Presentados los primeros detalles de la XVI edición de la Muestra Syfy

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En la noche de ayer martes el Cine Palacio de la Prensa de Madrid acogió el preestreno de Feliz día de tu muerte 2 (Happy Death Day 2U, 2019), secuela de la película de terror del pasado 2017. Organizado por la Muestra SYFY de Cine Fantástico, antes de la proyección del film, Gorka Villar, director de Marketing y On Air de NBCUniversal, dio a conocer los primeros detalles de su décimo sexta edición, que tendrá lugar entre los próximos 7 y 10 de marzo y estará patrocinada por la plataforma digital Sky, la cual regalará tres meses de suscripción a todos los espectadores que compren el abono, según se informó ayer.

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En primer lugar, se presentaron los tres carteles oficiales de esta edición, que tienen como protagonistas a “El hombre lobo”, “La momia” y “El conde Drácula”, respectivamente, en estampas cotidianas. Tras ello, se procedió a ofrecer un primer avance de títulos que conformaran la programación para esta edición, que un año más traerá al capital una selección del mejor cine de género.

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En total, seis fueron los títulos anunciados, entre los que destacan dos de los films más destacados de la última temporada dentro del fantástico. Por un lado la estadounidense Nación salvaje y su crítica en clave adolescente y feminista al hipócrita puritanismo de la sociedad estadounidense en la era Trump; y One Cut of the Dead, inteligente juego de metaficción de ida y vuelta procedente de Japón, donde se ha convertido en un auténtico fenómeno de culto, y ganadora de la pasada edición de la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián.

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Junto con estos dos films, Gorka Villar confirmó la presencia en el programa del thriller psicológico Escape Room, que llegará a la Muestra unos días antes de su estreno en salas comerciales, Prospect, definida por Villar “como un western de ciencia ficción”, el también film de ciencia ficción, en este caso bajo los andamiajes del thriller, Elizabeth Harvest, y la que será una de las protagonistas de las matinales del fin de semana, la cinta de animación francesa Dilili à Paris.

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A continuación os ofrecemos los tráilers y una pequeña sinopsis de los títulos confirmados:

NACIÓN SALVAJE (ASSESINATION NATION, ESTADOS UNIDOS, 2018) DE SAM LEVINSON

Después de que un hackeo de datos exponga los secretos de la ciudad de Salem, el caos se desata en la población y cuatro chicas deberán luchar para sobrevivir.

ONE CUT OF THE DEAD (JAPÓN, 2018) DE SHINICHIRO UEDA

Un equipo se encuentra en medio de un rodaje de una película de Serie B sobre zombis. Lo que no se esperan es que, durante la misma grabación de la película, comenzará un auténtico apocalipsis zombi que comprometerá la continuación del proyecto, pero también la vida del equipo de rodaje.

ESCAPE ROOM (ESTADOS UNIDOS, 2019) DE ADAM ROBITEL

Seis personas quedan atrapadas en un escape room cuyo creador ha diseñado una trampa mortal en cada habitación. No saben por qué les está haciendo esto, pero sí saben que un solo error les costará la vida.

PROSPECT (ESTADOS UNIDOS, 2018) DE ZEEK EARL & CHRIS CALDWELL

Una adolescente y su padre buscan piedras preciosas en la luna de un planeta alienígena. Sin embargo, no son los únicos que deambulan por este extraño paraje y, en lugar de enriquecerse, su misión acabará siendo escapar de allí con vida.

ELIZABETH HARVEST (ESTADOS UNIDOS, 2018) DE SEBASTIAN GUTIERREZ

Elizabeth, recién casada, llega a la vasta y lujosa finca de su esposo. Él le explica que puede ir adonde le plazca, excepto una habitación, cerrada con llave, a la que tiene prohibido entrar.

DILILI À PARIS (FRANCIA, 2017) DE MICHEL OCELOT

En la París de la Belle Epoque, la pequeña Dilili investiga misteriosos secuestros de chicas jóvenes en compañía de un joven repartidor con scooter . Ella va de aventura en aventura a través de la prestigiosa ciudad, conociendo a hombres y mujeres extraordinarias que la ayudan, y también villanos, que se enfurecen desde las sombras. Los dos amigos harán que la luz, la libertad y la alegría de vivir juntos triunfen por encima de todo.

Más información sobre la #MuestraSYFY en suss canales oficiales de Facebook, Twitter & Instagram, e www.syfy.es

Published in: on febrero 13, 2019 at 8:28 am  Dejar un comentario  
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A la venta “M. Night Shyamalan, el cineasta de cristal”, ensayo coral que repasa y analiza la carrera del director de “El sexto sentido”

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“M. Night Shyamalan, el cineasta de cristal” es el título de un nuevo libro centrado en la carrera del cineasta de origen indio que acaba de publicar la editorial Berenice y que se encuentra ya a la venta desde hace unos días. Se trata de una obra coral coordinada por Raúl Cerezo y José Colmenarejo, en la que han participado cineastas, críticos, directores de festivales, profesores de universidad, escritores, documentalistas, estudiosos e ilustradores, que analizan, desde su personal visión, la trayectoria de un realizador cuya obra -en esto coinciden todos- suscita apasionantes controversias.

Así, en este libro escrito a muchas manos se recogen entre otras facetas el sentido último de sus ficciones más comentadas, las acciones que ha tenido que emprender para filmar sus películas, las peculiaridades de todas ellas y las campañas de publicidad que ha realizado para dar a conocer su trabajo. Asimismo, y en el plano humano, se describen su talante a la hora de afrontar las críticas, sus esfuerzos para mantener el estrellato o para salir del pozo negro en el que se ha visto sumido en ocasiones, lugar rara vez frecuentado por directores de género de primera línea como él. Según tesis expuestas en este ensayo, el cineasta indio es el creador de la película definitiva sobre la convivencia con fantasmas, superhéroes reales o invasiones extraterrestres. Y es que M. Night Shyamalan es un creador de iconos y, sobre todo, de meditadas obras que dan lugar a encendidos y fructíferos debates.

Amparándose paradójicamente en el género fantástico, algunos de los especialistas afirman que Shyamalan habla de temas terrenales, cercanos, incluso existencialistas. Todos coinciden en que “no hay película suya en la que no se aborde mucho más que el susto bien urdido, del cual es dueño y señor”. En definitiva, “M. Night Shyamalan, el cineasta de cristal” se erige en un ensayo imprescindible para quienes quieran acercarse a la figura y obra de uno de los cineastas más influyentes y controvertidos de los últimos lustros, en el que encontrará atinadas reflexiones sobre un artista del celuloide que juega al todo o nada en cada película que dirige.

