que corresponden su conducta-, como sobre todo físico, presentándoles ataviados con máscaras de cerdo y camisetas de la selección escocesa de fútbol.

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Es en apuntes como estos donde radica el mayor potencial de Los intrusos. Un valor testimonial, sin duda, que alude a una época y unas circunstancias sociopolíticas muy determinadas, pero que sirven para elevar el interés de una propuesta que, en caso contrario, resultaría de lo más rutinaria en sus formas. Tanto es así que, en términos generales, su argumento evoluciona sin mayor espacio para la originalidad que el que le brinda su punto de partida, abrazando con poco disimulo las convenciones asimiladas y mil veces vistas en los films sobre allanamientos de morada, con sus tópicos manidos y lugares comunes. Con todo, hay que reconocer que el buen pulso narrativo con el que están servidos los acontecimientos, unido a una ajustada duración que no excede los ochenta minutos de metraje, títulos de crédito incluidos, hacen que su visionado proporcione un agradable rato de entretenimiento, incluso para los aficionados más encallecidos con este tipo de productos. Precisamente, para este sector del público ofrece el añadido de contar con Pollyanna McIntosh en un registro un tanto alejado de los papeles de mujeres fuertes que le han granjeado un lugar de preferencia dentro del panorama genérico actual, en títulos como Let us Prey (2014) o, sobre todo, la magnífica The Woman (The Woman, 2011), interpretando esta vez a la típica y vulnerable damisela en peligro cuyo, en principio, delicado comportamiento irá evolucionando a medida que se vayan sucediendo los acontecimientos y su vida se encuentre en peligro.

José Luis Salvador Estébenez

 

Published in: on octubre 14, 2016 at 8:53 am  Dejar un comentario  

La Aventura trae este viernes a “Los intrusos” a las pantallas españolas

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Tras su paso por festivales especializados del calibre del Frigt Fest Film Festival de Londres, el Fantasporto portugués o el Festival Internacional de Sitges, La Aventura estrena este viernes de forma limita en salas españolas Los intrusos, nombre con el que han bautizado para nuestro mercado al film británico White Settlers, cuyo estreno en las Islas causaría cierto revuelo al tratar de forma tangencial las tensiones existentes entre Escocia y el resto del Reino Unido, precisamente en un momento en el que el país norteño estaba a punto de votar el referéndum para su independencia.  Dirigida por Simeon Halligan y protagonizada por Pollyanna McIntosh y Lee Williams, se trata de un angustioso thriller rural en el que el sueño urbanita de empezar una nueva y sencilla vida en el campo acaba por convertirse en la peor de las pesadillas, siguiendo la tradición de películas como Deliverance, Eden Lake Perros de paja. 

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Sinopsis: Ed y Sarah han sustituido el estresante ritmo de vida londinense por una granja aislada en los campos de Escocia. Cuando cae la noche, el paisaje idílico se vuelve inhóspito, y la pareja empieza a sospechar que no está sola en su nueva casa.

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LA CRÍTICA HA DICHO DE ELLA:

“Buen thriller con la promesa del género Pollyanna McIntosh”. (The Guardian)

“Imágenes potentísimas”. (Aullidos)

“Pesadilla en torno a la eterna caza del gato y el ratón”. (Variety)

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Con motivo de la llegada a salas comerciales españolas de esta interesante propuesta, coincidiendo con su estreno el próximo viernes os ofreceremos una reseña analítica de la película.

Published in: on octubre 10, 2016 at 8:01 am  Dejar un comentario  

“FRAMED” ya se encuentra en pleno rodaje

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El rodaje de FRAMED, la ópera prima del debutante de la ESCAC, Marc Martínez Jordán, ganador de los premios Paul Naschy-Brigadoon y Cine365 de la pasada edición del Festival de Sitges, ya está en marcha. Al frente del proyecto y de la producción está Marc Carreté, responsable del nuevo sello de terror Creatures of the Dark bajo el cual se produce la película. El rodaje comenzó el pasado 24 de abril en Sant Cugat del Vallés (Barcelona) con un reparto encabezado por Joe Manjón (El internado, Risen), Àlex Maruny (Promoción Fantasma, Pulseras rojas) y Clàudia Pons (Elisa K, Asmodexia), contando además con presencias tan destacadas como las de Júlia Molins (Cites, Seis hermanas), Enric Auquer (Los inocentes, KKM), Biel Montoro (L’altra frontera) y Daniel Horvath (Buscando el norte), entre otros. Todo ello sin olvidar el debut de Lídia Casanova y la colaboración especial de Pep Sais (Rec 2, Los últimos días) y Mercè Montalà (El Príncipe).

