No descubro nada al afirmar que Rafael de España es uno de los mejores y más reputados historiadores cinematográficos con los que cuenta nuestro país. Su erudición, capacidad de análisis y sobresaliente labor de documentación son complementadas por un irónico sentido del humor con el que ha creado un estilo característico e intransferible que aúna rigor y amenidad. De entre su nutrida bibliografía dedicada al estudio del séptimo arte, destaca la atención prestada a ciertas corrientes del denominado cine popular. Más en concreto, el mal llamado cine de romanos, esto es, el péplum, y el western mediterráneo, a los que ha consagrado a lo largo de los años diferentes trabajos. De entre ellos, dos se erigen especialmente en obras de auténtica referencia dentro del estudio de sus respectivas materias, con el añadido de estar publicadas en un momento en el en el que ambas corrientes eran minusvaloradas cuando no directamente despreciadas por parte de la crítica oficialista y apenas existían ensayos previos que se ocupara de ellas, al menos en lengua castellana. Me refiero, obvio es, a El péplum: La antigüedad en el cine y Breve historia del western mediterráneo, publicados ambos por Glénat coincidiendo con el cambio de milenio.
Aprovechando la reciente aparición de su nuevo libro del que os informábamos hace unas pocas semanas, Sin dólares no hay ataúdes. 50 ejemplos de western mediterráneo, publicado por Editorial UOC dentro de su colección “Filmografías esenciales”, propusimos a Rafael el siguiente diálogo centrado en su obra dedicada al cine de género, en el que, como no podía ser de otra forma, prestamos una especial atención a su nueva criatura, y que él muy amablemente aceptó.
Foto de grupo tomada en el Festival de Sitges 2018 en la que Rafael aparece con Sir Christopher Flayiling (a su izquierda) y el equipo del documental “Desenterrando Sad Hill”
¿Cuándo nace tu afición por el cine?
Como casi todo en la vida: en la infancia. Aquella sólida tradición familiar del programa doble de los sábados por la tarde… Aparte de que el cine fue, para todos los de mi generación, que lo pillamos en su época de esplendor absoluto, “el arte del siglo XX” por antonomasia.
Eres Doctor en Medicina y en Historia Contemporánea. ¿Qué te lleva a escribir sobre cine?
Podría recurrir al sobado cliché del “médico humanista” pero va a sonar inevitablemente pedante. Lo dejaré en una comparación entre los objetivos profesionales de la medicina, la historia y el cine: las tres disciplinas se ocupan del ser humano, de su vida, sus problemas, su muerte… Si te interesas por tus pacientes es porque reconoces que “nada humano te es ajeno”… ¡Algo que también es la principal motivación del cine!
Dentro de tu amplia bibliografía sobre materia cinematográfica, junto a temáticas más o menos académicas destacan tus trabajos centrados en diferentes vertientes del cine popular, en especial el eurowestern y el péplum. ¿De dónde viene tu interés por estos géneros?