El medio centenar de autores reunidos para dar forma a “M. Night Shyamalan, el cineasta de cristal”, está compuesto por José Colmenarejo García, Raúl Cerezo, Ángel Sala Corbi, Diego Salgado, David Salgado Marcote, Alexander Zárate Ormaeche, Hilario J. Rodríguez, Juanjo Ramírez Mascaró, Rubén Sánchez Trigos, Adrián Esbilla, Lluis Vilanova, Carlos Díaz Maroto, Héctor García, Juan Antonio Barnes, Aída Cordero Domínguez, Álvaro Pita, Ramón Monedero, Aarón Rodríguez Serrano, Julio Gómez, Jordi Ardid, Francisco J. Ortiz, Alicia Albares Martínez, José Manuel Sala Díaz, Adrián Álvarez, Henrique Lage, Alfredo Bonzo, Nicolás Ruiz Jiménez, Rubén Pajarón, Roberto García-Ochoa Peces, Gonzalo Hervás, Alberto Romero Iglesias, David Gómez Martínez, David Baró, Álvaro Ramos, Toni Pons, Paco Cavero, J. P. Bango, Pedro J. Mérida, Ángel Gómez Hernández, Borja González Santaolalla, Javier Trigales, Blanca Sánchez Martínez, José Manuel Cuéllar, David Salgado Marcote, Sergi Grau Martínez, Jesús Cañadas, Ángel Gómez Rivero, Miguel Ángel Lozano Pérez, Miguel Á. Refoyo y un servidor, José Luis Salvador Estébenez.

En mi caso, y bajo el título de “Crónica de un fracaso”, me ocupo de desgranar la producción de After Earth (After Herat, 2013), película orquestada por Will Smith con la que Syamalan trataba de recuperarse del varapalo sufrido con el fracaso crítico y comercial cosechada por Airbender: el último guerrero (The Last Airbender, 2010):

“La participación de M. Night Shyamalan en la que, a la postre, se convertiría en la décima película de su filmografía, se produjo de una forma harto curiosa. Todo comenzó con una llamada de cortesía. Es el 6 de agosto de 2010, fecha del cuarenta cumpleaños del cineasta de origen hindú. Ese día, entre las felicitaciones que recibe se encuentra la de Will Smith. Durante la conversación telefónica que mantienen, el actor y cantante afroamericano aprovecha para comentarle los pormenores de un nuevo proyecto que tiene entre manos. En esencia, se trata de un vehículo al servicio de Jaden, su hijo mediano, fruto de su matrimonio en segundas nupcias con la actriz y productora Jada Pinkett.”

“El control que Will Smith ejercería en la realización de un film que, al fin y al cabo, había sido ideado por él mismo, llegaría al punto de supervisar junto con Shyamalan la búsqueda de las localizaciones costarricenses donde se efectuaría gran parte del grueso del rodaje en exteriores. Ejemplos como este ponen de relieve la condición de producto de encargo de After Earth dentro de la trayectoria de su director, por más que ejerciera también labores de coproductor, lo cual puede rastrearse en otros muchos detalles de lo más significativos. Sin ir más lejos, por primera vez en su carrera trabajaría sobre un guion ajeno, obra de Gary Whitta, responsable a su vez del libreto de otra cercana cinta de temática post-apocalíptica, El libro de Eli (The Book of Eli, The Hughes Brothers, 2010), a partir de una historia original que el propio Will Smith había pergeñado cuando veía un capítulo del documental televisivo I Shouldn’t Be Alive (2005-2012) en compañía de su cuñado.”

“Ahora bien, el concurso de estos elementos no quita para que el viaje iniciático y relato de supervivencia, aliñado con conflicto paterno-filial de fondo que propone la película, resulte en su globalidad demasiado arquetípico y manido, por mucho que en su momento Shyamalan manifestara que “la concepción de este postapocalíptico futuro de After Earth es radicalmente diferente a lo que hemos visto anteriormente. Hemos abandonado la Tierra, no ha habido ningún cataclismo, ni invasiones extraterrestres, ni guerras nucleares. Sencillamente, se ha llegado a un punto tal que la vida era mejor lejos de aquí, colonizando un nuevo mundo”. Tanto es así que su aparición coincidiría en el tiempo con otro film futurista de similares características, ideado también como vehículo para el lucimiento de su estrella protagonista, en este caso Tom Cruise, y que a la postre cosecharía un superior rendimiento comercial. Se trata de Oblivion (Oblivion, 2013), film dirigido por Joseph Kosinski en el que, al igual que After Earth, sus protagonistas deambulaban por una Tierra que había sido abandonada por los humanos. ¿Tendrían algo que ver en estas concomitancias las críticas que en su estreno, como ahora veremos, achacaban al título que nos ocupa de ser poco menos que un panfleto publicitario de las creencias de la Iglesia de la Cienciología, de la que, como es sabido, Cruise es uno de sus más mediáticos adalides?”

Más información: almuzaralibros.com/fichalibro.php

 

Published in: on febrero 12, 2019 at 6:44 am  Dejar un comentario  

La Aventura Audiovisual estrena el próximo viernes en España el drama criminal “Bomb City”

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El próximo viernes 15 de febrero La Aventura Audiovisual estrena en salas españolas Bomb City (2017), un drama criminal basado en la historia real del joven Brian Deneke, que cuestiona la moralidad de la justicia estadounidense. Dirigida por el debutante Jameson Brooks, sobre un guion coescrito por él mismo junto a Sheldon Chick, la película está protagonizada por Dave Davis, Cameron Wilson y Logan Huffman.

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Sinopsis: Invierno de 1997. Amarillo, Texas. Brian Deneke es conocido por su cresta verde y su pasión por la música punk. Organiza conciertos con sus amigos en un lugar ruinoso conocido como Bomb City, donde los asiduos se niegan a ajustarse a la cultura conservadora que los rodea. Su estilo de vida y estética encienden la intolerancia de la comunidad, sobretodo la de un grupo de deportistas de secundaria conocidos como White-hatters. Comienzan así una serie de peleas callejeras entre ambos grupos que culminarán en uno de los crímenes de odio más polémicos de la historia estadounidense reciente.

La crítica ha dicho de ella…

“Bomb City is a punk rock epic”. (The Fandometals)

“Un debut impresionante, Brooks sabe qué teclas tocar para intensificar el suspense”. (Variety)

“Conmovedora, potente e impactante.” (Austin Chronicle)

“Un drama empático y eficaz, lejos de mostrar a un asesino unidimensional” (The Guardian)

Published in: on febrero 10, 2019 at 8:41 am  Dejar un comentario  

AMC estrenará en 2019 la nueva serie de terror “NOS4A2”, adaptación de la novela homónima de Joe Hill

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AMC ha anunciado esta semana que estrenará en España a lo largo de este año su nueva serie de terror sobrenatural NOS4A2, protagonizada por el actor y productor nominado a los Emmy Zachary Quinto (Star Trek, American Horror Story) y la actriz Ashleigh Cummings (The Goldfinch, Hounds of Love). La directora Kari Skogland, nominada a los Emmy (El cuento de la criada, Sons of Liberty), dirigirá los dos primeros episodios de la serie, que se basa en la exitosa novela de Joe Hill del mismo nombre. La producción, compuesta por diez episodios de una hora de duración cada uno, se llevará a cabo en Rhode Island (Estados Unidos).