Marc Martínez Jordán da instrucciones en el rodaje al actor Joe Manjón.

Marc Martínez Jordán da instrucciones en el rodaje al actor Joe Manjón, que interpreta a uno de los protagonistas de “FRAMED”.

El guion está escrito a cuatro manos por el propio Martínez Jordán junto a Jaume Cuspinera (Any de gràcia), tutor de guión de los proyectos de final de carrera de la ESCAC, de donde proceden también Yuse Riera, director de fotografía, y Tania Gabrielli, directora de arte, así como el grueso del equipo técnico y artístico. La banda sonora original de la película correrá a cargo del compositor Jordi Dalmau (Asmodexia).

Marc Carreté y Marc Martínez Jordán.

Marc Carreté y Marc Martínez Jordán.

Según declara Marc Carreté, “la película está basada en una idea original del propio Martínez Jordán, que con su particular ojo crítico, se adentra en la temática de las redes sociales para ahondar en su cara más oscura, mostrándonos de forma explícita, hasta donde podría llegar alguien para disparar sus cuotas de popularidad y reputación, mal entendidas”.

Àlex Maruny

Sinopsis: FRAMED es la red social del momento. Permite emitir vídeos en streaming desde cualquier dispositivo móvil. Miles de usuarios de todo el mundo se han lanzado a una alocada carrera para conseguir el máximo número de viewers y, con ello, la máxima notoriedad. No existen normas ni censura y los contenidos emitidos se tornan cada vez más violentos y controvertidos. Álex (Joe Manjón) se prepara para irse a Berlín a empezar una nueva etapa. Su hermana Claudia (Clàudia Pons) se apunta a la fiesta de despedida que le han montado sus amigos. Durante la fiesta, que se celebra en la casa de una de las amigas de Álex, el grupo es salvajemente atacado por tres individuos, encabezados por un psicópata (Àlex Maruny) que pretende conseguir la máxima audiencia sometiéndolos a los jóvenes a juegos y torturas cada vez más espasmódicas.

Daniel Horvath

La película entrará en fase de montaje y posproducción a finales de mayo, una vez terminado el rodaje y todo apunta a que a durante el verano podrán verse las primeras imágenes del film.

Published in: on julio 4, 2016 at 5:10 am  Dejar un comentario  

Entrevista a Griff Furst, director de “Cold Moon”

Cold Moon 14 - Griff Furst

De entre las diferentes premieres mundiales que acogió la pasada edición del Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid – NOCTURNA, una de las que más expectación despertó entre los asistentes fue la del film norteamericano Cold Moon. Un hype que fue alimentado desde la propia organización y al que tampoco fue ajeno el que se tratara de la adaptación de una novela de Michael McDowell, el mismo hombre que se encuentra detrás de las historias de las burtonianas Beetlejuice o Pesadilla antes de Navidad, entre otras. En su puesta de largo, Cold Moon estaría arropada por varios miembros del equipo que la han hecho posible. En concreto, junto con ella visitarían Madrid su productor ejecutivo Lee C. Rogers, la bellísima Rachele Brooke Smith, encargada de dar vida a uno de los personajes protagonistas, y su director y guionista, el también actor Griff Furst, quien tras foguearse en pequeñas producciones con destino al mercado doméstico, preferentemente el televisivo, ha realizado con Cold Moon el que tanto por pretensiones como por planteamiento supone su trabajo más ambicioso hasta la fecha dentro de su faceta como cineasta.

Originalmente, tu carrera artística se inicia como actor, faceta que sigues desarrollando en la actualidad. ¿Qué te lleva a ponerte detrás de las cámaras y convertirte en director?

Yo no decidí ser director, lo hicieron por mí. Mientras estudiaba teatro mi profesor pensó que yo sería un buen director, por lo que me propuso dirigir una obra corta. Lo hice, dando la casualidad de que una de las personas que asistió como público a la representación me pidió que la convirtiera en un cortometraje. Más tarde, alguien vio aquel corto y me ofreció hacer una película. Así que, aunque nunca pensé en dirigir, todo me fue llevando en esa dirección y he seguido haciéndolo.