Tienen dos orígenes distintos por lo que, a riesgo de resultar prolijo (¡si te aburro me cortas!), me gustaría explicarlos por separado. En el caso del péplum, el cine no es el factor principal. En el hogar paterno había (afortunadamente) muchos libros y muy variados. Desde que aprendí a leer me dedicaba a hojearlos (con hache, ¡eh!) y poco a poco me animé a su lectura completa, sobre todo con los que planteaban menos dificultades de comprensión y más posibilidades de entretenimiento. Entre mis favoritos estaban algunos ejemplares de una pintoresca colección denominada “Enciclopedia Pulga”, tomitos de bolsillo en la expresión más estricta del término por su tamaño, que permitía llevarlos, según se afirmaba en las propias páginas introductoras de cada uno, “en el monedero o en el bolsillo del chaleco”. En algún momento que no puedo precisar entre los diez y doce años de edad, se me ocurrió tomarla con la Ilíada de Homero, en una versión resumida y adaptada, como todo lo que se publicaba en la colección. Fue quizá el mayor impacto literario de mi vida. Una historia que supuestamente había sucedido cientos de años atrás se me revelaba como algo de absoluta actualidad, algo que llamaba a los sentimientos primarios de la persona… Imágenes que desataban mi imaginación como la intervención en las batallas de los dioses (tan humanos, en el fondo, como los guerreros que se mataban), o aquel emotivo momento en que Príamo, todo un rey, se humilla ante Aquiles suplicándole que le entregue el cadáver de su hijo Héctor… Fue una completa epifanía. Me leí no sé cuántas traducciones, más fidedignas por supuesto, de los poemas homéricos y completé mi descubrimiento con otra obra de la biblioteca de mis padres que fue durante una temporada mi “libro de cabecera”, una Historia de los griegos en tres bellos tomos ilustrados, traducida del francés y publicada por la mítica editorial barcelonesa Montaner y Simón a finales del siglo XIX (el autor era un tal Victor Duruy, que luego me enteré que había sido un historiador de cierto prestigio)[1], y la más divulgativa Historia de Roma del periodista italiano Indro Montanelli[2] que mis padres tuvieron a bien regalarme para un santo o cumpleaños. Y de esa “fiebre” literaria pasé al cine, aunque, debo admitirlo, ninguna película me impactaría tanto como aquel librito de la “Enciclopedia Pulga”…
Te hago caso y te voy a interrumpir. Tu primera obra sobre esta temática es El péplum: La antigüedad en el cine, aparecido en 1998 para Glénat, en la que combinas tu faceta de historiador con la de analista cinematográfico. ¿Fue un homenaje a esta fijación de la infancia?
Te decía que en un primer momento me costaba encontrar en las películas de ambiente “antiguo” el espíritu de los originales, pero eso no quiere decir que no dedicara notables esfuerzos a “perseguir” estas películas. Si a una persona joven le interesa lo que estoy contando, tengo que recordarle que en aquellos tiempos (estoy hablando de finales de los 50-primeros de los 60 del siglo pasado) las películas solo podían verse en las salas de cine, en unos días y unas horas en concreto, y que no todas las que te interesaban eran visibles en las pantallas locales. ¡La de cines de barrio que me he recorrido buscando “incunables”!
Cuando tuve la oportunidad de escribir sobre cine decidí que, así que pudiera, dedicaría un libro al cine sobre el Mundo Antiguo, lo que conseguí gracias a la generosidad y amabilidad de Joan Navarro, director de una editorial dedicada al cómic, que entonces era muy amigo de mi hermano Ramón y se le ocurrió sacar una colección sobre producto audiovisual. Hace tiempo que no sé nada de Joan pero, esté donde esté, aprovecho para dedicarle un sentido recuerdo.
Por supuesto, los comentarios que hacía de los films estaban siempre integrados en el contexto histórico, pero no solo del periodo representado en ellos sino de la época en que se rodaron. En todos mis libros he intentado mostrar como el cine es un reflejo muy ilustrativo de la sociedad que los produce, y tanto da qué tipo de cine sea: sirve para el péplum, pero también para otros géneros.
En 2002 publicas también para Glénat Breve historia del western mediterráneo, considerada la primera monografía sobre el eurowestern escrita en castellano y, para muchos, entre los que yo me incluyo, una auténtica Biblia sobre el género. ¿Qué te lleva a embarcarte en semejante proyecto?
A diferencia de otros cinéfilos, yo no era especialmente devoto del western. Quedaría muy bien explicando la impresión que me causaron los títulos de Anthony Mann o John Ford que se veían ampliamente en las pantallas de Barcelona, pero no es el caso. Probablemente el western que más recuerdo de aquellos años es Apache (Apache, Robert Aldrich, 1954), por una especie de extraña solidaridad que sentí hacia el personaje de Burt Lancaster, vilmente perseguido y maltratado por defender su dignidad y la tierra de sus antepasados. No sé exactamente cuándo lo vi, pero recuerdo que fue con mi padre en una de aquellas entrañables salas de programas dobles compuestos mayoritariamente por películas que tenían a punto de caducar sus derechos de exhibición. Por supuesto, no voy a alardear de que a aquella tierna edad tuviera conciencia del genocidio de los nativos americanos, ¡eh!