Zachary Quinto interpreta a Charlie Manx, un seductor inmortal que se alimenta de las almas de los niños y deposita lo que queda de ellas en Christmasland, un pueblo de Navidad helado y enrevesado, producto de la imaginación de Manx, donde todos los días son Navidad y la infelicidad está considerada como un delito. Pero Manx ve todo su mundo amenazado cuando una joven de Nueva Inglaterra (Cummings) descubre que posee un peligroso don.

Ashleigh Cummings encarna a Vic McQueen, una joven artista de clase obrera cuya creatividad despierta en ella una capacidad sobrenatural de rastrear a Charlie Manx. Vic compensa su falta de seguridad en el trato con los demás con valentía, humor y una determinación dura como el acero. Se esfuerza por derrotar a Manx y rescatar a sus víctimas sin perder la cordura en el intento ni caer ella misma en sus redes.

NOS4A2 es una producción de AMC Studios en asociación con Tornante Television. El equipo de producción ejecutiva estará compuesto por Joe Hill, Jami O’Brien (Fear The Walking Dead, Infierno sobre ruedas), quien creó la serie para la televisión y trabajará como showrunner, y Lauren Corrao, copresidente de Tornante Television. Además de Quinto y Cummings, el reparto incluye los nombres de Olafur Darri Olafsson (Lady Dynamite) como Bing Partridge; Virginia Kull (The Looming Tower) como Linda McQueen; Ebon Moss-Bachrach (The Punisher) como Chris McQueen; y Jahkara Smith (también conocido como Sailor J) en la piel de Maggie Leigh.

 

Published in: on febrero 9, 2019 at 8:38 am  Dejar un comentario  

Comienza el verkami para la publicación del libro “El cine del Oeste en la Comunidad de Madrid

El cine del oeste en la Comunidad de Madrid

Desde el pasado lunes se encuentra abierto el Verkami para la publicación de “El cine del Oeste en la Comunidad de Madrid”, de Javier Ramos y Ángel Caldito. Como su título indica, el libro nace para repasar la relación de Madrid con el género por antonomasia y destacar la importancia que tuvo la Comunidad en el desarrollo del spaghetti-western. Y es que aunque el género suele asociarse por lo general a los parajes almerienses, lo cierto es que en la entonces provincia de Madrid se rodaron, total o parcialmente más de doscientos westerns. De hecho, el papel de Madrid resultaría determinante en el nacimiento del género. Fue en Hoyo de Manzanares donde se construyó el primer poblado para el rodaje de este tipo de cintas, y allí se localizó gran parte del rodaje del título que otorgaría carta de naturaleza al estilo. Me refiero, obviamente, a Por un puñado de dólares de Sergio Leone.

Junto con Hoyo de Manzanares, La Pedriza, Colmenar Viejo, Ciempozuelos, Titulcia o Torremocha fueron otras de las localidades madrileñas donde con frecuencia cabalgaron vaqueros, indios, soldados o bandidos mexicanos. Tanto es así que en Madrid existieron tres grandes poblados del Oeste, varios poblados temporales, cuatro fuertes y decenas de ranchos y cabañas. Pero, por desgracia, a día de hoy apenas quedan restos de estos lugares y casi nadie recuerda que existieron. Es por ello que uno de los objetivos que persigue “El cine del Oeste en la Comunidad de Madrid” es dar fe de estos lugares y que los aficionados al género puedan visitarlos. Con este fin en el libro se ofrecen detalles de cada localización, además de mapas y planos.

Pero, además, “El cine del Oeste en la Comunidad de Madrid” quiere también rendir un pequeño homenaje a todos los madrileños, productores, artistas y técnicos que trabajaron en aquellas películas. Así, entre sus páginas se explica quiénes eran todas estas personas y empresas cuyos nombres aparecen en los títulos de crédito de muchos spaghetti-western. De este modo, el libro se divide en tres partes: “Historia del cine el Oeste en la Comunidad de Madrid”, “Localizaciones de rodaje” y por último, “Madrileños que trabajaron en los rodajes”. Todo ello acompañado por más de cuatrocientas fotografías a color y prólogo de José Luis Galicia, mítico decorador cinematográfico y uno de los constructores del poblado del Oeste de Hoyo de Manzanares.

El objetivo fijado para el Verkami es de tres mil quinientos euros, que se destinarán para los gastos derivados de la realización e impresión de trescientos ejemplares del libro, gastos de envíos, recompensas y otros gastos. Las aportaciones para que el proyecto pueda llevarse a van desde los 5 euros hasta 100 euros, y entre las recompensas figuran fotocromos de El precio de un hombre y de El hombre de Río Malo firmados por su director, Eugenio Martín, y en el segundo caso también por la actriz Lone Fleming, así como visitas guiadas por uno de los autores a las localizaciones donde se encontraban los poblados de Colmenar Viejo y Hoyo de Manzanares (Golden City).

Enlace al Verkami de “El cine del Oeste en la Comunidad de Madrid” aquí.

Published in: on febrero 6, 2019 at 6:36 am  Dejar un comentario  

Presentación en Madrid este viernes de los libros coordinados por Ángel Gómez Rivero “La huella de Drácula” y “Abecedario del Horror”

Este viernes 8 de febrero de 2019, de 20:00 a 21:00 horas tendrá lugar la presentación de los libros La huella de Drácula. Antología de relatos y Abecedario del Horror. Personajes y mitos clásicos del cine de terror, ambos coordinados por Ángel Gómez Rivero, y publicados por Calamar Ediciones. El primero de los libros es una selección de relatos en torno a la figura y la novela de Drácula, con historias que suponen prefacios, secuelas o spin-offs de la inmortal obra de Bram Stoker; el segundo es una guía alfabética de personajes clásicos del cine de terror, repasando todo el ingente mundo de criaturas que han convocado.

El acto tendrá lugar en la librería Estudio V, sita en Calle de las Canarias 9BIS de Madrid, y estarán presentes tanto Ángel como gran parte de los autores que han colaborado en ambos libros, entre los que se encuentran otros amigos y colaboradores de esta abadía como Carlos Díaz Maroto y Miguel Ángel Plana.

Published in: on febrero 5, 2019 at 4:32 pm  Dejar un comentario  

Necrológica de Julie Adams, la mujer que enamoró al monstruo

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Julie Adams falleció el pasado domingo en Los Ángeles a los 92 años, según informó en la mañana de ayer la página oficial de la actriz en Facebook. Nacida como Betty May Adams, Julie vino al mundo el 17 de octubre de 1926 en la localidad de Waterloo, en Iowa. Su salto al mundo del cine se produjo cuando apenas contaba con diecinueve años, tras proclamarse ganadora en un concurso de belleza. En la meca del cine, sus primeros trabajos se encuadrarían dentro de la Serie B, especialmente en westerns, dando así el pistoletazo de salida a una trayectoria que se ha prolongado a lo largo de siete décadas y que ha dado como fruto un centenar y medio de títulos. Una fecundidad a la que no fue ajena que desde finales de los cincuenta su carrera se enfocara hacia el medio catódico, donde intervino en series tan emblemáticas como Bonanza, Alfred Hitchcock presenta o Se ha escrito un crimen, en la que encarnó a un personaje recurrente en las andanzas de Jessica Fletcher.