Desde que empezaste como director tu trayectoria ha estado siempre vinculada al género fantástico. ¿Es algo circunstancial o eres fan del mismo?

Muy fan. Yo era el típico niño que llegaba al videoclub a las diez de la mañana esperando a que abrieran para poder alquilar las novedades. Luego me hacía una copia para mi colección. Era estupendo. Tenía un armario lleno de películas de terror en VHS, y eso que entonces podías meter tres o cuatro en cada cinta. Pero siempre me han encantado todos los géneros. Las buenas historias que están bien contadas siempre me interesan. Ahora estoy trabajando en algunas cosas que no están relacionadas directamente con el género fantástico, pero no importa lo que haga, siempre lo tendré en cuenta a lo largo de mi carrera.

Cold Moon 13 - Griff Furst

Tus primeros trabajos como realizador se producen en telefilms y  películas destinadas al mercado doméstico, muchas de ellas producidas por la hoy popular The Asylum, como, por ejemplo, la que fuera tu ópera prima, I am Omega, la cual, siguiendo el modus operandi por el que es conocida la productora, estaba planteada para aprovechar el ruido mediático originado por el estreno de la adaptación del Soy leyenda de Richard Matheson protagonizada por Will Smith. ¿Cómo recuerdas aquella etapa?

Fue muy buena. Nunca fui a una escuela de cine, así que mi trayectoria dentro de The Asylum fue mi escuela de cine particular. Comencé a trabajar con ellos cuando acababa de cumplir veinte años e intervine como en una docena de películas en un par de años en las que fui aprendiendo el oficio. Y encima me pagaban. Así que cada vez que un aspirante a director me pregunta si debería ir a una escuela de cine y a cuál, siempre le aconsejo que adquiera experiencia trabajando en The Asylum. Hacen tantas películas que siempre tienen alguna vacante, ya sea de asistente de personal o como interno. Las escuelas de cine son caras y no te garantiza que te enseñen los mejores. Para eso, en lugar de tener que pedir un préstamo con el que pagar los estudios, pueden cobrar por hacer películas sin presupuesto para The Asylum.

Yo hice mi última película con ellos hace diez años pero, como te digo, me lo pasé genial, y aún guardo muchos amigos allí. Tengo un gran respeto por ellos y por lo que hacen, aunque no estén muy bien vistos por la industria. Pero en mi caso creo que son inteligentes y buenas personas, y además han servido de plataforma para muchos directores. Me alegro de que tengan éxito.

¿Y cómo era trabajar para The Asylum en casos como la mencionada I am Omega? ¿Te marcaban algunas pautas o indicaciones sobre cómo debía de ser la película?

En mi experiencia personal nunca intervinieron en mi trabajo. Te facilitaban mucho las cosas dándote el guion que ellos querían, el casting que ellos querían y te rodeaban de un equipo en el que ellos confiaban. Y eso de alguna manera determina el look de la película. Pero si tú hacías tu trabajo y lo que rodabas tenía buena pinta te dejaban tranquilo.

En este sentido, Cold Moon, la película que presentas, se antoja un proyecto mucho más ambicioso en todos los sentidos a lo que habías realizado hasta ahora como director. ¿Tienes la sensación de estar dando con ella un paso adelante en tu trayectoria?

¿Que si pienso que lo es? Sí. Siempre esperas que tu trayectoria sea ascendente. Cold Moon es diferente para mí porque es la primera de mis películas en la que he podido escoger el material de partida. Hasta ahora me contrataban para dirigir proyectos en los que la historia ya estaba escogida, y en Cold Moon lo he podido decidir yo. Así que, sí, pienso que es un paso en la dirección adecuada.

Griff junto a la bellísima Rachele Brooke Smith que interpreta a uno de los personajes principales de "Cold Moon".

Griff junto a la bellísima Rachele Brooke Smith que interpreta a uno de los personajes principales de “Cold Moon”.

Cold Moon adapta un original de Michael McDowell, el autor, entre otras, de las historias de Beetlejuice o Pesadilla antes de Navidad, como resalta la propia publicidad de la película. ¿Qué fue lo que te llamó la atención de la novela de McDowell para que quisieras llevarla al cine?