Quizá fue este…, digamos, despego hacia el western “americano” por lo que me llamaron la atención los primeros rodados en Hoyo de Manzanares, curiosamente por aquellos aspectos de ambientación que eran, indiscutiblemente, lo más criticable: me encantaban, por ejemplo, aquellos revólveres minúsculos que se cargaban basculando el cañón hacia abajo (algo después me enteré de que eran copias de modelos Smith & Wesson hechas en el País Vasco) y que todos los personajes llevaban dos pistolitas al cinto en unas igualmente minúsculas pistoleras… También me atraía visualmente, vaya uno a saber por qué, el omnipresente edificio en obra vista del saloon. Y las músicas: recuerdo especialmente Gringo (1963), tanto por su marchoso tema de títulos (de un tal Dan Savio, ¿te suena?) como porque, de repente, nuestra racial Mikaela se ponía a cantar en andaluz. Por decirlo de alguna manera: pienso que lo que me atraía de aquellos westerns eran sus características más… “exóticas”, aquella iconografía tan… “idiosincrática”.
Pero la auténtica “epifanía” (¡otra!) tuvo lugar con La muerte tenía un precio, que me dejó literalmente pasmado. Debo reconocer que en su momento se me pasó Por un puñado de dólares, que tuve que repescar a posteriori. Piensa que en aquella época en las salas de estreno se controlaba bastante la entrada de menores, por lo que los que todavía no éramos “mayores” teníamos que esperar a que las películas “no aptas” pasaran al circuito de reestreno, donde siempre se hacía “la vista gorda” (…por lo menos en Barcelona).
Eduardo Noriega y Rafael en una edición del Festival de Tabernas
Debido a su carácter pionero, ¿cómo fue todo el proceso de documentación para preparar estos libros, dada la práctica ausencia de fuentes en castellano que abordaran ambas temáticas?
Afortunadamente siempre he tenido buena comprensión lectora de idiomas extranjeros. El problema es que entonces no existía Amazon y tenía que hacer viajecitos periódicos a París, Londres y Roma para conseguir bibliografía medianamente interesante. También es verdad que aprovechaba para comprar libros de otras temáticas, sobre todo de arte (catálogos de exposiciones, por ejemplo)…; reconozco que soy un bibliómano compulsivo, vicio malsano que me estoy empezando a curar con los años ante la perspectiva de dejar a mis hijos en herencia una cantidad de libros con los que no van a saber qué hacer…
En este mismo sentido, tanto El péplum: La antigüedad en el cine como Breve historia del western mediterráneo están escritos en un momento en el que las nuevas tecnologías estaban en pañales y, por tanto, acceder a según qué títulos no era tan fácil como puede serlo actualmente. ¿Cómo te las apañabas para conseguir copias de las películas que comentabas, sobre todo teniendo en cuenta que, especialmente en el caso de tu libro dedicado al eurowestern, muchas de ellas ni siquiera habían sido estrenadas en España en su momento?
Hacía cosas rarísimas. Antes de la implantación de Amazon ya buscaba por correspondencia ediciones extranjeras en VHS, que había que pedir directamente… ¡por correo ordinario, o todo lo más por fax! (me tuve que comprar reproductores NTSC, como te puedes imaginar) o buscando la complicidad de algún amiguete de la zona. Y, por supuesto, la videocasetera siempre preparada para la eventual grabación de un título inédito. En los años noventa se podían ver por satélite canales de televisión extranjeros, sobre todo alemanes, donde pasaban con frecuencia películas de género (entre ellos, péplum y western) y tenía la santa paciencia de comprarme cada semana una revista llamada TV-Spielfilm donde venía la programación completa de todas las teles alemanas. Por supuesto, todas las películas se pasaban en las versiones dobladas (en terminología local: synchronfassung) que se habían distribuido comercialmente no solo en la RFA sino también en la RDA (esto del doblaje, contrariamente a lo que cree mucha gente, no es un invento español), pero… “el que algo quiere…”.