En el cine, compartió pantalla con algunas de las principales estrellas de la época, caso de James Stewart, Rock Hudson, Tyrone Power, Glenn Ford, Charlton Heston y Elvis Presley, trabajando a las órdenes de directores de la talla de Anthony Mann, Raoul Walsh, Budd Boetticher, John Sturges o Roman Polanski, para el que hizo su último trabajo como actriz poniendo la voz en off en la película Un dios salvaje el pasado 2011. Sin embargo, el papel que le abrió las puertas s la posteridad le produciría en una modesta producción de género fantástico que retomaba el eterno mito de la bella y la bestia, convertida con el devenir de los años en uno de los principales clásicos del género. Nos referimos, obviamente, a La mujer y el monstruo (Creature from the Black Lagoon, 1954), en la que Julie daba vida a Kay Lawrence, una joven expedicionaria de una misión científica en la Amazonia cuya espectacular belleza hacía caer rendida a la temible criatura de la laguna negra y, con él, a millones de espectadores desde entonces. El resto es historia.

En lo que respecta a su vida privada, Julie Adams estuvo casada dos veces. Primero, con el productor y guionista Leonard B. Stein entre 1951 y 1953. Un año más tarde contraería matrimonio en segundas nupcias con Ray Danton, actor y director muy activo en la década de los sesenta y setenta en el cine de género europeo; suyo es el papel protagonista de Lucky, el intrépido de Jesús Franco, además de dirigir uno de los más olvidados y reivindicables títulos de nuestro fantaterror, La tumba de la isla maldita. Fruto de este matrimonio, que finalmente acabaría en divorcio en 1981, son los dos hijos de la actriz, ambos dedicados profesionalmente al medio audiovisual y aún en activo: Steve Danton, auxiliar de dirección en films como A la caza del octubre rojo, Thelma & Louise o Infierno azul; y Mitchell Danton, montador principalmente de series televisivas.

Descanse en paz.

Published in: on febrero 4, 2019 at 11:44 pm  Dejar un comentario  

Palmarés de los Goya 2019

El reino y Campeones han sido las películas más galardonadas en la ceremonia de los trigésimo terceros premios Goya, celebrada anoche en Sevilla. El reino fue la gran triunfadora de la velada acumulando hasta siete galardones, entre los que se encuentran el de mejor guión, mejor actor protagonista y mejor actor de reparto, para Antonio de la Torre y Luis Zahera, respectivamente, y el de mejor director para Rodrigo Sorogoyen. Por su parte, la comedia de superación de Javier Fesser se alzó con los reconocimientos a la mejor película, mejor canción original y mejor actor revelación por el trabajo de Jesús Vidal.

En cuanto a los galardones destinados a las producciones foráneas, el de mejor película iberoamericana recayó en la mexicana Roma de Alfonso Cuarón, mientras que el destinado a la mejor película europea fue para la polaca Cold War. Por último, hay que recordar que el Goya honorífico de este año sirvió para homenajear a uno de los nombres propios del género terrorífico español en el medio audiovisual como es el gran Chicho Ibáñez Serrador.

A continuación os ofrecemos el listado completo de ganadores de esta edición de los Goya:

Mejor Actriz de Reparto

Carolina Yuste por Carmen y Lola

Mejor Dirección de Fotografía

La sombra de la ley

Mejor Montaje

El reino

Mejor Actriz Revelación

Eva Llorach por Quién te cantará

Mejor Guión Adaptado

La noche de 12 años

Mejor Guión Original

El reino

Goya de Honor

Narciso Ibáñez Serrador

Mejor Actor Revelación

Jesús Vidal por Campeones)

Mejor Dirección Artística

La sombra de la ley

Mejor Sonido

El reino

Mejores Efectos Especiales

Superlópez

Mejor Cortometraje Documental

Gaza de Carles Bover & Julio Pérez

Mejor Cortometraje de Animación

Cazatalentos de José Herrera

Mejor Cortometraje de Ficción

Cerdita de Carlota Pereda

Mejor Actor de Reparto

Luis Zahera por El reino

Mejor Película de Animación

Un día más con vida

Mejor Película Europea

Cold War

Mejor Dirección Novel

Arantxa Echevarría por Carmen y Lola

Mejor Canción Original

Campeones

Mejor Música Original

El reino

Mejor Diseño de Vestuario

La sombra de la ley

Mejor Maquillaje y Peluquería

El hombre que mató a Don Quijote

Mejor Dirección de Producción

El hombre que mató a Don Quijote

Mejor Película Documental

El silencio de los otros

Mejor Película Iberoamericana

Roma
Mejor Actor Protagonista

Antonio de la Torre por El reino

Mejor Actriz Protagonista

Susi Sánchez por La enfermedad del domingo

Mejor Dirección

Rodrigo Sorogoyen por El reino

Mejor Película

Campeones

Published in: on febrero 3, 2019 at 10:07 am  Dejar un comentario  

Entrevista a Pedro Temboury, “Premio Jess Franco” en Cutrecon VIII

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Pedro Temboury fue la personalidad escogida por CutreCon para hacerle entrega de su honorífico premio Jess Franco durante su octava edición, celebrada entre los pasados 23 y 27 de enero. Un galardón que el malagueño agradeció subrayando lo especial que le resultaba recibir un reconocimiento que llevaba el nombre del que fuera su mentor y maestro, según reconoció en la rueda de prensa de presentación del certamen. Con su elección, el Festival de Cine Cutre de Madrid quiso reconocer la trayectoria de un cineasta que en el arranque del nuevo milenio se convirtió en uno de los principales nombres del cine underground español a través de dos películas plagadas de monstruos marinos, científicos locos, penes incorruptos en tarros de formol y sociedades secretas de amazonas, que lucían con orgullo y sin prejuicios su condición de series Z envueltas en música rock and roll y mucho, mucho sentido del humor. Sin embargo, superada la primera década del nuevo siglo, Temboury abandonó el cine de ficción para reorientar su carrera hacia el formato documental, donde desde entonces ha seguido ocupándose de algunas de sus pasiones, como el surf, el skate o el propio Jesús Franco.