Porque creo que Michael es un escritor fantástico. Y no solo yo; es uno de los favoritos de Stephen King. Si lees todas sus novelas, y tiene bastantes, comprobarás que todas son muy buenas. Yo le descubrí por su trabajo en Beetlejuice y Pesadilla antes de Navidad, y ahora soy fan de sus novelas. Me parecen brillantes y él un escritor muy sólido. Tanto es así que hay un par más de sus novelas que me gustaría adaptar al cine en un futuro.

¿Cómo fue el proceso de adaptación del texto original hasta convertirlo en un libreto cinematográfico?

Fue un proceso muy sencillo y más fácil que empezar de cero, ya que sus novelas se leen como si fueran guiones. Así que el proceso de adaptación de la novela fue solo cuestión de editarla a la extensión adecuada: una novela suele tener unas cuatrocientas páginas y un guion debe tener unas cien. Así que fue muy fácil. Los diálogos de la película están tomados en un noventa por ciento directamente del libro. Casi podría haber cogido el libro y haberlo usado como guion.

No obstante, al basarte en una novela hay aspectos que pueden quedar un poco redundantes si se trasladan de una forma literal, ya que siempre suelen incluir resúmenes de lo que ha pasado en los capítulos anteriores para que el lector no se pierda. En nuestro caso, el guion original tenía una extensión de solo ciento veinte páginas, pero eran bastante densas. Así que, una vez montamos lo rodado, el primer corte de la película tenía una duración de dos horas y veinticinco minutos.

¿Por qué optaste por quedarte en los ochenta y cinco minutos de los que consta finalmente y qué criterios se siguieron a la hora de aplicar los cortes?

Si fuese Quentin Tarantino o los hermanos Coen podría hacer películas de terror de dos horas y media, pero de momento me tengo que quedar en ochenta y cinco minutos. Aparte, creo que la “generación youtube” no tiene la capacidad de prestar atención durante tanto tiempo. La versión de dos horas y veinticinco minutos me gustaba mucho, pero se la enseñé a alguna gente, como al productor ejecutivo Lee C. Rogers y otras personas, y no opinaban lo mismo. Hicimos varios de estos screenings a gente con un cuestionario sobre la película, y con las impresiones que nos iban dejando las utilicé de referente para quitar cosas y seguir reduciendo y reduciendo el montaje con el fin de que fuese más ligero.

Como te digo, no creo que el público que vaya a ver Cold Moon tenga la paciencia para sentarse a ver una película tan larga, pero por otra parte creo que estos cambios han sido para mejor. Prefiero la versión corta porque personalmente considero que la esencia de la historia es el viaje de Nathan Redfield y su “espiral descendente”, y centrarse  más en esa parte hace que funcione mejor la película. Aun así espero que esas escenas cortadas puedan estar en el DVD como extra. Hay buenas actuaciones y buen material que fue cortado.

Griff, Rachele Brooke Smith y el productor _ posando ante los medios después de la rueda de prensa de "Cold Moon" en Nocturna.

Griff, Rachele Brooke Smith y el productor Lee C. Rogers posando ante los medios después de la rueda de prensa de “Cold Moon” en Nocturna.

Hablemos del reparto, de gran importancia en una película coral como esta, y para el que has contado con un actor del calibre del veterano Christopher Lloyd, el recordado Doc de la saga Regreso al futuro. ¿Como fue el proceso de casting?

No hicimos muchos castings para la película. Tenía siempre a alguien en la cabeza para cada rol y, lo mejor de todo, es que la mayoría de las personas en las que pensamos acabaron involucradas. Soy fan de Regreso al futuro desde pequeño, y pensé que Christopher Lloyd era perfecto para el papel, así que fuimos directos a ofrecérselo y él aceptó. Josh Stewart fue perfecto para el rol del villano, y eso que era un papel muy complicado. Sin ir más lejos, si yo hubiese sido el actor elegido no habría sabido cómo interpretarlo. En cambio, Josh leyó el guion y me llamó enseguida. Lo pilló muy rápido, y eso que lo había leído solo una vez, lo cual me impresionó. Así que su casting fue muy sencillo. En cambio, el que sí me costó fue el rol de Belinda, que finalmente ha hecho Rachele Brooke Smith. La conocí a través de un amigo común en Skype y desde el momento en que empezó a leer el guion, lo clavó.