Junto a Salvador Juan y el escenógrafo Félix Murcia
Si no centrado en un género en especial, otro libro muy significativo de tu interés por el cine popular es Más allá de Esplugas City: Balcázar Producciones Cinematográficas, en la que junto a Salvador Juan Babot reconstruyes la historia de la que fuera una de las principales productoras dedicadas a este tipo de cine en nuestro país. ¿Cómo nace este libro? ¿Os repartisteis Salvador y tú las funciones de algún modo a la hora de dar forma a la obra?
Cuando alguien como yo, entusiasta y teórico del spaghetti western, se encuentra con una persona como Salvador, que aparte de ser un cinéfilo de peso, con una gran experiencia en el mundo de los cineclubs, vivió su infancia y juventud al lado del mismísimo poblado de Esplugas City y guarda un recuerdo imborrable de los rodajes de aquellos tiempos, ya te puedes imaginar que el encuentro ha de ser lo más parecido a un coup de foudre[3] [risas]. Con Salvador tenemos, además, otros puntos en común: si yo soy médico y he ejercido como tal, Salvador es arquitecto y esa ha sido su principal actividad profesional. Redactamos el libro sin la menor discusión: cada uno aportaba datos quizá dispares, pero pusimos mucho interés en que el texto tuviera un aspecto lo más homogéneo posible.
En 2009 publicas con T&B La pantalla épica: los héroes de la antigüedad en el cine, que en realidad viene a ser una actualización de tu comentado El péplum: La antigüedad en el cine que escribieras una década antes. ¿Qué te llevó a hacer esta revisión?
Diez años después de El péplum de Glénat, había acumulado tal cantidad de información y había visto tantas películas que me propuse a hacer una obra de pretensiones enciclopédicas sobre el mismo tema. Sin caer en la falsa modestia, creo que lo conseguí… Pero, curiosamente, tengo la sospecha de que mi esfuerzo no fue valorado. Aunque mantuve ese tono divulgativo y con esporádicas notas de humor al que tan aficionado soy y que a veces me ha ganado críticas de “poco académico”, pienso que quizá me pasé de erudición y despisté al lector con prolijos comentarios sobre películas rarísimas de las épocas más variadas de las que muy poca gente tenía noticia. En fin, yo quedé muy contento de lo que presenté en aquellas quinientas densas páginas (¡y porque la editorial me suprimió la bibliografía de forma unilateral!), pero debo admitir que no sintonicé con los lectores de la misma manera que con la versión anterior. Y no lo digo por decir: con frecuencia me encuentro con gente que, con la mejor intención, me elogian El péplum de 1998 pero compruebo que ignoran la “versión 2009”. También es verdad que la editorial, T&B, no se esmeró mucho en la promoción: era la época en que empezaban a no ir bien y estaban instaurando la (fea) costumbre de no pagar a los autores.
Rafael durante la presentación el pasado 2017 de “De héroes y dioses” en el Museo de Badalona
En 2017 regresas de nuevo a la temática con De héroes y dioses. 50 películas sobre la antigüedad, aparecido dentro de la colección “Filmografías esenciales” de Editorial UOC. ¿Qué criterios seguiste para la elección de los títulos a reseñar, teniendo en cuenta que, aparte de su interés puramente cinematográfico, había que unirle también el de su testimonio histórico?