Como complemento al homenaje dedicado al cineasta, la octava edición de CutreCon programó dos de sus largometrajes, cada uno de ellos pertenecientes a una de las etapas en las que se divide su filmografía. Por un lado, la emblemática Kárate a muerte en Torremolinos (2003), proyectada como plato fuerte de la tradicional maratón del viernes en la Casa del Reloj y que sirvió para escenificar la entrega del máximo galardón del certamen. Y, por otro, La última película de Jess Franco/Le dernier film de Jess Franco (2013), donde analiza a través del testimonio de diversos nombres propios de su cine la trayectoria del icónico cineasta al tiempo que le rinde tributo, y que pudo verse dentro de la doble sesión matinal del domingo de “Documentrash”, el espacio dedicado por CutreCon al formato documental.

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Pedro Temboury agradeciendo el Premio Jess Franco con el que le homenajeó CutreCon

Según he leído, tu afición por el cine y la Serie B te viene por parte paterna…

Pues sí. Yo tuve la suerte de crecer en la época en la que aún existían los cines de barrio y había uno de estos cines al lado de mi casa en el que vi muchas películas, como 20.000 mil leguas de viajes submarinos (20,000 Leagues Under the Sea, 1954). Mi padre era un gran aficionado al cine de Serie B, al que le encantaban las películas tipo La humanidad en peligro (Them!, 1954), El increíble hombre menguante (The Incredible Shrinking Man, 1957), El gigante ataca [tv/dvd El asombroso hombre creciente] (The Amazing Colossal Man, 1957), La invasión de los ladrones de cuerpos (Invasion of the Body Snatchers, 1956)… Y estas películas me fascinaron y me acompañaron durante toda mi vida. Lógicamente, cuando empecé a rodar cortos me acogí a estas influencias, que era donde yo me sentía más cómodo.

¿Y qué te lleva a comenzar a rodar cortos?

Cuando vivía en Málaga un día en Metrópolis[1] emitieron un programa dedicado a la gente que estaba empezando a hacer cortometrajes sangrientos en España y dieron los de Álex de la Iglesia y Santiago Segura. Yo era un fan de Peter Jackson y todo el gore en general, y cuando vi un corto de Santiago Segura que estaba hecho en Super 8 recordé que un tío mío tenía una cámara de Super 8. Así que al día siguiente le estaba llamando: “Oye, préstame la cámara que me gustaría hacer un corto con los amigos”. Me dejó la cámara, hubo que arreglarle un par de cosillas, y al mes ya estábamos rodando nuestros primeros cortos. Aunque siempre he escrito relatos, me ha encantado el cómico y el hecho de contar historias y tenía ese gusanillo, y fue claramente aquel corto de Santiago Segura en Super 8 donde él mismo doblaba a todos los personajes el que me empujó a rodar mis cortos[2].

En aquella época tenía un grupo de amigos que me apoyaba un montón para sacar estos cortos adelante. Por ejemplo, mi novia, Raquel Cabra, era la directora de fotografía, como después lo sería en varías películas de Jesús Franco. El primero fue Drácula, en el año 1993, el segundo fue Cigarrillos radioactivos, creo que un año después, a este le siguió Ceniza y Vida y muerte de un coleccionista de discos, y, ya por último, Psycholettes (1996).

Por aquellos años te conviertes además en ayudante de dirección y jefe de producción en las películas de Jesús Franco. ¿Cómo entraste en contacto y empiezas a trabajar con él?

A través de estos cortometrajes. Le enseñé mis cortos en Super 8 a Lourdes Olaizola, la hermana de José Luis Olaizola, un productor muy potente, y ella me dijo que estaban chulísimos y eran muy originales. “Yo creo que si te curras un guioncillo te puedo ayudar en Madrid a colocárselo a mi hermano”, me propuso, y así hice. Al día siguiente tenía ya una idea preparada que era Psycholettes, y se lo presenté. Psycholettes tuvo bastante éxito dentro de festivales y me lo compró Canal Plus. Cuando fui a Canal Plus para negociar la venta me preguntaron si era fan de Jesús Franco. Les contesté que sí, claro, y entonces me comentaron que iba a ir al Cinema Jove de aquel año, 1996, y que si me apetecía me podían acreditar como trabajador de Canal Plus para que fuera al festival. “Lo mismo le conoces y todo”. Aunque yo empecé con el cine de Serie B que le gustaba a mi padre, después investigué por mi cuenta. Y en mi caso la música ha estado muy relacionada con mi inclinación al cine. Yo era muy fan de los Ramones y Johnny Ramone era súper fan de Jesús Franco. Tanto es así que cada vez que le entrevistaba un periodista español le preguntaba si conocía a Jesús Franco y si el periodista le respondía que no se comportaba en plan borde. Pero si le decía que sí cuentan que daba unas entrevistas cojonudas. Cuando leí esa anécdota me puse a investigar quién era ese Jesús Franco al que yo no conocía. Me encantó, me obsesioné con su cine y empecé a ver películas suyas sin parar durante mogollón de tiempo. Y eso me retroalimentaba más, porque veía que el cine que yo quería hacer era un cine asequible que no necesitaba de grandes medios.

Así que fui al Cinema Jove y, efectivamente, conocí a Jesús Franco. Le enseñé Psycholettes, que es un homenaje al cine de Jesús, y me acuerdo que mientras lo veía me miraba de vez en cuando como en plan “¡Hostias, esto cómo mola!” (risas). Entonces le comenté que era súper fan suyo, que me encantaba su cine, que le admiraba y que me gustaría trabajar en alguna película suya, aunque fuera para llevarle los cafés. Se apuntó mi teléfono y a los tres meses, después del verano, creo que a finales de septiembre, un día que estaba comiendo en casa de mi madre llaman al teléfono. Lo coge mi hermana y me dice: “Pedro, te llama Jesús Franco”. Me quedo flipando y cuando me pongo, efectivamente, era él. “Pedro, mira, mañana voy a Málaga para rodar unas películas que tengo firmadas y me encantaría que me echaras una mano. Pásate mañana y hablamos”.

Al día siguiente fui con un colega a recoger a Jesús al aeropuerto y me contó que iba a rodar en Málaga Tender Flesh (1997), que fue la película que hizo justo después de Killer Barbys (1996) con producción norteamericana y alemana. Yo en un principio creía que iba a llevar los cafés, pero para mi sorpresa Jesús tenía pensada otra cosa. “En Psycholettes se veía que tenías un equipo muy apañado. Cualquiera se cree que es una producción profesional. Habla con tus colegas a ver si llegamos a un acuerdo. Tengo este presupuesto y os puedo pagar tanto”. Estuvimos localizando una semana, después se volvió a Madrid, y como a las tres semanas estábamos rodando la película con el equipo de mis cortometrajes y actores internacionales. Tú imagínate para nosotros lo que suponía que Jesús Franco viniera a Málaga a rodar con nosotros. De hecho, mi primer sueldo en la industria lo cobré con Jesús. Y él quedó encantado con nosotros, porque entonces debíamos tener como veinticinco o veintiséis años y teníamos una energía de flipar, sobre todo al ser fans de él. Tanto le encantó que se fue a vivir a Málaga y allí se quedó hasta que murió. Yo estuve ayudándole en cinco películas antes de venirme a Madrid a trabajar, porque aunque Jesús rodaba un par de películas al año, con eso no me daba para vivir, ya que aparte de él no había mucho curro en Málaga.