Y tú, como director, ¿prefieres una película coral como esta a una que cuente con pocos actores?

No. I am Omega fue mucho más fácil de rodar, ya que éramos yo y Mark Dacascos todo el rato, lo que hizo que trabajáramos más rápido, aparte de ser muy divertido. Pero también me gusta contar con un reparto coral porque mi parte preferida de ser director es el trabajar con los actores y diseñar las escenas. Eso es lo mejor de este tipo de repartos con buenos actores, pero desafortunadamente nunca hay suficiente tiempo. En teatro puedes dedicar cien horas para ensayar un minuto de representación y hacer algo muy molón, pero en el cine no puedes porque es mucho más caro y dispones de mucho menos tiempo. En cualquier caso, creo que hemos hecho un buen trabajo diseñando las escenas y haciéndolas funcionar. Trabajar solo con un actor tiene sus aspectos positivos, pero es más disfrutable hacerlo con un reparto coral si tienes garantizado el tiempo que necesites para trabajar con ellos, porque, normalmente, si no es: “¡Sal y rueda que el sol se va a poner!”

Curiosamente, aunque, como hemos dicho, también eres actor, no has aparecido en ninguna de las películas en las que has intervenido como director, no siendo Cold Moon una excepción en este sentido. ¿A qué se debe?

Solo hay un pequeño puñado de gente que pueden actuar y dirigir bien a la vez. Woody Allen, Mel Gibson o Clint Eastwood. Cuando tenga más tiempo y dinero, y si tiene sentido desde el punto de vista de marketing, puede que pruebe a salir en una película en la que yo sea el director. Pero ahora los films que estoy haciendo son independientes, lo que significa presupuestos modestos y horarios muy justos. Añadirme a mí mismo la responsabilidad de estar también frente a las cámaras sería demasiado ahora mismo, pero no lo descarto de cara a futuros proyectos.

El equipo de "Cold Moon" en un momento de la rueda de prensa.

El equipo de “Cold Moon” en un momento de la rueda de prensa.

En determinados momentos de la película algunos personajes hacen comentarios sobre la falta de conmiseración con la que el personaje de Nathan lleva sus negocios bancarios en comparación con su padre. ¿Existía alguna intención por tu parte de formular una crítica social sobre la forma de funcionar de las grandes corporaciones bancarias hoy en día?

Efectivamente, es algo intencionado que este componente funcione como una sutil crónica social. Pero no solo sobre cómo funcionan los bancos, sino sobre cómo lo hace cualquier organismo que empiece con buena intención, o simplemente por conveniencia propia, y que acabe dejándose arrastrar por la codicia. Farmacias, bancos, seguros… Lo que se te ocurra.

Dentro de tu puesta en escena, el agua goza de un especial protagonismo a lo largo del metraje. ¿Buscabas con su uso establecer algún tipo de simbolismo?

El agua es el origen de todo lo que es sobrenatural en Babylon, el pueblo en el que transcurre la historia. Todo lo que se mete en ella generalmente no vuelve a ser visto, al menos en su forma humana. En la versión extendida que se editará en DVD se profundiza más en el folclore y el agua. Y hay aún más en la novela en la que la que se basa la película, Cold Moon Over Babylon, que está disponible en su versión de audio en  audible.com. Pero, resumiendo, en las zonas pantanosas del sur todo está mojado, húmedo y oscuro. Y eso te va calando/afectando en todo momento, como lo hace a nuestros personajes en la película.

Creo que en la proyección de Cold Moon en Nocturna grabasteis las reacciones del público mientras la visionaba. ¿Qué conclusiones habéis sacado de lo grabado? ¿Vais a hacer algún cambio en la versión mostrada a raíz de lo registrado?

Es cierto que grabé algunas de las reacciones de los asistentes al pase. Era la primera vez que un público veía la película y algunas de las reacciones fueron increíbles e inesperadas. La experiencia fue muy buena, pero nada de lo que he visto me hace querer reeditar nada. Sin embargo, estoy en contacto con algunos distribuidores que tienen sus propias ideas sobre la película, ya veremos en qué queda.