Cuando la UOC, Universitat Oberta de Catalunya, lanzó esta colección me pareció un estupendo proyecto de divulgación cinematográfica y me ofrecí enseguida a colaborar con alguno de los temas de los que acumulo más información. Después de la densidad de La pantalla épica, me gustó también cambiar de planteamiento con una presentación más esquemática y didáctica. Está claro que la limitación a cincuenta títulos me hizo afinar mucho mis criterios de selección; por supuesto faltan muchos, pero creo que no sobra ninguno: todos tienen algún tipo de representatividad, sea por su condición de “imprescindibles consagrados” o por ser aportaciones de manifiesta originalidad a un género en el que parece que se haya dicho todo. En este apartado irían dos de los films más recientes que comento: De reditu (Claudio Bondì, 2003), visión desgarrada del fin del paganismo como símbolo de la caída definitiva del Imperio romano, y Thermae Romae (Hideki Takeuchi, 2012), una típica fusión japonesa de péplum con anime.
De nuevo para las “Filmografías esenciales” de la UOC hace escasas fechas aparecía Sin dólares no hay ataúdes, donde desgranas medio centenar de ejemplares de western mediterráneo. ¿Cambió mucho tu forma de acercarte al género casi veinte años después de que lo hicieras en Breve historia del western mediterráneo?
Sí, por supuesto. Básicamente porque en esos años había conseguido ver muchos más títulos y recoger más información. De hecho, llevaba ya un tiempo con la idea de repetir lo que intenté con La pantalla épica: una nueva versión de la Breve historia del western… que de “breve” se volviera “enciclopédica”, pero cuando la UOC, después de mi primera colaboración con ellos, me propuso un volumen similar dedicado al western …spaghetti/europeo/mediterráneo, pues del “tradicional” ya habían sacado uno, pensé que era una buena forma de llegar al gran público al mismo tiempo que me permitía incluir, no toda, pero sí parte de la nueva información que había recogido durante estos años. Por cierto, aprovecho la ocasión para agradecer a la UOC, y muy especialmente al director de la serie Filmografías esenciales, Jordi Sánchez Navarro, el gran trabajo de divulgación cinematográfica que están haciendo con estas publicaciones.
Junto a los principales clásicos del estilo, dentro de los cincuenta films reseñados hay lugar para varios exponentes bastante desconocidos incluso para los más fieles seguidores del spaghetti western, como pueden ser 2 once di piombo (1966), The Belle Star Story (Il mio corpo per un póker) (1968) o El desperado (1967). ¿A qué obedeció su inclusión?
Como ya te he dicho con el péplum, mi idea de este tipo de libros es que los títulos seleccionados sean representativos de algo, por encima de su mayor o menor calidad intrínseca. Cuando en la actualidad hablamos del fenómeno del spaghetti western desde España, hay un detalle que se nos olvida, y es lo mal que se distribuyeron en nuestras pantallas. Casi todos se estrenaron con un considerable retraso con respecto a Italia y ni siquiera salieron en salas de categoría. En Barcelona, por ejemplo, muchos iban directamente al Capitol, un popular cine de las Ramblas más conocido como Can Pistoles porque solo ponían películas “de tiros” en programas dobles que se cambiaban cada semana y en el que tenían el humor de decorar de la forma más pintoresca posible la fachada: recuerdo vivamente unos ahorcados (…unos muñecos, claro) que pusieron en el vestíbulo para el estreno de El sabor de la violencia (Le goût de la violence, 1961) de Robert Hossein. Quizá era una manifestación de antifranquismo camuflada, pues después me enteré de que lo que más molestó a la censura de esta película es que se veían “muchos planos de gente ahorcada” (en realidad lo que se veía era “gente pobre ahorcada por enfrentarse a los ricos“).
Volviendo a los títulos concretos que me preguntas, son algunos de los que jamás se vieron en España, pero las aventuras de Pecos Martínez en 2 once di piombo (Il mio nome è Pecos) fueron un éxito arrollador en varios países, sobre todo Alemania. Belle Starr, en realidad, no estoy muy seguro de que sea un western, pero su tono feminista tan moderno y el hecho de que su directora fuera Lina Wertmüller, que tuvo sus momentos de gloria unos años más tarde, me animó a ponerlo. En cuanto a El desperado, fueron los elogios de Tarantino los que me llevaron a verlo e incluirlo: como pasa con muchos spaghetti, lo que importa en este no es la calidad técnica, ni la coherencia del guion, ni las actuaciones, sino esos esporádicos toques bizarres (dicho en francés, ¡eh!, que bizarro en español de la RAE quiere decir otra cosa) que hoy en día constituyen la, digamos, “grandeza” del western all’italiana.