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Es obvio que este aprendizaje con Jesús resultó fundamental para que te decidieras a dar el salto y rodar tu primer largo con Kárate a muerte en Torremolinos

Efectivamente. Yo también había crecido en ese caldo de cultivo del cine de Serie B y Z y en mis propios cortometrajes no nos gastábamos un duro. Pero ya con Jesús comprobé que con esos medios se podía hacer un largometraje, que siempre iba a tener más repercusión que un cortometraje, porque la vida de un cortometraje es muy limitada. Con un largometraje, en cambio, fíjate: dieciocho años después Kárate a muerte en Torremolinos se sigue proyectando.

¿Y cuál es la idea que sirve de detonante para que hicieras una película tan gamberra, en la que entremezclas científicos locos, monstruos marinos, surfistas católicos y karatekas, entre otras cosas?

Estando rodando con Jesús Doctor Wong (Dr. Wong’s Virtual Hell, 1999) me descojonaba cuando le veía haciendo el personaje. “¡Qué puto genio! ¡Qué maestro!”, pensaba. Y entonces se me ocurrió el hacer una película de karatecas en Torroles que fuera súper loca, con monstruos marinos, zombis ninja y todo lo que nos gusta. Con esta idea, una vez que tuve el argumento armado llamé a Pablo, que era el colega que fue coguionista, y aquí en Madrid escribimos el libreto en dos meses. De hecho, como yo ya estaba en Madrid currando pude ahorrar dinero unos meses no pagando el IVA; en ese momento, claro, que después se lo cobraron (risas). Estuve un año sin pagar el IVA y con ese dinero que pude ahorrar me lancé a rodar la película con seis mil euros en doce días con un equipo mínimo. No sé, seríamos diez o quince personas dependiendo del día. Y sí, bueno, después se metió un productor de Madrid, Tomás Cimadevilla de Telespan, que es la productora de El otro lado de la cama (2002) o Días de fútbol (2003), y cuya primera referencia fue Kárate a muerte en Torremolinos. Nos ayudó en la post-producción, pero en el rodaje fuimos nosotros a nuestro rollo.

Imagino que en estas condiciones el rodaje sería una locura…

Precisamente hay una anécdota cuando vino este productor al rodaje. Nosotros cuando terminábamos cada día nos íbamos de marcha, porque era una película, pero como la gente no cobraba teníamos un poco una actitud de hacer un campamento de cine de verano y no de hacer una película en plan serio. En aquella época yo tenía una casa en Málaga y allí nos hospedábamos todos. En mi habitación lo mismo dormían tres personas, en el salón lo hacían seis o siete, otros en la azotea… Nos repartíamos por toda la casa porque no había dinero para hoteles. Y este productor un día después de una noche de marcha me dijo: “Joder, Pedro, vosotros no descansáis, y tú necesitas descansar”. “Mira, Tomás”, le contesté, “esto es un rodaje punk-rock y esto es así. Estamos aquí para divertirnos”. Y eso mismo es lo que se plasmó en la película.

Después hay miles de anécdotas del rodaje de Kárate a muerte en Torremolinos. Por ejemplo, teníamos que dar “el agua” porque rodábamos sin permisos, así que poníamos a gente en sitios estratégicos por si venía la policía que nos avisara para esconder la cámara. O en las tomas de Jocántaro en la playa, que como no había medios y aunque hicimos un llamamiento a los colegas solo vinieron dos o tres, hicimos que atacara a la gente que había allí. Recuerdo que estábamos ensayando la toma, que era el ataque en la playa a una pareja, y de repente se nos juntó un montón de curiosos alrededor mirando. Así que les dije al cámara y Jocántaro que aunque estuviéramos ensayando el ataque a la pareja, cuando yo dijera acción para rodar, en lugar de eso Jocántaro atacara a toda esa gente que había alrededor. Y de ahí salió la toma en la que hay una estampida de gente corriendo despavorida por la playa. Y como esto hubo mogollón de trucos y anécdotas, ya que todo eran favores de gente y demás que conlleva hacer una película de Serie Z.

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Rueda de prensa de presentación de la octava edición de CutreCon. De izda. a dcha.: Carlos Palencia (director del festival), Pedro Temboury, Steven De Souza (Premio Sha-di-a) y Pedro J. Mérida (productor del festival)

La película está plagada de numerosas referencias, empezando por el nombre de varios personajes. ¿Era un simple guiño o también una forma de homenajear a tus referentes?

Claro. Cuando tú ruedas una película como esta y estás empezando lo que haces es homenajear a tu gente y lo que más te gusta. Y aquí teníamos a las películas de kárate, los monstruos marinos, las tablas de surf, ya que yo soy medio surfero, Jesús Franco haciendo de Miyagi… Y a la hora de buscar el título fue un poco igual. Una noche de risas salió el nombre de Kárate a muerte en Torremolinos y ahí se quedó.

Kárate a muerte en Torremolinos apareció en un momento en el que el cine underground español vivió una época de efervescencia, lo que facilitó que la película conociera una distribución más o menos normalizada, algo impensable tan solo unos años antes o después. ¿Cómo recuerdas aquella época?

Aunque después fue flor de un día, sí que en ese momento a principios de milenio había como una eclosión y nosotros la pudimos aprovechar. Por ejemplo, Kárate a muerte en Torremolinos fue la primera película que se estrenó a nivel digital en España, a través de la web ya.com. Ellos nos decían que estaba teniendo mucho éxito y yo casi no sabía de lo que me hablaba, porque yo en ese momento Internet solo lo usaba en el trabajo, pero el hecho es que pudimos entrar en este tipo de distribución. En esto también ayudó Tomás Cimadevilla, que tenía muy buenos contactos e hizo que pudiéramos cumplir con todo el papeleo que exige el Ministerio para legalizar la película, que muchas veces es una barrera infranqueable para los proyectos pequeños y que en nuestro caso gracias a Tomás la pudimos pasar.

Luego también estuvo el caldo de cultivo que hicimos en los festivales, donde pillamos como nombre entre la gente, hasta el punto de que fue la película más descargada en España en ese momento, según me dijo un colega informático. Yo flipé, aunque a la vez me mosqueaba. Me daba como penilla, porque los éxitos de fans molan mogollón, pero en la industria lo único que cuenta es el éxito monetario. Y yo notaba que la peli gustaba un montón, pero sin embargo no daba dinero, aunque luego pudimos hacer Ellos robaron la picha de Hitler (2006).

Hablemos de ella entonces. Aunque el tono es el mismo, comparada con Kárate a muerte en Torremolinos, Ellos robaron la picha de Hitler denota cierta evolución a nivel técnico, presentando una mejor factura. ¿Hubo algún cambio por tu parte en la forma de afrontar esta segunda película?