Y de cara al futuro, ¿en qué proyectos andas involucrado a corto plazo, ya sea como actor o como director?

Como actor estoy en el remake de Los siete magníficos, que se estrena en verano, en septiembre. Y también participo en una película llamada The Founder con Michael Keaton. Estas son las dos próximas películas que saldrán en lo que queda de año. Y como director tengo un par de proyectos. He hecho una película para Syfy Channel llamada The Atomic Shark, que se emitirá el 24 de julio. Es una comedia, una comedia con un tiburón. También estamos preparando un drama ambientado en un hospital. Aun estamos decidiendo qué vamos a hacer, ya que tenemos como ocho proyectos.

José Luis Salvador Estébenez

Traducción: Tarik Amarouch García

Fotografías: Juan Mari Ripalda

Entrevista a William Brent Bell, director de “The Boy”

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Aunque quizás su nombre no sea muy conocido por el gran público, William Brent Bell ha conseguido hacerse un hueco dentro del cine fantástico actual debido a su especialización en un género al que ha consagrado todas sus películas con la excepción de su ópera prima, Sparkle and Charm (1997). No solo eso, sino que a través de su filmografía no es muy difícil rastrear los diferentes rumbos emprendidos por el cine de terror durante los últimos diez años. Así, el que fuera su debut en la temática, el slasher Stay Alive (2006), evidencia la influencia que el mundo de los videojuegos ejercía durante a aquellos años dentro de las propuestas del género enfocadas al público juvenil. Seis años más tarde llegaría el que posiblemente sea su título más popular, Devil Inside, un falso documental sobre exorcismos al que seguiría Wer (2013), otra nueva incursión (o al menos parcial) en los terrenos del mockumentary, esta vez en clave licantrópica.

Cambiando radicalmente de estilo a nivel formal con respecto a sus anteriores trabajos, en este 2016 William Brent Bell ha estrenado The Boy. Protagonizado por la bellísima Lauren Cohan, a la que los aficionados asociarán por su papel de Maggie Greene en la popular serie The Walking Dead, se trata de un thriller de suspense de ambientación gótica y sabor clásico que se encuadra, al menos en un principio, dentro de la tendencia actual por el cine de fantasmas y casas encantadas. A principios de mayo, el director y guionista norteamericano visitaría Bilbao para presentar la proyección de su última película dentro de la Sección Oficial de FANT 2016, días antes de que fuera comercializada en formato doméstico en nuestro país.

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En el sentido de la puesta en escena The Boy supone un cambio con respecto a tus dos anteriores películas, Devil Inside y Wer, adscritas al formato de falso documental. ¿Tenías ganas de cambiar de estilo?

Me gustaría puntualizar que, aunque Devil Inside sí es un falso documental al ciento por ciento, Wer en realidad es un híbrido que combina el uso de metraje encontrado con la narración convencional, un poco a la manera de Distrito 9. Pero sí, la verdad es que tenía ganas de hacer algo clásico, gótico, elegante y, a poder ser, encuadrado dentro de una historia de fantasmas. Por eso, cuando me llegó el guion de The Boy vi que era la oportunidad perfecta para llevarlo a cabo. Ha sido algo emocionante y he disfrutado mucho del proceso.

The Boy ha sido la primera ocasión a lo largo de tu trayectoria como realizador en la que no has intervenido directamente en la escritura del libreto, el cual ha corrido por cuenta de Stacey Mener. ¿Ha variado mucho tu forma de enfrentarte al rodaje al partir de un material ajeno?

Por supuesto. También hasta ahora me había encargado del montaje de mis anteriores películas, e incluso las había producido. Pero  esta vez tuve la oportunidad de dar un paso atrás y delegar en otras personas mientras yo me centraba en dirigir y supervisar, lo que me ha permitido que mi visión de la película haya pasado a través del filtro de un grupo de colaboradores con mucho talento. Es bastante divertido hacer las cosas por ti mismo, pero es más divertido contar con un excelente equipo junto al que poder trabajar para, entre todos, tratar de realizar el mejor producto posible.