Dentro de los títulos escogidos, no olvidas prestar atención a la contribución española, si bien tenga que confesarte que echo a faltar dos films como Condenados a vivir (1972) y Garringo (1969). ¿Era una forma de reivindicar el papel que tuvo nuestro país en la creación y desarrollo del western mediterráneo, por más que todo el mérito haya sido capitalizado por los italianos?
Escogí los títulos, insisto, por su condición representativa. Es por su carácter absolutamente bizarre y lo vistoso de sus soluciones visuales que incluyo Réquiem para el gringo (1968), por ejemplo, no porque su autor sea el muy español José Luis Merino. Condenados a vivir me hubiera gustado incluirlo, pero al final sucumbí al “síndrome de los cincuenta” y me pareció que otros reunían más “representatividad”… aunque sus méritos estrictamente cinematográficos fueran menores.
En cuanto a Garringo, no sabes la cantidad de gente que me reprocha su ausencia, pero aquí sí debo admitir que fue una decisión “no forzada”. Lo había visto hacía muchos años y no guardaba buen recuerdo… como de casi todos los westerns de Rafael Romero Marchent, en los que nunca he encontrado ninguna aportación ingeniosa ni a nivel narrativo ni de imagen. Siempre me resultó ridículo el nombre adjudicado a Steffen y echaba a faltar una escena en que nuestro héroe se encuentra con otro personaje que le dice “Me llamo Ringo” y él contesta “Pues yo, ¡Garringo!”. De todos modos, hice un esfuerzo y me la volví a ver, aprovechando que hay una edición bastante buena en Blu-ray y… no, lo siento. La historia del tío que se dedica a matar militares daba mucho de sí, pero era imposible plantearla de forma audaz en pleno franquismo, sobre todo con una familia de raíces falangistas como los Romero Marchent. El personaje de Peter Lee Lawrence no está bien desarrollado y el desenlace es flojísimo: el hecho de que los (escasos e imprecisos) diálogos de la escena final no sean exactamente iguales en el doblaje italiano que en el español da a entender que ni los mismos guionistas tenían muy claro qué querían (o debían) decir.
Por sus propias características, Sin dólares no hay ataúdes es una perfecta piedra de toque para aquellos que quieran iniciarse en el proceloso mundo del western mediterráneo. ¿Qué títulos de los reseñados recomendarías que vieran sí o sí a estos posibles lectores y potenciales espectadores para que se hagan una idea de lo que es el género?
La llamada Trilogía del dólar de Leone es de visión obligada. Si a esos tres títulos le añades el Django (1966) de Corbucci ya tienes una imagen definida de lo que fue el fenómeno spaghetti. A nivel personal quiero añadir que, quizá por mi formación de historiador o el recuerdo de los (evaporados) efluvios del ’68 que nos llegaban de la Europa pensante, tengo una debilidad por aquellos westerns que muestran cierto trasfondo social, como Il grande silenzio / Le grand silence [dvd/bd: El gran silencio, 1968], El halcón y la presa/La resa dei conti (1966), Cara a cara/Faccia a faccia (1967) o Yo soy la revolución (Quién sabe?, 1967)…
Rafael junto al director italiano Enzo G. Castellari, el director de producción José Salcedo, y el periodista e historiador cinematográfico especializado en western Juan Gabriel García durante el homenaje a Giuliano Gemma celebrado en el Festival de Tabernas
Y ya mirando al futuro, ¿te encuentras ya trabajando en algún nuevo libro de temática cinematográfica?