Como habíamos hecho una película como Kárate a muerte en Torremolinos, lo que me propuse es que la siguiente tenía que ser mejor. No obstante, Ellos robaron la picha de Hitler fue una película un poco fallida. Yo tenía otro guion antes, que se llamaba Pelos y lo había comprado Antonio Resines, y aunque estuvo a punto de hacerse, al final no salió. Creo que si Pelos hubiera salido se habría encaminado mi carrera. Pero como no salió, al final opté por hacer algo parecido a Kárate a muerte en Torremolinos, que era donde yo estaba cómodo, con mis colegas, en Málaga y con un guion súper loco. Lo que pasa es que en esta ocasión el humor se nos fue de las manos, porque este rollo de los nazis y tal no hace tanta chufla. Creo que eso fue lo que hizo que no se la tomara con tanto humor como a Kárate a muerte en Torremolinos.

Por otra parte, y aunque es culpa de la película y por ende mía, tampoco la pillaron en la Semana de Terror de San Sebastián, que era donde habíamos estrenado Kárate a muerte en Torremolinos y se había dado a conocer. Se pasó en menos festivales y la promoción, al hacerla a través de Telespan, no fue exactamente como yo quería, porque, por ejemplo, no se intentó ir al Festival de Sitges, cuando Sitges sí la quería, porque el productor tenía buenos contactos en el Festival de Málaga y quería estrenarla allí, cuando yo decía que como era una película de cine fantástico tenía que verla su gente para que pudiera hablar de ella.

Todo esto que me comentas ¿tuvo que ver que tras Ellos robaron la picha de Hitler abandonaras el cine de ficción y te pasaras al documental?

No exactamente. Estas películas las hacía en los momentos que me dejaba mi trabajo. Por ejemplo, Kárate a muerte en Torremolinos la rodé durante las vacaciones que tenía en el trabajo, lo que hizo que después para recuperar me tuviera que tirar todos los fines de semana durante un año trabajando como un bestia editando, porque no me podía permitir quitarme de mi trabajo. Y con Ellos robaron la picha de Hitler me quedé con un poco de desazón. Me planteé: “¿Tiene sentido este puto cansancio y este puto tute que te das de trabajar?” Además coincidió que tenía otro guion que ya estaba moviendo y no salía, no salía… Así que llegó un momento en el que decidí irme en verano a surfear por ahí, para un poco retomar mi afición. Y al disfrutar tanto del surf y del skate opté por tomarme un descansito del cine que me había dando tanto curro. Aparte, como en Ellos robaron la picha de Hitler tampoco cobró nadie iban a ser ya tres películas en las que no iba a pagar. Y yo me había puesto el tope de que, al menos, en la tercera película tenía que empezar a pagar al equipo. No podía ser que estuviera constantemente pidiendo favores a todo el mundo y ahí me planté.

Después, mientras surfeaba y patinaba, me surgió la idea de hacer Monopatín (2013)[3], ya que era algo que podía hacer yo solo y los favores me los tenía que hacer yo mismo. Y así hice. Además de dirigirla, Monopatín la edité yo, escribí el guion… Y a partir de ahí me lié con el documental.

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Junto con Carlos Palencia tras la proyección en el Auditorio del Centro Cultural Casa del Reloj de “Kárate a muerte en Torremolinos”

Dentro de esta faceta como documentalista es donde se inserta La última película de Jess Franco, en el que abordas la carrera del que fuera tu mentor. ¿Cómo surgió este proyecto?

Justo cuando empiezo con los documentales, Thomas Lesoeur, el hijo de Daniel Lesoeur, que era el coproductor de muchas películas de Jesús con Eurociné, me propone hacer un documental sobre Jesús Franco. Yo encantado, claro, llamé a Álex Mendíbil para que me ayudara a hacer el guion y nos liamos la manta a la cabeza. Es un documental que no lo hice todo como yo quería. Yo tengo a Jesús mucho respeto y quería lo mejor para esta película, pero vi que de repente me faltaba el tiempo. Se me juntó con Monopatín, hasta el punto de que Monopatín se estrenaba en tal fecha y La última película de Jess Franco quince días después. Al estar yo solo, esto me supuso largas jornadas de trabajo de veinte horas editando. Una locura. Es por eso que me gustaría poder darle un repaso y hacerlo con más tiempo. Además, al estar producido por Eurociné tenía el hándicap de tener que ceñirme a su material, aunque también me sirvió para poder ver muchas películas de Jesús que no había visto y exprimir las bandas sonoras. Como necesitaba música me venía de lujo, y además Daniel White y Jesús en esas películas estaban en un momento pletórico.

En cualquier caso, fue muy emocionante para mí, porque Jesús murió durante aquella época. A pesar de que yo estaba en Madrid, la relación con él la seguí manteniendo y cuando iba a Málaga siempre lo visitaba. Fue muy duro por su muerte y tener que hacer la edición de esta película me traía muchos recuerdos. Pero, por otra parte, fue también muy bonito, porque me permitió hacerle un homenaje, aunque creo que a Jesús no le gustaría, porque es muy académico.

Bueno, también tiene ideas muy innovadoras, como que aparezca él mismo en una escena como si estuviera dirigiendo a una actriz, en un momento totalmente metacinematográfico…

Si, esa es la parte más chula. Además, esas son las últimas imágenes de Jesús. Después de eso, a los quince días le dio el ictus y se murió el pobre.

Precisamente, en la escena en la que aparece el dirigiendo a la actriz Jesús se confiesa en tono cómico pero con un trasfondo tremendamente amargo sobre cómo el dedicarse al tipo de cine que hizo le amargó la vida. ¿Lo habías escrito tú o fue cosa suya?

Él lo improvisó. Mis únicas instrucciones fueron que dirigiera a la chica que aparecía como actriz. La idea era el rollo de metacine de que yo era Al Pereira y llegaba a donde está rodando y él estaba un poco cabreado conmigo porque había desaparecido de sus películas. Esa era la intención y, personalmente, me sorprendió lo que dijo, igual que lo hizo cuando le dieron el Goya honorífico. Había estado despotricando contra la industria del cine durante toda su vida y cuando tuvo la oportunidad de desquitarse teniendo a todos juntos en una sala, en lugar de eso se mostró muy agradecido. Y es que Jesús tenía ese corazoncito que a veces le salía. Tú te pensabas que era punki siempre, pero también era un caballero.

En cuanto a los entrevistados, ¿contaste con todas las personalidades que querías o se quedó alguna fuera por los motivos que fueran?

Yo creo que conté con toda la gente que quería, más o menos. Algunas las hizo Thomas Lesoeur, como las de Roger Corman o Robert Forster, y el resto las hicimos nosotros en unos pocos días, que son las que tienen el fondo negro. Pero claro, siempre se queda gente en el tintero, aunque la más importante sí que está. Además, todos estuvieron encantados de hablar de Jesús. Quizás sí que faltó gente de su primera época, tipo Berlanga, pero como tampoco teníamos material de esta época no podíamos tocarlo mucho.