No obstante, no fue una postura desde un principio consciente de tener la pretensión de no ser yo el guionista en esta ocasión. Lo que ocurrió es que llegó a mis manos el guion de Stacey Mener y en cuanto lo empecé a leer me enganchó, sobre todo por los giros de trama que contiene. Me convertí en un fan del guion, por así decirlo, y aunque lo normal es que cuando un guionista escribe una historia de este tipo lo haga pensando en dirigirla, en esta ocasión no era así, y he tenido la suerte de poder hacerlo yo.

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En un principio, la propuesta de The Boy se enmarca dentro del subgénero de muñecos con vida propia. ¿Cuáles han sido tus principales influencias a este respecto?

Una de mis películas favoritas es La profecía, y mi idea para el muñeco de Brahms era la del personaje de Damien. También me inspiré en el film de Dan Curtis Trilogía del terror y, más en concreto, en el segmento protagonizado por el muñeco zuñi que me aterrorizaba tanto de niño y que durante bastante tiempo hizo que me sentara en el sofá sin dejar que me colgaran las piernas por si aparecía el muñeco. Otra influencia fue un capítulo de Dimensión desconocida titulado Living Doll.

Uno de los aspectos más sobresalientes de la película se encuentra en su diseño de producción, tanto por la ambientación conseguida como por el inquietante aspecto del muñeco. ¿Fue difícil de conseguir?

Definitivamente fue muy difícil. Pero ese era el desafío y lo que lo hizo divertido. Los exteriores que se ven en la película eran reales y encontrar el castillo era ya importante. Estuvimos seis meses de búsqueda hasta que finalmente lo encontramos en la isla de Vancouver, en la Columbia Británica. Desde el primer momento en que vi el castillo que utilizamos me quedé prendado de él, ya que era el tipo de localización que iba buscando. Probablemente si hubiéramos rodado en los Estados Unidos no habríamos conseguido ese impacto que se produce ante el contacto con el viejo mundo, representado por la familia de Brahms.

En cuanto al muñeco lo creamos desde cero. No sabía si tenía que ser feo o hermoso, que llevara una vestimenta moderna o un poco demodé, así que hicimos muchos bocetos combinando distintas caras, peinados y ropas, jugando con cuán real o exagerado podía ser el aspecto de los ojos, hasta dar con el modelo que aparece en la película. Todo esto fue emocionante, y el hecho de que apenas hubiera escenas de exteriores nos permitió que pudiéramos disponer de más tiempo en concentrarnos en todos estos elementos para que destacaran en la película.

Lo cierto es que rodar estas escenas resultó ser verdaderamente fácil y muy divertido. Y lo mejor de todo es que el muñeco era un actor fantástico. No se olvidaba del texto que tenía que decir, hacía todas las tomas perfectas… (risas) Y dependiendo de cómo colocábamos la luz, a veces parecía triste y otras más alegre. Es más, durante el rodaje muchas veces teníamos que hacer una doble toma, ya que en ocasiones daba la sensación de que se había movido. Encima, algunos bromistas del equipo lo andaban escondiendo por el set para que la gente se asustara.

Aparte de su presencia como elemento terrorífico, el muñeco de Brahms acaba por convertirse en una figura alegórica, siendo utilizado por los personajes como una especie de fetiche con el que no asumir el sentimiento de pérdida que arrastran…

En efecto. La película realmente tiene que ver con abordar y superar una pérdida. En el caso de los padres, la única forma de afrontar la pérdida de su hijo es con este muñeco de porcelana. Y a la protagonista le pasa también algo parecido. Ella ha perdido a su bebé y pone todo su corazón y esfuerzo en cuidar de este muñeco. Y ese es verdaderamente el auténtico meollo del film.

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Durante la primera parte de la película, Lauren Cohan soporta en solitario el peso de la narración, sin que apenas existan escenas en las que tenga que interactuar con otros personajes que no sea el muñeco de Brahms. ¿Cómo trabajaste este aspecto?

Fue fantástico tener a Lauren para este papel, ya que en el mismo día de rodaje podía hacer una escena en la que interpretaba estar atemorizada y a continuación hacer otra en la que flirteaba con el personaje de Malcolm. Así que fue muy fácil trabajar con ella. Por otra parte, el que, como dices, durante la primera parte de la película, salvo dos escenas, la veamos sola en pantalla era una forma de que el público se identificara con ella al tiempo que descubría los extraños sucesos que se dan en la casa y adoptara así su punto de vista, lo que resulta fundamental para el funcionamiento del film, dada la naturaleza de su propuesta.