La edición de libros de cine en España nunca ha sido lo que se dice triunfal, pero actualmente está bajo mínimos y una gran parte de lo que se publica son autoediciones más o menos camufladas. Y como yo nunca me he planteado pagar para publicar, y menos ahora que ya no necesito hacer currículum (a lo más que me puedo prestar es a no cobrar [risas]), lamento no poderte anunciar nada parecido a un inminente “programa de publicaciones”. También es cierto que algunos temas que ahora estoy explorando son poco comerciales: hace unos años saqué el primer libro en español sobre cine nazi, El cine de Goebbels, y llevo tiempo acariciando la idea de un estudio en paralelo del cine de los sistemas totalitarios europeos del siglo XX, pero es un asunto que requiere buena documentación y sin un compromiso firme de una editorial no me animo a tirarlo adelante. En 2014 publiqué un esbozo del proyecto como capítulo de un libro de compilación que coordinaron Gloria Camarero y A. L. Hueso, Hacer historia con imágenes, pero no he pasado de ahí.
En otro volumen colectivo que acaba de salir a la venta, La música en la pantalla, coordinado por Teresa Fraile y Beatriz de las Heras, he hecho una nueva aportación a uno de mis temas-fetiche, la ópera, con un breve análisis de los films histórico-operísticos de Carmine Gallone.
Pero de los temas objeto de nuestra conversación, ¿puedes anunciarnos alguna novedad?
Con Salvador Juan llevamos tiempo recogiendo información para un estudio lo más completo posible de los westerns rodados en Esplugas City. De las instalaciones montadas por los Balcázar tenemos prácticamente toda la documentación existente, pero de las películas siempre descubres cosas nuevas. Reconozco que me encanta hacer de rata de biblioteca y sumergirme en los expedientes de censura y rodajes que guardan en el Archivo General de la Administración (AGA) de Alcalá de Henares. Lástima que desde Barcelona no quede demasiado a mano y sea cuestión de aprovechar alguna visita puntual a Madrid para hacer una escapadita. Aprovecho para señalar que el personal del AGA es muy amable y eficaz, ¡algo que siempre anima al esforzado investigador!
José Luis Salvador Estébenez
De izda. a dcha.: Rafael. Esteve Riambau (director de la Filmoteca de Catalunya), Salvador Juan y el actor y director George Martin, durante el homenaje dedicado a este último en Espuglas el 2015
[1] Historia de los griegos: desde los tiempos más remotos hasta la reducción de Grecia a provincia romana; por Victor Duruy; traducida por Enrique Leopoldo de Verneuil. Barcelona: Montaner y Simón, 1890-1891. 3 vol.
[2] Historia de Roma; por Indro Montanelli. Barcelona: Plaza & Janés, 1961.
[3] Término francés que se traduciría como amor a primera vista.
El mito del hombre lobo siempre ha tenido raíces fuertes en la literatura, “pese a que no ha sido uno de los personajes más explotados por los autores”, explica Alemán. De hecho, “el hombre lobo siempre ha sido un personaje que sólo sale una vez al mes, cuando hay luna llena, pero es el tipo de monstruo más sufrido de todos y el más universal de todos los mitos, folclore y cultura. Mucha gente cree hoy en la existencia de los hombres lobo o de otras clases de ‘hombres bestia’”, señala Alemán. De hecho, el origen de Vesna se debe a lo poco que se sabe y lo poco desarrollado que estaba a nivel literario el proceso de transformación de manera “orgánica”, como expresa José Luis Alemán. “Vesna lo que trata es sobre todo eso que le ocurre durante su cambio y después, si tiene fases en las que duerme mucho y por qué, si como humano tiene un temperamento suave su evolución sería diferente, y el proceso en sí, de todas las curiosidades que despierta que no habían sido tratados con anterioridad”. Vesna representaría, así, una manera de contarlo como si el autor quisiera “crear una novela incluyendo las secuelas… Es una forma de acercarse para conocer al hombre lobo, más que al mito, al ser en sí mismo, como si fuera una especie más entre nosotros”, explica.