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Pedro durante el coloquio que tuvo lugar tras el pase de “La última película de Jess Franco” dentro de la sección “Documentrash”

Al menos en España el documental apenas ha conocido distribución. ¿Cuál es el motivo?

Pues no tengo ni idea, porque se tendría que haber estrenado hace ya un montón de tiempo. Habría que preguntárselo a Ferran Herranz, que fue el coproductor español. Puede que sea por la putada que suelen tener este tipo de películas, que quizás los derechos de los films de los que se incluyen fragmentos los tiene Eurociné para Francia, pero en España los tiene Fulanito y tienes que negociar con él. Entonces, es complicado, porque son muchas películas con los derechos repartidos entre varias personas y lo mismo por culpa de dos o tres títulos que no puedes hacerte con ellos el documental se ha quedado ahí. En cualquier caso, como te digo, es una pregunta para Ferran y los Lesoeur.

Personalmente me da un poco de penilla, porque aunque como te he dicho no esté totalmente satisfecho con él, creo que para la gente que se inicia en el cine de Jesús puede servirle de punto de partida para descubrirles las claves de ese particular universo franquiano que si lo ves desde fuera resulta tan chocante y que cuando vuelvan a ver una película suya lo hagan con ojos diferentes. A ver si en el futuro se puede distribuir.

Y mirando a medio y largo plazo, ¿te planteas volver a rodar películas gamberras del estilo de Kárate a muerte en Torremolinos y Ellos robaron la picha de Hitler, o es una etapa de tu carrera que ya das por finalizada?

No, no, no, no. Esa es una espina que tengo clavada. Yo entré en esto por este tipo de cine y tengo que irme igual, así que por supuesto que sí. Lo único es que, como te he comentado, quiero que al menos pueda cobrar el equipo, aunque la película sea la gamberrada de siempre. Es más, tengo mogollón de guiones para ello. Aunque estaría bien que hubiera algún productor que se animara o al menos se interesara, porque yo se los mando pero creo que ni se los leen. Ahora con las nuevas plataformas digitales y demás hay un nuevo campo que explorar, pero también ocurre que en estos momentos estoy muy cómodo con los documentales y mi trabajo en Olympic Channel, que me está permitiendo trabajar por todo el mundo con unos medios que nunca he tenido. Y yo, que soy un chico de barrio, cuando me dan unos drones para que ruede con ellos me quedo flipado (risas).

José Luis Salvador Estébenez

Fotografías: Juan Mari Ripalda

[1] Mítico programa de TVE, emitido por La 2 a partir de 1985, dedicado a la cultura alternativa.

[2] Seguramente se refiere al corto Relatos de la medianoche (1989).

[3] Se trata de un documental deportivo que recorre los orígenes y la historia del monopatín en España contando con el testimonio de varios de sus protagonistas.

Published in: on febrero 1, 2019 at 7:01 am  Dejar un comentario  
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Fallece Dick Miller, actor fetiche de Roger Corman y Joe Dante

Uno de los secundarios más característicos y prolíficos del cine de género estadounidense, Dick Miller, falleció ayer a los 90 años de edad de Toluca Lane, California, según han confirmado diversos medios. Entre las reacciones aparecidas en redes sociales a raíz de su fallecimiento destaca la de director de Piraña, Joe Dante, quien ha declarado sentirse “devastado” por la muerte de “uno de sus mejores amigos”. Por su parte, Zach Galligan, que trabajó con Miller en las dos entregas de Gremlins, ha publicado también en Twitter que era “un gran actor, y una persona aún mejor”, añadiendo que se sentía privilegiado por haber trabajado con él.

Dick en una escena de “Gremlins 2. La nueva generación”

Intérprete en más de ciento setenta títulos según la base de datos de IMDB, si bien el consideraba que podían llegar al millar si se contasen todos los pequeños papeles que hizo para televisión, Miller es recordado, especialmente, por sus trabajos para Roger Corman y Joe Dante, para el que se convirtió en su actor fetiche interviniendo en todas sus películas. En cuanto a Corman, fue él quien le dio su primer papel en e l western Apache Woman, si bien la más destacada de su medio centenar de colaboraciones con el denominado rey de la Serie B se encuentra en Un cubo de sangre, comedia terrorífica en la que el actor neoyorquino desempeñó uno de los escasos roles protagonistas de su trayectoria, dando vida a un camarero que por accidente mata a un gato y lo cubre de arcilla, siendo tomado por un brillante escultor por la comunidad artística underground, lo que le empujará a una ola de crímenes con los que mantener y aumentar su inesperada fama. Llamado Walter Paisley, el nombre de este personaje acompañó a Miller a partir de entonces, interpretando posteriormente más de media docena de papeles que bautizados con ese mismo nombre a modo de homenaje, en especial en films de Dante. Precisamente, su último papel para la gran pantalla en la cinta de terror Hanukkah, actualmente en post-producción, interpreta a un rabino de nombre Walter Paisley.

Un jovencísimo Dick en un fotocromo perteneciente al film de ciencia ficción dirigido por Roger Corman “War of the Satellites”

Además de los mencionados Corman y Dante, a lo largo de su dilatada carrera Miller trabajó a las órdenes de directores del calibre de Martin Scorsese, Quentin Tarantino, James Cameron o Jonathan Demme en films como New Cork, New York, Pulp Fiction, Terminator y Tres mujeres peligrosas, respectivamente, compartiendo escenario con auténticas leyendas de la gran pantalla, entre los que destacan Jack Nicholson, Robert De Niro, Arnold Schwarzenegger, Vincent Price, Boris Karloff y Tom Hanks. Entre sus papeles más recordados, amén del comentado de Walter Paisley en Un cubo de sangre, podemos citar el del señor Futterman, el vecino borrachín de Gremlins o el dependiente de una tienda de armas disparado a boca jarro por el terminator en la primera entrega de la saga.

En el pasado 2014, Dick Miller visitaría nuestro país para presentar en el Festival de Sitges That Guy Dick Miller, documental dirigido por Elijah Drenner que repasa la trayectoria de este aspirante a escritor que acabó convirtiéndose en actor por puro accidente. Él mismo recordaba como se inició su carrera como actor en la entrevista que concedió al diario del Festival: Un día un amigo me pidió entregarle un paquete a Roger [Corman], que en aquella época no tenía nada de dinero y compartía mesa en un pequeño despacho. Al llegar, Roger directamente me preguntó, “¿de dónde eres?”, y le dije que de Nueva York. Prosiguió: “¿a qué te dedicas?”. Le respondí que era escritor. Acto seguido, me chilló: “no necesito escritores, necesito actores”. “Pues aquí tiene uno, señor Corman”, le dije.

Descanse en paz.

Published in: on enero 31, 2019 at 9:16 am  Dejar un comentario