En este sentido, el desenlace del film rompe con el tono con el que hasta entonces ha discurrido la narración. ¿Cómo te planteaste hacer que este giro no chirriara a ojos del espectador?

He querido que la película se cociera lentamente y siempre existiera la duda de si lo que parece suceder es real o no. El objetivo era que el espectador llegara a plantearse si, efectivamente, el muñeco Brahms tiene vida, como se sugiere durante buena parte de la historia. Por otra parte, y sin hacer spoilers, los hechos a priori extraños que suceden en la película tienen una explicación real, por lo que después, cuando se descubre todo, es fácil de aceptar. Lo que a mí en realidad me preocupaba era lo que iba a suceder con el muñeco en el tercer acto. Y lo que sucede es creíble. En cualquier caso, prefiero lanzar ideas que sorprendan al público, que den de hablar y que hagan que después de ver la película la comenten y sigan pensando en ella tiempo después. Y con este cambio de trama tan repentino que se da en el tercer acto, o bien les gusta la película u la odian, no hay término medio, lo cual pienso que en cualquier caso es mejor que dejar indiferente a la audiencia siguiendo por el camino del centro.

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En los Estados Unidos The Boy ya ha sido comercializada en formato doméstico y casi de inmediato ha aparecido de forma masiva en webs de descargas ilegales. A ti, como director, ¿en qué medida te afecta el fenómeno de la piratería?

Hasta el momento no me ha afectado, ya que la película funcionó bien cuando se estrenó en los Estados Unidos y también lo está haciendo en el mercado internacional. Pero aunque en mi caso  haya tenido suerte y la piratería no me haya ocasionado demasiados problemas, soy consciente de que con otras películas no ha sido así, lo que es una faena.

Ya que hablamos de la distribución en formato doméstico de la película, ¿qué te parece el tema de que la gente vea en casa películas que han sido realizadas para cine, perdiendo con ello parte de la experiencia que debería ser su visionado?

Es muy bueno, porque hoy en día si alguien está viendo The Boy en su casa a medianoche delante del televisor o de la pantalla del ordenador, o en un iphone con los cascos puestos, seguro que vivirán toda una experiencia. Pero en mi caso soy partidario de ver las películas en el cine y rodeado de gente. No hay nada mejor. Pero eso no quita para que me parezca importante que la gente tenga la posibilidad de descargar la película o adquirirla en soporte físico y la pueda ver cómodamente en su casa.

Mirando al futuro, en estos momentos te encuentras trabajando en una serie de televisión titulada Haunted, en la que ejercerás de director y guionista. ¿En qué fase se encuentra ahora mismo el proyecto y qué nos puedes adelantar de él?

Haunted se inspira en una novela titulada The Demon of Brownsville Road de Bob Cramner. Junto con Lisa Arianna conseguí los derechos del libro y vendimos el proyecto a Fox, con Chris Morgan de productor. Chris es un excelente productor, que ha hecho Fast and Furious o La momia. Acabamos con el guion hace un par de meses y ahora estamos mirando a ver qué tipo de distribución va a tener. Aunque inicialmente va a ser emitida por la Fox, ahora parece ser que lo hará por cable dentro de un bloque temático de terror a programar los viernes por la noche. No obstante, aún no hay nada decidido.

La serie se basa en la historia real de una familia de Pittsburg que vivió una situación de casa encantada. A partir de la investigación de los miembros de esta familia, en la primera temporada se irán revelando todos los horrores vividos en la casa desde hace doscientos años. Digamos que será como si True Detective se topara con Expediente Warren.

Tanto The Boy como Haunted se inscriben dentro del auge que viene experimentando en los últimos años la temática de las casas encantadas en la producción terrorífica del medio audiovisual. ¿Este auge tiene algún reflejo con la sociedad en la que vivimos?

Sí.  Aunque quizás me equivoque en el dato, existen estadísticas que señalan que el 75% de la población cree en los fenómenos paranormales. Y dado que todos vivimos en casa, hemos crecido en un entorno familiar y estos temas son atemporales, es fácil interrelacionarse con ellos.

José Luis Salvador Estébenez

Published in: on junio 24, 2016 at 5:51 am  Comments (2)  
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